Skulpturen in Bad Homburg und Frankfurt RheinMain - Blickachsen

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Blickachsen 8 Presseinformation 18. Mai 2011 Seite 12 Caspar Berger (Niederlande) *1965 in Utrecht 6 Torso ZZM / Self Portrait no. 6, 2008, Bronzeguss, Beton, Ex. 1/5 (222 x 80 x 90 cm) Dauerleihgabe der Sammlung Zuiderzeemuseum, Enkhuizen, an das Museum Beelden aan Zee, Den Haag, Niederlande 7 David / Self Portrait no. 11, 2009, Bronzeguss, Beton, Ex. 2/8 (210 x 70 x 75 cm) Ein konstantes Thema im Werk des niederländischen Bildhauers Caspar Berger ist das Selbstporträt - ein für Maler selbstverständliches und klassisches, für Bildhauer jedoch eher ungewöhnlich Sujet. Als Ausgangspunkt für seine überwiegend in Bronze gegossenen Plastiken dienen ihm Silikonabdrücke seines eigenen Körpers bzw. der eigenen Haut, die er als essenzielle Grenze zwischen von Innen und Außen des Körpers versteht, als persönliche und zugleich kulturelle und politische Membran. Die Plastiken Bergers sind vor allem von der Bildhauerei der Renaissance inspiriert. Seine Bronze „Torso ZZM / Self Portrait no. 6“ rekurriert auf den Torso von Belvedere in den Vatikanischen Sammlungen, ein Skulpturenfragment der klassischen Antike, das bereits Bildhauer von Michelangelo bis Rodin inspiriert hat. Berger überzieht die Form des männlichen Torso mit dem Abdruck seiner eigenen Körper- und Gesichtshaut, vernäht sie scheinbar mit groben Stichen und verbindet so eine Ikone der Kunstgeschichte mit der Gegenwart. Auch den Kopf des David von Michelangelo, einem Symbol des Heldentums, verbindet Berger mit dem Selbstporträt. Die aus der Ferne wie verwundet wirkende Hautoberfläche seines „David / Self Portrait no. 11“ besteht aus zahlreichen kleinen Selbstporträts des Künstlers, die erst bei näherer Betrachtung erkennbar werden – das Heldentum hat viele Gesichter. Jonathan Borofsky (USA) *1942 in Boston, Massachusetts 8 Human Structures (Bad Homburg #2), 2006/2011, verzinkter Stahl (363 x 360 x 285 cm) Das vielseitige Werk des Amerikaners Jonathan Borofsky ist weltweit insbesondere durch zahlreiche Skulpturen im öffentlichen Raum bekannt. In Deutschland sind dies neben anderen etwa der „Hammering Man“ vor dem Frankfurter Messegelände oder der in Berlin in der Spree installierte „Molecule Man“. An der Ausstellung „Blickachsen 7“ hat Borofsky mit seiner Arbeit „Human Structures“ teilgenommen. Ausgangspunkt für diese Arbeit war eine stilisierte menschliche, fast lebensgroße Gestalt. Aus identischen Exemplaren dieser beinahe flachen Figur konstruierte Borofsky in Bad Homburg eine dreigeschossiges architektonisches Gerüst. An Kopf, Händen und Füssen jeweils miteinander verbunden, bildeten die Figuren, die in ihrer Gesamtheit das Potenzial der Menschheit symbolisieren, trotz ihrer geringen Materialität einen „Turm“ mit zahlreichen inneren Raumsegmenten. Für „Blickachsen 8“ hat Jonathan Borofsky nun 19 dieser Figuren in eine neue Ordnung im Raum komponiert. Anstelle der geschlossenen, streng geordneten Struktur, umschreiben die Figuren eine größere Fläche und formen geschlossene und auch geöffnete Raumsegmente, die sich nun der Umgebung zuwenden. Tony Cragg (Großbritannien) *1949 in Liverpool 9 Early Forms, 2001, Bronzeguss, Unikat (130 x 410 x 160 cm) 10 Wild Relatives, 2005, Bronzeguss, Unikat (185 x 135 x 135 cm) Tony Cragg zählt zu den bedeutendsten Bildhauern der Gegenwart. Er hat mehrmals an der Biennale in Venedig und an der documenta in Kassel teilgenommen. Zahlreiche internationale Auszeichnungen verdeutlichen seinen Rang. Zuletzt wurde Cragg, der Rektor der Düsseldorfer Kunstakademie ist, 2007 der Praemium Imperiale des japanischen Kaiserhauses verliehen, der als Nobelpreis der Künste gilt. Ein intensives und dynamisches Zusammenspiel von Material, Farbe und Form kennzeichnet seine ungegenständlichen Skulpturen. Obwohl abstrakt, wirkt eine Arbeit wie „Early Forms“ mit ihren Drehungen, Windungen und Einstülpungen wie ein in einem Entwicklungs- und Bewegungsprozess sich befindliches biomorphes Gebilde, das die Natur noch nicht ganz vollendet hat. Tony Craggs dynamische Skulptur „Wild Relatives“ entwickelt sich aus der Reihung eines menschlichen Kopfes, der vielfach verzerrt ist und sich scheinbar in einer kreisenden Bewegung im Raum entwickelt und manifestiert. Zentrale Gestaltungselemente der organisch anmutenden Werke von Tony Cragg sind Bewegung, Wandel und Prozesshaftes. So sind seine Skulpturen trotz ihrer Ungegenständlichkeit als Bilder des Lebens zu deuten.
Blickachsen 8 Presseinformation 18. Mai 2011 Seite 13 Nicolas Dings (Niederlande) *1953 in Tegelen 11 Delfter Kabinett, 2011, Fayence, Stahl, Plexiglas (210 x 200 x 80 cm) Das Oeuvre des niederländischen Künstlers Nicolas Dings wird bestimmt durch seine Faszination für die Grenzbereiche von Kunst, Kunsthandwerk und Volkskunst mit ihren unterschiedlichen Ästhetiken und Funktionen. Dings arbeitet mit den verschiedensten Materialien wie Bronze, Holz, Textilien und Keramik, die er auch als Bedeutungsträger in seine Arbeiten integriert. Die Motive seiner Werke entlehnt er häufig der Bildersprache der Renaissance. Grotesk, satirisch und bizarr sind die figürlichen Plastiken von Nicolas Dings und sie bieten ein breites Spektrum von Assoziationsmöglichkeiten. Mit seinem „Delfter Kabinett“ verweist er auf die etwa von 1600 an im holländischen Delft hergestellte Keramik und deren Nachahmung des chinesischen Porzellans. Bereits anhand dieser beiden Materialien stellt sich für Nicolas Dings die Frage nach Identität und Vielfalt. So die gründete die nationale Identität in der toleranten Niederländischen Republik des 16./17. Jahrhundert auf kultureller Vielfalt. Im heutigen Europa wird Identität weniger über nationale Traditionen und Werte als vielmehr durch Abgrenzung von dem anderen, dem Fremden definiert. In seinen Motiven, Stilen und Bildern der gegenwärtigen politischen Welt repräsentiert das „Delfter Kabinett“ mit seinen Keramikfiguren eine vielfältige kulturelle Mischung aus Ordnung und Chaos. Alfred Haberpointner (Österreich) *1966 Salzburg 12 Gewichtung, 2004, Bronzeguss, Ex. 1/3 (220 x 150 x 150 cm) 13 Verzahnung, 2009, Bronzeguss, Unikat (385 x 184 x 185 cm) Holz ist das wichtigste Material im skulpturalen Oeuvre des österreichischen Bildhauers Alfred Haberpointner. Seine abstrakten Arbeiten haben als Ausgangspunkt geometrische Formen wie Kugel, Kegel, Zylinder und Würfel. Dabei zeigen seine Skulpturen jedoch keine strengen geometrischen Formen, sondern erinnern in ihrer Formgebung an organische Gebilde. Im Werk von Alfred Haberpointner kommt der Textur seiner Skulpturen eine zentrale Bedeutung zu. Der Prozess der Bearbeitung mit Hacke, Säge und Axt beispielsweise zeigt sich in differenziert und variantenreich aufgerauten, mitunter sich fast in Auflösung befindlichen Oberflächen und Strukturen. In seinem Werk ist Gewicht ein schon frühes und immer wiederkehrendes Thema. In seinen Plastiken, die den Titel „Gewichtung“ tragen, erkundet der Künstler das Tragen und Lasten. Seine 2004 entstandene Plastik „Gewichtung“ zeigt einen voluminösen, eiförmigen Körper, der auf drei dünnen Stelzenbeinchen balanciert. „Gewichtung“ ist ein Beispiel dafür, wie stark statische Verhältnisse bis an die Grenze des Machbaren ausgereizt werden können. Nigel Hall (Großbritannien) *1943 in Bristol 14 Bigger Bite, 2010, patinierte Bronze, Ex. 1/3 (300 x 385 x 400 cm) (Sammlung Royal Academy of Arts, London, Großbritannien) Nigel Hall zählt zu den renommiertesten zeitgenössischen Bildhauern Großbritanniens und war u.a. Teilnehmer der documenta in Kassel. In seinen minimalistischen Plastiken und Zeichnungen untersucht Nigel Hall das Zusammenspiel von innerer Leere und äußerer Fläche. Die von ihm eingesetzten Gestaltungsmittel sind geometrische Formen, räumliche Intervalle und das Spiel von Licht und Schatten. Die wechselnde Beziehung zwischen Raum und Form, die sich beim Bewegen durch Landschaft entwickelt, ist für Nigel Halls künstlerische Praxis essenziell. Sein skulpturales und zeichnerisches Werk wird durch geometrische und formale Klarheit bestimmt. Kreisformen dominieren in seinen Werken. Seine Großplastik „Bigger Bite“ besteht aus einem monumentalen Kegelring und einem kleinen offenen Kegelstumpf, die zu einer dialogischen Komposition verbunden sind. In die Vertikale positioniert, bilden sie aus Gewicht, Masse, Luftvolumen und unterschiedlicher Licht- und Schattenwirkung eine ausbalancierte Gleichgewichtsbeziehung. Der Titel „Bigger Bite“ spielt auf eine Fragmentierung – wie ein großer Biss – in dem Bereich an, in dem die beiden Skulpturenelemente aneinanderstoßen und symbiotisch miteinander verbunden sind.
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