10.12.2022 Aufrufe

Programm Midas Collection Frühjahr 2023

Programm Midas Collection Frühjahr 2023: London - Wie es keiner kennt, ROSA, Afrika in Mode, Street Art von Frauen, Street Art in Zeiten der Klimakrise, BANKSY - Provokation, Planet Banksy, Wie Kunst dein Leben verändern kann, YOGA - Federleicht!, Collagen Wunderland, Frida & Diego, Jackson Pollock, Basquiat, Edward Hopper, Hokusai, Art Essentials – Frauen in der Kunst, Art Essentials – Zeitgenössische Kunst, Big Shots!

Programm Midas Collection Frühjahr 2023:
London - Wie es keiner kennt, ROSA, Afrika in Mode, Street Art von Frauen, Street Art in Zeiten der Klimakrise, BANKSY - Provokation, Planet Banksy, Wie Kunst dein Leben verändern kann, YOGA - Federleicht!, Collagen Wunderland, Frida & Diego, Jackson Pollock, Basquiat, Edward Hopper, Hokusai, Art Essentials – Frauen in der Kunst, Art Essentials – Zeitgenössische Kunst, Big Shots!

MEHR ANZEIGEN
WENIGER ANZEIGEN

Erfolgreiche ePaper selbst erstellen

Machen Sie aus Ihren PDF Publikationen ein blätterbares Flipbook mit unserer einzigartigen Google optimierten e-Paper Software.

MIDAS<br />

FRÜHJAHR <strong>2023</strong>


So haben Sie<br />

Liebe Freunde des <strong>Midas</strong> Verlags,<br />

Eine der schönsten Aufgaben von Büchern ist es, den Leserinnen<br />

und Lesern einen unerwarteten Einblick in etwas zu geben, das sie<br />

eigentlich zu kennen glaubten. Da uns dies im letzten Jahr mit dem<br />

überaus erfolgreichen »NEW YORK«-Buch von Susan Kaufman offensichtlich<br />

gelungen ist, folgt im Frühling 23 der Nachfolger »LONDON«. Auch diesmal wird eine<br />

Stadt vorgestellt, die fast alle schon als Tourist besucht, aber eben vielleicht doch nicht<br />

so gesehen haben wie Sara Santini und Andrea di Filippo.<br />

Eine neue Sichtweise auf die Kunst vermittelt »ROSA«, in dem die Geschichte einer<br />

Farbe in 40 Werken präsentiert wird. Ganz besonders stolz sind wir auf »Afrika in<br />

Mode«, denn dieses Buch vereint Kompetenz (der Texte) und Opulenz (der Bilder) auf<br />

hervorragende Weise. Dasselbe gilt für »Street Art von Frauen«, in dem 50 Künstlerinnen<br />

im O-Ton zu Wort und Bild kommen. »Street Art in Zeiten der Klimakrise« ist ein<br />

kämpferischer Protest gegen die nach wie vor ungelösten Probleme beim Klimaschutz,<br />

und auch der Urvater der Street Art ist mit »BANKSY- Provokation« in der mittlerweile<br />

8. Auflage vertreten. »Wie Kunst dein Leben verändern kann« ist ein ebenso kluger wie<br />

nützlicher Ratgeber für alle Lebenslagen, und mit »YOGA - Federleicht« zeigt Marion<br />

Deuchars, dass Yoga auch Spaß machen kann. Vom Erfolgsteam des Bestsellers<br />

»Collagen« kommt der Nachfolgetitel »Collagen Wunderland«, und die grandios<br />

illustrierte Doppelbiografie »Frida& Diego« erzählt die Geschichte einer großen Liebe<br />

im Graphic-Novel-Stil, der auch junge Leserinnen und Leser anspricht.<br />

Wir hoffen, dass es uns auch im <strong>Frühjahr</strong> <strong>2023</strong> gelingt, Sie mit unseren sorgfältig<br />

ausgewählten und liebevoll gestalteten Büchern zu überraschen und zu beglücken,<br />

und wünschen Ihnen viel Vergnügen und Inspiration beim Stöbern!<br />

<strong>Midas</strong> Verlag AG<br />

Gregory C. Zäch<br />

Verleger<br />

Susan Kaufman<br />

NEW YORK<br />

Wie es keiner kennt<br />

176 Seiten, geb. € 25.00<br />

ISBN: 978-3-03876-215-7


LONDON noch nie gesehen<br />

Aktionspaket<br />

12/10 mit Streifenplakat<br />

& Postkarten, Prolit # 96085


ein frischer blick auf Londons<br />

Pracht und vielfalt<br />

Dieses wunderschön gestaltete Buch lädt ein zu einer visuell begeisternden<br />

und unterhaltsam-informativen Tour durch London – die viel<br />

besuchte Weltstadt an der Themse. Es stellt dabei mehr als 100 der<br />

schönsten Orte Londons (bekannte wie unbekannte) vor, die das ganze<br />

Jahr über erkundet werden können.<br />

Ein Spaziergang durch einen bezaubernden, blühenden Park, ein Besuch<br />

in einer versteckten romantischen Rooftop-Bar, ein inspirierendes<br />

kleines Museum der besonderen Art oder ein magischer Tag auf<br />

einem der wundervollen historischen Plätze Londons - dieses Buch<br />

zeigt uns in einmaligen Bildern die schönsten Seiten dieser faszinierenden<br />

europäischen Metropole.<br />

Überbordend gefüllt mit grandiosen Fotos, liebevoll gezeichneten<br />

Karten und Insider-Tipps von Kennern der Stadt und ihres Umlandes<br />

wird alle begeistern, die London in seiner ganzen Pracht und Vielfalt<br />

entdecken wollen.<br />

D<br />

D<br />

D<br />

D<br />

Eine grandiose Insider-Tour durch die<br />

schönsten und charmantesten Viertel<br />

und Plätze Londons<br />

Ein Sehnsuchtsbuch für London-Fans<br />

und alle, die es noch werden wollen<br />

Instagram-Account mit 750k Followern<br />

Große Marketing- und Pressekampagne<br />

(TV, Print und Online) im <strong>Frühjahr</strong> <strong>2023</strong><br />

»Wenn man London sieht, hat man alles vom Leben gesehen, was die<br />

Welt einem zeigen kann.« Samuel Johnson<br />

SARA SANTINI und ANDREA DI FILIPPO betreiben<br />

zusammen den renommierten Instagram-Account<br />

@prettylittlelondon (mehr als 750.000 Follower weltweit).<br />

Ursprünglich aus Italien stammend, leben Sara<br />

und Andrea seit vielen Jahren in London. Ihre Arbeiten<br />

wurden von Harper‘s Bazaar, Evening Standard, Time<br />

Out London und vielen anderen veröffentlicht. Sara<br />

und Andrea lieben es, die versteckten Juwelen und<br />

ungeseheneb Teile der Stadt zu erkunden.<br />

Sara Santini / Andrea di Filippo<br />

LONDON - Wie es keiner kennt<br />

Ein Streifzug durch Londons schönste Orte<br />

224 Seiten, Hardcover, Fadenheftung<br />

17 x 22 cm, € 25.00 (D) | € 25.70 (A) | sFr. 33.–<br />

ISBN: 978-3-03876-243-0 | WG 362 | ET: 15. März <strong>2023</strong>


»Kein Ort dieser Welt ist wie London, keiner, nirgends.«<br />

Vivienne Westwood<br />

46 | 57


die Farbe der Liebe und<br />

der Empfindsamkeit<br />

Was wissen wir über Rosa? Wir kennen alle die Stereotypen: Rosa ist<br />

das Vorrecht der kleinen Mädchen; Rosa ist die Farbe der Zärtlichkeit<br />

und der Liebe. Doch Rosa bietet viele Variationen und spielt mit seinen<br />

Ambivalenzen und Widersprüchen. Als Pigment ist es eine Mischung<br />

aus den beiden Farbtönen Rot und Weiß. Schon früh in der Geschichte<br />

wurde Rosa dem allmächtigen Rot untergeordnet. Dies hindert die antiken<br />

Autoren jedoch nicht daran, es zu beschreiben, denn Rosa drückt<br />

besondere Empfindungen und Gefühle aus.<br />

D<br />

D<br />

D<br />

Die Geschichte der Farbe ROSA anhand<br />

von 40 Werken aus der Welt der Kunst<br />

Fundiert recherchiert, sorgfältig<br />

kuratiert und elegant geschrieben<br />

Mit Zeitleisten, Karten, Grafiken,<br />

Anekdoten und informativen Texten<br />

Und vielleicht gerade weil es so rätselhaft ist, wird Rosa auch auf verschiedene<br />

Weise interpretiert: Es beschreibt die hellhäutige Hautfarbe,<br />

es ist Aurora, wenn es einen sonnengetränkten Himmel illustriert,<br />

Fuchsia, wenn es die gleichnamige Blume benennt. Rosa wird oft auch<br />

mit anderen Farbtönen beschrieben: Es wird zu Orange, Pink, Koralle,<br />

Violett, Beige u.v.a. Rosa wird somit auch zum Kennzeichen dessen, was<br />

man erklären möchte, ohne dafür die richtigen Worte zu finden.<br />

HAYLEY EDWARDS-DUJARDIN ist Kunst- und Modehistorikerin,<br />

Ausstellungskuratorin, Autorin und Übersetzerin.<br />

Sie ist Absolventin der École du Louvre (2003-<br />

2008) und des London College of Fashion (2008-2010),<br />

erfolgreiche Autorin der Reihe »Ça c‘est de l‘art« der<br />

Éditions du Chêne. Sie lebt und arbeitet in Frankreich.<br />

Ebenfalls lieferbar:<br />

978-3-03876-229-4<br />

Hayley Edwards-Dujardin<br />

ROSA<br />

Von Botticelli bis Christo<br />

Paket<br />

6/5<br />

112 Seiten, Hardcover, Fadenheftung<br />

17 x 24 cm, € 22.00 (D) | € 22.70 (A) | sFr. 28.–<br />

ISBN: 978-3-03876-242-3 | WG 583 | ET: 30. Januar <strong>2023</strong>


»Blau, Gold und Rosa<br />

sind von gleicher Natur.«<br />

Yves Klein<br />

6 | 7


Afrika in Mode<br />

Artsi Ifrach ist kein herkömmlicher Designer. Faszination gilt der Burka, einem Kleidungsstück,<br />

das in fast allen Ländern Afrikas zu<br />

Seine Marke Maison ARTC mit Hauptsitz in<br />

Marrakesch, Marokko, ist eine Lektion in<br />

finden ist. Für ihn ist die Burka, die zu einer<br />

Geschichte, Kultur, Reisen und Nachhaltigkeit. Ikone von Maison ARTC geworden ist, geheimnisvoll<br />

und mehrdeutig.<br />

Die leuchtenden Farben, die Vielfalt der Stile<br />

und die nostalgischen Themensind aus der<br />

Hand eines kreativen Genies, und die Ergebnisse<br />

sind beeindruckend. Bei Maison ARTC Es gibt drei Schlüsselbegriffe für meine Me-<br />

Wie kam es zur Gründung Ihrer Marke?<br />

gleicht kein Kleidungsstück dem anderen, denn thode: Kunst, Kultur und Bildung. Als kulturbeflissener<br />

Mensch fertige ich für meine Kunden<br />

jedes Teil wird aus alten Stoffen gefertigt, die<br />

Ifrach auf seinen zahlreichen Reisen gesammelt aus Respekt vor ihrer Persönlichkeit und<br />

hat, und durchläuft die Techniken des Schichtenaufbaus,<br />

der Applikationen, des Patchworks Stücke an – Unikate. Ich nehme jeden Kunden<br />

unabhängig von ihrem Status individuelle<br />

und der Perlenstickerei. Maison ARTC nutzt die als Teil seines eigenen, selbst konstruierten<br />

Mode, um sowohl die Stoffstücke der abgelegten<br />

Kleidung als auch die Geschichte der eigene Vorstellung davon hat, wie er sich<br />

Universums wahr und als jemanden, der seine<br />

Kulturen zu bewahren, die sie verkörpern. darstellen möchte. Meine Herangehensweise an<br />

Ifrachs Arbeiten sind ebenso respektlos wie<br />

philosophisch; er ist ein bekennender Autodidakt,<br />

der sich Trends entzieht und stattdessen Gewebte Robe aus marokkanischem Stoff mit<br />

Gegenüber<br />

Handwerk einsetzt, um Identität, Spiritualität gepufften und gerüschten Satinärmeln, dazu eine<br />

bestickte Pontifikalkappe und eine Krone von<br />

und heikle soziale Themen wie die Sinnlosigkeit<br />

Maison ARTC. Hier spielt Artsi Ifrach mit der Idee<br />

des Kapitalismus zu hinterfragen. Seine größte von Politik und Religion.<br />

150<br />

Vorwort von Deola Sagoe 6<br />

Einführung 9<br />

Geschichte – neu erzählt 14<br />

Ein textiles Erbe 32<br />

Accessoires und Schmuck 52<br />

Generation Couture 62<br />

Eine Oase des Luxus 74<br />

Kapitel 1<br />

Die Geschichte der afrikanischen Mode<br />

lichem Maße prägten. Neue Bekleidungsnormen<br />

Europas großes imperialistisches Unterfangen wurden subtil durch die Aktivitäten christlicher<br />

in Afrika vom späten 18. bis ins 20. Jahrhundert Missionare oder aggressiv durch lokale Strafverfolgungsbehörden<br />

und schädliche politische<br />

ist nach wie vor ein prägendes Phänomen der<br />

afrikanischen Geschichte. Zwar wurden Teile Maßnahmen wie den Baumwollimperialismus<br />

Afrikas bereits durch eine Reihe ausländischer eingeführt – ein politisches Regime, das darauf<br />

Mächte kolonialisiert, doch stellt die europäische<br />

Kolonialisierung den dauerhaftesten mischen Textilindustrie zu untergraben und im-<br />

abzielte, die Produktionskapazitäten der einhei-<br />

Einfluss auf das sozioökonomische, politische portierte Textilien zu begünstigen. In Westafrika<br />

und kulturelle Gefüge Afrikas dar.<br />

machten christliche Pioniermissionen wie die<br />

Die Bevölkerung des Kontinents, insbesondere<br />

die Afrikaner südlich der Sahara, waren die westlicher Kleidung zur Voraussetzung für die<br />

Basler Mission aus der Schweiz die Übernahme<br />

Leidtragenden dieser Kolonisierungspolitik, bei Teilnahme an christlichen Gottesdiensten und<br />

der die traditionellen Monarchien, die Stammesgebiete,<br />

die unterschiedlichen Kulturen und die und Bescheidenheit in der Kleidung wurden<br />

die Einschulung in Missionsschulen. Anstand<br />

natürlichen Grenzen, die seit der Antike bestanden,<br />

nicht berücksichtigt wurden.<br />

die Abkehr der Konvertiten von »archaischen«<br />

zum Leitmotiv aller christlichen Missionen, um<br />

Unter den zahlreichen Instrumenten des Normen zu symbolisieren. Im französischen<br />

Kolonialismus war die Kleidung vielleicht das kolonialen Afrika stand der Wunsch im Vordergrund,<br />

die kolonialen Untertanen durch<br />

wirksamste Medium der Akkulturation, da europäische<br />

Modestile die Kolonien in unterschied- die Macht der Kleidung zu »zivilisieren«. Die<br />

Gegenüber<br />

Ekoko n‘Uteh, Maskenträger<br />

aus der Uteh-Gemeinschaft,<br />

die mit roten Federn geschmückte<br />

Masken tragen,<br />

tanzen zu Ehren des Oba von<br />

Benin. Sie tragen Raphiaschoten<br />

um die Knöchel, die beim<br />

Tanzen klappern.<br />

Rechts<br />

Herero-Frauen in Südwestafrika<br />

(dem heutigen Namibia)<br />

während der deutschen<br />

Kolonialherrschaft im Jahr<br />

1904. Das Gruppenbild, das in<br />

der Berliner I lustrierten<br />

Zeitung veröffentlicht wurde,<br />

zeigt Frauen in langen<br />

Kleidern und Uniformen mit<br />

Kopftüchern.<br />

Galerie der Designer 96<br />

Lukhanyo Mdingi 114<br />

Adele Dejak 120<br />

Thebe Magugu 126<br />

Kat van Duinen 132<br />

Peuhl Vagabond 138<br />

Tokyo James 144<br />

Maison ARTC 150<br />

Imane Ayissi 156<br />

Taibo Bacar 162<br />

Johanna Bramble 168<br />

T-Michael 174<br />

Mimi Plange 180<br />

Tongoro Studio 186<br />

Glossar 192<br />

Endnoten und Bibliografie 194<br />

Index 194<br />

Bildnachweise 198<br />

Dank 199<br />

23<br />

Afrika in Mode<br />

Mimi Plange wurde in Ghana geboren und lebt durch Texturen, klare Linien und Details aus,<br />

in New York. Ihr Designansatz ist kühn und die den weiblichen Körper anmutig umspielen<br />

respektlos, eine Mischung aus amerikanischen und ihre Beherrschung von strukturierten und<br />

Sportswear-Klassikern, Couture und Punk. dekonstruierten Silhouetten demonstrieren. Sie<br />

Plange entwickelte ihr kreatives Talent in der entwickelt sich ständig weiter. Plange versteht<br />

Bay Area an der University of California, Berkeley,<br />

wo sie einen Abschluss in Architektur und bietet und deren Vorgaben mit ihrer Philoso-<br />

sich als Design-Rebellin, die der Mode die Stirn<br />

später einen Aufbaustudiengang in Modedesign phie der »Unmode« infrage stellt – ein Begriff,<br />

am Fashion Institute of Design and Merchandising<br />

(FIDM) in San Francisco absolvierte. beschreiben, die ihren eigenen Weg geht, ohne<br />

den sie geprägt hat, um die »Außenseiterin« zu<br />

Anschließend zog sie nach New York und<br />

auf Anerkennung zu hoffen auf der Suche nach<br />

gründete 2010 ihre gleichnamige Marke.<br />

ihrer eigenen Identität.<br />

Obwohl sie in Kalifornien aufgewachsen<br />

Plange hat mit dem berühmten Schuhdesigner<br />

Manolo Blahnik, der kultigen Designmarke<br />

ist und in New York arbeitet, identifiziert sich<br />

Mimi stark mit ihrem ghanaischen und afrikanischen<br />

Erbe. Sie lässt sich von der Kultur, der<br />

Roche Bobois, Instagram, LeBron James und<br />

Folklore und den eklektischen Stadtbildern des<br />

Gegenüber<br />

Kontinents inspirieren. In ihrer Herbst/Winter- Nuba T aus der Kollektion Unfashion von Mimi Plange.<br />

Kollektion »Scarred Perfection« zum Beispiel T-Shirt-Kleid aus Nylon-Netz mit Lederbesatz, neonfarbenen<br />

Stacheln und Metallringen, getragen über einem<br />

erforschte sie die Skarifizierung, bei der sie Trapunto<br />

auf Leder anwandte, um die Schönheit eibenen<br />

Maxikleid. Unfashion ist eine Bewegung, die auf<br />

rückenfreien Rollkragenpullover und einem neonfarner<br />

Kultur zu imitieren und zu erhöhen, die einst Identität, Unterscheidung und Individualität basiert. Ihre<br />

Geschichte der Freiheit wird durch verschiedene kreative<br />

den Stolz der indigenen Stämme in ganz Afrika und gestalterische Ästhetiken wie Körperschmuck und<br />

hervorrief. Planges Kollektionen zeichnen sich Bodypainting ausgedrückt.<br />

180<br />

Afrika ist immer in Mode.<br />

handelte! Es überraschte mich, wie selbstverständlich<br />

dieser Schatz an Ressourcen, die<br />

Dieses Buch stellt einen besonderen Punkt afrikanischen Textilien, wahrgenommen wurde.<br />

unserer Wertschätzung dessen dar, was Afrika Im Laufe der Jahre hat meine Wertschätzung<br />

in der Mode bedeutet. Wir sind in dieses Kontinuum<br />

eingewoben, wie Ken in dem Unterkapi-<br />

Ihnen also so geht wie mir, lesen Sie direkt im<br />

für diesen Zauber nie nachgelassen. Wenn es<br />

tel »Gewebte Geschichten und antike Stoffe« Abschnitt »Ein textiles Erbe« mit einem Lächeln<br />

andeutet. Doch wir sind auch souverän; unsere im Gesicht weiter!<br />

eigenen Werte wollen definiert, vielleicht sogar Ich bin Ken dankbar, dass er im Unterkapitel<br />

»Generation Couture« einige Helden des<br />

zurückerstattet werden, wie es im Abschnitt<br />

»Kolonialismus« (»Europas großes imperialistisches<br />

Unternehmen in Afrika«) subtil anklingt. stellt. Dazu gehören Shade Thomas-Fahm, mit<br />

modernen afrikanischen Modedesigns vor-<br />

Afrika in Mode ist ein ambitioniertes Buch. der ich das Vergnügen hatte, zusammenzuarbeiten,<br />

und Kofi Ansah, mit dem ich so viele<br />

Seine Größe mag dies nicht sofort zeigen, aber<br />

gerade in seiner Schlankheit liegt der Ehrgeiz – tiefgründige Gespräche darüber geführt habe,<br />

gleichzeitig unsere Aufmerksamkeit auf alles wie es mit dem Design weitergehen soll – leider<br />

zu lenken, was darin enthalten ist, wie auch wurden wir durch seinen Tod um unsere Pläne<br />

auf alles, was weggelassen wurde. Dieses Buch gebracht.<br />

erhebt nicht den Anspruch, die gesamte Geschichte<br />

Afrikas in der Mode zu erzählen – welnym<br />

für »Luxus«, was zum Teil an meiner Kon-<br />

Meine Marke war von Anfang an ein Synoches<br />

einzigartige Werk würde es wagen, dies als zentration auf die Details in meinen Entwürfen<br />

seine Aufgabe zu erklären?<br />

liegt, aber auch an meinem Ethos, dass »Luxus<br />

Was dieses Buch leistet, ist die erfolgreiche im Auge des Betrachters liegt«. Und ich bin froh,<br />

Zusammenführung einer Vielzahl von Informationsströmen<br />

zu einem Fluss des Wissens, nach das afrikanische Auge zu schätzen wissen!<br />

dass immer mehr Kulturen auf der ganzen Welt<br />

dem Sie, liebe Leserin, lieber Leser, von Anfang Wir stehen uns gerade an einem Wendepunkt<br />

– daher schlage ich vor, dass Ken sein<br />

an gedürstet haben müssen – sonst hätten Sie<br />

dieses Buch nicht aufgeschlagen.<br />

nächstes Projekt Afrika im Luxus widmet.<br />

Als ich begann, mich für Mode zu interessieren,<br />

war ich zunächst von unseren einheimischen<br />

Stoffen fasziniert. Ich hatte das<br />

Deola Sagoe<br />

Gefühl, dass alle anderen Menschen auf der<br />

Welt herunterspielten und übersahen, dass es<br />

sich dabei offensichtlich um gewebte Magie<br />

Kapitel 1<br />

Die Geschichte der afrikanischen Mode<br />

Gegenüber<br />

Oben<br />

Pomp und Prunk beim Eine sorgfältig gearbeitete In den Kulturen Nordafrikas, wo der islamische<br />

Einfluss stark war, wurde Silber wegen<br />

25-jährigen Jubiläum des Goldarmbinde, die von einheimischen<br />

senegalesischen<br />

Asantehene (Ashanti-König).<br />

Der Oberste Schwert-<br />

Metallarbeitern für die<br />

seiner Reinheit und seines bescheidenen<br />

träger trägt einen Amulett- Signares hergestellt wurde. Aussehens dem Gold vorgezogen. Bei den Akan<br />

Kopfschmuck, der aus<br />

in Westafrika war Gold das bevorzugte Mineral,<br />

einem Widderhorn und Der in den 1920er-Jahren<br />

während die Bronzegilden von Benin wegen<br />

Federn besteht, die mit beliebte Armbandstil wurde<br />

vergoldetem Schmuck von den Armbändern ihrer Fingerfertigkeit im Umgang mit Messing<br />

verziert sind.<br />

römischer Gladiatoren<br />

bekannt wurden. Darüber hinaus gab es bestimmte<br />

Handwerke, denen die gesamte<br />

inspiriert. Diese besondere<br />

Manschette wurde jedoch in<br />

den 1940er- oder 50er-Jahren<br />

hergestellt, als der Stil zu<br />

Existenz des Handwerkers gewidmet war. Dies<br />

war beim Stamm der Mande in Guinea und Mali<br />

Ehren von Lamine Guèye,<br />

einem Politiker, der sich für der Fall, wo die Schmiede einen besonderen,<br />

das Frauenwahlrecht fast mythischen Status hatten. Der Schmied<br />

einsetzte, wieder aufkam.<br />

stellte sein Leben und sein Handwerk in den<br />

Rechts<br />

Dienst der Götter und des Königs. Sie wurden<br />

Stich aus dem Jahr 1879, der<br />

für ihr zerstörerisches Wissen und ihre Macht<br />

als zweites von links einen<br />

Signare aus Saint Louis, verehrt und waren auf die Randgebiete der<br />

Senegal, zeigt.<br />

Gemeinschaft beschränkt.<br />

7<br />

55<br />

Das neue Standardwerk<br />

zur Mode Afrikas<br />

Dieses Buch beleuchtet die Geschichte der Mode Afrikas, feiert die<br />

Handwerkskulturen, die die afrikanische Mode seit Jahrhunderten geprägt<br />

haben, und fängt die spannenden Geschichten zeitgenössischer<br />

afrikanischer Mode-Marken ein.<br />

Der erste Teil befasst sich mit dem reichen kulturellen Erbe Afrikas und<br />

seinem Platz im Netzwerk der globalen Mode. Er erzählt die Geschichte<br />

der afrikanischen Mode und erforscht Afrikas Textiltraditionen, Kunsthandwerk<br />

und seine Rolle in der globalen Modewelt. Der zweite Teil<br />

stellt das neue Afrika vor und untersucht das Versprechen und das<br />

Potenzial der afrikanischen Mode, wobei die einzigartige Position<br />

Afrikas bei der Umstellung der globalen Mode-Industrie auf eine nachhaltigere<br />

Zukunft hervorgehoben wird. Das dritte Kapitel präsentiert<br />

eine sorgfältige Auswahl der dynamischsten und kreativsten Marken<br />

des Kontinents sowie Interviews mit prominenten und inspirierenden<br />

Designerinnen und Designern, darunter Thebe Magugu, Taibo Bacar,<br />

Johanna Bramble, Imane Ayissi und Mimi Plange.<br />

D Eine großartig bebilderte und gründlich<br />

recherchierte Feier der afrikanischen<br />

Mode und Ihres weltweiten Einflusses<br />

D Exklusive Fotos und Interviews mit<br />

den kreativsten Modemacherinnen<br />

und Modemachern Afrikas<br />

D<br />

Ein »Must-have« für alle Mode- und<br />

Afrika-Interessierten<br />

D<br />

Presse-Schwerpunkt und Social-Media-<br />

Kampagnen mit großer Reichweite<br />

Kapitel 1:<br />

Die Geschichte der<br />

afrikanischen Mode 12<br />

Kapitel 2:<br />

Das neue Afrika 60<br />

Kapitel 3:<br />

Neue Talente aus Afrika 94<br />

Vorwort<br />

KEN KWEKU NIMO ist ein ghanaischer Forscher, Markenstratege<br />

und Designer. Er hält einen BA Hons in<br />

Fashion Merchandising und einen MA in Design von der<br />

Universität von Johannesburg. Seine Artikel wurden im<br />

Journal of Design, Business and Society und im Journal<br />

of Fashion Marketing and Management veröffentlicht.<br />

Ken Kweku Nimo spricht regelmäßig auf der In Pursuit<br />

of Luxury Conference (IPOL).<br />

Kolonialismus<br />

Ken Kweku Nimo<br />

Afrika in Mode<br />

Luxus, Handwerk und textiles Erbe<br />

208 Seiten, Hardcover, Fadenheftung<br />

Maison ARTC<br />

Mimi Plange<br />

20 x 26 cm, € 39.00 (D) | € 39.70 (A) | sFr. 44.–<br />

ISBN: 978-3-03876-244-7 | WG 585 | ET: 15. März <strong>2023</strong>


8 | 9


LOURDES VILLAGÓMEZ<br />

1 Miami USA, 2017.<br />

With Jenaro de Rosenzweig.<br />

“Every day, more<br />

and more extremely<br />

talented women take<br />

to the streets to share<br />

a message. We live<br />

in a time when lots of<br />

changes are taking<br />

place: this is certainly<br />

one of them.”<br />

From inside herself, Lourdes Villagómez projects the rich and<br />

vivid tones of her homeland, Mexico, and its traditions and folklore,<br />

onto the walls of the streets. Mixing together pop art, cubism<br />

and simple illustration, her work is often inspired by Mexico:<br />

"The colours of my country are a great influence on my work,<br />

I really like to use the colour palette associated with our markets,<br />

crafts, traditional outfits, etc... Although my subject matter<br />

changes, I have such a passion for our culture and traditions<br />

that I almost always choose these themes for my paintings".<br />

Born in 1984, the Mexican artist painted her first wall in<br />

Mexico City in 2015 with the desire to convey a message: "My<br />

first wall dealt with the issue of breast cancer prevention and<br />

was done with the help of Street Art Chilango".<br />

Villagómez confesses that she is very meticulous in her<br />

work and that she likes to paint the walls as though they were<br />

paintings she was doing in her studio. "I love the details, and<br />

it takes a long time to paint murals. At first, I found it difficult<br />

to go from working on small pieces to larger formats. Even<br />

though I'd been painting all my life, it wasn't until 2015 that I<br />

started making larger pieces (my first large format creation<br />

1<br />

LOURDES VILLAGÓMEZ | 123<br />

KATHRINA RUPIT<br />

1 Let the beauty<br />

of what you love<br />

be what you do<br />

Vagator Beach,<br />

Goa, India, 2018.<br />

2 Sir John Rogerson's<br />

Quay, Dublin,<br />

Ireland, 2021.<br />

3 Throwback,<br />

Waterford City,<br />

Ireland, 2018.<br />

“My artwork is about finding peace,<br />

awareness, and joy. I hope my art can provoke<br />

a moment of contemplation and even better<br />

than that, a smile...”<br />

calendar”, she explains. ‘Kin’ means sun, but the word is also If we were to choose one word to describe Kathrina, it<br />

an attribute to day/time, and for every kin/day of the Tzolkin calendar,<br />

there are a few qualities that a person born on this date land, the artist says she was “already living the dream back<br />

would be ‘contentment’. Referring to her early days in Ire-<br />

will inherit”. Kathrina’s own Kin Maya is the ‘Imix’, or red cosmic then, and today I’m in a constant state of gratitude for all the<br />

dragon, and the two lines and three dots representing it appear amazing opportunities that constantly flow into my life”. She<br />

on the cheeks of many of her female portraits. “I like to highlight hopes her experience will inspire other artists to follow in her<br />

my Mexican culture in some way or another,” she says.<br />

footsteps and to take up the challenge. “If it’s calling you, just<br />

In terms of style, Kathrina is hesitant to be pinned down. do it”, she says. “Don’t think too much about it, don’t wait for<br />

She says her style is constantly evolving and believes this is anybody, don’t be so hard on yourself, and don’t expect much<br />

as it should be, emphasizing that she thinks it is important to but to create a good piece of art. In this way, you will never be<br />

take risks and reset our beliefs from time to time in order to disappointed and everything that unfolds for you due to your<br />

keep growing. As for materials and techniques, Kathrina works dedication will be a bonus on your journey as an artist.”<br />

in “mixed media, spray paint, and outdoor paint”, and recently<br />

started working with breathable eco paints as well. She has<br />

no specific requirements for the location of her murals, saying<br />

instead that any space is a challenge and she enjoys them all.<br />

1<br />

Kathrina Rupit was born in northern Mexico, in the state of<br />

Nuevo Leon. She grew up in the outskirts of a desert city, “hot<br />

and sometimes dusty”, where many streets were in decay<br />

or lacked proper hygiene facilities. Due to safety concerns,<br />

there were metal bars in the windows and doors of her home<br />

and her parents didn’t let her out of the house alone until she<br />

was 13. It was at this age, in the year 2000, that Kathrina first<br />

began tagging. “I was feeling like an ant in an ant nest”, she<br />

tells us. In her world, there wasn’t much room for creativity;<br />

street art for young Kathrina was more about defining territories<br />

and “shouting to the world ‘I exist!’”.<br />

That all began to change when Kathrina got into high<br />

school. She met people there who weren’t from her neighbourhood,<br />

creative people, and decided to stop tagging. Instead,<br />

she began making stickers and paste-ups to express<br />

her own ideas. To her surprise, other artists responded to<br />

her work. “Weeks later, there would be two, three, five more<br />

stickers and paste-ups from somebody else around mine”,<br />

she recalls. “It was more of a conversation than a shout of<br />

desperation.” Lacking money, Kathrina had to be very resourceful,<br />

working with cheap, recycled materials and a<br />

homemade glue made of corn flour and warm water. Fast<br />

forward a couple of years, however, and her work was all<br />

over the city: she began seeing her stickers in photographer’s<br />

exhibits and in books about the underground scene. “I<br />

found it funny”, she relates, “people thought the author was a<br />

man”. Even today, there are times she will be standing beside<br />

a large mural, covered in paint, with a man standing beside<br />

her and people will stop and say ‘good job’ to him. Kathrina<br />

doesn’t mind though; “indeed, I’m happy to break the stereotype”,<br />

she says. When she was 22, Kathrina left her homeland<br />

and moved—all alone—to Dublin, Ireland. She started a career<br />

there selling her paintings and posters on the streets. In time,<br />

she met other street artists and became part of an all-female<br />

collective called MINAW, in which she found a tremendous<br />

source of comfort and support. “It is important to be part of<br />

a tribe of women artists that understand the difference of a<br />

female body to a male”, she says, “our different needs and<br />

positions in life. It’s not about being misandrist against men,<br />

it’s more like a sisterhood”. Over the years, Kathrina has been<br />

noticing more and more women in the street art scene—a<br />

development she is happy to see. “I grew up in a society that<br />

didn’t believe I could live as an artist”, she relates, “but I was<br />

dreamy and stubborn enough to never give up. My only expectation<br />

of life was painting, regardless of whether I could<br />

make a living off it. I’m happy to find out that it is possible for<br />

every person that wants to do something”.<br />

There was a time, Kathrina tells us, when her work was<br />

quite political. In those days, she would often catch herself<br />

thinking, almost unconsciously, about some tragic news item<br />

she had been bombarded with. Noticing the negative feelings<br />

these thoughts created in her, she began to explore alternative<br />

approaches and mindsets, including meditation and the<br />

indigenous cosmology of her homeland. This led to something<br />

of an epiphany. “I started being aware of how I can control my<br />

general state of wellbeing through my thoughts”, she explains.<br />

“I decided to create pieces that don’t tell you what’s wrong<br />

but inspire and empower the individual. My artwork is about<br />

finding peace, awareness, and joy. I hope my art can provoke a<br />

moment of contemplation and even better than that, a smile...".<br />

The artist signs her work ‘KinMx’, an alias that is replete<br />

with mysticism and mythology. “It comes from the Tzolkin<br />

2 3<br />

104<br />

KATHRINA RUPIT | 105<br />

106 KATHRINA RUPIT | 107<br />

Dieses Buch versammelt die persönlichen Erfahrungen, Träume,<br />

Ziele, Kämpfe und Beispiele von 50 Street-Art-Künstlerinnen, Graffitiund<br />

Wandmalerinnen, die sich der Rückeroberung des öffentlichen<br />

Raums verschrieben haben und die unsere Stadtlandschaften und die<br />

Kunstszene insgesamt mit ihren Arbeiten bereichern.<br />

Mit ihren Themen gehen diese Rebellinnen und Pionierinnen der<br />

Kunstwelt weit über die Bereiche Feminismus, Umwelt und Rassismus<br />

hinaus. Sie beleuchten viele weitere gesellschaftlich brennend relevante<br />

und oft auch tabuisierte Themen unserer Zeit. Dieses sorgfältig<br />

kuratierte und opulent illustrierte Buch will die Leserinnen und Leser<br />

dazu inspirieren, die Straßenkunst von Frauen in unseren Städten<br />

gezielt in den Blick zu nehmen und auch in der Street-Art- und Graffiti-<br />

Szene auf die Gleichberechtigung hinzuwirken.<br />

Das Autorenteam macht deutlich, wie diese Frauen dafür kämpfen, die<br />

Ungleichheiten zu überwinden, die in unserer heutigen Gesellschaft<br />

fortbestehen und sich auf den Status der Frauen in vielen Bereichen,<br />

einschließlich der Kunst, auswirken.<br />

D<br />

D<br />

D<br />

Frauen in der Kunst sind ein viel<br />

zu lange vernachlässigtes Thema<br />

Über 100 Werke aus 22 Ländern zeigen<br />

den immer größer werdenden Einfluss<br />

von Frauen in der Street Art.<br />

50 der besten Street Art Künstlerinnen<br />

aus der ganzen Welt im Porträt.<br />

DIEGO LÓPEZ GIMÉNEZ hat einen Abschluss von der<br />

Universität Valencia. Als leidenschaftlicher Anhänger<br />

der urbanen Kunst widmet er sich seit Jahren der Erforschung<br />

dieser Bewegung in den Städten, trifft sich<br />

persönlich mit den Künstlerinnen und sammelt Fotos<br />

von Werken und Arbeiten aus der ganzen Welt<br />

Diego Lopez<br />

Street Art von Frauen<br />

Die 50 wichtigsten Rebellinnen der Szene<br />

256 Seiten, Hardcover, Fadenheftung<br />

19 x 25 cm, € 34.00 (D) | € 34.90 (A) | sFr. 39.00<br />

ISBN: 978-3-03876-250-8 | WG 580 | ET: 25. März <strong>2023</strong>


50 Rebellinnen der Kunstszene<br />

10 | 11


50 Statements gegen die<br />

Zerstörung der Erde<br />

Wie keine andere Kunstform ist Street Art dazu geeignet, die aktuellen<br />

Trends zu dokumentieren. Dieses Buch fängt die Werke von 50 Künstlerinnen<br />

und Künstlern aus aller Welt ein und zeigt ihre starken visuellen<br />

Statements gegen die Ausbeutung fossiler Energien. Die künstlerische<br />

Reaktion der Street Artists auf die Gefahren und Auswirkungen<br />

der Klimakrise ist von besonderer Kraft und öffentlicher Wirkung.<br />

Diese einzigartige und beeindruckende Sammlung des künstlerischen<br />

Protests wirkt Bild für Bild wie ein Aufschrei gegen die Zerstörung<br />

unserer Lebensgrundlagen und legt den Finger in eine offene Wunde.<br />

Zugleich macht »Street Art in Zeiten der Klimakrise« nachdenklich<br />

und fordert auf zu einer eigenen Positionierung im Kampf gegen die<br />

grassierende Natur- und Umweltzerstörung und zu eigenem gesellschaftlichen<br />

Engagement.<br />

D<br />

D<br />

D<br />

D<br />

50 visuelle Statements von<br />

Street-Artists aus aller Welt<br />

topaktuell, zeitgemäß und kritisch!<br />

Eindringlicher Protest gegen Klimakiller,<br />

Natur- und Umweltzerstörung<br />

Presse- und Marketingschwerpunkt<br />

mit großer Reichweite<br />

XAVIER TAPIES ist ein international anerkannter und<br />

weltweit gut vernetzter Experte zum Thema Street Art.<br />

Von ihm sind bei <strong>Midas</strong> der erfolgreiche Titel »Street Art<br />

in Zeiten von Corona«, sowie der Bestseller »BANKSY –<br />

Provokation« erschienen.<br />

Weitere Titel zum Thema »Street Art«:<br />

ISBN: 978-3-03876-178-5, € 16.00<br />

ISBN: 978-3-03876-183-2, € 22.00<br />

ISBN: 978-3-03876-213-3, € 14.90<br />

Xavier Tapies<br />

Street Art in<br />

Zeiten der Klimakrise<br />

50 Graffitti-Statements aus aller Welt<br />

128 Seiten, Hardcover, Fadenheftung<br />

12 x 18 cm, € 16.00 (D) | € 16.70 (A) | sFr. 22.–<br />

ISBN: 978-3-03876-251-5 | WG 583 | ET: 15. März <strong>2023</strong>


Paket<br />

12/10<br />

Aktionspaket 12/10<br />

mit Flyern, Prolit # 96086<br />

12 16 | 13 17


der meistverkaufte<br />

Banksy-Titel<br />

Dieser atemberaubende Band mit Banksys bedeutendsten Werken<br />

stellt seine Karriere als Künstler in den Mittelpunkt: von seinen frühen<br />

Werken über seine Schaffenszeit in New York bis zu neuen und topaktuellen<br />

Kreationen – darunter »Son of a Syrian Refugee (Steve Jobs)«,<br />

»Kitten«, »Devolved Parliament« oder »Venice in Oil«. In dieser nicht<br />

autorisierten Auswahl wird jedem Werk eine Doppelseite gewidmet,<br />

gefolgt von einer detaillierten Analyse und spannenden Hintergrundinformationen.<br />

In chronologischer Anordnung ist jede Schaffensperiode<br />

in einer doppelseitigen Weltkarte illustriert, die zeigt, wo jedes Werk<br />

geschaffen wurde, was damit geschah und wie sich Bankys Kunst in<br />

dieser Periode entwickelte. Für alle, die den Künstler noch nicht kennen,<br />

ist dies der ideale Einstieg. Ansprechend gestaltet und mit hochwertigem<br />

Cover, setzt dieses Buch Standards, um dem brillantesten<br />

und einflussreichsten Street Artist unserer Zeit gerecht zu werden.<br />

D<br />

D<br />

D<br />

D<br />

Eine visuelle Schatzkammer,<br />

nicht nur für Banksy-Fans<br />

Das aktuellste und umfassendste<br />

Buch zu Banksys Werken<br />

Laufend aktualisiert und erweitert<br />

Hochwertige Hardcover-Ausgabe<br />

mit Fadenheftung und Leineneinband<br />

Ebenfalls lieferbar:<br />

ISBN 978-3-03876-238-6<br />

Paket<br />

6/5<br />

Xavier Tapies<br />

BANKSY – PROVOKATION<br />

248 Seiten, Hardcover, Fadenheftung<br />

Ganzleinen, Format 22 x 26 cm<br />

€ 39.– (D) | € 40.– (A) | sFr. 44.–<br />

ISBN: 978-3-03876-160-0 | WG 580 | 8. Auflage<br />

Erscheint am 15. Februar <strong>2023</strong>


VERKAUFTE<br />

40.000<br />

E<br />

X<br />

E<br />

M<br />

P<br />

A<br />

L<br />

E<br />

R<br />

»Kunst sollte den Verstörten Frieden bringen<br />

und die Zufriedenen verstören.«<br />

Banksy<br />

14 | 15


Kunst hilft in allen<br />

Lebenslagen<br />

Kunst kann aufschlussreich, erhebend, herausfordernd, informativ,<br />

fesselnd und amüsant sein. Sie kann aber auch therapeutisch wirken.<br />

Dieses Buch zeigt Ihnen, wie Kunst Ihre Gemütslage heben, Ihren Geist<br />

beruhigen und Ihren Stress und Ihre Ängste lindern kann. Mehr als<br />

siebzig Künstlerinnen und Künstler und ihre Werke werden betrachtet,<br />

von Frida Kahlo, die sich ihrer Furcht stellte, bis Henri Matisse, der sein<br />

Glück umarmte, von Louise Bourgeois, die ihre Angst besiegte, bis Auguste<br />

Rodin, der die Hoffnung fand.<br />

Dieses Buch zeigt, wie auch Sie die Kunst nutzen können, um schwierige<br />

Emotionen zu verarbeiten und Ihren Gemütszustand zu verbessern.<br />

Kunst kann aber auch dazu beitragen, den Geist und die Seele<br />

zu beruhigen, zu erleuchten und zu erheben. Selbst Kunst, die uns<br />

Unbehagen bereitet, kann uns dazu bewegen, anders zu denken und<br />

uns neue Perspektiven zu eröffnen.<br />

In zwölf Kapiteln erfahren die Leserinnen und Leser, wie Kunst uns<br />

dabei helfen kann, Wut abzubauen, Trauer zu überwinden, zur Selbstreflexion<br />

zu gelangen und andere emotionale Herausforderungen zu<br />

bewältigen. Seit Tausenden von Jahren vermitteln Künstlerinnen und<br />

Künstler Werte, Wünsche, Gefühle, Ideen und Geschichten, und dieses<br />

Buch kann ihnen dabei helfen, diese Botschaften zu »lesen« und damit<br />

ihr emotionales Leben durch Kunst zu bereichern<br />

D Kunst als Mittel zum Abbau von Stress,<br />

zur Bewältigung von Ängsten und zur<br />

Verbesserung der Gemütslage<br />

D<br />

D<br />

D<br />

Eine wirksame »Therapie« in Zeiten<br />

großer seelischer Belastungen<br />

Verständlich und einfühlsam geschrieben<br />

Eine breite Palette von Kunstwerken<br />

zu 20 verschiedenen Gefühlslagen<br />

SUSIE HODGE ist Kunsthistorikerin, Autorin, Künstlerin<br />

und Journalistin und hat als eine der erfolgreichsten Autorinnen<br />

in diesem Bereich bereits mehr als 100 Bücher<br />

veröffentlicht. Sie hat einen Master of Art in Kunstgeschichte<br />

von Birkbeck, University of London, und ist<br />

Fellow der RSA (Royal Society of Arts). Sie wurde von<br />

der Zeitung Independent bereits zweimal zur »Besten<br />

Kunstjournalistin« gekürt.<br />

Susie Hodge<br />

Wie Kunst dein<br />

Leben verändern kann<br />

Ein Ratgeber für alle Lebenslagen<br />

224 Seiten, Hardcover, Fadenheftung<br />

15 x 21 cm, € 22.00 (D) | € 22.70 (A) | sFr. 28.–<br />

ISBN: 978-3-03876-245-4 | WG 583 | ET: 15. März <strong>2023</strong>


16 | 17


Entspannen Sie sich mit einem<br />

Lächeln im Gesicht!<br />

Marion Deuchars praktiziert seit vielen Jahren Yoga und kennt die<br />

Vorteile, die es mit sich bringt, genau. Jetzt teilt sie diese Leidenschaft<br />

mit ihrer illustrierten Figur Bob, dem Vogel, dessen ausdrucksstarke<br />

Yoga-Übungen Sie zu einer belebenden Sitzung mit der richtigen Atmung,<br />

Dehnung und Achtsamkeit verführen werden. »Yoga – Federleicht!«<br />

setzt auf einen unmittelbaren, humorvollen und einladenden<br />

Look. Mit wenigen Pinselstrichen hilft Deuchars Bob in jede Position,<br />

vom Lotussitz über die Vorwärtsbeuge bis zum Baum. Dieses ganz<br />

besondere Yoga-Buch ist sowohl nützlich als auch inspirierend. Es wird<br />

Ihnen ein Lächeln ins Gesicht zaubern und Sie motivieren, egal ob Sie<br />

regelmäßig Yoga praktizieren oder ein Yoga-Neuling sind.<br />

D Yoga ist ein Dauerbrenner, der heute<br />

beliebter ist denn je.<br />

D<br />

D<br />

D<br />

Dieser Titel besticht durch Charme<br />

und visuell bestechende Illustrationen<br />

Das ideale Geschenk für geübte Yogis<br />

jeden Alters, aber auch für Yoga-Neulinge<br />

Bestsellerautorin Marion Deuchars<br />

beweist, dass Yoga Spass machen kann!<br />

MARION DEUCHARS gehört mit ihrem unverwechselbaren<br />

Stil zu den führenden visuell kreativen Persönlichkeiten<br />

weltweit. Sie wurde vom Art Directors Club<br />

New York mehrfach mit Gold und Silber ausgezeichnet<br />

und erhielt drei D&AD Yellow Pencils. Sie hat zahlreiche<br />

Bücher geschrieben. Im <strong>Midas</strong> Verlag sind von ihr diese<br />

beiden Titel lieferbar: »ARTPLAY - Das Spiel mit Kunst«<br />

sowie »Malen und Zeichnen wie die großen Künstler«.<br />

YFSB_layouts_v2.indd 4-5 06/12/2022 13:27<br />

Paket<br />

12/10<br />

Marion Deuchars<br />

Yoga - Federleicht!<br />

Das besondere Yoga-Buch<br />

80 Seiten, Hardcover, Fadenheftung<br />

12 x 18 cm, € 15.00 (D) | € 15.70 (A) | sFr. 22.–<br />

ISBN: 978-3-03876-248-5 | WG 462 | ET: 10. April <strong>2023</strong><br />

Paket 12/10<br />

mit Postkarten<br />

Prolit # 96087


18 | 19


Eine Reise ins Wunderland<br />

der collagen<br />

Collagen erfreuen sich wachsender Beliebtheit und die Nachfrage<br />

nach kuratierten Sammlungen mit hochwertigen Bildern steigt. Vom<br />

Erfolgsteam, das den Bestseller »Das große Buch der Collagen« (erschienen<br />

im <strong>Midas</strong> Verlag) geschaffen hat, kommt nun diese neue<br />

Sammlung überraschender und verblüffender Collagen-Bilder: eine<br />

Reise ins Wunderland von Alice, die alle, die sich auf diese Reise einlassen,<br />

nicht nur mit dem Kaninchenbau und der Welt hinter den Spiegeln<br />

verblüffen, sondern mit einer grandiosen Anzahl und Vielfalt exklusiver<br />

Bilder und Vorlagen voller Magie und Zauber überraschen wird.<br />

Hochwertige Ausstattung: Jedes Bild ist sorgfältig skaliert, beschnitten<br />

und farbkorrigiert: Eingefärbte Umrisse auf der Rückseite jedes Bildes<br />

helfen Ihnen, sie sauber und einfach auszuschneiden.<br />

D<br />

D<br />

D<br />

D<br />

Collagen sind voll im Trend<br />

Wunderland als fantasievolles<br />

Thema für Collage-Künstler<br />

Kuratierte Auswahl mit über<br />

1000 traumhaften Vorlagen<br />

Hochwertige Ausstattung: perforierte<br />

Seiten und Cover mit Goldprägung<br />

ELIZA SCOTT, , die die Bilder ausgewählt hat, hat sowohl<br />

einen Abschluss in Literatur als auch in Kunst und<br />

ist Redakteurin des Magazins Lula.<br />

MARIA RIVANS, , die das Cover gestaltet hat, ist eine<br />

anerkannte Collagekünstlerin, die in Brighton, Großbritannien,<br />

lebt und arbeitet. Von ihr ist im <strong>Midas</strong> lag »Das große Buch der Collagen«<br />

Vererschienen.<br />

3. Aufl.<br />

Eliza Scott / Maria Rivans<br />

Collagen Wunderland<br />

Ausschneiden und selbst machen<br />

128 Seiten, Broschur, Fadenheftung<br />

23,5 x 31 cm, € 20.00 (D) | € 20.90 (A) | sFr. 25.–<br />

ISBN: 978-3-03876-253-9 | WG 411 | ET: 25. März <strong>2023</strong>


20 | 21


Die Geschichte einer<br />

grossen Liebe<br />

Frida Kahlo ist eine der beliebtesten Malerinnen weltweit. Die Geschichte<br />

Ihrer Beziehung mit Diego Rivera ist eine der spannendsten<br />

Liebesgeschichten aus der Welt der Kunst<br />

Mexiko-Stadt, die 30er-Jahre: Die Revolution ist vorbei, der Wiederaufbau<br />

beginnt. Zwei mexikanische Künstler nehmen an diesem Neuanfang<br />

teil: Der bereits berühmte Maler Diego Rivera trifft auf einen<br />

aufstrebenden Stern, die junge Malerin Frida Kahlo – es ist Liebe auf<br />

den ersten Blick! Schon bald werden sie eines der legendärsten Künstlerpaare<br />

aller Zeiten.<br />

Dieses Buch erzählt ihre spannenden Biografien und die faszinierende<br />

Geschichte Ihrer Liebe mit allen Aufs und Abs gleichermaßen für junge<br />

wie für erwachsene Leserinnen und Leser – in leuchtend farbigen<br />

Illustra tionen und leicht verständlichen, aber auch fundierten Texten.<br />

D<br />

D<br />

D<br />

D<br />

Grandios illustrierte Doppel-Biografie<br />

im Graphic Novel Stil<br />

Sowohl für ein jugendliches als auch<br />

erwach senes Publikum geeignet<br />

Eine der spannendsten Liebesgeschichten<br />

aus der Welt der Kunst<br />

Große Presse- und Marketingkampagne<br />

»Zu spät erkannte ich, dass der schönste Teil meines Lebens meine<br />

Liebe zu Frida gewesen war.« Diego Rivera<br />

FRANCESCA FERRETTI DE BLONAY ist eine Schweizer<br />

Historikerin, die seit Jahren in Spanien lebt. Ihre<br />

Spezialität ist die Vermittlung historischer Themen,<br />

insbesondere durch originelle, anregende Formate und<br />

redaktionelle Mittel.<br />

TÀNIA GARCÍA ist eine Illustratorin aus Barcelona, die<br />

mit Together or Alone bekannt wurde, für das sie in<br />

Frankreich den Preis für das beste Kinderbuch über Ökologie<br />

gewann (Felipé). Ebenfalls war sie Finalistin bei den<br />

renommierten World Illustration Awards (WIA)<br />

Francesca Ferretti de Blonay / Tania Garcia<br />

Frida & Diego<br />

Die Geschichte einer großen Liebe<br />

48 Seiten, Hardcover, Fadenheftung<br />

17 x 24 cm, € 18.00 (D) | € 18.70 (A) | sFr. 25.–<br />

ISBN: 978-3-03876-252-2 | WG 951<br />

ET: 15. Februar <strong>2023</strong>


22 | 23


2. Aufl.<br />

2. Aufl.<br />

In seinem kurzen und turbulenten Leben veränderte<br />

Jackson Pollock die Malerei für immer. Diese grandiose<br />

Graphic Novel geht auf seinen bahnbrechenden<br />

physischen Ansatz bei der Kunstschaffung ein, hebt<br />

die Schlüsselpersonen der New Yorker Kunstszene<br />

zu seiner Zeit hervor, und zeigt die geheimnisvolle<br />

Beziehung zwischen Pollocks Kunst und den verborgenen<br />

Aktivitäten in der Zeit des Kalten Krieges.<br />

»Catacchio stellt überzeugend dar, wie der Maler sein<br />

Innerstes im wahren Wortsinn auf die am Boden liegende<br />

Leinwand gießt.« (feuilleton-scout)<br />

Paolo Parisi setzt in dieser Künstler-Biografie Basquiats<br />

Leben und Werk gekonnt in Szene. Seine Graphic Novel<br />

erzählt nicht nur von den Erfolgen des afroamerikanischen<br />

Malers, dem als erster in der weiß dominierten<br />

Kunstwelt der Durchbruch gelang. Sie ist zugleich eine<br />

Würdigung der kreativen Explosion seiner Malerei, die<br />

mit krassen, blendenden Farben voller Kontraste und<br />

mit geheimnisvollen Zeichen nach Deutung und Auseinandersetzung<br />

zu schreien scheint. Diese lebendige<br />

Graphic Novel entführt die Leserschaft ins New York<br />

der 1980er-Jahre - ebenso wild wie Basquiats Kunst.<br />

Onofrio Catacchio<br />

Jackson Pollock –<br />

Streng vertraulich!<br />

Graphic Novel<br />

112 Seiten, Hardcover, Fadenheftung<br />

17 x 24 cm, € 19,90 (D) | € 21.00 (A), sFr. 28.–<br />

ISBN: 978-3-03876-171-6 | WG 180 | lieferbar<br />

Paolo Parisi<br />

Basquiat – Ein<br />

Leben in Extremen<br />

Graphic Novel<br />

112 Seiten, Hardcover, Fadenheftung<br />

17 x 24 cm, € 19,90 (D) | € 21.00 (A), sFr. 28.–<br />

ISBN: 978-3-03876-188-4 | WG 180 | lieferbar


2. Aufl.<br />

3. Aufl.<br />

Edward Hopper ist einer der einflussreichsten Maler des<br />

20. Jahrhunderts. Seine Bilder scheinen die amerikanische<br />

Kultur zu verkörpern, doch tatsächlich offenbaren<br />

sie eine außergewöhnliche innere Welt, die Hopper sein<br />

Leben lang darstellte – unabhängig von Trends, Stilen<br />

sowie sozialen Veränderungen um ihn herum. Diese<br />

Graphic Novel entführt uns zu Hoppers Stille und seinen<br />

Farben: von seinem Debüt bis zum Welterfolg sowie<br />

seiner Beziehung zu Jo, gleichzeitig sein Modell und<br />

seine lebenslange Gefährtin. Die Illustrationen spiegeln<br />

mit ihren klaren Linien und der Farbpalette den Stil des<br />

genialen Künstlers, der nie von seiner Vision abwich.<br />

Sergio Rossi<br />

Edward Hopper –<br />

Maler der Stille<br />

Eine iillustrierte Biografie<br />

128 Seiten, Hardcover, Fadenheftung<br />

17 x 24 cm, € 19.90 (D) | € 21.00 (A) | sFr. 28.–<br />

ISBN: 978-3-03876-219-5 | WG 180 | 2. Auflage | ET: 10. Jan. <strong>2023</strong><br />

Das Leben des japanischen Künstlers Katshushika Hokusai<br />

(1760–1849) wird hier in einer faszinierenden<br />

Graphic Novel nacherzählt, gepaart mit Texten und<br />

Illustrationen über die japanische Kultur und Tradition,<br />

zwei Aspekte, die in diesem Buch raffiniert miteinander<br />

verflochten sind. Hokusais legendäre Darstellungen<br />

des Berges Fuji, die poetischen Visionen von Natur und<br />

Tieren, die Kirschbäume, die schneebedeckten Zweige,<br />

die wunderschönen Geishas und die furchterregenden<br />

Samurai, die Drachen, die Monster und die Kreaturen<br />

der Mythologie tauchen unweigerlich in unseren Köpfen<br />

auf, wenn wir an Japan denken.<br />

Matteuzzi / Latanza<br />

Hokusai – Die Seele<br />

Japans entdecken<br />

Eine illustrierte Biografie<br />

128 Seiten, Hardcover, Fadenheftung<br />

16.5 x 24 cm, € 19.90 (D) | € 21.00 (A), sFr. 28.–<br />

ISBN: 978-3-03876-172-3 | WG 180 | lieferbar<br />

24 | 25


ART ESSENTIALS<br />

»ART ESSENTIALS ist eine grandiose<br />

Amy Dempsey<br />

Modern Art<br />

ART ESSENTIALS<br />

176 Seiten, € 14,90<br />

ISBN: 978-3-03876-132-7<br />

Lee Cheshire<br />

Wendepunkte<br />

ART ESSENTIALS<br />

176 Seiten, € 14,90<br />

ISBN: 978-3-03876-131-0<br />

Natalie Rudd<br />

Selbstporträt<br />

ART ESSENTIALS<br />

176 Seiten, € 14,90<br />

ISBN: 978-3-03876-185-3<br />

Buchreihe. Sie bietet eine erstklassige<br />

Einführung in die grundlegenden Ideen<br />

der Kunst und stellt Künstler und<br />

ihre Werke vor, die unsere Sicht auf<br />

die Welt geprägt haben.«<br />

Will Gompertz, BBC Arts Editor<br />

Flavia Frigeri<br />

Frauen in der Kunst<br />

ART ESSENTIALS<br />

176 Seiten, Flexicover, € 14.90<br />

ISBN: 978-3-03876-149-5<br />

Susan Woodford<br />

Kunst verstehen<br />

ART ESSENTIALS<br />

176 Seiten, Flexicover, € 14,90<br />

ISBN: 978-3-03876-130-3<br />

Janetta Rebold Benton<br />

Kunst betrachten<br />

ART ESSENTIALS<br />

176 Seiten, Flexicover, € 14,90<br />

ISBN: 978-3-03876-208-9


KLEIN, SCHLAU, ESSENZIELL<br />

Stephanie Straine<br />

Abstrakte Kunst<br />

ART ESSENTIALS<br />

176 Seiten, € 14,90<br />

ISBN: 978-3-03876-176-1<br />

Amy Dempsey<br />

Surrealismus<br />

ART ESSENTIALS<br />

176 Seiten, € 14,90<br />

ISBN: 978-3-03876-133-4<br />

Ralph Skea<br />

Impressionismus<br />

ART ESSENTIALS<br />

176 Seiten, € 14.90<br />

ISBN: 978-3-03876-148-8<br />

Matthew Wilson<br />

Symbole<br />

ART ESSENTIALS<br />

176 Seiten, € 14.90<br />

ISBN: 978-3-03876-177-8<br />

David Bate<br />

Fotografie<br />

ART ESSENTIALS<br />

176 Seiten, € 14,90<br />

ISBN: 978-3-03876-209-6<br />

Simon Armstrong<br />

Street Art<br />

ART ESSENTIALS<br />

176 Seiten, Flexicover, € 14.90<br />

ISBN: 978-3-03876-213-3


50 Porträts der<br />

wichtigsten Künstlerinnen<br />

3. Aufl.<br />

Frauen sind seit jeher als Kunstobjekte beliebt, als Kunstschaffende<br />

werden sie jedoch noch immer unterschätzt. Zwar müssen Frauen<br />

in der Kunst heutzutage nicht mehr anonym bleiben oder männliche<br />

Künstlernamen annehmen, doch noch 1989 gingen die Guerilla Girls in<br />

New York auf die Straße und fragten, ob Frauen in Museen immer nur<br />

nackt sein müssten: »Do women have to be naked to get into the Met.<br />

Museum?« In diesem Buch untersucht Flavia Frigeri Leben und Werk<br />

von über 50 herausragenden Künstlerinnen in den unterschiedlichen<br />

Kunstbereichen, vom 16. Jahrhundert bis heute. Dazu gehören Persönlichkeiten<br />

wie Artemisia Gentileschi, Georgia O’Kee e, Louise Bourgeois<br />

und viele andere. Im Anhang findet sich eine faszinierende Chronologie<br />

bedeutender Leistungen von Frauen, ebenso Literaturempfehlungen,<br />

ein Glossar und ein Künstlerindex.<br />

»Ein ausgezeichneter Überblick über wichtige internationale Künstlerinnen.<br />

Diese bedeutenden Frauen sollten in keiner Kunstgeschichte<br />

fehlen, und dieses Buch schreibt sie gerade neu.« (Jessica Morgan)<br />

D<br />

D<br />

D<br />

Mehr als 50 Portraits großer<br />

Künstlerinnen und ihrer Werke<br />

Eine Feier der Kunst von Frauen in<br />

allen Kunstbereichen<br />

Umfangreich illustriert – kompetent<br />

und spannend erzählt<br />

DR. FLAVIA FRIGERI ist Kunsthistorikerin und Kuratorin.<br />

Sie unterrichtet derzeit im Fachbereich für Kunstgeschichte<br />

am University College London. Zuvor war sie<br />

als Kuratorin bei Tate Modern, wo sie an Ausstellungen<br />

arbeitete und für Zukäufe sowie Dauerausstellungen<br />

zuständig war. Sie ist außerdem die Autorin von Pop Art<br />

in der Reihe Art Essentials.<br />

Flavia Frigeri<br />

Frauen in der Kunst<br />

ART ESSENTIALS<br />

176 Seiten, Flexicover, Fadenheftung<br />

14 x 21.,5 cm, € 17.90 (D), € 18.50 (A), sFr. 25.–<br />

ISBN: 978-3-03876-149-5 | WG 583 | ET: 25.2.23


Z E I TG E N Ö S S IS C H E<br />

K U N S T<br />

W I E S I N D W I R<br />

Der neue Leitfaden zur<br />

zeitgenössischen Kunst<br />

-<br />

-<br />

-<br />

H I E R H E R G E KO M M E N?<br />

-<br />

George Baselitz<br />

Adieu, 1982<br />

Ölfarbe auf Leinwand<br />

2,50 x 3 m<br />

Tate Gallery, London<br />

14<br />

Yayoi Kusama<br />

Die japanische Künstlerin<br />

Kusama in Infinity Mirror Kusama leidet seit ihrer<br />

Room – Phalli's Field, 1965 Kindheit unter visuellen<br />

Castellane Gallery,<br />

Halluzinationen. Mit<br />

New York, 1965<br />

ihrer Kunst versucht sie,<br />

damit klarzukommen:<br />

Punktmuster bedecken<br />

viele ihrer Werke, von<br />

nackten Performern bis<br />

zu üppigen, handgenähten<br />

phallischen Formen.<br />

Diese Arbeit war einer<br />

von Kusamas ersten<br />

»Infinity Mirror Rooms«,<br />

in denen sie mit Spiegeln<br />

die Illusion eines unendlichen<br />

Raumes schuf.<br />

Neoexpressionistische<br />

Malerei wurde in den<br />

1980er-Jahren populär.<br />

Eine ganze Generation<br />

deutscher Maler bekam<br />

Anerkennung für<br />

großformatige gestische<br />

Werke, die persönliche<br />

und kollektive Geschichten<br />

widerspiegelten.<br />

Die Figuren in Baselitz’<br />

Gemälden stehen häufig<br />

auf dem Kopf, sodass<br />

der Betrachter gefordert<br />

ist, über die Figur hinaus<br />

zu schauen und sich mit<br />

formellen Fragen zu<br />

befassen.<br />

MACH ES GROSS<br />

Die kommerziell getriebenen 1980er-Jahre waren ein wichtiger<br />

Meilenstein in der Entwicklung der zeitgenössischen Kunstszene. Es<br />

entstand die Infrastruktur für einen erfolgreichen Kunstmarkt. Sicher<br />

wirkte der Beginn des Jahrzehnts für Händler nicht sehr rosig, da viele<br />

Künstler lieber weiter Werke entwickelten, die bewusst tatsächliche<br />

Objekte vermieden. Doch eine überraschend schnelle Rückkehr zur<br />

großformatigen, expressiven Malerei und objektbasierten Bildhauerei<br />

befeuerte den Markt. Künstler wie Andreas Gursky, Cindy Sherman<br />

und Jeff Wall, die neue Wege gingen, etablierten die Fotografie als<br />

eigenständiges Medium.<br />

In einigen der kommerziell erfolgreichsten Kunstwerke der 1980er-<br />

Jahre vermischte die ausdrückliche Rückkehr zum Kunstobjekt mit<br />

viel Wissen und Esprit. Der Amerikaner Jeff Koons, der Spezialisten<br />

beschäftigte, um seine Werke herzustellen, entwickelte ambitionierte,<br />

technisch aufwendige Skulpturen und großformatige Gemälde – ein<br />

bisschen wie sein Pop-Art-Vorläufer Andy Warhol, dessen gewitztes<br />

Management sein Studio, die »Factory«, immens produktiv werden<br />

ließ. Doch damit nicht genug: Koons gewann genau wie Warhol weltweit<br />

Anerkennung für seine Verwendung von existierenden Bildern<br />

und Konsumgütern. Er interpretierte sein Quellmaterial – von Michael<br />

Jackson und seinem Schimpansen Bubbles bis zu Ballonhunden und<br />

Staubsaugern – mit glänzenden Oberflächen und einem superglatten<br />

Finish völlig neu. Diese Formel erwies sich als ausgesprochen lukrativ.<br />

15<br />

KANN KUNST DIE<br />

WELT VERBESSERN?<br />

-<br />

Als Künstler muss ich die Kämpfe und Sorgen<br />

der Menschheit verstehen … ich trenne diese<br />

Tatsachen niemals von meiner Kunst<br />

-<br />

Ai Weiwei, 2016<br />

NEU!<br />

Seit den 1960er-Jahren hat die zeitgenössische Kunst die bis dahin akzeptierten<br />

historischen Kategorien auf den Kopf gestellt, was Kunst eigentlich<br />

ist, wer sie schafft und wie sie repräsentiert und bewertet wird.<br />

Dieses Buch hinterfragt den Begriff »zeitgenössische« Kunst, zeigt,<br />

wie sie zustande kam und was sie heute ausmacht. Natalie Rudd wirft<br />

einen Blick auf die Rolle des Kunstmarktes und seiner Strukturen und<br />

betrachtet, wie er sich seit der Jahrtausendwende entwickelt hat. Sie<br />

beleuchtet auch die gestiegene Akzeptanz und Anerkennung von<br />

Werken, die abseits der historischen »Zentren« wie New York, London<br />

und Berlin geschaffen wurden. Galerien, Institute und Museen haben<br />

in ihren Sammlungen begonnen, die von weißen Hetero-Männern aus<br />

Europa und Asien dominierten Werke neu einzuordnen und zu hinterfragen,<br />

und beginnen zunehmend, Arbeiten von Kunstschaffenden<br />

anzuerkennen, die bisher historisch ausgegrenzt wurden.<br />

»Ein inspirierender Leitfaden zur Navigation durch die großen Fragen<br />

der Kunstwelt … außerdem ein perfektes Werkzeug, um den Spaß an<br />

zeitgenössischer Kunst zu entdecken.« (Cecilia Alemani)<br />

D<br />

Eine spannende und kenntnisreiche<br />

Einführung in den Kunstmarkt von heute<br />

D Mit Porträts der wichtigsten Künstler -<br />

innen und Künstler der Neuzeit<br />

D<br />

Durchgehend vierfarbig, opulent<br />

bebildert mit 117 Illus trationen<br />

NATALIE RUDD ist Kuratorin und Autorin. Zurzeit ist<br />

sie als Senior Curator der Arts Council <strong>Collection</strong> in<br />

Großbritannien tätig. Sie hat bereits mehrere Bücher<br />

über Kunst veröffentlicht, darunter Monografien über<br />

Peter Blake und Paul de Monchaux.<br />

Natalie Rudd<br />

Zeitgenössische Kunst<br />

ART ESSENTIALS<br />

176 Seiten, Flexicover, Fadenheftung<br />

13,8 x 21,6 cm, € 17.90 (D) | € 18.50 (A) | sFr. 25.–<br />

ISBN: 978-3-03876-246-1 | WG 583 | ET: 15. April <strong>2023</strong><br />

28 | 29


12. Aufl.<br />

5. Aufl.<br />

Henry Carroll<br />

BIG SHOTS! People<br />

Die Geheimnisse der Portraitfotografie<br />

128 Seiten, Broschur, € 22.90<br />

ISBN: 978-3-03876-109-9 | lieferbar<br />

Henry Carroll<br />

BIG SHOTS!<br />

Die Geheimnisse der weltbesten Fotografen<br />

128 Seiten, Broschur, € 22.90<br />

ISBN: 978-3-03876-107-5 | lieferbar


4. Aufl.<br />

3. Aufl.<br />

Henry Carroll<br />

BIG SHOTS! Places<br />

Die Geheimnisse der Location-Fotografie<br />

128 Seiten, Broschur, € 22.90<br />

ISBN: 978-3-03876-106-8 | lieferbar<br />

Henry Carroll<br />

BIG SHOTS!<br />

Fotografen über Fotografie<br />

128 Seiten, Broschur, € 22.90<br />

ISBN: 978-3-03876-141-9 | lieferbar


AUSLIEFERUNGEN<br />

VERLAGSVERTRETUNGEN<br />

Deutschland<br />

Deutschland<br />

Schweiz<br />

Österreich<br />

Prolit Verlagsauslieferung<br />

Siemensstraße 16<br />

D 35463 Fernwald<br />

Tel +49 (0) 641 943 93 31<br />

Fax +49 (0) 641 943 93 39<br />

Verlagsbetreuer: Jens Vogt<br />

j.vogt@prolit.de<br />

Bayern<br />

Barbara-Sophia Voglmaier<br />

c/o Büro Heindl / Wislsperger<br />

Leonrodstraße 19<br />

D - 80634 München<br />

Tel +49 (0) 89-76729-289<br />

Fax +49 (0) 89-76729-394<br />

Mail: voglmaier@sinolog.de<br />

Schweiz<br />

Giovanni Ravasio<br />

c/o b+i Buch und Information<br />

Hofackerstrasse 13 a<br />

CH 8032 Zürich<br />

Mob +41 79 402 26 39<br />

Mail: g.ravasio@bluewin.ch<br />

Gebiet Ost<br />

Birgit Raab<br />

Kollersteig 2<br />

A 3400 Klosterneuburg<br />

Tel +43 (0) 664 846 28 98<br />

Mail: birgit.raab@<br />

mohrmorawa.at<br />

Österreich<br />

Mohr Morawa Buchvertrieb<br />

Sulzengasse 2<br />

A 1230 Wien<br />

Tel +43 1 680 14 0<br />

Fax +43 1 688 71 30<br />

bestellung@mohrmorawa.at<br />

www.mohrmorawa.at<br />

Schweiz<br />

Schweizer Buchzentrum<br />

Industriestrasse Ost 10<br />

CH 4614 Hägendorf<br />

Tel +41 (0) 62 209 26 26<br />

Fax +41 (0) 62 209 26 27<br />

kundendienst@buchzentrum.ch<br />

Vertreter Baden-Württemberg<br />

Michael Jacob<br />

Lettenacker 7<br />

72160 Horb<br />

Tel. +49 (0) 7482 91156<br />

Fax +49 (0) 7482 91157<br />

verlagsvertretung@michael-jacob.com<br />

Nordrhein-Westfalen, Hessen,<br />

Rheinland-Pfalz, Saarland<br />

Michael Schikowski<br />

Eckernförder Str. 16, D 51065 Köln<br />

Tel +49 (0) 221 6 087 038<br />

Fax +49 (0) 221 92 428 232<br />

schikowski@immerschoensachlich.de<br />

Berlin, Brandenburg<br />

Mecklenburg-Vorpommern,<br />

Sachsen, Thüringen<br />

buchart, Peter Jastrow,<br />

Frank Jastrow, Jan Reuter<br />

Cotheniusstr. 4, D 10407 Berlin<br />

Tel +49 (0) 30 447 32 180<br />

Fax +49 (0) 30 447 32 181<br />

service@buchart.org<br />

Bremen, Niedersachsen,<br />

Schleswig-Holstein, Hamburg<br />

Peter Jastrow, Frank Jastrow<br />

service@buchart.org<br />

Gebiet West<br />

Edwin Mayr<br />

Kreuzweg 24<br />

A 4600 Wels<br />

Tel +43 (0) 664 391 28 33<br />

Mail: edwin.mayr@mohrmorawa.at<br />

Betreuung Fachmärkte<br />

Tobias Ketter<br />

Mohr-Morawa Buchvertrieb<br />

Sulzengasse 2<br />

A 1230 Wien<br />

Tel +43 1 680 14 124<br />

Mail: tobias.ketter@mohrmorawa.at<br />

<strong>Midas</strong> Verlag AG<br />

Dunantstrasse 3<br />

CH 8044 Zürich<br />

<strong>Midas</strong> Büro Berlin<br />

Mommsenstr. 43<br />

10629 Berlin<br />

Tel +41 (0) 44 242 61 02<br />

Fax +41 (0) 44 242 61 05<br />

Mail: kontakt@midas.ch<br />

www.midas.ch<br />

Verlagsleitung<br />

Gregory C. Zäch<br />

Vertriebsleitung:<br />

Marcel Ramirez<br />

Ellingerweg 74<br />

D 81673 München<br />

Tel +49 (0) 172 212 579 2<br />

Fax +49 (0) 89 600 35 457<br />

Mail: marcelramirez@gmx.de<br />

www.midas.ch<br />

www.midascollection.com<br />

Social Media: follow »midasverlag«<br />

Susie Hodge<br />

Wie Kunst dein<br />

Leben verändern kann<br />

Ein Ratgeber für alle Lebenslagen<br />

224 Seiten, Hardcover, Fadenheftung<br />

€ 22.00 (D) | € 22.70 (A) | sFr. 28.–<br />

ISBN: 978-3-03876-245-4

Hurra! Ihre Datei wurde hochgeladen und ist bereit für die Veröffentlichung.

Erfolgreich gespeichert!

Leider ist etwas schief gelaufen!