Gelassenheit durch Malen (Leseprobe)

Gelassenheit 

Inga Buividavice 

durch Malen 

DIE NATUR MIT WASSERFARBEN ENTDECKEN 

MIDAS

Gelassenheit 

durch Malen 

Die Natur mit 

Wasserfarben entdecken 

Inga Buividavice 

MIDAS

Inhalt 

006 Einleitung 

008 Kann man Natur malen? 

012 Ihre kreative Reise 

018 Erste Schritte mit Wasserfarben 

PROJEKTE 

080 Blätter 

100 Blumen 

126 Licht 

138 Struktur und Symmetrie 

146 Abschluss 

156 Literatur und Quellen 

158 Index 

160 Dank

Einleitung 

MEINE PERSÖNLICHE REISE 

Schon als Kind habe ich mich für Kunst begeistert. Aber als Künstlerin habe ich mich nie 

bezeichnet. Denn kreativ zu sein, bedeutete für mich immer harte Arbeit. Und ich habe hart 

gearbeitet. Ich habe einen Abschluss als Grafikdesignerin an einer Kunstschule abgelegt, 

aber nie aus reiner Freude gezeichnet oder gemalt. Ziemlich komisch: eine Designerin, die 

nicht zeichnen kann. Aber immer, wenn ich es ausprobiert habe, klaffte zwischen meinem 

Geschmack und meinen Fähigkeiten eine so große Lücke, dass ich von meinen eigenen 

Arbeiten immer enttäuscht war. Jahrelang habe ich Nachweise dafür gesucht, dass Kreativität 

erlernbar ist, und Bücher und Texte gelesen, die behaupten, dass jeder Mensch malen 

lernen kann. Bis zu meinem dreißigsten Lebensjahr habe ich nie einen Pinsel in die Hand 

genommen – meine Angst war einfach zu groß. Heute kann ich kaum fassen, wie viel Zeit 

ich verschwendet habe, weil ich nicht früher mit dem Malen begonnen habe. 

Als ich Mutter wurde und im Mutterschutz war, hat sich alles von selbst ergeben. Ich 

hatte das Gefühl, etwas für mich selbst tun zu müssen! Für Wasserfarben habe ich mich 

entschieden, weil sie so schöne Wirkungen erzeugen, leicht zu säubern sind, wenig Platz 

benötigen und schnell trocknen – sie lassen sich ganz einfach in einen ereignisreichen 

Alltag integrieren. Mein Problem hat sich also gelöst, weil ich mich mit Begeisterung ans 

Werk begeben habe und nicht mit Angst. Daraufhin habe ich einen Kurs nach dem anderen 

besucht, unterschiedliche Künstler und ihre Ansätze studiert und jeden Tag gemalt – 

manchmal sogar nur 10 Minuten lang. Ich habe aufgehört, jedes Werk kritisch zu betrachten. 

Der Prozess wurde für mich wichtiger als das Ergebnis. 

Die Welt der Natur ist ausgesprochen attraktiv und inspiriert mich häufig. Als ich anfing, 

mich mit ihr zu beschäftigen, suchte ich allzu oft bloß nach einem bestimmten Motiv. 

Dann verbrachte ich immer mehr Zeit in der Natur und lernte viel über Pflanzen. Ich habe 

sogar Blumen in meinem Garten gepflanzt und mein Zuhause mit Pflanzen dekoriert. 

Dabei habe ich gelernt, sehr genau auf die individuellen Eigenschaften unterschiedlicher 

Arten zu achten und ihre Farben und ihr Aussehen zu studieren. Diese Art der Konzentration 

hat mir Ruhe und Frieden gegeben, Gefühle, die ich in meiner botanischen Kunst 

ausdrücke und wiedergebe.

Seit ich meine Werke in sozialen Medien veröffentliche, ist ein kommerzielles 

Interesse daran entstanden. Aber immer noch fühle ich mich vor allem dann ganz 

in meinem Element, wenn ich an privaten Projekten arbeite. Wasserfarben sind 

meine Zuflucht, in der ich in einen Flow geraten und ruhig werden kann. Dieses 

wertvolle Gefühl hat mein Leben ungemein bereichert. Mit diesem Buch möchte 

ich auch Sie inspirieren, einen Pinsel zur Hand zu nehmen und ruhig zu werden. 

Machen Sie das Malen zu einem meditativen Ort, an dem es keine Angst vor dem 

Scheitern gibt, sondern nur Achtsamkeit und Verbundenheit. Ich möchte mein Wissen 

aus dem Kunststudium und aus meiner Arbeit im Bereich Design und Malerei 

mit Ihnen teilen. Sie können immer dann darauf zurückgreifen, wenn Sie vor einer 

neuen Herausforderung stehen. Doch besonders wichtig ist mir, dass Sie all die 

wunderbaren Vorteile des Malens genießen. Erleben Sie das Wohlgefühl, das dabei 

entsteht, vor allem, wenn Sie sich auf die Natur in Ihrer Umgebung konzentrieren.

Warum Natur malen? 

Urbanisierung und Technologie dominieren unser Leben immer deutlicher. 

Wir laufen Gefahr, unsere emotionale Verbindung zur Natur zu 

verlieren und sie als selbstverständlich hinzunehmen. Wertschätzung 

und Fürsorge für die Natur kommen dabei häufig zu kurz. 

Aber wir brauchen die Natur nicht nur zum Überleben. Nachweislich 

wirkt sich der Aufenthalt in der Natur positiv auf unsere Stimmung 

und unser Wohlbefinden aus. Gartenarbeit ist, genauso wie künstlerische 

Tätigkeit, besonders vorteilhaft. Zwar können nicht alle 

Menschen einen Garten besitzen, vor allem wenn sie in der Stadt 

wohnen, aber einen Farbkasten und einen Pinsel gibt es überall! 

9

Sich mit der Natur verbinden 

Es genügt nicht, wenn ein Künstler ein persönliches Porträt malen 

möchte, bloß die Gesichtszüge seines Modells perfekt zu kopieren, 

vielmehr muss er seine Persönlichkeit kennen, um das wahre Wesen 

diese Menschen einfangen zu können. Das Gleiche gilt für die Natur: 

Sie müssen genau hinschauen, sie berühren und riechen, um ihre 

wundervollen Eigenschaften malen zu können. 

10 Gelassenheit durch Malen

Als ich mit Wasserfarben zu malen 

begann, wählte ich Motive aus der 

Natur aus und war ständig auf der 

Suche nach Inspiration. Für das Auffinden 

neuer Perspektiven auf meinen 

Gegenstand bin ich sehr oft nach 

draußen gegangen und habe viel über 

die Pflanzen im Garten und in meinem 

Haus erfahren. Es genügt nicht, die 

Natur als Hintergrund wahrzunehmen. 

Wenn Sie genau hinschauen, finden Sie 

immer wieder neue Aspekte. 

Kann man Natur malen? 

11

Ihre kreative Reise 

Zu Beginn einer kreativen Reise ist der innere Kritiker bei den 

meisten Menschen sehr präsent und weist immer wieder auf die 

Dinge hin, die schiefgegangen sind. Mein Tipp: Bringen Sie diese 

Stimme zum Schweigen, indem Sie sich auf den Prozess konzentrieren. 

Allein die Tatsache, dass Sie ein Kunstwerk erschaffen 

möchten, zeigt, dass Ihnen Ästhetik wichtig ist und Sie etwas 

Schönes herstellen möchten. 

Die »Kompetenzlücke« ist der Unterschied zwischen Ihren Fertigkeiten 

und der Fähigkeit, das zu tun, was Ihnen Freude bereitet. 

Um diese Lücke zu schließen, brauchen Sie Zeit und Übung – Ihre 

ersten Arbeiten werden keine Meisterwerke sein. Viele Menschen 

geben in diesem Stadium schnell auf, weil sie an ihrem kreativen 

Können zweifeln. Das ist ein großer Fehler! Vertrauen Sie auf den 

Prozess und hören Sie nicht auf zu üben. 

Bis Sie das Malen mit Wasserfarben beherrschen und sich der 

ersehnte magische Moment einstellt, könnte es eine Weile dauern, 

und zu warten, kann frustrieren. Deshalb verrate ich Ihnen 

einen Trick, den ich anwende, wenn mein Erfolgserlebnis in weite 

Ferne zu rücken scheint: Malen Sie etwas ganz Einfaches, das 

nicht misslingen kann. So können Sie die Wasserfarben in Kreisen 

oder schlichten Formen verlaufen lassen und das Ergebnis genießen. 

Damit schaffen Sie nicht nur etwas Schönes, sondern es ist 

auch eine gute Übung, die Ihnen den Umgang mit komplexeren 

Formen und Ideen näherbringt. 

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PERFEKTE UNVOLLKOMMENHEIT 

Nichts ist perfekt. Dennoch sind wir ständig auf der Suche nach Vollkommenheit. 

Das ist für einen Künstler nicht nur entmutigend, sondern 

führt auch nicht immer zum besten Ergebnis. Dazu möchte ich Ihnen die 

folgende Geschichte erzählen: 

Ein Zen-Meister hatte einen wunderschönen 

Garten, den er sehr liebte und 

sorgsam pflegte. Der Meister hatte 

einen Lehrling, den er anwies, den 

Garten zu pflegen und vollkommen zu 

machen. Der Lehrling tat dies mit großer 

Präzision, er jätete Unkraut, schnitt das 

Gras, beschnitt die Bäume und harkte 

den Boden. Der Meister schaute sich 

den Garten an und sagte: »Sehr gute 

Arbeit, aber es ist noch nicht vollkommen.« 

Der Lehrling bemühte sich noch 

mehr, alles perfekt zu machen, aber 

der Meister sagte immer das Gleiche. 

Eines Tages erwiderte der Lehrling: »Ich 

gebe auf. Bitte sagen Sie mir, was ich 

tun muss, damit der Garten vollkommen 

wird.« Der Meister ging zu einem Baum 

und schüttelte ihn, bis einige Blätter zu 

Boden fielen. »Jetzt ist er vollkommen.« 


Allzu perfekte Arbeiten sehen künstlich 

und unnatürlich aus. Sie nehmen 

der Natur ihre Schönheit, die perfekt 

unvollkommen ist. 

Unvollkommenheit ist natürlich, ehrlich, 

menschlich und einschätzbar. Um 

eine Verbindung zu anderen Menschen 

aufzubauen, teilen wir unsere Mühen 

und Fehler mit ihnen. Daher sollten 

wir uns mit diesen Mängeln abfinden, 

anstatt das Unmögliche möglich 

machen zu wollen. 

Der englische 

Garten 

Zu meinen Lieblingsorten gehören britische 

Gärten mit ihrem wilden Charakter. 

Hier erkennt man die Hand des Menschen 

– Landschaftsgärtner bringen all 

ihr Wissen und ihre Kunstfertigkeit auf, 

um die Pflanzen anzuordnen und etwas 

Schönes zu erschaffen –, aber sie sehen 

natürlich und frei aus, ganz als ob alles 

rein zufällig so gewachsen sei. Ähnlich 

ist es mit Wasserfarben: Man versucht 

immer, ein Gleichgewicht zwischen der 

frei verlaufenden Farbe und dem eigenen 

kreativen Ausdruck zu finden. 

IHRE Kreative Reise 

15

IHR STIL 

Muss ein Künstler einen eigenen Stil haben? Auf diese Frage gibt es, 

wie bei den meisten Dingen im Leben, keine richtige Antwort. Nichts 

ist nur schwarz oder weiß. 

Ein Künstler mit einem eigenen Stil ist 

wiedererkennbar und zieht vielleicht 

auch eher Aufträge an Land. Aber 

wenn Sie zu früh versuchen, einen Stil 

zu entwickeln, kann das tödlich für Ihre 

Kreativität sein. 

Entwickeln Sie Ihren eigenen Stil 

schrittweise und vorsichtig und lassen 

Sie genug Raum, um Neues auszuprobieren. 

Im Übrigen haben Sie überall 

im Leben, bei allen Dingen, die Sie entscheiden, 

einen »Stil« entwickelt: Ihre 

Kleidung, Ihre Deko, die Kunstwerke, 

die Sie sich anschauen, und auch Ihr 

Charakter – sind Sie ein eher ruhiger 

oder aktiver Mensch? 

Mögen Sie Muster? Oder finden Sie 

gedeckte Farben schöner? Bevorzugen 

Sie eine offene Art oder vorsichtiges 

Vorgehen? 


Ihre Sicht der Dinge 

Ihr Stil entwickelt sich genauso wie 

Ihr Pinselstrich. Die Kompetenzlücke 

schließt sich nur durch Übung. Viele 

erfolgreiche Künstler haben sich einen 

einfachen, naiven oder lockeren Stil 

angeeignet, der scheinbar von jedem 

imitiert werden kann (stimmt aber 

nicht!). Natürlich können Sie diese 

Künstler kopieren, aber viel schwieriger 

ist es, etwas Eigenes zu produzieren. Ich 

habe ein paar Tipps zusammengestellt, 

wie Sie Ihren eigenen Stil entwickeln 

können. 

˚ 

˚ 

Verwenden Sie Ihre Lieblingsfarben. 

Das macht nicht nur zufrieden, sondern 

Sie entwickeln so auch eine 

individuelle Farbpalette. 

Wiederholen Sie Pinselstriche. Wenn 

Sie einen Pinselstrich, also eine 

Form oder ein Muster, entdeckt 

haben, der Ihnen richtig gut gefällt, 

setzen Sie ihn nicht nur einmal ein. 

Wiederholen Sie Ihre Entdeckungen 

immer und immer wieder. 

˚ 

˚ 

Lassen Sie Ihre Erfahrungen einfließen. 

Ist Ihr Tastsinn besonders 

ausgeprägt? Dann konzentrieren 

Sie sich in Ihren Bildern auf unterschiedliche 

Oberflächen. 

Experimentieren Sie und bringen 

Sie immer etwas Neues in Ihre 

Kunst, um sich selbst zu motivieren 

und Ihre Werke zu lieben. 

IHRE Kreative Reise 

17

Erste Schritte 

mit Wasserfarben 

Wasserfarben haben einen großen Vorteil: Um mit dem Malen loszulegen, 

benötigen Sie keine große Ausrüstung. Dennoch werden 

Sie sich, wie die meisten Künstler, mit der Zeit wahrscheinlich 

einige schöne neue Farben, Pinsel und viele andere Dinge gönnen, 

die Sie nicht unbedingt brauchen. Absoluten Anfängern empfehle 

ich, mit nur wenigen Dingen zu beginnen und nicht gleich eine 

große Ausstattung anzuschaffen. Warum? Als Neuling der Malerei 

mit Wasserfarbe müssen Sie erst einmal herausfinden, was Sie 

brauchen. Die angesagten Farben sind nicht unbedingt die Farben, 

die Sie am meisten mögen werden. 

Besitzen Sie einen Schal, der zu fast allen Ihren Kleidungsstücken 

passt, oder einen Stift, mit dem Sie sehr gut und schön schreiben 

können? Mit künstlerischem Zubehör ist es nicht anders – Meine 

Lieblingsfarben gehen mir nie aus. Ihre Pigmentkonzentration ist 

immer richtig. Wenn ich mit diesen Farben male, ist das Ergebnis 

immer so, wie ich es mir vorstelle. Finden Sie das Zubehör, mit den 

Ihnen das Malen jeden Tag Spaß macht. 

19

MATERIALIEN 

Wasserfarben 

Es gibt Wasserfarben in Kästen und 

Tuben. Wofür Sie sich entscheiden, 

hängt von Ihrer Erfahrung ab. Anfängern 

empfehle ich, einen Kasten mit 

höchstens 12 Näpfchen zu kaufen, der 

alle wichtigen Farben enthält. Mit der 

Zeit werden Sie feststellen, dass Sie 

einige Farben häufiger verwenden als 

andere. Wenn Sie beginnen, Ihre eigene 

Farbpalette zusammenstellen, fängt 

es an, Spaß zu machen. Kaufen Sie 

einzelne Farben, aus denen eine persönliche 

Farbpalette entsteht, die Ihren 

Geschmack widerspiegelt und Ihren Stil 

unterstützt. 

Ich bevorzuge Tubenfarben, weil Tuben 

mehr Farbe enthalten. Ich kaufe einzelne 

Tuben, quetsche die Farben auf 

eine Kunststoffpalette (die dann völlig 

mit Farbe bedeckt ist) und lasse sie 

über Nacht trocknen. Auf die Rückseite 

der Palette schreibe ich die Namen 

und Marken der Farben, um sie beim 

Nachkauf parat zu haben. Sie sollten 

sich nicht auf bestimmte Marken festlegen, 

sondern die Farben kaufen, die 

Sie bekommen können. Professionelle 

Wasserfarben haben mehr Sättigung als 

der Schul-Wasserkasten und blassen 

nicht im Verlauf der Zeit aus. Falls Sie 

eine Farbe gekauft haben, die Ihnen 

nicht gefällt, oder einen Farbrest haben, 

nutzen Sie diese für Pinselübungen und 

Ausdrucksweisen, bei denen die Farbe 

keine Rolle spielt. 


Beim Malen mit Wasserfarbe benötigen Sie immer zwei Wasserbehälter 

– einen zum Abspülen der warmen Farben (Rot, Orange, 

Gelb) vom Pinsel und den anderen für die kalten Farben (Blau, 

Grün, Violett). So müssen Sie das Wasser nicht so häufig wechseln. 

In diesem Buch habe ich angegeben, welche Farben ich für 

die einzelnen Übungen verwendet habe. Aber natürlich können 

Sie andere ähnliche oder sogar vollständig andere Farben 

und Farbtöne verwenden. Die kreative Freiheit ist wichtig. Der 

Künstler reproduziert nie genau das, was er sieht – daher ist 

Ihre Farbwahl genauso passend wie meine! 

Erste Schritte mit Wasserfarben 

21

Pinsel 

Pinsel gibt es in unterschiedlichen 

Größen und mit verschiedenen Haaren. 

Jeder Pinsel erzeugt ein anderes Bild – 

probieren Sie es einfach aus. Als Anfän 

ger sollten Sie Rundpinsel guter Qualität 

in wenigen unterschiedlichen Größen 

verwenden und Ihre Sammlung langsam 

durch andere Pinselarten erweitern. 

Nummerierung von Pinseln 

Die Nummerierungen und Größen 

von Pinseln sind von Hersteller zu 

Hersteller unterschiedlich. Wenn Sie 

daher nicht mit dem System einer 

bestimmten Marke vertraut sind, 

wird der Vergleich oder der Kauf von 

Pinseln im Internet schwierig. Aber 

es ist leider noch komplizierter: Auch 

unterschiedliche Pinselarten des gleichen 

Herstellers können unterschiedliche 

Nummern haben. Rundpinsel 

haben zum Beispiel meist die Nummer 

000, 00, 0, 1, 2, 3, 4, 5 ... 30. Nr. 000 ist 

der dünnste und 30 der dickste Pinsel. 

In diesem System ist Nr. 4 recht dünn. 

Mop-Pinsel werden in der Regel von 

000 bis 12 nummeriert, Pinsel Nr. 4 ist 

dann also recht dick. Einige Pinselgrö 

ßen werden in Zoll angegeben, der Wert 

bezieht sich auf die Borstenbreite: zum 

Beispiel ¹⁄8 Zoll, ¼ Zoll, ¾ Zoll usw. 

Damit die Verwirrung nicht allzu groß 

wird, sollten Sie Ihr erstes Pinselset in 

einem Künstlerfachgeschäft kaufen. 

Sobald Sie das Nummerierungssystem 

einer bestimmten Marke besser kennen, 

wird es einfacher, die Größe auch beim 

Online-Einkauf einzuschätzen. Welchen 

dicksten Pinsel Sie benötigen, hängt 

davon ab, wie groß Ihr Bild werden soll 

(und natürlich von Ihrem Budget). Daher 

kaufe ich gern Pinselsätze anstelle 

einzelner Pinsel, da sie in der Regel alle 

Größen beinhalten, die man für Bilder im 

A4- oder A3-Format braucht. 

RUNDPINSEL 

SCHWERTPINSEL 

FLACHPINSEL 

OVALER PINSEL 

OVALER MOP-PINSEL

LINIERER 

Formen, Namen und 

Anwendungen 

Pinsel können aus Naturhaar, meist 

Zobel- oder Eichhornhaar, oder synthetisch 

gefertigt sein. Naturhaarpinsel 

sind weicher als Synthetikpinsel, 

nehmen mehr Wasser auf und können 

recht teuer sein. Synthetikpinsel sind 

fester. Damit eignen sie sich sehr gut 

zum Malen von Blumen, da sie die 

Form beibehalten und einen definierteren 

Pinselstrich ermöglichen. Es 

gibt viele hochwertige Ausführungen. 

Schauen wir uns einige Pinsel und ihre 

Anwendungen etwas näher an. 

RUNDPINSEL 

Ein runder Pinsel gehört zur Grundausstattung 

jeden Künstlers. Die 

Spitze kann stumpf oder spitz sein, 

und Sie können damit dünne und 

dicke Linien sowie zahlreiche unterschiedliche 

Pinselstriche malen. Er ist 

ideal, um lockere, gestenreiche Blumen 

zu malen, kann aber auch detailreiche, 

realistische Bilder erzeugen. 

SCHWERTPINSEL 

Die Haare dieses Pinsels sind im 

Winkel geschnitten, sodass Sie lange, 

spitze Blätter oder Grashalme damit 

malen können. Auch lassen sich Striche 

in einheitlicher Form und Größe 

damit malen, wenn Sie in Ihrem Bild 

zum Beispiel eine rhythmische Wiederholung 

einfügen möchten. 

MOP-PINSEL 

Ein Mop-Pinsel erfordert ein wenig Übung 

und eignet sich eher für fortgeschrittenere 

Künstler, ist aber ein wunderbares 

Zubehör zum Malen mit Wasserfarben. 

Seine weichen Borsten bewahren ihre 

scharfe Spitzenform und nehmen viel 

Wasser auf. Sie können damit zahlreiche 

unterschiedliche dünne und dicke Linien 

malen, zum Beispiel für Blätter oder Blüten, 

aber auch große Flächen ausfüllen. 

FILBERTPINSEL 

Ein Filbertpinsel ist flach und hat eine 

abgerundete Spitze. Er gehört nicht zu 

den Wasserfarbenpinseln, ist aber bei 

denjenigen, die gerne florale Motive 

malen, aufgrund seiner runden Form und 

des weichen, blütenähnlichen Pinselstrichs 

sehr beliebt. Mit der flachen Seite 

erzeugen Sie einen breiten Strich, mit der 

Seite eine runde, eher dünne Linie. 


23

OVALER MOP-PINSEL 

Dieser Pinsel hat eine ovale Form und 

nimmt viel Wasser auf. Er eignet sich 

zum Malen großer Flächen, zum Beispiel 

Himmel oder Wolken. Außerdem male 

ich mit diesem Pinsel gern abstrakte, 

runde Blumen. 

LINIERER ODER SCHLEPPERPINSEL 

Mit diesem Pinsel malen Sie kleine 

Details und lange, dünne Linien. Er hat 

lange Haare, mit denen Sie zum Beispiel 

sehr gut die Adern von Blättern malen 

können. Eine gute Ergänzung zu Ihrer 

Sammlung an »Blumenpinseln«, außerdem 

müssen Sie ihn nur selten in die 

Farbe tauchen. 

OVALER PINSEL ODER KATZENZUNGE 

Ein flacher Pinsel mit einer mittigen, 

dünnen Spitze, der sich gut zum Ausfüllen 

großer Flächen, aber auch zum 

Malen von Tropfenformen eignet. Er 

kann viele unterschiedliche dünne und 

dicke Linien erzeugen, sodass Sie damit 

zum Beispiel Rosen oder auch Blätter 

malen können. 

FLACHPINSEL 

Ein flacher Pinsel mit geraden, harten 

Haaren oder Borsten zum Malen von 

Flächen und dekorativen Linien. Mit dem 

in der Regel sehr akkuraten Pinselstrich 

lassen sich gut Muster malen. Dank 

der harten Borsten können Sie schöne 

Lifting-Effekte erzielen (siehe Seite 33). 

FILBERTPINSEL 

Jeder Künstler entwickelt eigene 

Anwendungsbereiche für die einzelnen 

Pinselarten. Keine Sorge also, wenn Sie 

den Pinsel anders einsetzen als vom 

Hersteller empfohlen. Probieren Sie alle 

möglichen und unmöglichen Pinselstriche 

aus, die Ihnen einfallen. 

Bitte pflegen Sie Ihre Pinsel sehr sorgfältig. 

Reinigen Sie sie nach dem Malen 

unter fließendem Wasser oder sogar 

mit Seife, falls sich die Farbe nicht löst. 

Wischen Sie den sauberen Pinsel mit 

einem Tuch oder Papiertuch trocken 

und bringen Sie ihn mit den Fingern wieder 

in Form. Bewahren Sie Pinsel immer 

mit den Haaren nach oben auf. 

MOP-PINSEL 


Mit Druck arbeiten 

Sie lernen Ihren Pinsel am besten kennen, 

indem Sie eine Druckübung durchführen. 

1. Tauchen Sie den Pinsel in halbfeuchte 

Farbe und zeichnen Sie nur 

mit der Pinselspitze eine Linie. Üben 

Sie dabei so wenig Druck wie möglich 

aus. Zeichnen Sie weitere Linien und 

erhöhen Sie den Druck mit jeder Linie, 

bis Sie die breiteste Linie gemalt 

haben, die mit dem Pinsel möglich ist. 

2. Nun malen Sie eine weitere Linie, 

erhöhen Sie den Druck schrittweise 

im Verlauf der Linie. Malen Sie bei 

viel Druck mit dem Pinselbauch, bei 

weniger Druck nur mit der Spitze. 

3. Wiederholen Sie diese Übung mit 

wellenförmigen Linien. So lernen 

Sie, wie Sie durch den Pinseldruck 

lockere, gestisch-expressive Blumenmotive 

malen. 

Papier 

Auf hochwertigem Baumwollpapier für 

Künstler wird Ihr Bild deutlich schöner. 

Zum Üben genügt einfaches Papier, 

aber auf kostengünstigem Papier können 

Details verloren gehen, und die 

Farben sehen häufig trübe aus. 

Es gibt kalt- und heißgepresstes 

Papier. Kaltgepresstes Papier ist texturierter, 

und es lässt sich ein wenig 

einfacher darauf malen. Es trocknet 

langsamer, wodurch sich das Pigment 

länger verteilen kann. Heißgepresstes 

Papier ist weicher, und ich mag es 

nicht so sehr. 

Das optimale Papiergewicht liegt bei 

300 g. Ein solches Papier nimmt viel 

Wasser auf, ohne zu wellen, ist aber 

nicht zu dick. 

Sie können Papierblöcke, Skizzenbücher 

und lose Blätter kaufen. 

Ich kaufe gerne große Blätter und 

schneide sie in kleinere Stücke. Das 

ist preiswerter und ich kann selbst 

entscheiden, welche Größe zu meinem 

Projekt passt. 


25

Weitere Hilfsmittel 

Investieren Sie in einige weitere Hilfsmittel, die für Sie 

nützlich sein können. 

Bleistifte und Radiergummi sollten 

Sie immer zur Hand haben. 

Mit Kreppband oder Klebeband für 

Künstler können Sie das Papier an 

einer Unterlage befestigen oder für 

einen sauberen Rahmen um das Bild 

sorgen. 

Abdeckflüssigkeit ist eine Art Kleber, 

den Sie auf Bereiche auftragen, auf die 

keine Farbe gelangen soll. Lassen Sie 

die Flüssigkeit vollständig trocknen und 

tragen Sie die Farbe auf. Wenn die Farbe 

vollständig getrocknet ist, können Sie 

die Flüssigkeit mit einem harten Radiergummi 

ablösen. 

Zum Auftragen der Abdeckflüssigkeit 

können Sie ein spezielles Werkzeug mit 

Silikonkopf kaufen oder einen sehr alten 

Pinsel verwenden. Nutzen Sie nie einen 

hochwertigen Pinsel, die Abdeckflüssigkeit 

kann ihn ruinieren. 


Mischpaletten sind Flächen, 

auf denen Sie den idealen 

Farbton mischen können. Entscheiden 

Sie sich auf jeden 

Fall für eine Porzellanpalette, 

damit die Farbe nicht klumpt, 

wenn kleine Tropfen oder 

Partikel trocknen. Verklumpte 

Farbe lässt sich nur sehr 

schwer mischen. 

Manchmal mische ich Wasserfarbe 

auch mit anderen Medien, 

die die Farbe für mein Gefühl 

anreichern. Mit Gouache oder 

einem Posca-Stift (0,7 mm) 

zeichne ich weiße Hervorhebungen 

auf dunkle Farbe. Im Verlauf 

der Jahre habe ich viele unterschiedliche 

Gelstifte ausprobiert, 

aber der Posca-Stift ist der Einzige, 

der nicht unsichtbar wird. 

Gouache ist eine Wasserfarbe, aber viel 

deckender. Sie können sie wie gewohnt 

mit Wasser und anderen Wasserfarben 

mischen oder als dickere Schicht über 

die Wasserfarbe auftragen. Hierzu müssen 

Sie nicht unbedingt Weiß, sondern 

können auch andere Farbtöne verwenden. 

Meist male ich mit gelbem Ocker 

und Fleischfarbe als Alternative zu Weiß. 

Bleistift, Farbstifte, Pastellstifte in sanften Farben, Tintenstifte 

... es gibt unglaublich viele Medien, die Sie über oder mit 

Wasserfarben verwenden können. Jede Besonderheit wird Ihr Bild 

aufwerten und seinen erstaunlichen Reiz ausmachen. 


27

Techniken 

Techniken sind wie Musiknoten: Wenn Sie sie einmal verstanden 

haben, können Sie mit den Noten jedes Lied spielen oder singen und 

mit den Wasserfarben alle Ihre Ideen einfach zu Papier bringen. 

Wasserfarben sind wasserbasiert; Sie 

brauchen daher zum Malen viel Wasser. 

Wie viel Wasser Sie letztendlich benötigen, 

müssen Sie ausprobieren. Doch 

nach einigen Übungen werden Sie den 

Dreh recht schnell raushaben. 

Ein paar grundlegende Techniken 

sollten Sie jedoch kennen: Nass auf 

Trocken und Nass in Nass. Für Ihre 

Bilder werden Sie sehr wahrscheinlich 

eine Kombination dieser Methoden 

verwenden. 


Nass auf Trocken 

Halbfeuchte Farbe 

Mit leicht angetrocknetem Pinsel 

aufgetragene Farbe 

Bei der Nass-auf-Trocken-Technik wird 

nasse Farbe auf eine trockene Oberfläche 

aufgebracht. Dazu können Sie 

die nasse Farbe direkt auf das Papier 

oder auf ein bereits getrocknetes Bild 

auftragen. Nass auf Trocken bezeichnet 

in der Regel jede Malerei, bei der Farbe 

mit einem Pinsel auf eine trockene 

Oberfläche aufgebracht wird. Bei dieser 

Methode haben Sie viel Kontrolle über 

Ihr Motiv und können bequem mehrere 

Farbschichten auftragen. 

Mit sehr trockenem Pinsel 

aufgetragene Farbe

Nass in Nass 

Bei der Nass-in-Nass-Technik wird 

nasse Farbe auf ein feuchtes Blatt 

Papier oder auf einen noch nassen 

Farbbereich aufgebracht. Auch 

können Sie zwei nasse Farbbereiche, 

die sich berühren, ineinander 

verlaufen lassen. Das Ergebnis ist ein 

weiches Bild mit natürlichem Farbverlauf. 

Sie haben wenig Kontrolle über 

die Farbe. Welches Bild entsteht, ist 

ebenfalls ziemlich schwer vorhersehbar. 

Die Methode macht zudem viel Spaß, 

weil man zusehen kann, wie die Farbe 

verläuft. 

Unmittelbar auf einen nassen 

Kreis aufgetragene Farbe 

Kurz nach dem 

Antrocknen des Kreises 

aufgetragene Farbe 

Auf den leicht feuchten 

Kreis aufgetragene Farbe 

Zuerst befeuchten Sie das Papier mit 

einer regelmäßigen Schicht sauberen 

Wassers. Danach tauchen Sie den 

Pinsel in die Farbe und malen auf 

dem nassen Bereich. Schauen Sie zu, 

wie die Farbe verläuft. Das Ergebnis 

hängt vom Farbe-Wasser-Verhältnis 

und von der Trockenzeit ab. Aus 

diesem Grund ist es wichtig, dass Sie 

viel experimentieren. Dazu testen Sie 

unterschiedliche Mengen Wasser und 

Farben unterschiedlicher Konsistenz. 

Tragen Sie die Farbe direkt auf dem 

Papier auf oder warten Sie, bis es leicht 

angetrocknet ist. Bei jedem Versuch 

entsteht ein anderes Bild. 

30 

Gelassenheit durch Malen

Wiederholen Sie Ihr Experiment mit 

anderen Farben. Befeuchten Sie das 

Papier zuerst mit einer Farbe und 

fügen dann eine andere Farbe hinzu. 

Sie werden feststellen, dass sich intensive 

und vor allem komplementäre 

Farben nicht so gut mit helleren Tönen 

mischen. 

Punkte auf 

einer nassen 

Oberfläche 

Zwei Farben treffen 

auf einer nassen 

Oberfläche zusammen 

direkt nach 1 Minute nach 2 Minuten nach 3 Minuten 

Befeuchten Sie das Papier und warten Sie 1 Minute (Sie können 

einen Timer einstellen). Tragen Sie die Farbe auf und sehen Sie 

zu, wie sie verläuft. Wiederholen Sie dies mit einer Wartezeit 

von 2 Minuten. Und so weiter. Notieren Sie sich die Wartezeiten 

neben dem Testergebnis, um später erkennen zu können, wie sich 

die Farbe nach einer bestimmten Zeit verhält. Achten Sie auf 

den Unterschied bei fast einer trockenen im Vergleich zu einer 

sehr nassen Oberfläche. 


31

effeKTE 

Lasieren 

Das Lasieren lässt sich am besten mit 

mehreren übereinandergelegten Glasstücken 

vergleichen. Mit jeder Schicht 

der gleichen Farbe wird der Farbton 

dunkler. Wenn Sie unterschiedliche 

Farben übereinanderlegen, entsteht – 

ähnlich wie beim Mischen von Farben 

auf einer Palette – eine neue Farbe. 

Wenn also Ihre Farbe nach dem Trocknen 

heller als erwartet ist, tragen Sie 

einfach eine weitere Schicht der gleichen 

Farbe auf. 

Lavieren (Verwaschtechnik) 

Beim Lavieren malen Sie zuerst Nass auf Trocken. Danach spülen Sie den 

Pinsel sorgfältig aus, tauchen ihn in sauberes Wasser und ziehen ihn von 

oben nach unten über die immer noch nasse Farbe. So entsteht ein hübscher, 

weicher Übergang. 


Lifting (Anheben) 

Mit dieser auch als Weichzeichnen 

bekannten Technik können Sie hellere 

und weichere Bereiche auf dem Bild 

erzeugen. Dazu nehmen Sie mit einem 

feuchten Pinsel einen Teil der noch 

nassen Farbe auf. Trocknen Sie den 

sauberen Pinsel mit einem Papiertuch 

ab, damit er noch feucht, aber nicht 

mehr allzu nass ist. Dann nehmen Sie 

an der Stelle Farbe auf, die Sie hervor 

heben möchten. Eventuell müssen Sie 

diesen Schritt mehrmals wiederholen, da 

die Farben gern wieder in den hervorgehobenen 

Bereich läuft. Aber mit ein 

wenig Geduld können Sie einen schönen, 

weichen Effekt erzeugen. Je trockener 

Sie auf das Papier malen, desto mehr 

Pigment können Sie anheben bzw. entfernen. 

Daher sollten Sie immer ein wenig 

warten, bis Sie mit dem Lifting beginnen. 

Einen bestimmten Bereich anheben 

Den gesamten bemalten Bereich anheben 

Anstelle des Pinsels können Sie auch 

ein Tuch verwenden – tupfen Sie einfach 

mit einem trockenen Tuch auf die 

nasse Farbschicht. Ist die Farbe noch 

ganz frisch und nass, können Sie sie 

vollständig entfernen. So lassen sich 

auch wunderbar Fehler oder ungewollte 

Spritzer entfernen. Aber beachten Sie, 

dass ein Tuch im Vergleich zu einem 

hochwertigen Pinsel eine sehr scharfe 

Kante hinterlassen kann. 


33

Blumenkohl-Effekt 

Der Blumenkohl-Effekt wird mit einem 

Überschuss an Wasser erzeugt und 

verleiht dem Bild eine schöne Oberfläche. 

Diesen Effekt streben Künstler 

in der Regel entweder sehr bewusst 

an oder sie wollen ihn unbedingt 

vermeiden. Im Allgemeinen ist dieser 

junge Trend recht beliebt, denn er 

erzeugt viel Spannung im Bild – eine 

wirklich unvorhersehbare Methode. 

Bestenfalls entsteht der Effekt als ein 

geglückter Zufall. Aber sie können ihn 

auch bewusst erzeugen, indem Sie viel 

Wasser auf eine sehr dicke Farbschicht 

auftragen. Sie können das Wasser in die 

Farbe tropfen lassen oder durch Streichen 

einen Farbverlauf erstellen. 



35

Das Zusammenspiel 

der Pigmente 

Experimentieren Sie mit unterschiedlichen Effekten der Wasserfarbenmalerei 

– natürlich müssen Sie alle erst einmal ausprobieren. 

Eine einfache Übung, mit der Sie das 

Zusammenspiel der Pigmente gut kennenlernen, 

ist das Malen von Kreisen. Es 

hat eine sehr therapeutische Wirkung, 

verkörpert der Kreis an sich bereits 

reine Harmonie. 

Wenden Sie alle Techniken aus den 

vorherigen Kapiteln an. Aus den Kreisen 

können Sie sogar Planeten machen, 

indem Sie einfach ein paar Details 

hinzufügen. 

Probieren Sie alle Möglichkeiten der 

Nass-in-Nass-Technik aus und erkunden 

Sie unterschiedliche Farbe-Wasser-Verhältnisse 

und Trockenzeiten. Sie denken, 

Sie wissen intuitiv, wie viel Wasser 

Sie nehmen oder wie lange Sie die Farbe 

trocknen lassen müssen, bevor Sie eine 

neue Farbe auftragen können? Falsch! 

Dieses Wissen erwerben Sie nur, indem 

Sie malen und durch Übungen wie diese, 

die Sie immer und immer wiederholen. 


Das Schönste am Malen sind glückliche Zufälle! Vielleicht 

haben Sie zu viel Wasser aufgetragen, damit aber einen schönen 

Effekt erzielt. Oder Sie haben die nächste Farbschicht zu früh 

auf die noch zu nasse vorherige Schicht aufgetragen und 

damit eine sehr interessante Textur geschaffen. Aus manchem 

»Unfall« wird eine Technik, mit der Sie Ihren individuellen 

Stil vervollkommnen können. 


37

Farbe 

Wir sind uns einig darin, dass Farbe das wichtigste Element 

eines Kunstwerkes ist. Sie transportiert Stimmungen und 

Gefühle schneller als jede Form und jedes Wort. 

Im Verlauf der Jahrhunderte wurden 

viele komplizierte Farbtheorien entwickelt. 

Geht es aber darum, wann 

welche Farbe eingesetzt wird, entscheiden 

wir nach Geschmack oder 

Vorliebe. Mit Farben kann der Künstler 

ein Statement abgeben. Setzt er 

sie aber nicht mit größter Sorgfalt 

ein, können sie das Bild auch kaputt 

machen. 

Eine der schönsten Eigenschaften von 

Wasserfarben ist, dass sie auf dem 

Papier verlaufen und sich mischen, 

wodurch wundervolle Formen entstehen. 

In diesem Kapitel schauen wir 

uns die Grundlagen von Farben an und 

überlegen, wie Sie Farben optimal einsetzen 

können. 


Wasserfarbe und Weiß 

Beim Malen mit Wasserfarbe ist eigentlich nur das Papier weiß. Wenn Sie den Ton 

einer anderen Farbe verändern möchten, fügen Sie mehr Wasser hinzu. Diese Technik 

müssen Sie unbedingt üben – am besten, indem Sie viel experimentieren. Sie 

werden überrascht sein, wie viel Wasser Sie brauchen, um eine Farbe aufzuhellen. 

Bringen Sie eine sehr dicke Schicht 

einer beliebigen Farbe auf Ihre Palette 

auf. Malen Sie aus dieser Farbe einen 

Pinselstrich auf das Papier: So sieht 

der natürliche Zustand der Farbe aus. 

Fügen Sie nun auf der Palette etwas 

Wasser hinzu und malen Sie erneut 

einen Strich auf das Papier. Fügen Sie 

der Farbe nach und nach immer mehr 

Wasser hinzu und beobachten Sie, wie 

sie immer heller wird. Wenn sich die 

Farbe durch Hinzufügen von Wasser 

nicht weiter aufhellt, waschen Sie den 

Pinsel ein wenig aus und malen Sie 

mit dem übrigen Pigment einen Strich 

auf das Papier. Wiederholen Sie diesen 

Schritt, bis Sie fast nur noch mit Wasser 

und einem Hauch Farbe malen. 

Beim Malen empfiehlt es sich, die gesamte Farbpalette zu nutzen, die Sie 

mithilfe von Wasser erstellen können. Legen Sie sich nicht auf die mittleren 

Farbtöne – also auf die Farben, die nicht zu dunkel oder zu hell sind – fest. 

Viele Wasserfarbkästen enthalten weiße Farbe. Aber wenn Sie 

eine Farbe mit Weiß mischen, bekommt sie eine schwerfällige 

Textur und wirkt eher kalkig. Weiße Farbe sorgt dafür, dass 

die Wasserfarbe ihre natürliche Transparenz verliert. 


39

Farben mischen 

Das Farbrad ist ein tolles Hilfsmittel, 

wenn Sie Farben mischen oder Farbharmonien 

finden möchten. Gelb, Rot 

und Blau sind die Primär- oder Grundfarben. 

Theoretisch können Sie durch 

Kombinieren dieser Farben alle Farben 

herstellen. Tatsächlich ist das aber gar 

nicht so einfach; viele Farbtöne wie 

Türkis, Gold oder Magenta lassen sich 

nämlich nur schwer zusammenmischen 

(und das ist auch, ehrlich gesagt, nicht 

der Mühe wert). 

Primärfarben 

Primär- und Sekundärfarben 

Wenn Sie zwei Primärfarben mischen, 

entsteht eine Sekundärfarbe. Sekundärfarben 

sind Orange (Gelb + Rot), 

Violett (Rot + Blau) und Grün (Blau + 

Gelb). Beim Mischen von Primär- mit 

Sekundärfarben entstehen Tertiärfarben. 

Mischen Sie Farben, die auf dem Farbrad 

nebeneinander liegen, entstehen 

ganz unterschiedliche Farbtöne. Die 

Mischung aller drei Primärfarben in 

gleichem Verhältnis ergibt eine sehr 

dunkle, fast schwarze Farbe, da sich 

die Farben neutralisieren. 


Je mehr Farben Sie mischen, desto matter wird der Farbton. 

Daher sollten Sie maximal drei Pigmente kombinieren – zwei 

sind optimal. Wenn Sie nur wenige Farben kombinieren, 

werden die Farben satter. Diese Sättigung ist beim Malen 

mit Wasserfarben wichtig, weil Wasserfarben in der Regel 

recht matt werden, wenn sie trocknen. 


41

Zarte Farbtöne 

Wenn Sie dezentere Farbtöne ausprobieren 

möchten, fügen Sie einer Farbe 

schrittweise ein paar Tropfen von einer 

anderen Farbe hinzu. Beginnen Sie 

dabei immer mit der helleren Farbe und 

reichern Sie sie nach und nach mit der 

dunkleren an. Auf diese Weise werden 

Sie viele neue und großartige Farben 

entdecken. 

Neapelgelb 

Scharlachrot 

Farben neutralisieren 

Möchten Sie eine weniger satte Farbe 

erzielen, dann fügen Sie eine Komplementärfarbe 

hinzu (siehe Seite 45). Hier 

können Sie sehen, was passiert, wenn 

Sie der Farbe Pink nach und nach Grün 

beimischen. Je mehr Grün hinzukommt, 

desto mehr verliert das Pink seine Sättigung 

(Intensität), bis es schließlich ein 

sehr staubiges Pink ist. 


Warme und kalte Farben 

Farben können warm oder kalt sein. 

Für eine gute Farbharmonie sollten 

warme und kalte Farben im Bild in 

einem ausgeglichenen Verhältnis stehen. 

Bilder in wärmeren und kälteren 

Farben erzeugen unterschiedliche 

Emotionen. Doch zunächst sollten Sie 

wissen, wie Sie warme und kalte Farben 

unterscheiden können. Farben, 

die an Feuer erinnern – Gelb, Orange, 

Rot –, sind warme Farben, während 

Farben, die mit dem Kosmos assozi 

iert werden – Violett, Blau, Smaragdgrün 

–, zu den kalten Farben gehören. 

Grün kann sowohl warm als auch kalt 

sein, je nachdem, wie viel Blaupigment 

es enthält. Am einfachsten stellen Sie 

fest, ob eine Farbe kalt oder warm ist, 

wenn Sie sie anschauen und überlegen, 

wie Sie sich dabei fühlen. Die 

Begriffe »warm« und »kalt« sind dabei 

nur relativ, da jede einzelne Farbe 

kältere und wärmere Töne hat. 


43

Farbharmonien 

Werfen wir noch einen kurzen Blick auf einige Farbharmonien. Dazu stelle 

ich Ihnen meine Favoriten vor, die auch häufig in der Natur anzutreffen sind. 

Analoge Farben 

Analoge Farben liegen auf dem Farbrad 

nebeneinander. Sie bestehen aus ähnlichen 

Pigmenten und passen immer 

gut zusammen. In der Natur erzeugen 

analoge Farben häufig ein angenehmes 

Gefühl – denken Sie nur an gelbes, 

oranges und rotes Herbstlaub oder einen 

leuchtenden Sonnenuntergangshimmel 

in Blau, Violett und Pink. Ein Bild in analogen 

Farben wirkt immer sehr harmonisch. 


Komplementärfarben 

Komplementärfarben liegen einander 

gegenüber auf dem Farbrad. Sie 

kontrastieren und scheinen zu leuchten, 

wenn Sie nebeneinander verwendet 

werden. In der Natur finden sich viele 

Komplementärfarben, zum Beispiel ein grüner 

Strauch mit roten Beeren, violette und gelbe 

Stiefmütterchen oder das bunte Federkleid 

eines tropischen Vogels. 

Auf einem Bild wirken zwei Komplementärfarben 

nicht automatisch harmonisch. 

Harmonie entsteht, wenn eine 

Farbe einen kleinen Teil der anderen 

Farbe enthält. Fügen Sie Rot zum Beispiel 

ein klein wenig Grün hinzu, wird 

Rot zwar etwas neutralisiert, passt 

dafür aber besser zu Grün. Aus diesem 

Grund sind weniger gesättigte Farben 

für das Auge oft angenehm und beruhigend, 

während leuchtende Farben zwar 

energiegeladener, dafür aber schwerer 

auszugleichen sind. 


45

Farbfilter 

Wenn die Sonne im Herbst recht tief 

steht, sieht alles ein wenig wie in Gold 

getaucht aus. Ein magischer Moment – 

denn durch die Position der Sonne wirkt 

alles wärmer und weicher, ganz als ob 

jemand einen Hauch von Gelb aufgetragen 

hätte. Deshalb sehen auch Fotos 

mit einem Filter so viel schöner aus – der 

Filter legt eine einheitliche Farbe über 

das Bild. Fügen Sie beim Zusammenstellen 

Ihrer Farbpalette jeder Farbe, die 

Sie verwenden möchten, ein klein wenig 

einer anderen Farbe hinzu, damit Ihr Bild 

kohärenter, stimmiger wird. 

Für ein Bild mit Pilzen zum Beispiel 

sollten Sie also jeder Farbe ein klein 

wenig Goldbraun beimischen. 


Farbproportion 

Wollen Sie wissen, wie Sie Ihr Bild ganz 

einfach vermasseln können? Wenn Sie 

in zu vielen ganz unterschiedlichen 

Farben malen! 

Für eine gut ausgewogene Farbharmonie 

sollten Sie helle, neutrale, 

dunkle und Pastelltöne von nur zwei 

oder drei Farben verwenden. Neutrale 

und pastellene Farben machen helle 

Farben knalliger, während dunkle Farben 

Kontrast erzeugen und den Blick 

auf die hellen Farben lenken. 

Auch die Proportion spielt eine wichtige 

Rolle. Im Innendesign gilt die 60-30-10- 

Regel und sie ist auch auf die Malerei 

anwendbar. Die Hauptfarbe Ihres Bildes 

sollte zu 60 Prozent vertreten sein, die 

zweite Farbe zu 30 und die Akzentfarbe 

zu 10 Prozent. Einfacher gesagt: Verwenden 

Sie eine große Menge einer Farbe 

oder Farbgruppe in Ihrem Bild und eine 

kleinere Menge der zweiten Farbe. Die 

dritte Farbe fügen Sie nur hier und da 

hinzu. Das ist besonders wichtig, wenn Sie 

ein Bild in mehreren Farben malen, von 

denen eine oder zwei dominieren sollen. 

60 % 30 % 10 % 

Wählen Sie immer Farben aus beiden Seiten des Farbrades aus, 

die aber nie im gleichen Verhältnis erscheinen sollten. So können 

Sie zum Beispiel vier unterschiedliche Farbtöne verwenden, aber 

jeweils nur zwei Töne der gleichen warmen Farbe. 


47

Farbmuster erstellen 

Nun habe ich eine lustige und praktische 

Übung für Sie. Sie haben bestimmt 

schon bemerkt, dass Wasserfarben im 

nassen und trockenen Zustand ganz 

anders aussehen. Schon oft dachte ich, 

das perfekte Bild mit schönen Farben 

gemalt zu haben, um nach dem Trocknen 

festzustellen, dass die Farben matt 

und schmutzig aussehen. Um solche 

unschönen Überraschungen zu vermeiden, 

sollten sie Muster Ihrer Farbmischungen 

an fer tigen. 

neutral 

Opernrosa Ultramarinblau 

Umbra 

Siena 

gold 


Solche Farbmuster haben verschiedene 

Vorteile: 

˚ 

Sie lernen Ihre Farben besser 

kennen. 

Sie sehen, wie die Farben nach 

dem Trocknen aussehen. 

Sie können Ihre Farbharmonien 

vorausplanen. 

Beim Mischen machen Sie völlig 

neue Entdeckungen. 

Sie können die Farben, die Ihnen 

gefallen, zukünftig erneut mischen. 

Es ist egal, wie Sie Ihre Muster 

anordnen. Wichtig ist nur, dass Sie 

die Farbmischungen aufschreiben 

und die dunkle und helle Version der 

einzelnen Farben notieren, denn es 

kann vorkommen, dass Sie nur eine 

Version verwenden möchten. 

Auch können Sie einen Papierstreifen 

mit zwei oder mehr Farben bemalen 

und beobachten, wie die Farben aufeinander 

reagieren und sich mischen. 

Siena + Scharlach 

Braun + Scharlach 

Siena + Roségold 

Siena + Opernrosa 

Umbra + Deep Gold 

Umbra + Dunkelrot 

Roségold + Umbra 

Permanent Rose + Rose Dore 

Orange + Umbra 

(Umbra + Dunkelrot) + Rose Dore 

Farbmuster erleichtern Ihnen den Einstieg, wenn Sie vor 

einem leeren Blatt Papier stehen. Malen Sie zuerst zufällige 

Farbmischungen und lassen Sie sich dann zu weiteren 

Experimenten inspirieren! 


49

Von der Natur inspiriert 

Halten Sie Ausschau nach hübschen 

Farbharmonien, egal wohin Sie gehen 

oder wo Sie gerade sind. Betrachten Sie 

Blumen, Bäume oder den Himmel im 

Morgengrauen – dabei werden Ihnen die 

besten Ideen kommen. 

Fotografieren oder notieren Sie sich die 

Farben, die Ihnen am besten gefallen. An 

Tagen, an denen die Inspiration Sie verlässt, 

werden Sie froh darüber sein. 


Farbpalette einschränken 

Zu viele Farben sind ein Garant für eine 

Katastrophe! Viele Illustratoren konzentrieren 

sich auf eine kleine Farbpalette. 

Ich selbst weiß aus Erfahrung, dass ein 

Bild mit wenigen Farben eindringlicher 

wirkt und viel schöner aussieht. 

Gibt es zu viele Elemente in Ihrem Bild, 

weiß der Betrachter nicht, wohin er 

schauen soll, und verliert das Interesse. 

Auch in der Natur weist kaum ein Ding 

alle Farben des Regenbogens auf (mit 

Ausnahme eines Regenbogens natürlich). 

Malen Sie maximal mit sechs oder sieben Tönen von zwei 

Farben, zum Beispiel mit zwei unterschiedlichen Grüntönen 

und vier unterschiedlichen Pinktönen. 

51

Mit Farben eine 

Geschichte erzählen 

Farben wecken emotionale Assoziationen 

und beeinflussen Ihre Stimmung. 

Achten Sie einmal darauf, welch unterschiedliche 

Gefühle warme und kalte 

Töne einer Farbe in Ihnen hervorrufen. 

Überlegen Sie für Ihr nächstes Projekt, 

welche Stimmung Sie vermitteln möchten, 

und planen Sie Ihre Farbpalette 

entsprechend. Wenn Sie die Ruhe der 

Natur hervorheben möchten, nehmen 

Sie Moosgrün, Rauchgrau, Creme oder 

Dunkelbraun. Ein Gefühl von Magie entsteht 

durch Violett, Schwarz und Türkis. 

Sehr dunkle und satte Farben erzeugen 

eine düstere Stimmung im Kunstwerk. 


Die Wahl der Farben ist eine sehr persönliche Entscheidung. 

Wählen Sie Kombinationen, die Sie mögen und mit denen Sie 

sich verbunden fühlen. Die Qualität Ihres Bildes wird es 

Ihnen danken. 


53

EXPERIMENTE 

Kakteen 

Kakteen zu malen macht richtig Spaß, 

ist einfach und eine wunderbare Übung 

zum Spiel der Farben. Experimentieren 

Sie mit analogen Farben, zum Beispiel 

mit Grün- und Blautönen, oder mit Komplementärfarben, 

indem Sie Rot und 

Grün nebeneinandersetzen. Achten Sie 

auf das Verhältnis der Farben, vor allem 

bei den Akzentfarben – sie sollten nicht 

übermächtig werden. 


Verwenden Sie nicht nur konventionelle 

Farben, sondern lösen Sie sich 

vom realistischen Motiv und malen Sie 

Ihre Kakteen in Ihrer Lieblingsfarbe. 


55

Vereinfachte Formen 

Die Regeln der Gestaltpsychologie 

besagen, dass Gegenstände nicht 

immer präzise dargestellt werden 

müssen. Das Gehirn füllt Lücken auf 

und kann einfache Objekte sehr gut 

interpretieren. 

Wenn Sie einen roten Kreis mit einem 

Blatt malen, erkennt das Gehirn mühelos 

einen Apfel, selbst wenn einige 

Details fehlen. 

Malen Sie nur die allernötigsten 

Details Ihrer Motive und denken 

Sie daran: Das, was Sie malen, ist 

genauso wichtig wie das, was Sie 

nicht malen. Auch weiße Lücken 

können eine Form gut beschreiben 

und bestimmte Stellen hervorheben. 

Einige Punkte können die Textur des 

Gegenstands andeuten und alles 

andere der Vorstellungskraft überlassen. 

Das simple Ganze betont seine 

Bedeutung. 


Wenn Sie Formen noch weiter vereinfachen 

und selbst interpretieren, »stilisieren« 

Sie sie. Damit verleihen Sie dem 

Bild Ihren persönlichen künstlerischen 

Ausdruck, der vielleicht nicht der Realität 

entspricht, aber für Ihren Stil typisch 

ist und trotzdem so viel über das Objekt 

verrät, dass es erkennbar ist. 


57

Motten 

Wenn Sie sich soweit fühlen, noch mehr 

zu experimentieren, versuchen Sie 

Schmetterlinge und Motten zu malen. 

Bei einem Besuch im Naturkundemuseum 

werden Sie erstaunt sein, wie 

viele Motten unterschiedlicher Größe 

und Form es gibt – und fast alle haben 

verschiedene Flügelmuster. Experimentieren 

Sie, indem Sie die Form vereinfachen, 

verschiedene Techniken und 

Farben ausprobieren. 


Mit Texturen 

experimentieren 

Unterschiedlich gestaltete Oberflächen 

machen Ihr Bild spannend. Bei meinen 

täglichen Spaziergängen sammle ich 

allerhand Dinge aus der Natur, um sie 

später zu malen. Mithilfe von Pinselstrichen, 

dem trockenen Pinsel, einem 

weißen Posca-Stift oder Spritzern 

lassen sich viele interessante Texturen 

wiedergeben. Häufig genügt auch hier 

ein kleiner Hinweis auf eine Textur. 


59

SICH INSPIRIEREN LASSEN 

Inspiration finden Sie überall – in den Dingen, die Sie sehen, Ihren Erfahrungen, 

die Sie machen und den Emotionen, die Sie empfinden. Doch 

leider kommt die Inspiration nie dann, wenn man sie am meisten braucht. 

Die besten Ideen werden geboren, wenn Sie sehr beschäftigt sind. Aber 

sobald Sie Zeit zum Malen finden, ist der Kopf oft wie leergefegt! Die 

Lösung: Sammeln Sie Gegenstände, Farben und Motive und heben Sie sie 

auf, damit Sie jederzeit etwas Inspirierendes zur Hand haben. 

Sammeln 

Kreativität besteht darin, etwas Be 

kanntes in ein neues Licht zu rücken. 

Darum ist es so wichtig, Dinge zu sammeln, 

denn auf diese Weise bauen Sie 

sich eine Bibliothek möglicher Motive 

und Ideen auf. Sie finden auf Ihrem 

Spaziergang im Park einen interessanten 

Tannenzapfen oder Samen oder am 

Meer eine Muschel oder einen Kieselstein? 

Nehmen Sie Ihren Fund mit nach 

Hause, und es wird Ihnen nie wieder 

an einer Inspiration fehlen. Sie können 

auch verschiedene Gegenstände zu 

einer Komposition zusammenstellen, die 

Sie anschließend malen. 

Es ist nicht immer möglich, Elemente aus 

der Natur einfach mit nach Hause zu nehmen, 

vor allem Blumen, an deren Wachstum 

jeder Mensch Freude haben soll. Aber 

in einem solchen Fall können Sie ein Foto 

von Ihrem Objekt machen. Dabei sollten 

Sie sich eher auf eigene Fotos verlassen 

als auf Fotos aus dem Internet, denn so 

können Sie verschiedene Perspektiven 

einnehmen und Details heranzoomen. 

Machen Sie überall Fotos – selbst an den alltäglichsten Orten kann 

es faszinierende Motive geben. Sie müssen nur genau hinschauen! 

Wenn die Inspiration dann mal ausbleibt, können Sie Ihre eigene 

Bibliothek durchforsten und ein Motiv auswählen. 


Gepresste Blumen und Pflanzen 

Eine Möglichkeit, die Schönheit von 

Blumen und Pflanzen zu bewahren, ist, 

sie zu pressen. Ihre vielen Fundstücke 

aus der Natur behalten häufig nicht 

sehr lange ihre Form. Wenn Sie Blätter, 

Samen und Blumen pressen, bleiben sie 

länger haltbar und Sie können sie jederzeit 

als Anschauungsobjekt verwenden. 

Gepresste Blumen verleihen Ihrem 

Kunstwerk auch eine ganz besondere 

Stimmung, denn das Pressen bringt Texturen 

und Eigenschaften zum Vorschein, 

die bei frischen Blumen in der Regel 

nicht erkennbar sind. Wahrscheinlich 

werden die Farben etwas dunkler und 

matter, doch die Adern treten besser 

hervor und die Blütenblätter werden 

häufig durchsichtig, sodass Sie mehrere 

übereinanderlegen können. 


Nicht jede Blume eignet sich zum 

Pressen; bevorzugen Sie Blumen mit 

dünneren Blütenblättern, wie zum 

Beispiel Stiefmütterchen. Ich nehme 

meist Blumen aus meinem Garten und 

schneide sie kurz unterhalb der Blüte 

ab. Danach arrangiere ich Blumen, 

Blätter und alles andere auf einem Blatt 

einfachem Zeichenpapier und lege ein 

weiteres Blatt Papier darauf. Dieses 

»Sandwich« lege ich zwischen die Seiten 

eines Buches, schließe es und lege eine 

Menge dicker Bücher darauf. Nach etwa 

drei Wochen verlieren die Pflanzen ihre 

Feuchtigkeit und trocknen in einer ganz 

flachen Form. 


63

Motive wiederholen 

Ein Bild entwickelt sich am besten, 

wenn Sie mit einem Motiv spielen. Nehmen 

Sie ein Motiv, das Ihnen gefällt – 

ein Blatt, eine Blume oder einen 

Samen – und malen Sie es frei Hand, so 

oft Sie mögen. Malen Sie es aus unterschiedlichen 

Blickwinkeln und wiederholen 

Sie es solange, bis es Ihnen ganz 

vertraut ist. Dann kreieren Sie unterschiedliche 

Kompositionen mit diesem 

Motiv, fügen Sie Stiele oder andere 

Elemente hinzu, damit es zu einer 

neuen Komposition »heranwächst«. 

Es ist schwer, sich einfach hinzusetzen 

und sich eine neue Anordnung auszudenken. 

Aber wenn Sie ohne nachzudenken 

mit Ihrem Motiv spielen, wird 

es sich ganz natürlich entwickeln. 



65

Muster 

Muster folgen einer einheitlichen 

Form und ziehen die Aufmerksamkeit 

des Betrachters auf sich. Wenn Sie 

besonders meditativ malen möchten, 

wiederholen Sie ein oder mehrere Muster 

immer und immer wieder. Irgendwann 

entsteht das erste Element und 

danach können Sie sich einfach entspannen 

und es immer wieder malen. 

Es gibt unterschiedliche Möglichkeiten, 

Muster zu malen: 

˚ 

Wählen 

Sie das Element aus, das Sie 

wiederholen möchten, und malen Sie 

es viele Male. Je öfter Sie die gleiche 

Sache malen, desto zuverlässiger und 

freier wird Ihr Malstil. 

˚ 

Malen Sie das gleiche Muster in 

unterschiedlichen Größen, Farben 

und Ansichten. Auch unterschiedliche 

Oberflächen sind eine schöne 

Abwechslung. 

˚ 

Zeigen Sie das Motiv aus unterschiedlichen 

Perspektiven: eine 

ganze, halbe oder Viertel Birne, von 

oben, von der Seite, nur die Samen in 

der aufgeschnittenen Frucht usw. 


˚ 

Soll das Muster etwas anspruchsvoller 

werden, fügen Sie einige 

andere Elemente hinzu – es sollten 

nicht mehr als fünf sein – und gestalten 

Sie eine Komposition, indem Sie alle 

Elemente wiederholen. 


67

Skizzenbuch 

Malen in Skizzenbüchern ist wie »Journaling«– 

die perfekte Methode, um Ihre 

Funde zu dokumentieren, Notizen zu 

machen und Farben zu protokollieren. 

Die Magie eines Skizzenbuchs liegt 

darin, dass Ihre Einträge nicht perfekt 

sein müssen. Es ist der Ort, an dem Sie 

experimentieren und Ihrer Kreativität 

freien Lauf lassen können; selbst eine 

einfache Skizze sieht in einem Skizzenbuch 

wie ein echtes Kunstwerk aus. Das 

Skizzenbuch ist ein sicherer Ort, an dem 

Sie nur für sich selbst malen. 

Es lässt sich einfach verstauen und 

überall mit hinnehmen. Hier können Sie 

alle Ihre Ideen und Experimente aufbewahren. 

Jedes Mal, wenn Sie mit dem 

Malen beginnen, können Sie Ihr Skizzenbuch 

durchblättern, um sich von Ihren 

vorherigen Arbeiten inspirieren zu lassen. 

Aus den Skizzen werden Sie neue 

Ideen entwickeln, vorhandene Skizzen 

ausbauen, kombinieren, zum Beispiel, 

indem Sie sie in anderen Farben malen. 

Ich rate Ihnen, mehrere Skizzenbücher 

gleichzeitig zu führen. So können Sie 

während des Trocknens einer Skizze in 

dem anderen Buch weitermalen und 

den perfekten Moment weiterführen. 

Haben Sie keine Angst, eine Seite Ihres Skizzenbuchs zu 

»ruinieren«. Dazu gibt es eine perfekte Abhilfe: Ruinieren 

Sie es am Anfang bewusst! Malen Sie einfach drauf los, 

die Seite soll nicht sauber und hübsch sein. Dann gibt es 

nichts mehr, wovor Sie Angst haben könnten. 


Die Komposition 

Die Grundlage für ein Kunstwerk ist eine gute Komposition. Sie verleiht 

ihm den visuellen Anker und sorgt dafür, dass der Betrachter das 

Bild als angenehm wahrnimmt. Bei einer guten Komposition wirkt es 

aus der Distanz wohlgeformt und ist auch aus der Nähe interessant. 

Eine gute Komposition zu entwickeln, ist nicht immer leicht, aber mit 

ein wenig Übung und Grundlagenwissen wird es schnell einfacher. 


Um zu erkennen, ob das Bild eine einheitliche 

visuelle Struktur hat, müssen 

Sie zwei Formen im Auge behalten: 

Die erste Form ist das Bild als Ganzes – 

alle Elemente, die auf dem Bild zu sehen 

sind. Die zweite Form setzt sich aus den 

dunkleren Elementen zusammen. 

Wenn die dunklen Elemente keine einheitliche 

Form bilden, wirkt die Komposition 

zerrissen, ohne Zusammenhalt, 

und das Auge weiß nicht, wohin es 

schauen soll. 

Lassen Sie eine Art Pfad entstehen, 

dem das Auge selbstverständlich 

folgt. Um zu prüfen, ob die dunkleren 

Elemente an der richtigen Stelle stehen, 

kneifen Sie die Augen zusammen. 

Wenn das Bild dann verschwimmt, 

werden Sie nicht von Details abgelenkt 

und das Bild wirkt nicht flach. 

Wenn sich zu viele Bildelemente in Form und Größe ähneln, wirkt 

das Bild langweilig. Entscheiden Sie, auf welches Element Sie 

sich konzentrieren wollen und fügen Sie unterschiedliche, weniger 

auffällige Elemente hinzu. 


71

Statisch und dynamisch 

Eine Komposition kann statisch oder 

dynamisch sein. Eine statische Komposition 

ist ruhig und ausgeglichen, hat viele 

vertikale Linien und vermittelt ein Gefühl 

von Harmonie und Stabilität. Das Auge 

kann sich ausruhen und konzentrieren. 

Ein dynamisches Bild ist dramatischer 

und interessanter. Häufig finden sich 

in solchen Kompositionen organische 

Formen, daher eigenen sie sich gut für 

Werke, die von der Natur inspiriert sind. 


So wird Ihre Komposition dynamischer: 

Variieren Sie die Größen und 

Proportionen der Bildelemente, malen 

Sie sich überschneidende Elemente 

und Diagonalen, um Spannung und 

Neugier zu erzeugen, und wiederholen 

Sie Formen, damit Bewegung im Bild 

aufkommt. Auch Asymmetrie, Farb 

variationen und Kontraste lassen eine 

interessante, dynamische Komposition 

entstehen. Lassen Sie das Bild offen – 

als würde das Motiv über die Papierkanten 

hinauswachsen –, damit der 

Eindruck entsteht, alles sei in ständiger 

Bewegung. 

Linien 

Die Linienführung in Ihrem Bild spielt 

eine wichtige Rolle für die Komposition. 

Eine horizontale Mittellinie 

verleiht dem Bild eine neutrale Stimmung. 

Eine aufsteigende Linie ist 

positiv und optimistisch – sie eignet 

sich gut für frische, fröhliche Blumenarrangements. 

Eine absteigende Linie 

sorgt für einen eher negativen, pessimistischen 

Eindruck wie zum Beispiel in 

stimmungsvollen Landschaften. 


73

Die Drittel-Regel 

Die Drittel-Regel ist auch bei Fotografen 

bekannt und unterstützt die Planung 

einer ausgeglichenen und dennoch 

interessanten Komposition. Teilen Sie 

das Papier in neun gleiche Teile, 

indem Sie zwei vertikale Linien und 

zwei horizontale Linien im gleichen 

Abstand zeichnen. 

Richten Sie die Bildelemente entlang 

dieser Linien oder an deren Schnittpunkten 

aus. Die Linien sind eine 

Art Führungshilfe, anhand derer Sie 

erkennen, wo der Horizont in einem 

Landschaftsbild beginnen und wo die 

größte Blume in einem Blumenbild 

stehen muss. 


Symmetrie 

Symmetrie ist in ausgeglichenen Kompositionen 

wichtig. Alles in der Natur ist 

mehr oder weniger symmetrisch – ein 

Tannenzapfen, ein Stiel mit Blättern, 

Muscheln usw. In Ihrem Bild können Sie 

durch einen (imaginären) Spiegel für Symmetrie 

sorgen – dann finden sich auf beiden 

Seiten genau die gleichen Elemente. 

Auch können Sie durch Umkehren und 

Drehen eines Elements Symmetrie 

erzeugen. Auf diese Weise bleibt eine 

symmetrische Komposition ausgeglichen, 

wird aber zugleich ein wenig 

dynamischer. 


75

Miniaturen 

Planen Sie Ihr Bild mithilfe von Miniaturskizzen. 

So erkennen Sie die Komposition 

sowie die Schwerpunkte und 

dunklen Elemente, bevor Sie eine 

größere Arbeit beginnen. Tragen Sie 

einen Stift und Papier bei sich. So 

können Sie immer dann eine Miniaturskizze 

anfertigen, wenn Ihnen eine Idee 

in den Kopf kommt. Wenn Sie endlich 

richtig loslegen wollen, hilft Ihnen diese 

Miniatur und erspart Ihnen eine Menge 

Kopfschmerzen. 


Geometrie 

Die Geometrie kann Ihre Komposition 

stützen. Anhand der Beispiele erkennen 

Sie, wie Kompositionen bestimmten 

Linien folgen. 

Komposition mit C-Linie 

Dreieckige Komposition 

X-förmige Komposition 

Komposition mit S-Linie 


77

PROJEKTE 

In diesem Kapitel setzen wir die Theorie in einigen Übungen 

praktisch um. Sie können alle selbst ausprobieren und beim 

Nachdenken über Motive neue Perspektiven entdecken. Ich 

zeige Ihnen hier nur einige Beispiele für das, was möglich ist. 

Gleichzeitig möchte ich Sie ermuntern: Schauen Sie Ihr Bild 

aus unterschiedlichen Blickwinkeln an und – jetzt kommt das 

Wichtigste – haben Sie Spaß dabei! 

Für alle Übungen haben ich kaltgepresstes 300-g-Papier verwendet 

(siehe Seite 25). Im Innenumschlag dieses Buches 

finden Sie alle meine Farbmuster. Wenn Sie keine bestimmte 

Lieblingsfarbe haben, nehmen Sie eine dieser Farben oder entwickeln 

Sie eigene Farben – das ist noch besser! Meine Empfehlungen 

zu Pinseln habe ich Ihnen bereits gegeben, 

aber Sie können jeden Pinselstrich auch mit einem 

Rund- oder Mop-Pinsel (siehe Seite 23) erzeugen. 

Außerdem hängt die Größe des Pinsels 

immer von der Größe Ihrer Skizze ab.

Dank 

Mein herzlicher Dank geht an das Team des Leaping Hare Verlags, das mich bei diesem 

Projekt so freundlich und hilfsbereit unterstützt hat. Vor allem danke ich Monica Perdoni, 

die mich motiviert, mit ihrer positiven Energie inspiriert und immer an mich und dieses 

Buch geglaubt hat. Meine Lektorin Charlotte Frost hat mich liebevoll angeleitet und unterstützt 

und letztendlich dafür gesorgt, dass Sie dieses Buch in der Hand halten. Vielen Dank 

dafür. Ich danke auch all den anderen wunderbaren Menschen, die dieses Buch möglich 

gemacht haben: Nicki Davis und Rachel Malig – danke, dass ihr mit mir gearbeitet habt! 

Danke an meine Familie. Arunas, mein geliebter Mann und Freund, glaubt immer an mich 

und unterstützt mich in allen großen und kleinen Schritten. Vor allem danke ich ihm, dass 

er mir die Zeit zum Malen und Schreiben ermöglicht. Mein Sohn Lukas ist verantwortlich 

dafür, dass ich mit dem Malen angefangen habe. Heute ist er mein größter Fan und meine 

größte Inspirationsquelle. 

Danke an meine Eltern, Irina und Alfred, die mich immer ermutigt haben und bedingungslos 

stolz auf mich sind. 

Danke an meine Instagram-Community, die mir auf meiner Reise folgt und meine Kunst 

sichtbar macht. All diesen Menschen widme ich dieses Buch! 

Gelassenheit durch Malen 

© 2024 

Midas Collection 

Ein Imprint der Midas Verlag AG 

ISBN 978-3-03876-286-7 

1. Auflage 2024 

Übersetzung: Martina Panzer 

Lektorat: Dr. Friederike Römhild 

Layout: Ulrich Borstelmann 

Midas Verlag AG 

Dunantstrasse 3, CH-8044 Zürich 

E-Mail: kontakt@midas.ch 

www.midas.ch 

Englische Originalausgabe: 

»Painting Calm« 

Text und Illustrationen © Inga Buividavice 2023 

© 2023 Quarto Publishing Plc 

Printed in China 

Die deutsche Nationalbibliothek verzeichnet diese Publikation 

in der Deutschen Nationalbibliografie; detaillierte 

bibliografische Daten sind im Internet unter www.dnb.de abrufbar. 

Alle Rechte vorbehalten. Die Verwendung der Texte und 

Bilder, auch auszugsweise, ist ohne schriftliche Zustimmung 

des Verlages urheberrechtswidrig und strafbar.

Wenn Sie le idenschaftli ch gerne malen 

oder einfach kreativ sind, dann ist dieses Buch 

ein Muss für Ihre Sammlung! 

Anna Koliadych, @dearannart 

Jede Seite ist voll er wunderschöner, 

zum Schwärmen anregender Bilder und 

Ill ustrationen, die Sie dazu inspirieren, den Pinsel 

in die Hand zu nehmen. 

Sushma Hegde, @sushhegde 

Inga Buividavice ist bildende Künstlerin, Dozentin und Designerin mit 

Sitz in Großbritannien und einer Instagram-Fangemeinde von über 

130.000 Followern. Sie erstellt Video-Tutorials und Lektionen über 

erdverbundene und gefühlvolle Aquarellmalerei, darunter einen der 

erfolgreichsten Kurse bei der Online-Plattform Domestika. In ihrem 

unverwechselbaren Stil verwendet sie Texturen und Farben, um eine 

emotionale Verbindung mit der natürlichen Welt zu schaffen. 

@inga.buive

Verbinden Sie sich mit der Natur und finden Sie 

Gelassenheit durch meditatives Malen mit Wasserfarben 

In diesem bezaubernden und leicht verständlichen Leitfaden erforscht 

die beliebte Künstlerin und Dozentin Inga Buividavice die Achtsamkeit 

der botanischen Kunst und bietet Inspiration, praktische Tipps und 

Schritt-für-Schritt-Projekte. Sie konzentriert sich auf die Schönheit des 

Aquarells und unsere emotionale und intuitive Verbindung zur Natur. 

Dieses Buch ermutigt Sie zum Erforschen, Experimentieren und Malen 

auf Ihrer Suche nach Ruhe und Gelassenheit. 

ISBN 978-3-03876-286-7 

www.midas.ch

Gelassenheit durch Malen (Leseprobe)

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