Alles Kunst oder was? - palette Art-Shop - Palette & Zeichenstift

20. Jahrgang
Im Interview
Celso Martínez
Naves
Das Porträt
Lambert
van Bommel
Künstlerporträt
Engelbert
Rieger
Urheberrecht
Regina Neu
Norbert Sand
Alles Kunst oder was?
Manfred Hönig
Bildpolaritäten
Gerlinde
Gschwendtner
Aquarellieren
mit Martin Lutz
und vieles mehr ...
& z e i c h e n s t i f t
Ausgabe 3/2012 Nr. 101
ISSN 0945-5760
G 2058
Deutschland € 7,80
Österreich € 8,90
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Schweiz CHF 15,00
www.palette-verlag.de
FÜR KÜNSTLER UND KUNSTINTERESSIERTE

Inhalt I
4 palette & zeichenstift
Künstler Seite 6
Klaus Ruschmann
Augenblicke
T echnik Seite 12
Aquarellieren mit Martin Lutz
Architektur - Teil 2
Künstler Seite 18
Engelbert Rieger
Eine Kunst, die tief verwurzelt und ganz und gar
nicht abgehoben ist
Siegrid Leitner
Technik Seite 24
Lambert van Bommel
... und das Porträt
Petra Reiter-Kolb
Künstler Seite 28
Elma Ihben
Von der Federzeichnung zur Gouachemalerei
I nformation Seite 32
Mein Bild als Plagiat / Inspiration oder Kopie?
Norbert Sand, palette Redaktion & Regina Neu
Künstler Seite 36
Celso Martínez Naves
Malerei als Wahrnehmungsangebot
Dr. Ulrike Fuchs
B e s u c h e n S i e u n s
a u c h i m I n t e r n e t :
We itere Rubriken
I palette & zeichenstift 3/2012
T echnik Seite 42
Bildpolaritäten
Gerlinde Gschwendtner
Information Seite 48
Alles Kunst oder was?
Manfred Hönig
T echni k Seite 50
Wie malt man eigentlich Glas?
Teil 2: Weißglas
Thomas Freund
T echni k Seite 56
Faszination Aquarellmalerei - Teil 2
Karin Kuthe
Technik Seite 60
Zeichnen
w w w . p a l e t t e - v e r l a g . d e
Teil 5: Tiere
Dieter Goebel-Berggold
Künstler-Kurzporträt Seite 64
Christian Gödert
Agenda Seite 68
Ausgaben/Hefte Seite 70
Edition Seite 66
Editorial Seite 3
Gewinner der Sonderverlosung 2/12 Seite 72
Kunsträtsel Seite 35
News Seite 73
Vorschau/Impressum Seite 74
palette & zeichenstift 5

Künstler I
Der erste Blickkontakt mit einem fremden Menschen entscheidet
oft alles. Spontan kann Vertrauen oder Zuneigung,
aber auch Vorsicht, Irritation oder Ablehnung eintreten.
Im ersten Ansatz scheint sich zu offenbaren, wie
die fremde Seele die eigene anspricht, sich zu ihr in Beziehung
setzt. In einem interessanten Gespräch bleiben
wir im Blickkontakt, wir versuchen die Seele zu fassen.
Ich will sie sogar festhalten - und versuche es mit einem
Porträt, mit einem gezeichneten Gesicht, das den direkten
Blickkontakt zum Betrachter zu suchen scheint. Wenn
es gelingt, wirkt der frontale Blick des Konterfeis so lebendig,
dass man meint, hier sei das Leben selbst gezeichnet.
Genau das ist mein Ziel.
Das authentische Porträt
Zeichner, Maler und Bildhauer beschäftigen sich seit Tausenden
von Jahren intensiv mit der Darstellung des Gesichtes.
Sie gaben von der Frühzeit bis ins Mittelalter
dem Gesicht einer Figur die Bedeutung eines Lebewesens,
eines Gottes oder einer bestimmten politischen
6 palette & zeichenstift
Klaus Ruschmann
Augenblicke
Brigitte, 2010, Grafit-Stick auf Papier auf Leichtstoffplatte, Diptychon, 70 cm x (variabel)
Person. Das abgebildete Gesicht kann auch zum Ausdrucksträger
der Befindlichkeit eines Menschen werden.
Wo seit der Neuzeit die besondere Persönlichkeit eines
Individuums als etwas Bedeutendes gilt, wird mit dem
Porträt versucht, das vermeintliche Wesen eines bestimmten
Menschen zu kennzeichnen. Dabei muss man
sich als Künstler entscheiden: Will man den vermeintlich
wahren Charakter vermitteln oder ein Wunschbild der inneren
Eigenschaften des Betreffenden zeigen.
Lässt sich der Künstler für das Bild bezahlen, wird er geneigt
sein, attraktive Werte auf dem Antlitz erscheinen zu
lassen. Nimmt er sich jedoch die Freiheit, das Modell ohne
schmeichelnde Rücksichtnahme abzubilden, wird Porträtieren
spannend, denn jetzt geht es um Treffsicherheit.
Dabei wäre es naiv, anzunehmen, dass der objektiv wahre
Charakter getroffen werden könnte. Man kann nur eine
subjektiv empfundene Übereinstimmung der Ausstrahlung
des Bildnisses mit der erlebten Aura der Natur des
Modells erreichen. Das ist aber durchaus viel und das ist
die Kunst.

Technik I
12 palette & zeichenstift
Aquarellieren mit Martin Lutz
Architektur – Teil 2
Vor dem Malen eines Architekturaquarells stelle ich mir
folgende Fragen: Wie gehe ich mit dem Bildraum um?
Möchte ich meinem Bild Tiefe geben oder möchte ich den
Bildraum eher flach halten? Da wir in einer dreidimensionalen
Welt leben, empfinden wir ein in Perspektive gemaltes
Architekturaquarell der Wirklichkeit näher. Vernachlässigen
wir dagegen in unserem Bild die Perspektive,
so können wir uns konzeptionell mehr in Richtung
Abstraktion bewegen; wir empfinden dann aber auch den
Bildraum flacher und entfernen uns von der Realität.
Über perspektivische Darstellungen gibt es genügend gute
Literatur. Meist wird in diesen Büchern auch die Archi-
tektur, mit Horizontlinie, Fluchtpunkten und die sich dadurch
ergebenden Schrägen und Verkürzungen, usw.,
ausführlich abgehandelt. Diese zeichnerischen Konstruktionen
haben viel mit Genauigkeit und Logik zu tun. Für
viele Aquarellisten stellt sich die Frage, inwieweit sie die
Perspektive anwenden sollen; manche fragen sich sogar,
ob sie diese Kenntnisse überhaupt für ihre Aquarelle benötigen.
Ich denke, dass es nicht schaden kann, wenn man die
Prinzipien der Zentralperspektive versteht; ob man sie
dann in seinen Arbeiten zur Anwendung bringt, ist eine
andere Sache. Oftmals engt man sich beim Malen durch
Runter zum Fluss, 55 x 75 cm
Das Aquarell besteht zu 90% aus Grautönen. Meine Grautöne mische ich selten aus Elfenbeinschwarz oder Paynesgrau. Meine
Ausgangsfarben für Grau sind Ultramarinblau und Siena gebrannt; hierzu gebe ich manchmal ein klein wenig Gelb, Rot oder
Grün und erhalte dadurch viel interessantere Grauschattierungen. Der waagerechte Waldstreifen und die dazu passende Wolkenformation
geben diesem Bild eine ruhige Ausstrahlung.

Künstler I
Siegrid Leitner
18 palette & zeichenstift
Engelbert Rieger
Eine Kunst, die tief verwurzelt und
ganz und gar nicht abgehoben ist
Zeichnen und Malen bedeutet ihm alles. In das Handwerkliche
ist er verliebt. "Zeichnen war das Einzige, was
ich gut können hab‘. Das habe ich immer schon gemacht
- und mit Leidenschaft. Das wurde mir in die Wiege
gelegt", erzählt Engelbert Rieger, während er mir seine
Werke im "Haus der Kunst" in Graz zeigte. Ich war
sehr beeindruckt von der Vielfalt seiner Werke, aber
auch vom Künstler selbst, der durch seine natürliche
Bescheidenheit und wohltuende Offenheit sehr sympathisch
auf mich wirkte.
Auf eine Kunstschule zu gehen, war schon immer Riegers
Traum. Doch seine Mutter und sein Stiefvater woll-
Irland, 2011, Acryl auf Papier, 56 x 76 cm
ten, dass er einen anständigen Beruf erlernt. Deshalb
begann er zunächst eine Ausbildung als Buch- und Offsetdrucker
und arbeitete dann als Grafiker in Graz. "Als
Grafiker zu arbeiten war interessant, aber es war nicht
das, was ich mir vorgestellt hatte", sagt Rieger. Deshalb
entschied er sich, die Arbeit aufzugeben, um sich seinen
Lebenswunsch zu verwirklichen. Er begann ein Studium
der Malerei an der Höheren Technischen Bundeslehranstalt
in Graz bei Prof. Rogler und Prof. Osterider, das er
1982 beendete. Seit 1985 ist er freischaffend tätig. Er ist
stolz auf das, was er bisher geschaffen hat und freut
sich, dass seine Werke Anerkennung im In- und Ausland
finden.

Technik I
Petra Reiter-Kolb
24 palette & zeichenstift
Lambert van Bommel
... und das Porträt
Der Künstler Lambert van Bommel erregte schon vor einigen
Jahren in seiner Wahlheimat Teneriffa Aufsehen
durch seine Porträtmalerei mit dem Titel "La gente de Los
Silos" (siehe p&z Ausgabe 3/05). Das Besondere an diesen
Bildern ist, dass Lambert van Bommel ausschließlich
Porträts (Format 150 x 75 cm) der dort ansässigen Menschen
malte. Es entstanden ausdrucksstarke Abbilder,
die den wahren Charakter der Person zeigen.
Vor einiger Zeit begrüßte er einen besonderen Gast in
seinem Atelier: Theodor Rasso Freiherr von Cramer-Klett
saß Modell für diese Schritt-für-Schritt-Dokumentation.
Lambert van Bommel setzt beim Porträtieren vor allem
auf den Dialog zwischen Modell und Künstler. Ganz
gleich, ob das Gesicht gemalt, in Stein gehauen oder modelliert
wird.
Beide Personen sind dabei aktiv: Das Modell, das sich
durch das genaue Betrachten durch den Künstler oft dabei
auch selbst betrachtet, dabei den Blick auf sich selbst
richtet und dadurch seine Persönlichkeit offenbart. Der
Künstler erhält ein Bild über den ganzen Menschen und
nicht nur über oberflächliche Äußerlichkeiten wie Haut,
Haare und Kleidung.
Die Persönlichkeit eines Menschen in einem Porträt herauszuarbeiten,
ist für Lambert van Bommel das Ziel. Dagegen
wirkt es meist langweilig, wenn man sich vor allem
darum bemüht, die Anatomie richtig zu treffen. Letztendlich
spielt für ihn der wirklichkeitsgetreue menschliche
Aufbau eine sekundäre Rolle. An erste Stelle rücken bei
der Porträtmalerei die Charaktere des Menschen und danach
der Körperaufbau. Nur mit den ersten Bleistiftstrichen,
wenn Lambert van Bommel zu zeichnen beginnt,
orientiert er sich an den anatomischen Gesichtszügen
seines Modells, die er nach und nach immer weiter in den
Hintergrund drängt.
Die erste Frage, die Malschüler meist in einem Porträtkurs
an den Dozenten stellen, ist die Frage nach den Proportionen
eines Kopfes.
Dies erklärt Lambert van Bommel in kurzen Worten,
schon fast mathematisch: "In der Mitte eines Kopfes, zwischen
Haaroberkante und Kinnunterkante, liegen die Augen;
der Abstand der Augen zueinander beträgt etwa eine
Augenlänge. Die Ohren sitzen an ihrem obersten
Punkt auf der Augenlinie und reichen nach unten bis auf
die Höhe der untersten Nasenlinie. Etwa in einer Entfernung
von 2/3 vom Haaransatz, zwischen Kinnunterkante
Lambert van Bommel skizziert die Gesichtszüge des Modells
mit einem weichen Bleistift. Die Linien bleiben erhalten.
Vergleich der fertigen Bleistiftskizze mit dem Original.
Auftragen der Hautfarbe.

Künstler I
28 palette & zeichenstift
Elma Ihben
Von der Federzeichnung
zur Gouachemalerei
Wenn ich gefragt werde, warum ich zeichne und male,
antworte ich: Das ist mein Leben. Wenn ich male, versinke
ich in eine andere Welt, ich verkrieche mich in meinen
Bildern. Sind Bilder ein Spiegel der Seele? Manche sind
es sicherlich.
Schon mein Großvater zeichnete mit Begeisterung, und
meine Schulhefte glichen schon in den ersten Klassen,
mehr einem Bilderbuch denn einem Arbeitsheft. Es ist wie
eine Sucht, es lässt mich nicht los. Jeder neue Tag bringt
Interessantes! Seien es die Schatten auf Blättern, sich
wiegende Bäume, Gesichter, stilles oder wildes Wasser,
ein leuchtender Himmel und vieles, vieles mehr.
Meine Bilder entstehen in meinem Atelier, wo ich Fotos
und Skizzen in Ruhe ausarbeiten kann. Bei unserem ste-
Fnuggenburg, Hage, Federzeichnung/Aquarell, 37 x 50 cm
tigen Wind arbeite ich ungern in der freien Natur. Mein
bevorzugtes Arbeitswerkzeug ist der Tuschefüller. Mit ihm
werden die Motive skizziert, das "Gerüst" gezeichnet! Die
Aquarellfarbe wird später dazugegeben. Da zu viel Nass
die Umrisse ruinieren würde, arbeite ich mit einem fast
trockenen Pinsel. Fehler sind nicht zu korrigieren. Diese
Technik verwende ich vorwiegend um alte, schon nicht
mehr vorhandene Gebäude und Ansichten darzustellen.
In langjährigen privaten Studien entwickelte ich meinen
eigenen Stil.
Vor mehr als 30 Jahren legte ich eine Kartei für Fotos an.
Jeder Ort hat seinen eigenen Ordner. Bei einer Ausstellung
in einer dieser Städte, Orte oder Gegenden, kann ich
immer auf eine Vielzahl von Fotos und Postkarten zurückgreifen.
Besonders interessant ist das "Damals und

Künstler I
Celso Martínez Naves
Malerei als Wahrnehmungsangebot
Dr. Ulrike Fuchs
Es sind die Lichtsituationen des Übergangs, die der Spanier
Martínez in seinen Bildern einfängt: Einen Flughafen
zum Beispiel, menschenleer, in das Dunkel der Nacht gehüllt,
oder eine nächtliche Hafenanlage in gedämpfter Industriebeleuchtung,
oder eine Großstadtstraße in den frühen
Tagesstunden, in denen das heraufziehende Morgenlicht
in Konkurrenz zu der künstlichen Beleuchtung der
Stadt tritt und diese zurückdrängend verblassen lässt.
Es sind Orte, die man allgemein mit dem pulsierenden Leben,
mit Hektik, Betriebsamkeit, Arbeit und Verkehr in Verbindung
bringt, die nun aber, in den Bildern des Malers, eine
ganz andere, atmosphärische, vermeintlich romanti-
Aeropuerto (Москвá-Домодедово 3), 2011, Öl auf Leinwand, 110 x 120 cm
36 palette & zeichenstift
sche Identität, eine andere Seite, offenbaren. Sie zeigen
sich in einem anderen Licht, in des Wortes doppelter Bedeutung
und sind dabei doch gleichzeitig ganz sie selbst,
real, nicht erfunden, zur Ruhe gekommen. Der nächtliche
Schleier, der Landschaft und Gegenstände überzieht, den
Konturen ihre Schärfe nimmt, kleinere Details schluckt und
die Leuchtkraft der Farben in feinen Nuancen bricht, verleiht
den Gemälden Martínez´ Stille und eine eigentümliche,
gleichzeitig aber auch anziehend fesselnde Entrücktheit.
Auch die sich im nassen Asphalt oder Wasser spiegelnden
Reflexe der Lichter, die strahlenförmig in die
Dunkelheit hineingreifen, können diese nicht wirklich zurückdrängen.
Licht und Dunkelheit, Nähe und Ferne und

Technik I
Gerlinde Gschwendtner
Polarität, griech. pólos, = Achse, Nord- und Südpol. Dies
bedeutet allgemein das Verhältnis von paarweise wirkenden
Polen zueinander, die einander bedingen und gegensätzlicher
Natur sind. Bezogen auf künstlerische Aktivitäten
soll diese Thematik in meinen eigenen Bildbeispielen
sichtbar und in Erläuterungen veranschaulicht werden.
In der Kunst der Gegenwart liegt bei Malern, Rezipienten
und Kritikern ein verstärktes Interesse an kulturübergreifenden,
weltanschaulichen und gesinnungsmäßigen Bildaussagen.
Die Sichtbarkeit des Bildes, formal und inhaltlich,
neigt sich von der Form- und Stilanalyse immer intensiver
inhaltlichen Aspekten zu. Nicht nur die gegenständliche
Welt, auch Symbole, Visionen oder gegenstandslose Gestaltungen
werden thematisiert.
Diese Perspektiven des Bildes zeigen Diskussionen verschiedener
Wissensgebiete auf, zum Beispiel: Religion,
Philosophie, Ethnologie, Sozialgeschichte usw. Die Bildwissenschaft
setzt sich auch mit dem Konsum und der Produktion
einzelner Bildbereiche, wie Kunst, Werbung, Film, TV,
Blumenkraft, Mischtechnik (Tusche, Acryl)
Kontrastreiche Linienführung und Komplementärfarben zeigen
die Intensität der Blume.
42 palette & zeichenstift
Bildpolaritäten
Mädchenporträt, Tusche
Schwarze Linien auf weißer Fläche umschreiben klar die Figur.
Design, auseinander. Der Konsumartikel Kunst ist teilweise
zum kulturellen Zeitvertreib geworden. Der Künstler wird
von eventfreudigen Ausstellungsmachern verdrängt, die
Richtungen vorgeben und auf Kulturtourismus setzen.
Entgegen dieser Kunstvermittlung wird auch heute noch
im kritischen künstlerischen Produzieren, die Auseinandersetzung
mit den Realitäten weiterentwickelt und reflektiert.
Die Mittel dazu sind nach wie vor die künstlerischen
Bestände von Form- und Farbwissen, Stile und
Themen, die gelehrt und gelernt werden. Dadurch gehen
ästhetische Betrachtungsweisen nicht verloren, sondern
werden in einen erweiterten Blickwinkel eingebracht.
Die Flut von Bildern - mit ihrer Gegensätzlichkeit und
Vielzahl von Anschauungen - begegnet uns an unzähligen
Orten unsers Lebensraumes. Die Malerei versucht in
immer komplexeren Zusammenhängen und Bezügen,
neue Sehdefinitionen aufzubauen. Der Betrachter wird
gefordert, diese Bildinformationen, Codes und Markierungen
zu erkennen. In diesem Spannungsfeld spielen Neugier
und Überraschung eine wichtige Voraussetzung. Die
eigene Kraft des Bildes entfaltet dadurch die subjektive

Technik I
Wie malt man eigentlich Glas?
Teil 2: Weißglas
Thomas Freund
Während Buntglas, wie der Name schon sagt, doch immerhin
durch die Farbe einen Anhaltspunkt für die mögliche
Darstellung liefert, ist Weißglas noch nicht einmal
weiß, sondern farblos. Das ist schon eine Herausforderung,
denn durchsichtig ist beinahe wie unsichtbar, und
unsichtbare Farben gibt es nicht - oder doch?
Tatsache ist, dass wir Körper aus Weißglas eben doch
sehen können. Das liegt an den Lichtbrechungen und der
Materialstärke der Objekte, und beim genaueren Hinsehen
entdecken wir dann auch deutliche Konturen und Unregelmäßigkeiten
im Material.
1. So sind die Umrisslinien einer Flasche zum Beispiel,
die wir als Kompositionshilfe in unser Bild einsetzen,
auch in der Realität gut wahrnehmbar, bedingt durch die
Glaswand, deren Materialstärke durch die Krümmung
des Flaschenkörpers an den Seiten dicker wird, so wie in
der Grafik veranschaulicht.
2. Der zylindrische Körper eines Glases (einer Flasche,
einer Vase usw.) und produktionstechnisch bedingte Unebenheiten
verzerren den Raum, der hinter dem Glas
liegt. Der Raum hinter dem Glas wird dadurch, anders als
die Umgebung, nebulös und durch die geringere Lichtdurchlässigkeit
des Glases dunkler.
50 palette & zeichenstift
Das zu wissen ist bei der Malerei hilfreich. Noch hilfreicher
ist das genaue Hinsehen. Paul Klee hat einmal gesagt,
der Maler müsse einen Dialog aufbauen zwischen
dem Ich und dem Du, also zwischen sich und dem darzustellenden
Objekt.
Die malerische Darstellung von Weißglas mit Acryl
Für diese Aufgabe können Sie die typischen Acrylpinsel
mit Kunststoffhaaren verwenden, aber auch die einfachen
Borstenpinsel. In jedem Fall sollten es Flachpinsel
sein. Erinnern Sie sich noch an den Artikel in der p&z
Ausgabe 2/12 über Buntglas? So wie dort beschrieben,
arbeiten wir auch jetzt.
Wir zeichnen mit dem Pinsel zunächst die Umrisslinien
der Flasche - ich nenne diese Zeichnung "Drahtmodell".
Gleichzeitig zeichnen wir die Umgebung der Flasche,
dann auch das, was hinter der Flasche liegt, was wir
durch sie hindurchsehen, oder was in der Flasche sichtbar
ist. Wir erkennen, dass durch das Glas betrachtet,
der Hintergrund in verzerrter Form erscheint. In meiner
Darstellung sind das die Tischkante und der Raum dahinter.
Gegenständliches Malen ist immer eine Sehschule. Deshalb
empfehle ich, die Blickrichtung zu variieren, damit
Sie die Verzerrungen besser erkennen können. Bewegen
Sie Ihren Kopf leicht hin und her, und beobachten Sie dabei
die Veränderungen in der Flasche. Lösen Sie sich
jetzt von der Vorstellung, das Glas sei durchsichtig. Nehmen
Sie den Flaschenkörper als Projektionsfläche des
Hintergrundes. Sie können sich auch vorstellen, dass die
Flasche ein undurchsichtiger Körper ist, auf den jemand
den Hintergrund gemalt hat. Nun können Sie mit der
dunklen Untermalung beginnen, die ich auch für Acrylbilder
empfehle.
Zu den Seiten hin erscheint der Glaskörper dicker, bedingt
durch die runde Form und die Draufsicht.

Technik I
Karin Kuthe
Faszination Aquarellmalerei
Teil 2
Von jeher waren Blumen ein sehr beliebtes Thema in der
Malerei. Die blühende Farbenpracht der Blumen im Garten,
die Schönheit eines Blumenstraußes oder einer einzelnen
Blüte ist so faszinierend, dass es einem beim Anblick
warm ums Herz werden kann. Blumen bringen Farbe
und Freude in unser Leben.
Das vielfältige Farbenspektrum und die unermessliche
Formenvielfalt sind immer wieder beeindruckend und beglückend.
Wenn ich in unserem Garten die Blütenpracht
erlebe, bekomme ich sofort Lust zu malen.
56 palette & zeichenstift
Dabei geht es mir nicht darum, Blüten oder Pflanzen naturgetreu
abzubilden, sondern das Charakteristische zu erkennen
und darzustellen, um so ein eigenständiges Bild zu
gestalten. Um aber das Wesentliche richtig zu erfassen, ist
es sehr hilfreich, auch einmal Zeichnungen anzufertigen.
Hat man dann die Form verinnerlicht, kann man sie leichter
malerisch umsetzen. Die gestalterischen Elemente in
der Malerei sind: Farbe, Form und Farbauftrag. Die folgenden
Beispiele zeigen Bilder von Blumen, nicht nur in verschiedenen
Aquarelltechniken, sondern auch mit unterschiedlichem
Farbauftrag.
Bild 1
Weiße Blüten können in einem klassischen Aquarell nur dargestellt werden, indem die Flächen erst weiß stehen bleiben,
die Blüten durch Negativmalerei hervorgehoben werden und anschließend Farbe in die Blüten gesetzt wird.

Künstler I
Dieter Goebel-Berggold
Zum Abschluss meiner kleinen Zeichenserie möchte ich
noch kurz auf das Zeichnen von Tieren eingehen. Ich will
aber an dieser Stelle nicht auf die hohe Kunst der Tierzeichnung
eingehen, denn dazu müsste man von jedem
Tier den Körperbau genau studieren, um einen Bewegungsvorgang
eines Tieres wiederzugeben. Ich möchte
Ihnen aber ein paar Tipps und Anregungen mit auf den
Weg geben.
Das Zeichnen von Tieren halte ich für noch schwieriger als
das Porträtieren eines Kopfes. Selten sitzen Tiere still. Jedes
Tier hat einen eigenen anderen Körperbau. Die beste
Übung ist das Zeichnen in einem Zoo. Hier finden Sie eine
große Vielfalt von Tieren und viele stehen still. Besonders
geeignet sind die großen Tiere. Haben Sie dabei
Geduld und bleiben Sie lange bei einem Tier.
Abbildung 1
Bei Tieren, die nicht stillliegen oder -stehen, ist in hohem
Maße Ihr Gedächtnis und Ihr Vorstellungsvermögen gefordert.
Eine hervorragende Hilfe ist das Zeichnen nach
Spielzeugformen. Suchen Sie bei Trödlern oder in Spielzeugläden
nach geeigneten Vorlagen. Sie können das
Spielzeug, ähnlich wie die Büste, die Sie als Vorlage bei
der Porträtzeichnung verwenden können (siehe p&z Ausgabe
2/12), in alle Richtungen drehen und so genau studieren.
Am Anfang helfen auch die einfachen Formen. Viele
Künstler haben sich während der Jahrhundertwende alte
Spielzeuge sehr genau angesehen und danach studiert.
Die Kontraste der frühen Schnitzereien sind hart und etwas
übertrieben, aber das dient oft dazu, Tierisches zu
betonen, ohne die Proportionen wesentlich zu ändern.
Ich empfehle auch das Zeichnen nach Fotos, die Sie aber
selbst angefertigt haben. Machen Sie sehr viele Fotos,
um einen guten Eindruck vom Tier zu bekommen. Beob-
60 palette & zeichenstift
Zeichnen
Teil 5: Tiere
Abbildung 2
achten Sie Tiere in ihrer Bewegung.
Machen Sie den Versuch, ein Tier genau
zu beobachten und dann auswendig
zu zeichnen. Suchen Sie sich
ein Tier aus dem Zoo heraus und versuchen
Sie es in verschiedenen Stellungen
zu zeichnen. Versuchen Sie
nicht gleich daraus ein "Gemälde" zu
fertigen, es sollen lockere Zeichnungen
sein (Abbildung 1 und 2).
Beschränken Sie sich aber nicht nur
auf Säugetiere, auch Vögel sind ein
wunderbares Motiv. Viele sitzen oft auf
der Stange und bleiben ruhig, sodass
man sie gut zeichnen kann, wie hier
der Lachende Hans in Abbildung 3.
Auch auf dem Land finden Sie viele Motive. Kühe liegen
auf der Wiese, Pferde stehen auf der Koppel oder eine
Schar Hühner steht herum und wartet auf Futter. Kühe
sind ein lohnendes Motiv, denn es sind sehr ruhige Tiere.
Auf dem Land wird man auch nur selten von neugierigen
Zuschauern umgeben und kann in Ruhe zeichnen (Abbildung
4).
Verwenden Sie auch hier den Bleistift als Messinstrument,
um Proportionen zu ermitteln und setzen Sie die
Kuh in ein Quadrat (Abbildung 5).
Aber was liegt näher als unsere geliebten Haustiere. Mein
Bruder hat einen noch jungen Labrador. Der war als Welpe
so süß, dass ich ihn unbedingt zeichnen musste. Er hat
ein helles Fell und um das gut herauszubringen,
habe ich den Hintergrund
dunkler gestaltet. Die Umrisse
des Hundes wurden nur
durch Tonwerte dargestellt, also
nicht durch Linien. Das
macht das Fell auch weicher.
Auch hier habe ich, wie bei
dem Porträt von Menschen,
die Augen besonders hervorgehoben.
Das verstärkt nicht
nur die Wirkung des Bildes,
sondern erhöht die Ähnlichkeit.
Auch hier sind die Augen ein
Abbildung 3