Realistisches Malen - palette Art-Shop - Palette & Zeichenstift

20. Jahrgang
Im Interview
Wilfried Georg
Barber
Realistisches Malen
Manfred Hönig
Künstlerporträt
Robert Süess
Extra-Beilage:
Malen und
Reisen 2012
Kreativität für
Künstler
Wolfgang Traub
Acrylmalerei
Liane Käs
Bildqualitäten
Gerlinde
Geschwendtner
Porträtzeichnen
Klaus
Ruschmann
und vieles mehr ...
& z e i c h e n s t i f t
Ausgabe 4/2012 Nr. 102
ISSN 0945-5760
G 2058
Deutschland € 7,80
Österreich € 8,90
Italien € 8,90
Spanien € 8,90
Belgien € 8,90
Luxemburg € 8,90
Schweiz CHF 15,00
www.palette-verlag.de
FÜR KÜNSTLER UND KUNSTINTERESSIERTE

Liebe Leserinnen, liebe Leser,
liebe Freunde der Kunst,
die wenigsten Maler können sich heutzutage von ihrer
Kunst ernähren. Der Bundesverband Bildender Künstler
schätzt, dass vielleicht 6 % der Künstler von dem, was sie
tun, leben können. Ein Gros davon verdient zwischen
6.000 und 7.000 Euro im Jahr. Die meisten Maler werden
erst posthum erfolgreich und teuer. Das sieht man daran,
wenn bei bekannten Auktionshäuser Gemälde für horrende
Summen versteigert werden.
Letztes Beispiel: Anfang Mai wurde eine der vier Versionen
des Bildes "Der Schrei", 1885, von Edvard Munch
(1863-1944) bei Sotheby`s in New York für mehr als 91
Millionen Euro versteigert und gilt als das teuerste Kunstwerk
aller Zeiten. Wie Sie sehen gibt es eine weitere Fassung
unseres Cartoonisten Daniel Rodriguez.
Wer ist der Mann, der so traurige Werke malte? Was
steckt hinter seinen Bildern? Edvard Munch, schon zu
Lebzeiten recht bekannt und auch erfolgreich. Doch wie
so viele seiner Malerkollegen, hatte auch er physische
Probleme, er war manisch-depressiv und Alkoholiker.
Munch hatte bereits 1892 in sein Tagebuch geschrieben,
dass ihn bei einem Spaziergang an einem Fjord der Anblick
des Sonnenuntergangs furchtbare Angst ergriffen
hatte. "Der Schrei" gilt als Symbol für die existentiellen
Ängste und die Verzweiflung der modernen Menschen.
Die versteigerte Fassung des Bildes befand sich übrigens
seit 70 Jahren im Besitz des norwegischen Unternehmers
Petter Olsen, dessen Vater ein Nachbar, Freund
und Förderer Munchs gewesen war. Die drei anderen
Versionen befinden sich in norwegischem Staatsbesitz;
zwei sind im Munch-Museum Oslo und eins in der norwegischen
Nationalgelarie zu sehen.
1994 entwendeten Diebe das Bild aus der norwegischen
Nationalgelarie und 2004 erbeuteten maskierte Täter bei
einem befaffneten Raubüberfall eine Fassung des Bildes
aus dem Munch-Museum. 2006 wurden sechs der vermutlich
sieben Täter gefasst, im August 2006 konnte die
norwegische Polizei bei einer Razzia beide gestohlenen
Bilder sicherstellen. Leider war eins der beiden Bilder
derart zerstört worden, dass eine vollständige Retauration
nicht möglich war.
Petter Olsen entschied sich übrigens für den Verkauf des
Bildes, da es der richtige Zeitpunkt sei "dem Rest der
Welt die Chance zu bieten, dieses bemerkenswerte Werk
zu besitzen und zu würdigen." Nun, da das Bild von einem
unbekannten "Telefon-Käufer" ersteigert wurde, ist
es doch sehr fraglich, ob die breite Öffentlichkeit das Bild
je zu sehen bekommt.
Olsen möchte aber mit den Einnahmen der Versteigerung
ein neues Museum, ein Kunstzentrum und ein Hotel in
Hvisten bauen - dort lebten Munch und Olsens Vater.
I Editorial
So, nun aber noch kurz zu dieser Ausgabe, die wieder
viel zu bieten hat!
In unserer Rubrik "Künstler" finden Sie ein Interview mit
dem Maler Wilfried Georg Barber, den einige unserer Leser
vielleicht noch aus vergangenen Ausgaben (5/03,
6/04) kennen. Margrit Schneider erzählt uns, dass das
Malen sie schon ein Leben lang begleitet und begeistert
hat. Siegrid Leitner stellt uns den Schweizer Künstler und
Dozenten Robert Süess vor, Maria Zalfen-Lenz beeindruckt
mit ihrer Vielfältigkeit und Monika Kind liebt und
malt "Objekte aus der Natur".
In Sachen "Technik" erklärt uns Manfred Hönig, wie man
realistisch malt, Martin Lutz gibt Tipps zum Aquarellieren,
Klaus Ruschmann, den Sie bereits aus der 3/12 kennen,
zeigt uns, seine Art Porträts zu zeichnen, Gerlinde
Gschwendtner schreibt über Bildqualitäten, Liane Käs
verrät uns, wie man Wellen und Wasser in Acryl malt und
Hans-Dieter Jung dokumentierte sein 3,4 x 1,0 m großes
Materialbild. Nicht zu vergessen ist Wolfgang Traub, der
uns wichtige Informationen zum Thema "Kreativität für
Künstler" mit auf den Weg gibt.
Ach ja, und in dieser Ausgabe finden Sie wieder unsere
kleine, aber feine Extra-Beilage "Malen und Reisen".
Dann möchten wir Sie noch auf unseren Sommerurlaub
aufmerksam machen: Vom 21.07. - 05.08.2012 ist
unser Verlag geschlossen. Wir sind ab dem 06.08.2012
wieder in alter Frische für Sie da!
Viel Spaß mit dieser Ausgabe!
Ihre palette Redaktion
palette & zeichenstift 3

Inhalt I
4 palette & zeichenstift
Künstler Seite 6
Wilfried Georg Barber
Malerei als Reflexion des Lebens
Dr. Ulrike Fuchs
T echnik Seite 12
Realistisches Malen
Manfred Hönig
T echnik Seite 18
Aquarellieren mit Martin Lutz
Architektur - Teil 3
Künstler Seite 24
Margrit Schneider
Das Malen hat mich mein Leben lang begleitet
und begeistert
T echnik Seite 28
Ein nach Modell und Foto gezeichnetes Porträt
Klaus Ruschmann
I nformation Seite 32
Kreativität für Künstler - Teil 1
Wolfgang Traub
B e s u c h e n S i e u n s
a u c h i m I n t e r n e t :
We itere Rubriken
I palette & zeichenstift 4/2012
Künstler Seite 36
Robert Süess
Wenn die Seele Farbe bekennt
Siegrid Leitner
Künstl er Seite 48
Maria Zalfen-Lenz
"Dat kann jo mole"
T echnik Seite 54
Acryl - Wellen und Wasser
Liane Käs
w w w . p a l e t t e - v e r l a g . d e
T echni k Seite 42
Bildqualitäten
Gerlinde Gschwendtner
Künstler Seite 58
Monika Kind
Objekte aus der Natur
Technik Seite 62
Materialbilder
Hans-Dieter Jung
Agenda Seite 68
Ausgaben/Hefte Seite 70
Edition Seite 66
Editorial Seite 3
Kunsträtsel Seite 2
News Seite 72
Vorschau/Impressum Seite 74
palette & zeichenstift 5

Künstler I
Malerei als Reflexion des Lebens
Dr. Ulrike Fuchs
6 palette & zeichenstift
Ein Besuch bei Wilfried Georg Barber
Eine ehemalige Dorfgaststätte in der kleinen Odenwaldgemeinde
Limbach-Balsbach ist die Wohn- und Arbeitsstätte
des Malers Wilfried Georg Barber. Den alten Tanzsaal,
durch eine zweiflügelige Tür vom ehemaligen Gastraum
getrennt, machte Barber zum kleinen Atelier, das
große findet sich in einer angebauten Remise.
Nach langjährigem Aufenthalt in Italien und verschiedenen
Umzügen in Deutschland scheint der Maler nun an
einem Wohlfühlort und auch bei sich selbst angekommen
zu sein. Dies spiegeln nicht nur seine selbstbewusste Reflexion
über die eigene Malerei, sondern auch seine Bilder
wider. Einen Querschnitt durch die verschiedenen
Schaffensphasen präsentiert er an der großen Stirnwand
des Gastraumes, der nun als Wohn- und Ausstellungsraum
dient.
Diese Bilder zeugen von Brüchen und Neuanfängen, vom
Experimentieren mit Linien, geometrischen Formen und
freien Farbflächen. Und sie zeigen die Suche des Malers
nach den seinem Denken und Fühlen adäquaten Ausdrucksformen.
Überschaut man die Arbeiten, wird deutlich, dass es ihm
in jüngster Zeit gelungen ist, die Linie, die seine frühen
Arbeiten bestimmte und die er zu überwinden suchte, mit
den seine Malerei phasenweise beherrschenden freien
Farbformen zu kombinieren und beide miteinander zu
versöhnen. Eine Aufhellung der Palette und die Betonung
starker Kontraste gehen mit dieser Entwicklung einher. Während sein Temperament sich in den freien Farbfor-
Rosentag, 2012, Öl auf Leinwand, 140 x 160 cm
Die Gedanken des Organisten, 1989, Öl auf Spanplatte, 90 x 70 cm
men eines "Rosentages" entfaltet, zeigen die kleinformatigen,
mit Öl auf Karton gemalten "Caprifoglio", die lyrische
Seite des Künstlers. Die spielerisch gestische Experimentierfreude,
mit der der Maler die Farben mitunter
aufträgt, verleiht diesen Arbeiten einen besondern Klang.
Mit seinen "Skizzen aus dem Atelier", einer Art Rundbrief,
bittet Wilfried Georg Barber in regelmäßigen Abständen
zum Besuch seines Atelierhauses. An einem sonnigen
Frühlingstag fand auch ich mich dort ein.
U. F.: Was veranlasst einen erfolgreichen Grafikdesigner
dazu, nur noch zu malen?
W. G. B.: Ich habe während meines Studiums an der
Werkkunstschule in Köln parallel zu meinem Grafikdesignstudium
schon Malerei studiert, dann jedoch zunächst
bei einer Werbeagentur gearbeitet. Dabei begleitete
mich immer das unbefriedigende Gefühl, doch eigentlich
malen zu wollen. Da das aber parallel zum
"Lohnberuf" kaum möglich war, wurde mir immer klarer,
dass ich einen totalen Schnitt machen müsste, um mei-

Technik I
12 palette & zeichenstift
Manfred Hönig
Realistisches Malen
Mit der Aufgabe betraut, einen Artikel über Maltechnik
oder die Entstehung eines Bildes zu schreiben, gibt es
natürlich verschiedene Möglichkeiten, dies zu tun.
Nachdem ich aber in vielen Büchern Einführungen in die
verschiedensten künstlerischen Techniken geschrieben
habe, in denen ich die technischen Voraussetzungen und
Systematiken erläutert habe, möchte ich Ihnen im Rahmen
dieses Artikels nun einen Einblick in meine eigene
Arbeit und deren Entstehung geben.
Komplexität ist dabei das Ergebnis des konsequenten
Einsetzens der Grundtechniken und des Wissens um
Stärken und Schwächen der Arbeitsmaterialien. Dabei
wird es nicht um ein Nachmalen gehen, sondern um eine
Demonstration der Möglichkeiten!
Vielleicht inspiriert es Sie ja auf Ihrem eigenen Weg, sich
an immer komplexere Bilder zu wagen und in einem steten
Prozess der Herausforderung dazu zu lernen. Lernen
wird man schließlich immer nur dann, wenn man sich an
eine Aufgabe wagt, die man noch nicht beherrscht!
Venezianischer Kanal
Material: Acrylfarbe, grundierte und glatt geschliffene
Malplatte
Unter Benutzung eines Dias, das ich vor einigen Jahren
in Venedig gemacht habe, entstand das folgende Bild.
Nachdem eine Kamera kein menschliches Auge ist, musste
ich während des Malprozesses einiges erfinden und improvisieren.
Die Schattenpartien wiesen nur wenig Zeichnung
auf, hier mussten Wandstrukturen und Architektur,
vor allem rechts, neu gefunden werden. Trotzdem, für aufwendige
Arbeiten dieser Art gibt es keine Alternative zum
Einsatz von Fotografien; ein wochenlanges Sitzen vor Ort
ist kaum machbar und liefert wegen des ständig wechselnden
Lichts auch keine besseren Ergebnisse.
Das schnelle Arbeiten vor Ort bleibt skizzenhaften Ausführungen
und Malstilen vorbehalten. Ein großer Vorteil
der Fotografie ist das Einfrieren von Lichtstimmung und
Schattenwurf in einem bestimmten Moment. So ist es
auch kein Zufall, dass in der Landschaftsmalerei die Darstellung
komplexer Vordergründe mit präzisen und komplizierten
Schattensituationen durch Maler vor dem Einsatz
von Fotos nicht existent war. Die präziseste Annäherung
an einen echten Realismus war aber später durch
den Einsatz der Camera obscura möglich, die zumindest
in einem relativ kurzen Zeitraum ein Erfassen der Raumsituationen
und Schatten ermöglichte (ich denke, die Zeitgenossen
damals waren auch ordentlich verblüfft von
den Ergebnissen). Der Vorteil, den wiederum die Malerei
gegenüber der Fotografie besitzt, ist die Möglichkeit der
Auswahl und Betonung jedes einzelnen Elements - somit
eine Anpassung des Gemalten an eine natürliche Seherfahrung.
So kann ein realistisches Bild viel räumlicher
und echter wirken als eine Fotografie.
Schritt 1
Das erste Stadium zeigt die Bleistiftvorzeichnung und wässrig gesetzte
Untermalungen sowie erste deckende Farbschichten, um Formen und
Lokalfarben herauszuarbeiten.

Technik I
18 palette & zeichenstift
Aquarellieren mit Martin Lutz
Architektur – Teil 3
Wenn man eine Vorzeichnung für ein Architekturaquarell
macht, zeichnet man gewöhnlich mit dem Bleistift vor.
Man legt anfangs mehr oder weniger fest, wo sich die
Formen befinden; man orientiert sich. Diese Bleistiftlinien
sind nur Mittel zum Zweck, sie werden im Laufe des Malprozesses
kaschiert und von den folgenden Farbaufträgen
überdeckt. Bei vielen Aquarellen ist die Linie schließlich
gar nicht mehr sichtbar. In der Welt der Grafik dominiert
die Linie, aber in der Malerei haben Formen,
Tonwerte und Farben klar die Oberhand.
In der Geschichte der Malerei gibt es allerdings immer
wieder Beispiele von Künstlern, die auch in ihren Gemälden
von der Linie als gestalterisches Mittel Gebrauch gemacht
haben. Hierzu zählen unter anderem Pablo Picasso
(1881-1973), Wassily Kandinsky (1866-1944) oder
Raoul Dufy (1877-1953). Die Maler Max Beckmann
(1884-1950) und Bernard Buffet (1928-1999) haben in ihren
Bildern die Linie extrem kraftvoll betont. Ihre Linien
sind schwarz und markant, sodass man beim Betrachten
ihrer Bilder unwillkürlich an einen Holzschnitt denken
muss. Alberto Giacometti (1901-1966) setzte die Linie dagegen
minimalistisch und mager ein und ging soweit,
dass er sogar bei seinen Skulpturen - also Dinge im
Raum, die ja Volumen haben - fast alles nur noch auf eine
Linie reduzierte.
Das kalligrafische Bild
Nun gibt es viele Arten von Linien mit den unterschiedlichsten
Bildwirkungen: zittrig, substanzlos, gefühlvoll,
schwungvoll, dominant usw. Wie die Linie im grafischen
Bereich wirkt, so tut sie dies auch in Verbindung mit der
Malerei. Mir persönlich gefällt die asiatische Kombination
aus Schrift, Pinselzeichnung und Bild sehr gut. Hier hat
Der Anleger, 45 x 65 cm
Diese Hafenansicht habe ich etwas abstrakter und freier interpretiert. Pfähle, Masten, Takelage der Boote etc. bieten sich geradezu
für ein kalligrafisches Aquarell an. Beachten Sie auch das Weiß: Es befindet sich fast nur in der Bildmitte.

Künstler I
Das Malen hat mich mein Leben
lang begleitet und begeistert
Margrit Schneider
Als die Kinder auf eigenen Füßen standen, musste ich
mir ein neues Beschäftigungsfeld suchen. Was lag da
näher, als meine Leidenschaft weiter auszubauen. Ich
hatte die Gelegenheit, mir bei einer ortsansässigen
Künstlerin einige Grundlagen anzueignen und verschiedene
Techniken zu erlernen. Dieses Grundwissen baute
ich in einer Kunstakademie weiter aus. Bald schon stellte
sich heraus, dass Acryl auf Leinwand mein liebstes Arbeitsmaterial
werden würde. Seit 2007 widmete ich mich
dann ganz der Malerei und hatte erste externe Ausstellungen.
Anfängliche Arbeiten beschränkten sich auf gegenständliche
Darstellungen wie Muscheln, Bäume, Tiere und
Landschaften. Dann aber begann ich, Menschen zu malen,
meistens Gesichter.
Ein befreiter Traum, Acryl auf Leinwand, 50 x 70 cm
24 palette & zeichenstift
Nur manchmal zeige ich in meinen Bildern den ganzen
Körper. Zunehmend konzentrierte ich mich auf das Gesicht.
Ein Gesicht ist für mich ein unerschöpfliches Repertoire
an Unterschiedlichkeit, Ausdruck und Emotionen.
Ein Kind, das lacht; eine Frau, die sehnsüchtig aus dem
Fenster schaut; ein Mann, der nachdenklich zu grübeln
scheint ...
Der Blick des Betrachters soll auf die Augen fokussiert
werden. Gesichter haben für mich etwas Geheimnisvolles.
Sie erzählen von sich - ihren Gefühlen.
Ja, Menschen berühren mich.
In meinen Bildern entstehen immer wieder andere Ausdrücke
durch das Spiel mit Farben, Farbkontrasten, Mi-

Technik I
Klaus Ruschmann
28 palette & zeichenstift
Ein nach Modell und Foto
gezeichnetes Porträt
Ein Porträt sollte authentisch sein. Das heißt, die Zeichnung
sollte aus der persönlichen Wahrnehmung der Erscheinung
des Modells entstehen. Man kann kein authentisches
Porträt eines Menschen zeichnen, den man
nur vom Foto kennt. Das schließt aber die Verwendung
eines Fotos als Zwischenschritt keineswegs aus. Ein vom
Künstler selbst aufgenommenes Foto ist sehr hilfreich,
wenn er sehr detailliert nach der Natur arbeiten will. Der
größte Nutzen ist, dass sich der Zeitaufwand für die
handwerkliche Arbeit des geometrischen Abbildens verkürzt.
Dem Modell werden viele Stunden Sitzen erspart -
und die Mühsal, einen gewünschten Gesichtsausdruck
ununterbrochen aufrecht zu erhalten.
Die Aufnahme des Fotos ist ein wichtiger Akt für die Gestaltung
des Bildnisses. Hier achtet man auf einen für die
Person typischen Ausdruck und auf eine gute Ausleuchtung.
Die Komposition der hellen und dunklen Stellen beginnt
mit der Wahl der Lichtquellen und ihrer Anordnung.
Bei Holger, dessen Porträt ich hier als Beispiel nehme,
habe ich das Licht eines wolkenlosen Himmels verwen-
Abbildung 1
det. Holger stand im Schatten einer Häuserwand. Direkte
Sonne hätte das Licht- und Schattenspiel zu hart gemacht.
Damit das Gesicht plastisch und kontrastreich
wirkt, habe ich ein schwarzes Tuch an die Wand neben
Holger gehängt. Die weiße Wand hätte zu viel Licht abgestrahlt
und für eine diffuse Rundumbeleuchtung gesorgt.
Mit dem Bildbearbeitungsprogramm meiner Kamera habe
ich am Computer Helligkeit, Kontrast und Lichter der
Monochromaufnahme so eingestellt, dass Teile des Gesichts
weiß werden. An den entsprechenden Stellen kann
ich später die Zeichnung weiß lassen. Da ich Gesichter
nie kompakt, sondern zur Lichtseite geöffnet zeichne,
brauche ich die weißen Stellen als Verbindung zum weißen
Hintergrund.
Holgers Porträt sollte etwa einen Maßstab von 90% haben.
Entsprechend habe ich das Format zweier Graustufendrucke
gewählt. Einen Druck auf dünnem Papier nehme
ich zum Pausen der Umrisslinien, einen weiteren auf
Fotopapier zum Abzeichnen der Hell-Dunkelwerte und
Feinheiten. Die Rückseite des dünnen Papiers schwärze
ich mit einem breiten, weichen Grafitstab, bevor ich das
Blatt mit wieder lösbarem Klebeband auf einen großen
Bogen Zeichenkarton hefte. Die Position des Kopfes in
der Bildfläche werde ich erst mit dem Zuschneiden des
Kartons am Ende meiner Arbeit festlegen.
Jetzt drücke ich mit einem Bleistift die Umrisslinien durch
- aber nur von einem Teil des Kopfes. Nicht alle Partien
des Kopfes sind wichtig für die Charakterisierung der Person.
Das Bild wird interessanter, wenn man diese Partien
weglässt (Abb. 1).
Mithilfe des zweiten Fotos lege ich die Schraffur an. Mit
ihr soll nicht nur hell und dunkel herausgearbeitet werden.
Es ist wichtig, mit der Schraffur einen Zeichenstil zu
erzeugen, der die Zeichnung vom Foto abhebt. Irgendwann
im Verlauf der Arbeit bekomme ich plötzlich das
Gefühl, die Person schaue mich durch das Porträt an.
Damit ist ein bedeutender Abschnitt erreicht: Das Bild ist
halb fertig (Abb. 2 und 3).
Bisher habe ich mich nur an das Foto gehalten. Nun gilt
es, sich an der lebenden Person zu orientieren. Als erstes
ist eine Pause angesagt, in der ich mich vom Bild löse.
Trete ich am nächsten Tag vor das Bild, fällt mir sicher
spontan eine Unstimmigkeit auf. Ich erkenne die gemeinte
Person, merke aber sofort, dass irgendetwas nicht
stimmt. Bei Holger waren es zunächst die Augen, nach
meinem inneren Bild von Holger mussten sie weiter hin-

Information I
Wolfgang Traub
32 palette & zeichenstift
Kreativität für Künstler
Teil 1
Bitte? Kreativität für Künstler, was soll denn das? Kunst
ist doch von sich aus kreativ!
Natürlich ist das Schaffen eines Kunstwerkes, das Malen
eines Bildes, eine kreative Tätigkeit - nur sagt das noch
nichts darüber aus, wie viel tatsächliche Kreativität in das
Werk einfließt. So ist das reine Abbilden mit möglichst hoher
Detailtreue zwar eine Kunst, aber nicht unbedingt
kreativ.
Kreativität bedeutet, sich über Alternativen Gedanken zu
machen und aus Altbekanntem Neues zu schaffen. Vor
allem aber: Bildhaft und auch mal in Symbolen zu denken,
frei und subjektiv zu assoziieren und seine individuelle
Sicht verständlich zu machen.
Dieser Beitrag befasst sich mit der Kreativität als solcher,
vor allem aber mit Beispielen, wie sie in der Kunst auftreten
und bewusst genutzt werden kann.
Kreativität hat genauso viel mit Ideenreichtum zu tun wie
mit Wahrnehmung - unserer Wahrnehmung innerer Bilder
und unserer ureigensten Erfahrungen und Vorstellungen.
Und sie hat mit der Wahrnehmung des Betrachters zu
tun, damit, wie wir diesem unser Bild vermitteln können.
Das gilt für abstrakte Malerei nicht weniger als für eine
darstellende Malerei.
Die Kreativität ist subjektiv, wie die Malerei auch. Es geht
nicht um die eine absolute Lösung, sondern um die ureigene
Idee. Es geht weniger um eine neutrale Wiedergabe
unseres Motivs, sondern vielmehr um eine nachvollziehbare
Wiedergabe unserer eigenen Realität und Vorstellung.
Wenn dies gelingt, dann ist die wesentlichste
Aufgabe der Kunst erreicht. Das alles wird klarer, wenn
wir uns kurz Zeit nehmen, die Kreativität als solche zu betrachten.
Im Alltag bewältigen wir die meisten Anforderungen aus
unserer Erfahrung heraus. Wir wissen, was zu tun ist.
Können wir aber auf keine passende Erfahrung zurückgreifen,
dann haben wir zwei Helfer: unseren Verstand
und unsere Kreativität. Mit dem Verstand analysieren und
bewerten wir, mittels der Kreativität suchen wir nach vergleichbaren
Situationen und alternativen Lösungen. Dieser
kreative Prozess funktioniert über Assoziationen, also
Verbindungen, die wir aufgrund irgendeiner "Ähnlichkeit"
empfinden, ganz subjektiv aus unserer Erfahrung heraus
und daher für Andere nicht immer nachvollziehbar. Auf
diese Weise sammeln wir Informationen und Gefühle aus
unserem Gedächtnis, die uns helfen einer neuen, unbe-
kannten Situation richtig zu begegnen. Der Verstand
sammelt Fakten und sucht die einzige richtige Lösung.
Die Kreativität sammelt Erinnerungen und Gefühle, setzt
diese möglichst in innere Bilder um und liefert alternative
Ideen.
Was hat das jetzt mit Malerei zu tun? Viel - denn, ein wenig
provokativ ausgedrückt, wenn Sie vor einem neuen
Motiv stehen, dann sammeln Sie Erinnerungen und Gefühle,
setzen diese in einige "innere Bilder" um und entscheiden
sich dann für eine Alternative: So will ich versuchen,
das Motiv wiederzugeben.
Abbildung 1: August Macke hat dieses Aquarell auf seiner
berühmten Tunisreise gemalt. Neben den Krügen und der
abstrahierten Gestalt finden sich auch ornamentale Elemente
wieder, die auf vielen dieser Bilder zu finden sind.
Ganz offensichtlich hat Macke das Motiv völlig neu komponiert.
Erkennbar ist der eher kubistische Bildaufbau,
den er geschickt genutzt hat, um einzelne Krüge wie in einer
Collage darzustellen und so orientalische Form- und
Farbenfreude in eine überschaubare Ordnung zu arrangieren.
Ob erdacht, erträumt oder erfühlt, die Kreativität,
Abbildung 1: August Macke: Händler mit Krügen, 1914

Künstler I
Siegrid Leitner
36 palette & zeichenstift
Robert Süess
Wenn die Seele Farbe bekennt
Der Ausspruch von Friedrich Nietzsche "man muss noch
Chaos in sich haben, um einen tanzenden Stern gebären
zu können", gewinnt durch die Werke von Robert Süess
eine ganz besondere Bedeutung. Chaos und Ordnung,
Kalkül und Intuition, Sein und Schein sind Polaritäten, die
sich auch in den Arbeiten des Künstlers wiederfinden.
Süess versteht die schwierige Balance von Gegensätzen,
begreift die Beziehung zwischen außen und innen in
einem Spannungsfeld auszuloten - dass schon ein zu viel
oder zu wenig die Spannung der Komposition zerstören
kann. Nur durch sensibles Reagieren der beiden Kräfte
gelingt ihm der Ausgleich, schafft er eine Form, die ein
Höchstmaß an Ausdruck erreicht.
Im Chaos gibt es Inseln der Stabilität
Robert Süess‘ Bilder verlangen Zeit und Konzentration,
um die emotionale Qualität, aber auch ästhetische
Schönheit zu entdecken.
Anziehung, 2012, Mischtechnik, 80 x 120 cm
Was ich im Gespräch mit Süess ebenso wie beim Betrachten
und Berühren seiner Werke erfahren habe, ist,
dass hier eine Malerei vorliegt, die Entschlossenheit
zeigt, Lebensfreude ausdrückt, die trotz fester Struktur eine
verblüffende Leichtigkeit hat und die voll tiefer Empfindung
und Leidenschaft ist. Es sind eigentlich Seelenlandschaften,
die aus ihm heraus entstehen und uns viel von
der Persönlichkeit des Künstlers verraten. Da sieht man
die überlagerten Farbschichten mit ihren Zwischenräumen
und Durchbrüchen, die angedeuteten Spuren, aber
auch das Licht, das Ausblick in ein neues Leben ermöglicht,
das zeigt sich in der Dynamik der Gefühle, in der
Angst zu scheitern und in der Sehnsucht nach Balance
oder der Suche nach Wegen.
Robert Süess, 1950 in Luzern/Schweiz geboren, lebt und
arbeitet, wenn er nicht gerade unterwegs ist, in Dierikon
bei Luzern. Er erlernte den Beruf als Typografiker und
war 20 Jahre lang als Personalverantwortlicher für ein
größeres Medienunternehmen tätig. Mit 49 Jahren ent-

Technik I
Gerlinde Gschwendtner
In meinen beiden letzten Artikeln in der palette habe ich
die Themen Bilddeutungen und Bildpolaritäten punktuell
behandelt und mit Bildbeispielen belegt. In dieser Folge
werde ich mich nun mit einigen Qualitätskriterien des
Bildwissens befassen. Meine Bilder sollen das Thema visuell
ergänzen.
Qualität: Aus dem Lateinischen, bedeutet soviel wie Beschaffenheit,
Güte, Wert. Nach Aristoteles sinnlich wahrnehmbare,
wesentliche Eigenschaften von Gegenständen.
Ontologisch bedeutet Qualität, ein System von Eigenschaften,
die ein Ding zu dem machen, was es ist und
es von anderen Dingen unterscheidet.
Qualifikation: Befähigung, Eignung, Befähigungsnachweis.
Es gibt unzählige Ansätze über die Qualität und den
Wert von Bildern zu diskutieren. Zum Beispiel: historische
Einordnungen, Stile, Themen und Motive, arbeitstechnische
Feinheiten, kompositorische Überlegungen oder
ganz individuelle Zugänge zu Darstellungen. Jeder Betrachter
hat andere Kriterien, nach denen er das Bild beurteilt.
Daher möchte ich in unüblicher Weise auch auf die
Helga, Aquarell
Die reduzierte malerische Auflösung des Gesichtes genügt für
einen Gesamteindruck - der Betrachter muss dabei aktiv sein..
42 palette & zeichenstift
Bildqualitäten
Qualität des Betrachters eingehen. Bei jedem Rezipienten
sind die Qualitätsmaßstäbe durch drei Arten vom
Schlüsselwissen gekennzeichnet: Bildwissen, Empfindsamkeit
und Einfühlungsvermögen, Vergleiche.
Auch Kritik (griechisch "kritike techne") bedeutet die
Kunst der Unterscheidung und Beurteilung. Sie wird heute
meistens als wertende Beurteilung von Kunstwerken
aufgrund von Maßstäben und Qualitäten, die eine Überprüfung
und Begründung erlauben, eingesetzt. Üblich ab
dem 18. Jahrhundert. Zuerst eher nur von Künstlern über
Künstler gebräuchlich, gibt es nun die "Laienkritiker". Probleme
der Bewertung gibt es immer, besonders wenn bestimmte
Vorbilder von Menschen als Kunstideal gelten
(zum Beispiel marxistische oder faschistische Ästhetik).
Im Spannungsfeld von Kunst und Gesellschaft ist die
Werthaftigkeit der Qualitätsbestimmung von neuen
Kunstwerken besonders strittig.
Qualitätsverbesserung des eigenen Urteils entsteht durch
Weiterbildung und durch Offenwerden gegenüber Impulsen
von außen. Den Zeitpunkt zur Verhaltensänderung
erkennt man, wenn man nur mehr gewohnheitsmäßig kritisiert
und die eigenen Anforderungen erlahmen. "Lifelong
Learning" ist heute nicht nur in der Arbeitswelt, sondern
auch für Künstler und Kunstbetrachter eine selbstverständliche
Notwendigkeit. Komplexe Kompositionen
in Bilder erfassen Fachleute schneller, sodass ein "trainierter
Blick" auch für den Betrachter eine Qualitätsverbesserung
bedeutet.
Da sich heute immer mehr Richtungen der Kunst gleichzeitig
entwickeln, werden Werturteile immer schwieriger
und komplexer. Das sich Zurückziehen auf die einfache
Urteilsfähigkeit "ein Bild muss mir nur gefallen" ist daher
für einige der leichteste Ausweg.
Die Qualitätsforderung an den Künstler ist nach wie vor
die Förderung einer verstärkten Sensibilität und eines kritischen
Potentials, die den Erfahrungshorizont erweitert
und Bereiche der Wirklichkeit in neuem Licht zeigt. Allgemeine
Normen sind für den schöpferischen Geist des
Künstlers nicht verbindlich. Allerdings hat uns die Erfahrung
in der Kunstlandschaft gezeigt, dass man keinem
Menschen das absolute Urteil gestatten soll. Die gegenwärtige
Kunst ist in fast allen Formen frei und akzeptiert.
Dennoch werden für den Betrachter und vor allem für den
Käufer Qualitätskriterien und Maßstäbe gesucht. Sie zeigen
die Ambivalenz des Genres. Die guten alten Begriffe
- wie handwerkliches Wissen, Originalität oder Ausdruck
Frauenakt, Aquarell
Die Augen des Betrachters vervollständigen das malerische
Bild durch ein Verbinden von Farbelementen.

Künstler I
48 palette & zeichenstift
Maria Zalfen-Lenz
"Dat kann jo mole"
Einer meiner Wahlsprüche lautet: "Wer glaubt, etwas zu
sein, hat aufgehört, etwas zu werden." Dieser Ausspruch
von Philip Rosenthal imponiert mir sehr, sagt er doch genau
das aus, was ich alle paar Jahre verspüre, wenn mich
das Gefühl überkommt, meinen künstlerischen Horizont
erweitern zu müssen.
Wenn mich jemand fragt, wie lange ich schon male, dann
antworte ich stets: "Schon immer". Meine Kunst ist das
Resultat meines Schaffensdranges etwas “Schönes”
oder "Künstlerisches" oder "Praktisches" zu schaffen.
Das nötige Handwerk - sprich, die malerischen Techniken
- habe ich mir, seit ich denken kann, durch genaues Hinsehen,
Nachempfinden, Studieren von Gemälden und
Bildbänden im "Selbstversuch" angeeignet.
Mein Werdegang begann im Eifeldorf Marmagen, in dem
ich 1967 geboren wurde und heute noch lebe. Fern ab
vom Großstadtgehabe wuchs ich mit viel Liebe für die
Natur auf. Ich war immer ein schüchternes Kind mit wenig
Selbstbewusstsein, konnte mich aber letztendlich
durch meine malerischen Leistungen hervortun.
Ein einschneidendes Schlüsselerlebnis hatte ich an meinem
ersten Schultag. Wir sollten unser Kinderzimmer
malen. Am Raunen einiger Eltern, die unmittelbar neben
mir an der Klassenzimmerwand standen (die Eltern durften
damals noch an der ersten Schulstunde teilnehmen),
erkannte ich, dass ich doch Talent zum Malen haben
Kirschblüte, 2011, Aquarell, 50 x 50 cm
Alte Linde Schmidtheim I, 2011, Aquarell, 26 x 19 cm
musste: "Dat kann jo mole!", hörte ich. Von da an wusste
ich, wohin die "Reise" gehen sollte.
Als mein Vater mit 41 Jahren an Krebs starb, war ich gerade
erst acht Jahre alt, meine Geschwister zehn, sechs
und vier Jahre. Ich kann mich an einige Bleistiftzeichnungen
erinnern, die mein sterbender Vater im Krankenhaus
gezeichnet hatte. Sie waren wie mein Allerheiligstes. Ich
wollte seither diese vergangene Kreativität weitertragen
oder fortführen, die nie die Chance bekommen hatte, entdeckt
zu werden.
Es war eine harte Zeit, aber unsere Mutter gab uns nie das
Gefühl, dass uns etwas oder jemand fehlte. Mit ihrer unzerstörbaren
Schaffenskraft und Stärke hatte sie immer neue
kreative Ideen, die sie mit uns Kindern zu kleinen Kunstwerken
umsetzte. Es war die Zeit, wo das Angebot an

Technik I
Liane Käs
54 palette & zeichenstift
Acryl - Wellen und Wasser
Eines der faszinierenden Naturschauspiele ist und bleibt
die Schönheit und Farbenvielfalt der Meeresbrandung -
die Gewalt der heranrollenden Wellen, das Sprühen der
Gischt. Ob man in den frühen Morgenstunden das Meer
betrachtet oder abends, wenn die Sonne untergeht, das
Spiel des Wassers ist ein unendliches Bild der Natur. Man
vergisst die Zeit, möchte verweilen und schließlich regt
sich in einem der Wunsch, diese besonderen Eindrücke
malerisch festzuhalten.
Nicht, dass dies einfach wäre. Diese zarten, schnell
wechselnden Bilder der Natur sind schwer festzuhalten.
Das Kommen und Gehen der Wellen sind "Verschwindende
Landschaften"- kaum ist die Welle angekommen,
zerfließt sie schon wieder; hat sich eben noch ein Wellenkamm
aufgebaut, ist er gleich schon wieder gebrochen …
Wie soll man diese Darstellung wohl bewerkstelligen?
Deshalb ist der erste Schritt vor dem Skizzieren und Malen
das Beobachten der Meeresbrandung. Denn nahezu alle
Wellen rühren von der Kraft des Windes her, ihre Fortbewegung
wird von der Schwerkraft beeinflusst, dazu kommen
Reibung und Strömungswiderstand, die neben dem
Wind die Wellen weiter auftürmen. Wie groß ist die freie
Meeresfläche? Beobachte ich vom Strand her, oder bin ich
auf hoher See? Wie stark steigt der Meeresboden an? Gibt
es Felsen im Untergrund, die die Wellen schneller brechen
lassen, oder laufen sie auf einem Strand aus? Das alles
sind physikalische Grundüberlegungen, die es zu berücksichtigen
gilt. Denn selbst beim schrägen Auftreffen der
Wellenfront auf die Küste, richtet sich diese fast immer
waagerecht zum Küstenverlauf aus.
Es gibt sehr unterschiedliche Erscheinungsformen der
Wellen und so entsteht häufig der Wunsch, nicht nur Wellen,
große Wellen, sondern auch brechende Wellen mit
Schaum, die sprühende Gischt, das Auflaufen auf den
Strand usw. zu malen.
Hat das Auge genug gesehen, kann eine schnelle Hand
ein paar Bleistiftskizzen anfertigen. So kann man die Dynamik
und die Hell-Dunkel-Kontraste im Wasser festhalten.
Wie viele Wellenbrecher man auf seinen Malgrund
bannen möchte, hängt sehr stark von der Größe der Leinwand
und von der Höhe der Horizontlinie im Bild ab.
Eine große Leinwand bedingt große Pinsel (Abb. 1a und
1b). Ungezwungen und frei gibt man großzügig Acrylfarbe
auf den Malgrund (Abb. 2) und legt für sich die Höhe
des Horizontes fest. (Abb. 3)
Sämtliche Blautöne, die die Farbpalette hergibt, sind einzubeziehen.
Will ich eher das Mittelmeer malen, benötige
ich mehr Türkis und Smaragdtöne, die man auch sehr gut
Abbildung 1a
Abbildung 1b
Abbildung 2

Künstler I
Seit 1992 beschäftigt sich Monika Kind intensiv mit der
Malerei. Der Grundstein zur künstlerischen Tätigkeit wurde
in Urlaubsaufenthalten in der Bretagne gelegt, wo
auch ihre ersten Werke entstanden. Seitdem entstehen
die meisten Werke in Aquarelltechnik, aber auch in anderen
Techniken wie Acryl und Öl.
Durch die Ausbildung zur technischen Zeichnerin im Fach
Maschinenbau dauerte es eine Zeit, bis sie in die Aquarellmalerei
eintauchte und die durch die Ausbildung bedingten
typischen Zeichnungen vergaß. Malstudien in
verschiedenen Aquarellkursen und Seminaren halfen ihr
dabei.
Die Motive der Künstlerin sind oft Objekte aus der Natur,
Menschen, Erinnerungen - ein erster Ausgangspunkt -
dann beginnen sich die Gedanken und Prozesse zu verselbstständigen.
Besonders Wasser und alles, was damit
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Monika Kind
Objekte aus der Natur
Alcudia, Mallorca, Bütten Aquarellpapier, 24 x 32 cm
in Verbindung steht, regten sie an, neue Bilder entstehen
zu lassen. So entstand auch das Quartett "Segelboote" in
der Zeit, als ihre Tochter den Segelschein machte. "Auf
meinen Reisen nach Asien, wie zum Beispiel Bali und
Thailand, brannten sich Eindrücke und Stimmungen auf
Papier ein", so die Künstlerin.
Für Monika Kind gehört die Aquarellmalerei nicht nur zu
den schwersten, sondern auch zu den menschlichsten aller
Maltechniken. Die Erklärung hierfür ist relativ naheliegend,
denn die Aquarellmalerei ist eine spontane Technik.
"Es bleibt nicht viel Zeit zu überlegen, die Entscheidungen
kommen aus dem Gefühl, aus dem Bauch
heraus. Nicht etwa wie bei so vielen künstlerischen Disziplinen
"aus dem Kopf". Vieles in unserer heutigen Welt
entspringt dem Kopf; wird abgesichert, geplant, perfektioniert.
Spontanität findet dann selten Platz. Doch nicht zu
vergessen: Spontanität bedeutet auch Improvisation. Na-

Künstler I
Hans-Dieter Jung
Seit meiner frühesten Kindheit und ganz besonders in der
Schule, beschäftigte ich mich mit Zeichnen und Malen.
Mein damaliger Lehrer hat mich schon in jungen Jahren
gefördert. Damals wie heute faszinierten mich die Bilder
des Malers Vincent van Gogh sowie der Expressionisten
Ernst Ludwig Kirchner und Karl Schmidt-Rottluff. Das erste
intensive Studium begann ich mit 19 Jahren in Form
eines Fernstudiums der "Famous Artists School Amsterdam".
Leider hat mich meine spätere Tätigkeit als Betriebsleiter
einer großen Stahlbaufirma daran gehindert, intensiv zu
zeichnen und zu malen. Während dieser Periode musste
ich mich mit technischem Zeichnen begnügen, Stahlkonstruktionen
am Reißbrett entwerfen, und später computerunterstützte
Anlagen konstruieren und berechnen. In
dieser Zeit gönnte ich mir lediglich, jährlich eine Sommerakademie
zu besuchen.
Als ich mich 2002 aus dem aktiven Arbeitsleben verabschiedete
und ich mehr Freizeit hatte, begegnete mir Prof.
Wolf Wrisch. In seiner Akademie in Rhodt unter Rietburg
belegte ich das Studium für Malerei sowie die Meisterklasse
und viele Themenseminare. Mehrere Malreisen, begleitet
von Prof. Wolf Wrisch, hängte ich an das Studium an.
Mittsommernacht, 2011, 340 x 100 cm
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Materialbilder
Ich beschäftigte mich überwiegend damit, Bilder aus verschiedenen
Materialien zu gestalten. Der besondere Reiz
der unterschiedlichen Materialien und deren Oberflächen
liegt darin, dass sie eine Fülle von kompositorischen Möglichkeiten
eröffnen, die zum gestalterischen Spiel verführen.
Meistens entstehen bei dieser Vorgehensweise ungegenständliche
bis abstrakte Motive. Für den Ausdruck ist natürlich
auch die Farbgestaltung von großer Bedeutung.
Sie hat dabei den- selben Stellenwert wie der Farbauftrag
bei der klassischen Malerei. Besonders wichtig ist es für
mich, dass das Material nicht für sich selbst steht, das
heißt, dass z.B. eine Muschel nicht für eine Muschel
steht, Sand nicht für einen Sandstrand und Steine nicht
für Steine. Dabei wäre der dekorative Aspekt für mich zu
sehr in den Vordergrund gestellt.
Meine vielen Malreisen nach Norwegen (Lofoten) inspirierten
mich, mich dem Thema Sonnenuntergang sowie der
Mittsommernacht in künstlerischer Weise zu nähern. Um
das Wesen und die Einmaligkeit, speziell dieses Naturschauspiels,
in diesem so faszinierenden Land zu erfahren,
benötigte es alle zur Verfügung stehenden Sinne. Die
Ohren, um zu hören, die Nase um zu riechen, aber am
meisten natürlich die Augen um die Schönheit zu erblicken
und dann in ein bildnerisches Werk umzusetzen.