KUNST für das iPad - KUNST Magazin

Berliner Galerien zeigen ausgewählte Positionen aktueller Kunst. Begleitet von 

einer BERLIN LOUNGE mit Informationen rund um die Kunstmetropole Berlin. 

BERLINER GALERIEN 

auf der 

H 45 

H 43 

H 41 

H 39 

H 37 

H 35 

A 31 

Markgrafenstraße 15, D-10969 Berlin, 

www.berliner-galerien.de, lvbg@berliner-galerien.de 

T: +49 30 3101 9714 

Galerie Deschler 

www.deschler-berlin.de 

LEE galerie BERLIN 

www.leegalerieberlin.com 

MORGEN CONTEMPORARY 

www.morgen-contemporary.com 

schultz contemporary 

www.galerie-schultz.de 

Swedish Photography 

www.swedishphotography.org 

WAGNER + PARTNER 

www.galerie-wagner-partner.com 

BERLIN LOUNGE 

www.berliner-galerien.de 

Kaserne Basel 

Klybeckstr. 1b, CH - 4057 Basel 

www.berliner-galerien.de 

design: florencia young 

Editorial 

Text: Hannah Nehb Translation: Brian Poole 

Wieder bei Freunden 

Harry Blain und Graham Southern haben sich im letzten 

Jahr als Direktoren aus der Galerie „Haunch of Venison“ 

zurückgezogen. Sie gingen nach London, wo sie wenig 

später unter dem Label ihrer eigenen Namen wieder 

eine Galerie gründeten. Mit „Blain|Southern“ haben die 

beiden am Gallery Weekend ihre Berliner Dependance 

im ehemaligen Rotationsgebäude des Tagesspiegels 

eingeweiht. Der Tipp für diesen Ort? Stammt natürlich 

von Freunden. Nicht nur in der Potsdamer Straße 

treffen sie auf alte neue Nachbarn, auch sonst kann die 

Galerie in Berlin auf ein Netzwerk zurückgreifen, das 

von freundschaftlichen Verhältnissen geprägt ist. 

Wie man sich Freunde macht 

„Freunde sind wichtig“, sagt Blain|Southern-Direktorin 

Lisa Bosse im Gespräch. Freunde zu haben, bereichert 

nicht nur das Privatleben, sondern erleichtert auch 

das Arbeiten. Das haben auch kulturelle Institutionen 

erkannt, die – verstärkt seit 1990 – ihre Fans in 

„Freundeskreisen“ an sich binden. Die finanziell und/ 

oder ehrenamtlich engagierten Mitglieder kommen in 

den Genuss von exklusiven Angeboten wie Reisen oder 

Vergünstigungen. 

Wie man sich keine Freunde macht 

Es klingt verheißungsvoll, was man von Cyprien 

Gaillards Ausstellung in den Kunst-Werken hört: 

Kistenweise Bierflaschen hat der Franzose dort zu einer 

Pyramide aufgestapelt und den Besucher zur Teilhabe 

an deren Verfall eingeladen. Nichts wie hin zum 

munteren Bierflaschen-Leeren; wenn mal was zu Bruch 

geht: kein Problem. Doch wehe, es kommt einer daher 

und bringt Ordnung ins beabsichtigte Chaos. Wer sich 

systemwidrig verhält, wird des Ortes verwiesen. Wir 

finden: Damit macht man sich keine Freunde. 

Was Freunde so machen können 

Wer vor systemkonformem Verhalten flüchten möchte, 

schnappe sich seine Freunde, läute den Kunstsommer 

ein und reise nach Basel. Damit das Planen in der 

Stadt einfacher fällt und Sie sich auf die wesentlichen 

Dinge – Kunst schauen und Freundschaften pflegen 

– konzentrieren können, haben wir die wichtigsten 

Infos in einem Special zu den Basler Messen für Sie 

zusammengefasst. 

Ihre KUNST Redaktion 

Titelbild: Jahresmitgliederversammlung der Freunde 

der Nationalgalerie im Hamburger Bahnhof in Berlin 

Foto: Hannah Nehb 

Back with Friends 

Harry Blain and Graham Southern gave up their 

positions as directors of the gallery “Haunch of Venison” 

last year. They moved to London, where they soon 

opened a new gallery under their own names. During 

the Gallery Weekend in Berlin their new branch of 

“Blain|Southern” was set up in the former printing 

press building of the daily Tagesspiegel. Where did 

they get the suggestion to go there? From friends, of 

course. They often run into old and new neighbours 

along Potsdamer Straße; their gallery work in Berlin 

has bequeathed them a large network of amicable 

relationships. 

How to make friends 

“Friends are important,” says Lisa Bosse, the director at 

Blain|Southern. Having friends not only enriches your 

private life; it also makes your job easier. Even cultural 

institutions have recognised this, and since 1990 

they have increasingly bound themselves to circles 

of philanthropic “friends”. The financially and/or 

voluntarily engaged members receive, for their work, 

exclusive offers such as trips or special discounts. 

How not to make friends 

What we’ve been hearing about Cyprien Gaillard’s 

exhibition at KunstWerken sounds promising. Here 

the French artist has created a pyramid by piling up 

cases of beer, and he’s invited the visitors to participate 

in the pyramid’s decline. So it’s off to the visitors to 

empty some of those bottles of beer. And if one of 

them breaks—no problem! But woe betide those who 

dare to tidy up the intended chaos. Those who oppose 

the system will be asked to leave the premises. In our 

opinion, that’s no way to make friends. 

What friends can do 

Those who would like to flee system-conformity 

should collect up some friends, ring in the new “art 

summer” and set off to Basel. And just to make it 

easier for you to plan your trip to the city—so that 

you can concentrate upon the truly important things, 

like looking at art and cultivating your friendships— 

we’ve assembled the most important information in 

our special on the art fair in Basel. 

Your KUNST Magazin team

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und Dirk Neumann (Burg Giebichenstein, 

Kunsthochschule Halle) 

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u .a. Marc Aldinger, Rosa Barba, Henning Bohl, Georg 

Brückmann, Martin Dammann, Cordula Ditz, Ondrej 

Drescher, Martin Flemming, Ari Goldmann, Julius 

Grünewald, Ilona Herreiner, Franziska Holstein, Ruprecht 

von Kaufmann, Henning Kles, Adrian Sauer, Hans- 

Christian Schink, Arne Schreiber, Robert Seidel, Natalia 

Stachon, Chris Succo, Philipp Lachenmann, Veronika 

Veit, Ulrich Vogl, Jorinde Voigt, Markus Weis, Peter Welz, 

Der Erlös fließt ausschließlich in das Trustee-Programm EHF 2010. 

Inhalt 

Content 

Bürger, übernehmen Sie? 

Die Mission der Freundeskreise zwischen Engagement, 

Bürokratie und Mitgliedergewinnung 

Citizens, will you take care of it? 

The Mission of Philanthropic “Friends” between Engagement, 

Bureaucracy and Membership Acquisition 

Katharina Helwig 

Mensch oder Maus? 

Zur Ausstellung „The Recovery of Discovery“ von Cyprien Gaillard in den 

KunstWerken, 27. März bis 22. Mai 2011 

Man or Mouse? 

On the Exhibition “The Recovery of Discovery” by Cyprien Gaillard at 

KunstWerken from the 27th of March to the 22nd of May 2011 

Katharina Helwig 

Galerieprofil: Blain|Southern, Berlin 

“Große rohe Räume” 

Gallery Profile: Blain|Southern, Berlin 

“Large Raw Space” 

Hannah Nehb 

International Conversations with Collectors: Billur Tacir 

Jan Kage, Elena Sansigre, Hannah Nehb, Brian Poole 

Art Basel 

Buchvorstellungen 

Book reviews 

KUNST Kinderseite 

Children’s Pages 

Ausstellungshinweise 

Gallery Announcements 

KUNST Magazin Sammlergespräch Vorschau: Frank Sippel 

Impressum 

Imprint 

Bildnachweis 

VG Bild-Kunst 2011: 

Judith Ganz, Katharina Heinrich, Lina Kim, Adolf Luther, Vik Muniz, 

Julian Rosefeldt Jean Tinguely, Michael Wesely 

Vik Muniz: Saturn devouring one of his sons, after Francisco de Goyay 

lucientes (Pictures of Junk), 2005, Digital Chromatic Print, 228,6 x 180 cm 

© Courtesy Vik Muniz & Galerie Xippas, Paris 

8 

14 

18 

22 

26 

30 

32 

34 

50 

50

Bildwürdigkeit und Sehenswürdigkeit 

SIGHT -_SEEING 

Sight-_Seeing 

Bildwürdigkeit und Sehenswürdigkeit in Tirol 

Epicentro art, Karl-Marx-Allee 82-84, 

10243 Berlin, Deutschland, www.epicentroart.com, 

Öffnungszeiten, Di.-Sa. 12-18 Uhr, Eintritt frei 

10.6.2011–24.6.2011 im Epicentro art 

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© Christo und Jeanne-Claude, Running fence, 1972-76. Foto: Wolfgang Volz

Das Dinner im Rahmen der Mitgliederversammlung der Freunde der Nationalgalerie ist das Highlight des Jahres., Foto: David von Becker 

Bürger, übernehmen Sie? 

Die Mission der Freundeskreise zwischen Engagement, 

Bürokratie und Mitgliedergewinnung 

Citizens, will you take care of it? 

The Mission of Philanthropic “Friends” between Engagement, 

Bureaucracy and Membership Acquisition 

Text: Katharina Helwig Translation: Brian Poole 

In Zeiten der viel beschworenen „knappen Kassen“ 

gewinnt die Aktivität der sogenannten Förder- und 

Freundeskreise, die an verschiedene kulturelle 

Institutionen geknüpft sind, an Aufmerksamkeit 

und Bedeutung. Ein eigenes neues Forschungs- und 

Vernetzungsfeld tut sich auf, das systematisiert 

und gestaltet werden will und neben kunstaffinen 

Menschen zunehmend auch Fachleute und Experten 

anzieht. 

So bietet z. B. die „AG Freundeskreise in Berlin“, 

organisiert unter dem Dach der „Stiftung Zukunft 

In an age of much decried “limited financial resources” 

the task of philanthropic foundations and charitable 

groups of “friends” who support various cultural 

institutions has grown ever more significant. And they 

are attracting more attention. Here a new field of 

research and networking has emerged that has yet to 

be systematically organised and structured: a field that 

is also increasingly capturing the attention of specialists 

and experts, in addition to those already sympathetic 

to the arts. 

THEMA THEMA

Die Neumitglieder der Freunde der Nationalgalerie werden in der Alten Nationalgalerie im Anschluss an den Rundgang durch die Ausstellung 

„Die Sammlung des Bankiers Wagener“ mit Sekt und Schnittchen begrüßt. Foto: David von Becker 

Berlin“, eine Datenbank für Freundeskreise und 

vermittelt Know-how zu den Themen „Marketing“ und 

„Mitgliedergewinnung“ oder zu Steuerangelegenheiten. 

Seit 2006 veranstaltet die Arbeitsgemeinschaft 

jährlich ein Symposium, das von vielen Teilnehmern 

inzwischen als hilfreiche Institution wahrgenommen 

wird, weil konkrete Problemfelder besprochen 

werden. Dabei werden auch traditionelle Erwartungen 

differenziert reflektiert. Auf dem diesjährigen 5. 

Symposium fragte etwa der Referent Frank Trümper 

die Anwesenden, welche Bürger sie denn ansprechen 

wollten. „Um welche Bürger geht es Ihnen? Meinen 

Sie weiße Akademiker der gehobene Mittel- oder 

Oberschicht? Oder die Abteilungsleiterin oder den 

Jungunternehmer türkischer Abstammung, der in 

dritter Generation in Deutschland lebt? Meinen Sie 

betuchte Frühpensionäre oder jugendliche Bohemiens?“ 

Trümper stellte fest, „dass es DIE Aktivierung DER 

Bürger zu DEM Engagement für DIE Kultur nicht gibt 

– wenn es sie denn je gegeben hat.“ 

So heterogen die Zielgruppen, so vielfältig sind die 

Tätigkeiten der Mitglieder innerhalb des Förderkreises. 

Sie sitzen selten an der Kasse, eher richten sie 

Veranstaltungen aus, sammeln Spenden, betreiben als 

Botschafter Lobbyarbeit für „ihre“ Institution. In den 

meisten Fällen bekleiden einzelne Freunde das Amt 

des Vereinsvorsitzenden oder des Kassenwarts, andere 

pflegen die Website, manche sind nur zum Schauen 

da, wieder andere finden in vertrauter Runde neue 

Thus the AG Freundeskreise in Berlin, a conglomeration 

of philanthropic “circles of friends” operating under the 

auspices of the Stiftung Zukunft Berlin (Foundation 

for Berlin’s Future), offers a database for such circles, 

and additional tools and know-how on the subject of 

marketing, acquiring new members, and tax laws. Since 

2006 this organisation has hosted an annual symposium 

that has been praised by participants as a helpful 

institution because here they discuss concrete problems. 

Even the traditional expectations are reflected upon 

with appropriate differentiation. At this year’s 5th 

Symposium Frank Trümper, a speaker at the event, 

asked those present which citizens they would like to 

address. “Which citizens are you dealing with here? 

Do you mean white academics or the upper-middle 

or uppermost class? Or the department head of some 

business? Or a young Turkish entrepreneur and third 

generation immigrant? Are you talking about wealthy 

early retirees or young bohemians?” Trümper quickly 

surmised that “there is no singular way to motivate the 

engagement of the citizen for the culture—for when 

have they every existed in monolithic singular?” 

The target groups are as diverse as the activities of 

the members within the philanthropic circles. Rarely 

do they sit at the cash registers; rather, they organise 

events, collect donations and conduct lobby work as 

emissaries for their chosen institution. In most cases 

their own friends perform the functions of chairing the 

association or keeping track of the books; others update 

Geschäftspartner – Stichwort „Community-Building“. 

Gemeinsam ist den Mitgliedern, dass sie beinahe 

ausschließlich ehrenamtlich arbeiten. Für ihren Einsatz 

genießen sie verschiedene Vorteile: Atelierbesuche, 

Exklusiv-Führungen, Reisen, ermäßigte Tickets und 

Kataloge. Alle eint zumindest die Sympathie zur 

Institution, in deren Dienst sie sich stellen. 

Doch was können Freunde für ihre Institution 

konkret leisten? Und wie sind die Freundeskreise 

organisiert? Der Kulturkreis der Deutschen Wirtschaft 

im Bundesverband der Deutschen Industrie e. V. 1 

veröffentlichte 2007 eine umfassende Untersuchung, 

die Funktion und Organisation der Förder- und 

Freundeskreise in Deutschland unter die Lupe nahm. 

Motiviert wurde diese Untersuchung durch eine 

„Kleine Anfrage“ der FDP-Fraktion im Deutschen 

Bundestag – zur wirtschaftlichen Bedeutung der 

Förder- und Freundeskreise gab es bis zu diesem 

Zeitpunkt keinerlei Daten. In der Studie wurden vor 

allem harte Fakten abgefragt, der Bericht lieferte klare 

Ergebnisse: Von den insgesamt 236 teilnehmenden 

Freundeskreisen waren im Bereich der bildenden Kunst 

57 für Museen, Galerien und Sammlungen aktiv, 27 

unterstützten einen Kunstverein und 6 förderten eine 

Akademie oder Hochschule. Sogar die Kunstmesse 

„Art Forum“ umgibt sich seit 2005 mit Freunden, 

mittlerweile sind es 67. 

the website, and still others are just there to watch; and 

then there are those who find new business partners and 

build new communities in these intimate circles. The 

majority of them are volunteers offering their services 

free of charge. For their efforts they are rewarded with 

various advantages: they visit ateliers, receive exclusive 

guided tours and trips, and obtain discount tickets and 

catalogues. Yet they are all united by their dedication to 

the institution for which they work. 

But what can such “friends” really achieve for their 

chosen institution? And how are such circles of friends 

organised? The Society for the German Economy in the 

Federal Association of the German Industry published 

a comprehensive study in 2007 that analysed the 

functions and structures of philanthropic circles and 

foundations in Germany. The study was motivated by 

an informal inquiry posed by the liberal FDP party 

in the German Parliament, which revealed that there 

was no data on the economic significance of such 

foundations and circles. The report offered clear results: 

of the 236 participating circles, 27 were active in the 

field of fine arts for museums, galleries and collections; 

27 supported an art association; and 6 supported an 

academy or university. Even the art trade fair “Art 

Forum” has surrounded itself with friends since 2005; 

now they have more than 67 members. 

Around 99% of the circles are registered as non-profit 

associations. The period in which the various associations 

0 THEMA THEMA

99 % der Freundeskreise sind als gemeinnützige 

Vereine eingetragen. Manche knüpfen direkt an die 

Tradition des bürgerschaftlichen Engagements für 

kulturelle Angelegenheiten des 18. Jahrhunderts an 

(damals sollte Adel und Kirche das kulturelle Monopol 

entzogen und Mitbestimmung erkämpft werden), 

doch fällt auf, dass rund die Hälfte der befragten 

Freundeskreise nach 1990 gegründet wurde. Ob hinter 

diesem „Boom“ die knapper werdenden öffentlichen 

Mittel oder der wachsende Wunsch nach Engagement 

steckt, konnte nicht geklärt werden. Tatsächlich ist 

generell eine stetige Zunahme der Mitgliederzahlen 

zu verzeichnen. Mitglied zu werden kostet in 69 % der 

Fälle unter 50 Euro Jahresbeitrag. Nur 4 % der Vereine 

erheben über 500 Euro, wenige halten an Bürgen für 

den Aufnahmekandidaten fest. Ihre Zielgruppe zu 

erraten ist nicht schwer. 

Da die Altersstruktur der Freundeskreise hin zu älteren 

Mitgliedern tendiert (die Altersgruppe der über 35- 

Jährigen ist mit 87 % vertreten), wurden zusätzlich 

oft „junge“ Freundeskreise für Mitglieder bis 35 Jahre 

gegründet. So ist für Berlin z. B. der „Stober-Kreis“ 

zu nennen, der an die „Freunde der Nationalgalerie“ 

angeschlossen ist, oder „Jung und Artig“, der den 

Förderverein der Berlinischen Galerie unterstützt. Die 

„Jungen Freunde“ der Kunsthalle Emden arbeiten mit 

den „Freunden der Kunsthalle“ zusammen und treffen 

sich jeden 1. Dienstag im Monat zum Stammtisch 

im benachbarten Museumscafé. Bei den Jungen 

sind die Beiträge wie auch die Veranstaltungen der 

Lebenssituation der Mitglieder angepasst, Facebook 

und StudiVZ werden dort vermehrt genutzt. 

Auch wurden übergreifend Jugendliche als potenzielle 

Nachwuchsmitglieder ausgemacht, die es für 

die Kultur zu begeistern gilt und auf die sich die 

Rekrutierungsbemühungen konzentrieren. Der Bericht 

resümiert u. a.: „Gerade in Zeiten, wo die ‚Kulturferne’ 

der Bürger – insbesondere der Jugendlichen – 

beklagt wird, sind Förder- und Freundeskreise ein 

schlagkräftiges Argument, um Brücken zu bauen 

und Begeisterung zu wecken.“ 2 Ob Menschen Wert 

darauf legen, sich von selbst ernannten „wertefesten 

Erziehungsberechtigten“ zur Kultur hinführen zu 

lassen, sei hier dahingestellt. 

Mitsprache und Gestaltungsfreiraum ist den 

Freunden allgemein in den letzten Jahren wichtiger 

geworden. Direkten Einfluss auf das Programm der 

geförderten Institution haben sie jedoch nicht, es 

gibt in der Regel keine Kompetenzüberschneidungen 

– die Programmgestaltung obliegt der künstlerischen 

Leitung. Gleichwohl bestimmen viele Freundeskreise 

den Ankauf von Werken aus ihrem Spendenetat mit 

und tragen zur Entwicklung der Institution bei. Mit 

durchschnittlich 14 % des Gesamtetats der geförderten 

Institution leisten sie einen nicht unerheblichen Beitrag 

zu deren Erhalt. Ersetzen lässt sich eine angemessene 

staatliche Förderung dadurch aber nicht. 

were founded differed broadly. Some of them date their 

activities back to the tradition of bourgeois engagement 

for cultural affairs during the 18th century, a period 

when the aristocracy and the church were destined 

to lose their monopoly during the struggle for more 

democratic participation and self-determination; still it is 

apparent that about one half of the circles surveyed were 

formed after 1990. It proved impossible to determine 

whether this rise in activities is due to dwindling public 

funding or to the increasing wish to get involved. Indeed, 

a more general trend towards larger sized association 

memberships has been recorded. In 69 % of the groups it 

costs less than 50 euros a year to be a member. Only four 

percent of the associations have dues of over 500 euros 

per year. And only very few associations require that new 

members be vouched for. It is not difficult to guess who 

their target members are. 

With 87% of their members over the age of 35, these 

groups tend to appeal to older members simply due 

to their age structure, and thus specific philanthropic 

circles have been founded for members under the 

age of 35. Here in Berlin the Stober-Kreis ought to be 

mentioned, which has teamed up with the Friends of 

the National Gallery; similarly, Jung und Artig supports 

the foundation of the Berlin Gallery. The Young Friends 

of the Kunsthalle Emden work closely with the Friends 

of the Kunsthalle, and they meet on the first Tuesday 

of the month at the neighbouring museum café. The 

fees and the events are adapted to the circumstances of 

the young members, and they use Facebook and student 

networking websites actively. 

The youth have now become the focus for potential 

new members, and the efforts to encourage their 

participation and to recruit them are on the rise. The 

report concludes: “Particularly at a time when the 

‘distance from culture’ among citizens—especially the 

youth—is often deplored, philanthropic and voluntary 

circles of friends offer a convincing argument for 

building bridges and generating enthusiasm.” Yet it 

remains to be seen whether people see the sense in 

allowing themselves to be guided to culture by selfstyled 

champions of enduring cultural values. 

The right to share in decision making and the freedom 

in structuring activities is a common trend among the 

“friends”—one that has become increasingly significant 

in the last few years. But they don’t have direct influence 

upon the programmes of the institutions they support. 

As a rule, there is no overlapping of authority. The 

responsibility for structuring the programmes belongs 

to the artistic directors. And yet, with their budget of 

contributions, the philanthropic circles do influence 

the purchase of works, and they contribute to the 

maintenance and development of the institution. On 

average these circles generate 14% of the total budget 

of the institutions they support, and that is a significant 

contribution to their survival. But it is no replacement 

for appropriate public funding. 

Charmant: Die Jungen Freunde deutscher Kunstmuseen auf der diesjährigen Art Cologne. Foto: Jennifer Becker 

So macht man sich 

junge Freunde 

Wodurch zeichnen sich 

die 18 jungen Förderkreise 

„Junge Freunde Kunstmuseum“ 

im Gegensatz 

zu traditionellen Förderkreisen 

aus? Zum einen 

durch ihre Mitglieder: 

Schüler, Studenten oder 

junge Berufstätige, die es 

sich zur Aufgabe gemacht 

haben, Gleichaltrige für 

die Kunst zu gewinnen, um den teilweise verstaubten 

Vereinscharakter in der deutschen Museumslandschaft 

neu zu definieren. Zum anderen widmen sie sich 

gezielt zeitgemäßen Projekten und bemühen sich um 

ein frisches Veranstaltungsangebot. Die Publikation 

gewährt einen Blick hinter die Kulissen und fasst die 

wichtigsten Ziele der Förderkreise für ganz Eilige 

durch farbig markierte Textpassagen noch einmal kurz 

und knackig zusammen. 

Bundesverband der Fördervereine Deutscher Museen für 

bildende Kunst e.V. (Hg.): So macht man sich junge Freunde. 

Hamburg 2010. Dt., 145 S., Softcover, 5 €. 

Wir bedanken uns bei folgenden Freunden für ihre 

Teilnahme an unserer „Kleinen Umfrage“: 

Freundeskreis GRASSI Museum für Angewandte Kunst e.V. 

www.grassimuseum.de 

Junge Freunde der Kunsthalle Emden 

www.kunsthalle-emden.de 

Jung und Artig. Freunde der Berlinischen Galerie 

www.jungundartig.de 

Freunde und Förderer, Haus am Waldsee Berlin 

www.hausamwaldsee.de 

Freundeskreis Georg-Kolbe-Museum e.V 

www.georg-kolbe-museum.de 

Der Freundeskreis der Universität der Künste | Karl Hofer 

Gesellschaft e. V. 

www.udk-berlin.de 

einzigART, Museumsverein Kassel e.V 

www.einzigart-kassel.de 

freunde des art forum berlin 

www.artforumfreunde.de 

Freunde des Museums für Moderne Kunst e.V. 

www.freunde-des-mmk.de 

THEMA THEMA 

1 

2 

Kulturkreis der deutschen Wirtschaft im Bundesverband 

der Deutschen Industrie e. V.: Förder- und Freundeskreise 

der Kultur in Deutschland, Berlin, 2007 

s. o., S. 21.

Mensch oder Maus? 

Zur Ausstellung „The Recovery of Discovery“ von Cyprien Gaillard in den 

KunstWerken, 27. März bis 22. Mai 2011 

Man or Mouse? 

On the Exhibition “The Recovery of Discovery” by Cyprien Gaillard at 

KunstWerken from the 27th of March to the 22nd of May 2011. 

Text: Katharina Helwig Translation: Brian Poole 

Als der Schweizer Komiker Ursus Wehrli vor einigen 

Jahren begann, Meisterwerke der Malerei in ihre 

Bestandteile zu zerlegen und diese nach Farben 

und Formen zu ordnen, erntete er gönnerhaften 

Applaus ob seiner humorvollen Infragestellung des 

sakrosankten Systems der Bildbetrachtung. Von seinen 

„aufgeräumten“ Bildern ging jedoch keine Gefahr für 

die Originale aus, da sie nicht unwiderruflich verändert 

wurden. Eine schöne, aber harmlose Idee, die nicht an 

den Grundfesten der Kunst rütteln konnte. 

In seiner aktuellen Installation „The Recovery of 

Discovery“ in den Berliner KunstWerken beabsichtigte 

der französische Künstler Cyprien Gaillard genau das 

Gegenteil. Im Lichthof errichtete er eine Pyramide aus 

Bierkartons, die insgesamt 72.000 Flaschen der Marke 

Efes enthielten. Die Installation sollte daran erinnern, 

wie mit antiker Architektur über die Jahrhunderte 

umgegangen wurde. Überreste ferner Kulturen fielen 

dem Vergessen anheim, wurden wiedererrichtet, 

verschifft und woanders wieder aufgebaut. Der 

Pergamonaltar etwa wurde von seinem Ursprungsort 

in der heutigen Türkei nach Berlin transportiert und 

ist heute Besuchermagnet auf der Museumsinsel. 

Gaillard bezieht sich in seiner Installation auf die 

wechselvolle Geschichte der Kulturdenkmäler, die in 

einem unendlichen Wandel begriffen ist. Folgerichtig 

wartete seine Bierkisten-Pyramide geradezu auf die 

Besucher und den Prozess, den sie anstoßen würden. Es 

A few years ago, when the Swiss comedian Ursus 

Wehrli began dissecting masterpieces of painting 

into their component parts and to reorganise them 

according to their colours and shapes, he was rewarded 

for his humorous probing into the sacrosanct system 

of regarding images with patronising applause. But his 

“tidy” pictures posed no real danger for the originals 

since they were not permanently changed by his work. 

It was an attractive but harmless idea, and not one that 

could rock the very foundations of art. 

In his current installation “The Recovery of Discovery” 

at the gallery KunstWerke in Berlin, the French artist 

Cyprien Gaillard is attempting to do just the opposite. 

In the atrium of the gallery Cyprien Gaillard has 

constructed a pyramid out of cases of beer containing 

a total of 72,000 bottles of the brand “Efes” from 

Turkey. The installation is thus a reminder of how 

antique architecture was dealt with for centuries: 

the dismantled remains of distant cultures, long 

since forgotten, were shipped off to foreign shores, 

where they were reassembled. The Pergamon Altar 

was transported from the ruins of the ancient city of 

Pergamon (now located in Turkey) to Berlin, where it 

is currently the grand attraction at Berlin’s Museum 

Island. In his installation, Gaillard alludes to this 

precarious history of cultural monuments, which is 

in constant upheaval. His pyramid of beer-cases thus 

awaits the onslaught of visitors and the process they 

5. Mai 2011. Cyprien Gaillard: The Recovery of the Discovery. Installationsansicht in den Kunstwerken Berlin. 

Foto André Schmidt / KUNST Magazin. 

wurden keinerlei Vorgaben festgelegt: Das Bier durfte 

getrunken werden, die Pyramide erklommen und das 

ursprüngliche Bild der gestapelten Kisten ordentlich 

durcheinandergebracht werden. Dementsprechend 

veränderte sich schon während der Eröffnung das 

Ausstellungsbild: Die Kisten wurden aufgerissen, 

geleert, verschoben, eingedellt, leere Flaschen standen 

herum, viele gingen zu Bruch, das Bier wurde von 

den vernebelten Besuchern verstoffwechselt und 

landete letztlich in der Kanalisation. Der „Verfall“ der 

Pyramide wurde zufrieden beobachtet, erfüllte sich 

doch damit die den Pressetext abschließende, so sicher 

wie vollmundig vorgetragene Vorhersage: „Gleich 

einer öffentlichen Amnesie in der aktiven Missachtung 

der skulpturalen Form, verloren in der ausweglosen 

Interaktion mit dem Monument, wird die sukzessive 

Zerstörung zu einer Ästhetik des Widerstands.“ 

Was aber geschieht, wenn Besucher sich nicht 

erwartungsgemäß verhalten, sondern sich die 

Freiheit nehmen, die entstandene Unordnung 

aufzuräumen? So geschehen am 3. Mai, als sich 

fünf Besucher daranmachten, Flaschen zu sortieren, 

Scherben zusammenzukehren, Altpapier zu stapeln 

und volle Kisten zu gruppieren. Während des 

Aufräumens wechselte die Reaktion der anwesenden 

Mitarbeiter der KW von anfänglicher Irritation 

inkl. telefonischer Nachfrage beim Künstler – der 

zunächst seine Zustimmung zum außergewöhnlichen 

set in motion. No instructions were issued for his 

exhibit: you’re allowed to drink the beer and to climb 

up the pyramid, although that wreaks havoc upon the 

scrupulously stacked cases. And thus the impression 

made by the exhibition changed accordingly during 

the opening. Cases were torn open, emptied, cast 

aside, and crushed; empty bottles lay strewn around 

the room, many of them broken; and the beer was 

metabolically processed by the guests, whence it 

soon found its way into the sewers. The “decline” of 

the pyramid was jubilantly observed, unmistakably 

confirming the frothily proclaimed prediction at the 

end of the press release: “Like a case of collective 

amnesia—in active disregard to sculptural form, lost 

in the relentless interaction with the monument—the 

successive destruction of the pyramid becomes an act 

of aesthetic resistance.” 

But what would happen if the visitors didn’t behave 

as expected? What if they embolden themselves to 

tidy up all the mess left behind? That’s just what 

transpired on the 3rd of May—five visitors set 

themselves to work, sorting through the bottles, 

sweeping up the broken glass, stacking the cartons, 

and regrouping the still full cases. During this tidy-up 

operation, the reaction of the staff at the KW gallery 

shifted from initial confusion to slight annoyance— 

accompanied by a telephone inquiry to the artist, who 

gave his consent to the extraordinary proceedings— 

REVIEW REVIEW

3. Mai 2011: Cyprien Gaillard: The Recovery of the Discovery. Installationsansicht 

in den Kunstwerken Berlin – Beginn des Aufräumens 

durch Ausstellungsbesucher. (Filmstill) 

Treiben gab – zu schmähenden Sprüchen und dem 

endgültigen Rausschmiss samt dem Verbot, die 

Videodokumentation der Aufräumaktion publik zu 

machen. 1 

Verabschiedet wurden die Aufräumer mit dem 

Stoßseufzer, wie viel Arbeit es nun wäre, die 

ursprüngliche Unordnung wieder herzustellen. 

Damit wurde eine Kernaussage der Thermodynamik 

getroffen und die Installation als ein geschlossenes 

System definiert, die sie jedoch niemals war. Doch 

die gewünschte Entropiezunahme im System der 

Installation war durch die ordnenden Hände gestoppt 

worden. Schweißtreibende Arbeit wurde verrichtet, 

gegen den Zerfall. Und gegen die Vorhersage. 

Vorhersage? 

Als Lutz Dammbeck letztes Jahr in seiner Ausstellung 

„Re-Reeducation“ die Versuchsanordnung SEEK II 

nachkonstruierte, die 1970 im New Yorker Jewish 

Museum als frühe kritische Reflexion der Kybernetik 

gezeigt wurde, erinnerte er an die entsprechenden 

zugrunde liegenden wissenschaftlichen Methoden. 

Wüstenrennmäuse wurden in einen Käfig mit 

sorgfältig arrangierten Würfeln gesetzt. Durch ihre 

Bewegungen stießen sie Würfel um und veränderten 

somit die Versuchsanordnung. Ein Roboterarm nahm 

die Veränderungen auf und dokumentierte sie. Ziel 

war es, die Bewegungen der Mäuse im Sinne der 

3. Mai 2011: Cyprien Gaillard: The Recovery of the Discovery. 

Installationsansicht in den Kunstwerken Berlin bei Beendigung des 

Aufräumens. (Filmstill) 

to openly scornful remarks and finally to the ultimate 

banishment of those seemingly helpful cleaners, who 

were summarily forbidden from publishing the video 

documentation of their cleaning. 

The cleaning crew were sent packing with a sigh 

of frustration: just how much work would be 

necessary to recreate the original disorder! This 

clearly corresponds to a central theme in the laws 

of thermodynamics and defined the installation as a 

closed system—which it never was. But the tidying 

hands of order put a stop to the desired increase in 

entropy in the system of the installation. The sweatproducing 

labour was pitted against the collapse. And 

against all prediction. Prediction? 

When Lutz Dammbeck reconstructed the 

experimental apparatus for SEEK II at his exhibition 

“Re-Reeducation” last year (the SEEK apparatus 

had initially been shown in 1970 at New York’s 

Jewish Museum as an early critical reflection upon 

cybernetics), he reminded us of the corresponding 

scientific methods upon which the apparatus was 

based. Desert mice were placed in a cage with 

carefully arranged cubes. Through their movement 

they knocked over the cubes and thus changed the 

apparatus. A robotic arm documented the changes. 

The goal was to predict through calculation the 

movement of the mice from the perspective of 

4. Mai 2011: Cyprien Gaillard: The Recovery of the Discovery. Installationsansicht 

in den Kunstwerken Berlin. 

Kybernetik vorauszuberechnen, angestrebt war eine 

auf Menschen übertragbare „Handlungsvorhersage“. 

Doch zurück zu den KunstWerken: Die Sorge, die 

nachfolgenden Besucher würden anstatt des erwarteten 

Chaos’ eine ordentliche Wertstoffsammlung zu sehen 

bekommen und damit das Werk nicht mehr verstehen 

können, offenbart ein klägliches Zutrauen in die 

Erkenntnisfähigkeit des Publikums. Selten wurde auch 

in Bezug auf die Aufräumer unsouveräner mit einem 

„Systemfehler“ umgegangen. Das spricht dafür, dass 

systemkonformes Verhalten auch im Kunst-Bereich 

der Ausstellungsleitung wie auch dem -publikum 

in Fleisch und Blut übergegangen ist, selbst wenn es 

speziell in dieser Ausstellung keine Vorgaben zu einem 

korrekten Verhalten gab. Eine Maus, die aufräumt, 

hätte 1970 zu Recht keiner vermutet. Dazu bedarf 

es einer intellektuellen Auseinandersetzung mit 

der „Versuchsanordnung“, Esprit und zielführender 

Arbeit. Die Aufräumer allerdings haben dem Werk 

einen vernachlässigten Aspekt hinzugefügt: Das der 

Wiedererrichtung. Sie haben die Diskussion über 

Systemgrenzen und Autorität in der Kunst damit 

eröffnet. 

Gedächtnisprotokoll (3. Mai 2011) der Besucher, die 

ungenannt bleiben möchten. 

cybernetics in the hope of obtaining “predictions of 

actions” that could also be applied to people. 

But back to KunstWerke: their concern that later 

visitors would see a well-organised collection of 

recyclable materials instead of the anticipated chaos 

reflects a lamentably weak faith in the cognitive skills 

of the audience. Rarely has a “systems error” been 

dealt with with less aplomb, particularly in regard to 

those cleaning. And this does seem to suggest that 

the expectation of system-conform behaviour has 

also found its way into the field of art, affecting both 

exhibition directors and their guests even in cases like 

this, where no specific instructions about “correct” 

behaviour were given. In 1970 no one expected that a 

mouse would tidy up. Here there is obviously a need 

for a spirited and strenuous intellectual investigation 

into the test apparatus. Those tidying cleaners have 

added a hitherto neglected dimension to the work— 

that of reconstruction. They have thus opened the 

discussion on system limitations and authority. 

REVIEW REVIEW 

1

Galerieprofil Blain|Southern 

Große rohe Räume 

Gallery Profile Blain|Southern 

Large Raw Space 

Text: Hannah Nehb Translation: Brian Poole 

Harry Blain und Graham Southern sind wieder in der 

Stadt. Am Gallery Weekend Berlin 2011 haben sie 

das Geheimnis gelüftet, welche Galerie in die riesige 

Rotationshalle auf dem ehemaligen Tagesspiegel-Areal 

in der Potsdamer Straße eingezogen ist. Die beiden 

ehemaligen „Haunch of Venison“-Direktoren haben 

die Räume gemietet, zu denen eine überdimensionierte 

Halle gehört, die – Gigantomanie hin oder her – an 

eine Miniversion der Turbinenhalle in der Tate Modern 

erinnert. 

Der Tipp dazu kam von Freunden – Blain und 

Southern sind keine Unbekannten in Berlin; viele Jahre 

betrieben sie in der Heidestraße erfolgreich die Galerie 

„Haunch of Venison“, verkauften diese im Jahr 2007 

an Christie´s (und zogen damit den Groll panischer 

Kollegen auf sich, die eine zu starke Vermischung 

von Primär- und Sekundärmarkt befürchteten), 

doch erst im letzten Sommer haben sich die beiden 

Briten auch als Direktoren von „Haunch of Venison“ 

zurückgezogen. Mit Blain|Southern eröffneten sie 

wenige Monate später erneut eine eigene Galerie, mit 

deren erster Dependance sie nun zurück nach Berlin 

gekommen sind. „Wir planen ambitionierte Projekte“, 

erklärt Direktorin Lisa Bosse. Vier Ausstellungen mit 

längeren Laufzeiten sollen pro Jahr realisiert werden. 

Freunde sind wichtig, ohne die geht es nicht. Man 

versteht sich, man kennt sich – man hilft sich. Als 

sich herumsprach, dass Blain und Southern Räume 

in Berlin suchen, zahlte sich das Netzwerk aus 

ehemaligen Haunch-Tagen durch zugeschanzte Tipps 

aus: „Kommt, guckt mal hier nach“. In der Potsdamer 

Harry Blain and Graham Southern are in the city 

again. At the Gallery Weekend 2011 in Berlin they 

revealed which gallery will be moving into the huge 

building in Potsdamer Straße that used to house the 

printing presses of the newspaper Tagesspiegel. The 

former directors of the gallery “Haunch of Venison” 

have rented space there, including the over-sized hall 

that reminds one—whatever one may think of the 

gigantomania—of a mini-version of the turbine hall 

at the Tate Modern. 

They got the idea from a local friend of theirs. After 

all, Blain and Southern are rather well known in 

Berlin: for years they successfully operated the gallery 

Haunch of Venison in the Heidenstraße, but they sold 

it to Christie’s in 2007, much to the disgruntlement 

of their panicky colleagues who feared the potentially 

overpowering mixture of primary and secondary 

markets. But last summer the Brits also gave up 

their positions as managers at Haunch of Venison. 

With Blain|Southern they again opened their own 

gallery just a few months later, and its first branch has 

brought them back to Berlin. “We’re here to realise 

ambitious projects,” the director Lisa Bosse says. Four 

long-running exhibitions per year are scheduled to 

take place here. 

Friends are important; nothing works without them. 

Friends understand each other; they know and help 

each other. When the word got out that Blain and 

Southern were looking for a good gallery location in 

Berlin, their network from their days at Haunch of 

Venison paid off in the form of good suggestions. 

Früher wurde hier der Tagesspiegel gedruckt, momentan desorientieren Webster und Noble mit einer leeren Halle, die nach einer 

Umbauphase künftig Blain|Southerns Hauptausstellungsraum wird. Foto: Christian Glaeser, 2011, © Blain|Southern Berlin 

Straße treffen sie auf ehemalige und neue Nachbarn, 

die wie Matthias Arndt ebenfalls längst dorthin gezogen 

sind. Inzwischen gilt die „Potse“ als umjubelter neuer 

place-to-be. 

Freundschaftliche Verhältnisse – und gute Arbeit 

– mögen dazu geführt haben, dass das Kernteam 

von „Haunch of Venison“ nun auch wieder bei Blain| 

Southern beschäftigt ist. Dazu gehört u. a. Lisa Bosse, 

die erzählt, dass auch viele Künstler, darunter Jonas 

Burgert, Mat Collishaw oder Bill Viola, die schon 

bei „Haunch of Venison“ intensiv begleitet wurden, 

zu Blain|Southern gewechselt sind. „Es ist wichtig, 

konzentriert und mit Leidenschaft mit den Künstlern 

zusammenzuarbeiten und diese aufzubauen. Man 

muss den Künstlern vertrauen, und Künstler vertrauen 

ihren Galeristen.“ 

Bei Ausstellungsvorbereitungen werden die Künstler 

intensiv mit einbezogen. Dass die Räume aktuell noch 

ziemlich roh wirken, war von Tim Noble und Sue 

Webster so beabsichtigt. Das Künstlerpaar hat die 

neuen Galerieräume mit der Installation „Turning the 

Seventh Corner“ eingeweiht, die auf Desorientierung 

abzielt. Der Besucher betritt die vermeintlich leere 

Galerie und wird in die zweite Etage geschickt, wo er 

durch eine verglaste Empore in die riesige leere Halle 

blicken kann. Gesättigt von so vielen Kubikmetern 

Platz (in dem 1300 qm großen Gebäude haben einst 

Rotationsmaschinen tagtäglich Zeitungen gepresst), 

geht es in einen Nebenraum, rein ins Dunkle: Stufe 

2 der Desorientierungsphase beginnt. Der Architekt 

David Adjaye hat ein Tunnelsystem entworfen, bei 

“Come and have a look at this place!” At Potsdamer 

Straße they ran into both former and new neighbours, 

like Matthias Arndt, who had moved there long ago. 

Now the popular “Potse” is considered the latest 

“place to be”. 

Amicable relationships and good work are probably 

what led the core team at Haunch of Venison to 

return to work for Blain and Southern again. Among 

them are Lisa Bosse, who mentioned that many 

artist—such as Jonas Burgert, Mat Collishaw and Bill 

Viola, who all used to be affiliated with Haunch of 

Venison—have now moved on to Blain|Southern. “It 

is important to focus upon the artists and to work 

passionately together with them in order to help 

them develop. You have to trust artists, just as artists 

trust their gallerists.” 

During the preparation for exhibitions, the artists 

are actively involved in the process. Currently the 

rooms are all still a bit rough-hewn, but that was 

Tim Noble and Sue Webster’s intention. This artistic 

duo inaugurated the new gallery rooms with their 

installation “Turning the Seventh Corner”—a work 

poised to disorient. The visitors enter the seemingly 

empty gallery and are summarily sent off to the 

second floor where they gaze down through a glass 

balcony-like area into a huge, and empty, hall. 

Oversaturated with the sheer quantity of space (the 

1300 square metre building once housed the printing 

press for a daily newspaper), visitors will then slip 

into a side-room, and into the dark. Here stage two of 

the disorientation begins. The architect David Adjaye 

GALERIEPROFIL GALERIEPROFIL

Wer ganz genau hinsieht, erkennt, wie sich „ROTATION“ 

in der Fensterfront der ehemaligen Tagesspiegeldruckerei 

spiegelt. Seit Mai ist die Galerie Blain|Southern im 

Gebäude beherbergt. Foto: Hannah Nehb 

dem sich der Besucher tastend auf dem sich auf- und 

absenkenden Weg spiralförmig vorwärtsbewegt. Der 

Weg zwingt zu Langsamkeit und Ruhe. Doch völlig 

verloren ist der Besucher nicht; schmale Lichtstreifen 

weisen den Weg und wecken den Entdeckergeist (der 

Western „McKenna´s Gold“ sowie ein Besuch der 

ägyptischen Pyramiden soll die Künstler zu ihrem 

bisher ehrgeizigsten Projekt inspiriert haben). Nach 

den im Titel angedeuteten sieben Ecken erreicht man 

das Ziel: Eine Art Grabkammer, in der eine goldene 

zweigliedrige Skulptur sanft im Licht schimmert 

und als Schattenbild ein Profil der sich gegenseitig 

anblickenden Künstler in einem Lichtkegel zeigt. 

Schattenskulpturen, die Form und Antiform, Konkretes 

und Abstraktes in sich vereinen, gehören zum klassischen 

Repertoire von Noble und Webster. Sie entfalten ihre 

verstörende Wirkung durch unerfüllte Erwartungen, 

denn die Ausgangsskulptur widerspricht vollkommen 

ihrem Schattenbild. Bei „Turning the Seventh Corner“ 

werden zwei auf einer Gabel aufgespießte Knäuel 

mumifizierter Kleintiere angestrahlt. In einem ersten 

Schritt in Silber gegossen und anschließend vergoldet, 

erfahren die völlig vertrockneten Tierkadaver durch 

diesen quasi-alchimistischen Prozess sowie durch ihr 

neu konfiguriertes Schattenbild eine Transformation 

hin zu einem zeitlosen Schatz, bei dem Tod und 

Unsterblichkeit koexistieren. 

Mit dem Spiel von Licht und Schatten beziehen sich 

Webster und Noble auf Platos Höhlengleichnis: Es 

liegt in der Verantwortung des Künstlers, Objekte 

zu schaffen, die das irdische Leben überwinden, um 

0 

GALERIEPROFIL 

Verblüffendes Spiel mit dem Schatten. Tim Noble and Sue Webster: 

Turning the Seventh Corner, 2011, reines Sterling Silber, vergoldet, 

Metallständer, Lichtprojektor, 71 x 42 x 160 cm, Foto: 2 Shooters, 

© Tim Noble and Sue Webster / Blain|Southern 

has designed a tunnel system wherein the visitors are 

obliged to feel their way along a rising and sinking 

spiral-shaped path. The path forces them to move 

slowly and calmly. But they are not completely lost, 

for tiny strips of light lead the way, encouraging the 

spirit of discovery. (A visit to the Egyptian pyramids 

and the Western movie “McKenna’s Gold” purportedly 

served as the inspiration for their ambitious project.) 

After they have turned the “seven curves” mentioned 

in the exhibition’s title, the visitors finally arrive at 

their destination: a burial chamber where a golden, 

two-limbed sculpture glistens softly in the light, and 

where the shadowy profile image of the two artists 

looking at each other appears in a beam of light. 

Shadow sculptures, uniting both form and anti-form, 

concreteness and abstractness, belong to the classical 

repertoire of Noble and Webster. They develop their 

disquieting effect through unfulfilled expectations— 

the initial sculpture stands in complete contradiction 

to its shadow-image. In “Turning the Seventh Corner” 

two clusters of mummified small animals impaled by 

a fork are caught in a ray of light. First they were cast 

in silver and then they were coated in gold, and thus 

the dried up animal cadavers have been transformed 

by this quasi-alchemical process and by their new 

configuration as shadow-images into a timeless 

treasure in which death and immortality coexist. 

In this play with light and shadows Webster and Noble 

allude to Plato’s cave allegory. It is the responsibility 

of the artist to create objects that overcome their 

earthly existence, allowing us to catch a glimpse of 

Aus toten Tieren werde ein güldener Schatz - hex, hex! Webster und Noble haben mumifizierte Kleintiere – Eichhörnchen, 

Ratten, Mäuse, Krähenfüße, Geierkrallen und Frösche – erst in Silber getaucht und anschließend vergoldet. 

Tim Noble und Sue Webster: Turning the Seventh Corner (Detail), 2011, reines Sterling Silber, vergoldet, Metallständer, 

Lichtprojektor, 71 x 42 x 160 cm, Foto: 2 Shooters, © Tim Noble and Sue Webster / BlainlSouthern 

uns einen Blick auf das Metaphysische erhaschen zu 

lassen. Kunst kann größer sein als die finstere Welt, in 

der wir leben, denn sie zeigt uns die Schönheit, die 

dahinterliegt – die Großartigkeit all dieser Dinge, die 

bedeutungsvolle Schatten auf die Höhlenwand werfen, 

die unsere Realität ausmachen. 

Was Blain|Southern als Nächstes zeigen, wird erst 

im Sommer verraten. Bis dahin: Bauarbeiten. Bis 

zur nächsten Ausstellung im Herbst soll diese 

zweite Umbauphase, an deren Konzept momentan 

noch zusammen mit den Architekten gefeilt wird, 

abgeschlossen sein. Die Galerie soll funktionaler 

hergerichtet werden. Zwar werden die Backsteinwände 

verkleidet, doch der industrielle Charakter des 

Gebäudes soll bestehen bleiben: „Wir wollen keinen 

superglatten White Cube, sondern die Geschichte, die 

die Halle erzählt, beibehalten“, skizziert Lisa Bosse 

das Umbauvorhaben. Eines steht fest: Die Halle wird 

künftig als Hauptausstellungsraum fungieren. Lisa 

Bosse will sich die Möglichkeit offenlassen, die Räume 

für jede Ausstellung transformieren zu können. Das 

befeuert wilde Spekulationen, wer sich in dieser 

Miniaturturbinenhalle künstlerisch austoben darf. Wir 

sind gespannt auf das, was kommt. 

BLAIN|SOUTHERN 

Potsdamer Str. 77-87, 10785 Berlin-Tiergarten 

„Turning the Seventh Corner“ bis 16.7., Di-Sa 11-18h 

www.blainsouthern.com 

the metaphysical level of being. Art can be larger 

than the dark world in which we live; it can show us 

the beauty underlying it, the greatness in all things 

that cast such significant shadows on the wall of the 

cave and that ultimately make up our reality. 

We’ll find out this summer what Blain|Southern are 

going to show us next. But, until then, there’s going to 

be a lot of construction going on. The second phase of 

the renovation work will have to be completed before 

the next exhibition opens in the fall. They’re still 

currently nailing down their plans with the architects. 

The gallery is supposed to become more functional— 

the large brick walls are going to be covered, and yet 

the industrial character of the building is going to be 

retained. “We don’t want a supremely smooth White 

Cube; something reflecting the story behind the hall 

should remain,” says Lisa Bosse in her précis of the 

construction plans. One thing is clear: in the future 

the hall will serve as the central exhibition room. But 

Lisa Bosse reserves the right to transform the space 

for each new exhibition. And that has given rise to 

wild speculation over who will get the chance to 

indulge their artistic whims in this miniature turbine 

hall. We can’t wait to see what’s up next. 

GALERIEPROFIL

INTERNATIONAL CONVERSATIONS 

WITH COLLECTORS: BILLUR TACIR 

Interview: Jan Kage. 

Text: Elena Sansigre, Hannah Nehb, Brian Poole 

During Gallery Weekend Berlin 2011, me Collectors 

Room Berlin, in collaboration with KUNST Magazin, 

hosted a conversation with the Turkish collector Ms. 

Billur Tacir. In order to better round off the current 

Turkish art scene, curator Dr. Gisela Winkelhofer and 

Sotheby’s director in Istanbul Ms. Oya Delahaye were 

also invited. 

Frau Winkelhofer, could you give us an overview of 

the Turkish art scene? Does the government support 

it? Has Istanbul had, as European Capital of Culture 

in 2010, any influence on the local art scene? 

Dr. Gisela Winkelhofer: It’s fair to say that the art 

scene in Istanbul is growing. However, I am wondering 

why I do not see any Turkish artists present at 

international exhibitions. Where do they get help 

from? Neither the Turkish government nor the city 

of Istanbul is doing anything, which is strange in 

comparison with other European countries that invest 

quite a lot in contemporary art. I believe that there is 

a huge potential to develop something very special in 

Istanbul. The market is very vibrant, the economy is 

now growing in a similar way to the 60s in Germany, 

and the art community in Istanbul is also currently 

expanding. 

In Istanbul, people live between two continents. 

Which artists are this city’s collectors interested in? 

Oya Delahaye: Buying art started in the 80ies when 

Turkey opened its boundaries to the West. Its economy 

became more liberal, galleries opened, and independent 

Turkish artists living outside of Turkey who were not 

the State’s artists started to be exhibited. People were 

getting wealthier and travelled more, and they started 

buying art, not only as an investment but also as a 

way to achieve happiness and satisfaction. As for the 

new artists’ profiles, there are more and more artists 

coming from the East, and more and more women 

artists, which was not the case before. The majority of 

Modern Turkish artists belonged to the bourgeoisie. 

Im April wurde Taner Ceylans Arbeit “1879” (2010) bei Sotheby´s in London für 229.250 Pfund versteigert. 

Couresy: GALERIST, Istanbul 

How do the Turkish artists view themselves: as a part 

of a global art discourse? Or are they anchored to 

the Turkish past, more related to calligraphies or the 

Islamic ban on painting? 

Oya Delahaye: No. Actually the Turkish artists are 

more intrigued by the West. That doesn’t mean they 

are trying to break with their Eastern traditions. 

Turks—and this started with the Ottomans—have 

always moved and have always been attracted to the 

West, to Europe. 

Ms. Tacir, you studied in Pennsylvania. Actually you 

bought your first piece of art there. Was it American 

art? What made you continue collecting art? 

Billur Tacir: My interest in contemporary art did 

start at the Wharton Business School in Philadelphia, 

where I took a course on American contemporary art. 

I was really fascinated by the abstract expressionists 

and the pop artists. At that time I couldn’t afford to 

buy abstract expressionism, so the first piece I bought 

was an Andy Warhol print. I was really excited about 

owning a part of art history, owning a work from an 

artist I really admire. From then on, I spent every 

weekend in museums and galleries. My passion grew 

when I met my husband Atilla, who also shares this 

passion. 

What have you been collecting since you arrived 

back in Istanbul? Are you now more into young 

Turkish art? Are there any trends that you like? 

Billur Tacir: To be honest, my taste has been changing 

also because there has been such a development in 

Turkish art with a more Western approach. When 

I first came to Turkey, there was a greater focus on 

tradition. But the younger generation of artists are 

much more open to the West. It is really exciting 

to see how they are working with lots of different 

media. 

SAMMLERGESPRÄCH SAMMLERGESPRÄCH

Taner Ceylan: 1881, aus der Serie “Lost Painting”, 2010, Öl auf Leinwand, 140 cm x 200 cm, Couresy: GALERIST, Istanbul Ayse Erkmen vertritt in diesem Jahr die Türkei bei der Biennale in Venedig, lebt aber mehr oder weniger in Berlin und Münster. 

Ayse Erkmen: Shipped Ships, Three ferries from Italy, Japan and Turkey with Crews, Passengers, Ship, 2001, Courtesy: Galerie Barbara Weiss 

Ms. Delahaye, what could you tell us about Sotheby’s 

Istanbul? Do you also sell Turkish art or only art 

from western countries? 

Oya Delahaye: For three years Sotheby’s has been 

organising Turkish contemporary art sales in London. 

Sotheby’s sees a lot of potential in Turkish artists 

and believes that the Turkish art market has its place 

in the International Art Market. These sales have 

contributed to the prospects of Turkish Art on the 

international platform. Of course, the majority of 

buyers are Turkish for the moment, which is normal. 

But already this year the third auction had 40% 

foreign buyers—not only from the Middle East, but 

from Europe and America as well—with some really 

important names among them. 

Ms. Winkelhofer, how is Turkish art participating 

in more classical art places like, for example, Basel, 

Miami or London? Are the Turkish artists gaining a 

higher recognition? 

Dr. Gisela Winkelhofer: In the last three years there 

was only one gallery that accepted one Turkish artist 

in art Basel. I think there is something going wrong 

when only one gallery accepts art from Istanbul, the 

biggest metropolis in Europe with an inner circle of 

art spaces and galleries that grows every day. 

There are approximately 200 galleries in Istanbul. 

Where do you get your information from, Ms. 

Tacir? 

Billur Tacir: We try to follow gallery shows as often as 

we can. Of course, the Istanbul Contemporary Show 

is a great opportunity to see all the galleries and 

artists at once. Another way is to follow the auctions. 

But when you live in Turkey, it makes much more 

sense to buy from the galleries because of the 18% 

tax for international art purchases. And, anyway, the 

galleries are already enough. Five years ago we had 

so few, but lately there are many new galleries taking 

this Western approach, so now it is a lot more fun 

to participate in the Turkish art market. There are 

so many more venues and private exhibition spaces, 

where you can see group shows with Turkish art 

along side other international artists. 

Audience: You were saying how surprised you were 

about the small presence of international art in 

Turkey and the lack of government support. I am 

interested in knowing why the international exposure 

and exchange was so limited. Have you helped in 

changing that situation? I am from Bombay, and 

almost exactly the same thing is happening there as 

what you described in Istanbul, so I would like to 

know if there is a way to change the situation. 

Dr. Gisela Winkelhofer: I was able to organize 

some shows in Istanbul with international artists 

during the Istanbul Biennial and the Contemporary 

Istanbul, and I have seen that the collectors are 

really interested in these artists. Turkish collectors 

are quite well informed and connected, though. 

They are travelling a lot, meeting other collectors, 

and they prefer going to the international art fairs. 

On the other hand, the transport to Turkey is quite 

expensive, and the galleries are changing the program 

every 4 or 5 weeks. This is too expensive for them, 

whereas abroad they have better opportunities to sell 

or to buy something rather than choosing only from 

a small selection in Istanbul. 

Perhaps this talk will catch the attention of journalists, 

collectors and art friends, and encourage them to go 

to Istanbul and check out the scene. Thanks Billur 

Tacir, Oya Delahaye and Gisela Winkelhofer for the 

conversation. 

Our moderator, the sociologist Jan Kage, alias Yaneq, 

moderates the radio programme “Radio Arty” (MotorFM, 

100.6) with guest artists and curators every 

Thursday at 7pm. 

SAMMLERGESPRÄCH SAMMLERGESPRÄCH

BASEL 

Art 42 Basel 

© Copyright 2011 by MCH Group Ltd. – all rights reserved 

Die Art Basel, die zum 42. Mal stattfindet, wartet neben 

dem üblichen Messebetrieb mit einem umfangreichen 

Rahmenprogramm auf – hier einige Anregungen: 

Openings: Am Montag, 13. Juni, finden ab 18 Uhr die 

Vernissagen von „Swiss Art Awards 2011“ und „Design 

Miami/Basel“ statt. 

Am 15. Juni eröffnen das „Kunstforum Baloise“ und 

die Kunsthalle Basel ihre Ausstellungen: Baloise 

präsentiert Elger Essers Werke, die Kunsthalle zeigt 

Rebecca H. Quaytmans Malerei „Spine, Chapter 20“. 

SCOPE BASEL 2011 

Neben der Art Basel findet zeitgleich vom 15. bis 

19. Juni die 2002 gegründete SCOPE Basel statt. 

Der Schwerpunkt der insgesamt 85 teilnehmenden 

internationalen Galerien – u. a. Jonathan LeVine/New 

York, Morgen Contemporary/Berlin und Galerie Karin 

Sutter/Basel – liegt auf der zeitgenössischen Kunst. 

Ein besonderes Highlight stellt die containerartige 

Holzinstallation „Counterweight Roommate“ dar, 

die für die gesamte Dauer der Messe von den beiden 

Künstlern Alex Schweder La und Ward Shelley 

bewohnt wird. Daneben präsentieren die Künstler 

Commenius Roethlisberger und Admir Jahic als 

weiteres SCOPE Special Project ihre neue Installation 

„Invisible Heros“, welche die bedeutungsreiche Geste 

„Corna“ (ital. „Hörner“) thematisiert und hinterfragt. 

Für das leibliche Wohl wird in der sogenannten BLANK 

Lounge gesorgt, wo sich die SCOPE VIP Picnic Lounge 

und die Hinterhof-Bar befinden. Dieser Bereich wurde 

von der Academy of Art and Design Basel gestaltet. 

Neben einem umfangreichen Kinderprogramm in 

Zusammenarbeit mit „Mobile Jugendarbeit Basel“ und 

einem Street-Art-Projekt werden zudem zahlreiche 

Performances realisiert. 

Filmvorführungen: Bei „Art Film“ werden jeden 

Abend Filme gezeigt: Der Kurator Marc Glöde stellt 

„Landscapes of/for Theatricality“, „Animated Worlds“, 

„Hallucinations/Paradise“ und Lawrence Weiners 

„Dirty Eyes“ vor, und die Schweizer Premiere von 

Werner Herzogs letztem Film „The Cave of Forgotten 

Dreams“ ist auch im Programm. 

Diskussionen: Zwischen dem 13. und 19. Juni 

gibt es ab 10 Uhr die „Art Basel Conversations“. 

Künstlergespräche und Vorträge über die Zukunft der 

Kunst finden in Halle 1 statt. Parallel bietet der „Art 

Salon“ Raum für Künstlergespräche, Signierstunden 

etc. 

Abends: Täglich ab 23 Uhr legen im „Art Club“ 

verschiedene DJs in der Campari Bar auf. Am 16. Juni 

veranstalten „Art Parcours“ und „Design Miami/Basel“ 

Partys. Die zweite Auflage des „Art Parcours“ bringt 

den „West Coast Spirit“ mit einem Konzert und einer 

DJ-Session an den Rhein. 

Art 42 Basel 

15.–19.6., 11–19h 

Tageskarte: 39 CHF, erm.: 29 CHF 

Kombiticket Art 42 Basel und Design Miami/Basel: CHF 49 

Messe Basel, Messeplatz, 4058 Basel 

www.artbasel.com 

Alex Schweder La and Ward Shelley: Counterweight Roommate 

Premiering SCOPE Basel 2011, 2 people, 5 days, Structure 2’ x 32’ x 6’ 

SCOPE Basel 2011 

Opening: 15.6., 21h, 15.–19.6., Do–So 10–19h 

Eintritt: 20 CHF, erm.: 10 CHF 

Kaserne Basel, Klybeckstr. 1b, 4057 Basel 

www.scope-art.com 

Flughafenstrasse 

Kannenfeldpark 

Burgfeldstrasse 

Kannenfeldstrasse 

Mülhauserstrasse 

Scützenmattpark 

Benkenstrasse 

Kastelstrasse 

Hauptstrasse 

Bottmingerstrasse 

Gasstrasse 

Voltastrasse Dreierosenbrücke 

Landskronstrasse 

St. Johanns-Ring 

Missionsstrasse 

Spalenring 

Mittlere Strasse 

Zoologischer 

Garten 

Dorenbachviadukt 

Baslerstrasse 

Lothringerstrasse 

Birsigstrasse 

Oberwilerstrasse 

Margarethenstrasse 

Klingelbergstrasse 

Elsässerstrasse Johanniterbrücke 

Spalentorweg 

St. Johanns 

Park 

Klingelbergstrasse 

Austrasse 

Hebelstrasse 

Schützengraben 

Leimenstrasse 

Viaduktstrasse 

Binningerstrasse 

Petersgraben 

Holbeinstrasse 

Margarethenstrasse 

Margarethenpark 

Venusstrasse 

Unterer Rheinweg 

Leonhardsgraben 

Birsigstrasse 

Schaublinstrasse 

Heuwaage-Viadukt 

Güterstrasse 

Breisacherstrasse 

Klybeckstrasse 

Rheinsprung 

Basel SBB 

Gundeldingerstrasse 

Amselstrasse 

Steinenberg 

Markgräflerstrasse 

Bläisiring 

Klingentalstrasse 

Utengasse 

Scope 

Elisabethenanlage 

Der Rhein 

Elisabethenstrasse 

Dornacherstrasse 

Feldbergstrasse 

Claragraben 

Aeschengraben 

Pfeffingerstrasse 

Bruderholzweg 

Gottesackerstrasse 

Gundeldingerrain 

Hammerstrasse 

Sonnenbergstrasse 

Wettsteinbrücke 

Riehenring 

selection artfair 

Rosenfeldpark 

St. Alban-Vorstadt 

Thiersteinerallee 

St. Alban-Anlage 

St. Jakob-Strasse 

Delsbergerallee 

Bruderholzallee 

Maulbeerstrasse 

Mattenstrasse 

Art Basel 

Design Miami/Basel 

Liste 16 

Schaffhauserrheinweg 

Engelgasse 

Grosspeterstrasse 

Grenzacherstrasse 

St. Alban-Rheinweg 

Reinachertrasse 

Riehenstrasse 

Hardstrasse 

Basel 

Bad Bf 

Wettsteinstrasse 

Münchensteinerstrasse 

Mailand-Strasse 

Im Surinam 

Volta7

Art Basel – Nebenschauplätze 

Die Großevents Art Basel und SCOPE werden in der 

Woche vom 13. bis 19. Juni viele Sammler, Kuratoren 

und Kunstinteressierte in die Stadt locken. Im Sog 

dieser Veranstaltungen wollen auch kleinere und 

aufstrebende Messen die Aufmerksamkeit nutzen. 

Liste 16 – The Young Art Fair 

Ein interessantes Konzept verfolgt die „Liste – The 

Young Art Fair“. Wer sich für junge Künstler begeistert 

und einen Blick darauf richten möchte, was „morgen“ 

in der Kunstwelt „in“ sein könnte, ist hier genau 

richtig. 1996 gegründet, lädt die Messe Galerien ein, 

die maximal seit 5 Jahren bestehen. Des Weiteren gilt 

für die präsentierten Künstler eine Altersbeschränkung 

von 40 Jahren. 

Liste 16 – The Young Art Fair 

14.–18.6.: 13–21h, 19.6.: 13–19h 

Eintritt: 20 CHF., erm.: 10 CHF 

Burgweg 15, 4058 Basel 

www.liste.ch 


Wie die Art Basel und die Volta wird die „Design 

Miami/Basel“ sowohl in Europa als auch in den USA 

ausgerichtet. Sie folgt damit dem Trend arrivierter 

Kunstmessen, international aufzutreten. Die 

Messe erhebt den Anspruch, als erste Adresse für 

designinteressierte Sammler bezeichnet zu werden. 

Ob für historische oder zeitgenössische Arbeiten spielt 

dabei keine Rolle. Mit dem Ausstellungsformat „Design 

On/Site“ wird gleichzeitig eine Plattform für junge 

Designer und Kuratoren geboten. Die obligatorischen 

Artist Talks dürfen natürlich nicht fehlen und sind 

ebenso Programmbestandteil. 


14.–18.6., 11–19h 


Halle 5, Messe Basel, Messeplatz, 4005 Basel 

www.designmiami.com 

Restaurants 

Bel Étage (im Teufelhof) 

A-la-carte-Gerichte und verschiedene Menus 

Leonhardsgraben 47-49, 4051 Basel 

Tel. +41 (0)61 261 10 10 

info@teufelhof.com, www.teufelhof.com 

Noohn: Sushi Bar 

Henric Petri-Str. 12, 4051 Basel 

Tel. +41 (0)61 281 14 14 

www.noohn.ch 

VOLTA7 

Die 7. Auflage der „Volta“ findet auch in diesem 

Jahr in der Dreispitzhalle statt. 70 Galerien, davon 

13 außereuropäische, sind vertreten, um etwas 

abseits des Mainstreams innovative Positionen zu 

präsentieren. Dabei möchten die Veranstalter eine 

Altersbegrenzung wie bei der „Liste“ vermeiden. 

Das kuratorische Konzept wurde erneut modifiziert: 

Im Gegensatz zu den vorherigen Veranstaltungen 

sollen die Künstler stärker in Einzel- und dialogisch 

angelegten Doppelpräsentationen gezeigt werden. 

VOLTA7 

13.–18.6., 10–18h 


Dreispitzhalle, Helsinkistr. 5, 4053 Basel/Münchenstein 

www.voltashow.com 


Zum 2. Mal nach 2009 öffnet die „selection artfair“ 

ihre Tore. Die Messe ist in der „Hall 33“, dem 

Zentrum für zeitgenössische Kunst, zu finden. Die 

Organisatoren lassen verlauten, dass man sich in 

den nächsten Jahren weiter etablieren möchte. Mit 

ungefähr 10 teilnehmenden Galerien und 400 m² 

Ausstellungsfläche präsentiert sich diese Veranstaltung 

im Vergleich eher in kleinerem Rahmen. Großer 

Vorteil: Im Zentrum Basels und damit strategisch 

günstig gelegen, lässt sich ein Besuch mit vielen Events 

kombinieren. Bis zur Art Basel sind es nur 350 m. 


15.–18.6., 11–21h, 19.6., 11–19h 

Eintritt: 10 CHF 

Hall 33 | Contemporary ART CENTER BASEL 

Riehentorstr./Ecke Claragraben, 4058 Basel 

www.selection-art.com 

Les Gareçons 

Frische kreative Crossover-Küche nahe der Messe 

Schwarzwaldallee 200, Badischer Bahnhof, 4058 Basel 

Tel. +41 (0)61 681 84 88 

info@lesgarecons.ch,www.lesgarecons.ch 

Chez Donati: im Hotel „Les Trois Rois“ 

Italienische Küche mit Rhein-Blick 

St. Johanns-Vorstadt 48, 4056 Basel 

Tel. +41 (0)61 322 09 19 

chezdonati@lestroisrois.com, www.lestroisrois.com 

Sehenswert 

Das neue MAS | Museum aan de Stroom in Antwerpen 

Text: Jennifer Becker 

MAS Museum aan de Strom auf dem 

Eilandje in Antwerpen 

Ja, das MAS ist ein hochmodernes Heimatmuseum 

für Antwerpen mit einer Ausstellungsfläche von 5716 

m². Da aber in der Geschichte Antwerpens neben 

dem Hafen die bildenden Künste seit jeher eine 

große Rolle gespielt haben, werden auch in diesem 

Bereich wechselnde Ausstellungen gezeigt. Bis Ende 

2011 führt die erhellende, von Iris Kockelbergh 

kuratierte Eröffnungsausstellung „The Story of the 

Image“, welche die Bedeutung Antwerpens wie auch 

Flanderns für die moderne Bilderkultur aufzeigt, 

Werke Alter Meister mit denen zeitgenössischer 

Künstler zusammen. Daneben werden auf weiteren 

acht Ausstellungsetagen 470.000 Objekte präsentiert, 

die Symbolcharakter für die Hafenstadt besitzen. 

Das neue Museum befindet sich im ältesten 

Hafenviertel Antwerpens, dem „Eilandje“. Es ist ein 

Ort, der, wie einst die Docklands in London, derzeit 

eine Wiedergeburt erlebt. Bereits 1998 beschloss 

Antwerpen den Bau eines neuen Museums. Ein Etat 

von rund 21 Mio. Euro stand für das neue Museum 

zur Verfügung und 2,4 Mio. Euro für die Gestaltung 

des Museumsvorplatzes. Der Grundstein wurde 2006 

gelegt. Um den 13. Mai 2011, dem internationalen Tag 

des Museums, fanden die Eröffnungsfeierlichkeiten 

statt, bei denen Direktor Carl Depauw vom glücklichen 

Ende einer langen Schwangerschaft sprach. Es ist ein 

Prachtkind geworden. 

In einem internationalen Architekturwettbewerb 

hat sich das „Lagerhaus“ der „Neutelings Riedijk“- 

Die Außenfassade: Freunde des Museums 

haben eine Hand auf dem MAS 

Architekten behauptet. Riesige aufeinandergestapelte 

„Boxen“ aus Naturstein, die jeweils zur 

darunterliegenden Box um 90° versetzt sind, geben 

dem Gebäude seine spiralförmige Struktur. Die 

zurückspringenden Partien zwischen den Boxen sind 

mit geschwungenem italienischem Glas umgeben. 

Rolltreppen verbinden die Stockwerke miteinander, 

wodurch ein „vertikaler Boulevard“ entstand, 

der auch außerhalb der Museumsöffnungszeiten 

zugänglich ist. Von jedem der 10 Stockwerke ist 

eine neue, eindrucksvolle Aussicht auf Stadt, Fluss 

und Hafenbecken zu entdecken. So wird Antwerpen 

selbst zu einem Teil des Museums, das mit einer Höhe 

von 65 m von der ganzen Stadt aus sichtbar ist. Den 

Museumsvorplatz gestaltete Luc Tuymans mit dem 

1600 m² Fläche umfassenden Mosaik „Dead Skull“. 

Die Fassade des Museums aus indischem Sandstein 

ist mit 3000 Händen aus poliertem Aluminium 

verziert. Diese sind eine Spende des in Antwerpen 

ansässigen Metall- und Werkstoffkonzerns Umicore. 

Anschließend konnten die Hände von Privatpersonen 

und Unternehmen gekauft werden, um damit das 

Museum zu fördern. 

Die Eindrücke meiner Pressereise habe ich für Sie auf 

www.kunstmagazin.de zusammengestellt. Sie finden 

diese unter dem Suchbegriff „Flandern“. 

Weitere Informationen: www.mas.be

Peter Lindbergh – The Unknown 

Peter Lindberghs Fotografien sind zu Ikonen der Modefotografie geworden. In 

„The Unknown“, einem Projekt, das im Kontext verschiedener Modeshootings 

realisiert wurde, versetzte er seine Models in apokalyptische Szenarien. Den 

Hintergrund bildet eine vermeintliche Landung extraterrestrischer Wesen, die 

sich anschicken, die Erde zu erobern. Die filmisch wirkenden Bildausschnitte 

und Perspektiven, die extrem kontrollierten Lichtbedingungen, das exaltiert 

gestische Spiel der Protagonisten und die bühnenhaften Settings erinnern an 

theatrale Inszenierungen. Farb- und S/W-Abbildungen wechseln einander ab 

und lassen Assoziationen zur UFO-Hysterie der 1950er-Jahre aufkommen. 

Peter Lindbergh: The Unknown. The Chinese Episode. Schirmer/Mosel, München 

2011. Engl. mit dt. Textbeilage, 200 S., 89 Farb- und Duotone-Tafeln, Hardcover, 

49,80 €. ISBN: 978-3-8296-0544-1 

Beth Yarnelle Edwards – Suburban Dreams 

Menschen schaffen sich in ihrem häuslichen Umfeld private Refugien. Dort 

manifestieren sich persönliche Vorstellungen vom Leben. Gleichzeitig ist 

das eigene Heim ein Ort, an dem verschiedene Menschen zusammenleben. 

Beth Yarnelle Edwards dokumentiert in vielschichtigen fotografischen 

Bildkompositionen amerikanische und europäische Vorstadtbewohner 

und zeichnet so ein facettenreiches Porträt des Menschen im Kontext 

seiner häuslichen Umgebung. Die amerikanische Fotografin geht in ihren 

inszenierten Fotografien der Frage nach, was uns dieses private Umfeld 

tatsächlich über uns und unsere Lebensträume verrät. Sie zeigt damit eine 

Vielfalt von unterschiedlichen Lebensentwürfen auf. 

Beth Yarnelle Edwards u. a.: Suburban Dreams. Kehrer, Heidelberg 2011. Engl., 

96 S., 56 farb. Abb., Hardcover, 30 €. ISBN: 978-3-86828-184-2 

Marilyn Manson & David Lynch – Genealogies of Pain 

Marilyn Manson ist bisher durch seine Musik und die mediale 

Selbstinszenierung aufgefallen. Doch auch im Medium der Malerei kann 

er mittlerweile ein beachtliches Oeuvre vorweisen. Meist stellen seine 

expressiven Aquarelle deformierte Körper oder Gesichter dar. Inspiriert 

haben Manson vor allem David Lynchs frühe filmische Werke, die Themen 

wie Schmerz, Amputation und Tod aufgreifen. Interessantes Feature: zwei 

Cover – eins für Lynch, eins für Manson – und somit zwei Anfänge bieten 

eine doppelte Annäherung an das Thema. Der zentrale Textteil stellt den 

Zusammenhang zwischen beiden Charakteren her. 

Kunsthalle Wien u. a. (Hg.): Marilyn Manson and David Lynch. Genealogies of 

Pain. Verlag für moderne Kunst, Nürnberg 2011. Engl./dt., 176 S., 76 farbige Abb., 

Hardcover, 28 €. ISBN: 978-3-86984-129-8 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

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BÜCHER 

 

 

 

 

Robert Rauschenberg – Photographs 1949–1965 

Robert Rauschenberg gewährt mit seinen Schwarz-Weiß-Fotografien und 

Blueprints der 1950er- und 1960er-Jahre eine sehr intime und private Sicht 

auf sein Leben. Vor allem die Fotografien seines New Yorker Studios und 

die Porträts seiner Künstlerfreunde Jasper Johns, Merce Cunningham, John 

Cage oder Willem de Kooning transportieren das Lebensgefühl einer jungen 

Künstlergeneration und das New Yorker Flair der 1960er-Jahre. Zusammen 

mit Cy Twombly bereiste Rauschenberg in dieser Zeit zudem Europa, 

Nordafrika und den Süden der USA. Die dort entstandenen Aufnahmen 

stellen meist alltägliche Motive dar, die perspektivisch jedoch originell in 

Szene gesetzt sind. 

David White, Susan Davidson (Hg.): Robert Rauschenberg. Photographs 1949–1965. 

Schirmer/Mosel, München 2011. Dt., 240 S., 136 Abb., 49,80 €. ISBN: 978-3-82960-512-0 

Dieter Roth – Souvenirs 

Jahrzehntelang hat der Schweizer Künstler Dieter Roth seine Kunstwerke 

als „Souvenirs“ verteilt. Wer hat Roths Geschenke erhalten? Zunächst waren 

das seine engsten Freunde: Künstler oder Verleger, Grafiker oder Sammler; 

aber auch andere, die auf irgendeine Art mit Dieter Roth und seinem Werk 

verbunden waren, sind in den Genuss der Großzügigkeit des Künstlers 

gekommen. Fast jede der 158 Buchseiten zeigt ein „Souvenir“ und erklärt, an 

wen und aus welchem Grund Roth diese Objekte, Collagen und Aquarelle 

verschenkt hat. 

Dieter Roth Akademie, Jan Voss, Björn Roth, Beat Keusch (Hg): Dieter Roth – Souvenirs. 

Hatje Cantz, Stuttgart 2011. Dt./engl., 152 S., 127 farbige Abb., Hardcover, 58 €. 

ISBN: 978-3-7757-2818-8 

Julia Kissina – Dead Artists Society 

Die russische Künstlerin Julia Kissina gründete im Jahr 2006 den „Club der 

toten Künstler“, der es sich zur Aufgabe gemacht hat, Interviews mit den 

Vätern der Gegenwartskunst zu inszenieren. Mittels unterschiedlichster 

spiritistischer Techniken wurden Künstler wie Duchamp, Malewitsch 

oder Pollock „gerufen“ und beispielsweise zu ihrer Meinung zur heutigen 

Kunstszene „befragt“. Die Interviews werden mit Fotos oder Zeichnungen 

der jeweiligen Künstler illustriert wie auch mit Fotografien der Séancen, die 

in Moskau, Berlin oder Zürich stattfanden. Ludwig Seyfarth und Wolfgang 

Ullrich analysieren das Projekt im Nachwort. 

Ludwig Seyfarth, Wolfgang Ullrich (Hg): Julia Kissina – Dead Artists Society. Verlag für 

moderne Kunst, Nürnberg 2010. Dt./engl., 122 S., 45 S/W-Abb., Paperback, 19 €. 

ISBN: 978-3-86984-146-5

Kunstdetektiv auf ganzer Linie 

Münchner Kunstdetektive © Foto: Julia Marx 

Wer hätte gedacht, dass eine schlichte Linie Boogie- 

Woogie tanzen kann? Sicher kennst du Buslinien, 

Ziellinien oder Hilfslinien, aber auf den Gemälden 

von Piet Mondrian und der Künstlergruppe „De 

Stijl“ geht es nicht um gewöhnliche Linien: Bei 

ihnen tanzen sie ausgelassen über die Leinwand 

oder sorgen für strikte Ordnung und durchkreuzen 

wie ein schwarzes Straßennetz rote, blaue und gelbe 

Farbfelder. Ob auf Gemälden, Möbeln, Stoffen 

oder Modellen – überall findest du sie wieder. Mit 

den Münchner Kunstdetektiven wirst du in die 

Farb- und Linienwelt der Künstler eintauchen. 

Experimentiere selbst auf der Leinwand und baue 

dein eigenes Raummodell – die Linie bestimmt das 

Kunstwerk. Doch damit nicht genug: Als Höhepunkt 

des dreitägigen Workshops stellt ihr gemeinsam eure 

eigene Kunstzeitung zur Ausstellung her. Halte deine 

Ideen in Interviews, Artikeln und Rätseln fest und 

befreie die Linie aus ihrem gewöhnlichen Alltag. 

Der Kunst- und Medienworkshop „Piet Mondrian und 

die Künstlergruppe ‚De Stijl’ unter der Lupe“ findet am 

20., 21., und 22.6. jeweils von 11–17h statt und richtet 

sich an Kinder von 8 bis 15 Jahren. Treffpunkt: Städtische 

Galerie im Lenbachhaus/Kunstbau, Königsplatz, 80333 

München. Teilnahmegebühr: 18 €/Tag und 48 € für 3 Tage. 

Informationen und Anmeldung unter 089 - 361 08 17 oder 

unter schatzsuche@kuki-muenchen.de 

www.muenchner-kunstdetektive.de 

Meet the Artist 

Tobias Zielony: Fremder, a. d. Serie: Ha Neu, Halle, 2003 

© Tobias Zielony, 2011 

Wow, was für eine Gelegenheit: Du kannst den 

Fotokünstler Tobias Zielony treffen und in seinem 

Workshop jede Menge von ihm lernen. Er zeigt dir, 

wie man professionell Fotos macht. Danach kannst 

du es selber versuchen. Dabei interessiert sich Tobias 

Zielony für eine ganz bestimmte Art von Fotos 

– er hat sich oft unter Jugendliche gemischt und 

sie dort fotografiert, wo sie sich mit ihren Freunden 

aufhalten. Nachdem ihr euch seine Bilder angesehen 

und darüber gesprochen habt, geht es los. Rund um 

das Museum gibt es viele interessante Plätze, wo sich 

Jugendliche in deinem Alter treffen können und die 

nur darauf warten, aufgespürt zu werden. Mit deiner 

Digitalkamera ausgerüstet, fotografierst du getreu 

dem Motto des Workshops: Mit Abstand ganz nah. 

Der Workshop „Meet the Artist – Tobias Zielony“ richtet sich 

an Jugendliche im Alter von 14 bis 18 Jahren. Er findet am 18. 

und 19.6., jeweils von 14 bis 18 Uhr im Museum Folkwang in 

Essen statt und kostet nichts. Die Teilnehmerzahl ist begrenzt, 

melde dich daher im Besucherbüro an unter 

0201 - 884 54 44 oder info@museum-folkwang.essen.de 

Museum Folkwang Essen 

Museumsplatz 1, 45128 Essen 

www.museum-folkwang.de 

Entwirf deine eigene Antikriegsaktion! 

Gemeinsam Kunst gegen Krieg schaffen. © Staatsgalerie Stuttgart 

„Nie wieder Krieg!“ schrieb die Künstlerin Käthe 

Kollwitz 1924 auf ein Plakat. Aber sie war nicht die 

einzige Pazifistin in der Kunstwelt: Otto Dix, Max 

Beckmann oder Georg Grosz haben sich damals auch 

mit dem Thema auseinandergesetzt. Zeichnungen und 

Druckgrafiken dieser Künstler werden bis 7. August in 

der Staatsgalerie Stuttgart zu sehen sein. 

Krieg ist aber leider immer noch ein aktuelles Thema, 

und wir sollten uns an die Worte von Käthe Kollwitz 

erinnern. Deshalb möchten Ute Scheitler und Lena 

Bopp herausfinden, was ihr für Antikriegsideen habt. 

Nach einem Rundgang durch die Ausstellung wird 

die Frage diskutiert: Was ist Krieg heute? Und noch 

wichtiger: Wie sieht eine friedliche Welt aus? Mithilfe 

verschiedener Techniken wie Linoldruck, Malerei 

oder Monotypie erschafft ihr Bilder, Plakate oder 

Statements, in denen ihr gegen Krieg und für eine 

bessere Welt plädiert. Später werden eure Werke im 

Foyer der Neuen Staatsgalerie ausgestellt. 

Nie wieder Krieg! 

Der Workshop findet an folgenden Terminen statt: am 21.6. 

für Jugendliche ab 12 Jahre, am 22.6. für Jugendliche ab 14 

Jahre und am 24.6. für Jugendliche ab 16 Jahre, jeweils max. 

15 Teilnehmer, Teilnahmegebühr: 10 €. 

Ort: Staatsgalerie Stuttgart 

Konrad-Adenauer-Str. 30–32, Stuttgart 

Anmeldung unter 

www.staatsgalerie.de/kunstvermittlung/kalender_kinder 

Herr Wagener und seine Schätze 

Herr Wagener ist ein echter Kunstliebhaber – schon 

von klein auf liebte er Bilder. Aber was hat ihn wohl 

dazu veranlasst, so viele Kunstwerke zu sammeln? 

Hat er sie geschenkt bekommen oder vielleicht 

geerbt? Nein, hat er nicht – als er in seinem Beruf als 

Unternehmer genügend Geld verdiente, ersteigerte 

er seine ersten Gemälde, die wir heute bewundern 

können. Mit dem Buch machst du dich auf die 

Entdeckungsreise durch seine Schätze. Gemeinsam 

mit dem begeisterten Sammler geht es vorbei an 

getarnten Verbrechern und wilden Jagdszenen. 

Besonders spannend sind die vielen Bildausschnitte, 

mit denen du dem versteckten Sinn der Bilder auf 

die Schliche kommst. Abschließend zeigt dir Herr 

Wagener sogar die Rückseite eines Kunstwerkes – ein 

seltener Anblick. Toll, dass der großzügige Sammler 

all seine Werke der Alten Nationalgalerie geschenkt 

hat. 

Wir verlosen 5 Exemplare. Beantworte einfach die 

Frage: Wer war Herr Wagener und was hat er mit der 

Alten Nationalgalerie zu tun? Sende deine Antwort 

bis zum 15.6. mit dem Stichwort „Herr Wagener“ an 

verlosung@kunstmagazin.de. 

Sigrid Otto: Herr Wagener und seine Schätze. Kinderbuch 

zur Ausstellung: Die Sammlung des Bankiers Wagener. 

Seemann Henschel, Berlin 2011. Dt., 62 S., Softcover, 10 €. 

ISBN: 978-3-88609-702-9

DESTINO: BERLÍN – ZIELORT: BERLIN 

Spanische Künstler in Berlin 

Studio 1, Kunstraum Kreuzberg/Bethanien © ZimmerStudio, Berlin 

Die spanische Botschaft in Berlin präsentiert eine 

Auswahl der Werke spanischer KünstlerInnen, die in 

Berlin leben. Die Ausstellung DESTINO: BERLÍN 

– ZIELORT: BERLIN offeriert damit einen Blick 

auf das gegenwärtige künstlerische Schaffen von 

Spaniern, die die deutsche Hauptstadt zu ihrem 

Lebensmittelpunkt gemacht haben. 

Seit Beginn des 21. Jahrhunderts scheint es für 

die jüngste Generation von Kunstschaffenden nur 

einen Zielort zu geben: Berlin. Die Stadt ist zu einer 

wichtigen Referenz für KünstlerInnen aus aller Welt 

geworden – Jahr für Jahr strömen sie in die Stadt. 

Viele der Künstler, die Berlin als zweite Heimat 

wählen, kommen interessanterweise aus Spanien. 

Ein Grund für dieses Phänomen ist wohl die schwere 

AUSSTELLUNGEN 

Wirtschaftskrise im eigenen Land; ebenso aber 

entspricht es einem Zeitgeist, in dem Europa mit 

dem Euro als Währung und den Billigfluglinien 

gelebte Realität geworden ist. 

Zur Ergründung des Phänomens der „kulturellen 

Emigration” präsentiert die spanische Botschaft eine 

Ausstellung, die sich durch die Qualität ihrer Werke 

und vielversprechende internationale Werdegänge 

auszeichnet. 

Studio 1, Kunstraum Kreuzberg/Bethanien 

Mariannenplatz 2, 10997, Berlin-Kreuzberg 

bis 17.6., tgl. 12–19h 

www.destinoberlin.de 

Jean Tinguely: Nepomuk, 1958, schwarz bemalte Holztafel mit 

6 weißen beweglichen Metallelementen, 90 x 55 x 20 cm 

Handiwirman Saputra: Tak Berakar Tak Berpucuk 

Benda no 1’, Mixed Media, 2011 

Jean Tinguely 

Skulpturen/Maschinen 1958–1989 

In Jean Tinguelys (1925–1991) erster Einzelausstellung 

in Berlin werden sieben der heute 

seltenen Skulpturen/Maschinen sowie Arbeiten 

auf Papier aus den Jahren 1958 bis 1989 gezeigt. 

Tinguely, bedeutender Eisenplastiker und Vertreter 

der kinetischen Kunst, gründete 1960 in Paris u. a. 

mit Arman, Yves Klein, Spoerri und Dufrêne die 

„Nouveaux Réalistes“. Ab den 60er-Jahren baute er 

maschinenartige, bewegliche Skulpturen aus Draht, 

Schrottteilen, Blech und anderen Fundstücken, die 

sich, in Happenings auf Straßen und in Museen 

vorgestellt, teilweise selbst zerstören. Tinguelys 

Kunst ist die visuell und akustisch erfahrbar 

gemachte Bewegung. „Es bewegt sich alles, Stillstand 

gibt es nicht.“ (Tinguely 1959) 

Kunsthandel Wolfgang Werner KG 

Fasanenstr. 72, 10719 Berlin-Charlottenburg 

bis 2.7., Mo 12–18.30h, Di–Fr 10–18.30h, Sa 11–15h 

www.kunsthandel-werner.de 

Everything You Can Imagine Is Real 

Galerie Christian Hosp is proud to present the 

European debut of a trio of artists from Sumatra, 

bringing the Berlin gallery’s long-time association 

with Asia to Germany in a dynamic and exciting 

new show. The exhibition consists of new work by 

Yuli Prayitno, Yusra Martunus and Handiwirman, 

three of the region’s most dynamic young artists. 

The work spans the broad, diverse practice of the 

three friends, engaging with themes ranging from 

notions of identity within contemporary society to 

explorations of form, texture and substance. Yet 

there is a distinctive, attractive wit and lightness 

of touch to the trio’s work that cannot help but 

seduce the viewer. Fuelling one of the most vibrant 

contemporary art scenes in Asia, Indonesia’s artists 

are currently attracting unprecedented international 

attention. In “Everything You Can Imagine Is Real”, 

we witness ample proof just why this is so. 

Galerie Christian Hosp 

Invalidenstr. 50–51, Halle am Wasser 

10557 Berlin-Tiergarten 

Opening: 23.6., 19h, 24.6.–30.7., Di–Sa 11–18h 

www.christianhosp.com 

AUSSTELLUNGEN

AUSSTELLUNGEN 

© Robert Häusser: Kultstätte, 2000 

Alicja Kwade: 52°31´17.23, 13°62.65 

Adolf Luther: Laserraum, 1970, Rubinlaser, 

drehende Plexiglasstele, Elektromotor, Maße variabel 

© Foto: Archiv Adolf-Luther-Stiftung, Krefeld 

Robert Häusser: „Ins Wort gesetzt“ und 

„In memoriam – Die Berliner Mauer“ 

Robert Häusser (*1924) gilt als Wegbereiter der modernen 

Fotografie. Er arbeitet ausschließlich in Schwarz-Weiß, 

seine Bilder sind von strenger, oft symmetrischer Tektonik 

gekennzeichnet. Er gilt als „Magischer Realist“, dessen 

Bilder eine subjektive Chronik des 20. Jahrhunderts 

darstellen. Die Ausstellung im Kunst-Raum zeigt 

Originalabzüge des Projekts „Ins Wort gesetzt“, für das 

zahlreiche deutsche Lyriker mit Häussers Fotografien in 

Dialog traten. Parallel dazu werden im Mauer-Mahnmal 

die Bilder zur Berliner Mauer gezeigt, die Teil der 

Sammlung des Bundestages sind. 

Kunst-Raum und Mauer-Mahnmal im Deutschen Bundestag 

Marie-Elisabeth-Lüders-Haus, Schiffbauerdamm 

bis 26. Juni, Eintritt frei, Kunst-Raum: Di–So 11–17h 

Mauer-Mahnmal: Fr–So 11–17h 

www.kunst-im-bundestag.de, www.mauer-mahnmal.de 

Alicja Kwade – 52°31´17.23, 13°62.65 

52°31´17.23, 13°62.65 sind die Ortskoordinaten des 

Polnischen Instituts. Zur Ausstellungseröffnung sind am 

Himmel von diesem Standort aus die Sternbilder Andromeda, 

Herkules und Eidechse zu sehen. Alicja Kwade 

(*1979, Katowice) bespielt mit ihrer Sternenhimmel- 

Installation die gesamte Schaufensterfront des Instituts. 

Nachts sieht der Betrachter von außen die Sterne in der 

Galerie. „Es ist wie ein Zeitfenster, wie etwas, was alles 

andere unsichtbar macht, sodass nur noch der Ursprung 

und das Universum sichtbar bleiben. Geht man tagsüber 

hinein, sieht man die „Sterne“ von der Rückseite, also von 

der anderen Seite des Universums. Das Licht verändert 

sich mit dem Licht draußen.” (Alicja Kwade) 

Polnisches Institut, Burgstr. 27, 10178 Berlin-Mitte 

Opening: 30.6., 21h, 1.7.–31.8., Di–Fr 10–18h 

www.polnischekultur.de 

Adolf Luther – Rhythmus und Materie 

Glas, Spiegel und Linsen sind die Materialien, mit denen 

Adolf Luther in den 1960er-Jahren die Abkehr vom 

Tafelbild betrieb. Dabei entwickelte er die Auffassung 

einer Polarität von Licht und Materie, bei der Licht als 

eigenständiger Informationsträger den energetischen Raum 

zwischen Betrachter und materiellem Objekt konstituiert. 

Die „sphärischen Hohlspiegelobjekte“ erzeugen durch 

Spiegelungen eine in den Betrachterraum übergreifende 

Phänomenalität vor der Stofflichkeit des Objekts. In 

seinem „Laserraum“ (1970) setzte er Rauch als Medium 

der Visualisierung ein, um die Immaterialität des Lichts in 

„energetischen Plastiken“ erfahrbar zu machen. 

401contemporary 

Potsdamer Str. 81 B, 10785 Berlin-Schöneberg 


www.401contemporary.com 

© Max Scheler Estate, Atombunker zu verkaufen; Los Angeles, 1961 

Herb Ritts: Jack Nicholson II, London, 1988 

© Herb Ritts Foundation 

Alfred Ehrhardt: Spur (des Menschen) am Steilhang 

einer Düne der Kurischen Nehrung, 1934 © bpk 2011 

Max Scheler: Von Konrad A. bis Jackie O. 

Die Ausstellung zeigt mit rund 140 Fotografien einen 

Querschnitt aus dem Werk des Fotojournalisten Max 

Scheler (1928–2003). Als international bekannter 

Fotograf der Nachkriegszeit und Junior-Mitglied der 

Fotoagentur Magnum war er ab 1959 für den Stern tätig, 

ab 1975 für GEO. Deutschland, China und die USA 

waren die Schauplätze seiner Bildberichterstattung, sie 

bilden die Schwerpunkte der Ausstellung. 

Willy-Brandt-Haus 

Stresemannstr. 28, 10963 Berlin-Mitte 

Opening: 31.5., 19.30h, 1.6.–31.7., Di–So 12–18h 

Eintritt frei, Ausweis erforderlich, www.willy-brandt-haus.de 

Herb Ritts 

Herb Ritts hat in den 1980er- und 1990er-Jahren 

mit nahezu jedem Superstar gearbeitet. Unter den 

ausgestellten Porträtaufnahmen finden sich Namen wie 

Madonna, Mick Jagger, David Bowie, Jack Nicholson 

oder Cindy Crawford. Die Ausstellung bietet einen 

umfangreichen Einblick in das Werk des 2002 

verstorbenen Fotografen. So sind neben eindringlichen 

Porträts auch sehr ästhetische Aktaufnahmen zu sehen. 

CAMERA WORK 

Kantstr. 149, 10623 Berlin-Charlottenburg 

bis 9.7., Di–Sa 11–18h 

www.camerawork.de 

Alfred Ehrhardt im Bildarchiv „Volk und Welt“ 

Aus dem Bestand des Bildarchivs Preußischer Kulturbesitz 

werden 87 Originalfotografien von Alfred Ehrhardt 

aus der Zeit seiner Bild- und Textveröffentlichungen 

in der Zeitschrift „Volk und Welt“ zwischen 1940 und 

1944 präsentiert. Dargestellt ist das ganze Spektrum 

seiner Themen – die Faszination der Schönheit von 

Naturformen in der physischen Natur –, die er auf die 

Fotografie und den Betrachter überträgt. 

Alfred Ehrhardt Stiftung 

Auguststr. 75, 10117 Berlin-Mitte 

bis 26.6., Di–So 11–18h, Do bis 21h, Eintritt frei 

www.alfred-ehrhardt-stiftung.de 

AUSSTELLUNGEN

Alec Soth: 2008_08zl0107 (large nude), from the series 

“Broken Manual”, 2008, archival pigment print, 177,8 cm x 142,2 cm 

Courtesy: Loock Galerie, Berlin © Alec Soth 

Foto: Christoph von Loew: 

Deniz Alt u. Römer+Römer mit Familie Montez 

AUSSTELLUNGEN 

Helmut Newton: Stern, St. Tropez, 1978 

Loock Galerie – Alec Soth 

„Broken Manual“ heißt die neueste Serie des amerikanischen 

Fotografen Alec Soth. Die Loock Galerie präsentiert diese 

zum ersten Mal außerhalb der USA. Soth hat auf der Reise 

durch sein Heimatland wiederholt Menschen getroffen, 

die sich von einem sozialen Leben verabschiedet und sich 

dem Dasein in der Natur zugewendet haben. Soth kreiert 

mit seiner Großbildkamera detailreiche und auf den 

zweiten Blick sehr komplexe Bilder. Objektaufnahmen 

zeigen jene Gegenstände, die seine Protagonisten in ihr 

selbst gewähltes Exil mitgenommen haben. Zusammen 

mit den Porträts ergibt sich daraus eine spannende 

Erzählung vom Außenseiterdasein. 

Loock Galerie 

Invalidenstr. 50/51, 10557 Berlin-Moabit 

Opening: 10.6., 18–21h, 11.6.–23.7., Di–Sa 11–18h 

www.loock-galerie.de 

Monte Verità 

In der Ausstellung knüpfen die Künstler mit ihren Arbeiten 

an den Zeitgeist der Künstlerkolonie Monte Verità – Berg 

der Wahrheit – an und beleben diesen gegenwärtig. Danja 

Akulin, Aljoscha, Deniz Alt, Tilo Baumgärtel, Sven Drühl, 

Evgeni Dybsky, Tim Eitel, Peter Feiler, Thomas Fischer, 

Parastou Forouhar, Roland Fuhrmann, Gabi Hamm, Gregor 

Hildebrandt, Katrin Kampmann, Anastasia Khoroshilova, 

Bernd Kirschner, Alexei Kostroma, Clemens Krauss, Jacob 

Kreutzfeldt, Edgar Leciejewski, Mirek Macke, Bjørn Melhus, 

Almagul Menlibayeva, Eliane Paulino, Stehn Raupach, 

Anke Röhrscheid, Römer+Römer, Moritz Schleime, SEO, 

TRansnational Republic, Jewgenija Tschuikowa, Sig Waller, 

Birgitta Weimer, Paul Wiersbinski. 

Kunstverein Familie Montez, Breite Gasse 24, 60311 Frankfurt a. M. 

Opening: 10.6., 19h, 11.6. –10.7., Do, Fr, So 16–19h, 

Sa 20–23h and by appt., 069 - 29 72 35 77 

www.facebook.com/monte.verita 

Helmut Newton – Polaroids 

Mit über 300 Werken wird erstmals ein repräsentativer 

Überblick über Helmut Newtons legendäre Polaroids 

gezeigt. Das Polaroidverfahren, das Newton seit den 

1970er-Jahren insbesondere bei Mode-Shootings 

intensiv einsetzte, lieferte ihm zugleich Ideenskizzen 

und die Möglichkeit zur Überprüfung der konkreten 

Lichtsituation und Bildkomposition. 

Die Polaroidtechnik mit der Möglichkeit zum Sofortbild 

hatte seinerzeit die Fotografie revolutioniert und dient 

bis heute vorbereitenden Studien, gilt aber auch als 

eigenständiges künstlerisches Medium. 

Helmut Newton Stiftung. Museum für Fotografie 

Opening: 9.6., 20h, 10.6.–20.11., Di–So 10–18h, Do 10–22h 

Jebensstr. 2, 10623 Berlin-Charlottenburg 

www.helmutnewton.com 

© Jodi Bieber, Südafrika 

Institute for Artist Management/ 

Goodman Gallery for Time magazine 

Steve Kwena Mokwena: The Memory of 

the Bridge, Fanon – Class Struggles vs. Evil 

Spirits, 2010, Filmstill 

Shai Saul: haste 1, 2006, C-Print, 60 x 40 cm 

Asli Sungu: Unvermeidbar, 2010, Video-Still 

Beth Yarnelle Edwards: Dietlinde, 

Deutschland, 2011 (aus Suburban Dreams) 

© Beth Yarnelle Edwards 

World Press Photo 11 

Das World Press Photo 2010 zeigt die18-jährige Afghanin Bibi Aisha, deren 

Ehemann ihr zur Strafe für ihre Flucht Ohren und Nase abschnitt. Heute 

lebt sie in den USA, inzwischen wurde ihr eine künstliche Nase angepasst. 

Das Foto wurde vom Time Magazin als Titelbild veröffentlicht und ist nun 

im Willy-Brandt-Haus zu sehen. Insgesamt wurden 55 Fotografen aus 23 

Ländern in 9 Themenkategorien ausgezeichnet. 

Willy-Brandt-Haus, Stresemannstr. 28, 10963 Berlin-Mitte 

Opening: 16.6., 19.30h, 17.6.–10.7., Di–So 12–18h 

Eintritt frei, Ausweis erforderlich, www.willy-brandt-haus.de 

„Agter die Berge“ – The Joburg Fringe Video Berlin 

44 Künstler aus Südafrika und 7 weiteren Ländern 

Alborough • Alhäuser • Barker • Biskup • Dietz • du Preez • Geismar • 

Helmcke • Hohn • Jones • Jonsdottir • Kaganof & Deane • Khan • Loveland • 

Lehulere • Mahashe • Mahlangu • Mama • Manero • Martin • Mbongwa • Mills 

• Mokwena • Rev. Murphy • C. Newman • N. Newman • Nhlapo • Nieuwoudt 

• Novcic • Ross • Shneider • Southgate • G. Taylor • T. Taylor u. a. 

7hours HAUS 19, Reinhardtstr. 18–20, 10117 Berlin-Mitte 

Mi–Sa 14–18h, bis 11.6. tgl. 14–18h, Sa 4./11./18.6. 21.30h Open-Air-Screening 

www.7hours.com 

Shai Saul – Fotografie 

Der israelische Künstler Shai Saul erforscht das Spiel der Gewalten und 

Kräfte, das unsere Welt bestimmt. Er sucht nach Hinweisen, nach einem 

Wesenskern, von dem aus sich eine übergreifende Wahrnehmung der Welt 

entwickeln ließe, sowie nach einem Verständnis der eigenen Aufgabe darin. 

Shai Saul überschreibt seine Ausstellung mit einer Gedichtzeile von Jehuda 

Amichai: „Behind All This Some Great Happiness Is Hiding“. 

Galerie Förster, Schröderstr. 2, 10115 Berlin-Mitte 

Opening: 10.6., 19h, 11.6.–23.7., Di–Fr 16–19h, Sa 12–18h 

www.galerie-foerster.de 

Asli Sungu und Ben Patterson 

3 Jahre museum FLUXUS+ / 3 Jahre Follow Fluxus 

Ben Patterson, Fluxus-Künstler seit den 1960er-Jahren, präsentiert sein 

Werk „Blame it on Pittsburgh or Why I became an artist“, das bereits in 

der großen Retrospektive des Contemporary Art Museum Houston zu 

sehen war. Asli Sungu, die dritte Follow-Fluxus-Stipendiatin, setzt ihre 

Videoarbeit „Unvermeidbar“ in einen Kontext zu Pattersons Arbeit und 

macht die Lebendigkeit dieser Kunstströmung deutlich. 

museum FLUXUS+, Schiffbauergasse 4f, 14467 Potsdam 

Opening: 24.6., 19h, 25.6.–11.9., Mi–So 13–18h, Eintritt frei, www.fluxus-plus.de 

Beth Yarnelle Edwards – Suburban Dreams 

Es lebe die Vorstadt! In diesem Fall die Vorstädte der amerikanischen 

und europäischen Mittelschicht. Seit 1997 inszeniert und fotografiert die 

amerikanische Fotografin Beth Yarnelle Edwards Familien in ganz normalen 

Alltagssituationen. Höchst sensibel lichtet sie Menschen und Stimmungen ab 

und berichtet von großen Sehnsüchten ebenso wie von kleinen Freuden. 

Petra Rietz Salon Galerie, Koppenplatz 11a, 10115 Berlin-Mitte 

Opening: 1.6., 19.30h, 2.6.–9.7., Mi–Sa 15–18h and by appt. 

0172 - 649 15 99, www.petrarietz.com 

AUSSTELLUNGEN

Sarah Morris: John Hancock, Installation view, 2011 

Courtesy: Capitain Petzel, Berlin, Photo: Nick Ash 

Nelly Rudin: Installation view, 2011, Foto: Rainer Hausleitner 

0 AUSSTELLUNGEN 

Alice Aycock: The Wavy Enneper, 2011, Fiberglas 

Courtesy: Galerie Thomas Schulte 

Sarah Morris – John Hancock 

Die amerikanische Malerin und Filmkünstlerin Sarah Morris 

setzt sich mit sozialen Strukturen und Machtsymbolen 

auseinander. In der Ausstellung „John Hancock“ bezieht 

sie sich auf den gleichnamigen Firmengründer – das John 

Hancock Center gilt heute als Ikone der postmodernen 

Architektur und repräsentiert kapitalistische Denkweisen 

und Vormachtansprüche. Morris verweist in ihren Bildern 

auf bestimmte Elemente des Gebäudes sowie auf die 

Signatur des Firmengründers. Ein weiterer Bestandteil der 

Ausstellung ist Morris’ Film „Points on a Line“ (2010), in 

welchem sie mit dem Farnsworth House von Mies van der 

Rohe und dem Glass House von Philip Johnson wiederum 

architektonische Ikonen unter die Lupe nimmt. 

Capitain Petzel 

Karl-Marx-Allee 45, 10178 Berlin-Friedrichshain 

bis 30.7., Di–Sa 11–18h, www.capitainpetzel.de 

Nelly Rudin – Innen ist Außen 

Nelly Rudins Gemälde und Bodenskulpturen verbreiten 

durch ihre konkrete Formensprache und schlichte grauweiße 

Farbwahl eine gewisse Leichtigkeit. Besonders die 

„Rahmenobjekte“, welche von der Künstlerin eigens für 

die Ausstellungsräume des Mies van der Rohe Hauses 

konzipiert wurden, verdeutlichen ihr Anliegen, sich dem 

Kunstwerk sowohl von innen als auch von außen zu 

nähern. Zugleich lotet die Künstlerin, die der 2. Generation 

der Zürcher Konkreten angehört, durch optische 

Imbalancen, asymmetrische Gestaltungselemente und 

sich verändernde Lichtverhältnisse neue Seh-Erfahrungen 

aus. 

Mies van der Rohe Haus 

Oberseestr. 60, 13053 Berlin-Weissensee 

1.5.–31.7., Di–So 11–17h, Eintritt frei 

www.miesvanderrohehaus.de 

Alice Aycock – Untitled Delight 

Die raumgreifende Plastik „The Wavy Enneper“ 

der Objektkünstlerin Alice Aycock vereint Kunst 

mit Mathematik. Obgleich die Fiberglasarbeit einer 

natürlichen fragilen Blüte gleicht, folgt sie formal dennoch 

den strikten wissenschaftlichen Formeln des deutschen 

Mathematikers Alfred Enneper. Diese verleihen ihr 

eine komplexe Form, sodass ein analytisches Abbild der 

Natur zurückbleibt. Die Plastik steht im Zentrum der 

Ausstellung von Alice Aycock. 

Galerie Thomas Schulte 

Charlottenstr. 24, 10117 Berlin-Mitte 

bis 25.6., Di–Sa 12–18h 

www.galeriethomasschulte.de 

Julian Rosefeldt: The Ship of Fools, 2007 

Lightjet-Print, 120 x 210 cm 

Courtesy: ARNDT Berlin und 

Julian Rosefeldt/VG Bild-Kunst 

Cady Noland: 8 objects (bullets, 

handgranades, coke and beer cans), encased 

in plexicubes, 1986, Sammlung Gaby und 

Wilhelm Schürmann Foto: Alexander Koch 

Ivo Gretener: 301, 2011, mixed media 

24 x 24 x 46 cm, mit einer Reflexion von 

Hannah Bechers „Gasometer“ (2009) 

Acryl auf Leinwand, 150 x 200 cm 

Oliver Scharfbier: Honigkinderreuse, 2010 

Eichenholz, Leuchtstoffröhren 

100 x 100 x 112 cm 

Katharina Heinrich: Rotes Geflecht mit 

Ösen, 2010, Gummi, 125 x 100 x 350 cm, 

Dimension variabel © K. Heinrich 

Julian Rosefeldt – Photo Works 

Rosefeldt bezeugt in der Fotografie wie in seinen filmischen Werken ein 

feinsinniges Gespür für verborgene gesellschaftliche Befindlichkeiten. 

„Photo Works“ bezieht sich auf die bereits im Mai in der Galerie präsentierten 

Videoarbeiten Rosefeldts. In „The Ship of Fools“ (2008) verweist 

er auf das deutsche Nationalgefühl, „American Night“ (2009) thematisiert 

den Mythos Amerika. 

Galerie Arndt, Potsdamer Str. 96, 10785 Berlin-Tiergarten 

10.6.–27.8., Di–Sa 11–18h 

www.arndtberlin.com 

Cady Noland und Santiago Sierra 

Die Galerie KOW bringt zwei Künstler zusammen, die sich mit Gewalt als 

Ausdruck des Kapitalismus beschäftigen. Noland setzt sich in ihrem Werk 

mit der gewaltvollen US-Geschichte auseinander und mit der Frage, wie 

das Profitstreben auf Kosten der Schwächeren zu einer kulturellen Norm 

wurde. Sierra hingegen kritisiert Gewalt nicht noch entschuldigt er sie – er 

trägt sie einfach als Thema ins Kunstfeld und stellt sie aus. 

KOW Berlin, Brunnenstr. 9, 10119 Berlin-Mitte 

bis 19.7., Mi–So 12–18h 

www.kow-berlin.com 

Hannah Becher und Ivo Gretener – Blanks 

dorisberlin präsentiert Malerei von Hannah Becher und Skulpturen von 

Ivo Gretener. Wenn Alltagsgegenstände, deren Form durch das Funktionale 

gesteuert wird, von ihrem Bestimmungszweck gelöst werden, ergeben sich 

Leerstellen. Beide Künstler benutzen diese Leerstellen auf unterschiedliche 

Weise, um die Wahrnehmung und die Beziehung zur Dingwelt neu zu 

beschreiben. 

dorisberlin, Nollendorfstr. 15, 10777 Berlin-Schöneberg 

Opening: 3.6., 18h, 4.6.–9.7., Di–Fr 13–19h, Sa 10–16h and by appt. 

030 – 97 86 83 24, www.dorisberlin.com 

Oliver Scharfbier – Als Maschine bin ich nicht so gut 

Die aktuellen Arbeiten von Oliver Scharfbier thematisieren das sinnhaftliebevolle 

Scheitern an und in der mechanischen Wiederholung. Im 

Ausstellungsraum formieren sich dazu Lichtobjekte und Tafelbilder 

jenseits romantischer Identitätsentwürfe. Die „Drawings on a certain paper“ 

(Übermalungen von Todesanzeigen in der serbischen Zeitung „Politika“, 

Belgrad, 2003) werden zum ersten Mal in Deutschland gezeigt. 

zone B, Brunnenstr. 149, 10115 Berlin-Mitte 

Opening: 3.6., 19.30h, 4.6.–28.8., Do 11–18h, Fr u. Sa 11–18h nach telefonischer 

Vereinbarung: 0170 - 463 09 53, www.zone-b.info 

Katharina Heinrich – XYZ Raumvariablen 

Die österreichische Künstlerin Katharina Heinrich erzeugt variable 

Raumkörper anhand der Technik des Flechtens. Dieses seit Jahrtausenden zur 

Herstellung von Texturen angewandte Verfahren ist für sie ein bildhauerischer 

Akt. Dabei geht es ihr stets um die Erweiterung des Skulpturbegriffs. Ein 

Künstlergespräch findet am 18. Juni um 18 Uhr statt. 

KunstBüroBerlin, Uhlandstr. 162, 10719 Berlin-Charlottenburg 

bis 16.7., Künstlergespräch am 18.6., 18h 

Mi–Fr 12–19h, Sa 13–16h and by appt., www.kunstbueroberlin.de 

AUSSTELLUNGEN

Nevin Aladağ: Still aus der Video-Trilogie „City Language I“, 2009 

© TANAS, Berlin 

Fabian Marti: Uhu, 2007, Tintendruck auf Papier, 155 x 155 cm 

Courtesy: the artist & Galerie Peter Kilchmann, Zürich 

AUSSTELLUNGEN 

Courtesy: Galeria Plan B 

Nevin Aladağ – Dim the Lights, 6:07 min 

Die Ausstellung „Dim the Lights, 6:07 min“ bewegt 

sich medial zwischen Video, Fotografie, Installation 

und Objektkunst und zeigt das breite Spektrum des 

künstlerischen Werks von Nevin Aladağ. Im Zentrum 

der ersten großen Ausstellung der in Berlin lebenden 

Künstlerin steht die für die letzte Istanbul-Biennale eigens 

produzierte Video-Trilogie „City Language I, II, III“. 

TANAS – Raum für zeitgenössische türkische Kunst 

Heidestr. 50, 10557 Berlin-Mitte 

Opening: 27.5.,18–21h, 28.5.–30.7., Di–Sa 11–18h 

Katalogpräsentation mit Signierstunde am 10.6., 18–21h 

030 - 89 56 46 10, www.tanasberlin.de 

Geheimgesellschaften 

Von aufklärerischen, okkulten oder politischen Zielen 

motiviert, verbindet Geheimgesellschaften v. a. eines: 

ein gemeinsames Wissen. Die Ausstellung „Geheimgesellschaften“ 

in der Schirn Kunsthalle präsentiert 

künstlerische Zeugnisse – Gemälde, Skulpturen, 

Installationen, aber auch historische Objekte –, die 

sich dem Mysterium von geheimem Wissen, Ritualen 

und Symbolen in der zeitgenössischen Kunst widmen. 

Um den obskuren und mystischen Charakter geheimer 

Gesellschaften zu wahren, leitet ein labyrinthartiger 

Parcours durch die Ausstellung, in der Künstler wie 

Cameron Jamie, Joachim Koester, Terence Koh, Gretchen 

Faust u. a. vertreten sind. 

Schirn Kunsthalle Frankfurt, Römerberg, 60311 Frankfurt 

bis 23.9., Di/Fr–So 10–19h, Mi/Do 10–22h 

www.schirn.de 

Ian Law 

Ian Law (*1984, UK, lives in London) is a recent graduate 

of The Royal College in London, where he developed 

a conceptual painting practice that builds chance, 

performance and duration into its logic. As Law notes, 

his “pieces are worked in relation to others, to then be 

cast elsewhere or used in some other way.” Painting is 

utilised as activity and the resulting works are installed in 

relation to formats of documentation that suggest other 

congruent activities. The exhibition at Plan B Berlin is 

the artist’s first solo exhibition. His work is included in 

the exhibition “Young London” (May–July 2011, at V22 

Workspace London). 

Galeria Plan B 

Heidestr. 50, 10557 Berlin-Mitte 

10.6.–30.7., Di–So 12–18h 

www.plan-b.ro 

Lina Kim & Michael Wesely: Eixo Monumental, 2004 

C-Print auf UltraSecG, 180 x 300 cm 

Anselm Kiefer: Sefer Hechaloth MERKABA Die sieben 

Himmelspaläste Steigend steigend sinke nieder, 2008, Mischtechnik 

auf Papier, 143 x 90 cm © VG Bild-Kunst, Bonn 2011 

Rainer Morawietz: Kapitell, 2010, Gips und Holz 

Archiv Utopia. Das Brasília-Projekt 

von Lina Kim und Michael Wesely 

Die Stadt Brasília wurde 1960 noch im Zustand einer 

Baustelle als neue Hauptstadt Brasiliens eingeweiht. Bis 

heute scheint sie eher eine architektonische Fiktion denn ein 

realer Ort zu sein. Die brasilianisch-koreanische Künstlerin 

Lina Kim und der deutsche Künstler Michael Wesely haben 

von 2003 bis 2010 den Mythos wie auch den realen Ort 

erkundet. Entstanden sind Fotografien, die ungewöhnliche 

Perspektiven zeigen. In der Ausstellung werden neben 300 

historischen Aufnahmen aus dem Fundus der Künstler 32 

großformatige Langzeitbelichtungen präsentiert, die den 

utopischen Charakter Brasílias betonen. 

Kunsthalle zu Kiel 

Düsternbrooker Weg 1, 24105 Kiel 

bis 28.8., Di–So 10–18h, Mi 10–20h, Eintritt: 7 €, erm. 4 € 

www.kunsthalle-kiel.de 

Deutsch 

Mit der Gruppenausstellung „Deutsch“ präsentiert die 

Galerie Crone Werke namhafter Künstler wie Joseph 

Beuys, Andy Warhol, Sigmar Polke und Anselm Kiefer, 

die sich mit der politischen und historischen Entwicklung 

in Deutschland kritisch auseinandergesetzt haben. 

Ergänzt wird die Schau durch eine Installation der 

Avantgarde-Gruppe „L’Internationale Surplace“, zu der 

auch Daniel Megerle gehört. Ihm ist bis Anfang Juni eine 

Einzelausstellung gewidmet. 

Galerie Crone 

Rudi-Dutschke-Str. 26, 10969 Berlin-Mitte 

11.6.–31.8., Di–So 11–18h 

www.cronegalerie.de 

Architektur und Eros 

Rainer Morawietz postuliert als Teilnehmer am 

Wettbewerb „Berliner Stadtschloss“ ein bildhaftes Denken 

in der Baukunst, das die Suche nach der Sinnlichkeit in 

der Architektur neu initiiert. Gezeigt werden Objekte 

und Bilder, die einen Bogen zwischen autonomem 

Kunstobjekt und architektonischem Kontext spannen. 

Die architektonische Gestaltung des Kunstkellers Berlin 

ist Teil der Ausstellung. 

KunstBüroBerlin im Kunstkeller Berlin 

Gutzkowstr. 5, 10827 Berlin-Schöneberg 

Opening: 25.6., 18h, Dauerausstellung 

Öffnungszeiten nach Vereinbarung unter: 030 - 857 26 24 

AUSSTELLUNGEN

Imi Knoebel: ALIAAA, 2002, Acryl auf Aluminium 

306 x 455,8 x 10,8 cm © VG Bild-Kunst, Bonn 2011 

Ulrike Meier: unspecific, 2010 

Daniel Palacios: Receptive Environment, 2010 

Laserschnitt auf Holz, 45 x 45 cm 

Imi Knoebel – Werke aus der Sammlung Schaufler 

Imi Knoebel, Schüler von Joseph Beuys, ist in der 

Sammlung Schaufler mit einem größeren Werkkomplex 

vertreten. Das „Schauwerk“ widmet dem Künstler eine 

monografische Ausstellung, in der Bilder und Objekte aus 

all seinen Schaffensphasen gezeigt werden. Die in enger 

Zusammenarbeit mit dem Künstler konzipierte Schau gibt 

Einblicke in seine radikal minimalistische Formensprache, 

die von den russischen Konstruktivisten des frühen 

20. Jahrhunderts geprägt wurde. Form, Struktur und 

Farbe stehen im Zentrum seines Schaffens und werden 

in unterschiedlichen Medien untersucht. Er verbindet 

Klarheit und Strenge mit einer besonderen Sinnlichkeit. 

SCHAUWERK Sindelfingen 

Eschenbrünnlestr. 15/1, 71065 Sindelfingen 

bis 2.10., So 11–17h and by appt. 

07031 - 932 49 00, www.schauwerk-sindelfingen.de 

Körpersichten 

Im Fokus der Ausstellung der Muthesius Kunsthochschule 

im Kieler Lessingbad steht der menschliche Körper. 

Die Projekte der Studierenden beleuchten das weite 

Spannungsfeld medizinischer und körperbezogener 

Themen: Menschenbild und Körper, Ängste und 

Sehnsüchte, Körperinnen- und Außenwelten, Mensch 

und Medizin. Präsentiert werden die Highlights der 

Studienarbeiten aus Kunst, Raumstrategien, Industrie- 

und Kommunikationsdesign. Die Schau wird flankiert 

von Vorträgen und Führungen zum Thema „Kunst und 

Medizin“. 

Muthesius Kunsthochschule 

Lessingbad, Lessingplatz 1, 24116 Kiel 

Opening: 31.5., 19h, 1.–24.6., tgl. 10–18h 

Pfingsten geschl., Eintritt frei 

www.muthesius-kunsthochschule.de 

Receptive Environment 

„Receptive Environment“ bezeichnet ein Umfeld, das uns 

zuhört und unsere Gegenwart akzeptiert, es verändert 

sich und passt sich uns an. Es wird durch uns geprägt, 

ohne dass wir uns dessen bewusst sind. Repräsentative 

Daten innerhalb und außerhalb des EnBW Showrooms 

wurden durch Sensoren aufgezeichnet. Daraus entstanden 

Skulpturen, Arbeiten auf Papier und Visualisierungen 

in Echtzeit. Diese Darstellungsformen ähneln weniger 

digitalen Abbildungen als vielmehr natürlichen Formen, 

wie z. B. den Jahresringen eines Baumstamms. 

Die Ausstellung entstand unter der künstlerischen 

Leitung des Künstlerhauses Bethanien Berlin. 

EnBW Showroom Berlin 

Schiffbauerdamm 1, 10117 Berlin-Mitte 

bis 23.7., Mo–Fr 12–20h 

Sa 11–16h, Eintritt frei, www.enbw.com 

Franziska Holstein: o. T. (M 1-11), 2011 

Acryl, Öl, Siebdruck auf Leinwand, 200 x 140 cm 

Nadja Poppe: Landschaft (Mecklenburg-Vorpommern), 2010 

Bleistift und Radiergummi auf Papier, 30,5 x 43 cm 

Park Young-Hak: Beyond the Scenery, 2007 

charcoal on crushed rock on Korean paper, 97 x 122,2 cm 

Ausstellung 13 

Neue Arbeiten von: Tilo Baumgärtel, Andreas Blank, 

Stephanie Dost, Shannon Finley, Philip Grözinger, 

Franziska Holstein, Ruprecht von Kaufmann, Martin 

Kobe, Brian Montuori, Yudi Nor, Christoph Ruckhäberle, 

Nicola Samori und Anan Tzukerman. 

Galerie Christian Ehrentraut 

Friedrichstr. 123, 10117 Berlin-Mitte 

bis 7.7., Di–Sa 11–18h 

www.christianehrentraut.com 

Arngunnur Yr: Heimat│Nadja Poppe: Land 

Isländische Gebirgsketten, Vulkane, Täler und 

Gletscher – die Landschaftsbilder aus Yrs Kindheit 

sind fest in der Vorstellungswelt der Künstlerin 

verankert und verwandeln eine rein physische Welt in 

eine emotionale Sehnsucht. In Poppes Zeichnungen 

erleben wir einen Moment in der Natur, ungeschönt 

und dennoch stimmungsvoll. Die Künstlerin sucht sich 

darin ein Gegenüber und erforscht Fülle und Leere. 

Kit Schulte Contemporary Art Berlin 

(ehemals Cain Schulte) 

Winterfeldtstr. 35, 10781 Berlin-Schöneberg 

bis 25.6., Mi–Fr 12–18h, www.kitschulte.de 

Park Young-Hak – Beyond the Scenery 

Die Werke des Künstlers Park Young-Hak basieren 

auf dem taoistischen Prinzip der Synergie des Leeren 

und des Wirkenden; die Reduktion auf achromatische 

Farben symbolisiert die spirituelle Ästhetik. Durch 

das Auftragen von Holzkohle und Calcitpulver auf 

Sunji-Papier erzielt Park ausdrucksvolle Hell-Dunkel- 

Kontraste und durchbricht mit dieser Mischtechnik 

den traditionellen Begriff koreanischer Tuschmalerei. 

LEE galerie BERLIN 

Brunnenstr. 172, 10119 Berlin-Mitte 


www.leegalerieberlin.com 

AUSSTELLUNGEN 

AUSSTELLUNGEN

AUSSTELLUNGEN 

Judith Ganz: Weiche Ziele, Detail, 2010 

Acryl auf Öl auf Nessel, 230 x 340 cm 

Ilias Papailiakis: She believes the truth, 2010, Öl auf Leinwand 

60 x 50 cm © Ilias Papailiakis, Courtesy: upstairs berlin 

Huang He: Baby, 2010, Öl auf Leinwand, 350 x 600 cm 

Judith Ganz – Floating Liquids 

Judith Ganz entwickelt ihre psychedelischen Landschaften 

aus computergenerierten Bildern der 

Mikrobiologie, Weltraumforschung und Gentechnologie. 

Ausgangspunkt ihrer Malerei ist die vermeintliche 

Unfehlbarkeit der Wissenschaft. Sie kommt zu dem 

Ergebnis, dass gesellschaftliche Utopien immer wieder 

zu kollektiven Selbstüberschätzungen führen. 

Galerie Funke 

Willibald-Alexis-Str. 13/14, 10965 Berlin-Kreuzberg 

bis 2.7., Mi–Fr 13–18h, Sa 12–15h and by appt. 

www.galeriefunke.de 

Ilias Papailiakis – She believes the truth 

Die Motive seiner Gemälde entlehnt der griechische 

Künstler Ilias Papailiakis den Werken alter Meister. 

Durch seine Konzentration auf Ausschnitte und Details 

verlieren die Arbeiten ihren kunsthistorischen Ballast, 

werden durch assoziative Titel neu- und umgedeutet 

und erlangen eine bemerkenswerte Direktheit und 

Aktualität. 

upstairs berlin 

Am Kupfergraben 10, 10117 Berlin-Mitte 

Opening: 17.6., 18–20h, 18.6.– 30.7., Mi–Fr 11–18h, 

Sa 11–16h, www.upstairs-berlin.com 

Huang He – Apocalypse #1 

Huang He (*1977, lebt und arbeitet in Peking) verbindet 

eine traditionsreiche Bildsprache mit einer ausgeprägten, 

peitschenden Malweise, deren schnelle Ausführung an 

Kalligrafiekunst erinnert. Seine S/W-Malerei hat einen 

ganz eigenen ästhetischen Reiz und schafft Distanz zur 

Realität. Ob Mensch- oder Tiermotiv, He lässt in seinen 

meist großformatigen Werken eine spannungsreiche, 

dramatische Emotionalität zutage treten. 

Galerie Michael Schultz 

Mommsenstr. 34, 10629 Berlin-Charlottenburg 

Opening: 28.5., 19h, 29.5.–30.6., Di–Fr 10–19h, Sa 10–14h 

www.galerie-schultz.de 

Cesare Reggiani: Laguna della fregata, 2011 

Öl auf Leinwand, 80 x 80 cm 

Gilbert Brohl: Stand der Dinge, 2011, Öl 

und Sprühfarbe auf Leinwand, 100 x 120 cm 

Boris Duhm: Das Krankenzimmer, 2009 

Öl auf Leinwand, 163 x 225 cm 

Christiane Wachter: Kanzel, 2011 

Collage auf Papier, 72 x 107 cm 

Vik Muniz: Saturn devouring one of his 

sons, after Francisco de Goyay lucientes 

(Pictures of Junk), 2005, Courtesy siehe S. 5 

Cesare Reggiani – Zeitlose Bezauberung 

Zeitgleich zu seiner Ausstellung in Florenz präsentiert die Immaginaria 

Gallery die erste Einzelausstellung von Cesare Reggiani in Berlin. Die 

suggestive Ausstrahlung seines Werkes manifestiert sich innerhalb seiner 

Bilder in Momenten der Ruhe und der Perfektion. Reggianis Gemälde 

verweisen auf eine bekannte Realität – doch nichts ist irrealer als eine 

Realität, die so bewusst geordnet und fast metaphysisch ist. 

Immaginaria Arti Visive Gallery/Walter Bischoff Galerie 

Linienstr. 121, 10115 Berlin-Mitte, 27.5.–30.6., Di–Sa 13–18h and by appt. 

030 - 60 92 42 58, www.galleriaimmaginaria.com 

Gilbert Brohl – Ausstellung und Vortrag 

Gilbert Brohl zeigt anlässlich seiner Ernennung zum Meisterschüler von 

Andreas Amrhein meist großformatige Landschaften, die sich bewusst von 

Werken traditioneller Landschaftsmalerei unterscheiden. Die Gebäude 

sind mit einer der Street-Art entlehnten, graffiti-artigen Schablonentechnik 

konstruiert. Die fiktiven Szenerien sind in fahler, blasser Farbigkeit 

wiedergegeben, die die unbehagliche Atmosphäre noch unterstreicht. 

Akademie für Malerei Berlin, Hardenbergstr. 9, 10623 Berlin-Charlottenburg 

Opening und Vortrag: 17.6., 20h 

www.a-f-m-b.de 

Boris Duhm – Jetzt kann nur noch ein Wunder helfen 

Mithilfe von Fotoperformances, Gemälden und Installationen entführt 

Boris Duhm (*1971) den Betrachter in eine imaginäre Bilderwelt. 

Hermetisch begrenzte Naturräume werden zu dramatischen Bühnen, auf 

denen psychische Deformationen des Menschen aufgeführt werden. Wie 

unter einem Brennglas verdichten sich unterschiedliche Sinnebenen zu 

einem Zerrbild der Gesellschaft. 

Galerie ZeroZero, Adalbertstr. 7/8, 10999 Berlin-Kreuzberg 

bis 19.6., Finissage: 19.6., 15h, Di 14–19h, Fr/Sa 18–24h and by appt. 

0152 - 27 42 89 81, www.borisduhm.com 

weiterhin – Collagen von Christiane Wachter 

Der Einsatz von Papier als farbgebendes und strukturbestimmendes Element 

ist der ungewöhnliche Ausgangspunkt für die Bilder Christiane Wachters. 

Scheinbar Ablesbares löst sich in Schichtungen und Übermalungen auf. 

Konkrete Bildhaftigkeit erfährt durch den sinnlichen Reiz des Materials 

eine zweite Ebene. 

Galerie ICON Berlin, Veteranenstr. 22, 10119 Berlin-Mitte 

Opening: 10.6., 19h, 11.6.–7.7., Mi–Fr 14–19h, Sa 13–18h 

www.galerie-icon.de 

Alles Kannibalen? 

Die Ausstellung hinterfragt das Thema Kannibalismus. Die Kuratorin 

Jeanette Zwingenberger lässt historische Werke in Dialog mit 

zeitgenössischen Kunstwerken treten. Es werden aktuelle Arbeiten der 

Medien Video, Installation, Fotografie, Skulptur, Zeichnung und Malerei 

gezeigt, die sich mit der Frage der Anthropophagie in einer oft zugleich 

unheimlichen und spielerischen Vorstellungswelt auseinandersetzen. 

me Collectors Room Berlin, Auguststr. 68, 10117 Berlin-Mitte 

29.5.–21.8., Di–So 12–18h 

www.me-berlin.com 

AUSSTELLUNGEN

Ernst Ludwig Kirchner (1880–1938): Zwei Tänzerinnen, 1910/11 

Öl auf Leinwand, 64,8 x 59,6 cm, Franz Marc Museum, 

Kochel am See, Dauerleihgabe aus Privatbesitz 

Rainer Fetting: Figure (Shaun), 1989 

Öl auf Leinwand, 287 x 127 cm, Courtesy: Galerie Deschler, Berlin 

Tomomi Morishima: Puddle, 2010, Öl auf Leinwand, 200 x 240 cm 

Liebermanns Gegner 

Neue Secession und Expressionismus in Berlin 

Die Neue Secession (1910–1914) entwickelte sich 

auf Initiative von Georg Tappert als Gegenbewegung 

zur Berliner Secession während der vier Jahre ihres 

Bestehens zu einem einflussreichen Ausstellungsforum. 

Die Ausstellung zeigt nun neue Aspekte dieser scheinbar 

so gut erforschten Epoche und macht deutlich, dass der 

Expressionismus weitaus mehr Spielformen aufweist als 

nur die Werke der Künstlergruppen „Brücke“ und „Blauer 

Reiter“. Die Neue Secession umfasste Künstler von Paris 

bis Prag, aus den Kunstzentren Berlin und München 

sowie anderen deutschen Städten. 

Stiftung Brandenburger Tor 

Max Liebermann Haus, Pariser Platz 7, 10117 Berlin-Mitte 

bis 3.7., Mo, Mi–Fr 10–18h, Sa/So 11–18h 

www.brandenburgertor.de 

Rainer Fetting 

Zeitgleich mit der großen Ausstellung „Rainer Fetting 

– Berlin“ in der Berlinischen Galerie zeigt die Galerie 

Deschler eine Serie von Meereslandschaften, die Fetting 

in den letzten Jahren an der Nordsee auf Sylt gemalt hat. 

In den bewegten Farbkompositionen, die überwiegend 

in Blau- und Grüntönen gehalten sind, kommt die 

expressive Handschrift von Fettings Pinselduktus 

besonders gut zur Wirkung und verleiht den Brandungen 

und Wellenbildern eine unmittelbare, vibrierende 

Lebendigkeit. Auf der Scope in Basel sind neben Arbeiten 

des amerikanischen Fotografen Jay Mark Johnson auch 

Holger Bärs Malmaschine und großformatige Arbeiten 

von Rainer Fetting zu sehen. 

Galerie Deschler, Auguststr. 61, 10117 Berlin-Mitte 

bis 1.7., Di–Fr 11–18h, Sa 12–18h 

www.deschler-berlin.de 

Tomomi Morishima 

Die Ölgemälde des in Japan aufgewachsenen Künstlers 

Tomomi Morishima zeichnen sich durch intensiv 

leuchtende Farbkontraste aus, die dem Betrachter sofort 

ins Auge springen. Motivisch changieren die Arbeiten, 

die in der Einzelausstellung zu sehen sind, zwischen 

Gegenständlichem und Abstraktem. Inmitten eines 

verworrenen Geflechts aus Farbfeldern und Farbflecken 

formieren sich schablonenartig ausgesparte Flächen zu 

menschlichen Figuren, Bäumen oder architektonischen 

Gebilden. Neben dieser jüngsten Werkgruppe zeigt die 

Galerie zudem Arbeiten aus dem Jahr 2009. 

Galerie Martin Mertens 

Brunnenstr. 185, 10119 Berlin-Mitte 

bis 18.6., Di–Sa 12–18h 

www.martinmertens.com 

Reinhard Bitter: o. T., 2010 

Collage, 12 x 15 cm 

Alexandra Huber: Pflege deine Aura 

2010, 50 x 65 cm 

Lutz Schirmer: Der Elefant, 2006 

Linoldruck, 40 x 60 cm 

Martha Parsey: Chasing the Dragon (Detail) 

2011, Öl auf Leinwand, 1260 x 180 cm 

Nadja Milenkovic: Café Schönstedt, 2011 

Ausschnitt Zeichnung, 66 x 31 cm 

CIS&TRANS – Bitter, Gielen, Mayer, Schneider 

CIS&TRANS, diesseits und jenseits: Die Assoziationen hierzu sind so 

mannigfaltig wie schwierig, denn die dem Thema inhärente Idee des 

Transitorischen, des Überganges, bedeutet schmerzhafte Vergänglichkeit 

(Veränderung). Die Verwobenheit des Diesseitigen und des Jenseitigen wird 

anhand von Malerei, Grafik & Objekten untersucht, die Spannung zwischen 

beiden Zuständen beleuchtet, die Lust am Wechselspiel evoziert. 

Galerie Verein Berliner Künstler 

Schöneberger Ufer 57, 10785 Berlin-Tiergarten 

9.6.–3.7., Di–Fr 15–19h, Sa/So 14–18h, www.vbk-art.de 

125 Jahre Kurfürstendamm. 

125 Zeichnungen in der Galerie Horst Dietrich 

Seit über 25 Jahren ist die Galerie Horst Dietrich in der Giesebrechtstraße 

beheimatet – 200 m vom Kurfürstendamm entfernt. Sechs Monate wird 

nun gefeiert. In der zweiten Ausstellung werden 125 Zeichnungen und 

Collagen u. a. von Tatjana Bergelt, Albrecht Genin, Alexandra Huber, Eun 

Nim Ro, Judith Samen, Wolf Spies und Lisette Verkerk gezeigt. 

Galerie Horst Dietrich, Giesebrechtstr.19, 10629 Berlin-Charlottenburg 

22.6.–27.8., Mi–Fr 14–19h, Sa 10–15h u. n. V. 

www.GalerieDietrich.de 

Best of Three 

Drei langjährige Mitglieder der Künstlergruppe des Förderkreises für 

seelische Gesundheit e.V., die schon seit 26 Jahren besteht, stellen aus: 

Monika Holland malt Art-Brut-Kompositionen mit Buntstift. Lutz Schirmer 

arbeitet mit Mischtechniken, vorzugsweise stellt er kolorierten Linoldruck 

her und lässt sich dabei von seiner Afrika-Liebe inspirieren. Marie-Luise 

Spandow zeichnet detaillierte, ins Surreale gehende Bilder. 

Galerie ART CRU Berlin (Outsider Art), Oranienburger Str. 27, 10117 Berlin 

Opening: 16.6., 19h, 17.6.–30.7., Di–Sa 12–18h and by appt. 

030 - 24 35 73 14, www.art-cru.de 

Martha Parsey – Chasing the Dragon 

In her huge scaled painting Martha Parsey brings together her enigmatic 

femmes in a hyper-cinescope painterly mise en scène of costumed women, 

tables and chairs. “Chasing the Dragon” is an atmosphere of austere 

decadence. With a decidedly improvised and jazz feel, where empty 

armchairs have as much to do with absence as the presence of things, we 

are invited to occupy this vibrant and unusual space within a space. 

Jarmuschek + Partner, Invalidenstr. 50/51, Halle am Wasser, 10557 Berlin-Mitte 


www.jarmuschek.de 

Das wars ... Café Schönstedt – Super Normal 

Das Gefängnis Neukölln (im Volksmund „Café Schönstedt“) wird erstmals 

künstlerisch genutzt. In 30 Zellen wird Kunst verschiedenster Bereiche auf 

Architektur und Ortsgeschichte reagieren. Ein Projekt vom Institut für 

Raumforschung im Rahmen der 48 Stunden Neukölln. 

Mit Unterstützung der [Aktion! Karl-Marx-Straße] 

Gefängnis Neukölln (im Hof des Amtsgerichts Neukölln) 

Schönstedtstraße, 12043 Berlin-Neukölln 

Opening: 17.6., 19–23h; 18.6., 14–23h, 19.6., 14–19h, www.48-stunden-neukoelln.de 

AUSSTELLUNGEN 

AUSSTELLUNGEN

Ankündigung Sammlergespräch Frank Sippel 

Frank Sippel wurde 1971 im 

schweizerischen Kanton Aargau 

geboren. Er studierte bis 1997 

an der renommierten Wirtschaftsuniversität 

St. Gallen 

und gründete noch vor seinem 

Abschluss erste Firmen im 

Bereich Facility Management. 

2001 rief er das Immobilieninvestmentunternehmen 

Real 

Future AG ins Leben, als dessen 

Vorstandsvorsitzender er bis heute 

agiert. 

Die Real Future AG erwarb 2005, 

zusammen mit privaten Investoren, 

das ehemalige Gelände der 

Schultheiss-Mälzerei im Berliner 

Bezirk Schöneberg. Sukzessive 

werden dort seit 2009 Renovierungs- 

und Umbauarbeiten an dem beinahe 100-jährigen 

Industriedenkmal vorgenommen. Der im Entstehen 

befindliche Multifunktionskomplex beherbergt 

schon jetzt junge Startups und Kreativunternehmen, 

denen Frank Sippel zu erschwinglichen Mieten Büro- 

und Atelierraum zur Verfügung stellt. 

Die Gründung der District Stiftung ist dabei ein 

wesentlicher Bestandteil seines Plans, mitten in 

der Stadt ein offenes Kreativzentrum zu gestalten. 

Sie ist in der ehemaligen Kellerei des Geländes 

lokalisiert und bietet Raum für 22 Atelierplätze 

und drei Ausstellungsflächen. Mit seinem Partner 

Impressum | Imprint 

KUNST Magazin / KUNST Verlag, Berlin 

Wrangelstr. 21, 10997 Berlin 

Tel.: 030 - 61 20 23 24 und 030 - 43 92 58 29 

Fax: 030 - 61 20 23 17 und 030 - 43 91 70 59 

info@kunstmagazin.de | ISSN 1862 - 7382 

Herausgeberin: Jennifer Becker (v. i. S. d. P.) 

Chefredakteurin: Katharina Helwig 

Chefin vom Dienst: Hannah Nehb 

Redaktion & Texte: Agathe Power, Elena Sansigre, André 

Schmidt, Eileen Seifert, Maria Sitte, Sarah Weckert, Steffi 

Weiss, Claudia Wissel 

Gastautoren in dieser Ausgabe: Jan Kage 

Übersetzungen: Brian Poole 

Lektorat: Dagmar Tränkle 

Grafik: Matej Košir 

0 

Moritz von Bockum-Dolffs verfolgt 

Frank Sippel den Plan, jungen 

Künstlern einen Platz zum Arbeiten 

anzubieten sowie diese zu fördern. 

Dazu vergibt die Stiftung zweimal 

im Jahr das „Artist in Residence“- 

Stipendium. 

Frank Sippel interessiert sich privat 

für die Medien Fotografie, Malerei 

und Zeichnung. Er sammelt 

vor allem die Werke jüngerer 

Künstler wie Jana Gunstheimer, 

Alex Prager oder Vera Ida Müller. 

Indem er berufliches und privates 

Engagement verbindet, verwirklicht 

er mit dem Projekt „Malzfabrik“ 

einen lang gehegten Traum. 

District Stiftung 

Bessemerstr. 2–14, 12103 Berlin-Schöneberg 

www.district-berlin.com 

Wir freuen uns auf das KUNST Sammlergespräch mit Frank 

Sippel, moderiert von Jan Kage alias Yaneq. 

Donnerstag, 2.6., Einlass ab 20h, Gespräch ab ca. 20.30h 

Bar Tausend, Schiffbauerdamm 11, Berlin-Mitte 

Um Anmeldung wird gebeten: sammler@kunstmagazin.de 

Onlineredaktion: Julia Schmitz 

Webdesign: Marius Bruns, www.robinson-cursor.de 

Druck: Druckerei Conrad GmbH, www.druckereiconrad.de 

Distribution: DHL GoGreen – wir versenden klimaneutral, 

Deutsche Post Pressevertrieb 

Erscheinungsweise: 40 000 Exemplare, 10-mal im Jahr, 

Doppelausgaben: Jul./Aug. und Dez./Jan. Es gelten die 

Mediadaten 2011.1 

Alle Ausstellungshinweise im KUNST Magazin sind für 

Galerien, Museen und Ausstellungshäuser kostenpflichtig. 

Eine tagesaktuelle Übersicht zu allen Veranstaltungen im 

KUNST Kontext in Deutschland finden Sie im Kalender auf 

www.kunstmagazin.de

SCOPEBasel 

International Contemporary Art Show 

June 15-19| KASERNE 

First View 

Wed | June 15 | 10am – 7pm 

SCOPE Official Party 

Wed | June 15 | 9pm 

Location 

Kaserne, Basel | Klybeckstrasse 1b | CH-4057 

For more information on our Exhibitors and 

SCOPE Foundation programming please visit: 

scope-art.com 

Alex Schweder La and Ward Shelley 

Counterweight Roommate 

Premiering SCOPE Basel 2011 

2 people, 5 days 

Structure 2’ x 32’ x 6’

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