Rolling Stone 09/2017

ÉDITO 

Par Belkacem Bahlouli 

Piège à sons ! 

On en a peu parlé au cœur de cet été, étouffés par la 

chaleur ou la pluie, les bouchons des samedis noirs 

sur l’autoroute et surtout, la java des bombes atomiques 

si chère à Boris Vian, dansée par deux chefs 

d’État, le caricatural Nord-Coréen Kim Jong-un et 

l’ineffable Américain Donald J. Trump. Alors, avant cette dernière 

valse pré-cataclysme nucléaire, cette nouvelle a fait polémique sur 

les réseaux sociaux dans les milieux rock. En cause ? Un article du 

New York Times, prônant tout simplement la mort du rock’n’roll via 

la fin du règne des guitares électriques. Exit 

l’engin à faire du rock’n’roll par excellence, 

les ventes sont en chute libre, plus personne 

ne veut apprendre à jouer “Stairway to 

Heaven” ou “Hey Joe”, bref, on n’en pince 

plus pour cet instrument à cordes pincées. 

Et pourtant, une simple descente à Pigalle, 

le quartier parisien des magasins de sixcordes, 

prouve le contraire. Le célèbre 

quotidien new-yorkais a-t-il voulu faire le 

malin avec une fake news, pour reprendre 

le vocabulaire en vogue ? C’est plus complexe 

que cela. Donc non, “rock’n’roll can 

never die” chantait Neil Young, et à juste 

titre. Car si l’article estimait que l’instrument 

roi des musiques actuelles est en 

sursis et disparaîtrait, telle une espèce 

menacée d’extinction, à l’aube des années 

2050, la musique qu’il servait, elle, 

n’est pas près d’être vouée aux gémonies. On 

disait le rock mort quelques jours après sa 

naissance… il y a plus de soixante ans. Il 

n’en fut rien. Et n’en est toujours rien. À preuve, les patrons de 

festivals, cet été, ont affiché un sourire qu’on n’avait pas vu depuis 

des années – avec, pour certains, 100 % de tickets vendus ! Et 

surtout, c’est oublier un peu vite que, chaque année, quelque trois 

mille albums dans les seules catégories “pop-rock” sont publiés par 

le biais d’un label – rien qu’en France ! – et cela, sans compter les 

innombrables autoproductions ! Et pour créer tout cela, il en faut 

des guitares. Bref, ce que précisait le NYT était que la production 

américaine n’arrivait que très difficilement à contrer l’offensive des 

instruments venus d’Asie du Sud-Est. Alors, exit Fender, Gibson 

ou Gretsch ? Loin de là, il s’agit davantage d’une guerre marketing. 

Certes, les musiciens recherchent – effet de mode ou de statut, allez 

savoir ! – des instruments vintage, usés par des années d’usage 

intensif ; mais si on dépasse le stade “du look plus que du son”, le 

marché ne se porte pas si mal et les guitares asiatiques ont aussi 

leurs inconditionnels. 

Et tout cela va en parallèle avec la “nouvelle vogue” des 33-tours. 

Le retour en force, ces dernières années, du microsillon est un fait 

(pas si notoire que ça : à peine plus d’un 

million de copies, tous catalogues confondus 

en 2016 en France, soit une goutte d’eau dans 

les océans d’iTunes et de Spotify qui, eux, ont 

vendu plus d’un milliard de titres à la découpe), 

mais pas une réelle tendance lourde. 

D’ailleurs, certains commencent à déchanter 

: une enquête dans la presse hi-fi britannique, 

où l’on ne plaisante pas avec le son, a 

découvert certaines supercheries destinées 

à écouler du vinyle pour pas cher : soit des 

contrefaçons, purement et simplement, de 

vinyles disparus depuis des décennies, soit 

du travail de sagouin où le transfert analogique 

se base sur le son d’un CD avant d’être 

transféré sur un microsillon. Alors qu’une 

belle réédition ou nouvelle publication passe 

nécessairement par un mastering fait à partir 

des… masters, afin de présenter un son en 

accord avec son support (un son de CD n’a 

rien à voir avec un son de 33-tours). Bref, une 

arnaque. Alors est venue l’idée que, d’ici peu, 

une sorte de “label rouge” soit apposé sur la pochette des précieuses 

galettes noires, “Masterisé à partir des bandes d’origine”, comme il 

se doit. L’amateur de rock sera aux anges, car de plus, une flopée de 

sorties – et de rééditions – de tout premier ordre est annoncée pour 

cette fin d’année 2017, de Liam Gallagher à QOTSA en passant par 

Bowie, The Cars, The Doors ou The Beatles –si, si – et nombre de 

trésors enterrés depuis des décennies qui n’attendent que d’être mis 

au jour. Pour le grand bonheur des fans de ce rock qui ne mourra 

pas. Bonne rentrée, donc. 

© LORAINE ADAM 

Septembre 2017 rollingstone.fr | Rolling Stone | 3

Some Kind

of Master 

À l’aube d’une tournée européenne qui ne manquera pas 

de conforter Metallica dans son statut d’inamovible fer de 

lance du metal, son batteur Lars Ulrich se confie sur l’état 

d’esprit du groupe, ses ambitions et… le temps qui passe. 

Par XAVIER BONNET 

Photographie ROSS ALFIN 

Metallica aura passé une 

bonne partie du printemps et du début de 

l’été à parcourir les États-Unis pour une 

tournée des stades, ce qui ne lui était pas 

arrivé depuis presque quinze ans – aussi 

étonnant que cela puisse paraître. Une petite 

trentaine de stades en tout, sur le fronton 

desquels le groupe aura réussi à afficher le 

mot “complet” sans grand effort, malgré des 

capacités qui en auraient intimidé plus d’un : 

71 000 places à Baltimore, 69 000 à 

Philadelphie, 82 500 à East Rutherford dans 

le New Jersey et ainsi de suite. Remplir des 

stades, Metallica y est habitué. Devrait l’être, 

en tout cas. Pourtant, Lars Ulrich, batteur et 

cofondateur du groupe avec James Hetfield, 

son gosier et sa guitare rythmique, semblait 

le premier surpris dans la presse américaine 

– et notamment à Rolling Stone – que ce soit 

encore possible après trente-cinq ans de carrière 

et précisément parce qu’il ne s’y était 

plus essayé outre-Atlantique depuis si longtemps. 

Certes, l’homme est coutumier des 

effets de manche – certaines mauvaises langues 

diront que c’est aussi le cas quand il 

s’assoit derrière une batterie – mais sa surprise 

avait quand même de quoi, hum !, surprendre. 

Suffisamment pour que l’on remette 

la question sur le tapis au moment d’entamer 

la conversation, tandis que la troupe s’autorisait 

un jour off la veille de l’étape de ce 

WorldWired Tour à Phoenix, en Arizona. “En 

vieillissant, tu ne considères plus tout ça 

pour acquis, explique Ulrich, très solennel. 

À 30 ans, tu es plein de certitudes, tu as 

tellement confiance en toi que ça te paraît 

presque normal. Quand tu vieillis, ta mentalité 

change, tu es un peu plus déconnecté de 

la scène musicale parce que tu as une famille 

à gérer ou d’autres centres d’intérêt. D’une 

certaine manière, aujourd’hui, j’ai plutôt 

tendance à sous-estimer Metallica qu’à le 

surestimer ! (Rire.) Au-delà de ça, beaucoup 

de choses ont changé depuis notre dernière 

tournée des stades ici, il y a quatorze ans. 

Tout est beaucoup plus imprévisible. C’est 

devenu – ou redevenu – le Far West !” 

En un mot comme en cent, c’est une bonne 

période pour Metallica. “Un bon moment 

pour être dans Metallica”, comme aime à le 

formuler le batteur. Aux États-Unis comme 

en Europe, où le volet de la tournée démarrera 

le 2 septembre à Copenhague, dans son Danemark 

natal. Pourquoi ? Comment ? Pourquoi 

le nom du groupe semble-t-il avoir plus de 

résonance qu’il y a dix ou vingt ans ? Comment 

se fait-il que le renouvellement des générations 

ait profité à Metallica, [Suite p. 6] 

5 

Rolling Stone

[Suite de la p. 5] avec un public jeune s’éclatant 

aux concerts au moins autant que les 

anciens ? Pourquoi les articles relatant cette 

tournée américaine sont parmi les plus dithyrambiques 

dont le groupe ait pu bénéficier ? 

Une fois n’est pas coutume, Lars Ulrich n’a pas 

de réponse et se fait philosophe, à sa façon, 

sinon fataliste. “J’ai 53 ans et, à mon âge, 

chaque jour qui passe est une bonne journée. 

Arrive un moment de ton existence où tu te 

dis : ‘Attends une seconde, il y a de fortes 

chances que tu aies vécu plus qu’il ne te reste 

à vivre.’ Donc oui, tu relativises et tu ne 

cherches pas forcément des explications à tout 

et partout… Aujourd’hui, quand tu enchaînes 

une trentaine de concerts comme on est en 

train de le faire, chaque concert que tu finis 

sans avoir l’épaule en miettes est un bon 

concert ! Tu ne penses pas à ce genre de trucs 

à 25 ans… Le fait que tout ça puisse continuer 

encore et encore est plus dingue et incroyable 

chaque jour. Personne n’aurait imaginé, 

quand nous avons commencé, que nous 

serions encore sur la brèche trente-cinq ans 

plus tard… Je ne sais pas combien de temps 

cela pourra durer. On parle sans arrêt de ces 

sportifs qui arrêtent leur carrière à 35 ans. Or, 

ce que nous faisons est si exigeant, tant physiquement 

que mentalement, qu’il est difficile 

de prédire si ça va encore durer longtemps.” 

Scoop : Metallica se fait vieux ! Se sent 

vieux. Car le batteur n’est pas le seul à faire 

des allusions à son âge en interview. Ainsi 

James Hetfield lâchait-il il y a peu avec 

espièglerie – mais il n’était guère difficile 

d’en déceler le sous-texte – que tous dans le 

groupe “avaient mérité d’avoir des cheveux 

blancs”. Jamais, jusqu’alors, les deux têtes 

pensantes de la formation n’avaient autant 

insisté sur ces questions d’âge, qui apparaissent 

comme une vraie préoccupation. 

Ulrich ne s’en cache pas, l’énergie et les ressources 

nécessaires à un bon fonctionnement 

leur prennent plus de temps que par 

le passé, à commencer par la gestion d’un 

calendrier – combien de days off entre deux 

séries de concerts, le calcul des distances – 

et tout est fait pour optimiser une fraîcheur 

physique et mentale des différents protagonistes. 

“Maintenant, si Rolling Stone 

France fait sa couverture en titrant ‘Exclusif 

: Lars Ulrich, ses problèmes d’âge’, ce 

serait un peu schématique et manichéen, 

sourit-il. Mais oui, la plupart de nos choix 

aujourd’hui se font dans l’idée de ne pas 

dépasser la limite, de ne pas nous 

cramer…” 

De là à vouloir faire insidieusement passer 

le message que l’histoire ne durerait pas forcément 

mille ans et que l’on serait bien inspiré, 

fans et spectateurs, de chercher à en 

profiter sans tarder, il y a un pas que l’on se 

refusera de franchir, même si l’on n’en pense 

pas moins… Après tout, c’est une stratégie 

commerciale qui a fait ses preuves et 

Metallica ne serait pas le premier – ni le dernier 

(Aerosmith, si tu nous entends…) – à 

tirer sur cette corde… sensible ! 

Ceci étant, on vous doit un aveu. On le 

devait surtout à Ulrich. En découvrant 

il y a maintenant dix mois 

Hardwired… To Self-Destruct, le dernier 

effort en date du groupe, et son 

roulé-boulé de puissance et de violence 

sur à peu près chacun des douze titres 

et des 79 minutes que compte le double 

album, la question nous avait traversé l’esprit 

illico : comment allait-il faire pour 

reproduire tout ça en concert chaque soir, 

précisément sans se déboîter une épaule ? 

“Merci de ta sollicitude, s’amuse l’intéressé. 

” 

Si Rolling Stone 

France fait sa 

couverture en 

titrant ’Exclusif : 

Lars Ulrich, 

ses problèmes 

d’âge‘, ce 

serait un peu 

schématique et 

manichéen. 

“ 

Disons que je ne m’en sors pas trop mal 

jusqu’à présent. Ce n’est un secret pour personne, 

on démarre chaque soir avec 

‘ Hardwired’. Tu m’aurais dit ça il y a un an, 

je n’en aurais pas mené large. Mais ces chansons 

ont trouvé leur public. (“En trente-cinq 

ans, je n’avais jamais entendu la phrase 

‘Pourquoi ne jouez-vous pas davantage de 

nouvelles chansons jusqu’à cette tournée”, 

confiait-il à Rolling Stone USA en juin dernier, 

ndlr). Elles sont fun à jouer sur scène, 

je suis en bonne forme, je travaille pour ça. 

So far, so good. Pour l’instant, tout va bien !” 

Ce ne sont pas moins de sept chansons de ce 

dernier album que Metallica a inclus au programme 

de ce volet américain : “Hardwired”, 

“Atlas, Rise!”, “Now That We’re Dead”, “Moth 

Into Flame”, “Halo on Fire” et “Dream No 

More”. Même si, concernant cette dernière, 

ce ne fut qu’en une seule occasion, à Mexico 

City, en mars dernier. Opération peu satisfaisante, 

mais qui demande à être renouvelée, 

dixit Ulrich, qui confesse sans détours 

qu’elle est pour lui la plus difficile à appréhender 

des sept à cause d’un tempo… très 

lent. D’autres chansons ont été répétées – 

“ManUNkind”, “Spit Out the Bone” – et ont 

de fortes chances d’apparaître de temps à 

autre sur les setlists des dates européennes. 

Quant à ceux qui s’inquiéteraient de la présence 

des hymnes d’hier et d’avant-hier, qu’ils 

soient rassurés : ils sont et seront tous de 

sortie, de “For Whom the Bell Tolls” à 

“ Battery”, en passant par “Master of 

Puppets”, “Seek and Destroy” ou les deux 

figures imposées que sont “Nothing Else 

Matters” et “Enter Sandman”. 

Que l’on ne compte pas en revanche sur 

Ulrich pour porter un retard critique sur 

Hardwired… Pas d’actualité, trop tôt. “Je suis 

toujours en période de lune de miel avec cet 

album, énonce-t-il. Je n’y vois rien à redire. 

Pour l’instant. D’ailleurs, j’avoue ne pas 

m’être posé pour le décortiquer. Mais ça viendra, 

je le sais. Un jour, je trouverai que ceci 

ou cela sonne de manière un peu étrange et 

ça me fera hausser les sourcils.” Sur l’instant 

– et on réclame ici l’indulgence du jury – il ne 

nous est pas venu à l’esprit d’évoquer le son 

de sa batterie sur St. Anger (2003) en mode 

poêle en inox. On s’en voudrait presque, mais 

presque seulement… 

Début septembre démarrera donc un nouveau 

périple européen pour Metallica. Pas 

de stades au programme, mais une trentaine 

de “grosses salles” : dix-sept pays visités en 

tout, une première salve de quinze dates 

jusqu’à novembre – dont deux à l’AccorHotels 

Arena Paris (8 et 10 septembre) et une à la 

halle Tony-Garnier de Lyon (12 septembre) 

– et vingt-quatre autres entre février et 

mai 2018. Pour ce qui est de son contenu, de 

son “installation”, difficile d’en savoir plus. 

Tout juste Ulrich annonce-t-il un show 

entièrement nouveau et concède que la scène 

sera centrale (“parce que nous aimons nous 

retrouver au milieu du public dans ce genre 

de salles”), même si, en la matière, il n’y a 

rien de bien inédit, puisque c’était déjà le cas 

lors du passage du groupe en 2009 dans ce 

qui s’appelait encore le Palais omnisports -de 

Paris-Bercy. “Je ne peux pas en dire davantage 

aujourd’hui (le 3 août, ndlr), car je n’en 

ai encore rien vu, sinon quelques photos, 

mais rien en situation. On a quelques idées 

en matière d’animation vidéo et d’éclairages, 

mais je ne sais pas ce que ça donnera à l’arrivée.” 

On n’est pas obligé de croire notre 

homme sur parole, passé maître depuis bien 

longtemps dans l’art du teasing et de la mise 

en scène-forme verbale ! 

© ROSS ALFIN/UNIVERSAL 

6 | Rolling Stone | rollingstone.fr 

Septembre 2017

1 

2 

ON STAGE 

(1) James Hetfield, tout 

à l’attaque. (2) Lars Ulrich, 

l’homme aux fûts. (3) Robert 

Trujillo, bassiste diabolique 

qui a donné un coup de jeune 

au groupe à son arrivée, en 2003. 

(4) Kirk Hammett, l’homme qui 

téléportait ses solos dans l’espace. 

3 

4

Deux certitudes toutefois. Tout 

d’abord, la “chorégraphie” à quatre 

tambours sur “Now That We’re 

Dead”, pendant laquelle les quatre 

musiciens abandonnent un temps 

leur instrument respectif pour un 

immense solo sur un tambour géant, présentée 

comme l’un des temps forts des dates 

européennes, sera conservée. L’occasion pour 

Lars Ulrich de dénicher le meilleur batteur 

du groupe après lui ? “C’est James, et de très 

loin !, s’esclaffe-t-il. Il est même probablement 

meilleur que moi ! Depuis qu’on se 

connaît, je l’ai toujours vu adorer jouer de la 

batterie. Il a un style assez particulier, pas 

forcément très orthodoxe et assez garage-rock 

dans l’esprit. L’idée de se retrouver tous les 

quatre à taper sur ces gros machins, il en 

parle depuis des années. J’ai fini par épuiser 

mon lot d’excuses pour ne pas le faire. (Rire.) 

C’est un peu son bébé…” 

Confirmée également, la présence de cette 

exposition itinérante, The Memory Remains, 

empruntant subtilement son nom au titre 

” 

Je suis sidéré quand je vais voir d‘autres 

groupes en concert de les découvrir 

dans leur loge en train de siroter des bières, 

dix minutes avant de monter sur scène. 

d’une chanson du groupe, la seule dans toute 

la carrière à “voir” la voix de James Hetfield 

se mêler à celle d’une femme – Marianne 

Faithfull –, ce qui avait déjà fait grincer 

quelques dents à l’époque (1997, sur l’album 

Reload) quant aux désirs d’évolution musicale 

du groupe. Quoi qu’il en soit, en 2017, 

The Memory Remains est un petit musée où 

fans et curieux pourront découvrir, entre 

autres, des tenues de scène, des paroles 

manuscrites (dont une version alternative de 

celles de “Creeping Death”), l’artwork originel 

des pochettes des albums Ride the 

Lightning (1984) et Master of Puppets (1986), 

des collections de cassettes (dont une, intitulée 

No Life ‘Til Leather, est l’œuvre de 

Hetfield en personne), ainsi que des instruments 

sur lesquels ces mêmes fans et curieux 

pourront tenter d’exercer leurs talents – ou 

leur absence de talent… Autant de pépites 

issues des collections privées des membres 

du groupe. “Bon, d’accord, tenues de scène en 

ce qui me concerne, il faut le dire vite, s’amuse 

le batteur. Mais il y a vraiment des trucs 

assez cool qui devraient plaire à ces fans qui 

ont suivi les différentes étapes de notre carrière. 

Il y aura aussi des dessins de configurations 

de scènes auxquelles nous avons 

renoncé. Je fais partie de ceux qui considèrent 

que faire partie d’un groupe, c’est 

chercher tous les moyens de rester connecté 

avec son public, et ce petit musée va dans ce 

sens.” Dans une précédente interview, Ulrich 

plaisantait en expliquant que si certains 

objets avaient été mis sous verre – comme ces 

fameuses “tenues de scène” –, c’était moins 

par souci de sécurité que pour masquer 

l’odeur qui pouvait s’en dégager ! 

Autre élément désormais incontournable 

d’une tournée de Metallica : cette “tuning 

room” – juste quelques paravents isolant un 

temps le groupe du monde extérieur, un 

tapis sous la batterie, un frigidaire et, bien 

sûr, tous les instruments et retours son 

nécessaires – que le groupe fait installer sur 

chaque date et dans laquelle il se retrouve 

avant chaque concert, tel un rituel que personne 

n’aurait l’idée de remettre en cause. 

La tuning room, c’est là où Metallica s’apprête, 

se prépare, se met en condition, individuellement 

dans un premier temps, puis 

collectivement. “En ce qui me concerne, elle 

fait partie de mon processus d’échauffement, 

précise Ulrich. J’y reste de 20 à 30 minutes, 

c’est le bon équilibre pour moi. Robert 

[ Trujillo, le bassiste] vient y faire ses vocalises, 

Kirk [Hammett, le guitariste soliste] 

débarque à son tour, puis James. Chacun a 

sa petite routine. Et pour être tout à fait honnête, 

c’est à peine si je fais attention à ce 

qu’ils font dans ces moments-là, tant je suis 

focalisé sur ce que j’ai à faire. Ce n’est que 

dans un second temps qu’elle nous sert à 

répéter ou à essayer telle ou telle nouvelle 

idée. C’est à la fois notre jardin privé et l’endroit 

où on se reconnecte tous ensemble.” 

Même si tout semble s’y prêter, Lars Ulrich 

rechigne à parler de superstition à propos de 

cette tuning room. La seule habitude du 

groupe qui pourrait s’en rapprocher est de 

finir systématiquement la répétition du soir 

en jouant dans son intégralité le morceau qui 

ouvrira le concert quelques minutes plus 

tard. C’est à peine si d’autres méthodes de 

préparation sont envisageables dans l’esprit 

du batteur : “Je suis sidéré quand je vais voir 

d’autres groupes en concert, y compris quand 

il s’agit de potes, de les découvrir dans leurs 

loges en train de siroter des bières 10 minutes 

avant de monter sur scène. J’adorerais pouvoir 

en faire autant, mais ce n’est pas comme 

ça que nous fonctionnons…” 

Si Lars Ulrich est aussi déterminé dans sa 

préparation d’avant-concert, de manière 

quasi obsessionnelle – du moins dans sa 

façon de le formuler –, c’est aussi parce qu’il 

a été à bonne école. Son père, Torben Ulrich, 

était tennisman professionnel au Danemark, 

et il n’était pas le seul au sein de la famille à 

considérer les tâches athlétiques comme primordiales. 

Logique relation de cause à effet, 

Lars a souvent fait la corrélation entre le 

sport et la discipline indispensable que 

nécessite la dimension physique de son rôle 

dans le groupe. “D’une certaine manière en 

effet, j’aborde les choses un peu comme les 

sportifs de haut niveau : aller courir, 

m’échauffer, m’étirer, manger léger”, détaille- 

“ 

t-il. Bon, OK, cela ne l’a pas empêché par le 

passé de privilégier d’autres hygiènes de vie 

et les rapprochements prolongés avec toutes 

sortes de substances diverses et variées qui 

n’auraient pas manqué de rendre chèvre les 

préposés aux analyses de tests antidopage 

inopinés, mais on ne va pas mégoter pour si 

peu. Et qu’allez-vous rétorquer à un type 

vous assénant en guise de conclusion sur le 

sujet : “Qui ne voudrait pas être Keith 

Richards, hein ? Mais ça ne marche pas 

pour Metallica…” 

Ce qui semble fonctionner à merveille 

en revanche, c’est le “modus operandi” 

sur lequel sont parvenus à 

s’entendre Lars Ulrich et James 

Hetfield, au nom du groupe et de ce 

que peut impliquer de le maintenir 

à flot. Loin est le temps où chacun de ces 

deux-là semblait davantage animé par l’envie 

d’imposer ses idées et ses envies à l’autre – et, 

par ricochet, son leadership – quitte à laisser 

s’installer quelques fissures dans l’édifice. 

A contrario, insinuer que tout peut partir en 

vrille au moindre moment apparaît presque 



© GETTY IMAGES 

comme un jeu chez l’un et l’autre, Hetfield 

surtout. Une situation parfaitement et malignement 

résumée par le chanteur lorsqu’il 

lâchait à la BBC, il y a quelques mois, à la 

sortie de Hardwired… : “Nous savons où se 

trouvent tous les boutons nucléaires entre 

nous, mais nous faisons en sorte de ne pas les 

actionner.” 

La tirade fait rire son comparse, qui 

se fait une fois de plus magnanime. 

“Bien sûr que tout peut s’écrouler du 

jour au lendemain, mais disons que 

nous en sommes bien plus conscients 

que par le passé. Une fois encore, 

jouer la musique qui est la nôtre à 53 ans, 

c’est précisément garder dans un coin de la 

tête que ça peut s’arrêter à tout moment, et ça 

dépasse largement le simple cadre du groupe. 

Mais pourquoi devrions-nous mettre en 

danger une chose à laquelle tant de gens 

prêtent toujours autant attention, ce dont 

nous sommes fiers, et qui nous pousse à la 

fois à rester humbles ? Pourquoi devrionsnous 

fragiliser un groupe qui a changé la vie 

de tant de gens, comme ils viennent nous le 

“Let’s Do Our Thing Together” 

Ulrich a annoncé un show entièrement 

nouveau et concédé que la scène serait centrale. 

raconter lors des meet and greet ? Aucun de 

nous n’a envie que ça s’arrête, encore moins 

qu’une petite phrase ou un mot de travers 

vienne mettre bêtement le feu aux poudres. 

Je veux croire que notre relation avec James 

est indestructible et qu’elle peut donc résister 

à tout ou à peu près, mais je ne crois pas non 

plus dans l’absolu. On m’a appris il y a longtemps 

à ne pas utiliser les mots jamais et 

toujours. À défaut d’être aussi intime qu’avec 

des membres de ma famille, ma relation avec 

lui est évidemment singulière : j’ai traversé 

plus de choses avec lui qu’avec quiconque. On 

se connaît depuis trente-six ans, j’ai passé 

plus de temps avec lui qu’avec n’importe qui 

d’autre sur cette planète et je ne vois aucune 

raison pour que ça ne continue pas.” 

Là encore, certains ne manqueront pas d’associer 

cette sagesse plus ou moins récente de 

la part des deux “ex-belligérants” à la prise 

en compte des intérêts communs – et notamment 

financiers – à maintenir cette paix des 

braves. Elle est en partie vraie, ne nous voilons 

pas la face. Mais n’y voir que considérations 

stratégiques n’en serait pas moins hors 

sujet. “Évidemment que la motivation est 

toujours là, s’enflamme à ce sujet le batteur 

sans qu’on ait besoin de l’y pousser. Se retrouver 

sur une scène comme Bercy ou ailleurs, 

c’est la sève d’un groupe de rock. C’est le 

moteur, même s’il faut plus de temps pour le 

chauffer et que tu te réveilles le matin après 

un cauchemar où tu as vu ton bras s’arracher 

tout seul de ton corps avec encore une 

baguette à la main pour terminer son vol au 

milieu du public, et que tu te trouves bien 

con au moment où tu lui demandes si tu 

peux le récupérer, ce bras ! (Rire.) Il y a 

quelque chose de libérateur dans la satisfaction 

que tu ressens quand tout a fonctionné 

sur un concert. La connexion qui s’est opérée 

avec les trois musiciens qui t’entourent tient 

de l’euphorie, de la pure magie. C’est un sentiment 

qui vaut tout le reste. Et tu voudrais 

que l’on se passe de ça ?” 


FACE À FACE 

QUAND J’ENTENDS SGT. PEPPER, 

JE SORS MON REVOLVER… 

Sgt. Pepper a donc 50 ans. Mais permettezmoi 

néanmoins de lui préférer son prédécesseur, 

j’ai nommé le fabuleux Revolver. 

“Quoi ?”, dira en lisant cela, une grande partie 

de l’auditoire des liverpuldiens, qui porte 

Pepper aux nues pour des raisons bien compréhensibles 

: nostalgie personnelle pour 

certains, Pepper étant perçu : 1) comme un (si 

ce n’est LE) symbole du “summer of love” et 

de ses ramifications sociales et sociétales implicites 

; 2) un album censé représenter la 

quintessence (régulièrement vantée) d’un 

groupe au sommet de son art (ou supposément) 

; 3) cet opus renfermant à lui seul tout 

un pan de la culture des 60’s. Et très certainement 

du xx e siècle aussi. (…) Sauf que. À partir 

de là, la seule limite, pour ainsi dire, 

semble être celle de l’ouverture d’esprit justement, 

comme suggéré – déjà – dans 

“ Tomorrow Never Knows”… D’où l’autorité 

naturelle, antérieure, exercée là aussi par 

Revolver à mon humble avis. 

Eleonore (par e-mail) 

FROM MINNEAPOLIS WITH LOVE 

Merci à Rolling Stone de nous avoir emmenés 

en vacances avant l’heure. J’ai dévoré votre 

reportage sur Minneapolis et le Minnesota, 

c’est un trip que j’ai toujours rêvé de faire. Et 

je pense qu’enquiller la Highway 61 avec le 

“disque éponyme” comme vous dites, doit 

être un grand moment, surtout en allant chez 

Bob Dylan. J’avais l’impression d’être avec 

vous, en train de chercher de la bonne musique 

sur l’autoradio. Continuez à nous faire 

voyager sur les routes du rock ! C’est quoi le 

prochain arrêt ? 

Frédéric, Marseille 

WELCOME (BACK) TO THE JUNGLE 

Salut les rockers. J’avoue je suis allé un peu 

sceptique au show des Guns N’ Roses au 

Stade de France. Et puis, hein, les vieux chevelus, 

moi qui compte ceux qui me restent, 

pas trop mon truc. Mais bon, la nostalgie est 

quand même une vieille bitch rusée. Et passée 

la mise en voix d’Axl, je dois dire que je 

m’en suis pris plein ma vieille tronche. Au 

diable (oui, au diable) les a priori, les GnR 

ont peut-être repris la route pour le pognon, 

mais au vu de ce qu’ils ont dégainé, je regrette 

pas de leur avoir donné le mien. 

Appetite For Destruction vient de célébrer 

ses 30 ans, on se fait vieux, ça valait le coup 

de s’offrir ces trois heures (eh ouais !) de 

grosse fiesta graisseuse ! 

Pierre Olivier (par e-mail) 

“Merci pour 

votre 

hommage 

‘pré-mortem’ 

à Glen 

Campbell” 

Pierre (Rodez) 

Olivier Tixier @OlivierTixier 

#MickJagger #HappyBirthdayMick 74 balais 

toujours en forme comme quoi le sexe la drogue 

et le rock’n roll ça conserve 

Aurelien Beaucamp @aurebeaucamp 

Consécration ! @assoAIDES VIH: les associations 

chargent Macron - Rolling Stone 

Laurent D. Samama @ldsamama 

Merci à @75_belkacem et Xavier Bonnet pour 

cette jolie critique de “Kurt” publiée dans 

@RollingStoneFra #throwback 

Epixod @Epixod_Le_Blog 

@RollingStoneFra Mille mercis pour les places de 

#cinema pour #SongToSong. C’est super ! 

Jen Gloeckner @jengloeckner 

Some wonderful words about VINE from Rolling 

Stone Magazine @RollingStoneFra! 

Radiophonic Tuckshop @RTuckshop 

New feature on us by the French branch of Rolling 

Stone magazine! Not translated it yet! 

@RollingStoneFra 

Rob Benedict @RobBenedict 

If you speak French then you’ll really dig the 

article on @LoudenSwain1 I did for @Rolling- 

StoneFra. Merci! 

Simple @streamadelica 

Albé est dans @RollingStoneFra 

EICAR @ecoleEICAR 

À lire cet #été pour tous les #passionnés de 

#musique et de #cinéma ! 

Rolling Stone France @RollingStoneFra 

Ciné Rock’n’Soul : Quand le cinéma se fait musical 

Elodie Schindler @ESchindlerICRC 

La bonne nouvelle du vendredi: achète de la 

bonne musique et fais une bonne action! Fonds 

reversés au @CICR_fr. Merci @garbage you rock! 

ÉCRIVEZ À 

LA RÉDACTION 

Rédaction@rollingstone.fr @RollingStoneFra www.facebook.com/rollingstonefr www.instagram.com/rollingstonefrance 



CONTRIBUTEURS 

ALEX JAFFRAY 

COMPOSITEUR, PRODUCTEUR, 

CHRONIQUEUR 

— 

Il a fondé l’agence sonore Start-Rec, dont 

le nom facilite la téléportation pour être à la fois 

compositeur, producteur et chroniqueur musical. 

Compositeur pour le cinéma et music supervisor, 

il a également composé de nombreux habillages 

sonores pour des chaînes de télévision, de 

programmes, ainsi que de nombreuses bandessons. 

Il anime également la chronique musicale 

de Télématin sur France 2, ce qui lui offre 

un lien privilégié et des rencontres rares avec 

Lalo Schifrin, Craig Armstrong, Hans Zimmer, 

Alexandre Desplat ou Sting… Dans ce numéro, il 

revient sur ses rencontres avec Ennio Morricone. 

VINCENT GUILLOT 

JOURNALISTE 

— 

Membre de la rédaction depuis 2008, 

ce journaliste est un véritable touche-à-tout : 

passé par la presse ado, la presse sport 

et la presse masculine, il œuvre également 

en télévision. Pour Rolling Stone, il a signé 

quelques papiers remarqués sur son idole 

Neil Young. Il s’occupe entre autres 

personnellement du courrier des lecteurs. 

Dans ce numéro, il nous conte la visite 

de Deep Purple à Monaco et s’est rendu 

à Londres à la rencontre des Killers. 

STAN CUESTA 

JOURNALISTE 

—Journaliste musical (Rock&Folk, Mojo, 

Rolling Stone), il est l’auteur de nombreux 

livres sur le rock, notamment Jeff Buckley, 

Raw Power : une histoire du punk américain 

et Nirvana, une fin de siècle américaine 

(Le Castor astral), ainsi que Dylan Cover 

(Le Layeur). Il a également traduit une dizaine 

d’ouvrages parmi lesquels John Cale : une 

autobiographie (Au Diable Vauvert), New York 

73/77 de Will Hermes, Born To Be Wild : Dennis 

Hopper, de Tom Folsom et Altamont de Joel 

Selvin (Rivages Rouge). Pour ce numéro, il est 

allé au festival country de Craponne-sur-Arzon 

pour rencontrer la divine Emmylou Harris. 

STEPHEN RODRICK 

JOURNALISTE ET ÉCRIVAIN 

—Ce journaliste américain écrit très 

régulièrement pour le magazine du New York 

Times et pour Men’s Journal. On peut le lire 

régulièrement également dans les pages 

de Rolling Stone. S’il écrit principalement sur 

la politique, le cinéma et le sport, cet enquêteur 

de haut vol signe des articles au long cours : 

ainsi suit-il ses sujets des mois durant avant 

de se mettre à écrire. Il doit sa réputation 

à la qualité de ses portraits, très renseignés 

et fourmillants d’anecdotes, notamment celui 

de Rudy Giuliani pour le NYT Magazine. Pour 

ce numéro, il dresse un étonnant portrait de 

Justin Trudeau, le Premier ministre canadien. 

ROLLING STONE FRANCE 

DIRECTEUR DE LA PUBLICATION : 

Patrick Guérinet (patguerinet@positivemedia.fr) 

RÉDACTEUR EN CHEF : 

Belkacem Bahlouli 

SECRÉTAIRE DE RÉDACTION : 

Gaëlle Cazaban 

RÉDACTEUR-GRAPHISTE : Maxime Orio 

RÉDACTION : 53, rue Claude-Bernard, 75005 Paris 

Tél. : 01 44 39 78 20 

redaction@rollingstone.fr 

ONT PARTICIPÉ À CE NUMÉRO : Loraine Adam, 

Kathleen Aubert, Philippe Barbot, Yves Bigot, 

Philippe Blanchet, Xavier Bonnet, Bertrand 

Deveaud, Stan Cuesta, Alain Frétet, Alain 

Gouvrion, Vincent Guillot, Alex Jaffray, Dom 

Kiris, Philippe Langlest, Baptiste Manzinali, Matt 

Murdoch, Bruno Patino, Stephen Rodrick, 

Sophie Rosemont, Pierre Stemmelin, Sébastien 

Spitzer, Silvère Vincent. 

FABRICATION : 

Bertrand Creiser (bcreiser@positivemedia.fr) 

DIRECTION DIGITALE : 

Alma Rota (arota@positivemedia.fr) 

PARTENARIATS / MARKETING : 

sales@positivemedia.fr 

ADMINISTRATION ET GESTION : 

53, rue Claude-Bernard, 75005 Paris. 

Tél. : 01 44 39 78 20 

PRÉSIDENT : Olivier Querenet 

COMPTABILITÉ : finances@positivemedia.fr 

SERVICE DES VENTES : À Juste Titres 

Hélène Ritz (h.ritz@ajustetitres.fr), Benjamin 

Boutonnet (b.boutonnet@ajustetitres.fr) 

Tél. : 04 88 15 12 44 – Fax : 04 88 15 12 49 

67, avenue du Prado, 13006 Marseille 

Numéro réservé aux dépositaires 

et diffuseurs de presse. 

Réassort et quantités modifiables 

sur www.direct-editeurs.fr 

PUBLICITÉ : Mediaobs – 44, rue Notre-Damedes-Victoires, 

75002 Paris. Tél. : 01 44 88 97 79 

Tél. : 01 44 88 suivi des 4 chiffres 

E-mail : pnom@mediaobs.com 

DIRECTRICE GÉNÉRALE : Corinne Rougé (93 70) 

DIRECTRICE DE PUBLICITÉ : Sandrine Kirchthaler (89 22) 

DIRECTEUR DE CLIENTÈLE : Frédéric Arnould (97 52) 

ASSISTANTE : Sonia Ichou (97 53) 

STUDIO : Cédric Aubry (89 05) 

ADV : Caroline Hahn (97 58) 

COMPTABILITÉ : Catherine Fernandes (89 20) 

SERVICE ABONNEMENTS : 03 88 66 11 20 

ABO PRESS, 19, rue de l’Industrie, 

67400 Illkirch, France 

E-mail : rollingstone@abopress.fr 

Fax : 03 88 66 86 42 

Abonnement : bulletins page 45 et page 82 

PRIX ABONNEMENT UN AN : 107,39 € 

ROLLING STONE USA 

EDITOR & PUBLISHER : JANN S. WENNER 

MANAGING EDITOR : JASON FINE 

DEPUTY MANAGING EDITOR : SEAN WOODS 

ASSISTANT MANAGING EDITORS : CHRISTIAN HOARD, 

ALISON WEINFLASH 

SENIOR WRITERS : DAVID FRICKE, ANDY GREENE 

BRIAN HIATT, PETER TRAVERS 

SENIOR EDITOR : PATRICK DOYLE, ROB FISCHER, 

THOMAS WALSH 

DESIGN DIRECTOR : JOSEPH HUTCHINSON 

CREATIVE DIRECTOR : JODI PECKMAN 

VICE PRESIDENT : TIMOTHY WALSH 

CHIEF REVENUE OFFICER : MICHAEL PROVUS 

HEAD OF SALES : JAY GALLAGHER 

HEAD OF DIGITAL : GUS WENNER 

LICENSING & BUSINESS AFFAIRS : MAUREEN A. LAMBERTI 

(EXECUTIVE DIRECTOR), AIMEE S. JEFFRIES (DIRECTOR), 

SANDFORD GRIFFIN (MANAGER) 

ROLLING STONE INTERNATIONAL 

CHIEF EXECUTIVE OFFICER: MENG RU KUOK 

CHIEF OPERATIONS OFFICER: IVAN CHEN 

CHIEF FINANCIAL OFFICER: TOM CALLAHAN 

Copyright © 2017 by ROLLING STONE LLC. All rights reserved. Reproduction in 

whole or in part without permission is prohibited. The name ROLLING STONE 

and the logo thereof are registered trademarks of ROLLING STONE LLC, which 

trademarks have been licensed to POSITIVE MEDIA. 

ROLLING STONE N° 97 – MENSUEL, NUMÉRO SEPTEMBRE 2017 — est une publication 

éditée par POSITIVE MEDIA, SAS au capital de 1000 euros. RCS Paris 815 139 977. 

Siège social et rédaction : 53, rue Claude-Bernard, 75005 Paris. Tél. : 

01 44 39 78 20. Dépôt légal : 3 e trimestre 2017. Diffusion : MLP. Numéro 

de commission paritaire : 1220 K 82240. ISSN : 1764-1071. 

Imprimé par Aubin Imprimeur, Ligugé. Les documents reçus ne sont 

pas rendus, et leur envoi implique l’accord de l’auteur pour leur 

libre publication. © 2017/POSITIVE MEDIA 

www.rollingstone.fr 

LE PAPIER UTILISÉ POUR ROLLING STONE EST RECYCLABLE. 

L’ENSEMBLE DE NOS EXEMPLAIRES EST COMPOSÉ DE PAPIERS CERTIFIÉS 

PEFC, ISSUS DE FORÊTS GÉRÉES DURABLEMENT. 

© DR 



SOMMAIRE 

ROLLING STONE 

N o 97 – SEPTEMBRE 2017 

L’ÉVÉNEMENT 

4 Metallica 

À l’aube d’une tournée européenne 

qui ne manquera pas de confirmer son 

statut d’inamovible fer de lance du metal, 

son batteur Lars Ulrich se confie sur 

l’état d’esprit du groupe, ses ambitions 

et… le temps qui passe. 

ÉDITOS 

Faire revivre ces moments d’énergie pure qu’étaient 

les concerts de Rage Against the Machine ? 

Pas seulement pour le “rock-activist” Tom Morello. 

POWER ! 

Tom Morello a repris sa guitare de pèlerin 

avec son supergroupe, The Prophets of Rage. 

3 Piège à sons, 

par Belkacem Bahlouli 

16 My Back Pages, 

par Bruno Patino 

18 La Playlist, par Dom Kiris 

19 Sign O’The Times, par Yves Bigot 

ROCK’N’ROLL 

21 Foo Fighters’All-Stars 

Dave Grohl et sa bande sont de retour. 

Dans leur besace, un nouvel album avec le 

producteur d’Adele et des invités surprise. 

30 Frank Darcel 

Musicien, écrivain, producteur, éditeur 

et militant… Avec près de quarante ans 

de carrière, l’ex-Marquis de Sade est 

à nouveau sur le devant de la scène. 

36 Emmylou Harris 

Orbison, Dylan, Parsons, Crowell… Les plus 

grands songwriters américains ont offert 

un écrin à sa voix magique. Rencontre. 

MAGAZINE 

48 Étoile du nord 

Il a eu une enfance dorée et traversa 

bien des drames avant de devenir Premier 

ministre du Canada. Justin Trudeau 

est-il le dernier espoir du monde libre ? 

58 Culture rock 

Charles Berbérian est autant dessinateur, 

auteur de BD que musicien. Rencontre 

avec ce fan de folk californienne. 

62 Festivals 

Tout l’été, la rédaction de Rolling Stone 

est partie sur les routes, de Craponnesur-Arzon 

à Chicago en passant par Paris 

ou Louisville, pour faire un point complet 

sur les scènes rock. 

EN COUVERTURE 

Metallica 

Par Peter Yang/August-Agence A 

70 La Rage de Tom Morello 

Nul n’est prophète en son pays ? Ce vieil 

adage a-t-il encore cours ? Interview 

des leaders de ce supergroupe. 

74 Il Maestro 

N’est pas le maître qui veut. Alors que 

son passage annoncé dans la capitale 

française, le 21 septembre prochain, 

affiche complet, portrait de l’homme à la 

baguette magique par deux compositeurs 

français : Alex Jaffray et Olivier Florio. 

80 État de grâce 

Il aura mis cinq longues années 

à peaufiner la sortie de ce live capté 

à Londres et destiné à célébrer les 25 ans 

de son album Graceland. Making of 

d’un disque de légende. 

GUIDE 

83 Musique 

Villains ? Drôle de titre pour le nouvel 

album de Queens of The Stone Age. 

Disque du mois, donc... 

90 Ciné 

120 battements par minute 

C’est LE film qu’on attendait de voir, 

traitant cette zone d’ombre et de 

fantômes, les années 1990 en France, 

vues par les séropositifs. 

92 Série TV 

Engrenages, saison 6 

En transférant l’essentiel de sa trame 

en banlieue, la série policière fait mieux 

que mettre ses personnages en danger… 




MY BACK PAGES 

Par Bruno Patino 

2017, Summer of rien ? 

“P 

ASSÉ UN CERTAIN ÂGE, ON NE VOYAGE PLUS 

qu’entre cimetières et bibliothèques”, regrettait l’écrivain 

Roger Stéphane. Pour beaucoup d’entre nous, 

avant une certaine époque, nous voyageâmes entre 

salles de concert et disquaires. Traverser l’Atlantique, c’était bien 

sûr se presser au café Wha? du Village, ou au Madison Square 

Garden de la 34 e , mais c’était aussi avoir la certitude de dépenser 

plus que de raison dans ces grands temples du disque qu’étaient 

les Tower Records de Broadway, de San Francisco ou de L.A. pour 

rapporter dans les sacs en plastique jaune des disques qui feraient 

l’envie de ceux qui n’avaient pas eu la chance de partir, et qu’il 

faudrait dupliquer à l’infini sur des cassettes de mauvaise qualité. 

Voyager, c’était aussi suivre le circuit des échoppes spécialisées en 

disques pirates, sur Bleecker Street, où l’on pouvait compléter la 

collection des Lost Lennon Tapes, acquérir le Follow That Dream 

de Springsteen (ou sa série de concert au Roxy de 1978), s’offrir le 

“Train for Bruxelles” des Stones et, pour les plus obstinés, les 

Basements Tapes originales de 

Il y avait pourtant de quoi faire : crise de la 

démocratie représentative, Brexit, élection 

de Donald Trump, “dégagisme”… 

Dylan : pochette blanche, tampon 

bleu, étiquette blanche aux 

lettres tapées à la machine, 

booklet ronéotypé sur papier 

rose : une merveille. 

Ces souvenirs résonnent 

comme la mélodie d’un temps révolu. Tout est dorénavant disponible 

partout, et, pour trouver la musique que l’on cherche, les algorithmes 

sont plus efficaces que la déambulation géographique. On 

ne voyage plus, on surfe. On ne trouve plus, on trie. On ne rapporte 

plus, on share. Les plateformes sont nos nouvelles églises : un clic 

suffit pour s’y rendre, mais la multitude qui s’y presse n’empêche 

pas la solitude, ni l’exhaustivité le sentiment de pauvreté. L’excitation 

même des pirates s’est évaporée : les concerts de Springsteen 

sont téléchargeables et livrables en format CD, les Stones ressortent 

en pressage vinyle “from the Vault” leurs shows des années 

1970, et Dylan a ajouté à son Never Ending Tour une sorte de 

“never ending publishing”. Les Tower Records ont fermé, celui de 

San Francisco est devenu un parking. 

Dorénavant, voyager outre-Atlantique, c’est affronter la muséification 

du rock. Nashville en offre un incroyable exemple : musée 

Johnny Cash, musée Patsy Cline, musée Willie Nelson, musée 

Studio B (celui d’Elvis et des Everly), et bien sûr, Country Music 

Hall of Fame, gigantesque bâtiment qui regroupe archives, costumes, 

instruments, enregistrements, disques d’or par milliers, 

rotonde commémorative et curiosités diverses (dont les deux 

Cadillac d’Elvis, celle avec pare-chocs en or et télévision à l’arrière 

et celle avec levier de vitesse en forme de selle de cheval et colts en 

poignées de porte) et qui ne se visite pas en moins de trois heures. 

Un musée comme un autre, avec sa collection permanente et ses 

expositions thématiques pas forcément incontestables : celle en 

cours, “Dylan, Cash and the Nashville Cats”, propose de faire de la 

rencontre entre New York et Nashville la pierre angulaire du rock 

au mitan des années 1960. 

La patrimonialisation du rock fige-t-elle le temps ? Ramène-t-elle 

cette musique à la célébration permanente de l’ensemble de son 

passé ? Quel été étrange, quand même, que l’été 2017. U2 qui affole 

les stades avec son Joshua Tree, Brian Wilson qui amorce sa tournée 

américaine en revisitant Pet Sounds, le stade des Mets, dans 

le Queens, qui accueille les Eagles, Steely Dan et les Doobie 

Brothers, sur le modèle du Desert Trip de Coachella,qui regroupait 

en octobre dernier Dylan, 

McCartney, les Stones, Neil 

Young, les Who et Roger 

Waters, en les obligeant à interpréter 

une grande partie de 

leur répertoire passé devant 

un public aux cheveux gris. 

D’un autre côté, des festivals à l’énergie formidable, souvent pleins, 

dans les endroits les plus improbables et devant un public jeune et 

enthousiaste. Et enfin, des anniversaires comme s’il en pleuvait : 

la mort d’Elvis, Sgt. Pepper, le Summer of love, et on en passe. 

Mais, dans l’ensemble, rien qui, véritablement, s’impose à tous. 

Aucune bande-son qui puisse collectivement résumer l’été. 2017 

ne fut pas un nouveau Summer of love. Ce fut un summer of rien, 

ou au mieux, un summer of beaucoup trop de choses. Les anniversaires, 

à trop se bousculer, se sont annulés. Le passé a été convoqué, 

mais pour mieux éclipser le présent. Il y avait pourtant de quoi 

faire : crise de la démocratie représentative, Brexit, élection de 

Donald Trump, “dégagisme”, sociétés socialement fragmentées, 

inégalités excessives, inacceptable traitement des migrants, crise 

syrienne, autoritarisme turc, chaos vénézuélien… Face à tout cela, 

il n’y a eu que le silence assourdissant des amplis. Et l’on en vient 

à regretter que le seul anniversaire auquel on ait échappé ait été 

celui du mouvement punk. “No future”, c’était peut-être, pourtant, 

le son du présent. 

© 2016 KYODO NEWS 



shops + tendances 

en mode 

#TooCrazy 

#Indécise 

#Audacieuse 

#Pétillante 

#Chaussures 

#Vêtements 

#Accessoires 

#Mode

LA PLAYLIST 

CHAQUE MOIS, DOM KIRIS DE OÜI FM NOUS LIVRE SES COUPS DE CŒUR 

1. UNKLE 

“Waiting for the Rain” 

(feat. Mark Lanegan) 

Mo’Wax 

Le grand retour du collectif de James 

Lavelle, l’un des artistes les plus influents 

de la scène électro-rock britannique. Tel un 

metteur en scène, le pionnier du sampling 

réactive les productions cinématographiques 

de UNKLE en soignant son casting. Dans 

le premier rôle, Mark Lanegan irradie de sa 

voix caverneuse ce boléro new wave en guise 

de premier single. 

2. Queens of the Stone Age 

“The Way You Used To Do” WEA 

Il a beau être le dernier des rockers un peu crédible, 

Josh Homme a craqué sur les productions de Mark 

Ronson. Je vous rassure, on est loin de Uptown Funk, 

mais le maître des dance floors a quand même mis 

les mains dans les riffs des rugueux QOTSA pour les 

rendre un poil plus sexy ! 

4. Arcade Fire 

“Everything Now” 

Columbia 

Arcade Fire veut tout, et tout de suite. Les idées fusent, 

mais s’emboîtent tellement bien qu’on en oublie l’étonnant 

mélange de style en équilibre. Durant tout l’été, on aura dansé 

sans le savoir sur de la pop suédoise, des guitares berlinoises, 

des flûtes africaines, le tout samplé ou joué par ces diables 

de Canadiens produit par une moitié de Daft Punk. 

7. Peter Perrett 

“How the West Was Won” 

Domino 

Retrouver intacte la voix blanche sous tension de Peter 

Perrett est assez troublant. Près de quarante ans après 

la fulgurante apparition de The Only Ones, à la jonction 

du punk et de la new wave, ce grand perdant magnifique 

réapparaît comme par miracle entouré de ses fils musiciens. 

Lui-même étant un héritier en ligne directe de Lou Reed. 

3. Royal Blood “Lights Out” 

WEA 

Aucune guitare n’a été martyrisée sur ce nouvel album 

de Royal Blood et pourtant, on prend encore une fois 

une belle décharge d’énergie électrique. Uniquement 

concentré sur un raffut basse/batterie monstrueux, 

le duo britannique de la race des saigneurs conserve le 

titre du renouveau rock le plus percutant du moment. 

5. FFF “Monkee” 

Bonus Tracks Record 

De bonnes raisons 

humanitaires ont fait 

remonter sur scène FFF, 

pour une réjouissante 

reformation après dix-sept 

années sans sortir de 

disque. La formule magique 

de la Fédération Française 

de Fonck a repris tout 

de suite dans le feu 

des concerts, désormais 

concrétisé par ce coup de 

semonce proto punk excité 

comme un singe en été. 

6. LCD 

Soundsystem 

“Call the Police” 

DAF 

Après des faux adieux 

au Madison Square 

Garden il y a six ans, LCD 

Soundsystem a retrouvé 

le chemin des studios. 

Le leader James Murphy 

a fait main basse sur les 

productions de Brian Eno, 

aussi bien en empruntant 

les synthés de “Heroes” 

de Bowie que les échos 

de guitare de U2. 

TOP LIST 

Nick 

Lowe 

CINQ CHANSONS 

QU’AIME MON FILS 

Lowe, dont les albums des 

années 1980 viennent d’être 

réédités, a sélectionné des titres 

éclectiques qu’il a fait écouter 

à son fils Roy, 12 ans, pour lui faire 

découvrir divers genres musicaux. 

EDDIE COCHRAN 

“Cut Across Shorty” 

On dirait une comptine jouée 

sur un très agréable rythme de 

skiffle, qui était la version anglaise 

du rockabilly. Eddie Cochran 

avait tout compris. 

BING CROSBY 

ET LOUIS ARMSTRONG 

“Now You Has Jazz” 

À cause de ces voix tellement 

caractéristiques, on dirait un peu 

la bande-son d’un dessin animé. 

Bing Crosby était un Blanc 

qui savait swinguer. 

JOHN HOLT 

“Ali Baba” 

C’est la retranscription d’un rêve 

dans lequel John est poursuivi 

par tout un tas de personnages 

de contes de fées, le tout posé 

sur un énorme groove comme 

en produisait Studio One. Génial. 

RON SEXSMITH 

“Gold in Them Hills” 

Un petit bijou que l’on doit au 

dernier songwriter à savoir où est 

rangé le seau du puits à mélodies. 

SHALAMAR 

“A Night To Remember” 

Je décrirais ce titre comme un 

magnifique tube des années 1980, 

taillé pour faire danser. Le rythme 

est génial, la chanson est ludique, 

intelligente. Mon fils Roy a adoré. 

© STEVE GULLICK. 4X. DR. 

18 | Rolling Stone | rollingstone.fr Septembre 2017

SIGN O’THE TIMES 

Par Yves Bigot 

Avant-garde 

© CHRISTOPHE GUIBBAUD. GETTY IMAGES. 

“ S 

i en 1966, les Beatles avaient collaboré avec Pierre Henry, 

comme Paul McCartney en avait l’intention, l’histoire de 

la musique du XX e siècle en eût été révolutionnée”, écrivait 

Mojo en 2001. Elle le fut, malgré tout, par cet aventurier 

du son comme liturgie, qui aura inventé, engendré, inspiré 

pas moins de trois genres majeurs, tout en atteignant à deux 

reprises – à trente ans d’intervalle – le 

statut de star du hit-parade. 

Le décès de Pierre Henry, le 5 juillet, 

aété salué par l’ensemble de la presse 

internationale : Brian Eno, Mickey Hart 

(Grateful Dead), Jean-Michel Jarre, 

notamment, ont témoigné de leur dette 

envers l’un des rares musiciens français 

à avoir pesé sur son époque. 

Élève d’Olivier Messiaen et de Nadia 

Boulanger il avait rejoint Pierre 

Schaeffer au studio d’essai de la RTF. 

Symphonie pour un homme seul (1950), 

leur manifeste d’ingénieurs-musiciens, 

fonde la musique concrète, destinée à 

“déconstruire la musique pour que résonne 

l’harmonie des sphères.” 

Cette avant-garde sonique connaîtra 

son apogée en 1963 avec ses Variations 

pour une porte et un soupir. Entendue 

dans la série les Soprano, cette pièce 

constituera une influence majeure du 

rock progressif anglais – Pink Floyd, 

Soft Machine et, plus tard, Radiohead. 

Mais c’est surtout avec Le Voyage que 

Pierre Henry va fasciner la génération 

rock des années 1960 et les hippies, 

friands du Livre des morts tibétain qu’il 

illustre : les Beatles (“Tomorrow Never 

Knows”) et Jimi Hendrix (Are You 

Experienced) à Londres, Frank Zappa 

et les Mothers of Invention (Freak Out!) à Los Angeles, Jefferson 

Airplane (“Would You Like a Snack?”), Grateful Dead qu’il admirait 

(Anthem of the Sun) et David Crosby (“I’d Swear There Was 

Somebody Here”) à San Francisco, Gong dans le sud de la France. 

Pierre Henry, un des rares musiciens 

à avoir pesé sur son époque. 

Plus tard, Rodolphe Burger et Rita Mitsouko. “Je l’écoutais au 

lycée, en même temps que Jimi Hendrix, expliquait Fred Chichin. 

Il a ouvert un univers de sons et donné l’envie de musique électroacoustique. 

Il a une conception du son très physique, contrairement 

à beaucoup de compositeurs contemporains, qui nient le 

plaisir du mouvement, de la matière et des corps. Il est extrêmement 

moderne avec son côté sound 

system – c’est pour ça que l’intelligentsia 

l’a marginalisé.” 

Ce flirt avec le rock se concrétise par sa 

Messe de Liverpool (1967) et les Jerks 

électroniques Yper-Sound de sa Messe 

pour le temps présent. Les premiers se 

vendront à des centaines de milliers 

d’exemplaires sous leur célèbre pochette 

argentée, alors que la seconde entre 

dans l’histoire au festival d’Avignon 

grâce au Ballet de Béjart. L’album 

Ceremony avec Spooky Tooth, ne sera 

qu’un épilogue, couronné par un concert 

à l’Olympia. 

Mais là où l’effet Pierre Henry sur l’histoire 

du rock reste un secret bien gardé, 

la techno, elle, va le revendiquer comme 

son maître fondateur. À tel point 

qu’en 1997, William Orbit, Coldcut, 

St Germain, etc., lui rendaient hommage 

avec Métamorphose, album de 

remix qui verra “Psyché Rock” par 

Fatboy Slim devenir l’hymne de la 

culture dance. Sollicité par Violent 

Femmes, collaborant avec Erik Truffaz, 

trafiquant avec Propellerheads, Pierre 

Henry continuait, à près de 90 ans, 

à faire l’événement. 

Plasticien, sculpteur, cuisinier, provocateur, 

reclus, bougon, maniaque, épicurien 

et mystique à la fois, Pierre Henry avait réussi à intéresser 

le grand public à l’avant-garde par la grâce de la modernité que 

la jeunesse trouvait dans sa musique. N’est-ce pas là le rêve de 

tout artiste ? 


ROLLINGSTONE.FR 

POLITIQUE 

MUSIQUE 

TOP LISTES 

SARAH SAVOY, LA VOIX DES CAJUNS 

La chanteuse et chef Sarah Savoy met son 

talent au service de la culture cajun, pour le plaisir 

de tous les amateurs de bonne musique. 

LE CANNABIS POUR SAUVER PORTO RICO 

Au bord de la faillite, l’île des Caraïbes a décidé 

de tout miser sur le cannabis à usage médical pour 

sortir la tête de l’eau. 

MUSIQUE 

BROR GUNNAR JANSSON : 

UN BLUES QUI A DU BAYOU 

Marqué par le diable du Bayou, 

Bror Gunnar Jansson a tout tiré des 

plus grandes légendes noires. 

LIVERPOOL, LET THE MUSIC BE ! 

Pop, new wave, rock, Britpop… Liverpool a porté 

les couleurs de la musique dans toute leur 

diversité, sans jamais se cantonner à un seul style. 

HOMMAGE 

À CHESTER 

BENNINGTON 

Ses proches 

se remémorent les 

bons moments et les 

instants destructeurs 

du chanteur 

de Linkin Park. 

CULTURE GRAND FORMAT – SOCIÉTÉ 

RS LIVE SESSIONS 

LES 10 MEILLEURS FILMS DES ANNÉES 1990 

Ah, les années 1990 ! La décennie a vu naître 

l’avènement du cinéma indie et des blockbusters, 

les fight clubs et les cannibales charismatiques… 

POLOGNE : AU BORD DU CHAOS 

La situation politique et sociale dans le pays 

est devenue catastrophique. Découvrez 

le reportage exclusif de notre photographe 

François Devos : la crise vue de l’intérieur. 

RETROUVEZ ROLLING STONE 

SUR TOUS VOS SUPPORTS 

NUMÉRIQUES 

Retrouvez chaque mois en exclusivité 

les sessions acoustiques Rolling Stone 

et des interviews d’artistes. 

Au programme de septembre : 

BLEEKER 

Et aussi : Cotton Belly’s, Frank Carter 

& The Rattlesnakes, China Moses… 

SUIVEZ-NOUS 

facebook.com/RollingStone 

twitter.com/RollingStoneFra 

instagram.com/ 

rollingstonefrance 

FLASHEZ 

LE CODE 

L’ÉQUIPE DIGITALE 

Alma Rota @alma16 

Louise-Camille Bouttier @louisebouttier 

Jessica Saval @jessie_SVL 

© ISTOCK, MAX CLAUS, GETTY IMAGES, AARON WOOLF HAXTON, SANTIAGO BLUGUERMANN/LATINCONTENT/GETTY IMAGES, DR. 



HOMMAGE S. SHEPARD P. 29 | ICÔNE E.HARRIS P. 36 | COLLECTOR P. SIMON P. 80 

Le retour 

des Foo 

Fighters’ 

All-Stars 

Un nouvel album avec 

le producteur d’Adele 

et des invités surprise. 

PAR KORY GROW 

Après la mise en 

veille des Foo 

Fighters, à la fin de 

l’année 2015, Dave 

Grohl ne savait plus trop quoi 

faire de lui-même. “J’ai fait des 

barbecues pendant des putains 

de mois, mec !, dit-il. Je faisais 

huit côtes de bœuf par semaine. 

Ça devenait un peu glauque.” 

Mais Grohl avait besoin de 

temps pour se [Suite p. 22] 


BIG ME 

Grohl au NOS Alive Festival, 

au Portugal, en juillet. 


ROCK & ROLL 

CÉRÉMONIE 

Dom Kiris, 

grand ordonnateur de la soirée. 

Un grand cru 2016 

La 2 e édition des OÜI FM 

Rock Awards, organisée par 

la célèbre station parisienne, 

s’est tenue au Trianon. 

Le compte rendu sur la soirée sur la 

deuxième édition de la cérémonie des 

OÜI FM Rock Awards publié dans notre 

numéro 95 a, suite à des erreurs de 

manipulation, été tronqué d’une partie 

de son contenu. Cette fameuse soirée, 

animée avec brio par Dom Kiris, a permis 

de réunir les meilleurs artistes de 

l’année 2016 dans la salle parisienne 

du Trianon. “Après avoir organisé 

la première cérémonie au Réservoir, 

au vu du succès rencontré par le nombre 

de réservations, on a dû prendre une 

salle autrement plus grande”, s’est 

enthousiasmée Fanny Temam, directrice 

des programmes de la radio, quelques 

jours avant la cérémonie. Et donc, 

plus de deux heures durant, artistes 

et animateurs de la station se sont 

succédé sur la grande scène. Douze 

trophées à remettre et autant de belles 

surprises : “On a tenté de réunir 

un plateau consistant, qui montre bien 

la vivacité du rock à la française, mais 

aussi, le fait que les auditeurs se sont 

sentis concernés par ces prix”, avait 

alors précisé Cocto, co-organisateur 

de la soirée. Contrairement à nombre 

de réunions de ce type, pas de chichis, 

on entre directement dans le sujet, 

les groupes se succèdent à un rythme 

soutenu pour récupérer leur trophée 

(La Maison Tellier, Declan McKenna 

ou The Temperance Movement), avant 

que M se saisisse de la scène pour 

un furieux mini-set acoustique. Puis 

laisse la place au grand final, orchestré 

par Matt Bastard… 

Prix publics 

• L’Artiste & l’Album Rock 

de l’Année 2016 – catégorie Indé : 

La Maison Tellier – Avalanche 


de l’Année 2016 – catégorie Major : 

Red Hot Chili Peppers – The Getaway 


de l’Année 2016 – catégorie Autoprod : 

The Shapers – Reckless Youth 

Prix professionnels 

• Le Prix du B.P.I. (Bureau des 

Productions Indépendantes) 2016 : 

Theo Lawrence & The Hearts 

• La Révélation Internationale 2016 : 

The Lemon Twigs 

• Le Titre Rock 2016 : I Wanna Get Lost 

With You par Stereophonics 

• Le Coup de Cœur de la Programmation 

Musicale de OÜI FM 2016 : 

Declan McKenna 

• L’Artiste Bring The Noise 2016 : 

Frank Carter & The Rattlesnakes 

• Le Concert OÜI FM 2016 : Foals 

• La Session Acoustique OÜI FM 2016 : 

The Temperance Movement 

• L’Artiste UK Beats 2016 : Savages 

• La Révélation Française 2016 : 

Last Train 

[Suite de la p. 21] remettre d’une 

chute qu’il avait faite sur scène en 

Suède l’été précédent, et qui 

s’était avérée plus grave qu’il ne le 

pensait. Grohl s’était cassé le 

péroné, avait eu plusieurs ligaments 

arrachés et avait dû être 

opéré. “J’ai encore un peu de 

quincaillerie à l’intérieur, plaisante-t-il. 

J’ai fait deux ou trois 

heures de kiné par jour pendant 

presque un an.” Grohl a fini le 

reste de la tournée des stades 

Sonic Highways perché sur un 

“trône” géant. Mais après la dernière 

date, il a déclaré à son 

groupe qu’il ne voulait plus toucher 

un instrument pendant un 

an. “Quand la tournée a été terminée, 

je me suis dit : La vie, c’est 

bien plus qu’un concert de rock. Je 

veux pouvoir courir jusqu’à la 

porte quand le livreur de pizza 

viendra sonner en 2033.” 

Grohl a réussi à ne pas travailler 

pendant six mois. Puis il a écrit 

“Run”, un hymne accusateur 

assez dur qui parle du besoin 

d’amitié pendant les périodes 

troublées. Grohl se demande si 

le refrain (dans lequel il chante 

“Réveille-toi, prends tes 

jambes à ton cou avec moi”) a 

pu venir du fait qu’il est resté 

immobile pendant un bon 

moment : “Je rêvais que je courais 

à travers champs, ce genre 

de conneries, et je me réveillais 

avec une putain de jambe 

cassée.” 

“Run” est devenu le premier 

single du neuvième LP du 

groupe, Concrete and Gold, à 

paraître le 15 septembre. Les Foo 

Fighters se sentaient prêts à 

essayer de nouvelles choses : des 

orchestrations éclatantes, des 

harmonies chorales et des expérimentations 

rythmiques. “Run”, 

par exemple, tourne sur un beat 

de dance hall. “Je n’avais pas 

réalisé que c’était du reggaeton 

jusqu’à ce que [le producteur] 

Greg Kurstin me le précise, 

raconte Grohl. Puis j’ai entendu 

une putain de chanson de Justin 

Bieber avec le même beat et je me 

suis dit : Oh, mon dieu !” 

Mais les choses n’ont pas commencé 

de façon aussi ambitieuse. 

Alors que, pour les derniers 

albums des Foo Fighters, Grohl 

avait de grands concepts en tête 

(Wasting Light, en 2011, a été 

entièrement enregistré en analogique, 

et en 2014, Sonic Highways 

a été réalisé dans huit studios 

légendaires différents), cette fois, 

il voulait simplifier le processus. 

“Je me suis dit : Quelle est la chose 

la plus étrange que ce groupe 

puisse faire à ce stade ? Et j’ai réalisé 

que c’était tout simplement 

d’aller en studio et de faire un 

album comme un groupe normal.” 

Pour écrire les chansons, Grohl a 

loué un Airbnb dans la petite ville 

d’Ojai, en Californie : “J’ai acheté 

une caisse de vin et je suis resté 

assis là, en sous- vêtements, avec 

un micro, pendant environ cinq 

jours, à écrire, rien qu’écrire. 

J’étais inspiré par ce qui se passait 

dans notre pays : politiquement, 

personnellement, en tant que père, 

qu’Américain et que musicien.” 

Grohl fait allusion à la vision du 

monde peu réjouissante avec des 

chansons comme “The Sky Is a 

Neighborhood”, où il raconte une 

nuit sans sommeil, passée à s’inquiéter 

pour l’état de la planète. 

Sur “T-Shirt”, il lâche : “Je veux 

“ J’AI ACHETÉ 

DU VIN ET JE 

SUIS RESTÉ ASSIS 

LÀ, EN SOUS- 

VÊTEMENTS, 

PENDANT CINQ 

JOURS, À ÉCRIRE, 

RIEN QU’ÉCRIRE.” 

juste chanter une chanson 

d’amour/Prétendre que tout va 

bien.” Parallèlement, sur le lourd 

“La Dee Da”, Grohl rend hommage 

aux groupes underground qu’il 

adorait lorsqu’il était ado, notamment 

Psychic TV. “Après avoir 

trouvé peut-être treize idées, je les 

ai envoyées aux gars en leur 

demandant : ‘Est-ce que je suis 

dingue, ou est-ce que c’est un 

disque ?’, raconte Grohl. Ils m’ont 

répondu : ‘Les deux.” 

Comme il cherchait un producteur, 

il est entré en contact avec Greg 

Kurstin, qui avait coécrit et produit 

des titres un peu pop comme 

“Hello” d’Adele et “Stronger” de 

Kelly Clarkson. Grohl connaissait 

mieux Kurstin en tant que membre 

du duo indie-pop The Bird and The 

Bee. “J’aimais beaucoup le sens 

mélodique et harmonique de ce 

groupe, explique-t-il. Il me semblait 

évident que le gars qui était 

derrière cette musique n’était pas 

un crétin habituel de chez Guitar 

Center.” Grohl a donc dit à Kurstin 

qu’il voulait combiner “le son des 

radios oldies seventies genre Gerry 

Rafferty et [son] amour pour un 

groupe comme Motörhead.” 

Kurstin raconte que c’était un peu 

comme s’il lui décrivait “une odyssée 

à la Sgt. Pepper, version heavy 

metal.” 

Le groupe a enregistré dans le 

studio EastWest, à L.A., où il a 

croisé la terre entière entre les 

prises – de Lady Gaga à Shania 

Twain. Certains chantent sur l’album, 

confie Grohl, tout en restant 

évasif sur leur identité. Il a récemment 

eu les honneurs des gros 

titres qui affirmaient que “probablement 

la plus grande popstar du 

monde” prêtait sa voix à l’album 

(tout ce qu’il consent à divulguer, 

c’est qu’il ne s’agit ni d’Adele ni de 

Taylor Swift…). Parmi les invités, 

on trouve Alison Mosshart des 

Kills ou encore Shawn 

Stockman, de Boyz II Men, que 

Grohl a rencontré sur le parking 

et qu’il a convié à enregistrer en 

overdub plus de trente pistes de 

chœurs pour le morceau final de 

l’album, le très floydien 

“Concrete and Gold”. “Quand il 

a quitté la pièce, je me suis 

tourné vers les autres et j’ai fait : 

‘Le mec de Boyz II Men vient de 

mettre la putain de barre très 

haut’, raconte Grohl. ‘Chaque 

chanson doit sonner aussi 

énorme que ça.” 

Les Foo Fighters ont dévoilé ces 

morceaux cet été dans les festivals. 

Ils lanceront leur tournée en 

octobre, qui inclura aussi leur 

propre festival, Cal Jam 17, à San 

Bernardino, en Californie. Baptisé 

d’après le légendaire festival 

de 1974 qui s’était tenu sur un 

circuit automobile et dont les têtes 

d’affiche étaient Deep Purple et 

Emerson, Lake and Palmer, il 

réunira Queens of the Stone Age, 

Liam Gallagher et d’autres. “Il n’y 

a rien de plus ridicule que de faire 

une fête de sortie d’album avec 

50 000 personnes”, balance Grohl, 

ajoutant qu’il est soulagé de pouvoir 

se produire à nouveau sur ses 

deux jambes. “J’ai prêté le trône à 

Axl Rose parce qu’il s’était cassé le 

pied, dit-il. Du coup, je suis allé 

voir [Guns N’ Roses] et c’était la 

première fois que je voyais 

quelqu’un chanter assis dans ce 

truc. Et là, je me suis dit : C’est 

quand même la putain d’idée la 

plus stupide qui soit…” 

Traduction : Stan Cuesta 

© YANN BUISSON 



Q&R 

© FRANK LORIOU 

“Le punk en France, 

c’était plutôt ‘ future’ 

que ‘no future’ !” 

À l’occasion de ses 40 ans de carrière, Kent sort 

un nouvel album. L’occasion de revenir sur un joli pan 

de vie mêlant punk-rock, chanson française, BD et romans. 

On vient de fêter les 40 ans du punk. Avec 

Starshooter, vous étiez aux premières loges à Lyon. 

Quel souvenir en conservez-vous ? 

Kent : Pour nous, le punk a représenté une occasion 

en or d’émerger et de nous faire connaître. 

Nous étions dans l’air du temps. Nous avions 

un look, une attitude. On faisait tout à toute 

vitesse. Nous n’étions pas des punks au sens 

anglais du terme. Nous ne raisonnions pas en 

termes de “no future”, mais de “future”. Nous 

étions surtout opposés à la musique bien frelatée 

des années 1970, les Daniel Guichard et 

consorts, les années Giscard. À l’époque, nous 

avons joué en première partie des Damned. Je 

me souviens qu’avec Captain Sensible (l’un des 

leaders, ndlr), nous partagions une certaine 

forme d’hédonisme et de joie de jouer sur scène, 

bien loin du nihilisme des Sex Pistols. 

Comment se passait la scène punk à Lyon ? 

K. : Grâce à une cassette remise à Philippe 

Manœuvre, nous avons eu un article dans 

Rock & Folk, ce qui nous a permis de nous faire 

connaître. Une véritable chance, car les journalistes 

ne se bousculaient pas à Lyon. Nous 

cultivions notre attitude antiparisienne avec 

Marie et les Garçons. (Rires.) En réalité, nous 

étions potes avec Bijou, Trust, Téléphone, cette 

génération qui souhaitait secouer le cocotier de 

la chanson française. Une saine émulation. 

De 1978 à 1981, Starshooter a sorti quatre 

albums. Nous avions 20 ans, nous étions les 

rois du monde. 

En 1981, Pas fatigué est le dernier album de 

Starshooter. La gueule de bois ? 

K. : Malgré une grosse tournée, ce disque s’est 

mal vendu. Nous étions déçus. Nous avons 

décidé d’arrêter l’aventure. À l’époque, j’étais 

déjà à fond dans la bande dessinée. Après 

quatre années, à plein tube, j’en avais un peu 

assez du grand cirque du rock’n’roll. J’ai alors 

beaucoup écouté les grands chanteurs français 

comme Gainsbourg, Brel, Aznavour. Plutôt 

qu’à l’interprétation proprement dite, aux 

textes, si importants en France, je me suis intéressé 

à la musique, aux arrangements, à l’utilisation 

très “française” de la valse, par 

exemple. En fait, ces auteurs représentent ce 

que les grands maîtres de la country – Hank 

Propos recueillis par Éric Delon 

Williams, Kris Kristofferson – symbolisent 

aux États-Unis. 

Avec votre premier album solo, Amours propres, 

en 1982, vous devenez officiellement un chanteur 

français post-punk ? 

K. : Oui, j’avais 25 ans et j’étais déjà un has been ! 

(Rire.) Je suis monté à Paris. J’ai introduit de 

l’accordéon dans mes chansons, j’ai voulu 

m’inscrire dans une certaine idée de la chanson 

française, mais qui ne soit pas momifiée. Même 

si je me suis toujours méfié du diktat très hexagonal 

de la “chanson à texte”, j’ai beaucoup 

travaillé ces derniers. N’oublions pas que si les 

spectateurs écoutent avant tout la musique des 

groupes, ils écoutent, en priorité, les textes des 

chanteurs solos. Par ailleurs, je n’ai jamais été, 

contrairement à ce que certains ont écrit, le 

chantre de la chanson française. Je ne suis pas 

du tout fan de Brassens et de Trenet, par 

exemple. Certains journalistes, dans les 

années 1990, voulaient à tout prix me faire parler 

de la chanson française, alors même que 

j’écoutais de la drum’n’bass dans les clubs avec 

mes jeunes musiciens. 

En 1989, le single “J’aime un pays”, ode à une 

France métissée, fait un carton. 

K. : Oui, l’album À nos amours dont il est extrait 

a très bien marché. Je voulais réagir à cette 

France qui commençait à se laisser séduire par 

les discours xénophobes du FN. Cette chanson 

a rencontré son époque. J’ai eu de la chance. 

Outre la BD, vous avez écrit des romans et des 

livres pour enfants : une récréation ? 

K. : Un vrai désir et un défi à relever. Pour les 

romans, j’ai répondu à des propositions que j’ai 

acceptées. 

Votre nouvel album, La Grande Illusion, est sorti 

début février. Quelle en est la genèse ? 

K. : En 2015, je me trouvais au 104 (salle d’art et 

de spectacle parisienne, ndlr) pour jouer mon 

disque Métropolitain avec un groupe d’un instant, 

Tahiti Boy – alias David Sztanke. Nous 

nous sommes particulièrement bien entendus. 

J’avais quelques chansons dans le coin de ma 

tête. Nous avons décidé de travailler ensemble 

pour ce nouvel album. Ils ont été des “déclencheurs 

d’envie”. 

La politique ? 

K. : Je suis de plus en plus spectateur, un peu 

fataliste. Je me dis qu’il est difficile d’agir, qu’il 

est presque vain de vouloir enrayer la marche du 

monde, la mondialisation, l’élection de Trump. 

Rassurez-vous, je vote toujours à gauche, même 

si j’ai perdu certaines illusions… 

EN FANFARE 

Le chanteur revient 

avec La Grande 

Illusion et dix titres 

entre pop et rock. 


Q&R 

Willie Nelson 

La légende vivante nous explique comment faire durer un mariage en étant sur la route 

et pourquoi Jeff Sessions doit juste fumer un peu d’herbe. Par Patrick Doyle 

N 

ous sommes à la 

veille du 84 e anniversaire 

de Willie 

Nelson, mais ses 

projets en la matière restent 

modestes. “Je vais juste essayer 

d’être là”, dit-il en riant depuis 

son bus de tournée, le Honeysuckle 

Rose, actuellement garé à 

Laughlin, dans le Nevada, un 

arrêt de plus dans son planning 

de tournée fou furieux : deux 

semaines de concert, deux 

semaines de repos. “J’aime toujours 

ça, dit-il. Ce sont les deux 

semaines de repos qui sont un 

peu longues.” Cet été, Willie va 

tourner avec l’Outlaw Music Festival, 

qui comprend des dates 

avec Bob Dylan, Sheryl Crow, 

Jason Isbell et les fils de Nelson, 

Lukas et Micah. Il est impatient 

d’interpréter en public les chansons 

de son excellent nouvel 

album, God’s Problem Child. “Ça 

va être une super-occasion de 

revoir beaucoup de vieux amis”, 

dit Nelson qui, après des milliers 

de concerts, a son truc à lui pour 

maintenir l’intérêt de ses prestations 

: “Je n’essaie pas intentionnellement 

de déstabiliser le 

groupe, mais je joue des chansons 

qu’ils ne connaissent pas. Et 

parfois, quelque chose de 

magique se produit.” 

Votre nouveau single, “Still Not 

Dead” [Toujours pas mort], est hilarant. 

Qu’est-ce qui vous l’a 

inspiré ? 

Willie Nelson : Il y a des années, 

quand j’ai écrit “On the Road 

Again”, j’ai entendu dire pour la 

première fois que j’étais mort. 

Quelqu’un a dit : “Willie chantait 

‘On the Road Again’ et il a été 

renversé par un bus.” Ça a été 

amusant pendant quelque 

temps. Puis j’ai entendu ce que 

vous appelez des “faits alternatifs” 

: ces deux dernières années, 

deux ou trois fois, en me levant, 

j’ai appris que j’étais décédé. Je 

voulais juste leur faire savoir que 

c’était un gros tas de conneries. 

Cet été, vous serez réunis avec 

Dylan. C’est comment, quand vous 

traînez ensemble tous les deux ? 

W. N. : Je ne pense pas que ce soit 

souvent arrivé. On fait plus de 

musique ensemble qu’on ne parle, 

et c’est probablement une bonne 

chose. [En 2004,] mon fils Lukas 

et Dylan se sont vraiment bien 

entendus ; il l’a rejoint sur scène 

pour jouer de la guitare avec lui, 

ils ont beaucoup jammé sur ces 

tournées. C’était sympa. 

Quel est votre artiste préféré, sur 

scène ? 

W. N. : Leon Russell était l’un des 

plus grands showmen qui aient 

jamais existé. La première fois 

que je l’ai vu, il jouait devant 

environ 40 000 personnes, au 

Nouveau-Mexique. Je n’avais 

jusqu’alors jamais vu quelqu’un 

jeter son chapeau dans le public. 

C’est là que j’ai volé l’idée. 

Jeff Sessions, procureur général 

des États-Unis dans l’administration 

Trump, a récemment déclaré que 

l’herbe est “seulement légèrement 

moins terrible” que l’héroïne… 

© TAYLOR HILL 



W. N. : Je me demande s’il a essayé 

les deux. Je ne pense pas qu’on 

puisse faire une telle déclaration 

sans avoir tout essayé. Donc, j’aimerais 

suggérer à Jeff d’essayer 

et, ensuite, de me faire savoir s’il 

pense toujours dire la vérité ! 

Quel est votre sentiment sur la 

présidence de Donald Trump jusqu’à 

maintenant ? 

W. N. : Eh bien, je le connais depuis 

longtemps, du temps où il possédait 

des casinos, et j’ai travaillé 

pour lui. Il m’a toujours payé. Je 

n’ai jamais eu aucun problème. Je 

pense qu’il a mis le pied dans un 

monde complètement différent. Il 

l’a d’ailleurs dit récemment : “Je 

ne pensais que ce boulot allait être 

si difficile.” C’est facile, quand on 

a la possibilité de se déclarer en 

faillite quand on veut, de dire : “Je 

te ferai un chèque plus tard.” Mais 

c’est plus difficile quand on est 

président des États-Unis. 

enfoiré, et ne soit pas un putain 

d’enfoiré.” La mienne a toujours 

été : “Ne cherche pas la merde et tu 

ne te retrouveras pas dans la 

merde.” 

Vous êtes marié à Annie, depuis 

vingt-cinq ans. Qu’avez-vous appris à 

propos du mariage ? 

W. N. : C’est un peu comme ce que 

disait Donald Trump à propos du 

fait d’être président : il n’y a rien de 

facile, là-dedans. Chaque jour est 

un dur labeur. Ça n’est pas pour 

tout le monde. J’ai été marié plusieurs 

fois. 

Que vous a appris le golf à propos 

de la vie ? 

W. N. : Absolument que dalle ! 

Quelqu’un m’a dit, un jour : “Tu 

abîmes une belle balade en jouant 

au golf.” Mais j’adore jouer. J’y suis 

allé l’autre jour avec mes fils. J’ai 

fait un eagle sur un par four, j’étais 

content. 

“ ON PEUT FAIRE PLUS DE 

CHOSES AVEC LA MUSIQUE 

QU’AVEC DES DÉBATS 

ET DE LA POLITIQUE. ” 

Vous vendez des autocollants 

“Willie Nelson for President”. Est-ce 

que beaucoup de gens vous poussent 

à vous présenter ? 

W. N. : Oh oui ! Ce qui me rend 

encore plus heureux de ne pas 

l’avoir fait ! J’ai failli y aller à deux 

reprises. Et puis, j’ai dessaoulé. 

Donc, Trump ne vous a pas donné 

envie d’intervenir ? 

W. N. : Je pense qu’on peut faire plus 

de choses avec la musique qu’avec 

des débats et de la politique. Je 

pense qu’une chanson touche plus 

les gens que quoi que ce soit 

d’autre. Il y a une raison pour 

qu’on appelle cela “l’harmonie” : 

quand on donne un concert, il y a 

un échange d’énergie inimaginable 

avec les gens. C’est la raison 

pour laquelle je me produis en 

public. J’en retire aussi quelque 

chose. 

Quelles règles avez-vous imposées 

à vos enfants ? 

W. N. : Ma femme en a une, qui se 

décompose en trois principes : “Ne 

sois pas un enfoiré, ne sois pas un 

Faites-vous toujours de l’exercice 

quotidiennement ? 

W. N. : Ouais. Je monte à cheval, je 

nage ou je cours. Jurer est également 

un bon exercice – je fais ça, 

aussi. 

Quel est votre juron préféré ? 

W. N. : Je dis à tout le monde que 

quand je serai président, “Fuck it” 

s’écrira en un seul mot. 

Vous avez lancé votre propre 

société d’exploitation de marijuana, 

Willie’s Reserve. Comment ça 

marche ? 

W. N. : Ça marche bien ! J’ai des gens 

qui s’en occupent plus ou moins 

pour moi. Annie s’occupe du côté 

comestible – c’est une grande cuisinière. 

Elle travaille avec le 

Colorado et avec tous les endroits 

où c’est légal. 

Est-ce qu’il y a un inconvénient à 

fumer de l’herbe tous les jours ? 

W. N. : Je n’en ai pas encore trouvé. 

Je suppose que quand on va 

quelque part où c’est illégal, c’est 

plutôt un inconvénient. 


SOMEBODY TOLD ME… 

Brandon Flowers, toujours 

à la recherche de nouvelles 

sources d’inspiration.

ROCK & ROLL 

THE KILLERS 

Tueurs (passion)nés 

Les Killers commettent leur nouveau crime, cinq ans après Battle Born. 

Wonderful Wonderful, disponible le 22 septembre, a été voulu comme un retour 

aux sources. C’est à Londres que Rolling Stone a rencontré deux membres 

du gang, Brandon Flowers et Ronnie Vannucci Jr. Par Vincent Guillot 

© ANTON CORBIJN 

Cinq ans entre deux albums, 

c’est un record 

pour les kids de Las 

Vegas. Mais le tout nouveau 

Wonderful Wonderful devrait 

à nouveau affoler les compteurs. 

Aux États-Unis comme en 

Angleterre, le groupe de Brandon 

Flowers fait partie des cadors du 

pop-rock. Ci-devant, le charismatique 

frontman est en de bonnes 

dispositions, souriant, voire blagueur. 

Le batteur et lui ont œuvré 

sur différentes œuvres – solo ou 

side project – avant de réunir le 

gang au complet. Histoire de 

laisser souffler leurs comparses. 

“Nous avons tourné pendant 

deux ans sur l’album précédent, 

confie Brandon. C e r t a i n s 

membres du groupe n’aiment pas 

forcément partir en tournée. Ils 

ont besoin d’espace.” 

L’espace-temps nécessaire écoulé, 

les Killers se sont mis en quête de 

l’homme clé pour mettre en boîte 

ce cinquième effort, lequel s’est 

avéré être Jacknife Lee, vu chez 

U2, REM, les Hives mais aussi le 

boys band One Direction et 

Taylor Swift. “Nous avons organisé 

un véritable speed dating de 

producteurs. On a effectué des 

essais, pas mal discuté, raconte 

Ronnie. Jacknife avait une approche 

totale, une vision. Il parlait 

le même langage que nous. Le 

courant est passé très vite.” 

Ce nouvel opus marque un retour 

aux sources, selon Flowers luimême. 

“En octobre dernier, nous 

avons donné un concert pour les 

10 ans de Sam’s Town. Il y avait 

les vieux décors, les vieilles 

lights… Nous n’avions pas encore 

d’idées pour le nouvel album, et 

nous avons tous eu envie de revenir 

vers ça. Je crois que nous y 

sommes parvenus.” Pourtant, au 

point de départ, son groupe ne se 

donne aucune direction particulière 

: “Nous sommes mauvais 

pour ce genre de trucs. Nous 

n’avons jamais défini à l’avance 

de direction vers laquelle aller. 

J’avais quelques idées auparavant, 

nous ne faisons pas de listes 

de titres à écouter préalablement 

afin de définir ce sur quoi nous 

allons travailler.” Ronnie 

Vannucci approuve. “Nous expérimentons, 

nous essayons de 

trouver le moyen de faire avancer 

les titres. Nous voyons où ça nous 

mène tous ensemble. C’est comme 

ça que j’aime bosser avec le 

groupe.” 

Ces expérimentations peuvent 

cependant s’avérer de longue 

durée. La chanson “Run for 

Cover” a ainsi nécessité huit années 

de gestation. “Elle n’a jamais 

été complètement au point, explique 

Ronnie. Il y avait un problème 

avec les paroles, le rythme, 

la production. Nous ne l’avons 

jamais trouvée à notre goût.” Son 

compère poursuit : “Nous ne nous 

sommes pas acharnés non plus 

ON TOP 

Les gars de Vegas 

sont de retour avec 

un cinquième album. 

“ NOUS N’AVONS JAMAIS DÉFINI 

DE DIRECTION À L’AVANCE. ” 

durant tout ce temps. Nous 

l’avons démarrée il y a huit ans, 

puis nous l’avons retravaillée de 

temps en temps. Notamment au 

moment du Best Of. Et nous 

avons fini par la terminer de la 

manière dont elle le méritait et 

nous en sommes heureux.” 

Si sur “The Man”, efficace single 

où le groupe renoue avec ses sonorités 

classiques ponctuées de 

samples disco-funk, l’obsession de 

se renouveler tout en restant fidèles 

à leur marque de fabrique 

demeure très forte chez Flowers ; 

qui évoque joliment cette problématique 

sur “Have All the Songs 

Been Written?”. “Quand on lance 

un groupe, on peut déjà se poser 

cette question. Lorsque tu mesures 

tout ce qui a été sorti par les plus 

grands maîtres depuis cinquante 

ans, tu te demandes comment 

toi, tu vas pouvoir contribuer 

à cet ensemble.” 

Se mesurer à son œuvre, à celles 

des autres : derrière cette idée, il y 

a chez Flowers la peur d’un éventuel 

déclin. Pensée normale pour 

un groupe qui affiche – déjà ! – 

treize années d’existence. Il 

l’évoque via une surprenante parabole 

: le combat perdu par Mike 

Tyson en 1990 face à James 

“Buster” Douglas sur la chanson 

“Tyson vs. Douglas”. “C’est un combat 

qui m’a beaucoup impressionné. 

Il m’est revenu à l’esprit, 

cela m’a obsédé et je me suis dit que 

je devais en faire quelque chose. La 

conclusion, après tout, était que je 

ne voyais plus le monde de la 

même façon à la suite de ce match. 

Tyson était à son sommet, ce combat 

était un événement majeur à 

Vegas, et même dans le monde 

entier. Il était invaincu. Pour mes 

enfants, je suis Tyson, je suis cette 

perfection. Bien sûr, je ne suis pas 

vraiment parfait. Mais je ne veux 

pas descendre de mon piédestal. 

C’est ce que je raconte dans le troisième 

couplet.” 

On objecte qu’à l’époque, Douglas 

aurait dû être compté K.-O. avant 

son coup victorieux. Notre homme 

balaie : “Le comptage était juste. Il 

ne s’était pas assez entraîné. En 

fait, c’était le début de la fin pour 

Tyson.” Une manière de dire que, 

pour les Killers, l’exigence reste de 

mise pour reculer sans cesse 

l’heure de jeter l’éponge. 


TRÉSOR ENTERRÉ 

Glenn Hughes 

I’m a Soul Man 

Icône du heavy metal, l’ex-chanteur et bassiste de Deep Purple n’est jamais autant inspiré 

que lorsqu’il joue de la musique noire américaine. Par Bertrand Deveaud 

Glenn hughes était-il 

fait pour le hard rock ? 

Après cinquante ans de 

carrière, avoir joué avec 

Deep Purple ou Black Sabbath, 

hurlé des torrents de décibels et fait 

vrombir sa basse dans tous les festivals 

de la planète, gardé son allure 

de rockstar à 65 ans malgré plusieurs 

overdoses de cocaïne, la réponse 

est évidente. En réalité, 

Hughes est un chanteur de soul. 

“Le Glenn Hughes ‘soulful’ est le vrai 

Glenn Hughes”, affirme-t-il. Le besoin, 

sans doute, de rappeler qu’il 

n’est pas forcément celui qu’on croit. 

“Je ne me suis pas égaré dans le 

hard, mais je n’ai pas toujours joué 

la musique que j’avais en moi.” 

Né en 1952, dans une région rurale 

de l’Angleterre, Glenn Hughes grandit 

en écoutant James Brown, Otis 

Redding et les grandes figures de la 

Tamla Motown : Stevie Wonder, 

Marvin Gaye, The Temptations… 

“C’est une musique d’émotions et de 

sensations qui me parle. Ça va droit 

au cœur, au plus profond de soi, ça 

ouvre les portes de l’âme.” 

Alors pourquoi ce passionné de 

soul, de rythm’n’blues et de funk, 

doté en plus d’une voix parfaitement 

calibrée pour ça, a-t-il atterri 

chez Deep Purple ? Cette question, 

David Bowie a été le premier à se la 

poser. C’était en août 1974, à Los 

Angeles. Glenn termine les sessions 

de Stormbringer, son deuxième 

album avec Deep Purple, aux 

studios Record Plant, pendant que 

David, en tournée américaine 

( Diamond Dogs Tour), s’apprête à 

commencer l’enregistrement de 

Young Americans, qu’il annonce 

très “blue-eyed soul”. 

“Je venais d’arriver dans ma 

chambre du Beverly Wilshire Hotel 

lorsque je reçois un coup de fil 

d’Angie, sa femme, pour me dire que 

David m’avait vu lors du California 

Jam, un concert retransmis sur 

ABC, raconte Glenn. Il avait été 

impressionné par ma performance 

et avait très envie de me rencontrer.” 

Glenn rejoint David dans sa suite, 

un étage plus haut. Et là, c’est un 

défilé de rockstars. Il y croise Keith 

Moon, Ronnie Wood, Alice Cooper, 

Iggy Pop… Très vite, les deux 

hommes se retrouvent seuls, et 

David lui demande, intrigué : 

“Comment un soul guy comme toi 

s’est-il retrouvé à faire du metal ?” 

Glenn répond :“C’est une proposition 

que je ne pouvais pas refuser. 

Et le groupe savait que j’adorais la 

soul et le funk.” Toute la nuit, Glenn 

et David vont parler de black 

music. Et deviendront les meilleurs 

amis du monde. 

Le lendemain, David, qui souffre de 

paranoïa et ne sort presque jamais 

de son hôtel, retrouve Glenn au 

studio. Ce jour-là, le groupe enregistre 

“Hold On”, un titre au groove 

imparable, dont Glenn assure une 

partie du chant. “David, qui s’était 

fait discret, s’est mis à danser dans 

le studio. Il était dingue de cette 

chanson.” 

L’orientation soul et funk donnée à 

Stormbringer apparaît de plus en 

LUNETTES NOIRES 

David Bowie et Stevie 

Wonder seront 

ses parrains soul. 

plus claire. D’autant qu’au même 

moment, dans le studio d’à côté, 

Stevie Wonder travaille sur Songs 

in the Key of Life. Un signe des 

dieux pour Glenn. “Quand j’ai appris 

qu’il était là, j’étais sur un 

nuage. Mon idole, ma source d’inspiration 

principale, ici, au Record 

Plant ! Je ne voulais pas le déranger 

pendant une séance, alors je l’ai 

attendu à la sortie des toilettes. 

Comme un fan un peu pressant… Il 

a été incroyablement gentil, et a 

même accepté d’écouter ‘You Can’t 

Do It Right’, que l’on était en train 

de mixer.” Une chanson, aux accents 

de “Superstition”, que Stevie 

aurait pu composer. “Hey, man ! Je 

crois qu’on aime la même musique 

et qu’on a les mêmes références”, 

lance-t-il à Glenn, encourageant le 

groupe à continuer dans cette direction. 

Stevie Wonder dira plus 

tard : “Mon chanteur blanc préféré 

vient d’Angleterre, et il s’appelle 

Glenn Hughes.” 

Pour Glenn, cette double reconnaissance 

de prestige (Bowie/ 

Wonder) le conforte dans son 

choix : faire du groupe de “In Rock” 

et “Machine Head” un supergroupe 

de funk-rock. Et troquer sa 

panoplie de hard rocker contre 

celle de soul man. Mais la machine 

Deep Purple est devenue trop 

énorme. Les fans du groupe veulent 

d’abord du gros rock. Stormbringer 

est encore bien accueilli, mais l’album 

suivant Come Taste the Band, 

toujours teinté de soul, est un 

échec. L’année suivante, Glenn 

publie Play Me Out, son premier 

album solo, un hommage (un peu 

raté) à Stevie Wonder. Nouvel 

échec. En cette fin des années 

1970, la soul est supplantée 

par le disco, le punk explose, le 

hard rock style 

“glam metal” se 

propage et Glenn, addict à la co- 

caïne, ne sait plus où il en est. 

“C’était une période difficile pour 

moi, j’ai fait souvent n’importe 

quoi, joué sans envie. Je me suis 

laissé entraîner là où mon public 

m’attendait.” Glenn oublie la 

soul, joue avec Black Sabbath, 

Gary Moore, Mötley Crüe, prend 

du poids, de plus en plus de cocaïne 

et se fait désormais surnommer 

“The Voice of rock”. 

Le “soul guy” n’est plus qu’un souvenir, 

qui parfois refait surface lors 

d’éclairs dans quelques albums 

solos (Feel, Music For the Divine). 

Aujourd’hui, Glenn va beaucoup 

mieux. Il ne se drogue plus, mange 

bio, a retrouvé une silhouette de 

jeune premier et annonce un album 

100 % soul d’ici à deux ans. 

“Quelque chose qui me ressemble 

vraiment.” En attendant, il faut 

réécouter Stormbringer et surtout 

You Are the Music… We’re Just the 

Band, le troisième album du groupe 

Trapeze, une merveille absolue de 

rock-funk sortie en 1972. Glenn 

avait 20 ans. C’était juste avant de 

rejoindre Deep Purple… 

© MIKE PRIOR/GETTY IMAGES 



HOMMAGE 

Uncle Sam 

Sam Shepard portait en lui une image et un regard. Et une autre vision de l’Amérique. 

Et ses héritiers – que ce soit de l’auteur, de l’acteur comme du scénariste – sont nombreux. 

Par Charles Bloch 

I 

l la portait sur chacun 

des traits de son visage. 

L’Amérique. À l’heure où il 

faut se faire à l’idée que 

tout a déjà été dit sur sa 

vie, c’est un regard qui reste en 

tête. Bleu, fixe et aligné comme 

le viseur d’une carabine. Un 

regard hiératique comme seules 

les icônes peuvent en porter. De 

Bowie à Walken, de Lincoln à 

Joe Hill. Au-delà de d’une beauté 

profonde, il y avait ce réflexe instinctif, 

quand il regardait la 

caméra trop longtemps : on baissait 

les yeux. 

Ils sont quelques-uns comme ça 

à catalyser la culture américaine, 

ils se connaissent et sont amis. 

Stanton, Kristofferson… Bob 

Dylan lui-même le sollicita pour 

chroniquer sa tournée Rolling 

Thunder, en 1975. La reconnaissance 

des pairs, quatre ans avant 

son Pulitzer. De fait, les chroniques 

devaient servir de scénario 

à un film qui ne verra jamais 

le jour. Shepard écrira sur la 

tournée comme un insider, silencieux, 

à balayer les gens, les 

éventements. 

La solitude, le voyage, le silence. 

Comme des couleurs primaires, 

elles composeront ce qu’il était. 

Une présence taiseuse, toujours 

debout et reconnaissable. Il était 

cet homme qui remplissait le 

désert à lui tout seul. Un pilier. 

Un père. Mais pas le patriarche. 

Pas celui qui reçoit ses enfants à 

Thanksgiving, pas le bon père à 

la Norman Rockwell. Étonnant, 

d’ailleurs, tant on jurerait qu’il 

s’est échappé d’une de ses toiles. 

Non. Le père absent, celui qui 

n’est pas là. Celui qui est parti il 

y a longtemps, dont on n’a que 

des souvenirs racontés. Celui 

dont maman ne veut pas parler. 

Celui qui nous a forcé à se 

débrouiller sans lui. Celui qui 

nous a rendu fort. Le père absent 

de Paris, Texas – il en signera le 

scénario pour Wenders, avec qui 

il partage l’amour de la route. 

Celui qui viendra frapper maladroitement 

à la porte, même si 

on lui avait bien dit : “Don’t come 

Lorsque Harry Dean Stanton 

reste muet dans le désert et pendant 

des jours, une casquette 

rouge visée sur le crâne, c’est 

parce que Shepard l’a écrit. 

Alors, bien sûr, il reste les frères 

d’armes, Harry Dean Stanton, 

donc, Tommy Lee Jones, Robert 

Duvall... Quelques héritiers 

aussi, Matthew McConaughey, 

Josh Hartnett, Billy Bob 

Thornton. Des adeptes de l’underplay, 

le sous-jeu dont parlait 

Jean-Pierre Melville quand il 

évoquait Lino Ventura. Cette 

façon de faire comprendre sans 

exprimer, de dévaster sans 

exploser. L’alternative à l’Actor 

Studio. Pas d’éclats de voix, chez 

Sam Shepard, il avait le pouvoir 

des silencieux. Un point en commun 

avec Clint Eastwood. Une 

“ IL ÉTAIT CET HOMME 

QUI REMPLISSAIT LE DÉSERT 

À LUI TOUT SEUL. UN PILIER. ” 


knocking” (même histoire avec 

Wim) après avoir préféré vivre sa 

vie d’homme plutôt que sa vie de 

famille. 

Perdre sa dernière bataille à 

Midway. Joli clin d’œil du ciel 

pour un fils de pilote. Un retour 

de pied de nez pour l’avoir défié, 

ce ciel, à bord d’un X-1 cinégénique. 

Pour ces soleils aux compteurs, 

ce crash dans le désert et, 

face à la Jeep affolée qui venait à 

son secours, ce rictus ensanglanté 

qu’il porta debout, son 

casque à la main, silencieux. Oui, 

Shepard c’était le héros qui 

n’avait rien à dire à personne, 

aucune explication à donner. Sûr 

de lui ou en tort, un fusil à la 

main ou désarmé, face au regard 

d’une femme. Shepard était 

Shepard devant l’objectif ou assis 

derrière une machine à écrire. 

voix qui dénote de son faciès de 

superhéros. Plutôt douce, claire 

et rare, comme pour exprimer la 

précaution permanente de ceux 

qui ne sont pas chez eux, ceux 

qui ne sont que de passage, qui 

savent qu’ils ne resteront pas. 

Même en essayant, il est impossible 

de faire correspondre Sam 

Shepard à un cliché américain. 

Pas un cow-boy solitaire, ni un 

hors-la-loi. Pas un témoin de 

notre temps, ni un auteur torturé. 

Les clichés sont des schémas 

appliqués, Shepard les réécrivait 

sans cesse. Sortant chaque élément 

de cette Amérique qu’on 

croit connaître pour la dénuder. 

Un homme capable de faire 

revivre n’importe quel mythe, de 

Billy the Kid à la course à l’espace, 

de Dylan aux motels. Des balades 

au paradis. 


SET IN MOTION 

MEMORIES 

Parcours de 

vie bien rempli 

pour le Rennais, 

de la musique 

à la politique.

Q&R 

Frank Darcel : 

“ Se construire une vie différente ” 

Musicien, écrivain, producteur, éditeur et militant… Avec près de quarante ans de carrière, 

l’ex-Marquis de Sade est à nouveau sur le devant de la scène. Collector. Par Philippe Barbot 

© JO PINTO MAIA 

I 

l y a déjà des lustres, à 

l’époque où les jeunes gens 

modernes aimaient leurs 

mamans et posaient en une 

du magazine Actuel, il coprésidait 

aux destinées du groupe Marquis 

de Sade. Un orchestre mythique, 

champion de la new wave rennaise 

qui, le temps de deux albums à 

l’orée des années 1980, a su réinventer 

un rock sombre et lyrique 

mâtiné d’influences européennes et 

de rythmes new-yorkais, mélangeant 

expressionnisme allemand et 

punk anglo-saxon, singularisé par 

un répertoire trilingue et la voix et 

la gestuelle du chanteur Philippe 

Pascal. Près de quarante ans après, 

Frank Darcel manie toujours la 

guitare, mais a également empoigné 

le micro, au sein d’un nouveau 

combo nommé “Republik”, dont le 

deuxième album, Exotica, est paru 

il y a quelques mois. Un disque résolument 

contemporain, impérieux et 

romantique, dans lequel on 

retrouve les influences chères à ce 

fan du Velvet Underground et des 

Talking Heads, dont il a invité, 

entre autres, Tina Weymouth et 

Chris Frantz sur le précédent opus. 

Musicien, écrivain, producteur, éditeur 

et militant, Frank Darcel a eu 

plusieurs vies. Il a guidé les premiers 

pas de Pascal Obispo, accompagné 

Étienne Daho sur le chemin 

du succès, produit des disques d’or 

au Portugal et un album pour Alan 

Stivell, écrit trois romans (le prochain, 

Pagan, un polar rennais, 

sortira en novembre), supervisé une 

somme en deux volumes sur l’histoire 

du “Rok” en Bretagne et continue 

d’œuvrer pour l’autonomie de 

sa région natale. À l’heure où l’on 

réédite les albums culte de son premier 

groupe, réuni pour un concert 

événement, rencontre avec un activiste 

débordant d’activité. 

Trente-six ans après la dissolution du 

groupe, il est question d’une reformation 

de Marquis de Sade. Qu’en est-il ? 

F. D. : C’est venu d’un ami graphiste, 

Patrice Poch, un passionné de 

longue date du groupe, qui a toujours 

collectionné les archives et 

même répertorié toutes nos 

anciennes dates de tournée. Il a eu 

envie d’organiser une expo qui 

aura lieu en septembre, à Rennes, 

avec la collaboration d’artistes 

illustrant chacun un titre de 

Marquis de Sade. Dans ce cadre, il 

nous a convaincus de faire un 

concert unique. L’idée est de 

recréer surtout l’ambiance du premier 

album, Dantzig Twist. 

À l’époque, Marquis de Sade était 

considéré comme un groupe à part, 

plus européen que français… 

F. D. : Nous sommes nés à cause des 

groupes à deux guitares comme 

Television, Richard Hell and the 

Voidoids ou les Feelies, que j’avais 

vus à plusieurs reprises à 

New York, en 1978. Nous ne voulions 

surtout pas ressembler aux 

groupes français de l’époque et 

même, ne pas refaire comme ceux 

que nous aimions. Nous étions 

influencés par les mouvements 

culturels d’entre-deux-guerres, le 

cinéma expressionniste, les films 

de Wenders, ce pont entre 

l’Europe de l’Est et l’Amérique. 

Avec tout ça, nous avons fait notre 

mélange à nous. 

Qu’est ce qui, finalement, a provoqué 

la fin du groupe ? 

F. D. : Après le deuxième album, 

Rue de Siam, en 1981, nous avons 

commencé à avoir des dissensions 

musicales. J’allais souvent à 

New York, grâce à un oncle qui 

avait émigré là-bas. Je hantais les 

clubs et j’avais découvert les 

Talking Heads, mais également 

Material, le groupe de Bill 

Laswell. J’avais envie d’introduire 

ce côté soul urbain dans notre 

musique. Et puis notre label, s’il 

était sympathique, avait un côté 

bricolo qui ne nous satisfaisait 

plus. Je pensais que l’on méritait 

davantage de soutien et de 

moyens. En fait, le message punk 

me plaisait vraiment : ne rien 

inscrire dans la durée, réinventer 

son avenir en décidant de tout 

casser et de recommencer. 

Ensuite, à côté de Marc Seberg, le 

groupe de Philippe Pascal, vous fondez 

Octobre, puis Senso, avec un 

chanteur nommé Pascal Obispo… 

F. D. : Avec Octobre, nous avons 

enregistré deux albums avec deux 

chanteurs différents, dont Patrick 

Vidal, ex-Marie et les Garçons. 

Nous avons même joué en première 

partie de David Bowie, à l’hippodrome 

d’Auteuil, en juin 1983. Puis 

j’ai créé Senso, deux albums aussi, 

dont un avec Pascal Obispo : il était 

bassiste à l’époque, une sorte de 

“J’AIMAIS BIEN LE 

MESSAGE PUNK : 

RÉINVENTER 

SON AVENIR, 

TOUT CASSER ET 

RECOMMENCER.” 

rocker sophistiqué qui écoutait 

David Sylvian et Sakamoto. Un 

jour de répétition, il nous a fait une 

imitation très réussie d’Yves 

Montand et je lui ai proposé de 

prendre le micro. C’est ce jour-là 

qu’il est devenu chanteur. Le 

disque n’est sorti qu’à mille exemplaires 

et est passé assez inaperçu. 

Mais j’ai été l’éditeur de son premier 

album solo, ce qui a amélioré 

mon ordinaire… 

Comment avez-vous été amené à 

collaborer avec Étienne Daho ? 

F. D. : J’ai commencé à travailler sur 

ses premières maquettes, comme 

musicien, arrangeur et co-compositeur. 

Comme le premier album, 

Mythomane, n’avait pas vraiment 

marché, on lui a demandé d’enregistrer 

ensuite un maxi-single. On 

a fait “Le Grand Sommeil” avec 

trois francs six sous et ça a été le 

premier tube radio d’Étienne. Du 

coup, j’ai produit l’album suivant 

La Notte, la Notte, en 1984, qui a 

été disque d’or. Puis le titre “Tombé 

pour la France”. Les groupes commençaient 

à me lasser, j’étais ravi 

de me lancer dans la production. 

Ensuite, je suis parti pour le 

Portugal où j’ai travaillé dix ans, 

essentiellement avec un artiste très 

populaire là-bas, Paulo Gonzo, 

dont j’ai produit cinq albums. 

Après le Portugal, vous devenez 

militant autonomiste breton. Un 

retour aux sources ? 

F. D. : Je suis né à Loudéac, au cœur 

du pays breton, mais je me sentais 

plutôt européen. J’avais un grandpère 

qui militait pour la défense de 

la langue bretonne et un jour, je 

suis tombé sur une caisse de livres 

qui lui appartenaient. Ça a été un 

choc terrible. Je me suis rendu 

compte que tout ce que j’avais 

appris à l’école n’avait rien à voir 

avec l’histoire du lieu où je vivais, 

que le roman national français a 

complètement occultée. Plus tard, 

j’ai participé aux élections municipales 

de 2008 avec le Parti Breton 

et je suis devenu collaborateur politique 

à la mairie de Rennes pendant 

trois ans. En 2014, j’ai fait 

partie de la liste de Breizh Europa, 

un micro-parti qui milite pour une 

citoyenneté bretonne et européenne. 

Nous avons fait 3,8 %, ce 

qui n’était jamais arrivé. Aux prochaines 

municipales, je serai tête 

de liste à Rennes. 

La musique, la politique, l’écriture… 

C’est quoi le lien dans tout ça ? 

F. D. : Dans ma vie, j’ai fait plein de 

petits boulots : carreleur en 

Bretagne, livreur de perruques à 

Manhattan, régisseur en Chine, 

marchand de tableaux sur 

Internet, importateur de guitares 

vintage… Mais j’ai compris assez 

vite que la musique permettait de 

se construire une vie différente. 

L’écriture et le militantisme en 

font pleinement partie. Le tout 

est que cela dure le plus longtemps 

possible… 


ANNIVERSAIRE 

Chroniques sous influence 

e 

De l’apologie du psychédélisme aux enquêtes sur les abus de la lutte antidrogue, 

Rolling Stone aura étudié de nombreux aspects de la relation complexe 

que les États-Unis ont toujours entretenue avec les stupéfiants. Par DAVID BROWNE 

En octobre 1967, alors que le 

premier numéro de Rolling 

Stone est sur le point de sortir, 

la petite équipe du magazine 

apprend une nouvelle incroyable 

: des membres du Grateful Dead 

viennent d’être arrêtés pour détention de 

marijuana dans la maison où ils habitent 

en communauté dans le quartier de 

Haight-Ashbury à San Francisco, à 

quelques kilomètres seulement des bureaux 

de la rédaction. “C’était vraiment 

bizarre”, se souvient le photographe en 

chef Baron Wolman. “Le bureau des cautions 

était juste à côté de nos locaux, alors 

j’y suis allé. Ils étaient en train de payer la 

leur.” Jann S. Wenner, fondateur et rédacteur 

en chef du magazine, demande alors 

à Wolman de pendre un cliché du groupe, 

qu’il accompagnera, pour le premier numéro, 

d’un article décrivant huit agents de 

la brigade des stupéfiants qui “n’avaient 

pas de mandat et sont entrés dans la maison 

par effraction alors qu’on leur en avait 

refusé l’accès.” 

À cette époque, cela fait déjà longtemps 

que le rock’n’roll et la drogue sont indissociables. Les Beatles et Bob 

Dylan parlent de la liberté créatrice que permet l’usage des drogues 

psychédéliques ; les fans se roulent des joints sur les pochettes 

d’albums et planent en écoutant Sgt. Pepper’s Lonely Hearts Club 

Band et Blonde on Blonde. Il n’y a donc rien d’étonnant au fait que, 

dès ses débuts, le magazine parle de drogue. “Rolling Stone était issu 

de la culture de la drogue, explique Wenner. En parler faisait partie 

de notre mission, qui consistait à couvrir tous les aspects de la culture 

de la génération des baby-boomers.” Un des premiers numéros promet 

“QUARANTE PAGES PLEINES DE DROGUES, DE SEXE ET 

DE SENSATIONS À PAS CHER”. Une rubrique “Came” propose des 

conseils et des infos, par exemple sur la tentative de légalisation de 

l’herbe au Canada. Le cinquième numéro du magazine s’accompagne 

d’un cadeau d’abonnement assez gonflé : une pince à joint (“Ce petit 

gadget bien pratique est à vous pour rien ! Profitez-en maintenant, 

avant que cette offre ne soit plus légale !”) Dans les pages du magazine, 

les rockers parlent librement de marijuana ou en fument 

pendant les interviews. “Rolling Stone a été l’un des premiers endroits 

où les gens ont avoué sans détour qu’ils fumaient de l’herbe”, 

raconte Robert Greenfield, alors correspondant du magazine à 

Londres, et qui réalisera un peu plus tard une interview du roi du 

LSD et technicien du son Owsley Stanley. “Les gens comme Timothy 

Leary se faisaient incarcérer parce qu’ils fumaient de l’herbe. Mais 

à Rolling Stone, il y avait des gens qui osaient parler de ce que c’était 

que planer, ce qui était assez courageux à l’époque.” 

Un drôle de trip 

À gauche : Les Grateful Dead et leurs amis devant leur maison 

de Haight-Ashbury juste après leur arrestation pour détention 

et usage de marijuana, en 1967. Le récit de l’arrestation, écrit 

par Jann Wenner, paraîtra dans le premier numéro du magazine. 

Ci-dessus : publicité de Rolling Stone en 1968 pour un porte-joint 

offert aux abonnés. 

Mais les articles sur la drogue ne sont pas toujours aussi légers. “Nous 

voulions en parler de manière responsable, explique Jann S. Wenner. 

Il fallait être honnête sur les aspects ludiques, mais également sur les 

dangers.” Basé sur des questionnaires fournis aux troupes américaines 

postées à travers le monde, l’article du journaliste Charles Perry “Estce 

bien ainsi qu’on doit faire marcher l’armée : défoncée ?”, qui paraît 

en 1968, explore l’utilisation de l’herbe par les soldats au Viêtnam. 

“L’armée a retiré des centaines de milliers d’étudiants de l’école pour 

les larguer dans ce qui ressemble au paradis de la marijuana, écrit 

alors Charles Perry. Au Viêtnam, on peut l’acheter déjà roulée sous 

forme de cigarette en paquet de dix (200 par cartouche) et le paquet 

coûte un dollar.” 

Au même moment, aux États-Unis, l’administration Nixon est sur le 

point de déclencher une autre guerre, cette fois contre ses propres 

concitoyens. En 1971, le président lance une “attaque à grande échelle 

contre le problème de la drogue en Amérique” en fondant la Drug 

Enforcement Administration (DEA, l’Agence américaine antidrogue). 

Dans un article en deux épisodes paru en 1972, intitulé “L’étrange 

affaire de la mafia hippie”, le journaliste Joe Eszterhas raconte comment 

la Fraternité de l’amour éternel, une communauté hippie installée 

en Californie, est harcelée par la justice locale, qui considère les 

© GETTY IMAGES. DR. 



© DR. 

membres comme une “Cosa Nostra en jeans”. Lors d’une descente, 

les autorités ne saisiront qu’une balance, une lettre qui “parle d’un 

individu qui utilise de la marijuana” et “une pince à joint contenant 

des résidus de marijuana.” Eszterhas explique : “Le pays était divisé 

en deux camps bien distincts, et la Fraternité est devenue un exemple 

de cette guerre rangée.” Il poursuit : “À cette époque, à Laguna Beach, 

c’était la guerre entre les résidents normaux et ceux qui avaient les 

cheveux longs, une guerre parfois mortelle.” 

Le magazine se lance également dans des enquêtes sur les côtés les 

plus sombres de l’abus de stupéfiants, dont des articles sur l’augmentation 

de l’utilisation de la cocaïne, de l’héroïne et des Quaaludes. 

“Nous prenions bien soin de représenter les aspects négatifs de la question, 

précise Wenner. Très tôt, nous avons pris le parti de dire que les 

drogues dures étaient mauvaises.” 

En 1980, dans un article très dur 

sur la propagation de la prise de 

cocaïne, Perry décrit comment un 

utilisateur “s’est persuadé qu’il 

pouvait voir des ‘anticorps noirs’ 

dans son tissu musculaire qui 

faisaient sortir de dangereux vers 

blancs de sa peau. Après avoir 

examiné les anticorps et les vers 

avec un microscope, il a extirpé les 

‘vers’ de sa peau avec une aiguille 

et une pince à épiler, puis les a 

stockés dans des flacons pour les 

examiner.” En 1983, l’article 

d’Anthony Haden-Guest “Les 

jeunes, les riches et l’héroïne” 

brosse un portrait 

sordide de l’augmentation 

de l’utilisation de la 

poudre dans l’ère Reagan, 

pourrie par l’argent. 

Un an plus tôt, Reagan a 

donné un coup de jeune 

au programme antidrogue 

du gouvernement. 

La loi de 1986 

(Anti-Drug Abuse Act) 

2 

instaure de nouvelles 

condamnations minimums 

obligatoires, dont 

certaines sont très différentes 

selon les États en ce qui concerne la 

possession de crack et de cocaïne. Au cours 

de la décennie suivante, le nombre de personnes 

incarcérées pour des délits liés à la 

drogue sera multiplié par six, atteignant 

presque 300 000. Dans un édito de 1990, 

Wenner décrit la lutte antidrogue comme 

“notre prochain Viêtnam” et écrit que “malgré 

des décennies d’interdiction et d’efforts 

pour faire respecter la loi qui ont coûté des 

milliards de dollars, il y a plus de drogue et 

de sang dans la rue que jamais.” En 1992, dans son article intitulé 

“L’affaire Gary Fannon”, Mike Sager raconte comment un jeune de 

18 ans originaire du Michigan a été condamné à la perpétuité pour 

avoir organisé une vente de cocaïne avec un policier sous couverture. 

Le magazine soutiendra ouvertement la demande de libération de 

Fannon et, en 1996, un jugement reconnaîtra l’incitation au crime. 

Pour un numéro spécial en 1994, Wenner engage Ethan Nadelmann, 

le fondateur de la Drug Policy Alliance, pour coécrire l’article de 

couverture réclamant une “nouvelle politique sur la drogue” qui 

décriminaliserait les petites quantités d’herbe et permettrait qu’on 

“arrête de remplir nos prisons avec des petits dealers et des utilisateurs 

malchanceux.” Pour Nadelmann, “c’était très important de faire 

1 

Covering the Drug Culture 

1. Un article paru en 2010 passe 

en revue l’économie de l’herbe aux USA. 

2. Couverture d’un numéro spécial 

de 1994. 3. Un article de 2007 analyse 

les échecs retentissants de la lutte 

antidrogue. 

ce numéro spécial sur la politique en matière de drogue.” Il s’attarde 

un instant sur la couverture du magazine, ornée du titre très sérieux 

“DROGUES EN AMÉRIQUE” : “Voilà que cette publication dédiée 

aux arts et à la musique ne choisissait pas de mettre une star à la 

une, mais des mots pour parler de la lutte antidrogue.” 

En 15 000 mots, l’article écrit en 2007 par Benjamin Wallace-Wells, 

“Comment l’Amérique a perdu la guerre contre la drogue”, passera 

en revue trente-cinq ans de gaspillage fiscal, soulignant en particulier 

les excès du budget annuel de 12 milliards de dollars alloué à ce 

dossier par l’administration de George W. Bush : “Des avions de 

chasse pour s’attaquer aux cartels de la drogue colombiens, des sousmarins 

pour poursuivre les bateaux des trafiquants de cocaïne dans 

les Caraïbes… L’Amérique vaincrait ses ennemis à coup de torpilles 

et de F-16.” Pourtant, comme 

le fait remarquer le journaliste 

Tim Dickinson dans 

son article “Pourquoi l’Amérique 

ne peut pas abandonner 

la lutte antidrogue” paru 

l’an passé, “l’infrastructure 

profonde de la lutte antidrogue 

n’a fondamentalement 

pas changé sous 

Obama”, qui a entre autres 

augmenté les budgets alloués 

à l’application des lois 

antidrogue. Comme Dickinson 

le dit : “Nous n’avons 

jamais eu peur de faire remarquer 

la stupidité de la 

lutte antidrogue.” 

Dickinson rappelle également 

la suspicion avec laquelle 

le cannabis thérapeutique 

a d’abord été reçu : “Les reporters 

de la côte Est pensaient que tous 

ceux qui voulaient utiliser le cannabis 

thérapeutique étaient des 

hippies qui tentaient de rouler les 

gens.” Mais l’article 

3 

“Marijuanamerica” de 

Mark Binelli, paru 

en 2010, montre comment 

la marijuana médicale est 

devenue une force économique, 

et décrit “un moment 

clé, charnière”, une 

drôle de rencontre entre 

“des hors-la-loi vertueux 

et des dealers droits dans 

leurs bottes, des marginaux 

consciencieux et des 

affreux armés jusqu’aux 

dents, qui doivent tous à 

présent adapter leurs 

compétences à un paysage économique et juridique en perpétuelle 

évolution.” 

La marijuana thérapeutique est désormais légale dans vingtneuf 

États et huit États, ainsi que le District of Columbia autorisent 

l’usage récréatif du cannabis. “Ce monde est différent de celui dans 

lequel nous avons grandi, commente Dickinson. Aujourd’hui, il y a 

une pharmacie, une épicerie et un dispensaire dans chaque centre 

commercial.” Et alors que Donald Trump et son procureur général Jeff 

Sessions expriment le désir de revenir aux jours les plus durs de la lutte 

antidrogue, Dickinson conclut : “Observons où cela nous mènera. Nous 

devons rester vigilants.” Comme le dit Wenner : “Nous avons fait notre 

travail, et nos lecteurs sont avec nous.” 

TRADUCTION ET ADAPTATION DE KATHLEEN AUBERT 


NICE GUYS 

Une œuvre prolifique, 

une pop inspirante, 

le duo étincelle toujours.

ROCK & ROLL 

Sparks forever ! 

Une pop intemporelle et à forte personnalité : avec ce nouvel album, Hippopotamus, 

le duo prouve qu’il a toujours beaucoup de choses à dire. Rencontre. Par Sophie Rosemont 

© ELAINE STOCKI 

D 

isons-le honnêtement, 

on ne pensait pas les 

retrouver aussi vite. En 

effet, les frères Russell 

et Ron Mael nous avaient épatés 

lors de leur collaboration avec 

Franz Ferdinand, en 2015. Le fruit 

de leur travail, FFS, était un disque 

de rock parfaitement contemporain, 

sautillant et alternatif à la 

fois. Lors de la tournée mondiale 

qui avait suivi, les Sparks s’étaient 

montrés en très grande forme, 

mais on n’osait penser les revoir si 

vite. Même si ce sont ces mêmes 

concerts qui les ont incités à 

remettre le couvert ! “Dès le début, 

nous avons été très excités par ce 

nouvel album, explique Russell 

Mael. C’est rare d’avoir l’occasion 

de sortir autant de chansons en 

une seule vie, de trouver la force de 

se réinventer et d’avoir encore un 

mot à dire à notre âge, alors nous 

en profitons !” 

Nous sommes dans la suite d’un 

hôtel du centre parisien. Chic, 

mais pas branché. Calme, mais 

pas morose. On retrouve là la discrétion 

des Sparks… Même si eux 

restent reconnaissables entre 

mille. Ron, sa fine moustache, sa 

cravate et sa coiffure impeccablement 

plaquée. Russell et sa chevelure 

ébouriffée, son style plus 

décontracté et ses chaussettes de 

couleur. Tous deux ont respectivement 

71 et 68 ans mais ne les font 

pas, même de près – sans doute 

grâce à l’air pur californien dans 

lequel ils baignent depuis leur 

naissance à Los Angeles. Là où ils 

écoutaient, enfants, les Kinks, 

Pink Floyd ou les Who. Dès le 

début des années 1970, alors qu’ils 

étudient le théâtre et le cinéma à 

l’UCLA, ils écrivent leurs propres 

morceaux. D’abord sous le nom 

d’Halfnelson, produit par Todd 

Rundgren, mais sans grand succès, 

puis en tant que Sparks. C’est 

avec Kimono My House, en 1974, 

enregistré avec des musiciens londoniens, 

que les frères Mael 

percent véritablement – “This 

Town Ain’t Big Enough for Both 

of Us” est un tube dont personne 

ne s’est vraiment remis. Depuis, 

leur bonne réputation n’a jamais 

terni et ils ont réussi à passer du 

glam à l’art rock et à une drôle 

d’électro-pop, avec l’aide de 

Giorgio Moroder. En 2006, Hello 

Young Lovers témoignait encore 

de leur inspiration sans cesse 

renouvelée, tout comme leur 

comédie musicale consacrée à 

Ingmar Bergman. Aujourd’hui, 

tout le gratin de la scène pop 

contemporaine se réclame d’eux, 

d’Arcade Fire à MGMT. 

Le secret d’un tel engouement : leur 

sens de la mélodie, assorti d’une 

rigueur presque étonnante dans le 

milieu de la pop. “Hormis l’exception 

FFS, nous produisons notre 

musique nous-mêmes, précise 

Ron. Tout est plutôt cloisonné, 

cadré, encapsulé et rassurant. 

Notre son est singulier, nous y 

tenons beaucoup et préférons ne 

pas le laisser à quelqu’un d’autre !” 

Le but est d’emporter l’auditeur 

ailleurs que chez lui, sans le perdre 

en route. Dixit Russell, “ce serait 

prétentieux de notre part de parler 

de libération des esprits. Cependant, 

la pop possède quelque chose 

que les autres genres n’ont pas : 

plonger dans un état d’esprit, une 

ambiance à part.” Enfin, l’esthétique 

des Sparks est sans aucun 

doute leur point fort. Leur 

influence cinématographique est 

évidente : les deux frères dévorent 

des films depuis leur plus jeune âge 

et planchent actuellement sur un 

projet avec Leos Carax, qui intervient 

sur la chanson “When You’re 

a French Director”. “Nous l’avons 

récemment rencontré à Cannes. Il 

avait utilisé une de nos chansons 

dans Holy Motors, ‘How Are You 

Getting Home?’, raconte Russell. 

ROCK, ROCK, ROCK 

Depuis leurs débuts, 

les Sparks cultivent 

une esthétique à part. 

“LA CHANSON EST UN MOYEN LUDIQUE 

DE PARLER DE NOS CONGÉNÈRES, AVEC 

TOUT LE RESPECT QU’ON LEUR DOIT.” 

Nous avons réfléchi à un projet 

commun de film, qui se nourrisse 

à la fois de nos paroles et de son 

expérience personnelle. Ce sera 

pour Leos son premier film en 

anglais et à gros budget, le tournage 

devrait se faire en début d’année 

prochaine et nous avons hâte 

de voir le résultat !” Nous aussi. En 

attendant, on les verra sur la scène 

de la Cigale pour les 30 ans de la 

salle parisienne, invités par 

Catherine Ringer. Depuis leur hit 

avec les Rita Mitsouko, “Singing in 

the Shower” (en 1988), ils sont restés 

très amis. Un peu comme la 

plupart des gens qui croisent le 

chemin des frères Mael. En particulier 

en France, où leur public 

leur est acquis depuis des années. 

Ce n’est pas un hasard s’ils citent 

Édith Piaf dans l’un de leurs nouveaux 

titres, “Édith Piaf (Said It 

Better Than Me)” : ils ne regrettent 

rien, affirment-ils. 

Mais ce qui ressort le plus souvent 

des morceaux des Sparks, c’est leur 

profonde affection pour l’être 

humain dans les grandes largeurs. 

En le mettant en scène dans des 

situations banales (un intérieur au 

style suédois dans “ Scandinavian 

Design”, au lit avec sa dulcinée 

avec “The Missionary Position”) ou 

insolite (sur un plateau de cinéma 

dans “When You’re a French 

Director”, face à une piscine squattée 

par un hippopotame dans 

“ Hippopotamus”), c’est lui le héros, 

quoi qu’il arrive. “La chanson est 

un moyen très ludique de parler de 

nos congénères avec tout le respect 

qu’on leur doit”, confirme Russell 

Mael. Sur “What the Hell Is It This 

Time?”, en revanche, ils interrogent 

indirectement le rapport à 

Dieu. Sont-ils croyants ? “C’est rassurant 

de penser qu’il peut y avoir 

quelque chose, aussi abstrait que 

cela puisse être. Ce qui est embêtant, 

c’est de ne pas pouvoir faire 

appel à Dieu pour des broutilles, 

attendre les drames pour le supplier 

de nous venir en aide”, sourit 

Ron. “Je suis plus attiré par le 

bouddhisme et le shintoïsme : la 

présence divine compte, elle peut 

d’ailleurs se décliner au pluriel, 

mais elle régit le quotidien des 

hommes avec plus de subtilité”, 

répond Russell. En tout cas, leur 

spiritualité transperce à travers 

leurs textes poétiques jonglant 

entre métaphore et pragmatisme, 

parlant ainsi à toutes les générations. 

C’est le souhait le plus cher 

des Sparks, comme l’exprime 

Russell : “Notre rêve, ce serait 

qu’un jeune écoute Hippopotamus 

et se demande pourquoi il n’a pas 

acheté nos précédents disques !” 


Q&R 

ICONIQUE 

La légende de la country 

a multiplié les récompenses 

tout au long de sa carrière. 

Emmylou Harris 

Roy, Bob, Neil, Gram, Rodney, Paul, Steve, Townes… 

Elle les aura tous chantés et rencontrés. Et surtout, partagé le micro avec eux. 

Orbison, Dylan, Parsons, Crowell, Simon, Earle ou Van Zandt… 

Les plus grands songwriters américains ont offert un écrin à sa voix magique. Rencontre. 

Propos recueillis par Stan Cuesta 

Se retrouver au milieu de 

nulle part, à Craponne-sur- 

Arzon, en Auvergne, pour 

une interview exclusive 

d’ Emmylou Harris, a quelque chose 

de surréaliste et de très émouvant. 

Elle est là pour le Country Rendez- 

Vous, seule date française de sa 

tournée européenne. On y découvre 

une grande dame, belle, chaleureuse, 

franche, ouverte, drôle. Elle 

n’a rien à vendre, nous non plus. 

Tant mieux. C’est dans ces cas-là 

que la magie opère… 

Les Français ont une vision très 

romantique de votre association avec 

Gram Parsons… Cela vous ennuie ? 

Emmylou Harris : Oh ! c’est le cas de 

tout le monde. Ça ne me dérange 

plus. Mais pourquoi sommesnous 

tant obsédés par le romantisme 

lié au fait de mourir jeune ? 

Vous pensez que c’est pour ça ? 

E. H. : Bien sûr, parce qu’il est beaucoup 

plus difficile de vieillir. C’est 

une telle tragédie que sa vie ait 

été si courte. Évidemment, 

j’aurais aimé qu’il vive, que l’on ait 

la possibilité d’avoir une longue 

amitié, peut-être même une histoire 

d’amour, parce qu’il est mort 

avant que ça puisse arriver… Mais 

il m’a tellement donné, dans ma 

vie, dans ma musique. Pas seulement 

pour l’étape que j’ai franchie 

dans ma carrière, en étant connue 

à travers lui, mais pour les gens 

dont j’ai hérité, son merveilleux 

manager, la façon dont on a prêté 

attention à ce que je faisais, même 

si j’étais en train d’apprendre et de 

grandir sans lui. J’ai essayé de 

parler de tout ça dans cette chanson, 

“The Road”. 

Vous avez atteint très tôt une sorte 

d’état de grâce avec lui, il y avait 

quelque chose de magique entre 

vous… 

E. H. : J’étais une sorte de folksinger, 

j’ai eu la chance de partir sur 

la route et de faire un disque, 

mais en chemin, j’ai appris, je suis 

devenue une vraie chanteuse, j’ai 

trouvé ma voie en chantant en 

© JACK SPENCER 



© DR/NONESUCH/GETTY IMAGES 

harmonie avec Gram. Grâce à lui, 

j’ai compris la vraie beauté de la 

country music dans ce qu’elle a de 

meilleur : des paroles simples, la 

tournure d’une phrase, la concision… 

Ensuite, bien sûr, j’ai dû 

devenir une artiste à part entière, 

et j’ai eu la chance d’avoir à mes 

côtés des gens comme Rodney 

Crowell, de merveilleux musiciens, 

de super- producteurs, qui 

m’ont permis d’être inspirée… audelà 

de Gram. Mais je n’essaierai 

certainement 

jamais de minimiser l’importance 

de son irruption 

dans ma vie. 

Et vous avez joué avec ses 

musiciens… 

E. H. : Ensuite, oui, quand la 

maison de disques a décidé 

que j’avais quelque chose, à 

ma grande surprise, ils 

m’ont dit : “Prenons le 

groupe qui a enregistré ces 

deux albums avec Gram.” 

C’était essentiellement les 

musiciens qui avaient travaillé 

avec Elvis : Glen D. 

Hardin, James Burton, 

Emory Gordy Jr., et John 

Ware, des Bellamy Bothers. 

Mais je pense que les jokers 

ont été Rodney et Hank 

DeVito. Tous les trois, nous 

étions plus jeunes et apportions 

une sensibilité rock. 

Rodney était venu à la 

country music de façon très 

organique : à 10 ans, il jouait 

de la batterie avec le groupe 

de son père dans les honky 

tonks de Houston. Hank et 

moi étions plutôt des sortes 

de convertis de la côte Est. 

Le dernier album de Rodney 

Crowell est magnifique… 

E. H. : Oh, oui ! Il y a cette 

chanson, “Nashville 1972”, 

que j’adore. Et l’hommage à 

Susanna Clark, bien sûr… 

Elle a été tellement importante 

pour notre petite 

famille. Elle écrivait des 

chansons et elle peignait, mais 

son esprit, son humour, sa façon 

d’habiter le monde… Elle a été 

très importante pour Rodney et 

moi, et évidemment pour Guy. 

En parlant des songwriters que vous 

avez chantés, l’un des plus grands est 

probablement Townes Van Zandt… 

E. H. : J’ai rencontré Townes quand 

j’étais une folksinger dans la 

galère à New York, une sorte 

d’aspirante Joan Baez… Je faisais 

la première partie de tous ceux 

qui jouaient à Gerde’s Folk City, 

qui était l’endroit où tout le 

monde passait. C’était extraordinaire 

de l’entendre et de le voir… 

Il avait vraiment quelque chose. 

Je n’avais jamais vraiment 

entendu ce genre de paroles chantées 

avec ce gémissement hanté à 

la Hank Williams. Plus tard, on 

est entré en contact par l’intermédiaire 

de Guy et Susanna Clark. 

C’est intéressant de voir comment 

les vies des gens se croisent. 

Vous avez travaillé avec les plus 

grands. Lequel vous a le plus 

impressionnée ? 

E. H. : C’était un peu intimidant de 

chanter avec Roy Orbison… Un 

peu. (Rire.) Mais quel homme 

charmant ! Adorable. Et, bien sûr, 

Bob Dylan. 

Il vous a approchée ? 

E. H. : Il ne m’a pas approchée. Je 

ne pense pas que Bob approche 

qui que ce soit ! (Rire.) C’est son 

producteur exécutif qui m’a dit : 

“Bob veut une chanteuse pour 

faire des harmonies.” Mon ego 

m’a fait croire qu’il m’avait entendue 

et qu’il me voulait, moi. Mais 

il voulait juste une fille ! Je n’étais 

qu’une couleur de plus… sur sa 

toile. Ce qui était génial, en un 

ANGEL BAND 

Une guitare, 

une voix et la 

magie opère. 

“GRÂCE À GRAM PARSONS, 

J’AI COMPRIS LA VRAIE BEAUTÉ 

DE LA COUNTRY MUSIC DANS 

CE QU’ELLE A DE MEILLEUR.” 

sens, parce que je me suis pointée, 

on s’est dit bonjour, on s’est 

mis devant le micro avec les 

paroles – au moins j’avais les 

paroles ! – et on a commencé à 

chanter. Il n’y a eu aucun travail 

sur les chansons, aucun peaufinage, 

on faisait une prise et 

c’était bon. Tu te mets dans cet 

état d’esprit : OK, voilà la chanson, 

je dois suivre Bob. Tu ne 

penses pas : Je chante avec Bob 

Dylan ! Tu y penses avant, et tu y 

penses après. J’étais toujours 

inquiète de la justesse sur telle 

chanson, etc. Mais Bob vit dans 

l’instant, tu dois faire pareil. 

Cet album, Desire, est un chefd’œuvre. 

Reprenez-vous parfois ces 

chansons ? 

E. H. : Non. J’ai juste fait “Oh, 

Sister” avec Dave Matthews. J’ai 

fait quelques dates avec lui, il 

l’adore, moi aussi, alors on 

l’a répétée et j’ai beaucoup 

aimé la faire avec lui. Mais 

fondamentalement, je ne 

les ai jamais travaillées, ce 

sont les chansons de Bob… 

Sinon, je fais “Every Grain 

of Sand”, bien sûr, que 

j’adore. 

Et Neil Young ? 

E. H. : Neil Young est probablement 

mon artiste préféré, 

pour la façon dont il 

suit sa muse, même quand 

elle l’entraîne dans le fossé ! 

J’adore tous ses disques. 

Bon, Trans, c’était un peu 

dur de rentrer dedans, 

mais je le respecte, parce 

que ça avait à voir avec son 

fils, les ordinateurs, etc. Et 

puis c’est quelqu’un qui 

s’occupe de justice sociale. 

Ce qu’il a fait avec Willie 

[Nelson], avec les concerts 

caritatifs de Bridge School, 

le fait qu’il ait sauvé Lionel 

Trains (il a racheté une 

partie de cette société de 

trains miniatures, ndlr)… 

C’est un Américain vraiment 

extraordinaire… pour 

un Canadien ! Et c’est un 

homme délicieux. Il a eu la 

générosité de venir chanter 

sur mon album Wrecking 

Ball. Il y a tant d’artistes 

que j’aime, dont la musique 

m’inspire. 

Justement, avec quels 

artistes rêveriez-vous encore 

de travailler ? 

E. H. : J’aurais aimé enregistrer 

avec Merle Haggard avant sa 

mort. Je suis sûre qu’il y en a 

d’autres. Mais j’ai chanté avec 

tant de gens ! Avec Joan Baez – on 

a fait un concert de charité 

ensemble –, avec Jackson Browne, 

il y a quelques années. Oui, j’ai 

quasiment chanté avec tous les 

artistes que je connais… Et même 

avec quelques-uns que je ne 

connais pas ! 


PHOTO 

BLACK & WHITE 

La photographe 

française a capturé 

dans son objectif les 

plus grands noms du 

rock international. 

Carole Epinette 

Le rock dans le fond des yeux 

Après le Pays basque et la Suisse, son exposition Rock Is Dead pose ses bagages, 

et surtout ses photos, à Paris. 

Par Xavier Bonnet 

Bientôt un quart de 

siècle qu’elle trimballe 

d’une séance à un 

concert ses boîtiers, objectifs, 

lumières, trépied, quitte 

parfois à plier sous leur poids. 

Bien longtemps qu’on n’énumère 

plus les publications – Rolling 

Stone compris – qui ont accueilli 

ses photos. Une exposition de ses 

clichés ? L’envie était là depuis 

longtemps, mais elle se trouvait 

toujours une raison (pas forcément 

bonne) pour ne pas franchir 

le pas. À commencer par le 

sempiternel “Pourquoi-moi-çava-intéresser-qui-bla-bla-bla…” 

On connaît la chanson. “Ce qui 

m’intéressait avant tout, c’était 

de les faire, ces photos, ponctuet-elle. 

Après, pour ce qui était de 

les montrer, il y avait les magazines 

auxquels je collaborais. 

Elles se montraient d’ellesmêmes, 

vivaient d’elles-mêmes, 

en quelque sorte.” 

Cette exposition existe désormais 

et va connaître sa troisième incarnation 

après Anglet, au Pays 

Basque, au printemps 2016 et 

Orbe, en Suisse, au début de cette 

année. Cette troisième mouture a 

été quelque peu réaménagée par 

rapport aux précédentes, dans la 

sélection comme dans le format 

– retravaillé – de certaines photos, 

mais fidèle à ce mélange d’images 

posées et live. Fidèle aussi à cette 

envie revendiquée de privilégier le 

noir et blanc, à une exception près 

(un cliché d’Iron Maiden) : “J’ai 

toujours adoré ça et je me suis 

toujours sentie frustrée que les 

magazines préfèrent quasi exclusivement 

la couleur, considérant 

souvent le noir et blanc comme 

‘trop vieux, ringard’. Personnellement, 

je trouve au noir et blanc 

une vraie classe. C’est aussi par 

goût personnel que j’opte souvent 

pour un noir et blanc très 

contrasté. J’ai toujours travaillé 

mes photos personnelles de cette 

manière et j’ai profité de l’exposition 

pour en faire de même avec 

celles que j’avais choisies pour 

l’occasion, y compris pour certaines 

photos qui avaient été publiées 

en couleur.” 

Le résultat est à la hauteur. Et 

qu’ils se nomment Lemmy 

Kilmister (Motörhead), Ozzy 

Osbourne, James Hetfield 

( Metallica), Marilyn Manson, 

David Bowie, James Brown, Amy 

Winehouse, Alain Bashung, 

Angus Young (AC/DC), Jack 

White (The White Stripes) et 

consorts – ils sont une vingtaine 

au total –, leurs expressions vous 

sautent au visage. “Un artiste rock 

a ceci de particulier à photographier 

qu’il est brut, explique 

Carole Epinette. C’est vrai quand 

il pose – la première motivation en 

vue de cette expo était d’ailleurs de 

me focaliser sur les gueules du 

rock –, mais aussi sur une scène où 

il joue souvent le jeu devant l’objectif, 

où il se donne à fond et où 

l’énergie est palpable. Le côté provocateur 

de la plupart d’entre eux 

m’attire également beaucoup.” 

Provocateur, le nom de l’exposition, 

Rock Is Dead, l’est tout autant. 

À dessein. La photographe le 

reconnaît, il est aussi, de manière 

sous-jacente, l’expression d’une 

certaine nostalgie : “Les conditions 

de travail des photographes 

musicaux ne favorisent plus de la 

même façon la complicité avec ces 

artistes. Mais mon but n’est surtout 

pas de dire ‘C’était mieux 

avant’, ce discours-là ne m’intéresse 

pas. Mais cela ne m’empêche 

pas de regretter que l’échange humain 

soit désormais de plus en 

plus contrôlé et restreint.” 

Rock Is Dead, 20 ans de photo rock – 

Carole Epinette. Du 31 août au 30 septembre, 

Galerie Stardust, 37, rue de Stalingrad, 

Le PréSaint-Gervais (93). Métro Hoche. 

À suivre sur Facebook. 

© CAROLE EPINETTE 



ROCK & ROLL 

NOUVEAUX ARTISTES 

Declan McKenna 

À peine majeur, ce jeune prodige anglais est parti pour conquérir le monde entier. 

L’evening standard parle de lui comme de “la voix de la génération 

z”. Certes, mais ce n’est pas tout. À 18 ans, Declan 

McKenna est un de ces petits prodiges du rock comme 

l’Angleterre sait si bien les concevoir. À 8 ans, il apprend la 

guitare, tout en écoutant David 

Bowie, les Strokes et Jeff Buckley. 

À 16 ans, après avoir enregistré 

des dizaines et des dizaines de 

chansons seul chez lui, il gagne le 

prix Emerging Talent du légendaire 

festival Glastonbury grâce 

à “Brazil”, qui évoque la corruption 

de la FIFA. C’est qu’il n’a pas 

la langue dans sa poche, le petit 

gars. Amateur de foot, il n’avait 

pas supporté que la dernière 

Coupe du monde soit autant viciée 

par l’argent. À 17 ans, il 

quitte l’école et part sur les routes 

britanniques et américaines défendre 

sa musique juvénile et 

engagée, où il est question de 

politique, d’environnement, de 

genre, d’attentats, des violences 

policières et de positionnement 

social. Bref, tout ce qui concerne 

la jeunesse d’aujourd’hui. Sachant piocher dans le punk sous influence 

ska des Clash comme dans la power pop plurielle de Vampire Weekend 

(Rostam Batmanglij a d’ailleurs coécrit et produit un morceau sur son 

disque), McKenna maîtrise les armes du rock’n’roll avec un naturel 

confondant et, surtout, un sens 

mélodique étonnamment abouti 

pour son âge. Il n’en faut pas plus 

pour qu’on le compare à Jake 

Bugg, autre jeune guitariste surdoué 

apparu il y a quelques années… 

Avec le penchant pour les 

joints d’herbe et la moue boudeuse 

en moins. Car Declan 

McKenna affiche déjà un style 

bien à lui, mis en valeur sur son 

premier album d’une pop plurielle 

mâtinée de rock et d’un on 

ne sait quoi de typiquement british. 

What do you think about the 

car? a été majoritairement produit 

par James Ford, qui a réalisé 

les albums de Foals, de Depeche 

Mode ou de l’un des groupes préférés 

de McKenna, les Arctic 

Monkeys. On lui souhaite le même 

destin. 

SOPHIE ROSEMONT 

Pale Seas 

Traversée mélodique en eaux claires. 

Originaire de Southampton, ce groupe a bousculé la scène indie rock 

anglaise en 2013 grâce à deux EP au charme ravageur. Puis silence 

radio. Séparation, dispute, manque d’inspiration ? Que nenni : Pale 

Seas a refusé les propositions alléchantes de nombre de labels pressés 

et s’est enfermé en studio, sur l’île de Wight, pendant deux ans pour 

peaufiner le premier album dont il rêvait. En résulte Stargazing for 

Beginners, impeccable condensé de guitares saturées et de mélodies 

romantiques servi par une production savante. S. R. 

© SANAA ABSTAKT ; ROCK TO THE BEAT 

Nova Twins 

Punkettes 2.1 

Découvertes sur la scène des Trans Musicales de Rennes en 2016, ces 

deux donzelles londoniennes s’illustrent sur un genre singulier et 

décoiffant qu’on appelle aussi l’urban punk. Amy Love et Georgia 

South ne lésinent ni sur les riffs agressifs ni sur un flow trempé dans 

l’acide. Après deux ans à tourner en Angleterre et en France, elles ont 

sorti un premier EP très remarqué avant l’été, en attendant un premier 

album qui promet de secouer, prévu pour l’automne. Oreilles 

sensibles s’abstenir, le girl power est en marche et fait du bruit ! S. R. 


Q&R 

Robin Campillo : 

“ Ce n’était pas juste un docu-drama sur Act Up ” 

120 battements par minute a été couronné du Grand Prix du dernier festival de Cannes. 

Rencontre avec son réalisateur. Par Sophie Rosemont 

Vous souvenez-vous de votre première 

réunion chez Act Up ? 

R. C. : Oui, j’ai eu droit à la même 

introduction que celle du film, avec 

la personne qui présente l’association 

: un groupe joyeux, tonique, 

avec des personnalités très fortes. 

Au début, on ne sent pas tout de 

suite les tensions, ni la maladie. En 

arrivant, on est si content d’avoir 

traversé dix ans de l’épidémie et de 

ne plus être seul… Didier Lestrade 

était président, il animait quasiment 

à lui tout seul les réunions, il 

était d’une drôlerie incroyable ! 

Tout est vrai dans votre film ? 

R. C. : J’ai surtout utilisé des 

moments, des formules, des rires… 

J’ai instrumentalisé des éléments 

du réel pour nourrir la mécanique 

du film. Au début, les personnages 

parlent de choses sans qu’elles 

soient expliquées, mais, comme 

moi au début des réunions où la 

majorité du vocabulaire m’échappait, 

il faut suivre le rythme, et 

remonter le fil. 

Vous racontez une passion amoureuse 

très rapidement contaminée 

par la maladie… 

R. C. : C’est une romance très précaire, 

car ils se connaissent depuis 

peu et d’un seul coup, il faut devenir 

garde-malade. Dans la vraie 

vie, ça pouvait foirer. Quand Sean 

dit à Arnaud : “Désolé que ce soit 

tombé sur toi”, c’est aussi parce 

que cela aurait pu être un autre. Il 

n’y a qu’au cinéma qu’on croit que 

l’amour est tangible. Dans la réalité, 

c’est soumis à interrogations. 

Peut-être que si Sean avait été en 

bonne santé, ils se seraient séparés 

très vite. “On observe tous les jours 

l’inauthenticité des sentiments des 

homosexuels”, soutient le prêtre 

réactionnaire Tony Anatrella. 

Mais dans quel monde vit-il, où 

tout serait labellisé authentique ? 

Un reality show ? 

Comment avez-vous réagi face à 

l’accueil dithyrambique de Cannes ? 

R. C. : C’était bouleversant. J’ai 

cependant parfois eu le sentiment 

que l’émotion autorisait tout, 

comme cette chaîne qui avait couvert 

le Mariage pour tous et qui 

voulait absolument m’interviewer 

! A posteriori, on me parle 

davantage de mise en scène, on a 

compris que ce n’était pas juste un 

docu-drama sur Act Up. Le film 

tient aussi de la chronique, car 

chaque scène possède son foisonnement 

propre, mais tout est 

construit, rien n’est laissé au 

hasard. 

Pensez-vous que le public est enfin 

prêt à affronter cette histoire tragique 

du SIDA, qui jusqu’ici a été peu 

traitée – les deux films les plus connus 

en France sur le sujet étant Les Nuits 

fauves et Philadelphia ? 

R. C. : Les gens ont réalisé qu’ils 

avaient traversé cette épidémie 

sans en sortir complètement 

indemnes. Moi, je m’autorise à 

penser que je peux en faire de la 

fiction. J’ai essayé de faire comprendre 

ce que ça signifiait d’avoir, 

en face de soi, un laboratoire suivant 

sa propre logique pécuniaire 

au détriment de la santé des séropositifs. 

De sentir aussi quand les 

gens, au sein du même groupe, 

n’avançaient pas de la même 

manière dans la maladie. Ce que 

c’était d’incarner ces luttes. 

Pourquoi faire appel à Arnaud 

Rebotini pour la musique du film ? 

R. C. : Je l’ai croisé sur Entre les 

murs (Robin Campillo a cosigné 

le scénario du film de Laurent 

Cantet, ndlr) et avais déjà fait 

appel à lui pour mon film Eastern 

Boys. Arnaud connaît à la perfection 

la musique des années 1990 

et a su transmettre ce besoin de 

s’amuser, après les réunions et les 

zaps. Le plaisir de se retrouver 

dans l’obscurité, sans paroles, où 

les gens se touchent… Nous avons 

utilisé deux travellings circulaires 

et j’ai laissé les acteurs faire. On 

sent la sueur, la clope, c’est 

organique. 

NAHUEL PÉREZ BISCAYART : 

NAISSANCE D’UN GRAND ACTEUR 

Si tous les comédiens sont brillants, Nahuel Pérez Biscayart irradie 

dans le rôle de Sean, jeune séropositif très militant – qui n’est pas 

sans rappeler Cleews Vellay, membre très actif d’Act Up décédé 

en 1994. “L’énergie de Sean est proche de celle de Cleews, mais il n’a 

jamais été question de l’imiter. Il faut être un peu inconscient quand 

tu incarnes de tels personnages, il ne faut pas se laisser hanter par 

les ombres de ceux qui l’ont vécu à l’époque”, précise l’acteur. S’il ne 

connaissait pas l’association, de par son âge (il est né en 1986) et son 

lieu de naissance (l’Argentine, où Act Up n’existait pas), Pérez 

Biscayart s’est immergé dans l’histoire du SIDA en France dans ces 

années d’hécatombe, perdant énormément de poids en un temps record. Il est pour beaucoup dans la réussite de 120 bpm, 

soulignée par Didier Lestrade en personne. “Je suis soulagé que quelqu’un avec un regard aussi aiguisé que le sien aime le film, 

quelqu’un pour qui nous avons tous énormément de respect. C’est le seul qui a survécu, ce combat a été sa vie.” Aurait-il été 

militant à l’époque ? “Absolument. Lorsque l’enjeu est si physique, l’engagement est presque inévitable.” 

S.R. 

Quel est votre regard sur la lutte 

contre le SIDA aujourd’hui ? 

R. C. : On sait que les gens sous traitement 

peuvent avoir une vie à peu 

près normale et, dans 90 % des cas, 

ne sont plus contaminants. Les 

outils sont là, mais il faut proposer 

le dépistage, ce que fait Aides, dans 

des lieux de drague. L’État reste 

absent, car cela demande une 

publicité. Or la santé publique, c’est 

une politique ! Il faut faire baisser 

le prix des médicaments, la prévention 

doit être mondiale. Surtout 

quand on voit qu’un homme 

comme Donald Trump est en train 

de permettre la discrimination des 

malades dans certains États. 

“LE CINÉMA, 

C’EST MA 

MANIÈRE D’ÊTRE 

MILITANT.” 

Face à la persécution des homosexuels 

en Tchétchénie, par exemple, 

on a l’impression que la population se 

mobilise plus. Qu’en pensez-vous ? 

R. C. : Aujourd’hui, plus de gens 

s’indignent de la Tchétchénie qu’il 

y aurait pu en avoir à l’époque, 

c’est certain. Et la Gay Pride n’a 

jamais été aussi importante, 

même si je ne la sens pas très politique. 

Le militantisme est là, mais 

il me semble qu’on ne trouve pas 

de lieux comme Act Up, à 

l’époque, pour exister. Mais nous 

sommes sans doute dans un 

moment d’impuissance politique 

qui peut se transformer. J’ai le 

sentiment qu’il y a des émergences 

communautaires, hors politique. 

Les gays ont été prégnants pendant 

longtemps, maintenant les 

lesbiennes et les transsexuels ont 

besoin de plus s’affirmer… Le 

cinéma, c’est ma manière d’être 

militant, car j’essaye d’interroger, 

par la fiction, ce qu’ont été ces 

mobilisations. Act Up, c’était une 

lutte, pas une cause : les corps des 

gens étaient en danger. 

© DR 



UNANIMITÉ 

Avec cette chronique 

des années Act Up, 

le réalisateur a aussi 

remporté la Queer 

Palm à Cannes.

Sélection de la 

RENTRÉE 

La rentrée de Rolling Stone 

Comment s’y retrouver dans les trop nombreuses sorties de la rentrée ? Pop en duo, 

rock indie, soul intimiste ou électro fédératrice ? Nos choix. 

Par Sophie Rosemont 

The Horrors 

V comme victoire 

V : comme 5 en latin, comme 5 e 

album du groupe (et aussi le nombre 

de ses musiciens, comme le V 

de victoire. On peut en effet parler 

de réussite lorsqu’on écoute 

les dix nouveaux morceaux des 

Horrors. Pour la première fois, 

et dans le but de réinventer leur 

son (qui, il faut bien l’avouer, perdait 

de son efficacité sur leur dernier 

opus, Luminous) ceux-ci ont 

entièrement délégué la production, 

et ils ont fait le bon choix 

avec Paul Epworth, connu pour 

son travail avec Adele, U2 ou Bloc 

Party. V se partage donc entre 

le post-gothique sous influence 

80’s cher au groupe (“Hologram”), 

mais aussi un drôle de punk alternatif 

(“Machine”), du dancerock 

innovant (“Something To 

Remember Me By”) et de la pop 

ténébreuse (“Weighed Down”). 

Le chanteur Faris Badwan, lui, 

reste toujours aussi charismatique, 

caché derrière sa chevelure 

aussi sombre que le verre de 

ses lunettes. 

Ariel Pink 

Rose comme lui 

Dedicated to Bobby Jameson… 

Encore un nouveau storytelling 

pour Ariel Pink qui, fasciné par 

le parcours de cet obscur musicien 

(1945-2015) fuyant la gloire 

comme la peste, lui rend hommage 

avec cet album merveilleusement 

barré : “Comme Jameson, 

moi aussi j’ai longtemps recherché 

juste un peu d’amour. Aujourd’hui, 

même si j’affectionne 

toujours autant la controverse, je 

suis plus sûr de moi et j’ai gagné 

en maturité, mais j’ai souvent 

frôlé le bord du précipice quand je 

réalisais que j’étais sous- estimé.” 

Ce qui n’est plus le cas. Fort d’une 

ribambelle d’albums devenus 

cultes pour les amateurs de pop- 

ANGUS & JULIA STONE 

Les deux font la paire 

Après plus d’une décennie de carrière, une parenthèse et des retrouvailles émotives, 

la fratrie Stone nous enchante de nouveau. 

Il y a quelques années, on avait sérieusement douté de la longévité du duo formé par le frère et la sœur Stone. 

Après la tournée du pourtant acclamé Down the Way (2010), ils avaient décidé de ne plus travailler ensemble… 

Jusqu’à ce que le producteur Rick Rubin s’en mêle et les convainque de s’y remettre. Dont acte. S’en est suivi 

Angus et Julia Stone, en 2014. Leur plus gros succès. Mais c’est seulement aujourd’hui, avec Snow, qu’ils explorent 

totalement leurs possibilités. “Nous voulions créer quelque chose de fort, mais sans vraiment savoir ce que ça pouvait 

donner, ni le temps que ça prendrait, explique Angus Stone. Ne rien avoir en tête de précis nous permet d’avoir 

beaucoup d’idées… et de garder une part de mystère qui permet d’être à l’affût tout au long de l’enregistrement.” 

Celui-ci durera huit semaines, dans le home studio d’Angus, situé en pleine campagne australienne, loin du bruit 

de la ville. Malgré les hauts et les bas, la complicité d’Angus et Julia Stone reste toujours intacte. Dixit le petit frère : 

“Je pense que, d’une manière générale, nous sommes plus décontractés, nous lâchons prise plus facilement. 

Après tout ce temps passé ensemble, nous avons compris quand il fallait s’éloigner, laisser passer certains orages… 

pour nous y remettre de plus belle un peu plus tard. Il fallait simplement apprendre à communiquer.” Ainsi, 

Snow est “une conversation”, une synthèse de ce que le dialogue entre le frère et la sœur Stone peut offrir de mieux, 

entre pop et folk. “Snow”, “Cellar Door” ou “Chateau” en offrent des exemples ultra-mélodiques, qui trottent en tête 

dès la première écoute. “Nous cultivons différents sons, différents styles musicaux et ce qui en résulte est, quelque 

part, assez dansant”, avance Angus. On ne le contredira pas : malgré son titre, cet album est celui qui prolonge 

l’été, nous transportant vers d’autres paysages lointains et ensoleillés. Tout en étant très près de nous : cet automne, 

Angus et Julia Stone assureront pas moins de sept dates en France. 

© J. STEINGLEIN 



ock indie, Ariel Pink a su garder 

son intégrité. Et son inspiration, 

nourrie du meilleur du 

passé américain, des sixties aux 

années 1980. 

LCD Soundsystem 

Le grand retour 

En 2011, il donnait son tout dernier 

concert à New York, annonçant 

qu’il prenait sa retraite. 

Et puis, finalement, James 

Murphy a réalisé qu’arrêter LCD 

Soundystem, poule aux œufs d’or 

de l’électro-pop-rock East Coast 

était une mauvaise idée. Il a donc 

pris le temps de façonner un nouvel 

album, American Dream. 

L’une des meilleures surprises de 

la rentrée, même si un embargo 

fixé à seulement trois jours de la 

sortie nous interdit, hélas ! de dire 

officiellement tout le bien qu’on en 

pense. La dance music est, comme 

toujours avec Murphy, hautement 

organique, nourrie de rock’n’roll 

mélancolique. Il n’y a plus qu’à 

attendre sagement ses concerts 

événements à l’Olympia, les 13 et 

14 septembre prochain. 

Sivu 

Au creux de l’oreille 

Avec son second album, James 

Page, alias Sivu, entre définitivement 

dans la cour des 

CHAD VANGAALEN 

Folk des bois, folk des champs 

L’album de la sérénité ? Sans doute. Car la maturité, Chad VanGaalen en fait preuve depuis des années, en digne 

héritier de Tom Petty et Neil Young. Écrit, composé et produit par le songwriter canadien, Light Information fait 

d’un folk contemplatif au grain vintage, un manifeste à la vie, l’amour, et dont l’énergie est incontestablement 

contagieuse. En témoignent “Old Heads”, “Faces Lit” ou “Static Shape”, sur lequel apparaissent ses filles. Certes, 

un “Prep Piano and 770” nous rappelle ses velléités instrumentales, mais VanGaalen cultive toujours le même jardin 

verdoyant, ici et là laissé volontairement en friche. L’une des bouffées d’air de la rentrée. 

grands. Même si, à la sortie de 

Something on High (2014), on 

se doutait que le meilleur était à 

venir… Mais pas son label, visiblement, 

qui choisit de le congédier 

tandis que Page réalisait 

qu’il était atteint de la maladie 

de Menière, qui l’a, depuis, privé 

de l’audition d’une oreille. Avant, 

peut-être, de le rendre complètement 

sourd dans quelques années. 

Au lieu de sombrer dans 

le désespoir, le musicien anglais 

n’écoute que son cœur et son 

inspiration. En résulte un très 

beau deuxième album, Sweet 

Sweet Silent, dans lequel il partage 

sa solitude et son folk ultra-sensible, 

mâtiné de soul. On 

pense à Björk, à Thom Yorke, ou 

encore à Sufjan Stevens parfois. 

Espérons que l’on pourra continuer 

à l’entendre pendant longtemps 

encore. 

Kevin Morby 

De l’art du nomadisme 

© MARCRIMMER. DR. 

BENJAMIN 

CLEMENTINE 

Hobo céleste 

Un parcours incroyable pour un musicien qui ne 

l’est pas moins, de la banlieue londonienne au 

métro parisien, où son charisme se fait remarquer 

entre Barbès-Rochechouart et La Chapelle. Très 

vite, Benjamin Clementine a su imposer sa voix de 

stenor – brute, prenante – et ses ritournelles hantées 

composées au piano. Cependant, si son premier 

album jouait la carte de l’épure, le très réussi I Tell 

A Fly ose davantage l’orchestration. En témoigne 

des morceaux comme « Phantom of Aleppoville » 

ou « Jupiter ». Y résonnent ses amours folks, 

gospels, jazzy, électros ou encore classiques. Lui qui 

dit être un expressionniste ne se trompe pas : tout 

est à la fois réel et imaginaire dans ses chansons, 

nous touchant en plein cœur. A seulement 28 ans, 

Benjamin Clementine est déjà un grand. 

C’est ce qu’on appelle un artiste 

prolifique. Après Harlem 

River en 2013, Still Life en 2014, 

Singing Saw en 2016, voici donc 

City Music, quatrième album 

du songwriter américain. Sous 

influence West Coast – mais 

dans ce qu’elle a de plus mélancolique 

–, Kevin Morby revendique 

toujours un folk-rock 

aussi romantique que subtil, se 

perdant cette fois dans les paysages 

urbains de métropoles insaisissables. 

Après avoir officié 

comme bassiste dans The Babies, 

groupe de garage rock, et 

Woods, formation de folk lo-fi 

pluriel, Morby a décidé de tracer 

sa route en solo, souhaitant visiblement 

s’inscrire dans la lignée 

des chantres nomades made in 

USA. Pour l’instant, il ne se perd 

pas en chemin. 


FLASHBACK 

DERNIER MOT 

Joe Walsh 

Le guitariste raconte comment il a survécu à des années de débauche, parle des conseils qu’il a reçus 

d’un moine bouddhiste et déclare que les Eagles étaient une “dictature démocratique”. 

Interview par ANDY GREENE 

Quels sont, selon vous, les aspects les plus positifs et les plus négatifs 

du succès ? 

Je n’ai jamais eu à travailler à l’usine, ce qui est une vraie 

chance. L’aspect le plus négatif, ce sont les distractions : 

l’argent, les femmes, les fêtes. Quand on est jeune, c’est facile de perdre 

pied. J’ai commencé à croire que j’étais celui pour qui tout le monde me 

prenait, c’est-à-dire une rockstar complètement dingue. Vous savez, “Life’s 

Been Good”, tout ce bordel… Ça m’a détourné de mon travail. Moi et des 

tas de gars avec qui je traînais, on était de gros fêtards. C’était un sacré 

défi de simplement rester en vie. 

Nombre de vos amis de cette époque n’y sont pas parvenus. Keith Moon, 

John Belushi… Comment avez-vous survécu ? 

Je me pose la question tous les jours. Les gens me demandent si je crois en 

Dieu et j’y suis bien obligé, puisque je suis toujours là. Je n’avais pas prévu 

de vivre si longtemps. 

Quelles sont vos règles de vie essentielles ? 

La famille d’abord. J’ai passé des années en solitaire. C’était moi contre le 

monde entier, mais aujourd’hui, j’ai une famille qui s’occupe de moi, et 

dont je m’occupe. J’ai également appris à ne pas me laisser gouverner 

par mes émotions. Il ne faut pas envoyer d’e-mails quand on est en 

colère. On peut les rédiger, mais pas les envoyer. Parce que le lendemain, 

on se dit : “Putain, j’ai encore déconné. Je suis vraiment 

un gros blaireau.” 

Quel est le meilleur conseil que vous ayez jamais reçu ? 

Un moine bouddhiste m’a dit d’être conscient de chaque 

bouffée d’air que je respire. Il m’a dit : “Si vous faites 

ça, vous vivrez le présent. Ça vous évitera de 

gâcher du temps à ruminer le passé ou à tenter 

sans cesse d’écrire l’avenir.” Et puis je médite. 

Vivre le présent, c’est le secret. 

Qui sont vos héros ? 

Les Paul était l’un des gars le plus cool de 

la planète. Il a inventé la guitare Les 

Paul, ainsi que l’’enregistrement 

moderne tel que nous le connaissons. 

Un jour, il a eu un accident de voiture 

après lequel on lui a dit qu’il ne jouerait 

plus jamais parce qu’il s’était 

cassé le bras en quatre endroits. Il 

s’est assis, s’est mis à jouer et a dit : 

“OK, mettez mon bras en place 

comme ça. Posez-moi le plâtre 

maintenant.” 

Quel conseil auriez-vous aimé recevoir sur l’industrie 

du disque avant de commencer votre carrière ? 

J’aurais bien aimé qu’on me dise : “Écoute, c’est un 

boulot.” Je pensais que c’était un art. L’étalon 

selon lequel définir l’honnêteté dans l’industrie 

musicale, c’est de se dire que le gars qui 

te vole le moins est honnête. Et il ne faut rien 

signer. Je me dépatouille encore de trucs que 

j’ai signés quand j’avais 23 ans. Quelqu’un 

aurait dû me prévenir et me dire : “Écoute, c’est OK d’être idiot, mais soit 

un idiot intelligent.” 

Quel est l’achat le plus fou que vous vous soyez autorisé ? 

J’ai toujours eu un fantasme : “Je vais acheter de la terre pour en vivre. Je 

vais chasser comme Ted Nugent et couper mon bois.” Quand j’ai reçu un 

gros chèque de droits d’auteur des Eagles, j’ai trouvé une petite ferme 

dans le Vermont, avec un lac et presque 300 hectares. Mais quand il a 

fallu y vivre, je me suis rendu compte que c’était dur. Il fallait se lever à 

5 heures du matin parce qu’il y avait des tas de trucs à faire. Couper son 

bois, ça n’est pas marrant. L’hiver est rude. Je n’ai pu trouver personne 

pour s’occuper de l’endroit, alors je l’ai vendu. Il vaut mieux que certaines 

choses restent de l’ordre du fantasme. 

Quel est votre livre préféré ? 

L’Homme illustré, de Ray Bradbury. J’avais 10 ou 11 ans quand je l’ai lu. 

C’est un bouquin incroyable, qui vous absorbe 

complètement. Le livre en contient environ 

huit autres, et chacun d’entre eux 

porte sur l’un des tatouages de l’homme, 

qui se déplacent la nuit. De l’imagination 

et un livre plein de livres, quel 

concept ! 

Vous donnez des concerts avec les 

Eagles, cet été. Ça n’est pas un peu 

difficile de jouer sans Glenn Frey ? 

Oui et non. Mais je suis sûr qu’on sera 

très bons. 

Deacon, le fils de Glenn, a rejoint le groupe. 

Comment s’adapte-t-il ? 

Il est super. Ça n’est pas un frimeur. Il se 

pointe et il fait son boulot. J’aimerais bien 

que davantage d’entre nous soient comme ça. 

Vous avez décrit les Eagles comme 

“une démocratie avec deux dictateurs”. 

C’était dur pour votre ego ? 

J’ai rejoint leur groupe. Je dirais que c’était une 

dictature démocratique. On votait tous et ensuite, 

Frey et Don Henley faisaient ce qu’ils voulaient. 

Vous vous êtes présenté aux élections 

présidentielles en 1980. Si vous aviez 

gagné, pensez-vous que vous auriez 

fait mieux que Trump ? 

Oui ! C’est une question de bon sens. Je 

ne suis pas sûr que Trump sache comment 

fonctionne le gouvernement et je pense qu’il s’en 

fout. Du coup, il n’arrivera pas à grand-chose. 

Je crois savoir comment ça marche. Je sais évoluer 

dans une organisation où il faut prendre 

des décisions complexes. Comme dans un 

groupe, par exemple. Et on a réussi à accomplir 

pas mal de choses ! 

Traduction et adaptation Kathleen Aubert 


Illustration par Mark Summers

AGENDA 

EN CONCERT ! 

La sélection Rolling Stone des meilleurs rendez-vous de l’été… Et de l’automne ! 

Vous pouvez réserver vos places sur www.digitick.com 

PHOENIX 

28/09 – Esch-sur-Alzette - 

Rockhal 

29/09 – Paris- AccorHotels 

Arena 

LES INSUS 

01/09 – Ajaccio – Théâtre 

de Verdure 

03/09– Périgueux – Le Palio 

(Boulazac) 

05/09- Chambéry – Le Phare 

07/09 – Le Noirmont – 

Festival Chant du gros 

15-16/09 – Paris – Stade 

de France 

LES WAMPAS 

05/10 – Grenoble – La Belle 

Électrique 

METRONOMY 

07/10 – Le Havre – Festival 

Ouest Park 

NICK CAVE AND 

THE BAD SEEDS 

03-04/10 – 

Paris - Zénith 

10/10 – Esch-sur- 

Alzette - Rockhal 

MARILLION 

07/10 – Paris - Zénith 

WEEZER 

19/10 – Paris - Olympia 

FISHBACH 

07/10 – Montpellier – 

Le Rockstore 

14/10 – Alençon – La Luciole 

CATHERINE RINGER + 

SPARKS/SOLO 

04/09 – Paris – La Cigale 

INTERPOL 

05 et 06/09- Paris – 

Le Trianon 

TEMPLES 

06/09 – Paris – La Cigale 

CLAP YOUR HANDS 

SAY YEAH! 

20/09 – Paris – La Maroquinerie 

SIGUR ROS 

27, 28 et 29/09 – Paris – 

Grand Rex 

TIMBER TIMBRE 

07/10 – Feyzin – L’Épicerie 

Moderne 

09/10 – Montpellier – 

Le Rockstore 

À RÉSERVER 

DE TOUTE URGENCE 

ALT-J 

11/01/2018 – Paris- AccorHotels 

Arena 

FLEET FOXES 

20 et 21/11 – Paris – Le Trianon 

DEPECHE MODE 

26/11 – Anvers – Palais des Sports 

03 et 05/12 - Paris- 

AccorHotels Arena 

24/01/18 – Floirac – 

Bordeaux Métropole Arena 

ANGUS ET JULIA STONE 

17/10 – Lille – Zénith 

19/10 – Nantes – Zénith 

20/10 – Toulouse – Zénith 

25/10 – Marseille – Le Dôme 

01/11 – Paris – Zénith 

02/11 – Lyon – Halle Tony- 

Garnier 

CHRIS ISAAK 

02/11- Paris –Olympia 

TEXAS 

07 et 08/11 – Paris – Olympia 

11/11 – Nantes – 

Cité des Congrès 

12/11 – Limoges – Zénith 

21 et 22/11 – Bordeaux – 

Théâtre Femina 

THE WEDDING PRESENT 

07/11 – Saint-Nazaire – Le VIP 

08/11 – Paris – Petit Bain 

ROYAL BLOOD 

09/11 – Paris – Zénith 

PONI HOAX 

09/11 – Paris – La Cigale 

ELLIOTT MURPHY 

10/11 – Paris – New Morning 

FATHER JOHN MISTY 

11/11 – Paris – Le Trianon 

KASABIAN 


THE CELTIC SOCIAL CLUB 

11/11 – Paris – Le Flow 

FINK 

10/11 – Paris – La Cigale 

11/11 – Tourcoing – Le Grand Mix 

PROCOL HARUM 

12/11- Paris – Le Trianon 

VAN MORRISON 

17/11 – Paris – Salle Pleyel 

SALLIE FORD 

21/11 – Paris – Point Ephémère 

THE STRANGLERS 

25/11 – Paris – La Cigale 

27/11 – Le Havre – Le Tetris 

28/11 – Brest – La Carène 

29/11 – Nantes – Stereolux 

30/11 – Chambray-lès-Tours – 

Salles Yves-Renault 

02/12- Mérignac – Le Krakatoa 

LONDON GRAMMAR 

19/11 – Lille – Zénith 

20/11 – Rennes – Le Liberté 


05/12 – Toulouse – Zénith 

06/12 – Lyon – Halle Tony-Garnier 

AVEC 

© CHRIS CUFFARO_AS 



LIVE REPORT 

ON TOP 

OF THE WORLD 

À Monaco, Deep Purple 

a montré qu’il en avait 

encore sous la semelle. 

Rock around the Rocher 

© JIM RAKETE 

Tout l’été, la Côte d’Azur vit au rythme de festivals musicaux. L’édition 2017 du Monte Carlo 

Summer Festival l’a joué rock’n’roll pour sa soirée d’ouverture, avec une affiche monumentale : 

les Pretenders et Deep Purple. 

L 

es vétérans de Deep Purple ont 

remis en cet an de grâce 2017 l’ouvrage 

sur le métier. Quelques jours 

après un passage remarqué au 

HellFest, Gillan & Co changeaient radicalement 

de cadre pour ouvrir, le 28 juin dernier, 

le Monte Carlo Summer Festival. La salle n’a 

pas fait le plein. Tant mieux : un petit millier 

de personnes a donc le privilège de voir les 

légendaires métalleux quasi rien que pour 

eux. Rockers et bikers de la Côte d’Azur ont 

répondu au rendez-vous. Mais les Purple 

étant un fleuron du patrimoine rock, on 

retrouve dans la salle un sympathique 

Par Vincent Guillot 

mélange de vacanciers, de représentants de 

la bonne société monégasque et quelques 

fêtards russes, le tout rassemblant plusieurs 

générations. Dans ce cadre un peu inhabituel, 

le groupe ne va pas faire dans le détail. Et s’il 

restait quelques sceptiques quant au retour 

sur scène du groupe, ils en seront pour leurs 

frais. Certes, visuellement, les cadres supérieurs 

du metal n’ont plus trop la dégaine 

glam de leurs débuts, à l’image d’un Ian 

Gillan déambulant sur scène avec l’allure plus 

proche d’un retraité bouliste que d’une rock 

star. Mais le son est là. C’est ce qui frappe 

illico : après un “Time for Bedlam”, on 

QUAND CHRISSIE FÂCHÉE… 

Voir les Pretenders en concert en 2017 reste un privilège qui ne se refuse pas. Placés en première partie 

de Deep Purple, Chrissie Hynde et ses boys ne sont pas forcément la tasse de thé des bikers venus au 

rendez-vous des métalleux. De fait, la front girl aura fort à faire avec une foule pas toujours amicale. 

Notamment lorsqu’elle demande à dix reprises au moins qu’on arrête de la flasher à coup de 

smartphones. “We’re a rock band, this is not a fuckin’ Take That show !”, s’écrie-t-elle en s’arrêtant en 

plein milieu d’un titre. Fallait pas l’énerver. Elle reprend alors le doigt tendu bien haut une setlist pavée 

de hits gratinés : “Don’t Get Me Wrong”, “The Wait”, “Holy Commotion”. Chauffée à blanc, Chrissie, 

hilare, finit par s’excuser de ses réflexions. Et balance un “I’ll Stand by You” qui devrait lui valoir un 

pardon éternel pour toutes ses fautes… V. G. 

balance un “Fireball” qui pose direct le 

niveau : ça joue fort, vite et bien. Les claviers 

de Don Airey sonnent aussi lourd que du 

temps de Jon Lord. Derrière, les hits s’enchaînent 

(“Strange Kind of Woman”, “Lazy”) 

et la foule groove, heureuse, au point que les 

derniers titres du groupe ne font absolument 

pas tache – “Uncommon Man”, issu de Now 

What?! (2013) ou “The Surprising” du tout 

neuf InFinite, emportant l’adhésion. 

Le Long Goodbye ne battra pas des longueurs 

de durée, mais l’impact n’en est que plus fort, 

quand le groupe balance l’intro que tout le 

monde attend, ce “Smoke on the Water” qui 

remue la fosse, toute en joie de pouvoir 

contempler ce monument d’aussi près. Et 

puisque tout le monde est à point, un “Hush” 

enthousiaste envoie l’affaire aux orgasmes 

avant qu’un dernier “Black Night” ne vienne 

clôturer la nuit. Gillan et les autres peuvent 

quitter la salle avec cette certitude : que ce 

soit dans les allées roots des festivals 

d’Europe ou aux marches des palais, le rock 

de Deep Purple, malgré leur retraite annoncée, 

a conservé une sacrée puissance de feu, 

sur tous les terrains. 


Etoile 

Du 

Il a eu une enfance dorée 

et traversa bien des drames 

avant de devenir Premier 

ministre du Canada. Justin 

Trudeau est-il le dernier 

espoir du monde libre ? 

Nord 

Par Stephen Rodrick 

Pour commencer, synchronisons 

nos montres. 

Calons-nous sur le bon fuseau 

horaire. La session 

parlementaire s’achève et le Premier 

ministre canadien Justin Trudeau va 

répondre à la presse. Ils sont tous là, les 

reporters, entassés dans la salle, grognons, 

bougons, comme d’habitude, 

pestant contre les embouteillages ou 

leurs rédacteurs en chef. Dans un coin 

de la salle, quelqu’un donne le top, le 

compte à rebours avant la prise d’antenne. 

“10 secondes !”, clame-t-il. Trudeau 

monte sur l’estrade, se glisse derrière 

le pupitre, fait un rapide signe de 

tête et égrène les mesures qu’il vient de 

faire passer. Il commence par rappeler 

qu’il a baissé les impôts qui pesaient sur 

la classe moyenne et qu’il a augmenté les 

taxes pesant sur les plus riches. “Grâce 

à nous, dit-il, neuf familles canadiennes 

sur dix ont plus d’argent pour financer 

l’éducation de leurs enfants.” Être là, à 

ce moment, assister à cette scène, c’est 

quelque chose, vraiment ! Le Premier 

ministre s’exprime tout en modulation. 

© MARTIN SHOELLER 



Justin 

Trudeau 

Il a une voix caverneuse. Ses cheveux sont d’un 

brun profond presque sauvage. Chez lui, il a laissé 

une femme et trois enfants qui savent prendre la 

pose devant les photographes, mais qui sont encore 

trop jeunes pour l’accompagner au sommet 

du G20 et encore moins pour se mêler à ses côtés 

à une affaire d’espionnage, si vous voyez ce que je 

veux dire… Quand Trudeau se lance dans l’apologie 

du féminisme et du droit des femmes (cellesci 

représentent plus de la moitié de son cabinet), 

ses inflexions changent, sa voix se fait plus douce, 

presque câline, mais ferme. Il garde la main. Trudeau 

maîtrise. Ses mots sont pesés, cohérents. Pas 

besoin du Littré ou d’un dico quelconque pour 

comprendre ce qu’il a voulu dire. Il évoque, tour 

à tour, les mesures prises contre le Fentanyl, cette 

drogue plus puissante que l’héroïne qui a fait des 

ravages cet hiver ou la baisse du taux de chômage. 

Le Premier ministre canadien a parfaitement 

intégré la faconde clintonienne, son talent pour 

trouver les mots justes : “Nous faisons tout ce qui 

est en notre pouvoir pour permettre aux citoyens 

de décrocher de bons jobs et aux familles de se projeter 

dans l’avenir, pour que tous gardent espoir, 

dit-il. Mais nous savons que le plus dur reste à 

faire. Rien n’est encore gagné.” À la fin, Trudeau 

prend la presse à témoin. “Le débat entre vous et 

nous est au cœur de la démocratie canadienne. 

Quand vous faites bien votre boulot de journalistes, 

cela nous oblige à être à la hauteur. Alors, 

surtout, ne lâchez pas l’affaire.” 

Mais où sommes-nous ? Dans le monde de 

Narnia ? Dans le carré des secours au festival 

de Coachella ? Même pas. Nous sommes à 

Ottawa. En Ontario. À 900 kilomètres à peine de 

Washington D.C. Et pourtant, nous sommes dans 

un autre monde. Alors, suivez le guide. Accrochezvous 

à moi, car nous allons plonger au cœur d’une 

nation dirigée par un type pas comme les autres, 

un mec qui se présente sur les plateaux de télévision 

en T-shirt de H2G2, Le Guide du voyageur 

galactique, qui se balade en monocycle, capable 

d’accueillir à bras ouverts 40 000 réfugiés syriens. 

Le contraste entre ici et là-bas, n’est pas seulement 

formel. Pendant que Trump réduit les aides 

aux associations américaines favorables à l’avortement, 

Trudeau augmente leurs financements publics. 

D’un côté de la frontière, il y a un ministre de 

la Justice, Jeff Sessions, qui remet en question les 

lois autorisant l’usage du cannabis à but thérapeutique. 

De l’autre, au Nord, Trudeau admet avoir tiré 

sur un joint pour fêter son élection au Parlement, et 

milite activement pour sa dépénalisation. Trump 

a jeté aux orties les accords de Paris. Trudeau fait 

pression sur les grandes villes américaines et les 

États de l’union pour qu’ils réduisent les émissions 

de gaz. Et pour faire face à la vague d’overdoses qui 

a frappé le pays, Trudeau a ouvert d’urgence des 

salles de shoot, tandis qu’en Amérique, le nombre 

d’overdoses atteint de nouveaux records. Et puis, il 

y a la Russie. Côté US, le fils de Trump aurait utilisé 

des agents russes pour monter des dossiers contre 

Hillary Clinton. Côté Grand Nord, le ministre 

des Affaires étrangères de Trudeau est d’origine 

ukrainienne. Elle s’appelle Chrystia Freeland. 

Elle est persona non grata dans la Russie de Poutine. 

“Notre soutien à l’Ukraine, même militairement, 

nous positionne de manière claire quant au 

fait que la Russie reste un acteur contreproductif 

dans la dynamique internationale.”, m’a confié 

Trudeau. Il veut un “Canada great again”. Et pour 

y parvenir, il a une méthode bien à lui. 

« C’est l’image du Canada, la manière dont 

les autres peuples nous regardent. Ils disent : 

“Ah ! vous êtes canadien – sous-entendu 

‘Pas américain’ – vous êtes là pour nous aider !» 

Ce reportage a commencé l’été 

dernier. Pendant que nous prenions 

place pour une longue interview 

dans des chaises en 

bois sculpté de son bureau de 

Parliament Hill, il a commencé par ôter sa veste. 

Ses manches étaient remontées. Il portait une 

cravate bleue, une chemise blanche et ses chaussettes 

étaient ornées d’un élan. Pour être tout à 

fait sincère, Trudeau me fait penser à Obama. Il a 

la même façon de sourire et d’écouter sans broncher 

quand je lui parle de ma femme canadienne. 

Pour Trudeau, l’écoute est une arme de séduction 

massive. Mais dès que je commence à lui poser 

des questions, tout s’aligne, tout se met en ordre de 

marche, éloquent sur sa vie, sous contrôle quand il 

s’agit de politique. Pendant que nous échangeons, 

il est souriant, son regard bleu vissé dans le mien. 

Mais à chaque fois que le nom de Trump surgit, il 

change, il esquive, d’un air de dire “Pas de ça entre 

nous, mec !” Il recentre le débat : un Canada fort, 

mais ouvert. Je lui ai demandé pourquoi son pays, 

qui est coincé entre deux vastes océans et une 

superpuissance, avait augmenté de 14 milliards 

d’euros ses dépenses militaires. Il m’a répondu 

que son pays était très engagé dans les affaires du 

monde. Ensuite, il est revenu sur la spécificité du 

Canada. “Un Canadien, qu’il soit diplomate, employé 

d’une ONG ou soldat, a une image particulière. 

Partout dans le monde, le Canadien est considéré 

comme un citoyen à part, explique Trudeau. 

Je veux dire, l’image du Canada, la façon dont les 

autres peuples nous regardent en disant “Ah ! Vous 

êtes canadien – sous-entendu ‘Pas américain’ –, 

vous êtes là pour nous aider. Vous n’êtes pas seulement 

là pour notre pétrole ou pour nous dire ce 

que nous devons faire.” Ça, c’est la canadian touch ! 

Pendant sa campagne, Trump a déclaré que 

l’OTAN était obsolète. Trudeau n’est pas d’accord. 

Pour lui, le Canada doit étendre son influence dans 

le monde. Des soldats canadiens sont positionnés 

en mer Baltique pour contrer une éventuelle 

agression russe. C’est la plus forte mobilisation 

de troupes en Europe depuis plus d’une décennie. 

Trudeau m’a rapporté une histoire. Elle concerne 

Harjit Sajjan, son ministre de la Défense. Autrefois, 

c’est lui qui dirigeait les troupes canadiennes 

en Afghanistan. 

Sajjan est né au Penjab, en Inde. Il porte un 

turban. Un jour, un chef afghan s’étonnait de la 

présence de Sajjan. Le chef tribal voulut savoir s’il 

faisait partie de l’armée indienne. Quand il lui a 

répondu qu’il dirigeait les troupes canadiennes, 

l’Afghan ouvrit de grands yeux ronds. Sans bouger, 

il balança : “Eh, attendez ! Mais comment un 

homme comme vous peut diriger une armée de 

soldats canadiens ?” Trudeau ménage son effet. 

À l’évidence, il adore raconter cette anecdote. 

“Harjit a répondu : ‘Eh ben ouais ! C’est bien ça.’ 

Le chef tribal l’a fixé un long moment avant de 

lâcher : ‘Bon, bon. Alors vous allez pouvoir nous 

aider.’ C’est ça, la force des Canadiens !” 

Les Trudeau-sceptiques prétendent qu’il est 

“émotionnellement intelligent”. C’est une manière 

très canadienne de dire que c’est un niais. Grave 

erreur ! Trudeau est le fils de Pierre Trudeau, ancien 

Premier ministre canadien pendant quinze 

ans et figure historique du Canada du xx e siècle. 

Il y a des choses qu’il a apprises sur les genoux de 

son “Papa”. Mais Justin s’est forgé son propre mode 

de pensée, une grille de lecture bien à lui. Jusqu’à 

la mort de Fidel Castro, il n’a cessé de déclarer que 

le Líder Màximo était “un grand chef qui avait 

servi son peuple”, sans faire beaucoup de cas des 

coups tordus et des violences que Castro pouvait 

commettre dans l’ombre. Pour le Canada Day, le 

14-Juillet de nos cousins d’Amérique, Trudeau a 

mentionné toutes les provinces du pays, sauf une : 

l’Alberta. Il est revenu sur scène pour tenter de 

rattraper le coup. “Laissez-moi juste vous dire que 

je suis un peu embarrassé – je me suis emballé à 

propos des Rocheuses canadiennes. Mais Alberta, 

toi aussi je t’aime. Joyeux Canada Day !” Quelques 

minutes après, des politiciens de l’Alberta faisaient 

déjà courir le bruit que cet oubli n’était pas une 

erreur, qu’il était volontaire. 

Cet homme-là est capable de surgir de nulle 

part, comme un dauphin ; enfant, il a voyagé dans 

le monde entier, avec son père, comme s’il faisait 

partie de sa délégation. Il s’aime. Il est très narcissique 

(ses adversaires le surnomment “Shiny Pony”, 

un personnage de dessin animé). Un jour, avant 

un débat décisif, alors qu’il comparait son destin à 

celui d’Obama, sa femme lui saisit brutalement le 

bras. Elle le fixa droit dans les yeux et lui balança : 

“Sois humble !” Sophie et Justin se sont rencontrés 



1 

2 Quand Trudeau 

devient un homme 

(1)Pierre et Margaret 

Trudeau, avec leurs 

trois fils. (2)Justin a 

hérité de son père sa 

passion pour le canoë. 

(3)Pierre Trudeau 

est mort peu après 

l’avalanche qui a 

emporté son frère 

Justin. “J’ai bien vu 

que c’était ce qui 

avait tué mon père, 

confie Trudeau. 

Il n’accepta jamais 

l’idée que Dieu 

puisse lui prendre 

son fils.” 

3 


dans leur ville natale, à Montréal. Et dès leur premier 

rendez-vous, Justin s’est mis en tête que c’était 

la bonne, qu’il allait l’épouser. 

Trudeau ne traîne pas sur les greens de golf. 

Il préfère dévaler les pentes en snowboard. Il est 

humain. Il a le goût du risque. Quand il était plus 

jeune et plus simple d’esprit, il s’amusait à se jeter 

du haut des marches pour faire marrer ses potes. 

Pour faire plaisir à son fils Hadrien qui jouait Le 

Petit Prince de Saint-Exupéry, Justin Trudeau s’est 

pointé sur la scène déguisé en aviateur. Cet homme 

a un sens de l’humour très particulier, mais il se 

défend d’en user contre ses ennemis. Trudeau est 

un centriste. Un optimiste aussi. Solaire. Rien à 

voir avec le long règne de son prédécesseur Stephen 

Harper et ses méthodes à la Dick Cheney. Dans 

son bureau aux murs couverts de portraits de rois 

de France – où je l’ai entendu siffloter le refrain 

“Like a Rolling Stone” de Dylan –, il me montre 

un tableau de Louis XIV. “Lui aussi était solaire”, 

blague-t-il. Ce Premier ministre-là n’en finit pas 

de surprendre son monde. Il se fait prendre en 

photo dans toutes les situations, en train de faire 

du kayak, ou de jogger. Récemment, il a interrompu 

sa course dans les rues de Vancouver pour 

faire une série de selfies avec des étudiants habillés 

pour leur bal de fin d’année. Son photographe 

officiel est toujours dans les parages. Un autre 

Trudeau-sceptique m’a confié l’autre jour que, s’il 

devait se présenter contre lui aux prochaines élections, 

il demanderait à des clodos et à des pauvres 

de brandir des panneaux pour exiger d’être pris en 

photo avec Trudeau. Pourquoi pas… 

Le Canada n’a pas résolu tous ses dilemmes. Il 

reste dépendant de son voisin américain pour 

ses énergies fossiles. Aucun puits de pétrole du 

Dakota du Nord américain ne peut rivaliser avec 

ceux de l’Alberta. Cette province canadienne est 

trouée comme un gruyère, plantée de milliers de 

puits et de foreuses. Je lui ai demandé comment 

il s’accommodait de cette réalité, lui qui se pique 

d’être un des grands supporters des accords de 

Paris sur le climat. “C’est une vraie question”, 

lâcha-t-il, sans se laisser démonter. “Il faut bien 

l’avouer : on ne peut pas se passer du gaz, des carburants 

fossiles. Nous ne sommes pas prêts. Il va 

falloir quelques décennies avant d’y parvenir.” Il 

réfléchit. “On peut réduire leur utilisation, mais 

la transition énergétique va prendre encore un peu 

de temps.” Trudeau l’écolo est aussi un supporter du 

fameux oléoduc Keystone, qui part des sables bitumineux 

de l’Alberta et traverse tous les États du 

nord des États-Unis sur près de 3 500 kilomètres. 

Cette double casquette, cette position un peu schizophrénique, 

est d’autant plus forte que Trudeau 

doit faire face au legs de son père. Quand Pierre 

Trudeau était Premier ministre, il s’en est pris à 

cette industrie. Il a taxé les profits des industries 

pétrolières de l’Alberta pour les redistribuer dans 

tout le pays. Ces grands patrons s’en souviennent. 

Ils l’ont encore mauvaise. Et Trudeau fils doit faire 

avec. Justin Trudeau se souvient encore de cette 

conférence qu’il a donnée il y a quelques années 

à Calgary. Quand il quitta la scène, un homme 

s’approcha de lui et lui dit : “Bien, bien ! Très bon 

discours. Heureux de vous avoir rencontré – pas 

comme votre père, ce sac à merde !” Dont acte. Pour 

Trudeau, la question est la suivante : “Comment on 

fait pour transporter tout ça ? Il ne faut pas se mentir. 

Les camions sont chers et en plus, ils polluent. 

Le rail c’est cher, c’est sale et on n’est jamais à l’abri 

d’une catastrophe. L’option Keystone est la plus 

sûre.” Argument discutable, au moins aux yeux 

des types qui ont planté leurs tentes à Standing 

Rock pour protester contre son projet d’extension. 

En Amérique, on connaît moins le Trudeau qui 

soutient l’expansion du réseau d’oléoducs Trans 

Mountain, transportant le pétrole de l’Alberta vers 

la côte de la Colombie-Britannique, pour le vendre 

aux marchés asiatiques. “La vraie question est de 

savoir si nous voulons mettre tous nos œufs dans 

le même panier. Est-ce que nous voulons rester 

dépendants du seul marché américain ? N’est-il 

pas préférable de s’ouvrir à l’international pour 

accéder à de nouveaux marchés ?” Question très 

rhétorique, du moins posée ainsi. Malgré toutes 

ces contradictions, ce jeune Premier ministre est 

progressif, cartésien. Il a une vista, comme on dit, 

une vision de l’avenir. Oui, il est né avec une cuillère 

d’argent dans la bouche. Mais il est en phase 

avec ses concitoyens. Et la vie ne l’a pas épargné. 

Il a vécu des drames personnels. La majorité 

des Canadiens est persuadée qu’il a vraiment à 

cœur de défendre ses 36 millions de concitoyens. 

En 2015, Trudeau est allé à la rencontre des réfugiés 

syriens. Avec d’autres bénévoles, il leur a distribué 

des manteaux pour l’hiver. Un an plus tard, 

l’un d’entre eux a profité de son passage sur une 

radio pour le remercier personnellement. Trudeau 

en a pleuré. Un autre a appelé son fils Justin, en 

guise d’hommage. Quel contraste avec Trump qui 

veut interdire l’accès au sol américain aux musulmans 

et à Mike Pence, qui a osé aller devant les 

tribunaux pour empêcher les réfugiés syriens de 

s’installer en Indiana ! “Si nous avons décidé d’ac- 


Justin 

Trudeau 

cueillir 40 000 réfugiés syriens, ce n’est pas parce 

que notre gouvernement a envoyé là-bas quelques 

avions ou que nous avons signé un quelconque 

décret”, me confie Trudeau. “Si nous avons pris 

cette décision, c’est parce que des Canadiens ont 

accepté de leur ouvrir leurs maisons, leurs églises, 

leurs associations. Ils disaient : ‘À nous de jouer, à 

nous de nous mobiliser pour offrir à ces hommes et 

à ces femmes, qui ont traversé une crise terrible, des 

lendemains meilleurs.’ Nous avons pris conscience 

qu’en faisant venir ces réfugiés ici pour leur offrir 

une vie meilleure, nous rendons le monde meilleur 

et nous rendons nos propres communautés 

meilleures elles aussi. Si j’ai pris cette décision, 

c’est bien parce que les Canadiens étaient prêts à 

le faire, parce qu’ils sont ouverts, généreux et qu’ils 

nourrissent de grands espoirs pour notre pays.” 

Il y a quelque chose d’étonnant dans toute cette 

histoire. C’est que Trump aime Trudeau. Quand 

il a débarqué en Australie, il a décrit Trudeau 

comme “son nouvel ami”. Peut-être est-ce dû au 

fait que sa fille Ivanka lui faisait les yeux doux 

pendant sa précédente visite à la Maison-Blanche. 

À moins que ce ne soit parce que Trudeau augmente 

de 70 % le budget militaire de son pays, 

satisfaisant l’obsession de Trump de voir ses alliés 

traditionnels assumer le coût de leur propre 

défense nationale. “Nous avons un grand voisin 

au Canada et Justin fait un boulot incroyable”, a 

martelé Trump lors du sommet du G20. Au même 

moment, Trudeau jouait au jeu du mépris avec lui, 

renforçant les conventions environnementales 

avec les États et les dirigeants membres du groupe 

des fameuses vingt nations les plus industrialisées 

de la planète. Le New York Times rapporte que 

Trudeau aurait engagé l’ancien Premier ministre 

conservateur Brian Mulroney pour gérer Trump, 

et que le gouvernement canadien se serait payé les 

services d’un lobbyiste américain pour assouplir la 

ligne proaméricaine, America First, Buy American 

d’Andrew Cuomo, le gouverneur de l’État de New 

York. Un mauvais coup pour les relations commerciales 

du Canada. Trudeau n’aime pas ces tracasseries. 

Il préférerait que ses voisins d’Amérique, 

ceux des 48 États d’en dessous, n’en mentionnent 

pas même l’existence. “Je ne pense pas que moi ou 

le Canada ayons quoi que ce soit à gagner à jouer 

les fiers-à-bras. Seuls les faits comptent”, lâchet-il 

en prenant place dans ce bureau de Premier 

ministre dans lequel, des années plus tôt, un peu 

comme les Kennedy, il jouait, enfant. “C’est clair 

que je ne partage pas les positions de Trump sur un 

bon paquet de sujets, dit-il en desserrant son nœud 

de cravate. Mais les Canadiens me demandent de 

faire le grand écart, en tenant ferme sur nos points 

de désaccord sans mettre en péril tous nos intérêts 

commerciaux.” Puis il ajoute, en parlant de 

Trump : “Nous avons des échanges constructifs. Je 

ne suis pas du genre à bondir à la moindre frustration, 

à lui sauter dessus, à l’insulter dès qu’il ouvre 

la bouche. Il faut maintenir ce dialogue.” Trudeau 

n’est plus un gosse comme du temps de son père 

et des photos de famille à la JFK. Dans ce bureau, 

désormais, c’est lui le patron. 

Le soir après sa conférence de 

presse, le Premier ministre se 

pointe avec sa femme Sophie à une 

soirée de gala où tous les invités 

sont en costard et ressemblent au 

pingouin de Linux. La scène se déroule au bal de 

Rideau Hall, la résidence officielle du gouverneur 

général. Le président italien est en visite officielle. 

Au menu, cochon de lait, panna cotta au coulis 

de cerises du Niagara et compote d’abricot. Les 

Canadiens détestent ça, mais parfois Trudeau et 

ses jeunes conseillers s’y soumettent, en petits gars 

bien-pensants et bien sous tous rapports, comme 

dans une série de Netflix. Il faut reconnaître que 

Trudeau est suffisamment bien balancé pour rivaliser 

avec Gary, le héros de la série comique Veep, 

diffusée sur HBO. À ceci près qu’il n’est pas très 

branché pince-fesses, dîners en ville, si chers à 

feu Pierre Trudeau, son père. Justin bosse, sympathique, 

attachant, balançant à l’occasion un 

« Pour tenter de me déstabiliser, les gens 

disaient : ‘Il est très différent de son père. 

Il tient surtout de sa mère.’ Et moi, 

je répondais : ‘Merci, merci beaucoup.’ » 

clin d’œil à untel, un petit coup de coude à un 

autre. C’est un garçon de son temps. Un homme 

du xxi e siècle. 

Justin est tombé dedans quand il était petit. Il 

est du coin. Il y est né. Il a grandi à moins d’un kilomètre 

du 24, Sussex Drive, la résidence officielle du 

Premier ministre. Enfin, en temps normal. Parce 

qu’au moment où j’écris ces lignes, la résidence de 

Trudeau est en rénovation. C’est le problème avec 

les vieilles résidences officielles. Avec sa petite famille, 

l’actuel Premier ministre a dû se rabattre sur 

un petit “cottage” d’à peine 3 000 mètres carrés, 

situé quelques centaines de mètres plus loin. Mais 

toujours dans le quartier de naissance de Trudeau. 

Lequel est né le soir de Noël. En 1971. Dès sa naissance, 

il fait parler de lui. Quelques lignes déjà, 

dans la presse nationale. Fils de… Cette annéelà, 

Pierre Trudeau, 51 ans, épousait en urgence 

la jeune mère de son fils, Margaret, 22 ans. Les 

caméras ont fixé ce moment. Trudeau senior sortant 

tout sourire sur le perron de l’hôpital d’Ottawa 

pour annoncer la naissance du divin Justin. 

“Ce gars est né sous le feu des projecteurs.” 

Dès le début, commente Terry DiMonte, DJ à 

Montréal et ami proche. Il le connaît depuis les 

années 1980, depuis que le jeune Justin a passé 

une annonce sur une radio locale pour tenter 

de dénicher des places pour un film qui affichait 

complet. C’est un héros shakespearien. Une 

sorte de Camelot version Grand Nord canadien. 

Dans son bureau de Parliament Hill, Trudeau 

me montre un recoin, une planque, l’endroit où 

il aimait se cacher quand il jouait dans les pattes 

de son père. “C’est drôle, mais, dans mon souvenir 

de gosse, les murs étaient plus clairs. J’ai 

regardé les photos de l’époque, pour comparer. Ce 

sont les mêmes. Rien n’a changé, en fait.” Après 

sa naissance, deux autres fils naquirent. Mais 

il n’y a que Justin qui accompagnait son père, 

comme sur cette photo de lui exhibant son yo-yo 

sous les yeux du Premier ministre de la Suède, ou 

cette autre prise pendant qu’il récite un poème 

à Ronald Reagan intitulé “The shooting of Dan 

McGrew”. Son père préférait les grands classiques 

de la littérature. Sur un autre cliché, on aperçoit 

Justin jeune pris en flagrant délit de zyeutage 

pendant que Lady Di se prélasse dans la piscine 

de la résidence officielle. “C’est comme ça que j’ai 

compris que les affaires internationales reposaient 

sur les relations humaines, et la manière 

de se comporter avec nos interlocuteurs, confie 

Trudeau. La manière de les écouter. En vérité, 

je ne parle pas de la même manière avec Merkel 

et avec Trump.” Trudeau en profite pour dénoncer 

les affirmations du Spiegel qui prétend qu’il 

aurait demandé à Merkel de lever le pied avec 

Trump au lendemain de sa sortie des accords 

de Paris. Pierre Trudeau, le père, était considéré 

comme un homme de grande valeur aux yeux de 

ses concitoyens. Il a orchestré la rédaction d’une 

nouvelle Constitution pour le pays. Il a maintenu 

l’unité du pays lors des velléités sécessionnistes du 

Québec francophone – recourant tour à tour aux 

urnes et aux armes, selon les circonstances. En 

octobre 1970, le Front de libération du Québec 

a assassiné un ministre provincial et kidnappé 

un diplomate anglais. Pierre a envoyé les troupes 

dans les rues de Montréal. Et lorsqu’un journaliste 

lui a demandé jusqu’où il était prêt à aller 

dans la restriction des libertés publiques, ce Premier 

ministre, qui se targuait d’être moderniste, a 

simplement lâché : “Regardez bien”. Mais en dépit 

de l’image qu’il voulait donner, la maison Trudeau 

était déjà sens dessus dessous. Les intuitions politiques 

de Pierre masquaient une grande fragilité, 

une véritable obsession pour l’embrigadement, le 

contrôle, traçant chez lui, dans sa propre maison, 

des étages où Justin et ses frères devaient s’exprimer 

en français, et d’autres où l’anglais était de 

mise. Sous contrôle, donc, même en 1977, lorsque 

monsieur Trudeau père fit mine d’improviser 

une pirouette facétieuse dans le dos de la reine 

Elizabeth à Buckingham Palace. Il voulait exprimer 

tout le mépris des Canadiens pour la pompe 



© GREG KOLZ. BERNARD WEIL/CORBIS. 

Le bon vivant 

(1) Sportif, Trudeau aime se mettre en scène. 

(2) En 2005, il épouse Sophie. Ils ont trois enfants. 

2 

élisabéthaine. “Mon père a perdu son père quand 

il avait 15 ans. Ça l’a bousillé, m’a confié Trudeau. 

Ça l’a marqué à vie.” De son côté, sa mère, du 

haut de sa vingtaine d’années, explosait sans prévenir. 

Margaret souffrait de troubles bipolaires. 

Pierre et Margaret Trudeau divorcèrent quand 

Justin avait 6 ans, trop jeune pour accompagner 

seul son père sur ses visites d’État, pas assez fort 

encore pour consoler sa mère, capable de débarquer 

à la sortie de son école pleurant toutes les 

larmes de son école parce que son petit ami de la 

veille venait de la quitter. “Ma mère a toujours été 

très généreuse, sensible, vulnérable et pourtant si 

forte”, se souvient-il. “Il a fallu qu’elle tienne face à 

ce trouble mental. Il lui fallait bien du courage”, 

dit-il, marquant une pause et souriant. “Elle 

comprenait les gens et tissait des relations très 

étroites avec eux. Ma mère était douée pour cela, 

plus que mon père.” 

Enfant, Justin a dû subir les unes des journaux 

évoquant les frasques de sa mère, qui faisait la 

fête avec les Rolling Stones et dansait jusqu’au 

bout de la nuit au Studio 54, une boîte canadienne 

à la mode. Quand il a fait ses premiers 

pas en politique, les mauvaises langues disaient 

qu’il ressemblait plus à sa mère qu’à son père. 

Qu’importe. Justin traça sa route. “Mon père, 

dit-il, était quelqu’un d’incroyablement fort. Il 

était brillant. C’était une grande figure, au sens 

classique du terme. Mais il portait aussi cette 

fragilité intime, cette faiblesse qui pouvait faire 

de lui un homme distant, émotionnellement distant.” 

Justin affiche un sourire triste. “Certains 

faisaient feu de tout bois pour m’atteindre, ils 

disaient : ‘Il est très différent de son père. Il tient 

surtout de sa mère.’ Et moi, j’avais envie de leur 

dire ‘Merci, merci beaucoup.” 

Trudeau m’a invité à l’accompagner en berline, 

pour suivre avec lui les jeux de l’Acadie, à 

Fredericton au Nouveau-Brunswick. À l’arrivée, 

j’ai bien essayé de sortir, mais ma portière 

était verrouillée. “Il faut que tu attendes qu’ils 

t’ouvrent la porte”, dit-il en pointant du menton 

les officiers de la police royale canadienne. Il grimaça 

avant de lâcher : “Il m’a fallu six mois pour 

m’y habituer.” Au planning, Justin doit suivre 

1 

un match de badminton. Mais les choses 

ne vont pas se dérouler comme prévu. Il 

est pris d’assaut par une vague humaine, 

littéralement cerné par des gosses qui se 

ruent, le tirent, le poussent dans un volume 

sonore équivalent à la sonnerie de 

6 000 téléphones portables. Trudeau attire 

cette énergie. Il s’en nourrit, pas comme 

son père, mais plutôt comme l’ancien premier 

ministre de la Colombie-Britannique : James 

Sinclair, le père de Margaret. Sinclair était très 

fort pour ça, pour se jeter dans la mêlée, aller à 

la rencontre des gens et donner à chacun, qu’il 

soit ministre ou bien mineur, le sentiment d’être 

important à ses yeux. Son -petit-fils a hérité de lui 

ce talent-là. Ça fait partie de son style. Trudeau 

se concentre sur les individus, il fait fi des barrières 

sociales, des conventions, pour permettre 

le dialogue, même avec ses conseillers proches. 

Trudeau se laisse entraîner par un groupe d’adolescentes 

vers le gymnase. L’ambiance est à la 

fête, avec une pointe de nostalgie, un ressentiment 

étouffé, à la canadienne. Ces enfants sont 

les héritiers de la Grande Expulsion de 1755, 

quand les Britanniques poussèrent les Acadiens 

francophones à l’exil vers le Maine, la France ou 

encore la Louisiane. Mais aujourd’hui, c’est du 

passé. Il y a beaucoup d’amour. C’est quelque 

chose que je n’ai jamais ressenti en fréquentant 

d’autres hommes politiques. C’est obamesque, si 

tant est qu’Obama ait pu se retrouver dans un tel 

bain de foule, si ses services de sécurité avaient 

laissé faire cela. “Souvenez-vous de Roosevelt à 

la radio”, minore le journaliste canadien Noah 

Richler, ancien candidat socialiste à un siège de 

parlementaire. “Churchill était un grand orateur. 

Trudeau est très mauvais à l’oral. Mais il est beau 

gosse.” Quelques minutes plus tard, Richler se ravise 

un peu et concède : “Il aime son boulot – c’est 

amusant de le regarder faire.” 

Pour Trudeau, cette exposition n’est pas seulement 

liée à son propre ego. “J’ai la conviction 

très profonde qu’on ne peut pas faire ce job si on 

n’est pas en prise avec les gens”, me dit-il sur le 

chemin du retour vers Ottawa. “Ça signifie être 

assez disponible pour qu’ils se sentent proches de 

vous.” Le reste du déplacement est joyeux. Autre 

visite. La caserne de Fredericton qui célèbre son 

200 e anniversaire – il me confie que sa femme lui 

en veut parce qu’il refuse de la laisser l’accompagner 

au milieu de ces beaux gars, ces pompiers. 

Trudeau est chaud. Il saute sur le toit d’un camion 

de pompier, manipule les équipements. Une heure 

plus tard, il est debout sur une table de piquenique 

à partager des glaces avec des supporters 

sur les rives de la rivière Saint John, dans le cadre 

idyllique de Grand Bay-Westfield, au Nouveau- 

Brunswick. Image de carte postale. Il est encore à 

ses photos quand son équipe le pousse gentiment 

vers sa berline. La journée se poursuit à merveille, 

sans le moindre accroc, jusqu’à ce que le convoi 

quitte brutalement l’autoroute pour s’engager sur 

un sentier du Nouveau-Brunswick. Je ne comprends 

pas ce qui se passe. J’imagine une crise 

ou une menace sur la sécurité nationale. Je vois le 

Premier ministre qui descend la vitre de sa portière 

et balance son cône glacé. Tout un détour 

pour ne pas être vu en train de jeter ce cône sur 

une autoroute nationale. Ce culte de la personnalité, 

ce contrôle de l’image, toute cette conquête du 

pouvoir a débuté des années plus tôt. 

Tout a commencé par une avalanche et une 

marche funèbre. 

Q 

uand 

il se retira du monde 

politique en 1984, Pierre 

Trudeau retourna avec ses 

trois fils Justin, Alexandre et 

Michel, dans sa demeure Art 

déco de Mount Royal. Pierre occupait tout un 

étage, immense, aux murs couverts de livres et 

de souvenirs, pendant que ses trois fils s’entraînaient 

à la lutte sur les tapis du rez-de-chaussée. 

Le soir, ils se retrouvaient tous les quatre 

autour d’un bon dîner et le pater familias leur 

parlait de Shakespeare et de Thomas Hobbes. 

Justin intégra un lycée prestigieux tenu par des 

jésuites ; il y avait des élèves juifs, des protestants 

aussi. Certains ont bien essayé de le faire 

réagir sur les gros titres des journaux à propos 

de sa mère, mais ils étaient rares et Justin a plutôt 

été épargné. Son camarade de classe, Marc 

Miller, se souvient qu’il était “plus un acrobate 

qu’un athlète”, capable de débarquer au lycée 

dressé sur son monocycle tout en jonglant avec 

des quilles ou des balles de tennis. “Il n’était pas 

du genre à s’enfermer dans une catégorie type, 

parmi d’autres mâles alpha”, précise Miller, aujourd’hui 

secrétaire parlementaire. 

Trudeau garde un souvenir très fort des 

balades en famille, avec son père et ses deux 

frères, dans tout l’arrière-pays, les grandes 

marches, l’escalade, le kayak. Quand ils se retrouvaient 

à table, Pierre devait pressentir qu’il 

n’aurait probablement pas la chance de suivre 

la carrière de son fils. C’était comme s’il était 

pressé de lui transmettre tout ce qu’il pouvait, 

partager son expérience. “Il nous répétait souvent 

que nous devions être capables de faire un 

feu même sous l’averse, se souvient Justin. Il 

voulait que nous soyons prêts à affronter toutes 

les situations, dans tous les domaines.” À l’occasion, 

Justin faisait des apparitions publiques, 

à la grande joie des Canadiens. À 18 ans, il a pris 

part à un débat entre lycéens, affirmant que le 

Québec devait rester au Canada. Il a défendu 

cette opinion en utilisant parfois le français 

et certaines formules comme “le Canada ne 

chie pas sur le Québec”, montrant à l’occasion 


Justin 

Trudeau 

qu’il pouvait se montrer aussi incisif que son 

père. Il a fait McGill à Montréal, où il s’est initié 

aux grands débats de société, nouant une 

solide amitié avec Gerald Butts, un de ses plus 

proches collaborateurs aujourd’hui. “Pour moi, 

la plus grande chose que Justin est parvenu à 

accomplir c’est d’avoir su rester normal”, commente 

Butts. Une fois son diplôme en poche, 

il s’est rendu dans le Grand Ouest, employé 

comme moniteur de snowboard tout d’abord, 

puis comme prof à Vancouver. Son enfance, sa 

longue période d’insouciance, a duré jusqu’à 

ses 26 ans. Cette année-là, Trudeau reçut un 

coup de fil lui annonçant que son frère Michel 

venait d’être emporté par une avalanche, alors 

qu’il skiait près du lac Kokanee, en Colombie- 

Britannique. La coulée de neige l’avait emporté 

vers les eaux glacées du lac. Et malgré tous 

les efforts des amis qui l’accompagnaient, sa 

dépouille n’a jamais été retrouvée. La nation 

tout entière se souvient du ballet incessant des 

hélicoptères et des plongeurs occupés à retrouver 

“Miche”, comme le surnommaient ses amis. 

C’était filmé. Justin rentra à Montréal pour rejoindre 

son père. La météo était mauvaise. Et la 

famille Trudeau prit la décision de faire interrompre 

les opérations de sauvetage. Le corps du 

plus jeune des fils Trudeau repose encore dans 

le lac. Justin resta à Montréal et, avant la fin 

de ses études, apprit que son père était atteint 

d’un cancer de la prostate. Il vit son père dépérir 

lentement, s’en aller, en quelques mois. Justin 

reste persuadé aujourd’hui que si son corps 

était rongé par le cancer, c’est bien la mort de 

“Miche” qui avait eu raison de lui. “J’ai bien vu 

que c’était ce qui l’avait tué”, confie Trudeau, les 

yeux troublés par l’émotion. “Il a perdu la tête. Il 

ne parvenait pas à accepter l’idée que Dieu lui 

reprenne son fils comme ça.” 

Pierre Trudeau meurt à l’automne 2000. Assailli 

par les médias, Justin se réfugie dans un 

lieu surprenant : la maison de son ami DJ Terry 

DiMonte, persuadé que les journalistes n’auraient 

jamais l’idée de le chercher de ce côté-là. Ses 

funérailles ont lieu à la basilique Notre-Damede- 

Montréal, un édifice du xix e siècle qui fut 

longtemps considéré comme la plus grande église 

de toute l’Amérique du Nord. Pour le meilleur et 

pour le pire, ce moment allait être celui du passage, 

du relais. Rien ne fut laissé au hasard. Dans 

la cuisine de DiMonte, Trudeau junior réunit ses 

vieux amis, Butts et Miller. Il écrivit quelques 

lignes et les confia à ses amis pour relecture. Il 

écrivit, ratura, recommença son éloge funèbre. “Il 

savait qu’il allait être sous le feu des projecteurs”, 

se souvient DiMonte. Les funérailles nationales 

se déroulèrent le 3 octobre, avec Castro et Jimmy 

Carter aux premiers rangs. Justin évoqua la mémoire 

de son père, et finit sur une citation de 

Robert Frost : “Il tint ses promesses et mérita son 

repos.” En lisant ces dernières lignes, Justin se mit 

à trembler. Il était en larmes. “Je t’aime, Papa”, 

ajouta-t-il en français avant de s’incliner et de 

poser le front sur le cercueil recouvert du drapeau 

canadien. Puis il alla se réfugier dans les bras 

de sa mère et de son dernier frère. Le buzz était 

lancé. Les gens s’interrogeaient sur le destin politique 

de Justin. Il a commencé juste avant la mort 

de son père. Un avant le décès de Pierre Trudeau, 

Justin s’assit pour l’un de leurs fameux déjeuners 

de famille. Justin voulait parler de son peu 

d’entrain pour la chose politique. Il a attendu. Il 

« J’ai la conviction très profonde qu’on ne peut 

pas faire ce job si on n’est pas en prise avec 

les gens », dit-il en se fondant dans la foule. 

attendait le bon moment. Il voulait s’assurer de la 

pérennité et du soutien du Parti libéral. Les libéraux 

étaient déjà sur le déclin, occupant 172 sièges 

en 2000, et seulement 34 en 2011. La vieille garde 

gauchisante était déjà en train de dépecer ce qui 

restait du parti. “Il sentait, raconte Butts, que le 

parti devait aller au bout de cette déchéance pour 

mieux se réinventer ensuite.” 

T 

rudeau est retourné sur 

le chemin de l’école, pour un 

doctorat d’ingénieur. Il fit aussi 

l’acteur dans une production 

canadienne glorifiant l’engagement 

des conscrits canadiens dans la Première 

Guerre mondiale. Toujours en marge de la politique, 

jusqu’en 2007. Il devient candidat à un 

poste de député. Ce qu’il y a de particulier dans 

le système parlementaire canadien, c’est qu’en 

dernier ressort, ce sont les caciques des partis 

qui définissent la circonscription devant laquelle 

chacun de ses candidats peut se présenter. 

Trudeau a été parachuté à Montréal, dans 

la circonscription de Papineau, à quelques encablures 

du foyer paternel. Papineau est peuplé 

de migrants, d’Africains, d’Haïtiens. Une 

députée, originaire d’Haïti, occupait le siège 

visé par Justin. Et, malgré son look de jeune 

premier, personne ne donnait cher de la peau 

de Trudeau. Il a déjoué les pronostics et gagné 

sa place au Parlement, pendant que les autres 

candidats du Parti libéral se faisaient laminer. 

Trudeau garde un souvenir ému de cette première 

campagne. “J’ai raflé les votes grecs au 

nez et à la barbe du candidat grec. J’ai gagné 

le vote des Italiens malgré le candidat italien. 

Ma rivale la plus solide était la députée sortante, 

une Haïtienne, mais les Haïtiens ont 

voté pour moi.” J’avais ma prochaine question 

sur le bout de la langue, mais Trudeau a enchaîné. 

“Au Canada, explique-t-il, les électeurs ne 

votent pas pour un représentant de telle ou telle 

communauté. Ils votent pour des valeurs.” Pas 

comme aux États-Unis d’Amérique, où le tribalisme 

et l’appartenance ethnique prédominent. 

“Ma vision du pays, poursuit-il, reflétait tout 

simplement celle de mes électeurs.” 

Plus récemment, le principe du vivre et laisser 

vivre, si cher à la nation canadienne, a été mis à 

rude épreuve. En janvier dernier, un Canadien 

de 27 ans a froidement assassiné six musulmans 

dans une mosquée de Québec. Trudeau a rappelé 

sa confiance en l’esprit d’ouverture des Canadiens, 

mais le pays et ses chefs politiques ont été durablement 

affectés. 

“Les gens de confession musulmane sont trop 

souvent victimes du terrorisme, hélas”, lâche Trudeau. 

Quel contraste avec les mesures de bannissement 

de Trump ! La suite de la carrière de 

Trudeau, de la députation au poste de Premier 

ministre peut paraître moins romantique, moins 

élégante, en passant par un vrai ring de boxe. Elle 

est le résultat d’une stratégie plus réfléchie qu’il 

n’y paraît. 

Pendant longtemps, le désir assumé de 

Trudeau d’apprendre les us et coutumes des gens 

d’Ottawa a été altéré par ce nom lourd à porter et 

sa grande gueule. En 2011, Trudeau n’a-t-il pas 

qualifié de “grosse merde” un député conservateur 

en pleine Chambre des Communes lors d’un 

débat houleux ? Il a fallu qu’il s’en excuse. Mais le 

mal était fait. Et les médias conservateurs n’hésitaient 

pas à rappeler que ce jeune ambitieux avait 

aussi le sang chaud. L’année suivante, il a été bien 

mal inspiré d’accepter de monter sur un ring et de 

mettre les gants contre le sénateur conservateur 

Patrick Brazeau dans le cadre d’un gala de charité 

visant à récolter des fonds pour la lutte contre 

le cancer. “Personne ne peut prétendre les yeux 

dans les yeux que c’était une bonne idée, dit Miller, 

son ami et très proche conseiller. Il s’est donné 

en spectacle.” Ce soir de mars 2012, la cote de 

Trudeau était à 1 contre 3. Le Canadien Brazeau, 

d’origine indienne, avec ses longs cheveux noirs et 

ses tatouages sur les bras, était donné vainqueur. 

Pour l’occasion, Trudeau s’était fait dessiner un 

corbeau et le globe terrestre. Brazeau ressemblait 

à un gars capable de rétamer une palanquée de 

poivrots dans une boîte à strip-tease. Les médias 

conservateurs étaient comblés, ils guettaient la 

mort du “Shiny Pony”. Dans tous les bars du pays, 

les matchs de hockey cédaient la place à ce match 

au sommet. Énorme succès d’audience. Dès le 

début du combat, Brazeau s’est rué sur Trudeau 

et lui a asséné des coups terribles. La foule était 

comblée. Elle avait ce qu’elle voulait. Un massacre 

en règle et très vite Trudeau au sol, le cul à terre, 

inhalant des sels pour se remettre d’aplomb. Trudeau 

s’est accroché. Il a répliqué par une série de 

directs à la face du sénateur. Brazeau a même été 

compté. Lui-même n’en revenait pas. Au troisième 




round, l’arbitre dut interrompre le match, alors 

que Trudeau venait de se ruer une nouvelle fois 

sur son adversaire incapable de répliquer. La victoire 

de Trudeau a révélé que ce jeune loup savait 

tenir parole et qu’on pouvait appartenir à un Parti 

libéral un peu mou du genou et avoir un sacré 

punch. Cinq ans et des kilomètres plus loin, Trudeau 

esquive un sourire bien mystérieux quand 

je lui demande si ce match n’était pas biaisé. “On 

a beaucoup réfléchi, laisse-t-il tomber. Je voulais 

quelqu’un capable de tenir sur le ring, et on a déniché 

ce sénateur un peu hors normes, issu de la 

communauté indienne, pour jouer le méchant. Il 

a joué le jeu. Il m’a donné la réplique.” Trudeau dit 

cela avec la précision froide d’un expert financier 

lors d’une réunion de comptables. “Pour moi, ça 

faisait la blague et ça avait du sens.” 

Le dimanche précédent notre entrevue, le 

Premier ministre Trudeau paradait et dansait à 

la Gay Pride de Toronto, avec des chaussettes barrées 

d’inscriptions en arabe célébrant la fin du ramadan. 

Drôle de manière d’afficher son soutien à 

deux minorités opprimées. De quoi faire bondir le 

journaliste conservateur Sean Hannity. Mais c’est 

avec des coups comme ça que Trudeau est devenu 

Premier ministre. Il a hérité du Parti libéral de 

son père, quand ses représentants étaient au plus 

bas dans les sondages, juste après la désastreuse 

campagne de 2011 qui les réduisit à 34 sièges sur 

un total de 308 au Parlement. Trudeau a pris 

la tête du parti en 2013. Et d’emblée, il s’est mis 

à “l’obamatiser”, réinvestissant les jeunes électeurs, 

mais aussi les minorités, usant des médias 

sociaux pour relayer ses slogans. Il s’est adjoint 

les services de l’ancien directeur adjoint de la 

campagne d’Obama. Trudeau avait du charisme. 

“C’était incroyable de voir toute cette jeunesse se 

ruer vers lui”, reconnaît Richer. Et puis il s’est 

imposé dans les débats télévisés. “C’est alors que 

j’ai compris que nous étions cuits”, laisse tomber 

Richer. Le parti de Trudeau a remporté les élections 

du 19 octobre 2015. Avec lui, les votes en 

faveur du Parti libéral sont passés de 2,8 millions 

en 2011 à près de 7 millions quatre ans plus tard. 

Quelques jours plus tard, les membres de son 

nouveau cabinet, reflet parfait du multiculturalisme 

à la canadienne, se rendaient comme un 

seul homme à Rideau Hall pour son investiture. 

Un reporter sur place a demandé à Trudeau pourquoi 

il y avait tant de conseillers femmes autour 

de lui. Il sourit avant de répondre : “Parce que 

nous sommes en 2015.” 

Suivre l’investiture de Trudeau, c’était un peu 

comme regarder un enfant faire ses premiers 

mètres à vélo. Tant de promesses. Tant de renoncements. 

Parfois encore, le jeune homme est 

capable de coups de tête. L’année dernière, il a 

déboulé dans la Chambre des Communes pour 

aller chercher un de ses opposants, bousculant au 

passage, d’un coup de coude à la poitrine, la députée 

Ruth Ellen Brosseau. Cette affaire est devenue 

le “Coudegate” (“Elbowgate” en anglais). Les 

membres de l’opposition se sont rués sur lui, impatients 

de transformer la bousculade en affaire 

d’État. Trudeau a présenté ses excuses. Quatre 

fois. Il est devenu le souffre-douleur du comique 

John Oliver. “Je lui ai envoyé un texto juste après, 

se souvient DiMonte. Et il m’a répondu que ça 

lui avait échappé, qu’il ne recommencerait plus.” 

DiMonte s’est mis à rigoler en me livrant cette 

anecdote. “Il est bien comme son père. Il est gentil, 

patient, jusqu’à un certain point. Est-ce qu’il 

a appris à arrondir les angles ? Oui. Se comportet-il 

parfois encore comme un éléphant dans un 

magasin de porcelaine ? Absolument.” Récemment, 

Trudeau a été tancé par son aile droite parce 

qu’il avait autorisé le versement d’une indemnité 

de 9,5 millions d’euros au ressortissant canadien 

Face à la nation 

Sur Trump : “On est en désaccord 

sur nombre de sujets, mais on travaille 

bien ensemble.” 

Omar Khadr, engagé à 15 ans dans un échange de 

tirs qui a causé la mort d’un soldat américain en 

Afghanistan. Le père de Khadr était associé à Ben 

Laden. Le jeune homme a été incarcéré à Guantanamo. 

Il y a été torturé avant de finir dans une 

prison canadienne. Khadr a été libéré en 2015, 

après avoir passé la moitié de sa vie derrière les 

barreaux. Les tribunaux canadiens ont estimé que 

ses droits avaient été bafoués. Khadr a poursuivi 

le gouvernement canadien et Trudeau a transigé 

pour un accord. Le leader conservateur Andrew 

Scheer a bondi sur l’occasion, qualifiant cette indemnité 

de “lamentable”. Trudeau s’est défendu 

que, devant les tribunaux, le gouvernement aurait 

encouru une amende quatre fois plus élevée. “On 

apprécie une société juste, pas seulement dans les 

cas où la défense des droits de ses ressortissants 

est facile et populaire, dit-il, mais aussi quand sa 

reconnaissance est moins évidente.” 

Certaines promesses de campagne n’ont pas 

été réalisées, comme la réforme du code électoral, 

mais il a tenu la plus importante, celle faite 

au million cinq cent mille indigènes du Canada. 

Il a créé une Commission pour la paix et la réconciliation 

et assumé publiquement que l’État était 

responsable de l’enlèvement de 150 000 enfants 

à leurs familles indigènes en 1883. Ils furent placés 

dans des orphelinats et des pensionnats scolaires. 

Une section de cette commission enquête 

sur le meurtre de mille femmes indigènes. Mais 

cette dernière fait déjà l’objet de vives critiques 

en interne. Elle souligne aussi la négligence coupable 

dont le gouvernement a fait preuve tant au 

niveau de l’éducation de cette population, que de 

la qualité de ses eaux et de ses réserves nationales. 

Trudeau a promis une eau plus saine, de nouvelles 

écoles et, plus important, plus de latitude dans l’allocation 

et la répartition de fonds aux différentes 

réserves nationales. Mais les réalisations tardent 

à venir. Lors de sa conférence de presse, Trudeau 

a appelé à plus de patience. “Cela nous a pris des 

siècles avant d’en arriver là. Il va falloir encore 

quelques générations avant que nous puissions 

apurer les comptes liés à cet héritage.” 

Quelques heures après sa conférence de presse, 

Trudeau insiste pour me faire partager sa vision 

du Canada. Nous faisons une demi-heure de route 

vers la banlieue d’Ottawa, jusqu’à l’école élémentaire 

de Berrigan, à Nepean. Pendant que ses officiers 

de sécurité s’assurent des lieux, je reste dans 

le fond d’une salle de classe qui ressemble à s’y 

méprendre à celle dans laquelle l’ancien président 

George W. Bush se trouvait le matin du 11 septembre 

2001. Sur place, j’ai l’impression d’assister 

à une session de l’assemblée des Nations unies. Plus 

tard, le proviseur me dit que, sur les 900 élèves 

inscrits dans son école, 35 pays étaient représentés 

et une vingtaine de langues parlées. Je n’étais 

pas très loin. Les élèves parlent anglais, français et 

tout un tas d’autres langues qui m’échappent. Cela 

me rappelle ce que Richter m’avait dit à propos de 

son pays : “Ce pays est si étendu que nous ne l’occuperons 

jamais complètement. Nous avons autant 

besoin des immigrants qu’ils ont besoin de nous.” 

Trudeau allait de l’un à l’autre, écoutait, jusqu’à ce 

qu’un jeune Indien se mette à raconter qu’il était 

fier de se sentir Canadien et de pouvoir entonner 

sans crainte l’hymne national indien. Le Premier 

ministre s’empara du micro et se mit à parler en 

anglais et en français. “Quand vous observez un 

pays, ou une communauté, la division est à l’origine 

des désaccords, d’affrontements et finalement 

d’affaiblissements”, dit-il. Ici, au Canada, nous 

avons des points de divergence, des origines différentes, 

des histoires différentes, plusieurs religions, 

plusieurs langues.” Puis il darde vers l’écolier un 

regard de vieux maître d’école. “Nous avons réussi 

à faire de cette diversité une force.” 

Trudeau retourne vers les voitures de son convoi 

qui s’arrête à chaque feu rouge. Dans la cour, près 

de deux cents gosses tendent à bout de bras des 

pancartes avec les mots “Espoir” et “Respect” écrits 

dessus. Ils s’accrochent à sa chemise et repartent 

avec de grands sourires. Cela peut paraître un peu 

niais comme ça, mais c’était magnifique. Voilà la 

définition de ce qu’un pays doit être aux yeux de 

Trudeau. Le Canada se bat pour fédérer les communautés 

quand l’Amérique construit des murs et 

rêve d’un âge d’or qui ne reviendra pas. Ce pays-là, 

le pays de Trudeau, pourrait bien constituer un 

beau refuge à ceux qui voudraient fuir la tempête 

qui vient d’Amérique. 

TRADUCTION ET ADAPTATION PAR SÉBASTIEN SPITZER 


Portfolio 

RENCONTRES PHOTOGRAPHIQUES 

Hache de guerre 

Depuis vingt-neuf ans, à Perpignan, Visa pour l’image, plus grand 

festival international de photojournalisme au monde, multiplie 

ses regards, lucides et sans complaisance, mais terriblement humains, 

comme autant de constats sur l’état de notre planète. 

PAR LORAINE ADAM 

Avec un regard scrutateur sur 

l’actualité, les faits et personnalités 

majeurs de l’année écoulée, l’édition 

2017 évoque, sans surprise, un 

monde en souffrance. Parmi les 4500 projets 

reçus par l’organisation de la manifestation, 

25 ont été retenus et feront l’objet d’expositions 

gratuites, présentées dans toute la cité catalane. 

Deux d’entre elles, en noir et blanc, ont tout particulièrement 

retenu notre attention, traitant de 

la condition des Amérindiens du Dakota, un 

thème abordé il y a quelques mois dans nos 

pages, avec notamment Neil Young qui s’est 

associé à cette lutte. 

Le célèbre photo-reporter canadien Larry 

Towell de Magnum Photos présente Standing 

Rock, sur les Sioux qui se sont opposés au projet 

d’oléoduc Dakota Access Pipeline menaçant 

les sites sacrés et les réserves d’eau 

potable, en organisant des campements de 

prière. Cette mobilisation a abouti au plus 

grand rassemblement d’Amérindiens depuis 

plus d’un siècle, avec près de deux cents tribus. 

Durant l’été 2016, 5 000 manifestants amérindiens 

et militants campaient près de la Cannonball 

River. Le 4 décembre 2016, le gouvernement 

américain annonçait l’arrêt de la 

construction. Deux mois plus tard, sur ordre 

du président Trump, des policiers lourdement 

armés, à bord de véhicules blindés, ont pénétré 

dans les camps, arrêtant ou évacuant par la 

force les derniers manifestants. 

Quant à l’Américaine Darcy Padilla de l’Agence 

VU’, lauréate du Prix Canon de la Femme photojournaliste 

2016 soutenu par le magazine Elle, 

elle propose Dreamers, un reportage dans la 

réserve indienne des Lakotas, à Pine Ridge. 

Considérée comme l’une des plus pauvres des 

États-Unis, celle-ci affiche un taux de chômage 

de 85 % et l’espérance de vie la plus faible du 

pays : 47 ans pour les hommes et 52 pour les 

femmes. Une communauté aux prises avec 

l’alcoolisme, la dépendance à la méthamphétamine 

et qui tente de faire survivre sa culture. 

Visa pour l’image, 29 e festival international 

du photojournalisme, du 2 au 17 septembre, Perpignan (66). 

Entrée gratuite, tous les jours, de 10h à 20h 

www.visapourlimage.com - Visa pour l’image sur Facebook 

© LARRY TOWELL / MAGNUM PHOTOS 

Le camp d’Oceti s’apprête 

à disparaître dans les flammes. 

Ainsi en ont décidé les quelques 

centaines d’occupants qui auront 

résisté jusqu’au bout, jusqu’à 

l’ordre d’évacuation militaire 

ordonné par le gouverneur 

de l’État. Standing Rock, 

Dakota du Nord. Février 2017. 



© DARCY PADILLA / AGENCE VU’ 


Pow-wow pour célébrer l’anniversaire du massacre de Wounded Knee : en 

1973, des militants ont occupé la ville pour manifester contre le gouvernement 

fédéral et son non-respect des traités conclus avec les Amérindiens. 

Un drapeau en lambeaux flotte sur la réserve de Pine Ridge, dans le Dakota 

du Sud, considérée comme l’endroit le plus pauvre des États-Unis. 


Vue du campement de Oceti Sakowin, celui 

des résistants de la dernière heure, dans 

la réserve sioux de Standing Rock, située 

dans le Dakota du Nord. Septembre 2016. 



Affrontement entre l’armée américaine et les Sioux à Mandan, 

Dakota du Nord. Novembre 2016. 

À Whiteclay (Nebraska), proche de la frontière du Dakota du Sud, près de 

5 millions de canettes de bière sont vendues chaque année, principalement 

aux résidents de la réserve, où l’alcool est interdit. En avril 2017, les élus de l’État 

du Nebraska ont voté la révocation du permis d’alcool de quatre commerces. 


PLAYLIST 

C'est James Taylor 

qui donnera envie 

à Charles Berbérian de 

se mettre à la guitare. 

Le folkeux américain 

accompagnera aussi 

ses premiers coups 

de crayon.

La culture rock de 

CHARLES 

BERBÉRIAN 

Chaque mois dans Rolling Stone, une personnalité du monde 

du spectacle, du sport ou de la politique dévoile sa passion pour 

le rock. Épisode 19 avec un illustrateur-scénariste de BD, grand fan 

du son West Coast des années 1970. Berbérian virevolte en mélomane 

averti ; passant de la folk à la country, du blues au rhythm’n’blues, 

tout en gardant une oreille sur The Young Rascals. 

I 

nitié et conseillé par son frère aîné 

Alain Berbérian (producteur de 

films), le jeune Charles découvre à 

16 ans la blue-eyed soul des Young 

Rascals avec “Groovin’”. Fort d’un 

riche nuancier musical, il est rapidement 

conquis par la musique de Paul Simon et les 

chorus gorgés de salsa de Carlos Santana. 

Depuis toujours, son inspiration musicale 

vient de l’Amérique, celle d’une Californie 

au soleil brûlant qui va de James Taylor à 

Joni Mitchell en passant par Jackson 

Browne. Amateur de folk songs et de guitares 

acoustiques au son boisé, il écoute Neil 

Young et Bob Dylan. Guitariste, il fonde au 

début des années 2000, Nightbuzz, un duo 

de musiciens composé du dessinateur Jean- 

Claude Denis qui, lui aussi, est un grand 

amateur de sonorités californiennes. 

Aujourd’hui, il continue l’aventure avec sa 

guitare acoustique, jouant régulièrement 

avec JP Nataf et Bastien Lallemant sur 

scène à Paris. Côté BD, Charles signe régulièrement 

des couvertures pour le 

New Yorker ou Les Inrockuptibles. Pour les 

Par PHILIPPE LANGLEST 

Photographies de SABRINA LAMBLETIN 

fans de BD, il est avant tout le coauteur, au 

côté de Philippe Dupuy, de la série culte 

Monsieur Jean en 1991 ou l’histoire d’un 

trentenaire citadin et bobo, cherchant une 

âme sœur pour enjoliver ses nuits. Dans 

l’univers de Berbérian, le dessin et la prose 

sont poétiques comme le témoigne 

Bienvenue à Boboland. Sur son dernier 

opus, Afterz, il emmagasine sa poésie dans 

chaque case en faisant dialoguer ses personnages 

– clubbeurs et âmes solitaires – au 

cœur de la nuit, quitte à planer un peu. L’occasion 

de retrouver l’auteur chez lui, au cœur 

de l’été, en pleine canicule, dans son appartement 

parisien, à quelques pas de la gare de 

l’Est ; il nous reçoit avec une tournée d’eau 

pétillante bien glacée. On s’installe au frais 

dans la cuisine. Planté au milieu du salon 

avec son faux air de Woody Allen, Charles 

fait la navette entre les deux pièces, sortant 

au compte-goutte les disques qu’il aime : 

Groovin’ de The Young Rascals, Sweet Baby 

James de James Taylor, etc. À la fois profond 

et léger, il raconte son histoire et ses obsessions 

musicales dans sa “Culture Rock”… 

Vous avez passé une partie de votre adolescence 

entre l’Irak, le Liban et la France. Comment 

s’est construite votre éducation musicale ? 

Charles Berbérian : En fait, je suis resté en Irak 

jusqu’à l’âge de 10 ans, puis j’ai vécu au Liban 

cinq ans. Je suis arrivé en France juste après, 

au beau milieu des années 1970. Mon éducation 

musicale s’est faite principalement grâce 

à mon grand frère Alain, qui a six ans de plus 

que moi. Il avait un certain goût pour des 

groupes peu connus à l’époque. Par exemple, 

il n’a jamais ramené un disque des Beatles ou 

des Stones à la maison. Je me souviens qu’un 

jour, il a mis Groovin’, un disque de The 

Young Rascals sur la platine. C’est là que ça 

a commencé. À cette époque, à la maison, je 

n’avais pas le droit de m’approcher de la platine, 

qui était réservée à mon frère. Donc le 

seul moyen de rejouer les morceaux que 

j’entendais, c’était d’oser toucher la platine 

quand Alain n’était pas là, ce qui était hyperdangereux. 

(Sourire.) Soit de me rejouer dans 

la tête les morceaux et de les chantonner. 

J’adorais les mélodies et le son des Young 

Rascals, avec la guitare en stéréo qui passait 


CHARLES 

BERBÉRIAN 

d’un baffle à l’autre, ça me rendait dingue. 

Avant de sonner un peu comme les Beatles, 

la musique des Young Rascals baignait dans 

la soul et le R’n’B ;“Groovin’” est un authentique 

tube de blue-eyed soul. 

On est au cœur des années 1970. En ce qui 

concerne les groupes de rock, vous êtes alors plutôt 

attiré par ce qui se fait en France, en Angleterre 

ou aux États-Unis ? 

C. B. : J’ai tout de suite été séduit davantage 

par les songwriters américains qu’anglais. 

Paul Simon et Neil Young ont beaucoup 

compté dans ma culture rock, tout comme 

James Taylor. J’avais vu au cinéma le film 

A Hard Day’s Night, mais on n’écoutait pas 

beaucoup les Beatles à la maison. À cette 

époque, je préférais les outsiders aux têtes 

couronnées : les Young Rascals ou Bill Deal 

& The Rhondels me plaisaient davantage que 

les Stones, par exemple. Ensuite, j’ai bifurqué 

vers une petite période prog rock anglaise 

avec Pink Floyd et Genesis. À 17 ans, j’étais 

particulièrement attaché à une compilation 

de rhythm’n’blues, sortie sur le label Atlantic, 

avec Booker T. & the MG’s, Solomon Burke 

et Wilson Pickett. Une vraie machine à hits 

avec en tête de liste l’incontournable “In the 

Midnight Hour”. Bizarrement, le premier 

tube français que j’ai appris par cœur, c’était 

“Le Téléfon” de Nino Ferrer. C’était du R’n’B 

“à la française”. J’adorais ça ! 

À propos de rhythm’n’blues, vous êtes de 

quelle école ? Stax ? ou Atlantic ? 

C. B. : Le label Atlantic, en priorité. Dans leur 

catalogue, on trouvait du très lourd : Aretha 

Franklin, Percy Sledge et l’irremplaçable 

Wilson Pickett. Leurs chansons me touchaient 

au cœur et je n’arrêtais pas de les 

chanter. À la même période, j’avais une 

espèce d’obsession, une sorte de tic de langage 

: j’imitais sans cesse le son de la wahwah. 

(Sourire.) C’est sur le label Stax, qui par 

la suite sera absorbé par Atlantic, que je 

découvrirai Otis Redding, Sam & Dave et 

Isaac Hayes. Avec lui, je touchais le graal du 

R’n’B. Son générique génialissime de Shaft 

me renverse littéralement dès la première 

écoute. En plus, lui, la wah-wah il connaissait 

ça par cœur. Parallèlement, je me 

branche sur les musiques de feuilletons télé 

avec Mission : Impossible ou Mannix. Je 

voulais les disques de Lalo Schifrin qu’on ne 

trouvait pas encore chez le disquaire du coin. 

Il fallait les commander en import. Je patientais. 

J’avais besoin de ces disques. 

Quel a été votre premier vrai choc musical ? 

C. B. : J’en ai eu quelques-uns. Tout d’abord, 

sur les conseils avertis de mon frère, je suis 

tombé sur un best of de Tony Joe White où 

figurait la chanson “Polk Salad Annie”. Une 

mélodie inoubliable, magique, avec ce timbre 

vocal unique. Un jour, mon frère rapporte à 

la maison un 45-tours de Bill Deal and The 

Rhondels, “May I”. C’était un groupe de 

Blancs qui jouait du rhythm’n’blues comme 

les Noirs américains. Imparable ! Ça a été un 

vrai choc. Au même titre que les Young 

Rascals avec “Groovin’”. 

Paul Simon tient une place importante dans 

votre panthéon musical. Comment le 

découvrez-vous ? 

C. B. : En 1974, lors de mon premier voyage en 

France, j’achète mes premiers disques. Il y 

avait notamment l’album There Goes Rhymin’ 

Simon, de Paul Simon. À l’époque, les albums 

CBS étaient interdits au Liban parce qu’estampillés 

“label juif”… Du coup, impossible de 

trouver le moindre disque CBS au Liban. Pas 

de Santana, pas de Paul Simon. Je suis donc 

en France dans un supermarché avec ma 

mère, qui accepte que je prenne un disque. Je 

le prends un peu par hasard, parce que c’est un 

album CBS et que mon frère aime bien Simon 

and Garfunkel. Un coup de bol qui va vite 

“ quand j'ai 

commencé 

la guitare, les 

deux premiers 

morceaux 

que j'ai joués 

venaient 

de harvest, 

de neil young. 

” 

devenir mon disque fétiche. Depuis, je ne me 

lasse pas de le réécouter. Je connais les chansons 

par cœur, de “Take Me to the Mardi Gras” 

à “American Tune”. Il y a aussi cette pochette 

complètement démente, signée Milton Glaser. 

Au niveau des compos, Paul Simon m’a autant 

marqué que James Taylor… 

Avec James Taylor, on reste dans le son et l’esthétique 

West Coast. Musicalement, c’est votre 

ADN ? 

C. B. : Oui, sans aucun doute. Je découvre 

James Taylor encore une fois grâce à mon 

frère. Quand j’écoute pour la première fois 

son album Sweet Baby James, je suis séduit 

par la finesse du compositeur et l’élégance du 

musicien. Il y a aussi Carole King au piano, 

qui fait partie de la bande. C’est James Taylor 

qui m’a donné envie de jouer de la guitare. À 

ce moment-là, je commençais à dessiner et 

les chansons de Taylor et de Simon accompagnaient 

mes journées. 

On arrive à Neil Young, dont vous êtes un grand 

fan. Dans sa discographie, il y a des périodes que 

vous préférez plus que les autres ? 

C. B. : Neil Young c’est une découverte assez 

tardive. Il est arrivé dans les parages avec 

Crosby, Stills & Nash. Tous les quatre, ils 

sortent l’album Déjà vu. J’écoute beaucoup le 

disque et surtout la chanson “Helpless”, que je 

passe en boucle. Quand j’ai commencé la guitare, 

les deux premiers morceaux que j’ai joués 

venaient de l’album Harvest. C’était “The 

Needle and the Damage Done” et “Heart of 

Gold”. Je deviendrai vraiment fan de Neil 

Young des années plus tard, quand je 

découvre Everybody Knows This Is Nowhere 

avec Crazy Horse. Il y a ce son de guitare volcanique, 

incendiaire. Sur “Down by the 

River”, par exemple, les guitares de Neil et de 

Danny Whitten sont grandioses. Depuis, je 

l’ai suivi sur des chemins de traverse pas évidents 

comme sur l’album Re-ac-tor ou Comes 

a Time qui, à mon sens, reste l’un de ses meilleurs 

disques country à ce jour. 

On arrive à Bob Dylan. Quelle place occupe-t-il 

dans votre culture rock ? 

C. B. : Beaucoup plus aujourd’hui qu’avant. J’ai 

vraiment commencé à faire une fixation sur 

Dylan quand il a sorti en Time Out of Mind 

que j’ai adoré comme jamais je n’avais aimé 

un album de Dylan auparavant. Du coup, je 

suis remonté à la source. Je l’ai réécouté 

autrement, de Highway 61 Revisited à 

Blonde on Blonde en passant par les coffrets. 

Là, j’ai enfin compris que Dylan faisait de la 

musique comme un peintre. Quand il fait un 

morceau, ce n’est jamais fini. Il rajoute des 

couches. Il les enlève. Comme faisait Matisse 

quand il peignait sur un tableau. Pour lui, les 

chansons sont des matières vivantes qu’il 

continue à malaxer. Dylan ne se préoccupe 

pas des albums qu’il enregistre. C’est un mec 

qui a un rapport à son travail aussi fascinant 

que celui que Moebius avait avec le dessin. Je 

m’intéresse beaucoup à ce qui relie le dessin 

et la musique. J’ai une perception encore plus 

riche aujourd’hui de ce que je perçois de leur 

travail par le prisme du dessin pour Dylan et 

de la musique pour Moebius. Il y a deux ans, 

je suis tombé amoureux fou de The Band. 

Pour moi, c’est un tout : il y a Dylan et The 

Band. La période avec The Band, c’est-à-dire 

The Basement Tapes et la tournée de 1974. 

C’est de loin la meilleure formation qui a 

accompagné Dylan sur scène. 

Revenons à la musique californienne des 70’s. 

Que vous évoque Joni Mitchell ? Jackson Browne ? 

C. B. : Joni Mitchell est une artiste complète, 

qui sait surtout écrire de très bonnes chansons. 

Elle peint également. Quand je l’écoute 

sur les albums Blue ou Court and Spark, j’ai 

toujours éprouvé plus d’émotion que sur un 

disque de Linda Ronstadt ou des Eagles, au 

hasard. (Sourire.) À part leur disque 

Desperado, j’avoue que je déteste les Eagles. 



JUKEBOX 

Young Rascals et Elton John 

(première époque) : deux chocs 

musicaux pour le dessinateur. 

Quand “Hotel California” passe à la radio, ça 

me déprime. J’ai toujours préféré Jackson 

Browne aux Eagles. Je suis fan de l’album 

Running on Empty, moins de The Pretender. 

Dernièrement, je suis tombé sur des albums 

que Jackson Browne avait enregistrés avec 

David Lindley en live. Techniquement, ça 

tricote sévère ! (Sourire.) Pour revenir à Joni 

Mitchell, il y a une espèce d’intelligence et de 

sensibilité dans les arrangements de Blue qui 

me touchent encore aujourd’hui. Quand les 

autres font du folk, elle fait de la musique. 

Elle est apparentée folk song, mais c’est une 

erreur. C’est d’ailleurs ce qui fascine tout le 

monde, et surtout David Crosby. Mis à part 

que, physiquement, elle est quand même 

sublime. Enfin, elle n’aurait pas été aussi loin 

si elle avait été uniquement blonde et belle. 

Avec le dessinateur Jean-Claude Denis, vous 

avez sorti deux disques sous le nom de Nightbuzz. 

Vous continuez à vous produire sur scène ? 

C. B. : Avec Nightbuzz, un peu moins. On fait 

un petit break. Aujourd’hui, je fais des 

concerts à Paris, une fois par mois, à La Loge, 

rue de Charonne, dans le cadre des Siestes 

acoustiques. Sur scène, nous sommes trois : 

moi, JP Nataf et Bastien Lallemant. Du coup, 

je me suis replongé dans le picking façon 

James Taylor. (Sourire.) 

Votre dernière obsession musicale ? 

C. B. : Il n’y a pas longtemps, j’ai découvert 

Harry Smith, Alan Lomax et George 

Mitchell : toute cette jungle, toute cette 

forêt, toute cette musique du Delta… Je 

n’arrivais plus à écouter autre chose, tellement 

ça m’avait absorbé. Il y a quelques 

jours, je me suis procuré The American Epic 

Sessions, une compilation produite par 

T Bone Burnett et Jack White absolument 

remarquable. Musicalement, c’est tout ce 

que j’aime. Le casting et les musiciens sont 

fabuleux. À l’intérieur, tu trouves des duos 

inédits, notamment ceux d’Elton John et 

Jack White ou encore de l’acteur Steve 

Martin avec Edie Brickell. 

Quels sont les cinq disques que vous aimeriez 

offrir à vos amis ? 

C. B. : Pour découvrir le son West Coast par 

exemple, Tapestry, de Carole King, s’impose. 

C’est un album qui est à la croisée de plein 

de choses, du rock au blues en passant par la 

soul. J’adore le timbre de voix de Carole 

King. J’aime bien faire découvrir aux 

copains la qualité de songwriting qu’avait 

James Taylor à ses débuts et qu’il a égarée 

par la suite, car il s’est retrouvé un peu au 

milieu de la route dans les 80’s. Pour découvrir 

James Taylor, je conseillerais deux 

disques : Sweet Baby James et One Man Dog. 

Si tu n’aimes pas Neil Young, en revanche, il 

n’y a aucune raison que tu finisses par l’aimer, 

tout comme Bob Dylan. Ils ont tous les 

deux des voix tellement bizarres, que si on a 

le poil hérissé par l’un ou par l’autre depuis 

toujours, ça ne passera pas. Dans un tout 

autre registre, je proposerai l’album 

Madman Across the Water à ceux qui ne 

connaissent pas le Elton John d’avant les 

succès planétaires. C’est un disque essentiel 

de la pop anglaise, dont on ne dit pas assez 

souvent du bien, à mon sens. Les gens ne 

savent pas par exemple que, sur cet album 

aux arrangements de cordes fantastiques, 

Elton John a composé des chansons 

sublimes comme “Tiny Dancer” ou “Levon”. 

J’offrirais également l’album Malibu 

d’Anderson Paak. Il faut écouter ça ! Dans 

son genre, ce type est un martien. Et pour 

finir, La Maison haute de Bastien Lallemant, 

parce que c’est un disque fabuleux, avec un 

son et des arrangements un peu “à la 

Gainsbourg”. Il n’y a pas un morceau à jeter. 

Dès la première écoute, tu sais que ce disque 

sera là pour longtemps. 

Si vous n’aviez pas été illustrateur et scénariste 

de bande dessinée, vous seriez-vous vu dans la 

peau d’une rockstar ? 

C. B. : Pour rien au monde ! Je trouve que c’est 

le plus mauvais endroit que puisse envisager 

un musicien ou une musicienne. Il n’y a rien 

de tel pour tomber dans une déchéance qui 

a coûté la vie à Janis Joplin ou encore à Kurt 

Cobain. Aucun être humain n’est fait pour 

vivre ce qu’ont vécu ces gens-là. En fait, je 

crois que personne n’a vraiment envie d’être 

une rockstar… 


1 

2 

3 

4 

5 

6 

AMBIANCES ! 

(1) L’entrée du Forecastle Festival 

de Louisville. (2) Clown au Hellfest, 

à Clisson. (3) Lollapalooza Festival, à 

Chicago, Michigan. (4) La surprenante 

PJ Harvey était à l’affiche du Forecastle 

Festival, puis à Montreux. (5) Aubert 

et Bertignac, manche contre manche, 

à l’American Festival de Tours. (6) Fresque 

en hommage à Leonard Cohen à Montréal, 

où s’est tenu le Festival international de 

jazz. (7) La foule au Main Square Festival 

d’Arras. (8) Jimme O’Neill, du Celtic Social 

Club, à l’Interceltique de Lorient. 

8 

7

LES 

FESTIVALS 

Tous en scène ! 

 

Une orgie de sons, de décibels, de poussière : voilà le programme 

que la rédaction de Rolling Stone s’était fixé. Bilan d’un début 

d’été en Festivalie ! 

Par Belkacem Bahlouli, Xavier Bonnet, Stan Cuesta, 

Baptiste Manzinali et Sophie Rosemont 

 

 

 

SARAH BASTIN. LORAINE ADAM. BELKACEM BALHOULI. CAMBRIA HARKEY. FLEUR SCUT. JEROME POUILLE. XAVIER BONNET. DR. 

Aerosmith 

17 juin, Clisson, Hellfest 

Bon, à ce qu’il paraît, c’est leur 

dernière tournée. Mais peut-être 

pas non plus. Quoi qu’il en soit, 

pour leur dernière tournée générale, 

on aurait apprécié que les 

vrais faux futurs retraités fassent 

preuve d’un peu plus de générosité 

et de moins d’agacement (Steven 

Tyler) – dont on n’a d’ailleurs toujours 

pas compris les motivations. 

Pourtant, nous, on avait envie ! Et 

quand- déboulent les images d’archives 

sur l’emphase de “Carmina 

Burana”, le palpitant a d’emblée 

changé de fréquence. D’ailleurs, 

tout semble d’abord être “comme 

avant” : chemise largement 

ouverte et riffs tranchants pour 

Joe Perry, bagouses, colliers, foulards 

en veux-tu en voilà et éructations 

de bon aloi pour son alter ego. 

Au final, un set par trop décousu et 

un Aerosmith un brin cachetonneur, 

malgré une setlist aux petits 

oignons. C’est pourtant le temps de 

quelques reprises (“Stop Messin’ 

Around” de Fleetwood Mac, 

”Come Together”) que ce petit 

monde aura donné l’impression de 

s’amuser un peu. 

X.B. 

Lana Del Rey 

23 juillet, Paris, Lollapalooza, 

Hippodrome de Longchamp 

Oui, Lana Del Rey minaude et en 

fait des caisses ! Oui, chaque geste, 

GREEN DAY 

11 juin, Brétigny-sur-Orge, 

Download Festival 

Un show de Green Day est une affaire 

bien huilée : la musique du Bon, 

la Brute et le Truand avant la montée 

sur scène, un “Know Your Enemy” 

enjoué pour lancer les débats, un 

premier spectateur invité à rejoindre 

la troupe pour montrer de quoi il est 

capable micro ou guitare en main, 

quelques pétarades- pyrotechnies, 

et roulez jeunesse… Voilà, c’est 

comme ça, Green Day fait dans le pur 

divertissement, le Disneyland du punk, 

quitte à oublier qu’il est un groupe 

de rock. C’est à prendre ou à laisser. 

Et on ne me retirera pas de la tête 

qu’avec ses mimiques et ses poses, 

quelqu’un serait bien inspiré de 

proposer à Billie Joe Armstrong le rôle 

de Charlie Chaplin époque Charlot 

dans un nouveau biopic. Je ne prends 

que 10 % pour l’idée… X.B. 

PILULES 

BLEUES 

D’abord 

le look, puis 

vint le son... 

BLUES PILLS 

10 juin, Brétigny-sur-Orge, Download Festival 

Est-ce l’effet (trompeur ?) de la – très – mini-jupe de sa chanteuse 

blonde ? Le fait que son blues-rock ou son rock bluesy constituent 

le parfait intermède dans l’orgie de décibels de la journée ? Blues Pills 

était très loin de sa performance un brin “rigide” au Trianon de Paris 

en octobre dernier. Une pilule bien plus facile à avaler, en tout cas… X.B. 

chaque attitude, chaque œillade, 

vire à l’outrance et au ridicule 

(mais pas davantage que certaines 

“chorégraphies” de ses danseuseschoristes 

avec des chaises) ! Oui, 

derrière “Blue Jeans”, “Video 

Games” et “Summertime 

Sadness”, il n’y a pas grand-chose 

à retenir de ces lancinantes mélopées, 

sinon avec énormément de 

mansuétude ! Charmante ou 

désespérante, Lana Del Rey reste 

une attraction, avec toutes les 

nuances de sens que l’on veut 

associer au mot. Même la pluie 

s’invite à ses concerts et reste 

jusqu’au bout, quitte à se lâcher 

sur le concert suivant (Red Hot 

Chili Peppers) ! 

X.B. 

François & The Atlas 

Mountains 

8 juillet Fnac Live 

Comme tous les ans, Fnac Live a 

réussi à offrir gratuitement, tant 

sur le parvis de l’Hôtel de ville de 

Paris que dans les majestueux 

salons de ce dernier, des concerts 

de qualité. Si ceux de Camille, de 

Benjamin Biolay ou de Témé Tan 

ont fait des émules, la soirée du 

8 juillet a su allier jeunes talents 

prometteurs (le folkeux Aliocha 

ou Clara Luciani, digne héritière 

de Françoise Hardy et PJ Harvey 

réunies) et aligner les valeurs 

sûres. Au programme, donc, le 

rock noisy de The Horrors, qui 

jouait pour la première fois sur 

scène son nouvel album V ou 


LES 

FESTIVALS 

Julien Doré et son sex-appeal nonchalant. 

Dans les salons, on a 

retenu le flegme de Jay-Jay 

Johanson, mais on s’est surtout 

laissé prendre par le pop-rock 

francophone, à la fois onirique et 

exotique, new wave et grunge, des 

incomparables François & The 

Atlas Mountains. Showman généreux 

et enthousiaste, François 

Marry a le sens du groove et le 

chant céleste, osant même une 

chorégraphie. 

S.R. 

VOIX 

MAGIQUE 

La chanteuse 

américaine 

a présenté 

un répertoire 

solide. 

Jowee Omicil 

1 er juillet, Festival international 

de Jazz de Montréal 

Alors que le pays célébrait les 

150 ans de sa création, l’île-ville 

québécoise, elle, célébrait les 

375 ans de sa fondation. D’où l’ambiance 

extrêmement festive de ce 

38 e Festival international de jazz de 

Montréal. Bien que hors festival, et 

le hasard faisant fort bien les 

choses, Bob Dylan a donné rendezvous 

le 30 juin à ses 15 000 fans 

locaux au Centre Bell pour un set 

court et ramassé de dix-huit titres 

où on l’a vu “crooner” en tenant le 

pied du micro, soit à son piano, très 

en voix, alternant les standards du 

grand répertoire américain tirés de 

son dernier opus Triplicate et ses 

propres standards revisités, comme 

à l’accoutumée. Mais ce qui rend ce 

festival passionnant, ce sont les 

découvertes. Ainsi de Jowee 

Omicil, qui a mis le feu avec sa 

prestation fulgurante. Au saxo, à la 

clarinette et même au bugle, le 

musicien- entertainer – qui vient de 

publier Let’s Bash, chez Blue Note 

– mêle funk, jazz et sonorités 

caraïbes. Ce Montréalais d’origine 

haïtienne, multi-instrumentiste au 

talent écrasant ne jure que par la 

fusion : blues, jazz, latin, caraïbe. 

Avec des prestations toujours électrisantes, 

cet ancien compagnon de 

show de Pharoah Sanders, 

Branford Marsalis ou Kenny 

Garrett montre que la scène est 

réellement son domaine. B.B. 

Electric Wizard 

16 juin, Clisson, Hellfest 

Le mur du son psyché-metal est à 

ce point dense, massif, qu’il ne 

semble pas tolérer que le moindre 

EMMYLOU HARRIS 

29 juillet • Country Rendez-vous, Craponne-sur-Arzon 

Craponne-sur-Arzon, Haute-Loire, 2 129 habitants. La France profonde. Pourtant, pendant trois jours, 

fin juillet, cette paisible bourgade est envahie de drapeaux américains, de cactus en carton-pâte, de Harley. Au marché 

du samedi matin, les vieux paysans et les néoruraux servent une foule de bikers en bandana, de retraités coiffés 

de stetsons et chaussés de santiags, de majorettes, de sosies de ZZ Top… 

La raison de ce joyeux foutoir ? Le Festival Country Rendez-Vous, qui attire des fans venus de toute l’Europe. Des gens 

que l’on ne voit jamais dans la vraie vie. Une sorte de monde parallèle… Dans un vaste champ, entouré de stands tous plus 

folkloriques les uns que les autres et d’estrades pour line dancers, 6 000 spectateurs aux looks improbables applaudissent 

des groupes assez variés et, bien sûr, une vedette. En trente ans, le festival de Craponne a déjà reçu des pointures 

comme Bill Monroe, Alison Krauss, Steve Earle ou Guy Clark. Mais ce 29 juillet 2017, il propose la plus grande tête d’affiche 

de son histoire (résultat de quatre années de négociations !) : Emmylou Harris, pour son unique concert en France… 

Elle en est à la fois charmée et amusée : “C’est vrai, il y a beaucoup de bolo ties (cravates western, ndlr) ! Je suis 

un peu inquiète parce qu’avec ce groupe, on met l’accent sur les harmonies vocales et sur les titres plus récents. 

J’espère que les fans ne seront pas déçus s’ils n’entendent pas les hits. C’est mon amour de la country qui m’a amenée 

là où je suis, mais j’ai toujours eu une sensibilité folk. Et me voici… à Craponne !” 

Effectivement, sa prestation n’a rien de country. Tout en douceur et en subtilité, elle fait la part belle aux chœurs de ses 

acolytes Mary Ann Kennedy et Pam Rose, sur des reprises comme “To Know Him Is To Love Him” ou “The Boxer” ou sur de 

superbes titres des années 2000 (le fantastique “Here I Am” d’ouverture). Emmylou chante divinement, peut-être mieux que 

jamais, et l’émotion atteint des sommets sur le final, une version de “After the Gold Rush” quasi a capella, belle à pleurer. “Je 

ne jouerai pas de chanson de Gram (Parsons, ndlr), a-elle précisé avant le concert. Mais son esprit est toujours avec moi.” S.C. 

membre du groupe puisse être mis 

en avant ou qu’une poursuite 

lumière vienne se fixer sur l’un ou 

l’autre. Electric Wizard est un bloc, 

un pavé, et on l’a bien pris en pleine 

poire… Merci, les gars ! 

B.B. 

Teddy Abrams 

14 juillet, Forecastle Festival, 

Louisville, Kentucky 

Avec plus de soixante groupes ou 

artistes à l’affiche, le Forecastle 

Festival est devenu le lieu incontournable, 

le “must be in”, le lieu où 

il faut être vu et entendu. Et surtout, 

un rendez-vous pas comme les 

autres, avec un état d’esprit partagé 

par pas moins de 60 000 amateurs 

de musique, mais aussi de militants 

pour l’économie durable. Ces deux 

points sont étroitement associés 

dans ce festival. Car pour défendre 

la cause environnementale, de gros 

moyens ont été mis en place : “Ici, 

des stands proposent de la nourriture 

équitable et bio, explique 

JK McKnight, fondateur de l’événement. 

D’autres expliquent à quel 

point l’économie durable est au 

centre des préoccupations. Et si 

nous organisons ce festival ici, 

à Louisville, c’est parce que le maire 

de la ville se sent très concerné par 

cette cause et qu’il nous soutient 

dans cette aventure.” Pour cette 

15 e édition, l’un des invités n’était 

pas un rocker pur jus, malgré 

l’énorme quantité de talents confirmés 

à l’affiche du rendez-vous 

(Weezer, LCD Soundsystem, 

© PHILIPPE TISSIER 



LES 

FESTIVALS 

PJ Harvey, Conor Oberst, etc.). 

C’est ainsi que le chef de l’orchestre 

symphonique de la ville, 

Teddy Abrams, est venu faire une 

création où il a réussi à mêler rock, 

jazz, country et classique ! Rendezvous 

compte : après avoir joué un 

air de bluegrass, le style country 

originaire du Kentucky, du hip-hop 

avec un rappeur qui n’était autre 

que son percussionniste en chef à 

l’orchestre symphonique de 

Louisville, sans oublier une sorte de 

concerto pour orgue accompagné 

non par des violons, mais par une 

flopée de guitares électriques et 

avant de se lancer dans une relecture 

de haut niveau du 

“Comfortably Numb” du Floyd, le 

directeur de la musique de l’État, 

30 ans à peine, a réussi à faire 

acclamer le nom de Johannes 

Brahms, dont il a interprété l’une 

des danses hongroises ! Un exploit 

salué dans toute la presse, les télévisions 

et les radios locales. C’est 

l’homme à suivre, car il proposera 

dès novembre une symphonie 

moderne pour orchestre philharmonique, 

en hommage au héros de 

Louisville, Mohamed Ali. B.B. 

Kasabian 

10 juillet, Montreux Jazz 

Festival, Auditorium Stravinski 

Ce n’était pourtant pas la première 

fois que les Anglais étaient 

CLEAN IT UP 

Un set parfois 

un peu trop 

sage. 

LONDON GRAMMAR 

12 juillet, Montreux Jazz Festival, Auditorium Stravinski 

22 juillet, Paris, Lollapalooza, Hippodrome de Longchamp 

On peut ne pas toujours souscrire à ses choix vestimentaires – il y aurait même souvent pas mal à redire 

dans cette façon de chercher à vouloir ainsi passer aussi inaperçue –, pour ce qui est de la voix, Hannah Reid 

reste hors normes, quel que soit l’environnement dans lequel elle évolue, en salle (Montreux) ou en extérieur 

(Lollapalooza). Mieux en ce qui concerne le “plein air”, mêlée aux ambiances de ses deux acolytes, Dan Rothman 

(guitare) et Dot Major (claviers), cette voix parvient à faire d’une musique qui s’écoute a priori confortablement 

installé dans son salon quelque chose qui a du sens en festival. Tout le monde ne peut pas en dire autant ! 

Certes, tout cela est parfois trop propret et si l’on rêverait que tout ce petit monde se lâche un peu plus, 

on sent très vite qu’il risque de se passer pas mal de temps avant que la miss se décide sans prévenir à éructer 

ne serait-ce que la moitié du refrain de – au hasard – “Roots Bloody Roots” de Sepultura ! X.B. 

à l’affiche du festival (une première 

fois en 2005). Pas faute 

non plus d’avoir mis tous les 

atouts de leur côté pour lancer la 

soirée – jusqu’à insérer des passages 

du “Around the World” de 

Daft Punk dans leur déjà entraînant 

“Eez-Eh”. Est-ce la redingote 

blanche de Tom Meighan, lui 

donnant des allures d’infirmier 

intrigant, qui en a effrayé certains 

? Quoi qu’il en soit, 

Kasabian aura eu quelque mal à 

bouger son monde, même s’il sera 

finalement parvenu à ses fins, 

comme à son habitude. On 

retiendra aussi quelques belles 

giclées solo sortant de la guitare 

de Tim Carter, le sieur Sergio 

Pizzorno s’occupant avant tout 

des tâches rythmiques. X.B. 

Last Train 

13 juillet, Aix-les-Bains, 

Festival Musilac 

© R.AUBERT/MUSILAC 2017. LIONEL FLUSIN.- 

ROYAL REPUBLIC 

14 juillet, Aix-les Bains, 


“Les Suédois sont là et on va pouvoir 

commencer à s’amuser !” Allez, ne mégotons 

pas, Adam Grahn est l’un des meilleurs 

showmen du rock à guitares d’aujourd’hui. 

Grâce à lui (et un peu beaucoup très fort 

aussi), Royal Republic devrait être enrôlé 

dans tous les festivals du monde pour lancer 

une soirée ! Set carré à souhait, humour 

potache qui tombe juste à chaque fois, 

nos Scandinaves en costard ont mis tout 

le monde d’accord, y compris quand il s’est 

agi de montrer qu’ils pouvaient tenir la 

comparaison avec n’importe quel groupe 

de metal en s’autorisant un mix tout sauf 

ridicule du “Battery” de Metallica, fondu 

dans le “Ace of Spades” de Motörhead. 

Une démonstration de bout en bout ! X.B. 

Au-delà de la fausse bonne idée 

du “tous habillés en noir sur fond 

noir” – à moins que l’objectif ne 

soit de faire la nique à Slayer 

(voir plus loin) –, les Alsaciens 

auront offert la première déflagration 

de cette édition 2017 de 

Musilac. Chaleur intense, soleil 

dans les yeux, public plus curieux 

et attentiste que réellement 

impliqué : il en fallait plus pour 

désarçonner un groupe dont le 

garage rock – à défaut de meilleur 

terme – sonne plus affûté à 

chaque fois que l’on recroise sa 

route. Sinon, très futée, Jean- 

Noël, cette idée de poser la 

sangle de la guitare sur la caméra 

qui te filme en gros plan à cet 

instant précis ! Pas de doute, 

c’est le métier qui rentre… X.B. 

rollingstone.fr | Rolling Stone | 65

Midnight Oil 

7 juillet, Caen Hérouville-Saint- 

Clair, Festival Beauregard 



Trois concerts en une semaine 

(avec celui de l’Olympia la veille de 

Beauregard) et trois setlists différentes 

! La preuve, si besoin en 

était, que les Australiens n’ont pas 

traversé la moitié de la planète 

pour faire les choses, hum, à moitié… 

Alors, bien sûr, les années au 

compteur s’affichent sur les visages 

de certains, mais ils n’ont perdu ni 

la main ni le rythme. Plus souriant 

que par le passé, Peter Garrett 

enchante toujours autant pour sa 

présence scénique et ses mouvements 

mi-robotiques miépileptiques. 

Le désir d’engagement 

non plus n’a pas perdu une 

ride, à l’image du T-shirt clamant 

“Pécher par silence lorsque nous 

nous devrions protester différencie 

les hommes des lâches” porté – 

dans tous les sens du terme – par 

l’ancien ministre. Au-delà de l’incontournable 

“Beds Are Burning”, 

attendu comme du bon pain à 

chaque fois, les diverses plongées 

dans la longue discographie du 

groupe furent autant d’instantanés 

de bonheur intense. 

X.B. 

SL AYER 

10 juin, Brétigny-sur-Orge, 

Download Festival 

FONDU 

AU NOIR 

Le thrash test 

par excellence. 

OK, Kerry King n’a plus dû esquisser un sourire depuis la réélection 

de Richard Nixon en 1972. OK, avec tout ce petit monde en noir 

de la tête aux pieds sur fond noir, difficile de distinguer de loin 

sans lunettes à triple foyer autre chose que la barbe blanchissante 

de Tom Araya et le crâne d’œuf du King précité. Mais quand il s’agit 

de sortir la sulfateuse, Slayer sait nous rappeler qui est Raoul, 

à défaut de changer quoi que ce soit dans son set. Ou son thrash 

test... “Same Slayer shoots again”, en quelque sorte. X.B. 

laisser abattre par une petite averse 

aussi rafraîchissante que ses 

refrains mélodiques. Le lendemain, 

le rock stoner de Red Fang attirait 

un public déjà conquis, armé de 

T-shirt à leur effigie. Slowdive se 

chargeait ensuite de la touche shoegaze, 

fort d’un tout dernier album, 

vingt-deux ans après Pygmalion. 

Autre ambiance avec Ryan Adams, 

qui interpellait une pleine lune 

lumineuse au milieu d’un set dans 

la plus pure tradition du rock américain 

engagé et patriotique, en 

digne héritier du Boss et du Loner. 

L’édition 2017 du Pointu s’achevait 

sous le doux et mélodique vacarme 

du trio Dinosaur Jr., ceux-là même 

qui étaient attendus en 2016 avant 

d’annuler leur prestation. B.M. 

Placebo 



OK, là, on vous doit un aveu. À la 

limite du coming out. Allez, on se 

lance… D’ordinaire, l’ennui nous 

gagne au bout de 20-25 minutes, à 

un concert de Placebo. Une lassitude 

aussi rapide que quasiment 

immuable. Or, là, rien de tout ça ! 

À fond dedans du début à la fin. 

Bien sûr, la collection de hits (“Pure 

Morning” d’entrée, “Too Many 

Hanni El Khatib 

8 et 9 juillet, Île du Gaou, 

Pointu Festival 

Ils ne sont pas nombreux, les festivals 

de l’Hexagone alliant qualité et 

gratuité, dans un cadre idyllique de 

surcroît. Pourtant, pour la troisième 

année consécutive, le pari des 

organisateurs du Pointu Festival, 

dans le Var, était réussi. Quelque 

10 000 personnes ont répondu 

présent les 8 et 9 juillet, au beau 

milieu d’un été caniculaire. Sur la 

scène installée à flanc de crique sur 

l’île du Petit Gaou, derrière laquelle 

se confondaient le ciel et la mer, 

quelques grands noms du rock 

indé. Après l’entrée en matière des 

Varois de The Spitters et leur rock 

garage teigneux, le très attendu 

Kurt Vile, muni de son banjo, 

accompagnait un coucher de soleil 

somptueux, avant que Ride n’accélère 

le tempo. Hanni El Khatib, en 

véritable harangueur de foule, clôturait 

la première soirée sans se 

JARVIS COCKER 

ET CHILLY GONZALES 

9 juillet, Paris, Days Off 

ROOM 29 

Show 

théâtral. 

Cette année, on ne pouvait pas 

manquer le festival prenant place 

au bel ensemble formé par la Cité 

de la musique et la Philharmonie 

de Paris, tant sa programmation 

était alléchante. Si on a dû essuyer 

quelques petites déceptions, 

comme la prestation guignolesque 

de Devendra Banhart, et outre 

l’odyssée dans l’espace offerte 

par Sufjan Stevens, Bryce Dessner, 

Nico Muhly et James McAlister 

pour Planetarium, on a été conquis 

par la performance du duo formé 

par Jarvis Cocker et Chilly 

Gonzales. Les deux compères 

ont présenté leur projet Room 29, 

conte pop ourlé autour du 

légendaire Chateau Marmont, nous 

livrant un show théâtral, visuel, 

musical et absolument irrésistible. 

Cocker chante, danse, joue 

la comédie, se moque de ses 

cauchemars, nous explique les 

destins des stars du cinéma 

hollywoodien tombées dans l’oubli, 

se balade dans la salle, se retrouve 

dans un écran de télévision 

vintage… Un grand moment. S.R. 

© CD HEROUVILLE. NICKO GUIHAL. DR. 



LES 

FESTIVALS 

DIVA 

GOTHIQUE 

Troublante 

prestation 

de Banks, 

BRILLANT ! 

Arcade Fire, 

tout en 

maîtrise. 

La démesure Lollapalooza 

En quatre jours, le festival américain a rappelé combien il était un événement hors normes. 

Par Xavier Bonnet 

© CAMBRIA HARKEY. SCOTT WITT. XAVIER BONNET 

Depuis la fenêtre de la chambre 

d’hôtel, le ballet est saisissant. Des 

heures déjà que vont et viennent 

sur le site des dizaines de véhicules 

en tout genre (chariots élévateurs, fourgonnettes, 

voiturettes de golf). Pas de temps à 

perdre, non plus : tout doit être prêt dans moins 

de dix-huit heures. Car c’est bien plus qu’un 

simple festival qui prend possession de Grant 

Park, le plus grand espace vert de Chicago, avec 

ses 129 hectares. C’est une ville où vont de croiser 

quatre jours durant quelque 400000 spectateurs 

et plus de 170 groupes ou artistes solo 

répartis sur pas moins de huit scènes, et dont les 

décibels vont résonner à des kilomètres à la 

ronde. C’est simple, quand, deux matins de suite, 

les essais de son se feront sur le “Take the Power 

Back” de Rage Against the Machine, on croira le 

temps de quelques secondes qu’une reformation 

surprise se fomente. Le troisième matin, c’est la 

musique de Star Wars qui fera trembler les murs 

des immeubles de Michigan Avenue – qui borde 

Grant Park – et nous laissera envisager un instant 

un DJ set de Dark Vador, et finalement non. 

De la musique électro – et plus particulièrement 

son volet EDM (pour Electronic Dance Music) –, 

il en est beaucoup question au Lollapalooza. 

À l’instar de ce qui avait été présenté lors de la 

récente étape parisienne du festival, une scène 

lui est quasiment entièrement dédiée, la Perry’s, 

du nom du cofondateur de Lolla, Perry Farrell, 

l’ancienne tête brûlée de Jane’s Addiction et 

Porno for Pyros. À cette différence près que la 

Perry’s de Chicago est au moins dix fois plus 

conséquente que sa petite sœur parisienne et 

que ses jeux d’écrans intégrés dans la structure 

de la scène sont bluffants. L’intéressé en est persuadé, 

comme il nous le confiait le temps de 

quelques échanges sur l’hippodrome de 

Longchamp : “L’électro est l’avenir de la musique. 

D’ailleurs, le projet sur lequel je me concentre va 

dans ce sens. D’une certaine manière, l’électro 

correspond, dans son état d’esprit, au rock indé, 

qui était la raison d’être du festival à sa naissance. 

Il y a donc plus que sa place.” 

Qu’elles tentent de traverser le site pour enchaîner 

un concert après l’autre, s’autorisent une 

brève pause devant les tentes accueillant 

diverses associations (de Black Lives Matter à 

One, en passant par Rock & Recycle, Oxfam 

America ou HeadCount-Register to Vote), 

qu’elles se laissent gentiment happer par des 

animations commerciales ou bien s’agglutinent 

devant les stands de nourritures où, comme 

ailleurs mais toujours avec une surenchère qui 

ne cesse de surprendre, burgers, pizzas et hotdogs 

sont de mise (tout en faisant appel exclusivement 

aux entreprises de restauration 

locales), ce sont de véritables marées humaines 

– oser le terme de “migrations” ne serait pas 

exagéré – qui vont d’un point à l’autre du site, à 

en donner le tournis. 

Pour beaucoup, la musique semble presque un 

prétexte. Prétexte à se retrouver entre potes – 

avec prédominance d’un public jeune, voire adolescent. 

Prétexte à s’afficher, à tenter de se 

démarquer d’un point de vue vestimentaire. 

Prétexte à passer du bon temps. Que 

retiendront-ils de ces quatre jours ? Un Liam 

Gallagher interrompant sa prestation au bout de 

20 minutes à cause d’un problème de voix qui 

aura échappé à tout le monde ? L’option collants 

résilles-boxer-ceinture-mocassins- chaussettes 

de Matthew Shultz, le chanteur de Cage the 

Elephant ? Un début de set tonitruant de Muse 

sous une pluie battante avant l’appel à évacuation 

immédiate du site à cause d’orages devenus 

trop menaçants ? La relative noyade d’un Ryan 

Adams oubliant que certaines de ses chansons 

intimistes n’étaient pas la définition de tout un 

chacun d’un début de week-end festif sur un festival 

? L’étonnante reformation de Live avec son 

line-up d’origine – là, on avait clairement raté un 

épisode ! – et débarrassé soudain de son maniérisme 

vocal geignard post-grunge de l’époque ? 

La troublante prestation de Banks, entre une 

arrivée solennelle invitant à se demander si elle 

se repasse en boucle les images d’Emmanuel 

Macron se dirigeant à pas mesurés vers la pyramide 

du Louvre, œillades et gestuelle tendance 

diva veuve noire gothique chic hésitant entre 

électro-pop à la Lykke Li et R&B un peu facile 

parfois ? La confirmation de la solidité de Royal 

Blood et London Grammar, bien que dans des 

registres à l’opposé l’un de l’autre ? À moins que 

reste gravée la véritable leçon de maîtrise et de 

ferveur d’un Arcade Fire offrant des versions 

énormissimes de ses “No Cars Go”, “Ready To 

Start” ou “Afterlife”. D’une certaine façon, le côté 

bigger than life d’un concert des Québécois 

en fait l’illustration et la conclusion parfaites d’un 

Lollapalooza sans commune mesure. 


LES 

FESTIVALS 

Friends”, “The Bitter End”, “Infra- 

Red”) que nous auront assénée sans 

faiblir les garçons y aura été pour 

quelque chose, y compris l’intensité 

avec laquelle ils auront attaqué 

chaque morceau. Un “Soulmates” 

emballant, un “Song To Say 

Goodbye” prenant, les images de 

David Bowie sur l’écran au moment 

de “Without You I’m Nothing”, puis 

une caricature de Donald Trump 

sur un paquet de cigarettes portant 

la mention “Seriously harms you 

and others around you” auront fini 

le travail. Vingt ans, ça se fête 

dignement. C’est fait et bien fait en 

ce qui concerne Placebo. X.B. 

FIESTA 

Le groupe 

francoécossais 

était 

à l’honneur. 

Iggy Pop 



“I Wanna Be Your Dog”, “Gimme 

Danger” et “The Passenger” d’entrée 

de jeu. Le message est clair : 

Iggy ne va pas s’emm… avec des 

préliminaires. Est-ce parce qu’il 

était pressé d’aller roucouler avec 

son cacatoès ? De poursuivre sa 

thalasso entamée la veille à 

quelques kilomètres de là ? Peu 

importe. De plus en plus fripé, de 

plus en plus claudiquant, Iggy Pop 

reste à fond, allant d’un côté à 

l’autre de la scène, descendant et 

remontant l’escalier qui le mène à la 

foule telle une danseuse de revue 

un peu revenue de tout, mais qui 

connaît son affaire comme personne. 

Cette foule qu’il ne cesse de 

haranguer, accrochant une main, 

un bras, se contorsionnant devant 

elle. À ce qu’il paraît, cette même 

veille, il avait commencé à se faire 

rattraper par un début de bronchite. 

De deux choses l’une : soit on 

s’était affolé un peu vite dans son 

entourage, soit les médecins normands 

sont des gourous. Notre 

traitement de cheval à nous se sera 

conclu par un “No Fun” et un “Real 

Wild Child (Wild One)” tout sauf 

homéopathiques… 

X.B. 

Royal Blood 

11 juillet, Montreux Jazz 

Festival, Jazz Lab 

Ils n’ont beau être que deux, Mike 

Kerr et Ben Thatcher envoient 

comme s’ils étaient cinq ! L’intensité 

ne redescendra pas un instant dans 

ce set ramassé à souhait. À deux, ils 

ont trouvé leur équilibre, riffs et 

solos ravageurs via cette basse trafiquée 

pour le premier, cette batterie 

mitraillette pour le second et son 

inamovible casquette vissée sur la 

tête – à croire qu’elle a dû être fournie 

avec à sa naissance. Un équilibre 

qui ira jusqu’à la répartition 

des morceaux joués ce soir-là : cinq 

du premier album, six du dernier. 

Avec les hits qui vont bien (“Lights 

Out”, “Come On Over” et “Figure It 

Out”, toujours au-dessus du lot). 

Tonitruant ! 

X.B. 

THE CELTIC SOCIAL CLUB 

5 août, Festival interceltique de Lorient 

L’Écosse était à l’honneur pour cette nouvelle édition de l’Interceltique, festival installé depuis l’aube des années 1970 

qui, depuis près de trente ans, offre une programmation internationale et s’est imposé comme l’un des plus gros rendezvous 

musicaux français, avec plus de 600 000 visiteurs. Un record. Toute la ville est aux couleurs de l’interceltisme 

et notamment de l’Écosse, pays invité qui y a délégué plus de 200 artistes : chanteurs, musiciens, danseurs que nous 

avions eu le privilège de rencontrer à Glasgow en juin dernier en avant-première. Dire que ce centre économique respire 

la musique est en dessous de la vérité. Nombre de groupes de stature internationale s’y sont fondés et surtout, la ville 

a accueilli tout ce que le monde du pop, rock, folk, punk, électro ou hip-hop a pu produire ces dernières décennies. 

En témoigne le nombre de salles existant dans cette cité industrielle et poumon économique du pays. Mais c’est sur 

le versant celtique que se sont orientés les programmateurs du rendez-vous breton : ainsi, les artistes présents, quels que 

soient leurs domaines de prédilection, mettent un point d’honneur à préserver une identité celte dans leur musique. 

Les très jeunes groupes qui se sont produits dès le 5 août au théâtre de Lorient devant une salle bondée – comptant 

dans ses rangs le ministre des Affaires étrangères, Jean-Yves Le Drian – ont ainsi montré l’étendue de leurs talents et 

prouvé que la culture celte s’adaptait parfaitement aux enjeux artistiques du XXI e siècle. Certes, il y a eu du “tradi” 

– réclamé à cor et à cri par les inconditionnels de ce rendez-vous –, mais les guitares électriques ont pu s’exprimer 

librement, entre deux bagadous, aussi bien dans le festival off, sur les terrasses des nombreux bars, que sur la grande 

scène de la Marine et ses 4 000 places. C’est ainsi que The Celtic Social Club, mené par Jimme O’Neill, double régional 

de l’étape, car Écossais et habitant en Bretagne, chanteur des Silencers originaires de Glasgow, a lancé le festival avec 

un show explosif. Une pyrotechnie mêlant uilleann pipes, violon, washboard, banjo, mandoline, mais aussi guitares, basse 

et batterie, comme il se doit. En rhabillant de vieux traditionnels d’habits rock, leur musique, proposant une sorte 

de Pogues/Clash renouvelé, a transporté au loin, vers les côtes des Hébrides et l’île de Skye, mais aussi vers l’Irlande 

ou la Galice non seulement les inconditionnels du groupe, mais aussi ceux qui découvraient ce “concept group” formé 

sur une scène bretonne aussi (à Carhaix, aux Vielles Charrues), destiné à ne faire qu’un one shot. C’était sans compter 

sur le soutien de nombreuses entités privées et institutionnelles qui ont finalement permis au groupe de poursuivre cette 

dynamique – mais aussi grâce à la ténacité de son initiateur, Manu Masko –, d’avoir déjà produit deux albums (dont le 

dernier, salué dans ces colonnes), et de désormais arpenter les scènes du monde entier, dont celle de Lorient et de son 

festival, où leur show a permis de les placer sans détour sur les cartes du rock comme des fans de musique celtique. B.B. 

Les Insus 

8 juillet, American Tours Festival, 

Tours 

Tout un pan de la culture US était 

posé sur les bords de la Loire le 

temps d’un week-end dingue, chaud 

et surtout fun. Et c’est par dizaines 

de milliers que les festivaliers ont 

déboulé de toute l’Europe. Côté 

spectacle, tout le monde en a eu pour 

ses yeux et ses oreilles : des dizaines 

de petits groupes couvrant toutes les 

facettes de la country et du rockabilly, 

des shows d’Indiens, de visiteurs 

habillés en cow-boys ou en G.I. 

et, en soirée, les concerts. Le premier 

soir, le ton a été donné par ZZ Top et 

son boogie blues juteux : une setlist 

renouvelée, des reprises (Hendrix ou 

Elvis) et un show tout à l’énergie. Le 

lendemain, les Insus ont tout 

déboîté : certes, ils ne sont pas américains, 

mais Tours est la seule ville 

à ce jour à les avoir reçus deux fois. 

Difficile de décrire la ferveur du 

public lors de la montée sur scène de 

Jean-Louis, Richard et Louis. Un 

show énorme, tubes sur tubes 

enchaînés à un rythme diabolique. 

Et surtout, on est dans le cultissime. 

Pour cela, la jauge maxi a été 

atteinte : inutile de préciser que les 

© LORAINE ADAM 



LES 

FESTIVALS 

© T.BIANCHIN/MUSILAC 2017 

Insus, pour cette longue remontée à 

Paris où ils joueront dans un Stade 

de France complet les 15 et 16 septembre, 

sont désormais fin prêts. Le 

show d’anthologie livré ce jour-là a 

réveillé de bons vieux souvenirs. 

Qu’on se le dise… Par téléphone. B.B. 

Red Hot Chili Peppers 

23 juillet, Paris, Lollapalooza, 


Comme un singulier clin d’œil de 

l’histoire, le groupe que l’on conviait 

aux éditions d’antan du 

Lollapalooza au nom de son appartenance 

à la frange “indie” se 

retrouve à nouveau tête d’affiche de 

la fraîche extension nationale du 

festival, de par son statut de cador 

du mainstream rock. Pas sûr que 

cela ait de quoi… défriser la moustache 

façon Super Mario d’Anthony 

Kiedis ou de friper davantage les 

accoutrements en mode Desigual 

de Rodeo Drive privilégiés par Flea. 

Ça durera encore ce que ça durera 

(les “indiscrétions” de son batteur 

Chad Smith laissant entendre que 

ce ne sera as forcément le cas longtemps), 

mais sur une scène en 2017, 

Red Hot Chili Peppers ne semble 

plus avoir d’autre ambition que de 

se faire plaisir. Un désir manifeste 

de “s’éclater” qui passe tout autant 

par un bombardement intensif des 

grenades qui ont fait leur notoriété 

(“Californication” – joliment foiré 

par Kiedis , “By the Way”, “Give It 

Away”) que par des reprises déjà 

torpillées dans le passé (“Higher 

Ground” de Stevie Wonder) ou 

dégoupillées pour la circonstance 

(“I Wanna Be Your Dog” des 

Stooges, “Wicked Games” de Chris 

Isaak, pour Josh Klinghoffer en 

solo). C’est surtout l’occasion pour 

le groupe de s’autoriser moult 

digressions qui virent à la jam, pas 

forcément couronnées de succès – 

doux euphémisme – mais toujours 

excitantes à observer. Bref, le 

piment reste au rendez-vous pour 

assaisonner le quotidien, aux 

risques et périls de chacun ! X.B. 

Liam Gallagher 

23 juillet, Paris, Lollapalooza 


“Rock’n’roll” écrit en capitales, 

blanc sur noir. Des musiciens sur 

ressort, dont l’indispensable Jay 

Mehler, et puis il arrive. En 

parka, bien sûr, la moue arrogante 

de celui qui sait qu’il est 

aimé et attendu. Pour ce qu’il est, 

le bad boy de Manchester et frère 

ennemi de Noel Gallagher. Ce qui 

ne l’empêche pas d’attaquer les 

festivités avec trois titres d’Oasis 

d’affilée : “Fuckin’ in the Bushes”, 

“Rock ‘n’ Roll Star” et “Morning 

Glory”. S’ensuivent les titres de 

son prochain album solo, à 

paraître au début du mois d’octobre 

: “Wall of Glass”, “Greedy 

Soul”, “Chinatown”… Avant de 

reprendre “D’You Know What I 

Mean?” ou “Slide Away”, qu’il 

dédie aux victimes du Bataclan. 

Très touché par le récent attentat 

à Manchester, Liam Gallagher 

trouve le moyen de le cacher derrière 

sa légendaire nonchalance 

– et son chant impeccable, qui n’a 

pas pris une ride depuis les 

années 1990. Pour finir, il chante 

“Wonderwall” : on exulte, il 

savoure. 

S.R. 

Pixies 

29 juillet, Festival 

de Carcassonne 

C’est derrière les remparts de la 

Cité médiévale que les Pixies ont 

donné rendez-vous à leurs 

inconditionnels fans français, 

pour l’une de leurs très rares dates 

dans l’Hexagone cet été. Et les 

fidèles étaient au rendez-vous. Ce 

soir-là, le grand théâtre en plein 

air était rempli jusqu’au dernier 

gradin. Il faut dire que 

Carcassonne propose un festival 

atypique, éclaté dans plusieurs 

lieux de la ville, et offrant une 

programmation allant de la 

grande variété et de la pop internationale 

– notamment cette 

année les Vieilles Canailles 

Dutronc, Mitchell et Hallyday – à 

des concerts gratuits avec des 

artistes comme Axel Bauer. Mais 

pour Black Francis et son gang, 

Joey Santiago et David Lovering 

accompagné de leur nouvelle bassiste 

qui officie depuis 2014, pas 

de quartier. Comme à son habitude, 

ni bonjour ni au revoir : à la 

place, des riffs ravageurs, des 

chansons ciselées et articulées 

autour de la voix toujours impeccable 

du chanteur, soulignée par 

les guitares serpentines de 

Santiago. Le public exultait. Et 

lorsqu’arrive en deuxième partie 

de “match” l’hymne pixien par 

excellence, le gigatube “Where Is 

My Mind”, c’est l’explosion, accompagnée 

d’effets de fumées et de 

lights de toute beauté. Qui aurait 

pu croire que les Pixies donnaient 

dans le son et lumière ? 

B.B. 

System of a Down 

30 juin, Arras, Main Square 

Festival 

La force et l’attractivité de System 

of a Down ont toujours résidé dans 

l’allant, l’entrain, voire le grain de 

folie, qui pouvaient accompagner 

sa musique. Bon, pour ce dernier, 

autant ne pas nous faire d’illusions, 

c’est plié. Passé par pertes et profits. 

SOAD ne veut plus tourner, en 

tout cas Serj Tankian. Mais il 

honore ses engagements, bon gré 

mal gré. Bref, un System “dans un 

bon soir” ne tient que dans l’envie : 

l’envie de respecter une réputation, 

accessoirement respecter des milliers 

de gens qui se sont bougés 

pour lui (seul groupe de ce premier 

soir du Main Square dont les 

T-shirts à son effigie sont arborés 

en nombre). Bonne pioche, ce soir, 

c’est un groupe concerné, à défaut 

de volontaire, qui va enchaîner ses 

meilleurs titres et faire bouillonner 

son né o-metal à géométrie 

variable. À croire que les bases 

aériennes (concert souvent transparent 

au Download) lui réussissent 

moins que les citadelles à 

l’ancienne. Oui, ce soir, SOAD va 

se souvenir quelle machine de 

guerre il pouvait encore être quand 

il veut s’en donner les moyens. Un 

très beau souvenir… 

X.B. 

STING 



Comment résister à un type qui vous lance au visage 

– en l’occurrence, relance – toute une partie de votre 

adolescence ? Comment ne pas chanceler quand, dans 

les enceintes géantes d’un festival, résonnent les 

“Synchronicity II”, “Spirits In a Material World”, “Every 

Little Thing She Does Is Magic, “Message in a Bottle, 

“Walking on the Moon”, “So Lonely”, “Roxanne” 

et “Next to You”, pour ne citer que le premier travail 

du Monsieur (car tous les hits en solo seront aussi 

de la partie) ? À quoi bon s’attarder sur le sentiment 

que le bonhomme, bien qu’affûté comme jamais, 

est en roue libre, livre son set sans émotion apparente ? 

Est-il bien utile de se demander si l’accordéon 

est vraiment ce qui manquait à l’ambiance sombre 

d’un “Fields of Gold” ? Quoi qu’on dise, quoi 

qu’on fasse, Sting est insubmersible… X.B. 


VIRTU 

COMBA 

PROPHETS OF RAGE

EL 

T ? 

Avec son nouveau 

groupe, Tom Morello 

et ses acolytes tentent 

de faire oublier Rage 

Against the Machine. 

Mais derrière les belles 

intentions et la vindicte, 

le discours de la méthode 

peine à convaincre. 

À tort ou à raison ? 

Par XAVIER BONNET 

Photographie de TRAVIS SHINN

PROPHETS 

OF RAGE 

Download, Hellfest. Deux festivals de metal à une semaine d’intervalle 

et un scénario qui se reproduit à l’identique. La même 

impatience qui grandit à l’approche du moment fatal. Aucun 

doute là-dessus, Prophets of Rage est l’attraction de ceux qui 

ont investi les lieux, ayant réussi à créer une appétence que certaines 

têtes d’affiches des deux festivals sont loin d’avoir réussi 

à engendrer. Peut-être parce que, alors que ce mois de juin 

entame tout juste sa seconde moitié, c’est nimbé de mystère que 

le groupe s’affiche. Et que, c’est bien connu, le mystère intrigue 

et attire… Après tout, un seul single, “Unfuck the World”, a encore été dévoilé, et l’annonce de 

l’arrivée d’un album en septembre n’a pas encore percé. 

Certes, le “casting” de Prophets of Rage se suffirait presque à lui-même. Pensez donc… Trois 

anciens membres de Rage Against the Machine – simplifions : tous sauf Zack de la Rocha, soit 

Tom Morello, Tim Commerford à la basse et Brad Wilk à la batterie –, deux de Public Enemy 

(Chuck D au micro et DJ Lord aux platines) et un de Cypress Hill (B-Real au… gosier). Se suffire 

à lui-même et poser problème en même 

temps. Car il ne faudra pas longtemps pour en 

avoir le cœur net : une grande majorité de ce 

public si impatient n’est manifestement là que 

pour entendre les hymnes de RATM, notamment 

sa frange la plus jeune, qui n’a encore 

jamais vu le groupe sur scène. Oui, là pour 

s’éclater, faire des bonds sur les “Take the 

Power Back”, “Bombtrack”, “Bullet in the 

Head”, “Bulls on Parade” et l’insubmersible 

“Killing in the Name”. Là pour ça et rien 

d’autre. Comme si le message sous-jacent 

qu’entend véhiculer Prophets of Rage, ce qui 

en fait sa raison d’être, à en écouter ses divers 

protagonistes, volait en éclats devant la nostalgie 

ou la simple dimension exutoire des 

brûlots d’antan. “Il n’est pas indispensable de 

percevoir le message”, énonce Tom Morello, le 

véritable leader de ce qu’il ne faudrait surtout 

pas percevoir comme un simple super-groupe. 

Et tant pis s’il assène le contraire depuis le 

début de l’entretien à grand renfort de phrases 

chocs. “Si, sur un festival comme celui-ci 

(Hellfest, ndlr), 50 000 personnes deviennent 

dingues grâce à ce que nous leur proposons, 

ça me va parfaitement, poursuit-il. Et peutêtre 

parmi eux s’en trouvera-t-il pour creuser 

davantage et devenir les leaders de la résistance 

de demain !” 

Résistance, il n’a que ce mot à la bouche, le 

Tom. Bien sûr, difficile de le taxer d’opportuniste 

en l’occasion, lui qui est de toutes les 

luttes depuis son adolescence et n’a pas 

attendu les événements récents pour manifester-afficher-réaffirmer 

ses idées assez à 

gauche. Pas illogique qu’on le présente désormais 

autant comme un musicien que comme 

un militant. “L’un – musicien – est une vocation, 

l’autre – militant – est une conviction, 

s’esclaffe-t-il. Maintenant, dans quelle proportion, 

c’est compliqué à déterminer. Ils ne 

partagent pas forcément le même espace. 

Disons que je suis à 100 % l’un et l’autre ! Y 

a-t-il un risque que l’un l’emporte sur l’autre ? 

Oui, certainement. Si la musique est à chier, 

ça ne devient plus qu’un mauvais discours. Et 

c’est là le meilleur moyen de desservir la cause 

que tu veux défendre.” 

Mais si Tom Morello – l’homme – n’a guère 

besoin d’apporter de gages quant à son sens 

de l’engagement, peut-on – et faut-il – aborder 

l’émergence de Prophets of Rage avec les 

mêmes… garanties ? Le guitariste ne manque 

jamais de le rappeler : le groupe est né en 

réaction à l’utilisation du terme “Rage 

against the system” lors de la dernière campagne 

présidentielle américaine par Donald 

Trump, mais aussi par Bernie Sanders. 

Morello va jusqu’à enfoncer le clou en parlant 

d’une réaction à une urgence, un bouillonnement 

naissant à accompagner. Dans le feu de 

l’enthousiasme, la résistance est à nouveau 

convoquée (“et cette résistance a besoin d’une 

bande sonore”). À l’en croire encore, Prophets 

of Rage serait le reflet de son époque, de l’instant, 

“en espérant pouvoir le changer”. 

Opportunisme ou pas ? Vœu pieux ? On vous 

laissera vous faire un avis. 

Car, vue d’Europe, cette résistance à laquelle 

il croit dur comme fer, ainsi que les illustrations 

qu’il avance pour étayer son ardeur, 

paraissent bien plus embryonnaires. Vrai, les 

marches des femmes à travers les États-Unis 

le jour de l’investiture de Trump en janvier 

denier ont réuni près de 4 millions de personnes 

(une première dans le pays). Vrai 

encore, des aéroports ont été un temps occupés 

lorsque le même Trump décida d’interdire 

l’entrée sur le territoire américain à des 

ressortissants de certains pays musulmans. 

Mais depuis ? Quelle résistance “durable” 

“Une fois 

de plus, 

ce groupe 

est un reflet 

de son 

époque.’’ 

derrière ces quelques prémices, dans un pays 

qui a finalement entériné sans broncher 

qu’un candidat pouvait accéder à l’investiture 

avec deux millions de voix en moins que 

son adversaire de par un système de collège 

électoral d’un autre temps, mais que personne 

ne songe à remettre en cause pour 

autant, au nom du respect des institutions ? 

Qui donc pour percevoir l’écho d’un Tom 

Morello ou d’un Chuck D, prônant la révolution, 

sur disque ou sur scène ? 

De manière plus globale, à l’heure de l’individualisme 

forcené et sciemment entretenu 

afin d’étouffer les combats de société et la 

dimension collective qu’ils impliquent, à qui 

peut bien s’adresser le discours d’un Prophets 

of Rage, aussi bien agencé soit-il ? Qui pour 

l’entendre, l’écouter ? Morello, lui, n’en 

démord pas : la colère gronde, y compris 

auprès des plus jeunes, il n’a jamais vu un tel 

mouvement de son vivant aux États-Unis, ne 

compte plus ceux qui se lancent dans l’action 

alors qu’ils prenaient soin jusqu’ici de faire 

partie de la majorité silencieuse. Et tant pis 

si c’est dans son entourage immédiat qu’il va 

puiser un exemple de sa démonstration “globale”, 

en évoquant sa femme jadis soutien 

tacite – mais pas plus – des engagements 

politiques de son conjoint et devenue soudain 

coordonnatrice pour le compte de certains 

mouvements féminins. Méthode Coué ou 

véritable credo ? 

Et si, au bout du compte, notre perplexité – 

pas forcément partagée, au demeurant – à 

l’encontre de Prophets of Rage tenait dans la 

formulation de son propos, dans le fond 

comme dans la forme ? Le fond, à savoir ces 

douze chansons que le groupe n’a pas cru bon 

de présenter lors de sa tournée européenne, 

à l’exception du seul single “Unfuck the 

World”, où sont passés en revue et pêle-mêle, 

parfois le temps d’une furtive suggestion, la 

paranoïa sécuritaire, la dépendance médicamenteuse, 

le radicalisme, les soldats qui 

meurent au combat, l’appel à la légalisation 

du cannabis, les sans-abri trouvant abri sous 

les bretelles d’autoroute, l’abrutissement des 

masses, etc. Autant de sujets dont la virulence 

et les ravages qu’ils engendrent ne sauraient 

être remis en cause, mais auxquels le 

groupe n’apporte aucun nouvel éclairage 

véritable, y compris dans la façon de les narrer 

– pour ne pas dire qu’il lui manque le 

talent et la fougue d’écriture de Zack de la 

Rocha et ce, alors qu’il tient à en faire son 

cheval de bataille. 

À l’inverse, le sens de l’à-propos de Tom 

Morello en entretien sonne parfois “trop 

beau pour être vrai”, jamais très loin non plus 

d’un simple “y a qu’à, faut qu’on”… Difficile 

de se satisfaire en effet de certaines réponses 

toutes faites, à commencer lorsqu’il s’efforce 

de nous assurer que l’enregistrement de 



© JEFF KRAVITZ/GETTY IMAGES 

l’album fut “le plus facile et le plus fun” des 

quinze ou seize sur lesquels il aura œuvré ; 

ou quand il nous assène que Prophets of 

Rage est là pour durer et que tout le monde 

se donnera toujours à fond, que le groupe n’a 

pas de date de péremption, tout en précisant 

dans la même phrase que “Public Enemy 

continue, Cypress Hill continue et que j’ai 

moi-même mes propres projets.” Délicat de 

nous contenter en outre de tirades grandiloquentes, 

au moment de s’interroger sur le fait 

de savoir si des musiciens désormais bien 

nantis sont les mieux placés pour appeler à 

la révolution, sur le mode “tout le monde sans 

exception est la personne idéale pour ça, qui 

soit-il ou quoi qu’il fasse : charpentier, étudiant, 

sans-abri, anarchiste, rappeur, guitariste… 

Il ne peut y avoir de ghettoïsation à 

propos de qui est le mieux habilité à porter 

ce genre de mouvement. Je suis la même étoile 

polaire en matière de politique depuis mes 

16 ans. Il se trouve juste que je suis devenu 

guitariste. Mais que je sois un guitariste qui 

n’ait vendu aucun disque ou 30 millions ne 

change rien à l’affaire…” 

Et que dire de cette répartie lorsqu’est avancée 

l’idée que des adolescents de 14-15 ans 

n’ont peut-être pas forcément envie 

aujourd’hui d’écouter les conseils-injonctions 

de quinquagénaires bien sentis : “D’une certaine 

manière, nous sommes moins là pour 

les guider que pour les suivre, moins là pour 

prêcher à leur encontre que les écouter. Une 

fois de plus, ce groupe est un reflet de son 

époque. Une fois de plus, il est né d’une 

urgence partagée par une grande partie du 

MAKE AMERICA RAGE AGAIN 

En concert à Varsovie, en 2017, 

Prophets of Rage fait le show, tout en ferveur 

et en protestation, collant à son image 

de “supergroupe révolutionnaire”. 

monde. Quand 500 000 réfugiés srilankais 

fuient à cause du réchauffement climatique, 

ça concerne aussi bien celui qui a 14 ans que 

celui qui en a 53, comme moi, ou 57, comme 

Chuck.” À trop vouloir en faire… 

Et si, après tout, nous exigions trop de 

Prophets of Rage, au prétexte du pedigree de 

ses divers protagonistes ? Après tout, il ne 

serait ni le premier ni le dernier groupe 

contestataire et protestataire qui n’aurait 

que son savoir-faire à faire valoir en guise 

d’argument et à chercher à tracer sa route – le 

temps qu’il faudra – en mettant à profit un 

contexte ou l’humeur du moment. Après 

tout, ce n’est peut-être que du show-business 

et c’est très bien ainsi. Après tout, et convenons-en 

bien volontiers, il est encore suffisamment 

de sons à sortir de la guitare de 

Tom Morello, au pire intrigants au mieux 

passionnants, pour que l’on accepte de se 

contenter, et ne pas avoir à réduire l’utilité de 

l’instrument au désir pour son propriétaire 

d’y coller sur le revers une feuille avec l’inscription 

“Fuck Trump”. 

Et tant pis si, là encore, l’explication fournie 

ne convaincra qu’à moitié. “Woody Guthrie 

s’est rendu célèbre avec son message ‘This 

machine kills fascists’ sur la sienne et j’en ai 

souvent collé sur les miennes au fil des ans, 

prend soin de rappeler Morello. Quand nous 

avons commencé cette tournée en Europe, 

quelque part en Allemagne, je me suis 

demandé quel serait le meilleur message à 

faire passer. Ce ‘Fuck Trump’ est la première 

idée qui m’est venue. Je crois qu’il peut créer 

un pont de solidarité avec ce public européen 

qui pense que les États-Unis ont perdu la 

tête. C’est ma façon de lui dire : Nous sommes 

d’accord avec vous !” Alors, si tout le monde 

est d’accord… 

Seul l’avenir dira qui, de la ferveur débridée 

de Tom Morello ou des réactions dubitatives 

que celle-ci peut susciter, se sera approché le 

plus de la vérité. Reste à savoir si nous aurons 

longtemps à attendre. Car s’il est bien une 

urgence au programme, et une urgence que 

l’on partage sans détours avec ces prophètes 

de la rage, c’est bien celle qui consiste à 

“unfuck the world”. Pour peu qu’il ne soit pas 

trop tard, ce que ne veut là non plus pas 

entendre le guitariste : “L’histoire montre 

que des gens se sont levés à des périodes tragiques 

et dangereuses de ce monde. Combien 

sont ceux qui se sont longtemps persuadés 

que le mur de Berlin ne tomberait jamais ? 

Combien sont ceux qui se sont persuadés que 

l’apartheid durerait indéfiniment ? Pareil 

pour l’esclavage aux États-Unis ou le droit 

de vote refusé aux femmes. Autant de supposées 

réalités que l’on pensait inamovibles, 

coincées dans le cours de l’histoire. À tort. Et 

pourquoi ? Parce que des gens pas différents 

de ceux qui pourront lire cet article ont refusé 

ce qui ressemblait à une fatalité et ont changé 

le monde…” Camarades lecteurs, au boulot ! 

Unfuckez-nous tout ça… 


MORRICONE 

ENNIO 

IL MAESTRO 

Il a donné 

un son à 

l’Amérique, 

construit son 

propre mythe 

à grands coups 

d’harmonica et a 

même fini par être 

sympa avec Tarantino. 

Par OLIVIER FLORIO 

Photographie de JIM DYSON 

75 

Rolling Stone

AAvec soixante ans de carrière, Ennio 

Morricone incarne l’une des figures les plus 

marquantes de l’industrie cinématographique. 

Considéré comme une influence 

majeure pour bon nombre de compositeurs 

du cinéma actuel tel que Hans Zimmer, il a 

été également une source pour certaines 

icônes de la pop, jusqu’à Metallica ou Bruce 

Springsteen. Examiné sous toutes les coutures, 

disséqué au scalpel, passé aux rayons X, 

le personnage fascine. Mais qu’est-ce qu’on 

peut dire de plus aujourd’hui que : Ennio, 

c’est LE compositeur de musiques de film. 

Un film ? Un vrai sac de nœuds. Il y a 

d’abord le réal qui arrive avec sa problématique 

existentielle et qui est souvent suivi 

par un producteur (sorte de poisson-pilote) 

qui a une vision chiffrée du monde. Et là, 

ils tombent sur Ennio qui, lui-même, est 

ENNIO 

MORRICONE 

rendre sa musique accessible aux cinéphiles 

qui traînent dans les salles obscures. 

Morricone “sert”. Sert le film. Une musique 

“de service”, comme il dit. Mais bon, il y a 

tout de même une limite. Parce que c’est 

une part de son ADN qu’il met sur le tapis. 

Et là, il lâche pas l’affaire facilement, le 

Maestro. Pas question de laisser se dégrader 

son “creativ’ impulse”. 

Pour Ennio, au départ, le cinéma c’est tout 

sauf une histoire de vocation. “Je pensais 

faire comme tant de compositeurs qui 

gagnent peu, mais écrivent ce qu’ils veulent 

(...). Mon rapport avec le cinéma est venu 

par hasard, parce que j’ai pas eu la possibilité 

de faire autre chose.” 

Il fallait bouffer, assurer le quotidien. Alors 

il commence en faisant des arrangements 

pour de la variet’ ou autre, comme ça, un 

peu en souterrain, histoire de pas être trop 

repéré. Mais bon, ça n’a pas duré longtemps. 

Un jour, le cinéma frappe à sa porte. 

Et alors là… c’est THE virage. Car dans les 

années 1960-1970, Ennio bouscule, renouvelle, 

transcende les codes de la musique du 

cinéma de l’époque. Mais pour lui, la 

musique de film c’est qu’une sorte de “gymnastique”, 

un “exercice”. “Chaque film est 

Antonio Ferdinandi et, plus tard, ceux de 

Goffredo Petrassi. Nous avions un amour 

sans bornes pour l’écriture, la recherche (…). 

Un amour spirituel.” 

Mais voilà, dans sa période “à la mode”, il 

cartonne tellement qu’il court, il court, 

Ennio. Et le temps finit par lui manquer. 

Son succès grandissant le porte, mais finit 

aussi par l’enchaîner. Les feuilles blanches 

de la musique absolue restent immaculées 

sur un coin de bureau, la poussière fait son 

office. Ainsi soit-il. 

Alors, le soir, lorsque résonnent les cloches 

du Vatican, Ennio est seul face à lui-même. 

Et il a cette voix qui s’immisce en lui, 

comme une prière profonde, un appel vers 

l’au-delà, un trait d’union vers l’infini, la 

voix de l’autre musique. “J’ai un doute terrible”, 

confie-t-il un jour à Sergio Miceli 

historien de la musique, musicologue et 

ami, “que ma limite soit la musique de 

cinéma.” Comme une frontière invisible 

que l’homme appréhende et qui le hante. Et 

même si le public croit que la musique 

d’Ennio, c’est celle qu’il fait pour les films, 

lui sait intérieurement qu’il y a “l’autre”, 

l’autre musique, l’autre Ennio, et envers 

lequel il sent qu’il a une dette. Croirait-on 

“ 

Chaque film est une nouvelle expérience musicale, 

qui présente de nouveaux problèmes à résoudre, 

cela me donne le sentiment d’exister, 

de ne pas créer dans le vide.” 

*** *** 

dans une perspective assez “personnelle”, 

disons ondulatoire, de l’espace et du temps. 

Mais bon, malgré tout, quelquefois, ça 

“matche”, et comme Ennio est du genre gros 

bosseur et qu’il a des ondulations sonores 

un peu partout dans la tête, ils finissent 

donc parfois par se mettre d’accord. “Cinq 

cents films, sinon rien” : ainsi pourrait-on 

résumer sous forme de boutade la riche carrière 

du maître italien. Cinq cents, ça fait 

tout de même un paquet d’accords. Et 

encore, il en aurait viré la moitié, refusant 

de travailler pour des réals qui ne lui revenaient 

pas ou qui lui demandaient d’écrire 

dans le style de Stravinsky ou de Mozart. 

À dégager. 

Pour autant, malgré son caractère, Ennio 

sait s’adapter. Composer avec les contingences 

stochastiques, scolastiques et chaotiques 

du monde cinématographique. Il sait 

prendre pleinement en considération sa 

responsabilité de fournir un matériel artistique 

convaincant. Wow ! Pour le réal bien 

sûr (faut pas l’oublier), mais aussi pour 

une nouvelle expérience musicale, qui présente 

de nouveaux problèmes à résoudre 

(…). Cela me donne le sentiment d’exister, 

de ne pas créer dans le vide.” Un exercice 

noble, certes, et lucratif, mais qui, malgré 

tout, ne saurait en aucun cas se substituer 

au questionnement profond et existentiel 

de l’individu face à la feuille blanche : celui 

de la “musica assoluta”. Kézako ? La “musica 

assoluta” (musique “en soi”) par opposition 

à la “musica applicata” (musique de commande). 

Deux concepts bien éloignés, voire 

antinomiques. Le truc qui rend bien schizophrène. 

On comprend alors ses sautes 

d’humeur, au Maestro. Et c’est aussi et 

peut-être surtout cette “musica assoluta” 

que Morricone a dans la tête depuis qu’il est 

enfant. “Mon père jouait de la trompette. 

C’est lui qui m’a enseigné la clé de sol et 

transmis la passion pour cet instrument. 

Puis je me suis inscrit au conservatoire de 

Santa Cecilia, à Rome. J’ai fait un cours 

d’harmonie complémentaire et ensuite étudié 

la composition. J’ai suivi les leçons de 

en lui en tant que musicien sans images ? 

Alors Ennio fait une sorte de pacte avec luimême. 

“Servir” du mieux qu’il peut. Comme 

pour donner le change, comme pour se 

repentir de son péché de ne pas servir sa 

propre voix. De ne pas servir cette “musica 

assoluta” qu’il porte en lui, pure et sans 

compromis. Il espère ainsi se sauver luimême 

et peut-être aussi “sauver” certains 

des films dont il accepte d’écrire la musique. 

“Je ne me suis pas laissé aller (…). J’ai cherché 

à racheter, à me racheter.” Et c’est peutêtre 

ce qui donne une teneur si particulière 

à sa musique. 

Ennio se sent enfermé. Briser les bords de 

l’image, pulvériser les écrans, la question 

reste épineuse. “Moi, je ne peux jamais être 

content en faisant de la musique pour le 

cinéma, même si je reconnais qu’il y a beaucoup 

d’aspects positifs”, déclare-t-il encore 

en 1979 à Miceli. Le cadre, toujours le cadre. 

Bien sûr, ses maîtres à penser ont eu à composer 

avec des problématiques similaires. 

La forme (sonate, fugue, forme 




2 

1 

3 

4 

UNE VIE EN IMAGES 

(1) Partitions sous le bras, le 

compositeur prépare ses concerts. 

(2) Avec son ami, le réalisateur 

Sergio Leone. (3) Le “Maestro” en 

pleine répétition avec ses choristes, 

à Rome en 1984. (4) Sur scène, 

Morricone dirige ses propres œuvres 

de main de maître. (5) C’est Clint 

Eastwood qui lui remettra le seul 

oscar de sa carrière, en 2016, pour la 

BO des Huit Salopards. (6) L’équipe 

de Hateful Eight, avec (de gauche 

à droite) Kurt Russell, Ennio Morricone, 

Quentin Tarantino et Michael Madsen. 

5 6

ENNIO 

MORRICONE 

Duel 

Rencontrer le Maestro n’est pas facile. Tous ceux qui s’y sont essayés en gardent 

un souvenir doux-amer. Et se souviennent d’une tension digne d’un duel de western. 

Que l’on soit journaliste, compositeur… ou les deux à la fois. Par Alex Jaffray 

Chez mes grands-parents, il y avait 

trois vinyles. Un disque de valses 

autrichiennes que je n’ai jamais sorti 

de sa pochette – à cette époque 

j’avais une aversion pour le trois temps ; un disque 

d’enregistrements de machines à vapeur – mon 

grand-père était ancien cheminot et le vacarme 

de métal et de vapeur devait lui manquer ; et un 

disque des plus grands titres de Ennio Morricone, 

avec, sur la pochette, une photo du film Le Casse, 

avec Belmondo qui met en joue Omar Sharif. 

J’ai grandi en écoutant en boucle ce générique 

de film avec l’impression diffuse de transgression, 

d’écouter de la musique de voyou, à cause 

du revolver ; une musique interdite et fascinante, 

hypnotique avec ce thème court que Morricone 

balade dans toutes les tonalités et toutes les 

gammes. Il promène cet ostinato à la manière de 

Bach, mais avec le côté goguenard de l’instrumentation 

façon Maestro : un piano de saloon, 

une guitare, un son de vagues au loin… 

Plus tard, porté par le dicton “Ennio un jour, 

Ennio toujours”, avec mes premiers francs, j’ai 

acheté le 45-tours de la musique du film À l’aube 

du cinquième jour, d’une tristesse palpable, qui 

m’avait transpercé l’âme sans pouvoir y mettre 

de mots. Une composition qui m’a donné envie 

de comprendre la magie invisible de la musique 

et d’essayer d’en écrire moi-même. 

Quelques années passent en une mesure de 

valse et, en 2006, lors du festival de musique de 

films d’Auxerre, on me propose de rencontrer le 

Maestro. Avec, bien entendu, toutes les réserves 

d’usage : il est difficile, il est ronchon, il est âgé, 

il ne parle pas anglais, il se réserve le droit de ne 

pas répondre à toutes les questions et il ne fera 

peut-être pas l’interview, bref, un terrain propice 

à l’épanouissement et à l’attente sereine. 

J’avais réussi à me glisser sans permission pour 

assister aux répétitions et voir le Maestro à 

l’œuvre, et en fait, il n’était pas du tout vieux ! 

Droit, sec, sévère et souple, l’oreille tendue, arrêtant 

les musiciens à la moindre approximation, 

avec le pli du front du chef d’orchestre qui n’a pas 

entendu ce qu’il avait en tête. 

Il sort de scène et débutent alors deux bonnes 

heures d’attente et de tractations : interview ? 

pas d’interview ? On nous dit qu’il est fatigué, 

que ces entretiens n’étaient pas prévus, que les 

trois journalistes devront faire leur interview 

ensemble. Une traductrice, trois journalistes 

penauds, dont une jeune collègue qui débutait 

dans l’exercice. Le Maestro arrive, le pli n’avait 

pas quitté son front. 

À la première question, une réponse tiède nous 

arrive après le temps de traduction. Deuxième 

question maladroite sur les musiques pour 

Leone de notre jeune amie – on sent la réponse 

froide même avant traduction. Je pose ma question, 

que j’espère intelligente, plouf plouf. Le pli 

ne part pas du front du patron. S’ensuivent deux 

séries de questions, puis le Maestro se lève, je 

reste avec le souvenir de ma pochette du Casse 

qui se fissure en mille morceaux, et avec une 

impression d’inachevé. 

Deux mesures de valses plus tard, nous sommes 

en 2014, le Maestro s’est enfin décidé à diriger ses 

musiques en concert, on me propose d’aller le 

rencontrer chez lui, à Rome. Le voyage s’organise, 

seulement quatre journalistes français sont 

choisis, grosse pression. Et pour en rajouter une 

fine couche, on reçoit des consignes strictes 

avant de partir : 

1. on doit l’appeler “Maestro” ; 

2. on n’emploie pas le terme de “western 

spaghetti” ; 

3. on ne lui parle pas d’entrée de jeu de ses films 

avec Sergio Leone ; 

4. on ne lui fait pas signer de disques… 

Comme ça pendant une demi-page avant même 

de poser le pied à Rome, de quoi être bien tendu, 

en sachant qu’Ennio est à l’humour ce que 

Dupont-Aignan est au mariage pour tous. Le jour 

dit, avion pour Rome, les interviews ont lieu en 

début d’après-midi pour qu’Ennio soit en forme 

après une petite sieste. 

Vieil et vaste appartement romain dans lequel le 

Maestro habite depuis quarante ans et a composé, 

dans la plus grande solitude de son bureau, 

quelques-uns de ses plus grands chefs-d’œuvre. 

Premier contact sur place à la hauteur de l’appréhension, 

le manager d’Ennio, une sorte 

d’Italien échappé des Affranchis de Scorsese te 

regarde dans les yeux et te dit en anglais avec 

un accent plein de “r”. 

— Tu sais pourquoi le Maestro fait les interviews 

chez lui ? 

— Euh… Non, Monsieur. 

Il faut toujours être très poli quand un Italien 

avec des chaussures blanches vous parle. 

— Eh bien, le Maestro fait ses interviews chez lui, 

comme ça, si les questions ne lui plaisent pas, il 

se lève et te remercie. (Le manager me montre la 

porte d’entrée de l’appartement, en mimant 

Morricone.) 

Ambiance. 

L’équipe installe le matériel, pieds de caméra, 

rallonges, lumières, micro. 

Là, le même homme de main avec le même 

accent approche : 

— Il y a quelques années, un mec de TF1 s’est 

branché sur cette prise, il a fait sauter les plombs. 

On lui a fait un procès. 

Léger froid. 

Et puis Monsieur Morricone arrive, vieux et beau 

à la fois. 

Moins en forme qu’il y a quelques années, il a 

subi une opération qui l’a affaibli. L’interview 

commence, il est un peu fermé, puis je lui parle 

de son père, de ses débuts de trompettiste et du 

flambeau transmis par son père, de la musique 

absolue – la musica assoluta – tellement importante 

à ses yeux, de ses années d’arrangeur pour 

la variété italienne qui lui ont permis d’essayer 

plein d’assemblages en musique – assemblages 

que l’on retrouve dans ses grandes musiques de 

film. On parle de Mina, de ses tubes des 

années 1960. Puis il s’ouvre, sourit, l’interview 

devait durer 20 minutes, une heure après on y 

est encore. Je lui parle de son bureau de composition, 

il se lève et me dit qu’il ne le montre que 

rarement. Il sort une clé, ouvre une porte, sort 

une deuxième clé, ouvre une seconde porte et 

on se retrouve dans son bureau, entourés de 

toutes ses partitions classées et rangées méticuleusement 

sur des étagères. 

Posées sur le canapé, les partitions en cours 

pour Tornatore, sur une étagère en face, des 

dizaines de récompenses – Bafta, Grammy, 

Golden Globes, Nastro… J’ai la présence d’esprit 

de ne pas lui parler de l’oscar qu’il n’a pas encore 

eu, surtout de celui du film Mission qui lui est 

resté un peu sur l’estomac. 

Je cherche du regard un piano, rien. Uniquement 

un bureau, large, massif, dos à la fenêtre, le 

Maestro a sa musique dans la tête, il écrit directement 

sur du papier qu’il achète une fois par 

mois chez le même imprimeur romain. Il m’explique 

qu’il écrit tous les matins, à la même 

heure, après avoir fait un peu de jogging dans 

son appartement (?), il taille ses crayons et écrit. 

Pour écrire plus de 450 musiques de films, il n’y 

a pas de secret. 

78 | Rolling Stone | rollingstone.fr Septembre 2017

Je me rassois en espérant qu’il va m’adopter, que 

je peux mourir tranquille, mais inquiet que les 

trois autres journalistes me maudissent pendant 

cinq générations pour leur avoir mangé tout leur 

temps d’interview. 

Je me lance pour une dernière confidence et 

explique au Maestro que, petit, j’écoutais le 

générique du film À l’aube du cinquième jour, et 

que c’est certainement l’un des morceaux qui 

m’a donné envie d’écrire de la musique. Le titre 

italien doit être très différent. Ennio ne semble 

pas comprendre de quoi je lui parle, il baragouine 

un truc en italien avec un pli sur le front. 

Puis il se lève d’un bond, l’air furieux, je me dis : 

C’est bon, j’ai réussi à me torpiller sur la dernière 

question. Comme dans un film de Leone, une 

goutte de sueur perle sur mon front, lentement. 

Mais le plus grand compositeur du monde ne va 

pas vers la porte d’entrée, il va vers un piano 

caché dans le salon sous une tonne de bibelots, 

il soulève le capot, s’assoit et me joue juste pour 

moi, l’introduction de À l’aube du cinquième jour. 

La goutte de sueur se transforme alors en larme. 

Une courte mesure de valse plus tard, je me 

retrouve à Abbey Road pour l’enregistrement de 

la musique des Huit Salopards de Tarantino que 

le Maestro a composée et dirigée. 

L’enregistrement est filmé, il règne une atmosphère 

électrique dans le studio, quasiment la 

même que le duel de l’homme à l’harmonica. Un 

peu moins de temps pour échanger et, conforté 

par notre précédente rencontre, je passe tout de 

suite la seconde. 

Je lui demande pourquoi avoir cédé à Tarantino 

au bout de temps d’années (il a imploré 

Morricone pendant quinze ans de lui composer 

une musique originale et, n’obtenant pas de 

réponse positive du Maestro, Tarantino allait piocher 

dans d’anciennes BO de Morricone). Le 

Maestro, en grande forme, me répond : “J’aime 

bien Quentin, c’est un très bon réalisateur, qui 

aime ma musique, mais j’en avais assez qu’il utilise 

n’importe comment mes compositions.” Bim. 

Je lui demande pourquoi faire venir son 

orchestre de Rome, alors qu’à Londres, il y a les 

plus grands orchestres du monde tel que le 

London Symphony Orchestra. Léger blanc. Je 

regarde la porte de sortie en me disant que j’y 

suis allé un peu fort. 

Ennio plisse son œil d’enfant derrière ses grosses 

lunettes, sourit et dit : “Je préfère travailler avec 

mon orchestre ; je peux leur parler en italien, surtout 

quand je ne suis pas satisfait.” Ce qui ne 

manqua pas d’arriver quand le malheureux clarinettiste 

loupa l’entrée à la 57 e mesure de l’ouverture 

des Huit Salopards et que le Maestro lui 

souffla magistralement dans les bronches. 

Il faut croire Hans Zimmer, prince des bandes 

originales des plus grandes productions hollywoodiennes, 

quand on lui demande qui sont 

les trois plus grands compositeurs : “Ennio 

Morricone, Ennio Morricone, Ennio Morricone.” 

symphonique), le mécène à qui il faut plaire 

ou bien encore la mode, tout simplement. Le 

film apporte certes ses contraintes, mais 

également un nouvel espace d’écriture. Et 

c’est dans ce paradoxe que la musique de 

film se construit. Pourtant, Ennio ne 

regrette rien. Ainsi confesse-t-il en 1990 : 

“Je rêvais bien sûr d’écrire un autre type de 

musique quand j’étais jeune, mais cela ne 

signifie pas que je regrette ce que j’ai fait. Je 

pourrai déplorer les œuvres que je n’ai pas 

eu le temps de composer, c’est différent.” Le 

cinéma lui aurait-il volé trop de temps ? 

Morricone veut l’absolu. Mais est-on jamais 

proche de la vérité ? “Le grand hobby d’Ennio, 

disait son ami Giuliano Montaldo, c’est la 

musique. Cela paraît paradoxal ? Et pourtant 

non. C’est grâce à elle qu’il se libère.” Lorsqu’il 

ne fait pas de musique, il fait donc de la 

musique. Comme ça, en marge des films. 

Ennio a toujours eu une âme d’explorateur. Le 

piolet à la main. Prêt à aller décrocher des 

notes inattendues. Comme avec la Nuova 

Consonanza, un groupe d’improvisation expérimentale. 

Les espaces musicaux nouveaux, 

l’avant-garde et la recherche musicale, c’est 

son truc. Musique de chambre, orchestre, tout 

y passe. Ennio, l’expérimental. Aujourd’hui, 

avec le recul, aucun doute qu’il a fini par trancher 

entre la musica assoluta et la musica 

applicata. Sa production personnelle n’a cessé 

d’augmenter inversement proportionnellement 

à sa production cinématographique. 

Une dizaine d’œuvres entre 1960 et 1980, 

contre plus d’une centaine entre 1990 et 2010. 

À l’instar de sa musique de film, il opère dans 

ce domaine une sorte de syncrétisme de 

genres. Atonale, parfois climatique ou 

hybride, il crée une musique dont il avait du 

reste parfois semé les graines au cours de ses 

centaines de collaborations pour le cinéma. 

Citons des œuvres comme Ut (1991) ou Totem 

secondo (1981), Epitaffi sparsi (1992), 

Les espaces musicaux nouveaux, 

l’avant-garde et la recherche musicale 

c’est son truc. Musique de chambre, 

orchestre, tout y passe. Ennio, 

l’expérimental. 

*** *** 

ACCLAMATIONS ! 

Chaque soir, le Maître reçoit 

une standing ovation 

de la part du public, comme 

de l’orchestre symphonique. 

Wow! (1993), Braevissimo I, II, III (1994) ou 

même récemment Mass for Pope 

Francis (2015), une messe que lui aurait suggéré, 

un jour, un moine devant le kiosque en 

bas de chez lui. “Vous écrivez de tout, pourquoi 

pas une messe ?” 

Sa musica assoluta aura-t-elle la force de 

celle de ses homologues contemporains du 

xx e siècle ? Nono, Berio, Dutilleux ou 

encore Stravinsky ou Bach, qu’il aime citer 

en référence. Fera-t-il autant preuve de 

clairvoyance et de force de langage dans ce 

domaine qu’il a pu en avoir dans celui de la 

musique de film ? Seule l’histoire le dira. Le 

temps révèle par décantation lente le paysage 

des œuvres marquantes d’une époque. 

Quoi qu’il en soit, sa musique restera en 

nous comme un écho. Celui de sa musique 

de film bien sûr, mais peut-être aussi un 

jour, nous lui souhaitons, comme l’écho de 

sa musique tout court. 


Septembre 2017 


1 

2 

3 

4 

6 

GRACELANDOLOGY 

(1) L’album de tous les records. 

(2) La pochette de l’album 

présentant tous les hits de Soweto, 

qui inspirera Paul Simon. (3) En 

studio, en 1986. (4) Sur la scène du 

Hard Rock Festival, à Londres. 

(5) Lors de l’émission Saturday 

Night Live. (6) Sur la scène du stade 

Rufaro de Harare, au Zimbabwe, 

avec Ray Phiri. (7) L’ensemble 

des musiciens sud-africains, lors 

de la tournée de 1987. 

5 

7

Making Of 

ÉTAT DE GRÂCE 

Paul Simon aura mis cinq ans à publier le concert anniversaire 

donné en 2012 à Londres et célébrant le quart de siècle de son album 

événement, Graceland, sorti en 1987, avec les musiciens sud-africains 

qui l’avaient accompagné sur cet opus hors normes. 

Par BELKACEM BAHLOULI 

© GETTY IMAGES. SONY MUSIC. DR. 

On se souvient encore du titre du quotidien 

de Harare, au Zimbabwe : “Disgraceland”. Cette 

violente manchette faisait suite au concert de 

Paul Simon au stade Rufaro avec son groupe sudafricain, 

le 14 février 1987. Elle symbolise 

également toutes ces polémiques qui ont entouré 

l’enregistrement et la sortie de l’album Graceland, 

l’un des plus beaux fleurons des années 1980. Mais depuis, de l’eau est 

passée sous les ponts. L’album est devenu “culte”, Simon a fait deux tournées 

mondiales avec les musiciens qui avaient participé à ce disque 

séminal, celui-là même qui a lancé la grande vogue de la “world music” au 

cœur des années 1980. À tel point que, vingt-cinq ans plus tard, son auteur 

décide de faire revivre ce moment magique, d’abord en Afrique du Sud lors 

d’un concert à Johannesburg, puis à Londres où, jusqu’à l’orée des 

années 1990, les musiciens sud-africains n’avaient pas le droit de se produire, 

qu’ils soient Noirs ou Blancs, de Johnny Clegg à Mahlathini & 

Mahotella Queens. Belle revanche. Et c’est devant plus de 60000 personnes 

que Graceland, in extenso, revécut un soir de juillet 2012. Ce live 

est resplendissant : outre l’intégrale de l’album “world”, Paul Simon y joue 

bien entendu ses plus grands succès, parmi eux une poignante version 

acoustique de l’inusable “Sound of Silence”, une relecture avec Jerry Wexler 

à la slide de “The Boxer” et un final en forme de profession de foi, “Still 

Crazy After All These Years”. Bref, un double CD assorti d’un DVD/Blu-ray 

indispensable. 

Flash-back. Les années 1980 n’avaient pas épargné Paul Simon. Après le 

succès des trois albums qui ont suivi Bridge Over Troubled Water, il a du 

mal à retrouver son inspiration ; One-Trick Pony comme Hearts and Bones 

sont des déceptions. Pire encore pour le moral, l’album live enregistré avec 

Art Garfunkel à Central Park en 1981 est certifié double platine. Son heure 

est-elle passée ? Est-il un artiste fini pour nostalgiques ? Dans Under 

African Skies, l’impressionnant documentaire de Joe Berlinger consacré 

à l’aventure Graceland, il prétend avoir abordé ce déclin avec optimisme : 

“Parfait, la prochaine fois, personne ne sera là pour regarder par-dessus 

mon épaule.” Paul Simon peut faire quelque chose qui l’intéresse, parce 

que plus personne ne s’intéresse à lui. “Quand j’ai voulu enregistrer ‘Mother 

and Child Reunion’ en 1971, j’ai appelé le gars qui avait enregistré Jimmy 

Cliff et je lui ai dit que j’aimerais enregistrer là-bas. J’avais compris qu’il 

faut aller là où sont les musiciens si on veut avoir le bon son, et c’est ce qui 

s’est passé avec Graceland. Je suis allé en Afrique du Sud parce que c’était 

là-bas qu’était cette musique.” 

C’est aussi là que les ennuis commencent, parce que l’Afrique du Sud n’est 

pas un pays comme un autre. Depuis 1948, le National Party au pouvoir 

applique une politique de ségrégation raciale et de développement séparé 

entre les Noirs et les Blancs (et les Asiatiques et les “métis”), mais aussi 

entre les différentes tribus. Dans le documentaire de Berlinger, Simon 

demande à Quincy Jones : “Pourquoi les politiciens sont-ils considérés 

comme des experts ?” Bonne question : alors que les Nations unies imposent 

une série de boycotts pour mettre la pression sur le gouvernement sudafricain, 

Ronald Reagan et Margaret Thatcher soutiennent une politique 

“d’engage ment constructif”, censée, selon eux, mettre fin à l’apartheid en 

atténuant les sanctions et en récompensant la minorité blanche d’empêcher 

la propagation du communisme. 

Parallèlement, The Indestructible Beat of Soweto, compilé par Herman et 

publié sur le label Earthworks, arrive sur le marché international en 1985. 

“Ils avaient sorti un truc appelé Zulu Jive, dit Herman, c’est la meilleure 

musique du pays, laissez-moi compiler et sortir les bons trucs.” Présentant 

des artistes comme Nelcy Sedibe, Simon ‘Mahlathini’ Nka binde et 

Ladysmith Black Mambazo, il ne passe pas beaucoup sur les grandes radios 

mais, salué par Robert Christgau du Village Voice comme “le disque le plus 

important des années 1980”, prépare les critiques à l’album sur lequel Paul 

Simon est discrètement en train de travailler. 

Après avoir parlé à son label, qui lui suggère d’enregistrer en Amérique, et 

à des amis comme Harry Belafonte, qui lui conseille de demander la 

permis sion à l’African National Congress (ANC), qui représente la majorité 

des Sud-Africains noirs, Simon se rend à Johannesburg en février 1985. 

Rosenthal a réservé du temps de studio pour ses groupes préférés – 

Stimela, le groupe soul du guitariste Ray Phiri ; Tau Ea Matsekha, un 

groupe du Lesotho emmené par l’accordéoniste Forere Motloheloa et le 

bassiste Baghiti Khumalo ; General MD Shirinda And The Gaza Sisters, 

qui viennent du Gazankulu ; et The Boyoyo Boys, spécialement reformés 

après la mort de leur batteur – et il s’agit maintenant de les rassurer, car ils 

ont enfreint la loi sur les laissez-passer, de se détendre et de voir ce que ça 

donne. Si l’on en croit le film de ces séances, le temps que Simon a passé à 

travailler avec ces groupes a été une fête du début à la fin, mais rien que 



Paul Simon 

par sa présence, il s’expose aux critiques. Pour 

commencer, il n’a pas parlé à l’ANC et n’a pas respecté 

un boycott créé pour empêcher l’Afrique du 

Sud d’avoir des échanges de quelque sorte que ce 

soit avec le monde extérieur. Il a obtenu l’autorisation 

du syndicat des musiciens local, qui ne s’est 

pas opposé à ce qu’il enregistre avec ses artistes si 

ceux-ci n’étaient pas exploités – il les paye trois 

fois plus que ce qu’impose le barème du syndicat 

américain –, mais n’a pas demandé l’approbation 

des politiciens. “En un sens, Paul a eu beaucoup 

de chance d’être coincé dans cette impasse politique, 

dit Phiri. Toutes ces controverses ont attiré 

l’attention sur l’album, et tout le monde s’est dit : 

Écoutons-le… Qu’est-ce que c’est que ce Graceland ?’ 

Ça a contribué à relancer sa carrière et à faire 

connaître la politique de l’Afrique du Sud au 

monde entier. Nous transmettions de bonnes et de 

mauvaises nouvelles.” “Rétrospectivement, je suis 

heureux que ça ait eu lieu, dit Simon aujourd’hui, 

parce que, de mon point de vue, il est absurde que 

des partis politiques vous dictent ce qui est moral 

ou pas.” On accuse aussi Simon d’impérialisme 

culturel. Voilà un riche Blanc qui, selon le groupe 

de pression Artists Against Apartheid, profite de 

gens qui ne peuvent pas prendre part à un libre 

échange d’idées, parce qu’ils ne 

sont tout simplement pas libres. 

Le journaliste Jan Fairley avait 

même lancé : “Les gens avec lesquels 

il a travaillé étaient brillants 

et lui n’était qu’un imitateur, prenant 

leur train en marche.” “Je 

n’avais rien, tout a été fait là-bas, 

à l’exception de ‘Gumboots’, qui 

était écrite avant que j’arrive, rappelle 

Simon. S’ils ne comprenaient 

pas ce dont je parlais d’un point de vue conceptuel, 

une fois qu’on l’avait enregistré et qu’ils venaient 

l’écouter en cabine, ils pouvaient voir ce que je 

faisais, ce mélange de sons. Je modifiais la 

musique en partant de ce qu’ils jouaient, j’ajoutais 

des ponts et d’autres choses, pour la rendre 

formellement plus proche de quelque chose avec 

quoi je serai capable de travailler après l’enregistrement 

et qui ressemble à notre musique 

populaire. C’était une autre façon de faire des 

chansons, pas comme m’asseoir dans ma chambre 

avec une guitare et écrire une chanson, méthode 

que je ne voulais plus utiliser. Je voulais faire un 

disque que j’aimerais et ensuite penser aux chansons, 

par opposition à écrire une chanson, aller 

en studio, la montrer aux musiciens et, avec un 

peu de chance, obtenir le disque que je voulais. La 

plupart du temps, le résultat n’était pas satisfaisant.” 

L’Afrique du Sud se dirigeant vers l’état 

d’urgence, Simon se décide à partir, avec cinq 

chansons enregistrées, dont “The Boy in the 

Bubble”, “Graceland” et “I Know What I Know”. 

Trois mois plus tard, il invite Phiri, Khumalo et le 

batteur Isaac Mtshali à New York pour les séances 

qui produiront “You Can Call Me Al” et “Under 

African Skies”. Après ça, les choses se ralentissent. 

Il passe encore du temps en studio, avec l’expatrié 

sud-africain Morris Goldberg au penny 

whistle et au sax, le joueur de pedal steel de 

King Sunny Ade, Demola Adepoju, Don et Phil 

Everly et, ravivant la controverse, Linda 

Ronstadt, vétéran de Sun City – “Simon utilise 

de l’essence pour éteindre des bougies d’anniversaire”, 

soutient le critique Nelson George. Il 

essaye aussi de rendre cette musique familière 

à son public. Presque un an plus tard, après 

avoir correspondu avec le chanteur Joseph 

Shabalala par courrier, Simon rencontre le 

groupe zoulou de chant a cappella Ladysmith 

Black Mambazo à Abbey Road. Il y arrange 

rapidement et enregistre avec eux ce qui est 

sans doute le meilleur argument de vente du LP, 

“Homeless”. L’album étant censé sortir en 

juin 1986, le groupe de Graceland et Ladysmith 

sont programmés dans Saturday Night Live 

en mai, mais Warner repousse la date de sortie 

à l’automne. Ayant du temps à tuer, l’ensemble 

répète une chanson totalement nouvelle, 

“Diamonds on the Soles of Her Shoes”, et la joue 

pour les téléspectateurs. La réaction est telle 

qu’ils retournent illico en studio pour une dernière 

séance. 

“ LORS DE SA SORTIE, 

L’ALBUM SE VENDRA 

À 150 000 EXEMPLAIRES 

EN AFRIQUE DU SUD ” 

Quand le lp sort, il est accueilli 

par une approbation quasi unanime… 

pendant environ un mois. 

Puis les gens commencent à poser 

des questions, pas sur le Graceland chanté par 

Simon, mais sur l’État paria dans lequel il a enregistré. 

Il est traité de profiteur, accusé 

d’impérialisme, de viol d’embargo, de légitimer 

le gouvernement de l’apartheid et de voler la 

musique sud-africaine pour donner un vernis 

d’intérêt à des textes “étriqués, comme d’habitude”. 

Artists Against Apartheid appelle au 

boycott de l’album et les Nations unies menacent 

de le mettre sur liste noire, bien qu’il soutienne 

n’avoir violé aucun embargo, puisqu’il n’a pas joué 

en Afrique du Sud. Cependant, l’avis de Phiri sur 

la question de savoir à qui la musique appartient 

est plus poétique : “Paul Simon a écrit sur les diamants, 

mais il ne possède pas la mine.” 

Puis vient la tournée : la présence de Masekela et 

Makeba, sur les conseils du premier, donne à la 

fois une crédibilité anti-apartheid à Simon et du 

grain à moudre aux critiques. Si la presse demandait 

au trompettiste pourquoi il était là, dit 

Simon, sa réponse était : “Putain, qu’avez-vous 

jamais fait, vous personnellement, pour l’Afrique 

du Sud ?” Mais le plus inquiétant, peut-être, c’est 

que le gouvernement de Pretoria semble adorer 

l’album, l’encensant comme une preuve que l’engagement 

constructif et – bizarrement – que le 

développement séparé fonctionnent. Il se vend 

bientôt à 150 000 exemplaires, ce qui en fait le 

plus grand succès dans le pays depuis Thriller. 

L’affaire, heureusement, se termine 

bien. Graceland se vend à 

14 millions d’exemplaires dans le 

monde ; Ladysmith Black Mambazo 

deviennent des superstars, arrivant en tête des 

charts internationaux des albums avec leur 

best of, The Star and the Wiseman ; Khumalo 

reste l’un des hommes à tout faire de Simon pour 

les enregistrements et les tournées ; et Phiri se 

voit décerner en avril un prix pour l’ensemble de 

son œuvre par l’industrie musicale sud-africaine. 

Plus important, l’apartheid lui-même s’effondre, 

après la libération d’un grand nombre de prisonniers 

politiques en 1990. Tout le monde sort 

gagnant. Avec le temps, il devient acceptable 

pour ceux qui s’étaient regroupés contre l’album, 

comme Fairley, Billy Bragg ou Dali Tambo 

d’Artists Against Apartheid, d’admettre en aimer 

la musique. En 1992, Simon est 

invité par le syndicat des musiciens 

à jouer en Afrique du Sud et, 

après le concert, il rencontre le 

futur président du pays au cours 

d’une réception de l’ANC. Alors 

que dire si Graceland a reçu l’approbation 

de Nelson Mandela… 

“Je dois dire ceci, dit Herman, pour 

beaucoup de ces musiciens, c’est 

l’album le plus africain sur lequel 

ils aient joué. C’est un fait. C’est ironique, mais 

prenez Ray Phiri, vous ne trouverez pas un disque 

auquel il ait participé qui soit plus africain, et 

Paul Simon a tiré le meilleur de ce mec.” 

Vingt ans plus tard, c’est sur la 

scène du Hard Rock Festival de 

Londres que Simon savoure cette 

revanche et célèbre cet album magnifique. 

Visionnaire est un métier difficile : “Cela ne 

me fait pas tout à fait plaisir”, signalait alors le 

chanteur quelques heures avant de monter sur 

scène. “Si quelqu’un m’avait dit, ‘Écoute, on ne 

veut vraiment pas que tu ailles là-bas,’ je ne pense 

pas que j’y serais allé, mais personne ne l’a fait, 

donc je n’étais pas conscient de ce qui se passait. 

Pour ce qui est des regrets, non, je n’en ai pas, parce 

que le dénouement a été heureux.” Le dernier mot, 

cependant, appartient à un Sud-Africain. 

“Graceland, c’était il y a vingt-cinq ans, dit Phiri. 

J’ai la chance de faire partie d’une troupe possédant 

une conscience. Peut-être que des erreurs ont 

été commises, mais qui sommes-nous pour juger 

les autres ? Et je me moque de savoir qui les a 

faites, la vérité c’est que nous avons avancé, en 

tant que peuple et en tant que pays.” 



ALBUMS .........................P. 84 

CINÉMA ..........................P. 90 

LIVRES ............................P. 96 

Point trop n’en faut ! 

Produit par Mark Ronson, le plus accessible 

des albums du groupe californien. 

Queens 

of the 

Stone Age 

Villains 

Matador 

★★★★ 

Autour du leader-auteur-chanteur-guitariste 

Josh Homme : le guitariste Troy Van 

Leeuwen, le bassiste Michael Shuman, le 

claviériste Dean Fertita et le batteur Jon 

Theodore. Ici, pas de copains invités comme Mark 

Lanegan ou Dave Grohl. Et au rendez-vous d’un album 

s’étant fait attendre depuis … Like Clockwork, paru en 

2013. Le terme “villains” ne désigne personne en particulier, 

et Homme insiste là-dessus : on a tous besoin d’un 

adversaire pour se faire les griffes… À nous de décider 

lequel. Or le but de Villains est d’être beau, de redonner 

sa fureur de vivre à un rock’n’roll parfois trop stoner pour 

briller de sa modernité. 

La modernité, c’est la grande obsession de Josh Homme, 

malgré ses allures de crooner des années 1960. Et qui 

d’autre que Mark Ronson pouvait insuffler du groove à 

un sex-appeal déjà prégnant ? Amateur de son tube 

“Uptown Funk”, le premier a demandé au second d’intervenir 

sur ce septième album, de ne pas changer radicalement, 

mais de les aider à se renouveler sans les trahir. 

Ronson est un fan avéré du groupe, sur lequel il 

transfère ici tous ses fantasmes de producteur, convoquant 

les techniques sonores de David Bowie (époque 

Iggy Pop), de Captain Beefheart, des Ramones ou encore 

de Led Zeppelin. Avec l’appui de Mark Rankin (et 

d’Alan Moulder au mixage, plutôt classe), il parvient à 

capter totalement les possibilités pop des QOTSA. 

Ainsi en témoigne l’ouverture “Feet Don’t Fail Me”, à 

l’énergie contagieuse (récupérée des séances d’écriture 

avec Iggy Pop sur Post Pop Depression) où s’immiscent 

des synthétiseurs – vintage, tout de même, on n’est pas 

dans l’âge de pierre par hasard. S’ensuivent “The Way 

You Used To”, qui ne lésine pas sur le catchy rockabilly, 

“ Domesticated Animals”, dont les relents industriels 

évoquant davantage Bristol que la Californie. En revanche, 

Homme sait rappeler ses amours punk sur 

“Head Like a Haunted House”. 

Pour conclure les festivités, s’impose le psyché électrique 

de “Villains of Circumstances”, dont le grain se 

montre aussi palpable que le sable du désert. Fier, 

sensuel, doté de guitares lancinantes, il affirme la nature 

intemporelle de QOTSA avant que Josh Homme 

joue de sa gouaille de crooner sur l’incandescent 

“The Evil Has Landed”. 


Illustration par ALAIN FRÉTET 


GUIDEMUSIC 

Yan Wagner 

This Never Happened 

Her Majesty Ship / Pias 

★★★ 

Confirmation réussie 

pour le crooner électro 

Il nous avait déjà séduits 

avec son premier album 

solo Forty Eight Hours, 

en 2012, produit par 

Arnaud Rebotini, petit 

bijou de pop glaciale 

et sophistiquée sous 

influence new wave. 

Le revoici avec sa manière 

singulière de manipuler 

l’électronique afin 

de raconter “un recueil 

d’histoires qui ne sont 

jamais arrivées. Dix 

pistes comme autant 

de fausses pistes parlant 

d’amours vaines, 

d’équipées nocturnes, 

de la vie et de la vérité 

qui ne tiennent qu’à un fil.” 

En effet, de l’instrumental 

“This Never Happened” 

à la délicatesse ténébreuse 

de “A Place Nearby”, Yan 

Wagner invente un univers 

sombre qui rappelle 

Dave Gahan comme Ian 

Curtis. Point d’orgue ? Le 

dandysme synthétique et 

mélancolique de “No Love”. 

S. R. 

Jake Bugg 

Hearts That Strain 

Mercury/Universal 

★★★½ 

Le “gamin” de 

Nottingham se fait 

stratège de l’utilisation 

de ses dons 

Cinq années ont passé 

depuis la révélation d’un 

premier album ébouriffant. 

Sauf que quand on passe 

de 18 à 23 ans, c’est bien 

plus qu’un quinquennat ! 

Bref, désormais, Jake 

Bugg ne laisse rien 

au hasard. Troubadour 

folk, détrousseur 

d’une rétro-pop qui 

The National 

Sleep Well Beast 

4AD 

★★★★ 

7 est un chiffre porte-bonheur 

S’ouvrant sur la majestueuse ballade “Nobody 

Else Will Be There”, le septième album 

du groupe américain nous séduit d’emblée, 

avec, toujours, le chant merveilleusement traînant 

de Matt Berninger. Les titres suivants viennent 

confirmer le rock à la fois épique, irrémédiablement 

mélancolique et cérébral de The National, dont 

les membres ont pourtant été très occupés ces 

derniers mois. Bryce Dessner avec ses projets 

solos et Planetarium (ambitieux projet mené avec 

Sufjan Stevens), mais aussi le festival Haven, 

au Danemark, créé avec son frère Aaron, tandis 

que Matt collaborait, lui, avec l’association Planned 

Parenthood. Se retrouvant pour de longues sessions 

dans leur studio de l’Hudson, entre eau et verdure, 

ils ont su rassembler leurs (bonnes) idées pour 

l’un de leurs meilleurs disques à ce jour. Lancé par 

la ballade en suspension “Nobody Else Will Be 

There”, l’album se concentre d’emblée sur un rock 

profondément mélancolique, construit en couches 

superposées, avec des titres lancinants comme 

“Day I Die” ou “Walk it Back”. Si on se réjouit 

d’entendre The National en grande forme électrique 

sur “Turtleneck”, on les préfère sur des tonalités 

plus douces comme dans “Born to Beg” ou “Guilty 

Party” : c’est dans l’introspection que le groupe 

américain témoigne de sa force artistique… 

mais sans se départir pour autant de sa tension 

émotionnelle, comme c’est le cas dans “I’ll Still 

Destroy You”. 


dépoussiérerait ses 

oripeaux psychédéliques, 

ou énième bouture de 

la northern soul anglaise, 

rien ne lui semble 

interdit. D’où un début 

d’agacement quand 

il se laisse aller à trop 

de facilité (ce “Waiting” 

sirupeux ou ce “Man on 

Stage” où on jurerait qu’il 

se cherche son “chanteur 

abandonné” à lui). 

Bugg n’est jamais aussi 

convaincant que lorsqu’il 

privilégie la profondeur 

ou le plus abstrait dans 

ses envies poétiques 

(“In the Event of My 

Demise”, “Indigo Blue”). 

Maintenant, si le but 

recherché est d’emballer 

tout ce qui bouge, ça 

devrait continuer à bien 

se passer ! Après tout, c’est 

de son âge… XAVIER BONNET 

Washington 

Dead Cats 

Live Under the Creole 

Moon 

Devil Deluxe Music/PIAS 

★★★★ 

Double Wash', double fun 

Juste trente-trois ans 

à attendre l'album live 

des Wash', il était temps ! 

Du coup, Mat Firehair 

et ses sbires on fait les 

choses en grand : double 

album, carrément. Un 

CD électrique enregistré 

au Nancy Jazz Pulsations 

et un CD acoustique saisi 

au Tiger's Manor pour une 

webTV. Tous les “Pizza 

Attack”, “I'm a Dead Cat” 

et autres “Napalm Surf” 

sont là, l'énergie aussi, la 

connivence avec le public 

fonctionne. Et puis le 

psychobilly est festif et la 

fête, ça les connaît. J'avoue 

avoir un goût particulier 

pour la face acoustique. 

La contrebasse de LouRIP 

n'y est pas pour rien, elle 

danse à tous les étages, 

et les cuivres mettent 

les accents là où il faut. 

On est plus près du rockab' 

que du punkabilly, mais 

ça n'empêche pas la reprise 

de “Too Drunk To Fuck” 

des Dead Kennedys. La fête 

du mois. SILVÈRE VINCENT 

Gregg Allman 

Southern Blood 

Concord/Universal 

★★★½ 

Avant de tirer sa 

révérence, la légende des 

Allman Brothers a laissé 

un superbe témoignage. 

Ça ne devait pas 

forcément être un album 

posthume, même si 

son enregistrement était 

rythmé par un état de 

santé fragilisé. Le sort, 

et surtout un cancer 

du foie contre lequel Gregg 

Allman se battait depuis 

des années, en ont décidé 

autrement en mai dernier. 

Qu’il soit en revanche 

l’ultime effort d’une 

carrière et d’une vie, ça, 

tout le monde s’y était 

préparé. C’est d’ailleurs 

beaucoup cette vie 

qu’Allman passe ici en 

revue, métaphoriquement, 

à travers une majorité de 

reprises. Duane, ce frère 

trop tôt disparu, n’est 

jamais très loin, notamment 

sur ce “My Only True 

Friend” introductif et sur 

le “Song for Adam” de 

Jackson Browne, qui clôt 

l’album. Entre les deux, 

Allman s’immisce dans 

les univers de Tim Buckley, 

Bob Dylan (“Going 

Going Gone”, prenant), 

Grateful Dead ou Lowell 

George. Farewell and alive, 

en quelque sorte. X. B. 

Micah P. Hinson 

Presents the Holy 

Strangers 

Full Time Hobby / PIAS 

★★★ 

Conte folk 

“Un folk opéra moderne” : 

voilà comme Micah 

P. Hinson présente, avec 

un sens de la synthèse, 

son nouveau disque. Et 

c’est plutôt beau. Le temps 

de 14 pistes, il raconte la 

vie, les bonheurs et surtout 

les malheurs d’une famille 

en temps de guerre. 

De la déception au deuil, 

de l’enfantement à la 

disparition, le guitariste 

s’empare du registre 

country pour traduire 

l’exact contraire de 

l’American Dream. 

Plombant ? Non, car les 

mélodies qu’il sait faire 

siennes absorbent 

l’auditeur, autant que 

sa voix rauque. Mentions 

spéciales à la ballade 

des grands espaces 

“The Great Void”, 

l’instrumental cerné de 

violons “The Years Tire On” 

ou à la narration musicale 

de “Micah, Book One”. S. R. 

© GRAHAM MACINDOE. DR. 

84 | Rolling Stone | rollingstone.fr ★★★★★ Classique | ★★★★ Excellent | ★★★ OK ! | ★★ Mouais… | ★ Euh…

Oyster's Reluctance 

Insignificant 

The War on Drugs 

A Deeper Understanding 

Triggerfinger 

Colossus 

Downtown Boys 

Cost of Living 

No Tone 

★★★ 

Sombre et lourde tension 

Deuxième EP du groupe après 

le Sick Sad World de 2013, 

cet In sig n ifi c a nt enfonce le clou 

là où ça fait du bien. Tout en 

approfondissant leur côté face 

metal, le trio ne quitte pas son côté 

pile expérimental. Des titres comme 

“Degraded” ou “Bulging Eyes” 

nous entraînent sur les territoires 

défrichés par Kill the Thrill, voire 

Ministry, et qu'on retrouve, par 

exemple, dans Royal Blood, le 

groupe hype du moment. Oyster's 

Reluctance prend à ces derniers 

la formation minimale – juste une 

basse et une batterie – à laquelle 

ils ont ajouté la voix puissante et 

sombre de TomPao. Eux-mêmes 

définissent leur musique comme 

un “rock anaphylactique”, le 

choc du même nom venant d'un 

mécanisme d'hypersensibilité 

immédiate. C'est dire si on n'est pas 

dans une franche rigolade. Ce qui 

frappe dans la musique de O'sR, 

c'est cette capacité, comme dans 

“Greed”, à passer d'une ambiance 

étriquée maladive à une ampleur 

digne des stades. Reste que 

cinq titres, même longs, c'est trop 

court. Encore ! SILVÈRE VINCENT 

Atlantic/Warner 

★★★★ 

L’Americana plus que jamais 

érigée en mur du son. 

Lost in the Dream, le précédent 

album, en avait singulièrement 

posé les bases, mais c’est 

désormais entériné : il n’est 

plus nécessaire de s’accrocher 

à ce qui peut sortir de la guitare 

d’Adam Granduciel pour se 

laisser embarquer, bringuebaler, 

par le grand chambardement 

musical de The War on Drugs. 

Certes, celle-ci n’a rien perdu 

de ses envolées et déchirements, 

mais c’est davantage les 

cathédrales sonores qu’il bâtit 

avec le groupe sur chacune 

des dix étapes de ce nouveau 

voyage dans une Americana 

dont il explose les bordures 

qui comblent d’aise. L’allant 

de “Holding On”, le lyrisme 

enivrant de “Strangest Thing”, 

les reliefs de “Knocked 

Down”, la pop transcendée de 

“Nothing To Find” et les onze 

minutes du périple à lui seul 

de “Thinking of a Place”, 

contrepoints parfaits de textes 

pouvant virer au lugubre, 

nous tiendront bien au chaud 

cet hiver… 

XAVIER BONNET 

Mascot/Wagram 

★★★ 

Le trio belge s’ouvre à de 

nouveaux horizons sans 

perdre de vue son rock cossu… 

Au risque de ne pas se faire 

des amis auprès du groupe 

– pas taper, Monsieur Paul, pas 

taper ! –, on osera avancer que 

c’est essentiellement sur scène 

que le trio d’Anvers a toujours 

su donner sa pleine mesure, 

ses albums ne parvenant jamais 

tout à fait à en égaler le charme 

et la puissance de feu. Sans 

non plus s’avérer la “virée 

de nuit dans une attraction 

de Disneyland” que nous 

promet l’argument commercial, 

Colossus est l’occasion pour 

Triggerfinger de montrer 

une autre facette de son garage 

rock flamboyant. Via l’ajout 

d’éléments et instruments 

inhabituels pour lui (samples, 

percussions), il parvient 

à se faire tour à tour catchy 

(le single “Flesh Tight”) ou 

plus expérimental (le presque 

iggypopien “Bring Me Back a 

Live Wild One”, un “Steady Me” 

qui part un peu dans tous les 

sens). Bref, plus seulement une 

boîte à riffs et à rythmes… X. B. 

SubPop/PIAS 

★★★½ 

Retour aux sources 

Retour au punk-rock chez 

SubPop avec ce troisième album 

– mais premier sur le label – 

des Downtown Boys. Qui plus 

est, un punk-rock engagé 

à gauche, antisuprématisme 

mâle et blanc. Leur précédent 

album s'appelait Full Communism, 

pour expliquer la chose rare 

aux États-Unis. Dans le même 

esprit, ce Cost of Living est 

produit par Guy Picciotto, juste 

le guitariste des activistes de 

Fugazi. Du coup, musicalement, 

c'est surtout du côté du groupe 

de Washington qu'on trouvera 

les racines de “Lips That Bite”, 

“It Can't Wait” ou “Because 

You”. Et s'il n'y avait des 

interventions rares du saxo 

de Joe DeGeorge, on serait 

dans une filiation pure malgré 

le chant de Victoria Ruiz qui 

rappelle toute cette scène 

post-hardcore américaine. 

Pas vraiment de mélodies, mais 

une colère évidente dans des 

textes comme ceux de “Violent 

Complicity” ou “A Wall”. À voir 

sur scène, sans retenue, comme 

une évidence. S. V. 

JAZZ 

Tony Allen 

The Source 

Blue Note 

Pour son premier album sur Blue Note 

(il était temps : l’animal affiche 76 printemps !), 

Tony Allen a mis les petits plats dans 

les grands, et convoqué – entre autres – 

cinq redoutables souffleurs pour réaliser 

son grand œuvre : un ambitieux voyage musical entre l’Afrique 

des tambours ancestraux et de l’hypnotique afro-beat et l’Amérique 

du jazz de Max Roach ou de Art Blakey (auquel notre homme 

a consacré un LP au début de l’année). Le résultat, aussi surprenant 

que séduisant, nous entraîne dès le premier titre en terres inconnues. 

Avec The Source, l’immense batteur de Fela, toujours sur la brèche 

de nouvelles expérimentations, explore sur des beats vertigineux 

un hallucinant métissage où chacun (y compris Damon Albarn, qui 

vient pianoter 3 minutes) y cherchera les siens. PHILIPPE BLANCHET 

Charnett Moffett 

Music From Our Soul 

Motema/PIAS 

S’il fallait encore aujourd’hui une marque 

supplémentaire de l’incroyable éclectisme 

musical de Charnett Moffett (considéré 

à juste titre comme un des meilleurs bassistes 

de sa génération), cet album contrasté aurait 

des allures de démonstration. En rassemblant sur le même disque des 

titres live gravés à New York (avec son trio habituel, featuring le pianiste 

Cyrus Chestnut et le batteur Victor Lewis) et à Seattle (aux côtés du 

mythique Pharoah Sanders, plus lyrique et déchaîné que jamais derrière 

sa barbiche blanche), avec des enregistrements studio en compagnie 

du grand guitariste Stanley Jordan, Moffet signe un album aux multiples 

facettes (du free à la fusion en passant par des choses beaucoup plus 

classiques, comme une reprise d’Ellington), à l’image de sa carrière. 

Un puzzle éclatant. P. B. 


★★★★★ Classique | ★★★★ Excellent | ★★★ OK ! | ★★ Mouais… | ★ Euh…

GUIDEMUSIC 

Nine Inch Nails 

Add Violence 

Caroline/Universal 

★★★½ 

Un second EP en un an 

pour un Trent Reznor 

plus noir que jamais 

Bien sûr, depuis le 

temps, on devrait y être 

habitué. N’est-ce d’ailleurs 

pas ce que l’on croyait, 

d’évidence naïvement ? 

Habitué et un peu revenu. 

Triturer les angoisses, 

les siennes mais aussi 

celles des autres par 

ricochet, ériger des murs 

musicaux qui sonnent 

comme autant de cellules 

d’internement, Trent 

Reznor persiste et signe. 

Dans les mots et dans 

les sons, chaque instant 

de ces cinq chapitres 

cauchemardesques 

supplémentaires confine 

à la suffocation, quels que 

soient les outils privilégiés, 

électroniques ou non, pour 

cette mise en abîme. Les 

loops de “The Background 

World”, répétées au fur et 

à mesure que la distorsion 

prend le dessus, l’illustrent 

à merveille : pour ce 

qui est de l’aliénation, 

Trent Reznor en a encore 

dans le ventre. On ressort 

de ces 27 minutes rincé, 

chancelant. X. B. 

Mogwai 

Every Country’s Sun 

Rock Action Records / PIAS 

★★★½ 

Glorieux post-rock 

Déjà vingt-deux ans 

de carrière pour l’un 

des groupes écossais 

les plus intègres, pour qui 

le post-rock est un vaste 

terrain de jeux dont il faut 

sans cesse retourner la 

terre. Pour ce neuvième 

album imaginé entre Berlin 

et Glasgow et en grande 

partie enregistré dans 

Steve Earle & The Dukes 

So You Wannabe an Outlaw 

New West ★★★★ 

Hors-la-loi ? Un métier, mon bon monsieur ! 

On visualise parfaitement Steve Earle, 

derrière ses Wayfarer, dire au gosse en face 

de lui “Alors tu veux être un hors-la-loi ? 

Tu n’as qu’à me regarder faire...”, lui qui était le poulain 

du mouvement Outlaw, au début des années 1970, 

quand les jeunes chanteurs de country music ont 

commencé à chanter autre chose que la beauté des 

Rocky Mountains et la tarte aux myrtilles de Tante 

Sally-Rose pour se mettre à parler de la solitude, 

des vies gâchées, du destin, de la mort… Ces gars-là 

s’étaient mis hors-la-loi de l’école country. La tracklist 

de So You Wannabe an Outlaw est un vrai plan 

de route avec une production ouverte, live et rageuse, 

emmenée par ses fidèles Dukes, des folks qui 

strumment et des électriques lancées à bloc qui 

remorquent efficacement pedal-steels et violons 

country jusqu’à un “Fixin’ to Die”, carrément rock 

(tendance légèrement road-house). Entre rythmiques 

inarrêtables et micros crunchy comme il faut 

aux accents parfois seventies, le récit reste toujours 

d’un État du Sud à l’autre. Puis, comme à l’arrivée 

d’un voyage, le disque défait ses bagages et laisse 

admirer la vue et repenser au passé. Steve Earle porte 

la rédemption jusque dans ses austères chemises. 

La deuxième partie de ce 12-steps-program, bien plus 

traditionnelle, classique et posée, est un rappel direct 

à sa maîtrise parfaite du genre et à ses maîtres Townes 

Van Zandt (à qui il avait consacré le sublime Townes, 

album de reprises en 2009) et Guy Clark. Le dernier 

titre, “Goodbye Michelangelo”, est d’ailleurs dédié 

à ce dernier, même si, quatre morceaux avant, “The 

Girl From the Mountain” sonnait déjà terriblement. 

Comme le “L.A. Freeway” de Clark, qui ouvrait en 1975 

le formidable Heartworn Highways… et à la fin duquel 

un Steve de 20 ans entonnait “Silent Night” avec 

son maître et d’autres disciples, au milieu des lampes 

à pétrole et des bouteilles bientôt vides. CHARLES BLOCH 

l’État de New York 

avec leur complice Dave 

Fridmann, Mogwai reste 

à l’affût de son inspiration, 

cherchant toujours à 

envisager notre quotidien 

via d’autres dimensions. 

Mué d’une énergie 

presque rageuse, “Party 

in the Dark” refuse la 

mélancolie de l’obscurité 

tandis qu’au rock épique 

de “Brain Sweeties” 

succède l’expérience 

brumeuse de “1 000 Foot 

Face”. Enfin, “Every 

Country's Sun” impose 

son foisonnement et 

sa catharsis émotionnelle. 

On s’incline. S. R. 

Motörhead 

Under Cöver 

Silver Linings Music/Motörhead Music 

★★★ 

Retour de flamme 

On attendait l'album 

acoustique de Lemmy, nous 

voilà avec une compilation 

de reprises jouées par 

Motörhead. On se retrouve 

partagé entre la joie de 

réentendre le feulement 

de notre “Saigneur” 

et la déception devant 

la tracklist : les titres sont 

tous connus des fans, 

ou presque ! Au hasard : 

“Cat Scratch Fever” de Ted 

Nugent extrait de March 

ör Die (1992), “God Save the 

Queen” des Sex Pistols pris 

dans We Are Motörhead 

(2000), l'énorme “Sympathy 

for the Devil”, dernier titre 

de Bad Magic, ultime album 

studio de 2015, etc. Et pas 

de “It's a Long Way to the 

Top” d’AC/DC, de “Hoochie 

Coochie Man” de Willie 

Dixon, de “Louie Louie” 

de Richard Berry… Pourquoi 

ces “cövers” et pas les 

autres ? On aurait voulu au 

moins un album exhaustif, 

non ? Quel intérêt pour les 

adeptes qui ont déjà tout ? 

Et quel intérêt pour les 

novices ? Bien sûr, il y a 

UN titre jamais entendu : 

la version de “Heroes” 

de David Bowie tirée de la 

dernière séance de studio. 

Très bien mais un peu court, 

non ? Reste toujours la 

version coffret de luxe avec 

CD, vinyle, goodies... S. V. 

Jen Cloher 

Jen Cloher 

Milk Records 

★★★½ 

Rockeuse 

made in Melbourne 

Une guitare malmenée, 

une batterie abrupte, 

un chant-parlé hérité des 

années 1990 américaines : 

Jen Cloher pourrait être 

considérée comme 

la Joan as Police Woman 

australienne, au francparler 

sans vulgarité et à 

l’affirmation de soi presque 

déstabilisante. Pas besoin, 

donc, d’une relation 

amoureuse avec la rockeuse 

la plus en vie du pays. 

Courtney Barnett, pour 

faire parler d’elle – même 

si le couple ne cesse de 

collaborer et de s’échanger 

ses guitares. N’ayant 

d’autres prétentions que de 

livrer un vrai bon album de 

classic rock, avec le moins 

de fioritures possible, Cloher 

réussit son coup avec ces 

onze titres taillés à la serpe 

où elle se raconte, à travers 

son art, son pays, et ses 

rêves pas encore réalisés. 

Passionnant. 

S.R. 

Sugaray Rayford 

The World That We Live 

In 

Blind Faith Records/Differ-ant 

★★★ 

Une soul à la fois vintage et 

moderne et la redécouverte 

d’une voix… 

Le label italien Blind Faith – 

et derrière lui le producteur 

romain Luca Sapio qui signe 

ici tous les textes et toutes 

les musiques – se sentirait-il 

des velléités de devenir 

le Daptone européen ? 

Après avoir relancé la 

carrière de Martha High, 

l’ancienne choriste de 

James Brown, voilà qu’il 

nous (res)sort des fagots 

un géant texan (1,96 m) 

au gosier tonitruant. Et 

dans le monde dans lequel 

nous vivons, mis en exergue 

à travers le titre de l’album, 

la soul incandescente et le 

blues lancinant de Sugaray 

Rayford trouvent autant leur 

voix que leur voie. À l’aube 

de la cinquantaine, Canon 

Nimoy Rayford – son nom 

à l’état civil – décline ses 

tourments et ses réflexions 

sur l’existence et le fait 

plus que bien. Il sera 

toujours temps de rallumer 

son incontournable cigare 

un peu plus tard… X. B. 

© MARK HUMPHREY. DR. 

86 | Rolling Stone | rollingstone.fr ★★★★★ Classique | ★★★★ Excellent | ★★★ OK ! | ★★ Mouais… | ★ Euh…

© DUFFY ARCHIVE. DR. 

David Bowie 

A New Career in a New Town, 1977-1982 

Parlophone 

★★★★★ 

Troisième volume des œuvres complètes de Bowie, ce coffret 

rassemble pépites rares et classiques remasterisés. Indispensable ! 

Le bien nommé coffret A New Career in a New Town, 1977-1982, 

troisième volume des œuvres complètes de David Bowie, 

reflète la phase la plus expérimentale de sa carrière. Celle 

où, après sa période pop-soul américaine, l’ange blond remet les 

compteurs à zéro en s’installant à Berlin, où il bénéficie d’un quasianonymat 

bienvenu. Celle où il se débarrasse également des costumes 

encombrants de ses avatars. Celle, surtout, où accompagné de 

Brian Eno et de Tony Visconti, influencé par le krautrock et le film 

Metropolis de Fritz Lang, il invente la post-new wave avant même 

que la new wave n’ait eu l’idée d’exister. On retrouve évidemment 

la fascinante “trilogie berlinoise”, composée des albums Low, 

Heroes et Lodger – ce dernier bénéficiant d’un nouveau remix inédit 

signé Tony Visconti qui, avec la bénédiction de Bowie juste avant 

sa disparition, est retourné au studio Hansa berlinois afin, dixit 

l’intéressé, “d’apporter plus de nuances aux bandes originales.” 

Le double album Stage, enregistré durant la tournée Isolar II 

en 1978, bénéficie également d’un remastering bienvenu, qui lui 

confère enfin une réelle dimension live que le mixage initial avait 

par trop gommée, au profit de la restitution des effets sonores. 

Outre un sympathique EP “Heroes”, qui célèbre le 40 e anniversaire 

de la chanson et qui réunit pour la première fois les différentes versions 

albums et singles chantées en allemand et en français, le fan dénichera 

le véritable graal dans le CD d’inédits Re:Call 3. Lequel propose 

l’intégralité de l’adaptation musicale de la pièce de Bertolt Brecht, Baal, 

enregistrée par Bowie pour la BBC en septembre 1981. Ce chef-d’œuvre 

méconnu, à écouter au casque pour des frissons garantis, figure parmi 

les meilleures performances vocales de l’artiste. Notamment sur le titre 

“The Drowned Girl”, dédié à la révolutionnaire Rosa Luxemburg, où 

il déploie une technique impressionnante et une sensibilité authentique 

qui le hissent sans conteste au niveau des prouesses de Frank Sinatra 

dans les années 1950. Autre pépite improbable, “Crystal Japan”. Non, 

il ne s’agit pas d’une drogue en provenance de l’Empire du Soleil levant, 

mais bien d’une plage instrumentale spatiale composée par Bowie 

en 1979 pour une publicité – dans laquelle il apparaît – vantant 

les mérites de Crystal Jun Rock, une marque de saké. Uniquement 

publié à l’époque au Japon en format single, ce pur joyau ambient 

fut un temps pressenti pour clore, à la place de “It’s No Game”, l’album 

Scary Monsters (and Super Creeps), dernier volume studio du coffret, 

enregistré à New York et à Londres en 1980. Les deux premiers singles 

extraits, “Ashes to Ashes” où il enterre définitivement le Major Tom 

et “Fashion”, qui préfigure son virage dancefloor, lui permettent de 

renouer avec le succès – les trois albums “berlinois”, malgré un accueil 

critique favorable, n’ayant pas séduit les foules. Trois ans plus tard, 

Let’s Dance grimpera en tête des charts du monde entier… Mais ceci est 

une autre affaire, qui fera l’objet d’un quatrième coffret ! DENIS ROULLEAU 

VINYLES 

Muddy Waters 

The Best of 

Chess records ★★★★★ 

C’est un peu à cause de ce best of que deux jeunes Anglais fans de blues, 

Mick Jagger et Keith Richards, ont renoué connaissance sur le quai de 

la gare de Richmond, au tout début des sixties, peu de temps de rejoindre 

le groupe d’un certain Brian Jones. La bible, en quelque sorte, telle 

qu’écrite par Muddy Waters, alias McKinley Morganfield, né dans le 

Mississippi en 1915, découvert à 28 ans par le musicologue Alan Lomax, 

dans une plantation de coton… Émigrant à Chicago, il métamorphose 

le son profond rural du blues en le rendant urbain, extatique et amplifié… 

Ici, rien que des morceaux qui ont forgé sa légende : “I Just Want To Make 

Love to You”, “Hoochie Coochie Man”, “I’m Ready” – trois monuments 

signés Willie Dixon. Et puis tous les autres, “I Can’t Be Satisfied”, “Louisiana 

Blues”, “Honey Bee” et, bien sûr, “Rollin’ Stone”. Un LP qui a changé 

l’histoire. Et pas seulement à cause des Stones. ALAIN GOUVRION/ GIULIA BLUE 

James Brown 

Live at the Apollo 

Polydor ★★★★★ 

Octobre 1962. James Brown, “the hardest man working in showbusiness”, 

investit la scène de l’Appolo Theater de Harlem, qu’il a loué 

à ses frais. Les Famous Flames sont au taquet et le Maestro déverse 

toute l’émotion de sa sensuelle soul, le temps d’un show qui va rester 

gravé dans l’histoire. “I’ll Go Crazy”, blues cuivré empli de chœurs 

gospel, donne le coup d’envoi. Gorgé de swing, tout comme ce “Think” 

qui emporte tout sur son passage, avant le prodigieux meddley qui 

va suivre (“Please, Please, Please/You’ve Got the Power”, etc.). Sax 

jazzy, rythmiques funky, voix de grand fauve blessé, Mister Dynamite 

s’ouvre un nouveau public au cœur de New York City. Les filles hurlent 

de plaisir… et James Brown écrit sa légende en lettres de néon sur 

le fronton de l’Appolo pour l’éternité. 

THOMAS GRIMAUD 

Little Richard 

The Fabulous Little Richard 

Specialty ★★★ 

DITES 33 

La sélection de la rédaction avec les magasins Cultura… 

À cette époque (1958), Little Richard a déjà enregistré l’essentiel 

de ses classiques (“Tutti Frutti”, “Long Tall Sally”, “Jenny Jenny”, 

“Rip It Up”, “Ready Teddy”, etc.) et décidé d’abandonner le rock’n’roll, 

cette autre musique du diable, pour se consacrer à la religion – six mois 

après la sortie de ce troisième album, il enregistrera d’ailleurs un 

disque de gospel. À la réécoute de The Fabulous Little Richard, cette 

métamorphose n’est pas aussi probante que ça, notre héros lâchant 

une salve de morceaux incandescents à la hauteur de sa sulfureuse 

réputation, au milieu desquels émergent le “Shake a Hand” de 

Joe Morris, “Whole Lotta Shakin’ Goin’ On” de Dave “Curlee” Williams 

déjà repris l’année précédente par Jerry Lee Lewis et le mythique 

“Kansas City” de Leiber-Stoller qu’il avait déjà enregistré en 1956 

et dont les Beatles s’empareront dans Beatles for Sale (1964). 

A-bop-bop-a-loom-op a-lop-bop-boom ! A. G. 

Serge Gainsbourg 

London Paris 1963-1971 

Mercury ★★★★ 

Entre le beau Serge et l’Angleterre, l’histoire d’amour a été au 

beau fixe, notre génial songwriter ayant souvent pris ses quartiers 

au cœur du Swinging London pour graver quelques-unes de ses 

plus belles compositions au tournant des sixties-seventies. 

C’est donc le Gainsbourg pop (et des années B.B.) qu’on retrouve 

au fil de cette récente compilation thématique qui aligne les hits 

inoxydables (“69, année érotique”, “Qui est ‘In’ Qui est ‘Out’”, 

“Docteur Jekyll et Monsieur Hyde”, “L’Anamour” et bien sûr 

“Je t’aime… Moi non plus”)… mais aussi quelques raretés comme 

la musique du film La Horse (1970, avec Jean Gabin) ou un “Vilaine 

Fille Mauvais Garçon” délicieusement yéyé. T. G. 



SUPER TREND 

SON&OBJETS 

Par PIERRE STEMMELIN 

Lacroix x Brian Kenny 

Écusson d'une secte cabalistique ? Emblème d'un 

nouveau groupe de metal gothique ? Non, c'est 

la maison Christian Lacroix qui fête ses 30 ans. 

À cette occasion, son directeur de la création, 

Sacha Walckhoff, s’est associé à l’artiste 

new-yorkais Brian Kenny pour créer une 

collection capsule très arty de sacs, bandanas, 

T-shirts et sweats reprenant les codes tribalobaroques 

de la marque. Prix non communiqué. 

OPEN ROAD 

MICROLINO 

Revival électrique 

La Microlino fleure bon les années 1950 et son 

style fait penser à celui des anciens scooters 

Vespa ou de la Fiat 500 originale. Normal, car 

elle s'inspire directement de l'Isetta de l'Italien 

ISO Rivolta, un des véhicules urbains les plus 

populaires de l'après-guerre, qu'appréciaient 

tant Elvis Presley ou Cary Grant. Cette version 

2017 ne tourne plus à l'essence, mais bien 

à l'électricité. C'est une deux-places. Elle 

conserve son ouverture par l'avant et ajoute 

un toit décapotable. Conçue par une société 

suisse, elle entrera en production en fin 

d'année et il est déjà possible de la réserver. 

Son autonomie sera d'environ 120 km/h 

et sa vitesse de pointe atteindra 90 km/h. 

Parfait pour les déplacements courts en ville, 

à la campagne ou en bord de mer. 12 000 € 

Helly Hansen Icon Jacket 

Avec ce blouson, vous ressemblerez à un 

biker de manga. Helly Hansen, spécialiste 

des équipements de sport et des tenues 

professionnelles, y a mis des technologies 

empruntées au monde du sport automobile. 

Cette veste waterproof, windproof 

et respirante, intègre le nouveau système 

breveté de thermorégulation H2Flow. 800 € 

HI-GADGET 

STIR IT UP / HOUSE OF MARLEY 

Une platine qui envoie du bois 

Dans la famille Marley, le recyclage on connaît. Aussi lorsque Rohan, le fils de Bob, créateur 

de la marque House of Marley, conçoit une platine vinyle, il la baptise d'une des chansons 

emblématiques du king du reggae et la pense écolo. La Stir it Up s'habille donc de chanvre 

et s'équipe d'une base en bambou. Son plateau tourne-disque est en aluminium recyclé 

tandis que le couvre-plateau est en silicone lui aussi recyclé. Cela n'empêche pas cette platine 

d'avoir une approche technique sérieuse et audiophile. Son entraînement se fait par courroie 

et sa cellule est un modèle de bonne facture de chez Audio-Technica. 250 € 

Faguo Lebanon 

Un bon classique pour attaquer l'automne, 

puis passer l'hiver : la bottine en daim. Faguo, 

marque française engagée dans le reboisement, 

qui a déjà fait planter plus de 700 000 arbres 

pour compenser ses émissions en CO 2 

, propose 

des modèles en plusieurs teintes, tout en pensant 

fabrication durable. Environ 120 € 



Baladeurs audiophiles 

Ce n’est pas parce que les smartphones savent tout faire que les baladeurs n’ont 

plus voix au chapitre. Dotés de la Hi-Res, compatibles avec des écouteurs ou un 

casque haut de gamme, ces modèles sont pour la plupart déconnectés. De quoi 

redécouvrir le plaisir d’utiliser un appareil qui fait de la musique et rien d’autre. 

HOT GADGET 

LEICA TL2 

HYBRIDE DE LUXE 

FIIO X3 II 

Design ★★★ 

Fonctions ★★★ 

Prix ★★★★★ 

Une interface digne des années 1990, pas d’écran 

tactile, seulement 8 Go de mémoire interne, mais 

la possibilité de l’étendre de 128 Go avec une carte SD 

et un son qui a une pêche d’enfer. 195 € 

© DR 

SHANLING M2S 

Design ★★★ 

Fonctions ★★★½ 

Prix ★★★★★ 

Affichant une interface simple et originale, 

ce baladeur possède un bel écran de 3 pouces, 

un lecteur de carte SD jusqu’à 256 Go et peut servir 

de convertisseur audiophile pour votre smartphone 

ou votre ordinateur. Ceux qui l’ont utilisé sont 

dithyrambiques sur ses performances audio. 200 € 

COWON PLENUE D 

Design ★★★★½ 

Fonctions ★★★★ 

Prix ★★★★★ 

Un minilecteur de poche, mais qui délivre un gros 

son. Le Cowon Plenue D est totalement tactile, 

équipé d’une mémoire de 32 Go extensible avec 

des cartes SD jusqu’à 128 Go. 300 € 

QUESTYLE QP1R 

Design ★★★★ 


Prix ★★★ 

Totalement ésotérique, totalement 

anachronique, mais d’une finesse à l’écoute 

tellement exquise. La mémoire interne est 

de 32 Go. On peut y ajouter deux cartes SD 

allant jusqu’à 128 Go chacune. 1 000 € 

SONY NW-A35 

Design ★★★★★ 

Fonctions ★★★★★ 

Prix ★★★★ 

Le Walkman n’est pas mort ! Voici le NW-A35, 

l'un de ses représentants modernes. Son petit 

plus est son transmetteur Bluetooth qui permet 

d’envoyer sans fil de l’audio Hi-Res grâce au codec 

LDAC propre aux produits Sony. La mémoire 

interne de 16 Go est extensible avec des micro SD 

allant jusqu’à 192 Go. 210 € 

ASTELL & KERN AK JR 

Design ★★★★★ 


Prix ★★★★ 

Avec le Junior, le plus petit baladeur d’Astell & Kern, 

le spécialiste des modèles ultra-haut de gamme, 

on entre de plain-pied dans le monde du luxe 

audiophile. La mémoire interne est de 64 Go, 

extensible par carte SD. 600 € 

Les modèles de la série TL représentent 

le haut de gamme en matière d’appareils 

photo “mirorless” (sans miroir) chez 

Leica. Ils sont donc plus compacts 

que les appareils reflex et cependant 

dotés d’une monture pour optiques 

interchangeables. Si le modèle 

de première génération n’avait pas 

totalement convaincu, le TL2 s’annonce 

beaucoup plus prometteur. Il reprend 

le superbe boîtier taillé dans un bloc 

d’aluminium et de fabrication allemande, 

mais avec un nouveau capteur de 24 Mpx 

de grand format (ASP-C) beaucoup plus 

performant et un 

processeur hérité 

LE BOÎTIER EST 

ÉQUIPÉ D’UN 

CAPTEUR ASP-C 

DE GRAND FORMAT 

EN 24 MPX. 

DE FABRICATION 

ALLEMANDE, IL EST 

LITTÉRALEMENT 

TAILLÉ DANS 

UN BLOC 

D'ALUMINIUM. 

de la série 

Maestro de 

Leica qui rend 

son autofocus 

beaucoup plus 

rapide et réactif. 

L’interface de 

l’écran tactile 

du TL2 gagne 

également en 

vitesse. L’appareil 

peut désormais 

réaliser des 

vidéos en 

Ultra HD 4K, 

descendre dans les très faibles lumières 

jusqu’à 50 000 ISO et shooter en rafale 

jusqu’à vingt images par seconde. 

En revanche, les objectifs proposés 

en complément n’évoluent pas. Le choix 

en monture L, composé de trois focales 

fixes et de trois zooms, est toujours 

un peu restreint. Mais naturellement, 

ces optiques sont toujours de très haute 

précision – il en va de la réputation 

de Leica… Et heureusement, des bagues 

d’adaptation sont disponibles pour 

utiliser d’autres gammes d’optiques 

plus fantaisistes. 1 950 € (appareil seul) 



CINÉMA 

En plein cœur 

C’est LE film qu’on attendait de voir, traitant cette zone d’ombres et de fantômes, 

les années 1990 en France, vues par les séropositifs. 

120 battements par minute 

Avec Nahuel Pérez Biscayart, 

Arnaud Valois, Adèle Haenel… 

Réalisé par Robin Campillo 

★★★★ 

L 

a 

scène d'ouverture nous percute 

d’emblée. Quand l’équipe d’Act 

Up débarque, sifflets et bras levés, 

pour interrompre les discours ronronnants 

des représentants de laboratoires évoquant 

les traitements pour les séropositifs comme 

s’il ne s’agissait pas de vie ou de mort. C’est 

pourtant le cas : le film se déroule au début 

des années 1990, lorsqu’on peut disparaître, 

en quelques mois et dans une solitude extrême, 

à cause du SIDA. Fondée le 

25 juin 1989, Act Up décide de leur donner la 

parole et surtout, de lutter pour incarner les 

patients atteints du virus, sensibiliser la population, 

booster la prévention. “Nous vivons 

le SIDA comme une guerre, une guerre invisible 

aux yeux des autres”, proclame dans le 

film Thibault, personnage inspiré par le cofondateur 

de l’association Didier Lestrade et 

interprété par Antoine Reinartz. 

À l’aide de “zaps”, ces actions médiatisées très 

fortes, où le faux sang est versé, où les corps 

s’allongent, immobiles, Act Up a changé la 

donne. C’est ce que montre Robin Campillo 

dans ce film choral où l’on vit des scènes de 

réunion passionnantes, des moments intenses 

de clubbing, les inimitiés et les clans qui 

peuvent se former au sein d’un groupe. On suit 

ceux qui meurent, trop jeunes, qui s’aiment, 

souvent très fort. Pas de pathos, mais de l’action, 

de l’émotion, de la sensualité. Les personnalités 

des acteurs sont exacerbées et complémentaires 

: Adèle Haenel, vindicative et 

Terminator 2 : 

Le Jugement dernier 3D 

Avec Arnold Schwarzenegger, 

Linda Hamilton, Edward Furlong, 

Robert Patrick… 

Réalisé par James Cameron 

Mais c’est qu’on l’a échappé belle, dites donc ! 

On attendra donc un peu plus longtemps que 

le 29 août 1997 pour l’apocalypse nucléaire, 

mais restons vigilants tout de même… Après tout, 

des bouboules de feu tombant d’on ne sait où 

avec des robots à l’intérieur sont si vite arrivées. 

Bref, Terminator 2 refait un petit tour en salles 

à partir de la mi-septembre (avant une réédition 

en DVD et Blu-ray quelques semaines plus tard), 

et le plaisir demeure toujours aussi coupable. 

Mieux, T2 s’offre ici une nouvelle mue via un 

traitement 3D on ne peut plus réussi, précisément 

parce que ses instigateurs ont manifestement 

pris soin de ne pas trop en faire. Résultat, 

non seulement cette 3D fait son petit effet 

quand il faut (ah ! les impacts de balles sur 

FOCUS 

consciencieuse, Nahuel Pérez Biscayart, hyperactif 

et sans tabous, Arnaud Valois, introverti 

et concerné, Antoine Reinartz, meneur réfléchi 

et obsessionnel… Tous portent un 120 battements 

par minute inoubliable, d’un engagement 

servi par une rare force émotionnelle. 

Chef-d’œuvre. 


le T-1000 si “succulemment” incarné par Robert 

Patrick !), mais elle ne dénature jamais la couleur 

générale du film, allant jusqu’à en rafraîchir 

les effets spéciaux un brin datés. L’ami Arnold 

peut dès lors nous montrer une énième fois 

combien le modèle 101 de Cyberdyne reste 

sacrément solide (quand bien même on ait 

fait plus perfectionné depuis), Linda Hamilton 

révéler par – brefs – instants des faux airs 

de Françoise Hardy derrière son attirail militaire 

et Guns N’ Roses claquer à nouveau avec 

“You Could Be Mine” sa dernière bonne chanson 

– la dernière vraiment excitante en tout cas. 

Plaisir coupable, disait-on ? XAVIER BONNET 

© CELINE NIESZAWER. DR. 



© PHILIPPE AUBRY/LES COMPAGNONS DU CINÉMA. DR. 

Good Time 

Avec Robert Pattinson, 

Ben Safdie… 

Réalisé par Ben et Joshua Safdie 

★★★★ 

Cela aurait pu être un polar comme 

un autre. Mais non. Ben et Joshua 

Safdie font d'un braquage raté 

le point de départ d'une chasse 

à l'homme inversée, puisqu'il s'agit 

pour Connie (Robert Pattinson) de 

retrouver à tout prix son frère Nick 

(Ben Safdie, excellent), handicapé 

mental, arrêté lors dudit hold-up. 

Bande sonore prenante, tension 

en dents de scie, suspense palpable 

et une émotion qui saisit sans 

crier gare : porté par un Pattinson 

ultraconvaincant, Good Time 

confirme tout le bien que l'on 

pensait des frères Safdie. 

S.R. 

Le Redoutable 

Avec Stacy Martin, 

Louis Garrel, Bérénice Bejo… 

Réalisé par Michel Hazanavicius 

★★★ 

Joli coup que celui d'Hazanivicius, 

attendu au tournant sur l’adaptation 

d'Un an après, d’Anne Wiazemsky, 

récit du déclin de sa passion avec 

Jean-Luc Godard, tandis qu'il 

se lançait à corps perdu dans la 

révolution. Quitte à en être ridicule, 

de mauvaise foi, mais aussi 

doué de punchlines bien senties. 

Tout cela, on le retrouve chez 

un Garrel-JLG plus vrai que nature 

face à l'ingéniosité sensuelle 

de Stacy Martin. Quasi interactif, 

Le Redoutable réussit à éviter 

par des pirouettes (scénaristiques, 

formelles) l'amertume de cette 

autopsie d'un amour défunt. S.R. 

Les Proies 

Avec Nicole Kidman, 

Kirsten Dunst, Colin Farrell, 

Elle Fanning... 

Réalisé par Sofia Coppola 

★★★½ 

Virginie, guerre de Sécession. 

Une demeure coloniale devenue 

pension de jeunes filles où 

Miss Martha Farnsworth (Nicole 

Kidman), gère son petit monde 

à l'aide de l'institutrice Edwina 

(Kirsten Dunst). Lorsque l’une 

de ses protégées revient avec un 

soldat yankee grièvement blessé 

(Colin Farrell), la tension monte 

subitement d'un cran. Comme 

toujours chez Sofia Coppola, 

l'image est superbe, le texte aussi : 

on souligne son adaptation, toute 

en finesse et féminité, du roman 

de Thomas Cullinan, jadis porté 

à l'écran par Don Siegel. Si Colin 

Farrell n'a pas le charisme inquiétant 

de Clint Eastwood, le trio de 

femmes qui s'élève face à lui est 

d'une efficacité redoutable. S.R. 

Patti Cake$ 

Avec Danielle Macdonald, 

Bridget Everett, Siddhart 

Dhanajay… 

Réalisé par Geremy Jasper 

★★★ 

Patricia (Danielle Macdonald) vit 

dans le New Jersey et cumule les 

petits boulots pour subvenir aux 

besoins de sa grand-mère malade 

et de sa mère, chanteuse ratée. 

En secret, elle rêve de gloire et de 

devenir Patti Cake$, une rappeuse 

à la punchline aiguisée et au 

sex-appeal avéré. Ne choisissant 

pas entre film d’auteur et conte 

mainstream, Patti Cake$ est drôle, 

acerbe, pétri de bons sentiments… 

On est conquis ! S. R. 

Brooklyn Yiddish 

Avec Menashe Lustig, 

Ruben Nyborg… 

Réalisé par Joshua Z. Weinstein 

★★★ 

Veuf, Menashe (Menashe Lustig), 

Juif orthodoxe de Brooklyn, 

a perdu la garde de son fils, car 

il ne veut pas se remarier. Et parce 

qu'il ne rentre pas dans le moule… 

Questionnant les notions de 

libre-arbitre, Brooklyn Yiddish 

évoque surtout la complexité des 

liens filiaux, d'autant plus lorsqu'ils 

sont régis par des lois extérieures. 

À noter qu’il s'agit de l'histoire de 

Lustig lui-même. Ce qui explique la 

justesse de son jeu et la crédibilité 

de sa foi, jamais remise en question 

malgré tout. 

S.R. 

Barbara 

Avec Jeanne Balibar, 

Mathieu Amalric… 

Réalisé par Mathieu Amalric 

★★★ 

Avec Tournée, en 2010, Amalric 

démontrait déjà son talent à capter 

la chaleur d’une performance 

et la mélancolie des coulisses. 

Ce qu’on retrouve dans ce Barbara 

qui, évitant soigneusement 

le format biopic classique, raconte 

la chanteuse – chez elle, sur scène, 

en voiture, de jour mais surtout 

de nuit, incarnée par une Jeanne 

Balibar assez exceptionnelle. 

Mimétisme, certes, et pour cause : 

elle est ici une actrice qui doit jouer 

Barbara devant la caméra d’un 

fan éperdu, Yves (Amalric). Mise 

en abyme, quand tu nous tiens. 

En filigrane, sont effleurés les 

1 

2 

3 

1. Avec Good Time, Pattinson joue les bandits de bas étage et montre une 

nouvelle facette de son talent. 2. Portrait inattendu de l’icône de la Nouvelle 

Vague dans Le Redoutable de Michel Hazanavicius, avec un Louis Garrel plus vrai 

que nature. 3. Kristen Dunst et Nicole Kidman, en fortes femmes aux prises avec 

un soldat yankee en pleine guerre de Sécession. Avec ses Proies, la réalisatrice 

Sofia Coppola a raflé le prix de la mise en scène au dernier festival de Cannes. 

fissures de Barbara, tout comme 

son engagement auprès d’Act Up 

à la fin de sa vie. S. R. 

Seven Sisters 

Avec Noomi Rapace, 

Glenn Close, Willem Dafoe… 

Réalisé par Tommy Wirkola 

★★★ 

Dans un futur anxiogène, la politique 

de l’enfant unique a été imposée 

dans l’espoir de sauver la Terre 

du surpeuplement. Pourtant, 

à la mort de sa fille en couches, 

Terrence Settman décide de garder 

ses petites-filles, des septuplées, 

auprès de lui. Parfaitement 

identiques, elles ne sortent que le 

jour de leur prénom. Jusqu’à ce que 

Monday disparaisse… Une tension 

rampante, des scènes d’action 

musclées, une violence rarement 

gratuite et une Noomi Rapace ultra 

efficace : que demander de plus ? S.R. 



SÉRIE TV 

Entre fiel et nerfs… 

En transférant l’essentiel de sa trame en banlieue, la série policière fait mieux que mettre 

ses personnages en danger et y gagne encore en puissance. 

Engrenages, saison 6 

Avec Caroline Proust, Philippe Duclos, 

Fred Bianconi, Thierry Godard, Audrey 

Fleurot, Nicolas Briancon, Valentin 

Merlet… 

Réalisée par Frédéric Martin et Frédéric Mermoud 

Canal+, 12 épisodes 

★★★★ 

L 

’intensité. 

la tension. si cette nouvelle 

saison d’Engrenages devait être résumée 

à un ou deux mots, ils seraient vite 

trouvés. Certes, rien de neuf en soi – c’est pour 

ainsi dire l’ADN de la série – sinon que le curseur 

est encore poussé plus loin ici, à la limite de la 

surenchère. De là à imaginer qu’Anne Landois, 

la showrunneuse, a voulu s’offrir une petite apothéose 

avant de passer la main dans l’écriture – 

après quatre saisons de bons et loyaux services –, 

il n’y a pas loin. 

Cette tension a, d’une certaine manière, trouvé 

sa source, ou tout du moins une teneur supplémentaire, 

dans le timing de la conception du 

scénario, puisqu’entamée au moment de la tuerie 

de Charlie Hebdo et finalisée peu de temps 

après l’attentat de Nice. Et si le terrorisme n’est 

en rien convoqué au parloir de cette sixième 

saison, son spectre est latent. “En fait, 

Engrenages prend tout le temps le pouls de la 

société, explique la showrunneuse. Sans en faire 

en effet une saison sur le terrorisme, je trouvais 

intéressant de traiter en filigrane l’une des raisons 

qui en a fait le lit. Installer l’action de cette 

saison en Seine-Saint-Denis faisait partie de 

cette réflexion. S’il y a bien un lieu en France où 

la société est en fracture, c’est celui-là !” 

Le département, dans lequel Anne 

Landois est née et pour lequel elle 

confesse garder une grande affection, 

fait ici mieux que servir de 

décor aux ramifications entre services 

de police, de justice, élus locaux, 

quartiers et bandes organisées. 

Il va, à son tour, exacerber le 

sentiment suffocant de stress permanent 

auquel ses protagonistes sont confrontés. 

Et c’est peu dire que les personnages récurrents, 

de Laure Berthaud (Caroline Proust) à 

Joséphine Karlsson (Audrey Fleurot) en passant 

par le juge Roban (Philippe Duclos), Tintin 

(Fred Bianconi) ou Gilou (Thierry Godard), ne 

trouveront guère de répit dans leur quotidien 

personnel, parfois touchés jusque dans leur 

chair. “C’est vrai que c’est absolument horrible, 

sourit Landois, espiègle. Pour moi, le dosage 

“ LE DOSAGE 

D'ENGRENAGES, 

C'EST 60 % 

DE PSYCHOLOGIQUE 

ET 40 % D'ACTION.” 

ANNE LANDOIS, 

SHOWRUNNEUSE 

d’Engrenages, c’est 60 % de psychologique et 

40 % d’action. Tout le monde sait ce qu’est un 

polar, nous arrivons en sixième saison, on ne va 

pas en redéfinir les codes. En revanche, la liberté 

de renouvellement est totale en travaillant sur 

les personnages et en essayant d’aller toujours de 

plus en pus loin. Or, quand tu démarres ton 

histoire avec une mutilation (un corps de policier 

retrouvé démembré, ndlr), il 

est intéressant de chercher des correspondances 

avec l’intimité des 

personnages et comment ils vont 

vivre ça jusqu’à l’intérieur de leur 

propre corps.” 

Cette dualité intime-action fait en 

tout cas le bonheur revendiqué des 

acteurs, Caroline Proust en tête : “Le 

plaisir est le même à jouer l’un ou l’autre. Comme 

l’est celui de pouvoir alterner les différentes situations, 

surtout si l’interaction entre elles est palpable.” 

Ne reste plus qu’au capitaine de la DPJ un 

modèle de voitures plus à son goût. “C’est vrai 

que j’ai toujours eu tendance à avoir des veaux”, 

s’amuse-t-elle. Bon, en même temps, si c’est pour 

rester des heures en planque, hein… Un ultime 

détail à régler à l’amorce de la saison 7, qui pourrait 

être la dernière ? 

XAVIER BONNET 

© DR 



DVD 

Sur la plage, 

abandonnés… 

Même quand une guerre se termine, elle 

continue d’affirmer sa cruauté et son absurdité. 

Un film marquant, en terrain miné… 

D 

anemark, mai 1945. fin d’un conflit et de cinq ans d’occupation 

allemande. Dans les yeux et le souffle haletant du sergent 

Carl Rasmussen, qui passe en revue au volant de sa Jeep une 

colonne de soldats de la Wehrmacht déambulant en sens inverse, le ressentiment, 

la haine, sont tangibles. Pourtant, 

cette rage, il va devoir la canaliser 

Les Oubliés 

Réalisé par Martin Zandvliet lorsque lui est confiée la mission d’encadrer 

une douzaine de ces prisonniers alle- 

Avec Roland Moller, 

Joel Basman, Ludwig mands, à peine sortis de l’adolescence, qui 

Haffke, Louis Hoffman vont être chargés de nettoyer une partie 

ESC 

de la côte ouest danoise où ont été enfouies 

au total plus de deux millions de 

★★★★ 

mines. Land of Mine, le titre originel du 

film, prend alors tout son (double) sens : champ de mine, terre que l’on 

veut récupérer et refaire sienne à tout prix. Là, trois mois durant, couchés 

sur le sol, parfois sans manger pendant des jours, ces presque encore gamins 

vont sonder le sol, comme absorbés par ce sable aveuglément clair 

printanier, avant d’entamer le déminage à mains nues de chaque engin 

explosif. Sans l’emphase d’un Dunkerque, mais d’une âpreté non moins 

pesante, Les Oubliés/Land of Mine fait froid dans le dos, symbole exacerbé 

de l’absurdité belliciste dans une Europe ravagée. X. B. 

© 2016 WILD BUNCH. DR 

Le Dîner des vampires 

Réalisé par Jason Flemyng 

Avec Charlie Cox, Tony Curran, 

Mackenzie Crook, Eve Myles 

Marco Polo 

★★★ 

Même chez les vampires, dura lex, sed lex… 

Et gare à celui qui dépassera son quota de, 

hum !, sang frais, surtout s’il se sert parmi 

les enfants ! Ça, dans la confrérie vampire, 

on n’accepte pas ! Elle n’a beau avoir lieu que 

tous les demi-siècles, cette réunion au sommet 

dans une vieille ferme anglaise ne sera donc 

pas de tout repos, en même temps que 

l’occasion de constater que le renouvellement 

des cadres n’est jamais chose simple, a fortiori 

quand des militaires – mandatés par un 

ecclésiastique pas forcément saint (d’) esprit 

– sont bien déterminés à vous faire passer 

le goût de l’éternité. Loufoquerie comme 

les Anglais en ont le secret, des références qui 

tombent à pic (Shining, La Grande Évasion) : 

on se laisse volontiers mordiller par cette 

horror comedy gentiment foutraque ! X. B. 

Soudain l’été dernier 

Réalisé par Joseph L. Mankiewicz 

Avec Elizabeth Taylor, Katharine 

Hepburn, Montgomery Clift 

Carlotta 

★★★★ 

L’argent, le désir, la foi, l’expérimentation 

scientifique et surtout la folie – réelle ou pratique 

paravent pour masquer les non-dits –, le scénario 

de Gore Vidal “développant” une pièce de 

Tennessee Williams et la réalisation haletante 

de Joseph L. Mankiewicz balayent toutes 

les obsessions de la société américaine des 

années 1950. Autant de… traumas sur lesquels 

le noir et blanc, sublimé davantage encore ici 

par une restauration en 4K, vient poser un voile 

troublant sur la réalité crue. Les longs dialogues 

se muent en autant de performances d’acteurs 

saisissantes, Katharine Hepburn et Elizabeth 

Taylor en tête (Montgomery Clift restant 

quelque peu en retrait). Les luttes peuvent 

alors commencer, à deux puis à trois. Intenses. 

Étouffantes. Tennessee Williams détestait cette 

adaptation. On l’aimera doublement. X. B. 

Grave 

Réalisé par Julia Ducournau 

Avec Garance Marillier, Ella Rumpf, 

Rabah Naït Oufella, Laurent Lucas 

Wild Side 

★★★★ 

On savait nos amis végétariens très, disons, 

à cheval sur leur régime alimentaire. Le premier 

film de Julia Ducournau nous en fournit une 

explication à laquelle on n’aurait pas forcément 

pensé, en même temps qu’un éclairage sur 

les conséquences potentiellement fâcheuses 

d’un bizutage ! Ni vraiment film d’épouvante 

ni tout à fait film d’auteur, Grave se plaît 

à… valdinguer entre les univers et les codes 

de l’un et de l’autre, faisant de lui un film de 

genre à part entière. Le cannibalisme, qui en 

devient vite le thème central, s’il sait se montrer 

spectaculaire – et gore quand nécessaire – 

n’est jamais jeté en pâture gratuitement. Grave 

est aussi (surtout ?) l’occasion de découvrir 

une actrice saisissante en Garance Marillier, 

qui tient le film sur des épaules bien moins frêles 

qu’il pourrait y laisser paraître. X. B. 



JEUXVIDÉO 

Le choc des univers ! 

Des lapins pas si crétins ! 

Même si la rumeur hantait le Net depuis quelques mois, le lancement de Mario + Lapins crétins 

Kingdom Battle, annoncé par le patron d’Ubisoft Yves Guillemot et le gourou de Nintendo 

Shigeru Miyamoto, a fait l’effet d’une petite bombe. 

MARIO + LAPINS CRÉTINS 

KINGDOM BATTLE 

Nintendo Switch 

Ubisoft 

★★★★ 

Pour Grant Kirkhope, le compositeur 

de ce titre, la musique de jeu vidéo est 

aujourd’hui beaucoup mieux considérée 

que lorsqu'il a commencé au milieu des 

90’s (il jouait auparavant avec le groupe 

Zoot and The Roots) : “Cette musique 

est tellement populaire aujourd’hui. 

On peut maintenant aller voir des concerts 

de musique de jeux vidéo avec des 

orchestres prestigieux... Cela a permis 

à de nombreuses générations de découvrir 

la musique instrumentale. Mon fils 

de 14 ans n’écoute que de la musique 

de jeux vidéo. Jamais de pop music !” 

C 

’était le 12 juin à l’e3, la grande 

messe annuelle des jeux vidéo qui se 

déroule à Los Angeles. Sur la scène 

mythique de l’Orpheum Theatre, le boss breton 

d’Ubisoft recevait donc sous un tonnerre d’applaudissements 

LA grande star du jeu vidéo 

japonais. Miyamoto San est en effet un de ces 

personnages mythiques qui ont tout changé. Il 

y a un avant et un après Miyamoto. 

Et l’inventeur des légendaires Mario 

ou Zelda a rarement laissé d’autres 

artistes manipuler à ce point ses 

créatures. D’autant plus exceptionnel 

que cette rencontre entre Mario 

et les Lapins crétins est une création 

européenne, développée entre Paris, 

Milan et Montpellier. 

Comme dans la musique, les mélanges 

entre les univers dans le jeu n’ont pas 

toujours laissé des souvenirs impérissables. Et 

pourtant, parfois, ça fonctionne. Côté musique, 

“Under Pressure”, par exemple, cet improbable 

duo entre Bowie et Queen, qui, sur le papier, 

aurait fait trembler de peur n’importe quelle 

nonne fan de pop suédoise, s’est avéré au final 

être une merveille de kitsch et de chantilly. On 

a la même chose dans le domaine du jeu vidéo. 

“LES LAPINS 

CRÉTINS 

APPORTENT 

LEUR CÔTÉ 

LOUFOQUE 

ET PAS MAL 

DE DÉBILITÉ…” 

L’exemple le plus frappant étant Kingdom 

Hearts. Je vous fais l’histoire rapide, car elle 

pourrait remplir les pages de tout ce numéro de 

Rolling Stone. Kingdom Hearts est un crossover 

entre, probablement, les deux univers les plus 

“copyrightés” de la pop culture : Disney et Final 

Fantasy. Disney, maître absolu de l’entertainment, 

chantre ultime de l’expansionnisme 

culturel ricain, et Squaresoft, son 

équivalent nippon, gardien d’une licence 

multimillionnaire (Final 

Fantasy), peut-être plus intello et 

profonde, mais tout aussi protégée 

jusque dans les moindres recoins. 

Incroyable, mais vrai : le jeu 

Kingdom Hearts a réussi à être une 

vraie bonne surprise artistique, dans 

lequel ses créateurs ont mis tout leur 

cœur pour nous faire oublier cette association 

aussi improbable qu’étrange. 

Pour les Lapins crétins et Mario, le mélange est 

peut-être moins détonnant, mais leurs deux 

univers n’ont pas non plus grand-chose en commun. 

Si les titres Nintendo ont toujours une 

grande profondeur et un excellent gameplay, 

l’univers de Mario est toujours resté lisse, hermétique 

au moindre relief et à tout second 

© DR 



Un jeu de pure 

stratégie. Ici, 

positionnez-vous 

pour vous mettre 

à l’abri de votre 

ennemi planqué 

en haut à droite. 

Des boss loufoques, mais 

loin d'être évidents. 

Entre les combats, 

vous pourrez vous 

relaxer avec de courtes 

phases d’exploration. 

degré. Les Lapins crétins n’ont pas beaucoup 

plus de consistance, mais n’hésitent jamais à 

mettre les pattes dans le plat, à cultiver nonsens 

et stupidité et à appuyer bien fort partout 

où ça peut faire mal. Un humour corrosif et loin 

du politiquement correct du plombier moustachu. 

De quoi pouvoir faire peur à Nintendo. La 

firme de Kyoto a pourtant donné son feu vert à 

ce crossover improbable en imposant tout de 

même une condition de base : que Mario et la 

famille Nintendo ne s’affichent que dans un 

style de jeu dans lesquels ils n’étaient jamais 

apparus auparavant. On avait eu Mario en plateforme 

(la base), en foot, en basket, en jeu de 

rôle, en tennis, en flipper, en golf, en kart, en jeu 

de plateau, en runner… Ubisoft a finalement 

proposé de réaliser un titre s’inspirant de 

X-Com, un jeu culte des années 1990. Soit des 

combats ultra-stratégiques, au tour par tour, 

qui propose une utilisation poussée de l’envi- 

ronnement (ne pas rester à découvert, détruire 

les abris derrière lesquels se planquent les ennemis, 

utiliser intelligemment les passages secrets, 

etc.). On y incarne plusieurs personnages 

de l’univers Nintendo ou leurs alliés Lapins, 

chacun ayant des pouvoirs particuliers. Les 

Lapins crétins apportent leur côté loufoque et 

pas mal de débilité, que ce soit dans les petites 

phases de recherche, les séquences animées, ou 

les boss, tout aussi cinglés que dangereux. En 

revanche, côté multijoueur, il ne sera pas possible 

de s’y essayer en réseau, le titre ne proposant 

que la possibilité de jouer en local, et uniquement 

en coopération. Dommage. 

Du côté de l’habillage, ce Kingdom Battle est à 

la hauteur des meilleurs titres Nintendo. Un 

soin tout particulier a été apporté aux textures 

graphiques et à la qualité sonore. La musique a 

d’ailleurs été composée par le Britannique 

Grant Kirkhope, célèbre pour son travail sur 

des succès Nintendo comme GoldenEye ou 

Donkey Kong Country. Son score reste original 

tout en rendant hommage au génie de Koji 

Kondo, le créateur des thèmes éternels de 

Mario ou Zelda. Grant Kirkhope déclarait 

ainsi : “Zelda: A Link to the Past est mon jeu 

vidéo préféré. La musique y est fantastique, ses 

thèmes sont éternels et il est impossible de faire 

mieux ! La musique de Super Mario 64 était 

aussi un grand classique signé Koji Kondo. Je 

me souviens que j’adorais le thème du château, 

mais aussi la façon dont la musique était interactive 

dans le ‘Monde trempé-séché’. Je savais 

que si j’essayais d’imiter Kondo, je me planterais…” 

Kirkhope a donc réussi à garder sa personnalité 

dans ce jeu qui devrait faire patienter 

les possesseurs de la Switch jusqu’à la sortie du 

prochain Mario, prévue pour la fin octobre de 

cette année. 

MATT MURDOCK 

DANS LA CONSOLE 

AGENTS OF MAYHEM 

PS4, Xbox One, PC 

Deep Silver Volition / 

Koch Media 

★★★ 

Les créateurs de Saints 

Row lancent une nouvelle 

licence. On est toujours 

plus ou moins dans la 

démarque de GTA, cette 

fois avec un côté action 

et shoot très prononcé. 

Une sorte de parodie 

trash des cartoons d’action 

américains. Parfait pour 

se défouler et ne pas trop 

réfléchir. 

MIITOPIA 

3DS 

Nintendo 

★★★★ 

Entre le jeu de rôle et 

la simulation de vie, on 

utilise ses Mii, autrement 

dit, les persos que l’on 

a créés. Tout le monde 

n’aimera pas, mais moi, 

je suis à fond. Je fais 

combattre les gens de 

ma famille, mes potes et 

même quelques persos que 

je viens de créer, comme 

Marilyn Manson ou JCVD. 

Du grand n’importe quoi ! 

OVERCOOKED 

Nintendo Switch, 

PS4, Xbox One, PC 

Ghost Town Games 

★★★★ 

Je profite de sa sortie 

récente sur la Switch pour 

vous présenter ce petit jeu 

anglais qui ne paye pas 

de mine, mais qui est une 

vraie bombe en multilocal 

(jusqu’à quatre joueurs). 

On doit faire la cuisine et 

servir en se répartissant les 

tâches. Fous rires garantis ! 

Un vrai jeu familial pour 

dimanches pluvieux. 

DREAM DADDY 

PC 

Game Grumps 

★★★ 

Les visual novels (sortes 

de romans animés et 

interactifs) et les jeux de 

drague sont très populaires 

au Japon. Dream Daddy, 

jeu de drague entre papas 

gays, est l’un des premiers 

à cartonner chez nous. 

Pour l’instant uniquement 

sur PC, il ne devrait pas 

tarder, vu son succès, 

à débarquer sur tablettes 

et autres formats… 

PATAPON 

REMASTERED 

PS4 

Sony Interactive 

Entertainment 

★★★★ 

Certains jeux ont tendance 

à se bonifier avec le temps, 

surtout lorsqu’ils ont un 

fort parti pris artistique. 

Comme celui-ci, sorti 

initialement en 2007 sur 

PSP. Entre le jeu de rythme 

et le combat tactique, 

Patapon fascine grâce à la 

sublime direction artistique 

de l’artiste français Rolito. 

© DR 



LIVRES 

The Wind Cries Mary 

Entre roman noir sudiste et conte crépusculaire aux accents quasi bibliques, 

Ron Rash, grande voix de la littérature américaine contemporaine, nous invite à une réflexion 

sur la culpabilité et la rédemption. Le tout sur fond de rock psychédélique. 

PAR LE VENT PLEURÉ 

RON RASH 

Seuil 

★★★★ 

“ 

À 

san francisco, le summer of 

Love, l’été de l’amour, a eu lieu 

en 1967, mais il a fallu deux ans 

pour qu’il atteigne le petit monde des 

Appalaches. Sur l’autoroute, en février, on a 

aperçu un hippie au volant d’un minibus 

bariolé, un événement dûment signalé dans 

le Sylva Herald. Sinon, la contre-culture 

était quelque chose qu’on ne voyait qu’à la 

télévision, tout aussi exotique qu’un pingouin 

ou qu’un palmier nain.” En 1969, vus 

de Sylva, une petite ville rurale des 

Appalaches, le bourbier du Viêtnam et le 

mouvement pacifiste de Berkeley, les manifestations 

de plus en plus violentes pour les 

droits civiques, ou l’assassinat de Sharon 

Tate par Charles Manson paraissent bien 

lointains. Bill et Eugene vivent une vie 

simple et studieuse, réglée au carré par un 

grand-père tyrannique, ancien combattant 

de la guerre de 1914, médecin du patelin et 

notable de coin. Un dimanche après-midi, 

alors qu’ils pêchent des truites dans le lit 

d’une rivière, les deux frères aperçoivent 

une jeune fille de leur âge en train de se 

baigner nue dans un trou d’eau. Le temps 

d’un été, la troublante Ligeia, qui arrive de 

Floride et qui a passé quelque temps dans 

une communauté hippie, va à jamais bouleverser 

la vie des deux frangins, leur faire 

découvrir le sexe, l’alcool et la drogue, les 

guitares acides de Moby Grape et de Jimi 

Hendrix, les lyrics troublants des Doors et 

de Jefferson Airplaine, avant de disparaître 

comme elle était apparue, à la fin de la saison. 

Quarante-six ans plus tard, beaucoup 

d’eau a coulé dans la rivière à truites, 

lorsque les fortes pluies du printemps 

mettent à jour, sur la berge, des lambeaux 

de bâche bleue et de macabres petits ossements 

blancs. Ligeia est de retour, et Bill, 

devenu un chirurgien renommé, comme 

Eugene, universitaire raté et poivrot, abandonné 

de sa femme et de sa fille, vont devoir 

affronter ce fantôme sorti du passé… 

Comment est morte Ligeia ? Qui l’a tuée ? Par 

le vent pleuré aurait presque des allures de 

whodunit, aux forts accents sudistes. Presque. 

Car avec ce roman d’une rare puissance et 

d’une extrême finesse, l’Américain Ron Rash 

signe une œuvre riche et complexe qui dépasse, 

et de loin, la simple résolution d’un mystère. 

Par le vent pleuré est un livre sur le choc des 

cultures, en cette fin des sixties, entre un pays 

en pleine révolution culturelle, vibrant sur 

“Good Lovin’” des Rascals, et une Amérique 

profonde, provinciale, traditionnelle (la 

Caroline du Sud, chère à l’auteur de Serena), 

bercée par les vieux airs de Merle Haggard. 

C’est aussi un conte crépusculaire convoquant 

les plus grands auteurs (le Steinbeck de À l’est 

d’Eden, le Dostoïevski des Frères Karamazov, 

ou encore l’Edgar Poe de Ligeia) autour de 

vieux mythes et d’histoires éternelles, qui 

donnent aux grands textes leur raison d’être. 

Le tout en tout juste 200 pages, limpides et 

lumineuses. Superbe. 

PHILIPPE BLANCHET 

© MARK HASKETT. DR. 



Fantasia chez les ploucs 

Une jeune prostituée en cavale, des tueurs sadiques, un vieux trafiquant de whiskey et quelques flics 

ripoux : tout le charme de la campagne ! 

Une cambrousse improbable, au 

sud d’Atlanta. Des champs de cacahuètes 

et de millet, des forêts de 

pins où crapahutent des tatous, et des mobile 

homes dézingués, habités par des lascars 

tout aussi improbables. Une très jeune 

prostituée – Maya, la favorite du maire – 

vient d’échapper aux tueurs qui veulent 

l’exécuter. La fille connaît toutes les magouilles 

des dirigeants de la ville, les réseaux 

de trafic de drogue ou de prostitution, 

et la horde sauvage qui la traque a bien 

l’intention de finir le boulot. Au terme 

d’une courte cavale, Maya se réfugie chez 

un vieux trafiquant de gnole solitaire et 

bourru, un brin cinglé, qui vit avec une poupée 

géante, vêtue des robes de sa femme 

disparue. Face aux sociopathes enfouraillés 

qui pistent la belle, nos deux “gueules cassées” 

vont devoir la jouer serré... Dès la 

première page – une malheureuse ligotée 

dans le coffre nauséabond d’une voiture, 

une chaussette dans la bouche – Peter 

Farris donne le ton à un lancinant polar, 

taraudé par une aveuglante violence et 

émaillé d’hallucinantes visions, pour pousser 

Jim Thompson, Larry Brown et les 

autres dans le brasier d’un “Southern noir” 

radical, réglé sur un infernal tempo. Du 

Hank Williams Jr., version hardcore. P. B. 

LE DIABLE 

EN PERSONNE 

PETER FARRIS 

Gallmeister 

★★★½ 

© DR 

LE LIVRE QUE JE NE VOULAIS PAS ÉCRIRE 

ERWAN LARHER 

Quidam 

★★★★ 

“Tu pénètres dans la salle. Sensations familières, plénitude 

immédiate : un concert de rock. Tu ne les comptes plus, 

mais à chaque fois le même enchantement, la même 

excitation, allez, vas-y, tu peux bien l’avouer maintenant 

que si tu devais avoir un regret, ce serait de ne pas être 

devenu une rock star.” Erwan Larher est romancier. Et fan 

de rock. Le 13 novembre 2015, vers 20 h 30, Erwan Larher 

entre dans le hall du Bataclan. Et son histoire personnelle 

bascule dans un cauchemar collectif. Touché d’une balle 

de kalachnikov dans la fesse (ironie de l’histoire, à cette 

époque, il est en train d’écrire un roman qui s’intitule 

Marguerite n’aime pas ses fesses !), Erwan Larher baigne 

dans son sang, au milieu des blessés et des cadavres. 

C’est cette histoire, c’est ce cauchemar que raconte 

ce livre. Les coups de feu. Les hurlements. La mort. 

Puis la délivrance. La souffrance. L’hospitalisation. Mais 

pas seulement : plutôt que livrer un simple témoignage 

et de tomber dans le pathos, Erwan Larher choisit 

d’élargir l’angle, de ponctuer son récit des témoignages 

de proches, vivant l’événement de l’extérieur, et réussit 

avec ce livre totalement bouleversant à faire de ce drame, 

notre drame. Définitivement. P. B. 

LES BUVEURS DE LUMIÈRE 

JENNI FAGAN 

Métailié 

★★★½ 

En 2020, dans le nord de l’Écosse. 

Les dérèglements climatiques 

provoquent le début d’une 

nouvelle ère glaciaire. Partout 

sur la planète, les températures 

chutent sévèrement, alors 

que l’hiver n’a pas encore 

commencé. Dans un parc de 

caravanes, une mère vaguement 

hippie (elle lit Cookie Mueller 

en écoutant Harvest Moon) 

et son ado transsexuel, qui 

se prénomme désormais Sarah, 

croisent la route d’un géant 

tatoué et cinéphile, pataugeant 

dans la neige en Chelsea boots. 

Ensemble, ces trois magnifiques 

marginaux, “pas nés dans le 

bon corps” au moins pour deux 

d’entre eux, vont résister au froid 

mortel du monde… Avec ce livre 

étrange et follement lyrique, 

balayé par des bourrasques 

de grésil, opposant des êtres 

lumineux à un monde de 

ténèbres, l’Écossaise Jenni 

Fagan signe un bouleversant 

roman apocalyptique, et l’un des 

plus beaux textes de la rentrée. 

P. B. 

DARK NET 

BENJAMIN PERCY 

Éditions Super 8 

★★★ 

Il existe aujourd’hui un Internet parallèle, sans aucune 

limite, permettant de naviguer en toute impunité au gré 

d’une infinité de sites cryptés. Une immense poubelle du 

Web, où se croisent pédophiles, terroristes et salauds de 

tous poils. Le Dark Net. Jusque-là, tout est vrai. Imaginez 

maintenant que des forces obscures grenouillant dans 

ce marigot tentent de soumettre le monde en hackant les 

esprits des internautes pour les transformer en tueurs… 

C’est le sujet de ce techno-thriller baroque et affolant, 

petit bijou pulp et cyberpunk faisant un écho lointain aux 

manipulations et autres fake news qui menacent 

aujourd’hui insidieusement le monde. P. B. 

HILLBILLY ÉLÉGIE 

J.D. VANCE 

Globe 

★★★ 

J.D. Vance, la trentaine, vient d’une petite ville industrielle 

complètement sinistrée de l’Ohio, et a aussi vécu dans 

le Kentucky, élevé par ses grands-parents au sein d’une 

famille pauvre et passablement dysfonctionnelle. Ce livre 

est le récit de son enfance et de son adolescence. C’est 

surtout celui des white trash et autres hillbillies (chantés 

par Dwight Yoakam) du Midwest industriel, pour la plupart 

d’origine irlando-écossaise, dont la forte culture ouvrière 

s’est progressivement diluée dans la crise et la misère, 

pour devenir un vivier plein d’amertume et de xénophobie 

pour les Républicains les plus durs. Un passionnant portrait 

de l’Amérique de Trump. P. B. 



RADIOCLASSIQUE 

“Days of Pearly Spencer” 

David McWilliams 

Une radio pirate, un animateur français, des violonnades et un clochard céleste. Il n’en faudra pas plus pour 

faire de cette sublime chanson un tube planétaire. Exploit que son auteur ne réussira pas à renouveler… 

Par Philippe Barbot 

Un matin d’octobre 1967, un animateur 

d’une radio française retourne 

le 45-tours qu’il vient de recevoir. La 

chanson qu’il entend alors, nichée 

en face B, le sidère. Il décide aussitôt de la passer 

en boucle sur son antenne. Quelques 

semaines plus tard, le morceau trône dans les 

premières places du hit-parade national. L’animateur 

avisé, c’est Gérard Klein, le futur 

“Instit” de la télé, qui officiait alors sur France 

Inter. La chanson s’intitule “Days of Pearly 

Spencer” et est interprétée par un inconnu 

nommé David McWilliams. 

En anglais, on appelle ça un “one hit wonder”, 

un tube sans lendemain. Le 

McWilliams en question a enregistré 

plus d’une dizaine d’albums, 

mais son nom restera à jamais 

accolé à une chanson, une seule. Et 

quelle chanson ! Une sorte d’ovni 

sonore, mélange de folk symphonique 

et de pop psychédélique, aux 

arrangements dignes des meilleurs 

moments des Beatles. On comprendra 

plus loin pourquoi. 

Irlandais bon teint, David 

McWilliams est né en 1945 aux 

environs de Belfast. S’il grattouille 

la guitare dans un groupe de bal, il 

se distingue surtout dans l’équipe 

de foot locale, le Linfield FC, pour 

laquelle il officie comme gardien de 

but. Une blessure à la cheville mettra 

fin à sa carrière sportive et l’obligera 

à trouver un boulot. Sur les 

traces de son père, le voilà devenu 

apprenti dans une usine d’armement 

qui fabrique… des torpilles. Mais, 

plus que les sous-marins, c’est la 

musique qui le passionne. Même que, fan de 

Buddy Holly, il écrit des chansons, plutôt de 

jolies chansons, dans un registre folk. En 1966, 

il réussit même à signer chez CBS pour un premier 

single intitulé “God and My Country” qui 

fait un flop. Pourtant, ses maquettes intéressent 

un producteur, Phil Solomon, qui n’est autre que 

le manager de groupes comme les Them ou les 

Dubliners. On reste entre Irlandais… Sauf que 

ledit Solomon a non seulement créé un label de 

disques, Major Minor Records, mais est aussi 

codirecteur de la station pirate Radio Caroline, 

qui émet illégalement mais avec succès dans les 

eaux internationales de la mer du Nord, au large 

du Royaume-Uni. Une aubaine pour le jeune 

chanteur mais, on le verra plus tard, un sacré 

handicap aussi. 

Grâce à son nouveau mentor, David McWilliams 

enregistre deux albums, sous la houlette d’un 

réalisateur déjà célèbre pour ses collaborations 

avec la crème des artistes british : Mike 

Leander, c’est son nom, a produit récemment le 

“As Tears Go By” de Marianne Faithfull et, surtout, 

a signé les arrangements du “She’s Leaving 

Home” des Beatles, à la faveur d’une défection 

momentanée de George Martin. 

C’est en si bon équipage que le jeune David enregistre 

la chanson “Days of Pearly Spencer”, qui 

doit figurer sur son deuxième album éponyme. 

Une chanson comme une autre, croit-on, 

puisqu’elle est destinée à n’être que la face B de 

“Harlem Lady”, un titre auquel le label croit 

davantage. Mais qui est donc Pearly Spencer ? 

“ DES ENVOLÉES DE CORDES 

ET UN RIFF UNIQUE” 

Une gente damoiselle croisée dans les brumes 

irlandaises ? Pas du tout. L’auteur avouera plus 

tard qu’il s’agit d’un clochard qu’il a connu autrefois 

dans les rues de Ballymena, la ville d’Irlande 

du Nord où il a grandi. 

Si le titre peut prêter à confusion, le texte, lui, 

est éloquent. Écrit à la façon d’un reportage, il 

décrit dès la première strophe les quartiers déshérités 

de la cité, en ces termes : “Un immeuble, 

une rue sale/ Foulée et usée par des pieds nus/ 

Se déroule à l’infini/ Sous un soleil frissonnant…” 

Pas vraiment une bluette. D’autant que 

le principal protagoniste de la chanson est 

dépeint le teint rougeaud, affublé d’une mauvaise 

barbe arrosée au tord-boyaux (sic), et que 

le refrain renchérit : “La fin du parcours est 

proche…” Le refrain, justement. Tout vient de 

là. Outre la voix du chanteur qu’on croirait soudain 

passée à travers un mégaphone (en fait, 

enregistrée via une cabine téléphonique située 

à côté du studio) et son désormais fameux “hin 

hin hin”, ce sont les envolées de cordes qui 

séduisent immédiatement, un riff unique et 

immédiatement mémorisable. La recette d’un 

tube, n’est-ce pas ? 

Notre Phil Solomon, en businessman avisé (plus 

tard, il produira le “Mony Mony” de Tommy 

James and the Shondells et achètera les droits 

pour le Royaume-Uni du “Je t’aime… Moi non 

plus” de Gainsbourg-Birkin) y croit tellement 

qu’il décide de sortir le grand jeu : le voilà qui 

achète des pages entières de pub dans les 

journaux musicaux (avec des slogans du 

genre “Le single qui va vous exploser 

la tête” ou “L’album qui bouleversera 

le cours de la musique”) et décore 

les flancs de bus à l’effigie de son 

poulain. Lequel arbore de 

sémillantes rouflaquettes qui 

lui mangent le visage et se 

balade dans Londres avec en 

poche même pas de quoi 

s’acheter un ticket pour ces 

damnés bus. 

Oui, mais voilà. Si la chanson 

est matraquée sur les ondes de 

Radio Caroline, la prude et perfide 

BBC refuse obstinément de la 

diffuser, considérant qu’elle n’a pas 

à faire la promotion d’un artiste acoquiné 

avec une station concurrente, de 

surcroît pirate. Shocking. Il faudra que les 

voisins européens, France, Belgique, Pays- 

Bas ou Finlande, y mettent du leur pour que 

le titre devienne le tube qu’on connaît. 

Depuis, les reprises ont évidemment fleuri. Si 

la plus célèbre reste celle de Marc Almond 

en 1992, elle a également fait les beaux soirs du 

easy listening (de Caravelli à Franck Pourcel, 

en passant par Raymond Lefevre) et de multiples 

adaptations dans toutes les langues, dont 

la plus kitsch est sans doute celle de Frank 

Alamo, sous le titre “Je connais une chanson”. 

Plus récemment, Rodolphe Burger en a offert 

une version étonnante, bien dans son style. 

David McWilliams est mort d’une crise cardiaque 

en janvier 2002, à l’âge de 56 ans. Malgré 

ses 150 chansons (qui méritent d’être 

redécouvertes, quelque part entre Donovan 

et Al Stewart), il n’a jamais retrouvé le chemin 

du succès. Quant aux clochards de Ballymena, 

Irlande du Nord, ils continuent de marcher 

pieds nus. 

© DR 



Actuellement en kiosques 

.

Rolling Stone 09/2017

Transform your PDFs into Flipbooks and boost your revenue!

Delete template?

Save as template ?