Rolling Stone 09/2017

ÉDITO
Par Belkacem Bahlouli
Piège à sons !
On en a peu parlé au cœur de cet été, étouffés par la
chaleur ou la pluie, les bouchons des samedis noirs
sur l’autoroute et surtout, la java des bombes atomiques
si chère à Boris Vian, dansée par deux chefs
d’État, le caricatural Nord-Coréen Kim Jong-un et
l’ineffable Américain Donald J. Trump. Alors, avant cette dernière
valse pré-cataclysme nucléaire, cette nouvelle a fait polémique sur
les réseaux sociaux dans les milieux rock. En cause ? Un article du
New York Times, prônant tout simplement la mort du rock’n’roll via
la fin du règne des guitares électriques. Exit
l’engin à faire du rock’n’roll par excellence,
les ventes sont en chute libre, plus personne
ne veut apprendre à jouer “Stairway to
Heaven” ou “Hey Joe”, bref, on n’en pince
plus pour cet instrument à cordes pincées.
Et pourtant, une simple descente à Pigalle,
le quartier parisien des magasins de sixcordes,
prouve le contraire. Le célèbre
quotidien new-yorkais a-t-il voulu faire le
malin avec une fake news, pour reprendre
le vocabulaire en vogue ? C’est plus complexe
que cela. Donc non, “rock’n’roll can
never die” chantait Neil Young, et à juste
titre. Car si l’article estimait que l’instrument
roi des musiques actuelles est en
sursis et disparaîtrait, telle une espèce
menacée d’extinction, à l’aube des années
2050, la musique qu’il servait, elle,
n’est pas près d’être vouée aux gémonies. On
disait le rock mort quelques jours après sa
naissance… il y a plus de soixante ans. Il
n’en fut rien. Et n’en est toujours rien. À preuve, les patrons de
festivals, cet été, ont affiché un sourire qu’on n’avait pas vu depuis
des années – avec, pour certains, 100 % de tickets vendus ! Et
surtout, c’est oublier un peu vite que, chaque année, quelque trois
mille albums dans les seules catégories “pop-rock” sont publiés par
le biais d’un label – rien qu’en France ! – et cela, sans compter les
innombrables autoproductions ! Et pour créer tout cela, il en faut
des guitares. Bref, ce que précisait le NYT était que la production
américaine n’arrivait que très difficilement à contrer l’offensive des
instruments venus d’Asie du Sud-Est. Alors, exit Fender, Gibson
ou Gretsch ? Loin de là, il s’agit davantage d’une guerre marketing.
Certes, les musiciens recherchent – effet de mode ou de statut, allez
savoir ! – des instruments vintage, usés par des années d’usage
intensif ; mais si on dépasse le stade “du look plus que du son”, le
marché ne se porte pas si mal et les guitares asiatiques ont aussi
leurs inconditionnels.
Et tout cela va en parallèle avec la “nouvelle vogue” des 33-tours.
Le retour en force, ces dernières années, du microsillon est un fait
(pas si notoire que ça : à peine plus d’un
million de copies, tous catalogues confondus
en 2016 en France, soit une goutte d’eau dans
les océans d’iTunes et de Spotify qui, eux, ont
vendu plus d’un milliard de titres à la découpe),
mais pas une réelle tendance lourde.
D’ailleurs, certains commencent à déchanter
: une enquête dans la presse hi-fi britannique,
où l’on ne plaisante pas avec le son, a
découvert certaines supercheries destinées
à écouler du vinyle pour pas cher : soit des
contrefaçons, purement et simplement, de
vinyles disparus depuis des décennies, soit
du travail de sagouin où le transfert analogique
se base sur le son d’un CD avant d’être
transféré sur un microsillon. Alors qu’une
belle réédition ou nouvelle publication passe
nécessairement par un mastering fait à partir
des… masters, afin de présenter un son en
accord avec son support (un son de CD n’a
rien à voir avec un son de 33-tours). Bref, une
arnaque. Alors est venue l’idée que, d’ici peu,
une sorte de “label rouge” soit apposé sur la pochette des précieuses
galettes noires, “Masterisé à partir des bandes d’origine”, comme il
se doit. L’amateur de rock sera aux anges, car de plus, une flopée de
sorties – et de rééditions – de tout premier ordre est annoncée pour
cette fin d’année 2017, de Liam Gallagher à QOTSA en passant par
Bowie, The Cars, The Doors ou The Beatles –si, si – et nombre de
trésors enterrés depuis des décennies qui n’attendent que d’être mis
au jour. Pour le grand bonheur des fans de ce rock qui ne mourra
pas. Bonne rentrée, donc.
© LORAINE ADAM
Septembre 2017 rollingstone.fr | Rolling Stone | 3

Some Kind

of Master
À l’aube d’une tournée européenne qui ne manquera pas
de conforter Metallica dans son statut d’inamovible fer de
lance du metal, son batteur Lars Ulrich se confie sur l’état
d’esprit du groupe, ses ambitions et… le temps qui passe.
Par XAVIER BONNET
Photographie ROSS ALFIN
Metallica aura passé une
bonne partie du printemps et du début de
l’été à parcourir les États-Unis pour une
tournée des stades, ce qui ne lui était pas
arrivé depuis presque quinze ans – aussi
étonnant que cela puisse paraître. Une petite
trentaine de stades en tout, sur le fronton
desquels le groupe aura réussi à afficher le
mot “complet” sans grand effort, malgré des
capacités qui en auraient intimidé plus d’un :
71 000 places à Baltimore, 69 000 à
Philadelphie, 82 500 à East Rutherford dans
le New Jersey et ainsi de suite. Remplir des
stades, Metallica y est habitué. Devrait l’être,
en tout cas. Pourtant, Lars Ulrich, batteur et
cofondateur du groupe avec James Hetfield,
son gosier et sa guitare rythmique, semblait
le premier surpris dans la presse américaine
– et notamment à Rolling Stone – que ce soit
encore possible après trente-cinq ans de carrière
et précisément parce qu’il ne s’y était
plus essayé outre-Atlantique depuis si longtemps.
Certes, l’homme est coutumier des
effets de manche – certaines mauvaises langues
diront que c’est aussi le cas quand il
s’assoit derrière une batterie – mais sa surprise
avait quand même de quoi, hum !, surprendre.
Suffisamment pour que l’on remette
la question sur le tapis au moment d’entamer
la conversation, tandis que la troupe s’autorisait
un jour off la veille de l’étape de ce
WorldWired Tour à Phoenix, en Arizona. “En
vieillissant, tu ne considères plus tout ça
pour acquis, explique Ulrich, très solennel.
À 30 ans, tu es plein de certitudes, tu as
tellement confiance en toi que ça te paraît
presque normal. Quand tu vieillis, ta mentalité
change, tu es un peu plus déconnecté de
la scène musicale parce que tu as une famille
à gérer ou d’autres centres d’intérêt. D’une
certaine manière, aujourd’hui, j’ai plutôt
tendance à sous-estimer Metallica qu’à le
surestimer ! (Rire.) Au-delà de ça, beaucoup
de choses ont changé depuis notre dernière
tournée des stades ici, il y a quatorze ans.
Tout est beaucoup plus imprévisible. C’est
devenu – ou redevenu – le Far West !”
En un mot comme en cent, c’est une bonne
période pour Metallica. “Un bon moment
pour être dans Metallica”, comme aime à le
formuler le batteur. Aux États-Unis comme
en Europe, où le volet de la tournée démarrera
le 2 septembre à Copenhague, dans son Danemark
natal. Pourquoi ? Comment ? Pourquoi
le nom du groupe semble-t-il avoir plus de
résonance qu’il y a dix ou vingt ans ? Comment
se fait-il que le renouvellement des générations
ait profité à Metallica, [Suite p. 6]
5
Rolling Stone

[Suite de la p. 5] avec un public jeune s’éclatant
aux concerts au moins autant que les
anciens ? Pourquoi les articles relatant cette
tournée américaine sont parmi les plus dithyrambiques
dont le groupe ait pu bénéficier ?
Une fois n’est pas coutume, Lars Ulrich n’a pas
de réponse et se fait philosophe, à sa façon,
sinon fataliste. “J’ai 53 ans et, à mon âge,
chaque jour qui passe est une bonne journée.
Arrive un moment de ton existence où tu te
dis : ‘Attends une seconde, il y a de fortes
chances que tu aies vécu plus qu’il ne te reste
à vivre.’ Donc oui, tu relativises et tu ne
cherches pas forcément des explications à tout
et partout… Aujourd’hui, quand tu enchaînes
une trentaine de concerts comme on est en
train de le faire, chaque concert que tu finis
sans avoir l’épaule en miettes est un bon
concert ! Tu ne penses pas à ce genre de trucs
à 25 ans… Le fait que tout ça puisse continuer
encore et encore est plus dingue et incroyable
chaque jour. Personne n’aurait imaginé,
quand nous avons commencé, que nous
serions encore sur la brèche trente-cinq ans
plus tard… Je ne sais pas combien de temps
cela pourra durer. On parle sans arrêt de ces
sportifs qui arrêtent leur carrière à 35 ans. Or,
ce que nous faisons est si exigeant, tant physiquement
que mentalement, qu’il est difficile
de prédire si ça va encore durer longtemps.”
Scoop : Metallica se fait vieux ! Se sent
vieux. Car le batteur n’est pas le seul à faire
des allusions à son âge en interview. Ainsi
James Hetfield lâchait-il il y a peu avec
espièglerie – mais il n’était guère difficile
d’en déceler le sous-texte – que tous dans le
groupe “avaient mérité d’avoir des cheveux
blancs”. Jamais, jusqu’alors, les deux têtes
pensantes de la formation n’avaient autant
insisté sur ces questions d’âge, qui apparaissent
comme une vraie préoccupation.
Ulrich ne s’en cache pas, l’énergie et les ressources
nécessaires à un bon fonctionnement
leur prennent plus de temps que par
le passé, à commencer par la gestion d’un
calendrier – combien de days off entre deux
séries de concerts, le calcul des distances –
et tout est fait pour optimiser une fraîcheur
physique et mentale des différents protagonistes.
“Maintenant, si Rolling Stone
France fait sa couverture en titrant ‘Exclusif
: Lars Ulrich, ses problèmes d’âge’, ce
serait un peu schématique et manichéen,
sourit-il. Mais oui, la plupart de nos choix
aujourd’hui se font dans l’idée de ne pas
dépasser la limite, de ne pas nous
cramer…”
De là à vouloir faire insidieusement passer
le message que l’histoire ne durerait pas forcément
mille ans et que l’on serait bien inspiré,
fans et spectateurs, de chercher à en
profiter sans tarder, il y a un pas que l’on se
refusera de franchir, même si l’on n’en pense
pas moins… Après tout, c’est une stratégie
commerciale qui a fait ses preuves et
Metallica ne serait pas le premier – ni le dernier
(Aerosmith, si tu nous entends…) – à
tirer sur cette corde… sensible !
Ceci étant, on vous doit un aveu. On le
devait surtout à Ulrich. En découvrant
il y a maintenant dix mois
Hardwired… To Self-Destruct, le dernier
effort en date du groupe, et son
roulé-boulé de puissance et de violence
sur à peu près chacun des douze titres
et des 79 minutes que compte le double
album, la question nous avait traversé l’esprit
illico : comment allait-il faire pour
reproduire tout ça en concert chaque soir,
précisément sans se déboîter une épaule ?
“Merci de ta sollicitude, s’amuse l’intéressé.
”
Si Rolling Stone
France fait sa
couverture en
titrant ’Exclusif :
Lars Ulrich,
ses problèmes
d’âge‘, ce
serait un peu
schématique et
manichéen.
“
Disons que je ne m’en sors pas trop mal
jusqu’à présent. Ce n’est un secret pour personne,
on démarre chaque soir avec
‘ Hardwired’. Tu m’aurais dit ça il y a un an,
je n’en aurais pas mené large. Mais ces chansons
ont trouvé leur public. (“En trente-cinq
ans, je n’avais jamais entendu la phrase
‘Pourquoi ne jouez-vous pas davantage de
nouvelles chansons jusqu’à cette tournée”,
confiait-il à Rolling Stone USA en juin dernier,
ndlr). Elles sont fun à jouer sur scène,
je suis en bonne forme, je travaille pour ça.
So far, so good. Pour l’instant, tout va bien !”
Ce ne sont pas moins de sept chansons de ce
dernier album que Metallica a inclus au programme
de ce volet américain : “Hardwired”,
“Atlas, Rise!”, “Now That We’re Dead”, “Moth
Into Flame”, “Halo on Fire” et “Dream No
More”. Même si, concernant cette dernière,
ce ne fut qu’en une seule occasion, à Mexico
City, en mars dernier. Opération peu satisfaisante,
mais qui demande à être renouvelée,
dixit Ulrich, qui confesse sans détours
qu’elle est pour lui la plus difficile à appréhender
des sept à cause d’un tempo… très
lent. D’autres chansons ont été répétées –
“ManUNkind”, “Spit Out the Bone” – et ont
de fortes chances d’apparaître de temps à
autre sur les setlists des dates européennes.
Quant à ceux qui s’inquiéteraient de la présence
des hymnes d’hier et d’avant-hier, qu’ils
soient rassurés : ils sont et seront tous de
sortie, de “For Whom the Bell Tolls” à
“ Battery”, en passant par “Master of
Puppets”, “Seek and Destroy” ou les deux
figures imposées que sont “Nothing Else
Matters” et “Enter Sandman”.
Que l’on ne compte pas en revanche sur
Ulrich pour porter un retard critique sur
Hardwired… Pas d’actualité, trop tôt. “Je suis
toujours en période de lune de miel avec cet
album, énonce-t-il. Je n’y vois rien à redire.
Pour l’instant. D’ailleurs, j’avoue ne pas
m’être posé pour le décortiquer. Mais ça viendra,
je le sais. Un jour, je trouverai que ceci
ou cela sonne de manière un peu étrange et
ça me fera hausser les sourcils.” Sur l’instant
– et on réclame ici l’indulgence du jury – il ne
nous est pas venu à l’esprit d’évoquer le son
de sa batterie sur St. Anger (2003) en mode
poêle en inox. On s’en voudrait presque, mais
presque seulement…
Début septembre démarrera donc un nouveau
périple européen pour Metallica. Pas
de stades au programme, mais une trentaine
de “grosses salles” : dix-sept pays visités en
tout, une première salve de quinze dates
jusqu’à novembre – dont deux à l’AccorHotels
Arena Paris (8 et 10 septembre) et une à la
halle Tony-Garnier de Lyon (12 septembre)
– et vingt-quatre autres entre février et
mai 2018. Pour ce qui est de son contenu, de
son “installation”, difficile d’en savoir plus.
Tout juste Ulrich annonce-t-il un show
entièrement nouveau et concède que la scène
sera centrale (“parce que nous aimons nous
retrouver au milieu du public dans ce genre
de salles”), même si, en la matière, il n’y a
rien de bien inédit, puisque c’était déjà le cas
lors du passage du groupe en 2009 dans ce
qui s’appelait encore le Palais omnisports -de
Paris-Bercy. “Je ne peux pas en dire davantage
aujourd’hui (le 3 août, ndlr), car je n’en
ai encore rien vu, sinon quelques photos,
mais rien en situation. On a quelques idées
en matière d’animation vidéo et d’éclairages,
mais je ne sais pas ce que ça donnera à l’arrivée.”
On n’est pas obligé de croire notre
homme sur parole, passé maître depuis bien
longtemps dans l’art du teasing et de la mise
en scène-forme verbale !
© ROSS ALFIN/UNIVERSAL
6 | Rolling Stone | rollingstone.fr
Septembre 2017

1
2
ON STAGE
(1) James Hetfield, tout
à l’attaque. (2) Lars Ulrich,
l’homme aux fûts. (3) Robert
Trujillo, bassiste diabolique
qui a donné un coup de jeune
au groupe à son arrivée, en 2003.
(4) Kirk Hammett, l’homme qui
téléportait ses solos dans l’espace.
3
4

Deux certitudes toutefois. Tout
d’abord, la “chorégraphie” à quatre
tambours sur “Now That We’re
Dead”, pendant laquelle les quatre
musiciens abandonnent un temps
leur instrument respectif pour un
immense solo sur un tambour géant, présentée
comme l’un des temps forts des dates
européennes, sera conservée. L’occasion pour
Lars Ulrich de dénicher le meilleur batteur
du groupe après lui ? “C’est James, et de très
loin !, s’esclaffe-t-il. Il est même probablement
meilleur que moi ! Depuis qu’on se
connaît, je l’ai toujours vu adorer jouer de la
batterie. Il a un style assez particulier, pas
forcément très orthodoxe et assez garage-rock
dans l’esprit. L’idée de se retrouver tous les
quatre à taper sur ces gros machins, il en
parle depuis des années. J’ai fini par épuiser
mon lot d’excuses pour ne pas le faire. (Rire.)
C’est un peu son bébé…”
Confirmée également, la présence de cette
exposition itinérante, The Memory Remains,
empruntant subtilement son nom au titre
”
Je suis sidéré quand je vais voir d‘autres
groupes en concert de les découvrir
dans leur loge en train de siroter des bières,
dix minutes avant de monter sur scène.
d’une chanson du groupe, la seule dans toute
la carrière à “voir” la voix de James Hetfield
se mêler à celle d’une femme – Marianne
Faithfull –, ce qui avait déjà fait grincer
quelques dents à l’époque (1997, sur l’album
Reload) quant aux désirs d’évolution musicale
du groupe. Quoi qu’il en soit, en 2017,
The Memory Remains est un petit musée où
fans et curieux pourront découvrir, entre
autres, des tenues de scène, des paroles
manuscrites (dont une version alternative de
celles de “Creeping Death”), l’artwork originel
des pochettes des albums Ride the
Lightning (1984) et Master of Puppets (1986),
des collections de cassettes (dont une, intitulée
No Life ‘Til Leather, est l’œuvre de
Hetfield en personne), ainsi que des instruments
sur lesquels ces mêmes fans et curieux
pourront tenter d’exercer leurs talents – ou
leur absence de talent… Autant de pépites
issues des collections privées des membres
du groupe. “Bon, d’accord, tenues de scène en
ce qui me concerne, il faut le dire vite, s’amuse
le batteur. Mais il y a vraiment des trucs
assez cool qui devraient plaire à ces fans qui
ont suivi les différentes étapes de notre carrière.
Il y aura aussi des dessins de configurations
de scènes auxquelles nous avons
renoncé. Je fais partie de ceux qui considèrent
que faire partie d’un groupe, c’est
chercher tous les moyens de rester connecté
avec son public, et ce petit musée va dans ce
sens.” Dans une précédente interview, Ulrich
plaisantait en expliquant que si certains
objets avaient été mis sous verre – comme ces
fameuses “tenues de scène” –, c’était moins
par souci de sécurité que pour masquer
l’odeur qui pouvait s’en dégager !
Autre élément désormais incontournable
d’une tournée de Metallica : cette “tuning
room” – juste quelques paravents isolant un
temps le groupe du monde extérieur, un
tapis sous la batterie, un frigidaire et, bien
sûr, tous les instruments et retours son
nécessaires – que le groupe fait installer sur
chaque date et dans laquelle il se retrouve
avant chaque concert, tel un rituel que personne
n’aurait l’idée de remettre en cause.
La tuning room, c’est là où Metallica s’apprête,
se prépare, se met en condition, individuellement
dans un premier temps, puis
collectivement. “En ce qui me concerne, elle
fait partie de mon processus d’échauffement,
précise Ulrich. J’y reste de 20 à 30 minutes,
c’est le bon équilibre pour moi. Robert
[ Trujillo, le bassiste] vient y faire ses vocalises,
Kirk [Hammett, le guitariste soliste]
débarque à son tour, puis James. Chacun a
sa petite routine. Et pour être tout à fait honnête,
c’est à peine si je fais attention à ce
qu’ils font dans ces moments-là, tant je suis
focalisé sur ce que j’ai à faire. Ce n’est que
dans un second temps qu’elle nous sert à
répéter ou à essayer telle ou telle nouvelle
idée. C’est à la fois notre jardin privé et l’endroit
où on se reconnecte tous ensemble.”
Même si tout semble s’y prêter, Lars Ulrich
rechigne à parler de superstition à propos de
cette tuning room. La seule habitude du
groupe qui pourrait s’en rapprocher est de
finir systématiquement la répétition du soir
en jouant dans son intégralité le morceau qui
ouvrira le concert quelques minutes plus
tard. C’est à peine si d’autres méthodes de
préparation sont envisageables dans l’esprit
du batteur : “Je suis sidéré quand je vais voir
d’autres groupes en concert, y compris quand
il s’agit de potes, de les découvrir dans leurs
loges en train de siroter des bières 10 minutes
avant de monter sur scène. J’adorerais pouvoir
en faire autant, mais ce n’est pas comme
ça que nous fonctionnons…”
Si Lars Ulrich est aussi déterminé dans sa
préparation d’avant-concert, de manière
quasi obsessionnelle – du moins dans sa
façon de le formuler –, c’est aussi parce qu’il
a été à bonne école. Son père, Torben Ulrich,
était tennisman professionnel au Danemark,
et il n’était pas le seul au sein de la famille à
considérer les tâches athlétiques comme primordiales.
Logique relation de cause à effet,
Lars a souvent fait la corrélation entre le
sport et la discipline indispensable que
nécessite la dimension physique de son rôle
dans le groupe. “D’une certaine manière en
effet, j’aborde les choses un peu comme les
sportifs de haut niveau : aller courir,
m’échauffer, m’étirer, manger léger”, détaille-
“
t-il. Bon, OK, cela ne l’a pas empêché par le
passé de privilégier d’autres hygiènes de vie
et les rapprochements prolongés avec toutes
sortes de substances diverses et variées qui
n’auraient pas manqué de rendre chèvre les
préposés aux analyses de tests antidopage
inopinés, mais on ne va pas mégoter pour si
peu. Et qu’allez-vous rétorquer à un type
vous assénant en guise de conclusion sur le
sujet : “Qui ne voudrait pas être Keith
Richards, hein ? Mais ça ne marche pas
pour Metallica…”
Ce qui semble fonctionner à merveille
en revanche, c’est le “modus operandi”
sur lequel sont parvenus à
s’entendre Lars Ulrich et James
Hetfield, au nom du groupe et de ce
que peut impliquer de le maintenir
à flot. Loin est le temps où chacun de ces
deux-là semblait davantage animé par l’envie
d’imposer ses idées et ses envies à l’autre – et,
par ricochet, son leadership – quitte à laisser
s’installer quelques fissures dans l’édifice.
A contrario, insinuer que tout peut partir en
vrille au moindre moment apparaît presque
8 | Rolling Stone | rollingstone.fr
Septembre 2017

© GETTY IMAGES
comme un jeu chez l’un et l’autre, Hetfield
surtout. Une situation parfaitement et malignement
résumée par le chanteur lorsqu’il
lâchait à la BBC, il y a quelques mois, à la
sortie de Hardwired… : “Nous savons où se
trouvent tous les boutons nucléaires entre
nous, mais nous faisons en sorte de ne pas les
actionner.”
La tirade fait rire son comparse, qui
se fait une fois de plus magnanime.
“Bien sûr que tout peut s’écrouler du
jour au lendemain, mais disons que
nous en sommes bien plus conscients
que par le passé. Une fois encore,
jouer la musique qui est la nôtre à 53 ans,
c’est précisément garder dans un coin de la
tête que ça peut s’arrêter à tout moment, et ça
dépasse largement le simple cadre du groupe.
Mais pourquoi devrions-nous mettre en
danger une chose à laquelle tant de gens
prêtent toujours autant attention, ce dont
nous sommes fiers, et qui nous pousse à la
fois à rester humbles ? Pourquoi devrionsnous
fragiliser un groupe qui a changé la vie
de tant de gens, comme ils viennent nous le
“Let’s Do Our Thing Together”
Ulrich a annoncé un show entièrement
nouveau et concédé que la scène serait centrale.
raconter lors des meet and greet ? Aucun de
nous n’a envie que ça s’arrête, encore moins
qu’une petite phrase ou un mot de travers
vienne mettre bêtement le feu aux poudres.
Je veux croire que notre relation avec James
est indestructible et qu’elle peut donc résister
à tout ou à peu près, mais je ne crois pas non
plus dans l’absolu. On m’a appris il y a longtemps
à ne pas utiliser les mots jamais et
toujours. À défaut d’être aussi intime qu’avec
des membres de ma famille, ma relation avec
lui est évidemment singulière : j’ai traversé
plus de choses avec lui qu’avec quiconque. On
se connaît depuis trente-six ans, j’ai passé
plus de temps avec lui qu’avec n’importe qui
d’autre sur cette planète et je ne vois aucune
raison pour que ça ne continue pas.”
Là encore, certains ne manqueront pas d’associer
cette sagesse plus ou moins récente de
la part des deux “ex-belligérants” à la prise
en compte des intérêts communs – et notamment
financiers – à maintenir cette paix des
braves. Elle est en partie vraie, ne nous voilons
pas la face. Mais n’y voir que considérations
stratégiques n’en serait pas moins hors
sujet. “Évidemment que la motivation est
toujours là, s’enflamme à ce sujet le batteur
sans qu’on ait besoin de l’y pousser. Se retrouver
sur une scène comme Bercy ou ailleurs,
c’est la sève d’un groupe de rock. C’est le
moteur, même s’il faut plus de temps pour le
chauffer et que tu te réveilles le matin après
un cauchemar où tu as vu ton bras s’arracher
tout seul de ton corps avec encore une
baguette à la main pour terminer son vol au
milieu du public, et que tu te trouves bien
con au moment où tu lui demandes si tu
peux le récupérer, ce bras ! (Rire.) Il y a
quelque chose de libérateur dans la satisfaction
que tu ressens quand tout a fonctionné
sur un concert. La connexion qui s’est opérée
avec les trois musiciens qui t’entourent tient
de l’euphorie, de la pure magie. C’est un sentiment
qui vaut tout le reste. Et tu voudrais
que l’on se passe de ça ?”
Septembre 2017 rollingstone.fr | Rolling Stone | 9

FACE À FACE
QUAND J’ENTENDS SGT. PEPPER,
JE SORS MON REVOLVER…
Sgt. Pepper a donc 50 ans. Mais permettezmoi
néanmoins de lui préférer son prédécesseur,
j’ai nommé le fabuleux Revolver.
“Quoi ?”, dira en lisant cela, une grande partie
de l’auditoire des liverpuldiens, qui porte
Pepper aux nues pour des raisons bien compréhensibles
: nostalgie personnelle pour
certains, Pepper étant perçu : 1) comme un (si
ce n’est LE) symbole du “summer of love” et
de ses ramifications sociales et sociétales implicites
; 2) un album censé représenter la
quintessence (régulièrement vantée) d’un
groupe au sommet de son art (ou supposément)
; 3) cet opus renfermant à lui seul tout
un pan de la culture des 60’s. Et très certainement
du xx e siècle aussi. (…) Sauf que. À partir
de là, la seule limite, pour ainsi dire,
semble être celle de l’ouverture d’esprit justement,
comme suggéré – déjà – dans
“ Tomorrow Never Knows”… D’où l’autorité
naturelle, antérieure, exercée là aussi par
Revolver à mon humble avis.
Eleonore (par e-mail)
FROM MINNEAPOLIS WITH LOVE
Merci à Rolling Stone de nous avoir emmenés
en vacances avant l’heure. J’ai dévoré votre
reportage sur Minneapolis et le Minnesota,
c’est un trip que j’ai toujours rêvé de faire. Et
je pense qu’enquiller la Highway 61 avec le
“disque éponyme” comme vous dites, doit
être un grand moment, surtout en allant chez
Bob Dylan. J’avais l’impression d’être avec
vous, en train de chercher de la bonne musique
sur l’autoradio. Continuez à nous faire
voyager sur les routes du rock ! C’est quoi le
prochain arrêt ?
Frédéric, Marseille
WELCOME (BACK) TO THE JUNGLE
Salut les rockers. J’avoue je suis allé un peu
sceptique au show des Guns N’ Roses au
Stade de France. Et puis, hein, les vieux chevelus,
moi qui compte ceux qui me restent,
pas trop mon truc. Mais bon, la nostalgie est
quand même une vieille bitch rusée. Et passée
la mise en voix d’Axl, je dois dire que je
m’en suis pris plein ma vieille tronche. Au
diable (oui, au diable) les a priori, les GnR
ont peut-être repris la route pour le pognon,
mais au vu de ce qu’ils ont dégainé, je regrette
pas de leur avoir donné le mien.
Appetite For Destruction vient de célébrer
ses 30 ans, on se fait vieux, ça valait le coup
de s’offrir ces trois heures (eh ouais !) de
grosse fiesta graisseuse !
Pierre Olivier (par e-mail)
“Merci pour
votre
hommage
‘pré-mortem’
à Glen
Campbell”
Pierre (Rodez)
Olivier Tixier @OlivierTixier
#MickJagger #HappyBirthdayMick 74 balais
toujours en forme comme quoi le sexe la drogue
et le rock’n roll ça conserve
Aurelien Beaucamp @aurebeaucamp
Consécration ! @assoAIDES VIH: les associations
chargent Macron - Rolling Stone
Laurent D. Samama @ldsamama
Merci à @75_belkacem et Xavier Bonnet pour
cette jolie critique de “Kurt” publiée dans
@RollingStoneFra #throwback
Epixod @Epixod_Le_Blog
@RollingStoneFra Mille mercis pour les places de
#cinema pour #SongToSong. C’est super !
Jen Gloeckner @jengloeckner
Some wonderful words about VINE from Rolling
Stone Magazine @RollingStoneFra!
Radiophonic Tuckshop @RTuckshop
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Stone magazine! Not translated it yet!
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StoneFra. Merci!
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À lire cet #été pour tous les #passionnés de
#musique et de #cinéma !
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Ciné Rock’n’Soul : Quand le cinéma se fait musical
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La bonne nouvelle du vendredi: achète de la
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10 | Rolling Stone | rollingstone.fr
Septembre 2017

CONTRIBUTEURS
ALEX JAFFRAY
COMPOSITEUR, PRODUCTEUR,
CHRONIQUEUR
—
Il a fondé l’agence sonore Start-Rec, dont
le nom facilite la téléportation pour être à la fois
compositeur, producteur et chroniqueur musical.
Compositeur pour le cinéma et music supervisor,
il a également composé de nombreux habillages
sonores pour des chaînes de télévision, de
programmes, ainsi que de nombreuses bandessons.
Il anime également la chronique musicale
de Télématin sur France 2, ce qui lui offre
un lien privilégié et des rencontres rares avec
Lalo Schifrin, Craig Armstrong, Hans Zimmer,
Alexandre Desplat ou Sting… Dans ce numéro, il
revient sur ses rencontres avec Ennio Morricone.
VINCENT GUILLOT
JOURNALISTE
—
Membre de la rédaction depuis 2008,
ce journaliste est un véritable touche-à-tout :
passé par la presse ado, la presse sport
et la presse masculine, il œuvre également
en télévision. Pour Rolling Stone, il a signé
quelques papiers remarqués sur son idole
Neil Young. Il s’occupe entre autres
personnellement du courrier des lecteurs.
Dans ce numéro, il nous conte la visite
de Deep Purple à Monaco et s’est rendu
à Londres à la rencontre des Killers.
STAN CUESTA
JOURNALISTE
—Journaliste musical (Rock&Folk, Mojo,
Rolling Stone), il est l’auteur de nombreux
livres sur le rock, notamment Jeff Buckley,
Raw Power : une histoire du punk américain
et Nirvana, une fin de siècle américaine
(Le Castor astral), ainsi que Dylan Cover
(Le Layeur). Il a également traduit une dizaine
d’ouvrages parmi lesquels John Cale : une
autobiographie (Au Diable Vauvert), New York
73/77 de Will Hermes, Born To Be Wild : Dennis
Hopper, de Tom Folsom et Altamont de Joel
Selvin (Rivages Rouge). Pour ce numéro, il est
allé au festival country de Craponne-sur-Arzon
pour rencontrer la divine Emmylou Harris.
STEPHEN RODRICK
JOURNALISTE ET ÉCRIVAIN
—Ce journaliste américain écrit très
régulièrement pour le magazine du New York
Times et pour Men’s Journal. On peut le lire
régulièrement également dans les pages
de Rolling Stone. S’il écrit principalement sur
la politique, le cinéma et le sport, cet enquêteur
de haut vol signe des articles au long cours :
ainsi suit-il ses sujets des mois durant avant
de se mettre à écrire. Il doit sa réputation
à la qualité de ses portraits, très renseignés
et fourmillants d’anecdotes, notamment celui
de Rudy Giuliani pour le NYT Magazine. Pour
ce numéro, il dresse un étonnant portrait de
Justin Trudeau, le Premier ministre canadien.
ROLLING STONE FRANCE
DIRECTEUR DE LA PUBLICATION :
Patrick Guérinet (patguerinet@positivemedia.fr)
RÉDACTEUR EN CHEF :
Belkacem Bahlouli
SECRÉTAIRE DE RÉDACTION :
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RÉDACTION : 53, rue Claude-Bernard, 75005 Paris
Tél. : 01 44 39 78 20
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ONT PARTICIPÉ À CE NUMÉRO : Loraine Adam,
Kathleen Aubert, Philippe Barbot, Yves Bigot,
Philippe Blanchet, Xavier Bonnet, Bertrand
Deveaud, Stan Cuesta, Alain Frétet, Alain
Gouvrion, Vincent Guillot, Alex Jaffray, Dom
Kiris, Philippe Langlest, Baptiste Manzinali, Matt
Murdoch, Bruno Patino, Stephen Rodrick,
Sophie Rosemont, Pierre Stemmelin, Sébastien
Spitzer, Silvère Vincent.
FABRICATION :
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Septembre 2017

SOMMAIRE
ROLLING STONE
N o 97 – SEPTEMBRE 2017
L’ÉVÉNEMENT
4 Metallica
À l’aube d’une tournée européenne
qui ne manquera pas de confirmer son
statut d’inamovible fer de lance du metal,
son batteur Lars Ulrich se confie sur
l’état d’esprit du groupe, ses ambitions
et… le temps qui passe.
ÉDITOS
Faire revivre ces moments d’énergie pure qu’étaient
les concerts de Rage Against the Machine ?
Pas seulement pour le “rock-activist” Tom Morello.
POWER !
Tom Morello a repris sa guitare de pèlerin
avec son supergroupe, The Prophets of Rage.
3 Piège à sons,
par Belkacem Bahlouli
16 My Back Pages,
par Bruno Patino
18 La Playlist, par Dom Kiris
19 Sign O’The Times, par Yves Bigot
ROCK’N’ROLL
21 Foo Fighters’All-Stars
Dave Grohl et sa bande sont de retour.
Dans leur besace, un nouvel album avec le
producteur d’Adele et des invités surprise.
30 Frank Darcel
Musicien, écrivain, producteur, éditeur
et militant… Avec près de quarante ans
de carrière, l’ex-Marquis de Sade est
à nouveau sur le devant de la scène.
36 Emmylou Harris
Orbison, Dylan, Parsons, Crowell… Les plus
grands songwriters américains ont offert
un écrin à sa voix magique. Rencontre.
MAGAZINE
48 Étoile du nord
Il a eu une enfance dorée et traversa
bien des drames avant de devenir Premier
ministre du Canada. Justin Trudeau
est-il le dernier espoir du monde libre ?
58 Culture rock
Charles Berbérian est autant dessinateur,
auteur de BD que musicien. Rencontre
avec ce fan de folk californienne.
62 Festivals
Tout l’été, la rédaction de Rolling Stone
est partie sur les routes, de Craponnesur-Arzon
à Chicago en passant par Paris
ou Louisville, pour faire un point complet
sur les scènes rock.
EN COUVERTURE
Metallica
Par Peter Yang/August-Agence A
70 La Rage de Tom Morello
Nul n’est prophète en son pays ? Ce vieil
adage a-t-il encore cours ? Interview
des leaders de ce supergroupe.
74 Il Maestro
N’est pas le maître qui veut. Alors que
son passage annoncé dans la capitale
française, le 21 septembre prochain,
affiche complet, portrait de l’homme à la
baguette magique par deux compositeurs
français : Alex Jaffray et Olivier Florio.
80 État de grâce
Il aura mis cinq longues années
à peaufiner la sortie de ce live capté
à Londres et destiné à célébrer les 25 ans
de son album Graceland. Making of
d’un disque de légende.
GUIDE
83 Musique
Villains ? Drôle de titre pour le nouvel
album de Queens of The Stone Age.
Disque du mois, donc...
90 Ciné
120 battements par minute
C’est LE film qu’on attendait de voir,
traitant cette zone d’ombre et de
fantômes, les années 1990 en France,
vues par les séropositifs.
92 Série TV
Engrenages, saison 6
En transférant l’essentiel de sa trame
en banlieue, la série policière fait mieux
que mettre ses personnages en danger…
© GETTY IMAGES
14 | Rolling Stone | rollingstone.fr
Septembre 2017

MY BACK PAGES
Par Bruno Patino
2017, Summer of rien ?
“P
ASSÉ UN CERTAIN ÂGE, ON NE VOYAGE PLUS
qu’entre cimetières et bibliothèques”, regrettait l’écrivain
Roger Stéphane. Pour beaucoup d’entre nous,
avant une certaine époque, nous voyageâmes entre
salles de concert et disquaires. Traverser l’Atlantique, c’était bien
sûr se presser au café Wha? du Village, ou au Madison Square
Garden de la 34 e , mais c’était aussi avoir la certitude de dépenser
plus que de raison dans ces grands temples du disque qu’étaient
les Tower Records de Broadway, de San Francisco ou de L.A. pour
rapporter dans les sacs en plastique jaune des disques qui feraient
l’envie de ceux qui n’avaient pas eu la chance de partir, et qu’il
faudrait dupliquer à l’infini sur des cassettes de mauvaise qualité.
Voyager, c’était aussi suivre le circuit des échoppes spécialisées en
disques pirates, sur Bleecker Street, où l’on pouvait compléter la
collection des Lost Lennon Tapes, acquérir le Follow That Dream
de Springsteen (ou sa série de concert au Roxy de 1978), s’offrir le
“Train for Bruxelles” des Stones et, pour les plus obstinés, les
Basements Tapes originales de
Il y avait pourtant de quoi faire : crise de la
démocratie représentative, Brexit, élection
de Donald Trump, “dégagisme”…
Dylan : pochette blanche, tampon
bleu, étiquette blanche aux
lettres tapées à la machine,
booklet ronéotypé sur papier
rose : une merveille.
Ces souvenirs résonnent
comme la mélodie d’un temps révolu. Tout est dorénavant disponible
partout, et, pour trouver la musique que l’on cherche, les algorithmes
sont plus efficaces que la déambulation géographique. On
ne voyage plus, on surfe. On ne trouve plus, on trie. On ne rapporte
plus, on share. Les plateformes sont nos nouvelles églises : un clic
suffit pour s’y rendre, mais la multitude qui s’y presse n’empêche
pas la solitude, ni l’exhaustivité le sentiment de pauvreté. L’excitation
même des pirates s’est évaporée : les concerts de Springsteen
sont téléchargeables et livrables en format CD, les Stones ressortent
en pressage vinyle “from the Vault” leurs shows des années
1970, et Dylan a ajouté à son Never Ending Tour une sorte de
“never ending publishing”. Les Tower Records ont fermé, celui de
San Francisco est devenu un parking.
Dorénavant, voyager outre-Atlantique, c’est affronter la muséification
du rock. Nashville en offre un incroyable exemple : musée
Johnny Cash, musée Patsy Cline, musée Willie Nelson, musée
Studio B (celui d’Elvis et des Everly), et bien sûr, Country Music
Hall of Fame, gigantesque bâtiment qui regroupe archives, costumes,
instruments, enregistrements, disques d’or par milliers,
rotonde commémorative et curiosités diverses (dont les deux
Cadillac d’Elvis, celle avec pare-chocs en or et télévision à l’arrière
et celle avec levier de vitesse en forme de selle de cheval et colts en
poignées de porte) et qui ne se visite pas en moins de trois heures.
Un musée comme un autre, avec sa collection permanente et ses
expositions thématiques pas forcément incontestables : celle en
cours, “Dylan, Cash and the Nashville Cats”, propose de faire de la
rencontre entre New York et Nashville la pierre angulaire du rock
au mitan des années 1960.
La patrimonialisation du rock fige-t-elle le temps ? Ramène-t-elle
cette musique à la célébration permanente de l’ensemble de son
passé ? Quel été étrange, quand même, que l’été 2017. U2 qui affole
les stades avec son Joshua Tree, Brian Wilson qui amorce sa tournée
américaine en revisitant Pet Sounds, le stade des Mets, dans
le Queens, qui accueille les Eagles, Steely Dan et les Doobie
Brothers, sur le modèle du Desert Trip de Coachella,qui regroupait
en octobre dernier Dylan,
McCartney, les Stones, Neil
Young, les Who et Roger
Waters, en les obligeant à interpréter
une grande partie de
leur répertoire passé devant
un public aux cheveux gris.
D’un autre côté, des festivals à l’énergie formidable, souvent pleins,
dans les endroits les plus improbables et devant un public jeune et
enthousiaste. Et enfin, des anniversaires comme s’il en pleuvait :
la mort d’Elvis, Sgt. Pepper, le Summer of love, et on en passe.
Mais, dans l’ensemble, rien qui, véritablement, s’impose à tous.
Aucune bande-son qui puisse collectivement résumer l’été. 2017
ne fut pas un nouveau Summer of love. Ce fut un summer of rien,
ou au mieux, un summer of beaucoup trop de choses. Les anniversaires,
à trop se bousculer, se sont annulés. Le passé a été convoqué,
mais pour mieux éclipser le présent. Il y avait pourtant de quoi
faire : crise de la démocratie représentative, Brexit, élection de
Donald Trump, “dégagisme”, sociétés socialement fragmentées,
inégalités excessives, inacceptable traitement des migrants, crise
syrienne, autoritarisme turc, chaos vénézuélien… Face à tout cela,
il n’y a eu que le silence assourdissant des amplis. Et l’on en vient
à regretter que le seul anniversaire auquel on ait échappé ait été
celui du mouvement punk. “No future”, c’était peut-être, pourtant,
le son du présent.
© 2016 KYODO NEWS
16 | Rolling Stone | rollingstone.fr
Septembre 2017

shops + tendances
en mode
#TooCrazy
#Indécise
#Audacieuse
#Pétillante
#Chaussures
#Vêtements
#Accessoires
#Mode

LA PLAYLIST
CHAQUE MOIS, DOM KIRIS DE OÜI FM NOUS LIVRE SES COUPS DE CŒUR
1. UNKLE
“Waiting for the Rain”
(feat. Mark Lanegan)
Mo’Wax
Le grand retour du collectif de James
Lavelle, l’un des artistes les plus influents
de la scène électro-rock britannique. Tel un
metteur en scène, le pionnier du sampling
réactive les productions cinématographiques
de UNKLE en soignant son casting. Dans
le premier rôle, Mark Lanegan irradie de sa
voix caverneuse ce boléro new wave en guise
de premier single.
2. Queens of the Stone Age
“The Way You Used To Do” WEA
Il a beau être le dernier des rockers un peu crédible,
Josh Homme a craqué sur les productions de Mark
Ronson. Je vous rassure, on est loin de Uptown Funk,
mais le maître des dance floors a quand même mis
les mains dans les riffs des rugueux QOTSA pour les
rendre un poil plus sexy !
4. Arcade Fire
“Everything Now”
Columbia
Arcade Fire veut tout, et tout de suite. Les idées fusent,
mais s’emboîtent tellement bien qu’on en oublie l’étonnant
mélange de style en équilibre. Durant tout l’été, on aura dansé
sans le savoir sur de la pop suédoise, des guitares berlinoises,
des flûtes africaines, le tout samplé ou joué par ces diables
de Canadiens produit par une moitié de Daft Punk.
7. Peter Perrett
“How the West Was Won”
Domino
Retrouver intacte la voix blanche sous tension de Peter
Perrett est assez troublant. Près de quarante ans après
la fulgurante apparition de The Only Ones, à la jonction
du punk et de la new wave, ce grand perdant magnifique
réapparaît comme par miracle entouré de ses fils musiciens.
Lui-même étant un héritier en ligne directe de Lou Reed.
3. Royal Blood “Lights Out”
WEA
Aucune guitare n’a été martyrisée sur ce nouvel album
de Royal Blood et pourtant, on prend encore une fois
une belle décharge d’énergie électrique. Uniquement
concentré sur un raffut basse/batterie monstrueux,
le duo britannique de la race des saigneurs conserve le
titre du renouveau rock le plus percutant du moment.
5. FFF “Monkee”
Bonus Tracks Record
De bonnes raisons
humanitaires ont fait
remonter sur scène FFF,
pour une réjouissante
reformation après dix-sept
années sans sortir de
disque. La formule magique
de la Fédération Française
de Fonck a repris tout
de suite dans le feu
des concerts, désormais
concrétisé par ce coup de
semonce proto punk excité
comme un singe en été.
6. LCD
Soundsystem
“Call the Police”
DAF
Après des faux adieux
au Madison Square
Garden il y a six ans, LCD
Soundsystem a retrouvé
le chemin des studios.
Le leader James Murphy
a fait main basse sur les
productions de Brian Eno,
aussi bien en empruntant
les synthés de “Heroes”
de Bowie que les échos
de guitare de U2.
TOP LIST
Nick
Lowe
CINQ CHANSONS
QU’AIME MON FILS
Lowe, dont les albums des
années 1980 viennent d’être
réédités, a sélectionné des titres
éclectiques qu’il a fait écouter
à son fils Roy, 12 ans, pour lui faire
découvrir divers genres musicaux.
EDDIE COCHRAN
“Cut Across Shorty”
On dirait une comptine jouée
sur un très agréable rythme de
skiffle, qui était la version anglaise
du rockabilly. Eddie Cochran
avait tout compris.
BING CROSBY
ET LOUIS ARMSTRONG
“Now You Has Jazz”
À cause de ces voix tellement
caractéristiques, on dirait un peu
la bande-son d’un dessin animé.
Bing Crosby était un Blanc
qui savait swinguer.
JOHN HOLT
“Ali Baba”
C’est la retranscription d’un rêve
dans lequel John est poursuivi
par tout un tas de personnages
de contes de fées, le tout posé
sur un énorme groove comme
en produisait Studio One. Génial.
RON SEXSMITH
“Gold in Them Hills”
Un petit bijou que l’on doit au
dernier songwriter à savoir où est
rangé le seau du puits à mélodies.
SHALAMAR
“A Night To Remember”
Je décrirais ce titre comme un
magnifique tube des années 1980,
taillé pour faire danser. Le rythme
est génial, la chanson est ludique,
intelligente. Mon fils Roy a adoré.
© STEVE GULLICK. 4X. DR.
18 | Rolling Stone | rollingstone.fr Septembre 2017

SIGN O’THE TIMES
Par Yves Bigot
Avant-garde
© CHRISTOPHE GUIBBAUD. GETTY IMAGES.
“ S
i en 1966, les Beatles avaient collaboré avec Pierre Henry,
comme Paul McCartney en avait l’intention, l’histoire de
la musique du XX e siècle en eût été révolutionnée”, écrivait
Mojo en 2001. Elle le fut, malgré tout, par cet aventurier
du son comme liturgie, qui aura inventé, engendré, inspiré
pas moins de trois genres majeurs, tout en atteignant à deux
reprises – à trente ans d’intervalle – le
statut de star du hit-parade.
Le décès de Pierre Henry, le 5 juillet,
aété salué par l’ensemble de la presse
internationale : Brian Eno, Mickey Hart
(Grateful Dead), Jean-Michel Jarre,
notamment, ont témoigné de leur dette
envers l’un des rares musiciens français
à avoir pesé sur son époque.
Élève d’Olivier Messiaen et de Nadia
Boulanger il avait rejoint Pierre
Schaeffer au studio d’essai de la RTF.
Symphonie pour un homme seul (1950),
leur manifeste d’ingénieurs-musiciens,
fonde la musique concrète, destinée à
“déconstruire la musique pour que résonne
l’harmonie des sphères.”
Cette avant-garde sonique connaîtra
son apogée en 1963 avec ses Variations
pour une porte et un soupir. Entendue
dans la série les Soprano, cette pièce
constituera une influence majeure du
rock progressif anglais – Pink Floyd,
Soft Machine et, plus tard, Radiohead.
Mais c’est surtout avec Le Voyage que
Pierre Henry va fasciner la génération
rock des années 1960 et les hippies,
friands du Livre des morts tibétain qu’il
illustre : les Beatles (“Tomorrow Never
Knows”) et Jimi Hendrix (Are You
Experienced) à Londres, Frank Zappa
et les Mothers of Invention (Freak Out!) à Los Angeles, Jefferson
Airplane (“Would You Like a Snack?”), Grateful Dead qu’il admirait
(Anthem of the Sun) et David Crosby (“I’d Swear There Was
Somebody Here”) à San Francisco, Gong dans le sud de la France.
Pierre Henry, un des rares musiciens
à avoir pesé sur son époque.
Plus tard, Rodolphe Burger et Rita Mitsouko. “Je l’écoutais au
lycée, en même temps que Jimi Hendrix, expliquait Fred Chichin.
Il a ouvert un univers de sons et donné l’envie de musique électroacoustique.
Il a une conception du son très physique, contrairement
à beaucoup de compositeurs contemporains, qui nient le
plaisir du mouvement, de la matière et des corps. Il est extrêmement
moderne avec son côté sound
system – c’est pour ça que l’intelligentsia
l’a marginalisé.”
Ce flirt avec le rock se concrétise par sa
Messe de Liverpool (1967) et les Jerks
électroniques Yper-Sound de sa Messe
pour le temps présent. Les premiers se
vendront à des centaines de milliers
d’exemplaires sous leur célèbre pochette
argentée, alors que la seconde entre
dans l’histoire au festival d’Avignon
grâce au Ballet de Béjart. L’album
Ceremony avec Spooky Tooth, ne sera
qu’un épilogue, couronné par un concert
à l’Olympia.
Mais là où l’effet Pierre Henry sur l’histoire
du rock reste un secret bien gardé,
la techno, elle, va le revendiquer comme
son maître fondateur. À tel point
qu’en 1997, William Orbit, Coldcut,
St Germain, etc., lui rendaient hommage
avec Métamorphose, album de
remix qui verra “Psyché Rock” par
Fatboy Slim devenir l’hymne de la
culture dance. Sollicité par Violent
Femmes, collaborant avec Erik Truffaz,
trafiquant avec Propellerheads, Pierre
Henry continuait, à près de 90 ans,
à faire l’événement.
Plasticien, sculpteur, cuisinier, provocateur,
reclus, bougon, maniaque, épicurien
et mystique à la fois, Pierre Henry avait réussi à intéresser
le grand public à l’avant-garde par la grâce de la modernité que
la jeunesse trouvait dans sa musique. N’est-ce pas là le rêve de
tout artiste ?
Septembre 2017 rollingstone.fr | Rolling Stone | 19

ROLLINGSTONE.FR
POLITIQUE
MUSIQUE
TOP LISTES
SARAH SAVOY, LA VOIX DES CAJUNS
La chanteuse et chef Sarah Savoy met son
talent au service de la culture cajun, pour le plaisir
de tous les amateurs de bonne musique.
LE CANNABIS POUR SAUVER PORTO RICO
Au bord de la faillite, l’île des Caraïbes a décidé
de tout miser sur le cannabis à usage médical pour
sortir la tête de l’eau.
MUSIQUE
BROR GUNNAR JANSSON :
UN BLUES QUI A DU BAYOU
Marqué par le diable du Bayou,
Bror Gunnar Jansson a tout tiré des
plus grandes légendes noires.
LIVERPOOL, LET THE MUSIC BE !
Pop, new wave, rock, Britpop… Liverpool a porté
les couleurs de la musique dans toute leur
diversité, sans jamais se cantonner à un seul style.
HOMMAGE
À CHESTER
BENNINGTON
Ses proches
se remémorent les
bons moments et les
instants destructeurs
du chanteur
de Linkin Park.
CULTURE GRAND FORMAT – SOCIÉTÉ
RS LIVE SESSIONS
LES 10 MEILLEURS FILMS DES ANNÉES 1990
Ah, les années 1990 ! La décennie a vu naître
l’avènement du cinéma indie et des blockbusters,
les fight clubs et les cannibales charismatiques…
POLOGNE : AU BORD DU CHAOS
La situation politique et sociale dans le pays
est devenue catastrophique. Découvrez
le reportage exclusif de notre photographe
François Devos : la crise vue de l’intérieur.
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20 | Rolling Stone | rollingstone.fr
Septembre 2017

HOMMAGE S. SHEPARD P. 29 | ICÔNE E.HARRIS P. 36 | COLLECTOR P. SIMON P. 80
Le retour
des Foo
Fighters’
All-Stars
Un nouvel album avec
le producteur d’Adele
et des invités surprise.
PAR KORY GROW
Après la mise en
veille des Foo
Fighters, à la fin de
l’année 2015, Dave
Grohl ne savait plus trop quoi
faire de lui-même. “J’ai fait des
barbecues pendant des putains
de mois, mec !, dit-il. Je faisais
huit côtes de bœuf par semaine.
Ça devenait un peu glauque.”
Mais Grohl avait besoin de
temps pour se [Suite p. 22]
© GETTY IMAGES
BIG ME
Grohl au NOS Alive Festival,
au Portugal, en juillet.
Septembre 2017 rollingstone.fr | Rolling Stone | 21

ROCK & ROLL
CÉRÉMONIE
Dom Kiris,
grand ordonnateur de la soirée.
Un grand cru 2016
La 2 e édition des OÜI FM
Rock Awards, organisée par
la célèbre station parisienne,
s’est tenue au Trianon.
Le compte rendu sur la soirée sur la
deuxième édition de la cérémonie des
OÜI FM Rock Awards publié dans notre
numéro 95 a, suite à des erreurs de
manipulation, été tronqué d’une partie
de son contenu. Cette fameuse soirée,
animée avec brio par Dom Kiris, a permis
de réunir les meilleurs artistes de
l’année 2016 dans la salle parisienne
du Trianon. “Après avoir organisé
la première cérémonie au Réservoir,
au vu du succès rencontré par le nombre
de réservations, on a dû prendre une
salle autrement plus grande”, s’est
enthousiasmée Fanny Temam, directrice
des programmes de la radio, quelques
jours avant la cérémonie. Et donc,
plus de deux heures durant, artistes
et animateurs de la station se sont
succédé sur la grande scène. Douze
trophées à remettre et autant de belles
surprises : “On a tenté de réunir
un plateau consistant, qui montre bien
la vivacité du rock à la française, mais
aussi, le fait que les auditeurs se sont
sentis concernés par ces prix”, avait
alors précisé Cocto, co-organisateur
de la soirée. Contrairement à nombre
de réunions de ce type, pas de chichis,
on entre directement dans le sujet,
les groupes se succèdent à un rythme
soutenu pour récupérer leur trophée
(La Maison Tellier, Declan McKenna
ou The Temperance Movement), avant
que M se saisisse de la scène pour
un furieux mini-set acoustique. Puis
laisse la place au grand final, orchestré
par Matt Bastard…
Prix publics
• L’Artiste & l’Album Rock
de l’Année 2016 – catégorie Indé :
La Maison Tellier – Avalanche
• L’Artiste & l’Album Rock
de l’Année 2016 – catégorie Major :
Red Hot Chili Peppers – The Getaway
• L’Artiste & l’Album Rock
de l’Année 2016 – catégorie Autoprod :
The Shapers – Reckless Youth
Prix professionnels
• Le Prix du B.P.I. (Bureau des
Productions Indépendantes) 2016 :
Theo Lawrence & The Hearts
• La Révélation Internationale 2016 :
The Lemon Twigs
• Le Titre Rock 2016 : I Wanna Get Lost
With You par Stereophonics
• Le Coup de Cœur de la Programmation
Musicale de OÜI FM 2016 :
Declan McKenna
• L’Artiste Bring The Noise 2016 :
Frank Carter & The Rattlesnakes
• Le Concert OÜI FM 2016 : Foals
• La Session Acoustique OÜI FM 2016 :
The Temperance Movement
• L’Artiste UK Beats 2016 : Savages
• La Révélation Française 2016 :
Last Train
[Suite de la p. 21] remettre d’une
chute qu’il avait faite sur scène en
Suède l’été précédent, et qui
s’était avérée plus grave qu’il ne le
pensait. Grohl s’était cassé le
péroné, avait eu plusieurs ligaments
arrachés et avait dû être
opéré. “J’ai encore un peu de
quincaillerie à l’intérieur, plaisante-t-il.
J’ai fait deux ou trois
heures de kiné par jour pendant
presque un an.” Grohl a fini le
reste de la tournée des stades
Sonic Highways perché sur un
“trône” géant. Mais après la dernière
date, il a déclaré à son
groupe qu’il ne voulait plus toucher
un instrument pendant un
an. “Quand la tournée a été terminée,
je me suis dit : La vie, c’est
bien plus qu’un concert de rock. Je
veux pouvoir courir jusqu’à la
porte quand le livreur de pizza
viendra sonner en 2033.”
Grohl a réussi à ne pas travailler
pendant six mois. Puis il a écrit
“Run”, un hymne accusateur
assez dur qui parle du besoin
d’amitié pendant les périodes
troublées. Grohl se demande si
le refrain (dans lequel il chante
“Réveille-toi, prends tes
jambes à ton cou avec moi”) a
pu venir du fait qu’il est resté
immobile pendant un bon
moment : “Je rêvais que je courais
à travers champs, ce genre
de conneries, et je me réveillais
avec une putain de jambe
cassée.”
“Run” est devenu le premier
single du neuvième LP du
groupe, Concrete and Gold, à
paraître le 15 septembre. Les Foo
Fighters se sentaient prêts à
essayer de nouvelles choses : des
orchestrations éclatantes, des
harmonies chorales et des expérimentations
rythmiques. “Run”,
par exemple, tourne sur un beat
de dance hall. “Je n’avais pas
réalisé que c’était du reggaeton
jusqu’à ce que [le producteur]
Greg Kurstin me le précise,
raconte Grohl. Puis j’ai entendu
une putain de chanson de Justin
Bieber avec le même beat et je me
suis dit : Oh, mon dieu !”
Mais les choses n’ont pas commencé
de façon aussi ambitieuse.
Alors que, pour les derniers
albums des Foo Fighters, Grohl
avait de grands concepts en tête
(Wasting Light, en 2011, a été
entièrement enregistré en analogique,
et en 2014, Sonic Highways
a été réalisé dans huit studios
légendaires différents), cette fois,
il voulait simplifier le processus.
“Je me suis dit : Quelle est la chose
la plus étrange que ce groupe
puisse faire à ce stade ? Et j’ai réalisé
que c’était tout simplement
d’aller en studio et de faire un
album comme un groupe normal.”
Pour écrire les chansons, Grohl a
loué un Airbnb dans la petite ville
d’Ojai, en Californie : “J’ai acheté
une caisse de vin et je suis resté
assis là, en sous- vêtements, avec
un micro, pendant environ cinq
jours, à écrire, rien qu’écrire.
J’étais inspiré par ce qui se passait
dans notre pays : politiquement,
personnellement, en tant que père,
qu’Américain et que musicien.”
Grohl fait allusion à la vision du
monde peu réjouissante avec des
chansons comme “The Sky Is a
Neighborhood”, où il raconte une
nuit sans sommeil, passée à s’inquiéter
pour l’état de la planète.
Sur “T-Shirt”, il lâche : “Je veux
“ J’AI ACHETÉ
DU VIN ET JE
SUIS RESTÉ ASSIS
LÀ, EN SOUS-
VÊTEMENTS,
PENDANT CINQ
JOURS, À ÉCRIRE,
RIEN QU’ÉCRIRE.”
juste chanter une chanson
d’amour/Prétendre que tout va
bien.” Parallèlement, sur le lourd
“La Dee Da”, Grohl rend hommage
aux groupes underground qu’il
adorait lorsqu’il était ado, notamment
Psychic TV. “Après avoir
trouvé peut-être treize idées, je les
ai envoyées aux gars en leur
demandant : ‘Est-ce que je suis
dingue, ou est-ce que c’est un
disque ?’, raconte Grohl. Ils m’ont
répondu : ‘Les deux.”
Comme il cherchait un producteur,
il est entré en contact avec Greg
Kurstin, qui avait coécrit et produit
des titres un peu pop comme
“Hello” d’Adele et “Stronger” de
Kelly Clarkson. Grohl connaissait
mieux Kurstin en tant que membre
du duo indie-pop The Bird and The
Bee. “J’aimais beaucoup le sens
mélodique et harmonique de ce
groupe, explique-t-il. Il me semblait
évident que le gars qui était
derrière cette musique n’était pas
un crétin habituel de chez Guitar
Center.” Grohl a donc dit à Kurstin
qu’il voulait combiner “le son des
radios oldies seventies genre Gerry
Rafferty et [son] amour pour un
groupe comme Motörhead.”
Kurstin raconte que c’était un peu
comme s’il lui décrivait “une odyssée
à la Sgt. Pepper, version heavy
metal.”
Le groupe a enregistré dans le
studio EastWest, à L.A., où il a
croisé la terre entière entre les
prises – de Lady Gaga à Shania
Twain. Certains chantent sur l’album,
confie Grohl, tout en restant
évasif sur leur identité. Il a récemment
eu les honneurs des gros
titres qui affirmaient que “probablement
la plus grande popstar du
monde” prêtait sa voix à l’album
(tout ce qu’il consent à divulguer,
c’est qu’il ne s’agit ni d’Adele ni de
Taylor Swift…). Parmi les invités,
on trouve Alison Mosshart des
Kills ou encore Shawn
Stockman, de Boyz II Men, que
Grohl a rencontré sur le parking
et qu’il a convié à enregistrer en
overdub plus de trente pistes de
chœurs pour le morceau final de
l’album, le très floydien
“Concrete and Gold”. “Quand il
a quitté la pièce, je me suis
tourné vers les autres et j’ai fait :
‘Le mec de Boyz II Men vient de
mettre la putain de barre très
haut’, raconte Grohl. ‘Chaque
chanson doit sonner aussi
énorme que ça.”
Les Foo Fighters ont dévoilé ces
morceaux cet été dans les festivals.
Ils lanceront leur tournée en
octobre, qui inclura aussi leur
propre festival, Cal Jam 17, à San
Bernardino, en Californie. Baptisé
d’après le légendaire festival
de 1974 qui s’était tenu sur un
circuit automobile et dont les têtes
d’affiche étaient Deep Purple et
Emerson, Lake and Palmer, il
réunira Queens of the Stone Age,
Liam Gallagher et d’autres. “Il n’y
a rien de plus ridicule que de faire
une fête de sortie d’album avec
50 000 personnes”, balance Grohl,
ajoutant qu’il est soulagé de pouvoir
se produire à nouveau sur ses
deux jambes. “J’ai prêté le trône à
Axl Rose parce qu’il s’était cassé le
pied, dit-il. Du coup, je suis allé
voir [Guns N’ Roses] et c’était la
première fois que je voyais
quelqu’un chanter assis dans ce
truc. Et là, je me suis dit : C’est
quand même la putain d’idée la
plus stupide qui soit…”
Traduction : Stan Cuesta
© YANN BUISSON
22 | Rolling Stone | rollingstone.fr
Septembre 2017

Q&R
© FRANK LORIOU
“Le punk en France,
c’était plutôt ‘ future’
que ‘no future’ !”
À l’occasion de ses 40 ans de carrière, Kent sort
un nouvel album. L’occasion de revenir sur un joli pan
de vie mêlant punk-rock, chanson française, BD et romans.
On vient de fêter les 40 ans du punk. Avec
Starshooter, vous étiez aux premières loges à Lyon.
Quel souvenir en conservez-vous ?
Kent : Pour nous, le punk a représenté une occasion
en or d’émerger et de nous faire connaître.
Nous étions dans l’air du temps. Nous avions
un look, une attitude. On faisait tout à toute
vitesse. Nous n’étions pas des punks au sens
anglais du terme. Nous ne raisonnions pas en
termes de “no future”, mais de “future”. Nous
étions surtout opposés à la musique bien frelatée
des années 1970, les Daniel Guichard et
consorts, les années Giscard. À l’époque, nous
avons joué en première partie des Damned. Je
me souviens qu’avec Captain Sensible (l’un des
leaders, ndlr), nous partagions une certaine
forme d’hédonisme et de joie de jouer sur scène,
bien loin du nihilisme des Sex Pistols.
Comment se passait la scène punk à Lyon ?
K. : Grâce à une cassette remise à Philippe
Manœuvre, nous avons eu un article dans
Rock & Folk, ce qui nous a permis de nous faire
connaître. Une véritable chance, car les journalistes
ne se bousculaient pas à Lyon. Nous
cultivions notre attitude antiparisienne avec
Marie et les Garçons. (Rires.) En réalité, nous
étions potes avec Bijou, Trust, Téléphone, cette
génération qui souhaitait secouer le cocotier de
la chanson française. Une saine émulation.
De 1978 à 1981, Starshooter a sorti quatre
albums. Nous avions 20 ans, nous étions les
rois du monde.
En 1981, Pas fatigué est le dernier album de
Starshooter. La gueule de bois ?
K. : Malgré une grosse tournée, ce disque s’est
mal vendu. Nous étions déçus. Nous avons
décidé d’arrêter l’aventure. À l’époque, j’étais
déjà à fond dans la bande dessinée. Après
quatre années, à plein tube, j’en avais un peu
assez du grand cirque du rock’n’roll. J’ai alors
beaucoup écouté les grands chanteurs français
comme Gainsbourg, Brel, Aznavour. Plutôt
qu’à l’interprétation proprement dite, aux
textes, si importants en France, je me suis intéressé
à la musique, aux arrangements, à l’utilisation
très “française” de la valse, par
exemple. En fait, ces auteurs représentent ce
que les grands maîtres de la country – Hank
Propos recueillis par Éric Delon
Williams, Kris Kristofferson – symbolisent
aux États-Unis.
Avec votre premier album solo, Amours propres,
en 1982, vous devenez officiellement un chanteur
français post-punk ?
K. : Oui, j’avais 25 ans et j’étais déjà un has been !
(Rire.) Je suis monté à Paris. J’ai introduit de
l’accordéon dans mes chansons, j’ai voulu
m’inscrire dans une certaine idée de la chanson
française, mais qui ne soit pas momifiée. Même
si je me suis toujours méfié du diktat très hexagonal
de la “chanson à texte”, j’ai beaucoup
travaillé ces derniers. N’oublions pas que si les
spectateurs écoutent avant tout la musique des
groupes, ils écoutent, en priorité, les textes des
chanteurs solos. Par ailleurs, je n’ai jamais été,
contrairement à ce que certains ont écrit, le
chantre de la chanson française. Je ne suis pas
du tout fan de Brassens et de Trenet, par
exemple. Certains journalistes, dans les
années 1990, voulaient à tout prix me faire parler
de la chanson française, alors même que
j’écoutais de la drum’n’bass dans les clubs avec
mes jeunes musiciens.
En 1989, le single “J’aime un pays”, ode à une
France métissée, fait un carton.
K. : Oui, l’album À nos amours dont il est extrait
a très bien marché. Je voulais réagir à cette
France qui commençait à se laisser séduire par
les discours xénophobes du FN. Cette chanson
a rencontré son époque. J’ai eu de la chance.
Outre la BD, vous avez écrit des romans et des
livres pour enfants : une récréation ?
K. : Un vrai désir et un défi à relever. Pour les
romans, j’ai répondu à des propositions que j’ai
acceptées.
Votre nouvel album, La Grande Illusion, est sorti
début février. Quelle en est la genèse ?
K. : En 2015, je me trouvais au 104 (salle d’art et
de spectacle parisienne, ndlr) pour jouer mon
disque Métropolitain avec un groupe d’un instant,
Tahiti Boy – alias David Sztanke. Nous
nous sommes particulièrement bien entendus.
J’avais quelques chansons dans le coin de ma
tête. Nous avons décidé de travailler ensemble
pour ce nouvel album. Ils ont été des “déclencheurs
d’envie”.
La politique ?
K. : Je suis de plus en plus spectateur, un peu
fataliste. Je me dis qu’il est difficile d’agir, qu’il
est presque vain de vouloir enrayer la marche du
monde, la mondialisation, l’élection de Trump.
Rassurez-vous, je vote toujours à gauche, même
si j’ai perdu certaines illusions…
EN FANFARE
Le chanteur revient
avec La Grande
Illusion et dix titres
entre pop et rock.
Septembre 2017 rollingstone.fr | Rolling Stone | 23

Q&R
Willie Nelson
La légende vivante nous explique comment faire durer un mariage en étant sur la route
et pourquoi Jeff Sessions doit juste fumer un peu d’herbe. Par Patrick Doyle
N
ous sommes à la
veille du 84 e anniversaire
de Willie
Nelson, mais ses
projets en la matière restent
modestes. “Je vais juste essayer
d’être là”, dit-il en riant depuis
son bus de tournée, le Honeysuckle
Rose, actuellement garé à
Laughlin, dans le Nevada, un
arrêt de plus dans son planning
de tournée fou furieux : deux
semaines de concert, deux
semaines de repos. “J’aime toujours
ça, dit-il. Ce sont les deux
semaines de repos qui sont un
peu longues.” Cet été, Willie va
tourner avec l’Outlaw Music Festival,
qui comprend des dates
avec Bob Dylan, Sheryl Crow,
Jason Isbell et les fils de Nelson,
Lukas et Micah. Il est impatient
d’interpréter en public les chansons
de son excellent nouvel
album, God’s Problem Child. “Ça
va être une super-occasion de
revoir beaucoup de vieux amis”,
dit Nelson qui, après des milliers
de concerts, a son truc à lui pour
maintenir l’intérêt de ses prestations
: “Je n’essaie pas intentionnellement
de déstabiliser le
groupe, mais je joue des chansons
qu’ils ne connaissent pas. Et
parfois, quelque chose de
magique se produit.”
Votre nouveau single, “Still Not
Dead” [Toujours pas mort], est hilarant.
Qu’est-ce qui vous l’a
inspiré ?
Willie Nelson : Il y a des années,
quand j’ai écrit “On the Road
Again”, j’ai entendu dire pour la
première fois que j’étais mort.
Quelqu’un a dit : “Willie chantait
‘On the Road Again’ et il a été
renversé par un bus.” Ça a été
amusant pendant quelque
temps. Puis j’ai entendu ce que
vous appelez des “faits alternatifs”
: ces deux dernières années,
deux ou trois fois, en me levant,
j’ai appris que j’étais décédé. Je
voulais juste leur faire savoir que
c’était un gros tas de conneries.
Cet été, vous serez réunis avec
Dylan. C’est comment, quand vous
traînez ensemble tous les deux ?
W. N. : Je ne pense pas que ce soit
souvent arrivé. On fait plus de
musique ensemble qu’on ne parle,
et c’est probablement une bonne
chose. [En 2004,] mon fils Lukas
et Dylan se sont vraiment bien
entendus ; il l’a rejoint sur scène
pour jouer de la guitare avec lui,
ils ont beaucoup jammé sur ces
tournées. C’était sympa.
Quel est votre artiste préféré, sur
scène ?
W. N. : Leon Russell était l’un des
plus grands showmen qui aient
jamais existé. La première fois
que je l’ai vu, il jouait devant
environ 40 000 personnes, au
Nouveau-Mexique. Je n’avais
jusqu’alors jamais vu quelqu’un
jeter son chapeau dans le public.
C’est là que j’ai volé l’idée.
Jeff Sessions, procureur général
des États-Unis dans l’administration
Trump, a récemment déclaré que
l’herbe est “seulement légèrement
moins terrible” que l’héroïne…
© TAYLOR HILL
24 | Rolling Stone | rollingstone.fr
Septembre 2017

W. N. : Je me demande s’il a essayé
les deux. Je ne pense pas qu’on
puisse faire une telle déclaration
sans avoir tout essayé. Donc, j’aimerais
suggérer à Jeff d’essayer
et, ensuite, de me faire savoir s’il
pense toujours dire la vérité !
Quel est votre sentiment sur la
présidence de Donald Trump jusqu’à
maintenant ?
W. N. : Eh bien, je le connais depuis
longtemps, du temps où il possédait
des casinos, et j’ai travaillé
pour lui. Il m’a toujours payé. Je
n’ai jamais eu aucun problème. Je
pense qu’il a mis le pied dans un
monde complètement différent. Il
l’a d’ailleurs dit récemment : “Je
ne pensais que ce boulot allait être
si difficile.” C’est facile, quand on
a la possibilité de se déclarer en
faillite quand on veut, de dire : “Je
te ferai un chèque plus tard.” Mais
c’est plus difficile quand on est
président des États-Unis.
enfoiré, et ne soit pas un putain
d’enfoiré.” La mienne a toujours
été : “Ne cherche pas la merde et tu
ne te retrouveras pas dans la
merde.”
Vous êtes marié à Annie, depuis
vingt-cinq ans. Qu’avez-vous appris à
propos du mariage ?
W. N. : C’est un peu comme ce que
disait Donald Trump à propos du
fait d’être président : il n’y a rien de
facile, là-dedans. Chaque jour est
un dur labeur. Ça n’est pas pour
tout le monde. J’ai été marié plusieurs
fois.
Que vous a appris le golf à propos
de la vie ?
W. N. : Absolument que dalle !
Quelqu’un m’a dit, un jour : “Tu
abîmes une belle balade en jouant
au golf.” Mais j’adore jouer. J’y suis
allé l’autre jour avec mes fils. J’ai
fait un eagle sur un par four, j’étais
content.
“ ON PEUT FAIRE PLUS DE
CHOSES AVEC LA MUSIQUE
QU’AVEC DES DÉBATS
ET DE LA POLITIQUE. ”
Vous vendez des autocollants
“Willie Nelson for President”. Est-ce
que beaucoup de gens vous poussent
à vous présenter ?
W. N. : Oh oui ! Ce qui me rend
encore plus heureux de ne pas
l’avoir fait ! J’ai failli y aller à deux
reprises. Et puis, j’ai dessaoulé.
Donc, Trump ne vous a pas donné
envie d’intervenir ?
W. N. : Je pense qu’on peut faire plus
de choses avec la musique qu’avec
des débats et de la politique. Je
pense qu’une chanson touche plus
les gens que quoi que ce soit
d’autre. Il y a une raison pour
qu’on appelle cela “l’harmonie” :
quand on donne un concert, il y a
un échange d’énergie inimaginable
avec les gens. C’est la raison
pour laquelle je me produis en
public. J’en retire aussi quelque
chose.
Quelles règles avez-vous imposées
à vos enfants ?
W. N. : Ma femme en a une, qui se
décompose en trois principes : “Ne
sois pas un enfoiré, ne sois pas un
Faites-vous toujours de l’exercice
quotidiennement ?
W. N. : Ouais. Je monte à cheval, je
nage ou je cours. Jurer est également
un bon exercice – je fais ça,
aussi.
Quel est votre juron préféré ?
W. N. : Je dis à tout le monde que
quand je serai président, “Fuck it”
s’écrira en un seul mot.
Vous avez lancé votre propre
société d’exploitation de marijuana,
Willie’s Reserve. Comment ça
marche ?
W. N. : Ça marche bien ! J’ai des gens
qui s’en occupent plus ou moins
pour moi. Annie s’occupe du côté
comestible – c’est une grande cuisinière.
Elle travaille avec le
Colorado et avec tous les endroits
où c’est légal.
Est-ce qu’il y a un inconvénient à
fumer de l’herbe tous les jours ?
W. N. : Je n’en ai pas encore trouvé.
Je suppose que quand on va
quelque part où c’est illégal, c’est
plutôt un inconvénient.
Septembre 2017

SOMEBODY TOLD ME…
Brandon Flowers, toujours
à la recherche de nouvelles
sources d’inspiration.

ROCK & ROLL
THE KILLERS
Tueurs (passion)nés
Les Killers commettent leur nouveau crime, cinq ans après Battle Born.
Wonderful Wonderful, disponible le 22 septembre, a été voulu comme un retour
aux sources. C’est à Londres que Rolling Stone a rencontré deux membres
du gang, Brandon Flowers et Ronnie Vannucci Jr. Par Vincent Guillot
© ANTON CORBIJN
Cinq ans entre deux albums,
c’est un record
pour les kids de Las
Vegas. Mais le tout nouveau
Wonderful Wonderful devrait
à nouveau affoler les compteurs.
Aux États-Unis comme en
Angleterre, le groupe de Brandon
Flowers fait partie des cadors du
pop-rock. Ci-devant, le charismatique
frontman est en de bonnes
dispositions, souriant, voire blagueur.
Le batteur et lui ont œuvré
sur différentes œuvres – solo ou
side project – avant de réunir le
gang au complet. Histoire de
laisser souffler leurs comparses.
“Nous avons tourné pendant
deux ans sur l’album précédent,
confie Brandon. C e r t a i n s
membres du groupe n’aiment pas
forcément partir en tournée. Ils
ont besoin d’espace.”
L’espace-temps nécessaire écoulé,
les Killers se sont mis en quête de
l’homme clé pour mettre en boîte
ce cinquième effort, lequel s’est
avéré être Jacknife Lee, vu chez
U2, REM, les Hives mais aussi le
boys band One Direction et
Taylor Swift. “Nous avons organisé
un véritable speed dating de
producteurs. On a effectué des
essais, pas mal discuté, raconte
Ronnie. Jacknife avait une approche
totale, une vision. Il parlait
le même langage que nous. Le
courant est passé très vite.”
Ce nouvel opus marque un retour
aux sources, selon Flowers luimême.
“En octobre dernier, nous
avons donné un concert pour les
10 ans de Sam’s Town. Il y avait
les vieux décors, les vieilles
lights… Nous n’avions pas encore
d’idées pour le nouvel album, et
nous avons tous eu envie de revenir
vers ça. Je crois que nous y
sommes parvenus.” Pourtant, au
point de départ, son groupe ne se
donne aucune direction particulière
: “Nous sommes mauvais
pour ce genre de trucs. Nous
n’avons jamais défini à l’avance
de direction vers laquelle aller.
J’avais quelques idées auparavant,
nous ne faisons pas de listes
de titres à écouter préalablement
afin de définir ce sur quoi nous
allons travailler.” Ronnie
Vannucci approuve. “Nous expérimentons,
nous essayons de
trouver le moyen de faire avancer
les titres. Nous voyons où ça nous
mène tous ensemble. C’est comme
ça que j’aime bosser avec le
groupe.”
Ces expérimentations peuvent
cependant s’avérer de longue
durée. La chanson “Run for
Cover” a ainsi nécessité huit années
de gestation. “Elle n’a jamais
été complètement au point, explique
Ronnie. Il y avait un problème
avec les paroles, le rythme,
la production. Nous ne l’avons
jamais trouvée à notre goût.” Son
compère poursuit : “Nous ne nous
sommes pas acharnés non plus
ON TOP
Les gars de Vegas
sont de retour avec
un cinquième album.
“ NOUS N’AVONS JAMAIS DÉFINI
DE DIRECTION À L’AVANCE. ”
durant tout ce temps. Nous
l’avons démarrée il y a huit ans,
puis nous l’avons retravaillée de
temps en temps. Notamment au
moment du Best Of. Et nous
avons fini par la terminer de la
manière dont elle le méritait et
nous en sommes heureux.”
Si sur “The Man”, efficace single
où le groupe renoue avec ses sonorités
classiques ponctuées de
samples disco-funk, l’obsession de
se renouveler tout en restant fidèles
à leur marque de fabrique
demeure très forte chez Flowers ;
qui évoque joliment cette problématique
sur “Have All the Songs
Been Written?”. “Quand on lance
un groupe, on peut déjà se poser
cette question. Lorsque tu mesures
tout ce qui a été sorti par les plus
grands maîtres depuis cinquante
ans, tu te demandes comment
toi, tu vas pouvoir contribuer
à cet ensemble.”
Se mesurer à son œuvre, à celles
des autres : derrière cette idée, il y
a chez Flowers la peur d’un éventuel
déclin. Pensée normale pour
un groupe qui affiche – déjà ! –
treize années d’existence. Il
l’évoque via une surprenante parabole
: le combat perdu par Mike
Tyson en 1990 face à James
“Buster” Douglas sur la chanson
“Tyson vs. Douglas”. “C’est un combat
qui m’a beaucoup impressionné.
Il m’est revenu à l’esprit,
cela m’a obsédé et je me suis dit que
je devais en faire quelque chose. La
conclusion, après tout, était que je
ne voyais plus le monde de la
même façon à la suite de ce match.
Tyson était à son sommet, ce combat
était un événement majeur à
Vegas, et même dans le monde
entier. Il était invaincu. Pour mes
enfants, je suis Tyson, je suis cette
perfection. Bien sûr, je ne suis pas
vraiment parfait. Mais je ne veux
pas descendre de mon piédestal.
C’est ce que je raconte dans le troisième
couplet.”
On objecte qu’à l’époque, Douglas
aurait dû être compté K.-O. avant
son coup victorieux. Notre homme
balaie : “Le comptage était juste. Il
ne s’était pas assez entraîné. En
fait, c’était le début de la fin pour
Tyson.” Une manière de dire que,
pour les Killers, l’exigence reste de
mise pour reculer sans cesse
l’heure de jeter l’éponge.
Septembre 2017 rollingstone.fr | Rolling Stone | 27

TRÉSOR ENTERRÉ
Glenn Hughes
I’m a Soul Man
Icône du heavy metal, l’ex-chanteur et bassiste de Deep Purple n’est jamais autant inspiré
que lorsqu’il joue de la musique noire américaine. Par Bertrand Deveaud
Glenn hughes était-il
fait pour le hard rock ?
Après cinquante ans de
carrière, avoir joué avec
Deep Purple ou Black Sabbath,
hurlé des torrents de décibels et fait
vrombir sa basse dans tous les festivals
de la planète, gardé son allure
de rockstar à 65 ans malgré plusieurs
overdoses de cocaïne, la réponse
est évidente. En réalité,
Hughes est un chanteur de soul.
“Le Glenn Hughes ‘soulful’ est le vrai
Glenn Hughes”, affirme-t-il. Le besoin,
sans doute, de rappeler qu’il
n’est pas forcément celui qu’on croit.
“Je ne me suis pas égaré dans le
hard, mais je n’ai pas toujours joué
la musique que j’avais en moi.”
Né en 1952, dans une région rurale
de l’Angleterre, Glenn Hughes grandit
en écoutant James Brown, Otis
Redding et les grandes figures de la
Tamla Motown : Stevie Wonder,
Marvin Gaye, The Temptations…
“C’est une musique d’émotions et de
sensations qui me parle. Ça va droit
au cœur, au plus profond de soi, ça
ouvre les portes de l’âme.”
Alors pourquoi ce passionné de
soul, de rythm’n’blues et de funk,
doté en plus d’une voix parfaitement
calibrée pour ça, a-t-il atterri
chez Deep Purple ? Cette question,
David Bowie a été le premier à se la
poser. C’était en août 1974, à Los
Angeles. Glenn termine les sessions
de Stormbringer, son deuxième
album avec Deep Purple, aux
studios Record Plant, pendant que
David, en tournée américaine
( Diamond Dogs Tour), s’apprête à
commencer l’enregistrement de
Young Americans, qu’il annonce
très “blue-eyed soul”.
“Je venais d’arriver dans ma
chambre du Beverly Wilshire Hotel
lorsque je reçois un coup de fil
d’Angie, sa femme, pour me dire que
David m’avait vu lors du California
Jam, un concert retransmis sur
ABC, raconte Glenn. Il avait été
impressionné par ma performance
et avait très envie de me rencontrer.”
Glenn rejoint David dans sa suite,
un étage plus haut. Et là, c’est un
défilé de rockstars. Il y croise Keith
Moon, Ronnie Wood, Alice Cooper,
Iggy Pop… Très vite, les deux
hommes se retrouvent seuls, et
David lui demande, intrigué :
“Comment un soul guy comme toi
s’est-il retrouvé à faire du metal ?”
Glenn répond :“C’est une proposition
que je ne pouvais pas refuser.
Et le groupe savait que j’adorais la
soul et le funk.” Toute la nuit, Glenn
et David vont parler de black
music. Et deviendront les meilleurs
amis du monde.
Le lendemain, David, qui souffre de
paranoïa et ne sort presque jamais
de son hôtel, retrouve Glenn au
studio. Ce jour-là, le groupe enregistre
“Hold On”, un titre au groove
imparable, dont Glenn assure une
partie du chant. “David, qui s’était
fait discret, s’est mis à danser dans
le studio. Il était dingue de cette
chanson.”
L’orientation soul et funk donnée à
Stormbringer apparaît de plus en
LUNETTES NOIRES
David Bowie et Stevie
Wonder seront
ses parrains soul.
plus claire. D’autant qu’au même
moment, dans le studio d’à côté,
Stevie Wonder travaille sur Songs
in the Key of Life. Un signe des
dieux pour Glenn. “Quand j’ai appris
qu’il était là, j’étais sur un
nuage. Mon idole, ma source d’inspiration
principale, ici, au Record
Plant ! Je ne voulais pas le déranger
pendant une séance, alors je l’ai
attendu à la sortie des toilettes.
Comme un fan un peu pressant… Il
a été incroyablement gentil, et a
même accepté d’écouter ‘You Can’t
Do It Right’, que l’on était en train
de mixer.” Une chanson, aux accents
de “Superstition”, que Stevie
aurait pu composer. “Hey, man ! Je
crois qu’on aime la même musique
et qu’on a les mêmes références”,
lance-t-il à Glenn, encourageant le
groupe à continuer dans cette direction.
Stevie Wonder dira plus
tard : “Mon chanteur blanc préféré
vient d’Angleterre, et il s’appelle
Glenn Hughes.”
Pour Glenn, cette double reconnaissance
de prestige (Bowie/
Wonder) le conforte dans son
choix : faire du groupe de “In Rock”
et “Machine Head” un supergroupe
de funk-rock. Et troquer sa
panoplie de hard rocker contre
celle de soul man. Mais la machine
Deep Purple est devenue trop
énorme. Les fans du groupe veulent
d’abord du gros rock. Stormbringer
est encore bien accueilli, mais l’album
suivant Come Taste the Band,
toujours teinté de soul, est un
échec. L’année suivante, Glenn
publie Play Me Out, son premier
album solo, un hommage (un peu
raté) à Stevie Wonder. Nouvel
échec. En cette fin des années
1970, la soul est supplantée
par le disco, le punk explose, le
hard rock style
“glam metal” se
propage et Glenn, addict à la co-
caïne, ne sait plus où il en est.
“C’était une période difficile pour
moi, j’ai fait souvent n’importe
quoi, joué sans envie. Je me suis
laissé entraîner là où mon public
m’attendait.” Glenn oublie la
soul, joue avec Black Sabbath,
Gary Moore, Mötley Crüe, prend
du poids, de plus en plus de cocaïne
et se fait désormais surnommer
“The Voice of rock”.
Le “soul guy” n’est plus qu’un souvenir,
qui parfois refait surface lors
d’éclairs dans quelques albums
solos (Feel, Music For the Divine).
Aujourd’hui, Glenn va beaucoup
mieux. Il ne se drogue plus, mange
bio, a retrouvé une silhouette de
jeune premier et annonce un album
100 % soul d’ici à deux ans.
“Quelque chose qui me ressemble
vraiment.” En attendant, il faut
réécouter Stormbringer et surtout
You Are the Music… We’re Just the
Band, le troisième album du groupe
Trapeze, une merveille absolue de
rock-funk sortie en 1972. Glenn
avait 20 ans. C’était juste avant de
rejoindre Deep Purple…
© MIKE PRIOR/GETTY IMAGES
28 | Rolling Stone | rollingstone.fr
Septembre 2017

HOMMAGE
Uncle Sam
Sam Shepard portait en lui une image et un regard. Et une autre vision de l’Amérique.
Et ses héritiers – que ce soit de l’auteur, de l’acteur comme du scénariste – sont nombreux.
Par Charles Bloch
I
l la portait sur chacun
des traits de son visage.
L’Amérique. À l’heure où il
faut se faire à l’idée que
tout a déjà été dit sur sa
vie, c’est un regard qui reste en
tête. Bleu, fixe et aligné comme
le viseur d’une carabine. Un
regard hiératique comme seules
les icônes peuvent en porter. De
Bowie à Walken, de Lincoln à
Joe Hill. Au-delà de d’une beauté
profonde, il y avait ce réflexe instinctif,
quand il regardait la
caméra trop longtemps : on baissait
les yeux.
Ils sont quelques-uns comme ça
à catalyser la culture américaine,
ils se connaissent et sont amis.
Stanton, Kristofferson… Bob
Dylan lui-même le sollicita pour
chroniquer sa tournée Rolling
Thunder, en 1975. La reconnaissance
des pairs, quatre ans avant
son Pulitzer. De fait, les chroniques
devaient servir de scénario
à un film qui ne verra jamais
le jour. Shepard écrira sur la
tournée comme un insider, silencieux,
à balayer les gens, les
éventements.
La solitude, le voyage, le silence.
Comme des couleurs primaires,
elles composeront ce qu’il était.
Une présence taiseuse, toujours
debout et reconnaissable. Il était
cet homme qui remplissait le
désert à lui tout seul. Un pilier.
Un père. Mais pas le patriarche.
Pas celui qui reçoit ses enfants à
Thanksgiving, pas le bon père à
la Norman Rockwell. Étonnant,
d’ailleurs, tant on jurerait qu’il
s’est échappé d’une de ses toiles.
Non. Le père absent, celui qui
n’est pas là. Celui qui est parti il
y a longtemps, dont on n’a que
des souvenirs racontés. Celui
dont maman ne veut pas parler.
Celui qui nous a forcé à se
débrouiller sans lui. Celui qui
nous a rendu fort. Le père absent
de Paris, Texas – il en signera le
scénario pour Wenders, avec qui
il partage l’amour de la route.
Celui qui viendra frapper maladroitement
à la porte, même si
on lui avait bien dit : “Don’t come
Lorsque Harry Dean Stanton
reste muet dans le désert et pendant
des jours, une casquette
rouge visée sur le crâne, c’est
parce que Shepard l’a écrit.
Alors, bien sûr, il reste les frères
d’armes, Harry Dean Stanton,
donc, Tommy Lee Jones, Robert
Duvall... Quelques héritiers
aussi, Matthew McConaughey,
Josh Hartnett, Billy Bob
Thornton. Des adeptes de l’underplay,
le sous-jeu dont parlait
Jean-Pierre Melville quand il
évoquait Lino Ventura. Cette
façon de faire comprendre sans
exprimer, de dévaster sans
exploser. L’alternative à l’Actor
Studio. Pas d’éclats de voix, chez
Sam Shepard, il avait le pouvoir
des silencieux. Un point en commun
avec Clint Eastwood. Une
“ IL ÉTAIT CET HOMME
QUI REMPLISSAIT LE DÉSERT
À LUI TOUT SEUL. UN PILIER. ”
© GETTY IMAGES
knocking” (même histoire avec
Wim) après avoir préféré vivre sa
vie d’homme plutôt que sa vie de
famille.
Perdre sa dernière bataille à
Midway. Joli clin d’œil du ciel
pour un fils de pilote. Un retour
de pied de nez pour l’avoir défié,
ce ciel, à bord d’un X-1 cinégénique.
Pour ces soleils aux compteurs,
ce crash dans le désert et,
face à la Jeep affolée qui venait à
son secours, ce rictus ensanglanté
qu’il porta debout, son
casque à la main, silencieux. Oui,
Shepard c’était le héros qui
n’avait rien à dire à personne,
aucune explication à donner. Sûr
de lui ou en tort, un fusil à la
main ou désarmé, face au regard
d’une femme. Shepard était
Shepard devant l’objectif ou assis
derrière une machine à écrire.
voix qui dénote de son faciès de
superhéros. Plutôt douce, claire
et rare, comme pour exprimer la
précaution permanente de ceux
qui ne sont pas chez eux, ceux
qui ne sont que de passage, qui
savent qu’ils ne resteront pas.
Même en essayant, il est impossible
de faire correspondre Sam
Shepard à un cliché américain.
Pas un cow-boy solitaire, ni un
hors-la-loi. Pas un témoin de
notre temps, ni un auteur torturé.
Les clichés sont des schémas
appliqués, Shepard les réécrivait
sans cesse. Sortant chaque élément
de cette Amérique qu’on
croit connaître pour la dénuder.
Un homme capable de faire
revivre n’importe quel mythe, de
Billy the Kid à la course à l’espace,
de Dylan aux motels. Des balades
au paradis.
Septembre 2017 rollingstone.fr | Rolling Stone | 29

SET IN MOTION
MEMORIES
Parcours de
vie bien rempli
pour le Rennais,
de la musique
à la politique.

Q&R
Frank Darcel :
“ Se construire une vie différente ”
Musicien, écrivain, producteur, éditeur et militant… Avec près de quarante ans de carrière,
l’ex-Marquis de Sade est à nouveau sur le devant de la scène. Collector. Par Philippe Barbot
© JO PINTO MAIA
I
l y a déjà des lustres, à
l’époque où les jeunes gens
modernes aimaient leurs
mamans et posaient en une
du magazine Actuel, il coprésidait
aux destinées du groupe Marquis
de Sade. Un orchestre mythique,
champion de la new wave rennaise
qui, le temps de deux albums à
l’orée des années 1980, a su réinventer
un rock sombre et lyrique
mâtiné d’influences européennes et
de rythmes new-yorkais, mélangeant
expressionnisme allemand et
punk anglo-saxon, singularisé par
un répertoire trilingue et la voix et
la gestuelle du chanteur Philippe
Pascal. Près de quarante ans après,
Frank Darcel manie toujours la
guitare, mais a également empoigné
le micro, au sein d’un nouveau
combo nommé “Republik”, dont le
deuxième album, Exotica, est paru
il y a quelques mois. Un disque résolument
contemporain, impérieux et
romantique, dans lequel on
retrouve les influences chères à ce
fan du Velvet Underground et des
Talking Heads, dont il a invité,
entre autres, Tina Weymouth et
Chris Frantz sur le précédent opus.
Musicien, écrivain, producteur, éditeur
et militant, Frank Darcel a eu
plusieurs vies. Il a guidé les premiers
pas de Pascal Obispo, accompagné
Étienne Daho sur le chemin
du succès, produit des disques d’or
au Portugal et un album pour Alan
Stivell, écrit trois romans (le prochain,
Pagan, un polar rennais,
sortira en novembre), supervisé une
somme en deux volumes sur l’histoire
du “Rok” en Bretagne et continue
d’œuvrer pour l’autonomie de
sa région natale. À l’heure où l’on
réédite les albums culte de son premier
groupe, réuni pour un concert
événement, rencontre avec un activiste
débordant d’activité.
Trente-six ans après la dissolution du
groupe, il est question d’une reformation
de Marquis de Sade. Qu’en est-il ?
F. D. : C’est venu d’un ami graphiste,
Patrice Poch, un passionné de
longue date du groupe, qui a toujours
collectionné les archives et
même répertorié toutes nos
anciennes dates de tournée. Il a eu
envie d’organiser une expo qui
aura lieu en septembre, à Rennes,
avec la collaboration d’artistes
illustrant chacun un titre de
Marquis de Sade. Dans ce cadre, il
nous a convaincus de faire un
concert unique. L’idée est de
recréer surtout l’ambiance du premier
album, Dantzig Twist.
À l’époque, Marquis de Sade était
considéré comme un groupe à part,
plus européen que français…
F. D. : Nous sommes nés à cause des
groupes à deux guitares comme
Television, Richard Hell and the
Voidoids ou les Feelies, que j’avais
vus à plusieurs reprises à
New York, en 1978. Nous ne voulions
surtout pas ressembler aux
groupes français de l’époque et
même, ne pas refaire comme ceux
que nous aimions. Nous étions
influencés par les mouvements
culturels d’entre-deux-guerres, le
cinéma expressionniste, les films
de Wenders, ce pont entre
l’Europe de l’Est et l’Amérique.
Avec tout ça, nous avons fait notre
mélange à nous.
Qu’est ce qui, finalement, a provoqué
la fin du groupe ?
F. D. : Après le deuxième album,
Rue de Siam, en 1981, nous avons
commencé à avoir des dissensions
musicales. J’allais souvent à
New York, grâce à un oncle qui
avait émigré là-bas. Je hantais les
clubs et j’avais découvert les
Talking Heads, mais également
Material, le groupe de Bill
Laswell. J’avais envie d’introduire
ce côté soul urbain dans notre
musique. Et puis notre label, s’il
était sympathique, avait un côté
bricolo qui ne nous satisfaisait
plus. Je pensais que l’on méritait
davantage de soutien et de
moyens. En fait, le message punk
me plaisait vraiment : ne rien
inscrire dans la durée, réinventer
son avenir en décidant de tout
casser et de recommencer.
Ensuite, à côté de Marc Seberg, le
groupe de Philippe Pascal, vous fondez
Octobre, puis Senso, avec un
chanteur nommé Pascal Obispo…
F. D. : Avec Octobre, nous avons
enregistré deux albums avec deux
chanteurs différents, dont Patrick
Vidal, ex-Marie et les Garçons.
Nous avons même joué en première
partie de David Bowie, à l’hippodrome
d’Auteuil, en juin 1983. Puis
j’ai créé Senso, deux albums aussi,
dont un avec Pascal Obispo : il était
bassiste à l’époque, une sorte de
“J’AIMAIS BIEN LE
MESSAGE PUNK :
RÉINVENTER
SON AVENIR,
TOUT CASSER ET
RECOMMENCER.”
rocker sophistiqué qui écoutait
David Sylvian et Sakamoto. Un
jour de répétition, il nous a fait une
imitation très réussie d’Yves
Montand et je lui ai proposé de
prendre le micro. C’est ce jour-là
qu’il est devenu chanteur. Le
disque n’est sorti qu’à mille exemplaires
et est passé assez inaperçu.
Mais j’ai été l’éditeur de son premier
album solo, ce qui a amélioré
mon ordinaire…
Comment avez-vous été amené à
collaborer avec Étienne Daho ?
F. D. : J’ai commencé à travailler sur
ses premières maquettes, comme
musicien, arrangeur et co-compositeur.
Comme le premier album,
Mythomane, n’avait pas vraiment
marché, on lui a demandé d’enregistrer
ensuite un maxi-single. On
a fait “Le Grand Sommeil” avec
trois francs six sous et ça a été le
premier tube radio d’Étienne. Du
coup, j’ai produit l’album suivant
La Notte, la Notte, en 1984, qui a
été disque d’or. Puis le titre “Tombé
pour la France”. Les groupes commençaient
à me lasser, j’étais ravi
de me lancer dans la production.
Ensuite, je suis parti pour le
Portugal où j’ai travaillé dix ans,
essentiellement avec un artiste très
populaire là-bas, Paulo Gonzo,
dont j’ai produit cinq albums.
Après le Portugal, vous devenez
militant autonomiste breton. Un
retour aux sources ?
F. D. : Je suis né à Loudéac, au cœur
du pays breton, mais je me sentais
plutôt européen. J’avais un grandpère
qui militait pour la défense de
la langue bretonne et un jour, je
suis tombé sur une caisse de livres
qui lui appartenaient. Ça a été un
choc terrible. Je me suis rendu
compte que tout ce que j’avais
appris à l’école n’avait rien à voir
avec l’histoire du lieu où je vivais,
que le roman national français a
complètement occultée. Plus tard,
j’ai participé aux élections municipales
de 2008 avec le Parti Breton
et je suis devenu collaborateur politique
à la mairie de Rennes pendant
trois ans. En 2014, j’ai fait
partie de la liste de Breizh Europa,
un micro-parti qui milite pour une
citoyenneté bretonne et européenne.
Nous avons fait 3,8 %, ce
qui n’était jamais arrivé. Aux prochaines
municipales, je serai tête
de liste à Rennes.
La musique, la politique, l’écriture…
C’est quoi le lien dans tout ça ?
F. D. : Dans ma vie, j’ai fait plein de
petits boulots : carreleur en
Bretagne, livreur de perruques à
Manhattan, régisseur en Chine,
marchand de tableaux sur
Internet, importateur de guitares
vintage… Mais j’ai compris assez
vite que la musique permettait de
se construire une vie différente.
L’écriture et le militantisme en
font pleinement partie. Le tout
est que cela dure le plus longtemps
possible…
Septembre 2017 rollingstone.fr | Rolling Stone | 31

ANNIVERSAIRE
Chroniques sous influence
e
De l’apologie du psychédélisme aux enquêtes sur les abus de la lutte antidrogue,
Rolling Stone aura étudié de nombreux aspects de la relation complexe
que les États-Unis ont toujours entretenue avec les stupéfiants. Par DAVID BROWNE
En octobre 1967, alors que le
premier numéro de Rolling
Stone est sur le point de sortir,
la petite équipe du magazine
apprend une nouvelle incroyable
: des membres du Grateful Dead
viennent d’être arrêtés pour détention de
marijuana dans la maison où ils habitent
en communauté dans le quartier de
Haight-Ashbury à San Francisco, à
quelques kilomètres seulement des bureaux
de la rédaction. “C’était vraiment
bizarre”, se souvient le photographe en
chef Baron Wolman. “Le bureau des cautions
était juste à côté de nos locaux, alors
j’y suis allé. Ils étaient en train de payer la
leur.” Jann S. Wenner, fondateur et rédacteur
en chef du magazine, demande alors
à Wolman de pendre un cliché du groupe,
qu’il accompagnera, pour le premier numéro,
d’un article décrivant huit agents de
la brigade des stupéfiants qui “n’avaient
pas de mandat et sont entrés dans la maison
par effraction alors qu’on leur en avait
refusé l’accès.”
À cette époque, cela fait déjà longtemps
que le rock’n’roll et la drogue sont indissociables. Les Beatles et Bob
Dylan parlent de la liberté créatrice que permet l’usage des drogues
psychédéliques ; les fans se roulent des joints sur les pochettes
d’albums et planent en écoutant Sgt. Pepper’s Lonely Hearts Club
Band et Blonde on Blonde. Il n’y a donc rien d’étonnant au fait que,
dès ses débuts, le magazine parle de drogue. “Rolling Stone était issu
de la culture de la drogue, explique Wenner. En parler faisait partie
de notre mission, qui consistait à couvrir tous les aspects de la culture
de la génération des baby-boomers.” Un des premiers numéros promet
“QUARANTE PAGES PLEINES DE DROGUES, DE SEXE ET
DE SENSATIONS À PAS CHER”. Une rubrique “Came” propose des
conseils et des infos, par exemple sur la tentative de légalisation de
l’herbe au Canada. Le cinquième numéro du magazine s’accompagne
d’un cadeau d’abonnement assez gonflé : une pince à joint (“Ce petit
gadget bien pratique est à vous pour rien ! Profitez-en maintenant,
avant que cette offre ne soit plus légale !”) Dans les pages du magazine,
les rockers parlent librement de marijuana ou en fument
pendant les interviews. “Rolling Stone a été l’un des premiers endroits
où les gens ont avoué sans détour qu’ils fumaient de l’herbe”,
raconte Robert Greenfield, alors correspondant du magazine à
Londres, et qui réalisera un peu plus tard une interview du roi du
LSD et technicien du son Owsley Stanley. “Les gens comme Timothy
Leary se faisaient incarcérer parce qu’ils fumaient de l’herbe. Mais
à Rolling Stone, il y avait des gens qui osaient parler de ce que c’était
que planer, ce qui était assez courageux à l’époque.”
Un drôle de trip
À gauche : Les Grateful Dead et leurs amis devant leur maison
de Haight-Ashbury juste après leur arrestation pour détention
et usage de marijuana, en 1967. Le récit de l’arrestation, écrit
par Jann Wenner, paraîtra dans le premier numéro du magazine.
Ci-dessus : publicité de Rolling Stone en 1968 pour un porte-joint
offert aux abonnés.
Mais les articles sur la drogue ne sont pas toujours aussi légers. “Nous
voulions en parler de manière responsable, explique Jann S. Wenner.
Il fallait être honnête sur les aspects ludiques, mais également sur les
dangers.” Basé sur des questionnaires fournis aux troupes américaines
postées à travers le monde, l’article du journaliste Charles Perry “Estce
bien ainsi qu’on doit faire marcher l’armée : défoncée ?”, qui paraît
en 1968, explore l’utilisation de l’herbe par les soldats au Viêtnam.
“L’armée a retiré des centaines de milliers d’étudiants de l’école pour
les larguer dans ce qui ressemble au paradis de la marijuana, écrit
alors Charles Perry. Au Viêtnam, on peut l’acheter déjà roulée sous
forme de cigarette en paquet de dix (200 par cartouche) et le paquet
coûte un dollar.”
Au même moment, aux États-Unis, l’administration Nixon est sur le
point de déclencher une autre guerre, cette fois contre ses propres
concitoyens. En 1971, le président lance une “attaque à grande échelle
contre le problème de la drogue en Amérique” en fondant la Drug
Enforcement Administration (DEA, l’Agence américaine antidrogue).
Dans un article en deux épisodes paru en 1972, intitulé “L’étrange
affaire de la mafia hippie”, le journaliste Joe Eszterhas raconte comment
la Fraternité de l’amour éternel, une communauté hippie installée
en Californie, est harcelée par la justice locale, qui considère les
© GETTY IMAGES. DR.
32 | Rolling Stone | rollingstone.fr
Septembre 2017

© DR.
membres comme une “Cosa Nostra en jeans”. Lors d’une descente,
les autorités ne saisiront qu’une balance, une lettre qui “parle d’un
individu qui utilise de la marijuana” et “une pince à joint contenant
des résidus de marijuana.” Eszterhas explique : “Le pays était divisé
en deux camps bien distincts, et la Fraternité est devenue un exemple
de cette guerre rangée.” Il poursuit : “À cette époque, à Laguna Beach,
c’était la guerre entre les résidents normaux et ceux qui avaient les
cheveux longs, une guerre parfois mortelle.”
Le magazine se lance également dans des enquêtes sur les côtés les
plus sombres de l’abus de stupéfiants, dont des articles sur l’augmentation
de l’utilisation de la cocaïne, de l’héroïne et des Quaaludes.
“Nous prenions bien soin de représenter les aspects négatifs de la question,
précise Wenner. Très tôt, nous avons pris le parti de dire que les
drogues dures étaient mauvaises.”
En 1980, dans un article très dur
sur la propagation de la prise de
cocaïne, Perry décrit comment un
utilisateur “s’est persuadé qu’il
pouvait voir des ‘anticorps noirs’
dans son tissu musculaire qui
faisaient sortir de dangereux vers
blancs de sa peau. Après avoir
examiné les anticorps et les vers
avec un microscope, il a extirpé les
‘vers’ de sa peau avec une aiguille
et une pince à épiler, puis les a
stockés dans des flacons pour les
examiner.” En 1983, l’article
d’Anthony Haden-Guest “Les
jeunes, les riches et l’héroïne”
brosse un portrait
sordide de l’augmentation
de l’utilisation de la
poudre dans l’ère Reagan,
pourrie par l’argent.
Un an plus tôt, Reagan a
donné un coup de jeune
au programme antidrogue
du gouvernement.
La loi de 1986
(Anti-Drug Abuse Act)
2
instaure de nouvelles
condamnations minimums
obligatoires, dont
certaines sont très différentes
selon les États en ce qui concerne la
possession de crack et de cocaïne. Au cours
de la décennie suivante, le nombre de personnes
incarcérées pour des délits liés à la
drogue sera multiplié par six, atteignant
presque 300 000. Dans un édito de 1990,
Wenner décrit la lutte antidrogue comme
“notre prochain Viêtnam” et écrit que “malgré
des décennies d’interdiction et d’efforts
pour faire respecter la loi qui ont coûté des
milliards de dollars, il y a plus de drogue et
de sang dans la rue que jamais.” En 1992, dans son article intitulé
“L’affaire Gary Fannon”, Mike Sager raconte comment un jeune de
18 ans originaire du Michigan a été condamné à la perpétuité pour
avoir organisé une vente de cocaïne avec un policier sous couverture.
Le magazine soutiendra ouvertement la demande de libération de
Fannon et, en 1996, un jugement reconnaîtra l’incitation au crime.
Pour un numéro spécial en 1994, Wenner engage Ethan Nadelmann,
le fondateur de la Drug Policy Alliance, pour coécrire l’article de
couverture réclamant une “nouvelle politique sur la drogue” qui
décriminaliserait les petites quantités d’herbe et permettrait qu’on
“arrête de remplir nos prisons avec des petits dealers et des utilisateurs
malchanceux.” Pour Nadelmann, “c’était très important de faire
1
Covering the Drug Culture
1. Un article paru en 2010 passe
en revue l’économie de l’herbe aux USA.
2. Couverture d’un numéro spécial
de 1994. 3. Un article de 2007 analyse
les échecs retentissants de la lutte
antidrogue.
ce numéro spécial sur la politique en matière de drogue.” Il s’attarde
un instant sur la couverture du magazine, ornée du titre très sérieux
“DROGUES EN AMÉRIQUE” : “Voilà que cette publication dédiée
aux arts et à la musique ne choisissait pas de mettre une star à la
une, mais des mots pour parler de la lutte antidrogue.”
En 15 000 mots, l’article écrit en 2007 par Benjamin Wallace-Wells,
“Comment l’Amérique a perdu la guerre contre la drogue”, passera
en revue trente-cinq ans de gaspillage fiscal, soulignant en particulier
les excès du budget annuel de 12 milliards de dollars alloué à ce
dossier par l’administration de George W. Bush : “Des avions de
chasse pour s’attaquer aux cartels de la drogue colombiens, des sousmarins
pour poursuivre les bateaux des trafiquants de cocaïne dans
les Caraïbes… L’Amérique vaincrait ses ennemis à coup de torpilles
et de F-16.” Pourtant, comme
le fait remarquer le journaliste
Tim Dickinson dans
son article “Pourquoi l’Amérique
ne peut pas abandonner
la lutte antidrogue” paru
l’an passé, “l’infrastructure
profonde de la lutte antidrogue
n’a fondamentalement
pas changé sous
Obama”, qui a entre autres
augmenté les budgets alloués
à l’application des lois
antidrogue. Comme Dickinson
le dit : “Nous n’avons
jamais eu peur de faire remarquer
la stupidité de la
lutte antidrogue.”
Dickinson rappelle également
la suspicion avec laquelle
le cannabis thérapeutique
a d’abord été reçu : “Les reporters
de la côte Est pensaient que tous
ceux qui voulaient utiliser le cannabis
thérapeutique étaient des
hippies qui tentaient de rouler les
gens.” Mais l’article
3
“Marijuanamerica” de
Mark Binelli, paru
en 2010, montre comment
la marijuana médicale est
devenue une force économique,
et décrit “un moment
clé, charnière”, une
drôle de rencontre entre
“des hors-la-loi vertueux
et des dealers droits dans
leurs bottes, des marginaux
consciencieux et des
affreux armés jusqu’aux
dents, qui doivent tous à
présent adapter leurs
compétences à un paysage économique et juridique en perpétuelle
évolution.”
La marijuana thérapeutique est désormais légale dans vingtneuf
États et huit États, ainsi que le District of Columbia autorisent
l’usage récréatif du cannabis. “Ce monde est différent de celui dans
lequel nous avons grandi, commente Dickinson. Aujourd’hui, il y a
une pharmacie, une épicerie et un dispensaire dans chaque centre
commercial.” Et alors que Donald Trump et son procureur général Jeff
Sessions expriment le désir de revenir aux jours les plus durs de la lutte
antidrogue, Dickinson conclut : “Observons où cela nous mènera. Nous
devons rester vigilants.” Comme le dit Wenner : “Nous avons fait notre
travail, et nos lecteurs sont avec nous.”
TRADUCTION ET ADAPTATION DE KATHLEEN AUBERT
Septembre 2017 rollingstone.fr | Rolling Stone | 33

NICE GUYS
Une œuvre prolifique,
une pop inspirante,
le duo étincelle toujours.

ROCK & ROLL
Sparks forever !
Une pop intemporelle et à forte personnalité : avec ce nouvel album, Hippopotamus,
le duo prouve qu’il a toujours beaucoup de choses à dire. Rencontre. Par Sophie Rosemont
© ELAINE STOCKI
D
isons-le honnêtement,
on ne pensait pas les
retrouver aussi vite. En
effet, les frères Russell
et Ron Mael nous avaient épatés
lors de leur collaboration avec
Franz Ferdinand, en 2015. Le fruit
de leur travail, FFS, était un disque
de rock parfaitement contemporain,
sautillant et alternatif à la
fois. Lors de la tournée mondiale
qui avait suivi, les Sparks s’étaient
montrés en très grande forme,
mais on n’osait penser les revoir si
vite. Même si ce sont ces mêmes
concerts qui les ont incités à
remettre le couvert ! “Dès le début,
nous avons été très excités par ce
nouvel album, explique Russell
Mael. C’est rare d’avoir l’occasion
de sortir autant de chansons en
une seule vie, de trouver la force de
se réinventer et d’avoir encore un
mot à dire à notre âge, alors nous
en profitons !”
Nous sommes dans la suite d’un
hôtel du centre parisien. Chic,
mais pas branché. Calme, mais
pas morose. On retrouve là la discrétion
des Sparks… Même si eux
restent reconnaissables entre
mille. Ron, sa fine moustache, sa
cravate et sa coiffure impeccablement
plaquée. Russell et sa chevelure
ébouriffée, son style plus
décontracté et ses chaussettes de
couleur. Tous deux ont respectivement
71 et 68 ans mais ne les font
pas, même de près – sans doute
grâce à l’air pur californien dans
lequel ils baignent depuis leur
naissance à Los Angeles. Là où ils
écoutaient, enfants, les Kinks,
Pink Floyd ou les Who. Dès le
début des années 1970, alors qu’ils
étudient le théâtre et le cinéma à
l’UCLA, ils écrivent leurs propres
morceaux. D’abord sous le nom
d’Halfnelson, produit par Todd
Rundgren, mais sans grand succès,
puis en tant que Sparks. C’est
avec Kimono My House, en 1974,
enregistré avec des musiciens londoniens,
que les frères Mael
percent véritablement – “This
Town Ain’t Big Enough for Both
of Us” est un tube dont personne
ne s’est vraiment remis. Depuis,
leur bonne réputation n’a jamais
terni et ils ont réussi à passer du
glam à l’art rock et à une drôle
d’électro-pop, avec l’aide de
Giorgio Moroder. En 2006, Hello
Young Lovers témoignait encore
de leur inspiration sans cesse
renouvelée, tout comme leur
comédie musicale consacrée à
Ingmar Bergman. Aujourd’hui,
tout le gratin de la scène pop
contemporaine se réclame d’eux,
d’Arcade Fire à MGMT.
Le secret d’un tel engouement : leur
sens de la mélodie, assorti d’une
rigueur presque étonnante dans le
milieu de la pop. “Hormis l’exception
FFS, nous produisons notre
musique nous-mêmes, précise
Ron. Tout est plutôt cloisonné,
cadré, encapsulé et rassurant.
Notre son est singulier, nous y
tenons beaucoup et préférons ne
pas le laisser à quelqu’un d’autre !”
Le but est d’emporter l’auditeur
ailleurs que chez lui, sans le perdre
en route. Dixit Russell, “ce serait
prétentieux de notre part de parler
de libération des esprits. Cependant,
la pop possède quelque chose
que les autres genres n’ont pas :
plonger dans un état d’esprit, une
ambiance à part.” Enfin, l’esthétique
des Sparks est sans aucun
doute leur point fort. Leur
influence cinématographique est
évidente : les deux frères dévorent
des films depuis leur plus jeune âge
et planchent actuellement sur un
projet avec Leos Carax, qui intervient
sur la chanson “When You’re
a French Director”. “Nous l’avons
récemment rencontré à Cannes. Il
avait utilisé une de nos chansons
dans Holy Motors, ‘How Are You
Getting Home?’, raconte Russell.
ROCK, ROCK, ROCK
Depuis leurs débuts,
les Sparks cultivent
une esthétique à part.
“LA CHANSON EST UN MOYEN LUDIQUE
DE PARLER DE NOS CONGÉNÈRES, AVEC
TOUT LE RESPECT QU’ON LEUR DOIT.”
Nous avons réfléchi à un projet
commun de film, qui se nourrisse
à la fois de nos paroles et de son
expérience personnelle. Ce sera
pour Leos son premier film en
anglais et à gros budget, le tournage
devrait se faire en début d’année
prochaine et nous avons hâte
de voir le résultat !” Nous aussi. En
attendant, on les verra sur la scène
de la Cigale pour les 30 ans de la
salle parisienne, invités par
Catherine Ringer. Depuis leur hit
avec les Rita Mitsouko, “Singing in
the Shower” (en 1988), ils sont restés
très amis. Un peu comme la
plupart des gens qui croisent le
chemin des frères Mael. En particulier
en France, où leur public
leur est acquis depuis des années.
Ce n’est pas un hasard s’ils citent
Édith Piaf dans l’un de leurs nouveaux
titres, “Édith Piaf (Said It
Better Than Me)” : ils ne regrettent
rien, affirment-ils.
Mais ce qui ressort le plus souvent
des morceaux des Sparks, c’est leur
profonde affection pour l’être
humain dans les grandes largeurs.
En le mettant en scène dans des
situations banales (un intérieur au
style suédois dans “ Scandinavian
Design”, au lit avec sa dulcinée
avec “The Missionary Position”) ou
insolite (sur un plateau de cinéma
dans “When You’re a French
Director”, face à une piscine squattée
par un hippopotame dans
“ Hippopotamus”), c’est lui le héros,
quoi qu’il arrive. “La chanson est
un moyen très ludique de parler de
nos congénères avec tout le respect
qu’on leur doit”, confirme Russell
Mael. Sur “What the Hell Is It This
Time?”, en revanche, ils interrogent
indirectement le rapport à
Dieu. Sont-ils croyants ? “C’est rassurant
de penser qu’il peut y avoir
quelque chose, aussi abstrait que
cela puisse être. Ce qui est embêtant,
c’est de ne pas pouvoir faire
appel à Dieu pour des broutilles,
attendre les drames pour le supplier
de nous venir en aide”, sourit
Ron. “Je suis plus attiré par le
bouddhisme et le shintoïsme : la
présence divine compte, elle peut
d’ailleurs se décliner au pluriel,
mais elle régit le quotidien des
hommes avec plus de subtilité”,
répond Russell. En tout cas, leur
spiritualité transperce à travers
leurs textes poétiques jonglant
entre métaphore et pragmatisme,
parlant ainsi à toutes les générations.
C’est le souhait le plus cher
des Sparks, comme l’exprime
Russell : “Notre rêve, ce serait
qu’un jeune écoute Hippopotamus
et se demande pourquoi il n’a pas
acheté nos précédents disques !”
Septembre 2017 rollingstone.fr | Rolling Stone | 35

Q&R
ICONIQUE
La légende de la country
a multiplié les récompenses
tout au long de sa carrière.
Emmylou Harris
Roy, Bob, Neil, Gram, Rodney, Paul, Steve, Townes…
Elle les aura tous chantés et rencontrés. Et surtout, partagé le micro avec eux.
Orbison, Dylan, Parsons, Crowell, Simon, Earle ou Van Zandt…
Les plus grands songwriters américains ont offert un écrin à sa voix magique. Rencontre.
Propos recueillis par Stan Cuesta
Se retrouver au milieu de
nulle part, à Craponne-sur-
Arzon, en Auvergne, pour
une interview exclusive
d’ Emmylou Harris, a quelque chose
de surréaliste et de très émouvant.
Elle est là pour le Country Rendez-
Vous, seule date française de sa
tournée européenne. On y découvre
une grande dame, belle, chaleureuse,
franche, ouverte, drôle. Elle
n’a rien à vendre, nous non plus.
Tant mieux. C’est dans ces cas-là
que la magie opère…
Les Français ont une vision très
romantique de votre association avec
Gram Parsons… Cela vous ennuie ?
Emmylou Harris : Oh ! c’est le cas de
tout le monde. Ça ne me dérange
plus. Mais pourquoi sommesnous
tant obsédés par le romantisme
lié au fait de mourir jeune ?
Vous pensez que c’est pour ça ?
E. H. : Bien sûr, parce qu’il est beaucoup
plus difficile de vieillir. C’est
une telle tragédie que sa vie ait
été si courte. Évidemment,
j’aurais aimé qu’il vive, que l’on ait
la possibilité d’avoir une longue
amitié, peut-être même une histoire
d’amour, parce qu’il est mort
avant que ça puisse arriver… Mais
il m’a tellement donné, dans ma
vie, dans ma musique. Pas seulement
pour l’étape que j’ai franchie
dans ma carrière, en étant connue
à travers lui, mais pour les gens
dont j’ai hérité, son merveilleux
manager, la façon dont on a prêté
attention à ce que je faisais, même
si j’étais en train d’apprendre et de
grandir sans lui. J’ai essayé de
parler de tout ça dans cette chanson,
“The Road”.
Vous avez atteint très tôt une sorte
d’état de grâce avec lui, il y avait
quelque chose de magique entre
vous…
E. H. : J’étais une sorte de folksinger,
j’ai eu la chance de partir sur
la route et de faire un disque,
mais en chemin, j’ai appris, je suis
devenue une vraie chanteuse, j’ai
trouvé ma voie en chantant en
© JACK SPENCER
36 | Rolling Stone | rollingstone.fr
Septembre 2017

© DR/NONESUCH/GETTY IMAGES
harmonie avec Gram. Grâce à lui,
j’ai compris la vraie beauté de la
country music dans ce qu’elle a de
meilleur : des paroles simples, la
tournure d’une phrase, la concision…
Ensuite, bien sûr, j’ai dû
devenir une artiste à part entière,
et j’ai eu la chance d’avoir à mes
côtés des gens comme Rodney
Crowell, de merveilleux musiciens,
de super- producteurs, qui
m’ont permis d’être inspirée… audelà
de Gram. Mais je n’essaierai
certainement
jamais de minimiser l’importance
de son irruption
dans ma vie.
Et vous avez joué avec ses
musiciens…
E. H. : Ensuite, oui, quand la
maison de disques a décidé
que j’avais quelque chose, à
ma grande surprise, ils
m’ont dit : “Prenons le
groupe qui a enregistré ces
deux albums avec Gram.”
C’était essentiellement les
musiciens qui avaient travaillé
avec Elvis : Glen D.
Hardin, James Burton,
Emory Gordy Jr., et John
Ware, des Bellamy Bothers.
Mais je pense que les jokers
ont été Rodney et Hank
DeVito. Tous les trois, nous
étions plus jeunes et apportions
une sensibilité rock.
Rodney était venu à la
country music de façon très
organique : à 10 ans, il jouait
de la batterie avec le groupe
de son père dans les honky
tonks de Houston. Hank et
moi étions plutôt des sortes
de convertis de la côte Est.
Le dernier album de Rodney
Crowell est magnifique…
E. H. : Oh, oui ! Il y a cette
chanson, “Nashville 1972”,
que j’adore. Et l’hommage à
Susanna Clark, bien sûr…
Elle a été tellement importante
pour notre petite
famille. Elle écrivait des
chansons et elle peignait, mais
son esprit, son humour, sa façon
d’habiter le monde… Elle a été
très importante pour Rodney et
moi, et évidemment pour Guy.
En parlant des songwriters que vous
avez chantés, l’un des plus grands est
probablement Townes Van Zandt…
E. H. : J’ai rencontré Townes quand
j’étais une folksinger dans la
galère à New York, une sorte
d’aspirante Joan Baez… Je faisais
la première partie de tous ceux
qui jouaient à Gerde’s Folk City,
qui était l’endroit où tout le
monde passait. C’était extraordinaire
de l’entendre et de le voir…
Il avait vraiment quelque chose.
Je n’avais jamais vraiment
entendu ce genre de paroles chantées
avec ce gémissement hanté à
la Hank Williams. Plus tard, on
est entré en contact par l’intermédiaire
de Guy et Susanna Clark.
C’est intéressant de voir comment
les vies des gens se croisent.
Vous avez travaillé avec les plus
grands. Lequel vous a le plus
impressionnée ?
E. H. : C’était un peu intimidant de
chanter avec Roy Orbison… Un
peu. (Rire.) Mais quel homme
charmant ! Adorable. Et, bien sûr,
Bob Dylan.
Il vous a approchée ?
E. H. : Il ne m’a pas approchée. Je
ne pense pas que Bob approche
qui que ce soit ! (Rire.) C’est son
producteur exécutif qui m’a dit :
“Bob veut une chanteuse pour
faire des harmonies.” Mon ego
m’a fait croire qu’il m’avait entendue
et qu’il me voulait, moi. Mais
il voulait juste une fille ! Je n’étais
qu’une couleur de plus… sur sa
toile. Ce qui était génial, en un
ANGEL BAND
Une guitare,
une voix et la
magie opère.
“GRÂCE À GRAM PARSONS,
J’AI COMPRIS LA VRAIE BEAUTÉ
DE LA COUNTRY MUSIC DANS
CE QU’ELLE A DE MEILLEUR.”
sens, parce que je me suis pointée,
on s’est dit bonjour, on s’est
mis devant le micro avec les
paroles – au moins j’avais les
paroles ! – et on a commencé à
chanter. Il n’y a eu aucun travail
sur les chansons, aucun peaufinage,
on faisait une prise et
c’était bon. Tu te mets dans cet
état d’esprit : OK, voilà la chanson,
je dois suivre Bob. Tu ne
penses pas : Je chante avec Bob
Dylan ! Tu y penses avant, et tu y
penses après. J’étais toujours
inquiète de la justesse sur telle
chanson, etc. Mais Bob vit dans
l’instant, tu dois faire pareil.
Cet album, Desire, est un chefd’œuvre.
Reprenez-vous parfois ces
chansons ?
E. H. : Non. J’ai juste fait “Oh,
Sister” avec Dave Matthews. J’ai
fait quelques dates avec lui, il
l’adore, moi aussi, alors on
l’a répétée et j’ai beaucoup
aimé la faire avec lui. Mais
fondamentalement, je ne
les ai jamais travaillées, ce
sont les chansons de Bob…
Sinon, je fais “Every Grain
of Sand”, bien sûr, que
j’adore.
Et Neil Young ?
E. H. : Neil Young est probablement
mon artiste préféré,
pour la façon dont il
suit sa muse, même quand
elle l’entraîne dans le fossé !
J’adore tous ses disques.
Bon, Trans, c’était un peu
dur de rentrer dedans,
mais je le respecte, parce
que ça avait à voir avec son
fils, les ordinateurs, etc. Et
puis c’est quelqu’un qui
s’occupe de justice sociale.
Ce qu’il a fait avec Willie
[Nelson], avec les concerts
caritatifs de Bridge School,
le fait qu’il ait sauvé Lionel
Trains (il a racheté une
partie de cette société de
trains miniatures, ndlr)…
C’est un Américain vraiment
extraordinaire… pour
un Canadien ! Et c’est un
homme délicieux. Il a eu la
générosité de venir chanter
sur mon album Wrecking
Ball. Il y a tant d’artistes
que j’aime, dont la musique
m’inspire.
Justement, avec quels
artistes rêveriez-vous encore
de travailler ?
E. H. : J’aurais aimé enregistrer
avec Merle Haggard avant sa
mort. Je suis sûre qu’il y en a
d’autres. Mais j’ai chanté avec
tant de gens ! Avec Joan Baez – on
a fait un concert de charité
ensemble –, avec Jackson Browne,
il y a quelques années. Oui, j’ai
quasiment chanté avec tous les
artistes que je connais… Et même
avec quelques-uns que je ne
connais pas !
Septembre 2017 rollingstone.fr | Rolling Stone | 37

PHOTO
BLACK & WHITE
La photographe
française a capturé
dans son objectif les
plus grands noms du
rock international.
Carole Epinette
Le rock dans le fond des yeux
Après le Pays basque et la Suisse, son exposition Rock Is Dead pose ses bagages,
et surtout ses photos, à Paris.
Par Xavier Bonnet
Bientôt un quart de
siècle qu’elle trimballe
d’une séance à un
concert ses boîtiers, objectifs,
lumières, trépied, quitte
parfois à plier sous leur poids.
Bien longtemps qu’on n’énumère
plus les publications – Rolling
Stone compris – qui ont accueilli
ses photos. Une exposition de ses
clichés ? L’envie était là depuis
longtemps, mais elle se trouvait
toujours une raison (pas forcément
bonne) pour ne pas franchir
le pas. À commencer par le
sempiternel “Pourquoi-moi-çava-intéresser-qui-bla-bla-bla…”
On connaît la chanson. “Ce qui
m’intéressait avant tout, c’était
de les faire, ces photos, ponctuet-elle.
Après, pour ce qui était de
les montrer, il y avait les magazines
auxquels je collaborais.
Elles se montraient d’ellesmêmes,
vivaient d’elles-mêmes,
en quelque sorte.”
Cette exposition existe désormais
et va connaître sa troisième incarnation
après Anglet, au Pays
Basque, au printemps 2016 et
Orbe, en Suisse, au début de cette
année. Cette troisième mouture a
été quelque peu réaménagée par
rapport aux précédentes, dans la
sélection comme dans le format
– retravaillé – de certaines photos,
mais fidèle à ce mélange d’images
posées et live. Fidèle aussi à cette
envie revendiquée de privilégier le
noir et blanc, à une exception près
(un cliché d’Iron Maiden) : “J’ai
toujours adoré ça et je me suis
toujours sentie frustrée que les
magazines préfèrent quasi exclusivement
la couleur, considérant
souvent le noir et blanc comme
‘trop vieux, ringard’. Personnellement,
je trouve au noir et blanc
une vraie classe. C’est aussi par
goût personnel que j’opte souvent
pour un noir et blanc très
contrasté. J’ai toujours travaillé
mes photos personnelles de cette
manière et j’ai profité de l’exposition
pour en faire de même avec
celles que j’avais choisies pour
l’occasion, y compris pour certaines
photos qui avaient été publiées
en couleur.”
Le résultat est à la hauteur. Et
qu’ils se nomment Lemmy
Kilmister (Motörhead), Ozzy
Osbourne, James Hetfield
( Metallica), Marilyn Manson,
David Bowie, James Brown, Amy
Winehouse, Alain Bashung,
Angus Young (AC/DC), Jack
White (The White Stripes) et
consorts – ils sont une vingtaine
au total –, leurs expressions vous
sautent au visage. “Un artiste rock
a ceci de particulier à photographier
qu’il est brut, explique
Carole Epinette. C’est vrai quand
il pose – la première motivation en
vue de cette expo était d’ailleurs de
me focaliser sur les gueules du
rock –, mais aussi sur une scène où
il joue souvent le jeu devant l’objectif,
où il se donne à fond et où
l’énergie est palpable. Le côté provocateur
de la plupart d’entre eux
m’attire également beaucoup.”
Provocateur, le nom de l’exposition,
Rock Is Dead, l’est tout autant.
À dessein. La photographe le
reconnaît, il est aussi, de manière
sous-jacente, l’expression d’une
certaine nostalgie : “Les conditions
de travail des photographes
musicaux ne favorisent plus de la
même façon la complicité avec ces
artistes. Mais mon but n’est surtout
pas de dire ‘C’était mieux
avant’, ce discours-là ne m’intéresse
pas. Mais cela ne m’empêche
pas de regretter que l’échange humain
soit désormais de plus en
plus contrôlé et restreint.”
Rock Is Dead, 20 ans de photo rock –
Carole Epinette. Du 31 août au 30 septembre,
Galerie Stardust, 37, rue de Stalingrad,
Le PréSaint-Gervais (93). Métro Hoche.
À suivre sur Facebook.
© CAROLE EPINETTE
38 | Rolling Stone | rollingstone.fr
Septembre 2017

ROCK & ROLL
NOUVEAUX ARTISTES
Declan McKenna
À peine majeur, ce jeune prodige anglais est parti pour conquérir le monde entier.
L’evening standard parle de lui comme de “la voix de la génération
z”. Certes, mais ce n’est pas tout. À 18 ans, Declan
McKenna est un de ces petits prodiges du rock comme
l’Angleterre sait si bien les concevoir. À 8 ans, il apprend la
guitare, tout en écoutant David
Bowie, les Strokes et Jeff Buckley.
À 16 ans, après avoir enregistré
des dizaines et des dizaines de
chansons seul chez lui, il gagne le
prix Emerging Talent du légendaire
festival Glastonbury grâce
à “Brazil”, qui évoque la corruption
de la FIFA. C’est qu’il n’a pas
la langue dans sa poche, le petit
gars. Amateur de foot, il n’avait
pas supporté que la dernière
Coupe du monde soit autant viciée
par l’argent. À 17 ans, il
quitte l’école et part sur les routes
britanniques et américaines défendre
sa musique juvénile et
engagée, où il est question de
politique, d’environnement, de
genre, d’attentats, des violences
policières et de positionnement
social. Bref, tout ce qui concerne
la jeunesse d’aujourd’hui. Sachant piocher dans le punk sous influence
ska des Clash comme dans la power pop plurielle de Vampire Weekend
(Rostam Batmanglij a d’ailleurs coécrit et produit un morceau sur son
disque), McKenna maîtrise les armes du rock’n’roll avec un naturel
confondant et, surtout, un sens
mélodique étonnamment abouti
pour son âge. Il n’en faut pas plus
pour qu’on le compare à Jake
Bugg, autre jeune guitariste surdoué
apparu il y a quelques années…
Avec le penchant pour les
joints d’herbe et la moue boudeuse
en moins. Car Declan
McKenna affiche déjà un style
bien à lui, mis en valeur sur son
premier album d’une pop plurielle
mâtinée de rock et d’un on
ne sait quoi de typiquement british.
What do you think about the
car? a été majoritairement produit
par James Ford, qui a réalisé
les albums de Foals, de Depeche
Mode ou de l’un des groupes préférés
de McKenna, les Arctic
Monkeys. On lui souhaite le même
destin.
SOPHIE ROSEMONT
Pale Seas
Traversée mélodique en eaux claires.
Originaire de Southampton, ce groupe a bousculé la scène indie rock
anglaise en 2013 grâce à deux EP au charme ravageur. Puis silence
radio. Séparation, dispute, manque d’inspiration ? Que nenni : Pale
Seas a refusé les propositions alléchantes de nombre de labels pressés
et s’est enfermé en studio, sur l’île de Wight, pendant deux ans pour
peaufiner le premier album dont il rêvait. En résulte Stargazing for
Beginners, impeccable condensé de guitares saturées et de mélodies
romantiques servi par une production savante. S. R.
© SANAA ABSTAKT ; ROCK TO THE BEAT
Nova Twins
Punkettes 2.1
Découvertes sur la scène des Trans Musicales de Rennes en 2016, ces
deux donzelles londoniennes s’illustrent sur un genre singulier et
décoiffant qu’on appelle aussi l’urban punk. Amy Love et Georgia
South ne lésinent ni sur les riffs agressifs ni sur un flow trempé dans
l’acide. Après deux ans à tourner en Angleterre et en France, elles ont
sorti un premier EP très remarqué avant l’été, en attendant un premier
album qui promet de secouer, prévu pour l’automne. Oreilles
sensibles s’abstenir, le girl power est en marche et fait du bruit ! S. R.
Septembre 2017 rollingstone.fr | Rolling Stone | 39

Q&R
Robin Campillo :
“ Ce n’était pas juste un docu-drama sur Act Up ”
120 battements par minute a été couronné du Grand Prix du dernier festival de Cannes.
Rencontre avec son réalisateur. Par Sophie Rosemont
Vous souvenez-vous de votre première
réunion chez Act Up ?
R. C. : Oui, j’ai eu droit à la même
introduction que celle du film, avec
la personne qui présente l’association
: un groupe joyeux, tonique,
avec des personnalités très fortes.
Au début, on ne sent pas tout de
suite les tensions, ni la maladie. En
arrivant, on est si content d’avoir
traversé dix ans de l’épidémie et de
ne plus être seul… Didier Lestrade
était président, il animait quasiment
à lui tout seul les réunions, il
était d’une drôlerie incroyable !
Tout est vrai dans votre film ?
R. C. : J’ai surtout utilisé des
moments, des formules, des rires…
J’ai instrumentalisé des éléments
du réel pour nourrir la mécanique
du film. Au début, les personnages
parlent de choses sans qu’elles
soient expliquées, mais, comme
moi au début des réunions où la
majorité du vocabulaire m’échappait,
il faut suivre le rythme, et
remonter le fil.
Vous racontez une passion amoureuse
très rapidement contaminée
par la maladie…
R. C. : C’est une romance très précaire,
car ils se connaissent depuis
peu et d’un seul coup, il faut devenir
garde-malade. Dans la vraie
vie, ça pouvait foirer. Quand Sean
dit à Arnaud : “Désolé que ce soit
tombé sur toi”, c’est aussi parce
que cela aurait pu être un autre. Il
n’y a qu’au cinéma qu’on croit que
l’amour est tangible. Dans la réalité,
c’est soumis à interrogations.
Peut-être que si Sean avait été en
bonne santé, ils se seraient séparés
très vite. “On observe tous les jours
l’inauthenticité des sentiments des
homosexuels”, soutient le prêtre
réactionnaire Tony Anatrella.
Mais dans quel monde vit-il, où
tout serait labellisé authentique ?
Un reality show ?
Comment avez-vous réagi face à
l’accueil dithyrambique de Cannes ?
R. C. : C’était bouleversant. J’ai
cependant parfois eu le sentiment
que l’émotion autorisait tout,
comme cette chaîne qui avait couvert
le Mariage pour tous et qui
voulait absolument m’interviewer
! A posteriori, on me parle
davantage de mise en scène, on a
compris que ce n’était pas juste un
docu-drama sur Act Up. Le film
tient aussi de la chronique, car
chaque scène possède son foisonnement
propre, mais tout est
construit, rien n’est laissé au
hasard.
Pensez-vous que le public est enfin
prêt à affronter cette histoire tragique
du SIDA, qui jusqu’ici a été peu
traitée – les deux films les plus connus
en France sur le sujet étant Les Nuits
fauves et Philadelphia ?
R. C. : Les gens ont réalisé qu’ils
avaient traversé cette épidémie
sans en sortir complètement
indemnes. Moi, je m’autorise à
penser que je peux en faire de la
fiction. J’ai essayé de faire comprendre
ce que ça signifiait d’avoir,
en face de soi, un laboratoire suivant
sa propre logique pécuniaire
au détriment de la santé des séropositifs.
De sentir aussi quand les
gens, au sein du même groupe,
n’avançaient pas de la même
manière dans la maladie. Ce que
c’était d’incarner ces luttes.
Pourquoi faire appel à Arnaud
Rebotini pour la musique du film ?
R. C. : Je l’ai croisé sur Entre les
murs (Robin Campillo a cosigné
le scénario du film de Laurent
Cantet, ndlr) et avais déjà fait
appel à lui pour mon film Eastern
Boys. Arnaud connaît à la perfection
la musique des années 1990
et a su transmettre ce besoin de
s’amuser, après les réunions et les
zaps. Le plaisir de se retrouver
dans l’obscurité, sans paroles, où
les gens se touchent… Nous avons
utilisé deux travellings circulaires
et j’ai laissé les acteurs faire. On
sent la sueur, la clope, c’est
organique.
NAHUEL PÉREZ BISCAYART :
NAISSANCE D’UN GRAND ACTEUR
Si tous les comédiens sont brillants, Nahuel Pérez Biscayart irradie
dans le rôle de Sean, jeune séropositif très militant – qui n’est pas
sans rappeler Cleews Vellay, membre très actif d’Act Up décédé
en 1994. “L’énergie de Sean est proche de celle de Cleews, mais il n’a
jamais été question de l’imiter. Il faut être un peu inconscient quand
tu incarnes de tels personnages, il ne faut pas se laisser hanter par
les ombres de ceux qui l’ont vécu à l’époque”, précise l’acteur. S’il ne
connaissait pas l’association, de par son âge (il est né en 1986) et son
lieu de naissance (l’Argentine, où Act Up n’existait pas), Pérez
Biscayart s’est immergé dans l’histoire du SIDA en France dans ces
années d’hécatombe, perdant énormément de poids en un temps record. Il est pour beaucoup dans la réussite de 120 bpm,
soulignée par Didier Lestrade en personne. “Je suis soulagé que quelqu’un avec un regard aussi aiguisé que le sien aime le film,
quelqu’un pour qui nous avons tous énormément de respect. C’est le seul qui a survécu, ce combat a été sa vie.” Aurait-il été
militant à l’époque ? “Absolument. Lorsque l’enjeu est si physique, l’engagement est presque inévitable.”
S.R.
Quel est votre regard sur la lutte
contre le SIDA aujourd’hui ?
R. C. : On sait que les gens sous traitement
peuvent avoir une vie à peu
près normale et, dans 90 % des cas,
ne sont plus contaminants. Les
outils sont là, mais il faut proposer
le dépistage, ce que fait Aides, dans
des lieux de drague. L’État reste
absent, car cela demande une
publicité. Or la santé publique, c’est
une politique ! Il faut faire baisser
le prix des médicaments, la prévention
doit être mondiale. Surtout
quand on voit qu’un homme
comme Donald Trump est en train
de permettre la discrimination des
malades dans certains États.
“LE CINÉMA,
C’EST MA
MANIÈRE D’ÊTRE
MILITANT.”
Face à la persécution des homosexuels
en Tchétchénie, par exemple,
on a l’impression que la population se
mobilise plus. Qu’en pensez-vous ?
R. C. : Aujourd’hui, plus de gens
s’indignent de la Tchétchénie qu’il
y aurait pu en avoir à l’époque,
c’est certain. Et la Gay Pride n’a
jamais été aussi importante,
même si je ne la sens pas très politique.
Le militantisme est là, mais
il me semble qu’on ne trouve pas
de lieux comme Act Up, à
l’époque, pour exister. Mais nous
sommes sans doute dans un
moment d’impuissance politique
qui peut se transformer. J’ai le
sentiment qu’il y a des émergences
communautaires, hors politique.
Les gays ont été prégnants pendant
longtemps, maintenant les
lesbiennes et les transsexuels ont
besoin de plus s’affirmer… Le
cinéma, c’est ma manière d’être
militant, car j’essaye d’interroger,
par la fiction, ce qu’ont été ces
mobilisations. Act Up, c’était une
lutte, pas une cause : les corps des
gens étaient en danger.
© DR
40 | Rolling Stone | rollingstone.fr
Septembre 2017

UNANIMITÉ
Avec cette chronique
des années Act Up,
le réalisateur a aussi
remporté la Queer
Palm à Cannes.

Sélection de la
RENTRÉE
La rentrée de Rolling Stone
Comment s’y retrouver dans les trop nombreuses sorties de la rentrée ? Pop en duo,
rock indie, soul intimiste ou électro fédératrice ? Nos choix.
Par Sophie Rosemont
The Horrors
V comme victoire
V : comme 5 en latin, comme 5 e
album du groupe (et aussi le nombre
de ses musiciens, comme le V
de victoire. On peut en effet parler
de réussite lorsqu’on écoute
les dix nouveaux morceaux des
Horrors. Pour la première fois,
et dans le but de réinventer leur
son (qui, il faut bien l’avouer, perdait
de son efficacité sur leur dernier
opus, Luminous) ceux-ci ont
entièrement délégué la production,
et ils ont fait le bon choix
avec Paul Epworth, connu pour
son travail avec Adele, U2 ou Bloc
Party. V se partage donc entre
le post-gothique sous influence
80’s cher au groupe (“Hologram”),
mais aussi un drôle de punk alternatif
(“Machine”), du dancerock
innovant (“Something To
Remember Me By”) et de la pop
ténébreuse (“Weighed Down”).
Le chanteur Faris Badwan, lui,
reste toujours aussi charismatique,
caché derrière sa chevelure
aussi sombre que le verre de
ses lunettes.
Ariel Pink
Rose comme lui
Dedicated to Bobby Jameson…
Encore un nouveau storytelling
pour Ariel Pink qui, fasciné par
le parcours de cet obscur musicien
(1945-2015) fuyant la gloire
comme la peste, lui rend hommage
avec cet album merveilleusement
barré : “Comme Jameson,
moi aussi j’ai longtemps recherché
juste un peu d’amour. Aujourd’hui,
même si j’affectionne
toujours autant la controverse, je
suis plus sûr de moi et j’ai gagné
en maturité, mais j’ai souvent
frôlé le bord du précipice quand je
réalisais que j’étais sous- estimé.”
Ce qui n’est plus le cas. Fort d’une
ribambelle d’albums devenus
cultes pour les amateurs de pop-
ANGUS & JULIA STONE
Les deux font la paire
Après plus d’une décennie de carrière, une parenthèse et des retrouvailles émotives,
la fratrie Stone nous enchante de nouveau.
Il y a quelques années, on avait sérieusement douté de la longévité du duo formé par le frère et la sœur Stone.
Après la tournée du pourtant acclamé Down the Way (2010), ils avaient décidé de ne plus travailler ensemble…
Jusqu’à ce que le producteur Rick Rubin s’en mêle et les convainque de s’y remettre. Dont acte. S’en est suivi
Angus et Julia Stone, en 2014. Leur plus gros succès. Mais c’est seulement aujourd’hui, avec Snow, qu’ils explorent
totalement leurs possibilités. “Nous voulions créer quelque chose de fort, mais sans vraiment savoir ce que ça pouvait
donner, ni le temps que ça prendrait, explique Angus Stone. Ne rien avoir en tête de précis nous permet d’avoir
beaucoup d’idées… et de garder une part de mystère qui permet d’être à l’affût tout au long de l’enregistrement.”
Celui-ci durera huit semaines, dans le home studio d’Angus, situé en pleine campagne australienne, loin du bruit
de la ville. Malgré les hauts et les bas, la complicité d’Angus et Julia Stone reste toujours intacte. Dixit le petit frère :
“Je pense que, d’une manière générale, nous sommes plus décontractés, nous lâchons prise plus facilement.
Après tout ce temps passé ensemble, nous avons compris quand il fallait s’éloigner, laisser passer certains orages…
pour nous y remettre de plus belle un peu plus tard. Il fallait simplement apprendre à communiquer.” Ainsi,
Snow est “une conversation”, une synthèse de ce que le dialogue entre le frère et la sœur Stone peut offrir de mieux,
entre pop et folk. “Snow”, “Cellar Door” ou “Chateau” en offrent des exemples ultra-mélodiques, qui trottent en tête
dès la première écoute. “Nous cultivons différents sons, différents styles musicaux et ce qui en résulte est, quelque
part, assez dansant”, avance Angus. On ne le contredira pas : malgré son titre, cet album est celui qui prolonge
l’été, nous transportant vers d’autres paysages lointains et ensoleillés. Tout en étant très près de nous : cet automne,
Angus et Julia Stone assureront pas moins de sept dates en France.
© J. STEINGLEIN
42 | Rolling Stone | rollingstone.fr
Septembre 2017

ock indie, Ariel Pink a su garder
son intégrité. Et son inspiration,
nourrie du meilleur du
passé américain, des sixties aux
années 1980.
LCD Soundsystem
Le grand retour
En 2011, il donnait son tout dernier
concert à New York, annonçant
qu’il prenait sa retraite.
Et puis, finalement, James
Murphy a réalisé qu’arrêter LCD
Soundystem, poule aux œufs d’or
de l’électro-pop-rock East Coast
était une mauvaise idée. Il a donc
pris le temps de façonner un nouvel
album, American Dream.
L’une des meilleures surprises de
la rentrée, même si un embargo
fixé à seulement trois jours de la
sortie nous interdit, hélas ! de dire
officiellement tout le bien qu’on en
pense. La dance music est, comme
toujours avec Murphy, hautement
organique, nourrie de rock’n’roll
mélancolique. Il n’y a plus qu’à
attendre sagement ses concerts
événements à l’Olympia, les 13 et
14 septembre prochain.
Sivu
Au creux de l’oreille
Avec son second album, James
Page, alias Sivu, entre définitivement
dans la cour des
CHAD VANGAALEN
Folk des bois, folk des champs
L’album de la sérénité ? Sans doute. Car la maturité, Chad VanGaalen en fait preuve depuis des années, en digne
héritier de Tom Petty et Neil Young. Écrit, composé et produit par le songwriter canadien, Light Information fait
d’un folk contemplatif au grain vintage, un manifeste à la vie, l’amour, et dont l’énergie est incontestablement
contagieuse. En témoignent “Old Heads”, “Faces Lit” ou “Static Shape”, sur lequel apparaissent ses filles. Certes,
un “Prep Piano and 770” nous rappelle ses velléités instrumentales, mais VanGaalen cultive toujours le même jardin
verdoyant, ici et là laissé volontairement en friche. L’une des bouffées d’air de la rentrée.
grands. Même si, à la sortie de
Something on High (2014), on
se doutait que le meilleur était à
venir… Mais pas son label, visiblement,
qui choisit de le congédier
tandis que Page réalisait
qu’il était atteint de la maladie
de Menière, qui l’a, depuis, privé
de l’audition d’une oreille. Avant,
peut-être, de le rendre complètement
sourd dans quelques années.
Au lieu de sombrer dans
le désespoir, le musicien anglais
n’écoute que son cœur et son
inspiration. En résulte un très
beau deuxième album, Sweet
Sweet Silent, dans lequel il partage
sa solitude et son folk ultra-sensible,
mâtiné de soul. On
pense à Björk, à Thom Yorke, ou
encore à Sufjan Stevens parfois.
Espérons que l’on pourra continuer
à l’entendre pendant longtemps
encore.
Kevin Morby
De l’art du nomadisme
© MARCRIMMER. DR.
BENJAMIN
CLEMENTINE
Hobo céleste
Un parcours incroyable pour un musicien qui ne
l’est pas moins, de la banlieue londonienne au
métro parisien, où son charisme se fait remarquer
entre Barbès-Rochechouart et La Chapelle. Très
vite, Benjamin Clementine a su imposer sa voix de
stenor – brute, prenante – et ses ritournelles hantées
composées au piano. Cependant, si son premier
album jouait la carte de l’épure, le très réussi I Tell
A Fly ose davantage l’orchestration. En témoigne
des morceaux comme « Phantom of Aleppoville »
ou « Jupiter ». Y résonnent ses amours folks,
gospels, jazzy, électros ou encore classiques. Lui qui
dit être un expressionniste ne se trompe pas : tout
est à la fois réel et imaginaire dans ses chansons,
nous touchant en plein cœur. A seulement 28 ans,
Benjamin Clementine est déjà un grand.
C’est ce qu’on appelle un artiste
prolifique. Après Harlem
River en 2013, Still Life en 2014,
Singing Saw en 2016, voici donc
City Music, quatrième album
du songwriter américain. Sous
influence West Coast – mais
dans ce qu’elle a de plus mélancolique
–, Kevin Morby revendique
toujours un folk-rock
aussi romantique que subtil, se
perdant cette fois dans les paysages
urbains de métropoles insaisissables.
Après avoir officié
comme bassiste dans The Babies,
groupe de garage rock, et
Woods, formation de folk lo-fi
pluriel, Morby a décidé de tracer
sa route en solo, souhaitant visiblement
s’inscrire dans la lignée
des chantres nomades made in
USA. Pour l’instant, il ne se perd
pas en chemin.
Septembre 2017 rollingstone.fr | Rolling Stone | 43

FLASHBACK
DERNIER MOT
Joe Walsh
Le guitariste raconte comment il a survécu à des années de débauche, parle des conseils qu’il a reçus
d’un moine bouddhiste et déclare que les Eagles étaient une “dictature démocratique”.
Interview par ANDY GREENE
Quels sont, selon vous, les aspects les plus positifs et les plus négatifs
du succès ?
Je n’ai jamais eu à travailler à l’usine, ce qui est une vraie
chance. L’aspect le plus négatif, ce sont les distractions :
l’argent, les femmes, les fêtes. Quand on est jeune, c’est facile de perdre
pied. J’ai commencé à croire que j’étais celui pour qui tout le monde me
prenait, c’est-à-dire une rockstar complètement dingue. Vous savez, “Life’s
Been Good”, tout ce bordel… Ça m’a détourné de mon travail. Moi et des
tas de gars avec qui je traînais, on était de gros fêtards. C’était un sacré
défi de simplement rester en vie.
Nombre de vos amis de cette époque n’y sont pas parvenus. Keith Moon,
John Belushi… Comment avez-vous survécu ?
Je me pose la question tous les jours. Les gens me demandent si je crois en
Dieu et j’y suis bien obligé, puisque je suis toujours là. Je n’avais pas prévu
de vivre si longtemps.
Quelles sont vos règles de vie essentielles ?
La famille d’abord. J’ai passé des années en solitaire. C’était moi contre le
monde entier, mais aujourd’hui, j’ai une famille qui s’occupe de moi, et
dont je m’occupe. J’ai également appris à ne pas me laisser gouverner
par mes émotions. Il ne faut pas envoyer d’e-mails quand on est en
colère. On peut les rédiger, mais pas les envoyer. Parce que le lendemain,
on se dit : “Putain, j’ai encore déconné. Je suis vraiment
un gros blaireau.”
Quel est le meilleur conseil que vous ayez jamais reçu ?
Un moine bouddhiste m’a dit d’être conscient de chaque
bouffée d’air que je respire. Il m’a dit : “Si vous faites
ça, vous vivrez le présent. Ça vous évitera de
gâcher du temps à ruminer le passé ou à tenter
sans cesse d’écrire l’avenir.” Et puis je médite.
Vivre le présent, c’est le secret.
Qui sont vos héros ?
Les Paul était l’un des gars le plus cool de
la planète. Il a inventé la guitare Les
Paul, ainsi que l’’enregistrement
moderne tel que nous le connaissons.
Un jour, il a eu un accident de voiture
après lequel on lui a dit qu’il ne jouerait
plus jamais parce qu’il s’était
cassé le bras en quatre endroits. Il
s’est assis, s’est mis à jouer et a dit :
“OK, mettez mon bras en place
comme ça. Posez-moi le plâtre
maintenant.”
Quel conseil auriez-vous aimé recevoir sur l’industrie
du disque avant de commencer votre carrière ?
J’aurais bien aimé qu’on me dise : “Écoute, c’est un
boulot.” Je pensais que c’était un art. L’étalon
selon lequel définir l’honnêteté dans l’industrie
musicale, c’est de se dire que le gars qui
te vole le moins est honnête. Et il ne faut rien
signer. Je me dépatouille encore de trucs que
j’ai signés quand j’avais 23 ans. Quelqu’un
aurait dû me prévenir et me dire : “Écoute, c’est OK d’être idiot, mais soit
un idiot intelligent.”
Quel est l’achat le plus fou que vous vous soyez autorisé ?
J’ai toujours eu un fantasme : “Je vais acheter de la terre pour en vivre. Je
vais chasser comme Ted Nugent et couper mon bois.” Quand j’ai reçu un
gros chèque de droits d’auteur des Eagles, j’ai trouvé une petite ferme
dans le Vermont, avec un lac et presque 300 hectares. Mais quand il a
fallu y vivre, je me suis rendu compte que c’était dur. Il fallait se lever à
5 heures du matin parce qu’il y avait des tas de trucs à faire. Couper son
bois, ça n’est pas marrant. L’hiver est rude. Je n’ai pu trouver personne
pour s’occuper de l’endroit, alors je l’ai vendu. Il vaut mieux que certaines
choses restent de l’ordre du fantasme.
Quel est votre livre préféré ?
L’Homme illustré, de Ray Bradbury. J’avais 10 ou 11 ans quand je l’ai lu.
C’est un bouquin incroyable, qui vous absorbe
complètement. Le livre en contient environ
huit autres, et chacun d’entre eux
porte sur l’un des tatouages de l’homme,
qui se déplacent la nuit. De l’imagination
et un livre plein de livres, quel
concept !
Vous donnez des concerts avec les
Eagles, cet été. Ça n’est pas un peu
difficile de jouer sans Glenn Frey ?
Oui et non. Mais je suis sûr qu’on sera
très bons.
Deacon, le fils de Glenn, a rejoint le groupe.
Comment s’adapte-t-il ?
Il est super. Ça n’est pas un frimeur. Il se
pointe et il fait son boulot. J’aimerais bien
que davantage d’entre nous soient comme ça.
Vous avez décrit les Eagles comme
“une démocratie avec deux dictateurs”.
C’était dur pour votre ego ?
J’ai rejoint leur groupe. Je dirais que c’était une
dictature démocratique. On votait tous et ensuite,
Frey et Don Henley faisaient ce qu’ils voulaient.
Vous vous êtes présenté aux élections
présidentielles en 1980. Si vous aviez
gagné, pensez-vous que vous auriez
fait mieux que Trump ?
Oui ! C’est une question de bon sens. Je
ne suis pas sûr que Trump sache comment
fonctionne le gouvernement et je pense qu’il s’en
fout. Du coup, il n’arrivera pas à grand-chose.
Je crois savoir comment ça marche. Je sais évoluer
dans une organisation où il faut prendre
des décisions complexes. Comme dans un
groupe, par exemple. Et on a réussi à accomplir
pas mal de choses !
Traduction et adaptation Kathleen Aubert
44 | Rolling Stone | rollingstone.fr
Illustration par Mark Summers

AGENDA
EN CONCERT !
La sélection Rolling Stone des meilleurs rendez-vous de l’été… Et de l’automne !
Vous pouvez réserver vos places sur www.digitick.com
PHOENIX
28/09 – Esch-sur-Alzette -
Rockhal
29/09 – Paris- AccorHotels
Arena
LES INSUS
01/09 – Ajaccio – Théâtre
de Verdure
03/09– Périgueux – Le Palio
(Boulazac)
05/09- Chambéry – Le Phare
07/09 – Le Noirmont –
Festival Chant du gros
15-16/09 – Paris – Stade
de France
LES WAMPAS
05/10 – Grenoble – La Belle
Électrique
METRONOMY
07/10 – Le Havre – Festival
Ouest Park
NICK CAVE AND
THE BAD SEEDS
03-04/10 –
Paris - Zénith
10/10 – Esch-sur-
Alzette - Rockhal
MARILLION
07/10 – Paris - Zénith
WEEZER
19/10 – Paris - Olympia
FISHBACH
07/10 – Montpellier –
Le Rockstore
14/10 – Alençon – La Luciole
CATHERINE RINGER +
SPARKS/SOLO
04/09 – Paris – La Cigale
INTERPOL
05 et 06/09- Paris –
Le Trianon
TEMPLES
06/09 – Paris – La Cigale
CLAP YOUR HANDS
SAY YEAH!
20/09 – Paris – La Maroquinerie
SIGUR ROS
27, 28 et 29/09 – Paris –
Grand Rex
TIMBER TIMBRE
07/10 – Feyzin – L’Épicerie
Moderne
09/10 – Montpellier –
Le Rockstore
À RÉSERVER
DE TOUTE URGENCE
ALT-J
11/01/2018 – Paris- AccorHotels
Arena
FLEET FOXES
20 et 21/11 – Paris – Le Trianon
DEPECHE MODE
26/11 – Anvers – Palais des Sports
03 et 05/12 - Paris-
AccorHotels Arena
24/01/18 – Floirac –
Bordeaux Métropole Arena
ANGUS ET JULIA STONE
17/10 – Lille – Zénith
19/10 – Nantes – Zénith
20/10 – Toulouse – Zénith
25/10 – Marseille – Le Dôme
01/11 – Paris – Zénith
02/11 – Lyon – Halle Tony-
Garnier
CHRIS ISAAK
02/11- Paris –Olympia
TEXAS
07 et 08/11 – Paris – Olympia
11/11 – Nantes –
Cité des Congrès
12/11 – Limoges – Zénith
21 et 22/11 – Bordeaux –
Théâtre Femina
THE WEDDING PRESENT
07/11 – Saint-Nazaire – Le VIP
08/11 – Paris – Petit Bain
ROYAL BLOOD
09/11 – Paris – Zénith
PONI HOAX
09/11 – Paris – La Cigale
ELLIOTT MURPHY
10/11 – Paris – New Morning
FATHER JOHN MISTY
11/11 – Paris – Le Trianon
KASABIAN
11/11 – Paris – Zénith
THE CELTIC SOCIAL CLUB
11/11 – Paris – Le Flow
FINK
10/11 – Paris – La Cigale
11/11 – Tourcoing – Le Grand Mix
PROCOL HARUM
12/11- Paris – Le Trianon
VAN MORRISON
17/11 – Paris – Salle Pleyel
SALLIE FORD
21/11 – Paris – Point Ephémère
THE STRANGLERS
25/11 – Paris – La Cigale
27/11 – Le Havre – Le Tetris
28/11 – Brest – La Carène
29/11 – Nantes – Stereolux
30/11 – Chambray-lès-Tours –
Salles Yves-Renault
02/12- Mérignac – Le Krakatoa
LONDON GRAMMAR
19/11 – Lille – Zénith
20/11 – Rennes – Le Liberté
03/12 – Paris – Zénith
05/12 – Toulouse – Zénith
06/12 – Lyon – Halle Tony-Garnier
AVEC
© CHRIS CUFFARO_AS
46 | Rolling Stone | rollingstone.fr
Septembre 2017

LIVE REPORT
ON TOP
OF THE WORLD
À Monaco, Deep Purple
a montré qu’il en avait
encore sous la semelle.
Rock around the Rocher
© JIM RAKETE
Tout l’été, la Côte d’Azur vit au rythme de festivals musicaux. L’édition 2017 du Monte Carlo
Summer Festival l’a joué rock’n’roll pour sa soirée d’ouverture, avec une affiche monumentale :
les Pretenders et Deep Purple.
L
es vétérans de Deep Purple ont
remis en cet an de grâce 2017 l’ouvrage
sur le métier. Quelques jours
après un passage remarqué au
HellFest, Gillan & Co changeaient radicalement
de cadre pour ouvrir, le 28 juin dernier,
le Monte Carlo Summer Festival. La salle n’a
pas fait le plein. Tant mieux : un petit millier
de personnes a donc le privilège de voir les
légendaires métalleux quasi rien que pour
eux. Rockers et bikers de la Côte d’Azur ont
répondu au rendez-vous. Mais les Purple
étant un fleuron du patrimoine rock, on
retrouve dans la salle un sympathique
Par Vincent Guillot
mélange de vacanciers, de représentants de
la bonne société monégasque et quelques
fêtards russes, le tout rassemblant plusieurs
générations. Dans ce cadre un peu inhabituel,
le groupe ne va pas faire dans le détail. Et s’il
restait quelques sceptiques quant au retour
sur scène du groupe, ils en seront pour leurs
frais. Certes, visuellement, les cadres supérieurs
du metal n’ont plus trop la dégaine
glam de leurs débuts, à l’image d’un Ian
Gillan déambulant sur scène avec l’allure plus
proche d’un retraité bouliste que d’une rock
star. Mais le son est là. C’est ce qui frappe
illico : après un “Time for Bedlam”, on
QUAND CHRISSIE FÂCHÉE…
Voir les Pretenders en concert en 2017 reste un privilège qui ne se refuse pas. Placés en première partie
de Deep Purple, Chrissie Hynde et ses boys ne sont pas forcément la tasse de thé des bikers venus au
rendez-vous des métalleux. De fait, la front girl aura fort à faire avec une foule pas toujours amicale.
Notamment lorsqu’elle demande à dix reprises au moins qu’on arrête de la flasher à coup de
smartphones. “We’re a rock band, this is not a fuckin’ Take That show !”, s’écrie-t-elle en s’arrêtant en
plein milieu d’un titre. Fallait pas l’énerver. Elle reprend alors le doigt tendu bien haut une setlist pavée
de hits gratinés : “Don’t Get Me Wrong”, “The Wait”, “Holy Commotion”. Chauffée à blanc, Chrissie,
hilare, finit par s’excuser de ses réflexions. Et balance un “I’ll Stand by You” qui devrait lui valoir un
pardon éternel pour toutes ses fautes… V. G.
balance un “Fireball” qui pose direct le
niveau : ça joue fort, vite et bien. Les claviers
de Don Airey sonnent aussi lourd que du
temps de Jon Lord. Derrière, les hits s’enchaînent
(“Strange Kind of Woman”, “Lazy”)
et la foule groove, heureuse, au point que les
derniers titres du groupe ne font absolument
pas tache – “Uncommon Man”, issu de Now
What?! (2013) ou “The Surprising” du tout
neuf InFinite, emportant l’adhésion.
Le Long Goodbye ne battra pas des longueurs
de durée, mais l’impact n’en est que plus fort,
quand le groupe balance l’intro que tout le
monde attend, ce “Smoke on the Water” qui
remue la fosse, toute en joie de pouvoir
contempler ce monument d’aussi près. Et
puisque tout le monde est à point, un “Hush”
enthousiaste envoie l’affaire aux orgasmes
avant qu’un dernier “Black Night” ne vienne
clôturer la nuit. Gillan et les autres peuvent
quitter la salle avec cette certitude : que ce
soit dans les allées roots des festivals
d’Europe ou aux marches des palais, le rock
de Deep Purple, malgré leur retraite annoncée,
a conservé une sacrée puissance de feu,
sur tous les terrains.
Septembre 2017 rollingstone.fr | Rolling Stone | 47

Etoile
Du
Il a eu une enfance dorée
et traversa bien des drames
avant de devenir Premier
ministre du Canada. Justin
Trudeau est-il le dernier
espoir du monde libre ?
Nord
Par Stephen Rodrick
Pour commencer, synchronisons
nos montres.
Calons-nous sur le bon fuseau
horaire. La session
parlementaire s’achève et le Premier
ministre canadien Justin Trudeau va
répondre à la presse. Ils sont tous là, les
reporters, entassés dans la salle, grognons,
bougons, comme d’habitude,
pestant contre les embouteillages ou
leurs rédacteurs en chef. Dans un coin
de la salle, quelqu’un donne le top, le
compte à rebours avant la prise d’antenne.
“10 secondes !”, clame-t-il. Trudeau
monte sur l’estrade, se glisse derrière
le pupitre, fait un rapide signe de
tête et égrène les mesures qu’il vient de
faire passer. Il commence par rappeler
qu’il a baissé les impôts qui pesaient sur
la classe moyenne et qu’il a augmenté les
taxes pesant sur les plus riches. “Grâce
à nous, dit-il, neuf familles canadiennes
sur dix ont plus d’argent pour financer
l’éducation de leurs enfants.” Être là, à
ce moment, assister à cette scène, c’est
quelque chose, vraiment ! Le Premier
ministre s’exprime tout en modulation.
© MARTIN SHOELLER
48 | Rolling Stone | rollingstone.fr
Septembre 2017

Justin
Trudeau
Il a une voix caverneuse. Ses cheveux sont d’un
brun profond presque sauvage. Chez lui, il a laissé
une femme et trois enfants qui savent prendre la
pose devant les photographes, mais qui sont encore
trop jeunes pour l’accompagner au sommet
du G20 et encore moins pour se mêler à ses côtés
à une affaire d’espionnage, si vous voyez ce que je
veux dire… Quand Trudeau se lance dans l’apologie
du féminisme et du droit des femmes (cellesci
représentent plus de la moitié de son cabinet),
ses inflexions changent, sa voix se fait plus douce,
presque câline, mais ferme. Il garde la main. Trudeau
maîtrise. Ses mots sont pesés, cohérents. Pas
besoin du Littré ou d’un dico quelconque pour
comprendre ce qu’il a voulu dire. Il évoque, tour
à tour, les mesures prises contre le Fentanyl, cette
drogue plus puissante que l’héroïne qui a fait des
ravages cet hiver ou la baisse du taux de chômage.
Le Premier ministre canadien a parfaitement
intégré la faconde clintonienne, son talent pour
trouver les mots justes : “Nous faisons tout ce qui
est en notre pouvoir pour permettre aux citoyens
de décrocher de bons jobs et aux familles de se projeter
dans l’avenir, pour que tous gardent espoir,
dit-il. Mais nous savons que le plus dur reste à
faire. Rien n’est encore gagné.” À la fin, Trudeau
prend la presse à témoin. “Le débat entre vous et
nous est au cœur de la démocratie canadienne.
Quand vous faites bien votre boulot de journalistes,
cela nous oblige à être à la hauteur. Alors,
surtout, ne lâchez pas l’affaire.”
Mais où sommes-nous ? Dans le monde de
Narnia ? Dans le carré des secours au festival
de Coachella ? Même pas. Nous sommes à
Ottawa. En Ontario. À 900 kilomètres à peine de
Washington D.C. Et pourtant, nous sommes dans
un autre monde. Alors, suivez le guide. Accrochezvous
à moi, car nous allons plonger au cœur d’une
nation dirigée par un type pas comme les autres,
un mec qui se présente sur les plateaux de télévision
en T-shirt de H2G2, Le Guide du voyageur
galactique, qui se balade en monocycle, capable
d’accueillir à bras ouverts 40 000 réfugiés syriens.
Le contraste entre ici et là-bas, n’est pas seulement
formel. Pendant que Trump réduit les aides
aux associations américaines favorables à l’avortement,
Trudeau augmente leurs financements publics.
D’un côté de la frontière, il y a un ministre de
la Justice, Jeff Sessions, qui remet en question les
lois autorisant l’usage du cannabis à but thérapeutique.
De l’autre, au Nord, Trudeau admet avoir tiré
sur un joint pour fêter son élection au Parlement, et
milite activement pour sa dépénalisation. Trump
a jeté aux orties les accords de Paris. Trudeau fait
pression sur les grandes villes américaines et les
États de l’union pour qu’ils réduisent les émissions
de gaz. Et pour faire face à la vague d’overdoses qui
a frappé le pays, Trudeau a ouvert d’urgence des
salles de shoot, tandis qu’en Amérique, le nombre
d’overdoses atteint de nouveaux records. Et puis, il
y a la Russie. Côté US, le fils de Trump aurait utilisé
des agents russes pour monter des dossiers contre
Hillary Clinton. Côté Grand Nord, le ministre
des Affaires étrangères de Trudeau est d’origine
ukrainienne. Elle s’appelle Chrystia Freeland.
Elle est persona non grata dans la Russie de Poutine.
“Notre soutien à l’Ukraine, même militairement,
nous positionne de manière claire quant au
fait que la Russie reste un acteur contreproductif
dans la dynamique internationale.”, m’a confié
Trudeau. Il veut un “Canada great again”. Et pour
y parvenir, il a une méthode bien à lui.
« C’est l’image du Canada, la manière dont
les autres peuples nous regardent. Ils disent :
“Ah ! vous êtes canadien – sous-entendu
‘Pas américain’ – vous êtes là pour nous aider !»
Ce reportage a commencé l’été
dernier. Pendant que nous prenions
place pour une longue interview
dans des chaises en
bois sculpté de son bureau de
Parliament Hill, il a commencé par ôter sa veste.
Ses manches étaient remontées. Il portait une
cravate bleue, une chemise blanche et ses chaussettes
étaient ornées d’un élan. Pour être tout à
fait sincère, Trudeau me fait penser à Obama. Il a
la même façon de sourire et d’écouter sans broncher
quand je lui parle de ma femme canadienne.
Pour Trudeau, l’écoute est une arme de séduction
massive. Mais dès que je commence à lui poser
des questions, tout s’aligne, tout se met en ordre de
marche, éloquent sur sa vie, sous contrôle quand il
s’agit de politique. Pendant que nous échangeons,
il est souriant, son regard bleu vissé dans le mien.
Mais à chaque fois que le nom de Trump surgit, il
change, il esquive, d’un air de dire “Pas de ça entre
nous, mec !” Il recentre le débat : un Canada fort,
mais ouvert. Je lui ai demandé pourquoi son pays,
qui est coincé entre deux vastes océans et une
superpuissance, avait augmenté de 14 milliards
d’euros ses dépenses militaires. Il m’a répondu
que son pays était très engagé dans les affaires du
monde. Ensuite, il est revenu sur la spécificité du
Canada. “Un Canadien, qu’il soit diplomate, employé
d’une ONG ou soldat, a une image particulière.
Partout dans le monde, le Canadien est considéré
comme un citoyen à part, explique Trudeau.
Je veux dire, l’image du Canada, la façon dont les
autres peuples nous regardent en disant “Ah ! Vous
êtes canadien – sous-entendu ‘Pas américain’ –,
vous êtes là pour nous aider. Vous n’êtes pas seulement
là pour notre pétrole ou pour nous dire ce
que nous devons faire.” Ça, c’est la canadian touch !
Pendant sa campagne, Trump a déclaré que
l’OTAN était obsolète. Trudeau n’est pas d’accord.
Pour lui, le Canada doit étendre son influence dans
le monde. Des soldats canadiens sont positionnés
en mer Baltique pour contrer une éventuelle
agression russe. C’est la plus forte mobilisation
de troupes en Europe depuis plus d’une décennie.
Trudeau m’a rapporté une histoire. Elle concerne
Harjit Sajjan, son ministre de la Défense. Autrefois,
c’est lui qui dirigeait les troupes canadiennes
en Afghanistan.
Sajjan est né au Penjab, en Inde. Il porte un
turban. Un jour, un chef afghan s’étonnait de la
présence de Sajjan. Le chef tribal voulut savoir s’il
faisait partie de l’armée indienne. Quand il lui a
répondu qu’il dirigeait les troupes canadiennes,
l’Afghan ouvrit de grands yeux ronds. Sans bouger,
il balança : “Eh, attendez ! Mais comment un
homme comme vous peut diriger une armée de
soldats canadiens ?” Trudeau ménage son effet.
À l’évidence, il adore raconter cette anecdote.
“Harjit a répondu : ‘Eh ben ouais ! C’est bien ça.’
Le chef tribal l’a fixé un long moment avant de
lâcher : ‘Bon, bon. Alors vous allez pouvoir nous
aider.’ C’est ça, la force des Canadiens !”
Les Trudeau-sceptiques prétendent qu’il est
“émotionnellement intelligent”. C’est une manière
très canadienne de dire que c’est un niais. Grave
erreur ! Trudeau est le fils de Pierre Trudeau, ancien
Premier ministre canadien pendant quinze
ans et figure historique du Canada du xx e siècle.
Il y a des choses qu’il a apprises sur les genoux de
son “Papa”. Mais Justin s’est forgé son propre mode
de pensée, une grille de lecture bien à lui. Jusqu’à
la mort de Fidel Castro, il n’a cessé de déclarer que
le Líder Màximo était “un grand chef qui avait
servi son peuple”, sans faire beaucoup de cas des
coups tordus et des violences que Castro pouvait
commettre dans l’ombre. Pour le Canada Day, le
14-Juillet de nos cousins d’Amérique, Trudeau a
mentionné toutes les provinces du pays, sauf une :
l’Alberta. Il est revenu sur scène pour tenter de
rattraper le coup. “Laissez-moi juste vous dire que
je suis un peu embarrassé – je me suis emballé à
propos des Rocheuses canadiennes. Mais Alberta,
toi aussi je t’aime. Joyeux Canada Day !” Quelques
minutes après, des politiciens de l’Alberta faisaient
déjà courir le bruit que cet oubli n’était pas une
erreur, qu’il était volontaire.
Cet homme-là est capable de surgir de nulle
part, comme un dauphin ; enfant, il a voyagé dans
le monde entier, avec son père, comme s’il faisait
partie de sa délégation. Il s’aime. Il est très narcissique
(ses adversaires le surnomment “Shiny Pony”,
un personnage de dessin animé). Un jour, avant
un débat décisif, alors qu’il comparait son destin à
celui d’Obama, sa femme lui saisit brutalement le
bras. Elle le fixa droit dans les yeux et lui balança :
“Sois humble !” Sophie et Justin se sont rencontrés
50 | Rolling Stone | rollingstone.fr
Septembre 2017

1
2 Quand Trudeau
devient un homme
(1)Pierre et Margaret
Trudeau, avec leurs
trois fils. (2)Justin a
hérité de son père sa
passion pour le canoë.
(3)Pierre Trudeau
est mort peu après
l’avalanche qui a
emporté son frère
Justin. “J’ai bien vu
que c’était ce qui
avait tué mon père,
confie Trudeau.
Il n’accepta jamais
l’idée que Dieu
puisse lui prendre
son fils.”
3
© GETTY IMAGES. DR.
dans leur ville natale, à Montréal. Et dès leur premier
rendez-vous, Justin s’est mis en tête que c’était
la bonne, qu’il allait l’épouser.
Trudeau ne traîne pas sur les greens de golf.
Il préfère dévaler les pentes en snowboard. Il est
humain. Il a le goût du risque. Quand il était plus
jeune et plus simple d’esprit, il s’amusait à se jeter
du haut des marches pour faire marrer ses potes.
Pour faire plaisir à son fils Hadrien qui jouait Le
Petit Prince de Saint-Exupéry, Justin Trudeau s’est
pointé sur la scène déguisé en aviateur. Cet homme
a un sens de l’humour très particulier, mais il se
défend d’en user contre ses ennemis. Trudeau est
un centriste. Un optimiste aussi. Solaire. Rien à
voir avec le long règne de son prédécesseur Stephen
Harper et ses méthodes à la Dick Cheney. Dans
son bureau aux murs couverts de portraits de rois
de France – où je l’ai entendu siffloter le refrain
“Like a Rolling Stone” de Dylan –, il me montre
un tableau de Louis XIV. “Lui aussi était solaire”,
blague-t-il. Ce Premier ministre-là n’en finit pas
de surprendre son monde. Il se fait prendre en
photo dans toutes les situations, en train de faire
du kayak, ou de jogger. Récemment, il a interrompu
sa course dans les rues de Vancouver pour
faire une série de selfies avec des étudiants habillés
pour leur bal de fin d’année. Son photographe
officiel est toujours dans les parages. Un autre
Trudeau-sceptique m’a confié l’autre jour que, s’il
devait se présenter contre lui aux prochaines élections,
il demanderait à des clodos et à des pauvres
de brandir des panneaux pour exiger d’être pris en
photo avec Trudeau. Pourquoi pas…
Le Canada n’a pas résolu tous ses dilemmes. Il
reste dépendant de son voisin américain pour
ses énergies fossiles. Aucun puits de pétrole du
Dakota du Nord américain ne peut rivaliser avec
ceux de l’Alberta. Cette province canadienne est
trouée comme un gruyère, plantée de milliers de
puits et de foreuses. Je lui ai demandé comment
il s’accommodait de cette réalité, lui qui se pique
d’être un des grands supporters des accords de
Paris sur le climat. “C’est une vraie question”,
lâcha-t-il, sans se laisser démonter. “Il faut bien
l’avouer : on ne peut pas se passer du gaz, des carburants
fossiles. Nous ne sommes pas prêts. Il va
falloir quelques décennies avant d’y parvenir.” Il
réfléchit. “On peut réduire leur utilisation, mais
la transition énergétique va prendre encore un peu
de temps.” Trudeau l’écolo est aussi un supporter du
fameux oléoduc Keystone, qui part des sables bitumineux
de l’Alberta et traverse tous les États du
nord des États-Unis sur près de 3 500 kilomètres.
Cette double casquette, cette position un peu schizophrénique,
est d’autant plus forte que Trudeau
doit faire face au legs de son père. Quand Pierre
Trudeau était Premier ministre, il s’en est pris à
cette industrie. Il a taxé les profits des industries
pétrolières de l’Alberta pour les redistribuer dans
tout le pays. Ces grands patrons s’en souviennent.
Ils l’ont encore mauvaise. Et Trudeau fils doit faire
avec. Justin Trudeau se souvient encore de cette
conférence qu’il a donnée il y a quelques années
à Calgary. Quand il quitta la scène, un homme
s’approcha de lui et lui dit : “Bien, bien ! Très bon
discours. Heureux de vous avoir rencontré – pas
comme votre père, ce sac à merde !” Dont acte. Pour
Trudeau, la question est la suivante : “Comment on
fait pour transporter tout ça ? Il ne faut pas se mentir.
Les camions sont chers et en plus, ils polluent.
Le rail c’est cher, c’est sale et on n’est jamais à l’abri
d’une catastrophe. L’option Keystone est la plus
sûre.” Argument discutable, au moins aux yeux
des types qui ont planté leurs tentes à Standing
Rock pour protester contre son projet d’extension.
En Amérique, on connaît moins le Trudeau qui
soutient l’expansion du réseau d’oléoducs Trans
Mountain, transportant le pétrole de l’Alberta vers
la côte de la Colombie-Britannique, pour le vendre
aux marchés asiatiques. “La vraie question est de
savoir si nous voulons mettre tous nos œufs dans
le même panier. Est-ce que nous voulons rester
dépendants du seul marché américain ? N’est-il
pas préférable de s’ouvrir à l’international pour
accéder à de nouveaux marchés ?” Question très
rhétorique, du moins posée ainsi. Malgré toutes
ces contradictions, ce jeune Premier ministre est
progressif, cartésien. Il a une vista, comme on dit,
une vision de l’avenir. Oui, il est né avec une cuillère
d’argent dans la bouche. Mais il est en phase
avec ses concitoyens. Et la vie ne l’a pas épargné.
Il a vécu des drames personnels. La majorité
des Canadiens est persuadée qu’il a vraiment à
cœur de défendre ses 36 millions de concitoyens.
En 2015, Trudeau est allé à la rencontre des réfugiés
syriens. Avec d’autres bénévoles, il leur a distribué
des manteaux pour l’hiver. Un an plus tard,
l’un d’entre eux a profité de son passage sur une
radio pour le remercier personnellement. Trudeau
en a pleuré. Un autre a appelé son fils Justin, en
guise d’hommage. Quel contraste avec Trump qui
veut interdire l’accès au sol américain aux musulmans
et à Mike Pence, qui a osé aller devant les
tribunaux pour empêcher les réfugiés syriens de
s’installer en Indiana ! “Si nous avons décidé d’ac-
Septembre 2017 rollingstone.fr | Rolling Stone | 51

Justin
Trudeau
cueillir 40 000 réfugiés syriens, ce n’est pas parce
que notre gouvernement a envoyé là-bas quelques
avions ou que nous avons signé un quelconque
décret”, me confie Trudeau. “Si nous avons pris
cette décision, c’est parce que des Canadiens ont
accepté de leur ouvrir leurs maisons, leurs églises,
leurs associations. Ils disaient : ‘À nous de jouer, à
nous de nous mobiliser pour offrir à ces hommes et
à ces femmes, qui ont traversé une crise terrible, des
lendemains meilleurs.’ Nous avons pris conscience
qu’en faisant venir ces réfugiés ici pour leur offrir
une vie meilleure, nous rendons le monde meilleur
et nous rendons nos propres communautés
meilleures elles aussi. Si j’ai pris cette décision,
c’est bien parce que les Canadiens étaient prêts à
le faire, parce qu’ils sont ouverts, généreux et qu’ils
nourrissent de grands espoirs pour notre pays.”
Il y a quelque chose d’étonnant dans toute cette
histoire. C’est que Trump aime Trudeau. Quand
il a débarqué en Australie, il a décrit Trudeau
comme “son nouvel ami”. Peut-être est-ce dû au
fait que sa fille Ivanka lui faisait les yeux doux
pendant sa précédente visite à la Maison-Blanche.
À moins que ce ne soit parce que Trudeau augmente
de 70 % le budget militaire de son pays,
satisfaisant l’obsession de Trump de voir ses alliés
traditionnels assumer le coût de leur propre
défense nationale. “Nous avons un grand voisin
au Canada et Justin fait un boulot incroyable”, a
martelé Trump lors du sommet du G20. Au même
moment, Trudeau jouait au jeu du mépris avec lui,
renforçant les conventions environnementales
avec les États et les dirigeants membres du groupe
des fameuses vingt nations les plus industrialisées
de la planète. Le New York Times rapporte que
Trudeau aurait engagé l’ancien Premier ministre
conservateur Brian Mulroney pour gérer Trump,
et que le gouvernement canadien se serait payé les
services d’un lobbyiste américain pour assouplir la
ligne proaméricaine, America First, Buy American
d’Andrew Cuomo, le gouverneur de l’État de New
York. Un mauvais coup pour les relations commerciales
du Canada. Trudeau n’aime pas ces tracasseries.
Il préférerait que ses voisins d’Amérique,
ceux des 48 États d’en dessous, n’en mentionnent
pas même l’existence. “Je ne pense pas que moi ou
le Canada ayons quoi que ce soit à gagner à jouer
les fiers-à-bras. Seuls les faits comptent”, lâchet-il
en prenant place dans ce bureau de Premier
ministre dans lequel, des années plus tôt, un peu
comme les Kennedy, il jouait, enfant. “C’est clair
que je ne partage pas les positions de Trump sur un
bon paquet de sujets, dit-il en desserrant son nœud
de cravate. Mais les Canadiens me demandent de
faire le grand écart, en tenant ferme sur nos points
de désaccord sans mettre en péril tous nos intérêts
commerciaux.” Puis il ajoute, en parlant de
Trump : “Nous avons des échanges constructifs. Je
ne suis pas du genre à bondir à la moindre frustration,
à lui sauter dessus, à l’insulter dès qu’il ouvre
la bouche. Il faut maintenir ce dialogue.” Trudeau
n’est plus un gosse comme du temps de son père
et des photos de famille à la JFK. Dans ce bureau,
désormais, c’est lui le patron.
Le soir après sa conférence de
presse, le Premier ministre se
pointe avec sa femme Sophie à une
soirée de gala où tous les invités
sont en costard et ressemblent au
pingouin de Linux. La scène se déroule au bal de
Rideau Hall, la résidence officielle du gouverneur
général. Le président italien est en visite officielle.
Au menu, cochon de lait, panna cotta au coulis
de cerises du Niagara et compote d’abricot. Les
Canadiens détestent ça, mais parfois Trudeau et
ses jeunes conseillers s’y soumettent, en petits gars
bien-pensants et bien sous tous rapports, comme
dans une série de Netflix. Il faut reconnaître que
Trudeau est suffisamment bien balancé pour rivaliser
avec Gary, le héros de la série comique Veep,
diffusée sur HBO. À ceci près qu’il n’est pas très
branché pince-fesses, dîners en ville, si chers à
feu Pierre Trudeau, son père. Justin bosse, sympathique,
attachant, balançant à l’occasion un
« Pour tenter de me déstabiliser, les gens
disaient : ‘Il est très différent de son père.
Il tient surtout de sa mère.’ Et moi,
je répondais : ‘Merci, merci beaucoup.’ »
clin d’œil à untel, un petit coup de coude à un
autre. C’est un garçon de son temps. Un homme
du xxi e siècle.
Justin est tombé dedans quand il était petit. Il
est du coin. Il y est né. Il a grandi à moins d’un kilomètre
du 24, Sussex Drive, la résidence officielle du
Premier ministre. Enfin, en temps normal. Parce
qu’au moment où j’écris ces lignes, la résidence de
Trudeau est en rénovation. C’est le problème avec
les vieilles résidences officielles. Avec sa petite famille,
l’actuel Premier ministre a dû se rabattre sur
un petit “cottage” d’à peine 3 000 mètres carrés,
situé quelques centaines de mètres plus loin. Mais
toujours dans le quartier de naissance de Trudeau.
Lequel est né le soir de Noël. En 1971. Dès sa naissance,
il fait parler de lui. Quelques lignes déjà,
dans la presse nationale. Fils de… Cette annéelà,
Pierre Trudeau, 51 ans, épousait en urgence
la jeune mère de son fils, Margaret, 22 ans. Les
caméras ont fixé ce moment. Trudeau senior sortant
tout sourire sur le perron de l’hôpital d’Ottawa
pour annoncer la naissance du divin Justin.
“Ce gars est né sous le feu des projecteurs.”
Dès le début, commente Terry DiMonte, DJ à
Montréal et ami proche. Il le connaît depuis les
années 1980, depuis que le jeune Justin a passé
une annonce sur une radio locale pour tenter
de dénicher des places pour un film qui affichait
complet. C’est un héros shakespearien. Une
sorte de Camelot version Grand Nord canadien.
Dans son bureau de Parliament Hill, Trudeau
me montre un recoin, une planque, l’endroit où
il aimait se cacher quand il jouait dans les pattes
de son père. “C’est drôle, mais, dans mon souvenir
de gosse, les murs étaient plus clairs. J’ai
regardé les photos de l’époque, pour comparer. Ce
sont les mêmes. Rien n’a changé, en fait.” Après
sa naissance, deux autres fils naquirent. Mais
il n’y a que Justin qui accompagnait son père,
comme sur cette photo de lui exhibant son yo-yo
sous les yeux du Premier ministre de la Suède, ou
cette autre prise pendant qu’il récite un poème
à Ronald Reagan intitulé “The shooting of Dan
McGrew”. Son père préférait les grands classiques
de la littérature. Sur un autre cliché, on aperçoit
Justin jeune pris en flagrant délit de zyeutage
pendant que Lady Di se prélasse dans la piscine
de la résidence officielle. “C’est comme ça que j’ai
compris que les affaires internationales reposaient
sur les relations humaines, et la manière
de se comporter avec nos interlocuteurs, confie
Trudeau. La manière de les écouter. En vérité,
je ne parle pas de la même manière avec Merkel
et avec Trump.” Trudeau en profite pour dénoncer
les affirmations du Spiegel qui prétend qu’il
aurait demandé à Merkel de lever le pied avec
Trump au lendemain de sa sortie des accords
de Paris. Pierre Trudeau, le père, était considéré
comme un homme de grande valeur aux yeux de
ses concitoyens. Il a orchestré la rédaction d’une
nouvelle Constitution pour le pays. Il a maintenu
l’unité du pays lors des velléités sécessionnistes du
Québec francophone – recourant tour à tour aux
urnes et aux armes, selon les circonstances. En
octobre 1970, le Front de libération du Québec
a assassiné un ministre provincial et kidnappé
un diplomate anglais. Pierre a envoyé les troupes
dans les rues de Montréal. Et lorsqu’un journaliste
lui a demandé jusqu’où il était prêt à aller
dans la restriction des libertés publiques, ce Premier
ministre, qui se targuait d’être moderniste, a
simplement lâché : “Regardez bien”. Mais en dépit
de l’image qu’il voulait donner, la maison Trudeau
était déjà sens dessus dessous. Les intuitions politiques
de Pierre masquaient une grande fragilité,
une véritable obsession pour l’embrigadement, le
contrôle, traçant chez lui, dans sa propre maison,
des étages où Justin et ses frères devaient s’exprimer
en français, et d’autres où l’anglais était de
mise. Sous contrôle, donc, même en 1977, lorsque
monsieur Trudeau père fit mine d’improviser
une pirouette facétieuse dans le dos de la reine
Elizabeth à Buckingham Palace. Il voulait exprimer
tout le mépris des Canadiens pour la pompe
52 | Rolling Stone | rollingstone.fr
Septembre 2017

© GREG KOLZ. BERNARD WEIL/CORBIS.
Le bon vivant
(1) Sportif, Trudeau aime se mettre en scène.
(2) En 2005, il épouse Sophie. Ils ont trois enfants.
2
élisabéthaine. “Mon père a perdu son père quand
il avait 15 ans. Ça l’a bousillé, m’a confié Trudeau.
Ça l’a marqué à vie.” De son côté, sa mère, du
haut de sa vingtaine d’années, explosait sans prévenir.
Margaret souffrait de troubles bipolaires.
Pierre et Margaret Trudeau divorcèrent quand
Justin avait 6 ans, trop jeune pour accompagner
seul son père sur ses visites d’État, pas assez fort
encore pour consoler sa mère, capable de débarquer
à la sortie de son école pleurant toutes les
larmes de son école parce que son petit ami de la
veille venait de la quitter. “Ma mère a toujours été
très généreuse, sensible, vulnérable et pourtant si
forte”, se souvient-il. “Il a fallu qu’elle tienne face à
ce trouble mental. Il lui fallait bien du courage”,
dit-il, marquant une pause et souriant. “Elle
comprenait les gens et tissait des relations très
étroites avec eux. Ma mère était douée pour cela,
plus que mon père.”
Enfant, Justin a dû subir les unes des journaux
évoquant les frasques de sa mère, qui faisait la
fête avec les Rolling Stones et dansait jusqu’au
bout de la nuit au Studio 54, une boîte canadienne
à la mode. Quand il a fait ses premiers
pas en politique, les mauvaises langues disaient
qu’il ressemblait plus à sa mère qu’à son père.
Qu’importe. Justin traça sa route. “Mon père,
dit-il, était quelqu’un d’incroyablement fort. Il
était brillant. C’était une grande figure, au sens
classique du terme. Mais il portait aussi cette
fragilité intime, cette faiblesse qui pouvait faire
de lui un homme distant, émotionnellement distant.”
Justin affiche un sourire triste. “Certains
faisaient feu de tout bois pour m’atteindre, ils
disaient : ‘Il est très différent de son père. Il tient
surtout de sa mère.’ Et moi, j’avais envie de leur
dire ‘Merci, merci beaucoup.”
Trudeau m’a invité à l’accompagner en berline,
pour suivre avec lui les jeux de l’Acadie, à
Fredericton au Nouveau-Brunswick. À l’arrivée,
j’ai bien essayé de sortir, mais ma portière
était verrouillée. “Il faut que tu attendes qu’ils
t’ouvrent la porte”, dit-il en pointant du menton
les officiers de la police royale canadienne. Il grimaça
avant de lâcher : “Il m’a fallu six mois pour
m’y habituer.” Au planning, Justin doit suivre
1
un match de badminton. Mais les choses
ne vont pas se dérouler comme prévu. Il
est pris d’assaut par une vague humaine,
littéralement cerné par des gosses qui se
ruent, le tirent, le poussent dans un volume
sonore équivalent à la sonnerie de
6 000 téléphones portables. Trudeau attire
cette énergie. Il s’en nourrit, pas comme
son père, mais plutôt comme l’ancien premier
ministre de la Colombie-Britannique : James
Sinclair, le père de Margaret. Sinclair était très
fort pour ça, pour se jeter dans la mêlée, aller à
la rencontre des gens et donner à chacun, qu’il
soit ministre ou bien mineur, le sentiment d’être
important à ses yeux. Son -petit-fils a hérité de lui
ce talent-là. Ça fait partie de son style. Trudeau
se concentre sur les individus, il fait fi des barrières
sociales, des conventions, pour permettre
le dialogue, même avec ses conseillers proches.
Trudeau se laisse entraîner par un groupe d’adolescentes
vers le gymnase. L’ambiance est à la
fête, avec une pointe de nostalgie, un ressentiment
étouffé, à la canadienne. Ces enfants sont
les héritiers de la Grande Expulsion de 1755,
quand les Britanniques poussèrent les Acadiens
francophones à l’exil vers le Maine, la France ou
encore la Louisiane. Mais aujourd’hui, c’est du
passé. Il y a beaucoup d’amour. C’est quelque
chose que je n’ai jamais ressenti en fréquentant
d’autres hommes politiques. C’est obamesque, si
tant est qu’Obama ait pu se retrouver dans un tel
bain de foule, si ses services de sécurité avaient
laissé faire cela. “Souvenez-vous de Roosevelt à
la radio”, minore le journaliste canadien Noah
Richler, ancien candidat socialiste à un siège de
parlementaire. “Churchill était un grand orateur.
Trudeau est très mauvais à l’oral. Mais il est beau
gosse.” Quelques minutes plus tard, Richler se ravise
un peu et concède : “Il aime son boulot – c’est
amusant de le regarder faire.”
Pour Trudeau, cette exposition n’est pas seulement
liée à son propre ego. “J’ai la conviction
très profonde qu’on ne peut pas faire ce job si on
n’est pas en prise avec les gens”, me dit-il sur le
chemin du retour vers Ottawa. “Ça signifie être
assez disponible pour qu’ils se sentent proches de
vous.” Le reste du déplacement est joyeux. Autre
visite. La caserne de Fredericton qui célèbre son
200 e anniversaire – il me confie que sa femme lui
en veut parce qu’il refuse de la laisser l’accompagner
au milieu de ces beaux gars, ces pompiers.
Trudeau est chaud. Il saute sur le toit d’un camion
de pompier, manipule les équipements. Une heure
plus tard, il est debout sur une table de piquenique
à partager des glaces avec des supporters
sur les rives de la rivière Saint John, dans le cadre
idyllique de Grand Bay-Westfield, au Nouveau-
Brunswick. Image de carte postale. Il est encore à
ses photos quand son équipe le pousse gentiment
vers sa berline. La journée se poursuit à merveille,
sans le moindre accroc, jusqu’à ce que le convoi
quitte brutalement l’autoroute pour s’engager sur
un sentier du Nouveau-Brunswick. Je ne comprends
pas ce qui se passe. J’imagine une crise
ou une menace sur la sécurité nationale. Je vois le
Premier ministre qui descend la vitre de sa portière
et balance son cône glacé. Tout un détour
pour ne pas être vu en train de jeter ce cône sur
une autoroute nationale. Ce culte de la personnalité,
ce contrôle de l’image, toute cette conquête du
pouvoir a débuté des années plus tôt.
Tout a commencé par une avalanche et une
marche funèbre.
Q
uand
il se retira du monde
politique en 1984, Pierre
Trudeau retourna avec ses
trois fils Justin, Alexandre et
Michel, dans sa demeure Art
déco de Mount Royal. Pierre occupait tout un
étage, immense, aux murs couverts de livres et
de souvenirs, pendant que ses trois fils s’entraînaient
à la lutte sur les tapis du rez-de-chaussée.
Le soir, ils se retrouvaient tous les quatre
autour d’un bon dîner et le pater familias leur
parlait de Shakespeare et de Thomas Hobbes.
Justin intégra un lycée prestigieux tenu par des
jésuites ; il y avait des élèves juifs, des protestants
aussi. Certains ont bien essayé de le faire
réagir sur les gros titres des journaux à propos
de sa mère, mais ils étaient rares et Justin a plutôt
été épargné. Son camarade de classe, Marc
Miller, se souvient qu’il était “plus un acrobate
qu’un athlète”, capable de débarquer au lycée
dressé sur son monocycle tout en jonglant avec
des quilles ou des balles de tennis. “Il n’était pas
du genre à s’enfermer dans une catégorie type,
parmi d’autres mâles alpha”, précise Miller, aujourd’hui
secrétaire parlementaire.
Trudeau garde un souvenir très fort des
balades en famille, avec son père et ses deux
frères, dans tout l’arrière-pays, les grandes
marches, l’escalade, le kayak. Quand ils se retrouvaient
à table, Pierre devait pressentir qu’il
n’aurait probablement pas la chance de suivre
la carrière de son fils. C’était comme s’il était
pressé de lui transmettre tout ce qu’il pouvait,
partager son expérience. “Il nous répétait souvent
que nous devions être capables de faire un
feu même sous l’averse, se souvient Justin. Il
voulait que nous soyons prêts à affronter toutes
les situations, dans tous les domaines.” À l’occasion,
Justin faisait des apparitions publiques,
à la grande joie des Canadiens. À 18 ans, il a pris
part à un débat entre lycéens, affirmant que le
Québec devait rester au Canada. Il a défendu
cette opinion en utilisant parfois le français
et certaines formules comme “le Canada ne
chie pas sur le Québec”, montrant à l’occasion
Septembre 2017 rollingstone.fr | Rolling Stone | 53

Justin
Trudeau
qu’il pouvait se montrer aussi incisif que son
père. Il a fait McGill à Montréal, où il s’est initié
aux grands débats de société, nouant une
solide amitié avec Gerald Butts, un de ses plus
proches collaborateurs aujourd’hui. “Pour moi,
la plus grande chose que Justin est parvenu à
accomplir c’est d’avoir su rester normal”, commente
Butts. Une fois son diplôme en poche,
il s’est rendu dans le Grand Ouest, employé
comme moniteur de snowboard tout d’abord,
puis comme prof à Vancouver. Son enfance, sa
longue période d’insouciance, a duré jusqu’à
ses 26 ans. Cette année-là, Trudeau reçut un
coup de fil lui annonçant que son frère Michel
venait d’être emporté par une avalanche, alors
qu’il skiait près du lac Kokanee, en Colombie-
Britannique. La coulée de neige l’avait emporté
vers les eaux glacées du lac. Et malgré tous
les efforts des amis qui l’accompagnaient, sa
dépouille n’a jamais été retrouvée. La nation
tout entière se souvient du ballet incessant des
hélicoptères et des plongeurs occupés à retrouver
“Miche”, comme le surnommaient ses amis.
C’était filmé. Justin rentra à Montréal pour rejoindre
son père. La météo était mauvaise. Et la
famille Trudeau prit la décision de faire interrompre
les opérations de sauvetage. Le corps du
plus jeune des fils Trudeau repose encore dans
le lac. Justin resta à Montréal et, avant la fin
de ses études, apprit que son père était atteint
d’un cancer de la prostate. Il vit son père dépérir
lentement, s’en aller, en quelques mois. Justin
reste persuadé aujourd’hui que si son corps
était rongé par le cancer, c’est bien la mort de
“Miche” qui avait eu raison de lui. “J’ai bien vu
que c’était ce qui l’avait tué”, confie Trudeau, les
yeux troublés par l’émotion. “Il a perdu la tête. Il
ne parvenait pas à accepter l’idée que Dieu lui
reprenne son fils comme ça.”
Pierre Trudeau meurt à l’automne 2000. Assailli
par les médias, Justin se réfugie dans un
lieu surprenant : la maison de son ami DJ Terry
DiMonte, persuadé que les journalistes n’auraient
jamais l’idée de le chercher de ce côté-là. Ses
funérailles ont lieu à la basilique Notre-Damede-
Montréal, un édifice du xix e siècle qui fut
longtemps considéré comme la plus grande église
de toute l’Amérique du Nord. Pour le meilleur et
pour le pire, ce moment allait être celui du passage,
du relais. Rien ne fut laissé au hasard. Dans
la cuisine de DiMonte, Trudeau junior réunit ses
vieux amis, Butts et Miller. Il écrivit quelques
lignes et les confia à ses amis pour relecture. Il
écrivit, ratura, recommença son éloge funèbre. “Il
savait qu’il allait être sous le feu des projecteurs”,
se souvient DiMonte. Les funérailles nationales
se déroulèrent le 3 octobre, avec Castro et Jimmy
Carter aux premiers rangs. Justin évoqua la mémoire
de son père, et finit sur une citation de
Robert Frost : “Il tint ses promesses et mérita son
repos.” En lisant ces dernières lignes, Justin se mit
à trembler. Il était en larmes. “Je t’aime, Papa”,
ajouta-t-il en français avant de s’incliner et de
poser le front sur le cercueil recouvert du drapeau
canadien. Puis il alla se réfugier dans les bras
de sa mère et de son dernier frère. Le buzz était
lancé. Les gens s’interrogeaient sur le destin politique
de Justin. Il a commencé juste avant la mort
de son père. Un avant le décès de Pierre Trudeau,
Justin s’assit pour l’un de leurs fameux déjeuners
de famille. Justin voulait parler de son peu
d’entrain pour la chose politique. Il a attendu. Il
« J’ai la conviction très profonde qu’on ne peut
pas faire ce job si on n’est pas en prise avec
les gens », dit-il en se fondant dans la foule.
attendait le bon moment. Il voulait s’assurer de la
pérennité et du soutien du Parti libéral. Les libéraux
étaient déjà sur le déclin, occupant 172 sièges
en 2000, et seulement 34 en 2011. La vieille garde
gauchisante était déjà en train de dépecer ce qui
restait du parti. “Il sentait, raconte Butts, que le
parti devait aller au bout de cette déchéance pour
mieux se réinventer ensuite.”
T
rudeau est retourné sur
le chemin de l’école, pour un
doctorat d’ingénieur. Il fit aussi
l’acteur dans une production
canadienne glorifiant l’engagement
des conscrits canadiens dans la Première
Guerre mondiale. Toujours en marge de la politique,
jusqu’en 2007. Il devient candidat à un
poste de député. Ce qu’il y a de particulier dans
le système parlementaire canadien, c’est qu’en
dernier ressort, ce sont les caciques des partis
qui définissent la circonscription devant laquelle
chacun de ses candidats peut se présenter.
Trudeau a été parachuté à Montréal, dans
la circonscription de Papineau, à quelques encablures
du foyer paternel. Papineau est peuplé
de migrants, d’Africains, d’Haïtiens. Une
députée, originaire d’Haïti, occupait le siège
visé par Justin. Et, malgré son look de jeune
premier, personne ne donnait cher de la peau
de Trudeau. Il a déjoué les pronostics et gagné
sa place au Parlement, pendant que les autres
candidats du Parti libéral se faisaient laminer.
Trudeau garde un souvenir ému de cette première
campagne. “J’ai raflé les votes grecs au
nez et à la barbe du candidat grec. J’ai gagné
le vote des Italiens malgré le candidat italien.
Ma rivale la plus solide était la députée sortante,
une Haïtienne, mais les Haïtiens ont
voté pour moi.” J’avais ma prochaine question
sur le bout de la langue, mais Trudeau a enchaîné.
“Au Canada, explique-t-il, les électeurs ne
votent pas pour un représentant de telle ou telle
communauté. Ils votent pour des valeurs.” Pas
comme aux États-Unis d’Amérique, où le tribalisme
et l’appartenance ethnique prédominent.
“Ma vision du pays, poursuit-il, reflétait tout
simplement celle de mes électeurs.”
Plus récemment, le principe du vivre et laisser
vivre, si cher à la nation canadienne, a été mis à
rude épreuve. En janvier dernier, un Canadien
de 27 ans a froidement assassiné six musulmans
dans une mosquée de Québec. Trudeau a rappelé
sa confiance en l’esprit d’ouverture des Canadiens,
mais le pays et ses chefs politiques ont été durablement
affectés.
“Les gens de confession musulmane sont trop
souvent victimes du terrorisme, hélas”, lâche Trudeau.
Quel contraste avec les mesures de bannissement
de Trump ! La suite de la carrière de
Trudeau, de la députation au poste de Premier
ministre peut paraître moins romantique, moins
élégante, en passant par un vrai ring de boxe. Elle
est le résultat d’une stratégie plus réfléchie qu’il
n’y paraît.
Pendant longtemps, le désir assumé de
Trudeau d’apprendre les us et coutumes des gens
d’Ottawa a été altéré par ce nom lourd à porter et
sa grande gueule. En 2011, Trudeau n’a-t-il pas
qualifié de “grosse merde” un député conservateur
en pleine Chambre des Communes lors d’un
débat houleux ? Il a fallu qu’il s’en excuse. Mais le
mal était fait. Et les médias conservateurs n’hésitaient
pas à rappeler que ce jeune ambitieux avait
aussi le sang chaud. L’année suivante, il a été bien
mal inspiré d’accepter de monter sur un ring et de
mettre les gants contre le sénateur conservateur
Patrick Brazeau dans le cadre d’un gala de charité
visant à récolter des fonds pour la lutte contre
le cancer. “Personne ne peut prétendre les yeux
dans les yeux que c’était une bonne idée, dit Miller,
son ami et très proche conseiller. Il s’est donné
en spectacle.” Ce soir de mars 2012, la cote de
Trudeau était à 1 contre 3. Le Canadien Brazeau,
d’origine indienne, avec ses longs cheveux noirs et
ses tatouages sur les bras, était donné vainqueur.
Pour l’occasion, Trudeau s’était fait dessiner un
corbeau et le globe terrestre. Brazeau ressemblait
à un gars capable de rétamer une palanquée de
poivrots dans une boîte à strip-tease. Les médias
conservateurs étaient comblés, ils guettaient la
mort du “Shiny Pony”. Dans tous les bars du pays,
les matchs de hockey cédaient la place à ce match
au sommet. Énorme succès d’audience. Dès le
début du combat, Brazeau s’est rué sur Trudeau
et lui a asséné des coups terribles. La foule était
comblée. Elle avait ce qu’elle voulait. Un massacre
en règle et très vite Trudeau au sol, le cul à terre,
inhalant des sels pour se remettre d’aplomb. Trudeau
s’est accroché. Il a répliqué par une série de
directs à la face du sénateur. Brazeau a même été
compté. Lui-même n’en revenait pas. Au troisième
54 | Rolling Stone | rollingstone.fr
Septembre 2017

© GETTY IMAGES
round, l’arbitre dut interrompre le match, alors
que Trudeau venait de se ruer une nouvelle fois
sur son adversaire incapable de répliquer. La victoire
de Trudeau a révélé que ce jeune loup savait
tenir parole et qu’on pouvait appartenir à un Parti
libéral un peu mou du genou et avoir un sacré
punch. Cinq ans et des kilomètres plus loin, Trudeau
esquive un sourire bien mystérieux quand
je lui demande si ce match n’était pas biaisé. “On
a beaucoup réfléchi, laisse-t-il tomber. Je voulais
quelqu’un capable de tenir sur le ring, et on a déniché
ce sénateur un peu hors normes, issu de la
communauté indienne, pour jouer le méchant. Il
a joué le jeu. Il m’a donné la réplique.” Trudeau dit
cela avec la précision froide d’un expert financier
lors d’une réunion de comptables. “Pour moi, ça
faisait la blague et ça avait du sens.”
Le dimanche précédent notre entrevue, le
Premier ministre Trudeau paradait et dansait à
la Gay Pride de Toronto, avec des chaussettes barrées
d’inscriptions en arabe célébrant la fin du ramadan.
Drôle de manière d’afficher son soutien à
deux minorités opprimées. De quoi faire bondir le
journaliste conservateur Sean Hannity. Mais c’est
avec des coups comme ça que Trudeau est devenu
Premier ministre. Il a hérité du Parti libéral de
son père, quand ses représentants étaient au plus
bas dans les sondages, juste après la désastreuse
campagne de 2011 qui les réduisit à 34 sièges sur
un total de 308 au Parlement. Trudeau a pris
la tête du parti en 2013. Et d’emblée, il s’est mis
à “l’obamatiser”, réinvestissant les jeunes électeurs,
mais aussi les minorités, usant des médias
sociaux pour relayer ses slogans. Il s’est adjoint
les services de l’ancien directeur adjoint de la
campagne d’Obama. Trudeau avait du charisme.
“C’était incroyable de voir toute cette jeunesse se
ruer vers lui”, reconnaît Richer. Et puis il s’est
imposé dans les débats télévisés. “C’est alors que
j’ai compris que nous étions cuits”, laisse tomber
Richer. Le parti de Trudeau a remporté les élections
du 19 octobre 2015. Avec lui, les votes en
faveur du Parti libéral sont passés de 2,8 millions
en 2011 à près de 7 millions quatre ans plus tard.
Quelques jours plus tard, les membres de son
nouveau cabinet, reflet parfait du multiculturalisme
à la canadienne, se rendaient comme un
seul homme à Rideau Hall pour son investiture.
Un reporter sur place a demandé à Trudeau pourquoi
il y avait tant de conseillers femmes autour
de lui. Il sourit avant de répondre : “Parce que
nous sommes en 2015.”
Suivre l’investiture de Trudeau, c’était un peu
comme regarder un enfant faire ses premiers
mètres à vélo. Tant de promesses. Tant de renoncements.
Parfois encore, le jeune homme est
capable de coups de tête. L’année dernière, il a
déboulé dans la Chambre des Communes pour
aller chercher un de ses opposants, bousculant au
passage, d’un coup de coude à la poitrine, la députée
Ruth Ellen Brosseau. Cette affaire est devenue
le “Coudegate” (“Elbowgate” en anglais). Les
membres de l’opposition se sont rués sur lui, impatients
de transformer la bousculade en affaire
d’État. Trudeau a présenté ses excuses. Quatre
fois. Il est devenu le souffre-douleur du comique
John Oliver. “Je lui ai envoyé un texto juste après,
se souvient DiMonte. Et il m’a répondu que ça
lui avait échappé, qu’il ne recommencerait plus.”
DiMonte s’est mis à rigoler en me livrant cette
anecdote. “Il est bien comme son père. Il est gentil,
patient, jusqu’à un certain point. Est-ce qu’il
a appris à arrondir les angles ? Oui. Se comportet-il
parfois encore comme un éléphant dans un
magasin de porcelaine ? Absolument.” Récemment,
Trudeau a été tancé par son aile droite parce
qu’il avait autorisé le versement d’une indemnité
de 9,5 millions d’euros au ressortissant canadien
Face à la nation
Sur Trump : “On est en désaccord
sur nombre de sujets, mais on travaille
bien ensemble.”
Omar Khadr, engagé à 15 ans dans un échange de
tirs qui a causé la mort d’un soldat américain en
Afghanistan. Le père de Khadr était associé à Ben
Laden. Le jeune homme a été incarcéré à Guantanamo.
Il y a été torturé avant de finir dans une
prison canadienne. Khadr a été libéré en 2015,
après avoir passé la moitié de sa vie derrière les
barreaux. Les tribunaux canadiens ont estimé que
ses droits avaient été bafoués. Khadr a poursuivi
le gouvernement canadien et Trudeau a transigé
pour un accord. Le leader conservateur Andrew
Scheer a bondi sur l’occasion, qualifiant cette indemnité
de “lamentable”. Trudeau s’est défendu
que, devant les tribunaux, le gouvernement aurait
encouru une amende quatre fois plus élevée. “On
apprécie une société juste, pas seulement dans les
cas où la défense des droits de ses ressortissants
est facile et populaire, dit-il, mais aussi quand sa
reconnaissance est moins évidente.”
Certaines promesses de campagne n’ont pas
été réalisées, comme la réforme du code électoral,
mais il a tenu la plus importante, celle faite
au million cinq cent mille indigènes du Canada.
Il a créé une Commission pour la paix et la réconciliation
et assumé publiquement que l’État était
responsable de l’enlèvement de 150 000 enfants
à leurs familles indigènes en 1883. Ils furent placés
dans des orphelinats et des pensionnats scolaires.
Une section de cette commission enquête
sur le meurtre de mille femmes indigènes. Mais
cette dernière fait déjà l’objet de vives critiques
en interne. Elle souligne aussi la négligence coupable
dont le gouvernement a fait preuve tant au
niveau de l’éducation de cette population, que de
la qualité de ses eaux et de ses réserves nationales.
Trudeau a promis une eau plus saine, de nouvelles
écoles et, plus important, plus de latitude dans l’allocation
et la répartition de fonds aux différentes
réserves nationales. Mais les réalisations tardent
à venir. Lors de sa conférence de presse, Trudeau
a appelé à plus de patience. “Cela nous a pris des
siècles avant d’en arriver là. Il va falloir encore
quelques générations avant que nous puissions
apurer les comptes liés à cet héritage.”
Quelques heures après sa conférence de presse,
Trudeau insiste pour me faire partager sa vision
du Canada. Nous faisons une demi-heure de route
vers la banlieue d’Ottawa, jusqu’à l’école élémentaire
de Berrigan, à Nepean. Pendant que ses officiers
de sécurité s’assurent des lieux, je reste dans
le fond d’une salle de classe qui ressemble à s’y
méprendre à celle dans laquelle l’ancien président
George W. Bush se trouvait le matin du 11 septembre
2001. Sur place, j’ai l’impression d’assister
à une session de l’assemblée des Nations unies. Plus
tard, le proviseur me dit que, sur les 900 élèves
inscrits dans son école, 35 pays étaient représentés
et une vingtaine de langues parlées. Je n’étais
pas très loin. Les élèves parlent anglais, français et
tout un tas d’autres langues qui m’échappent. Cela
me rappelle ce que Richter m’avait dit à propos de
son pays : “Ce pays est si étendu que nous ne l’occuperons
jamais complètement. Nous avons autant
besoin des immigrants qu’ils ont besoin de nous.”
Trudeau allait de l’un à l’autre, écoutait, jusqu’à ce
qu’un jeune Indien se mette à raconter qu’il était
fier de se sentir Canadien et de pouvoir entonner
sans crainte l’hymne national indien. Le Premier
ministre s’empara du micro et se mit à parler en
anglais et en français. “Quand vous observez un
pays, ou une communauté, la division est à l’origine
des désaccords, d’affrontements et finalement
d’affaiblissements”, dit-il. Ici, au Canada, nous
avons des points de divergence, des origines différentes,
des histoires différentes, plusieurs religions,
plusieurs langues.” Puis il darde vers l’écolier un
regard de vieux maître d’école. “Nous avons réussi
à faire de cette diversité une force.”
Trudeau retourne vers les voitures de son convoi
qui s’arrête à chaque feu rouge. Dans la cour, près
de deux cents gosses tendent à bout de bras des
pancartes avec les mots “Espoir” et “Respect” écrits
dessus. Ils s’accrochent à sa chemise et repartent
avec de grands sourires. Cela peut paraître un peu
niais comme ça, mais c’était magnifique. Voilà la
définition de ce qu’un pays doit être aux yeux de
Trudeau. Le Canada se bat pour fédérer les communautés
quand l’Amérique construit des murs et
rêve d’un âge d’or qui ne reviendra pas. Ce pays-là,
le pays de Trudeau, pourrait bien constituer un
beau refuge à ceux qui voudraient fuir la tempête
qui vient d’Amérique.
TRADUCTION ET ADAPTATION PAR SÉBASTIEN SPITZER
Septembre 2017 rollingstone.fr | Rolling Stone | 55

Portfolio
RENCONTRES PHOTOGRAPHIQUES
Hache de guerre
Depuis vingt-neuf ans, à Perpignan, Visa pour l’image, plus grand
festival international de photojournalisme au monde, multiplie
ses regards, lucides et sans complaisance, mais terriblement humains,
comme autant de constats sur l’état de notre planète.
PAR LORAINE ADAM
Avec un regard scrutateur sur
l’actualité, les faits et personnalités
majeurs de l’année écoulée, l’édition
2017 évoque, sans surprise, un
monde en souffrance. Parmi les 4500 projets
reçus par l’organisation de la manifestation,
25 ont été retenus et feront l’objet d’expositions
gratuites, présentées dans toute la cité catalane.
Deux d’entre elles, en noir et blanc, ont tout particulièrement
retenu notre attention, traitant de
la condition des Amérindiens du Dakota, un
thème abordé il y a quelques mois dans nos
pages, avec notamment Neil Young qui s’est
associé à cette lutte.
Le célèbre photo-reporter canadien Larry
Towell de Magnum Photos présente Standing
Rock, sur les Sioux qui se sont opposés au projet
d’oléoduc Dakota Access Pipeline menaçant
les sites sacrés et les réserves d’eau
potable, en organisant des campements de
prière. Cette mobilisation a abouti au plus
grand rassemblement d’Amérindiens depuis
plus d’un siècle, avec près de deux cents tribus.
Durant l’été 2016, 5 000 manifestants amérindiens
et militants campaient près de la Cannonball
River. Le 4 décembre 2016, le gouvernement
américain annonçait l’arrêt de la
construction. Deux mois plus tard, sur ordre
du président Trump, des policiers lourdement
armés, à bord de véhicules blindés, ont pénétré
dans les camps, arrêtant ou évacuant par la
force les derniers manifestants.
Quant à l’Américaine Darcy Padilla de l’Agence
VU’, lauréate du Prix Canon de la Femme photojournaliste
2016 soutenu par le magazine Elle,
elle propose Dreamers, un reportage dans la
réserve indienne des Lakotas, à Pine Ridge.
Considérée comme l’une des plus pauvres des
États-Unis, celle-ci affiche un taux de chômage
de 85 % et l’espérance de vie la plus faible du
pays : 47 ans pour les hommes et 52 pour les
femmes. Une communauté aux prises avec
l’alcoolisme, la dépendance à la méthamphétamine
et qui tente de faire survivre sa culture.
Visa pour l’image, 29 e festival international
du photojournalisme, du 2 au 17 septembre, Perpignan (66).
Entrée gratuite, tous les jours, de 10h à 20h
www.visapourlimage.com - Visa pour l’image sur Facebook
© LARRY TOWELL / MAGNUM PHOTOS
Le camp d’Oceti s’apprête
à disparaître dans les flammes.
Ainsi en ont décidé les quelques
centaines d’occupants qui auront
résisté jusqu’au bout, jusqu’à
l’ordre d’évacuation militaire
ordonné par le gouverneur
de l’État. Standing Rock,
Dakota du Nord. Février 2017.
56 | Rolling Stone | rollingstone.fr
Septembre 2017

© DARCY PADILLA / AGENCE VU’
© DARCY PADILLA / AGENCE VU’
Pow-wow pour célébrer l’anniversaire du massacre de Wounded Knee : en
1973, des militants ont occupé la ville pour manifester contre le gouvernement
fédéral et son non-respect des traités conclus avec les Amérindiens.
Un drapeau en lambeaux flotte sur la réserve de Pine Ridge, dans le Dakota
du Sud, considérée comme l’endroit le plus pauvre des États-Unis.
© LARRY TOWELL / MAGNUM PHOTOS
Vue du campement de Oceti Sakowin, celui
des résistants de la dernière heure, dans
la réserve sioux de Standing Rock, située
dans le Dakota du Nord. Septembre 2016.
© LARRY TOWELL / MAGNUM PHOTOS
© DARCY PADILLA / AGENCE VU’
Affrontement entre l’armée américaine et les Sioux à Mandan,
Dakota du Nord. Novembre 2016.
À Whiteclay (Nebraska), proche de la frontière du Dakota du Sud, près de
5 millions de canettes de bière sont vendues chaque année, principalement
aux résidents de la réserve, où l’alcool est interdit. En avril 2017, les élus de l’État
du Nebraska ont voté la révocation du permis d’alcool de quatre commerces.
Septembre 2017 rollingstone.fr | Rolling Stone | 57

PLAYLIST
C'est James Taylor
qui donnera envie
à Charles Berbérian de
se mettre à la guitare.
Le folkeux américain
accompagnera aussi
ses premiers coups
de crayon.

La culture rock de
CHARLES
BERBÉRIAN
Chaque mois dans Rolling Stone, une personnalité du monde
du spectacle, du sport ou de la politique dévoile sa passion pour
le rock. Épisode 19 avec un illustrateur-scénariste de BD, grand fan
du son West Coast des années 1970. Berbérian virevolte en mélomane
averti ; passant de la folk à la country, du blues au rhythm’n’blues,
tout en gardant une oreille sur The Young Rascals.
I
nitié et conseillé par son frère aîné
Alain Berbérian (producteur de
films), le jeune Charles découvre à
16 ans la blue-eyed soul des Young
Rascals avec “Groovin’”. Fort d’un
riche nuancier musical, il est rapidement
conquis par la musique de Paul Simon et les
chorus gorgés de salsa de Carlos Santana.
Depuis toujours, son inspiration musicale
vient de l’Amérique, celle d’une Californie
au soleil brûlant qui va de James Taylor à
Joni Mitchell en passant par Jackson
Browne. Amateur de folk songs et de guitares
acoustiques au son boisé, il écoute Neil
Young et Bob Dylan. Guitariste, il fonde au
début des années 2000, Nightbuzz, un duo
de musiciens composé du dessinateur Jean-
Claude Denis qui, lui aussi, est un grand
amateur de sonorités californiennes.
Aujourd’hui, il continue l’aventure avec sa
guitare acoustique, jouant régulièrement
avec JP Nataf et Bastien Lallemant sur
scène à Paris. Côté BD, Charles signe régulièrement
des couvertures pour le
New Yorker ou Les Inrockuptibles. Pour les
Par PHILIPPE LANGLEST
Photographies de SABRINA LAMBLETIN
fans de BD, il est avant tout le coauteur, au
côté de Philippe Dupuy, de la série culte
Monsieur Jean en 1991 ou l’histoire d’un
trentenaire citadin et bobo, cherchant une
âme sœur pour enjoliver ses nuits. Dans
l’univers de Berbérian, le dessin et la prose
sont poétiques comme le témoigne
Bienvenue à Boboland. Sur son dernier
opus, Afterz, il emmagasine sa poésie dans
chaque case en faisant dialoguer ses personnages
– clubbeurs et âmes solitaires – au
cœur de la nuit, quitte à planer un peu. L’occasion
de retrouver l’auteur chez lui, au cœur
de l’été, en pleine canicule, dans son appartement
parisien, à quelques pas de la gare de
l’Est ; il nous reçoit avec une tournée d’eau
pétillante bien glacée. On s’installe au frais
dans la cuisine. Planté au milieu du salon
avec son faux air de Woody Allen, Charles
fait la navette entre les deux pièces, sortant
au compte-goutte les disques qu’il aime :
Groovin’ de The Young Rascals, Sweet Baby
James de James Taylor, etc. À la fois profond
et léger, il raconte son histoire et ses obsessions
musicales dans sa “Culture Rock”…
Vous avez passé une partie de votre adolescence
entre l’Irak, le Liban et la France. Comment
s’est construite votre éducation musicale ?
Charles Berbérian : En fait, je suis resté en Irak
jusqu’à l’âge de 10 ans, puis j’ai vécu au Liban
cinq ans. Je suis arrivé en France juste après,
au beau milieu des années 1970. Mon éducation
musicale s’est faite principalement grâce
à mon grand frère Alain, qui a six ans de plus
que moi. Il avait un certain goût pour des
groupes peu connus à l’époque. Par exemple,
il n’a jamais ramené un disque des Beatles ou
des Stones à la maison. Je me souviens qu’un
jour, il a mis Groovin’, un disque de The
Young Rascals sur la platine. C’est là que ça
a commencé. À cette époque, à la maison, je
n’avais pas le droit de m’approcher de la platine,
qui était réservée à mon frère. Donc le
seul moyen de rejouer les morceaux que
j’entendais, c’était d’oser toucher la platine
quand Alain n’était pas là, ce qui était hyperdangereux.
(Sourire.) Soit de me rejouer dans
la tête les morceaux et de les chantonner.
J’adorais les mélodies et le son des Young
Rascals, avec la guitare en stéréo qui passait
Septembre 2017 rollingstone.fr | Rolling Stone | 59

CHARLES
BERBÉRIAN
d’un baffle à l’autre, ça me rendait dingue.
Avant de sonner un peu comme les Beatles,
la musique des Young Rascals baignait dans
la soul et le R’n’B ;“Groovin’” est un authentique
tube de blue-eyed soul.
On est au cœur des années 1970. En ce qui
concerne les groupes de rock, vous êtes alors plutôt
attiré par ce qui se fait en France, en Angleterre
ou aux États-Unis ?
C. B. : J’ai tout de suite été séduit davantage
par les songwriters américains qu’anglais.
Paul Simon et Neil Young ont beaucoup
compté dans ma culture rock, tout comme
James Taylor. J’avais vu au cinéma le film
A Hard Day’s Night, mais on n’écoutait pas
beaucoup les Beatles à la maison. À cette
époque, je préférais les outsiders aux têtes
couronnées : les Young Rascals ou Bill Deal
& The Rhondels me plaisaient davantage que
les Stones, par exemple. Ensuite, j’ai bifurqué
vers une petite période prog rock anglaise
avec Pink Floyd et Genesis. À 17 ans, j’étais
particulièrement attaché à une compilation
de rhythm’n’blues, sortie sur le label Atlantic,
avec Booker T. & the MG’s, Solomon Burke
et Wilson Pickett. Une vraie machine à hits
avec en tête de liste l’incontournable “In the
Midnight Hour”. Bizarrement, le premier
tube français que j’ai appris par cœur, c’était
“Le Téléfon” de Nino Ferrer. C’était du R’n’B
“à la française”. J’adorais ça !
À propos de rhythm’n’blues, vous êtes de
quelle école ? Stax ? ou Atlantic ?
C. B. : Le label Atlantic, en priorité. Dans leur
catalogue, on trouvait du très lourd : Aretha
Franklin, Percy Sledge et l’irremplaçable
Wilson Pickett. Leurs chansons me touchaient
au cœur et je n’arrêtais pas de les
chanter. À la même période, j’avais une
espèce d’obsession, une sorte de tic de langage
: j’imitais sans cesse le son de la wahwah.
(Sourire.) C’est sur le label Stax, qui par
la suite sera absorbé par Atlantic, que je
découvrirai Otis Redding, Sam & Dave et
Isaac Hayes. Avec lui, je touchais le graal du
R’n’B. Son générique génialissime de Shaft
me renverse littéralement dès la première
écoute. En plus, lui, la wah-wah il connaissait
ça par cœur. Parallèlement, je me
branche sur les musiques de feuilletons télé
avec Mission : Impossible ou Mannix. Je
voulais les disques de Lalo Schifrin qu’on ne
trouvait pas encore chez le disquaire du coin.
Il fallait les commander en import. Je patientais.
J’avais besoin de ces disques.
Quel a été votre premier vrai choc musical ?
C. B. : J’en ai eu quelques-uns. Tout d’abord,
sur les conseils avertis de mon frère, je suis
tombé sur un best of de Tony Joe White où
figurait la chanson “Polk Salad Annie”. Une
mélodie inoubliable, magique, avec ce timbre
vocal unique. Un jour, mon frère rapporte à
la maison un 45-tours de Bill Deal and The
Rhondels, “May I”. C’était un groupe de
Blancs qui jouait du rhythm’n’blues comme
les Noirs américains. Imparable ! Ça a été un
vrai choc. Au même titre que les Young
Rascals avec “Groovin’”.
Paul Simon tient une place importante dans
votre panthéon musical. Comment le
découvrez-vous ?
C. B. : En 1974, lors de mon premier voyage en
France, j’achète mes premiers disques. Il y
avait notamment l’album There Goes Rhymin’
Simon, de Paul Simon. À l’époque, les albums
CBS étaient interdits au Liban parce qu’estampillés
“label juif”… Du coup, impossible de
trouver le moindre disque CBS au Liban. Pas
de Santana, pas de Paul Simon. Je suis donc
en France dans un supermarché avec ma
mère, qui accepte que je prenne un disque. Je
le prends un peu par hasard, parce que c’est un
album CBS et que mon frère aime bien Simon
and Garfunkel. Un coup de bol qui va vite
“ quand j'ai
commencé
la guitare, les
deux premiers
morceaux
que j'ai joués
venaient
de harvest,
de neil young.
”
devenir mon disque fétiche. Depuis, je ne me
lasse pas de le réécouter. Je connais les chansons
par cœur, de “Take Me to the Mardi Gras”
à “American Tune”. Il y a aussi cette pochette
complètement démente, signée Milton Glaser.
Au niveau des compos, Paul Simon m’a autant
marqué que James Taylor…
Avec James Taylor, on reste dans le son et l’esthétique
West Coast. Musicalement, c’est votre
ADN ?
C. B. : Oui, sans aucun doute. Je découvre
James Taylor encore une fois grâce à mon
frère. Quand j’écoute pour la première fois
son album Sweet Baby James, je suis séduit
par la finesse du compositeur et l’élégance du
musicien. Il y a aussi Carole King au piano,
qui fait partie de la bande. C’est James Taylor
qui m’a donné envie de jouer de la guitare. À
ce moment-là, je commençais à dessiner et
les chansons de Taylor et de Simon accompagnaient
mes journées.
On arrive à Neil Young, dont vous êtes un grand
fan. Dans sa discographie, il y a des périodes que
vous préférez plus que les autres ?
C. B. : Neil Young c’est une découverte assez
tardive. Il est arrivé dans les parages avec
Crosby, Stills & Nash. Tous les quatre, ils
sortent l’album Déjà vu. J’écoute beaucoup le
disque et surtout la chanson “Helpless”, que je
passe en boucle. Quand j’ai commencé la guitare,
les deux premiers morceaux que j’ai joués
venaient de l’album Harvest. C’était “The
Needle and the Damage Done” et “Heart of
Gold”. Je deviendrai vraiment fan de Neil
Young des années plus tard, quand je
découvre Everybody Knows This Is Nowhere
avec Crazy Horse. Il y a ce son de guitare volcanique,
incendiaire. Sur “Down by the
River”, par exemple, les guitares de Neil et de
Danny Whitten sont grandioses. Depuis, je
l’ai suivi sur des chemins de traverse pas évidents
comme sur l’album Re-ac-tor ou Comes
a Time qui, à mon sens, reste l’un de ses meilleurs
disques country à ce jour.
On arrive à Bob Dylan. Quelle place occupe-t-il
dans votre culture rock ?
C. B. : Beaucoup plus aujourd’hui qu’avant. J’ai
vraiment commencé à faire une fixation sur
Dylan quand il a sorti en Time Out of Mind
que j’ai adoré comme jamais je n’avais aimé
un album de Dylan auparavant. Du coup, je
suis remonté à la source. Je l’ai réécouté
autrement, de Highway 61 Revisited à
Blonde on Blonde en passant par les coffrets.
Là, j’ai enfin compris que Dylan faisait de la
musique comme un peintre. Quand il fait un
morceau, ce n’est jamais fini. Il rajoute des
couches. Il les enlève. Comme faisait Matisse
quand il peignait sur un tableau. Pour lui, les
chansons sont des matières vivantes qu’il
continue à malaxer. Dylan ne se préoccupe
pas des albums qu’il enregistre. C’est un mec
qui a un rapport à son travail aussi fascinant
que celui que Moebius avait avec le dessin. Je
m’intéresse beaucoup à ce qui relie le dessin
et la musique. J’ai une perception encore plus
riche aujourd’hui de ce que je perçois de leur
travail par le prisme du dessin pour Dylan et
de la musique pour Moebius. Il y a deux ans,
je suis tombé amoureux fou de The Band.
Pour moi, c’est un tout : il y a Dylan et The
Band. La période avec The Band, c’est-à-dire
The Basement Tapes et la tournée de 1974.
C’est de loin la meilleure formation qui a
accompagné Dylan sur scène.
Revenons à la musique californienne des 70’s.
Que vous évoque Joni Mitchell ? Jackson Browne ?
C. B. : Joni Mitchell est une artiste complète,
qui sait surtout écrire de très bonnes chansons.
Elle peint également. Quand je l’écoute
sur les albums Blue ou Court and Spark, j’ai
toujours éprouvé plus d’émotion que sur un
disque de Linda Ronstadt ou des Eagles, au
hasard. (Sourire.) À part leur disque
Desperado, j’avoue que je déteste les Eagles.
60 | Rolling Stone | rollingstone.fr
Septembre 2017

JUKEBOX
Young Rascals et Elton John
(première époque) : deux chocs
musicaux pour le dessinateur.
Quand “Hotel California” passe à la radio, ça
me déprime. J’ai toujours préféré Jackson
Browne aux Eagles. Je suis fan de l’album
Running on Empty, moins de The Pretender.
Dernièrement, je suis tombé sur des albums
que Jackson Browne avait enregistrés avec
David Lindley en live. Techniquement, ça
tricote sévère ! (Sourire.) Pour revenir à Joni
Mitchell, il y a une espèce d’intelligence et de
sensibilité dans les arrangements de Blue qui
me touchent encore aujourd’hui. Quand les
autres font du folk, elle fait de la musique.
Elle est apparentée folk song, mais c’est une
erreur. C’est d’ailleurs ce qui fascine tout le
monde, et surtout David Crosby. Mis à part
que, physiquement, elle est quand même
sublime. Enfin, elle n’aurait pas été aussi loin
si elle avait été uniquement blonde et belle.
Avec le dessinateur Jean-Claude Denis, vous
avez sorti deux disques sous le nom de Nightbuzz.
Vous continuez à vous produire sur scène ?
C. B. : Avec Nightbuzz, un peu moins. On fait
un petit break. Aujourd’hui, je fais des
concerts à Paris, une fois par mois, à La Loge,
rue de Charonne, dans le cadre des Siestes
acoustiques. Sur scène, nous sommes trois :
moi, JP Nataf et Bastien Lallemant. Du coup,
je me suis replongé dans le picking façon
James Taylor. (Sourire.)
Votre dernière obsession musicale ?
C. B. : Il n’y a pas longtemps, j’ai découvert
Harry Smith, Alan Lomax et George
Mitchell : toute cette jungle, toute cette
forêt, toute cette musique du Delta… Je
n’arrivais plus à écouter autre chose, tellement
ça m’avait absorbé. Il y a quelques
jours, je me suis procuré The American Epic
Sessions, une compilation produite par
T Bone Burnett et Jack White absolument
remarquable. Musicalement, c’est tout ce
que j’aime. Le casting et les musiciens sont
fabuleux. À l’intérieur, tu trouves des duos
inédits, notamment ceux d’Elton John et
Jack White ou encore de l’acteur Steve
Martin avec Edie Brickell.
Quels sont les cinq disques que vous aimeriez
offrir à vos amis ?
C. B. : Pour découvrir le son West Coast par
exemple, Tapestry, de Carole King, s’impose.
C’est un album qui est à la croisée de plein
de choses, du rock au blues en passant par la
soul. J’adore le timbre de voix de Carole
King. J’aime bien faire découvrir aux
copains la qualité de songwriting qu’avait
James Taylor à ses débuts et qu’il a égarée
par la suite, car il s’est retrouvé un peu au
milieu de la route dans les 80’s. Pour découvrir
James Taylor, je conseillerais deux
disques : Sweet Baby James et One Man Dog.
Si tu n’aimes pas Neil Young, en revanche, il
n’y a aucune raison que tu finisses par l’aimer,
tout comme Bob Dylan. Ils ont tous les
deux des voix tellement bizarres, que si on a
le poil hérissé par l’un ou par l’autre depuis
toujours, ça ne passera pas. Dans un tout
autre registre, je proposerai l’album
Madman Across the Water à ceux qui ne
connaissent pas le Elton John d’avant les
succès planétaires. C’est un disque essentiel
de la pop anglaise, dont on ne dit pas assez
souvent du bien, à mon sens. Les gens ne
savent pas par exemple que, sur cet album
aux arrangements de cordes fantastiques,
Elton John a composé des chansons
sublimes comme “Tiny Dancer” ou “Levon”.
J’offrirais également l’album Malibu
d’Anderson Paak. Il faut écouter ça ! Dans
son genre, ce type est un martien. Et pour
finir, La Maison haute de Bastien Lallemant,
parce que c’est un disque fabuleux, avec un
son et des arrangements un peu “à la
Gainsbourg”. Il n’y a pas un morceau à jeter.
Dès la première écoute, tu sais que ce disque
sera là pour longtemps.
Si vous n’aviez pas été illustrateur et scénariste
de bande dessinée, vous seriez-vous vu dans la
peau d’une rockstar ?
C. B. : Pour rien au monde ! Je trouve que c’est
le plus mauvais endroit que puisse envisager
un musicien ou une musicienne. Il n’y a rien
de tel pour tomber dans une déchéance qui
a coûté la vie à Janis Joplin ou encore à Kurt
Cobain. Aucun être humain n’est fait pour
vivre ce qu’ont vécu ces gens-là. En fait, je
crois que personne n’a vraiment envie d’être
une rockstar…
Septembre 2017 rollingstone.fr | Rolling Stone | 61

1
2
3
4
5
6
AMBIANCES !
(1) L’entrée du Forecastle Festival
de Louisville. (2) Clown au Hellfest,
à Clisson. (3) Lollapalooza Festival, à
Chicago, Michigan. (4) La surprenante
PJ Harvey était à l’affiche du Forecastle
Festival, puis à Montreux. (5) Aubert
et Bertignac, manche contre manche,
à l’American Festival de Tours. (6) Fresque
en hommage à Leonard Cohen à Montréal,
où s’est tenu le Festival international de
jazz. (7) La foule au Main Square Festival
d’Arras. (8) Jimme O’Neill, du Celtic Social
Club, à l’Interceltique de Lorient.
8
7

LES
FESTIVALS
Tous en scène !
Une orgie de sons, de décibels, de poussière : voilà le programme
que la rédaction de Rolling Stone s’était fixé. Bilan d’un début
d’été en Festivalie !
Par Belkacem Bahlouli, Xavier Bonnet, Stan Cuesta,
Baptiste Manzinali et Sophie Rosemont
SARAH BASTIN. LORAINE ADAM. BELKACEM BALHOULI. CAMBRIA HARKEY. FLEUR SCUT. JEROME POUILLE. XAVIER BONNET. DR.
Aerosmith
17 juin, Clisson, Hellfest
Bon, à ce qu’il paraît, c’est leur
dernière tournée. Mais peut-être
pas non plus. Quoi qu’il en soit,
pour leur dernière tournée générale,
on aurait apprécié que les
vrais faux futurs retraités fassent
preuve d’un peu plus de générosité
et de moins d’agacement (Steven
Tyler) – dont on n’a d’ailleurs toujours
pas compris les motivations.
Pourtant, nous, on avait envie ! Et
quand- déboulent les images d’archives
sur l’emphase de “Carmina
Burana”, le palpitant a d’emblée
changé de fréquence. D’ailleurs,
tout semble d’abord être “comme
avant” : chemise largement
ouverte et riffs tranchants pour
Joe Perry, bagouses, colliers, foulards
en veux-tu en voilà et éructations
de bon aloi pour son alter ego.
Au final, un set par trop décousu et
un Aerosmith un brin cachetonneur,
malgré une setlist aux petits
oignons. C’est pourtant le temps de
quelques reprises (“Stop Messin’
Around” de Fleetwood Mac,
”Come Together”) que ce petit
monde aura donné l’impression de
s’amuser un peu.
X.B.
Lana Del Rey
23 juillet, Paris, Lollapalooza,
Hippodrome de Longchamp
Oui, Lana Del Rey minaude et en
fait des caisses ! Oui, chaque geste,
GREEN DAY
11 juin, Brétigny-sur-Orge,
Download Festival
Un show de Green Day est une affaire
bien huilée : la musique du Bon,
la Brute et le Truand avant la montée
sur scène, un “Know Your Enemy”
enjoué pour lancer les débats, un
premier spectateur invité à rejoindre
la troupe pour montrer de quoi il est
capable micro ou guitare en main,
quelques pétarades- pyrotechnies,
et roulez jeunesse… Voilà, c’est
comme ça, Green Day fait dans le pur
divertissement, le Disneyland du punk,
quitte à oublier qu’il est un groupe
de rock. C’est à prendre ou à laisser.
Et on ne me retirera pas de la tête
qu’avec ses mimiques et ses poses,
quelqu’un serait bien inspiré de
proposer à Billie Joe Armstrong le rôle
de Charlie Chaplin époque Charlot
dans un nouveau biopic. Je ne prends
que 10 % pour l’idée… X.B.
PILULES
BLEUES
D’abord
le look, puis
vint le son...
BLUES PILLS
10 juin, Brétigny-sur-Orge, Download Festival
Est-ce l’effet (trompeur ?) de la – très – mini-jupe de sa chanteuse
blonde ? Le fait que son blues-rock ou son rock bluesy constituent
le parfait intermède dans l’orgie de décibels de la journée ? Blues Pills
était très loin de sa performance un brin “rigide” au Trianon de Paris
en octobre dernier. Une pilule bien plus facile à avaler, en tout cas… X.B.
chaque attitude, chaque œillade,
vire à l’outrance et au ridicule
(mais pas davantage que certaines
“chorégraphies” de ses danseuseschoristes
avec des chaises) ! Oui,
derrière “Blue Jeans”, “Video
Games” et “Summertime
Sadness”, il n’y a pas grand-chose
à retenir de ces lancinantes mélopées,
sinon avec énormément de
mansuétude ! Charmante ou
désespérante, Lana Del Rey reste
une attraction, avec toutes les
nuances de sens que l’on veut
associer au mot. Même la pluie
s’invite à ses concerts et reste
jusqu’au bout, quitte à se lâcher
sur le concert suivant (Red Hot
Chili Peppers) !
X.B.
François & The Atlas
Mountains
8 juillet Fnac Live
Comme tous les ans, Fnac Live a
réussi à offrir gratuitement, tant
sur le parvis de l’Hôtel de ville de
Paris que dans les majestueux
salons de ce dernier, des concerts
de qualité. Si ceux de Camille, de
Benjamin Biolay ou de Témé Tan
ont fait des émules, la soirée du
8 juillet a su allier jeunes talents
prometteurs (le folkeux Aliocha
ou Clara Luciani, digne héritière
de Françoise Hardy et PJ Harvey
réunies) et aligner les valeurs
sûres. Au programme, donc, le
rock noisy de The Horrors, qui
jouait pour la première fois sur
scène son nouvel album V ou
Septembre 2017 rollingstone.fr | Rolling Stone | 63

LES
FESTIVALS
Julien Doré et son sex-appeal nonchalant.
Dans les salons, on a
retenu le flegme de Jay-Jay
Johanson, mais on s’est surtout
laissé prendre par le pop-rock
francophone, à la fois onirique et
exotique, new wave et grunge, des
incomparables François & The
Atlas Mountains. Showman généreux
et enthousiaste, François
Marry a le sens du groove et le
chant céleste, osant même une
chorégraphie.
S.R.
VOIX
MAGIQUE
La chanteuse
américaine
a présenté
un répertoire
solide.
Jowee Omicil
1 er juillet, Festival international
de Jazz de Montréal
Alors que le pays célébrait les
150 ans de sa création, l’île-ville
québécoise, elle, célébrait les
375 ans de sa fondation. D’où l’ambiance
extrêmement festive de ce
38 e Festival international de jazz de
Montréal. Bien que hors festival, et
le hasard faisant fort bien les
choses, Bob Dylan a donné rendezvous
le 30 juin à ses 15 000 fans
locaux au Centre Bell pour un set
court et ramassé de dix-huit titres
où on l’a vu “crooner” en tenant le
pied du micro, soit à son piano, très
en voix, alternant les standards du
grand répertoire américain tirés de
son dernier opus Triplicate et ses
propres standards revisités, comme
à l’accoutumée. Mais ce qui rend ce
festival passionnant, ce sont les
découvertes. Ainsi de Jowee
Omicil, qui a mis le feu avec sa
prestation fulgurante. Au saxo, à la
clarinette et même au bugle, le
musicien- entertainer – qui vient de
publier Let’s Bash, chez Blue Note
– mêle funk, jazz et sonorités
caraïbes. Ce Montréalais d’origine
haïtienne, multi-instrumentiste au
talent écrasant ne jure que par la
fusion : blues, jazz, latin, caraïbe.
Avec des prestations toujours électrisantes,
cet ancien compagnon de
show de Pharoah Sanders,
Branford Marsalis ou Kenny
Garrett montre que la scène est
réellement son domaine. B.B.
Electric Wizard
16 juin, Clisson, Hellfest
Le mur du son psyché-metal est à
ce point dense, massif, qu’il ne
semble pas tolérer que le moindre
EMMYLOU HARRIS
29 juillet • Country Rendez-vous, Craponne-sur-Arzon
Craponne-sur-Arzon, Haute-Loire, 2 129 habitants. La France profonde. Pourtant, pendant trois jours,
fin juillet, cette paisible bourgade est envahie de drapeaux américains, de cactus en carton-pâte, de Harley. Au marché
du samedi matin, les vieux paysans et les néoruraux servent une foule de bikers en bandana, de retraités coiffés
de stetsons et chaussés de santiags, de majorettes, de sosies de ZZ Top…
La raison de ce joyeux foutoir ? Le Festival Country Rendez-Vous, qui attire des fans venus de toute l’Europe. Des gens
que l’on ne voit jamais dans la vraie vie. Une sorte de monde parallèle… Dans un vaste champ, entouré de stands tous plus
folkloriques les uns que les autres et d’estrades pour line dancers, 6 000 spectateurs aux looks improbables applaudissent
des groupes assez variés et, bien sûr, une vedette. En trente ans, le festival de Craponne a déjà reçu des pointures
comme Bill Monroe, Alison Krauss, Steve Earle ou Guy Clark. Mais ce 29 juillet 2017, il propose la plus grande tête d’affiche
de son histoire (résultat de quatre années de négociations !) : Emmylou Harris, pour son unique concert en France…
Elle en est à la fois charmée et amusée : “C’est vrai, il y a beaucoup de bolo ties (cravates western, ndlr) ! Je suis
un peu inquiète parce qu’avec ce groupe, on met l’accent sur les harmonies vocales et sur les titres plus récents.
J’espère que les fans ne seront pas déçus s’ils n’entendent pas les hits. C’est mon amour de la country qui m’a amenée
là où je suis, mais j’ai toujours eu une sensibilité folk. Et me voici… à Craponne !”
Effectivement, sa prestation n’a rien de country. Tout en douceur et en subtilité, elle fait la part belle aux chœurs de ses
acolytes Mary Ann Kennedy et Pam Rose, sur des reprises comme “To Know Him Is To Love Him” ou “The Boxer” ou sur de
superbes titres des années 2000 (le fantastique “Here I Am” d’ouverture). Emmylou chante divinement, peut-être mieux que
jamais, et l’émotion atteint des sommets sur le final, une version de “After the Gold Rush” quasi a capella, belle à pleurer. “Je
ne jouerai pas de chanson de Gram (Parsons, ndlr), a-elle précisé avant le concert. Mais son esprit est toujours avec moi.” S.C.
membre du groupe puisse être mis
en avant ou qu’une poursuite
lumière vienne se fixer sur l’un ou
l’autre. Electric Wizard est un bloc,
un pavé, et on l’a bien pris en pleine
poire… Merci, les gars !
B.B.
Teddy Abrams
14 juillet, Forecastle Festival,
Louisville, Kentucky
Avec plus de soixante groupes ou
artistes à l’affiche, le Forecastle
Festival est devenu le lieu incontournable,
le “must be in”, le lieu où
il faut être vu et entendu. Et surtout,
un rendez-vous pas comme les
autres, avec un état d’esprit partagé
par pas moins de 60 000 amateurs
de musique, mais aussi de militants
pour l’économie durable. Ces deux
points sont étroitement associés
dans ce festival. Car pour défendre
la cause environnementale, de gros
moyens ont été mis en place : “Ici,
des stands proposent de la nourriture
équitable et bio, explique
JK McKnight, fondateur de l’événement.
D’autres expliquent à quel
point l’économie durable est au
centre des préoccupations. Et si
nous organisons ce festival ici,
à Louisville, c’est parce que le maire
de la ville se sent très concerné par
cette cause et qu’il nous soutient
dans cette aventure.” Pour cette
15 e édition, l’un des invités n’était
pas un rocker pur jus, malgré
l’énorme quantité de talents confirmés
à l’affiche du rendez-vous
(Weezer, LCD Soundsystem,
© PHILIPPE TISSIER
64 | Rolling Stone | rollingstone.fr
Septembre 2017

LES
FESTIVALS
PJ Harvey, Conor Oberst, etc.).
C’est ainsi que le chef de l’orchestre
symphonique de la ville,
Teddy Abrams, est venu faire une
création où il a réussi à mêler rock,
jazz, country et classique ! Rendezvous
compte : après avoir joué un
air de bluegrass, le style country
originaire du Kentucky, du hip-hop
avec un rappeur qui n’était autre
que son percussionniste en chef à
l’orchestre symphonique de
Louisville, sans oublier une sorte de
concerto pour orgue accompagné
non par des violons, mais par une
flopée de guitares électriques et
avant de se lancer dans une relecture
de haut niveau du
“Comfortably Numb” du Floyd, le
directeur de la musique de l’État,
30 ans à peine, a réussi à faire
acclamer le nom de Johannes
Brahms, dont il a interprété l’une
des danses hongroises ! Un exploit
salué dans toute la presse, les télévisions
et les radios locales. C’est
l’homme à suivre, car il proposera
dès novembre une symphonie
moderne pour orchestre philharmonique,
en hommage au héros de
Louisville, Mohamed Ali. B.B.
Kasabian
10 juillet, Montreux Jazz
Festival, Auditorium Stravinski
Ce n’était pourtant pas la première
fois que les Anglais étaient
CLEAN IT UP
Un set parfois
un peu trop
sage.
LONDON GRAMMAR
12 juillet, Montreux Jazz Festival, Auditorium Stravinski
22 juillet, Paris, Lollapalooza, Hippodrome de Longchamp
On peut ne pas toujours souscrire à ses choix vestimentaires – il y aurait même souvent pas mal à redire
dans cette façon de chercher à vouloir ainsi passer aussi inaperçue –, pour ce qui est de la voix, Hannah Reid
reste hors normes, quel que soit l’environnement dans lequel elle évolue, en salle (Montreux) ou en extérieur
(Lollapalooza). Mieux en ce qui concerne le “plein air”, mêlée aux ambiances de ses deux acolytes, Dan Rothman
(guitare) et Dot Major (claviers), cette voix parvient à faire d’une musique qui s’écoute a priori confortablement
installé dans son salon quelque chose qui a du sens en festival. Tout le monde ne peut pas en dire autant !
Certes, tout cela est parfois trop propret et si l’on rêverait que tout ce petit monde se lâche un peu plus,
on sent très vite qu’il risque de se passer pas mal de temps avant que la miss se décide sans prévenir à éructer
ne serait-ce que la moitié du refrain de – au hasard – “Roots Bloody Roots” de Sepultura ! X.B.
à l’affiche du festival (une première
fois en 2005). Pas faute
non plus d’avoir mis tous les
atouts de leur côté pour lancer la
soirée – jusqu’à insérer des passages
du “Around the World” de
Daft Punk dans leur déjà entraînant
“Eez-Eh”. Est-ce la redingote
blanche de Tom Meighan, lui
donnant des allures d’infirmier
intrigant, qui en a effrayé certains
? Quoi qu’il en soit,
Kasabian aura eu quelque mal à
bouger son monde, même s’il sera
finalement parvenu à ses fins,
comme à son habitude. On
retiendra aussi quelques belles
giclées solo sortant de la guitare
de Tim Carter, le sieur Sergio
Pizzorno s’occupant avant tout
des tâches rythmiques. X.B.
Last Train
13 juillet, Aix-les-Bains,
Festival Musilac
© R.AUBERT/MUSILAC 2017. LIONEL FLUSIN.-
ROYAL REPUBLIC
14 juillet, Aix-les Bains,
Festival Musilac
“Les Suédois sont là et on va pouvoir
commencer à s’amuser !” Allez, ne mégotons
pas, Adam Grahn est l’un des meilleurs
showmen du rock à guitares d’aujourd’hui.
Grâce à lui (et un peu beaucoup très fort
aussi), Royal Republic devrait être enrôlé
dans tous les festivals du monde pour lancer
une soirée ! Set carré à souhait, humour
potache qui tombe juste à chaque fois,
nos Scandinaves en costard ont mis tout
le monde d’accord, y compris quand il s’est
agi de montrer qu’ils pouvaient tenir la
comparaison avec n’importe quel groupe
de metal en s’autorisant un mix tout sauf
ridicule du “Battery” de Metallica, fondu
dans le “Ace of Spades” de Motörhead.
Une démonstration de bout en bout ! X.B.
Au-delà de la fausse bonne idée
du “tous habillés en noir sur fond
noir” – à moins que l’objectif ne
soit de faire la nique à Slayer
(voir plus loin) –, les Alsaciens
auront offert la première déflagration
de cette édition 2017 de
Musilac. Chaleur intense, soleil
dans les yeux, public plus curieux
et attentiste que réellement
impliqué : il en fallait plus pour
désarçonner un groupe dont le
garage rock – à défaut de meilleur
terme – sonne plus affûté à
chaque fois que l’on recroise sa
route. Sinon, très futée, Jean-
Noël, cette idée de poser la
sangle de la guitare sur la caméra
qui te filme en gros plan à cet
instant précis ! Pas de doute,
c’est le métier qui rentre… X.B.
rollingstone.fr | Rolling Stone | 65

Midnight Oil
7 juillet, Caen Hérouville-Saint-
Clair, Festival Beauregard
14 juillet, Aix-les-Bains,
Festival Musilac
Trois concerts en une semaine
(avec celui de l’Olympia la veille de
Beauregard) et trois setlists différentes
! La preuve, si besoin en
était, que les Australiens n’ont pas
traversé la moitié de la planète
pour faire les choses, hum, à moitié…
Alors, bien sûr, les années au
compteur s’affichent sur les visages
de certains, mais ils n’ont perdu ni
la main ni le rythme. Plus souriant
que par le passé, Peter Garrett
enchante toujours autant pour sa
présence scénique et ses mouvements
mi-robotiques miépileptiques.
Le désir d’engagement
non plus n’a pas perdu une
ride, à l’image du T-shirt clamant
“Pécher par silence lorsque nous
nous devrions protester différencie
les hommes des lâches” porté –
dans tous les sens du terme – par
l’ancien ministre. Au-delà de l’incontournable
“Beds Are Burning”,
attendu comme du bon pain à
chaque fois, les diverses plongées
dans la longue discographie du
groupe furent autant d’instantanés
de bonheur intense.
X.B.
SL AYER
10 juin, Brétigny-sur-Orge,
Download Festival
FONDU
AU NOIR
Le thrash test
par excellence.
OK, Kerry King n’a plus dû esquisser un sourire depuis la réélection
de Richard Nixon en 1972. OK, avec tout ce petit monde en noir
de la tête aux pieds sur fond noir, difficile de distinguer de loin
sans lunettes à triple foyer autre chose que la barbe blanchissante
de Tom Araya et le crâne d’œuf du King précité. Mais quand il s’agit
de sortir la sulfateuse, Slayer sait nous rappeler qui est Raoul,
à défaut de changer quoi que ce soit dans son set. Ou son thrash
test... “Same Slayer shoots again”, en quelque sorte. X.B.
laisser abattre par une petite averse
aussi rafraîchissante que ses
refrains mélodiques. Le lendemain,
le rock stoner de Red Fang attirait
un public déjà conquis, armé de
T-shirt à leur effigie. Slowdive se
chargeait ensuite de la touche shoegaze,
fort d’un tout dernier album,
vingt-deux ans après Pygmalion.
Autre ambiance avec Ryan Adams,
qui interpellait une pleine lune
lumineuse au milieu d’un set dans
la plus pure tradition du rock américain
engagé et patriotique, en
digne héritier du Boss et du Loner.
L’édition 2017 du Pointu s’achevait
sous le doux et mélodique vacarme
du trio Dinosaur Jr., ceux-là même
qui étaient attendus en 2016 avant
d’annuler leur prestation. B.M.
Placebo
7 juillet, Caen Hérouville-Saint-
Clair, Festival Beauregard
OK, là, on vous doit un aveu. À la
limite du coming out. Allez, on se
lance… D’ordinaire, l’ennui nous
gagne au bout de 20-25 minutes, à
un concert de Placebo. Une lassitude
aussi rapide que quasiment
immuable. Or, là, rien de tout ça !
À fond dedans du début à la fin.
Bien sûr, la collection de hits (“Pure
Morning” d’entrée, “Too Many
Hanni El Khatib
8 et 9 juillet, Île du Gaou,
Pointu Festival
Ils ne sont pas nombreux, les festivals
de l’Hexagone alliant qualité et
gratuité, dans un cadre idyllique de
surcroît. Pourtant, pour la troisième
année consécutive, le pari des
organisateurs du Pointu Festival,
dans le Var, était réussi. Quelque
10 000 personnes ont répondu
présent les 8 et 9 juillet, au beau
milieu d’un été caniculaire. Sur la
scène installée à flanc de crique sur
l’île du Petit Gaou, derrière laquelle
se confondaient le ciel et la mer,
quelques grands noms du rock
indé. Après l’entrée en matière des
Varois de The Spitters et leur rock
garage teigneux, le très attendu
Kurt Vile, muni de son banjo,
accompagnait un coucher de soleil
somptueux, avant que Ride n’accélère
le tempo. Hanni El Khatib, en
véritable harangueur de foule, clôturait
la première soirée sans se
JARVIS COCKER
ET CHILLY GONZALES
9 juillet, Paris, Days Off
ROOM 29
Show
théâtral.
Cette année, on ne pouvait pas
manquer le festival prenant place
au bel ensemble formé par la Cité
de la musique et la Philharmonie
de Paris, tant sa programmation
était alléchante. Si on a dû essuyer
quelques petites déceptions,
comme la prestation guignolesque
de Devendra Banhart, et outre
l’odyssée dans l’espace offerte
par Sufjan Stevens, Bryce Dessner,
Nico Muhly et James McAlister
pour Planetarium, on a été conquis
par la performance du duo formé
par Jarvis Cocker et Chilly
Gonzales. Les deux compères
ont présenté leur projet Room 29,
conte pop ourlé autour du
légendaire Chateau Marmont, nous
livrant un show théâtral, visuel,
musical et absolument irrésistible.
Cocker chante, danse, joue
la comédie, se moque de ses
cauchemars, nous explique les
destins des stars du cinéma
hollywoodien tombées dans l’oubli,
se balade dans la salle, se retrouve
dans un écran de télévision
vintage… Un grand moment. S.R.
© CD HEROUVILLE. NICKO GUIHAL. DR.
66 | Rolling Stone | rollingstone.fr
Septembre 2017

LES
FESTIVALS
DIVA
GOTHIQUE
Troublante
prestation
de Banks,
BRILLANT !
Arcade Fire,
tout en
maîtrise.
La démesure Lollapalooza
En quatre jours, le festival américain a rappelé combien il était un événement hors normes.
Par Xavier Bonnet
© CAMBRIA HARKEY. SCOTT WITT. XAVIER BONNET
Depuis la fenêtre de la chambre
d’hôtel, le ballet est saisissant. Des
heures déjà que vont et viennent
sur le site des dizaines de véhicules
en tout genre (chariots élévateurs, fourgonnettes,
voiturettes de golf). Pas de temps à
perdre, non plus : tout doit être prêt dans moins
de dix-huit heures. Car c’est bien plus qu’un
simple festival qui prend possession de Grant
Park, le plus grand espace vert de Chicago, avec
ses 129 hectares. C’est une ville où vont de croiser
quatre jours durant quelque 400000 spectateurs
et plus de 170 groupes ou artistes solo
répartis sur pas moins de huit scènes, et dont les
décibels vont résonner à des kilomètres à la
ronde. C’est simple, quand, deux matins de suite,
les essais de son se feront sur le “Take the Power
Back” de Rage Against the Machine, on croira le
temps de quelques secondes qu’une reformation
surprise se fomente. Le troisième matin, c’est la
musique de Star Wars qui fera trembler les murs
des immeubles de Michigan Avenue – qui borde
Grant Park – et nous laissera envisager un instant
un DJ set de Dark Vador, et finalement non.
De la musique électro – et plus particulièrement
son volet EDM (pour Electronic Dance Music) –,
il en est beaucoup question au Lollapalooza.
À l’instar de ce qui avait été présenté lors de la
récente étape parisienne du festival, une scène
lui est quasiment entièrement dédiée, la Perry’s,
du nom du cofondateur de Lolla, Perry Farrell,
l’ancienne tête brûlée de Jane’s Addiction et
Porno for Pyros. À cette différence près que la
Perry’s de Chicago est au moins dix fois plus
conséquente que sa petite sœur parisienne et
que ses jeux d’écrans intégrés dans la structure
de la scène sont bluffants. L’intéressé en est persuadé,
comme il nous le confiait le temps de
quelques échanges sur l’hippodrome de
Longchamp : “L’électro est l’avenir de la musique.
D’ailleurs, le projet sur lequel je me concentre va
dans ce sens. D’une certaine manière, l’électro
correspond, dans son état d’esprit, au rock indé,
qui était la raison d’être du festival à sa naissance.
Il y a donc plus que sa place.”
Qu’elles tentent de traverser le site pour enchaîner
un concert après l’autre, s’autorisent une
brève pause devant les tentes accueillant
diverses associations (de Black Lives Matter à
One, en passant par Rock & Recycle, Oxfam
America ou HeadCount-Register to Vote),
qu’elles se laissent gentiment happer par des
animations commerciales ou bien s’agglutinent
devant les stands de nourritures où, comme
ailleurs mais toujours avec une surenchère qui
ne cesse de surprendre, burgers, pizzas et hotdogs
sont de mise (tout en faisant appel exclusivement
aux entreprises de restauration
locales), ce sont de véritables marées humaines
– oser le terme de “migrations” ne serait pas
exagéré – qui vont d’un point à l’autre du site, à
en donner le tournis.
Pour beaucoup, la musique semble presque un
prétexte. Prétexte à se retrouver entre potes –
avec prédominance d’un public jeune, voire adolescent.
Prétexte à s’afficher, à tenter de se
démarquer d’un point de vue vestimentaire.
Prétexte à passer du bon temps. Que
retiendront-ils de ces quatre jours ? Un Liam
Gallagher interrompant sa prestation au bout de
20 minutes à cause d’un problème de voix qui
aura échappé à tout le monde ? L’option collants
résilles-boxer-ceinture-mocassins- chaussettes
de Matthew Shultz, le chanteur de Cage the
Elephant ? Un début de set tonitruant de Muse
sous une pluie battante avant l’appel à évacuation
immédiate du site à cause d’orages devenus
trop menaçants ? La relative noyade d’un Ryan
Adams oubliant que certaines de ses chansons
intimistes n’étaient pas la définition de tout un
chacun d’un début de week-end festif sur un festival
? L’étonnante reformation de Live avec son
line-up d’origine – là, on avait clairement raté un
épisode ! – et débarrassé soudain de son maniérisme
vocal geignard post-grunge de l’époque ?
La troublante prestation de Banks, entre une
arrivée solennelle invitant à se demander si elle
se repasse en boucle les images d’Emmanuel
Macron se dirigeant à pas mesurés vers la pyramide
du Louvre, œillades et gestuelle tendance
diva veuve noire gothique chic hésitant entre
électro-pop à la Lykke Li et R&B un peu facile
parfois ? La confirmation de la solidité de Royal
Blood et London Grammar, bien que dans des
registres à l’opposé l’un de l’autre ? À moins que
reste gravée la véritable leçon de maîtrise et de
ferveur d’un Arcade Fire offrant des versions
énormissimes de ses “No Cars Go”, “Ready To
Start” ou “Afterlife”. D’une certaine façon, le côté
bigger than life d’un concert des Québécois
en fait l’illustration et la conclusion parfaites d’un
Lollapalooza sans commune mesure.
Septembre 2017 rollingstone.fr | Rolling Stone | 67

LES
FESTIVALS
Friends”, “The Bitter End”, “Infra-
Red”) que nous auront assénée sans
faiblir les garçons y aura été pour
quelque chose, y compris l’intensité
avec laquelle ils auront attaqué
chaque morceau. Un “Soulmates”
emballant, un “Song To Say
Goodbye” prenant, les images de
David Bowie sur l’écran au moment
de “Without You I’m Nothing”, puis
une caricature de Donald Trump
sur un paquet de cigarettes portant
la mention “Seriously harms you
and others around you” auront fini
le travail. Vingt ans, ça se fête
dignement. C’est fait et bien fait en
ce qui concerne Placebo. X.B.
FIESTA
Le groupe
francoécossais
était
à l’honneur.
Iggy Pop
7 juillet, Caen Hérouville-Saint-
Clair, Festival Beauregard
“I Wanna Be Your Dog”, “Gimme
Danger” et “The Passenger” d’entrée
de jeu. Le message est clair :
Iggy ne va pas s’emm… avec des
préliminaires. Est-ce parce qu’il
était pressé d’aller roucouler avec
son cacatoès ? De poursuivre sa
thalasso entamée la veille à
quelques kilomètres de là ? Peu
importe. De plus en plus fripé, de
plus en plus claudiquant, Iggy Pop
reste à fond, allant d’un côté à
l’autre de la scène, descendant et
remontant l’escalier qui le mène à la
foule telle une danseuse de revue
un peu revenue de tout, mais qui
connaît son affaire comme personne.
Cette foule qu’il ne cesse de
haranguer, accrochant une main,
un bras, se contorsionnant devant
elle. À ce qu’il paraît, cette même
veille, il avait commencé à se faire
rattraper par un début de bronchite.
De deux choses l’une : soit on
s’était affolé un peu vite dans son
entourage, soit les médecins normands
sont des gourous. Notre
traitement de cheval à nous se sera
conclu par un “No Fun” et un “Real
Wild Child (Wild One)” tout sauf
homéopathiques…
X.B.
Royal Blood
11 juillet, Montreux Jazz
Festival, Jazz Lab
Ils n’ont beau être que deux, Mike
Kerr et Ben Thatcher envoient
comme s’ils étaient cinq ! L’intensité
ne redescendra pas un instant dans
ce set ramassé à souhait. À deux, ils
ont trouvé leur équilibre, riffs et
solos ravageurs via cette basse trafiquée
pour le premier, cette batterie
mitraillette pour le second et son
inamovible casquette vissée sur la
tête – à croire qu’elle a dû être fournie
avec à sa naissance. Un équilibre
qui ira jusqu’à la répartition
des morceaux joués ce soir-là : cinq
du premier album, six du dernier.
Avec les hits qui vont bien (“Lights
Out”, “Come On Over” et “Figure It
Out”, toujours au-dessus du lot).
Tonitruant !
X.B.
THE CELTIC SOCIAL CLUB
5 août, Festival interceltique de Lorient
L’Écosse était à l’honneur pour cette nouvelle édition de l’Interceltique, festival installé depuis l’aube des années 1970
qui, depuis près de trente ans, offre une programmation internationale et s’est imposé comme l’un des plus gros rendezvous
musicaux français, avec plus de 600 000 visiteurs. Un record. Toute la ville est aux couleurs de l’interceltisme
et notamment de l’Écosse, pays invité qui y a délégué plus de 200 artistes : chanteurs, musiciens, danseurs que nous
avions eu le privilège de rencontrer à Glasgow en juin dernier en avant-première. Dire que ce centre économique respire
la musique est en dessous de la vérité. Nombre de groupes de stature internationale s’y sont fondés et surtout, la ville
a accueilli tout ce que le monde du pop, rock, folk, punk, électro ou hip-hop a pu produire ces dernières décennies.
En témoigne le nombre de salles existant dans cette cité industrielle et poumon économique du pays. Mais c’est sur
le versant celtique que se sont orientés les programmateurs du rendez-vous breton : ainsi, les artistes présents, quels que
soient leurs domaines de prédilection, mettent un point d’honneur à préserver une identité celte dans leur musique.
Les très jeunes groupes qui se sont produits dès le 5 août au théâtre de Lorient devant une salle bondée – comptant
dans ses rangs le ministre des Affaires étrangères, Jean-Yves Le Drian – ont ainsi montré l’étendue de leurs talents et
prouvé que la culture celte s’adaptait parfaitement aux enjeux artistiques du XXI e siècle. Certes, il y a eu du “tradi”
– réclamé à cor et à cri par les inconditionnels de ce rendez-vous –, mais les guitares électriques ont pu s’exprimer
librement, entre deux bagadous, aussi bien dans le festival off, sur les terrasses des nombreux bars, que sur la grande
scène de la Marine et ses 4 000 places. C’est ainsi que The Celtic Social Club, mené par Jimme O’Neill, double régional
de l’étape, car Écossais et habitant en Bretagne, chanteur des Silencers originaires de Glasgow, a lancé le festival avec
un show explosif. Une pyrotechnie mêlant uilleann pipes, violon, washboard, banjo, mandoline, mais aussi guitares, basse
et batterie, comme il se doit. En rhabillant de vieux traditionnels d’habits rock, leur musique, proposant une sorte
de Pogues/Clash renouvelé, a transporté au loin, vers les côtes des Hébrides et l’île de Skye, mais aussi vers l’Irlande
ou la Galice non seulement les inconditionnels du groupe, mais aussi ceux qui découvraient ce “concept group” formé
sur une scène bretonne aussi (à Carhaix, aux Vielles Charrues), destiné à ne faire qu’un one shot. C’était sans compter
sur le soutien de nombreuses entités privées et institutionnelles qui ont finalement permis au groupe de poursuivre cette
dynamique – mais aussi grâce à la ténacité de son initiateur, Manu Masko –, d’avoir déjà produit deux albums (dont le
dernier, salué dans ces colonnes), et de désormais arpenter les scènes du monde entier, dont celle de Lorient et de son
festival, où leur show a permis de les placer sans détour sur les cartes du rock comme des fans de musique celtique. B.B.
Les Insus
8 juillet, American Tours Festival,
Tours
Tout un pan de la culture US était
posé sur les bords de la Loire le
temps d’un week-end dingue, chaud
et surtout fun. Et c’est par dizaines
de milliers que les festivaliers ont
déboulé de toute l’Europe. Côté
spectacle, tout le monde en a eu pour
ses yeux et ses oreilles : des dizaines
de petits groupes couvrant toutes les
facettes de la country et du rockabilly,
des shows d’Indiens, de visiteurs
habillés en cow-boys ou en G.I.
et, en soirée, les concerts. Le premier
soir, le ton a été donné par ZZ Top et
son boogie blues juteux : une setlist
renouvelée, des reprises (Hendrix ou
Elvis) et un show tout à l’énergie. Le
lendemain, les Insus ont tout
déboîté : certes, ils ne sont pas américains,
mais Tours est la seule ville
à ce jour à les avoir reçus deux fois.
Difficile de décrire la ferveur du
public lors de la montée sur scène de
Jean-Louis, Richard et Louis. Un
show énorme, tubes sur tubes
enchaînés à un rythme diabolique.
Et surtout, on est dans le cultissime.
Pour cela, la jauge maxi a été
atteinte : inutile de préciser que les
© LORAINE ADAM
68 | Rolling Stone | rollingstone.fr
Septembre 2017

LES
FESTIVALS
© T.BIANCHIN/MUSILAC 2017
Insus, pour cette longue remontée à
Paris où ils joueront dans un Stade
de France complet les 15 et 16 septembre,
sont désormais fin prêts. Le
show d’anthologie livré ce jour-là a
réveillé de bons vieux souvenirs.
Qu’on se le dise… Par téléphone. B.B.
Red Hot Chili Peppers
23 juillet, Paris, Lollapalooza,
Hippodrome de Longchamp
Comme un singulier clin d’œil de
l’histoire, le groupe que l’on conviait
aux éditions d’antan du
Lollapalooza au nom de son appartenance
à la frange “indie” se
retrouve à nouveau tête d’affiche de
la fraîche extension nationale du
festival, de par son statut de cador
du mainstream rock. Pas sûr que
cela ait de quoi… défriser la moustache
façon Super Mario d’Anthony
Kiedis ou de friper davantage les
accoutrements en mode Desigual
de Rodeo Drive privilégiés par Flea.
Ça durera encore ce que ça durera
(les “indiscrétions” de son batteur
Chad Smith laissant entendre que
ce ne sera as forcément le cas longtemps),
mais sur une scène en 2017,
Red Hot Chili Peppers ne semble
plus avoir d’autre ambition que de
se faire plaisir. Un désir manifeste
de “s’éclater” qui passe tout autant
par un bombardement intensif des
grenades qui ont fait leur notoriété
(“Californication” – joliment foiré
par Kiedis , “By the Way”, “Give It
Away”) que par des reprises déjà
torpillées dans le passé (“Higher
Ground” de Stevie Wonder) ou
dégoupillées pour la circonstance
(“I Wanna Be Your Dog” des
Stooges, “Wicked Games” de Chris
Isaak, pour Josh Klinghoffer en
solo). C’est surtout l’occasion pour
le groupe de s’autoriser moult
digressions qui virent à la jam, pas
forcément couronnées de succès –
doux euphémisme – mais toujours
excitantes à observer. Bref, le
piment reste au rendez-vous pour
assaisonner le quotidien, aux
risques et périls de chacun ! X.B.
Liam Gallagher
23 juillet, Paris, Lollapalooza
Hippodrome de Longchamp
“Rock’n’roll” écrit en capitales,
blanc sur noir. Des musiciens sur
ressort, dont l’indispensable Jay
Mehler, et puis il arrive. En
parka, bien sûr, la moue arrogante
de celui qui sait qu’il est
aimé et attendu. Pour ce qu’il est,
le bad boy de Manchester et frère
ennemi de Noel Gallagher. Ce qui
ne l’empêche pas d’attaquer les
festivités avec trois titres d’Oasis
d’affilée : “Fuckin’ in the Bushes”,
“Rock ‘n’ Roll Star” et “Morning
Glory”. S’ensuivent les titres de
son prochain album solo, à
paraître au début du mois d’octobre
: “Wall of Glass”, “Greedy
Soul”, “Chinatown”… Avant de
reprendre “D’You Know What I
Mean?” ou “Slide Away”, qu’il
dédie aux victimes du Bataclan.
Très touché par le récent attentat
à Manchester, Liam Gallagher
trouve le moyen de le cacher derrière
sa légendaire nonchalance
– et son chant impeccable, qui n’a
pas pris une ride depuis les
années 1990. Pour finir, il chante
“Wonderwall” : on exulte, il
savoure.
S.R.
Pixies
29 juillet, Festival
de Carcassonne
C’est derrière les remparts de la
Cité médiévale que les Pixies ont
donné rendez-vous à leurs
inconditionnels fans français,
pour l’une de leurs très rares dates
dans l’Hexagone cet été. Et les
fidèles étaient au rendez-vous. Ce
soir-là, le grand théâtre en plein
air était rempli jusqu’au dernier
gradin. Il faut dire que
Carcassonne propose un festival
atypique, éclaté dans plusieurs
lieux de la ville, et offrant une
programmation allant de la
grande variété et de la pop internationale
– notamment cette
année les Vieilles Canailles
Dutronc, Mitchell et Hallyday – à
des concerts gratuits avec des
artistes comme Axel Bauer. Mais
pour Black Francis et son gang,
Joey Santiago et David Lovering
accompagné de leur nouvelle bassiste
qui officie depuis 2014, pas
de quartier. Comme à son habitude,
ni bonjour ni au revoir : à la
place, des riffs ravageurs, des
chansons ciselées et articulées
autour de la voix toujours impeccable
du chanteur, soulignée par
les guitares serpentines de
Santiago. Le public exultait. Et
lorsqu’arrive en deuxième partie
de “match” l’hymne pixien par
excellence, le gigatube “Where Is
My Mind”, c’est l’explosion, accompagnée
d’effets de fumées et de
lights de toute beauté. Qui aurait
pu croire que les Pixies donnaient
dans le son et lumière ?
B.B.
System of a Down
30 juin, Arras, Main Square
Festival
La force et l’attractivité de System
of a Down ont toujours résidé dans
l’allant, l’entrain, voire le grain de
folie, qui pouvaient accompagner
sa musique. Bon, pour ce dernier,
autant ne pas nous faire d’illusions,
c’est plié. Passé par pertes et profits.
SOAD ne veut plus tourner, en
tout cas Serj Tankian. Mais il
honore ses engagements, bon gré
mal gré. Bref, un System “dans un
bon soir” ne tient que dans l’envie :
l’envie de respecter une réputation,
accessoirement respecter des milliers
de gens qui se sont bougés
pour lui (seul groupe de ce premier
soir du Main Square dont les
T-shirts à son effigie sont arborés
en nombre). Bonne pioche, ce soir,
c’est un groupe concerné, à défaut
de volontaire, qui va enchaîner ses
meilleurs titres et faire bouillonner
son né o-metal à géométrie
variable. À croire que les bases
aériennes (concert souvent transparent
au Download) lui réussissent
moins que les citadelles à
l’ancienne. Oui, ce soir, SOAD va
se souvenir quelle machine de
guerre il pouvait encore être quand
il veut s’en donner les moyens. Un
très beau souvenir…
X.B.
STING
14 juillet, Aix-les-Bains,
Festival Musilac
Comment résister à un type qui vous lance au visage
– en l’occurrence, relance – toute une partie de votre
adolescence ? Comment ne pas chanceler quand, dans
les enceintes géantes d’un festival, résonnent les
“Synchronicity II”, “Spirits In a Material World”, “Every
Little Thing She Does Is Magic, “Message in a Bottle,
“Walking on the Moon”, “So Lonely”, “Roxanne”
et “Next to You”, pour ne citer que le premier travail
du Monsieur (car tous les hits en solo seront aussi
de la partie) ? À quoi bon s’attarder sur le sentiment
que le bonhomme, bien qu’affûté comme jamais,
est en roue libre, livre son set sans émotion apparente ?
Est-il bien utile de se demander si l’accordéon
est vraiment ce qui manquait à l’ambiance sombre
d’un “Fields of Gold” ? Quoi qu’on dise, quoi
qu’on fasse, Sting est insubmersible… X.B.
Septembre 2017 rollingstone.fr | Rolling Stone | 69

VIRTU
COMBA
PROPHETS OF RAGE

EL
T ?
Avec son nouveau
groupe, Tom Morello
et ses acolytes tentent
de faire oublier Rage
Against the Machine.
Mais derrière les belles
intentions et la vindicte,
le discours de la méthode
peine à convaincre.
À tort ou à raison ?
Par XAVIER BONNET
Photographie de TRAVIS SHINN

PROPHETS
OF RAGE
Download, Hellfest. Deux festivals de metal à une semaine d’intervalle
et un scénario qui se reproduit à l’identique. La même
impatience qui grandit à l’approche du moment fatal. Aucun
doute là-dessus, Prophets of Rage est l’attraction de ceux qui
ont investi les lieux, ayant réussi à créer une appétence que certaines
têtes d’affiches des deux festivals sont loin d’avoir réussi
à engendrer. Peut-être parce que, alors que ce mois de juin
entame tout juste sa seconde moitié, c’est nimbé de mystère que
le groupe s’affiche. Et que, c’est bien connu, le mystère intrigue
et attire… Après tout, un seul single, “Unfuck the World”, a encore été dévoilé, et l’annonce de
l’arrivée d’un album en septembre n’a pas encore percé.
Certes, le “casting” de Prophets of Rage se suffirait presque à lui-même. Pensez donc… Trois
anciens membres de Rage Against the Machine – simplifions : tous sauf Zack de la Rocha, soit
Tom Morello, Tim Commerford à la basse et Brad Wilk à la batterie –, deux de Public Enemy
(Chuck D au micro et DJ Lord aux platines) et un de Cypress Hill (B-Real au… gosier). Se suffire
à lui-même et poser problème en même
temps. Car il ne faudra pas longtemps pour en
avoir le cœur net : une grande majorité de ce
public si impatient n’est manifestement là que
pour entendre les hymnes de RATM, notamment
sa frange la plus jeune, qui n’a encore
jamais vu le groupe sur scène. Oui, là pour
s’éclater, faire des bonds sur les “Take the
Power Back”, “Bombtrack”, “Bullet in the
Head”, “Bulls on Parade” et l’insubmersible
“Killing in the Name”. Là pour ça et rien
d’autre. Comme si le message sous-jacent
qu’entend véhiculer Prophets of Rage, ce qui
en fait sa raison d’être, à en écouter ses divers
protagonistes, volait en éclats devant la nostalgie
ou la simple dimension exutoire des
brûlots d’antan. “Il n’est pas indispensable de
percevoir le message”, énonce Tom Morello, le
véritable leader de ce qu’il ne faudrait surtout
pas percevoir comme un simple super-groupe.
Et tant pis s’il assène le contraire depuis le
début de l’entretien à grand renfort de phrases
chocs. “Si, sur un festival comme celui-ci
(Hellfest, ndlr), 50 000 personnes deviennent
dingues grâce à ce que nous leur proposons,
ça me va parfaitement, poursuit-il. Et peutêtre
parmi eux s’en trouvera-t-il pour creuser
davantage et devenir les leaders de la résistance
de demain !”
Résistance, il n’a que ce mot à la bouche, le
Tom. Bien sûr, difficile de le taxer d’opportuniste
en l’occasion, lui qui est de toutes les
luttes depuis son adolescence et n’a pas
attendu les événements récents pour manifester-afficher-réaffirmer
ses idées assez à
gauche. Pas illogique qu’on le présente désormais
autant comme un musicien que comme
un militant. “L’un – musicien – est une vocation,
l’autre – militant – est une conviction,
s’esclaffe-t-il. Maintenant, dans quelle proportion,
c’est compliqué à déterminer. Ils ne
partagent pas forcément le même espace.
Disons que je suis à 100 % l’un et l’autre ! Y
a-t-il un risque que l’un l’emporte sur l’autre ?
Oui, certainement. Si la musique est à chier,
ça ne devient plus qu’un mauvais discours. Et
c’est là le meilleur moyen de desservir la cause
que tu veux défendre.”
Mais si Tom Morello – l’homme – n’a guère
besoin d’apporter de gages quant à son sens
de l’engagement, peut-on – et faut-il – aborder
l’émergence de Prophets of Rage avec les
mêmes… garanties ? Le guitariste ne manque
jamais de le rappeler : le groupe est né en
réaction à l’utilisation du terme “Rage
against the system” lors de la dernière campagne
présidentielle américaine par Donald
Trump, mais aussi par Bernie Sanders.
Morello va jusqu’à enfoncer le clou en parlant
d’une réaction à une urgence, un bouillonnement
naissant à accompagner. Dans le feu de
l’enthousiasme, la résistance est à nouveau
convoquée (“et cette résistance a besoin d’une
bande sonore”). À l’en croire encore, Prophets
of Rage serait le reflet de son époque, de l’instant,
“en espérant pouvoir le changer”.
Opportunisme ou pas ? Vœu pieux ? On vous
laissera vous faire un avis.
Car, vue d’Europe, cette résistance à laquelle
il croit dur comme fer, ainsi que les illustrations
qu’il avance pour étayer son ardeur,
paraissent bien plus embryonnaires. Vrai, les
marches des femmes à travers les États-Unis
le jour de l’investiture de Trump en janvier
denier ont réuni près de 4 millions de personnes
(une première dans le pays). Vrai
encore, des aéroports ont été un temps occupés
lorsque le même Trump décida d’interdire
l’entrée sur le territoire américain à des
ressortissants de certains pays musulmans.
Mais depuis ? Quelle résistance “durable”
“Une fois
de plus,
ce groupe
est un reflet
de son
époque.’’
derrière ces quelques prémices, dans un pays
qui a finalement entériné sans broncher
qu’un candidat pouvait accéder à l’investiture
avec deux millions de voix en moins que
son adversaire de par un système de collège
électoral d’un autre temps, mais que personne
ne songe à remettre en cause pour
autant, au nom du respect des institutions ?
Qui donc pour percevoir l’écho d’un Tom
Morello ou d’un Chuck D, prônant la révolution,
sur disque ou sur scène ?
De manière plus globale, à l’heure de l’individualisme
forcené et sciemment entretenu
afin d’étouffer les combats de société et la
dimension collective qu’ils impliquent, à qui
peut bien s’adresser le discours d’un Prophets
of Rage, aussi bien agencé soit-il ? Qui pour
l’entendre, l’écouter ? Morello, lui, n’en
démord pas : la colère gronde, y compris
auprès des plus jeunes, il n’a jamais vu un tel
mouvement de son vivant aux États-Unis, ne
compte plus ceux qui se lancent dans l’action
alors qu’ils prenaient soin jusqu’ici de faire
partie de la majorité silencieuse. Et tant pis
si c’est dans son entourage immédiat qu’il va
puiser un exemple de sa démonstration “globale”,
en évoquant sa femme jadis soutien
tacite – mais pas plus – des engagements
politiques de son conjoint et devenue soudain
coordonnatrice pour le compte de certains
mouvements féminins. Méthode Coué ou
véritable credo ?
Et si, au bout du compte, notre perplexité –
pas forcément partagée, au demeurant – à
l’encontre de Prophets of Rage tenait dans la
formulation de son propos, dans le fond
comme dans la forme ? Le fond, à savoir ces
douze chansons que le groupe n’a pas cru bon
de présenter lors de sa tournée européenne,
à l’exception du seul single “Unfuck the
World”, où sont passés en revue et pêle-mêle,
parfois le temps d’une furtive suggestion, la
paranoïa sécuritaire, la dépendance médicamenteuse,
le radicalisme, les soldats qui
meurent au combat, l’appel à la légalisation
du cannabis, les sans-abri trouvant abri sous
les bretelles d’autoroute, l’abrutissement des
masses, etc. Autant de sujets dont la virulence
et les ravages qu’ils engendrent ne sauraient
être remis en cause, mais auxquels le
groupe n’apporte aucun nouvel éclairage
véritable, y compris dans la façon de les narrer
– pour ne pas dire qu’il lui manque le
talent et la fougue d’écriture de Zack de la
Rocha et ce, alors qu’il tient à en faire son
cheval de bataille.
À l’inverse, le sens de l’à-propos de Tom
Morello en entretien sonne parfois “trop
beau pour être vrai”, jamais très loin non plus
d’un simple “y a qu’à, faut qu’on”… Difficile
de se satisfaire en effet de certaines réponses
toutes faites, à commencer lorsqu’il s’efforce
de nous assurer que l’enregistrement de
72 | Rolling Stone | rollingstone.fr
Septembre 2017

© JEFF KRAVITZ/GETTY IMAGES
l’album fut “le plus facile et le plus fun” des
quinze ou seize sur lesquels il aura œuvré ;
ou quand il nous assène que Prophets of
Rage est là pour durer et que tout le monde
se donnera toujours à fond, que le groupe n’a
pas de date de péremption, tout en précisant
dans la même phrase que “Public Enemy
continue, Cypress Hill continue et que j’ai
moi-même mes propres projets.” Délicat de
nous contenter en outre de tirades grandiloquentes,
au moment de s’interroger sur le fait
de savoir si des musiciens désormais bien
nantis sont les mieux placés pour appeler à
la révolution, sur le mode “tout le monde sans
exception est la personne idéale pour ça, qui
soit-il ou quoi qu’il fasse : charpentier, étudiant,
sans-abri, anarchiste, rappeur, guitariste…
Il ne peut y avoir de ghettoïsation à
propos de qui est le mieux habilité à porter
ce genre de mouvement. Je suis la même étoile
polaire en matière de politique depuis mes
16 ans. Il se trouve juste que je suis devenu
guitariste. Mais que je sois un guitariste qui
n’ait vendu aucun disque ou 30 millions ne
change rien à l’affaire…”
Et que dire de cette répartie lorsqu’est avancée
l’idée que des adolescents de 14-15 ans
n’ont peut-être pas forcément envie
aujourd’hui d’écouter les conseils-injonctions
de quinquagénaires bien sentis : “D’une certaine
manière, nous sommes moins là pour
les guider que pour les suivre, moins là pour
prêcher à leur encontre que les écouter. Une
fois de plus, ce groupe est un reflet de son
époque. Une fois de plus, il est né d’une
urgence partagée par une grande partie du
MAKE AMERICA RAGE AGAIN
En concert à Varsovie, en 2017,
Prophets of Rage fait le show, tout en ferveur
et en protestation, collant à son image
de “supergroupe révolutionnaire”.
monde. Quand 500 000 réfugiés srilankais
fuient à cause du réchauffement climatique,
ça concerne aussi bien celui qui a 14 ans que
celui qui en a 53, comme moi, ou 57, comme
Chuck.” À trop vouloir en faire…
Et si, après tout, nous exigions trop de
Prophets of Rage, au prétexte du pedigree de
ses divers protagonistes ? Après tout, il ne
serait ni le premier ni le dernier groupe
contestataire et protestataire qui n’aurait
que son savoir-faire à faire valoir en guise
d’argument et à chercher à tracer sa route – le
temps qu’il faudra – en mettant à profit un
contexte ou l’humeur du moment. Après
tout, ce n’est peut-être que du show-business
et c’est très bien ainsi. Après tout, et convenons-en
bien volontiers, il est encore suffisamment
de sons à sortir de la guitare de
Tom Morello, au pire intrigants au mieux
passionnants, pour que l’on accepte de se
contenter, et ne pas avoir à réduire l’utilité de
l’instrument au désir pour son propriétaire
d’y coller sur le revers une feuille avec l’inscription
“Fuck Trump”.
Et tant pis si, là encore, l’explication fournie
ne convaincra qu’à moitié. “Woody Guthrie
s’est rendu célèbre avec son message ‘This
machine kills fascists’ sur la sienne et j’en ai
souvent collé sur les miennes au fil des ans,
prend soin de rappeler Morello. Quand nous
avons commencé cette tournée en Europe,
quelque part en Allemagne, je me suis
demandé quel serait le meilleur message à
faire passer. Ce ‘Fuck Trump’ est la première
idée qui m’est venue. Je crois qu’il peut créer
un pont de solidarité avec ce public européen
qui pense que les États-Unis ont perdu la
tête. C’est ma façon de lui dire : Nous sommes
d’accord avec vous !” Alors, si tout le monde
est d’accord…
Seul l’avenir dira qui, de la ferveur débridée
de Tom Morello ou des réactions dubitatives
que celle-ci peut susciter, se sera approché le
plus de la vérité. Reste à savoir si nous aurons
longtemps à attendre. Car s’il est bien une
urgence au programme, et une urgence que
l’on partage sans détours avec ces prophètes
de la rage, c’est bien celle qui consiste à
“unfuck the world”. Pour peu qu’il ne soit pas
trop tard, ce que ne veut là non plus pas
entendre le guitariste : “L’histoire montre
que des gens se sont levés à des périodes tragiques
et dangereuses de ce monde. Combien
sont ceux qui se sont longtemps persuadés
que le mur de Berlin ne tomberait jamais ?
Combien sont ceux qui se sont persuadés que
l’apartheid durerait indéfiniment ? Pareil
pour l’esclavage aux États-Unis ou le droit
de vote refusé aux femmes. Autant de supposées
réalités que l’on pensait inamovibles,
coincées dans le cours de l’histoire. À tort. Et
pourquoi ? Parce que des gens pas différents
de ceux qui pourront lire cet article ont refusé
ce qui ressemblait à une fatalité et ont changé
le monde…” Camarades lecteurs, au boulot !
Unfuckez-nous tout ça…
Septembre 2017 rollingstone.fr | Rolling Stone | 73

MORRICONE
ENNIO
IL MAESTRO
Il a donné
un son à
l’Amérique,
construit son
propre mythe
à grands coups
d’harmonica et a
même fini par être
sympa avec Tarantino.
Par OLIVIER FLORIO
Photographie de JIM DYSON
75
Rolling Stone

AAvec soixante ans de carrière, Ennio
Morricone incarne l’une des figures les plus
marquantes de l’industrie cinématographique.
Considéré comme une influence
majeure pour bon nombre de compositeurs
du cinéma actuel tel que Hans Zimmer, il a
été également une source pour certaines
icônes de la pop, jusqu’à Metallica ou Bruce
Springsteen. Examiné sous toutes les coutures,
disséqué au scalpel, passé aux rayons X,
le personnage fascine. Mais qu’est-ce qu’on
peut dire de plus aujourd’hui que : Ennio,
c’est LE compositeur de musiques de film.
Un film ? Un vrai sac de nœuds. Il y a
d’abord le réal qui arrive avec sa problématique
existentielle et qui est souvent suivi
par un producteur (sorte de poisson-pilote)
qui a une vision chiffrée du monde. Et là,
ils tombent sur Ennio qui, lui-même, est
ENNIO
MORRICONE
rendre sa musique accessible aux cinéphiles
qui traînent dans les salles obscures.
Morricone “sert”. Sert le film. Une musique
“de service”, comme il dit. Mais bon, il y a
tout de même une limite. Parce que c’est
une part de son ADN qu’il met sur le tapis.
Et là, il lâche pas l’affaire facilement, le
Maestro. Pas question de laisser se dégrader
son “creativ’ impulse”.
Pour Ennio, au départ, le cinéma c’est tout
sauf une histoire de vocation. “Je pensais
faire comme tant de compositeurs qui
gagnent peu, mais écrivent ce qu’ils veulent
(...). Mon rapport avec le cinéma est venu
par hasard, parce que j’ai pas eu la possibilité
de faire autre chose.”
Il fallait bouffer, assurer le quotidien. Alors
il commence en faisant des arrangements
pour de la variet’ ou autre, comme ça, un
peu en souterrain, histoire de pas être trop
repéré. Mais bon, ça n’a pas duré longtemps.
Un jour, le cinéma frappe à sa porte.
Et alors là… c’est THE virage. Car dans les
années 1960-1970, Ennio bouscule, renouvelle,
transcende les codes de la musique du
cinéma de l’époque. Mais pour lui, la
musique de film c’est qu’une sorte de “gymnastique”,
un “exercice”. “Chaque film est
Antonio Ferdinandi et, plus tard, ceux de
Goffredo Petrassi. Nous avions un amour
sans bornes pour l’écriture, la recherche (…).
Un amour spirituel.”
Mais voilà, dans sa période “à la mode”, il
cartonne tellement qu’il court, il court,
Ennio. Et le temps finit par lui manquer.
Son succès grandissant le porte, mais finit
aussi par l’enchaîner. Les feuilles blanches
de la musique absolue restent immaculées
sur un coin de bureau, la poussière fait son
office. Ainsi soit-il.
Alors, le soir, lorsque résonnent les cloches
du Vatican, Ennio est seul face à lui-même.
Et il a cette voix qui s’immisce en lui,
comme une prière profonde, un appel vers
l’au-delà, un trait d’union vers l’infini, la
voix de l’autre musique. “J’ai un doute terrible”,
confie-t-il un jour à Sergio Miceli
historien de la musique, musicologue et
ami, “que ma limite soit la musique de
cinéma.” Comme une frontière invisible
que l’homme appréhende et qui le hante. Et
même si le public croit que la musique
d’Ennio, c’est celle qu’il fait pour les films,
lui sait intérieurement qu’il y a “l’autre”,
l’autre musique, l’autre Ennio, et envers
lequel il sent qu’il a une dette. Croirait-on
“
Chaque film est une nouvelle expérience musicale,
qui présente de nouveaux problèmes à résoudre,
cela me donne le sentiment d’exister,
de ne pas créer dans le vide.”
*** ***
dans une perspective assez “personnelle”,
disons ondulatoire, de l’espace et du temps.
Mais bon, malgré tout, quelquefois, ça
“matche”, et comme Ennio est du genre gros
bosseur et qu’il a des ondulations sonores
un peu partout dans la tête, ils finissent
donc parfois par se mettre d’accord. “Cinq
cents films, sinon rien” : ainsi pourrait-on
résumer sous forme de boutade la riche carrière
du maître italien. Cinq cents, ça fait
tout de même un paquet d’accords. Et
encore, il en aurait viré la moitié, refusant
de travailler pour des réals qui ne lui revenaient
pas ou qui lui demandaient d’écrire
dans le style de Stravinsky ou de Mozart.
À dégager.
Pour autant, malgré son caractère, Ennio
sait s’adapter. Composer avec les contingences
stochastiques, scolastiques et chaotiques
du monde cinématographique. Il sait
prendre pleinement en considération sa
responsabilité de fournir un matériel artistique
convaincant. Wow ! Pour le réal bien
sûr (faut pas l’oublier), mais aussi pour
une nouvelle expérience musicale, qui présente
de nouveaux problèmes à résoudre
(…). Cela me donne le sentiment d’exister,
de ne pas créer dans le vide.” Un exercice
noble, certes, et lucratif, mais qui, malgré
tout, ne saurait en aucun cas se substituer
au questionnement profond et existentiel
de l’individu face à la feuille blanche : celui
de la “musica assoluta”. Kézako ? La “musica
assoluta” (musique “en soi”) par opposition
à la “musica applicata” (musique de commande).
Deux concepts bien éloignés, voire
antinomiques. Le truc qui rend bien schizophrène.
On comprend alors ses sautes
d’humeur, au Maestro. Et c’est aussi et
peut-être surtout cette “musica assoluta”
que Morricone a dans la tête depuis qu’il est
enfant. “Mon père jouait de la trompette.
C’est lui qui m’a enseigné la clé de sol et
transmis la passion pour cet instrument.
Puis je me suis inscrit au conservatoire de
Santa Cecilia, à Rome. J’ai fait un cours
d’harmonie complémentaire et ensuite étudié
la composition. J’ai suivi les leçons de
en lui en tant que musicien sans images ?
Alors Ennio fait une sorte de pacte avec luimême.
“Servir” du mieux qu’il peut. Comme
pour donner le change, comme pour se
repentir de son péché de ne pas servir sa
propre voix. De ne pas servir cette “musica
assoluta” qu’il porte en lui, pure et sans
compromis. Il espère ainsi se sauver luimême
et peut-être aussi “sauver” certains
des films dont il accepte d’écrire la musique.
“Je ne me suis pas laissé aller (…). J’ai cherché
à racheter, à me racheter.” Et c’est peutêtre
ce qui donne une teneur si particulière
à sa musique.
Ennio se sent enfermé. Briser les bords de
l’image, pulvériser les écrans, la question
reste épineuse. “Moi, je ne peux jamais être
content en faisant de la musique pour le
cinéma, même si je reconnais qu’il y a beaucoup
d’aspects positifs”, déclare-t-il encore
en 1979 à Miceli. Le cadre, toujours le cadre.
Bien sûr, ses maîtres à penser ont eu à composer
avec des problématiques similaires.
La forme (sonate, fugue, forme
© GETTY IMAGES. DR.
76 | Rolling Stone | rollingstone.fr
Septembre 2017

2
1
3
4
UNE VIE EN IMAGES
(1) Partitions sous le bras, le
compositeur prépare ses concerts.
(2) Avec son ami, le réalisateur
Sergio Leone. (3) Le “Maestro” en
pleine répétition avec ses choristes,
à Rome en 1984. (4) Sur scène,
Morricone dirige ses propres œuvres
de main de maître. (5) C’est Clint
Eastwood qui lui remettra le seul
oscar de sa carrière, en 2016, pour la
BO des Huit Salopards. (6) L’équipe
de Hateful Eight, avec (de gauche
à droite) Kurt Russell, Ennio Morricone,
Quentin Tarantino et Michael Madsen.
5 6

ENNIO
MORRICONE
Duel
Rencontrer le Maestro n’est pas facile. Tous ceux qui s’y sont essayés en gardent
un souvenir doux-amer. Et se souviennent d’une tension digne d’un duel de western.
Que l’on soit journaliste, compositeur… ou les deux à la fois. Par Alex Jaffray
Chez mes grands-parents, il y avait
trois vinyles. Un disque de valses
autrichiennes que je n’ai jamais sorti
de sa pochette – à cette époque
j’avais une aversion pour le trois temps ; un disque
d’enregistrements de machines à vapeur – mon
grand-père était ancien cheminot et le vacarme
de métal et de vapeur devait lui manquer ; et un
disque des plus grands titres de Ennio Morricone,
avec, sur la pochette, une photo du film Le Casse,
avec Belmondo qui met en joue Omar Sharif.
J’ai grandi en écoutant en boucle ce générique
de film avec l’impression diffuse de transgression,
d’écouter de la musique de voyou, à cause
du revolver ; une musique interdite et fascinante,
hypnotique avec ce thème court que Morricone
balade dans toutes les tonalités et toutes les
gammes. Il promène cet ostinato à la manière de
Bach, mais avec le côté goguenard de l’instrumentation
façon Maestro : un piano de saloon,
une guitare, un son de vagues au loin…
Plus tard, porté par le dicton “Ennio un jour,
Ennio toujours”, avec mes premiers francs, j’ai
acheté le 45-tours de la musique du film À l’aube
du cinquième jour, d’une tristesse palpable, qui
m’avait transpercé l’âme sans pouvoir y mettre
de mots. Une composition qui m’a donné envie
de comprendre la magie invisible de la musique
et d’essayer d’en écrire moi-même.
Quelques années passent en une mesure de
valse et, en 2006, lors du festival de musique de
films d’Auxerre, on me propose de rencontrer le
Maestro. Avec, bien entendu, toutes les réserves
d’usage : il est difficile, il est ronchon, il est âgé,
il ne parle pas anglais, il se réserve le droit de ne
pas répondre à toutes les questions et il ne fera
peut-être pas l’interview, bref, un terrain propice
à l’épanouissement et à l’attente sereine.
J’avais réussi à me glisser sans permission pour
assister aux répétitions et voir le Maestro à
l’œuvre, et en fait, il n’était pas du tout vieux !
Droit, sec, sévère et souple, l’oreille tendue, arrêtant
les musiciens à la moindre approximation,
avec le pli du front du chef d’orchestre qui n’a pas
entendu ce qu’il avait en tête.
Il sort de scène et débutent alors deux bonnes
heures d’attente et de tractations : interview ?
pas d’interview ? On nous dit qu’il est fatigué,
que ces entretiens n’étaient pas prévus, que les
trois journalistes devront faire leur interview
ensemble. Une traductrice, trois journalistes
penauds, dont une jeune collègue qui débutait
dans l’exercice. Le Maestro arrive, le pli n’avait
pas quitté son front.
À la première question, une réponse tiède nous
arrive après le temps de traduction. Deuxième
question maladroite sur les musiques pour
Leone de notre jeune amie – on sent la réponse
froide même avant traduction. Je pose ma question,
que j’espère intelligente, plouf plouf. Le pli
ne part pas du front du patron. S’ensuivent deux
séries de questions, puis le Maestro se lève, je
reste avec le souvenir de ma pochette du Casse
qui se fissure en mille morceaux, et avec une
impression d’inachevé.
Deux mesures de valses plus tard, nous sommes
en 2014, le Maestro s’est enfin décidé à diriger ses
musiques en concert, on me propose d’aller le
rencontrer chez lui, à Rome. Le voyage s’organise,
seulement quatre journalistes français sont
choisis, grosse pression. Et pour en rajouter une
fine couche, on reçoit des consignes strictes
avant de partir :
1. on doit l’appeler “Maestro” ;
2. on n’emploie pas le terme de “western
spaghetti” ;
3. on ne lui parle pas d’entrée de jeu de ses films
avec Sergio Leone ;
4. on ne lui fait pas signer de disques…
Comme ça pendant une demi-page avant même
de poser le pied à Rome, de quoi être bien tendu,
en sachant qu’Ennio est à l’humour ce que
Dupont-Aignan est au mariage pour tous. Le jour
dit, avion pour Rome, les interviews ont lieu en
début d’après-midi pour qu’Ennio soit en forme
après une petite sieste.
Vieil et vaste appartement romain dans lequel le
Maestro habite depuis quarante ans et a composé,
dans la plus grande solitude de son bureau,
quelques-uns de ses plus grands chefs-d’œuvre.
Premier contact sur place à la hauteur de l’appréhension,
le manager d’Ennio, une sorte
d’Italien échappé des Affranchis de Scorsese te
regarde dans les yeux et te dit en anglais avec
un accent plein de “r”.
— Tu sais pourquoi le Maestro fait les interviews
chez lui ?
— Euh… Non, Monsieur.
Il faut toujours être très poli quand un Italien
avec des chaussures blanches vous parle.
— Eh bien, le Maestro fait ses interviews chez lui,
comme ça, si les questions ne lui plaisent pas, il
se lève et te remercie. (Le manager me montre la
porte d’entrée de l’appartement, en mimant
Morricone.)
Ambiance.
L’équipe installe le matériel, pieds de caméra,
rallonges, lumières, micro.
Là, le même homme de main avec le même
accent approche :
— Il y a quelques années, un mec de TF1 s’est
branché sur cette prise, il a fait sauter les plombs.
On lui a fait un procès.
Léger froid.
Et puis Monsieur Morricone arrive, vieux et beau
à la fois.
Moins en forme qu’il y a quelques années, il a
subi une opération qui l’a affaibli. L’interview
commence, il est un peu fermé, puis je lui parle
de son père, de ses débuts de trompettiste et du
flambeau transmis par son père, de la musique
absolue – la musica assoluta – tellement importante
à ses yeux, de ses années d’arrangeur pour
la variété italienne qui lui ont permis d’essayer
plein d’assemblages en musique – assemblages
que l’on retrouve dans ses grandes musiques de
film. On parle de Mina, de ses tubes des
années 1960. Puis il s’ouvre, sourit, l’interview
devait durer 20 minutes, une heure après on y
est encore. Je lui parle de son bureau de composition,
il se lève et me dit qu’il ne le montre que
rarement. Il sort une clé, ouvre une porte, sort
une deuxième clé, ouvre une seconde porte et
on se retrouve dans son bureau, entourés de
toutes ses partitions classées et rangées méticuleusement
sur des étagères.
Posées sur le canapé, les partitions en cours
pour Tornatore, sur une étagère en face, des
dizaines de récompenses – Bafta, Grammy,
Golden Globes, Nastro… J’ai la présence d’esprit
de ne pas lui parler de l’oscar qu’il n’a pas encore
eu, surtout de celui du film Mission qui lui est
resté un peu sur l’estomac.
Je cherche du regard un piano, rien. Uniquement
un bureau, large, massif, dos à la fenêtre, le
Maestro a sa musique dans la tête, il écrit directement
sur du papier qu’il achète une fois par
mois chez le même imprimeur romain. Il m’explique
qu’il écrit tous les matins, à la même
heure, après avoir fait un peu de jogging dans
son appartement (?), il taille ses crayons et écrit.
Pour écrire plus de 450 musiques de films, il n’y
a pas de secret.
78 | Rolling Stone | rollingstone.fr Septembre 2017

Je me rassois en espérant qu’il va m’adopter, que
je peux mourir tranquille, mais inquiet que les
trois autres journalistes me maudissent pendant
cinq générations pour leur avoir mangé tout leur
temps d’interview.
Je me lance pour une dernière confidence et
explique au Maestro que, petit, j’écoutais le
générique du film À l’aube du cinquième jour, et
que c’est certainement l’un des morceaux qui
m’a donné envie d’écrire de la musique. Le titre
italien doit être très différent. Ennio ne semble
pas comprendre de quoi je lui parle, il baragouine
un truc en italien avec un pli sur le front.
Puis il se lève d’un bond, l’air furieux, je me dis :
C’est bon, j’ai réussi à me torpiller sur la dernière
question. Comme dans un film de Leone, une
goutte de sueur perle sur mon front, lentement.
Mais le plus grand compositeur du monde ne va
pas vers la porte d’entrée, il va vers un piano
caché dans le salon sous une tonne de bibelots,
il soulève le capot, s’assoit et me joue juste pour
moi, l’introduction de À l’aube du cinquième jour.
La goutte de sueur se transforme alors en larme.
Une courte mesure de valse plus tard, je me
retrouve à Abbey Road pour l’enregistrement de
la musique des Huit Salopards de Tarantino que
le Maestro a composée et dirigée.
L’enregistrement est filmé, il règne une atmosphère
électrique dans le studio, quasiment la
même que le duel de l’homme à l’harmonica. Un
peu moins de temps pour échanger et, conforté
par notre précédente rencontre, je passe tout de
suite la seconde.
Je lui demande pourquoi avoir cédé à Tarantino
au bout de temps d’années (il a imploré
Morricone pendant quinze ans de lui composer
une musique originale et, n’obtenant pas de
réponse positive du Maestro, Tarantino allait piocher
dans d’anciennes BO de Morricone). Le
Maestro, en grande forme, me répond : “J’aime
bien Quentin, c’est un très bon réalisateur, qui
aime ma musique, mais j’en avais assez qu’il utilise
n’importe comment mes compositions.” Bim.
Je lui demande pourquoi faire venir son
orchestre de Rome, alors qu’à Londres, il y a les
plus grands orchestres du monde tel que le
London Symphony Orchestra. Léger blanc. Je
regarde la porte de sortie en me disant que j’y
suis allé un peu fort.
Ennio plisse son œil d’enfant derrière ses grosses
lunettes, sourit et dit : “Je préfère travailler avec
mon orchestre ; je peux leur parler en italien, surtout
quand je ne suis pas satisfait.” Ce qui ne
manqua pas d’arriver quand le malheureux clarinettiste
loupa l’entrée à la 57 e mesure de l’ouverture
des Huit Salopards et que le Maestro lui
souffla magistralement dans les bronches.
Il faut croire Hans Zimmer, prince des bandes
originales des plus grandes productions hollywoodiennes,
quand on lui demande qui sont
les trois plus grands compositeurs : “Ennio
Morricone, Ennio Morricone, Ennio Morricone.”
symphonique), le mécène à qui il faut plaire
ou bien encore la mode, tout simplement. Le
film apporte certes ses contraintes, mais
également un nouvel espace d’écriture. Et
c’est dans ce paradoxe que la musique de
film se construit. Pourtant, Ennio ne
regrette rien. Ainsi confesse-t-il en 1990 :
“Je rêvais bien sûr d’écrire un autre type de
musique quand j’étais jeune, mais cela ne
signifie pas que je regrette ce que j’ai fait. Je
pourrai déplorer les œuvres que je n’ai pas
eu le temps de composer, c’est différent.” Le
cinéma lui aurait-il volé trop de temps ?
Morricone veut l’absolu. Mais est-on jamais
proche de la vérité ? “Le grand hobby d’Ennio,
disait son ami Giuliano Montaldo, c’est la
musique. Cela paraît paradoxal ? Et pourtant
non. C’est grâce à elle qu’il se libère.” Lorsqu’il
ne fait pas de musique, il fait donc de la
musique. Comme ça, en marge des films.
Ennio a toujours eu une âme d’explorateur. Le
piolet à la main. Prêt à aller décrocher des
notes inattendues. Comme avec la Nuova
Consonanza, un groupe d’improvisation expérimentale.
Les espaces musicaux nouveaux,
l’avant-garde et la recherche musicale, c’est
son truc. Musique de chambre, orchestre, tout
y passe. Ennio, l’expérimental. Aujourd’hui,
avec le recul, aucun doute qu’il a fini par trancher
entre la musica assoluta et la musica
applicata. Sa production personnelle n’a cessé
d’augmenter inversement proportionnellement
à sa production cinématographique.
Une dizaine d’œuvres entre 1960 et 1980,
contre plus d’une centaine entre 1990 et 2010.
À l’instar de sa musique de film, il opère dans
ce domaine une sorte de syncrétisme de
genres. Atonale, parfois climatique ou
hybride, il crée une musique dont il avait du
reste parfois semé les graines au cours de ses
centaines de collaborations pour le cinéma.
Citons des œuvres comme Ut (1991) ou Totem
secondo (1981), Epitaffi sparsi (1992),
Les espaces musicaux nouveaux,
l’avant-garde et la recherche musicale
c’est son truc. Musique de chambre,
orchestre, tout y passe. Ennio,
l’expérimental.
*** ***
ACCLAMATIONS !
Chaque soir, le Maître reçoit
une standing ovation
de la part du public, comme
de l’orchestre symphonique.
Wow! (1993), Braevissimo I, II, III (1994) ou
même récemment Mass for Pope
Francis (2015), une messe que lui aurait suggéré,
un jour, un moine devant le kiosque en
bas de chez lui. “Vous écrivez de tout, pourquoi
pas une messe ?”
Sa musica assoluta aura-t-elle la force de
celle de ses homologues contemporains du
xx e siècle ? Nono, Berio, Dutilleux ou
encore Stravinsky ou Bach, qu’il aime citer
en référence. Fera-t-il autant preuve de
clairvoyance et de force de langage dans ce
domaine qu’il a pu en avoir dans celui de la
musique de film ? Seule l’histoire le dira. Le
temps révèle par décantation lente le paysage
des œuvres marquantes d’une époque.
Quoi qu’il en soit, sa musique restera en
nous comme un écho. Celui de sa musique
de film bien sûr, mais peut-être aussi un
jour, nous lui souhaitons, comme l’écho de
sa musique tout court.
© GETTY IMAGES
Septembre 2017
rollingstone.fr | Rolling Stone | 79

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6
GRACELANDOLOGY
(1) L’album de tous les records.
(2) La pochette de l’album
présentant tous les hits de Soweto,
qui inspirera Paul Simon. (3) En
studio, en 1986. (4) Sur la scène du
Hard Rock Festival, à Londres.
(5) Lors de l’émission Saturday
Night Live. (6) Sur la scène du stade
Rufaro de Harare, au Zimbabwe,
avec Ray Phiri. (7) L’ensemble
des musiciens sud-africains, lors
de la tournée de 1987.
5
7

Making Of
ÉTAT DE GRÂCE
Paul Simon aura mis cinq ans à publier le concert anniversaire
donné en 2012 à Londres et célébrant le quart de siècle de son album
événement, Graceland, sorti en 1987, avec les musiciens sud-africains
qui l’avaient accompagné sur cet opus hors normes.
Par BELKACEM BAHLOULI
© GETTY IMAGES. SONY MUSIC. DR.
On se souvient encore du titre du quotidien
de Harare, au Zimbabwe : “Disgraceland”. Cette
violente manchette faisait suite au concert de
Paul Simon au stade Rufaro avec son groupe sudafricain,
le 14 février 1987. Elle symbolise
également toutes ces polémiques qui ont entouré
l’enregistrement et la sortie de l’album Graceland,
l’un des plus beaux fleurons des années 1980. Mais depuis, de l’eau est
passée sous les ponts. L’album est devenu “culte”, Simon a fait deux tournées
mondiales avec les musiciens qui avaient participé à ce disque
séminal, celui-là même qui a lancé la grande vogue de la “world music” au
cœur des années 1980. À tel point que, vingt-cinq ans plus tard, son auteur
décide de faire revivre ce moment magique, d’abord en Afrique du Sud lors
d’un concert à Johannesburg, puis à Londres où, jusqu’à l’orée des
années 1990, les musiciens sud-africains n’avaient pas le droit de se produire,
qu’ils soient Noirs ou Blancs, de Johnny Clegg à Mahlathini &
Mahotella Queens. Belle revanche. Et c’est devant plus de 60000 personnes
que Graceland, in extenso, revécut un soir de juillet 2012. Ce live
est resplendissant : outre l’intégrale de l’album “world”, Paul Simon y joue
bien entendu ses plus grands succès, parmi eux une poignante version
acoustique de l’inusable “Sound of Silence”, une relecture avec Jerry Wexler
à la slide de “The Boxer” et un final en forme de profession de foi, “Still
Crazy After All These Years”. Bref, un double CD assorti d’un DVD/Blu-ray
indispensable.
Flash-back. Les années 1980 n’avaient pas épargné Paul Simon. Après le
succès des trois albums qui ont suivi Bridge Over Troubled Water, il a du
mal à retrouver son inspiration ; One-Trick Pony comme Hearts and Bones
sont des déceptions. Pire encore pour le moral, l’album live enregistré avec
Art Garfunkel à Central Park en 1981 est certifié double platine. Son heure
est-elle passée ? Est-il un artiste fini pour nostalgiques ? Dans Under
African Skies, l’impressionnant documentaire de Joe Berlinger consacré
à l’aventure Graceland, il prétend avoir abordé ce déclin avec optimisme :
“Parfait, la prochaine fois, personne ne sera là pour regarder par-dessus
mon épaule.” Paul Simon peut faire quelque chose qui l’intéresse, parce
que plus personne ne s’intéresse à lui. “Quand j’ai voulu enregistrer ‘Mother
and Child Reunion’ en 1971, j’ai appelé le gars qui avait enregistré Jimmy
Cliff et je lui ai dit que j’aimerais enregistrer là-bas. J’avais compris qu’il
faut aller là où sont les musiciens si on veut avoir le bon son, et c’est ce qui
s’est passé avec Graceland. Je suis allé en Afrique du Sud parce que c’était
là-bas qu’était cette musique.”
C’est aussi là que les ennuis commencent, parce que l’Afrique du Sud n’est
pas un pays comme un autre. Depuis 1948, le National Party au pouvoir
applique une politique de ségrégation raciale et de développement séparé
entre les Noirs et les Blancs (et les Asiatiques et les “métis”), mais aussi
entre les différentes tribus. Dans le documentaire de Berlinger, Simon
demande à Quincy Jones : “Pourquoi les politiciens sont-ils considérés
comme des experts ?” Bonne question : alors que les Nations unies imposent
une série de boycotts pour mettre la pression sur le gouvernement sudafricain,
Ronald Reagan et Margaret Thatcher soutiennent une politique
“d’engage ment constructif”, censée, selon eux, mettre fin à l’apartheid en
atténuant les sanctions et en récompensant la minorité blanche d’empêcher
la propagation du communisme.
Parallèlement, The Indestructible Beat of Soweto, compilé par Herman et
publié sur le label Earthworks, arrive sur le marché international en 1985.
“Ils avaient sorti un truc appelé Zulu Jive, dit Herman, c’est la meilleure
musique du pays, laissez-moi compiler et sortir les bons trucs.” Présentant
des artistes comme Nelcy Sedibe, Simon ‘Mahlathini’ Nka binde et
Ladysmith Black Mambazo, il ne passe pas beaucoup sur les grandes radios
mais, salué par Robert Christgau du Village Voice comme “le disque le plus
important des années 1980”, prépare les critiques à l’album sur lequel Paul
Simon est discrètement en train de travailler.
Après avoir parlé à son label, qui lui suggère d’enregistrer en Amérique, et
à des amis comme Harry Belafonte, qui lui conseille de demander la
permis sion à l’African National Congress (ANC), qui représente la majorité
des Sud-Africains noirs, Simon se rend à Johannesburg en février 1985.
Rosenthal a réservé du temps de studio pour ses groupes préférés –
Stimela, le groupe soul du guitariste Ray Phiri ; Tau Ea Matsekha, un
groupe du Lesotho emmené par l’accordéoniste Forere Motloheloa et le
bassiste Baghiti Khumalo ; General MD Shirinda And The Gaza Sisters,
qui viennent du Gazankulu ; et The Boyoyo Boys, spécialement reformés
après la mort de leur batteur – et il s’agit maintenant de les rassurer, car ils
ont enfreint la loi sur les laissez-passer, de se détendre et de voir ce que ça
donne. Si l’on en croit le film de ces séances, le temps que Simon a passé à
travailler avec ces groupes a été une fête du début à la fin, mais rien que
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rollingstone.fr | Rolling Stone | 81

Paul Simon
par sa présence, il s’expose aux critiques. Pour
commencer, il n’a pas parlé à l’ANC et n’a pas respecté
un boycott créé pour empêcher l’Afrique du
Sud d’avoir des échanges de quelque sorte que ce
soit avec le monde extérieur. Il a obtenu l’autorisation
du syndicat des musiciens local, qui ne s’est
pas opposé à ce qu’il enregistre avec ses artistes si
ceux-ci n’étaient pas exploités – il les paye trois
fois plus que ce qu’impose le barème du syndicat
américain –, mais n’a pas demandé l’approbation
des politiciens. “En un sens, Paul a eu beaucoup
de chance d’être coincé dans cette impasse politique,
dit Phiri. Toutes ces controverses ont attiré
l’attention sur l’album, et tout le monde s’est dit :
Écoutons-le… Qu’est-ce que c’est que ce Graceland ?’
Ça a contribué à relancer sa carrière et à faire
connaître la politique de l’Afrique du Sud au
monde entier. Nous transmettions de bonnes et de
mauvaises nouvelles.” “Rétrospectivement, je suis
heureux que ça ait eu lieu, dit Simon aujourd’hui,
parce que, de mon point de vue, il est absurde que
des partis politiques vous dictent ce qui est moral
ou pas.” On accuse aussi Simon d’impérialisme
culturel. Voilà un riche Blanc qui, selon le groupe
de pression Artists Against Apartheid, profite de
gens qui ne peuvent pas prendre part à un libre
échange d’idées, parce qu’ils ne
sont tout simplement pas libres.
Le journaliste Jan Fairley avait
même lancé : “Les gens avec lesquels
il a travaillé étaient brillants
et lui n’était qu’un imitateur, prenant
leur train en marche.” “Je
n’avais rien, tout a été fait là-bas,
à l’exception de ‘Gumboots’, qui
était écrite avant que j’arrive, rappelle
Simon. S’ils ne comprenaient
pas ce dont je parlais d’un point de vue conceptuel,
une fois qu’on l’avait enregistré et qu’ils venaient
l’écouter en cabine, ils pouvaient voir ce que je
faisais, ce mélange de sons. Je modifiais la
musique en partant de ce qu’ils jouaient, j’ajoutais
des ponts et d’autres choses, pour la rendre
formellement plus proche de quelque chose avec
quoi je serai capable de travailler après l’enregistrement
et qui ressemble à notre musique
populaire. C’était une autre façon de faire des
chansons, pas comme m’asseoir dans ma chambre
avec une guitare et écrire une chanson, méthode
que je ne voulais plus utiliser. Je voulais faire un
disque que j’aimerais et ensuite penser aux chansons,
par opposition à écrire une chanson, aller
en studio, la montrer aux musiciens et, avec un
peu de chance, obtenir le disque que je voulais. La
plupart du temps, le résultat n’était pas satisfaisant.”
L’Afrique du Sud se dirigeant vers l’état
d’urgence, Simon se décide à partir, avec cinq
chansons enregistrées, dont “The Boy in the
Bubble”, “Graceland” et “I Know What I Know”.
Trois mois plus tard, il invite Phiri, Khumalo et le
batteur Isaac Mtshali à New York pour les séances
qui produiront “You Can Call Me Al” et “Under
African Skies”. Après ça, les choses se ralentissent.
Il passe encore du temps en studio, avec l’expatrié
sud-africain Morris Goldberg au penny
whistle et au sax, le joueur de pedal steel de
King Sunny Ade, Demola Adepoju, Don et Phil
Everly et, ravivant la controverse, Linda
Ronstadt, vétéran de Sun City – “Simon utilise
de l’essence pour éteindre des bougies d’anniversaire”,
soutient le critique Nelson George. Il
essaye aussi de rendre cette musique familière
à son public. Presque un an plus tard, après
avoir correspondu avec le chanteur Joseph
Shabalala par courrier, Simon rencontre le
groupe zoulou de chant a cappella Ladysmith
Black Mambazo à Abbey Road. Il y arrange
rapidement et enregistre avec eux ce qui est
sans doute le meilleur argument de vente du LP,
“Homeless”. L’album étant censé sortir en
juin 1986, le groupe de Graceland et Ladysmith
sont programmés dans Saturday Night Live
en mai, mais Warner repousse la date de sortie
à l’automne. Ayant du temps à tuer, l’ensemble
répète une chanson totalement nouvelle,
“Diamonds on the Soles of Her Shoes”, et la joue
pour les téléspectateurs. La réaction est telle
qu’ils retournent illico en studio pour une dernière
séance.
“ LORS DE SA SORTIE,
L’ALBUM SE VENDRA
À 150 000 EXEMPLAIRES
EN AFRIQUE DU SUD ”
Quand le lp sort, il est accueilli
par une approbation quasi unanime…
pendant environ un mois.
Puis les gens commencent à poser
des questions, pas sur le Graceland chanté par
Simon, mais sur l’État paria dans lequel il a enregistré.
Il est traité de profiteur, accusé
d’impérialisme, de viol d’embargo, de légitimer
le gouvernement de l’apartheid et de voler la
musique sud-africaine pour donner un vernis
d’intérêt à des textes “étriqués, comme d’habitude”.
Artists Against Apartheid appelle au
boycott de l’album et les Nations unies menacent
de le mettre sur liste noire, bien qu’il soutienne
n’avoir violé aucun embargo, puisqu’il n’a pas joué
en Afrique du Sud. Cependant, l’avis de Phiri sur
la question de savoir à qui la musique appartient
est plus poétique : “Paul Simon a écrit sur les diamants,
mais il ne possède pas la mine.”
Puis vient la tournée : la présence de Masekela et
Makeba, sur les conseils du premier, donne à la
fois une crédibilité anti-apartheid à Simon et du
grain à moudre aux critiques. Si la presse demandait
au trompettiste pourquoi il était là, dit
Simon, sa réponse était : “Putain, qu’avez-vous
jamais fait, vous personnellement, pour l’Afrique
du Sud ?” Mais le plus inquiétant, peut-être, c’est
que le gouvernement de Pretoria semble adorer
l’album, l’encensant comme une preuve que l’engagement
constructif et – bizarrement – que le
développement séparé fonctionnent. Il se vend
bientôt à 150 000 exemplaires, ce qui en fait le
plus grand succès dans le pays depuis Thriller.
L’affaire, heureusement, se termine
bien. Graceland se vend à
14 millions d’exemplaires dans le
monde ; Ladysmith Black Mambazo
deviennent des superstars, arrivant en tête des
charts internationaux des albums avec leur
best of, The Star and the Wiseman ; Khumalo
reste l’un des hommes à tout faire de Simon pour
les enregistrements et les tournées ; et Phiri se
voit décerner en avril un prix pour l’ensemble de
son œuvre par l’industrie musicale sud-africaine.
Plus important, l’apartheid lui-même s’effondre,
après la libération d’un grand nombre de prisonniers
politiques en 1990. Tout le monde sort
gagnant. Avec le temps, il devient acceptable
pour ceux qui s’étaient regroupés contre l’album,
comme Fairley, Billy Bragg ou Dali Tambo
d’Artists Against Apartheid, d’admettre en aimer
la musique. En 1992, Simon est
invité par le syndicat des musiciens
à jouer en Afrique du Sud et,
après le concert, il rencontre le
futur président du pays au cours
d’une réception de l’ANC. Alors
que dire si Graceland a reçu l’approbation
de Nelson Mandela…
“Je dois dire ceci, dit Herman, pour
beaucoup de ces musiciens, c’est
l’album le plus africain sur lequel
ils aient joué. C’est un fait. C’est ironique, mais
prenez Ray Phiri, vous ne trouverez pas un disque
auquel il ait participé qui soit plus africain, et
Paul Simon a tiré le meilleur de ce mec.”
Vingt ans plus tard, c’est sur la
scène du Hard Rock Festival de
Londres que Simon savoure cette
revanche et célèbre cet album magnifique.
Visionnaire est un métier difficile : “Cela ne
me fait pas tout à fait plaisir”, signalait alors le
chanteur quelques heures avant de monter sur
scène. “Si quelqu’un m’avait dit, ‘Écoute, on ne
veut vraiment pas que tu ailles là-bas,’ je ne pense
pas que j’y serais allé, mais personne ne l’a fait,
donc je n’étais pas conscient de ce qui se passait.
Pour ce qui est des regrets, non, je n’en ai pas, parce
que le dénouement a été heureux.” Le dernier mot,
cependant, appartient à un Sud-Africain.
“Graceland, c’était il y a vingt-cinq ans, dit Phiri.
J’ai la chance de faire partie d’une troupe possédant
une conscience. Peut-être que des erreurs ont
été commises, mais qui sommes-nous pour juger
les autres ? Et je me moque de savoir qui les a
faites, la vérité c’est que nous avons avancé, en
tant que peuple et en tant que pays.”
82 | Rolling Stone | rollingstone.fr
Septembre 2017

ALBUMS .........................P. 84
CINÉMA ..........................P. 90
LIVRES ............................P. 96
Point trop n’en faut !
Produit par Mark Ronson, le plus accessible
des albums du groupe californien.
Queens
of the
Stone Age
Villains
Matador
★★★★
Autour du leader-auteur-chanteur-guitariste
Josh Homme : le guitariste Troy Van
Leeuwen, le bassiste Michael Shuman, le
claviériste Dean Fertita et le batteur Jon
Theodore. Ici, pas de copains invités comme Mark
Lanegan ou Dave Grohl. Et au rendez-vous d’un album
s’étant fait attendre depuis … Like Clockwork, paru en
2013. Le terme “villains” ne désigne personne en particulier,
et Homme insiste là-dessus : on a tous besoin d’un
adversaire pour se faire les griffes… À nous de décider
lequel. Or le but de Villains est d’être beau, de redonner
sa fureur de vivre à un rock’n’roll parfois trop stoner pour
briller de sa modernité.
La modernité, c’est la grande obsession de Josh Homme,
malgré ses allures de crooner des années 1960. Et qui
d’autre que Mark Ronson pouvait insuffler du groove à
un sex-appeal déjà prégnant ? Amateur de son tube
“Uptown Funk”, le premier a demandé au second d’intervenir
sur ce septième album, de ne pas changer radicalement,
mais de les aider à se renouveler sans les trahir.
Ronson est un fan avéré du groupe, sur lequel il
transfère ici tous ses fantasmes de producteur, convoquant
les techniques sonores de David Bowie (époque
Iggy Pop), de Captain Beefheart, des Ramones ou encore
de Led Zeppelin. Avec l’appui de Mark Rankin (et
d’Alan Moulder au mixage, plutôt classe), il parvient à
capter totalement les possibilités pop des QOTSA.
Ainsi en témoigne l’ouverture “Feet Don’t Fail Me”, à
l’énergie contagieuse (récupérée des séances d’écriture
avec Iggy Pop sur Post Pop Depression) où s’immiscent
des synthétiseurs – vintage, tout de même, on n’est pas
dans l’âge de pierre par hasard. S’ensuivent “The Way
You Used To”, qui ne lésine pas sur le catchy rockabilly,
“ Domesticated Animals”, dont les relents industriels
évoquant davantage Bristol que la Californie. En revanche,
Homme sait rappeler ses amours punk sur
“Head Like a Haunted House”.
Pour conclure les festivités, s’impose le psyché électrique
de “Villains of Circumstances”, dont le grain se
montre aussi palpable que le sable du désert. Fier,
sensuel, doté de guitares lancinantes, il affirme la nature
intemporelle de QOTSA avant que Josh Homme
joue de sa gouaille de crooner sur l’incandescent
“The Evil Has Landed”.
SOPHIE ROSEMONT
Illustration par ALAIN FRÉTET
rollingstone.fr | Rolling Stone | 83

GUIDEMUSIC
Yan Wagner
This Never Happened
Her Majesty Ship / Pias
★★★
Confirmation réussie
pour le crooner électro
Il nous avait déjà séduits
avec son premier album
solo Forty Eight Hours,
en 2012, produit par
Arnaud Rebotini, petit
bijou de pop glaciale
et sophistiquée sous
influence new wave.
Le revoici avec sa manière
singulière de manipuler
l’électronique afin
de raconter “un recueil
d’histoires qui ne sont
jamais arrivées. Dix
pistes comme autant
de fausses pistes parlant
d’amours vaines,
d’équipées nocturnes,
de la vie et de la vérité
qui ne tiennent qu’à un fil.”
En effet, de l’instrumental
“This Never Happened”
à la délicatesse ténébreuse
de “A Place Nearby”, Yan
Wagner invente un univers
sombre qui rappelle
Dave Gahan comme Ian
Curtis. Point d’orgue ? Le
dandysme synthétique et
mélancolique de “No Love”.
S. R.
Jake Bugg
Hearts That Strain
Mercury/Universal
★★★½
Le “gamin” de
Nottingham se fait
stratège de l’utilisation
de ses dons
Cinq années ont passé
depuis la révélation d’un
premier album ébouriffant.
Sauf que quand on passe
de 18 à 23 ans, c’est bien
plus qu’un quinquennat !
Bref, désormais, Jake
Bugg ne laisse rien
au hasard. Troubadour
folk, détrousseur
d’une rétro-pop qui
The National
Sleep Well Beast
4AD
★★★★
7 est un chiffre porte-bonheur
S’ouvrant sur la majestueuse ballade “Nobody
Else Will Be There”, le septième album
du groupe américain nous séduit d’emblée,
avec, toujours, le chant merveilleusement traînant
de Matt Berninger. Les titres suivants viennent
confirmer le rock à la fois épique, irrémédiablement
mélancolique et cérébral de The National, dont
les membres ont pourtant été très occupés ces
derniers mois. Bryce Dessner avec ses projets
solos et Planetarium (ambitieux projet mené avec
Sufjan Stevens), mais aussi le festival Haven,
au Danemark, créé avec son frère Aaron, tandis
que Matt collaborait, lui, avec l’association Planned
Parenthood. Se retrouvant pour de longues sessions
dans leur studio de l’Hudson, entre eau et verdure,
ils ont su rassembler leurs (bonnes) idées pour
l’un de leurs meilleurs disques à ce jour. Lancé par
la ballade en suspension “Nobody Else Will Be
There”, l’album se concentre d’emblée sur un rock
profondément mélancolique, construit en couches
superposées, avec des titres lancinants comme
“Day I Die” ou “Walk it Back”. Si on se réjouit
d’entendre The National en grande forme électrique
sur “Turtleneck”, on les préfère sur des tonalités
plus douces comme dans “Born to Beg” ou “Guilty
Party” : c’est dans l’introspection que le groupe
américain témoigne de sa force artistique…
mais sans se départir pour autant de sa tension
émotionnelle, comme c’est le cas dans “I’ll Still
Destroy You”.
SOPHIE ROSEMONT
dépoussiérerait ses
oripeaux psychédéliques,
ou énième bouture de
la northern soul anglaise,
rien ne lui semble
interdit. D’où un début
d’agacement quand
il se laisse aller à trop
de facilité (ce “Waiting”
sirupeux ou ce “Man on
Stage” où on jurerait qu’il
se cherche son “chanteur
abandonné” à lui).
Bugg n’est jamais aussi
convaincant que lorsqu’il
privilégie la profondeur
ou le plus abstrait dans
ses envies poétiques
(“In the Event of My
Demise”, “Indigo Blue”).
Maintenant, si le but
recherché est d’emballer
tout ce qui bouge, ça
devrait continuer à bien
se passer ! Après tout, c’est
de son âge… XAVIER BONNET
Washington
Dead Cats
Live Under the Creole
Moon
Devil Deluxe Music/PIAS
★★★★
Double Wash', double fun
Juste trente-trois ans
à attendre l'album live
des Wash', il était temps !
Du coup, Mat Firehair
et ses sbires on fait les
choses en grand : double
album, carrément. Un
CD électrique enregistré
au Nancy Jazz Pulsations
et un CD acoustique saisi
au Tiger's Manor pour une
webTV. Tous les “Pizza
Attack”, “I'm a Dead Cat”
et autres “Napalm Surf”
sont là, l'énergie aussi, la
connivence avec le public
fonctionne. Et puis le
psychobilly est festif et la
fête, ça les connaît. J'avoue
avoir un goût particulier
pour la face acoustique.
La contrebasse de LouRIP
n'y est pas pour rien, elle
danse à tous les étages,
et les cuivres mettent
les accents là où il faut.
On est plus près du rockab'
que du punkabilly, mais
ça n'empêche pas la reprise
de “Too Drunk To Fuck”
des Dead Kennedys. La fête
du mois. SILVÈRE VINCENT
Gregg Allman
Southern Blood
Concord/Universal
★★★½
Avant de tirer sa
révérence, la légende des
Allman Brothers a laissé
un superbe témoignage.
Ça ne devait pas
forcément être un album
posthume, même si
son enregistrement était
rythmé par un état de
santé fragilisé. Le sort,
et surtout un cancer
du foie contre lequel Gregg
Allman se battait depuis
des années, en ont décidé
autrement en mai dernier.
Qu’il soit en revanche
l’ultime effort d’une
carrière et d’une vie, ça,
tout le monde s’y était
préparé. C’est d’ailleurs
beaucoup cette vie
qu’Allman passe ici en
revue, métaphoriquement,
à travers une majorité de
reprises. Duane, ce frère
trop tôt disparu, n’est
jamais très loin, notamment
sur ce “My Only True
Friend” introductif et sur
le “Song for Adam” de
Jackson Browne, qui clôt
l’album. Entre les deux,
Allman s’immisce dans
les univers de Tim Buckley,
Bob Dylan (“Going
Going Gone”, prenant),
Grateful Dead ou Lowell
George. Farewell and alive,
en quelque sorte. X. B.
Micah P. Hinson
Presents the Holy
Strangers
Full Time Hobby / PIAS
★★★
Conte folk
“Un folk opéra moderne” :
voilà comme Micah
P. Hinson présente, avec
un sens de la synthèse,
son nouveau disque. Et
c’est plutôt beau. Le temps
de 14 pistes, il raconte la
vie, les bonheurs et surtout
les malheurs d’une famille
en temps de guerre.
De la déception au deuil,
de l’enfantement à la
disparition, le guitariste
s’empare du registre
country pour traduire
l’exact contraire de
l’American Dream.
Plombant ? Non, car les
mélodies qu’il sait faire
siennes absorbent
l’auditeur, autant que
sa voix rauque. Mentions
spéciales à la ballade
des grands espaces
“The Great Void”,
l’instrumental cerné de
violons “The Years Tire On”
ou à la narration musicale
de “Micah, Book One”. S. R.
© GRAHAM MACINDOE. DR.
84 | Rolling Stone | rollingstone.fr ★★★★★ Classique | ★★★★ Excellent | ★★★ OK ! | ★★ Mouais… | ★ Euh…

Oyster's Reluctance
Insignificant
The War on Drugs
A Deeper Understanding
Triggerfinger
Colossus
Downtown Boys
Cost of Living
No Tone
★★★
Sombre et lourde tension
Deuxième EP du groupe après
le Sick Sad World de 2013,
cet In sig n ifi c a nt enfonce le clou
là où ça fait du bien. Tout en
approfondissant leur côté face
metal, le trio ne quitte pas son côté
pile expérimental. Des titres comme
“Degraded” ou “Bulging Eyes”
nous entraînent sur les territoires
défrichés par Kill the Thrill, voire
Ministry, et qu'on retrouve, par
exemple, dans Royal Blood, le
groupe hype du moment. Oyster's
Reluctance prend à ces derniers
la formation minimale – juste une
basse et une batterie – à laquelle
ils ont ajouté la voix puissante et
sombre de TomPao. Eux-mêmes
définissent leur musique comme
un “rock anaphylactique”, le
choc du même nom venant d'un
mécanisme d'hypersensibilité
immédiate. C'est dire si on n'est pas
dans une franche rigolade. Ce qui
frappe dans la musique de O'sR,
c'est cette capacité, comme dans
“Greed”, à passer d'une ambiance
étriquée maladive à une ampleur
digne des stades. Reste que
cinq titres, même longs, c'est trop
court. Encore ! SILVÈRE VINCENT
Atlantic/Warner
★★★★
L’Americana plus que jamais
érigée en mur du son.
Lost in the Dream, le précédent
album, en avait singulièrement
posé les bases, mais c’est
désormais entériné : il n’est
plus nécessaire de s’accrocher
à ce qui peut sortir de la guitare
d’Adam Granduciel pour se
laisser embarquer, bringuebaler,
par le grand chambardement
musical de The War on Drugs.
Certes, celle-ci n’a rien perdu
de ses envolées et déchirements,
mais c’est davantage les
cathédrales sonores qu’il bâtit
avec le groupe sur chacune
des dix étapes de ce nouveau
voyage dans une Americana
dont il explose les bordures
qui comblent d’aise. L’allant
de “Holding On”, le lyrisme
enivrant de “Strangest Thing”,
les reliefs de “Knocked
Down”, la pop transcendée de
“Nothing To Find” et les onze
minutes du périple à lui seul
de “Thinking of a Place”,
contrepoints parfaits de textes
pouvant virer au lugubre,
nous tiendront bien au chaud
cet hiver…
XAVIER BONNET
Mascot/Wagram
★★★
Le trio belge s’ouvre à de
nouveaux horizons sans
perdre de vue son rock cossu…
Au risque de ne pas se faire
des amis auprès du groupe
– pas taper, Monsieur Paul, pas
taper ! –, on osera avancer que
c’est essentiellement sur scène
que le trio d’Anvers a toujours
su donner sa pleine mesure,
ses albums ne parvenant jamais
tout à fait à en égaler le charme
et la puissance de feu. Sans
non plus s’avérer la “virée
de nuit dans une attraction
de Disneyland” que nous
promet l’argument commercial,
Colossus est l’occasion pour
Triggerfinger de montrer
une autre facette de son garage
rock flamboyant. Via l’ajout
d’éléments et instruments
inhabituels pour lui (samples,
percussions), il parvient
à se faire tour à tour catchy
(le single “Flesh Tight”) ou
plus expérimental (le presque
iggypopien “Bring Me Back a
Live Wild One”, un “Steady Me”
qui part un peu dans tous les
sens). Bref, plus seulement une
boîte à riffs et à rythmes… X. B.
SubPop/PIAS
★★★½
Retour aux sources
Retour au punk-rock chez
SubPop avec ce troisième album
– mais premier sur le label –
des Downtown Boys. Qui plus
est, un punk-rock engagé
à gauche, antisuprématisme
mâle et blanc. Leur précédent
album s'appelait Full Communism,
pour expliquer la chose rare
aux États-Unis. Dans le même
esprit, ce Cost of Living est
produit par Guy Picciotto, juste
le guitariste des activistes de
Fugazi. Du coup, musicalement,
c'est surtout du côté du groupe
de Washington qu'on trouvera
les racines de “Lips That Bite”,
“It Can't Wait” ou “Because
You”. Et s'il n'y avait des
interventions rares du saxo
de Joe DeGeorge, on serait
dans une filiation pure malgré
le chant de Victoria Ruiz qui
rappelle toute cette scène
post-hardcore américaine.
Pas vraiment de mélodies, mais
une colère évidente dans des
textes comme ceux de “Violent
Complicity” ou “A Wall”. À voir
sur scène, sans retenue, comme
une évidence. S. V.
JAZZ
Tony Allen
The Source
Blue Note
Pour son premier album sur Blue Note
(il était temps : l’animal affiche 76 printemps !),
Tony Allen a mis les petits plats dans
les grands, et convoqué – entre autres –
cinq redoutables souffleurs pour réaliser
son grand œuvre : un ambitieux voyage musical entre l’Afrique
des tambours ancestraux et de l’hypnotique afro-beat et l’Amérique
du jazz de Max Roach ou de Art Blakey (auquel notre homme
a consacré un LP au début de l’année). Le résultat, aussi surprenant
que séduisant, nous entraîne dès le premier titre en terres inconnues.
Avec The Source, l’immense batteur de Fela, toujours sur la brèche
de nouvelles expérimentations, explore sur des beats vertigineux
un hallucinant métissage où chacun (y compris Damon Albarn, qui
vient pianoter 3 minutes) y cherchera les siens. PHILIPPE BLANCHET
Charnett Moffett
Music From Our Soul
Motema/PIAS
S’il fallait encore aujourd’hui une marque
supplémentaire de l’incroyable éclectisme
musical de Charnett Moffett (considéré
à juste titre comme un des meilleurs bassistes
de sa génération), cet album contrasté aurait
des allures de démonstration. En rassemblant sur le même disque des
titres live gravés à New York (avec son trio habituel, featuring le pianiste
Cyrus Chestnut et le batteur Victor Lewis) et à Seattle (aux côtés du
mythique Pharoah Sanders, plus lyrique et déchaîné que jamais derrière
sa barbiche blanche), avec des enregistrements studio en compagnie
du grand guitariste Stanley Jordan, Moffet signe un album aux multiples
facettes (du free à la fusion en passant par des choses beaucoup plus
classiques, comme une reprise d’Ellington), à l’image de sa carrière.
Un puzzle éclatant. P. B.
Septembre 2017
★★★★★ Classique | ★★★★ Excellent | ★★★ OK ! | ★★ Mouais… | ★ Euh…

GUIDEMUSIC
Nine Inch Nails
Add Violence
Caroline/Universal
★★★½
Un second EP en un an
pour un Trent Reznor
plus noir que jamais
Bien sûr, depuis le
temps, on devrait y être
habitué. N’est-ce d’ailleurs
pas ce que l’on croyait,
d’évidence naïvement ?
Habitué et un peu revenu.
Triturer les angoisses,
les siennes mais aussi
celles des autres par
ricochet, ériger des murs
musicaux qui sonnent
comme autant de cellules
d’internement, Trent
Reznor persiste et signe.
Dans les mots et dans
les sons, chaque instant
de ces cinq chapitres
cauchemardesques
supplémentaires confine
à la suffocation, quels que
soient les outils privilégiés,
électroniques ou non, pour
cette mise en abîme. Les
loops de “The Background
World”, répétées au fur et
à mesure que la distorsion
prend le dessus, l’illustrent
à merveille : pour ce
qui est de l’aliénation,
Trent Reznor en a encore
dans le ventre. On ressort
de ces 27 minutes rincé,
chancelant. X. B.
Mogwai
Every Country’s Sun
Rock Action Records / PIAS
★★★½
Glorieux post-rock
Déjà vingt-deux ans
de carrière pour l’un
des groupes écossais
les plus intègres, pour qui
le post-rock est un vaste
terrain de jeux dont il faut
sans cesse retourner la
terre. Pour ce neuvième
album imaginé entre Berlin
et Glasgow et en grande
partie enregistré dans
Steve Earle & The Dukes
So You Wannabe an Outlaw
New West ★★★★
Hors-la-loi ? Un métier, mon bon monsieur !
On visualise parfaitement Steve Earle,
derrière ses Wayfarer, dire au gosse en face
de lui “Alors tu veux être un hors-la-loi ?
Tu n’as qu’à me regarder faire...”, lui qui était le poulain
du mouvement Outlaw, au début des années 1970,
quand les jeunes chanteurs de country music ont
commencé à chanter autre chose que la beauté des
Rocky Mountains et la tarte aux myrtilles de Tante
Sally-Rose pour se mettre à parler de la solitude,
des vies gâchées, du destin, de la mort… Ces gars-là
s’étaient mis hors-la-loi de l’école country. La tracklist
de So You Wannabe an Outlaw est un vrai plan
de route avec une production ouverte, live et rageuse,
emmenée par ses fidèles Dukes, des folks qui
strumment et des électriques lancées à bloc qui
remorquent efficacement pedal-steels et violons
country jusqu’à un “Fixin’ to Die”, carrément rock
(tendance légèrement road-house). Entre rythmiques
inarrêtables et micros crunchy comme il faut
aux accents parfois seventies, le récit reste toujours
d’un État du Sud à l’autre. Puis, comme à l’arrivée
d’un voyage, le disque défait ses bagages et laisse
admirer la vue et repenser au passé. Steve Earle porte
la rédemption jusque dans ses austères chemises.
La deuxième partie de ce 12-steps-program, bien plus
traditionnelle, classique et posée, est un rappel direct
à sa maîtrise parfaite du genre et à ses maîtres Townes
Van Zandt (à qui il avait consacré le sublime Townes,
album de reprises en 2009) et Guy Clark. Le dernier
titre, “Goodbye Michelangelo”, est d’ailleurs dédié
à ce dernier, même si, quatre morceaux avant, “The
Girl From the Mountain” sonnait déjà terriblement.
Comme le “L.A. Freeway” de Clark, qui ouvrait en 1975
le formidable Heartworn Highways… et à la fin duquel
un Steve de 20 ans entonnait “Silent Night” avec
son maître et d’autres disciples, au milieu des lampes
à pétrole et des bouteilles bientôt vides. CHARLES BLOCH
l’État de New York
avec leur complice Dave
Fridmann, Mogwai reste
à l’affût de son inspiration,
cherchant toujours à
envisager notre quotidien
via d’autres dimensions.
Mué d’une énergie
presque rageuse, “Party
in the Dark” refuse la
mélancolie de l’obscurité
tandis qu’au rock épique
de “Brain Sweeties”
succède l’expérience
brumeuse de “1 000 Foot
Face”. Enfin, “Every
Country's Sun” impose
son foisonnement et
sa catharsis émotionnelle.
On s’incline. S. R.
Motörhead
Under Cöver
Silver Linings Music/Motörhead Music
★★★
Retour de flamme
On attendait l'album
acoustique de Lemmy, nous
voilà avec une compilation
de reprises jouées par
Motörhead. On se retrouve
partagé entre la joie de
réentendre le feulement
de notre “Saigneur”
et la déception devant
la tracklist : les titres sont
tous connus des fans,
ou presque ! Au hasard :
“Cat Scratch Fever” de Ted
Nugent extrait de March
ör Die (1992), “God Save the
Queen” des Sex Pistols pris
dans We Are Motörhead
(2000), l'énorme “Sympathy
for the Devil”, dernier titre
de Bad Magic, ultime album
studio de 2015, etc. Et pas
de “It's a Long Way to the
Top” d’AC/DC, de “Hoochie
Coochie Man” de Willie
Dixon, de “Louie Louie”
de Richard Berry… Pourquoi
ces “cövers” et pas les
autres ? On aurait voulu au
moins un album exhaustif,
non ? Quel intérêt pour les
adeptes qui ont déjà tout ?
Et quel intérêt pour les
novices ? Bien sûr, il y a
UN titre jamais entendu :
la version de “Heroes”
de David Bowie tirée de la
dernière séance de studio.
Très bien mais un peu court,
non ? Reste toujours la
version coffret de luxe avec
CD, vinyle, goodies... S. V.
Jen Cloher
Jen Cloher
Milk Records
★★★½
Rockeuse
made in Melbourne
Une guitare malmenée,
une batterie abrupte,
un chant-parlé hérité des
années 1990 américaines :
Jen Cloher pourrait être
considérée comme
la Joan as Police Woman
australienne, au francparler
sans vulgarité et à
l’affirmation de soi presque
déstabilisante. Pas besoin,
donc, d’une relation
amoureuse avec la rockeuse
la plus en vie du pays.
Courtney Barnett, pour
faire parler d’elle – même
si le couple ne cesse de
collaborer et de s’échanger
ses guitares. N’ayant
d’autres prétentions que de
livrer un vrai bon album de
classic rock, avec le moins
de fioritures possible, Cloher
réussit son coup avec ces
onze titres taillés à la serpe
où elle se raconte, à travers
son art, son pays, et ses
rêves pas encore réalisés.
Passionnant.
S.R.
Sugaray Rayford
The World That We Live
In
Blind Faith Records/Differ-ant
★★★
Une soul à la fois vintage et
moderne et la redécouverte
d’une voix…
Le label italien Blind Faith –
et derrière lui le producteur
romain Luca Sapio qui signe
ici tous les textes et toutes
les musiques – se sentirait-il
des velléités de devenir
le Daptone européen ?
Après avoir relancé la
carrière de Martha High,
l’ancienne choriste de
James Brown, voilà qu’il
nous (res)sort des fagots
un géant texan (1,96 m)
au gosier tonitruant. Et
dans le monde dans lequel
nous vivons, mis en exergue
à travers le titre de l’album,
la soul incandescente et le
blues lancinant de Sugaray
Rayford trouvent autant leur
voix que leur voie. À l’aube
de la cinquantaine, Canon
Nimoy Rayford – son nom
à l’état civil – décline ses
tourments et ses réflexions
sur l’existence et le fait
plus que bien. Il sera
toujours temps de rallumer
son incontournable cigare
un peu plus tard… X. B.
© MARK HUMPHREY. DR.
86 | Rolling Stone | rollingstone.fr ★★★★★ Classique | ★★★★ Excellent | ★★★ OK ! | ★★ Mouais… | ★ Euh…

© DUFFY ARCHIVE. DR.
David Bowie
A New Career in a New Town, 1977-1982
Parlophone
★★★★★
Troisième volume des œuvres complètes de Bowie, ce coffret
rassemble pépites rares et classiques remasterisés. Indispensable !
Le bien nommé coffret A New Career in a New Town, 1977-1982,
troisième volume des œuvres complètes de David Bowie,
reflète la phase la plus expérimentale de sa carrière. Celle
où, après sa période pop-soul américaine, l’ange blond remet les
compteurs à zéro en s’installant à Berlin, où il bénéficie d’un quasianonymat
bienvenu. Celle où il se débarrasse également des costumes
encombrants de ses avatars. Celle, surtout, où accompagné de
Brian Eno et de Tony Visconti, influencé par le krautrock et le film
Metropolis de Fritz Lang, il invente la post-new wave avant même
que la new wave n’ait eu l’idée d’exister. On retrouve évidemment
la fascinante “trilogie berlinoise”, composée des albums Low,
Heroes et Lodger – ce dernier bénéficiant d’un nouveau remix inédit
signé Tony Visconti qui, avec la bénédiction de Bowie juste avant
sa disparition, est retourné au studio Hansa berlinois afin, dixit
l’intéressé, “d’apporter plus de nuances aux bandes originales.”
Le double album Stage, enregistré durant la tournée Isolar II
en 1978, bénéficie également d’un remastering bienvenu, qui lui
confère enfin une réelle dimension live que le mixage initial avait
par trop gommée, au profit de la restitution des effets sonores.
Outre un sympathique EP “Heroes”, qui célèbre le 40 e anniversaire
de la chanson et qui réunit pour la première fois les différentes versions
albums et singles chantées en allemand et en français, le fan dénichera
le véritable graal dans le CD d’inédits Re:Call 3. Lequel propose
l’intégralité de l’adaptation musicale de la pièce de Bertolt Brecht, Baal,
enregistrée par Bowie pour la BBC en septembre 1981. Ce chef-d’œuvre
méconnu, à écouter au casque pour des frissons garantis, figure parmi
les meilleures performances vocales de l’artiste. Notamment sur le titre
“The Drowned Girl”, dédié à la révolutionnaire Rosa Luxemburg, où
il déploie une technique impressionnante et une sensibilité authentique
qui le hissent sans conteste au niveau des prouesses de Frank Sinatra
dans les années 1950. Autre pépite improbable, “Crystal Japan”. Non,
il ne s’agit pas d’une drogue en provenance de l’Empire du Soleil levant,
mais bien d’une plage instrumentale spatiale composée par Bowie
en 1979 pour une publicité – dans laquelle il apparaît – vantant
les mérites de Crystal Jun Rock, une marque de saké. Uniquement
publié à l’époque au Japon en format single, ce pur joyau ambient
fut un temps pressenti pour clore, à la place de “It’s No Game”, l’album
Scary Monsters (and Super Creeps), dernier volume studio du coffret,
enregistré à New York et à Londres en 1980. Les deux premiers singles
extraits, “Ashes to Ashes” où il enterre définitivement le Major Tom
et “Fashion”, qui préfigure son virage dancefloor, lui permettent de
renouer avec le succès – les trois albums “berlinois”, malgré un accueil
critique favorable, n’ayant pas séduit les foules. Trois ans plus tard,
Let’s Dance grimpera en tête des charts du monde entier… Mais ceci est
une autre affaire, qui fera l’objet d’un quatrième coffret ! DENIS ROULLEAU
VINYLES
Muddy Waters
The Best of
Chess records ★★★★★
C’est un peu à cause de ce best of que deux jeunes Anglais fans de blues,
Mick Jagger et Keith Richards, ont renoué connaissance sur le quai de
la gare de Richmond, au tout début des sixties, peu de temps de rejoindre
le groupe d’un certain Brian Jones. La bible, en quelque sorte, telle
qu’écrite par Muddy Waters, alias McKinley Morganfield, né dans le
Mississippi en 1915, découvert à 28 ans par le musicologue Alan Lomax,
dans une plantation de coton… Émigrant à Chicago, il métamorphose
le son profond rural du blues en le rendant urbain, extatique et amplifié…
Ici, rien que des morceaux qui ont forgé sa légende : “I Just Want To Make
Love to You”, “Hoochie Coochie Man”, “I’m Ready” – trois monuments
signés Willie Dixon. Et puis tous les autres, “I Can’t Be Satisfied”, “Louisiana
Blues”, “Honey Bee” et, bien sûr, “Rollin’ Stone”. Un LP qui a changé
l’histoire. Et pas seulement à cause des Stones. ALAIN GOUVRION/ GIULIA BLUE
James Brown
Live at the Apollo
Polydor ★★★★★
Octobre 1962. James Brown, “the hardest man working in showbusiness”,
investit la scène de l’Appolo Theater de Harlem, qu’il a loué
à ses frais. Les Famous Flames sont au taquet et le Maestro déverse
toute l’émotion de sa sensuelle soul, le temps d’un show qui va rester
gravé dans l’histoire. “I’ll Go Crazy”, blues cuivré empli de chœurs
gospel, donne le coup d’envoi. Gorgé de swing, tout comme ce “Think”
qui emporte tout sur son passage, avant le prodigieux meddley qui
va suivre (“Please, Please, Please/You’ve Got the Power”, etc.). Sax
jazzy, rythmiques funky, voix de grand fauve blessé, Mister Dynamite
s’ouvre un nouveau public au cœur de New York City. Les filles hurlent
de plaisir… et James Brown écrit sa légende en lettres de néon sur
le fronton de l’Appolo pour l’éternité.
THOMAS GRIMAUD
Little Richard
The Fabulous Little Richard
Specialty ★★★
DITES 33
La sélection de la rédaction avec les magasins Cultura…
À cette époque (1958), Little Richard a déjà enregistré l’essentiel
de ses classiques (“Tutti Frutti”, “Long Tall Sally”, “Jenny Jenny”,
“Rip It Up”, “Ready Teddy”, etc.) et décidé d’abandonner le rock’n’roll,
cette autre musique du diable, pour se consacrer à la religion – six mois
après la sortie de ce troisième album, il enregistrera d’ailleurs un
disque de gospel. À la réécoute de The Fabulous Little Richard, cette
métamorphose n’est pas aussi probante que ça, notre héros lâchant
une salve de morceaux incandescents à la hauteur de sa sulfureuse
réputation, au milieu desquels émergent le “Shake a Hand” de
Joe Morris, “Whole Lotta Shakin’ Goin’ On” de Dave “Curlee” Williams
déjà repris l’année précédente par Jerry Lee Lewis et le mythique
“Kansas City” de Leiber-Stoller qu’il avait déjà enregistré en 1956
et dont les Beatles s’empareront dans Beatles for Sale (1964).
A-bop-bop-a-loom-op a-lop-bop-boom ! A. G.
Serge Gainsbourg
London Paris 1963-1971
Mercury ★★★★
Entre le beau Serge et l’Angleterre, l’histoire d’amour a été au
beau fixe, notre génial songwriter ayant souvent pris ses quartiers
au cœur du Swinging London pour graver quelques-unes de ses
plus belles compositions au tournant des sixties-seventies.
C’est donc le Gainsbourg pop (et des années B.B.) qu’on retrouve
au fil de cette récente compilation thématique qui aligne les hits
inoxydables (“69, année érotique”, “Qui est ‘In’ Qui est ‘Out’”,
“Docteur Jekyll et Monsieur Hyde”, “L’Anamour” et bien sûr
“Je t’aime… Moi non plus”)… mais aussi quelques raretés comme
la musique du film La Horse (1970, avec Jean Gabin) ou un “Vilaine
Fille Mauvais Garçon” délicieusement yéyé. T. G.
Septembre 2017
★★★★★ Classique | ★★★★ Excellent | ★★★ OK ! | ★★ Mouais… | ★ Euh…

SUPER TREND
SON&OBJETS
Par PIERRE STEMMELIN
Lacroix x Brian Kenny
Écusson d'une secte cabalistique ? Emblème d'un
nouveau groupe de metal gothique ? Non, c'est
la maison Christian Lacroix qui fête ses 30 ans.
À cette occasion, son directeur de la création,
Sacha Walckhoff, s’est associé à l’artiste
new-yorkais Brian Kenny pour créer une
collection capsule très arty de sacs, bandanas,
T-shirts et sweats reprenant les codes tribalobaroques
de la marque. Prix non communiqué.
OPEN ROAD
MICROLINO
Revival électrique
La Microlino fleure bon les années 1950 et son
style fait penser à celui des anciens scooters
Vespa ou de la Fiat 500 originale. Normal, car
elle s'inspire directement de l'Isetta de l'Italien
ISO Rivolta, un des véhicules urbains les plus
populaires de l'après-guerre, qu'appréciaient
tant Elvis Presley ou Cary Grant. Cette version
2017 ne tourne plus à l'essence, mais bien
à l'électricité. C'est une deux-places. Elle
conserve son ouverture par l'avant et ajoute
un toit décapotable. Conçue par une société
suisse, elle entrera en production en fin
d'année et il est déjà possible de la réserver.
Son autonomie sera d'environ 120 km/h
et sa vitesse de pointe atteindra 90 km/h.
Parfait pour les déplacements courts en ville,
à la campagne ou en bord de mer. 12 000 €
Helly Hansen Icon Jacket
Avec ce blouson, vous ressemblerez à un
biker de manga. Helly Hansen, spécialiste
des équipements de sport et des tenues
professionnelles, y a mis des technologies
empruntées au monde du sport automobile.
Cette veste waterproof, windproof
et respirante, intègre le nouveau système
breveté de thermorégulation H2Flow. 800 €
HI-GADGET
STIR IT UP / HOUSE OF MARLEY
Une platine qui envoie du bois
Dans la famille Marley, le recyclage on connaît. Aussi lorsque Rohan, le fils de Bob, créateur
de la marque House of Marley, conçoit une platine vinyle, il la baptise d'une des chansons
emblématiques du king du reggae et la pense écolo. La Stir it Up s'habille donc de chanvre
et s'équipe d'une base en bambou. Son plateau tourne-disque est en aluminium recyclé
tandis que le couvre-plateau est en silicone lui aussi recyclé. Cela n'empêche pas cette platine
d'avoir une approche technique sérieuse et audiophile. Son entraînement se fait par courroie
et sa cellule est un modèle de bonne facture de chez Audio-Technica. 250 €
Faguo Lebanon
Un bon classique pour attaquer l'automne,
puis passer l'hiver : la bottine en daim. Faguo,
marque française engagée dans le reboisement,
qui a déjà fait planter plus de 700 000 arbres
pour compenser ses émissions en CO 2
, propose
des modèles en plusieurs teintes, tout en pensant
fabrication durable. Environ 120 €
88 | Rolling Stone | rollingstone.fr
Septembre 2017

Baladeurs audiophiles
Ce n’est pas parce que les smartphones savent tout faire que les baladeurs n’ont
plus voix au chapitre. Dotés de la Hi-Res, compatibles avec des écouteurs ou un
casque haut de gamme, ces modèles sont pour la plupart déconnectés. De quoi
redécouvrir le plaisir d’utiliser un appareil qui fait de la musique et rien d’autre.
HOT GADGET
LEICA TL2
HYBRIDE DE LUXE
FIIO X3 II
Design ★★★
Fonctions ★★★
Prix ★★★★★
Une interface digne des années 1990, pas d’écran
tactile, seulement 8 Go de mémoire interne, mais
la possibilité de l’étendre de 128 Go avec une carte SD
et un son qui a une pêche d’enfer. 195 €
© DR
SHANLING M2S
Design ★★★
Fonctions ★★★½
Prix ★★★★★
Affichant une interface simple et originale,
ce baladeur possède un bel écran de 3 pouces,
un lecteur de carte SD jusqu’à 256 Go et peut servir
de convertisseur audiophile pour votre smartphone
ou votre ordinateur. Ceux qui l’ont utilisé sont
dithyrambiques sur ses performances audio. 200 €
COWON PLENUE D
Design ★★★★½
Fonctions ★★★★
Prix ★★★★★
Un minilecteur de poche, mais qui délivre un gros
son. Le Cowon Plenue D est totalement tactile,
équipé d’une mémoire de 32 Go extensible avec
des cartes SD jusqu’à 128 Go. 300 €
QUESTYLE QP1R
Design ★★★★
Fonctions ★★★★
Prix ★★★
Totalement ésotérique, totalement
anachronique, mais d’une finesse à l’écoute
tellement exquise. La mémoire interne est
de 32 Go. On peut y ajouter deux cartes SD
allant jusqu’à 128 Go chacune. 1 000 €
SONY NW-A35
Design ★★★★★
Fonctions ★★★★★
Prix ★★★★
Le Walkman n’est pas mort ! Voici le NW-A35,
l'un de ses représentants modernes. Son petit
plus est son transmetteur Bluetooth qui permet
d’envoyer sans fil de l’audio Hi-Res grâce au codec
LDAC propre aux produits Sony. La mémoire
interne de 16 Go est extensible avec des micro SD
allant jusqu’à 192 Go. 210 €
ASTELL & KERN AK JR
Design ★★★★★
Fonctions ★★★★
Prix ★★★★
Avec le Junior, le plus petit baladeur d’Astell & Kern,
le spécialiste des modèles ultra-haut de gamme,
on entre de plain-pied dans le monde du luxe
audiophile. La mémoire interne est de 64 Go,
extensible par carte SD. 600 €
Les modèles de la série TL représentent
le haut de gamme en matière d’appareils
photo “mirorless” (sans miroir) chez
Leica. Ils sont donc plus compacts
que les appareils reflex et cependant
dotés d’une monture pour optiques
interchangeables. Si le modèle
de première génération n’avait pas
totalement convaincu, le TL2 s’annonce
beaucoup plus prometteur. Il reprend
le superbe boîtier taillé dans un bloc
d’aluminium et de fabrication allemande,
mais avec un nouveau capteur de 24 Mpx
de grand format (ASP-C) beaucoup plus
performant et un
processeur hérité
LE BOÎTIER EST
ÉQUIPÉ D’UN
CAPTEUR ASP-C
DE GRAND FORMAT
EN 24 MPX.
DE FABRICATION
ALLEMANDE, IL EST
LITTÉRALEMENT
TAILLÉ DANS
UN BLOC
D'ALUMINIUM.
de la série
Maestro de
Leica qui rend
son autofocus
beaucoup plus
rapide et réactif.
L’interface de
l’écran tactile
du TL2 gagne
également en
vitesse. L’appareil
peut désormais
réaliser des
vidéos en
Ultra HD 4K,
descendre dans les très faibles lumières
jusqu’à 50 000 ISO et shooter en rafale
jusqu’à vingt images par seconde.
En revanche, les objectifs proposés
en complément n’évoluent pas. Le choix
en monture L, composé de trois focales
fixes et de trois zooms, est toujours
un peu restreint. Mais naturellement,
ces optiques sont toujours de très haute
précision – il en va de la réputation
de Leica… Et heureusement, des bagues
d’adaptation sont disponibles pour
utiliser d’autres gammes d’optiques
plus fantaisistes. 1 950 € (appareil seul)
Septembre 2017
★★★★★ Classique | ★★★★ Excellent | ★★★ OK ! | ★★ Mouais… | ★ Euh…

CINÉMA
En plein cœur
C’est LE film qu’on attendait de voir, traitant cette zone d’ombres et de fantômes,
les années 1990 en France, vues par les séropositifs.
120 battements par minute
Avec Nahuel Pérez Biscayart,
Arnaud Valois, Adèle Haenel…
Réalisé par Robin Campillo
★★★★
L
a
scène d'ouverture nous percute
d’emblée. Quand l’équipe d’Act
Up débarque, sifflets et bras levés,
pour interrompre les discours ronronnants
des représentants de laboratoires évoquant
les traitements pour les séropositifs comme
s’il ne s’agissait pas de vie ou de mort. C’est
pourtant le cas : le film se déroule au début
des années 1990, lorsqu’on peut disparaître,
en quelques mois et dans une solitude extrême,
à cause du SIDA. Fondée le
25 juin 1989, Act Up décide de leur donner la
parole et surtout, de lutter pour incarner les
patients atteints du virus, sensibiliser la population,
booster la prévention. “Nous vivons
le SIDA comme une guerre, une guerre invisible
aux yeux des autres”, proclame dans le
film Thibault, personnage inspiré par le cofondateur
de l’association Didier Lestrade et
interprété par Antoine Reinartz.
À l’aide de “zaps”, ces actions médiatisées très
fortes, où le faux sang est versé, où les corps
s’allongent, immobiles, Act Up a changé la
donne. C’est ce que montre Robin Campillo
dans ce film choral où l’on vit des scènes de
réunion passionnantes, des moments intenses
de clubbing, les inimitiés et les clans qui
peuvent se former au sein d’un groupe. On suit
ceux qui meurent, trop jeunes, qui s’aiment,
souvent très fort. Pas de pathos, mais de l’action,
de l’émotion, de la sensualité. Les personnalités
des acteurs sont exacerbées et complémentaires
: Adèle Haenel, vindicative et
Terminator 2 :
Le Jugement dernier 3D
Avec Arnold Schwarzenegger,
Linda Hamilton, Edward Furlong,
Robert Patrick…
Réalisé par James Cameron
Mais c’est qu’on l’a échappé belle, dites donc !
On attendra donc un peu plus longtemps que
le 29 août 1997 pour l’apocalypse nucléaire,
mais restons vigilants tout de même… Après tout,
des bouboules de feu tombant d’on ne sait où
avec des robots à l’intérieur sont si vite arrivées.
Bref, Terminator 2 refait un petit tour en salles
à partir de la mi-septembre (avant une réédition
en DVD et Blu-ray quelques semaines plus tard),
et le plaisir demeure toujours aussi coupable.
Mieux, T2 s’offre ici une nouvelle mue via un
traitement 3D on ne peut plus réussi, précisément
parce que ses instigateurs ont manifestement
pris soin de ne pas trop en faire. Résultat,
non seulement cette 3D fait son petit effet
quand il faut (ah ! les impacts de balles sur
FOCUS
consciencieuse, Nahuel Pérez Biscayart, hyperactif
et sans tabous, Arnaud Valois, introverti
et concerné, Antoine Reinartz, meneur réfléchi
et obsessionnel… Tous portent un 120 battements
par minute inoubliable, d’un engagement
servi par une rare force émotionnelle.
Chef-d’œuvre.
SOPHIE ROSEMONT
le T-1000 si “succulemment” incarné par Robert
Patrick !), mais elle ne dénature jamais la couleur
générale du film, allant jusqu’à en rafraîchir
les effets spéciaux un brin datés. L’ami Arnold
peut dès lors nous montrer une énième fois
combien le modèle 101 de Cyberdyne reste
sacrément solide (quand bien même on ait
fait plus perfectionné depuis), Linda Hamilton
révéler par – brefs – instants des faux airs
de Françoise Hardy derrière son attirail militaire
et Guns N’ Roses claquer à nouveau avec
“You Could Be Mine” sa dernière bonne chanson
– la dernière vraiment excitante en tout cas.
Plaisir coupable, disait-on ? XAVIER BONNET
© CELINE NIESZAWER. DR.
90 | Rolling Stone | rollingstone.fr
Septembre 2017

© PHILIPPE AUBRY/LES COMPAGNONS DU CINÉMA. DR.
Good Time
Avec Robert Pattinson,
Ben Safdie…
Réalisé par Ben et Joshua Safdie
★★★★
Cela aurait pu être un polar comme
un autre. Mais non. Ben et Joshua
Safdie font d'un braquage raté
le point de départ d'une chasse
à l'homme inversée, puisqu'il s'agit
pour Connie (Robert Pattinson) de
retrouver à tout prix son frère Nick
(Ben Safdie, excellent), handicapé
mental, arrêté lors dudit hold-up.
Bande sonore prenante, tension
en dents de scie, suspense palpable
et une émotion qui saisit sans
crier gare : porté par un Pattinson
ultraconvaincant, Good Time
confirme tout le bien que l'on
pensait des frères Safdie.
S.R.
Le Redoutable
Avec Stacy Martin,
Louis Garrel, Bérénice Bejo…
Réalisé par Michel Hazanavicius
★★★
Joli coup que celui d'Hazanivicius,
attendu au tournant sur l’adaptation
d'Un an après, d’Anne Wiazemsky,
récit du déclin de sa passion avec
Jean-Luc Godard, tandis qu'il
se lançait à corps perdu dans la
révolution. Quitte à en être ridicule,
de mauvaise foi, mais aussi
doué de punchlines bien senties.
Tout cela, on le retrouve chez
un Garrel-JLG plus vrai que nature
face à l'ingéniosité sensuelle
de Stacy Martin. Quasi interactif,
Le Redoutable réussit à éviter
par des pirouettes (scénaristiques,
formelles) l'amertume de cette
autopsie d'un amour défunt. S.R.
Les Proies
Avec Nicole Kidman,
Kirsten Dunst, Colin Farrell,
Elle Fanning...
Réalisé par Sofia Coppola
★★★½
Virginie, guerre de Sécession.
Une demeure coloniale devenue
pension de jeunes filles où
Miss Martha Farnsworth (Nicole
Kidman), gère son petit monde
à l'aide de l'institutrice Edwina
(Kirsten Dunst). Lorsque l’une
de ses protégées revient avec un
soldat yankee grièvement blessé
(Colin Farrell), la tension monte
subitement d'un cran. Comme
toujours chez Sofia Coppola,
l'image est superbe, le texte aussi :
on souligne son adaptation, toute
en finesse et féminité, du roman
de Thomas Cullinan, jadis porté
à l'écran par Don Siegel. Si Colin
Farrell n'a pas le charisme inquiétant
de Clint Eastwood, le trio de
femmes qui s'élève face à lui est
d'une efficacité redoutable. S.R.
Patti Cake$
Avec Danielle Macdonald,
Bridget Everett, Siddhart
Dhanajay…
Réalisé par Geremy Jasper
★★★
Patricia (Danielle Macdonald) vit
dans le New Jersey et cumule les
petits boulots pour subvenir aux
besoins de sa grand-mère malade
et de sa mère, chanteuse ratée.
En secret, elle rêve de gloire et de
devenir Patti Cake$, une rappeuse
à la punchline aiguisée et au
sex-appeal avéré. Ne choisissant
pas entre film d’auteur et conte
mainstream, Patti Cake$ est drôle,
acerbe, pétri de bons sentiments…
On est conquis ! S. R.
Brooklyn Yiddish
Avec Menashe Lustig,
Ruben Nyborg…
Réalisé par Joshua Z. Weinstein
★★★
Veuf, Menashe (Menashe Lustig),
Juif orthodoxe de Brooklyn,
a perdu la garde de son fils, car
il ne veut pas se remarier. Et parce
qu'il ne rentre pas dans le moule…
Questionnant les notions de
libre-arbitre, Brooklyn Yiddish
évoque surtout la complexité des
liens filiaux, d'autant plus lorsqu'ils
sont régis par des lois extérieures.
À noter qu’il s'agit de l'histoire de
Lustig lui-même. Ce qui explique la
justesse de son jeu et la crédibilité
de sa foi, jamais remise en question
malgré tout.
S.R.
Barbara
Avec Jeanne Balibar,
Mathieu Amalric…
Réalisé par Mathieu Amalric
★★★
Avec Tournée, en 2010, Amalric
démontrait déjà son talent à capter
la chaleur d’une performance
et la mélancolie des coulisses.
Ce qu’on retrouve dans ce Barbara
qui, évitant soigneusement
le format biopic classique, raconte
la chanteuse – chez elle, sur scène,
en voiture, de jour mais surtout
de nuit, incarnée par une Jeanne
Balibar assez exceptionnelle.
Mimétisme, certes, et pour cause :
elle est ici une actrice qui doit jouer
Barbara devant la caméra d’un
fan éperdu, Yves (Amalric). Mise
en abyme, quand tu nous tiens.
En filigrane, sont effleurés les
1
2
3
1. Avec Good Time, Pattinson joue les bandits de bas étage et montre une
nouvelle facette de son talent. 2. Portrait inattendu de l’icône de la Nouvelle
Vague dans Le Redoutable de Michel Hazanavicius, avec un Louis Garrel plus vrai
que nature. 3. Kristen Dunst et Nicole Kidman, en fortes femmes aux prises avec
un soldat yankee en pleine guerre de Sécession. Avec ses Proies, la réalisatrice
Sofia Coppola a raflé le prix de la mise en scène au dernier festival de Cannes.
fissures de Barbara, tout comme
son engagement auprès d’Act Up
à la fin de sa vie. S. R.
Seven Sisters
Avec Noomi Rapace,
Glenn Close, Willem Dafoe…
Réalisé par Tommy Wirkola
★★★
Dans un futur anxiogène, la politique
de l’enfant unique a été imposée
dans l’espoir de sauver la Terre
du surpeuplement. Pourtant,
à la mort de sa fille en couches,
Terrence Settman décide de garder
ses petites-filles, des septuplées,
auprès de lui. Parfaitement
identiques, elles ne sortent que le
jour de leur prénom. Jusqu’à ce que
Monday disparaisse… Une tension
rampante, des scènes d’action
musclées, une violence rarement
gratuite et une Noomi Rapace ultra
efficace : que demander de plus ? S.R.
Septembre 2017
★★★★★ Classique | ★★★★ Excellent | ★★★ OK ! | ★★ Mouais… | ★ Euh…

SÉRIE TV
Entre fiel et nerfs…
En transférant l’essentiel de sa trame en banlieue, la série policière fait mieux que mettre
ses personnages en danger et y gagne encore en puissance.
Engrenages, saison 6
Avec Caroline Proust, Philippe Duclos,
Fred Bianconi, Thierry Godard, Audrey
Fleurot, Nicolas Briancon, Valentin
Merlet…
Réalisée par Frédéric Martin et Frédéric Mermoud
Canal+, 12 épisodes
★★★★
L
’intensité.
la tension. si cette nouvelle
saison d’Engrenages devait être résumée
à un ou deux mots, ils seraient vite
trouvés. Certes, rien de neuf en soi – c’est pour
ainsi dire l’ADN de la série – sinon que le curseur
est encore poussé plus loin ici, à la limite de la
surenchère. De là à imaginer qu’Anne Landois,
la showrunneuse, a voulu s’offrir une petite apothéose
avant de passer la main dans l’écriture –
après quatre saisons de bons et loyaux services –,
il n’y a pas loin.
Cette tension a, d’une certaine manière, trouvé
sa source, ou tout du moins une teneur supplémentaire,
dans le timing de la conception du
scénario, puisqu’entamée au moment de la tuerie
de Charlie Hebdo et finalisée peu de temps
après l’attentat de Nice. Et si le terrorisme n’est
en rien convoqué au parloir de cette sixième
saison, son spectre est latent. “En fait,
Engrenages prend tout le temps le pouls de la
société, explique la showrunneuse. Sans en faire
en effet une saison sur le terrorisme, je trouvais
intéressant de traiter en filigrane l’une des raisons
qui en a fait le lit. Installer l’action de cette
saison en Seine-Saint-Denis faisait partie de
cette réflexion. S’il y a bien un lieu en France où
la société est en fracture, c’est celui-là !”
Le département, dans lequel Anne
Landois est née et pour lequel elle
confesse garder une grande affection,
fait ici mieux que servir de
décor aux ramifications entre services
de police, de justice, élus locaux,
quartiers et bandes organisées.
Il va, à son tour, exacerber le
sentiment suffocant de stress permanent
auquel ses protagonistes sont confrontés.
Et c’est peu dire que les personnages récurrents,
de Laure Berthaud (Caroline Proust) à
Joséphine Karlsson (Audrey Fleurot) en passant
par le juge Roban (Philippe Duclos), Tintin
(Fred Bianconi) ou Gilou (Thierry Godard), ne
trouveront guère de répit dans leur quotidien
personnel, parfois touchés jusque dans leur
chair. “C’est vrai que c’est absolument horrible,
sourit Landois, espiègle. Pour moi, le dosage
“ LE DOSAGE
D'ENGRENAGES,
C'EST 60 %
DE PSYCHOLOGIQUE
ET 40 % D'ACTION.”
ANNE LANDOIS,
SHOWRUNNEUSE
d’Engrenages, c’est 60 % de psychologique et
40 % d’action. Tout le monde sait ce qu’est un
polar, nous arrivons en sixième saison, on ne va
pas en redéfinir les codes. En revanche, la liberté
de renouvellement est totale en travaillant sur
les personnages et en essayant d’aller toujours de
plus en pus loin. Or, quand tu démarres ton
histoire avec une mutilation (un corps de policier
retrouvé démembré, ndlr), il
est intéressant de chercher des correspondances
avec l’intimité des
personnages et comment ils vont
vivre ça jusqu’à l’intérieur de leur
propre corps.”
Cette dualité intime-action fait en
tout cas le bonheur revendiqué des
acteurs, Caroline Proust en tête : “Le
plaisir est le même à jouer l’un ou l’autre. Comme
l’est celui de pouvoir alterner les différentes situations,
surtout si l’interaction entre elles est palpable.”
Ne reste plus qu’au capitaine de la DPJ un
modèle de voitures plus à son goût. “C’est vrai
que j’ai toujours eu tendance à avoir des veaux”,
s’amuse-t-elle. Bon, en même temps, si c’est pour
rester des heures en planque, hein… Un ultime
détail à régler à l’amorce de la saison 7, qui pourrait
être la dernière ?
XAVIER BONNET
© DR
92 | Rolling Stone | rollingstone.fr
Septembre 2017

DVD
Sur la plage,
abandonnés…
Même quand une guerre se termine, elle
continue d’affirmer sa cruauté et son absurdité.
Un film marquant, en terrain miné…
D
anemark, mai 1945. fin d’un conflit et de cinq ans d’occupation
allemande. Dans les yeux et le souffle haletant du sergent
Carl Rasmussen, qui passe en revue au volant de sa Jeep une
colonne de soldats de la Wehrmacht déambulant en sens inverse, le ressentiment,
la haine, sont tangibles. Pourtant,
cette rage, il va devoir la canaliser
Les Oubliés
Réalisé par Martin Zandvliet lorsque lui est confiée la mission d’encadrer
une douzaine de ces prisonniers alle-
Avec Roland Moller,
Joel Basman, Ludwig mands, à peine sortis de l’adolescence, qui
Haffke, Louis Hoffman vont être chargés de nettoyer une partie
ESC
de la côte ouest danoise où ont été enfouies
au total plus de deux millions de
★★★★
mines. Land of Mine, le titre originel du
film, prend alors tout son (double) sens : champ de mine, terre que l’on
veut récupérer et refaire sienne à tout prix. Là, trois mois durant, couchés
sur le sol, parfois sans manger pendant des jours, ces presque encore gamins
vont sonder le sol, comme absorbés par ce sable aveuglément clair
printanier, avant d’entamer le déminage à mains nues de chaque engin
explosif. Sans l’emphase d’un Dunkerque, mais d’une âpreté non moins
pesante, Les Oubliés/Land of Mine fait froid dans le dos, symbole exacerbé
de l’absurdité belliciste dans une Europe ravagée. X. B.
© 2016 WILD BUNCH. DR
Le Dîner des vampires
Réalisé par Jason Flemyng
Avec Charlie Cox, Tony Curran,
Mackenzie Crook, Eve Myles
Marco Polo
★★★
Même chez les vampires, dura lex, sed lex…
Et gare à celui qui dépassera son quota de,
hum !, sang frais, surtout s’il se sert parmi
les enfants ! Ça, dans la confrérie vampire,
on n’accepte pas ! Elle n’a beau avoir lieu que
tous les demi-siècles, cette réunion au sommet
dans une vieille ferme anglaise ne sera donc
pas de tout repos, en même temps que
l’occasion de constater que le renouvellement
des cadres n’est jamais chose simple, a fortiori
quand des militaires – mandatés par un
ecclésiastique pas forcément saint (d’) esprit
– sont bien déterminés à vous faire passer
le goût de l’éternité. Loufoquerie comme
les Anglais en ont le secret, des références qui
tombent à pic (Shining, La Grande Évasion) :
on se laisse volontiers mordiller par cette
horror comedy gentiment foutraque ! X. B.
Soudain l’été dernier
Réalisé par Joseph L. Mankiewicz
Avec Elizabeth Taylor, Katharine
Hepburn, Montgomery Clift
Carlotta
★★★★
L’argent, le désir, la foi, l’expérimentation
scientifique et surtout la folie – réelle ou pratique
paravent pour masquer les non-dits –, le scénario
de Gore Vidal “développant” une pièce de
Tennessee Williams et la réalisation haletante
de Joseph L. Mankiewicz balayent toutes
les obsessions de la société américaine des
années 1950. Autant de… traumas sur lesquels
le noir et blanc, sublimé davantage encore ici
par une restauration en 4K, vient poser un voile
troublant sur la réalité crue. Les longs dialogues
se muent en autant de performances d’acteurs
saisissantes, Katharine Hepburn et Elizabeth
Taylor en tête (Montgomery Clift restant
quelque peu en retrait). Les luttes peuvent
alors commencer, à deux puis à trois. Intenses.
Étouffantes. Tennessee Williams détestait cette
adaptation. On l’aimera doublement. X. B.
Grave
Réalisé par Julia Ducournau
Avec Garance Marillier, Ella Rumpf,
Rabah Naït Oufella, Laurent Lucas
Wild Side
★★★★
On savait nos amis végétariens très, disons,
à cheval sur leur régime alimentaire. Le premier
film de Julia Ducournau nous en fournit une
explication à laquelle on n’aurait pas forcément
pensé, en même temps qu’un éclairage sur
les conséquences potentiellement fâcheuses
d’un bizutage ! Ni vraiment film d’épouvante
ni tout à fait film d’auteur, Grave se plaît
à… valdinguer entre les univers et les codes
de l’un et de l’autre, faisant de lui un film de
genre à part entière. Le cannibalisme, qui en
devient vite le thème central, s’il sait se montrer
spectaculaire – et gore quand nécessaire –
n’est jamais jeté en pâture gratuitement. Grave
est aussi (surtout ?) l’occasion de découvrir
une actrice saisissante en Garance Marillier,
qui tient le film sur des épaules bien moins frêles
qu’il pourrait y laisser paraître. X. B.
Septembre 2017
★★★★★ Classique | ★★★★ Excellent | ★★★ OK ! | ★★ Mouais… | ★ Euh…

JEUXVIDÉO
Le choc des univers !
Des lapins pas si crétins !
Même si la rumeur hantait le Net depuis quelques mois, le lancement de Mario + Lapins crétins
Kingdom Battle, annoncé par le patron d’Ubisoft Yves Guillemot et le gourou de Nintendo
Shigeru Miyamoto, a fait l’effet d’une petite bombe.
MARIO + LAPINS CRÉTINS
KINGDOM BATTLE
Nintendo Switch
Ubisoft
★★★★
Pour Grant Kirkhope, le compositeur
de ce titre, la musique de jeu vidéo est
aujourd’hui beaucoup mieux considérée
que lorsqu'il a commencé au milieu des
90’s (il jouait auparavant avec le groupe
Zoot and The Roots) : “Cette musique
est tellement populaire aujourd’hui.
On peut maintenant aller voir des concerts
de musique de jeux vidéo avec des
orchestres prestigieux... Cela a permis
à de nombreuses générations de découvrir
la musique instrumentale. Mon fils
de 14 ans n’écoute que de la musique
de jeux vidéo. Jamais de pop music !”
C
’était le 12 juin à l’e3, la grande
messe annuelle des jeux vidéo qui se
déroule à Los Angeles. Sur la scène
mythique de l’Orpheum Theatre, le boss breton
d’Ubisoft recevait donc sous un tonnerre d’applaudissements
LA grande star du jeu vidéo
japonais. Miyamoto San est en effet un de ces
personnages mythiques qui ont tout changé. Il
y a un avant et un après Miyamoto.
Et l’inventeur des légendaires Mario
ou Zelda a rarement laissé d’autres
artistes manipuler à ce point ses
créatures. D’autant plus exceptionnel
que cette rencontre entre Mario
et les Lapins crétins est une création
européenne, développée entre Paris,
Milan et Montpellier.
Comme dans la musique, les mélanges
entre les univers dans le jeu n’ont pas
toujours laissé des souvenirs impérissables. Et
pourtant, parfois, ça fonctionne. Côté musique,
“Under Pressure”, par exemple, cet improbable
duo entre Bowie et Queen, qui, sur le papier,
aurait fait trembler de peur n’importe quelle
nonne fan de pop suédoise, s’est avéré au final
être une merveille de kitsch et de chantilly. On
a la même chose dans le domaine du jeu vidéo.
“LES LAPINS
CRÉTINS
APPORTENT
LEUR CÔTÉ
LOUFOQUE
ET PAS MAL
DE DÉBILITÉ…”
L’exemple le plus frappant étant Kingdom
Hearts. Je vous fais l’histoire rapide, car elle
pourrait remplir les pages de tout ce numéro de
Rolling Stone. Kingdom Hearts est un crossover
entre, probablement, les deux univers les plus
“copyrightés” de la pop culture : Disney et Final
Fantasy. Disney, maître absolu de l’entertainment,
chantre ultime de l’expansionnisme
culturel ricain, et Squaresoft, son
équivalent nippon, gardien d’une licence
multimillionnaire (Final
Fantasy), peut-être plus intello et
profonde, mais tout aussi protégée
jusque dans les moindres recoins.
Incroyable, mais vrai : le jeu
Kingdom Hearts a réussi à être une
vraie bonne surprise artistique, dans
lequel ses créateurs ont mis tout leur
cœur pour nous faire oublier cette association
aussi improbable qu’étrange.
Pour les Lapins crétins et Mario, le mélange est
peut-être moins détonnant, mais leurs deux
univers n’ont pas non plus grand-chose en commun.
Si les titres Nintendo ont toujours une
grande profondeur et un excellent gameplay,
l’univers de Mario est toujours resté lisse, hermétique
au moindre relief et à tout second
© DR
94 | Rolling Stone | rollingstone.fr
Septembre 2017

Un jeu de pure
stratégie. Ici,
positionnez-vous
pour vous mettre
à l’abri de votre
ennemi planqué
en haut à droite.
Des boss loufoques, mais
loin d'être évidents.
Entre les combats,
vous pourrez vous
relaxer avec de courtes
phases d’exploration.
degré. Les Lapins crétins n’ont pas beaucoup
plus de consistance, mais n’hésitent jamais à
mettre les pattes dans le plat, à cultiver nonsens
et stupidité et à appuyer bien fort partout
où ça peut faire mal. Un humour corrosif et loin
du politiquement correct du plombier moustachu.
De quoi pouvoir faire peur à Nintendo. La
firme de Kyoto a pourtant donné son feu vert à
ce crossover improbable en imposant tout de
même une condition de base : que Mario et la
famille Nintendo ne s’affichent que dans un
style de jeu dans lesquels ils n’étaient jamais
apparus auparavant. On avait eu Mario en plateforme
(la base), en foot, en basket, en jeu de
rôle, en tennis, en flipper, en golf, en kart, en jeu
de plateau, en runner… Ubisoft a finalement
proposé de réaliser un titre s’inspirant de
X-Com, un jeu culte des années 1990. Soit des
combats ultra-stratégiques, au tour par tour,
qui propose une utilisation poussée de l’envi-
ronnement (ne pas rester à découvert, détruire
les abris derrière lesquels se planquent les ennemis,
utiliser intelligemment les passages secrets,
etc.). On y incarne plusieurs personnages
de l’univers Nintendo ou leurs alliés Lapins,
chacun ayant des pouvoirs particuliers. Les
Lapins crétins apportent leur côté loufoque et
pas mal de débilité, que ce soit dans les petites
phases de recherche, les séquences animées, ou
les boss, tout aussi cinglés que dangereux. En
revanche, côté multijoueur, il ne sera pas possible
de s’y essayer en réseau, le titre ne proposant
que la possibilité de jouer en local, et uniquement
en coopération. Dommage.
Du côté de l’habillage, ce Kingdom Battle est à
la hauteur des meilleurs titres Nintendo. Un
soin tout particulier a été apporté aux textures
graphiques et à la qualité sonore. La musique a
d’ailleurs été composée par le Britannique
Grant Kirkhope, célèbre pour son travail sur
des succès Nintendo comme GoldenEye ou
Donkey Kong Country. Son score reste original
tout en rendant hommage au génie de Koji
Kondo, le créateur des thèmes éternels de
Mario ou Zelda. Grant Kirkhope déclarait
ainsi : “Zelda: A Link to the Past est mon jeu
vidéo préféré. La musique y est fantastique, ses
thèmes sont éternels et il est impossible de faire
mieux ! La musique de Super Mario 64 était
aussi un grand classique signé Koji Kondo. Je
me souviens que j’adorais le thème du château,
mais aussi la façon dont la musique était interactive
dans le ‘Monde trempé-séché’. Je savais
que si j’essayais d’imiter Kondo, je me planterais…”
Kirkhope a donc réussi à garder sa personnalité
dans ce jeu qui devrait faire patienter
les possesseurs de la Switch jusqu’à la sortie du
prochain Mario, prévue pour la fin octobre de
cette année.
MATT MURDOCK
DANS LA CONSOLE
AGENTS OF MAYHEM
PS4, Xbox One, PC
Deep Silver Volition /
Koch Media
★★★
Les créateurs de Saints
Row lancent une nouvelle
licence. On est toujours
plus ou moins dans la
démarque de GTA, cette
fois avec un côté action
et shoot très prononcé.
Une sorte de parodie
trash des cartoons d’action
américains. Parfait pour
se défouler et ne pas trop
réfléchir.
MIITOPIA
3DS
Nintendo
★★★★
Entre le jeu de rôle et
la simulation de vie, on
utilise ses Mii, autrement
dit, les persos que l’on
a créés. Tout le monde
n’aimera pas, mais moi,
je suis à fond. Je fais
combattre les gens de
ma famille, mes potes et
même quelques persos que
je viens de créer, comme
Marilyn Manson ou JCVD.
Du grand n’importe quoi !
OVERCOOKED
Nintendo Switch,
PS4, Xbox One, PC
Ghost Town Games
★★★★
Je profite de sa sortie
récente sur la Switch pour
vous présenter ce petit jeu
anglais qui ne paye pas
de mine, mais qui est une
vraie bombe en multilocal
(jusqu’à quatre joueurs).
On doit faire la cuisine et
servir en se répartissant les
tâches. Fous rires garantis !
Un vrai jeu familial pour
dimanches pluvieux.
DREAM DADDY
PC
Game Grumps
★★★
Les visual novels (sortes
de romans animés et
interactifs) et les jeux de
drague sont très populaires
au Japon. Dream Daddy,
jeu de drague entre papas
gays, est l’un des premiers
à cartonner chez nous.
Pour l’instant uniquement
sur PC, il ne devrait pas
tarder, vu son succès,
à débarquer sur tablettes
et autres formats…
PATAPON
REMASTERED
PS4
Sony Interactive
Entertainment
★★★★
Certains jeux ont tendance
à se bonifier avec le temps,
surtout lorsqu’ils ont un
fort parti pris artistique.
Comme celui-ci, sorti
initialement en 2007 sur
PSP. Entre le jeu de rythme
et le combat tactique,
Patapon fascine grâce à la
sublime direction artistique
de l’artiste français Rolito.
© DR
Septembre 2017
★★★★★ Classique | ★★★★ Excellent | ★★★ OK ! | ★★ Mouais… | ★ Euh…

LIVRES
The Wind Cries Mary
Entre roman noir sudiste et conte crépusculaire aux accents quasi bibliques,
Ron Rash, grande voix de la littérature américaine contemporaine, nous invite à une réflexion
sur la culpabilité et la rédemption. Le tout sur fond de rock psychédélique.
PAR LE VENT PLEURÉ
RON RASH
Seuil
★★★★
“
À
san francisco, le summer of
Love, l’été de l’amour, a eu lieu
en 1967, mais il a fallu deux ans
pour qu’il atteigne le petit monde des
Appalaches. Sur l’autoroute, en février, on a
aperçu un hippie au volant d’un minibus
bariolé, un événement dûment signalé dans
le Sylva Herald. Sinon, la contre-culture
était quelque chose qu’on ne voyait qu’à la
télévision, tout aussi exotique qu’un pingouin
ou qu’un palmier nain.” En 1969, vus
de Sylva, une petite ville rurale des
Appalaches, le bourbier du Viêtnam et le
mouvement pacifiste de Berkeley, les manifestations
de plus en plus violentes pour les
droits civiques, ou l’assassinat de Sharon
Tate par Charles Manson paraissent bien
lointains. Bill et Eugene vivent une vie
simple et studieuse, réglée au carré par un
grand-père tyrannique, ancien combattant
de la guerre de 1914, médecin du patelin et
notable de coin. Un dimanche après-midi,
alors qu’ils pêchent des truites dans le lit
d’une rivière, les deux frères aperçoivent
une jeune fille de leur âge en train de se
baigner nue dans un trou d’eau. Le temps
d’un été, la troublante Ligeia, qui arrive de
Floride et qui a passé quelque temps dans
une communauté hippie, va à jamais bouleverser
la vie des deux frangins, leur faire
découvrir le sexe, l’alcool et la drogue, les
guitares acides de Moby Grape et de Jimi
Hendrix, les lyrics troublants des Doors et
de Jefferson Airplaine, avant de disparaître
comme elle était apparue, à la fin de la saison.
Quarante-six ans plus tard, beaucoup
d’eau a coulé dans la rivière à truites,
lorsque les fortes pluies du printemps
mettent à jour, sur la berge, des lambeaux
de bâche bleue et de macabres petits ossements
blancs. Ligeia est de retour, et Bill,
devenu un chirurgien renommé, comme
Eugene, universitaire raté et poivrot, abandonné
de sa femme et de sa fille, vont devoir
affronter ce fantôme sorti du passé…
Comment est morte Ligeia ? Qui l’a tuée ? Par
le vent pleuré aurait presque des allures de
whodunit, aux forts accents sudistes. Presque.
Car avec ce roman d’une rare puissance et
d’une extrême finesse, l’Américain Ron Rash
signe une œuvre riche et complexe qui dépasse,
et de loin, la simple résolution d’un mystère.
Par le vent pleuré est un livre sur le choc des
cultures, en cette fin des sixties, entre un pays
en pleine révolution culturelle, vibrant sur
“Good Lovin’” des Rascals, et une Amérique
profonde, provinciale, traditionnelle (la
Caroline du Sud, chère à l’auteur de Serena),
bercée par les vieux airs de Merle Haggard.
C’est aussi un conte crépusculaire convoquant
les plus grands auteurs (le Steinbeck de À l’est
d’Eden, le Dostoïevski des Frères Karamazov,
ou encore l’Edgar Poe de Ligeia) autour de
vieux mythes et d’histoires éternelles, qui
donnent aux grands textes leur raison d’être.
Le tout en tout juste 200 pages, limpides et
lumineuses. Superbe.
PHILIPPE BLANCHET
© MARK HASKETT. DR.
96 | Rolling Stone | rollingstone.fr
Septembre 2017

Fantasia chez les ploucs
Une jeune prostituée en cavale, des tueurs sadiques, un vieux trafiquant de whiskey et quelques flics
ripoux : tout le charme de la campagne !
Une cambrousse improbable, au
sud d’Atlanta. Des champs de cacahuètes
et de millet, des forêts de
pins où crapahutent des tatous, et des mobile
homes dézingués, habités par des lascars
tout aussi improbables. Une très jeune
prostituée – Maya, la favorite du maire –
vient d’échapper aux tueurs qui veulent
l’exécuter. La fille connaît toutes les magouilles
des dirigeants de la ville, les réseaux
de trafic de drogue ou de prostitution,
et la horde sauvage qui la traque a bien
l’intention de finir le boulot. Au terme
d’une courte cavale, Maya se réfugie chez
un vieux trafiquant de gnole solitaire et
bourru, un brin cinglé, qui vit avec une poupée
géante, vêtue des robes de sa femme
disparue. Face aux sociopathes enfouraillés
qui pistent la belle, nos deux “gueules cassées”
vont devoir la jouer serré... Dès la
première page – une malheureuse ligotée
dans le coffre nauséabond d’une voiture,
une chaussette dans la bouche – Peter
Farris donne le ton à un lancinant polar,
taraudé par une aveuglante violence et
émaillé d’hallucinantes visions, pour pousser
Jim Thompson, Larry Brown et les
autres dans le brasier d’un “Southern noir”
radical, réglé sur un infernal tempo. Du
Hank Williams Jr., version hardcore. P. B.
LE DIABLE
EN PERSONNE
PETER FARRIS
Gallmeister
★★★½
© DR
LE LIVRE QUE JE NE VOULAIS PAS ÉCRIRE
ERWAN LARHER
Quidam
★★★★
“Tu pénètres dans la salle. Sensations familières, plénitude
immédiate : un concert de rock. Tu ne les comptes plus,
mais à chaque fois le même enchantement, la même
excitation, allez, vas-y, tu peux bien l’avouer maintenant
que si tu devais avoir un regret, ce serait de ne pas être
devenu une rock star.” Erwan Larher est romancier. Et fan
de rock. Le 13 novembre 2015, vers 20 h 30, Erwan Larher
entre dans le hall du Bataclan. Et son histoire personnelle
bascule dans un cauchemar collectif. Touché d’une balle
de kalachnikov dans la fesse (ironie de l’histoire, à cette
époque, il est en train d’écrire un roman qui s’intitule
Marguerite n’aime pas ses fesses !), Erwan Larher baigne
dans son sang, au milieu des blessés et des cadavres.
C’est cette histoire, c’est ce cauchemar que raconte
ce livre. Les coups de feu. Les hurlements. La mort.
Puis la délivrance. La souffrance. L’hospitalisation. Mais
pas seulement : plutôt que livrer un simple témoignage
et de tomber dans le pathos, Erwan Larher choisit
d’élargir l’angle, de ponctuer son récit des témoignages
de proches, vivant l’événement de l’extérieur, et réussit
avec ce livre totalement bouleversant à faire de ce drame,
notre drame. Définitivement. P. B.
LES BUVEURS DE LUMIÈRE
JENNI FAGAN
Métailié
★★★½
En 2020, dans le nord de l’Écosse.
Les dérèglements climatiques
provoquent le début d’une
nouvelle ère glaciaire. Partout
sur la planète, les températures
chutent sévèrement, alors
que l’hiver n’a pas encore
commencé. Dans un parc de
caravanes, une mère vaguement
hippie (elle lit Cookie Mueller
en écoutant Harvest Moon)
et son ado transsexuel, qui
se prénomme désormais Sarah,
croisent la route d’un géant
tatoué et cinéphile, pataugeant
dans la neige en Chelsea boots.
Ensemble, ces trois magnifiques
marginaux, “pas nés dans le
bon corps” au moins pour deux
d’entre eux, vont résister au froid
mortel du monde… Avec ce livre
étrange et follement lyrique,
balayé par des bourrasques
de grésil, opposant des êtres
lumineux à un monde de
ténèbres, l’Écossaise Jenni
Fagan signe un bouleversant
roman apocalyptique, et l’un des
plus beaux textes de la rentrée.
P. B.
DARK NET
BENJAMIN PERCY
Éditions Super 8
★★★
Il existe aujourd’hui un Internet parallèle, sans aucune
limite, permettant de naviguer en toute impunité au gré
d’une infinité de sites cryptés. Une immense poubelle du
Web, où se croisent pédophiles, terroristes et salauds de
tous poils. Le Dark Net. Jusque-là, tout est vrai. Imaginez
maintenant que des forces obscures grenouillant dans
ce marigot tentent de soumettre le monde en hackant les
esprits des internautes pour les transformer en tueurs…
C’est le sujet de ce techno-thriller baroque et affolant,
petit bijou pulp et cyberpunk faisant un écho lointain aux
manipulations et autres fake news qui menacent
aujourd’hui insidieusement le monde. P. B.
HILLBILLY ÉLÉGIE
J.D. VANCE
Globe
★★★
J.D. Vance, la trentaine, vient d’une petite ville industrielle
complètement sinistrée de l’Ohio, et a aussi vécu dans
le Kentucky, élevé par ses grands-parents au sein d’une
famille pauvre et passablement dysfonctionnelle. Ce livre
est le récit de son enfance et de son adolescence. C’est
surtout celui des white trash et autres hillbillies (chantés
par Dwight Yoakam) du Midwest industriel, pour la plupart
d’origine irlando-écossaise, dont la forte culture ouvrière
s’est progressivement diluée dans la crise et la misère,
pour devenir un vivier plein d’amertume et de xénophobie
pour les Républicains les plus durs. Un passionnant portrait
de l’Amérique de Trump. P. B.
Septembre 2017
★★★★★ Classique | ★★★★ Excellent | ★★★ OK ! | ★★ Mouais… | ★ Euh…

RADIOCLASSIQUE
“Days of Pearly Spencer”
David McWilliams
Une radio pirate, un animateur français, des violonnades et un clochard céleste. Il n’en faudra pas plus pour
faire de cette sublime chanson un tube planétaire. Exploit que son auteur ne réussira pas à renouveler…
Par Philippe Barbot
Un matin d’octobre 1967, un animateur
d’une radio française retourne
le 45-tours qu’il vient de recevoir. La
chanson qu’il entend alors, nichée
en face B, le sidère. Il décide aussitôt de la passer
en boucle sur son antenne. Quelques
semaines plus tard, le morceau trône dans les
premières places du hit-parade national. L’animateur
avisé, c’est Gérard Klein, le futur
“Instit” de la télé, qui officiait alors sur France
Inter. La chanson s’intitule “Days of Pearly
Spencer” et est interprétée par un inconnu
nommé David McWilliams.
En anglais, on appelle ça un “one hit wonder”,
un tube sans lendemain. Le
McWilliams en question a enregistré
plus d’une dizaine d’albums,
mais son nom restera à jamais
accolé à une chanson, une seule. Et
quelle chanson ! Une sorte d’ovni
sonore, mélange de folk symphonique
et de pop psychédélique, aux
arrangements dignes des meilleurs
moments des Beatles. On comprendra
plus loin pourquoi.
Irlandais bon teint, David
McWilliams est né en 1945 aux
environs de Belfast. S’il grattouille
la guitare dans un groupe de bal, il
se distingue surtout dans l’équipe
de foot locale, le Linfield FC, pour
laquelle il officie comme gardien de
but. Une blessure à la cheville mettra
fin à sa carrière sportive et l’obligera
à trouver un boulot. Sur les
traces de son père, le voilà devenu
apprenti dans une usine d’armement
qui fabrique… des torpilles. Mais,
plus que les sous-marins, c’est la
musique qui le passionne. Même que, fan de
Buddy Holly, il écrit des chansons, plutôt de
jolies chansons, dans un registre folk. En 1966,
il réussit même à signer chez CBS pour un premier
single intitulé “God and My Country” qui
fait un flop. Pourtant, ses maquettes intéressent
un producteur, Phil Solomon, qui n’est autre que
le manager de groupes comme les Them ou les
Dubliners. On reste entre Irlandais… Sauf que
ledit Solomon a non seulement créé un label de
disques, Major Minor Records, mais est aussi
codirecteur de la station pirate Radio Caroline,
qui émet illégalement mais avec succès dans les
eaux internationales de la mer du Nord, au large
du Royaume-Uni. Une aubaine pour le jeune
chanteur mais, on le verra plus tard, un sacré
handicap aussi.
Grâce à son nouveau mentor, David McWilliams
enregistre deux albums, sous la houlette d’un
réalisateur déjà célèbre pour ses collaborations
avec la crème des artistes british : Mike
Leander, c’est son nom, a produit récemment le
“As Tears Go By” de Marianne Faithfull et, surtout,
a signé les arrangements du “She’s Leaving
Home” des Beatles, à la faveur d’une défection
momentanée de George Martin.
C’est en si bon équipage que le jeune David enregistre
la chanson “Days of Pearly Spencer”, qui
doit figurer sur son deuxième album éponyme.
Une chanson comme une autre, croit-on,
puisqu’elle est destinée à n’être que la face B de
“Harlem Lady”, un titre auquel le label croit
davantage. Mais qui est donc Pearly Spencer ?
“ DES ENVOLÉES DE CORDES
ET UN RIFF UNIQUE”
Une gente damoiselle croisée dans les brumes
irlandaises ? Pas du tout. L’auteur avouera plus
tard qu’il s’agit d’un clochard qu’il a connu autrefois
dans les rues de Ballymena, la ville d’Irlande
du Nord où il a grandi.
Si le titre peut prêter à confusion, le texte, lui,
est éloquent. Écrit à la façon d’un reportage, il
décrit dès la première strophe les quartiers déshérités
de la cité, en ces termes : “Un immeuble,
une rue sale/ Foulée et usée par des pieds nus/
Se déroule à l’infini/ Sous un soleil frissonnant…”
Pas vraiment une bluette. D’autant que
le principal protagoniste de la chanson est
dépeint le teint rougeaud, affublé d’une mauvaise
barbe arrosée au tord-boyaux (sic), et que
le refrain renchérit : “La fin du parcours est
proche…” Le refrain, justement. Tout vient de
là. Outre la voix du chanteur qu’on croirait soudain
passée à travers un mégaphone (en fait,
enregistrée via une cabine téléphonique située
à côté du studio) et son désormais fameux “hin
hin hin”, ce sont les envolées de cordes qui
séduisent immédiatement, un riff unique et
immédiatement mémorisable. La recette d’un
tube, n’est-ce pas ?
Notre Phil Solomon, en businessman avisé (plus
tard, il produira le “Mony Mony” de Tommy
James and the Shondells et achètera les droits
pour le Royaume-Uni du “Je t’aime… Moi non
plus” de Gainsbourg-Birkin) y croit tellement
qu’il décide de sortir le grand jeu : le voilà qui
achète des pages entières de pub dans les
journaux musicaux (avec des slogans du
genre “Le single qui va vous exploser
la tête” ou “L’album qui bouleversera
le cours de la musique”) et décore
les flancs de bus à l’effigie de son
poulain. Lequel arbore de
sémillantes rouflaquettes qui
lui mangent le visage et se
balade dans Londres avec en
poche même pas de quoi
s’acheter un ticket pour ces
damnés bus.
Oui, mais voilà. Si la chanson
est matraquée sur les ondes de
Radio Caroline, la prude et perfide
BBC refuse obstinément de la
diffuser, considérant qu’elle n’a pas
à faire la promotion d’un artiste acoquiné
avec une station concurrente, de
surcroît pirate. Shocking. Il faudra que les
voisins européens, France, Belgique, Pays-
Bas ou Finlande, y mettent du leur pour que
le titre devienne le tube qu’on connaît.
Depuis, les reprises ont évidemment fleuri. Si
la plus célèbre reste celle de Marc Almond
en 1992, elle a également fait les beaux soirs du
easy listening (de Caravelli à Franck Pourcel,
en passant par Raymond Lefevre) et de multiples
adaptations dans toutes les langues, dont
la plus kitsch est sans doute celle de Frank
Alamo, sous le titre “Je connais une chanson”.
Plus récemment, Rodolphe Burger en a offert
une version étonnante, bien dans son style.
David McWilliams est mort d’une crise cardiaque
en janvier 2002, à l’âge de 56 ans. Malgré
ses 150 chansons (qui méritent d’être
redécouvertes, quelque part entre Donovan
et Al Stewart), il n’a jamais retrouvé le chemin
du succès. Quant aux clochards de Ballymena,
Irlande du Nord, ils continuent de marcher
pieds nus.
© DR
98 | Rolling Stone | rollingstone.fr
Septembre 2017

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