The Recovery Plan_Program

progettazione grafica: Collettivo Peyote
BIAGIOTTI ARTE CONTEMPORANEA | Via delle Belle Donne 39, Firenze
5 - 26 / 07 / 19

THE RECOVERY PLAN
The Recovery Plan è un centro temporaneo dedicato alle culture afro-discendenti ideato
da Black History Month Florence (BHMF) per la città di Firenze. Durante un mese, il centro
offrirà una piattaforma di ricerca, uno spazio espositivo, una sala di proiezione e un forum
dedicato alle meditazioni radicate in Italia sulle culture afro-discendenti che cercano di
smantellare le aspettative e le scorciatoie che troppo spesso minano la complessità e la
diversità che si possono verificare all’interno del continente africano e della sua ‘diaspora’.
Trasformando la galleria in un fugace centro culturale con la mostra The Distance
Between What We Know and What Can Work, un ciclo di video intitolato Projecting
Beyond Futures e una biblioteca pop-up, il progetto offre uno spaccato dell’ampia gamma
di lavori culturali e di ricerca all’interno del panorama italiano con un focus transnazionale
che collega le diverse comunità che fanno parte del paesaggio fiorentino. L’approccio
multiforme, interdisciplinare e pluri-istituzionale del progetto intende fornire un piano
strategico di recupero per la riscrittura delle narrazioni storicamente represse e la
salvaguardia dei futurismi Neri nel contesto italiano. Il Recovery Plan è una collaborazione
con la Fondazione Biagiotti Progetto Arte, MACAAL, Villa Romana, Africa e Mediterraneo,
SRISA, African Diaspora Cinema Festival e Atlantico Festival. Questa mostra segna
l’ultimo progetto dello storico spazio della Galleria Biagiotti in Via delle Belle Donne 39.
Biagiotti Progetto Arte è uno spazio dedicato all’arte contemporanea fondato nel 1997 a
Firenze con lo scopo di promuovere giovani artisti contemporanei, prima come galleria e
poi, nel 2012, come fondazione privata senza scopo di lucro.
Per informazioni / for info:
bhmf16@gmail.com
tel 328 0667888
The Recovery Plan is a temporary Black Cultural Center created by BHMF for the city
of Florence. For one month’s time, the center provides a research platform, exhibition
venue, projection room and forum dedicated to Italian rooted meditations on Afro-
Descendent cultures that seek to dismantle the expectations and shortcuts that too
frequently undermine the complexity and diversity attestable to the African continent
and its’ diaspora. Transforming the gallery into a fleeting cultural center the exhibition
The Distance Between What We Know and What Can Work, the screening cycle titled,
Projecting Beyond Futures and the pop up library, the project affords a glimpse of the
broad range of cultural work and scholarship being carried out within the Italian panorama
with a transnational focus that bridges the multiple communities that are part of the
Florentine landscape.
The project’s multifaceted, cross discipline, pluri-institutional approach intends to provide
a strategic recovery plan for the re-scripting of historically suppressed narratives and the
safeguarding of Black futurisms in the Italian context. The Recovery Plan is a collaboration
with the Fondazione Biagiotti Progetto Arte, MACAAL, Villa Romana, Africa e Mediterraneo,
SRISA, African Diaspora Cinema Festival and Atlantico Festival. This project marks the
last exhibition of the historic Biagiotti gallery space in Via delle Belle Donne, 39. Biagiotti
Progetto Arte is a space dedicated to contemporary art that was founded in 1997 in
Florence with the aim of promoting young contemporary artists, first as a gallery and later,
in 2012, as a non-profit private foundation.

RECOVERY
PLANNING
Sono intervenuti:
Angelica Pesarini | Prof Black Italia al NYU Firenze
Maria Stella Rognoni | Prof Istituzioni Africane all’universita degli Studi di Firenze
Antonella Bundu | Consiglio Comunale Firenze
Papa Demba | Sindacalista, capo dell’area Concia e operatore portuale per l’area livornese e pisana
Antoine Vanucci | studente dell’ Accademia di Belle Arti di Firenze
Molefi Ndlovu | Ricercatore di dottorato in Sistemi cognitivi e culturali presso la Scuola IMT di Studi Avanzati di Lucca
Fide Dayo | Regista e direttore dell’ African Diaspora Cinema Festival
Matias Mesquita | Direttore di Kibaka Florence Festival Cinema Africano / Consigliere dell’Associazione BHMF
RECOVERY
PLANNING
Intervened:
Angelica Pesarini | Prof Black Italia at NYU Florence
Maria Stella Rognoni | Prof African Institutions at Universit degli Studi di Firenze
Antonella Bundu | Consiglio Comunale Firenze
Papa Demba | Trade unionist, head of the Concia area and dock operator for the Livorno and Pisa area
Antoine Vanucci | Student at the Academy of Fine Arts
Molefi Ndlovu | Doctoral researcher in Cognitive and Cultural Systems at IMT School for Advanced Studies Lucca
Fide Dayo | Film Director and Director of African Diaspora Cinema Festival
Matias Mesquita | Director of Kibaka Florence Festival Cinema Africano /Advisor to the Associazione BHMF
18 luglio ore 18.00
Proiezione con Fide Dayo (regista e direttore dell’ African Diaspora Cinema Festival) , Matias
Mesquita (direttore di Kibaka Florence Festival Cinema Africano / Consigliere dell’Associazione
Culturale BHMF) e Maria Stella Rognoni (docente di Storia e istituzioni dell’Africa all’Università
degli Studi di Firenze). Presentazione in italiano e inglese con sottotitoli in inglese.
Presentazione e proiezione del film OUR AFRICA di Alexander Markov con una conversazione
su “Cinema Africana” nel contesto di Firenze e il cinema come sito per l’educazione e la ricerca.
La conversazione affronterà inoltre le fonti di ricerca alternative nel cinema e nella letteratura.
19 luglio ore 16:30
Workshop con Antoine Vanucci (Studente Accademia di Belle Arti) sul disegno a fumetti.
Attingendo alla sala di lettura come punto di partenza, il lavoro riguarda il ruolo dell’interpretazione
e della trasformazione nella re-elaborazione delle immagini d’archivio.
23 luglio ore 16.00
Workshop con Molefi Ndlovu (Ricercatore di dottorato in Sistemi cognitivi e culturali presso
IMT School for Advanced Studies Lucca) sulle storie orali e il ruolo degli archivi orali nel conservare
storie fugaci da racconti in prima persona. Basandosi su una serie di progetti di storia
orale, il workshop si concentra sulla generazione di archivi e sulla registrazione vocale.
24 luglio ore 18.00
Conversazione con Antonella Bundu (Consiglio Comunale Firenze), Papa Demba Dia (Sindacalista,
responsabile dell’area della Concia e operatore di bacino per l’artigia- nato nell’area di Livorno e Pisa)
e Angelica Pesarini (Prof.essa di Black Italia presso la NYU Florence). Conversazione in italiano.
Questa conversazione riguarda la leadership e lo storico rapporto tra il Comune di Firenze e una
serie di leader africani. Riflettendo sul periodo dei primi anni ‘60 in cui il sindaco Giorgio La Pira
ha invitato una serie di leader di vari paesi africani ad affrontare lo stato di liberazione africana,
questo dialogo ci porterà fino ai giorni nostril affrontando l’Italia del 2019 e il ruolo di leadership
nera e una meditazione su come viene definite. La conversazione affronterà inoltre la posizionalità
dell’ Italia in relazione all’Africa, la necessità di conversazioni post-coloniali e il ruolo della ricerca
nel promuovere la conoscenza pubblica. Riflettendo sulla posizionalità italiana in relazione
all’Africa, sulla necessità di conversazioni post-coloniali e sul ruolo della ricerca nel promuovere
la conoscenza pubblica. Questa conversazione sarà seguita dal finissage del progetto.
18 July at 6.00 pm
Screening With Fide Dayo( Film Director and Director of African Diaspora Cinema Festival),
Matias Mesquita( Director of Kibaka Florence Festival Cinema Africano /Advisor to the Associazione
Culturale BHMF ) and Maria Stella Rognoni (Prof African History and Institutions at
Università degli Studi di Firenze). Presentation in Italian and English Film with English subtitles.
Presentation and screening the film OUR AFRICA by Alexander Markov with a conversation
on African Films in the context of Florence and cinema as a site for education and research.
The conversation will additionally address alternative research sources in film and literature.
19 July at 4:30 pm
Workshop with Antoine Vanucci (Student Academy of Fine Arts) on comic drawing. Drawing
upon the reading room as a starting point the work is about the role of interpretation and
transformation in re-interpreting archival images.
23 July at 4.00 pm
Workshop with Molefi Ndlovu (Doctoral researcher in Cognitive and Cultural Systems at
IMT School for Advanced Studies Lucca) on oral histories and the role of oral archives in
conserving fleeting histories from first person accounts. Drawing upon a range of oral history
projects the workshop is focused on archive generation and voice recording.
24 July at 6.00 pm
Conversation with Antonella Bundu (Consiglio Comunale Firenze), Papa Demba Dia (Trade
unionist, head of the Concia and dock operator sectors for the Livorno and Pisa area) and
Angelica Pesarini (Prof Black Italia at NYU Florence). Conversation in Italian
This conversation is about leadership and the historic relationship between the Comune
di Firenze and a range of African Leaders. Reflecting upon the period of the early ‘60’s in
which then Mayor Giorgio La Pira invited a range of leaders from various African countries
to address the state of African Liberation this dialogue will bring us through contemporary
times and speak to the Italy of 2019 the role of Black leadership and the defining Italianess.
The conversation will additionally address Italian Positionality in relation to Africa, the need
for Post-Colonial conversations and the role of research in advancing public knowledge.
This conversation will be followed by the finissage of the project.

THE DISTANCE BETWEEN WHAT WE
KNOW AND WHAT CAN WORK
The Distance between What We Know and
What Can Work è una mostra che collassa
la disconnessione tra osservazione e
interpretazione. Attingendo al linguaggio
dell’astrazione e della finzione per i confronti
di archivi fotografici, il gruppo di artisti
nella mostra problematizza l’inquadratura
appiattita degli spettatori per quanto riguarda
la documentazione e la catalogazione
della “Black - ness”. Impegnandosi nell’auto-contestualizzazione,
gli artisti e il loro
lavoro sottraggono sguardi presuntuosi e
la costruzione di storiografie marginalizzate
centralizzando la posizionalità individua- le e
meditando sul sistema di valori spesso in errore
per come colloca opere ritenute “altro”.
The
Artisti: Phoebe Boswell (1982, Kenya),
Kelly Costigliolo (1993, Italia), Adji Dieye
(1991, Italia), Rajkamal Kalon (1974, USA).
A cura di BHMF
The distance between what we know and
what can work is an exhibition collapsing
the disconnect between observation and
interpretation. Drawing upon the language
of abstraction and fiction in regards
to photo-based archives, the group of
exhibiting artists problematize the flattened
fra- meworks of viewership in regards to
the documentation and catalogization of
Blackness. Engaging in self contextualization,
the artists and their work evade presumptuous
gazes and the construction of
marginalized historiographies by centralizing
individual positionality and meditating
on the failing value system often applied to
work deemed “other”.
Artists: Phoebe Boswell (b. 1982, Kenya),
Kelly Costigliolo (b.1993, Italy), Adji Dieye
(b. 1991, Italy), Rajkamal Kalon (b. 1974,
USA). Curated by BHMF
Adji Dieye | Red Fever
Red Fever è un progetto fotografico che
esplora - attraverso fotografie, fotomontaggi,
installazioni e video - la diffusione del
socialismo in Africa durante il XX secolo e
le tracce che ha lasciato sul continente.
Rielaborando le memorie visuali di questa
storia parallela, Dieye costruisce narrazioni
finzionali - e speculative - che permettono
di ripensare il sistema-mondo in cui evolviamo.
Allo stesso tempo, l’artista introduce
l’osservatore ad eventi, personaggi e
rivoluzioni che la storiografia occidentale ha
troppo spesso tentato di dimenticare.
Senza idealizzare la febbre rossa o cancellarne
le contraddizioni, l’artista ci affida la
Ditestimonianza
di una realtà dove il sogno
di un mondo policentrico era, e forse è,
ancora possibile.
BIO: Adji Dieye è un’artista italo-senegalese,
nata a Milano nel 1991 che da anni porta
avanti una ricerca sugli archetipi che costituiscono
le culture visive africane. Laureata
in Nuove Tecnologie dell’Arte all’Accademia
di Belle Arti di Brera a Milano, attualmente
completa la sua formazione universitaria con
il Master in Arte e Politica presso l’Università
delle Arti di Zurigo. Ha esposto al circuito off
della Biennale di Dakar nel 2015 e nel 2018
è stata finalista al Contemporary African
Photography Prize al LagosPhoto.
Red Fever is a photographic project that
aims to explore, through images, photos,
photomontages and video, the spread of
socialism throughout Africa and the traces it
left on the continent.
Juxtaposing the real and the false, tampering
with history itself, artist Adji Dieye gives
herself the possibility to look at this period -
too often untold - with fresh eyes, as if it was
something coming from a parallel reality.
With her images of past and an imagined
communism in Africa, Dieye presents and
preserves the last dream of a polycentric
world where everything doesn’t have to
pass under the surveillance of the neo-liberal
West. (Text by Niccolò Moscatelli)
BIO: Adji Dieye is an Italo-senegalese artist
born in Milan in 1991. She graduated in New
Technologies for Art at the Academy of Fine
Arts of Brera in Milan and is now a Master
degree student in Fine Arts at the ZHDK,
Zurich University of the Arts.
Adji Dieye’s artistic practice pushes the
boundaries of the photographic means in an
attempt to investigate the archetypes that
constitute the African visual cultures. Her
practise is informed by a deep knowledge of
traditional African photography, contemporary
art, image-manipulation and installation.
Kelly Costigliolo | Fu mio padre
Fu mio padre, dolce ritratto dell’avventurosa
vita di suo padre, superstite della
Campagna di Russia durante la Seconda
Guerra Mondiale, raccontata attraverso gli
oggetti che gli appartenevano e foto d’archivio
di piccoli aneddotti.
Questo sensibile lavoro è un modo per
rendergli omaggio e lottare contro l’oblio,
cercando di salvaguardare “la petite mémoire”,
termine francese che indica tutto quel
che può essere facilmente dimenticato.
BIO: Kelly Costigliolo vive e lavora a Parigi.
Nel 2013 rientra in Italia e lavora a “e-photoreview”,
il blog di fotogiornalistica di Enrico
Bossan, direttore artistico di FABRICA. Nello
stesso anno inizia anche la collaborazione
con la ONLUS romana Watoto Kenya come
fotografa e volontaria del loro programma di
sviluppo sostenibile dove insegna fotografia
ai ragazzi della comunità di Makobeni, vicino
al parco Tzavo in Kenya.
Nel 2016, si laurea dall’istituto EFET a Parigi,
avendo così la possibilità di partecipare
alle “Voie Off” di Arles per la prima volta.
Fu mio padre is a collection of photos that
Kelly Costigliolo has been developing
over many years, recently developing the
images into her first book: a loving portrait
of her father’s adventurous life, as veteran of
the Russian Campaign during the WWII.
With the project she has curated selection
of small belongings to represent her
father’s personal essence and his precious
anecdotes. This work in progress is the artist
way of paying homage to him and fight
the oblivion, with the aim of protecting “la
petite mémoire”, a French idiomatic expression
that indicates the cherished memories
that can easily be forgotten.
BIO: Kelly Costigliolo, (Genoa, 1993) is
an italo-brazilian photographer and artist
based in Paris. She exhibited at the Voie Off
fair in Arles (2016). In 2013 she returned
to Italy where she worked at e-photoreview,
the photojournalistic blog curated by
Enrico Bossan, artistic director of FABRICA.
Between 2013 and 2015, Kelly also collaborated
with the non-profit organization Watoto
Kenya as a photographer, and with the Makobeni
Trust Company as volunteer for their
cultural development programs, teaching
photography to children from the Makobeni
Community near the Tzavo Park, Kenya.
Phoebe Boswell
- Sing, Beloveds. Scream. Be Loud. Remember,
We Were Never Meant to Survive [Rest
in Power, Idy Diene]. Graphite and white chalk
pencil on black paper, mounted on wood, 2019
- In Solidarity and Remembrance. Broken
flower pots, smashed onsite, soil, flowers, 2019
Il 5 marzo 2018, Roberto Pirrone, armato di
una pistola, sparò più di tre colpi verso Idy

Diene, venditore ambulante senegalese, sul
ponte Vespucci a Firenze.
La corte ha stabilito che l’omicidio non è
stato aggravato di movente razziale, che
Pirrone era una persona suicidaria ed aveva
intenzione di spararsi, ma ha cambiato idea
all’ultimo e ha sparato alla prima persona
che aveva di fronte, ed a caso era Diene.
Sing, Beloveds. Scream. Be Loud. Remember,
We Were Never Meant to Survive [Rest
in Power, Idy Diene] è un fregio a quattro
riquadri tratto da più immagini della stampa
della comunità senegalese che aveva organizzato
proteste per le strade di Firenze.
Durante la protesta, alcuni vasi da fiori
comunali furono rovesciati e rotti a pezzi.
Di conseguenza, sono stati accusati di
vandalismo e violenza, i vasi (e così anche
la città) sono diventati le vittime, spingendo
la comunità senegalese a raccogliere fondi
The
per sostituire i vasi rotti ed insistere sul fatto
che non sono violenti, mentre le persone di
colore vengono uccise alla luce del giorno.
Al centro dello spazio, Boswell distrugge
vasi di fiori, In Solidarity and Remembrance.
BIO: Phoebe Boswell, classe 1982, è nata a
Nairobi da madre Kikuyu e padre keniota britannico.
Cresciuta nel Golfo Persico, oggi vive
e lavora a Londra. Il suo lavoro fa referenza a
uno stato irrequieto di coscienza diasporica.
Boswell ha studiato alla Slade School of Art
e Central St Martins. È attualmente borsista
della Bridget Riley Drawing alla British School
di Roma, anche della Ford Foundation. Il
suo lavoro è stato ampiamente esposto in
varie gallerie e fiere d’arte tale Art.15, 1:54
e Expo Chicago, e i suoi lavori sono stati
mostrati al Sundance, al London Film Festival,
al LA Film Festival, tra altri. Nel 2017,
Boswell ha ricevuto il premio speciale Future
Generation Art Prize, esponendo di conseguenza
come parte del programma Collateral
Events alla 57a Biennale di Venezia.
On March 5, 2018, Roberto Pirrone, armed
with a gun, went onto Vespucci Bridge in
Florence, and shot Senegalese street vendor
Idy Diene dead, in broad daylight. The
court ruled that the murder was not racially
aggravated, that Pirrone was suicidal, was
intending on shooting himself, but changed
his mind at the last minute and shot the first
person he saw, who happened to be Diene.
Sing, Beloveds. Scream. Be Loud. Remember,
We Were Never Meant to Survive [Rest
in Power, Idy Diene] is a four panel frieze
drawn from multiple press images of the
Senegalese community who went out onto
the streets of Florence to protest. During this
protest, some municipal flowerpots were
pushed over and smashed. The narrative
that ensued was one of vandalism and violence,
the flowerpots (and consequently the
city) became the victims, and the Senegalese
community ended up raising money to
replace the pots and insist that they are not
Diviolent,
but black people are being murdered
in broad daylight. In the centre of the
space, Boswell smashes pots, In Solidarity
and Remembrance.
BIO: Phoebe Boswell (b. 1982, Kenya), born
in Nairobi to a Kikuyu mother and British
Kenyan father, brought up in the Arabian
Gulf, and now living and working in London,
makes work anchored to a restless state of
diasporic consciousness.
Boswell studied at the Slade School of Art
and Central St Martins. She is currently the
Bridget Riley Drawing Fellow at the British
School at Rome, a Ford Foundation Fellow.
Her work has been widely exhibited with
galleries and art fairs such as Art15, 1:54,
and Expo Chicago, and has screened at
Sundance, the London Film Festival, LA Film
Festival amongst others. She received the
Future Generation Art Prize’s Special Prize
in 2017, consequently exhibiting as part of
the Collateral Events programme at the 57th
Venice Biennale.
Rajkamal Kahlon
Studies for the Dispossessed, 2019 sono
schizzi preliminari ad acquerello creati per il
progetto The Dispossessed, commissionato
dal Research Center for Material Culture.
Il progetto, The Dispossessed, inizia con
Wilfred Thesiger, un esploratore inglese,
scrittore di viaggio e autore di Arabian
Sands. Pubblicato nel 1959, racconta i suoi
viaggi nel Quartiere Vuoto dell’Arabia, (Rub
‘Al Khali) tra il 1945 e il 1950. Il progetto
consiste in una serie di 6 ritratti di “esploratori”
che arrivano dall’Africa, dall’Asia
del Sud e dal Medio Oriente e vengono
realizzati direttamente sulle pagine tolte e
rimontate di una I edizione di Arabian Sands
di Thesiger. I ritratti mirano a sconvolgere i
modi convenzionali di vedere attraverso il
“code-switching” visivo, sostituendo le iconografie
di viaggio associate alle soggettività
europee per i non europei e problematizzando
il modo in cui interpretiamo il viaggio.
Le opere evidenziano le rappresentazioni
polemiche altamente ideologiche, associate
ai rifugiati e alla migrazione, contrastate con
l’esplorazione e il turismo europei, con una
forma patologizzata, criminalizzata e temuta
e l’altra romantica, normalizzata e fortemente
desiderata.
BIO: Rajkamal Kalon (1974, USA) Ha
ricevuto il suo MFA in Pittura e Disegno dal
California College of Art. Il lavoro di Kahlon
è stato ampiamente esposto in musei, fondazioni
e biennali in Nord America, Europa,
Medio Oriente e Asia tra cui la biennale di
Taipei (2012), Meeting Points 7, MHKA,
HKW, MUAC Museo Universitario Arte Contemporáneo,
Edith Russ Haus Für Medienkunst,
21er Haus, Museo di Arte Moderna di
Varsavia, NGBK, Queens Museum, Bronx
Museum, Artists’s Space, Apex Art e e-flux.
Studies for the Dispossessed , 2019 are
preliminary watercolor sketches created the
project, The Dispossessed, commissioned
by the Research Center for Material Culture.
The project, The Dispossessed, begins with
Wilfred Thesiger, an English explorer, travel
writer and author of Arabian Sands. Published
in1959, it recounts his travels in the
Empty Quarter of Arabia, (Rub’ Al Khali)
between 1945 and 1950. A set of 6 portraits
of “explorers” arriving from Africa,
South Asia and the Middle East are being
made directly on the pages of a cut apart
and reassembled 1st ed. copy of Thesiger’s
Arabian Sands. The portraits aim at
disrupting conventional ways of seeing
through visual code-switching, substituting
the iconographies of travel associated with
European subjectivities for non-Europeans
and to problematize how we see travel.
The works highlight the highly ideological,
polemical representations associated with
refugees and migration contrasted against
European exploration and tourism, with one
form pathologized, criminalized and feared
and the other romanticised, normalized and
highly desired.
BIO: Rajkamal Kalon (b. 1974, USA) She
received her MFA in Painting and Drawing
from The California College of Art. Kahlon’s
work has been exhibited widely in museums,
foundations and biennials in North
America, Europe, the Middle East and Asia
including the 2012 Taipei Biennial, Meeting
Points 7, MHKA, HKW, MUAC Museo Universitario
Arte Contemporáneo, Edith Russ
Haus Für Medienkunst, 21er Haus, Museum
of Modern Art Warsaw, NGBK, Queens Museum,
Bronx Museum, Artists’ Space, Apex
Art and e-flux.

PROJECTING BEYOND FUTURES
Pojecting Beyond Futures è un ciclo di film
curato da BHMF per la sala di videoproiezione
com- posta da lavori video di Muna Mussie
(nata nel 1978, Eritrea) e Alessandra Ferrini
(nata nel 1984 in Italia). Le opere filmate impiegano
l’archivio come una raccolta di frammenti
non oggettivi. Le opere di questo ciclo ricontestualizzano
il contenuto fotografico attraverso
la prospettiva personale e la comprensione alternativa
della forma documentaria. Reclamando
e recuperando storie sbia- dite attraverso
una messa a fuoco sfocata e nebbiosa, giustapposizione
e l’utilizzo della cinepresa come
dispositivo di formalizzante, le opere invitano lo
spettatore ad impegnarsi attivamente nella costruzione
del significato e di memoria. La Video
Projection Room è progettata per ospitare una
selezione di video e film di artisti che lavorano
su immagini in movimento e film dell’archivio
che riguardano culture afro-discendenti.
Projecting beyond futures is a moving
image cycle curated by BHMF for the video
projection room composed of video work by
Muna Mussie (b.1978, Eritrea) and Alessandra
Ferrini (b. 1984 Italy). The video works address
the archive as a non-objective collection
of fragments. The works in this video cycle
re-contextualize photographic content through
personal perspective and alternative understandings
of the documentary form. Reclaiming
and recovering faded histories through
blurred focus, juxtaposition and the camera
as a formulizing device, the works invite the
viewer’s active engagement in the construction
of meaning and memory. The Video Projection
Room is designed to host a selection of videos
and films from artists focused on moving
image works and from the archive of films
engaging Afro-Descendent cultures.
Omar al-Mukhtar, Sight Unseen, HD video,
2018
Omar al-Mukhtar (1885-1931) fu il leader
della resistenza organizzata contro la colonizzazione
italiana della Libia (1911-1943). È
diventato il simbolo della resistenza del popolo
libico ed è stato grandemente celebrato
e sfruttato sia dal regime di Gheddafi che
dai gruppi armati che attualmente combattono
per il controllo del territorio libico. In Italia,
il suo nome rimane sconosciuto – eppure è
apparso brevemente nei media durante la
prima visita di Gheddafi in Italia nel 2009.
Sight Unseen riflette su tale storia attraverso
l’analisi della cultura visiva e materiale che
è stata oggetto di manipolazione o offuscamento
in Italia. Questi materiali includono la
più completa –ma giuridicamente non pubblicabile
– serie di immagini della cattura e
dell’esecuzione di Mukhtar. In questo modo,
Sight Unseen tenta di ritrarre le politiche
attentamente orchestrate di visibilità e invisibilità
che modellano la memoria del trauma
coloniale in Italia.
BIO: Alessandra Ferrini (Firenze, 1984) è
un’artista-regista e ricercatrice londinese. Le
sue opere sono state presentate in mostre
internazionali tra cui: Manifesta 12 Film
Program (Palermo, 2018); la sesta mostra
internazionale d’arte video di Taiwan (2018-
19); Villa Romana (Firenze, 2018-19); A-i-R
Wro (Wroclaw, 2016); Festival dei Popoli (Firenze,
2015). È la vincitrice dell’Experimenta
Pitch Award della BFI (2017). Alessandra è
affiliata con InteRGRace (Gruppo di ricerca
interdisciplinare su razza e razzismo) e
attualmente collabora con Archive Books /
Kabinett a Berlino.
Omar al-Mukhtar (1885-1931) was the
leader of the organised resistance against
the Italian colonisation of Libya (1911-1943).
He became the symbol of Libyan people’s
resilience and has been greatly celebrated
and exploited both by Gaddafi’s regime and
the armed groups currently fighting over the
control of the Libyan territory. In Italy, his name
remained unknow – yet, it briefly appeared in
the media during Gaddafi’s first visit to Italy in
2009. Sight Unseen reflects on such history
through the analysis of visual and material
culture that has been subject to either manipulation
or obfuscation in Italy. These materials
include the most complete - but legally unpublishable
- series of images of Mukhtar’s capture
and execution. In this way, Sight Unseen
attempts to portray the carefully orchestrated
politics of visibility and invisibility that shape
the memory of colonial trauma in Italy.
BIO: Alessandra’s work has featured in
international exhibitions, screenings and
conferences, including: Sharjah Film Platform
(2019), Manifesta 12 Film Programme (Palermo
2018), Villa Romana (2018 and 2019),
Taiwan Museum of Contemporary Art (2018),
A-i-R Wro (Wroclaw, 2016) and the 56th Festival
dei Popoli (Florence, 2015). She is the
recipient of the BFI Experimenta Pitch Award
at the 2017 London Film Festival.
She is currently collaborating on a long-term
project with Archive Books/Kabinett (Berlin).
Since 2016 she is affiliated with InteRGRace,
the International Group on Race and Racisms,
and has co-directed the research platform
Mnemoscape between 2013 and 2016.
Muna Mussie | Mio pane giorno e notte
È il primo esperimento video di Muna Mussie
su cui orbita gran parte della sua poetica.
Con questa opera, l’artista intraprende
un’esplorazione attraverso il suo ambiente
domestico, costituito da una ricerca estetica
di oggetti – arredo, dando forma ad una
tensione ed inquietudine personale e impersonale.
Si tratta di approcciare la tematica
dell’identità come questione imbrigliata in
una rete tra biografia “razziale”, sessuale ed
esistenziale. Mio pane giorno e notte cerca di
rispondere alla continua domanda “chi sei?”,
riflettendo così sullo schermo la complessità
che ne deriva.
BIO: Muna Mussie, artista eritrea attiva tra
Bruxelles e Bologna, inizia il suo percorso artistico
nel 1998 a Bologna, formandosi come
attrice performer con il Teatrino Clandestino
e con il Teatro Valdoca. Dal 2006 crea lavori
pienamente autoriali, di cui cura concezione,
messa in scena e interpretazione, sino ai
recenti Monkey See, Monkey Do (2012) e
Milite Ignoto (2014-15). Il lavoro performativo
di Muna Mussie ricerca accordi precari su
ipotesi di s-confino.
This is the first video experiment by artist Muna
Mussie on which she orbits most of her poetry.
With this work, the artist embarks on a
journey through her domestic environment,
consisting of an aesthetic search for objects
- furniture, which the result is a personal and
impersonal tension and restlessness. The
theme of identity is tackled here as an intricate
question in a grid between “racial”, sexual
and existential biography. Mio pane giorno e
notte tries to answer the continuous question
“who are you?”, reflecting on the screen the
complexity generated.
BIO: Muna Mussie began her artistic career
as performer in 1998 in Italy, with Teatrino
Clandestino
and Teatro Valdoca directed by Cesare Ronconi,
with which she still collaborates.
After 2005 she moved on to authorial works,
taking care of their ideation, production and
interpretation, creating the performances
Madrepatria (2006), Più che piccola, media
(2007), Con Permesso (2008), Ti ho sognato,
ma non eri il protagonista (2009), supported
by Xing Bologna. Her work has been
presented in performance spaces, like Raum
Bologna, and art institutions, like Gallerie
d’Arte Moderna e Contemporanea in Ferrara
and MAMbo Bologna.

THE READING LOUNGE
The Reading Lounge è una sala di lettura
e uno spazio di ricerca con una gamma di
oltre 500 libri e riviste in inglese, portoghese,
francese e italiano dedicati all’Africa e alla sua
diaspora, computer per la ricerca e impostazioni
di lavoro. La sala ospita una selezione
di ricerche della Black Archive Alliance, un
progetto di Villa Romana realizzato in collaborazione
con BHMF e Cantiere Toscana sponsorizzato
dalla Regione Toscana e il catalogo
completo della rivista Africa e Mediterraneo
donato a BHMF nel 2018, che copre 25 anni
di scrittura su arte e cultura. Lo spazio è inteso
come uno stimolo per una nuova ricerca sulle
culture afro-diasporiche, uno spazio sicuro per
studenti e membri della comunità e come sito
per la generazione di nuovi testi, riflessioni
e storie orali che possono essere condivise
attraverso il blog di Black History Month Florence
e una serie di altre piattaforme online che
fanno parte del progetto. Nella sala, tutti i libri
saranno disponibili per consultazione, inclusi
i cataloghi di Black History Month Florence e
Black Archive Alliance. Le librerie dello spazio
sono state progettate e installate dall’artista
Victoria DeBlassie come un proseguimento del
suo lavoro che impiega cassette ortofrutticoli
come simbolo di lavoro manuale, dislocamento,
etica ecologica e gestalt formale.
The Reading Lounge is a reading room and
research space with a range of over 500
books and magazines in English, Portuguese,
French and Italian dedicated to Africa and its
Diaspora, a computer for research and a work
station. The room hosts a selection of research
from the Black Archive Alliance, A Villa
Romana project created in collaboration with
BHMF and Cantiere Toscana sponsored by
Regione Toscana and the full catalogue of the
magazine Africa and Mediterraneo donated
to BHMF in 2018 spanning 25 years of writing
on art and culture. The space is intended as
a stimulus for new research around Afro-Diasporic
cultures, a safe space for students and
com- munity members and as a site for the
generation of new texts, reflections and oral
histories that can be shared through the Black
History Month Florence’s Blog and a range of
other online platfor- ms that are aligned with
the project. In the lounge all books, including
the catalogues from Black History Month
Florence and Black Archive Alliance, are
available for consultation. The shelving for the
space were designed and installed by artist
Victoria DeBlassie as an outgrowth of her work
employing produce crates as a symbol of
displacement, ecological ethics, formal gestalt
and labor.