MAQUETACION MARZO 2005 - Diverdi

www.diverdi.com
B O L E T Í N D E I N F O R M A C I Ó N D I S C O G R Á F I C A
135
Morales Dufay Savall Couperin Rameau Lindberg Kraus Donizetti Wagner Korngold Jansons Albrecht Kálmán Furt Ravel Dusapin Petrassi Gols

Sellos en
distribución exclusiva
(Marzo 2005)
Los sellos señalados con un ✺
poseen un catálogo gratuito a
disposición de nuestros lectores
ACCENT✺
ALIA VOX✺
ALMAVIVA✺
ALPHA✺
ANDANTE
ARCANA
ARCHIPEL✺
ARSIS
ARTS
ASSAI
ASTRÉE
BBC LEGENDS✺
BIDDULPH
BIS
BMC
BONGIOVANNI✺
BRIDGE
CARUS✺
CDM
CHALLENGE
COL LEGNO
COLUMNA MÚSICA
CPO
CHRISTOPHORUS✺
DISCOS OBLICUOS
DYNAMIC✺
DUX
E LUCEVAN LE STELLE✺
ENCHIRIADIS
ENSAYO✺
ETCETERA
EUFODA
FONÈ
FONO ENTERPRISE
GEBHARDT
GLISSANDO
GLOSSA
GOLDEN MELODRAM
GUILD
INA✺
KAIROS✺
L’EMPREINTE DIGITALE
LINDORO
DABRINGHAUS & GRIMM✺
MODE✺
MONTAIGNE
MYTO✺
NAÏVE
NIGHTINGALE
NUOVA ERA✺
ONDINE
OPERA RARA✺
OPERA TRES✺
OPUS 111
ORFEO✺
PENTATONE
PIONEER DVD
PONTO
PREISER✺
REGIS✺
SOLI DEO GLORIA
STRADIVARIUS
SUPRAPHON✺
SYMPHONIA✺
TESTAMENT✺
TAHRA
TIMPANI✺
VERSO
WERGO
WINTER & WINTER✺
ZIG ZAG✺
BOLETÍN DE INFORMACIÓN DISCOGRÁFICA
AÑO XIV ~ Nº 135 ~ MARZO 2005
DIVERDI, S.L. ~ ELOY GONZALO, 27 - ENTRADA POR SANTÍSIMA TRINIDAD ~ 28010 MADRID
TEL.: 91 447 77 24 ~ FAX: 91 447 85 79
http://www.diverdi.com ~ e-mail: diverdi@diverdi.com
Semana Santa 2005: oficios y beneficios
Glossa presenta este mes las dos primeras entregas de la nueva colección «Los
Siglos de Oro», editada en coproducción con la Fundación Caja Madrid,
reanudando así un trabajo conjunto que ya
hace años nos dejó algunas grabaciones
memorables. El renacer de esta interesantísima colección se
centra, para abrir boca, en los que posiblemente sean los dos
compositores españoles más importantes de todos los tiempos,
los polifonistas Tomás Luis de Victoria y Cristóbal de Morales. El
disco dedicado a este último se comenta en otro lugar de este
boletín, y está a cargo del magnífico conjunto británico dirigido
por Michael Noone, el Ensemble Plus Ultra, de cuyo buen hacer
podremos volver a disfrutar en la Semana de Música Religiosa de
Cuenca de este año. El Oficio de Semana Santa de Victoria, por
otro lado, había sido hasta ahora grabado en versiones siempre
incompletas, y ésta es la primera vez que se ofrece en su práctica
totalidad, en 3 CDs, y además enriquecida con una cuidadosa
«puesta en contexto» que tiene en cuenta su finalidad litúrgica.
Los componentes de La Colombina, aumentados hasta el octeto
con incorporaciones como la soprano Monika Mauch o el bajo Daniele Carnovich, colaboran en esta
ocasión con los mayores especialistas en canto gregoriano de nuestro país, Schola Antiqua, en una
grabación de más de tres horas realizada durante la Semana de Música Religiosa de Cuenca de 2004.
Destacan el ciclo de 9 lamentaciones o el de 18 responsorios, además de dos pasiones, piezas en las
que escuchamos a un Victoria en la plenitud de su arte. No en vano, esta obra fue objeto de una de
las ediciones más lujosas de finales del XVI, envidia de contemporáneos como Palestrina. Se
completa la exquisita edición de Glossa con un libreto que contiene ensayos de Josep Cabré, Alfonso
de Vicente y el musicólogo suizo Brenno Boccadoro, que nos ofrece su fascinante visión acerca de
la teoría de los afectos aplicada a la música sacra de Victoria.
TOMÁS LUIS DE VICTORIA: Officium Hebdomadae Sanctae (Roma, 1585) / La Colombina. Dir.: Josep Cabré; Schola Antiqua.
Dir.: Juan Carlos Asensio / Glossa Los Siglos de Oro / Ref.: GCD 922002 (3 CD) D2 x 2 [3 CD al precio de 2]
relhkñuwerhjafbdfgneyerrk,gbbasngkjmn
scmncbDhnfnaldiverdimsldlsnw,q.cckdhd
fvdbsgwfdwefaghfdhjgnbxasto.kanakssfj
EL TELETIPO
.yuiukouthdtqwertrtyiuliñ.lçlldfrjkkj
El sello muniqués, en su colección Orfeo d´Or, nos anuncia espectaculares lanzamientos que
harán las delicias de los aficionados de toda condición: en ópera podremos degustar, desde
Viena (Staatsoper), un rossiniano Guillaume Tell (1998) con Hampson, Sabbatini y Gustafson,
bajo la rectoría de Fabio Luisi; dos diferentes Don Carlo, el primero en italiano (1970), con Janowitz, Verrett,
Corelli y Ghiaurov, y el segundo en el original francés íntegro (2004), con Vargas, Skovhus, Miles, Tamar y
Michael, dirigido por Bertrand de Billy; La flauta mágica con Furtwängler (1949) y las voces de Seefried, Lipp,
Ludwig, Schmitt-Walter y Greindl; Arabella, con Varady y Fischer-Dieskau (Keilberth) y Vanessa, de Barber,
con Steber, Gedda, Elias y la batuta de Mitropoulos, ambas de 1958; y una selección de Macbeth por Fischer-
Dieskau y Bumbry (1964). Desde Munich nos llega una Traviata con Varady y Araiza (1993), y desde el
«Nuevo Bayreuth» de Wieland Wagner ¡por fin! el Anillo del 56 (Kna) ya conocido de nuestros clientes, pero
ahora en edición oficial y en condiciones sonoras que suponemos aún mejores que las disfrutadas hasta el
presente. Redondean la oferta recitales y conciertos con los grandes nombres de habitual presencia en el sello
(Kubelik, Giulini, Serkin, Kogan, Fischer-Dieskau, Hampson, Schreier, Fassbaender, y un largo etcétera).
La Royal Concertgebouw Orchestra, actualmente liderada por Mariss Jansons, ha creado
su propio sello para hacernos llegar las míticas grabaciones de sus impresionantes
archivos históricos. Así, para ir haciendo boca, anuncian una caja de 14 cedés con
repertorios variadísimos que van de Bach, Mozart y Beethoven a cuantos han contado en el siglo XX (Debussy,
Ravel, Sibelius, Stravinski, Schönberg, Berg, Bartók, Hindemith, Varèse, Shostakovich, Nono, Dutilleux,
Lutoslawski, Henze...), con las batutas de Monteux, Rosbaud, Mitropoulos, Boulez, Jochum, Szell, Ormandy,
Kondrashin, Haitink, Maderna...) y sin que falte la ópera, un Falstaff dirigido por Giulini (Corena, Capecchi,
Ligabue, Freni, Alva, Barbieri). Las grabaciones van básicamente de 1960 a 1969. Para más adelante,
modernas grabaciones de Jansons en SACD y una caja de cinco DVDs con casi todo el Mahler sinfónico (sólo
falta la Sexta) por Haitink, grabado en las famosas matinales navideñas anuales desarrolladas entre 1979 y
1988.
Lanzado ya a tope al DVD, el sello genovés anuncia para este año novedades tales
como Il corsaro verdiano, Idomeneo, Hans Heiling, Les contes d´Hoffmann (estas
tres últimas con dirección escénica de Pier Luigi Pizzi), Le roi de Lahore y el Orfeo monteverdiano, más un
interesante recital de Boris Christoff fechado en 1976, acompañado de entrevista con el gran bajo búlgaro. Y
en CD, además de dichos títulos, Polyeucte, de Gounod y Pietro il Grande, de Donizetti, ambas primicias
discográficas, y Salvator Rosa, de Gomes.
( 2 )

Nace SDG, la firma que el propio Gardiner ha creado para compartir su peregrinaje a través de las cantatas bachianas
El Sueño De Gardiner
Pablo del Pozo
John Eliot Gardiner, The Monteverdi Choir y The English Baroque Soloists, junto
con una serie de solistas vocales que se fueron rotando, acometerían durante el
año 2000, y a casi una media de dos conciertos por semana, la grabación de
todas las cantatas sacras conservadas de Bach. Una empresa que pudo ser el
homenaje más especial que en todo el mundo se le hizo al kantor en el 250
aniversario de su muerte. Con todo, el renombrado director inglés se quedó sin el
apoyo de su anterior sello -que no sabe lo que se perdió- y el proyecto discográfico
hubo de esperar hasta ahora para rodar al fin sin más altibajos. Creado con el
sustento incondicional de multitud de melómanos que sí creyeron en el Sueño De
Gardiner, SDG es el acrónimo de Soli Deo Gloria, la rúbrica con la que Bach
dedicaba sus obras a la divinidad. Y la casa donde irán apareciendo las distintas
entregas de la colección salvada.
Ésta se registró durante el transcurso de una gira internacional que ajustó sus fechas
y programas al calendario litúrgico para el que cada una de las cantatas fue
concebida. Lo primero, pues, que distinguirá a la futura integral es la ordenación resultante entre todas ellas:
agrupadas así disco a disco por pertenecer a una misma fiesta -es decir, por construirse
sobre la inspiración de una misma lectura evangélica- las obras hermanadas no pueden
más que resaltar mutuamente sus coincidencias de carácter y espíritu. La propuesta es
mucho más sugerente que la de una mera colocación cronológica o que sólo siguiera la
numeración del Bach Werke Verzeichnis. Aquí se insiste en subrayar la exégesis en
música que Johann Sebastian compusiera varias veces sobre un mismo asunto doctrinal.
Por ejemplo, las cantatas para el decimosexto domingo después de la Trinidad (BWV 8,
BWV 27, BWV 95 y BWV 161, las interpretadas en Santiago de Compostela) meditan
en torno a la idea de la muerte y la feliz aceptación que de ésta debe tener el buen
cristiano. En todas aparece el motivo de las campanadas fúnebres en pizzicato o el del
ritmo en tictac constante como signo del inexorable paso del tiempo. Pero apenas hay
truculencia sonora en todo ello, sino más bien dulzura en unos casos o firmeza optimista
en otros. De hecho, siempre acaban con un coral acompañado de una música triunfante
cuya letra proclama orgullosa el despego del mundanal ruido y la posterior redención
junto a Cristo.
También existen correspondencias similares entre las demás cantatas ofrecidas en los
cuatro compactos con los que la serie inicia su andadura: sobre la lealtad hacia Dios en
las del decimoquinto día después de la Trinidad (BWV 51, BWV 99 y BWV 138, a las
que se suma la BWV 100, que no especifica fecha), el sentimiento de exaltación para la
fiesta de San Juan Bautista (BWV 7, BWV 30 y BWV 167), o la magnificencia en
dimensiones de las del primer domingo después de la Trinidad (BWV 20, BWV 39 y
BWV 75).
En definitiva, Gardiner nos está dando cucharada a cucharada los significados
expresivos de todas ellas, pero no sólo por la distribución en sí, sino más aún por una
interpretación transparente volcada en el sentido global de los textos. La apuesta es por
un Bach abiertamente comunicativo, alejado de excesos austeros o flagelantes tan de
moda. Y el resultado es esplendoroso, radiante, ferviente. Las exultantes intervenciones
de los miembros del coro son las mejores representantes de este entusiasmo, tanto, que
en algunos corales dan ganas de desgañitarse junto a ellos a pecho alzado y lagrimón
emocionado.
Los solistas se contagian de esta teatralidad y apasionamiento suscribiendo momentos fabulosos. Por citar
algunos: Dietrich Henschel, en Gute Nacht, du Weltgetümmel! (BWV 27), Peter Harvey, en Auf Gott steht meine
Zuversicht (BWV 138), Mark Padmore en Ach, schlage doch bald, sel´ge Stunde (BWV 95) y, más que nadie, Paul
Agnew con las melismáticas llamas del infierno en Ewigkeit, du machst mir bange o en el estremecedor dúo con
Wilke te Brummelstroete en O Menschenkind (ambas arias en la célebre BWV 20).
Por su parte, la orquesta contribuye a la luminosidad general imprimiendo una agilidad no reñida con lo
majestuoso, y sobre todo, otorgando una excepcional claridad en todas sus voces. Alucinantes las oberturas a la
francesa de la BWV 20 y la BWV 75 en conjunción con el coro, así como los primeros movimientos casi gemelos
del BWV 99 y el BWV 100 (de instrumentación más florida el segundo). El final de la BWV 100, a propósito, es un
coral cortejado por una orgía de vientos que se escuchan con increíble nitidez. Nombrados éstos, es imposible pasar
por alto la grandeza de Mark Bennett a la tromba da tirarsi en la BWV 75 o al clarino en la BWV 167, al elegante
trompetista Niklas Eklund en la BWV 51 o a Marten Root y su flauta en las arias concertati de las propias BWV 99
y BWV 100, a cuál más difícil y expresiva. Como colofón, una toma de sonido penetrante y el calor en sí del directo
resaltan aún más lo dicho hasta ahora, la cercanía con el oyente debida a un mensaje servido en bandeja.
Mención aparte merece la lujosa presentación de los volúmenes, donde lo primero que sobresale son las famosas
fotografías de Steve McCurry, que, decididamente chocantes para un disco barroco, nos recuerdan la trascendencia
y universalidad de Bach, por encima de razas, credos y culturas. O la originalidad de las notas, planteadas como
capítulos de un cuaderno de bitácora, donde, alejado de los comentarios al uso, Gardiner redacta personalmente
sus impresiones in situ sobre cada ciudad, iglesia, concierto y cantata... en medio del camino que para él y sus
acompañantes -se aprecia en las grabaciones- acabó siendo un verdadero viaje interior, el destino final de todo
auténtico peregrinaje.
JOHANN SEBASTIAN BACH (1685-1750): Cantatas Volumen 1: BWV 167, 7, 30, 75, 39 & 20 / Joanne Lunn, Wilke te Brummelstroete, Paul Agnew,
Dietrich Henschel, Gillian Keith, Coro Monteverdi, The English Baroque Soloists. Dir.: John Eliot Gardiner / SOLI DEO GLORIA / Ref.: SDG 101 (2
CD) D2 x 2
JOHANN SEBASTIAN BACH (1685-1750): Cantatas Volumen 8: BWV 138, 99, 51, 100, 161, 27, 8 & 95 / M. Hartelius, W.Towers, P. Harvey, K.
Fuge, R. Tyson, M. Padmore, T. Guthrie, Coro Monteverdi, The English Baroque Soloists. Dir.: John Eliot Gardiner / SOLI DEO GLORIA / Ref.: SDG
104 (2 CD) D2 x 2
( 3 )

El Ensemble Plus Ultra y Michael Noone nos sumergen en el universo polifónico menos conocido
de Cristóbal de Morales (ca. 1500 - 1553)
Morales inédito
En 1545 Cristóbal de Morales, cansado, enfermo y con una
sólida fama internacional a sus espaldas como polifonista de
prestigio al servicio de la corte pontificia, volvía a España para
hacerse cargo del magisterio de capilla en la Catedral de Toledo.
Gozaba por entonces la Sede Primada de un esplendor económico
y cultural sin precedentes. Bajo el sólido mecenazgo de los
arzobispos-cardenales Juan Tavera (1534-1545) y Juan Martínez de
Silíceo (1546-1557) se llevaron a cargo importantes obras en la
Catedral que contribuyeron a engrandecer el aspecto externo del
majestuoso edificio, y en el plano litúrgico-musical a partir de
1542 se comenzaron a copiar e iluminar nuevos libros de coro
destinados a servir a los cantores y ministriles para las
celebraciones religiosas que a diario se desarrollaban en el marco
catedralicio.
De los numerosos libros que por entonces elaboró el escriba
Martín Pérez sobresalen el primero de todos ellos, un volumen de
unos 200 folios en el que se contienen varias misas de maestros tan
importantes como Josquin, Mouton, Bauldeweyn o Torrentes, y,
sobre todo, el recién descubierto Códice 25, que junto con los
Códices 16 y 21 conforma una colección de tres cantorales en los
que bajo la supervisión del propio Cristóbal de Morales (algunos
folios de estos libros llevan la firma autógrafa del autor) se copiaron
un buen número de obras hasta ahora inéditas del músico
hispalense. Todas las obras ahora presentadas fueron escritas por
Morales a lo largo de los 23 meses que sirvió como maestro de
capilla en Toledo y ponen de manifiesto el excelso genio de
nuestro autor tras su regreso a España, una época que los
estudiosos hasta ahora habían considerado de declive creativo en
la trayectoria artística del maestro.
El laborioso trabajo de transcripción (varios folios del Códice 25
presentan importantes mutilaciones, por lo que ha sido necesario
un estudio previo de restauración musicológica que permitiera su
Motetes, himnos y antífonas de Guillaume Dufay (ca. 1400-1474)
por el Ensemble Musica Nova en ZIG ZAG
Perfecto Dufay
La figura, y, sobre todo, la obra de Guillaume Dufay resultan, todavía a
principios del siglo XXI, y quizá ahora más que nunca, tan atractivas para los
estudiosos del periodo, los musicólogos y los amantes en general de la
música antigua, como lo debieron de ser para los
poderosos mecenas a los que sirvió allá por el siglo
XV, en aquel tiempo histórico excepcional que
supuso la transición de los tiempos medievales a los
modernos. Y quizá por ello es uno de los
poquísimos compositores medievales que cuentan
en la actualidad con una abundante y selecta
bibliografía y con una discografía amplia y de
contrastada calidad que en los últimos años nos han
ido revelando el fascinante universo artístico del
gran genio franco-flamenco. La audaz integral de la
música profana que en 1980 grabara The Medieval
Ensemble of London supuso el inicio de una larga trayectoria discográfica que
habría de culminar algunos años después con registros tan memorables como los
realizados por Helga Weber, Ensemble Gilles Binchois, Huelgas Ensemble, The
Binchois Consort, Cantica Symphonia o el que ahora nos propone el Ensemble
Musica Nova. Esta joven formación vocal, que ya nos había deslumbrado hace
un par de años con la magnífica integral de los motetes de Guillaume de
Machaut, también para ZIG ZAG, nos propone ahora un variado recorrido por
algunas de las páginas más brillantes de la música sacra de Dufay. Las
interpretaciones, a capella, son técnicamente perfectas, refinadas y con un gusto
exquisito por enfatizar cada detalle de la música en su comunión con los textos
sagrados. Los resultados, no podría ser de otra manera, son absolutamente
reveladores no sólo del profundo conocimiento que el Ensemble Musica Nova
posee del repertorio tardogótico, sino también, y esto es lo que más importa, de
su capacidad para transmitirnos la genialidad de Dufay.
( 4 )
lectura completa) y edición
discográfica que nos ofrece
Michael Noone es, sin duda,
uno de los proyectos
culturales más interesantes
realizados en nuestro país en
los últimos años. Noone, que
conoce a la perfección la
obra de Morales y las fuentes
documentales toledanas por
sus anteriores trabajos junto a
Richard Cheetham y la
Orchestra of the Renaissance (Assumption Mass, GLOSSA GCD
921404) nos ofrece en esta renovada serie de Los SIGLOS de ORO
de GLOSSA un disco con 77 minutos que resulta admirable desde
todos los puntos de vista. Además, en un intento de aproximación
total a lo que debieron ser los servicios religiosos a mediados del
siglo XVI en la ciudad del Tajo el director británico opta por
presentar las obras inéditas en su contexto original junto con el
canto llano apropiado a la liturgia toledana.
El gran esfuerzo de Noone por exhumar estas gloriosas páginas
queda rubricado con una dirección sabia y eficiente que convierte
al Ensemble Plus Ultra en su debut discográfico en una de las
formaciones historicistas más sólidas y prestigiosas en el panorama
internacional de la música antigua. Todavía quedan unas 15 obras
inéditas de Morales en los archivos toledanos; ¿para cuándo un
segundo disco?
Francisco de Paula Cañas Gálvez
CRISTÓBAL DE MORALES (c.1500-1553): Polifonía inédita del Códice 25, 1545-1547
/ Ensemble Plus Ultra. Dir.: Michael Noone / GLOSSA / Ref.: GCD 922001 (1 CD) D2
F.P.C.G.
GUILLAUME DUFAY (c.1400-1474): Flos Florum (Motetes e himnos) / Ensemble Musica Nova: Christel
Boiron (mezzosoprano), Lucien Kandel (tenor), Marc Busnel (bajo), Caroline Magalhaes (mezzosoprano),
Thierry Peteau (tenor) / ZIG ZAG / Ref.: ZZT 050301 (1 CD) D2
Prosigue la integral concertística de G. Tartini
en DYNAMIC
Fantasía tartiniana
En el duodécimo volumen de la serie que el sello
DYNAMIC está dedicando a la obra
concertante para violín y orquesta de Tartini se
recogen nueve obras
(D 5, 9, 24, 49, 64,
79, 97, 106 y 122)
perte-necientes a la
segunda etapa del
compositor, la de
intensificación de
sus personales rasgos
estilísticos y
acentuación de la
expresividad, a la
que corresponden
sus más conocidos
conciertos. Sumergirse
en su escucha
es entrar en un mundo de fantasía melódica ornada
con toques de virtuosismo refinado, ecos pastorales,
ensueño lírico y hasta ciertos momentos de bizarra
extravagancia. Una vez más, L’Arte dell’Arco de
Giovanni Guglielmo llega hasta el fondo de la
esencia de estos conciertos, plantando un sólido
jalón en esta magna obra que es la integral
tartiniana.
Juan de Atienza
G. TARTINI (1692-1770): Conciertos para violín, Vol. 12
(Conciertos D 9, D 24, D 97, D 64, D 106, D 49, D 122, D 79, D
5) / L’Arte dell’Arco. Violín principal y dirección: G. Guglielmo /
DYNAMIC / Ref.: CDS 462/1-2 (2 CD) D2 x 2

Savall y le Concert des Nations brindan un Couperin de referencia
El músico poeta y su alquimista
Hasta 1722, y como apéndice a su Tercer libro de clave, no da François Couperin publicidad a las
piezas «de otra especie» que componen las cuatro suites de sus Conciertos reales, escritas en
1714 y 1715 para ser interpretadas en la intimidad dominical de los aposentos regios de Versalles
como bálsamo a la melancolía del anciano Luis XIV.
Siguiendo su costumbre, brinda en su prefacio Couperin el
Grande toda suerte de noticias y consejos respecto de las
partituras que propone. «Eran ejecutadas por messieurs
Duval, Philidor, Alarius y Dubois; un servidor tocaba el
clave». Esto es, respectivamente, amén del teclado: un violín, un oboe, un bajo de viola y un
fagot. A la flauta travesera -curiosamente, el único instrumento ausente en origen- dan
magníficos resultados en razón de la delicada escritura y de la música misma, de índole más
persuasiva que afirmativa. No ha de extrañar que los flautistas se las hayan venido apropiando.
El último, un admirable Barthold Kuijken (Conciertos nº 1 y 2, ACCENT 23153, véase Boletín
nº 122).
No es novedoso, ni mucho menos, pero sí más bien raro, encontrarlas servidas por una
formación próxima a la original. Cosa muy de celebrar, y no por un presunto afán de fidelidad
(para lo cual incluso con un clave solo sería suficiente), sino por el juego de climas y de
posibilidades colorísticas tan insospechadas como inagotables que permite así el compositor,
el músico poeta del matiz y los medios tonos por excelencia. Las obras se transfiguran. Jordi
Savall, responsable de unas Naciones, unas Apoteosis y, en especial, unas Piezas de violas que
son referencias insuperadas (Auvidis), revalida sus afinidades couperinianas de siempre
contando ahora además con la complicidad de una toma de sonido ideal (la grabación aparece
simultáneamente en formato SACD).
Sobre un continuo asumido por clave y tiorba o guitarra -juntos o por separado-, flauta, oboe,
fagot, violín y viola de gamba se reparten los cuatro Conciertos con las cambiantes aleaciones
adecuadas a la naturaleza de cada movimiento, desde los tutti de los amplios preludios (y
también la conclusiva Forlane del 4º) a texturas tan leves y sutiles como viola, bajo de arco y
tiorba (Air tendre del 2º); violín, viola, tiorba (Sarabande del 1º); flauta, viola, guitarra (Gavotte
del 3º), o flauta, viola, clave (4º, Courante françoise).
No bastaba, claro, con ese arte consumado de sacar los
colores, si no fuera por el refinamiento musical superlativo
que lo anima y lo acompaña. Nunca los Conciertos reales sonaron tan llenos de contenido. Todo respira
gracia y nobleza, que se imponen con una evidencia abrumadora. «Lo que conmueve, por encima de
lo que sorprende»: exacto. De la mano de Savall, Le Concert des Nations hace resurgir toda la poesía,
toda la suave nostalgia que baña estas páginas, que parecen -no exagero- creaciones inéditas que se
escuchan por primera vez. Nuevo golpe maestro, en suma, del alquimista catalán. Y para el amante del
Barroco, disco de cabecera.
( 5 )
Jesús S. Villasol
FRANÇOIS COUPERIN: Conciertos reales, 1722 / Le Concert des Nations: Marc Hantaï (traverso), Alfredo Bernardini (oboe),
Manfredo Kraemer (violín), Josep Borràs (fagot), Bruno Cocset (bajo de violín), Xavier Díaz-Latorre (tiorba y guitarra), Guido Morini
(clave). Jordi Savall (bajo de viola y dirección) / ALIA VOX / Ref.: AV 9840 (1 CD) D2
También disponible:
TOBIAS HUME: Musicall Humors (London, 1605) / Jordi Savall, viola da gamba BATAK NORMAN, London 1697 / ALIA VOX / Ref.:
AV 9837 (1 CD) D2
Daltrocanto y Dario Tabbia presentan en STRADIVARIUS un excelente monográfico de Francesco Cellavenia (¿?-1567)
Rescatando nombres
Aprincipios del siglo XVI la pequeña ciudad piamontesa de Casale se había convertido en uno de los focos humanistas más
importantes de Italia. El mecenazgo de Paleólogos y Gonzagas había posibilitado la creación de un entorno cultural cosmopolita
y dinámico en el que la música tuvo un papel protagonista. La Catedral de San Evasio, primero, y algo
más tarde la colegiata de Santa Maria di Piazza iniciaron por entonces un lento proceso de transformación de
sus capillas musicales para adaptarlas a las necesidades del repertorio polifónico que se había terminado por
imponer en la liturgia de la Iglesia Católica.
No son muchos los datos documentales que nos permitan conocer la biografía y la obra de los primeros
magister capellae, cantores y ministriles que trabajaron en Casale antes del año 1600. Francesco Cellavenia
debió de ser uno los más notables si tenemos en cuenta la calidad de las obras que ahora nos presenta Dario
Tabbia en esta primera entrega de la colección Galleria Armonica del Piemonte. Tanto la misa Laetare nova
Sion, inspirada en el motete homónimo de Andreas de Silva (también grabado aquí) como el resto de
composiciones vocales incluidas nos ofrecen la imagen de un compositor dotado de una inspiración
excepcional a la hora de poner música a los textos sagrados. Resulta difícil describir con precisión la belleza
y la gran carga mística de esta música sublime, la grandeza de su composición, la elegancia de sus texturas y
la aparente simplicidad de sus formas. La excelente interpretación que nos ofrece Daltrocanto, un soberbio
conjunto de voces masculinas que hace algunos años ya nos deslumbró con un espectacular disco
monográfico sobre Il Codice di Staffarda, nos ofrece el canto sacro con toda su pureza conceptual trasladándonos al ambiente piadoso
y sereno en el que Cellavenia desarrolló su actividad musical.
Una ocasión única para acercarse a uno de los compositores más interesantes y menos conocidos de la primera mitad del siglo XVI.
De verdad, un disco excepcional.
FRANCESCO CELLAVENIA (siglo XVI): Missa Laetare nova Sion / Daltrocanto. Dir.: Dario Tabbia / STRADIVARIUS / Ref.: STR 33701 (1 CD) D2
F.P.C.G.

MDG y Mitzi Meyerson presnetan una
fundamental colección de clave barroco
Las musas de Fischer
AJohann Caspar Ferdinand Fischer
(1656-1746) se le suele recordar, más
que por el valor intrínseco de su arte,
por la capacidad de crear nuevas tendencias.
En su colección Journal du Printemps (1695)
establecía dentro del barroco instrumental
alemán un modelo de suite orquestal que
retomarían Bach y Telemann entre otros. En
Ariadna Musica (1702) ofrecía el más directo
antecedente del Clave bien temperado, al
reunir veinte parejas de preludios y fugas
escritos en otras tantas tonalidades. Pero los
méritos de Fischer no se limitan a abrir
puertas para los demás. Él mismo fue un
excelente compositor y un hábil
contrapuntista, como confirma la gran
admiración que le profesaba Bach (en el
segundo volumen del Clave bien temperado
el sujeto de la fuga en mi bemol mayor cita de
manera explícita un tema de Ariadna Musica).
Musicalischer Parnassus (1738) es una de
las mejores obras de Fischer y también una de
las más interesantes colecciones de la época
dedicadas al clave. En ella el compositor sigue
el dictado de las modas y simplifica su
escritura, al mismo tiempo que da rienda
suelta a su fantasía. La obra se compone de
nueve suites, cada una de las cuales recibe el
nombre de una de las Musas. Resulta difícil
discernir en estas músicas una
intencionalidad descriptiva; lo más probable
es que Fischer quisiera justificar así el inusual
número de nueve suites, en lugar de las seis
habituales. Tal como ocurre en Haendel, las
suites no tienen un esquema fijo. El número
de movimientos varía y con ello los tipos de
danza. Las más utilizadas son la allemande y
la gigue pero el compositor no se pone
límites. Bourrées, menuets, passapieds,
sarabandes, rigaudons, gavottes, rondeaux y
chaconnes: todo vale a la hora de azuzar la
inspiración. Los breves preludios iniciales -
escritos en un estilo improvisado, con la
excepción del de la Suite Calliope (que sigue
el modelo de la obertura francesa)- revelan
dotes de refinado armonizador.
Mitzi Meyerson ofrece una gran prueba de
alto virtuosismo y de sabia flexibilidad en los
tempi, tal como demuestra su electrizante
versión de la espectacular Passacaglia que
culmina la Suite Urania. El sonido del clave es
espléndido y la grabación lo capta de una
manera inmejorable. ¿Será Meyerson la
décima musa de Fischer?
Stefano Russomanno
JOHANN KASPAR FERDINAND FISCHER (1656-1746):
Las hijas de Zeus (Euterpe, Melpomene, Polymnia, Clio,
Erato, Calliope, Terpsichore, Thalia, Uranie) / Mitzi
Meyerson (clave) / MDG / Ref.: MDG 0977 (1 CD) D2
Una interesante propuesta especular entre el barroco italiano
y el francés en STRADIVARIUS
Tránsitos
Es cierto que el barroco, como se nos recuerda en el libreto
de este disco, fue un arte que hizo de la ilusión y del
reflejo formas privilegiadas de expresión, de
conocimiento de los aspectos más fugitivos del mundo, de su
irrealidad. Es por ello por lo que no debe sorprendernos su fascinación por cierto
objeto de funcionamiento tan preciso como engañoso: el espejo. Justamente Le Miroir
Recomposé, el espejo recompuesto, pretende restaurar las simetrías, pero también las
inversiones y variaciones, que se operarían durante décadas entre dos tipos de
imágenes sonoras, entre la música de la Italia y la Francia barrocas.
La Francia de tiempos de Luis XIV, amante del orden y el clasicismo, características
encarnadas por el clavecín, admiraba en realidad a los autores italianos por su audacia
e imaginación desbordante, por su sutil elocuencia lírica, simbolizada por la flauta
dulce. Contemplándose en el espejo que para ellos suponía ese país, poco a poco irían
introduciéndose en un nuevo temperamento musical, a la vez que los italianos no
dejarían de tomar buena nota de los aportes de sus colegas franceses. Se trata, pues,
de un viaje de ida y vuelta constantemente enriquecido por nuevas sonoridades,
instrumentaciones y armonías, inmejorablemente representado en esta grabación por
Lorenzo Cavasanti (flauta), Jorge Alberto Guerrero (violoncello) y Paola Erdas
(clavecín). A un lado del espejo se nos sitúa a los italianos Corelli, Vivaldi, Marcello,
Gallo y Colombi, y en el otro a los franceses Couperin, de la Barre, Rebel y Marais;
simultaneando sus composiciones se nos ofrece un panorama musical atravesado por
ecos, resonancias y giros en los que se reconoce un tránsito musical tan misterioso
como fértil. Y al mismo tiempo, el trayecto aquí emprendido puede entenderse a
manera de una anatomía de la melancolía (todas las piezas se desarrollan en
tonalidades menores), de esa tristeza por la fugacidad de las cosas del mundo tan
propiamente barroca.
( 6 )
Javier Palacio
EL ESPEJO RECOMPUESTO: Obras de Corelli, Couperin, Vivaldi, Marcello, de la Barre, Gallo, Rebel, Colombi,
Marais / L. Cavasanti, flautas, J.A. Guerrero, cello, P. Erdas, clave / STRADIVARIUS / Ref.: STR 33684 (1 CD) D2
Monográfico dedicado a la figura capital de Gottfried August Homilius
Deslumbrante colección coral
Cuenta el director Frieder Bernius en las notas del disco cómo, hasta el año 2000,
su conocimiento de Gottfried August Homilius se reducía al motete Vater Unser
y que el descubrimiento del resto de su producción de motetes lo deslumbró por
completo. Considerado la continuación natural de Bach,
Homilius, como algunos de los hijos de aquél, ha quedado
relegado a una tierra de nadie, transición entre el mundo
barroco y el romántico, pero sin pasar por el Clasicismo
vienés que inundó la segunda mitad del XVIII. La tradición
coral alemana, reivindicada con fuerza aquí, traza una
línea desde Bach hasta Mendelssohn, que continuará con
Brahms. Es una música densa, de solemnes homofonías
fortalecidas por una armonía compleja y eventuales
fugados que nos hacen mirar atrás.
Bernius ha hecho, al frente de su fabuloso Coro de
Cámara de Stuttgart, un extraordinario trabajo de empaste
y fraseo. Afinación y transparencia impecables. Será éste
un disco indispensable para cualquier aficionado al mejor mundo coral, sirviéndole
además para disfrutar del olvidado Homilius en esta monografía que tanto merecía el
autor sajón.
Caronte
GOTTFRIED AUGUST HOMILIUS (1714-1785): Motetes / Kammerchor Stuttgart. Dir.: Frieder Bernius / CARUS
/ Ref.: CARUS 83.210 (1 CD) D2
JOHN DOWLAND (1563-1626): A dream
(20 piezas para laúd) / Hopkinson Smith,
laúd de ocho órdenes / NAIVE / Ref.: E
8896 (1 CD) D1
J.S.BACH (1685-1750): Integral de
Cantatas, Vol. 26: BWV 96, 122 y 180 /
Nonoshita (soprano), Kenworthy-Brown
(contratenor), Sakurada (tenor), Kooij
(bajo) / Orquesta y Coro del Bach
Collegium Japan. Dir.: M. Suzuki / BIS /
Ref.: BIS 1401 (1 CD) D2

Cantatas y conciertos de J.P. Rameau en ALPHA
El Sr. Corchea llama a la puerta
Música orquestal, vocal y camerística de Telemann
en CARUS
Primicias telemannianas
Hermoso, equilibrado y variado es el repertorio de
este disco que el Balthasar-Neumann Ensemble
de Thomas Engelbrock dedica a la música de
Telemann: tres cantatas, dos cuartetos y una obertura
orquestal. Por añadidura, es en sus dos tercios inédito en
disco, lo que supone
un no pequeño
aliciente para el
melómano. Comenzando
por las
novedades, diremos
que la obertura -la
forma orquestal en
que más brilló su
genio- forma parte de
los trabajos del compositor
para Darmstadt
y, además de
revelar el profundo
conocimiento que de
la música francesa
poseía, muestra también sus inconfundibles pinceladas
irónico-humorísticas, tiñendo de aires militares o
espantando con una tormenta la plácida y elegante vida
cortesana. Las cantatas (una para soprano, otra para
tenor y la tercera, para ambos) constituyen magníficos
ejemplos del mejor Telemann vocal, ése que confundía
a los eruditos decimonónicos, haciéndoles atribuir sus
obras al dios de Leipzig. Finalmente, los dos cuartetos
(las únicas obras previamente grabadas), en los que la
flauta dulce ocupa lugar destacado, son dos consumadas
muestras de su quehacer camerístico y están entre lo
mejor que en el género se escribió en el siglo XVIII. Si
añadimos la bellísima voz, elegancia y musicalidad de la
soprano Dorothee Mields, excelentemente acompañada
por el tenor Benoît Haller; el nervio de la orquesta, que
demuestra una vez más por qué lleva años entre las
punteras de la interpretación historicista; y, finalmente,
el virtuosismo y expresividad del flautista Han Tol,
tendremos un disco soberbio que hará las delicias de
cualquier melómano.
M.A.R.
G.PH.TELEMANN (1681-1767): Perpetuum mobile · Cantatas & Música
de cámara / Dorothee Mields, soprano, Benoît Haller, tenor, Han Tol,
flauta dulce & dirección. Balthasar-Neumann-Ensemble / CARUS / Ref.:
CARUS 83.165 (1 CD) D2
Claudio Astronio graba para STRADIVARIUS el maravilloso oratorio San
Giovanni Battista, de Alessandro Stradella
El Purcell italiano
Alessandro Stradella protagoniza uno de los capítulos indispensables
en la evolución del oratorio italiano en el barroco medio. Escuchar
hoy obras tan hermosas como este San Giovanni Battista (su
creación más famosa) supone, entre otros
alicientes, descubrir a un melodista de
primera. Stradella fue además explorador de
muchos principios compositivos, como los
bajos en ostinato tipo chacona (en el estilo
de Purcell) o la presentación de la orquesta
en dos partes, a la manera del concerto
grosso, de gran repercusión posterior, como
Arcangelo Corelli bien se encargaría más
tarde de atestiguar.
La aproximación del clavecinista Claudio
Astronio, al frente del conjunto Harmonices
Mundi, colma con creces las más exigentes
expectativas: bellas voces solistas, fabulosa
dramatización del texto y una orquesta de nivel sobresaliente con un
abundante y colorista bajo continuo, que, como las mejores alfombras,
ayuda a caminar a la música a sus anchas. Especialmente destacable es el
trabajo del protagonista Roberto Balconi y el Herodes de Fulvio Bettini.
( 7 )
α
Aunque no constituyen sino un reducido apartado en el conjunto de su producción (seis
entradas, recientemente aumentadas con una más), Rameau tenía en mucho sus cantatas de
cámara por haber marcado decisivamente su camino hacia la ópera. ALPHA propone en este
hermoso disco dos de ellas: Thétis y Le berger fidèle. La primera describe la pugna entre Neptuno y
Júpiter por conseguir los favores la bella Tetis... para cosechar unas hermosas calabazas. Datable
entre 1715 y 1720, el propio compositor se ufanaba en una célebre carta escrita a Houdar de La
Motte mendigándole algún libreto (y que obtuvo la misma respuesta que los dioses de la ninfa) de
cómo había logrado retratar musicalmente los contrastados caracteres de los protagonistas. Le berger
fidèle, más tardía, narra la recurrente historia del pastor Mirtilo, dispuesto a dejarse inmolar en el altar
de Diana sustituyendo a su amada Amarilis. Es la más acabada de todas las cantatas de Rameau y destaca en ella, por encima de todo, su
primera y doliente aria, en la que se aprecia ya el equilibrio formal y poético de las arias elegíacas que le harán famoso.
Escucharlas en las voces frescas y expresivas del bajo Alain Buet (la primera) y la soprano Karine Deshayes (la segunda), magníficamente
sostenidos por sus compañeros instrumentistas de Les Musiciens de Monsieur Croche equivale a redescubrir estas obras: no en vano el
grupo ha elegido un nombre que alude al gran padre de la recuperación rameaunista. Los últimos, por su parte, ofrecen tres de los cinco
conciertos de las Pièces de clavecin. No queda ya ninguna duda: los jóvenes del Señor Corchea exigen ser tenidos en cuenta entre los
grupos especializados en la interpretación historicista.
Mariano Acero Ruilópez
JEAN-PHILIPPE RAMEAU (1683-1764): Le Berger Fidèle, Thétis & pièces en concerts / Karine Deshayes, soprano. Alain Buet, bajo. Benjamin Lazar, recitador. Les Musiciens de
Monsieur Croche / ALPHA / Ref.: ALPHA 067 (1 CD) D2
Caronte
ALESSANDRO STRADELLA: San Giovanni Battista (Oratorio, 1688) / Balconi, Pozzer, Vaccari,
Sakurada, Bettini. Ensemble Vocale Musicassieme, Orchestra Harmonices Mundi. Dir.: Claudio
Astronio / STRADIVARIUS / Ref.: STR 33626 (1 CD) D2
GOTTFRIED FRIEDRICH HOMILIUS (1714-1785):
Kantaten für die Dresdner Frauenkirche / Vasiljka Jezovsek,
Soprano. Anne Buter, Alto. Hubert Nettinger, Tenor.
Christian Hilz, Bajo. Dresdner Kreuzchor. Dresdner
Barockorchester. Dir.: Roderich Kreile / CARUS / Ref.:
CARUS 83.183 (1 CD) D2
C.P.E. BACH (1714-1788): Concerti / Kristin von der
Goltz, violoncello. Ann Kathrin Brüggemann, oboe.
Michael Behringer, cembalo. Christine
Schornsheim, pianoforte. Freiburger
Barockorchester. Gottfried von der Goltz, violín &
dirección / CARUS / Ref.: CARUS 83.305 (1 CD) D2

Dan Laurin y London Baroque recrean la magia barroca napolitana
Una flauta en Nápoles
Si bien en el terreno operístico la influencia del Barroco napolitano fue valorada
desde antiguo, sus contribuciones a la música instrumental sólo muy recientemente
han conocido el aprecio de intérpretes y aficionados. Por suerte disponemos ya de
algunos buenos discos que nos han acercado a esta música que combina una
extraordinaria riqueza melódica con no pocas audacias armónicas y rítmicas. Entre ellos
debemos de contar ya con este que ofrece ahora el sello BIS y nos acerca la colaboración
entre el flautista sueco Dan Laurin y el veterano conjunto británico London Baroque.
Laurin interpreta cinco sonatas de Mancini, Sarri, Alessandro Scarlatti y Barbella que
figuran en un manuscrito que, datado hacia 1725 y conservado en una biblioteca napolitana, incluye 24 obras escritas para flauta dulce
y cuerdas que reciben el nombre de conciertos (y así han ido siendo editadas hasta hoy). La música es elegante, imaginativa, muy teatral,
con un instrumento solista magníficamente integrado en el conjunto, y así nos llega en unas interpretaciones frescas y ágiles, de impoluta
afinación y estupendo equilibrio tímbrico. London Baroque completa el CD tocando en solitario con sonido intenso y punzante una fuga
de Corelli, una de las sonatas de Domenico Gallo que, atribuida durante mucho tiempo a Pergolesi, fue empleada por Stravinski en su
Pulcinella y una sonata de John Ravenscroft, compositor británico que estudió en Roma con Corelli.
( 8 )
Pablo J. Vayón
STRAVAGANZE NAPOLITANE: Obras de Corelli, Mancini, Sarri, D.Scarlatti, Barbella, Gallo & Ravenscroft / Dan Laurin, flauta dulce. London Baroque / BIS / Ref.: BIS 1395 (1
CD) D2
Extraordinario monográfico Marais por Lorenz Duftschmidt
en CPO
Psicología de la viola
La generosa producción para viola de
Marin Marais (más de 500 piezas
repartidas en cinco libros) va
evolucionando desde la música concebida
casi de forma exclusiva para la danza hacia las
piezas de carácter, que, a menudo
enmascarando aires danzables, se mueven
entre el más directo y sencillo pintoresquismo descriptivo y el apunte
psicológico, evocador, sofisticado, misterioso. Aunque ya en los libros
segundo (1701) y tercero (1711) pueden encontrarse títulos que
apuntan a esta tendencia será en el cuarto (1717) cuando el cambio se
haga más evidente y las piezas de carácter superen en número a las
tituladas con nombres de danza.
Lorenz Duftschmid centra este disco
en las piezas de carácter, aunque
incluye también un movimiento de
danza, Les Folies d’Espagne, una de
las obras más conocidas del
compositor, aparecida en el libro
segundo, que se publicó sólo un año
después de que Corelli incluyera en
sus Sonatas Op.V las más famosas
variaciones escritas nunca sobre esta
célebre danza de oscuro origen
ibérico. También al segundo libro
pertenece Les voix humaines, una
pieza de exquisito refinamiento, que
presenta, como en un abanico, todas las posibilidades sonoras al
alcance de la viola. El resto del disco es una selección de la segunda
parte del libro cuarto, que Marais tituló Suite dans un goût étranger,
selección que incluye algunos otros momentos bien conocidos por los
aficionados, como la Festa Champetre, La Reveuse o el enigmático
Labyrinthe.
La interpretación es extraordinaria. Desde una ensoñadora y
dulcísima Reveuse a una sugerente, embaucadora Badinage y unas
atrevidas Muzettes, en las que la voz de la viola se transmuta en la de
los instrumentos campesinos, desde un frenético, incontenible
Tourbillon a un Labyrinthe contrastado con precisión de orfebre y unas
Folías contagiosas en su vibrante jovialidad, un magnífico Lorenz
Duftschmid y sus dos jóvenes pero experimentados acompañantes dan
muestras de un conocimiento profundo del estilo y de una honda y
sensible musicalidad. Una hora del mejor Marais en interpretaciones
que están a la altura de las grandes.
P.J.V.
MARIN MARAIS (1656-1728): Pièces de Caractère ( Suite dans un gout etrange, 1717; Les
voix humaines, 1701; Les Folies d’Espagne, 1701) / L. Duftschmid, viola da gamba; Th.
Boysen, tiorba & guitarra; J. Haemmerle, clave / CPO / ref.: 777007-2 (1 CD) D5
Primicia mundial de la Messa per il Ss.mo Natale
de Alessandro Scarlatti, en STRADIVARIUS
Esplendor palermitano en Roma
Entre diciembre de 1707 y febrero de 1709 Alessandro
Scarlatti sirvió como maestro de capilla en Santa María
la Mayor de Roma. De la abundante producción
musical sacra y profana
que compuso en
aquellos 14 meses de
magisterio sobresale una
Messa per il Ss.mo
Natale recientemente
descubierta por Eleonora
Simi Bonini en los
archivos de la basílica
romana. Se trata de una
gran misa polifónica
escrita en el severo
estilo alla Palestrina para
dos coros a nueve
voces, dos violines y
órgano cuya primera
interpretación tuvo lugar el día de Navidad de 1707 y
probablemente sirvió como tarjeta de presentación del
músico palermitano en los círculos artísticos y musicales
de la estricta corte pontificia.
La versión que nos ofrece de esta magnífica
composición Nichele Gasbarro intenta reconstruir también
el contexto litúrgico original. Para ello se han grabado las
diferentes secciones del ordinario (faltan en la partitura la
segunda sección del Sanctus y el Dona nobis pacem del
Agnus Dei, que han sido sustituidos por el canto llano) y
varias composiciones navideñas entre las que destacan un
motete a 4 voces, hasta ahora también inédito, Beata
Mater del propio Scarlatti, y las soberbias obras para
órgano de Bernardo Pasquini.
Gasbarro, acompañado por el Ensemble Vocale Festina
Lente, la Schola Gregoriana y la orquesta de instrumentos
originales I Musici di Santa Pelagia abunda en el aire
festivo de esta música excepcional y recrea con exactitud
milimétrica la solemnidad y la pompa de la liturgia
católica barroca en todo su esplendor. Los resultados de
este meticuloso trabajo de reconstrucción musicológica,
créanme, son deslumbrantes.
F.P.C.G.
ALESSANDRO SCARLATTI (1660-1725): Messa per il SS.mo Natale per uso
della Basilica di S. Maria Maggiore / Festina Lente, I Musici di Santa Pelagia.
Dir.: Michele Gasbarro / STRADIVARIUS / Ref.: STR 33646 (1 CD) D2

Christian Lindberg, director, compositor y solista en dos nuevos CDS de BIS
The Man with the Golden Trombone
S
i ya conocíamos al carismático, polifacético e irreverente
Christian Lindberg en su faceta como trombonista a través de
unos casi treinta CDS que han hecho época, y han
revalorizado un instrumento generalmente marginado de los
grandes conciertos, encargando el mismo Lindberg la composición
de destacadas piezas para dicho instrumento a los compositores
más fulgurantes del mundo nórdico, ahora llega el momento de
«juzgarle» como director. Pero el hecho de que tres diferentes
orquestas le hayan escogido como titular en el año 2004, ya nos da
idea de cuál es su calidad profesional en este nuevo campo, y más
cuando la Swedish Wind Ensemble, la England Northern Sinfonía
y la Nordic Chamber Orchestra son formaciones eminentemente
integradas por instrumentistas de viento y percusión. Por supuesto,
la percepción y sensibilidad de Lindberg al dirigir estas piezas o
transcripciones es única. La versión de la adaptación para banda
de la suite del ballet El Rey de la Montaña, de Alfven, es
sencillamente modélica. Pocas veces hemos escuchado unas
Integrales de Varese tan medidas al milímetro, ponderando sonido
espectacular y raciocinio de la ejecución. Tanto estas dos piezas,
como el turbador Preludio y Danza del joven compositor Larsson
Gothe, debían ser un ejemplo para nuestras formaciones de viento,
nuestras queridísimas bandas, que nos deleitan una y otra vez con
desafinados preludios de zarzuela y apocalípticas sardanas,
ejemplo de cómo este tipo de repertorio no es en absoluto
incompatible con la experimentación, la modernidad y el buen
gusto.
Culmina el CD con el descacharrante Concierto para Viento y
Percusión de Lindberg. Como siempre en las obras compuestas por
él mismo, el sentido del humor y el puro divertimento , el
eclecticismo de las melodías que tanto pueden introducir danzas
orientales, jazz, minimalismo y efectos especiales de música
concreta, se manifiestan junto a una demanda técnica al intérprete
solista, que quizá sólo el propio Lindberg consiga dominar.
Cambiando completamente de calibre, en el esperado álbum
Classical Trombone Concertos, Lindberg ejecuta con máxima
perfección cuatro olvidados conciertos de finales del siglo XVIII.
Los cuatro reúnen tantas dificultades de ejecución para el
M. E. Guzmán y L. Orden presentan un recital de obras para flauta y guitarra
Europa y las Américas
Entre los dos puntales del repertorio para flauta y guitarra del siglo XX que son
la Sonatina de Mario Castelnuovo-Tedesco y la Historia del tango de Astor
Piazzolla, el dúo formado por María Esther Guzmán y Luis Orden edifica un
programa sólido de músicas originales para el matrimonio de dos instrumentos
que en los siglos XVIII y XIX caracterizaron
musicalmente dos extremos de Occidente: la guitarra
española y la flauta travesera alemana. Como tantas
cosas, estos instrumentos se maridaron en metrópolis
como Viena y París y se han seguido encontrando
siempre allá donde el cosmopolitismo arraiga, dando
lugar a expresiones tan distintas como el neoclasicismo
puro de Castelnuovo-Tedesco o el radicalismo urbanita
de Piazzolla. El viaje por el espacio que propone este
programa es también alucinante: desde una Italia de
mármoles blancos, por los rumores de un Lejano Oeste
donde lo natural y lo colonizado se hacen canción folk
en las ocho piezas de las Mountain Songs de Robert
Beaser, llegamos al fuego de la genial historia urbana y suburbana del tango
porteño de Piazzolla, llevado al colmo del eclecticismo en el Tango catalá de
Joan Albert Amargós.
En la interpretación de María Esther Guzmán y Luis Orden hay complicidad
y estilo con lecturas limpias, equilibradas y expresivas, en las que se puede sentir
el desenfado y la diversión de unas músicas ingeniosas que usan con particular
sensibilidad el diálogo y los recursos individuales de los dos instrumentos. Hay,
además, compromiso con la creación contemporánea y de ahí resulta una obra
de Eduardo Morales dedicada al dúo Guzmán-Orden. En honor a su tierra
cubana, la Introducción y toccata de Morales luce reminiscencias del Canticum
de Leo Brouwer, occidentalizado, menos africano, pero con esa intuición precisa
para la narración musical del drama, expresivo y brillante, de una música muy
efectiva y muy bien hecha. Cuatro minutos que se vuelan en un suspiro.
Javier Suárez-Pajares
MARÍA ESTHER GUZMÁN & LUIS ORDEN: Obras para flauta y guitarra de M. CASTELNUOVO-
TEDESCO, R.BEASER, E.MORALES CASO, J.A.AMARGÓS y A.PIAZZOLLA / María Esther Guzmán
(guitarra), Luís Orden (flauta) / LINDORO / Ref.: OP-0818 (1 CD) D2
( 9 )
intérprete protagonista, y exigen tal
flexibilidad y agilidad, que siempre se
había dado por supuesto que iban
destinados a una trompa francesa, pero
recientes investigaciones descubren la
figura de otro genio del trombón, del
que Lindberg podría ser su reencarnación. Se trata del austriaco
Thomas Gschladt, mítico intérprete del trombón alto dotado de tal
virtuosismo que compositores que en un principio recelaban del
protagonismo de este instrumento acabaron componiendo para el
mismo, y haciéndose amigos del singular personaje. Y así, de
Michael Haydn podemos escuchar su Concierto en Re, que en
realidad se trata de tres movimientos extraídos de un Divertimento
para diversos instrumentos y orquesta. También el elegante
Concierto del papá de Mozart lo integran tres movimientos sacados
de una larguísima Serenata.
Un halo de misterio rodea los orígenes temporales y las
verdaderas autorías de los Conciertos de Wagenseil y
Albrechtsberger, pero ello no los hace menos dignos de deleite. La
combinación de estas bellísimas piezas, la sutilidad de Lindberg, y
el efervescente acompañamiento de la Australian Chamber
Orchestra hilvanan un CD memorable, que dará mucho que
hablar.
Thomas Gschladt murió en 1806 en la más total de las miserias,
reclamando incansablemente una pensión de vejez al alcalde de
su pueblo.
Mel Smith-Window
CHRISTIAN LINDBERG DIRIGE: Obras de ALFVÉN: Suite de»Bergakungen» - «El Rey
de la Montaña»-; Obertura Festiva, Op.26, VARÈSE: Intégrales, GOTHE: Prelude and
Dance & LINDBERG: Concerto para Vientos y Percusión / Swedish Wind Ensemble.
Dir.: Christian Lindberg / BIS / Ref.: BIS 1268 (1 CD) D2
CONCIERTOS CLASICISTAS PARA TROMBON: Michael HAYDN: Concierto en re
para trombón; G.Ch. WAGENSEIL: Concierto en mi bemol para trombón alto; J.G.
ALBRECHTSBERGER: Concierto en si bemol para trombón alto: Leopold MOZART:
Concierto en re para trombón / Christian Lindberg, trombón. Australian Chamber
Orchestra. Dir.: Richard Tognetti / BIS / Ref.: BIS 1248 (1 CD) D2
BONGIOVANNI recupera las Vísperas
de Giovanni Simone Mayr
Una lección del maestro
Giovanni Simone Mayr suele
recordarse por su discípulo
Gaetano Donizetti, acaso
olvidando que no hay alumno
destacado sin un buen profesor. De
su catálogo son accesibles algunas
óperas pero su obra litúrgica sigue
siendo una rareza discográfica.
En 1802, Mayr fue designado
maestro de capilla en la
bergamasca iglesia de Santa María la Mayor, para la
cual compuso estas Vísperas. Doscientos años más
tarde volvieron a resonar en sus naves y la toma data
de esta exhumación. Previamente, la serie de 17
números hubo de ser reconstruida, porque las partes
estaban dispersas, seguramente porque se las
acostumbraba tocar aisladamente.
Estamos ante una obra de sólida construcción y
sabia escritura. La liturgia del siglo XVIII, henchida de
entusiasmo ante la creación divina, se muestra
jocunda y enérgica. Las masas corales están servidas
con rica polifonía, en tanto la orquesta, sin perder la
discreción que impone el templo, exhibe su elegante
colorido. No faltan momentos de lucimiento
operístico para las voces. Desde luego, Donizetti tuvo
de quién aprender.
Blas Matamoro
JOHANNES SIMON MAYR (1763-1845): Vespri per il Corpus
Domini - 1802 / Silvia Bossa, Gianluca Belfiori Doro, Alessandro
Codeluppi, Vito Priante, Cono Nuova Polifonica Ambrosiana,
Orchestra da Camera Milano Classica. Dir.: Pieralberto Cattaneo /
BONGIOVANNI / Ref.: GB 2371-2 (1 CD) D2

DYNAMIC presenta una extraordinaria puesta en escena de Pizzi de Los Pescadores de perlas de Bizet
Pescadores venecianos
En el Teatro Malibrán, antes Teatro San Giovanni Crisóstomo, recaló en ocasiones la compañía de La Fenice
mientras se volvía a reconstruir su edificio destrozado por el incendio, como es el caso de unos Pescadores
de perlas bizetianos que ahora DYNAMIC nos trae en disco. Sergio Segalini, el director artístico, consecuente
con sus principios, propone la edición original de la ópera de 1863, como años atrás había ya planteado la EMI
en sus dos grabaciones dirigidas por Georges Prêtre (1977) y Michel Plasson (1989). Esta elección, con respecto
a la partitura tradicionalmente cantada, afecta principalmente a dos momentos: el dúo Nadir-Zurga (que no se
concluye retomando el tema principal sino con una cabaletta italianizante, algo vulgar) y, especialmente, al dúo
Leila-Zurga, además de algún que otro detallito como el final del aria del tenor que no acaba con la esperada
nota aguda. Sin embargo, como en las grabaciones anteriormente citadas, se incluye el terceto O lumière sainte
de Leila-Nadir-Zurga, un añadido debido a la mano de Benjamin Godard, el autor de la bonita opereta Jocelyn.
La versión, dirigida magistralmente por Marcello Viotti (el director musical de La Fenice), se favorece de una importante interpretación,
donde Annick Massis se revela como una de las más importantes Leilas que el disco ha ofrecido desde Mattiwilda Dobbs a Alessandra
Ruffini o Barbara Hendricks. Esa lista discográfica ha sido más sustanciosa con respecto a Nadir (Alfredo Kraus, Léopold Simoneau, Alain
Vanzo, Nicolai Gedda), poniéndoselo bastante difícil a un Yasu Nakajima de bonitos medios y provechosa entrega, aunque algo
monocorde de acentos. Luca Grassi, un joven barítono lírico (el que pide en realidad el papel) ya ha destacado en sus repetidas actuaciones
en Martina Franca (Werther en versión baritonal o el Roland de Piccinni, por citar solamente dos), añadiendo con Zurga un nuevo y
valorable capítulo profesional a su currículum. Valga como muestra su espléndida interpretación del aria. Luigi de Donato es un bajo,
también de material muy lírico, que se acopla sin problemas a sus tres compañeros que se benefician con partes mucho más favorables.
La representación cuenta con una aplaudida puesta escénica de un afecto al teatro, Pier Luigi Pizzi, por lo que la misma DYNAMIC se
animó a proponerla paralelamente en DVD, como ha hecho ya con Thaïs, de similares orígenes y con los mismos responsables musical y
escénico. Pizzi juega como es su costumbre y como le puede dictar su pictórica mirada, con el color, la luz, la línea, el movimiento y la
danza en un montaje sencillo pero elegante, sugestivo de climas y ambientación, resolviendo de manera sutil un problema práctico que
puede ser común a muchos directores de escena: solventar sobre todo en el momento central de la partitura, el dúo entre ambos, la
diferencia de estatura de soprano (alta y robusta pero esbelta) y el tenor (bajito y rellenito). Es decir, que Pizzi se las sabe todas. En fin, una
lectura notable de una obra, digamos secundaria de Bizet, algo kitsch pero con una inspiración por momentos endiabladamente hermosa.
ANDANTE pone frente a frente las dos grandes versiones históricas -Karajan y Toscaninide
la última ópera de Verdi
Falstaff entre dos batutas
Arturo Toscanini tenía 26 años cuando Verdi dio a
conocer Falstaff en la Scala y ya era un director
de orquesta de cierto prestigio. Tuvo
oportunidad por ello de dar a conocer esta última
partitura verdiana en diversos escenarios italianos
de nivel. Cuando la grabó en 1950 su relación con
la obra era de una experiencia y madurez
impresionantes. Entretanto había sido protagonista
de unas formidables representaciones en el Festival
de Salzburgo de 1937 que marcaron un hito en la
historia del veraniego acontecimiento musical.
Herbert von Karajan, nacido precisamente en
Salzburgo, fue en 1957 nombrado director artístico
de su festival, eligiendo Falstaff como uno de los
primeros títulos a representar, algunos meses
después de haberla grabado para EMI con un
reparto casi idéntico, pues de los cantantes principales sólo cambia
Quickly (Simionato en escena, Barbieri en estudio), además de
Pistola (Petri-Zaccaria, respectivamente) y Meg (Canali-Merriman,
ídem). Después de pasar por diversos sellos discográficos (Hunt,
GDS, Grammofono 2000, etc.) estas dos ediciones en vivo vienen
acopladas por ANDANTE en un mismo álbum, presentado con el
lujo y la profusión detallística a las que nos tiene acostumbrados.
Son dos maneras de entender a Verdi y a su última ópera, las dos
válidas visiones, personalísimas, dotadas de una deslumbrante
narración sonora y dramática. Toscanini, incisivo y penetrante,
nitidísimo, dialoga con las voces en un coloquio francamente
perfecto en fusión y facundia. Karajan ofrece un gran colorido
orquestal, un ritmo casi frenético y una variedad de matices que
permite además, como en el caso de su predecesor, seguir el
desarrollo de la comedia prescindiendo casi de la presencia de las
voces. Dos lecturas, dos versiones, que ejemplarizan de nuevo que
el arte no es medible como por ejemplo el deporte, donde puede
haber un vencedor único. Aquí tanto monta Toscanini como
Karajan, cada uno acorde con su personalidad, principios e
intenciones que son la de transmitir sobre todo clara, directa,
disfrutable y genuinamente la inspiración del genio verdiano. ¿El
reparto? En ambos casos se consigue el imprescindible equilibrio
( 10 )
Fernando Fraga
GEORGES BIZET (1838-1875): Les pêcheurs de perles (versíon íntegra) / Massis, Nakajima, Grassi, De Donato, Orquesta y Coro del Teatro La Fenice. Dir.: Marcello Viotti /
DYNAMIC / Ref.: CDS 33459 (1 DVD, subtítulos en inglés, alemán, francés, italiano y español, DD, PCM 2.0) D2 x 2
de todas los elementos en juego, cada uno bien
perfilado en su caracterización musical y dramática,
atentos al clima y a las ideas impuestas por la batuta, potenciado
por el hecho de que en los dos casos se trata de
tomas hechas sobre un escenario, en directo y ante
el calor del público. Difícil es elegir entre el
protagonismo de Stabile y Gobbi, dos barítonos que
comparten unos medios no demasiado atractivos
pero que están manejados por dos artistas
excepcionales, fraseadores de desbordante fantasía
en una obra plena de este tipo de posibilidades.
Panerai, que hizo de Ford uno de sus imbatibles
caballos de batalla antes de enfrentarse maduro al
rol titular, no está mucho mejor que el generoso
Pietro Biasini, uno de los grandes Yagos (legado
además en disco al lado de Renato Gigli) y Scarpias
que por la época pasaron por la Scala. Schwarzkopf, en su mejor
papel italiano, el de Alice Ford, aporta refinamiento y decoro frente
a la calidez y latinidad de una agradable y sensata Franca Somigli.
Entre la Nannetta de Augusta Oltrabella y la de Anna Moffo se hace
difícil la elección, estando ambas tan oportunas como
encantadoras. Más fácil se pone el asunto en el caso de Fenton: la
belleza de medios y el canto refinado de Dino Borgioli se impone
sobre el de Luigi Alva, asimismo un intérprete muy respetable de
un papel con el que triunfó en todo el mundo, incluido Madrid allá
por 1970. Entre la rotunda Quickly de Angelica Cravcenco y la
suntuosa de la Simionato ganaría la segunda por su colorido más
«simpático» y familiar. En los restantes elementos del equipo se
hace aún más problemática la distinción, resultando todos creíbles,
entregados, atentos y voluntariosos. No es de extrañar tratándose
algunos de profesionales de la categoría de Giuseppe Nessi
(Bardolfo), Virgilio Lazzari (Pistola), con Toscanini, y Anna Maria
Canali (Meg), con Karajan.
F.F.
GIUSEPPE VERDI (1813-1901): Falstaff / Stabile, Biasini, Borgioli, Tedeschi. Dir.:
Arturo Toscanini; Gobbi, Panerai, Alva, Spataro, Schwarzkopf, Moffo, Simionato, Coro
de la Ópera de Viena, Filarmónica de Viena. Dir.: Herbert von Karajan (grabaciones
del Festival de Salzburgo de 1937 y 1957) / ANDANTE / Ref.: AN 3080 (4 CD + 1
Libro) D53 / P.V.P.: 55,17 euros.-

Alfredo Kraus, en el tramo final de su gloriosa carrera, a través de un maravilloso DVD
que reproduce un recital desde Las Palmas, su ciudad natal
Consagración de un arte
Siempre se destacó, y con razón, de Alfredo Kraus su
longevidad vocal, el mantenimiento durante muchos años de
las constantes que hicieron de su canto un modelo a seguir,
una rara avis en tiempos en los que el postverismo arrasaba y en los
que el uso de las reglas clásicas del bien decir, bien ligar y bien
regular habían pasado a mejor vida. Esa longevidad era fruto del
servicio a un arte auténtico y al mantenimiento de un repertorio
muy estricto, en todo instante acorde con una impoluta voz de tenor
lírico-ligero. Esa voz aún conservaba gran parte de su entereza, de
su temple y de su tersura en el concierto del Teatro Pérez Galdós de
Las Palmas, realizado en 1995 con motivo del 150 aniversario de la
Sociedad Filarmónica de Gran Canaria, que es el que se recoge en
el presente DVD. En ningún momento se nos dice la fecha concreta
del acontecimiento. Debía de ser en verano: se ven muchos
abanicos entre el público, abunda la manga corta y algunos músicos
sudan la gota gorda; sobre todo el esforzado, entusiasta y movedizo
José Collado, que es el director que gobierna, con gesto amplio y
nervioso, pero con acertado criterio musical a la Filarmónica de
Gran Canaria y a la Coral dirigida por Olga Santana (en Los cuentos
de Hoffmann), de los que no se dice nada en el folleto de
presentación.
Bien apoyado por la batuta -que firma, por cierto, una excelente
versión de la obertura de Oberon de Weber-, Kraus está en su salsa:
en su tierra, ante sus paisanos -que fueron testigos de sus dos
últimos conciertos, en 1998-, desahogado, tranquilo y sereno,
aunque con momentos emocionales de alto voltaje, siempre sin
perder el norte del canto bien hecho, como son los que pueblan
algunos pentagramas de Pourquoi me réveiller de Werther, en
donde el tenor se transmutaba hasta alcanzar las cotas más altas de
un incendiado postromanticismo, que culmina en ese prodigioso y
aquí todavía ancho y timbrado, pleno de refulgente metal, si bemol
agudo y en su posterior cierre en pianísimo al final de la primera
parte y la vibración absoluta de la voz plena en la conclusión (tras
la cual hay un defecto en la toma sonora: da la impresión de que los
aplausos no enlazan naturalmente con el término de la música). O
como los que adornan los pentagramas postreros del Lamento de
Federico de La arlesiana de Cilea, con ese bien preparado ascenso
al si natural no escrito y ese estudiado golpe de glotis en la
exclamación con la que se remata el aria.
Exquisitez a raudales en la exposición de Tombe degli avi miei
de Lucia di Lammermoor, una página en la que el cantante canario
desplegaba las armas del más refinado neobelcantismo, con frases
largas, medidas, planificadas con cuidado, con un fraseo amplio,
cincelado, con discreto empleo de las apoyaturas y con esa
( 11 )
escalada a un brillante si natural (la
pieza está cantada a tono, por
supuesto). Cierto es que el timbre, a
los 68 años, ya no poseía la frescura
de otro tiempo, pero la sonoridad
madura, el control del aliento, la
sabiduría de la línea ahí estaban, aún
acrecidas. Lo que comprobamos
asimismo en ese exultante Ah! lèvetoi,
soleil!, cantado asimismo a tono,
con tres escalofriantes si naturales
agudos. Hasta el do sobreagudo se
eleva Kraus, en nota añadida, no prevista por Offenbach, poco antes
del cierre de la Canción de Kleinzach de Los cuentos de Hoffmann,
que es traducida con mucha intención y gracejo y en la que el tenor
es apoyado adecuadamente por la Coral y por la en este punto
incisiva batuta de Collado.
En la escena de San Sulpicio de Manon de Massenet
encontramos al intérprete romántico, al elegante fraseador y al
dominador de la materia vocal. Resulta ejemplar el ascenso a la
zona alta en esa sentida y contundente exclamación Ah! Fuyez,
fuyez douce image! y el inmediato recogimiento en dulcísima
media voz, con la que concluye el aria. Dos bises, muy habituales
en Kraus, lo mismo que el resto del programa: la jota de El trust de
los tenorios y La donna è mobile, expuesta muy lentamente, con las
estrofas ligadas sin respirar y una pausada fermata, en la que se
distinguen todas las notas, cerrada con un robusto si natural; que,
como era de esperar, levanta los entusiasmos del respetable.
La realización del DVD, que comercializa DYNAMIC, es de
Televisión Española y viene firmada por Ángel Luis Ramírez, que
hace una buena y detallista labor, propia de un músico conocedor,
con atención a ataques, frases de solistas, rostros, contrastes bien
estudiados. Hay muchas cámaras y están excelentemente
manejadas; puede que, en alguna ocasión, con demasiados y
constantes cambios de plano. Pero de este modo no hay duda de
que el acontecimiento, que tiene evidentemente mucho de
humano, penetra de forma más adecuada y cálida en nuestra
sensibilidad. La calidad de la imagen y del color no parecen de lo
mejor. La toma de sonido es digna.
Papageno
ALFREDO KRAUS: En vivo desde Las Palmas 1995; Arias de: Donizetti, Verdi, Cilea,
Offenbach, Gounod, Massenet, Serrano / Orquesta Filarmónica de Gran Canaria. Dir.:
José Collado (Teatro Pérez Galdós de Las Palmas de Gran Canaria) / DYNAMIC / Ref.:
CDS 33471 (1 DVD) D2 x 2 [-15% precio especial de lanzamiento]
ORFEO publica fragmentos de dos representaciones históricas de la ópera de Strauss
Elektra en Renania
Este sorprendente compacto nos muestra fragmentos pertenecientes a dos representaciones de Elektra en la
Deutsche Oper am Rhein, un teatro que tal vez no figure en los primeros lugares dentro de la lista de los grandes
teatros alemanes pero que ha mantenido siempre un envidiable nivel, como prueba el hecho de que todos los
cantantes aquí reunidos pertenecían a su elenco estable y eran al mismo tiempo habituales de la Staatsoper de
Viena. Este alto nivel se debió también a la excelente labor de Arnold Quennet, director musical del teatro durante
36 años, de 1951 a 1987. Aunque su nombre pueda no decirnos mucho, llegó a actuar en la Scala de Milán o en
la citada Staatsoper, y fue tenido en gran estima por todo un Karl Böhm. Su dominio de la brutal partitura, al frente de una orquesta
magnífica, está a la altura de los más grandes en esta obra.
La compañía tiene la peculiaridad de dividir sus representaciones en los teatros de dos ciudades cercanas, Düsseldorf y Duisburg. Las
escenas reunidas en este disco fueron registradas en la primera de ellas en 1964. La volcánica Astrid Varnay está, como de costumbre,
inmensa, con esa voz sólida como una roca que abre todos los abismos de la tragedia griega, y a la que encontramos enfrentada con la
soberbia Clitemnestra de Jean Madeira y la no menos intensa Crisótemis de Hilde Zadek. Unos meses más tarde hallamos a la poderosa
soprano holandesa Marijke van der Lugt, a quien roba el protagonismo una inmensa Martha Mödl, que, si casi recita el personaje de
Clitemnestra, lo hace con tal autoridad que avasalla y estremece. Una mención especial merece la Crisótemis de la soprano barcelonesa
Enriqueta Tarrés, muy activa en el área germana y tan versátil como para pasar de Los Hugonotes en Viena con Gedda a La mujer sin
sombra con Kupfer en Berlín Este, de La Gran Duquesa de Gérolstein para la EMI al estreno mundial de El viajero indiscreto de Luis de
Pablo. Es una lástima que sólo podamos oírla en el dúo final, aunque es suficiente para apreciar la calidad de su voz, plena, reluciente
y bien proyectada, además de muy straussiana. Sirvan estas líneas para recordar a esta admirable cantante, actualmente centrada en la
enseñanza, que llevó una estupenda carrera y hoy está algo injustamente olvidada. Esperamos nuevos registros suyos.
Rafael Banús Irusta
RICHARD STRAUSS: Elektra (Extractos de dos representaciones: 21-2-1964 y 6-12-1964) / A. Varnay, J. Madeira, H. Zadek, R. Symonette, M. van der Lugt, M. Mödl, E. Tarrés.
Coro y Orquesta de la Ópera Alemána del Rin. Dir.: Arnold Quennet / ORFEO / Ref.: C661041B (1 CD) D4

Regresa al CD uno de los grandes Otellos de la historia
Cuestión de matemáticas
Cuando vuelven a captarme la lozanía y la frescura con que
se conserva este Otello (oído hace ya muchos en la edición
de Music & Arts), no puedo evitar preguntarme una vez más
por qué hay tantas buenas versiones de una ópera tan difícil. La
respuesta la tienen las matemáticas. Pues
mientras hay obras de Verdi que, además
de un director dispuesto a batirse el
cobre, requieren cuatro, cinco, o incluso
seis voces de gran entidad (en el Don
Carlo), Otello precisa sólo tres. Y aquí las
hay, como sucede en algunas otras
grabaciones.
El aguerrido director de orquesta es en
este caso Ettore (o más bien Héctor)
Panizza, caracterizado por su rítmica
cortante y su garra un poco
indiscriminada. Hay pasajes corales en
los que aplica tempi muy vivos, con el resultado de una gran
inmediatez en la respuesta de unas masas vocales del
Metropolitan que no alcanzaban aún, ni de lejos, la afinación y el
refinamiento de los coros de la llamada Era Levine. Pero pasemos
ahora a los cantantes protagonistas: Martinelli, Tibbett y Rethberg.
Con un trío así es imposible perder una apuesta. Casi son cartas
marcadas.
La parte de Otello supone tal escollo que son pocos quienes
han saldado con nota alta su encuentro con el Moro. Apenas
Tamagno, Zenatello, Vinay, Del Monaco y Domingo (por una vez
no entremos en el juego de si falta fulano o mengano; no he
olvidado otros nombres, sucede simplemente que no los
considero). Pero a esta lista, ciertamente exigua para un papel que
ha dejado una profunda huella en los escenarios desde hace más
de un siglo, debe incluir a otros dos tenores, grandes Otellos
también con alguna mácula de mayor o menor trascendencia:
Paoli y Martinelli. Antonio Paoli fue un gran Otello, pero aún no
del todo liberado de la influencia de Tamagno; como lo fue
también Giovanni Martinelli que, sin embargo, accedió al papel
ya en declive.
Y de hecho, el Esultate! de esta edición martinelliana no pasa
de mediano. Pero, automáticamente, su interpretación empieza a
crecer como la espuma, hasta situarse a una altura ciertamente
colosal (de la que ya no habrá quien le apee). Hay algo en cierto
modo titánico, hercúleo, en el canto del tenor italiano, con esos
sonidos algo embotellados (al decir de Lauri-Volpi), pero que
cuando los timbraba eran semejantes a dardos del más recio
metal. Lawrence Tibbett compone un Yago insinuante, a la par
que gallardo y viril. Un Yago que abre nuevas puertas al
personaje. Y si bien soy cada vez menos amigo de aislar frases de
su contexto (pues para cuando el lector las localiza en la
grabación, su interés ya se ha esfumado en buena medida), no
puedo resistirme a resaltar, por ejemplo, la forma en que Tibbett
(que hace un recitativo de salida antológico) dice: A Desdemona
bella che nel segreto de` tuoi sogni adori. Creo que se la está
sirviendo en bandeja a Leonard Warren.
Elisabeth Rethberg es sensacional. Muchos momentos, como
el dúo con Otello Dio ti giocondi, o sposo, ponen de relieve la
rica pulpa del centro, y sus agudos poseen una sonoridad
envidiable. Se ha dicho que era fría, pero no puedo compartir esa
afirmación, pues lo que más me emociona es, precisamente, la
perfección técnica, la cual, unida a la belleza tímbrica propone
una ecuación infalible. De nuevo es cuestión de matemáticas.
Joaquín Martín de Sagarmínaga
G. VERDI: Otello / Giovanni Martinelli, Lawrence Tibbett, Elisabeth Rethberg,
Nicholas Massue, Nicola Moscona, Thelma Votipka. Orquesta y Coro del
Metropolitan. Dir.: Ettore Panizza (Grabación: Nueva York, 12 de febrero de 1938) /
MYTO HISTORICAL LINE / Ref.: 2CD051H097 (2 CD) D7 x 2
RICCARDO ZANDONAI (1883-
1944): Francesca da Rimini /
Olivero, Del Monaco, Malaspina.
G. Gavazzeni - Scala, 1959 /
MYTO / Ref.: 2MCD051303 (2
CD) D10 x 2
GIUSEPPE VERDI (1813-1901):
Ernani / Kabaivanska, Domingo,
Meliciani, Ghiaurov. A. Votto -
Scala, 1969 / MYTO / Ref.:
2MCD051304 (2 CD) D10 x 2
( 12 )
Consuelo, un magnífico exponente del verismo, por fin en CD
Desenterrando a Rendano
En 1843 la novelista George Sand publicó Consuelo, una
atractiva novela que ponía en pie las vicisitudes profesionales
y amorosas de una cantante veneciana del siglo XVIII, alumna
de Nicola Porpora, que tras una brillante carrera por los
escenarios europeos se retira a un oscuro castillo bávaro donde
vive una complicada relación sentimental con el desequilibrado
Alberto, hijo del conde de Rudolstadt. Para retratar al personaje
femenino la autora se basó en la hija
de Manuel García y hermana de la
Malibran, Pauline Viardot, y para su
tormentosa relación con Alberto, el
perturbado noble alemán, en su
particular y romántica historia
amorosa con Chopin. Un argumento
jugoso para pasar de libro a escenario
lírico tal como ejemplarizó de
inmediato Giovanni Battista
Gordigiani, apenas tres años después,
estrenando en Praga en 1846 su
partitura basada en el texto de Sand
que, cuentan crónicas, sirvió de triunfo a la gran contralto
Marietta Alboni, íntima amiga y magnífica intérprete rossiniana a
quien el maestro denominaba «el último castrado», por la
perfección de su canto, naturalmente. Justamente, Gordigiani
había empezado su carrera como barítono, debutando en el papel
de Dandini de La Cenerentola rossiniana. Medio siglo más tarde,
otro compositor italiano, Giacomo Orefice, se empeñó en seguir
contando y cantando en música las penalidades de Consuelo
estrenando su ópera en 1895 en Bolonia con un reparto de
ensueño encabezado por Cesira Ferrani (la primera Mimì y
Manon puccinianas) y en el papel baritonal de Porpora Mario
Sammarco (el primer Gérard de Andrea Chénier), dirigidos por
Leopoldo Mugnone, la batuta que dio a conocer títulos tan
populares del verismo como Cavalleria rusticana y Tosca. Pero
siete años más tarde la heroína de Armandine Dupin (es decir,
George Sand en familia) aún habría de llamar la atención de otro
músico italiano, el que aquí nos ocupa por fin: el cosentino
Alfonso Rendano. Excelente pianista, Rendano en un momento
muy personal de su vida y su carrera se sintió atraído por la
composición y en 1902 dio a conocer en Turín su Consuelo,
llamando la atención de un empresario alemán que, traducida, la
ofreció en diversos teatros germanos llevándola, incluso, hasta
Estocolmo. Cuando murió Rendano en 1931 se cantó la obra,
como homenaje, en Roma, y luego la RAI italiana la recuperó en
1937. A finales de 2001 el teatro de Cosenza que lleva el nombre
del compositor ofreció tres representaciones de Consuelo que son
la base del presente registro de BONGIOVANNI que da origen a
la redacción de estas líneas. 1902 es el año de Adriana
Lecouvreur de Cilea, Le jongleur de Nôtre-Dame de Massenet y
Pelléas et Melisande de Debussy, pero Rendano se muestra a
contracorriente del verismo aristocrático de la primera, el lirismo
algo ingenuo de la segunda y la estética simbolista de la última.
La sobria escritura vocal de Consuelo no desdeña el arranque o la
oportuna expansión melódica, apoyada en una orquesta que la
sostiene con una transparencia tan sencilla como conveniente
(con varios momentos obligati para instrumentos solistas), en una
continuidad dramática más profunda que de impacto inmediato.
Y aquí está, justamente, el pro y el contra de una música elegante,
positiva, delicada y espléndidamente escrita.
ALFONSO RENDANO (1853-1931): Consuelo (drama lírico en un prólogo y tres
actos) / Elmira Veda, Damiana Pinti, Giuseppina Piunti, Elena Traversi, Sebastian Na,
Coro Solisti Cantori, Orchestra Philharmonia Mediterranea. Dir.: Marcello Bufalini /
BONGIOVANNI / Ref.: GB 2312/13-2 (2 CD) D2 x 2
GIUSEPPE VERDI (1813-1901):
Nabucco / Bastianini, Parutto,
Ottolini, Vinco; B. Bartoletti -
Firenze, 1961 + E. Bastianini in
Nabucco / MYTO / Ref.:
2MCD051305 (2 CD) D10 x 2
VINCENZO BELLINI (1801-
1835): Norma / Sutherland,
Horne, Tagliavini, Rouleau. R.
Bonynge - London, 1967 / MYTO
/ Ref.: 2MCD051306 (2 CD) D10
x 2
F.F.

OPERA RARA rescata dos desconocidos títulos del catálogo donizettiano
Elvida y Francesca: la española y la francesa
De nuevo la vocación donizettiana de OPERA RARA se hace
venturosa realidad en estas dos grabaciones que por muchos
motivos merecen emparejarse: por el origen y carácter de las
propias obras -ambas óperas en un acto, compuestas a distancia de
un lustro para sendas galas reales en el San Carlo napolitano, y
olvidadas desde entonces-, por las circunstancias de su simultánea
grabación en marzo de 2004 en el Henry Wood Hall londinense,
bajo la misma batuta y con idénticos solistas, coro y orquesta; y por
su aparición conjunta en el mercado, que viene a rellenar un
importante hueco en la discografía del autor bergamasco (en el caso
de Elvida, complementada con la aparición recientísima de otra
versión en Bongiovanni) y a arrojar nueva luz sobre su corpus lírico,
sobre su método de trabajo y su aprovechamiento de materiales de
una obra en otras sucesivas.
Elvida, una opera seria con final feliz estrenada
el 6 de julio de 1826 para celebrar el cumpleaños
de la reina María Isabel -esposa de Francisco I de
las Dos Sicilias, hija de Carlos IV de España y
madre de la futura reina gobernadora María
Cristina, viuda de Fernando VII-, es la tercera y
última obra de su autor sobre tema nazarí -es decir,
sobre las guerras entre los castellanos y los
musulmanes del Reino de Granada en los últimos
tiempos de la Reconquista-, tras Zoraida di
Granata y Alahor in Granata, ambas
desempolvadas con posterioridad al bicentenario
de su autor (1997) por obra de Opera Rara y
Almaviva, respectivamente. De este modo, de las
diez óperas de tema español de Donizetti (que
algunos elevan a once añadiendo Dom Sébastien),
tan sólo Chiara e Serafina resta pendiente de
recuperación (mientras Sancia di Castiglia, pese a
haber sido repuesta en Bergamo y Madrid, carece
de grabación comercial).
Las circunstancias de la creación de Elvida -un
evento cortesano en el que forzosamente las
consideraciones musicales ocupaban un lugar
subordinado- han llevado a los estudiosos
donizettianos a menospreciar la obra sin apenas
haberse asomado a ella. Y por ello resulta aún más sorprendente
comprobar el cuidado que la profesionalidad y el extraordinario
oficio de su autor pusieron en la olvidada partitura, realzada además
por el arte inconmensurable de quienes intervinieron en su
creación: el tenor Rubini, la soprano Méric-Lalande (la futura
creadora de Il pirata y La straniera bellinianos y de Lucrezia Borgia),
el bajo Luigi Lablache y la contralto Brigida Lorenzani en el rol
masculino de Zeidar. Si el sucinto libreto de Giovanni Schmidt
(autor de los rossinianos Elisabetta, Armida y Adelaide di Borgogna)
apenas permite una caracterización de los personajes, convertidos
en meros estereotipos, la música, dentro del rossinismo imperante al
que Donizetti tuvo que someterse con olvido de sus orígenes (el
clasicismo vienés recibido vía Mayr), resulta inmediatamente
atractiva, desde el coro inicial lleno de vigor y contrastes, pasando
por la estratosférica escritura vocal de las arias de tenor y soprano,
hasta las escenas de conjunto: dos dúos (para bajo y contralto, y
para las dos voces femeninas, que evoca las maravillosas piezas
similares abundantes en tantas óperas rossinianas) y un terceto
devenido en cuarteto, cumbre musical de la obra, que se cierra con
un último dúo, un rondó con variaciones para los dos protagonistas
y el coro, en el que la voz superior está confiada, no a la soprano
como sería de esperar, sino al tenor.
El equipo reunido para la ocasión por el sello británico está de
nuevo a la altura del empeño: a las expertas órdenes de Antonello
Allemandi (un habitual en las temporadas bilbaínas), la London
Philharmonic y el Geoffrey Mitchell Choir ofrecen un marco de lujo
a cuatro protagonistas de excepción: un Bruce Ford en excelente
forma, la francesa Annick Massis -cada vez más afianzada y brillante
en este repertorio; meses más tarde brindaría en Pésaro una
chispeante interpretación como Matilde de Shabran-; Jennifer
Larmore, todo un lujo en el papel del noble Zeidar, y Pietro
Spagnoli, que al servicio del malvado Amur despliega su bien decir
el texto, su atractivo timbre y su facilidad para el canto de agilidad.
El mismo equipo, con la única incorporación del bajo bufo
Alfonso Antoniozzi, se da cita en el segundo título, Francesca di
Foix, creado el 30 de mayo de 1831 para celebrar la onomástica de
Fernando II, ascendido al trono seis meses antes a los veinte de
edad. Para entonces Donizetti se ha convertido en el celebrado
autor de Anna Bolena, que ese mismo año será la primera de sus
( 13 )
obras estrenada en Londres y París; el rossinismo no es ya el modelo
imperante y el romanticismo hace furor en todas las escenas
peninsulares. Pero una gala regia no es el lugar adecuado para un
asunto trágico, y el tema elegido será una comedia francesa del
mismo título puesta en música por Berton en 1809, que narra la
hilarante historia del complot urdido por Francisco I de Francia para
castigar a un marido celoso que tiene encerrada a su muy atractiva
esposa alegando su extrema fealdad. El argumento de Domenico
Gilardoni -el poeta preferido por Donizetti en esos años de gran
productividad, que brindará al músico hasta once libretos del más
variado carácter entre 1827 y 1831, año de su prematura muerte
mientras trabaja en el de Fausta- presenta una doble faceta, cómica
y galante, y ofrece al compositor ocasión para aproximarse al estilo
francés de un Boieldieu o un Auber, con
momentos corales de gran brillantez, una
instrumentación muy cuidada y extensos pasajes
de recitativo de efectiva teatralidad, junto a
abundantes números cantables para los cinco
protagonistas, entre los que destacan sendas arias
para soprano, tenor y barítono, dúos de tenor con
contralto (aquí en el rol masculino de un joven
paje) y con soprano -quizá el momento más
brillante de toda la partitura-, y un cómico trío de
la soprano y las dos voces graves, amén de un
final de original factura para barítono (cantabile),
soprano (cabaletta) y coro.
La obra, considerada inadecuada para las
dimensiones del San Carlo, pasó al Teatro del
Fondo y obtuvo un total de siete funciones, tras las
cuales fue totalmente olvidada. Donizetti, poco
propicio a desaprovechar el fruto de su trabajo,
reutilizó diversos números en óperas posteriores:
Ugo, conte di Parigi, Il furioso, Lucrezia Borgia e
incluso Don Pasquale, en cuyo dúo del primer
acto entre el protagonista y Malatesta existen
claras reminiscencias del de tenor y soprano antes
aludido. Pero donde la huella de esta olvidada
partitura es más evidente es en L´elisir d´amore,
estrenada un año más tarde en Milán y compuesta
a toda prisa con multitud de retazos de obras anteriores; tres
momentos corales entre los más brillantes del capolavoro milanés -
el coro inicial («Bel conforto al mietitore»), el que abre el segundo
acto («Cantiamo, facciam brindisi») y el de las muchachas que
comentan la herencia recibida por Nemorino- están directamente
extraídos de Francesca di Foix, con los magistrales retoques de
tempo e instrumentación necesarios para convertir brillantes
estampas cortesanas en vivas ilustraciones de la vida rústica y
pueblerina. Y este uso del autopréstamo puede explicar el que
Donizetti, como nos informa el texto de Jeremy Commons, hubiera
manifestado años más tarde su oposición a que Francesca di Foix
fuera de nuevo representada.
De nuevo la deliciosa partitura está servida por intérpretes de
excepción: el rol de Francisco I, compuesto para el gran Tamburini,
está perfectamente servido por Spagnoli, aquí en un cometido
simpático y más congenial a su arte que el malo de guardarropía de
Elvida. La Massis es la perfecta sucesora de Luigia Boccabadati a
casi dos siglos de distancia, una brillantísima y muy divertida
Condesa de Foix, llena de garbo e intención. Y los otros tres
compañeros de reparto, Ford como el galante Duque, Larmore
como el travieso paje y Antoniozzi como el celoso burlado, están
perfectos en sus respectivas encarnaciones.
Y con éstas son ya trece las óperas completas del compositor de
Bérgamo en el catálogo de Opera Rara. ¿Se detendrá el quehacer
donizettiano de los británicos en tan fatídico número? ¡No! Para el
próximo septiembre ya anuncian un título de moda (está próxima su
reposición en La Fenice): la aún mal conocida Pia de´ Tolomei, en
versión al fin completa y con todas las variantes introducidas por
Donizetti en representaciones posteriores al estreno. ¿Hay quien dé
más?
Santiago Salaverri
G. DONIZETTI (1797-1848): Francesca di Foix (ópera completa) / Pietro Spagnoli,
Bruce Ford, Alfonso Antoniozzi, Annick Massis, Jennifer Larmore, Coro Geoffrey
Mitchell, Orquesta Filarmónica de Londres. Dir.: Antonello Allemandi / OPERA RARA /
Ref.: ORC 28 (1 CD) D1
G. DONIZETTI (1797-1848): Elvida / Pietro Spagnoli, Jennifer Larmore, Annick Massis,
Bruce Ford, Anne-Marie Gibbons, Ashley Catling, Coro Geoffrey Mitchell, Orquesta
Filarmónica de Londres. Dir.: Antonello Allemandi / OPERA RARA / Ref.: ORC 29 (1
CD) D1

D
El Parsifal -inédito- del 59 con Kna, junto a los Maestros de Cluytens y la Valquiria de Keilberth,
novedades de la serie dedicada al Nuevo Bayreuth de GOLDEN MELODRAM
El melodrama continúa
espués de un periodo de relativa inactividad, vuelve el sello
Golden Melodram desde su nueva sede, en Eslovenia, con
interesantes novedades y otras que ya se anuncian, como el
Holandés de 1959, el Lohengrin de 1960 o el Tristán de 1962.
La Walkyria del Festival de Bayreuth de 1954 estuvo al borde de
la catástrofe. Ese verano hubo bastante movimiento en el
Festspielhaus: Markevitch plantó a todos en medio de los ensayos
de Tannhäuser, y Keilberth y Jochum tuvieron que repartirse las
funciones; un agotado Vinay se concentró en Tannhäuser, y
Windgassen, que tenía que apechugar
con los dos Siegfried y Parsifal, y además
estar preparado por si desfallecía el
chileno, rehusó cantar Siegmund. No
había mucho tiempo para encontrar un
wälsungo de recambio. A pesar del
desencuentro de 1952, debido a
profundas diferencias artísticas, la
dirección acudió a Max Lorenz, que por
aquellas fechas cantaba la Penélope de
Rolf Liebermann en Salzburgo. Lorenz se
hizo querer mientras deshojaba la
margarita. Llegó incluso a decir que tenía que pedir permiso a Heinz
Tietjen - «mi director» - para trabajar con Wieland. Finalmente
acudió… dos horas antes de levantarse el telón. Hecho un manojo
de nervios, subió al escenario, atendió durante una hora las
instrucciones de Wieland y a las tres y media fue a cambiarse. A este
incidente hay que sumar otro elemento «perturbador»: el debut -y al
mismo tiempo despedida- de Martha Mödl como Sieglinde, un
papel para el que la soprano nuremburguesa tenía el temperamento
adecuado, no así los medios vocales.
Resulta milagroso que con estos antecedentes la función saliera
adelante. ¡Y de qué manera! Un ex-divo orgulloso, venido del
pasado, y un conjunto de profesionales de primera, arropados por
un atento y lírico Keilberth, director que merece mayor
reconocimiento -dentro de unos meses se hablará mucho de él-,
consiguen poner en pie una de las Walkyrias más excitantes de las
que se tiene memoria. A los cincuenta y tres años la voz de Lorenz
se encontraba en un estado ruinoso. Así y todo, cuando coloca una
buena nota, sorprende aún el poderoso metal, ya no tan bruñido
como en sus mejores tiempos. Superada la primera impresión
negativa que produce su estilo «antiguo», enfático, se acaba
cogiendo simpatía a tanto derroche de vigor juvenil y sinceridad
artística por parte del talludo tenor de
Düsseldorf, cuyo verdadero apellido era
Sülzenfuss, o sea, «pierna salada» (1). El
color oscuro, sombrío, de la voz de Mödl
no conviene a Sieglinde, pero esta
cantante de raza se mete en la piel del
personaje y convence. La escena con
Brünnhilde del tercer acto es de antología.
Los fijos, Varnay, Hotter y Greindl
brillaron a gran altura, demostrando su
total identificación con una producción
que estaba haciendo historia. Esta
grabación no sólo inmortaliza varias curiosidades históricas -última
aparición de Lorenz en Bayreuth; única Sieglinde de Mödl; Varnay,
Mödl y Birgit Nilsson, que hacía de Ortlinde, juntas sobre un
escenario- sino también una gran velada. El sonido de Golden
Melodram mejora el de las anteriores ediciones.
En 1951, con motivo de la reapertura del Festival de Bayreuth,
Los Maestros Cantores de Nuremberg se presentaron en una
producción tradicional de Rudolf Hartmann, intendente de la Ópera
de Munich. Ocupado con sus producciones de El Anillo del
Nibelungo y Parsifal, Wieland no tuvo tiempo para aplicar sus
postulados estéticos a Maestros. La ocasión se presentó en 1956.
Para sorpresa de los asistentes, la ciudad había desaparecido, y la
historia se convirtió en una sucesión de cuadros oníricos. El
decorado no era simbólico, como en el célebre Tristán de 1962,
sino impresionista: las escenas no eran mostradas, simplemente eran
sugeridas. Al levantarase el telón en el segundo acto quedó al
descubierto una inmensidad vacía de color azul. Tan solo un par de
bancos, que representaban las casas de Sachs y Pogner, una
gigantesca esfera floral hacía las veces de saúco de Sachs, y otra
similar de dimensiones más reducidas representaba los arbustos
detrás del banco de Pogner. Un hermoso sueño de una noche de
verano. Al caer el telón se oyeron los primeros abucheos del Nuevo
Bayreuth. La polémica estuvo servida. Por todas partes se habló de
( 14 )
«Los Maestros Cantores sin Nuremberg».
Musicalmente las cosas fueron bien distintas. Hotter encarnó al
zapatero poeta en tan solo veinticinco ocasiones, pues aunque el
papel parecía ideal para sus cualidades interpretativas, no se
encontraba cómodo con la tesitura, demasiado alta para él. En su
única aparición en Bayreuth como Sachs -creo que fue también la
última vez que lo cantó- Hotter borda los monólogos, que vierte con
su proverbial maestría y estilo liederístico. La voz no suena tan
fresca como en 1949 en Munich (Myto), pero la caracterización ha
ganado, si cabe, madurez. Con Windgassen se aprecia la evolución
de Walter von Stolzing a lo largo de la obra, un aspecto importante
ausente en la mayoría de las interpretaciones de este personaje.
Brouwenstijn, de generosos medios vocales y canto natural, nada
alambicado, añade a su dulce Eva un punto pícaro que la hace muy
atractiva. Karl Schmitt-Walter es Beckmesser. «Keiner besser», un
Beckmesser adecuadamente cómico y que canta. En manos del
joven Fischer-Dieskau, Kothner, el secretario de la congregación, se
erige en una de las personalidades más importantes de la ciudad.
Greindl, Stolze y Von Milinkovic redondean un reparto que, desde
la perspectiva actual, es quizás el mejor de los últimos cincuenta
años (2). André Cluytens, triunfador el año precedente con
Tannhäuser -ver boletín 130-, no se muestra aquí tan fino. El discreto
sonido no impide disfrutar de la estupenda función.
Con el Parsifal del 7 de agosto de 1959, tercera de las funciones
de aquel verano, inédito hasta la fecha
y exhumado por Golden Melodram con
espléndido sonido, son ya once las
grabaciones del festival escénico sacro
dirigidas por «Kna» preservadas por el
disco. La pregunta obvia es qué puede
aportar de novedoso uno más. Los
tiempos son idénticos a los de los año
58 y 60 (3), pero cada interpretación de
esta obra tan amada por el director -
durante el descubrimiento del Grial se
le oye gemir de la emoción-, que la
conocía como nadie, suena nueva,
fresca. Hay características claramente reconocibles, caprichos de la
batuta marca de la casa. Por ejemplo, los contrabajos tan
destacados antes de la intervención de Gurnemanz «O, wundenwundervoller
heiliger Speer» del primer acto o el tremendo
rallentando antes de «Und flöhest du von hier» en el dúo de Parsifal
y Kundry del segundo. La obra pivota alrededor del beso de Kundry,
momento de gran sensualidad y tensión insoportable. Con todo, sin
salirse del mismo concepto básico, «Kna» varía ad libitum,
reinventándose.
El año anterior Wieland decidió dar descanso a los fijos, que
empezaban a dar muestras de agotamiento. El bajo hollywoodense
(4) Jerome Hines tomó el relevo de Weber y Greindl como
Gurnemanz. Hines, de voz noble y voluminosa, carece del legato y
la capacidad expresiva de Weber o Hotter. El tosco Beirer, «el último
tenor heroico», y la ya bastante tocada Mödl, que conserva aún la
carnalidad tan característica de su canto, brindan buenos momentos
en el dúo. El Amfortas de Wächter, excelentemente cantado, es
demasiado lírico y poco sufriente. Quizá pesa mucho el recuerdo de
London. El único punto negro del reparto es Toni Blankenheim,
Klingsor imposible de voz desagradable y amplio vibrato.
Miguel Ángel González Barrio
NOTAS:
(1) Lo cuenta en su autobiografía, publicada en 1963. En alemán,
«Sülzenfuss» es un tipo de fiambre de paletilla de cerdo.
(2) El registro del año 2001 de la MET dirigido por Levine, de reciente
aparición en DVD, ha vuelto a poner el listón muy alto: Morris, Mattila,
Heppner, Pape, Allen.
(3) Por actos: 106’ + 68’ + 73’, para dar un total de 247 minutos, por 248 en
1958 y 245 en 1960. En 1951 invirtió veinticinco minutos más.
(4) Ignoro si llegó a hacer cine, pero nació en esa población californiana.
RICHARD WAGNER (1813-1883): Die Walküre / Lorenz, Mödl, Greindl, Hotter,
Varnay, von Milinkovic, Nilsson / Orquesta del Festival. Dir.: Joseph Keilberth (22 de
julio de 1954) / GOLDEN MELODRAM / Ref.: GM 10065 (4 CD) D10 x 4
RICHARD WAGNER (1813-1883): Die Meistersinger von Nürnberg / Hotter, Greindl,
Traxel, Schmitt-Walter, Fischer-Dieskau, Windgassen, Brouwenstijn / Coro y Orquesta
del Festival de Bayreuth. Dir.: André Cluytens (1956) / GOLDEN MELODRAM / Ref.:
GM 10068 (4 CD) D10 x 4
RICHARD WAGNER (1813-1883): Parsifal / Beirer, Wächter, Greindl, Hines, Mödl,
Blankenheim / Orquesta y Coro del Festival de Bayreuth. Dir.: Hans Knappertsbusch (7
de agosto de 1959) / GOLDEN MELODRAM / Ref.: GM 10070 (4 CD) D10 x 4

NAÏVE presenta una excelente versión de la magistral
opereta de Johann Strauss
Los hijos de la noche
Con Der Zigeunerbaron (El barón gitano), Johann
Strauss hijo alcanzó el mayor éxito de su carrera
teatral. Estrenada en el Theater an der Wien de la
capital austriaca el 24 de octubre de 1885 con
asistencia del propio emperador Francisco José, la obra
obtuvo ochenta y siete representaciones consecutivas,
superando incluso en éxito a Die Fledermaus (El
murciélago), representada por vez primera en 1874, y
aún en vida de su autor se ofreció en más de ciento
cuarenta teatros. Incluso un crítico tan severo como
Eduard Hanslick reconoció que en esta ocasión Strauss
había tenido más tiempo para componer, y el resultado
era mucho más elaborado que en otras ocasiones,
llegando a afirmar que se trataba de su obra mejor
terminada. A pesar de esto, la partitura posee una
inspiración y una frescura que le conceden un carácter
vibrante y una contagiosa vitalidad de principio a fin.
La obra participa de toda esa misteriosa fascinación que
ejercía en la época el mundo de los zíngaros para la
monarquía habsbúrguica, y transcurre en Hungría,
durante el reinado de la emperatriz María Teresa.
Cuenta la historia de Sándor Bárinkay, el «barón
gitano», cuyo padre fue desposeído de sus tierras por su
alianza con el último pachá turco y murió en el exilio.
Cuando su hijo regresa para recuperar sus bienes, se
encuentra con que allí se ha establecido un tratante de
cerdos. Tras múltiples peripecias (entre otras cosas, el
conocimiento de la existencia de un tesoro que prueba
que Bárinkay es el verdadero «barón gitano»), todos
decidirán irse a Viena (por supuesto, a ritmo de vals)
para alistarse en la guerra contra los españoles, de la
que volverán alegres, victoriosos y condecorados.
Esta grabación, correspondiente a una sesión del
Festival de Radio France y de Montpellier de 2004 (de
la que se han eliminado los diálogos, algo muy
acertado tratándose de un concierto) tiene toda la
fuerza de una interpretación en vivo, empezando por la
dirección musical de Armin Jordan, llena de espíritu, de
vigor y de brío, y también con su necesario punto de
melancolía. Bajo la batuta
del versátil maestro suizo,
la Orquesta Nacional de
Francia y el Coro de Radio
France resultan
sorprendentemente
idiomáticos (este último,
en particular, parece haber
cantado siempre opereta).
Todos los cantantes -en
buena parte procedentes
del ámbito eslavo, lo que
otorga un especial sabor a la versión- se muestran
perfectamente adecuados a sus respectivos papeles,
empezando por el tenor yugoslavo Zoran Todorovich
en el papel protagonista, al que dota de toda su
irresistible pasión. Como Saffi (la joven gitana que
resulta finalmente ser la hija del pachá, y que tiene a su
cargo la página más bella de la obra, el aria «Tened
cuidado de los hijos de la noche»), la soprano rusa
Natalia Ushakova luce un sugerente timbre, y Czifra, la
gitana madura que siempre ha cuidado de ella,
encuentra un gran temperamento y calidez de acentos
en la mezzo polaca Ewa Wolak. Sin duda estamos ante
una de las mejores, y de las más animadas, versiones de
esta fantástica obra.
R.B.I.
JOHANN STRAUSS II (1825-1899): El barón gitano (opereta completa
en tres actos) / Zoran Todorovich, Natalia Ushakova, Ewa Wolak,
Rudolf Wasserlof, Martin Homrich, Béla Perencz, Coro de Radio
France, Orquesta Nacional de Francia. Dir.: Armin Jordan / ASTREE /
Ref.: V 5002 (2 CD) D6 x 3
A menos de un año de su estreno salzburgués, ORFEO presenta la
grabación del montaje de La Ciudad Muerta, con Runnicles en el foso
Esperando a Korngold en las Ramblas
Si ORFEO nos tiene acostumbrados a una notable diligencia en su
puntual rendición de cuentas del Festival de Salzburgo, en esta ocasión
ha batido el récord con el lanzamiento de esta versión de Die tote Stadt
(La ciudad muerta), la tercera y más popular de las óperas de Erich Wolfgang
Korngold (1897-1957), estrenada el 15 de agosto de
2004 con un extraordinario éxito de público y, por
una vez y sin que sirva de precedente, también con
unanimidad de la crítica. Coproducida por
Salzburgo, Ámsterdam y nuestro Liceu, al que
llegará la próxima temporada, este documento
(fechado el 18 de agosto) puede servir a cuantos se
dispongan a acudir a las funciones barcelonesas
como preparación para disfrutar de una de las obras
líricas más atractivas de la pasada centuria, escrita
entre 1917 y 1920, es decir, cuando el niño prodigio
que causara la admiración de Strauss, Mahler, Saint-
Saëns, Dukas o Puccini contaba poco más de veinte
años. En un artículo publicado por el firmante de estas líneas en el boletín
nº 61 (junio de 1998) sobre su obra orquestal y de cámara, se analizaba la
singular trayectoria de quien fuera alumno de Zemlinsky y autor de cerca de
una veintena de partituras cinematográficas, dos de ellas oscarizadas, para
grandes producciones de la Warner en los años 30 y 40. No nos
detendremos de nuevo, pues, en las características de un estilo que
podríamos calificar de tardorromántico -sugestivo melodismo, armonía
tradicional que hace expresivo empleo de la disonancia, orquestación
deslumbrante-, tan adecuado para su empleo exitoso en el séptimo arte. Sí
señalaremos que tras sus dos breves primeras óperas, El anillo de Polycrates
y Violanta, creadas conjuntamente en 1916 por Bruno Walter, La ciudad
muerta, estrenada el 4 de diciembre de 1920 a la vez en Hamburgo y
Colonia (aquí bajo la dirección de Klemperer), colocó inmediatamente a su
autor en el cenit de la ópera internacional tras sus inmediatos montajes en
Viena y el Met neoyorquino y la interpretación que de sus papeles
protagonistas ofrecieron artistas del calibre de Maria Jeritza y Richard
Tauber. Ni Das Wunder der Heliane (1927), considerada por Korngold su
opus magnum, ni Die Kathrin (1939), su quinta y última ópera, alcanzaron
la fama de la anterior.
Basada en Brujas la muerta, novela del escritor simbolista belga Georges
Rodenbach publicada en 1892, pero con sensibles alteraciones introducidas
en el libreto por el propio autor y su padre, Julius Korngold, destacado
crítico musical (lo que les llevó a utilizar el seudónimo conjunto de Paul
Schott), la historia que Die tote Stadt nos narra -la necrofílica pasión por la
fallecida Marie por parte de su esposo Paul, quien cree hallar en la bailarina
Marietta la reencarnación de aquélla- hurga en la imposibilidad terrenal de
unirse a los seres desaparecidos, en la confusión de sueño y realidad, en el
contraste entre la pasión física y la persecución de un ideal inalcanzable, en
la capacidad autodestructora de una creencia religiosa alienante, todo ello
en el marco de esa ciudad en putrefacción, Brujas, a la que convienen las
máscaras grotescas de un Ensor. Partitura de inmediato atractivo, romántica
y arrebatada, poblada de temas de irresistible capacidad evocadora,
coronados por la canción del laúd entonada por Marietta en el primer acto
y la de Pierrot en el segundo, de instrumentación exuberante y delicada a la
vez, ofrece múltiples ocasiones de lucimiento para los protagonistas por la
dificultad de sus respectivos cometidos.
Los recursos puestos en juego por Salzburgo bajo la rectoría de Donald
Runnicles (el escocés director de la Ópera de San Francisco cuyo
sensacional Billy Budd vienés comentábamos en el boletín 124)
garantizaban a priori el exitoso resultado de la velada: dos coros diferentes
(el de la Staatsoper y el de voces blancas de Salzburgo), las orquestas
Filarmónica de Viena y del Mozarteum (ésta para las músicas sobre la
escena), y un soberbio reparto sin fisuras, en el que destacan un Torsten Kerl
vencedor de las dificultades acumuladas en su inmisericorde parte; una
Angela Denoke (gran Katia Kabanova en la producción salzburguesa de
Marthaler hace algunos años) inmensa en el doble papel de Marie/Marietta,
y el barítono danés Bo Skovhus como Frank y Pierrot. La electrizante
representación -que presenta algún corte (final del primer acto, preludio del
segundo) con respecto a otras versiones, suponemos que por motivos de
eficacia dramática- es seguida con expectación por el público del Kleines
Festspielhaus salzburgués, que estalla en atronadoras ovaciones al finalizar
la pieza. Y con razón. Comprueben ustedes por qué... y verifíquenlo luego
en Barcelona.
ERICH WOLFGANG KORNGOLD (1897-1957): Die tote Stadt, ópera en tres actos, op.12 /
Torsten Kerl, Angela Denoke, Bo Skovhus, Daniela Denschlag, Coro de la Ópera de Viena,
Filarmónica de Viena. Dir.: Donald Runnicles / ORFEO / Ref.: C634042I (2 CD) D4 x 2
( 15 )
S.S.

ORFEO presenta una excelente versión de El Jacobino, de Dvorák
Albrecht: vocación checa
Gerd Albrecht continúa con su excelente ciclo
Dvorák para ORFEO. Mejor diríamos con su
ciclo checo. Desde su época de titular de la
Filarmónica ha desarrollado este inquieto director
una vocación checa que no se ha limitado a los
títulos de siempre. Ahí están sus registros de
Destino, ópera rara de Janácek; o de Armida, última
entrega lírico-dramática de Dvorák; o Wanda, de las
juveniles; o los oratorios Santa Lúdmila y La novia
del espectro, ambos muy teatrales, muy operísticos, sobre todo el
segundo. Todos los registros recordados eran para ORFEO. Nos
llega ahora este registro suyo con Radio Colonia, de mediados de
2003. Es la tercera vez que se registra El jacobino, si los recuerdos
y los datos no se nos enredan entre las trampas que tiende la
memoria. Adelantemos tan sólo lo siguiente: por favor, Herr
Albrecht, más Dvorák.
Se ha dicho y repetido que no es Dvorák tan gran operista como
compositor de sinfonías y música de cámara. Acaso sea cierto, pero
hay en su producción para el teatro una vocación, un encanto, una
voluntad que le hace introducir en los pentagramas destinados a los
escenarios algunas de las mejores cosas que han salido de su
imaginación sonora. El jacobino es una de sus últimas óperas, una
de sus piezas de madurez. Es anterior a las que acaso sean sus obras
maestras, Katia y el diablo y Rusalka, anteriores a su vez a la última
y un poco errada Armida. Dvorák compone El jacobino en una
época en que se deja querer por los nacionalistas checos
conservadores, los llamados Viejos Checos, la hija de cuyo dirigente
es autora del libreto de ésta y otras obras del compositor (Marie
Cervinková-Riegerová, hija de Rieger, gran enemigo de Smetana y
de los llamados Checos Jóvenes o nuevos).
Estamos en 1793, el joven héroe regresa de la Francia
revolucionaria para extender las ideas de libertad por su patria
checa, sumida en las sevicias del régimen señorial. El joven, Bohus
von Harasov, hijo del Conde Vilém, ha sido repudiado por su padre
a causa de sus ideales. Hay un primer acto de cuadro popular, con
plaza de aldea, bailes, pueblo bueno y poderosos malos, con
rivalidades por medio por una chica, la maravillosa Terinka. Una
cierta intimidad recoge la acción en el acto segundo, que es el más
bello, el más conseguido musicalmente (aunque no como drama:
Marie era muy flojita, ni siquiera llegaba a mediocre; como su
padre, tal vez). Continúa la intimidad en el tercer acto, cuya
resolución con final feliz tiene lugar en el castillo de Vilém, que
parece que va a ser heredado por un sobrino felón, hipócrita y muy
antiguo régimen. Pero no, todo se arregla en el último momento.
El coro infantil del segundo acto (acaso sería mejor decir,
conjunto con coro de niños) es de una belleza sencilla, pero
CPO edita una opereta inédita de Kálmán
El violinista prolífico
( 16 )
conmovedora, de ésas que llegan al
fondo porque apelan a ello, a eso que
está muy dentro de nosotros. En ese
mismo acto, el arioso de Terinka
permite a Livia Ághová mostrar no
sólo la belleza de un timbre juvenil,
que casi sugiere adolescencia, sino
también el equilibrio entre lirismo,
ternura y pasión que se espera de una heroína así. Pero el arioso
culmina y concluye en un espléndido dúo con Jirí (Lehotsky) que
nos permite dudar de las supuestas limitaciones de Dvorák como
operista.
El reparto es excelente, empezando por Ághová, desde luego,
que tiene voz de ángel, si es que esto les sugiere algo a los
descreídos lectores de comienzos del tercer milenio. A Danková, de
voz más dramática, con grosor y espesura, de bello y poderoso
timbre, nos gustaría escucharla más, que su papel fuera más amplio,
con más contenido y más canto. Esta ópera tiene tres tenores, que
aquí destacan por su lirismo y poderío: Bronikowski en el joven
protagonista; Lorenz en el buen maestro Benda, padre de Julia
(Danková); y Lehotsky, en Jirí, lírico enamorado de Ághová, de la
que también podemos enamorarnos los espectadores, aunque sin
esperanza. Mikulas, bajo, hace un malo francamente bueno.
Stephinger, de voz un poco forzada, convence menos en el padreconde-negador
que se arrepiente de su perversidad feudal. La
sabiduría y capacidad concertante de Gerd Albrecht le lleva a aunar
esfuerzos de nada menos que tres conjuntos corales, uno de ellos
infantil, más la Orquesta de Radio Colonia y todos estos solistas, y
algunos más. El resultado es de una gran perfección, con rica
musicalidad y mucha alegría lírica. Una de esas funciones de teatro
para disfrutar oyendo voces, viendo surgir oleadas del foso,
imaginando una puesta en escena a gusto de uno… y fingiendo que
uno se cree las ingenuidades de aquella tonta, cuyo nacionalismo
checo estrecho que parecía mucho al de ciertos polisticastros sin
escrúpulos que presentan planes. Que si no es por la música de
Dvorák, de qué iba a interesarnos ese Jacobino. Menos mal que
existen Dvorák, Albrecht y la catedral de Colonia. Y todos esos
cantantes, en especial Ághová y Danková, a cuyo paso nos
postramos los idólatras.
Santiago Martín Bermúdez
A. DVORÁK (1841-1904): Der Jakobiner, ópera en tres actos / Danková, Ághová,
Bronikowski, Lehotsky, Mikulás, Coro de Cámara de Praga. Coro de la Radio WDR,
Orquesta Sinfónica de Colonia, Dir.: Gerd Albrecht / ORFEO / Ref.: C641043F (3 CD)
D2 x 3
Conocido ante todo por su opereta Die Czardasfürstin (La princesa de las czardas), el compositor húngaro
Emmerich -o Imre- Kálmán quiso rendir homenaje en 1912 con Der Zigeunerprimas al patriarca de una
célebre familia de violinistas zíngaros, Pali Rácz, famoso no sólo por sus virtudes con el instrumento sino
por haber sido el padre nada menos que de ¡36 hijos! (en la opereta, sin embargo, sólo tiene 16, ya que no se
cuentan los ilegítimos). Para este papel escogió a una leyenda del teatro vienés, el gran cómico Alexander
Girardi, cuya estrella había declinado bastante tras la muerte de Johann Strauss. Ambos tenían en común que su tiempo había pasado
ya, pero eran incapaces de reconocerlo. Así, Pali Rácz no podía asumir el triunfo de su hijo Laczi (que, a diferencia de él, había recibido
una educación académica). Podemos hablar, pues, de un conflicto parecido al que Wagner plantea en Los Maestros Cantores (aunque a
la inversa, ya que el joven es quien defiende aquí las reglas), pero resuelto en clave de opereta, con una música rebosante de esplendor
melódico y de ritmos irresistibles que nos recuerdan en más de una ocasión esa perfecta fusión de lo vienés y lo magiar que encontramos
en las mejores partituras de Franz Lehár, como la genial La viuda alegre (estrenada en 1905).
La versión presentada por CPO, grabada en la Philharmonie am Gasteig de la capital bávara en octubre de 2003, es excelente en todos
sus aspectos. Claus Peter Flor, uno de los directores alemanes más interesantes del panorama actual, dirige con mucho espíritu a la
Orquesta de la Radio de Munich y a un Coro Filarmónico Eslovaco que sabe vibrar como pocos con esta sabrosa música. Todos los
cantantes están perfectamente integrados en la acción, desde el bajo Wolfgang Bankl como el violinista veterano al tenor Roberto Saccà,
que aporta todo su lirismo al joven Laczi, al igual que el arrebatado Zoran Todorovich como el noble enamorado que siempre aparece
en este tipo de obras. Sin olvidar a las impecables sopranos Gabriele Rossmanith y Edith Lienbacher, como la hija y la sobrina de Pali,
respectivamente. Los diálogos han sido sustituidos por un ágil relato a cargo de la actriz suiza Sunnyi Melles. Como apéndice se añaden
unas breves y jugosas palabras del propio autor comentando su obra en un alemán con inequívoco acento húngaro.
EMMERICH KÁLMÁN (1882-1953): Der Zigeunerprimas, opereta en tres actos / Lienbacher, Rossmanith, Todorovich, Saccà, Stiefermann, Bankl, Melles, Coro Filarmónico de
Eslovaquia, Orquesta de la Radio de Munich. Dir.: Claus Peter Flor / CPO / Ref.: 777058-2 (2 CD) D2 x 2
R.B.I.

Con la Sinfonía del Nuevo Mundo, Jansons y la Concertgebouw continúan con su periplo discográfico independiente
Una Real Orquesta
En el Boletín anterior, RBI daba constancia del nacimiento de un nuevo
sello discográfico vinculado directamente a una gran agrupación
sinfónica, la Real Orquesta del Concertgebouw de Amsterdam, con un
registro de Vida de héroe dirigido por su sexto titular, el letón Mariss
Jansons. Hijo de Arvid Jansons, que fuera asistente de Mravinsky en
Leningrado/San Petersburgo, Mariss Jansons ha superado, sin perder su
eterno aire juvenil, no solo los 60 años de edad sino también una grave
crisis cardiaca y se halla ahora en plena forma, como recientemente ha
demostrado en el Auditorio Nacional de Madrid, al frente de su Orquesta
de Ámsterdam.
En esta enésima versión de la inmarcesible Sinfonía del Nuevo Mundo de
Dvorak fascina la deslumbrante perfección de la orquesta, patente en
cualquiera de sus atriles y en el conjunto: el sonido cálido, ancho,
poderoso, matizadísimo, tiene pocos iguales en el mundo y, acaso, ninguno superior. Jansons es maestro
de línea objetiva, con gusto por los tempi vivos, la articulación incisiva y el fraseo intenso, casi cortante en los
movimientos extremos y en el Scherzo, que se remansa y hace lírico en el Adagio, de ejecución impecable,
maravillosa. El estilo puede recordar, más de una vez, a Mravinsky aunque sin ese fuego al «rojo blanco» que el
peterburgués alcanzaba en su repertorio, particularmente en Chaikovsky y Shostakovich, autores que también son
especialidad del maestro letón.
La versión de Jansons es magnífica, con momentos electrizantes, y sólo echamos de menos la calidez, y el
dominio del idioma de los grandes checos (Talich, Ancerl, Kubelik) y de Kertesz, y un complemento que ampliase
nuestro disfrute de una orquesta auténticamente regia, captada en condiciones sonoras ideales con el nuevo
formato SACD.
BIDDULPH prosigue la recuperación del legado discográfico de Adolf Busch
Beethoven de pura cepa
En el repertorio como solista de Adolf Busch destacaron los Conciertos de Beethoven, Brahms
y Dvorák, los dos últimos dedicados por sus autores a Joseph Joachim, uno de cuyos
discípulos, Bram Eldering, fue maestro de Busch. Esta versión del Concierto de Beethoven
grabada en 1941 con la Filarmónica de Nueva York, es justamente considerada histórica: dos
beethovenianos de primer orden, los hermanos Fritz y Adolf Busch, se unen al servicio de un
compositor que fue máxima especialidad de ambos. No está de
más recordar que Adolf Busch tocó más de 400 veces este
Concierto, con todos los grandes directores de la época.
Como violinista, Adolf Busch destaca más por el criterio musical
que por la pura realización técnica, aspecto en el que se ve
superado por los grandes que grabaron esta obra antes (Kreisler,
Heifetz) y después que él. Varios pasajes del primer movimiento
acusan una coordinación imperfecta del arco y de la mano
izquierda, que enturbia el fraseo -por lo demás, canónico- y hace
que alguna nota se pierda o que la afinación no sea impecable.
Parte de los problemas acaso derivan del nerviosismo ante el
micrófono que el artista supera conforme avanza la obra; en los
tiempos segundo y tercero todo funciona mejor técnicamente, de
modo que la profunda musicalidad de su fraseo cantabile nos
cautiva sin interferencias en el Larghetto y en la desbordante
alegría del Finale. Pero en todo momento el mensaje musical de Beethoven llega directo, claro,
incontaminado.
En suma, una versión no perfecta pero musicalmente sobresaliente que el buen aficionado
debe conocer, máxime cuando la colaboración orquestal es excelente, sin la menor reserva. Fritz
Busch fue uno de los artistas con los que el fonógrafo contrajo una deuda insalvable, y sus
escasos registros, muy especialmente aquéllos en que dirige la música de Beethoven, merecen
atención especialísima. Artista muy personal, de criterio firme y fiel al texto, que consideraba
sagrado, sus versiones resisten incólumes el paso del tiempo y los cambios de modas y
tendencias y no han perdido un ápice de su gran valor. Como complemento, su hermano Adolf
nos ofrece una versión sobria pero imponente de la Tercera Sonata para violín solo de Bach, de
indiscutible importancia histórica, aunque algunos aspectos técnicos (la realización de los
acordes, por ejemplo) acusan el paso de los años transcurridos desde que se grabó.
ADOLF BUSCH interpreta BACH: Sonata para violín solo nº 3 en Do mayor; BEETHOVEN: Concierto para Violín en Re
mayor / Adolf Busch, violín. New York Philharmonic. Dir.: Fritz Busch (1942) / BIDDULPH / Ref.: 80211-2 (1 CD) D2
( 17 )
R.A.
Roberto Andrade
ANTONÍN DVORÁK: Sinfonía nº 9 en mi menor op.95 (1893) Del Nuevo Mundo / Royal Concertgebouw Orchestra Amsterdam. Dir.: Mariss Jansons
/ RCO / Ref.: RCO 04002 (1 SACD) D3
También disponibles:
RICHARD STRAUSS (1864-1949): Ein Heldenleben op.40 (1897-98) / Royal Concertgebouw Orchestra Amsterdam. Dir.: Mariss Jansons / RCO / Ref.: RCO 04005 (1 SACD) D3
RICHARD STRAUSS (1864-1949): Ein Heldenleben op.40 (1897-98) + The Sixth Maestro (un documental de 50 minutos sobre Mariss Jansons y su acceso a la dirección de la
RCO) / RCO / Ref.: RCO 04104 (1 DVD) D3 x 2
ZINO FRANCESCATTI interpreta
BEETHOVEN: Sonatas nº 7, 8 & 9
«Kreutzer» / Zino Francescatti, violín.
Robert Casadesus, piano (1949-52) /
BIDDULPH / 80210-2 (1 CD) D2
El BUSCH STRING QUARTET interpreta
L.V.BEETHOVEN: Cuartetos para cuerda
op. 59, 1 & 2 / BIDDULPH / Ref: 80208-
2 (1 CD) D2

TAHRA presenta, en primicia mundial, las grabaciones privadas de Alfred Kunz
¿Furtwängler en estéreo?; los restos de un naufragio
¿
Quién fue Alfred Kunz?. Ni siquiera Elisabeth Furtwängler, la
nonagenaria y aún combativa viuda del maestro y responsable
última de esta sorprendente exhumación, ha sabido
proporcionar demasiados datos acerca del misterioso personaje que
se dedicó a grabar por su cuenta, con autorización del propio
Furtwängler y de la dirección del
Festival de Salzburgo, algunos de
los conciertos y óperas que el
berlinés ofreció en la ciudad
austríaca, al frente de la
Filarmónica de Viena, durante los
años de posguerra hasta su muerte
en 1954. Parece ser que se trataba
de un amigo personal del director,
un rico industrial al corriente sin
duda de las nuevas posibilidades
que ofrecía el incipiente sistema
estereofónico. Según Madame
Furtwängler, Kunz realizó durante
los años cincuenta un buen número de grabaciones privadas que
terminaron, a la muerte del maestro, en una bodega en el sótano de
la casa de su hijo Andreas. Una inundación acabó con el tesoro. Tan
sólo sobrevivieron las dos cintas que, a modo de prodigioso
abracadabra, se saca de la chistera TAHRA para asombro de la
parroquia: la Novena de Schubert del 53 y el fabuloso Freischütz del
54, una de las últimas apariciones de Furt como director de foso.
Es difícil determinar la técnica que utilizó Kunz en sus grabaciones,
si se trata de una toma a dos canales o de un registro monoaural
manipulado, pero el resultado es sencillamente impresionante. Con
todos los respetos debidos a las espléndidas tomas sonoras de sus
últimos registros oficiales -siempre monoaurales- para EMI (Tristan o
Valquiria, sin ir más lejos) lo que aquí se oye pertenece a otra
dimensión. La espacialidad y la profundidad del sonido, la nitidez y
el equilibrio de planos, así como el rico contraste entre las distintas
secciones, permiten escuchar la orquesta de Furtwängler «en
relieve», con una presencia y una riqueza de matices sorprendentes
2007 señalará el 50 aniversario de la muerte de Jean Sibelius (1865-1957), uno de los máximos sinfonistas del siglo
XX: siete sinfonías y una docena de poemas sinfónicos de calidad invariablemente magnífica le acreditan como
tal. Desde las grabaciones pioneras de Kajanus, Stokowsky y Kussevitzky en los años 30, muchos directores
grandes nos han dejado su versión del ciclo sinfónico, con mención destacada para Sir Colin
Davis -a punto de terminar su tercer registro completo-, Lorin Maazel, Leonard Bernstein y
Paavo Berglund, todos ellos «reincidentes» en mayor o menor grado. Actualmente se hallan
en curso varias integrales, entre ellas la debida al finés Leif Segerstam, que ya la había
registrado en los años 90 para Chandos; al nuevo ciclo sólo le falta la Cuarta Sinfonía.
La Orquesta es la Filarmónica de Helsinki, agrupación más que centenaria, de la que
Segerstam es titular desde 1995, con la que ya ha grabado varios poemas sinfónicos de Sibelius. Músico muy
completo, se acredita aquí como un excelente preparador de la orquesta que, bajo su mando, toca
perfectamente afinada, con sonido de gran calidad: poderoso, denso, noble, brillante y transparente, muy
atractivo. Todas las secciones orquestales se muestran seguras -y la escritura de Sibelius no es fácil para
ninguna-, con una riqueza de colores y matices dinámicos que contribuyen a evocar ese mundo sonoro tan
personal y sugerente que Sibelius nos ha hecho identificar con el paisaje de su país.
Segerstam se acredita también como maestro en la construcción del edificio sinfónico: por ejemplo en el
control del tempo y de las progresiones dinámicas, asuntos cruciales en todas las sinfonías, especialmente a partir de la Tercera.
Particularmente lograda en este aspecto es la Séptima, que traza con pulso firme, llevándola a su clímax final con mano maestra. La obra
se eleva así, ante nuestros sentidos, como un bloque único, surgida de un impulso que mantiene en vilo al oyente hasta el acorde final.
No menos excelentes la Quinta y la Tercera, tan diferentes en sonoridad y en contenido poético, con una construcción solidisíma,
rematada en sendos finales de tensión espléndidamente mantenida -paladeada, diríamos- hasta su conclusión. Muy evocadora la Primera,
de bella sonoridad y fraseo que se explaya en tempi muy amplios -el Andante- que Segerstam sabe llenar de contenido. Nivel un punto
menos alto, para mi gusto, en Segunda y Sexta: al final de aquélla le sobra énfasis -aunque los dos primeros tiempos son irreprochablesy
la Sexta no alcanza la síntesis de arquitectura y poesía que lograban los históricos Beecham y Karajan.
En conjunto, un ciclo que promete contarse entre los grandes realizados de esta música espléndida y que ofrece una calidad sonora
admirable.
JEAN SIBELIUS (1865-1957): Sinfonías 1 & 7 / Helsinki Philharmonic Orchestra. Dir.: Leif Segerstam / ONDINE / Ref.: ODE 1007-2 (1 CD) D2
JEAN SIBELIUS (1865-1957): Sinfonías 2 & 6 / Helsinki Philharmonic Orchestra. Dir.: Leif Segerstam / ONDINE / Ref.: ODE 1026-2 (1 CD) D2
JEAN SIBELIUS (1865-1957): Sinfonías 3 & 5 / Helsinki Philharmonic Orchestra. Dir.: Leif Segerstam / ONDINE / Ref.: ODE 1035-2 (1 CD) D2
( 18 )
y apenas antes percibidos. Pese a que el
sonido oscile a veces de un canal a otro -lo
que es especialmente apreciable con
auriculares- las grabaciones de Kunz no solo
superan en muchos enteros a las realizadas
por la ORF (conocidas a través de las
ediciones de EMI -Freischütz- y Orfeo -
Schubert-) sino que incluso invitan a releer
bajo otro prisma todo el legado discográfico del maestro alemán, tal
es la luz que aportan sobre su estilo, y en concreto sobre el de sus
últimos años. De manera especialmente poderosa en la ópera de
Weber, el oyente percibe con más fuerza que nunca la capacidad
narrativa y estructural del director alemán, su control de la orquesta
y su poder para convertirla en generadora del drama, y no en simple
ilustradora. La horizontalidad y la separación de los planos sonoros
beneficia el juego de contrastes que Furtwängler maneja con
inaudita firmeza y adquieren su pleno sentido las transiciones, las
réplicas, los súbitos estallidos de furia y los silencios telúricos que
son marca de la casa.
Sobrecoge pensar que un accidente doméstico nos haya privado
de una Flauta mágica, de una Novena o ¡ay! del legendario Otello
-¡el único Verdi de Furt!- en estas condiciones sonoras. Pero así se
escribe la historia. Por lo pronto aquí tenemos este nuevo regalo de
la benemérita TAHRA y de Frau Furt, incombustibles en su defensa
de la herencia artística del más emblemático director de orquesta
del siglo pasado.Y de paso un saludo agradecido al benéfico señor
Kunz, quien modestamente se permite salir por un momento de las
tinieblas del anonimato histórico para ofrecernos este maravilloso
regalo de cumpleaños, que para mayor gozo se ofrece a precio más
que apañado.
Martín Lasalle
FURTWÄNGLER EN SALZBURGO (Los registros de Alfred Kunz): SCHUBERT: Sinfonía
nº 8 (9) La Grande; WEBER: Der Freischütz (ópera completa) / Grümmer, Poell, Streich,
Böhme. Filarmónica de Viena. Dir.: W. Furtwängler (1953 & 1954) / TAHRA / Ref.: FURT
1095-1097 (3 CD) D4 x 2 [PRECIO ESPECIAL]
Leif Segerstam y la Filarmónica de Helsinki se marcan el que probablemente sea el gran ciclo sinfónico de Sibelius de nuestros días
Denominación de origen
R.A.

Van Immerseel vuelve a sentar cátedra lisztiana con un recital a solo
Lúgubre y en modo menor
Triste, lúgubre y casi todo él en modo menor. Sin embargo, este compacto con obras tardías de Ferenc Liszt
hechiza desde el primer momento. Música intensa, honda, reflexiva, como una meditación a través de lo
vivido y ante un final inevitable. Es un compacto recogido e íntimo, para escuchar en penumbra y
sumergirse en sus abundantes y oscuras bellezas. Sólo ya cerca del final, en la contagiosa Czardas obstinée de
1884, para piano solo, los 67 minutos de este compacto encuentran espacio para el movimiento y el ritmo. Un encuentro inteligente y
extremadamente delicado con la música de un Liszt que se aparta del virtuosismo para adentrarse en los más íntimos recovecos de la
sensibilidad. Serguéi Istomin, desde su violonchelo bohemio de finales del XVIII, y Jos van Immerseel, sobre un piano de concierto Erard
construido en París en 1886, reproducen desde su propia idiosincrasia sonora el selecto repertorio de este universo exquisito. Cabe
hablar, sí, de afinación, equilibrio, estilo, fidelidad expresiva y todas estas cosas. Pero, sobre todo, en una grabación de esta naturaleza,
hay que subrayar la identidad ideológica, la entrega absoluta de los intérpretes a este Liszt postrero y reconcentrado, estático y dolido,
cuyas penetrantes y atrevidas sonoridades anuncian el impresionismo. Istomin canta con el violonchelo con calor y pesadumbre.
Impresiona La lúgubre góndola, esas arcadas extensas que son como lanzas en el corazón herido, pero también el lirismo -tardío y a
vuelta ya de todo- de Wiegenlied. Un compacto para saborearlo en la intimidad. Quizá en penumbra y con el corazón herido.
( 19 )
Justo Romero
(justoromero@wanadoo.es)
FRANZ LISZT (1810-1886) Piezas tardías para piano & para cello y piano (1881-1886) / Jos van Immerseel, piano Erard 1886. Segei Istomin, cello (anónimo, Bohemia fin del
XVIII) / ZIG ZAG / Ref.: ZZT 040902 (1 CD) D2
JOSEPH HAYDN (1732-1809):
Sinfonías nº 88, 92, 94, 98, 99, 100,
101 & 102; Con. para violín nª1;
Con. para teclado nº6; Con. para
cello nº2; Concertante Hob.I:105 /
Goldberg (violín), Landowska
(teclado), Dirs.: Toscanini, Walter,
Koussevitzky, Munch y Bee /
ANDANTE / Ref.: AN 1180 (4 CD +
Libro) D53 / P.V.P.: 55,17 euros.-
FRIEDRICH GULDA INTERPRETA
(1930-2000): SCHUBERT: Sonatas
D845 & 960, Impromptus D899,
Momentos musicales D780; DEBUSSY:
Pour le piano, Suite bergamasque,
Preludios (Libros I & II), Reflets dans
l'eau, L'Isle joyeuse; RAVEL: Sonatine,
Gaspard de la nuit, Le Tombeau de
Couperin, Valses nobles et
sentimentales / Friedrich Gulda, piano /
ANDANTE / Ref.: AN 2110 (4 CD +
Libro) D53 / P.V.P.: 55,17 euros.-
ROZHDESTVENSKY dirige BERLIOZ:
Sinfonía Fantástica op.14;
TCHAIKOVSKY: Francesca da Rimini
op.32 / Orquesta Filarmónica de
Leningrado, Dir.: Gennadi
Rozhdestvensky (Grabaciones de
1960 & 1971) / BBC / Ref.: BBCL
4163-2 (1 CD) D2
FRÉDÉRIC CHOPIN (1810-1849):
Estudios, Nocturnos, Polonesas &
Mazurcas / Brailowsky, Busoni,
Cortot, Darré, Friedman,
Horowitz, Jonas, Kapell, Kilenyi,
Koczalski, Lipatti, Paderewski,
Planté, Sofronitsky, Rubinstein y
Sauer (pianistas) / ANDANTE /
Ref.: AN 1190 (4 CD + Libro) D53
/ P.V.P.: 55,17 euros.-
CLAUDE DEBUSSY (1862-1918):
Música orquestal, en grabaciones
realizadas entre 1929 y 1951 /
Varias orquestas; directores:
Barbirolli, Büsser, Coppola,
Désormière, Inghelbrecht, Levin,
Monteux, Reiner, Straram y
Toscanini / ANDANTE / Ref.: AN
1200 (4 CD + Libro) D53 / P.V.P.:
55,17 euros.-
L. STOKOWSKI dirige SHOSTA-
KOVICH (1906-1975): Sinfonía nº5
en Re menor, op.47; VAUGHAN
WILLIAMS (1872-1958): Sinfonía
nº8 en Re menor / Orquesta
Sinfónica de Londres. Orquesta
Sinfónica de la BBC. Dir.: L.
Stokowski / BBC / Ref.: BBCL 4165-
1 (1 CD) D2
BIS edita un estuche con la obra orquestal del gran Hugo Alfvén
a precio especial
Pornografía sueca
Sí, sí, como lo oyen. Dos sinfonías de este compositor sueco fueron
tachadas nada menos que de pornográficas por los críticos del
momento. Concretamente la Primera,
que refleja sus propias experiencias
eróticas, y la Cuarta que representa con
todo lujo de instrumentación una tórrida
relación en los acantilados entre una
soprano y un tenor, que se regodean entre
melismas sin una sola palabra de texto.
Hugo Alfvén, pintor de talento, gran
escritor, virtuoso del violín, notable
director de orquesta e insuperable al frente
de un coro, era mejor aún en otra de sus
facetas, la de creador de partituras. Si la
música fuese una categoría premiada con
un Nobel, este caballero habría sido sin
duda uno de los galardonados, pues quizá
sea él el compositor sueco más homenajeado. Y nosotros sin saberlo.
Su romanticismo nacionalista tardío, salpicado de danzas, recuerda a
Grieg pero con las longitudes de Elgar, y la base de sus obras
programáticas es una sabia mezcolanza de melodías de inspiración
popular. Si su Primera sinfonía, abundante de temas festivos, se abre con
un violín maravilloso que es la voz del propio autor, por contraste la
Segunda está sacudida por las galernas del conflicto y la desesperación
hasta llegar a su final fugado alrededor de un himno fúnebre. Italiana,
ligera y vital es la Tercera; rica en leivmotifs la sensual Cuarta; y la Quinta
nos muestra una visión retrospectiva y serena. Música luminosa, que
contrasta la alegría extrema con la severidad reflexiva de quien se sabe
mortal, aunque longevo.
No se puede pedir mejor director actual para la música de Alfvén que
Neeme Järvi, el rey del color orquestal. Enfático, brillante, especialista en
destacar lo notorio y alegrar lo insulso. Al frente aquí de la Real Orquesta
Filarmónica de Estocolmo, demuestra que cuanto más madura, mejor
perfila la sonoridad. Järvi sería un Kokoschka, un Franz Marc, un Chagall,
o el technicolor. Por fin BIS publica esta amplia muestra de su obra en
cinco discos de ordenado tumulto sueco, de calor y variedad, de danzas
y romances que no ocultan una profunda y valiente melancolía. En esta
panorámica aparecen junto a las sinfonías, e igual de importantes, sus
famosas rapsodias suecas y suites de ballets, y en cada pieza Alfvén nos
da lecciones de luz y de penumbras. Dicen que es el mejor compositor
que ha dado Suecia tras Berwald; por algo será.
José Velasco
HUGO ALFVÉN (1872- 1960): Las Sinfonías y las Rapsodias / Christina Högman, soprano;
Claes-Håkan Ahnsjö, tenor. Royal Stockholm Philharmonic Orchestra. Dir.: Neeme Järvi / BIS
/ Ref.: BIS 1478/80 (5 CD) D2 x 3 [5 CD AL PRECIO DE 3]

Las lecciones del
Gran Sordo
Ser discípulo de
Beethoven, qué
privilegio. Añado: qué
peligro. En efecto, pocos
maestros de piano mejores
pudo tener Ries, aunque a
componer le enseñó
Albrechtberger. No obstante,
le tocó pasar a limpio unas
cuantas partituras del Gran
Sordo, seguramente que bajo
su control, consejo y
comentario, y todo ello no es
poca enseñanza de la
composición.
Ries aprendió bien las
lecciones, las impartidas y las
otras. Eludió el peligro de
convertirse en la sombra de
Beethoven pero no escapó a
la sabiduría compositiva del
maestro. Baste oír estos tríos y
compararlos con los grandes
ejemplos beethovenianos, el
Archiduque y los Fantasmas.
Se advertirá qué rigor
estructural aprendió Ries,
cómo saca partido en el
desarrollo de cualquier idea
melódica, por mínima que
sea, cómo la enriquece con
variantes, qué provecho
obtienen subiendo y bajando
por las escalas como si
fueran, justamente, imaginarias
escalas, escalas de
puertos, escalas de Jacob para
llegar al Empíreo en
compañía de esos angélicos
porteros que sabemos.
El clásico trío de piano,
chelo y violín tiene una
gloriosa trayectoria que parte
de Mozart y Haydn para
llegar a Mendelssohn y
Brahms a través de
Beethoven. Ries no queda
disminuido por la ilustre
compañía, si nos decidimos a
incorporarlo a ella.
B.M.
FERDINAND RIES (1784-1838): Tríos
con piano Op.2 en Mi bemol mayor y
Op.143 en Do menor / Mendelssohn
Trio Berlin / CPO / Ref.: 777053-2 (1
CD) D5
Ries, Braunfels, Alfano, Sinding... avalancha de inéditos y recuperaciones en CPO
Braunfels comenta
a Berlioz
Olvidado como tantos, el
alemán Walter
Braunfels (1882-1954)
vuelve en los recientes años a
ciertos escenarios que exhuman
ciertos títulos de su extensa
nómina operística, en parte
inspirada por textos clásicos
españoles, como La vida es
sueño y Don Gil de las calzas
verdes. Quizás el eclecticismo
posmoderno le haya «perdonado»
su propio eclecticismo,
contemporáneo de los
extremos fijados por Stravinski,
Hindemith o Schönberg, sus
coetáneos.
Braunfels recibió y cultivó la
herencia tardorromántica, la
que transita el camino señalado
por Brahms y Bruckner, por
ejemplo. Le preocupa, wagnerianamente,
la orquesta.
Demuestra conocerla a fondo y
tratarla con minucia hasta
conseguir sonoridades apoteósicas.
Ello es especialmente
notorio en las Apariciones
fantásticas sobre un tema de
Héctor Berlioz, estrenadas en
1920. En su juventud, había
pensado escribir un «ballet de
pulgas» para Franz Wedekind,
pero el proyecto se disolvió en
la inercia. No obstante, la pulga
siguió en la oreja y estas glosas
a Berlioz parten de la Canción
de la pulga de La condenación
de Fausto berliociana.
Romántica y tardía, pero de
muy otro talante, es la Serenata,
que se sitúa en el mundo
amable de los amores estudiantiles
y nos aleja de las
tinieblas soberbiosas y
demoníacas de Berlioz.
B.M.
WALTER BRAUNFELS (1882-1954):
Phantastische Erscheinungen eines
Themas von Hector Berlioz op.25;
Serenade op.20 / Radio-
Symphonieorchester Wien. Dir.: Dennis
Russell Davies / CPO / Ref.: 999882-2 (1
CD) D2
( 20 )
Alfano sinfonista
Curiosa posteridad es la
de Alfano: su partitura
más conocida y
ejecutada pertenece a una
obra ajena, es el final de
Turandot de Puccini. Y no es
que no tenga su propia
cosecha y muy estimable,
como lo prueban Resurrección
y Cyrano de
Bergerac, entre otros títulos
teatrales que de vez en
cuando integran una
temporada.
Pianista, director de
orquesta y maestro, Alfano
vivió en Alemania y en París
antes de la primera guerra
mundial, en el apacible
mundo social que contemplaba
las batallas de las
estéticas contemporáneas,
anticipo de otras batallas
menos inocuas. Su dominio
técnico y su prudencia
ecléctica le permitieron
discurrir por varios géneros,
entre ellos un par de
sinfonías, estrenadas en 1912
y 1933.
Alfano pertenece a esa
zona del sinfonismo italiano
que va de Martucci a Respighi
y que, cargada de dramatismo
itálico, se vale tanto de la
herencia temperamental del
romanticismo como de la
ciencia instrumental francesa.
En especial, en la Segunda
sinfonía, el homenaje a la
orquesta debussyana demuestra
el hondo conocimiento
que el músico tuvo
de su dispositivo sonoro. No
faltaron a Alfano ilustres
colegas que, dejando el foso
de la ópera, dieron a conocer
sus partituras de orquesta:
Héctor Panizza, Gino Marinuzzi,
Bernardino Molinari.
Seguramente, otros nombres
comparables se irán sumando
a la lista.
B.M.
FRANCO ALFANO (1875-1954):
Sinfonías nº1 Clásica, & nº2 / Orquesta
de Brandenburgo en Frankfurt. Dir.:
Israel Yinon / CPO / Ref.: 777080-2 (1
CD) D2
El noruego
encantador
Había una vez una cosa
llamada charme y que
ahora ha sido sustituida
por el glamour. Sustituida pero
no reemplazada. El charme
imponía la presencia de la
persona o el objeto encantador.
Charmeuse era una mujer en la
corta distancia, una actriz de
teatro, una música escuchada
en la intimidad. Glamour tienen
las estrellas de cine, lejanas
como las estrellas y que
conocemos a través de
reproducciones eléctricas.
La música de Sinding tiene
charme. Aunque la oigamos en
una sala llena de gente,
enseguida nos lleva a la
confidencia de un salón donde
nos hemos quedado solos, por
fin, tú y yo. Además, la deuda -
reconocida y bien pagada- del
compositor noruego con la
escuela francesa -Fauré en
primer término- obliga a evocar
el charme. Largos y desplegados
arcos melódicos, armonías
destiladas, desarrollos imperceptibles
en sus transiciones,
estructuras bien organizadas
que se disimulan en la caricia
de ese canto que Debussy
atribuía a Massenet: la música
que baja a la platea y abraza al
espectador.
Aparte de una sonata con el
consabido armazón, hay una
curiosa suite, Escenas de la
vida, que parece inspirada por
el realismo pero que, al no
aclarar a qué escenas se refiere,
permite al escucha inventarse
una historia, una noveleta de
entrecasa, capaz de rellenar
esas escenas con anécdotas y
personajes.
B.M.
CHRISTIAN SINDING (1856-1941):
Sonatas para violín y piano / Dora
Bratchkova, violín. Andreas Meyer-
Hermann, piano / CPO / Ref.: 999931-2
(1 CD) D5

Vibrante final de la integral de sinfonías de Alexander Glazunov (1865-1936), en BIS
¿Y si prefiero Glazunov a Brahms... qué pasa?
Las mejores sinfonías de Glazunov son tan estremecedoras y
emocionantes como las de un Brahms, y guardan
intrínsicamente la perfección técnica y la
maestría polifónica de un Bruckner. Precisamente
allí reside su principal valor, ya que sólo repetidas
audiciones nos hacen descubrir una
experimentación contrapuntística y una
complejidad interna, escondidas tras cortinas de
elemental sencillez. Estos dos CD reúnen las dos
más fascinantes (Quinta y Octava), la más
introspectiva y meditabunda (Cuarta), y la más «de
cara a la galería» (Séptima). Todas ellas fueron
compuestas antes de los treinta y cinco años,
treinta años antes de la muerte del maestro, es
decir que son obras «de juventud», pues
Glazunov sufrió prematuramente de la
«Maldición de la Novena».
La polémica Séptima es admirada y odiada a
partes iguales. Los que la defienden citan sus
inusitadas combinaciones formales de temas
ingeniosamente elaborados, algunos de un
carácter más bien exótico. Los detractores la
definen como a un paso de la cursilería. Es quizá
la obra más superficial de Glazunov, una especie
de gran ballet en homenaje a Beethoven y puede
que esta característica la afecte. La Quinta es un
poderoso homenaje a la Segunda de Borodin, y
también fue subtitulada como Épica, pero por la
rotundidad de sus ideas y la impactante evolución en la exposición
de sus células melódicas, que culminan en ese peculiarísimo,
pegadizo y caballeresco rondó final, puede muy bien colocarse por
encima de la de Borodin. De hecho es la única sinfonía de
Glazunov que se interpreta de vez en cuando en salas de
concierto.
La Cuarta recibe gracias a Otaka y sus huestes galesas un
tratamiento inusitado que compacta sus tres mágicos movimientos.
Inicio de la integral sinfónica de Rimsky-Korsakov, en BIS
Capricho malayo
( 21 )
De hecho es la primera vez que alguien se toma en serio este
fascinante recorrido de paz interior y trascendencia espiritual, que
incluye algunos temas de un encanto
verdaderamente singular, mezcla entre
orientalismo y coquetas danzas francesas.
Si Glazunov hubiese sido un hombre más abierto,
más viajero y menos ruso, su Octava sinfonía, que
aún casi nadie conoce, estaría colocada en el libro
de la historia junto a las mejores de Tchaikovsky, o
a la Segunda de Rachmaninov. La memorable
partitura, que es la obra maestra absoluta del
compositor, parte de concepciones programáticas
algo difusas: «la lucha del alma humana para
despojarse de toda veleidad y unirse al cosmos»,
en palabras del compositor. Su inigualable
scherzo, que culmina con los que rusos definen
musicalmente como «final de romper el vaso de
vodka», quita el hipo. Pero es sin duda la espiral
incandescente del último movimiento, una especie
de progresivo canon que contiene la célula
musical más maravillosa jamás escrita por
Glazunov, escuetas notas que podrían definir
perfectamente la dignidad del ser humano, la cual
va mutando poco a poco hasta convertirse en una
esperanzadora marcha, lo que convierte a esta
monumental página en algo grandioso y
definitivamente memorable.
Respecto a la joven orquesta de la BBC de Gales, y
la decidida y estudiada dirección de Tadaaki Otaka, sólo se echa
de menos a los metales de la Orquesta del Ministerio de la U.R.S.S.
M.S.-W.
A. GLAZUNOV (1865-1936): Sinfonías nº 4 & 8 / BBC National Orchestra of Wales.
Dir.: Tadaaki Otaka / BIS / Ref.: BIS 1378 (1 CD) D2
A. GLAZUNOV (1865-1936): Sinfonía nº 5 op.55; Sinfonía nº 7 op.77 / BBC National
Orchestra of Wales. Dir.: Tadaaki Otaka / BIS / Ref.: BIS 1388 (1 CD) D2
BIS consigue de nuevo sorprendernos, y esta vez no por descubrir a un remoto compositor, sino por hacer que
interprete sus obras una remota orquesta, la Filarmónica de Malasia, creada en
1998 y fundada por la compañía petrolífera PETRONAS, la cual ofrece unas
versiones de las no tantas veces interpretadas obras orquestales de Rimsky
apabullantes y llenas de vida, de lo cual tiene gran parte de responsabilidad la
dirección precisa, inspirada y brillante del holandés Kees Bakels.
Rimsky desdeñó al refinado Tchaikovsky, amante de todo lo italiano, y para escribir
un colorido poema sinfónico escogió la bruta, exótica y agreste España. Jamás visitó
nuestro país, pero sólo caminando por el Ermitage, entre los lienzos de Velázquez y Goya, y viendo a la
gente bailando y pegándose con garrotes, logró hacerse una idea del palo de que íbamos. Originalmente
escrito para violín y orquesta, la versión definitiva del Capriccio espagnol incluye todo tipo de estereotipos
danzables, castañuelas incluidas, que inspiraron a Ravel pocos años después para su Rapsodia Española.
Entre los compositores del «Grupo de los 5» se solía utilizar el piano para dar juego al «tour de force»
de escribir la composición más imposible de tocar. Son recordadas las rivalidades entre Liapunov y
Balakirev para escribir la página de piano más difícil. Y es precisamente a los Conciertos para piano de
este último, a lo que más recuerda la explosiva pieza que la habitual de la casa sueca, Noriko Ogawa, nos
ofrece sin desmayo: el desconocido y encantador Concierto para piano en Do. Quizá la escasa duración y el excesivo virtuosismo de la
pieza sean causa de que jamás se interprete en concierto.
La ópera El Cuento del Zar Saltán es generalmente recordada por una pieza, de apenas un minuto y medio de duración, titulada El
Vuelo del Moscardón de la que ustedes tienen aquí la oportunidad única y exclusiva de escuchar en su versión original. Sadko no es una
suite de la ópera del mismo nombre, como en el caso del Zar Saltán, sino un poema sinfónico de ambiente oriental, predecesor de
Scheherazade, cuya materia prima musical no fue utilizada en la posterior obra escénica. Al igual que en la Obertura sobre Temas
Litúrgicos, más conocida como Obertura Festival de la Pascua Rusa, un desarrollo programático da pretexto a toda una lujuria de color
orquestal y profusas melodías. En la Obertura, el compositor de Novgorod utilizó música verdadera procedente de la liturgia ortodoxa
rusa. En los fandangos asturianos del Capricho, la utilización de material original es algo más dudosa.
M.S.-W.
RIMSKY-KORSAKOV (1844 - 1908): Capriccio espagnol; Concierto para piano; La historia del Zar Saltan; Sadko; Obertura de la Pascua Rusa / Noriko Ogawa, piano. Malaysian
Philharmonic Orchestra. Dir.: Kees Bakels / BIS / Ref.: BIS 1387 (1 CD) D2

«
Mi música conoce una
suerte singular: cuando
suena, emociona profundamente
a los oyentes; sin embargo, rara
vez se le permite ser
escuchada». Richard Wetz
escribiría estas palabras en 1932,
tres años antes de su muerte.
Inadaptado a su época, apartado durante años en Erfurt, capital de
Turingia, Wetz había nacido en 1875 en Gleiwitz (Alta Silesia).
Aficionado a la música desde niño, Wetz ingresa en el
Conservatorio de Leipzig aunque, decepcionado por la enseñanza
recibida, sólo permanece allí seis semanas. Estudia filosofía,
psicología y literatura y en el otoño de 1899 se traslada a Múnich
para estudiar fuga con Ludwig Thuille. Al año siguiente, y por
mediación de Felix Weingartner, obtiene el puesto de director de
orquesta en el teatro de Stralsund.
En 1906, Wetz alcanza la dirección de la Sociedad Filarmónica
de Erfurt trabajando en la difusión de los músicos «modernos»
durante los diecinueve años siguientes. El triunfal estreno de su
Réquiem en Berlín le vale una nominación para la Academia de las
Artes. Sin embargo, Wetz rechazará el puesto ofrecido en la
Escuela Superior de Música de Berlín: prefiere permanecer en
Erfurt, consagrado a sus proyectos de composición. Una grave
enfermedad bronquial, agravada por el tabaquismo, acabará con
su vida en 1935.
El catálogo de obras de este músico atípico también lo es:
numerosos lieder, un puñado de piezas para piano y órgano, dos
BONGIOVANNI exhuma Los dos tímidos y
La noche de un neurasténico, óperas en un acto de Nino Rota
Neurastenia y amores tímidos
Entre las múltiples habilidades de Nino Rota -música para cine, de
cámara, orquestal- figura la comedia lírica, de la que es prueba
suma una obra maestra: El sombrero de paja de Florencia. No se
trata de un ejemplo aislado, y aquí van dos breves partituras de aquella
línea. Una de ellas, La noche de un
neurasténico, ya fue registrada en
1995, bajo la dirección de Danise
Fedeli en el sello Discántica. La otra,
Los dos tímidos, es una primicia.
Ambas han sido tomadas en vivo, lo
cual acentúa la frescura de la acción,
ya que ésta resulta protagónica.
Los dos tímidos es una versión
moderna, de ambientación barrial y
modesta, en clave de ironía, del
amor cortés: dos jóvenes se aman y
la timidez hace irrealizable su amor,
manteniendo la distancia ideal de la
cortesía amorosa. Un rincón de
vecinos chismosos y artesanos
humildes, encabezados por un zapatero remendón que nos cuenta las
noticias necesarias para que sepamos de qué va la cosa (¿un moderno
Hans Sachs?), sirve de marco neorrealista a la comedia.
Otro clima tiene la obra citada al comienzo, viñeta de un insomnio
neurasténico que acaba en una suerte de pesadilla despierta. En las
dos, el arte de Rota recoge la tradición de la mejor comedia lírica
italiana moderna, que arranca del verdiano Falstaff y pasa por Wolf-
Ferrari, el Puccini de Gianni Scchichi y el Menotti de Amelia va al
baile. Desde la voz hablada, el recitativo, la parodia del vals
sentimental y el jazz, el comentario en ostinato hasta la melodía de
amplio lirismo, todo vale oportunamente para que el compositor nos
muestre su ingenio narrativo, su ciencia teatral, su excelente escritura,
su buena vena cantable.
B.M.
NINO ROTA (1911-1979): I due timidi (ópera en un acto); La notte di un nevrastenico
(ópera en un acto) / Drigo, Battagion, Galli, Testa, Young-Hoon, Lee, Caly / Coro del Teatro
Sociale di Rovigo, Orchestra Filarmonia Veneta G.F. Malipiero. Dir.: Flavio Emilio Scogna
/ BONGIOVANNI / Ref.: GB 2367/68-2 (2 CD) D2 x 2
( 22 )
Concierto para violín y otras obras orquestales, en CPO
Wetz, penúltimo romántico
cuartetos de cuerda, dos óperas olvidadas, varias ambiciosas
piezas sinfónico-corales, un par de conciertos y tres sinfonías
tardías (en todos los sentidos), escritas entre 1915 y 1922.
Si en sus hermosas páginas vocales la herencia schumanniana
es manifiesta y en la ambiciosa trilogía sinfónica (recuperada hace
unos años por CPO) Wetz parece mirarse en el espejo de su
admirado Anton Bruckner -las similitudes temáticas y armónicas o
el tratamiento de los metales evocan sin cesar al maestro de San
Florián-, el tardío Concierto para violín en si menor op. 57, plato
fuerte del presente registro, destaca por su atractivo carácter
rapsódico: canto del cisne del posromanticismo instrumental que
aun en fecha tan postrera (la pieza fue estrenada en Erfurt ¡en
1933!) conserva ecos de Liszt, Brahms o Bruch. Más en sintonía
con la época que lo viera nacer, el breve Sueño de una noche de
verano op. 14 (1904) para coro femenino y orquesta presenta el
vaporoso encanto de una miniatura modernista. Concebido para
barítono, coro y orquesta, Hyperion op. 32 (1912) traslada al
pentagrama las últimas líneas del célebre relato homónimo de
Hölderlin sobre el fondo de un delicado entramado instrumental
que no puede ocultar su impronta wagneriana (Tannhäuser, Oro),
aunque, en ciertos pasajes de la escritura coral, tampoco ande lejos
el Mahler de la Octava.
Jean Marie Viardot
RICHARD WETZ (1875-1935): Concierto para violín op. 57; Traumsommernacht;
Hyperion op. 32 / U. Wallin, violín. M. Koehler, barítono / Kammerchor der
Musikhochschule Augsburg. Staatsphilharmonie Rheinland-Pfalz. Dir.: W. A. Albert /
CPO / Ref.: 999933-2 (1 CD) D2
La Cantata de Navidad y el Te Deum del autor alemán
Mendelssohn coral
Siguiendo con la publicación completa de la música
coral de Felix Mendelssohn, CARUS presenta en este
segundo volumen de la serie dos de las composiciones
sacras menos conocidas del compositor hamburgués, la
Cantata de Navidad y el Te Deum. La primera forma parte
de una serie de cantatas corales escritas entre 1827 y 1832,
en las que el autor actúa con espíritu innovador sobre los
modelos bachianos, y toma el texto luterano de una de las
obras más conocidas
del cantor de Leipzig, la
cantata Vom Himmel
hoch, da komm’ich hier
(Desde lo alto del cielo
vengo yo), unos versos
por lo demás muy
arraigados en el acervo
religioso alemán. La
segunda, sobre el
célebre himno
ambrosiano en latín
que fue tan utilizado
por los románticos
(Berlioz, Bruckner,
Dvorák, Liszt, Verdi…),
al que Mendelssohn se dedicó en 1826 no desde el punto
de vista de la espectacularidad y solemnidad, sino buscando
sus raíces polifónicas.
Las versiones de unos intérpretes tan versados en este
repertorio como el Coro de Cámara de Stuttgart y la
Orquesta de Cámara de Württemberg de Heilbronn
dirigidos por Frieder Bernius, con las valiosas intervenciones
de Krsztina Laki y Berthold Possemeyer, son de una garantía
absoluta para conocer estos hermosos pentagramas.
R.B.I.
FELIX MENDELSSOHN BARTHOLDY: Von Himmel hoch (Obras para iglesia
vol.2) / Solistas. Coro de Cámara de Stuttgart. Orquesta de Cámara de
Württemberg. Dir.: Frieder Bernius / CARUS / Ref.: CARUS 83.104 (1 CD) D2

Las nueve de Atterberg, reunidas en un estuche
a precio especial
Sinfonías del siglo ¿XX?
Compuso nueve sinfonías, de las cuales la
última incluye solistas vocales y coro.
¿Hablamos aquí de un alemán llamado
Beethoven, a comienzos del siglo XIX? No; se
trata de un sueco llamado Kurt Atterberg,
nacido siglo y pico más tarde, ingeniero
eléctrico de profesión, que simultaneó durante
toda su vida su trabajo de composición con su
puesto en la Oficina Sueca de Patentes, del que
se jubiló ¡a los 81 años! Además de su obra
sinfónica, el output creativo de Atterberg -cuya inagotable
energía aún le permitió ocupar puestos burocráticos en
organizaciones suecas e internacionales de compositores para
la defensa de sus derechos profesionales y económicos- incluye
poemas orquestales, conciertos con solistas, ballets, óperas y
música de cámara. CPO -un sello alemán, curiosamente, y no
uno de los prestigiosos sellos escandinavos tan apreciados en
esta casa- se ha convertido en abanderado de su obra: además
de otras muestras de su
genio creativo, la integral de
sus sinfonías así lo acredita;
iniciada su publicación en
2000, sus sucesivos
lanzamientos han sido
puntual y entusiásticamente
comentados por Mel Smith-
Window en estas columnas
(para los interesados, en los
números 80, 87, 92, 104 y
119). Poco añadiremos a
cuanto por él dicho con
motivo de la publicación de
la presente caja de cinco
discos que la presenta de un solo golpe; se trata de una ocasión
única de asomarse a la obra de quien se muestra heredero de
las mejores tradiciones sinfónicas del XIX, con un lenguaje
apenas contaminado por las grandes revoluciones que en la
música y el lenguaje sinfónico se operaron durante su larga
vida: impertérrito, este heredero de Brahms, Bruckner, Dvorák,
Chaikovski, Strauss quizá (ni siquiera Mahler o Sibelius dejan
huella mayor en su obra), prosiguió su camino en su
aislamiento escandinavo, creando sinfonías de dimensiones
perfectamente normales, con una orquesta que no sobrepasa la
de sus antecesores, pero realizadas con una inventiva, una
sensibilidad y una energía admirables. Las seis primeras,
compuestas entre 1908-10 y 1927-28, resultan perfectamente
individualizables y contrastadas entre sí -la interesantísima
Primera, acogida con clamor por los mejores directores del
momento, que se apresuraron a ponerla en atriles; la
trabajosamente conseguida Segunda, objeto de revisiones hasta
alcanzar su forma definitiva en tres movimientos; la Tercera,
evocadores Cuadros de la costa oeste trasladados a estructura
sinfónica, con una de las escenas de tempestad mejor
conseguidas en música; la Cuarta, Piccola, en un solo
movimiento, que reelabora, o más bien trata sinfónicamente,
los materiales populares de base; la Quinta, Fúnebre, y la Sexta,
la famosa Dólar, ganadora, entre quinientas obras de todo el
mundo, del bien dotado concurso organizado por la Columbia
para conmemorar el centenario de Schubert. Tras un salto de
casi tres lustros, durante los sombríos años de la guerra, la
Séptima, la bella Romántica, y la menos interesante Octava,
redondean su producción puramente orquestal, que tendrá un
epílogo coral en la Novena, Visionaria, escrita en 1955-56 para
mezzo, barítono, coro de niños y de adultos sobre textos
legendarios suecos. El director finlandés Ari Rasilainen, al frente
de las orquestas de las Radios de Frankfurt, Stuttgart y
Hannover, pone en pie este magistral políptico sinfónico,
complementado por el sugestivo, imponente poema Älven.
S.S.
KURT ATTERBERG (1887-1974): Sinfonías completas 1-9 · Aelven, Poema
Sinfónico / Radio-Sinfonie-Orchester Frankfurt & NDR Radiophilharmonie. Dir.:
Ari Rasilainen / CPO / Ref.: 777118-2 (5 CD) D14 x 5
Una idea brillante: para conmemorar su 20º aniversario,
ONDINE ha recurrido, no -como sería de esperar- a algunos
entre sus muchos compatriotas, creadores o intérpretes, que
pueblan su catálogo y amenizan la riquísima vida musical finlandesa
con eficaces ejecutorias. Refrendando ese perfil internacional que en
los últimos años viene marcando los
derroteros del sello de Helsinki -con
orquestas como la Filarmónica
Checa, Orquesta de París, Deutsches-
Symphonie de Berlín, etc.-, su
creador, Reijo Kiilunen, se ha
remontado hasta sus estrictos orígenes
-el nombre con que bautizó a su
sello- para presentar un insólito y
atractivo programa Ravel. ¿Ravel?
¿Dónde está la novedad? Pues en que
el disco se abre precisamente con
Ondine, primera de las piezas que
integran el genial Gaspard de la nuit,
obra cumbre del pianismo raveliano
inspirada en las prosas poéticas del olvidado romántico Aloysius
Bertrand (1807-1841), a las que un joven Ravel tuvo acceso a través
de la curiosidad insaciable de su amigo y condiscípulo Ricardo
Viñes. Y no sólo Ondine, sino las otras dos piezas del Gaspard -Le
gibet y Scarbo- nos son ofrecidas, pero -y aquí está lo novedoso- no
en la tradicional versión pianística, sino en una doble y original
aproximación: cada texto de Bertrand es recitado primero por la voz
enormemente sugestiva, pastosa y sensual, de Carole Bouquet (los
cinéfilos recordarán su debut en Ese oscuro objeto de deseo, el
último filme de Luis Buñuel, como alter ego de Ángela Molina), y
luego servida en la lectura orquestal que de la versión exquisita y
brillantísima (raveliana, podríamos decir) que de esas piezas
realizara en 1990 el compositor francés Marius Constant,
recientemente fallecido, ofrece la Orquesta de París a las órdenes de
su actual titular, Christoph Eschenbach, quienes seguidamente nos
brindan -y maravillosamente, además; ¡cómo suenan esas maderas,
tan dulces y acariciadoras!-, ya de manos del propio Ravel, algunas
otras de sus piezas pianísticas por él orquestadas: Le tombeau de
Couperin, Menuet antique, Pavane pour une infante défunte y
Alborada del gracioso. Y, de nuevo, la versión original de la pieza
pianística que da nombre al sello cierra el disco a manos de Tzimon
Barto. Así, tres ondinas -la poética, la orquestal y la pianísticaconcurren
a embellecer el autorregalo de aniversario del que
nuestros finlandeses han querido hacernos partícipes.
( 23 )
Una idea brillante para celebrar los veinte años de un sello ejemplar
El orquestador orquestado, o
Tres ondinas para un aniversario
S.S.
MAURICE RAVEL: Versiones Orquestales de Gaspard de la nuit; Le Tombeau de
Couperin; Menuet antique; Pavane pour une infante défunte; Alborada del gracioso /
Carole Bouquet, narradora. Orquesta de Paris. Dir.: Christoph Eschenbach / ONDINE /
Ref.: ODE 1051-2 (1 CD) D2
DOMENICO ALALEONA (1881-1928): Mirra, ópera en dos
actos / Denia Mazzola-Gavazzeni, Julia Gertseva, Hanna Schaer,
Mario Malagnini, Franck Ferrari, Coro de Radio France, Orquesta
Nacional de Francia, Dir.: Juraj Valcuha / NAIVE RADIO
FRANCE / Ref.: V 5001 (2 CD) D10 x 2

Música de cámara del inexplorado catalán Xavier Gols (1902-1938), en COLUMNA MÚSICA
Allende el regionalismo
La brevedad del ciclo vital del compositor tarraconense Xavier Gols i Solé diagnostica su infortunio:
malogrado a la prematura edad de treinta y cinco años, víctima de una fulminante peritonitis. Hasta
acontecer esta drástica cesación de sus metas, su existencia transcurrió a un fluido pasitrote por
alentadores senderos artísticos. A los preliminares estudios musicales con su
padre (a su vez, local autor de obras de cariz populista), les siguieron diversos
recitales como pianista acompañante o en calidad de solista que le permitirían
dar a conocer, sucesivamente, sus propias composiciones. Las autoridades de su
ciudad natal le concedieron una beca condigna a sus méritos para proseguir su
formación en Barcelona, bajo el magisterio de Blanca Selva y Baltasar Samper, en
alternancia con el ejercicio de la crítica musical en el diario La Nave. Tras ser
aclamado por sus paisanos cual pianista, también triunfó en su actuación en la
barcelonesa Sala Mozart, en mayo de 1930. Coincidiendo con el advenimiento
de la República, un año después y en dicho escenario se presentaría en público
el C.I.C. (Compositors Independents de Catalunya), o Grupo Catalán de la
Generación Musical del 27, integrado por el mismo Baltasar Samper, Eduardo
Toldrá (ambos puros nacionalistas), Roberto Gerhard, Manuel Blancafort, Ricardo
Lamote de Grignon y Federico Mompou, todos ellos reprobadores de un
regionalismo retrógrado, infectado de sentimentalismo burgués y poblado por almibarados payeses atufando
a tomillo, o del folclor de chillón colorido y rechinante pandereta.
Simultaneó Gols la creatividad con funciones pedagógicas desarrolladas en el Conservatorio de Tarragona,
alcanzando la difusión internacional de sus obras en 1935 merced a los conciertos ofrecidos por la pianista
Claire Svecenski en Nueva York, diligentemente transmitidos por Radio Barcelona. Con el estallido de la
sublevación militar de un sábado de 1936, que acarrearía una áspera realidad junto a la imposición del gran
silencio cultural, no se truncó la actividad creativa del compositor, quien concluiría su última partitura en
otoño de 1937 (Tres preludis rurals, para orquesta de cuerda y piano), a cuyo estreno la parca no le permitió
asistir.
COLUMNA MÚSICA demuestra que Gols no es un compositor catalán periférico ni provinciano, con la
edición de un CD que contiene cuatro obras ejemplificadoras: Siete canciones en lengua catalana sobre
poemas de su hermano Joan (extática pieza escrita a los veinte años), Romaní, Melendres, Papasseit, Garcés
y Carner; Suite para piano en cinco movimientos sutilmente reminiscente de líneas galas, acontecida la
primicia barcinonense en 1930; Quinteto con piano en re menor (1934), estructurado en cuatro tiempos con
el tercero subdividido en seis variaciones, el cual le valió el premio de la Generalitat de Catalunya en 1936;
y, por último, las «impresiones para piano» (según la definición de su autor) De les terres altes (1936),
ensamblaje cuatripartito más allá del colorismo. Las encomiables interpretaciones están a cargo de la soprano
Rosa Mateu (ocasionalmente destemplada aunque voluntariosa), el pianista Albert Guinovart -autor de
diversas partituras, como la atmosférica banda sonora del sobrecogedor filme documental de Jaime Camino
Los niños de Rusia (2001)-, y el constituido en 1998 Cuarteto de cuerdas Alla Breve. Desde sus perspectivas,
abren la puerta a un intransitado panorama musical, fertilizado por el sustrato de un auténtico legado popular.
Integral de la obra para piano a cuatro manos de Shostakovich, en DYNAMIC
Dimitri en el país de los soviets
Salvo los Preludios y fugas y las Sonatas, el resto de la obra pianística de Shostakovich está muy poco
difundido. Se trata de un puñado de piezas a las que se suele considerar como miniaturas de un gran pintor
de frescos o joyas diseñadas por un gran arquitecto. Sin embargo, el suyo es sin lugar a dudas uno de los
pianos más expresivos del siglo XX, incluido su repertorio para cuatro manos, cuya integral recoge el sello
DYNAMIC en esta grabación de 2004.La pareja formada por Luisa Fanti Zurkowskaja y Sabrina Alberti aborda
este repertorio con muy buenas intenciones, dulcificando ligeramente el sarcasmo que sazona la música de Shostakovich. Entre 1927 y
1949 apenas compuso para esta formación, y se nota el antes y el después; el contraste entre un salvaje y moderno virtuoso del piano y
un envejecido que sobrevive porque consiguió ocultar su verdad dentro de un brillante júbilo falso. Se contraponen obras de juventud
pensativa, meditabunda y radical del artista en auge con piezas de madurez forzadamente alegre del vigilado.
El fascinante inicio de la Suite op.6, obra indispensable dedicada a su padre, abre este disco, que se cierra con el agradable Concertino
que Shostakovich compuso para su hijo Maxim, en el cual la amargura está sabiamente cosida con la belleza. Entre estos dos extremos
las pianistas nos brindan, entre otras, la polca de la Suite de Jazz nº2, pieza prohibida que Shostakovich logró sacar a la luz bajo distintas
denominaciones.
Zurkowskaja y Alberti echan mano de un distanciamiento tan conveniente aquí como en Satie o Mahler, pues al interpretar estos
autores a menudo se cargan las tintas acentuando indebidamente la potencialidad «romántica» de sus pentagramas. En este caso nos
acercamos a esos peligrosos lindes, afortunadamente sin traspasarlos. La amabilidad en la interpretación atenúa la sátira desenfocándola,
dando un Shostakovich de aristas redondeadas, con más de acuarela que de grabado. Frente a la interpretación vertiginosa de otros
pianistas, estas dos italianas prefieren tempos pausados que restan viveza a la música pero la dotan de profundidad, a sabiendas de que
no son mejores los fuegos de artificio por lanzarse con prisa y desvanecerse al instante, sino los que permiten disfrutar de la magia de
los colores.
DMITRI SHOSTAKOVICH (1906-1975): Obras completas para dos pianos y piano a cuatro manos / Luisa Fanti Zurkowskaja, Sabrina Alberti, pianos / DYNAMIC / Ref.: CDS
464 (1 CD) D2
( 24 )
José Luis Gómez Lozano
XAVIER GOLS (1902-1938): Suite para piano; De les terres altes; Canciones; Quinteto en Re menor / Rosa Mateu (soprano), Albert Guinovart
(piano), Cuarteto Alla Breve / COLUMNA MÚSICA / Ref.: 1CM0129 (1 CD) D2
L.V. BEETHOVEN: Integral de las
sinfonías Vol.1 / Sinfonías 4 & 5 /
Minnesota Orchestra. Dir.: Osmo
Vänskä / BIS / Ref.: BIS 1416 (1
SACD) D2
EL NOVENO DÍA: Música de Alfred
Schnittke para el film de Volker
Schlöndorff (Concerto grosso nº 1
Cello Concerto nº 1) / Varios solistas,
orquestas y directores / BIS / Ref.: BIS
1507 (1 CD) D2
J.V.

Soberbio recital de músicos catalanes a cargo del pianista
Mac McClure, en COLUMNA
Amigos para siempre
Mompou, el viejo Mompou, aparece más joven que
nunca bajo la mirada dulce y agresivamente elegante
de Mac McClure. Este norteamericano de nacimiento,
afincado en Barcelona desde hace ya muchos años,
comprende nuestro piano con una notoria claridad, fruto en
gran medida de haberse formado aquí con maestros de la talla
de Alicia de Larrocha, entre
otros muchos. Dosifica la
suavidad melancólica y la
tradición danzable y popular
con seguridad y consciencia, y
en esta grabación lo aliña todo
con un cariño expreso hacia las
piezas que ha elegido. McClure
dispone de un toque que
transmite, inquieto, cinético,
siempre en movimiento.
Encuentra en estos pentagramas
cosas que Federico Mompou no
mostró en sus propias
grabaciones al piano, y eso es
algo digno de mención. No obstante, la parte del león en esta
moderna grabación se la llevan esos otros compositores
coetáneos de Mompou, catalanes de nacimiento o de corazón,
amigos o conocidos del maestro, y relacionados con la
Academia Marshall de Barcelona.
El resultado final es tan interesante que se hace difícil elegir
entre el schumanniano Marshall de Goig de joventut, la
interesantísima rítmica percutiva del Bolero de Surinach, o el
Debussy maravilloso de Mompou en Misterios. La vivacidad
infantil llena de color en estampas como El escarabajo de
Lamote de Grignon, la Polka del equilibrista de Blancafort o
las Historietas de Massana, mientras la belleza se refugia en
Vols d’orenetes de Marshall, y Mompou vuelve a asombrarnos
con la profundidad de Calma. Todo esto sin hablar de Esplá,
Nin-Culmell, y los que quedan. Las obras suenan nuevas,
frescas, sin salirse en absoluto de la tradición técnica, y
McClure da a cada pieza un carácter propio y distinto que
evita la monotonía en que suelen caer este tipo de recitales.
Una pista multimedia en la cual podemos contemplar
instantáneas de Mompou y su entorno ó enlazar con varias
páginas web relacionadas con esta grabación es el broche
final que complementa este disco tremendamente agradable.
J.V.
MOMPOU & COMPANY: Obras españolas para piano del siglo XX de Mompou,
Turull, Garriga, Lamote de Grignon, Morera, Blancafort, Esplá, Massana, Nin-
Culmell, Marshall, Torra y Surinach / Mac McClure (piano) / COLUMNA
MÚSICA / Ref.: 1CM 0135 (1 CD) D2
ENRIQUE FERNÁNDEZ ARBÓS (1863-1939): La obra orquestal
(Bolero; Tres piezas para violín y orquesta; Pequeña suite
española + Fernández Arbós dirige su propia música -1928-) / Ara
Malikian, violín. Orquesta Sinfónica de Madrid. Dir.: Jesús López
Cobos / VERSO / Ref.: VRS 2027 (1 CD) D2
Los ocho Concerti per orchestra
constituyen la culminación del catálogo
de Goffredo Petrassi. Al cubrir un arco de
tiempo de casi cuarenta años, desde 1933
hasta 1972 (aunque cuatro de ellos se
concentran en la década de los cincuenta),
constituyen también un fiel reflejo de la
evolución estética del músico italiano. Antes
que Bartók, Petrassi utiliza el término
«concierto» en su significado originario: con él indica no una pieza
para solista y orquesta sino una obra basada en la confrontación -ora
serena y cómplice, ora dramática- entre los instrumentos que la
componen.
Si los dos primeros Concerti (1933-34; 1951) se inscriben en la
fase neobarroca (el primero) y neoclásica (el segundo) del
compositor, el tercero (1952-53), titulado Récréation concertante,
manifiesta ya rasgos muy originales,
sobre todo aquella predisposición
hacia el diálogo instrumental -aquí
enmarcado en un contexto de
sonriente levedad- que será desde
entonces una de las señas de
identidad de la poética de Petrassi.
El Quarto concerto (1954) recurre a
las cuerdas y pone de manifiesto la
derivación de la bartókiana Música
para cuerda, percusión y celesta.
El Quinto concerto (1955) y el
Sexto (1956-57), este último
llamado Invenzione concertata, son
posiblemente los más conseguidos
de todo el ciclo y muestran al Petrassi más inspirado, rebosante de
invenciones tímbricas y refinados detalles instrumentales. El sexto,
con sus dimensiones reducidas, es una obra maestra recorrida por
violentas sacudidas, misteriosos e inasibles posos líricos. El Settimo
concerto (1961-64) tiene carácter de síntesis; Petrassi pensaba
concluir aquí su ciclo de los Concerti, sin embargo volvió una vez
más (1970-72) a retomar el género, enriqueciendo la serie con un
último golpe maestro.
Los Concerti son el testimonio de un músico que atraviesa el siglo
XX, observando y meditando sobre sus tragedias y contradicciones.
Hay un primer Petrassi vigoroso y confiado tanto en el espíritu como
en la letra de la tradición. Hay un segundo Petrassi que pasa por la
experiencia trágica del conflicto bélico y por las sucesivas crisis del
lenguaje musical (dodecafonía, serialismo...). El compositor
reacciona ante los hechos con la elaboración de un lenguaje de
inquieta movilidad, atomizado y evanescente, a la vez misterioso y
alusivamente clásico como las pinturas de De Chirico. Ahí también
está su soberano dominio del contrapunto y de la orquesta (¡qué bien
escribía Petrassi para las cuerdas y los metales!).
Hasta ahora la única integral de los Concerti era la de Zoltán
Peskó, realizada en los años setenta con tres orquestas diferentes: un
documento sonoro pionero y de capital importancia, que sin
embargo distaba mucho de ser redondo. La no excelsa calidad de la
grabación y los pequeños desajustes interpretativos se sumaban a la
problemática circulación dentro del mercado discográfico
(recientemente lo ha vuelto a reeditar la Warner italiana pero no está
disponible en España). La nueva versión de Arturo Tamayo con la
Orquesta de la Radio Holandesa (un conjunto que tan buenas
pruebas ha ofrecido en el repertorio contemporáneo) salda por fin
una deuda importante con uno de las ciclos más relevantes de la
música italiana de la segunda mitad del siglo XX. Y lo hace con todos
los papeles en regla. Más que su coetáneo Dallapiccola (con quien
compartió centenario el año pasado), Petrassi ha sido un autor
bastante bien tratado por el disco. Lo que quizá más se echaba de
menos era precisamente un repaso más brillante de sus Concerti per
orchestra. Ahora lo tenemos.
( 25 )
Arturo Tamayo graba para STRADIVARIUS la integral de los
Conciertos para orquesta de Petrassi
El testimonio de un siglo
S.R.
GOFFREDO PETRASSI (1904-2003): Concerti per Orchestra (integral) / Netherlands
Radio Symphony Orchestra. Dir.: Arturo Tamayo / STRADIVARIUS / Ref.: STR 33700 (1
CD) D2 x 2

BONGIOVANNI insiste en reivindicar a uno de los más
importantes autores de música religiosa del siglo XX
El joven Perosi
La carrera de monseñor Lorenzo Perosi duró unos sesenta
años y está colmada de títulos que demuestran la
constancia laboriosa de una estética firmemente asentada
en herencias clásicas a las cuales sirvió y
que nunca lo abandonaron ni le fueron
infieles. Fidelidad y permanencia no
siempre van juntas y muchos matrimonios
lo prueban. El célibe don Lorenzo tuvo un
conyugado eficaz con su música.
Desde luego, tan larga tarea debió
empezar pronto y así lo testimonia La
resurrección de Lázaro, estrenada en la
veneciana Fenice en 1898 con apoteósico
resultado, cuando el autor apenas contaba
veintiséis años. El arreglo de los textos
sagrados en latín como libreto de un oratorio no es su menor
acierto. Ya sabemos que Perosi siempre trabajó en la frontera
que separa y vincula, al mismo tiempo, la acción dramática y
el recitado oratorial.
Para resolver el encuentro Perosi no vacila en poner en
escena al propio Jesucristo, conducido por un narrador entre
variables compañías, entre ellas dos femeninas, Marta y María,
en tanto el coro hace las veces de un ser colectivo y
participante, inspirado en la tragedia griega, sólo que aquí el
final es un triunfo del amor sobre la muerte: quien ama
demanda la inmortalidad y el Gran Amado de la fábula, Cristo,
así lo promete a sus seguidores, es decir a sus enamorados.
Las armonías son límpidas; los recitados, cuidadosos; la
orquestación, útil y aseada. La construcción sigue el relato
evangélico pero lo respeta en la misma medida que lo utiliza.
Los años han traspuesto la popularidad de la obra, pero la
minuciosa labor del compositor sigue en pie, dentro de los
límites que se impuso y aceptó.
De muy otra índole es el himno con solistas, coro y orquesta
que compuso en 1936 sobre versos de Augusto Antonio
Vicentini Il gran sasso d´Italia, que puede traducirse como La
gran roca o gran piedra de Italia. Es una alabanza a los paisajes
italianos de alta montaña, que simbolizan la eminencia y
perduración nacionales en medio de propicias primaveras y
desafiantes tormentas. La forma comprometida recuerda las
antiguas antífonas, en que las voces aisladas son replicadas por
el coro, situados ambos en los extremos de un imaginario
crucero de templo al aire libre, que se va construyendo con
sonidos a medida que se desarrolla.
B.M.
LORENZO PEROSI (1872-1956) : La Risurrezione di Lazzaro (Oratorio, 1898); Il
gran sasso d´Italia (Himno, 1936) / Puddu, Camastra, Guidotti, Gavarini, Popescu.
Coro I Polifonici. Orchestra Sinfonica Nuova Cameristica di Milano. Dir.: Arturo
Sacchetti / BONGIOVANNI / Ref.: GB 2364/65-2 (2 CD) D2 x 2
Recital cubano con Lecuona como polo central, en COLUMNA MÚSICA
Esa nostalgia tan familiar
Apesar de haber cosechado una vida de éxitos, tanto en su faceta
de director como en la de compositor, la figura del brasileño
Mignone es actualmente una sombra perdida. Pertenece al
grupo de compositores, como el también recientemente relanzado
Guarnieri, que fueron eclipsados por la
figura oficial de la música brasileña: Villa-
Lobos. Nada tiene que envidiar, sin
embargo, al rey de las Bachianas. Evitando
el saudade de éste, incluso en los momentos
más dramáticos, la música de Mignone está
invadida por una placentera felicidad,
dedicada a una alquimia de colores tonales
y sensuales ritmos. Y en comparación con la
rigidez de Guarnieri, la de Mignone es una
música mucho más sensual y sincera, y
también más directa.
De su instrucción italiana, Mignone
hereda la paleta de colores de Respighi y las combinaciones corales
saturadas de Puccini. Y a todo ello se le añade, por primera vez en la
música brasileña, la introducción de los ritmos violentos y las
obsesiones dinámicas de la música africana, sobre todo en el período
denominado «fase negra», al que pertenecen las exuberantes
composiciones recogidas en este singular CD. La Festa das Igrejas está
sin duda inspirada en los Pinos de Roma respighianos en cuanto a su
estructura y carácter: cuatro movimientos «non-stop» que evocan,
lógicamente, cuatro iglesias de cuatro regiones de Brasil.
Espiritualidad, modinha, y extraordinaria voluptuosidad melódica
desembocan por supuesto en el apoteosis final de la Iglesia de Nossa
Señora do Brasil, en Aparecida.
Tras una escueta Sinfonía Tropical, emparejada con la Selva del
Amazonas villalobiana, escrita el mismo año, en cuanto a su
modernista aproximación de sonidos reales y efectos sonoros de los
instrumentos, llegamos al espectacular ballet Maracatu de Chico Rei,
para orquesta y coro. El argumento sería perfecto para el ballet de
Harlem: un grupo de esclavos de Angola construyen la iglesia de
Nuestra Señora del Rosario, en Vila Rica, a cambio de su liberación.
Sobra decir que la obra es de una frescura deliciosa, pura euforia
dionisíaca, y en cualquier momento esperas ver salir de los altavoces
a los Tres Caballeros, Xavier Cugat y cientos de Señoritas ataviadas con
sombreros de frutas. Pocas veces la conjunción de las tres razas del
Brasil: portuguesa, india y africana, se han visto expuestas con tanto
equilibrio a través de sus ideas musicales como en este caleidoscópico
ballet, en el que incluso hay alguna referencia al Pájaro strawinskiano.
Una obra que les dejará con la boca abierta y planteará de nuevo la
eterna pregunta sin respuesta: ¿por qué no se había grabado nunca
antes?
( 26 )
Obras sinfónicas de Francisco Mignone (1897-1986), todo un
redescubrimiento de BIS
Orfeo Negro
M.S.-W.
FRANCISCO MIGNONE (1897-1986): Maracatu de Chico Rei (ballet), Festa das Igrejas &
Sinfonia Tropical / Coro y Orquesta Sinfónica de Sao Paulo. Dir.: John Neschling / BIS / Ref.:
BIS 1420 (1 CD) D2
Éste es un disco en blanco y negro, con terraza y pérgola de buganvillas sobre la costa y la luna tropical
reflejándose en la tapa del piano. Dos Moráguez, Pilar y Arabel, soprano y pianista respectivamente, nos
ofrecen este recital cubano, llevándose él más merecimientos, por las siete danzas para el instrumento a solo
(casi la mitad de las piezas) que jalonan esta colección de romanzas y canciones.
El maestro Ernesto Lecuona, que fue paradójicamente descubierto por mucha gente de las recientes
generaciones a raíz de figurar alguna composición suya en una película no musical, Fresa y chocolate, acapara un
tercio y el título de esta grabación del sello COLUMNA MÚSICA dedicada a la música cubana de salón, de esas
veladas íntimas que duraban años, tanto como de mediados del XIX hasta los años 50, como último reducto de un romanticismo amoroso
y bien visto. Los sonidos y las fotografías nos traen la imagen de Lecuona como un Cole Porter latino, seductor y dandy (¿nadie ha
señalado la gran semejanza física entre Lecuona y Heitor Villalobos?), empapado a partes iguales de tradición europea y raíces
afrocubanas. El incisivo piano de Arabel acompaña la aguda voz de Pilar en este puñado de piececitas de salón nocturno y caribeño, en
el que caben desde melismas que recuerdan a Ima Sumac (Canto Indio) a joyas como la canción que da título al disco (A la antigua)
Los otros seis autores que recoge este muestrario nos dan cuenta de la riqueza melódica brotada en el seno de la isla, con gente tan
importante como Saumell y Cervantes en cuanto al repertorio pianístico o Gonzalo Roig con sus zarzuelas. Música de compositores
cubanos servida por dos jóvenes artistas de la isla, buenos conocedores de su patrimonio, tan prestigioso como realmente desconocido
por buena parte de los aficionados.
ERNESTO LECUONA (1896-1963): A la antigua (Recital de canciones y danzas con piano) + canciones de Grenet, Roig, Cervantes, Sánchez de Fuentes, Saumell y Casas Romero
/ Pilar Moráguez (soprano), Arabel Moráguez (piano) / COLUMNA MÚSICA / Ref.: 1CM 0121 (1 CD) D2
J.V.

TOMÁS GARRIDO
VERSO se lanza a la edición de la música española de hoy
Pues va a ser que sí
Debemos felicitarnos por la tan valiente
como necesaria iniciativa del sello
VERSO de comenzar -¡por fin!- a
publicar la obra musical de algunos de los
compositores/as españoles de indiscutible
relieve artístico pertenecientes a las
generaciones de los nacidos en los 50 y 60, es
decir, de artistas vivos que están en plena
efervescencia creadora, nombres consolidados
que ya llevan tiempo sonando en los escenarios,
en compañía de otros valores emergentes de
indiscutible categoría e interés. Salvando los no
pocos escollos que conlleva la gran empresa de publicar un disco,
he aquí los cuatro primeros monográficos que inauguran esta
colección que esperamos y deseamos mantenga una continuidad no
sólo en cuanto a autores de verdadero talento, también en la calidad
de la interpretación, algo en lo que, por fortuna, se ha crecido
enormemente durante estos últimos años, sin lugar a dudas.
Y el primer ejemplo ha sido el interesante monográfico César
Camarero (Madrid, 1962) dedicado a su música de cámara, que ya
fue objeto de un artículo anterior firmado por Javier Palacio (Diverdi
130). Un registro éste lleno de sorpresas, buenas ideas, misterio y
riqueza expresiva, en el que abundan los perfiles bien definidos
conjugándose sutilmente con la hondura de las sombras y que
Fabián Panisello y el Plural Ensemble desentrañan con una cada vez
mayor sabiduría.
Y dedicado asimismo a la música de cámara actual, el inquieto y
formidable acordeonista Iñaki Alberdi (Irún, 1973), interpreta este
registro colectivo en el que se incluyen obras muy recientes
compuestas entre los años 2000 y 2003, y que abre con Accentus,
un intenso dúo con piano en el que Jesús Torres explora timbres,
formas de diálogo y enfrentamientos en permanente variación.
Gabriel Erkoreka aparece en el programa con dos obras, Kin y
Soinua; en la primera, violonchelo y acordeón emulan y al tiempo
trastocan y distorsionan expresivamente las sonoridades de dos
instrumentos de la China clásica, mientras que en la segunda el
piano hace su labor contrastante jugando elegantemente con
yuxtaposiciones de distinta índole. En Dhamar, de José María
Sánchez Verdú, el acordeón y el saxo alto buscan complicidades en
un íntimo, secreto y poético encuentro.
También están presentes los imaginativos presentes interiores a
solo de Zuriñe F. Gerenabarrena, con Izpi, o Aztarnak, de Ramón
Lazkano.
Culmina este estupendo registro Sobre la noche, de David del
Puerto, obra en la que la brillante voz de Pilar Jurado se conjuga y
refleja con la del acordeón de modo intenso dentro de una
meditativa, poética y solitaria atmósfera.
Obras a solo es el título del monográfico de Tomás Garrido (La
Rioja, 1955), músico polifacético, que ha tocado muchos palos,
desde el pop a sus estudios del Renacimiento y Barroco, o desde el
jazz a la última vanguardia; su música es una coherente fusión de
las distintas experiencias asimiladas y articuladas desde la emoción
y escritas con un encomiable sentido de la transparencia y la
lucidez, como inmediatamente se aprecia en Sonata de
Lamentatione, obra del carácter y sentimiento religioso a la que
ZULEMA DE LA CRUZ (n.1958):
Concierto nº1 para piano y orquesta,
Atlántico; La Luz del Aire; Latir Isleño;
Soledad / Guillermo González (piano),
Orquesta Filarmónica de Helsinki,
Proyecto Gerhard, Czech Virtuosi, Dirs:
Leif Segerstam, José de Eusebio / COL
LEGNO / Ref.: WWE 20242 (1 CD) D1
JOSÉ LUIS TURINA (n.1952): Concierto
para piano y orquesta; Concierto para
violín y orquesta / Guillermo González
(piano), Víctor Martín (violín), Orquesta
Sinfónica de Tenerife, Dir.: Víctor Pablo
Pérez/ COL LEGNO / Ref.: WWE 20241
(1 CD) D1
( 27 )
infunde vida el soberbio violonchelo -
como no podía ser menos - de Lluís
Claret. Una cita de Heráclito motiva la
ligera y grácil Del Fuego, para
marimba, a la que sigue una Partita
para el estupendo violín de Miguel
Borrego. La flauta ocupa intensamente
su lugar en Salva las Diferencias y, a
caballo entre el rigor y lo imaginativo,
entre las formas del Renacimiento,
Barroco, y lo actual, se sitúa Recercada
sobre el Canto 11° del Morrón de la
Noche, para saxofón. Lluís Claret
cierra el álbum con una pieza
estructurada en frases breves inspiradas
en el haiku y con un aire muy
contemporáneo de lirismo subyugante.
Y recién salido del horno nos llega la grabación de la obra
completa para piano de Santiago Lanchares (Palencia, 1952),
compositor de auténtico relieve y madurez, cuya música, sin ocultar
sus deudas con Bartók, Stravinski o Ligeti, es clara, fresca, ágil, de
color exuberante, con brillantes y complejos ejercicios de ritmo y
armonía que se despliegan en el tiempo y en el espacio con una
franqueza y honestidad dignas de elogio. Lanchares se ha apartado
voluntariamente de la escala cromática de doce notas y del
ultracromatismo por entender sus limitaciones, revindicando, a su
modo, el ritmo (¡y la velocidad!) del que es un consagrado maestro,
la melodía y aquello que se puede cantar, bailar y gozar
abiertamente. Y esta actitud se va reflejando cronológicamente con
mayor definición en cada una de las diez piezas para piano de su
carrera que reúne este disco sin desperdicio desde su opus 1, Cinco
Amigos (1984), a la gracia sincopada de Dodecaedro Irregular,
atravesando por su bella y ambiciosa Sonata, para desembocar
explosivamente en Anandamanía, de endiablada técnica, impulso
rítmico y velocidad; o su más nueva y contundente Renacimiento de
Castor (2004), de contagiosa alegría de vivir. Música virtuosa, llena
de vigor, que interpreta gloriosamente este pianista ya
imprescindible en la vida musical española e internacional que es el
indonesio Ananda Sukarlan, al que admiramos sin reservas por su
descomunal talla artística. Está impresionante.
Bravo por todos. Esta vez va a ser que sí.
Manuel Luca de Tena
TOMÁS GARRIDO (1955): Obras a solo / Lluís Claret, violoncello. Juan José Guillém,
marimba. Miguel Borrego, violín. Salvador Espasa, flauta. Urbano Ruiz-Alejos, saxo /
VERSO / Ref.: VRS 2020 (1 CD) D2
MÚSICA DE CÁMARA ACTUAL: Obras de Jesús Torres, Miguel Ituarte, Gabriel
Erkoreka, David Apellániz, Ramon Lazkano, José Mª Sánchez-Verdú, Gabriel Erkoreka,
Zuriñe F. Gerenabarrena / Pilar Jurado, soprano. Iñaki Alberdi, acordeón / VERSO / Ref.:
VRS 2023 (1 CD) D2
CÉSAR CAMARERO: Música de cámara (Cámara lenta; Finale; Poema; reverso 2; Luz
azul; Chorro de luz...; Klangfarbenphonie) / Plural Ensemble Dir.: Fabián Panisello /
VERSO / Ref.: VRS 2016 (1 CD) D2
SANTIAGO LANCHARES (n.1952): Obra completa para piano: Anandamanía; Dos
piezas para Alicia; Dos danzas y un interludio; Cinco amigos; Dodecaedro irregular;
Sonata para piano; En el sendero; Dos invenciones; Contra la corriente; Renacimiento
de Castor / Ananda Sukarlan (piano) / VERSO / Ref.: VRS 2028 (1 CD) D2
KATIA TCHEMBERDJI (n.1960): Sonata
para clarinete y piano; Atem und Puls;
Trio para clarinete, cello y piano; Tag und
nacht; Widmung / Natalia Gutman
(violoncello), Katia Tchemberdji (piano),
Eduard Brunner (clarinete), Mieko
Kanesugi (soprano) / COL LEGNO / Ref.:
WWE 20203 (1 CD) D1
MICHAEL DENHOFF (n.1955):
Hauptweg und Nebenwege (Camino
principal y caminos secundarios),
bocetos op.83 para cuarteto de cuerda y
piano / Cuarteto Vogler, Birgitta
Wollenweber (piano) / COL LEGNO /
Ref.: WWE 20029 (1 CD) D1

Cinco piezas para conjunto de Xenakis, en MODE
Arcana Mundi
Al igual que el subconsciente humano, la música
de Iannis Xenakis parece estar surcada
constantemente por impulsos fluctuantes
enfrentados entre sí, por representaciones que se
originan y disuelven de inmediato, por objetos
inmateriales, sonoros para el caso, que se
metamorfosean dejando percibir una inmensa
variedad de brillos y colores; el pasado se enlaza aquí
con el presente, la sensualidad con el intelecto, lo
primitivo con lo sofisticado, lo más despojado con lo
más exuberante... Todos estos elementos están
presentes en estas cinco magníficas piezas que nos
sirve el ST-X Ensemble Xenakis, dirigido por Charles
Zachary Bornstein, una destacable formación
norteamericana
especializada en el
repertorio del
compositor griego; sus
lecturas son desde
luego rigurosas,
precisas, pero a la vez
vibrantes.
Plekto (1993), para
flauta, clarinete, piano,
percusiones, violín y
cello, es una
composición erizada,
cambiante como un
sueño agitado, en la
que entran en tumultuoso diálogo las seis voces
intrumentales. Los tambores se niegan a integrarse en
el conjunto, el piano y la batería no dejan de
hostigarse y obligan al resto a desarrollar sus propios
patrones rítmicos, configurándose un espacio
psíquico tan poderoso como violento. Eonta (Seres,
1962-1963), para piano solo, dos trompetas y tres
trombones, rebosa matices tímbricos y efectos
luminosos, generando intrincados contrapuntos a
veces serenos pero casi siempre tempestuosos,
registros sin pausa ascendentes y descendentes,
staccatos y glissandi, silencios rotos y crisis sonoras
desactivadas un acorde antes de estallar. Akhantos
(Espinas, 1977), para soprano, dos flautas, dos
clarinetes, piano, dos violines, cello y contrabajo,
resulta por el contrario más calma y lírica, aunque
eso sí, nos referimos a ese lirismo enigmático e
hipnótico característico de ciertos rituales religiosos
antiguos. Y es que, en efecto, un mundo arcano es el
que se recrea aquí. La voz, una especie de plegaria
cósmica, participa a manera de instrumento
perfectamente inmerso en el oscuro tejido sonoro de
la pieza. Rebonds ‘’b’’ y ‘’a’’ (1987-1988), para
percusión solo, es un prodigio de sensualidad y
expresividad rítmica, que precisa no sólo habilidad
sino también alguna dosis de energía; quizá Robert
McEwan, notable intérprete por otra parte, peca un
tanto de falta de pegada: un poco más de músculo y
robustez sería de agradecer en esta composición que
desdeña a los espíritus timoratos. Por último,
N’Shima (en hebreo respiración, aliento, alma), de
1975, para dos voces y dos coros amplificados,
violoncello amplificado y dos trombones, es otra
pieza importante dentro de la producción de Xenakis.
Impregnada de una fuerte atmósfera mistérica, las
voces ofician una especie de misa pagana silábica
sobre un fondo instrumental discontinuo, de rítmica
disonante, entreverándose y separándose a lo largo
de su desarrollo. Articulada en espirales de intensidad
variada, ora creciente ora decreciente, la obra puede
dejar con el ánimo literalmente suspenso al oyente.
Varios Xenakis, pues, nos propone esta grabación:
pero todos ellos extraordinariamente atractivos y
envolventes.
J.P.
IANNIS XENAKIS (1922-2001): Ensemble Music vol.1 (Plektó, Eonta,
Akanthos, Rebonds «b» & «a» & N’Shima) / ST-X ensemble. Dir.:
Charles Zachary Bornstein / MODE / Ref.: MODE 053 (1 CD) D1
Si hablamos del músico británico Brian Ferneyhough (Coventry, 1943)
hablamos, sobre todo, de pensamiento musical complejo, arriesgado y
radical en múltiples aspectos, y de gran mordiente. Obviamente, esto
plantea para sus intérpretes no pocas dificultades
técnicas y, quizá, algún dolor de cabeza, por la
absoluta atención que deben prestar a los detalles, al
gran trabajo de orfebrería y a la exhaustiva
exploración de las posibilidades de los instrumentos,
las texturas y metamorfosis que demanda el
compositor.
El virtuoso islandés Kolbeinn Bjarnason, que ha
trabajado codo con codo con Ferneyhough, compone
este monográfico con obras para piccolo, flauta y
flauta baja, con piezas cuyo lenguaje parte del
serialismo integral para desarrollarse en distintas
direcciones de modo muy personal. Encontramos así
el magisterio del Webern atonal en Four miniatures
(1965), para flauta y piano, pero articulado de un modo ágil e informal. O la
convergencia de dos estructuras, una escrita y determinada, y otra proyectada
libremente por el intérprete, en Cassandra´s Dream Song. Otra vuelta de tuerca
supone la virtuosística Unity Capsule (1975-76), con una estructura polifónica
que se estratifica, ramifica y se transforma desde el silencio a la densidad.
Carceri d´invenzione (1981-86), interpretada en su totalidad la temporada
pasada en Madrid, es un heterogéneo ciclo de siete composiciones para solistas
inspirada en los espectaculares grabados de Piranesi, de barroca complejidad en
un espacio que fluctúa entre lo real y lo imaginario. Así, explora el compositor
los límites del sonido agudo del píccolo en Superscriptio a través de velocidades
y perspectivas variables, mientras que Carceri d´invencione II b, para flauta, es
una pieza modular de rigurosa estructura que permuta cíclicamente con
acusadas dinámicas y riqueza en su articulación. Finaliza Mnemosyne, para
flauta baja y otras ocho flautas bajas pregrabadas en cinta, que actúan como
fondo tonal ofreciendo distintas formas y posibilidades de sincronización. La
obra, inspirada en la diosa de la memoria, ofrece, comparativamente, un
desarrollo más lento, armónico y envolvente.
La densidad e interés de esta música hace recomendable una escucha
paciente y atenta a los matices. Merece la pena.
( 28 )
BRIDGE edita un intenso monográfico Ferneyhough
La flauta y sus laberintos
M.L.T.
BRIAN FERNEYHOUGH (1943): Música para flauta (Four Miniatures; Cassandra’s Dream Song; Unity
Capsule; Superscriptio; Carceri d’Invenzioni IIb; Manemosyne) / Kolbeinn Bjarnason, flautas. Valgerour
Andrésdóttir, piano / BRIDGE / Ref.: BRIDGE 9120 (1 CD) D2
El «violín preparado» de John Cage, en MODE
Armónicos
Son varios los motivos que convierten esta
grabación de One8 para violonchelo solo, de John
Cage, en excepcional: está interpretada por
primera vez con un arco curvo que permite tocar
simultáneamente tres o incluso las cuatro cuerdas del
instrumento, tal como Cage requería, siendo además el
violonchelista Michael Bach, el creador de este
singular arco al cual, por otra parte, está dedicada la composición. De hecho,
la obra nace del trabajo conjunto de ambos músicos, de la exploración de
cincuenta y tres sonidos y sus particulares componentes: los tonos, las alturas y
los armónicos producidos al mismo tiempo y de manera del todo inusual por el
ataque del arco curvado. El método de trabajo era más o menos sencillo:
Michael Bach suministraba información a Cage sobre el «abanico de
posibilidades» para cada tono y cada sección; éste elegía de manera aleatoria
las cuerdas a pulsar, las notas (de una a cuatro) y su altura. De algún modo,
podemos ahora recuperar la experiencia original de unas condiciones acústicas
inéditas, tal como debieron experimentarlas Cage y Bach en el instante de
creación de la pieza, hacia 1990.
Como podemos leer en el libreto, «los sonidos conseguidos son de lo más
variado: simples, complejos, ordinarios, extraordinarios, robustos, frágiles, etc».
Y es que estamos ante una investigación casi de carácter fenomenológico sobre
la naturaleza del sonido, ante un manual de discernimiento y posible disfrute de
tonos y armónicos; se trata por lo demás de un experimento hasta cierto punto
radical, quizá no gozoso para determinados oyentes aunque sí para cualquier
seguidor de la obra de John Cage.
JOHN CAGE (1912-1992): One (para violonchelo solo con el arco BACH - escrito para Michael Bach)
/ Michael Bach, cello con arco curvo BACH / MODE / Ref.: MODE 141 (1 CD) D1
J.P.

Perelà, uomo di fumo, del actualísimo Pascal Dusapin, en MONTAIGNE
Una ópera para el siglo XXI
Pascal Dusapin (Nancy, 1955) es uno de los compositores franceses más
prolíficos y brillantes de nuestros días. Alumno de Xenakis, su creación
ha seguido líneas muy distintas a las de su maestro, a la búsqueda de un
lenguaje que aclarara el panorama de la vanguardia de su país, mediatizado
quizá por una dogmática actuante durante mucho tiempo y no tanto
empobrecedora de la realidad cuanto guardiana de sus propias ideas. Perelà
es la cuarta de las óperas escritas hasta la fecha por Dusapin. El libreto está
basado en Il codice di Perelà -un personaje, el que le da nombre, llamado también «El hombre de humo»-, un
libro de culto del escritor italiano Aldo Palazzescchi, una fábula teñida del futurismo de la época -apareció en
1911 bajo los auspicios de Marinetti- y que es a la vez, una farsa, una alegoría, una novela y una fantasía
poética.
El trabajo de Dusapin en relación a la obra de Palazzescchi destaca por su tratamiento del personaje
protagonista, por la importancia de su papel como eje de una acción que rodea de los elementos que no sólo
lo complementan sino arman definitivamente su trascendencia. Sabe hacer una historia con los magníficos
elementos argumentales de que dispone y, lo que es más importante, sabe tratar esos elementos con una sabiduría musical indudable.
La importancia del texto se corresponde así a la perfección con la ambición de una escritura siempre comunicativa, a través de unos
medios amplios en orquesta y coro. Las grandes arias son muy exigentes para los cantantes y todo el conjunto revela un magnífico
equilibrio entre los momentos de estallido sonoro y los de mayor intimidad en una excelente resolución del devenir de la acción. Antoine
Gindt citaba en sus notas al estreno en la Opera de París a Ives y Zimmermann como ejes y extremos de la inspiración de Dusapin, y
está en lo cierto. Con esas referencias y sus propias armas el autor francés ha conseguido una de esas óperas que marcarán, sin duda, el
devenir del género a lo largo del tiempo futuro. La obra fue estrenada bajo la dirección musical de James Conlon y escénica de Peter
Mussbach, lo que ponía el listón muy alto a los responsables de la versión en disco. Pero el trabajo de todos es aquí excelente, con unos
cantantes entregados y capaces y un magnífico trabajo concertador del joven y prometedor Alain Altinoglu.
Nuevas propuestas jazzísticas en BUDAPEST MUSIC CENTER
Relaciones bilaterales
La Academia francesa de jazz otorgó en octubre pasado el Django D’Or a Hungría por su «contribución a los
intercambios europeos y al dinamismo de su escena jazzística en la que el sello BMC es un ejemplo». Hasta
cierto punto a ellos se debe la atención debida al jazz magiar, si bien probablemente se deba a los británicos
el levantar la perdiz con la publicación y la calurosa bienvenida otorgada a Ride the wind de Mihály Dresch, su
cabeza de puente en Europa. Cabe preguntarse por supuesto si las razones esgrimidas para la adjudicación del
Django son reales o no son otra cosa que una autoconcesión a la prensa y al público galo. Excelentes cual eran
las anteriores entregas de Dresch, o las de los otros dos músicos que forman el buque-enseña del jazz húngaro,
Gábor Winand y Gábor Gadó, no son ésos los niveles que mantienen estos últimos lanzamientos. Los dos primeros
están relacionados con la búsqueda de un engarce entre jazz y tradiciones folclóricas, los otros con colaboraciones
con músicos foráneos.
Mihály Dresch, un saxofonista de estilo declamatorio e intensidades emocionales ya sea en calmosas baladas
como en terrenos poderosos, ofrece en Straight Music su disco más netamente folclórico. De hecho con la flauta
de pico como, aquí, su principal instrumento, Dresch se limita a dar un acompañamiento rígidamente jazzy a
melodías y ambientes populares en los que se echa en falta su toque más fogoso y el alegre revuelo de las danzas
que movían sus álbumes precedentes. Emotiva resulta Hajnal, llena de una melancolía dramática muy acorde a los
poderes instrumentales de Dresch y el violinista Ferenc Kovács. Si Dresch es el presente del jazz húngaro, Béla
Szakcsi Lakatos es una de sus figuras históricas, el introductor del jazzrock y las fusiones en la escena del país. Na
Dara! es un intento de cruce entre jazz y música gitana, estilo del Este por supuesto, con momentos logrados en el
plano instrumental si bien el disco presenta una manifiesta falta de centro al pasar de un estilo pianístico a otro, de
un planteamiento jarrettiano del trío al funk, por ejemplo, de tema a tema. Las voces empleadas por Lakatos al
comienzo de sus piezas son en su mayor parte superfluas.
Otras tendencias muy distintas entran en juego en las colaboraciones de los guitarristas Gábor Juhász con el
trompetista danés Palle Mikkelborg y Gábor Gadó a bordo del grupo del saxofonista francés Alban Darche. De las
colaboraciones con músicos foráneos han surgido algunos de los mejores lanzamientos de BMC, como aquéllos
protagonizados por Dave Liebman o Frank London. Inevitablemente son las suyas las voces que dominan en estos
cuadros. 60/40 se contagia de lo angélico característico de la última producción de Mikkelborg y su esposa la arpista Helen Davies. Si
Monsoon, su primer corte, promete, la música de la banda deriva hacia un blando atmosferismo sin contornos. Por su parte Stringed es
fácilmente el disco de mayor interés de esta remesa. Alternando piezas a trío muy similares a las escuetas composiciones de Paul Motian
y cortes en los que se incorpora un cuarteto de cuerda, Darche logra un álbum íntimo, reflexivo y de un atractivo lirismo. Dadas las largas
estancias de Gadó en Francia, Stringed es en realidad un disco francés grabado en Budapest.
MIHÁLY DRESCH QUARTET: Straight Music / Mihály Dresch - tenor and soprano, saxophones, traditional recorder. Ferenc Kovács - violin. Mátyás Szandai - double bass. István
Baló - drums / BMC / Ref.: BMC 093 (1 CD) D1
GÁBOR JUNÁSZ WITH PALLE MIKKELBORG: 60/40 / G. Juhász - guitar, oud, tampura P. Mikkelborg - trumpet, fluegelhorn, keyboards. H. Davies - harp. Z. Lantos - violin. J.
Horváth - doublebass. Péter Szalai - tabla E. Balázs - drums / BMC / Ref.: BMC 098 (1 CD) D1
SZAKCSI LAKATOS TRIO: Na dara! / Béla Szakcsi Lakatos, piano György Orbán, contrabajo. András Peczek Lakatos, percusión. Mónika Rostás, voz. Csaba Rostás, voz / BMC /
Ref.: BMC 103 (1 CD) D1
ALBAN DARCHE: Stringed / Alban Darche, saxophones. Gábor Gadó, guitar. Sebastien Boisseau, double bass. RTQ String Quartet / BMC / Ref.: BMC 104 (1 CD) D1
( 29 )
Pablo Batallán
PASCAL DUSAPIN (n.1955): Perelà, uomo di fumo (ópera en diez capítulos) / Graham-Hall, Philippe, Perraud, Mahé, Gubisch, Röhlig, Wilde, van Doesum, Courjal, Gundlach,
Yanetti, Coro y Orquesta de la Ópera Nacional de Montpellier, Dir.: Alain Altinoglu / NAÏVE / Ref.: MO 782168 (2 CD) D6 x 3
Á.G.A.

Adiferencia de Roberts, hoy encerrado
en un círculo pequeño de público
con sus producciones
independientes, la aventura de Paul Motian
al frente de la Electric Be Bop Band ha
tenido una enorme fortuna y visibilidad en
sus doce años de existencia. De hecho la
banda de dos guitarras y bajo eléctricos de
Motian alcanzó una definición sonora y de
concepción en álbumes como Monk and
Powell y Europe que figuran en el
imaginario auditivo del jazz de nuestro
tiempo con tratamientos absolutamente
personales del repertorio del Be Bop. La
primera encarnación de la banda, la
encargada de este álbum, era más modesta,
con un solo saxofonista a bordo, en este
caso Joshua Redman, pero delineando ya
un estilo y unos métodos con excelentes
resultados en Shaw-Nuff, Scrapple from the
Apple y Monk’s Dream. Entonces Motian
contaba con Redman y los guitarristas Brad
Schoeppach (hoy Shepik) y Kurt
Rosenwinkle. Desde entonces han pasado
por sus puestos algunos de los
representantes mayores de la escena joven,
saxofonistas como Chris Potter, Tony
Malaby o Chris Cheek y guitarristas como
Ben Monder o Steve Cárdenas.
JMT Vol. 61: PAUL MOTIAN AND THE EBBB WITH
JOSHUA REDMAN / Paul Motian: drums. Joshua
Redman: saxophone. Electric Be Bop Band / WINTER &
WINTER / Ref.: JMT 919061-2 (1 CD) D1
Fumio Yasuda vendría a ser un buen ejemplo, por decirlo de
algún modo, de compositor
desterritorializado, es decir, de
compositor cuya música no parece depender
en absoluto de su origen geográfico ni
tradición. Yasuda se sirve de numerosos
códigos occidentales para desarrollar una
creación que adopta elementos tanto de la
música clásica como de la contemporánea,
tanto del jazz como del pop, configurando de
este modo curiosas amalgamas que en
ocasiones pueden disfrazar cierta dispersión y
superficialidad (a un genio de la mezcla como
Uri Caine, por ejemplo, estos peligros ni le
rozan). Es cierto que sus anteriores referencias
para el sello WINTER & WINTER giraban
alrededor de algún eje conceptual preciso que aportaba
concreción y entidad al conjunto: en Kakyoku era la ilustración
musical de una serie de fotos de Nobuyoshi Araki sobre flores; en
In Zauber von Verdi o en Schumann’s Bar Music eran las obras de
Verdi o placenteros hits para acompañar unas copas. Pero en este
JMT Vols. 61, 62 & 63
Looking out for Hope de Bill Frisell
descubría a tres músicos de enorme
capacidad expresiva: al propio
guitarrista, al chelista Hank Roberts y al
batería Joey Baron. Además inauguraba
un dialecto con prestamos del jazz, el
country & western y el rock al que Roberts
no era ajeno. Escuchar su tercer y mejor
trabajo como líder para JMT es seguir
deleitándose en su invención desbordada,
su roce con la chaladura y su desinhibido
humor. No puede interpretarse de otra
manera la pieza que da inicio al álbum
citando Sunny Afternoon de los Kinks
para extenderse en 19 minutos en los que
una pequeña viñeta da lugar a otra y ésta
a otra, etc, sin que flaquee ni la invención
ni la construcción del corte. Tampoco
pueden interpretarse de otra manera sus
irónicas lecturas de Somewhere over the
Rainbow (pseudoangelical), My Favourite
Things (despliegue técnico) o el
sentimentalismo de Autumn Leaves. Todo
lo dicho puede hacerlo sonar
reductoramente postmoderno y sin
embargo no es así; ni el cinismo, ni la
exhibición de capacidades juegan papel
alguno. El ingenio reina.
JMT Vol. 62: HANK ROBERTS: Little motor people /
Hank Roberts, cello, vocals, jazz-a phone-fiddle;
Django Bates, piano, synthesizer, tenor horn; Arto
Tunçboyaciyan, percussion & vocals / WINTER &
WINTER / Ref.: JMT 919062-2 (1 CD) D1
Nuevo trabajo de Fumio Yasuda, en WINTER & WINTER
Brumas
( 30 )
Ángel Gómez Aparicio
Las discografías completas de la
Electric Be Bop Band y de Gabrielle
Goodman se encuentran en
WINTER & WINTER. Motian es de
hecho uno de los activos más
importantes del sello, con siempre
entregas en espera, por contra las de la
cantante se cortaron en seco con la
desaparición de JMT y poco más se ha
sabido de ella. Segundo trabajo para el
sello, Travelin’ Light es un disco de una
cantante de jazz soul ligero con
influencias, admitidas, de Roberta Flack,
Chaka Kahn y Phoebe Snow. Gabrielle
siempre sonó algo fuera del marco de la
casa y ni siquiera la producción,
subrayada con eco, suena característica
de Stefan F Winter. Éste la rodeó de un
parcial all stars de JMT y la cantante
responde con vehemencia a un Blues
Walk de Clifford Brown pero otros cortes
suenan pasados de cocción, como Use
Me de Bill Withers, o de sobreactuación
soul, My Funny Valentine. Hoy, con una
escena hambrienta de nuevas cantantes,
recibiría la atención que en 1993 se le
negó.
JMT Vol. 63: GABRIELLE GOODMAN: Travelin’
Light / Gabrielle Goodman: vocals, with Don Alias,
David Bunn, Tony Bunn, Mike Cain, Anthony Cox,
Kevin Eubanks, Gary Thomas etc. / WINTER &
WINTER / Ref.: JMT 919063-2 (1 CD) D1
cuarto trabajo, Heavenly Blue, se pasa inesperadamente de la
ligereza algo plana de Tango in Amesa o A
Song for Lucrezia (ambas con Yasuda al piano
solo) a la densidad e innegable hondura
emocional de Accordion Concerto (con la
colaboración del virtuoso Teodoro Anzellotti)
o a las texturas tímbricas ariscas y armonías
arriesgadas de Imaginary Films and String
Orhestra (con la Kammerorchester Basel).
Son precisamente estas dos piezas -las más
extensas por otra parte- las que deben tomarse
en consideración a la hora de valorar este
disco hasta cierto punto intrigante,
desdibujado por la bruma, que da la impresión
de necesitar quizá de algún punto fijo, nítido y
estable.
FUMIO YASUDA: Heavenly Blue / Kammerorchester Basel. Fumio Yasuda, piano.
Teodoro Anzellotti, acordeón . Bernd Ruff, dirección / WINTER & WINTER / Ref.: WIN
910098-2 (1 CD) D1
J.P.

Diapason d’Or
DIAPASON
Parade
RITMO
Excepcional
SCHERZO
5 de Goldberg
GOLDBERG
Gatti es un excelente violinista, con una
dilatadísima trayectoria y una amplísima
experiencia, que para esta grabación se ha
rodeado de dos de sus amigos y
colaboradores habituales. El resultado es una
versión de extraordinaria factura, en la que se
alterna un brío casi salvaje con una sublime
delicadeza. CD COMPACT
Alternando en un orden muy personal las
sonatas de iglesia y de cámara, Enrico Gatti y
sus compañeros emprenden una vía sinuosa
y colorista, perfectamente adecuada al
lenguaje de Corelli. LE MONDE DE LA
MUSIQUE
ARCANGELO CORELLI: Sonate a violino e violone
e cembalo / Enrico Gatti, Gaetano Nasillo, Guido
Morini / ARCANA / Ref.: A 423 (2 CD) D2 x 2
No duden en escuchar este disco los que
recelen de la música de hoy. Pero tampoco
los muy militantes de la contemporaneidad
perderán el tiempo. Vasks es capaz de
interesar y de cautivar a cualquiera, y más en
versiones como éstas. SCHERZO
PETERIS VASKS: Concierto para violín. Musica
dolorosa. Viatore / Orquesta de Cámara Sueca.
Katarina Andreasson, violín y dirección / BIS / Ref.:
BIS 1150 (1 CD) D2
Insertándola en un contexto polifónico, el
Ensemble Micrologus renueva por completo
nuestro acercamiento a una de las más
célebres obras literarias y musicales del siglo
XIII. Una analítica toma de sonido capta
cada intervención vocal o instrumental con
precisión y una bella imagen de conjunto.
CLASSICA-RÉPERTOIRE
El Ensemble Micrologus, en un intento de
máxima aproximación histórica, alterna rigor
con dinamismo, para lo cual se vale de
fuertes dosis de imaginación y de
improvisación, y del empleo de los más
variados instrumentos. CD COMPACT
ADAM DE LA HALLE: Le Jeu de Robin et Marion /
Ensemble Micrologus / ZIG-ZAG / Ref.: ZZT
040602 (1 CD) D2
Neumann es el único director que logra dar
al tercer oratorio inglés de Haendel su
auténtica dimensión de tragedia,
beneficiándose de una magnífica toma de
sonido que introduce al oyente en el interior
de la obra desde los primeros compases. Sin
duda, la mejor versión posible. CLASSICA-
RÉPERTOIRE
El Collegium Cartusianum suena mejor que
nunca (con un primer violín de auténtico
lujo) y el Kölner Kammerchor está tan
riguroso como siempre. En cuanto a los
solistas, no hay ni un solo pero que poner.
Un disco imprescindible para los
haendelianos de pro. CD COMPACT
GEORG FRIEDRICH HAENDEL: Athalia / Peter
Neumann / MDG / Ref.: MDG 1276-2 (2 CD) D2 x
2
Este Orlando furioso es uno de esos
diamantes que aparecen de tarde en tarde y
que demuestran que Vivaldi es uno de los
compositores más grandes de todos los
tiempos. Imprescindible en cualquier
discoteca. CD COMPACT
ANTONIO VIVALDI: Orlando furioso / Ensemble
Matheus. Dir.: Jean-Christophe Spinosi / NAÏVE /
Ref.: OP 30393 (3 CD) D10 x 2
La prensa
( 31 )
10 de Classica
Repertoire
CLASSICA REPERTOIRE
Recomendado
CD COMPACT
Frente a la versión veneciana de Gardiner,
Rinaldo Alessandrini tiende a la contención
en esta gloriosa grabación de esta fascinante
obra, realizada en el Palazzo Farnese de
Roma con una impresionante lista de
cantantes italianos, que aspira sin duda a
convertirse en uno de los premios de 2005.
GRAMOPHONE
Esta obra maestra, anunciada y deseada
desde hace muchos años por uno de los
grandes monteverdianos de la actualidad,
toma finalmente forma fonográfica.
Alessandrini ha grabado las Vísperas que
quería, las que defendía y predicaba. RITMO
Basándose en su experiencia en los
madrigales de Monteverdi, Rinaldo
Alessandrini propone «su» versión, que
promete convertirse en «la» versión, de las
sublimes Vísperas de la Virgen María. LE
MONDE DE LA MUSIQUE
Alessandrini ha perseguido la máxima
claridad. El resultado es una prodigiosa
lectura, basada sobre todo en la
transparencia y la sensualidad del canto.
SCHERZO
Un trabajo redondo, en todos los sentidos,
que coloca a estas Vespro della Beata Vergine
a la cabeza de todas las existentes y confirma
a Alessandrini, por si quedaba alguna duda,
en la cúspide de la interpretación de la
música monteverdiana. CD COMPACT
CLAUDIO MONTEVERDI: Vespro della Beata
Vergine / Concerto Italiano. Dir.: Rinaldo
Alessandrini / OPUS 111 / Ref.: OP 30403 (2 CD)
D2 x 2
En esta grabación viva, brillante e
incandescente reina una atmósfera de fuerte
espiritualidad. Carles Magraner se apoya en el
manuscrito del misterio más antiguo
conocido no para hacer una reconstrucción,
sino para dar una relectura actual que tiene
en cuenta la larga historia de la obra.
CLASSICA-RÉPERTOIRE
EL MISTERI D’ELX. LA VESPRA / Capella de
Ministrers. Dir.: Carles Magraner / LICANUS / Ref.:
CDM 0304 (1 CD) D2
La interpretación es todo lo ejemplar que
puede esperarse de un conjunto que ha
sobresalido de una década a esta parte en el
panorama discográfico actual: fresca, lozana,
y con esa brizna humorística que la acerca
incluso al oyente menos fogueado. CD
COMPACT
JOSEPH BODIN DE BOISMORTIER: Sonatas para
instrumentos graves / Le Concert Spirituel. Dir.:
Hervé Niquet / GLOSSA / Ref.: GDC 921609 (1 CD)
D2
La vivacidad, luminosidad y carácter de
orfebre de su música obligan a sumar el
nombre de Ruimonte a la nómina del Siglo
de Oro. Musica Ficta acomete con
competencia técnica y todo el entusiasmo del
mundo las no pocas exigencias virtuosísticas
que encierran estas obras. RITMO
Otro acierto de Raúl Mallavibarrena y su
grupo, empeñados en darnos a conocer ese
increíble e inagotable patrimonio musical
que duerme en los archivos españoles el
sueño de los justos. CD COMPACT
PEDRO RUIMONTE: Parnaso Español, 1614 /
Musica Ficta. Dir.: Raúl Mallavibarrena /
ENCHIRIADIS / Ref.: EN 2011 (1 CD) D2
Choc
LE MONDE DE LA MUSIQUE
Choice
GRAMOPHONE

«
Por una vez, y sin que sirva de precedente, vamos a reivindicar
la construcción frente a la deconstrucción, la física frente a la
metafísica, la manía frente a la disolución. Lo unívoco frente a lo
equívoco, la geometría de la flor frente a la indefinición de la nube.»
Estas palabras de Santiago Lanchares señalan su rumbo con
concisión, claridad y un punto de rebeldía. Las escribió para el
estreno de Musicomanía (18º Festival de Alicante), que es -en su
avatar orquestal- la misma música de Anandamanía, que hace oficio
de obertura de la integral para teclado que hoy felizmente nos ocupa.
En este CD las obras saltan con velocidades trepidantes, ideas
enérgicas y nítidamente conducidas. Nos van mostrando su faz
franca, sus ritmos claros y perfiles definidos Anandamanía,
Malabarista o Renacimiento de Castor… páginas que nacen de la
confianza que se ha ido fraguando a lo largo de los años. Es la
simbiosis que surge del jinete Lanchares que cabalga un pura sangre,
Ananda Sukarlan, un brioso centauro con patas de piano, que por
suerte para la música española reside en Cantabria desde hace más
de cinco años.
Es una música joven, aunque de un autor maduro, la de Lanchares.
Hace suyo un lenguaje donde se perciben ecos de las mejores
influencias, de Bach a Bartók, de Scarlatti a Ligeti… pero no estamos
ante un autor de amalgama, sino ante uno que ha sabido dotar al
piano de unas características propias. Mucho de ello se basa en la
renuncia; no en una renuncia monástica, sino en esa que delimita el
terreno para crear el marco de un juego jubiloso. A diferencia de los
compositores que sienten la necesidad de tocar todos los palos,
Lanchares selecciona aquéllos que le interesan: las alturas -
temperadas forzosamente-, y los ritmos -no los tiempos blandos, no
pulsados o fluctuantes. Resulta de ello, y con independencia de las
técnicas compositivas que emplee en cada caso, una búsqueda de la
concreción, y por ende un trabajo motívico.
La aparición en el sello VERSO de esta integral supone un paso
definitivo para el reconocimiento de la obra pianística de Lanchares,
y se muestra de la mejor manera, esto es, en las manos de Ananda
Sukarlan. El éxito ya ha saludado a Anandamanía, que fue la obra
seleccionada por Radio Clásica para representar a España en la
Tribuna Internacional de Compositores de la UNESCO. Sukarlan la ha
interpretado en cuatro continentes, y todo hace barruntar que seguirá
formando parte fundamental de su extensísimo repertorio. Y es que se
le nota disfrutar de una rítmica puesta en relieve por un empleo parco
del pedal que el pianista indonesio asocia al rap, al funky, a los
pilotos de ¡Top Gun!, como él mismo afirma en sus notas en el disco.
Esta música aristada, como cabe imaginar la figura del
Dodecaedro irregular, uno de los títulos -siempre sugerentes- del
compositor, nos hace olvidar la poética de las nubes, de lo borroso,
que pertenecen a la sensibilidad distinta de abandonarse a las
resonancias y los envolventes tejidos armónicos. Escuchar
Malabarista es una invitación a la tensión, a entrar en el juego
circense del más difícil todavía, de tal manera que cuando el
espectáculo parece alcanzar los límites de lo posible, se incorpora
algún elemento más que hace rozar lo inverosímil.
Tanto Anandamanía como El renacimiento de Castor, la pieza más
reciente, son brillantísimas a la audición, y sin duda amenas para la
interpretación de aquellos pocos que tengan la capacidad de
abordarlas. Pero el origen de estas obras que nos pasman por su
acabado y contundencia se remonta a bastante tiempo atrás. Ya en
Cinco amigos, un trabajo de 1984 hasta ahora inédito, se esbozan
muchas de las características que luego han ido cuajando. La
trayectoria de Lanchares no ha sido sin embargo rectilínea, y Contra
la corriente, de 1991, lo atestigua con acertado título, que resalta las
diferencias con las demás obras; aparecen aquí las resonancias, los
trinos, las sonoridades complejas. Es pues otro mundo, al que quizás
vuelva Lanchares algún día, en cualquier caso distinto del pianismo
seco en las sonoridades y de estremecedores ritmos que le caracteriza
y que causa la admiración de quienes lo escuchan.
Para los amantes de la complejidad hay una sonata de veinte
minutos que es un hueso duro de roer tanto para el pianista como
para los oyentes, nos dice Sukarlan sin rodeos. Efectivamente, si otras
obras de Lanchares cautivan inmediatamente, la Sonata precisa ser
rumiada. Con ésta contrastan algunas obras breves, fáciles, donde las
texturas menos densas muestran la urdimbre de los procedimientos.
En definitiva, desde los niños (Dos piezas para Alicia -de 4 años) a los
mayores, desde los briosos a los reflexivos, todos pueden encontrar
en la integral de Lanchares su golosina.
Ananda Sukarlan revela la fascinante obra pianística de un creador ejemplar
Santiago Lanchares: integral a toda tecla
Jacobo Durán-Loriga
SANTIAGO LANCHARES (n.1952): Obra completa
para piano: Anandamanía; Dos piezas para Alicia;
Dos danzas y un interludio; Cinco amigos;
Dodecaedro irregular; Sonata para piano; En el
sendero; Dos invenciones; Contra la corriente;
Renacimiento de Castor / Ananda Sukarlan (piano) /
VERSO / Ref.: VRS 2028 (1 CD) D2
La discografía incluida en este Boletín se puede adquirir en los centros de El Corte Inglés, Fnac y en las principales tiendas del país.
www.diverdi.com
Edita y realiza: DIVERDI, S.L. - Imprime: ESTUDIO - Dep. legal: M-10066-94