131 - Diverdi

www.diverdi.com
131
B O L E T Í N D E I N F O R M A C I Ó N D I S C O G R Á F I C A
Wilhelm Furtwängler
Aniversario de una leyenda
Savall L’Arpeggiata Mallavibarrena Biber Valetti Saint-George Caldara Rossini Domingo Mitropoulos Ancerl Pletnev Weill Llorca Hosokawa

Sellos en
distribución exclusiva
(Noviembre 2004)
Los sellos señalados con un ✺
poseen un catálogo gratuito a
disposición de nuestros lectores
ACCENT✺
ALIA VOX✺
ALMAVIVA✺
ALPHA✺
ANDANTE
ARCANA
ARCHIPEL
ARSIS
ARTS✺
ASSAI
ASTRÉE
BBC LEGENDS✺
BIDDULPH
BIS✺
BMC
BONGIOVANNI✺
BRIDGE
CARUS✺
CDM
CHALLENGE
COL LEGNO
COLUMNA MÚSICA✺
CPO✺
CHRISTOPHORUS✺
DISCOS OBLICUOS
DYNAMIC✺
DUX
E LUCEVAN LE STELLE✺
ENCHIRIADIS
ENSAYO✺
ETCETERA
EUFODA
FONÈ
FONO ENTERPRISE
GEBHARDT
GLISSANDO✺
GLOSSA
GOLDEN MELODRAM
GUILD
INA✺
KAIROS✺
L’EMPREINTE DIGITALE✺
LINDORO
DABRINGHAUS & GRIMM
MODE✺
MONTAIGNE
MYTO✺
NAÏVE
NIGHTINGALE
NUOVA ERA✺
ONDINE✺
OPERA RARA✺
OPERA TRES✺
OPUS 111
ORFEO✺
PENTATONE
PIONEER DVD
PONTO
PREISER
REGIS✺
STRADIVARIUS
SUPRAPHON✺
SYMPHONIA✺
TESTAMENT✺
TAHRA
TIMPANI✺
VERSO
WERGO✺
WINTER & WINTER✺
ZIG ZAG✺
BOLETÍN DE INFORMACIÓN DISCOGRÁFICA
AÑO XIII ~ Nº 131 ~ NOVIEMBRE 2004
DIVERDI, S.L. ~ ELOY GONZALO, 27 - 6º ~ 28010 MADRID
TEL.: 91 447 77 24 ~ FAX: 91 447 85 79
http://www.diverdi.com ~ e-mail: diverdi@diverdi.com
omo anunciamos en nuestro anterior Boletín, DIVERDI inicia su colaboración con
CNaïve y su espléndida escudería de sellos. Dos nuevas incorporaciones a la
monumental Edición Vivaldi (en especial la esperadísima Orlando furioso), las Vísperas
monteverdianas por Rinaldo Alessandrini, dos extraordinarias óperas de Zemlinsky
(atención al rotundo y sobrecogedor Kandaules que Nagano dirigió en Salzburgo hace dos años) o la
inclasificable delicia poético-musical llamada La música de la Tierra vista desde el cielo son algunas de las
novedades que propone la firma gala para este otoño. Que ustedes lo disfruten.
ANTONIO VIVALDI (1678-1741):
Orlando furioso RV 728 (ópera completa)
/ Larmore, Lemieux, Cangemi, Jaroussky,
Regazzo, Hallenberg, Staskiewicz, Coro
Les Eléments, Ensemble Matheus, Dir.:
Jean-Christophe Spinosi / OPUS 111 / Ref.:
OP 30393 (3 CD) D10 x 2
ARMAND AMAR: La tierra vista desde el
cielo (Música original para la película de
RENAUD DELOURME, a partir del trabajo
fotográfico de YANN ARTHUS-BERTRAND) /
L. Lavesque (orquestación y arreglos).
Filarmónica de la Ciudad de Praga. Dir.:
Mario Klemens / NAIVE / Ref.: V 4994 (1 CD-
Libro, con 96 páginas a color, 30 fotografías,
elaborado con productos totalmente
ecológicos) D6 x 2
ALBAN BERG (1885-1935): Lulu
(ópera. Versión en dos actos) / Anja
Silja, Hans Hotter, Martha Mödl,
Waldemar Kmentt, Coro y Orquesta
de la Ópera de Viena, Dir.: Karl Böhm
/ ANDANTE / Ref.: AN 3050 (3 CD +
libro) D4 x 4
Diverdi se mueve
urante la segunda semana de noviembre tendrá lugar el traslado de las oficinas de Diverdi a sus nuevos
Dlocales, ubicados en la planta baja del mismo edificio que actualmente ocupa, pero con acceso directo al
público por la calle Santísima Trinidad. La dirección habitual de nuestra sede social -Eloy Gonzalo 27- no queda
modificada, y a la vez la nueva ubicación permitirá disponer de un espacio de exposición y tienda, que funcionará
en nuestro horario habitual de oficina, de lunes a viernes.
Advertimos a nuestros amigos y clientes que, como consecuencia del mencionado traslado, la semana del 8 al
12 de noviembre será inhábil a efectos de despacho de pedidos y de atención al público. Asimismo avisamos que
es posible que el funcionamiento regular de nuestra actividad pueda sufrir en las semanas sucesivas alteraciones
que afecten a nuestra habitual prontitud de respuesta en el servicio.
( 2 )
CLAUDIO MONTEVERDI (1567-
1643): Vespro della Beata Vergine
(Venecia, 1610) / Roberta Invernizzi,
Monica Piccinini, Anna Simboli /
Concerto Italiano. Dir.: R. Alessandrini /
OPUS 111 / Ref.: OP 30403 (2 CD) D10
x 2
ALEXANDER VON ZEMLINSKY (1871-
1942): Una tragedia florentina, op.16
(ópera completa) / I. Vermillion, V.
Lutsiuk, A. Dohmen. Solistas de Radio
France, Coro de Radio France, Orquesta
Filarmónica de Radio France. Dir.: Armin
Jordan / NAIVE / Ref.: V 4987 (1 CD) D1
ALEXANDER VON ZEMLINSKY (1871-
1942): El rey Kandaules (ópera completa)
/ Robert Brubaker, Wolfgang Schöne, Nina
Stemme, Mel Ulrich, Orquesta Sinfónica
Alemana de Berlín, Dir.: Kent Nagano. 2
CD + extenso libreto de 164 páginas en
color / ANDANTE / Ref.: AN 3070 (2 CD
+ libro) D4 x 4
ANTONIO VIVALDI (1678-1741):
Conciertos y cantatas de cámara Vol.2
(RV 92, 100, 108, 651, 656, 657) /
Gemma Bertagnolli (soprano), L'Astrée,
Dir.: Giorgio Tabacco / OPUS 111 / Ref.:
OP 30404 (1 CD) D1
FLAVIO TESTI (1923): Saul (ópera en tres
actos y doce escenas compuesto en
1991, a partir de la obra de André Gide
de 1903) / F. Mantegna, D. Galvez-
Vallejo, V. Le Texier. Orquesta
Filarmónica de Radio France, Dir.: M.
Zanetti / NAIVE / Ref.: V 4988 (2 CD)
D10 x 2
DIMITRI SHOSTAKOVICH (1885-
1975): Sinfonías nº 14 y 15; Fragmentos
sinfónicos / Orquesta Sinfónica de
Londres, Dir.: Mstislav Rostropovich. +
Entrevista con Rostropovich / ANDANTE
/ Ref.: AN 4090 (3 CD + libro) D3 x 3
Portada realizada por Francesco Pistolesi

ORFEO y TAHRA celebran el cincuenta aniversario de la muerte de Wilhelm Furtwängler con dos importantísimas ediciones
«Hay muchos directores, pero pocos son capaces de revelar ese
templo secreto ubicado en el corazón mismo de toda obra maestra.
Detrás de las notas hay visiones, y detrás de esas visiones hay un
templo invisible y silencioso donde suena una música interior, la
música de nuestra alma, cuyos ecos no son sino pálidas sombras.
[…] Con sus fluidos movimientos de manos, tan llenos de sentido,
[Furtwängler] condujo a sus orquestas y a sus solistas hasta ese lugar
sagrado.»
Yehudi Menuhin
El 30 de noviembre de 1954 Wilhelm Furtwängler, el más grande
director de orquesta que ha dado Alemania, moría en una clínica de
Baden-Baden. Cansado, enfermo, preocupado por una incipiente
sordera, dejó de luchar. Cincuenta años después, nos quedan sus
discos, que pese a los cambios experimentados en la forma de hacer
música, siguen siendo objeto de veneración por parte de
aficionados que nunca le vieron dirigir, que incluso no habían
nacido cuando él murió. Anticipándose al aniversario, ARCHIPEL,
el sello insular estrella del Zoco, y otros «sellos Robin Hood», esos
que enajenan los fondos de catálogo de los ricos para ponerlos en
manos de los aficionados pobres, llevan tiempo enfrascados en una
frenética carrera de reediciones. Y es que
Furtwängler sigue siendo un valor seguro. Pese a la
corriente de objetivismo imperante, reflejo del
movimiento historicista en la música antigua, su
figura se agiganta con el tiempo y sus discos se
siguen vendiendo bien. Los sellos oficiales apenas
se han dejado notar, y cuando lo han hecho, su
actitud ha sido decepcionante. Así, EMI ha
dedicado un doble CD de la serie Great Conductors
of the 20th Century a Furtwängler -¡ya iba siendo
hora!-, con tres sinfonías de Beethoven. La presunta
Quinta de 1944 ha resultado ser la ya familiar del
30 de junio de 1943, editada por Tahra con mucho
mejor sonido. Por su parte, DG ha lanzado una caja
de seis compactos en la serie «Original masters»,
con algunas cosas bien conocidas de anteriores
lanzamientos y otras editadas sólo en Japón o por
las activas sociedades Furtwängler de Francia y
Alemania. Lamentablemente, el procesado es
amateur, con escasa presencia de graves. Por
fortuna los sellos independientes han estado a la
altura de la conmemoración y sus lanzamientos
son, con mucho, los más copiosos e interesantes.
TAHRA: In Memoriam
Diverdi vuelve a «tahrarear». Coincidiendo con la celebración del
cincuentenario de su muerte, el sello independiente que más ha
hecho en la última década por la difusión del legado de Wilhelm
Furtwängler vuelve a ser distribuido en España por Diverdi. Sólo en
2003 TAHRA ha dedicado nueve CDs al gran director, que serán
comentados en próximos boletines, exhumando algún inédito en
CD y poniendo en circulación grabaciones descatalogadas o
accesibles únicamente a socios de las activas sociedades
Furtwängler francesa y alemana.
Para conmemorar los cincuenta años del fallecimiento del
director, el sello de Miryam Scherchen y René Trémine ha editado
un atractivo álbum de cuatro compactos (FURT 1090/1093) con un
libreto de sesenta páginas, con cuarenta y dos fotografías y la
transcripción en francés e inglés de fragmentos de entrevistas,
contenidas en uno de los discos, en las que Furtwängler habla sobre
música, y directores e intérpretes como Karajan, Celibidache,
Jochum, Kubelik o Menuhin hablan de Furtwängler.
En cuanto a la música, la Cuarta de Beethoven del 4 de
septiembre de 1953 posee una enorme vitalidad, es más relajada
que la de 1943, los cambios de tempo son más mesurados. Sin
duda, ésta es la más equilibrada, la mejor tocada y grabada de las
cinco conocidas. Un ejemplo de la comunión de la que hablaba
Karajan: «Todos los miembros de la orquesta se convertían en uno,
y Furtwängler y ese ente colectivo hacían música juntos». Pasada la
introducción, llevada con gran lentitud, de tintes tenebrosos
aportados por una cuerda grave muy presente, la obertura Egmont
que se oyó en el mismo concierto es arrolladora, de alta tensión
dramática, con calderones y silencios alargados hasta lo imposible.
La Quinta registrada en Copenhague el 1 de octubre de 1950,
editada anteriormente por Danacord, no se cuenta entre las más
La música interior
( 3 )
Miguel Ángel González Barrio
distinguidas del maestro. Y no porque la versión sea mala, que no lo
es en absoluto, sino porque la competencia propia es grande.
Además la Filarmónica de Viena sólo se emplea a fondo en el último
movimiento, después de una transición marca de la casa.
Del Lohengrin que Furtwängler dirigió en Bayreuth en 1936 -con
Franz Völker, Maria Müller, Margarete Klose y Joseph von
Manowarda- se conservan seis fragmentos del tercer acto. La
aparición de un «presunto» Preludio del primer acto, con mejor
sonido que el resto de los fragmentos, me puso en alerta, pues
ninguna discografía lo recoge. Después de algunas pesquisas,
demasiado largas de relatar aquí, tengo la certeza de que se trata de
la grabación realizada por EMI el 30 de agosto de 1947 en Lucerna,
con la orquesta del Festival, editada por Testament en 1998 (SBT
1141). La confusión se debe a un error de datación en la fuente
utilizada que, aunque conocido desde hace tiempo, ha pasado
desapercibido a los responsables de Tahra. El otro fragmento
incluido, In fernem Land, permite tener una visión fugaz del
insuperable Lohengrin de Völker. Como ensayo previo al Anillo de
la RAI de 1953, Furtwängler dirigió en dos conciertos celebrados en
Roma en enero y mayo de 1952 el primer acto de La Walkyria y el
tercero de El ocaso de los dioses, éste con Flagstad. Tahra ha
incluido en este álbum la escena de la inmolación
de Brünnhilde. Flagstad tarda en entrar en materia,
pero acaba dejándose llevar por la pasión
furtwängleriana; como la orquesta, que se rinde a
la magia del director y le sigue hasta el Walhall
dentro de sus posibilidades. La Cuarta de Bruckner
del 29 de octubre de 1951 no difiere en lo
interpretativo de la registrada una semana antes en
Stuttgart (DG), de mejor sonido y con menos ruido
de sala (1). En los movimientos extremos hay
numerosos cambios de tempo, con accelerandi en
cada crescendo. Lo mejor de la versión son los dos
movimientos centrales. El final del Andante es
desolador, con desgarradores pizzicati, golpes de
timbal que son como el latido de un corazón que
se apaga y el tiempo suspendido. El potente
Scherzo se repite íntegro, aunque Furtwängler
dirige la versión de Schalk-Löwe.
De regalo se ofrece un sustancioso CD-Rom que
incluye biografía, discografía, relación de
conciertos, repertorio, relación de estrenos
dirigidos y documentos varios, como el proceso de
desnazificación visto a través de las páginas del
New York Times. La discografía de René Trémine,
que no pretende ser exhaustiva en cuanto a las
ediciones discográficas, tiene algunos errores y omisiones, algunas
incomprensibles, como no citar varias ediciones EMI bien
conocidas y todavía disponibles, algo que ya sucedía en la primera
edición (Tahra, 1997) y que tuve a bien señalarle en su día.
ORFEO: Los Conciertos de Salzburgo
Furtwängler dirigió por primera vez a la Filarmónica de Viena en el
Festival de Salzburgo en 1937, y su figura dominó el Festival desde
1947 hasta su muerte. Allí programó con eclecticismo, incluyendo
junto a Bach, Beethoven, Schubert, Brahms o Bruckner, obras de
Hindemith, Uhl, Pfitzner o Stravinsky, lo que pone sordina a sus
pretendida falta de compromiso con la música de su tiempo. No se
entendería en alguien que se consideraba a sí mismo un compositor
que dirigía y que a lo largo de su carrera estrenó obras de
Schoenberg, Pfitzner, Bartok, Hindemith, Prokofiev y Honegger,
entre otros. El sello muniqués ha reunido en un álbum de 8 CDs las
grabaciones conservadas de los conciertos del Festival de Salzburgo
(años 1949-1954). Nada hay nuevo, pero la reedición es oportuna
porque algunos registros eran poco menos que inencontrables o se
hallaban dispersos en varios sellos. Parte del material había
aparecido ya en la serie Festspieldokumente de Orfeo. Es el caso de
la Sinfonía en Do mayor op. 46 de Pfitzner, el registro más antiguo
de los incluidos, la Cuarta de Brahms del 15 de agosto de 1950,
Séptima, Octava - ambas del 30 de agosto de 1954- y Novena -31
de agosto de 1951- de Beethoven y las Canciones de un camarada
errante de Mahler, con Fischer-Dieskau -19 de agosto de 1951-. Se
han recuperado los procesados que Othmar Eichinger y Gottfried
Krauss, responsables técnicos de esta edición, realizaron para EMI
de los Conciertos de Brandenburgo 3 y 5 y la Heroica -31 de agosto
de 1950-, Quinta de Bruckner -19 de agosto de 1951- y el concierto
(sigue en pág. 4)

(viene de pág. 3)
del 30 de agosto de 1953, en el que se tocaron La armonía del
mundo, de Hindemith, la Grande de Schubert, y el Don Juan de
Strauss -la grabación en vivo de esta última obra, destruida o
perdida, se ha sustituido por la grabación de estudio que
Furtwängler hiciera para EMI en 1954-. Una soberbia obertura Las
Hébridas, de Mendelssohn, muy superior a las dos conocidas de
estudio, y una Sinfonía en tres movimientos de Stravinsky (2) en la
que Furtwängler demuestra, si no una gran afinidad con la obra,
cuyo Andante parece no interesarle, sí ganas de penetrar sus
secretos, son las únicas rarezas, por la escasa difusión de que
gozaron, de este lanzamiento.
Un recorrido por los ocho discos pone de manifiesto el cambio
operado en el estilo de Furtwängler después de la Segunda Guerra
Mundial. La revisión constante de Beethoven, siempre el centro de
la actividad del director, se plasmó en la acentuación de los
aspectos formales en detrimento de la expresión del drama interior
(3), y es palpable en lecturas ligeras, transparentes, que miran más
hacia el pasado heredado que hacia la herencia
futura, de la Heroica y las tres últimas sinfonías.
Tampoco es ajeno a ello el sonido propio de la
Filarmónica de Viena, menos denso que el de
sus colegas berlineses. Esta aproximación, más
reflexiva y sosegada, beneficia a la Gran Fuga,
en versión para orquesta de cuerda de Felix
Weingartner. La Filarmónica de Viena hace
auténtica música de cámara, y responde como
un «supercuarteto», tocando con virtuosismo,
concentración e intensidad. Versiones así
justifican el pequeño sacrilegio de meter la
mano en una obra maestra, todo por el placer de
escucharla interpretada por un contingente
nutrido, que según Furtwängler servía mejor la
monumentalidad de esta música. Esta búsqueda
de la claridad, apartando la hojarasca para poner de manifiesto la
estructura, afectó también a Schubert y a Bruckner. La Grande es un
prodigio de precisión, flexibilidad y cantabilidad. Los masivos
fortissimi y el arrollador Finale son los únicos vestigios de la
dramática versión de 1942, la más difundida. En la Quinta de
Bruckner la batuta actúa como un preciso bisturí para ofrecernos
una disección de la partitura. Los tiempos algo erráticos en el
Scherzo hacen preferible el registro de 1942.
Sin que suene a reivindicación o nostalgia de un pasado
irrecuperable, creo que no es justo despreciar sin más el Bach que
se hacía hace cincuenta años. Oído hoy, será todo lo retrógrado,
pesado y arbitrario que se quiera, pero yo detecto en estas
denostadas lecturas un respeto reverencial hacia la música y la
persona, y un modo de hacer música, espontáneo, con aires de
celebración, divirtiéndose, que echo de menos en muchos
intérpretes rutinarios de hoy -y que no cundan el pánico o la
indignación, porque no me estoy refiriendo a intérpretes del
movimiento historicista-. Dirigiendo desde el piano, frente a frente
con el coloso Bach, Furtwängler muestra su enorme talla de artista
en la cadencia del primer movimiento del Concierto de
Brandenburgo nº5, en la que el director se toma su tiempo, un
tiempo que parece disolverse, saboreando nota a nota esta música
maravillosa.
«¿Quién dirigirá ahora la Passacaglia de la Cuarta de Brahms?»,
dijo Karl Böhm en el programa homenaje que la RIAS emitió el 7 de
diciembre de 1954. ¡Cuánta razón tenía! Si la Tercera le era esquiva,
la Cuarta la hacía de manera incomparable, y nadie ha dirigido tan
«literalmente» como él el último movimiento, Allegro energico e
passionato. La registrada en Salzburgo en 1950, única disponible
con la Filarmónica de Viena, es extraordinaria. Sin duda el sonido,
saturado en los tutti, es la causa de que no goce de mayor
consideración entre los furtwänglerianos, que se decantan por las de
berlinesas de 1943 y 1948, más exaltadas.
Una de las joyas del álbum es la versión de las Canciones de un
camarada errante. Mahler figuró en los conciertos de Furtwängler
ininterrumpidamente desde 1912 hasta 1932, fecha en que
desaparece de sus programas hasta 1948. Además de este ciclo
tenía en repertorio las cuatro primeras sinfonías, las Canciones a la
muerte de los niños, La canción de la tierra y algunas canciones
orquestadas. El paréntesis mencionado obedece a una causa obvia:
la prohibición de Mahler durante el nazismo. Lo que es un misterio
diverdi . com
( 4 )
y una lástima es por qué, acabada la guerra, pasó a ser un invitado
infrecuente, sobre todo cuando, al escuchar esta lectura
salzburguesa, atenta a los detalles y al color orquestal, cae uno
rendido ante tan magistral recreación del universo mahleriano.
Hasta el punto de que, de no ser por la escasez de testimonios -sólo
se conocen otras dos grabaciones de este mismo ciclo de canciones-
, estaríamos tentados de considerar a Furtwängler como un
eminente maheriano. Lo de Fischer-Dieskau, a sus veintiséis años,
es de oír para creer. Si en la primera de las cuatro canciones parece
atenazado por la responsabilidad, en las tres restantes la belleza del
instrumento, la técnica de canto y la madurez interpretativa
asombran a partes iguales.
Pfitzner y Hindemith constituyen los puntos más bajos, y no por
falta de implicación de la batuta -el final de La armonía del mundo
parece música grande-, sino por la debilidad de las obras, escritas
con más oficio que inspiración. Furtwängler se tomó la causa de
estos dos compositores como un asunto personal, y los defendió de
palabra y obra a lo largo de toda su vida, incluso
en los momentos más difíciles (4). Pese a la
dedicación, entusiasmo -para Furtwängler La
armonía del mundo era el mejor trabajo sinfónico
de Hindemith- y el genio de la batuta, hay
empeños imposibles.
En caja aparte, Orfeo ha editado el Don Giovanni
del Festival de Salzburgo de 1953, menos
conocido que los de 1950 o 1954 (5), y que no
había visto aún una edición oficial, aunque ha
circulado en varios sellos. La producción de
Herbert Graf y Clemens Holzmeister, que
recreaba un Salzburgo en miniatura y fue
representada al aire libre en la Escuela de
equitación, reunió a un conjunto insuperable de
cantantes-actores, cohesionado y en sintonía con
la visión del director. Una visión más cercana al universo tenebroso
del Comendador que al mundo jovial de Zerlina, un drama que
poco tiene de giocoso, «Don Giovanni visto bajo la lente de
Fidelio», según el crítico del Frankfurter Allgemeine Fritz Brust.
Siepi, el único cantante italiano del reparto, es un Don Juan
seductor, elegante y viril; Schwarzkopf es la Donna Elvira ideal;
Grümmer una Donna Ana trágica; Dermota, un lírico Don Ottavio,
de timbre algo nasal. Acertado el resto del elenco, especialmente el
Masetto de un jovencísimo Walter Berry. Un Don Giovanni
salzburgués que marcó un hito en la historia de la interpretación
mozartiana.
Notas:
(1) Además de las «intervenciones» del ruidoso público de Munich, como
curiosidad hay que señalar que en el Andante se oye el ruido de un avión -
hacia 16’53’’-.
(2) Furtwängler incorporó a Stravinsky a su repertorio en 1924. Tan sólo en
dos ocasiones dirigió la Sinfonía en tres movimientos, en las temporadas
1949-50 y 1950-51, pero programó con insistencia El pájaro de fuego, y con
frecuencia La consagración de la primavera, Petruchka y El beso del hada.
(3)»Los temas de Beethoven existen unos junto a otros como las figuras de
un drama. Dentro de cada obra beethoveniana, en el interior de cada frase
aislada, rueda un destino». Así se expresaba Furtwängler en 1937 en las
conversaciones que mantuvo con Walter Abendroth, reunidas en un
volumen publicado en 1948.
(4) Las continuas injerencias políticas en la vida musical alemana, que
provocaron su enfrentamiento con los jerarcas nazis en 1934 a causa del
estreno de la ópera Matías el pintor, le movieron a dimitir de sus cargos de
vicepresidente de la Reichsmusikkammer, director de la Ópera de Berlín y
de la Orquesta Filarmónica de Berlín.
(5) De 1954 se conservan una grabación del 3 de agosto, editada por EMI, y
la película en color de Paul Czinner, con tomas de varios días, con y sin
público, y con Lisa della Casa en sustitución de Elisabeth Schwarzkopf,
editada por DG en VHS y DVD.
WILHELM FURTWÄNGLER: In Memoriam (Edición conmemorativa de los 50 años de
su muerte) / TAHRA / Ref.: FURT 1090/1093 (4 CD + 1 CD Rom + 1 Álbum Fotográfico;
Edición de lujo) D14 x 5
W. FURTWÄNGLER: Los Conciertos de Salzburgo (1949-1954): Pfitzner, Strawinsky,
Brahms, Bach, Beethoven, Mendelssohn, Mahler, Bruckner, Strauss, Hindemith &
Schubert. O. Fil. de Viena. Dir.: W. Furtwängler / ORFEO / Ref.: C409048L (8 CD) D1
x 3 [EDICION LIMITADA]
W.A. MOZART (1756-1791): Don Giovanni / Siepi, Schwarzkopf, Ariè, Grümmer,
Dermota, Edelmann, Berger, Berry. Chor der Wiener Staatsoper. Wiener Philharmoniker.
Dir.: W. Furtwängler (Salzburgo, 27 de julio de 1953) / ORFEO / Ref.: C624043D (3 CD)
D4 x 3
Dossier Furtwängler
Los interesados en profundizar en la vida y en los hechos del gran Furt encontrarán en nuestra
diverdi . com
página web diverdi.com un amplio y variado dossier que incluye, entre otras aproximaciones, varios trabajos de Ángel-Fernando Mayo
(entre ellos, el prólogo inédito a su traducción al castellano del libro Conversaciones sobre música) así como toda la discografía del
director y compositor berlinés disponible en Diverdi y una serie de interesantes ofertas.

El 26 de noviembre de 1504, poco antes de las
12 de la mañana, fallecía en los palacios
reales de Medina del Campo, ubicados en la
Plaza Mayor de esta localidad vallisoletana, la
reina doña Isabel la Católica. Concluía de esta
manera un periodo histórico de enorme trascendencia en la vida
política y social de los Reinos de Castilla y León,
una etapa que, sin duda, habría de marcar el fin
de la transición entre los tiempos medievales y
modernos en España.
Si bien la acción de gobierno de la soberana
castellana ha sido tratada en las últimas décadas
desde ángulos muy diversos, enfatizando unos
las sombras de un reinado largo y complejo
marcado por la intransigencia religiosa y la
instauración de la Inquisición, resaltando otros
sus virtudes como gran reina del Renacimiento,
protectora de las artes y las letras de su tiempo y
patrocinadora de la gran empresa americana, lo
cierto es que cinco siglos después de su muerte,
la figura y la obra de la gran reina de Castilla
sigue despertando las más encendidas pasiones entre historiadores,
eruditos y estudiosos de aquel tiempo.
Dentro del ámbito cultural, el reinado de los Reyes Católicos
fue, sin duda, un tiempo caracterizado por el afianzamiento de las
señas de identidad de lo hispano, sin renunciar, evidentemente, a
las influencias del gusto tardogótico y protorrenacentista que
llegaban del resto de Europa. La música, seguramente, fue el arte
donde mejor se habrían de plasmar estas nuevas tendencias
estilísticas, entre refinadas y populares, que rápidamente calarían
en el ámbito cortesano.
Buena prueba de aquel florecimiento cultural y musical es el
compacto que nos propone Jordi Savall al frente de sus habituales
Capella Reial de Catalunya y Hespèrion XXI. Un recorrido que
rinde homenaje a doña Isabel y que pretende ser también un
itinerario biográfico de la propia soberana en el que la música
juega, no podía ser de otra manera, un papel protagonista. Desde
el nacimiento de la reina, en los palacios de Madrigal de las Altas
α
Savall y ALIA VOX rinden homenaje a Isabel la Católica a los 500 años de su muerte
Música para un centenario
( 5 )
Torres en 1451, pasando por la entronización de Enrique IV al
trono de Castilla en 1454; su matrimonio con Fernando de Aragón
en Valladolid, en 1469; las Cortes de Toledo de 1480, de tanta
trascendencia para el regimiento de Castilla y León; el
fallecimiento del Príncipe don Juan en Salamanca en 1497 y los
graves problemas de tipo dinástico que de ello se derivaron; la
toma de Granada en 1492; hasta el fallecimiento
de la soberana en 1504, Savall y sus ministriles
nos exponen con la maestría propia de quienes
conocen a la perfección el repertorio, un
programa en el que se alternan algunas de las
páginas más conocidas de la música cortesana
de aquel reinado como la Danza alta de
Francisco de la Torre, los villancicos Dinos,
madre del donsel y Muy crueles vozes dan o el
bellísimo romance Triste España sin ventura de
Juan del Enzina, obras ya grabadas por el maestro
catalán y sobre las que ahora vuelve con unas
lecturas renovadas y muy frescas, con otras
composiciones menos frecuentadas por la
discografía como el Sanctus anónimo del
Cancionero Musical de la Colombina o la espectacular Bassa &
Danza «Mappamundi» del Códice 88 de Trento.
Una vez más Savall nos vuelve a sorprender con un gran trabajo
de enorme rigor histórico y musicológico en el que, de verdad,
sobran los comentarios. La presentación del disco y, sobre todo,
del libreto que le acompaña con 96 páginas y repleto de facsímiles
de algunas de las obras contenidas en el Cancionero Musical de
Palacio o de ilustraciones del conocido Devocionario de la reina
Juana la Loca de Pedro Marcuello, culminan una producción, y
esto ya no es novedad en el caso de ALIA VOX, que se convertirá
muy pronto en indispensable.
Francisco de Paula Cañas Gálvez
ISABEL I, REINA DE CASTILLA: Luces y sombras en la época de la primera gran reina
del Renacimiento (Isabel I La Católica, 1451 - 1504) / La Capella Reial de Catalunya.
Hespèrion XXI. Dir.: Jordi Savall / ALIA VOX / Ref.: AV 9838 (1 CD) P.V.P.: 13,75
euros.- [Precio especial de lanzamiento]
Christina Pluhar y L’Arpeggiata vuelven a seducir con un inclasificable trabajo para ALPHA
Improvisaciones de lujo y fantasía
Tras el éxito arrollador de La Tarantella, Christina Pluhar y su extraordinario conjunto L’Arpeggiata vuelven a seducirnos y a
sorprendernos con un trabajo inclasificable, en el que utilizan los bajos ostinados más célebres del Renacimiento y el Barroco (folía,
chacona, romanesca, bergamasca, passacaglia...) en un juego de referencias cruzadas, improvisación,
fantasía e imaginación verdaderamente mágico. En el sumario del disco pueden leerse los nombres de
Maurizio Cazzati, Santiago de Murcia, Antonio Bertali, Lucas Ruiz de Ribayaz o Girolamo Frescobaldi
entre otros, aunque en realidad estos célebres compositores son sólo el punto de partida, la inspiración
para un recital desprejuiciado y plagado de sorpresas, en el que los clarinetes del invitado Gianluigi
Trovesi ponen el color exótico entre los laúdes, guitarras, tiorbas, arpas, salterios, violas, violines,
cornetas y percusiones habituales del grupo. Como en La Tarantella, Lucilla Galeazzi canta de forma
maravillosa, aquí una sugerente canción propia basada en una balada popular de Cerdeña (Voglio una
casa, con soberbia intervención improvisada de Trovesi) y una delicadísima y conmovedora nana
escrita por Pluhar sobre la Romanesca. Le da réplica con su inconfundible estilo, natural y refinado al
tiempo, Marco Beasley. Tanto en el Turlurù (con el que adapta un texto del siglo XV a la melodía de la
Bergamasca) como en la relectura que plantea de la Cantata Sopra il Passacaglio, traza evidentes
puntos de contacto con la música y la literatura populares, vivificadores permanentes del arte más
hondo y auténtico. Como si de una verdadera jam session se tratara, los miembros de L’Arpeggiata se
van cediendo el turno unos a otros en un diálogo fluido y sereno, cálido y sensual a ratos, pleno de
musicalidad, de equilibrio y de sentido siempre, en el que los instrumentos son aprovechados hasta el límite
de sus posibilidades tímbricas y expresivas.
Pablo J. Vayón
ALL'IMPROVVISO (Ciaccone, Bergamasche & un po' di Follie) / Marco Beasley, Lucilla Galeazzi, canto. L'Arpeggiata. Dir.: Christina Pluhar
/ ALPHA / Ref.: ALPHA 512 (1 CD) D2
La Tarantella, esa irresistible incursión de Christina Pluhar y L´Arpeggiata en el mundo de las canciones tradicionales de reino de Nápoles,
y que ha sido el gran superventas del catálogo ALPHA, pasa ahora a formato SACD, con lo que se podrá disfrutar de esta delicia en
condiciones sonoras absolutamente espectaculares.
LA TARANTELLA: Antidotum Tarantulae / Música tradicional napolitana Lucilla Galeazzi y Marco Beasley, canto tradicional. Alfio Antico,
canto tradicional y percusión. L´Arpeggiata. Dir.: Christina Pluhar / ALPHA / Ref.: ALPHA SA 503 (1 CD) D1

Segundo volumen de música orquestal de Christoph Graupner (1683-1760) en MDG
Opulencia sonora
Q
ue Graupner era un compositor muy sugestivo lo sabían
bien sus contemporáneos -Bach entre ellos-, que se
honraron con su amistad y copiaron e interpretaron sus
partituras. Sin embargo, su recuperación ha sido más bien tardía,
quizá porque su peculiar forma de escritura, a base de motivos
breves que se desarrollan y entremezclan hasta formar el tejido
sonoro, hizo pensar -erróneamente- que su música era demasiado
facilona como para ser tenida en cuenta. Y sólo hace un cuarto de
siglo, aproximadamente, se emprendió el estudio y catalogación
sistemática de su obra para concluir dando la razón a los hombres
del XVIII -que algo sabían de música- y quitársela a quienes
miraban todo con prejuicios y anteojeras. Y ahora, por fin, las casas
discográficas están proporcionando al melómano de a pie material
suficiente para que compruebe por sí mismo lo que han
dictaminado los modernos musicólogos, y apenas pasa mes sin que
aparezcan novedades con la música de aquel prolífico sajón
humilde y respetuoso que puede encarnar el prototipo de
compositor cortesano barroco.
Hoy es el sello MDG el que presenta en primicia absoluta una
muestra de su música orquestal y de cámara: una obertura, una
sonata en trío y una sinfonía. Son obras bellísimas que, en un
Bello disco de música para violín de Antonio Bertali
(1605-1669) en CARUS
Italia en Viena
Llegado a la mayoría de edad y emancipado de
ajenas tutelas en el siglo XVII, el violín partió de
Italia a hacer fortuna en otras tierras. Y la hizo, vaya
que si la hizo. No necesitó mucho tiempo para
establecerse firmemente en toda Europa, aunque en
ciertos sitios -los franceses, siempre tan suyos- se le
mirara con displicencia, considerándolo más propio de
manos plebeyas que de
nobles ejecutantes. La
corte imperial, sin embargo,
abierta de par en
par a la influencia
italiana, lo acogió sin
reservas, concediéndole
cumplido acomodo en
su capilla musical.
A ella perteneció, desde
1624 aproximadamente,
el violinista veronés Antonio
Bertali. Y en Viena
permaneció hasta su
muerte, sirviendo a tres emperadores, siendo nombrado
kapellmeister en 1649 y recibiendo privilegio de
nobleza en 1654. Compositor polifacético, además de
escribir óperas, oratorios y música litúrgica, se ocupó
también de la música instrumental, en la que,
lógicamente, el violín ocupa un destacado lugar. Una
variada antología de su producción en este campo
recoge el disco de CARUS que presentamos. Figura en
ella, por supuesto, esa monumental chacona para violín
y bajo continuo que por sí sola habría inmortalizado a
su compositor. Vemos también una distribución muy
apreciada en aquella corte, violín, viola de gamba y
bajo continuo. No faltan las sonatas escritas para dos
violines y grupo de violas. Ni la formación en trío que,
evolucionada, llegaría a ser la forma canónica de la
música de cámara tardobarroca. Música de insólita
belleza y de gran exigencia virtuosística, tiene en la
formación de cámara de la Orquesta Barroca de
Friburgo su intérprete ideal. Petra Müllejans y Daniela
Helm son las violinistas. Lo entienden, ¿no?
M.A.R.
ANTONIO BERTALI (1605-1669): Tausend Gülden (Sonatas de la Corte
Habsburgo) / Freiburger Barockorchester / CARUS / Ref.: CARUS 83.303
(1 CD) D2
CARUS añade otra entrada a su catálogo de obras religiosas de J.D.
Heinichen (1683-1729)
Musicus doctus
Johann Mattheson afirmaba que, junto con Haendel y Hasse, Johann David
Heinichen conformaba el gran trío de las H musicales alemanas. También
se le alabó por ser de los pocos que, reuniendo las características de
musicus theoreticus (cuyo paradigma era
Mattheson) y musicus practicus (ejemplificado
por Bach), encarnaba la figura del musicus
doctus. Y es que, del mismo modo que su
tratado sobre el bajo continuo figuró entre las
más importantes obras teóricas de su tiempo,
sus composiciones quedaron, por su brillantez
y elegancia, como prototipo de la música
interpretada en la opulenta corte sajona de su
patrón Augusto el Fuerte. Lamentablemente, el
violento incidente que en 1720 le enfrentó a
Senesino motivó la disolución de la compañía
de ópera italiana que actuaba en Dresde -
Haendel, por cierto, obtuvo buen provecho de
ello-, truncando su más que prometedora
carrera como operista. Desde entonces lo mejor de sus esfuerzos debió
encaminarse a la composición de cantatas y música religiosa para la capilla
católica del elector-rey de Polonia.
Buen ejemplo de su quehacer en este campo es esta deslumbrante Misa
nº 12 en la que no sabemos qué admirar más, si el dominio de la escritura
coral, la bellísima y exigente línea melódica de las partes destinadas a los
solistas vocales o la variada gama de color orquestal que sólo podía
permitirse quien tenía a su disposición la mejor orquesta de Europa. Una
auténtica obra maestra italianizante por los cuatro costados que recrea con
eficacia Hans-Cristoph Rademann con un sólido y estupendo equipo
orquestal y vocal en el que figuran la soprano Monika Frimmer y el tenor
Hermann Oswald y que se complementa con una muy competente lectura
del Magnificat de J.S. Bach. Recomendable, por supuesto.
( 6 )
brillante ejercicio de gustos reunidos,
combinan una lujuriosa instrumentación
(vean, por ejemplo, la de la obertura:
traverso, viola d’amore, dos chalumeaux,
trompa, dos violines, viola y continuo) con
una envidiable inventiva melódica y una atractiva variedad rítmica.
Como el grupo Nova Stravaganza de Siegbert Rampe las interpreta
con una energía y una garra arrolladoras, el resultado es un disco
sensacional que satisfará a todos los barroqueros... y a muchos
más. Compruébenlo ustedes mismos y verán cómo les apetece
hacerse también con el primer volumen de la serie. Y no se
arrepentirán.
Mariano Acero Ruilópez
CHRISTOPH GRAUPNER (1683-1760): Obras orquestales Vol.2 (Overture GWV 451;
Trío GWV 203; Sinfonia GWV 571) / Nova Stravaganza. Dir.: Siegbert Rampe / MDG
/ Ref.: MDG 1252 (1 CD) D2
También disponible:
C. GRAUPNER: Obras orquestales Vol.1 (Overtures GWV 429 & 439; Sinfonias GWV
538 & 578; Concerto GWV 321) / Nova Stravaganza. Dir.: S. Rampe / MDG / Ref.:
MDG 1121 (1 CD) D2
M.A.R.
JOHANN DAVID HEINICHEN: Missa Nr. 12; J.S. BACH: Magnificat / Dresdner Barockorchester.
Dir.: Hans-Christoph Rademann / CARUS / Ref.: CARUS 83.152 (1 CD) D2
LOS NIÑOS CANTORES DE VIENA interpretan obras de
GALLUS (Missa ad Imitationem), VICTORIA, PALESTRINA,
NASCUS, DE KERLE & BRITTEN (A Ceremony of Carols) /
Wiener Sängerknaben (Niños Cantores de Viena) Dir: H.
Gillesberger / ARTS / Ref.: 43060-2 (1 CD) D5
Más información en www.diverdi.com

Tras su deslumbrante Requiem de Victoria, Raúl Mallavibarrena y Musica Ficta
continúan su impagable labor de rescate del Siglo de Oro musical español
Guerrero fortalecido
Pese a la importancia histórica de Francisco Guerrero (1528-
1599), es muy poco lo que se ha grabado en España de su
música. Nuestros coros repiten una y otra vez alguna de sus
Canciones y villanescas espirituales como Niño Dios d’amor herido
o la canción profana Prado verde y florido, pero pocos se atreven
con sus misas o sus motetes. Eso no quiere decir que no se hayan
grabado algunas, pero la mayoría por grupos foráneos.
De las veinte misas compuestas por el gran polifonista sevillano
se han grabado la Pro Defunctis por la Orchestra of the Renaissance
y Michael Noone; también por la Chapelle du Roi y Alistair Dixon;
la Surge, propera amica mea por Orpheus Chor
München y Gerd Guglhör; la Sancta et immaculata
por Westminster Cathedral Choir y James
O’Donnell; la de La batalla escoutez, sobre
Jannequin, por los mismos intérpretes de la
anterior, con His Majesty’s Sagbutts and Cornets.
En España, el grupo Musica Reservata de
Barcelona grabó la Misa Dormendo un giorno,
sobre un madrigal de Verdelot, y la Capilla
Peñaforida de Vitoria la Puer natus est. Casi todos
estos CD incluyen para completar el contenido
canciones y villanescas espirituales o motetes.
Con el título Sacrae Cantiones, la Capella Reial
de Catalunya y Hespèrion XX, con Jordi Savall al frente, grabaron el
año 1992 motetes a 4, 5, 6, 8 y 12 voces incluidos en las dos
primeras fuentes impresas del gran polifonista sevillano, la de
Sevilla (1554) y la de Venecia (1570). Cinco años más tarde, el
grupo Musica Ficta que dirige Raúl Mallavibarrena publicaba un
disco dedicado íntegramente a Guerrero, con el título de Motecta,
donde se recogían ocho motetes a 4, a 5 y a 6 voces, los himnos Ave
Maris Stella y Vexilla Regis, más un Magnificat. Ya se había
producido por entonces algún cambio en las voces del grupo, que
había grabado el año anterior un disco con las Lamentaciones del
profeta Jeremías, de Victoria, más el añadido de un De profundis
clamavi a 7, del gran polifonista aragonés Pedro Ruimonte, cuyo
Parnaso de madrigales y villancicos a 4, a 5 y a 6 voces (Amberes,
1614) se anuncia, al fin, por Musica Ficta en el dorso de la
contraportada del folleto de su último disco en el sello Enchiriadis.
En efecto, el año 2000, Musica Ficta dejó el sello Cantus y pasó
a Enchiriadis, donde fueron apareciendo un disco dedicado a
Cristóbal de Morales, en el cual se grabó el Réquiem y tres motetes;
otro a Tomás Luis de Victoria, con la Missa Gaudeamus y varios
motetes, además del histórico Jubilate Deo de Morales, con el que
el emperador Carlos y Francisco I de Francia firmaron el tratado de
paz de Niza. En el año 2002 apareció una magnífica versión del
Officium Defunctorum de Tomás Luis de Victoria, cantado en los
funerales de la emperatriz María, recluida en el Monasterio de las
Descalzas Reales sus últimos años. El disco acogía al final uno de
( 7 )
los grandes motetes de Victoria Vadam et circuibo
civitatem, cuyo texto es un antecedente del
Cántico espiritual de San Juan de la Cruz.
Con lo dicho puede imaginar el lector la larga experiencia de
Musica Ficta y sobre todo, la de su director Raúl Mallavibarrena.
Cambian los cantores, pero la visión, el entendimiento de nuestra
excelsa polifonía sigue naciendo de la emoción y la sinceridad.
Esta grabación contiene diez motetes, algunos antifonales; el
Magnificat quarti toni y el Libera me, procedente de la segunda
versión del Réquiem, publicada en 1582 en Roma y entregada por
el propio Guerrero en mano a Ugo
Boncompagni, es decir, al Papa Gregorio XIII, que
había sido Legado del Vaticano en España.
Música de enorme energía y dramatismo cuya
claridad expresiva da continuidad a la tradición
ibérica iniciada por Pedro Escobar y Francisco de
la Torre, y a través de Morales y de Guerrero,
llega hasta Tomás Luis de Victoria, Manuel
Cardoso y Duarte Lobo. La mayor parte de los
motetes proceden de las tres ediciones de
Venecia, donde ya aparece el compositor como
«in Hispalensi Ecclesia musicorum praefecti».
Es impresionante la contención de Guerrero al
musicar un texto tan sutilmente sensual como el Quae est ista del
Cantar de los Cantares que a Fray Luis le costó la cárcel por
traducirlo al castellano directamente del hebreo. El disco ha sido
patrocinado por la Fundación Ronda de Unicaja, el Ayuntamiento
de Ronda y el Patronato Sociocultural y de Educación de la ciudad
de Vicente Espinel, el cual decía de Guerrero «que si en la ciencia
es más que todos diestro / es tan grande cantor como maestro».
En líneas generales este Guerrero de Musica Ficta es más sobrio
y bien trabado que otros, más dulces y deshuesados. Se aprecia aquí
mejor su discipulaje de Cristóbal de Morales con el que trabajó y se
perfeccionó en Toledo entre 1546 y 1547, antes de incorporarse a
la Catedral de Jaén como maestro de capilla. Los motetes son
bellísimos, especialmente el muy espiritual Ave regina caelorum, de
una sublime hermosura y delicadeza. En todos ellos Mallavibarrena
utiliza un cantor por voz, lo que resalta mejor la transparencia en
una música tan contrapuntística. Hay que agradecerle su
extraordinaria labor en la difusión, a muy alto nivel, de nuestro
patrimonio polifónico, y citar a los cuatro excelentes cantores que
integraron esta vez Musica Ficta: Sylvia Schwartz, Alicia Berri, Félix
Rienth y Luis Vicente.
Andrés Ruiz Tarazona
FRANCISCO GUERRERO (1528-1599): Hispalensis / Musica Ficta. Dir.: Raúl
Mallavibarrena / ENCHIRIADIS / Ref.: EN 2009 (1 CD) D2
Apasionante interpretación de La Fontana d´Israel de J.H. Schein por Manfred Cordes y Weser-Renaissance en CPO
Schein, un puente entre Alemania e Italia
Uno de los aspectos más felices, a nuestro entender, de la producción musical de Johann Hermann
Schein es la perfecta simbiosis entre los estilos italiano y alemán. A pesar de no haber visitado nunca
la península italiana, Schein, desde el magisterio de capilla de Santo Tomás en Leipzig, supo dotar a
toda su obra, de profunda raigambre protestante, de una impronta meridional, vanguardista y llena de
colorido que habría de dominar el panorama musical germano hasta la irrupción del gran genio de Schütz.
La Fontana d´Israel (Leipzig, 1623), una soberbia colección de 26 madrigales espirituales a cinco voces
en alemán, constituye, sin duda, una de las obras maestras de la música europea del primer Barroco pero
también un ejemplo máximo de conjunción entre dos estilos de composición, como apuntábamos más
arriba, muy diferentes. Desde las audacias cromáticas del extraordinario Die mit Tränen säen a la belleza
formal de Zion spricht: Der Herr mich verlassen o Ich freue mich im Herren, el maestro germano consigue
dotar a los textos sagrados de una gran fuerza expresiva que resalta el carácter entre festivo y dramático de
una música excelsa.
Manfred Cordes y su extraordinario conjunto Weser-Renaissance optan por ofrecernos una versión muy austera de esta obra con una
voz por parte y apoyada únicamente por un discreto bajo continuo. Y los resultados, créanme, son absolutamente reveladores no sólo
del profundo conocimiento que Cordes posee del repertorio del Barroco alemán, sino, también, y esto es lo que más importa, de su
capacidad para transmitirnos la genialidad de Schein.
J.H. SCHEIN (1586-1630): La Fontana d’Israel. Psalmo 91 / Weser-Renaissance Bremen. Dir.: M. Cordes / CPO / 999959-2 (2 CD) D2 x 2
F.P.C.G.

CHALLENGE reedita los volúmenes 6 y 7 de las cantatas de Bach interpretadas por Ton Koopman
Suma y sigue
S
iguiendo el proyecto de recuperar los álbumes de la integral
dirigida por Ton Koopman de las cantatas de J.S. Bach que en
su día aparecieron en el sello Erato, CHALLENGE reedita
ahora los álbumes números 6 y 7.
Estamos en 1723. Bach acaba de asumir sus funciones de cantor
de Santo Tomás y director musices de Leipzig y ha
comenzado a renovar la música que se interpreta
habitualmente en las iglesias de Santo Tomás y
San Nicolás, proyectando varios ciclos anuales de
cantatas. El volumen 6, grabado en 1997, recoge
once cantatas del primer ciclo, incluyendo las
BWV 75 y 76, de mayo-junio de 1723, primeras
de su mano que se oyeron en las ceremonias
religiosas de Leipzig, pocos días después de haber
llegado con su familia a la ciudad. Un mero
anticipo del torrente creativo que se desbocaría
en los años siguientes... hasta que las tensiones
con sus superiores le hicieran perder el interés por
continuar en la línea de renovación musical del
repertorio eclesiástico que se había impuesto.
Pero nada de eso se intuía todavía y en Leipzig se recibían sus
nuevas obras con éxito.
Koopman las recrea con gran sentido del equilibrio y cierta
ligereza. Elogiar a la orquesta resulta superfluo. Recordaremos
únicamente a sus sobresalientes solistas, Margaret Faultless (violín),
Jaap ter Linden (violonchelo), Marcel Ponseele (oboe) y Stephen
Keavy (trompeta). Y que el cuarteto vocal está integrado por la
soprano Ruth Ziesak y el tenor Paul Agnew, que hacían aquí su
aparición en la serie, la elegante mezzosoprano Elisabeth von
Magnus y el infalible y prominente bajo bachiano Klaus Mertens.
El volumen 7º, también registrado en 1997, prosigue con las
cantatas del primer ciclo anual, figurando entre ellas la que
MDG se suma al entusiasmo suscitado por Gottfried Heinrich Stölzel (1690-1749)
rescatando un nuevo Oratorio de Navidad
Navidades en Turingia
Concretamente, en la ciudad de Gotha y en 1728 (no es, por lo tanto, el mismo oratorio que
grabara para CPO el impagable Ludger Remy). Para entonces, Stölzel ya estaba consolidado
como Kapellmeister de la Corte en la que permanecería hasta ascender a los cielos. Igual que
un Bach vinculado al Concejo de Leipzig durante décadas, sin embargo no tuvo como éste que
hacerlo por necesidad, sino más bien escogió su dependencia tras rechazar puestos en lugares como
Florencia o incluso Dresde, donde habría podido codearse con los
mejores músicos del momento. ¿Motivos religiosos, tal vez? Sea como
fuere, jamás podremos hacernos una idea exacta del prestigio
alcanzado por un autor del que sólo conservamos la mitad de lo que
escribió (y en la mitad perdida están, sin ir más lejos, todas sus óperas)
y a quien Mizler, sí, el de la Societat, valoró por encima del mismísimo
Kantor de Santo Tomás.
En el disco entre manos están las tres cantatas de la Epístola -las del
Evangelio, más festivas, vendrán en otra entrega- junto con una serie
de interesantes añadidos: un concierto para oboe que nos recuerda
sus días en Venecia, una cantata de navidad independiente del
oratorio - mucho más atrevida formalmente, por cierto- y una breve
misa. Hasta en ésta, más cercana al lenguaje de las pasiones, recae la
recogida interpretación del director filósofo Rainer Johannes
Homburg. No queda nada mal la propuesta y sigue habiendo sitio, no
obstante, para los exultantes trompeteríos de todo oratorio navideño que se precie, así como para los
deslumbrantes corales homorrítmicos (de todo luterano que se precie) pero en general no se trata de
una música de excesos retóricos ni polifonías recargadas y siempre reina una cautivadora sensación
de serenidad: Stölzel supo conjugar el rigor formal de la cantata alemana con el melodismo suave de
la Italia en la que estudió. Añádanle a esto la maestría en el tratamiento de los recitativos, -incluso,
cosa rara, a varias voces- y una instrumentación igual de variada en los concertati.
No son obras pensadas para un especial lucimiento de los solistas, pero no se puede obviar la
presencia de la nítida voz de Christine Maria Rembeck. Por cierto que los ecos de la Handel´s
Company y del coro de la Iglesia de Santa María de Lemgo rebotan allí mismo. Y además, se nota,
para orgullo del sonido natural del que MDG presume.
( 8 )
probablemente sea la más popular de toda la producción bachiana
(BWV 147), interpretada en la conmemoración de la Visitación de
1723. Las demás, creadas entre 1723 y 1724, son las catalogadas
como BVW 24, 67, 105, 136, 144, 148, 173, 181 y 184. Una
auténtica fiesta sonora en la que abundan los detalles, tanto en los
coros y corales, cuanto en las arias y en la
imaginativa orquestación, propios de un
compositor genial, traducidos con una claridad y
homogeneidad de sonido pasmosa por quien es,
sin duda, uno de sus más cualificados intérpretes.
En la orquesta continúan como solistas Margaret
Faultless (violín), Jaap ter Linden (violonchelo),
Marcel Ponseele (oboe) y Stephen Keavy
(trompeta). Sus meros nombres bastan para saber
que sus intervenciones son espléndidas. Entre los
solistas vocales, sin embargo, hay algunas
variaciones importantes, que no afectan a la
calidad de los resultados. La soprano es ahora
Lisa Larsson y la contralto polaca Bogna Bartosz
comparte con hondura su tarea con Elisabeth von
Magnus. Las voces masculinas están entre las más destacadas del
panorama de la música antigua: el tenor Gerd Türk y el bajo Klaus
Mertens. ¿Puede fallar el resultado con tales mimbres?
Juan de Atienza
J. S. BACH: Integral de Cantatas Vol.6; Cantatas BWV 76, 75, 190, 179, 59, 69, 50, 186,
104, 69A & 50 / Ruth Ziesak, Elisabeth von Mangus, Paul Agnew, Klaus Mertens. The
Amsterdam Baroque Orchestra & Chorus. Dir.: Ton Koopman / CHALLENGE / Ref.: CC
72206 (3 CD) D2 x 3
J. S. BACH: Integral de Cantatas Vol.7; Cantatas BWV 25, 95, 144, 67, 24, 136, 184,
105, 148, 147, 181, 173 / Lisa Larsson, Bogna Bartosz, Gerd Türk, Klaus Mertens. The
Amsterdam Baroque Orchestra & Choir. Dir.: Ton Koopman / CHALLENGE / Ref.: CC
72207 (3 CD) D2 x 3
Pablo del Pozo
GOTTFRIED HEINRICH STÖLZEL (1690-1749): Oratorio de Navidad; Cantatas / Handel’s Company Kammerchor der Marien-
Kantorei. Dir.: Rainer J. Homburg / MDG / Ref.: MDG 1232 (1 CD) D2
G.F. HAENDEL (1685-1759): Suites de
Pièces pour le Clavecin Vol. I (Suites Nos.
1-5 HV 426-430) / Ottavio Dantone,
clave / ARTS / Ref.: 47698-2 (1 CD) D5
G.F. HAENDEL (1685-1759): Suites de
Pièces pour le Clavecin Vol.II (Suites
Nos. 6-8 HV 431-433) / Ottavio
Dantone, clave / ARTS / Ref.: 47699-2 (1
CD) D5
FRANÇOIS COUPERIN (1668-
1733): Les ombres errantes (Las
sombras errantes). Suites para clave
del Cuarto libro / Mitzi Meyerson,
clave / GLOSSA / Ref.: GCD 921802
(1 CD) D2
Más información en www.diverdi.com

α
Pablo Valetti y Céline Frisch brindan otro Bach referencial para ALPHA
Acariciando el equilibrio
Pablo Valetti y Céline Frisch, los dos pilares de la agrupación Café
Zimmermann, se acogen al epígrafe Suonate à Cembalo certato è
Violino solo, uno de los dos existentes en los manuscritos conservados
(ninguno autógrafo) de las sonatas bachianas BWV 1014 a 1019. Clave
concertante y violín solista. Nada de solista y bajo cifrado. Y, más todavía
que «sonatas de clave con acompañamiento de violín» -concepción habitual
en la época-, las seis obras presuponen, en resumidas cuentas, tres voces
dialogantes en pie de igualdad: el instrumento de arco y cada una de las
manos del teclado. Todo apela al equilibrio en
una de las más cuidadas series camerísticas del
compositor. A un equilibrio de cristal. Incluso
la posibilidad -especificada- de un «basso per
Viola da gamba accompagnato se piace»
parecería amenazarlo (no digamos un
violonchelo).
Se acerca uno al equipo de música no sin
cierta aprensión. Estos muchachos de Café
Zimmermann se han mostrado epatantes
en los Conciertos del viejo Juan Sebastián.
Viven el momento de comerse el mundo.
Aquí, sin embargo, es otra la baza: la de la
serenidad. Hay un espacio incontestable
para la reflexión en cada Sonata y, para
habitarlo, es imprescindible una brizna de
perverso abandono... ¿romántico? que no
suele conquistarse sino con los años.
Frisch, la clavecinista, había dejado
constancia de sus dotes al respecto en
unas Variaciones Goldberg memorables
(ALPHA 014). A un amante del vértigo tan
decidido como Valetti, a mí, lo confieso,
me costaba más imaginármelo en el trance.
Pues bien, nada que temer: los dos intérpretes salen recrecidos del desafío
y añaden una nueva página triunfal a su ya nada desdeñable currículo
bachiano. El impetuoso tactus marca de la casa sabe, en los tiempos lentos
(escúchense el Adagio de la nº 4 o el Largo inicial de la nº 5), remansarse lo
suyo para el canto o el ensueño sin desmentir el talante arrollador que
inspira su versión ni tampoco caer en un sistemático contraste por el
contraste. El fraseo es elegante y la línea, muy depurada. El sonido que el
violinista obtiene de su Guadagnini de 1751, consistente y luminoso. El
clave, todo ágil transparencia. Si algo se les puede reprochar es el no haber
ofrecido aparte los movimientos alternativos de la Sexta Sonata (BWV
1019a), como hicieron por ejemplo Lucy van Dael y Bob van Asperen. Sólo
por el escandalosamente bello «Cantabile ma un poco adagio» habría valido
la pena. El minutaje permitía eso y mucho más.
Jesús S. Villasol
J. S. BACH (1685-1750): Seis Sonatas para clave concertante y violín solista (BWV 1014-1019) /
Pablo Valetti, violín. Céline Frisch, clave. / ALPHA / Ref.: ALPHA 060 (2 CD) D10 x 2
JOHANN JOSEPH VILSMAYR (1663-
1722): Artificiosus Concentus pro Camera,
1715 (para violín solo) / Gunar Letzbor,
violín / ARCANA / Ref.: A 328 (1 CD) D2
Más información en www.diverdi.com
ARCANGELO CORELLI (1653-1713):
Sonatas para violín op.5 / Enrico Gatti
(violín), Gaetano Nasillo (violoncello),
Guido Morini (clave) / ARCANA / Ref.: A 423
(2 CD) D2 x 2
( 9 )
Fantástica aportación de Patrick Bismuth
a la ya nutrida discografía de las
Sonatas del Rosario de Biber
Retórica y movimiento
En el año en el que se cumple el tercer centenario
de su muerte, podemos afirmar sin temor a
equivocarnos que Heinrich Ignaz Franz von
Biber se ha convertido, para un grupo cada vez mayor
de melómanos, en un compositor popular. Sin
alcanzar las cotas de celebridad de los grandes
maestros del tardobarroco, por supuesto, pero con un
prestigio y una fama lo suficientemente consolidados
como para que de su obra más famosa, las Sonatas
del Rosario, puedan encontrarse fácilmente una
decena de grabaciones en el mercado. Si hace sólo
una década el paso
obligado para todos
los violinistas
barrocos era Bach,
hoy ese peaje
parece haberse
retrasado hasta este
maestro bohemio
que reinó muchos
años en Salzburgo,
creando exuberantes
obras religiosas
para las
solemnidades públicas
y exquisitas piezas camerísticas para la
intimidad de sus patronos, los príncipes-arzobispos
Max Gandolph y Johann Ernest von Thun.
Las quince Sonatas del Rosario para violín y
continuo más la Passacaglia final para violín solo
fueron un auténtico regalo para el primero de ellos,
que se había destacado por impulsar el culto a la
Virgen. Como es bien sabido, Biber empleó en su
composición los procedimientos de la scordatura
(afinaciones diferentes a las habituales en las cuerdas
del violín) para individualizar en materia de
sonoridad y de color cada pieza, siguiendo un
minucioso plan que tiene más que ver con la retórica
que con las intenciones descriptivas.
Como dijimos, de estas sonatas circulan versiones
discográficas lo suficientemente variadas y
extraordinarias como para que nadie quede
descontento. Holloway, Goebel, Rônez, Letzbor,
Edouard, Piérot y, desde hace muy poquito, Manze
son nombres que cualquier interesado en esta música
debe de tener bien presentes, como desde ahora el de
Patrick Bismuth, quien, al frente de un nutrido y
soberbio conjunto que responde al shakespeariano
nombre de La Tempesta, se lanza sobre la colección
con un ímpetu y una pasión verdaderamente febriles.
Bismuth ofrece un auténtico muestrario de ataques y
adornos diversos, con acentos siempre intensos y
enérgicos y una extrema profundidad de sonido, que
se apoya en un continuo de extraordinaria presencia
y gran variedad tímbrica (hay dos claves, una tiorba,
dos violas, un lirone, un violonchelo, un contrabajo y
un arpa), que no cesa de cambiar y reinventarse a sí
mismo. Los pasajes rápidos resultan así briosos y
agudos, mientras que en los lentos hay una voluntad
decidida por trascender el lirismo, que llega hasta lo
arrebatado sin dejar de ser elegante. Si el Barroco es
el arte del dinamismo, estas versiones, que derrochan
un portentoso sentido de la improvisación y del
movimiento constante, son las más genuinamente
barrocas que hayamos oído jamás.
P.J.V.
HEINRICH I.F. BIBER (1644-1704): Las Sonatas del Rosario (Sonatas
1-15) / Ensemble La Tempesta. Violín y dirección: Patrick Bismuth /
ZIG-ZAG / Ref.: ZZT040801.2 (2 CD) D10 x 2

No corrían buenos aires para Haendel allá por 1733. Se acababa de constituir la rival Ópera de la Nobleza y al finalizar la
temporada el abandono de sus más destacados cantantes le llevó a disolver su compañía.
Afortunadamente, la invitación cursada por la Universidad de Oxford para participar en la solemne
ceremonia pública de entrega de títulos contrarrestaba momentáneamente los sinsabores. Y para allá fue en
julio de aquel año con una compañía integrada básicamente por cantantes ingleses más Anna Strada del Pò
(única italiana que le había permanecido fiel) para interpretar, entre latinajos y disertaciones académicas, las
obras mayores inglesas que había compuesto hasta entonces -Acis, Esther, Deborah- y estrenar un nuevo
oratorio, Athalia, con libreto de S. Humpreys basado en la tragedia del mismo título de Jean Racine.
Haendel dejó en este caso de lado algunas de las convenciones de la ópera seria, reduciendo
notablemente las arias da capo y sometiéndolas al imperativo dramático, pero utilizó su experiencia
operística para trazar soberbios retratos musicales; otorgó a los coros -con los que dibujó contrastados
retratos colectivos- un papel fundamental en la acción; puso todos los elementos formales al servicio del
conjunto, logrando una profunda unidad; y jugó como sólo él sabía hacer la orquestación. ¿Resultado?
Winton Dean sentenció y nadie le contradice: «El primer gran oratorio inglés de la historia».
Pese a ello, no ha sido una partitura muy atendida por las discográficas: sólo dos grabaciones (una de
ellas, por cierto, con el imposible maridaje canoro de Joan Sutherland y Emma Kirkby) pueden encontrarse
en los catálogos. Se suma hoy una tercera a la lista. La presenta el sello alemán MDG y está dirigida por Peter Neumann, que haciendo
valer su sólido bagaje haendeliano y contando con un elenco homogéneo y de muy buen nivel, del que podemos entresacar a las
sopranos Simone Kermes y Olga Pasichnyk y al contratenor Martín Oro, deja una muy consistente interpretación que satisfará plenamente
a los haendelianos: hay que contar con ella.
Hay un apartado en el catálogo de Haendel -el de los
pasticci- que suele pasar desapercibido. Sólo consta de
doce obras, de las que nueve estaban integradas
básicamente por música -a veces, muy reciente- de otros
compositores (Hasse, Porpora, Vivaldi, Leo, Vinci y varios más) y
tres, por música propia. Sólo Oreste, que sepamos, ha merecido
los honores de la edición
crítica, la representación
moderna y, ahora, de su
grabación íntegra. Con una
variante de la historia de
Ifigenia como argumento
para dar mayor relieve al
personaje de Orestes -el
capón de turno, Carestini,
mandaba- se estrenó a
finales de 1734 en la
primera temporada en que
Haendel ocupó el teatro de
Covent Garden y lo montó
fundamentalmente con arias -elegidas entre las más bellas- de
nueve óperas anteriores (de Radamisto a Riccardo Primo). Un aria
que se mantiene tal cual, otra a la que se dota de nueva letra,
alguna transposición por aquí, unos retoques instrumentales por
allá, unas piececitas danzables de nuevo cuño por acullá -fue el
año en que la Sallé trabajó para él-... y ahí estaba, como recién
aparecida entre los mágicos dedos de un prestidigitador, una
nueva ópera que confundiría, por su coherencia, a quien ignorara
la operación. La grabación íntegra -en estudio- que acaba de
aparecer está relacionada con una representación llevada a cabo
por un equipo griego en escenarios naturales. Entonces, la crítica
helena se deshizo en elogios acerca del espectáculo. Podemos
comprobar en la grabación que hay un loable esfuerzo de
adecuación estilística y que, en líneas generales, el equipo sale
airoso del empeño, dejando un álbum que es mucho más que una
mera curiosidad.
M.A.R.
G.F. HAENDEL (1685-1759): Oreste / Nesi, Mitsopoulou, Katsuli, Koroneos.
Camerata Stuttgart. Dir.: George Petrou / MDG / Ref.: MDG 1273 (2 CD) D2 x 2
( 10 )
M.A.R.
G.F. HAENDEL (1685-1759): Athalia (Oratorio en tres actos sobre Racine) / Kermes, Pasichnyk, Wilsberg, Lund, Oro, Cooley. Kölner Kammerchor. Collegium Cartusianum. Peter
Neumann, dirección / MDG / Ref.: MDG 1276 (2 CD) D2 x 2
Primera grabación de un pasticcio de Haendel, Oreste, en MDG
Haendel prestidigitador
Peter Neumann graba su quinto oratorio haendeliano, Athalia, en MDG
Haendel en las aulas
I Filarmonici prosiguen su integral Bonporti en DYNAMIC
El clérigo soñador
Fue eclesiástico, pero desde sus juveniles años romanos en que
simultaneó los estudios de teología y música, se sentía ante
todo compositor. Y soñaba con volar muy alto y servir a un gran
señor que supiera reconocer y apreciar sus indudables méritos
como músico. Pero aunque Francesco Antonio Bonporti escribió a
Jorge I de Gran Bretaña e hizo lo que estaba en su mano
(desgraciadamente para él, no era mucho) por llegar a la corte
imperial, no logró sino un
nombramiento de capellán
honorario que de nada le servía.
Pasó, pues, casi toda su vida en
Trento, más amargado que feliz y
elaborando una obra
relativamente abultada que, eso sí,
vio impresa en su casi totalidad.
Probablemente, no llegó a saber
que sus Invenzioni da camera
(Opus X, 1712) fueron muy
apreciadas por un tal J.S. Bach,
que ejercía sus funciones en
Leipzig. De todas formas ¿habría
supuesto para él algo más que una
pizca de vanidad? Al fin y al cabo, el tedesco no tenía privanza con
ningún príncipe para sacarlo de su encierro tridentino. ¡Si hubiera
sabido que su reconocimiento posterior vendría precisamente de la
mano del germano...!
Sin embargo, la ausencia de un superior a quien complacer
influyó positivamente en la originalidad de la música de Bonporti,
que aun siguiendo las pautas corellianas que dominaban entre los
compositores noritalianos de su tiempo, refleja las más diversas
influencias. Es algo que se puede apreciar en las veinte sonatas en
trío que constituyen sus Opus 4 y 6: aunque siguen el modelo
corelliano en su vertiente da camera, modifican su estructura en el
segundo caso (con sólo tres movimientos) y dejan volar la fértil
fantasía melódica del clérigo compositor en unos gráciles
movimientos danzantes que la Accademia I Filarmonici de Alberto
Martini, más firme y segura en cada nuevo registro, traducen con
una propiedad, una lozanía y un brío admirables.
M.A.R.
FRANCESCO ANTONIO BONPORTI (1672-1749): Sonate da Camera op.4 & op.6 /
Accademia I Filarmonici. Dir.: Alberto Martini / DYNAMIC / Ref.: CDS 456/1-2 (2 CD)
D2 x 2

Le Parlement de Musique registra conciertos y sinfonías de Monsieur de Saint-George (1745-1799), en Assai
Hércules francés y Watteau de la música
No son más que dos de entre tantos sobrenombres como los
que en vida recibió Joseph de Bologne, Le chevalier de
Saint Georges, un título que nunca pudo
adoptar más que oficiosamente porque sus
orígenes así se lo marcaban. Sin embargo, ser
mulato en un continente esclavista no le
impediría alcanzar la categoría de superestrella.
Nacido en la caribeña isla de Guadalupe de
madre senegalesa y terrateniente galo, al llegar a
París inició un inédito proceso de ascenso social
que le convertiría en alguien extraordinariamente
afamado. Y no sólo por la vía de la música y el
arte -autor de éxito entre los editores, virtuoso
violinista que abarrotaba las salas, director de las
mejores orquestas del país, bailarín consumado,
actor de teatro e incluso poeta- sino además, por
la de sus impresionantes dotes relacionadas con
el corpore sano: corredor, tirador, nadador, jinete y ante todo,
imbatible espadachín. El mejor, decían, de toda Europa.
Por no hablar de una vida propia de novela de aventuras como
seductor, espía, coronel de un regimiento de negros o héroe de la
Revolución. Aunque eso, antes de caer en desgracia, librarse
milagrosamente de la guillotina y finalizar sus días como
vagabundo. Un olvido que después se perpetuó por prejuicios
racistas, pero también, por el sabido descuido del clasicismo
francés frente al austriaco.
Como aún perdura este predominio mental, Saint-George sigue
siendo conocido como el «Mozart negro», si bien en realidad fue
un joven salzburgués quien viajó a París a influirse de la escuela
parisina y en pleno auge de «El Inimitable» (otro de sus apodos).
Música de A. Scarlatti y D. Zipoli en BONGIOVANNI
Bromas y veras
Concebidos para aliñar con un poco de sal y unas sonrisas los
platos excesivamente cargados de pasiones, lágrimas y
heroicidades de las óperas serias facilitando su digestión por los
espectadores, los intermezzi napolitanos llevaban a escena personajes
populares empeñados, por lo general, en alcanzar o evitar algún
casorio inverosímil. En Filandra e
Selvino (1689), Alessandro Scarlatti
presenta a una otoñal nodriza que,
aquejada del prurito di marito, le tira
los tejos a un jardinero también
entrado en años. Por el cioccolata que
quería a diario pillar, no por otra cosa,
claro. El desarrollo de la trama (por
llamarla de alguna manera), como casi
siempre, no tiene mayor interés, pero
da ocasión al compositor para dejar
que un soplo de aire fresco impregne
los recitativos, arias y dúos, ligeros y
picantones, que integran la obrita.
Para acentuar su carácter
caricaturesco, el director Fausto Nardi
otorga el papel femenino a un tenor,
Vincenzo Sanso. Carmelo Corrado
Caruso, el barítono que encarna al jardinero, se enfrenta en la segunda
parte del disco a una de las escasísimas cantatas que D. Zipoli escribió
antes de marcharse a América. Resulta, ciertamente, extraño oír
referirse a la violación de Lucrecia en primera persona con semejante
timbre, pero, al parecer, la clave en que está escrita la voz en el único
manuscrito superviviente lo sugiere claramente. En cualquier caso, es
una buena ocasión para conocer una cantata bellísima gallardamente
interpretada.
J.A.
ALESSANDRO SCARLATTI (1660-1725): Filandra e Selvino (Cuatro escenas bufas de la
ópera La donna è ancora fedele); DOMENICO ZIPOLI: Dell’offese a Vendicarmi (Cantata)
/ C. Corrado Caruso, V. Sanso. Orq Verdi. F. Nardi / BONGIOVANNI / Ref.: GB 2315-2 (1
CD) D2
( 11 )
No es extraño pues que nos resulten tan mozartianas esas
cadencias de final de frase en los dos conciertos para violín
propuestos o que podamos comparar sin esfuerzo
la similitud de recursos marciales, tan en boga en
la capital, entre la Sinfonía «París» del visitante y
las Sinfonías Op.11 del visitado.
Junto a las obras mencionadas, la rococó sonata
para pianoforte y violín (en este orden) completa
una magnífica antología del mundo sonoro de
Bologne que permite comprobar cómo sus dos
facetas, artista y guerrero, quizás se entrelazasen
en una; por ejemplo, cuando el violín solista
alcanza registros agudísimos y juega con las
cuerdas dobles sin perder un ápice el equilibrio.
Algo que nace de una escritura ágil, enérgica,
pero igual de ordenada y elegante: las mismas
características que si de un combate de esgrima
se tratara... ¿no podemos por ventura asociar del arco las florituras
con las de su florete?
En esta ocasión, quien esgrime el violín no sería Saint-George, sino
una fenomenal Stéphanie-Marie Degand. La acompaña el conjunto
estrasburgués desprendiendo naturalidad en la dirección de Martin
Gester, quien miren por dónde, también es Chevalier (des Arts et
Lettres par le Ministre de la Culture). Disfruten de los embates.
P.d.P.
JOSEPH DE BOLOGNE DE SAINT-GEORGE (1745-1799): Conciertos & Sinfonías /
Stéphanie-Marie Degand, violín. Le Parlement de Musique. Dir.: Martin Gester / ASSAI
/ 222662 (1 CD) D2
Recuperación de un título fundamental
del clasicismo español por Magraner y sus ministriles
Vuelve La Madrileña
Hace casi una década, Carles Magraner y su Capella de
Ministrers llevaron al disco la zarzuela de Vicente
Martín y Soler La Madrileña. Este registro de la versión
presentada en Madrid en 1778 (adaptación, probablemente
realizada por Pablo Esteve, de la ópera bufa Il tutore burlato,
de 1775, que a su vez
era una adaptación
de La frascatana, de
Giovanni Paisiello,
de 1774, como
indican Víctor Pagán
y el propio director
en las excelentes
notas que
acompañan al disco),
marcó uno de los
jalones más
importantes en la
recuperación de la
obra del compositor
valenciano, que, como es bien sabido, llegó a eclipsar al
mismísimo Mozart en la Viena de su época, y de quien se
cumplirán los 250 años de su nacimiento y los 200 de su
muerte en 2006. La interpretación no ha perdido ni un ápice
de su frescura, con un reparto que incluye a destacados
cantantes españoles que ya están realizando muy notables
carreras, como la soprano Olga Pitarch, que interpreta a la
protagonista femenina Violante (que tiene a su cargo la
picante seguidilla «Inocentita y niña»), o el barítono Josep-
Miquel Ramón, que hace un jugoso Pipo, aunque todos
contribuyen a dar vida a una música llena de encanto y de
elegancia.
Rafael Banús Irusta
VICENTE MARTÍN Y SOLER (1756-1806): La Madrileña (Zarzuela en dos actos,
Madrid 1778) / Pitarch, Ramon, Aragón, Llorens, Santana. Capella de
Ministrers. Dir.: Carles Magraner / CDM / Ref.: CDM 0410 (1 CD) D2

Le Matin, Le Midi y Le Soir , en soberbias versiones
de Martin Haselböck y la Wiener Akademie
Experimentos de Haydn
Cuando en 1761 Haydn se convierte en Vicemaestro de
Capilla de los Esterházy se encuentra en Eisenstadt con una
orquesta de notable calidad, con la que, como él mismo
comenta, puede «hacer experiencias». Entre las primeras que
acomete se cuentan estas tres hermosísimas sinfonías que llevan
títulos en francés relativos a los
distintos momentos del día (Le
Matin, Le Midi y Le Soir) y que
por su cercanía a la idea del
concerto grosso, con instrumentos
que ejercen papeles
solistas, fueron de las primeras
obras del compositor que
afrontaron sin complejos los
músicos historicistas.
Así, en la tradición interpretativa
de estas piezas hay que contar ya
en primera línea con los nombres
de Harnoncourt, Hogwood, Roy
Goodman o Petra Müllejans. A
ellos se suma ahora Martin Haselböck con unas versiones que
combinan un extremado refinamiento con una energía y una
vitalidad más que notables, como pone de manifiesto el
movimiento final de Le Soir, un presto subtitulado, en la mejor
tradición barroca, La tempesta, que la Wiener Akademie toca con
una intensidad de acentos formidable. El conjunto austriaco, de
dimensiones camerísticas (cuerda: 4/4/2/2/1) y sin bajo continuo,
ofrece un Haydn diáfano, agudo y transparente, de fraseo incisivo
y un delicadísimo sentido del cantábile, que Haselböck resalta
incluso en unos minuetos de tempi moderados y líneas sinuosas.
Concepto que se apoya en unos solistas de primerísimo nivel, sin
los cuales ese equilibrio, ese detallismo y esas sutilezas dinámicas
(óiganse las gradaciones del Andante de Le Soir, no se pueden
encontrar más matices entre el pp y el mf) serían del todo punto
imposibles. ¡Menuda experiencia!
P.J.V.
FRANZ JOSEPH HAYDN (1732-1809): Sinfonías nº 6-8 Le Matin - Le Midi - Le Soir
/ Wiener Akademie. Dir.: Martin Haselböck / ARTS / Ref.: 47701-2 (1 CD) D6
Nuevo recital de Soile Isokoski en ONDINE
Una mozartiana de Finlandia
Después de su exitoso disco dedicado a lieder de Richard Strauss con Marek
Janowski, que obtuvo en 2002 el premio Gramophone, ONDINE vuelve a
presentarnos un nuevo recital a cargo de una de las cantantes nórdicas más
destacadas de hoy, Soile Isokoski. Esta estupenda soprano finlandesa ha actuado ya en
varios de los principales escenarios internacionales, como la
Staatsoper de Viena, el Metropolitan de Nueva York, el
Festival de Salzburgo o el Covent Garden, y junto a
directores como Colin Davis, John Eliot Gardiner, Daniel
Barenboim, Bernard Haitink o Riccardo Muti. En el presente
compacto, Soile Isokoski vuelve a sus raíces mozartianas,
campo en el que ha brillado gracias a la pureza de su timbre,
su cuidada línea de canto, su musicalidad y su impecable
estilo, en papeles como Fiordiligi, la Condesa Almaviva o
Pamina. Se abre el disco, precisamente, con las dos grandes
arias de Così fan tutte, resueltas con convicción expresiva,
seguridad técnica y un buen dominio de la coloratura,
aspectos éstos que también encontramos en su interpretación del «Dove sono» de Las
bodas de Fígaro, al tiempo que en la célebre aria de Zaide «Ruhe sanft» nos subyuga
por la belleza de su voz y la inmaculada limpieza de su emisión. El programa incluye
también tres de las más famosas arias de concierto del compositor salzburgués, Bella
mia fiamma, Ah, lo previdi y Ch’io mi scordi di te? (en la última interviene al piano la
acompañante habitual de la soprano, Marita Viitasalo). El acompañamiento de la
Tapiola Sinfonietta al mando de Peter Schreier revela todo el conocimiento de la
materia y la capacidad del prestigioso tenor alemán para respirar con la cantante.
( 12 )
R.B. I.
W.A. MOZART (1756-1791): Arias de Cosí fan tutte, Zaide, Le nozze di Figaro & de concierto / Soile Isokoski,
soprano. Tapiola Sinfonietta. Peter Schreier, conductor / ONDINE / Ref.: ODE 1043-2 (1 CD) D2
ORFEO rescata a un clasicista de raza
¿Por qué no escuchar a Winter?
El caso de Peter von Winter (1754-1825) es el de tantos maestros
de capilla de los innumerables señoríos que cuarteaban
Alemania en el siglo XVIII, lo que no impidió al país enseñar
música, filosofía y literatura al resto de Europa. Con su tarea sólida,
humilde y arrumbada en la penumbra provincial, la gloria de los
grandes nombres los fue postergando. Ahora, entre los musicólogos,
los archiveros y los sellos de
grabación de medio tamaño, se
recupera a estos probos trabajadores
de la música ilustrada.
Desde joven, nuestro compositor
trabajó en la orquesta de la corte en
Mannheim, patria de tantos
instrumentistas de aerófonos, en
especial del clarinete. Este artefacto
fue privilegiado en su tiempo y
Mannheim es el origen de unas
cuantas obras sabrosas y pimpantes,
dada la abundancia de buenos
clarinetistas en sus orquestas y
bandas.
Winter hace cantar y lucirse al clarinete tratándolo como un
sonido de cámara que requiere una orquesta mimosa y
contrapuntística, que es la suya. Imposible, para un escucha de
nuestros días, resulta no oír en la obra winteriana a un tatarabuelo
de los Benny Goodman y Woody Herman.
Igual dominio de medios y estructuras muestra Winter en sus
sinfonías, fácilmente encuadrables en el mundo clásico de la
galantería, cerca de Boccherini y Stamitz más que de Haydn o
Mozart. Winter fue también músico de ópera y su conocimiento de
la escritura vocal, de inocultable sesgo barroco por las fiorituras y
la amplitud de la gama, se une aquí al canto del clarinete que le
sirve de coloquio y obbligato, canto con y sin palabras en el aria de
concierto Torni al tuo sen la calma. Es probable que más ejemplos
vayan surgiendo de los archivos como esta página de 1788, el
último año del Antiguo Régimen.
Blas Matamoro
PETER VON WINTER (1754-1825): Concierto para clarinete y orquesta en Mi mayor;
Sinfonía nº3 en Si mayor; Sinfonía nº2 en Fa mayor; Aria para soprano, clarinete y
cuerdas / Siebert, sopr. D. Klöcker, clarinete. Orq. de Pforzheim. Dir.: J. Moesus /
ORFEO / Ref.: C192041A (1 CD) D2
Gruberova se hace niña
En este delicioso compacto, Edita
Gruberova vuelve a la infancia y nos
propone una serie
de 32 canciones
infantiles de los
cinco continentes.
Con evidente placer
y una gran
versatilidad para
expresarse en las
más diferentes lenguas,
la soprano de
Bratislava va desgranando
temas
populares de Holanda,
México, Francia, Italia, Hungría… y,
por supuesto, su país, representado por tres
encantadoras piezas en las que,
evidentemente, parece retrotraerse a sus años
de niña. Los arreglos de Richard K.
Oesterreicher y Thomas Huber están hechos
con gusto y eficacia, y contribuyen, al igual
que los anónimos solistas y los Gorriones de
Rudolfsheim, a la grata audición que nos
revela una faceta distinta de la diva eslovaca.
EDITA GRUBEROVA CANTA CANCIONES PARA NIÑOS
DEL MUNDO: Canciones de Holanda, México, Italia,
Rusia... / Edita Gruberova / NIGHTINGALE / Ref.: NC
070660-2 (1CD) D2

Antonio Caldara se adelanta a Mozart al poner música a La clemenza di Tito, de Metastasio
Maneras musicales de ser clemente
U
no de los libretos de Pietro Metastasio más concurridos por
los compositores fue el de La clemencia de Tito. Tito Flavio
Vespasiano, pese a una corta presencia en el poder,
consiguió por la benevolencia de su reinado el sobrenombre de
Delicia del género humano. No está mal para un gobernante. Esta
«delicia» perdura en la mente de los melómanos gracias al libreto
que en 1734 redactara Pietro Metastasio, poeta cesáreo ya de la
corte vienesa, y que ese mismo año puso en música Antonio
Caldara, motivado por la onomástica del emperador Carlos VI. Tras
Caldara, la lista de músicos acuciados por tan suculenta
«clemencia» es tan amplia como para evitarnos el catálogo. La más
célebre es, sin duda, la firmada por Mozart en 1791, partitura de
nivel aunque fuera durante años desatendida injustamente, pese a
su inatacable valía y pese a contar con uno de los papeles escritos
para soprano más fascinantes de su bien extensa galería femenina:
Vitellia. Gluck, en 1751, una década antes de meterse en tareas
redentoras o de reforma de la praxis operística, también se interesó
por esa actitud tan conciliadora de un emperador, capaz de
perdonar a los conspiradores contra su persona, y así nos lo
recordaron modernamente en 1987 Malgoire en su taller de
Tourcoing y Louis Langrée diez años después en los Champs-
Elysées parisinos, mientras que discográficamente hacían lo
propio, parcialmente, el contratenor Aris Christofellis y las mezzos
Cecilia Bartoli y Magdalena Kozena. Milagrosamente, el Festival
Barroco de Tuscania (Viterbo) en 2003 se interesó por aquella
primera partitura escrita a partir de este noble título metastasiano,
la de Caldara, y Bongiovanni, incansable testigo de estos eventos
(¡Dios se lo pague!), estuvo allí los días 11 y 12 de septiembre para
hacernos copartícipes del evento. Música agradable siempre,
ONDINE presenta lo mejor de la soprano finlandesa
Excelente Karita
Glamourosa y sexy, tal y como aparece en las
portadas de sus discos, Karita Mattila ha
conquistado y seducido a los espectadores del
mundo entero con su timbre sensual y su imponente
presencia (sobre todo tras sus primeras Salomés en
París y Nueva York), habiendo sido saludada por el
público inglés como
«La Venus
finlandesa». En este
reciente CD, la
soprano ofrece a sus
fieles una amplia y
bien formada
selección de los
principales campos
donde despliega su
arte: la ópera, el
concierto y el
recital. Versátil y
moderna, de su
esplendorosa actuación en Helsinki con Jukka-Pekka
Saraste se han escogido la «Canción a la luna» de
Rusalka, «Ritorna vincitor» de Aida y el «Vissi d’arte»
de Tosca, pero también las czardas del Murciélago,
una faceta más ligera que se completa con conocidas
páginas de los musicales West Side Story y My Fair
Lady, interpretadas con genuino sabor americano. El
campo de la canción está representado por tres
ejemplos de Schumann y otros tantos de Brahms,
donde la artista sabe plegar su rico instrumento a las
necesidades del género. El excelente pianista Ilmo
Ranta también la acompaña en un viaje por
bellísimas melodías de su país compuestas por Oskar
Merikanto, Erkki Melartin, Toivo Kuula y, por
supuesto, Jan Sibelius, invitado de honor con cinco
piezas, entre ellas algunas tan representativas como
¿Fue acaso un sueño?, El primer beso o Rosas negras.
R.B.I.
KARITA MATTILA interpreta Lieder y Escenas de Schumann, Brahms,
Merikanto, Melartin, Sibelius, Schubert, Dvorak, Verdi, Puccini,
Strauss, Bernstein y Loewe / ONDINE / Ref.: ODE 1054-2 (1 CD) D2
E
( 13 )
encantadora a veces, deliciosa a menudo,
fiel reflejo de la situación dramática por
momentos, esta Clemenza da cuenta del
talento del compositor para crear
atrayentes melodías, adobarlas con el
justo apoyo instrumental y para dar buena
cuenta en el pentagrama de las situaciones escénicas vividas por
esos personajes romanos, que se expresan solamente por medio de
arias con el coro como cómplice interlocutor. Al final impera
siempre el buen gusto, el regalo auditivo y la elegancia, como fiel
espejo del momento en que se compuso y las circunstancias que la
propiciaron. Puede ser una alentadora tentación compararla con la
obra de Mozart, sobre todo por la nueva estructura que dio al
libreto el salzburgués, imaginando dúos, tercetos, conjuntos,
donde aquí son, simplemente, páginas solistas, todas de suficiente
belleza para que nadie se tiente en cuestionar su exhumación. El
equilibrado nivel interpretativo, de una mayoría juvenil entre las
que destaca la algo más veterana presencia del bajo Aurio
Tomicich en Publio, la única voz masculina del equipo (Tito es una
contralto) y en un personaje que para Caldara tiene más labor que
en la partitura mozartiana homónima, además de la sólida labor
directiva de Sergio Balestracci, son factores importantes para
disfrutar de este bienvenido producto.
Fernando Fraga
ANTONIO CALDARA (c.1670 - 1736): La Clemenza di Tito / Mya Fracassini, Ornella
Pratesi, Eleonora Contucci, Patrizia Zanardi, Lucrezia Raffaelli, Aurio Tomicich,
Camerata Polifonica Viterbese. Orchestra della Stagione Armonica. Dir.: Sergio
Balestracci / BONGIOVANNI / Ref.: GB 2360/61-2 (2 CD) D2 x 2
Testoride Argonauta, de Sousa Carvalho, el más importante clasicista luso,
en NUOVA ERA
Del Dieciocho portugués
l flautista y luego director de orquesta austriaco René Clemencic se acercó, allá
por 1990, a algunas obras del Dieciocho muy ignoradas la mayoría, una del
italiano Vivaldi (L’Olimpiade), otra del español Torrejón y Velasco (La púrpura de
la rosa, la primera ópera «suramericana»), una tercera del
austriaco Johann Joseph Fux (Dafne in lauro, sobre el
recurrente mito de la muchacha convertida en tan
culinario aderezo, el laurel), una cuarta del alemán
Reinhard Keiser (Croesus, su obra más famosa que acabó
convertida en ¡singspiel!) y, por último, la del portugués
Joao de Sousa Carvalho (Testoride argonauta). NUOVA
ERA reedita ahora este último título del compositor
portugués más famoso del momento, que vivió entre 1745
(fecha en que Vivaldi llevaba cuatro años muerto y Luigi
Boccherini dos vivo) y 1798 (cuando Donizetti tenía un
añito y Rossini cinco), logrando como mayor muestra de
su prestigio profesional ser profesor de canto de la familia
real lusa. Todas estas óperas Clemencic las había ofrecido en sesiones concertísticas
en los Champs Elysées parisinos (salvo la que nos ocupa, que gozó de una somera
puesta en escena primeramente ofrecida en la Fundación Gulbenkian lisboeta), con
equipos vocales comunes y con el Clemencic Consort. Testoride argonauta,
estrenada en Lisboa en 1780 (un año antes del Idomeneo de Mozart) está a medio
camino entre el Barroco (pues cuenta con la típica complicación argumental, entre
enemistades políticas y desencuentros sentimentales) y el Clasicismo (por la casi
totalidad de las soluciones musicales y vocales) y pone de relieve la capacidad
creativa de un músico atento a lo que se cuece en su época, pero fiel a su formación
napolitana, de la que es reflejo indudable esta partitura. Sobre todo por la perfecta
fusión entre los muy expresivos recitativos, que preparan y se enlazan
convenientemente con el aria correspondiente en una simbiosis casi ideal. El reparto
está dominado por voces femeninas, de variado colorido que va de la oscura
contralto (Lucia Meeuwsen) a la soprano ligera (Lina Akerlund), con una sola
presencia masculina, el tenor Curtis Rayam, un cantante afecto a lo que se puede
calificar de «rarezas», pues fue intérprete contemporáneo del Axur de Salieri, el
Mitridate de Mozart o la Rodelinda (papel de Grimoaldo) de Haendel. En definitiva,
Testoride argonauta, que pese al título nada tiene que ver con el vellocino de oro, es
una curiosidad tan atractiva como para no dejarla pasar por alto.
JOAO DE SOUSA CARVALHO: Testoride Argonauta (Ópera en dos actos) / Elisabeth von Magnus,
Curtis Rayam, Lucia Meeuwsen / Orquesta Barroca Clemencic. Dir.: René Clemencic / NUOVA ERA /
Ref.: 7376 (2 CD) D6 [2 CD al precio de 1]
F.F.

Con Verona, Macerata y Pésaro (y en alguna medida Spoleto
y la pucciniana Torre del Lago), es Martina Franca el festival
lírico veraniego más llamativo de Italia. Se inició en 1975 y
su reputación internacional se la procuró Rodolfo Celletti, quien lo
dirigió entre 1980 y 1996. Su sucesor, Sergio Segalini, mantiene
actualmente este bien ganado prestigio, en base a
un repertorio insólito o dando a los títulos de
mayor popularidad un nuevo enfoque expositivo.
Si Celletti miraba a la producción patria más
original (del barroco al verismo, sobre todo el de
Giordano o Puccini), Segalini está logrando trazar
el lazo de unión entre la ópera italiana y francesa
del Novecientos. Si el primero ha sacado a la luz
olvidadas obras de Traetta, Piccinni, Cimarosa,
Pacini, Paisiello, Mercadante o Rossini (a veces
antes incluso que el Festival de Pésaro), el
segundo se las mide con Meyerbeer, los Gounod y
Massenet menos conocidos o los Donizetti y Verdi
«franceses». Muchos de los cantantes o directores
que allí comenzaron su carrera son hoy primeras figuras y otros lo
serán cuando el tiempo les dé la oportunidad.
Con motivo de los treinta años de actividad se ha editado un
disco que da buena muestra de lo que ha sido este festival, aunque
el testimonio sea forzosamente parcial. Apenas existen grabaciones
de la primera década de funcionamiento, siendo el primer
testimonio aquí seleccionado de 1977 (un inédito y suculento Mira,
o Norma, con Grace Bumbry y Lella Cuberli) y el último de 2003
(un fragmento de la estupenda Siberia de Giordano), centrando su
mayor equipaje sonoro en las representaciones de los años noventa.
Un material facilitado primero por el sello NUOVA ERA (con el
refuerzo de FONIT CETRA y BONGIOVANNI) y luego por
DYNAMIC, fiel notario de lo que pasa por estos veranos operísticos
desde 1992. Por las tres horas y media que duran los tres discos
desfilan sopranos como Iano Tamar (intensa siempre), Patrizia Ciofi
(una de las más grandes líricas-ligeras de la actualidad y
prácticamente un descubrimiento del propio festival), Mariella
Devia (en la increíble exhumación rossiniana de Adelaida di
Antes pertenecientes al sello Acanta, ahora recicladas por
ARTS Archives, dos autorizadas versiones de L’italiana in
Algeri e Il Trovatore vuelven a recuperar
espacios actuales, tras años sumergidas en el
olvido, fuera de la circulación discográfica. Las dos
fueron planteadas como bandas sonoras para
filmes televisivos y, pese a tal destino visual,
organizadas con un rigor musical y una elección
de solistas realmente ejemplares. La rossiniana
agrupa un cuarteto en su época inmejorable, con
Lucia Valentini Terrani en cabeza, una Isabella de
referencia en la discografía comparada, por el
autorizado concepto, la exactitud estilística y la
belleza y riqueza intrumentales, en un papel ya
dominado a sus entonces 32 años de edad.
Flanqueando a tan selecta cantante, tres voces
masculinas de formación enteramente rossiniana:
Ugo Benelli, Sesto Bruscantini y Enzo Dara,
Lindoro, Mustafà y Taddeo, respectivamente. En
un momento en que resurgía el canto rossiniano,
estos tres intérpretes representaban en el marco de
la ejecución de la música del de Pésaro, el paso
del testigo de la mejor tradición mantenida
(Benelli, Bruscantini) a los nuevos y más genuinos
valores (Dara). Gary Bertini, al frente nada menos
que de la Staatskapelle Dresden, logra el color, el ritmo y la
transparencia propios del compositor, valores que el paso del
tiempo no hace otra cosa que corroborar.
La verdiana llama de improviso la atención por su protagonista
femenina, Raina Kabaivanska, una Leonora de fuerte personalidad,
DYNAMIC edita un triple CD dedicado al Festival de Martina Franca
Fascinante veraneo sonoro
( 14 )
Borgogna), Lucia Aliberti (Imogene belliniana a la sombra de Callas,
escrito esto en su favor), Luciana Serra (Zerlina en el encantador Fra
Diavolo de Auber cantado en italiano), Daniela Dessì (en un
momento donde daba su cualitativo cambio de repertorio con la
Elvira verdiana de Ernani) y las ya en camino al estrellato Desirée
Rancatore y Annalisa Raspagliosi. Tenores como el
estilista Giuseppe Morino, el discutido pero
fascinante José Cura y el sensible Raúl Giménez se
entremezclan con los apasionados y exóticos
Warren Mok y Jeong-Won Lee y el siempre
magnífico artista que es William Matteuzzi. Mezzos
como la sólida Martine Dupuy y la bien llorada
Lucia Valentini Terrani, dando el testigo al nuevo
valor rossiniano, la novarense Manuela Custer.
Barítonos tan dispares como Paolo Coni, Luca
Grassi, Vittorio Vitelli y Bruno Praticò y bajos como
Alaimo, Surjan, Ellero D’Artegna, Furlanetto
(Giovanni) y Rivenq, completan una nómina
impresionante, que confirma la categoría del
festival. La selección es como todas las selecciones discutible, pero
hay hermosísimas muestras de algunas de las partituras más
interesantes que pasaron por el Valle D’Itria, desde el Va tacito e
nascosto del haendeliano Giulio Cesare (traducido con singular
sensibilidad musical por la Dupuy) a la sobresaliente aria de
Adoniram de La reina de Saba del Gounod más inspirado, pasando
por ese extraordinario dúo entre Appio y Ottavia en L’ultimo giorno
di Pompei de Pacini, donde Tamar y Giménez dan las esperadas
lecciones de canto y de interpretación. Entre las batutas, basta citar
a Zedda, Benini y Palumbo para dar fe de la calidad de las mismas,
al frente de diversas orquestas hasta que se hizo presencia perenne
en el foso la bien respetable Internazionale d’Italia.
30 ANIVERSARIO DEL FESTIVAL DE MARTINA FRANCA / Arias y duetos de Il Pirata,
Macbeth, I Puritani, Semiramide, Roma, Adelaide di Borgogna, Il Trovatore etc / Martine
Dupuy, Simone Alaimo, Mariella Devia, Simon Edwards, William Mateuzzi, etc. /
DYNAMIC / Ref.: CDS 448/1-3 (3 CD) D2 [3 CDs al precio de 1]
Italiana y Trovatore se incorporan al catálogo histórico de ARTS en dos esplendidas lecturas
encabezadas por Raina Kabaivanskay Lucia Valentini-Terrrani
Rossini y Verdi, años 70
traducida con vigorosos acentos y con el hálito expresivo que
corresponde a la cantante-actriz de seguros recursos que todos
conocemos y muchos admiran, con justicia, hasta el
delirio. El Manrico de Franco Bonisolli está
planteado dentro de la mejor tradición del tenor
heroico, extravertido, generoso y, puede que,
vociferante. Pero este Manrico, que años después
sería elegido por el exigente Karajan para su
segunda grabación discográfica de la obra, es capaz
cuando ello es necesario de replegar fuerzas y
mostrar acentos más recogidos y seductores, en base
siempre a una voz de particular energía y virilidad.
Azucena es una irreprochable Viorica Cortez,
aunque no se la relacione tanto como se merece con
este repertorio, y el Conde de Luna un dúctil,
señorial y dignamente fraseado Giorgio Zancanaro.
El Ferrando de Giancarlo Luccardi no se queda atrás
ante sus compañeros, con papeles más agradecidos,
en una versión que dirige con la solvencia de su
especialización y con la garantía de su experiencia
Bruno Bartoletti, con otra flexible Staatskapelle, la
de Berlín, a su cargo.
G. VERDI (1813-1901): Il Trovatore / Franco Bonisolli, Raina Kabaivanska, Giorgio
Zancanaro, Viorica Cortez. Staatskapelle Berlin. Dir.: Bruno Bartoletti / ARTS / Ref.:
43045-2 (2 CD) D5 x 2
G. ROSSINI (1792-1868): L’Italiana in Algeri / Lucia Valentini-Terrrani, Ugo Benelli,
Sesto Bruscantini, Enzo Dara. Staatskapelle Dresden. Dir: Gary Bertini / ARTS / Ref.:
43048-2 (2 CD) D5 x 2
F.F.
F.F.

E
El joven Donizetti
l catálogo de OPERA RARA,
del que Donizetti sigue siendo
el compositor estrella, por más
que Rossini y Meyerbeer estén
cada vez más y mejor representados,
es lo suficientemente rico
en títulos completos, fragmentos,
antologías y descubri-mientos
como para permitirse el tipo de
monográficos como el que aquí
comentamos: un conjunto de
piezas -compilation lo llaman los
editores- procedentes de tres
óperas completas -más otra aún
inédita-, de dos de la antologías
tituladas A Hundred years of Italian
Opera y de otros dos discos de
arias y escenas, a cargo de los
muchos intérpretes que a lo largo
de un cuarto de siglo han ido
colaborando con el sello
londinense. Con todo ello se nos
brinda una interesante aproximación
al Donizetti anterior a Anna
Bolena, desde su debut veneciano
en Enrico, conte di Borgogna
(1818) hasta L´Eremitaggio di
Liverpool (1828). Una década,
pues, de galera donizettiana a
través de once de sus óperas de los
géneros más variados, desde el
bufo de L´ajo nell´imbarazzo hasta
la tragedia terrible, nunca
representada, de Gabriella di
Vergy, pasando por la ópera seria
con final feliz o la variopinta serie
de títulos de ambiente español
(cinco de los fragmentos tienen tal
origen). Y, hablando de títulos
españoles, la gran novedad de la
publicación la constituye un
inédito dúo de Elvida, la única
ópera de tema granadino aún
desconocida, ya grabada y con
número de catálogo adjudicado,
en espera de publicación. ¡Y
pensar que hace siete años, con
ocasión del bicentenario donizettiano,
aún lo desconocíamos
todo sobre la trilogía nazarí de
Donizetti (Zoraida di Granata,
Alahor in Granata y Elvida) y
pronto la vamos a conocer en su
integridad! ¡Bendita discografía
independiente…!
Santiago Salaverri
EL JOVEN DONIZETTI: Selección de arias y
escenas de las primeras óperas de Donizetti
/ Ford, Kenny, Montague, Cullagh, Massis.
Philharmonia Orchestra. Dirs.: D. Parry, A.
Allemandi, A. Francis / OPERA RARA / Ref.:
ORR 229 (1 CD) D1
OPERA RARA presenta una espléndida edición de una de las grandes óperas napolitanas de Rossini
Zelmira, el último diamante
Como es bien sabido, tras haber triunfado en la Italia septentrional, Rossini estableció entre
1815 y 1822 su principal centro de operaciones en Nápoles, por entonces la capital
peninsular que ofrecía las mejores condiciones profesionales para la creación operística: una
nutrida y profesional orquesta, considerada la mejor de Italia, y una compañía estable de cantantes
en la que brillaban Isabel Colbrán, los tenores Andrea Nozzari y Giovanni David y el bajo Michele
Benedetti. Con semejantes mimbres, Rossini comenzó a experimentar, a partir de Otello, su
segunda obra (la primera, Elisabetta, regina d´Inghilterra, fue ante todo un cauteloso tanteo con
piezas procedentes de obras anteriores), hacia un nuevo modelo de dramma per musica que
sentaría las bases de la evolución de la ópera seria hacia su conversión en el melodrama romántico.
«Los diamantes de la corona»: así ha calificado Paolo Isotta a los nueve títulos creados por Rossini
para los Teatros Reales de Nápoles, en los que su autor experimenta tanto con las temáticas, las
fuentes literarias y los géneros dramáticos -del drama serio con final feliz a la tragedia más desolada
(Otello, Ermione o Maometto II)- como con las formas y las estructuras musicales, en su búsqueda
de un teatro lírico más moderno y expresivo.
Zelmira culmina en 1822 el ciclo napolitano y supone su triunfal despedida de la capital
partenopea. La obra fue trabajada con el cuidado habitual en el pesarés a partir de 1820, cuando,
tras un ciclo de ocho años vertiginosos en los que compone veintisiete óperas, su producción lírica
se ralentiza al ritmo de una por año hasta su despedida de los públicos italianos con Semiramide
en 1823. Pero hay una razón más poderosa para este especial cuidado puesto por Rossini en su
último diamante napolitano: Barbaja, el empresario del San Carlo, había obtenido la concesión de
la empresa del Teatro de la Puerta de Carintia de la capital austriaca y se disponía a inaugurar su
primera temporada allí con la última creación rossiniana y con el mismo reparto de su estreno. De
aquí lo trabajado de la partitura, desde esa escena inicial que, sin preludio ni obertura alguna, nos
introduce in media res (en un marco de frenética agitación que indica la conmoción causada por
el recién descubierto asesinato del tirano Azor), a la cuidadísima orquestación, a los preludios
instrumentales a las diferentes escenas, a una armonía
especialmente rica e interesante, a una escritura vocal muy
expresiva, atenta a plegarse al sentido dramático requerido
por la acción escénica, y a un nivel constante de inspiración
musical que, si no ofrece una página especialmente
memorable como las de otras conocidas óperas napolitanas
(Otello, Mosè in Egitto o La donna del lago), tampoco ofrece
caídas de interés, manteniendo el nivel de inspiración
permanentemente alto. Para el citado Paolo Isotta, Zelmira
es, junto a Ermione, y en mayor medida aún que ésta, la
máxima contribución de Rossini al neoclasicismo
revolucionario, una tragedia de inusitada potencia expresiva,
más por la complejidad de su escritura musical que por su
dramaticidad inmediata.
Si la acción de la ópera es especialmente farragosa y
complicada, dado el conjunto de antecedentes que es
necesario conocer antes de que arranque el drama, los caracteres no están mal delineados, y
resultan verdaderos arquetipos de sentimientos nobles o depravados: el amor filial, el conyugal, la
amistad o la ambición desmedida sin límite moral alguno. Seis personajes principales -soprano
dramática de agilidad y contralto; dos tenores, más ligero y estratosférico el que personifica al héroe
positivo, baritenore el malo; un bajo protagonista y otro comprimario- más otros dos secundarios,
se alternan tanto en números solistas de gran lucimiento para los cinco caracteres principales como
en memorables conjuntos, entre los que cabe destacar el maravilloso dúo para las dos voces
femeninas con acompañamiento de arpa y corno inglés, los de tenor con la soprano y el bajo, el
terceto para voces femeninas y bajo, el quinteto del segundo acto o el extraordinario finale primo.
OPERA RARA, atenta a ampliar su catálogo rossiniano precisamente con el mencionado
repertorio napolitano (tan sólo su Bianca e Falliero no pertenece a ese grupo), nos brinda con esta
Zelmira su cuarto título de tal procedencia, tras Riccardo e Zoraide, Otello y Elisabetta; y lo hace
en las mismas condiciones de excelencia de los anteriores títulos. Lo que en el caso de Zelmira
resulta especialmente meritorio, pues la única versión de interés, es decir, la de Claudio Scimone
de 1989, reúne tal conjunto de atractivos que Fernando Fraga, en su Guía Scherzo dedicada a
Rossini, sólo encontraba un motivo -la inadmisible prestación del bajo- para denegarle el
calificativo de excepcional, tan parsimoniosamente administrado por él en dicha guía. No
caeremos en la tentación de hacer una comparación pormenorizada de ambas versiones; bástenos
decir que Bruce Ford responde a los requerimientos del rol de Antenore con absoluta solvencia;
que Antonino Siracusa despliega en Ilo todos sus dones para el canto florido con la perfección con
que nos deslumbrara en la Semiramide madrileña de la pasada primavera o en su formidable
Leicester en la reciente Elisabetta de Pesaro; que Marco Vinco, ya conocido en Madrid por su Fígaro
mozartiano, y también triunfador en Pesaro (La pietra del paragone, Matilde di Shabran) borra el
mal recuerdo del intérprete de Polidoro en la grabación de Scimone; que el jovencísimo bajo Mirco
Palazzi supone una grata sorpresa como Leucippo; que Manuela Custer (otra debutante de este año
en Pesaro) es una excelente Emma; y, en fin, que Elizabeth Futral, Desdemona del Otello publicado
en su día por el sello británico, resuelve perfectamente las dificultades de un rol que, de Colbrán y
Pasta hasta Zeani, Devia o Gasdia, ha sido marcado por intérpretes de extraordinaria calidad. La
Scottish Chamber Orchestra and Chorus cumplen por encima de toda ponderación bajo la
expertísima batuta de Maurizio Benini. Y el libro con comentarios de Jeremy Commons, extensos
y bien documentados; eso sí, only in English, as usual.
G. ROSSINI: Zelmira / Elizabeth Futral, Bruce Ford, Manuela Custer, Antonino Siragusa, Marco Vinco, Mirco Palazzi. Scottish
Chamber Orchestra. Dir.: Maurizio Benini / OPERA RARA / Ref.: ORC 27 (3 CD) D1 x 3
( 15 )
S.S.

En vísperas de su primer Barbero madrileño...
Por Belén Calderón
Nacido en Lima el 13 de enero de 1973, Juan Diego Flórez saltó a las primeras páginas de la lírica
internacional a raíz de su actuación como Corradino, el protagonista de la Matilde di Shabran
rossiniana, en el Festival de Pesaro de 1996, sustituyendo al anunciado Bruce Ford. Seguidamente, de la
mano de Ricardo Muti, desempeñó diversos roles en la Scala milanesa, para convertirse de inmediato en un
habitual en las temporadas del Met neoyorquino, el Covent Garden y la Staatsoper vienesa.
Su carrera discográfica se inició de la mano de quien desde muy pronto supo intuir las inmensas
posibilidades de su voz y su personalidad artística, su compatriota el también tenor Ernesto Palacio, que se
convirtió en su maestro y representante, orientando su técnica y su repertorio en un sentido cuyos frutos
están a la vista de todos. Afincado en Italia, muchas de las grabaciones de Palacio -y posteriormente las
primeras de Flórez- tuvieron lugar para firmas tan conocidas de nuestros lectores como Bongiovanni o Agorà;
y así el debut discográfico de nuestro protagonista tuvo lugar con el breve rol de Anselmo en Il tutore burlato,
de Martín y Soler (GB 2175/76), grabado en 1994, cuando contaba con 21 años.
Además de en Bongiovanni, Flórez -actualmente bajo contrato con Universal- comparece en los actuales catálogos de Diverdi con
tres grabaciones de importancia: el Alahor in Granata de su debut español en el sello Almaviva, y dos grabaciones para Nightingale: Il
barbiere di Siviglia comentado en nuestro anterior número, y Semiramide.
Próximo su debut operístico en Madrid con el Almaviva rossiniano el próximo enero, preludio de una intensa presencia en nuestro
país en 2005 (L´elisir d´amore en Las Palmas, La sonnambula en Bilbao, Semiramide en Barcelona, y diversos recitales), hemos querido
comentar con el tenor peruano diversos aspectos de su repertorio y su trayectoria artística, así como sobre su relación con nuestro país.
Éstas son sus respuestas.
Belén Calderón: Nightingale acaba de lanzar su grabación de El
barbero de Sevilla realizada en 1997. ¿Cómo ha evolucionado su
Almaviva desde entonces?
Juan Diego Flórez: Ese Barbero era uno de los primeros que hacía.
Mi Almaviva ha evolucionado mucho, felizmente. En general, desde
ese 1997, tanto mi técnica como la expresión han evolucionado de
forma muy significativa. Por desgracia, este disco sale demasiado
tarde, cuando mi Almaviva es mucho mejor; mucha gente no sabe
que es del 97 y piensa que así es como canto ahora. Uno no tiene
control sobre estas cosas. También he mejorado en el aspecto teatral
del personaje. Creo que el personaje de Almaviva es un rol cómico
y que tiene que hacer reír, y yo trato de llevar eso al escenario.
Desde el punto de vista teatral creo que es un rol difícil, que puede
caer mucho si no se le da la dosis de energía y comicidad que
requiere.
B.C.: En varias de las óperas que ha representado el último año -Le
comte Ory, L´Italiana in Algeri, La fille du régiment, Matilde di
Shabran- ha demostrado ser un gran actor; da la impresión que se
divierte en el escenario. ¿Es así? ¿De dónde le viene esa faceta
artística?
J.D.F.: Es una faceta que ha ido mejorando con el tiempo, y tiene
que ver mucho con la mayor seguridad técnica que he ido
adquiriendo con el tiempo. Si uno canta sin demasiados problemas
técnicos, sin tensión ni preocupación, se puede concentrar también
en la actuación. Creo tener un cierto talento como actor cómico; yo
al menos me divierto mucho, y en la ópera es muy importante la
actuación, hacer creíble un personaje. Al fin y al cabo la ópera es
también teatro.
B.C.: ¿Cuáles son actualmente sus personajes predilectos?
J.D.F.: Son varios, Almaviva del Barbiere, Arturo de I Puritani,
Uberto de La donna del lago...
VICENTE MARTÍN Y SOLER (1756-
1806): Il tutore burlato / Peters, Palacio,
Marzano, Juan Diego Flórez. Orchestra
da camera «Dianopolis». Dir.: M. Harth-
Bedoya / BONGIOVANNI / Ref.: GB
2175/76-2 (2 CD) D2 x 2
Seis preguntas a Juan Diego Flórez
G. ROSSINI: Il Barbiere di Siviglia /
Gruberova, Juan Diego Flórez, Chernov,
Larghezza, Serra, Ellero D’ Artegna.
Orquesta Sinfónica de la Radio de
Munich. Dir.: R. Weikert (Live, 1997) /
NIGHTINGALE / Ref.: NC 004022 (3 CD)
D3 x 3
( 16 )
B.C.: En el futuro, ¿tiene pensado cantar obras de Mozart como Così
fan tutte, Don Giovanni, o incluso El rapto del serrallo o La flauta
mágica, que tan bien parecen ir con sus actuales condiciones
vocales?
J.D.F.: Yo podría estar cantando Mozart ahora mismo, pero un
conjunto de razones hacen que por ahora no lo haga. Una de ellas
es que los teatros me reclaman para Rossini, Donizetti y Bellini.
Otra es que en Mozart el tenor desaparece un poco en el conjunto.
Pero siempre habrá tiempo para cantar al maravilloso Mozart.
B.C.: Usted ha estrenado ya roles bellinianos (Sonnambula y
Puritani) escritos para Rubini, el tenor romántico por excelencia. ¿Le
veremos algún día en roles donizettianos también creados por él
(Percy de Anna Bolena, Fernando de Marino Faliero), o en otro del
que Kraus hizo una recreación inolvidable, como el Gennaro de
Lucrezia Borgia?
J.D.F.: Hay roles románticos que se adecuan a mi voz y a mi manera
de cantar (que proviene de una escuela rossiniana de canto), que
podría cantar en el futuro. Desde ya descarto roles como Edgardo
(Lucia) o Werther, pero una Lucrezia sería más adecuada. Debutaré
en Rigoletto en el 2008. Es un rol que se adecua bien a mi voz: no
es un personaje heroico y canta en una tesitura aguda.
B.C.: ¿Cuándo debutó usted en nuestro país? ¿En cuántas ciudades
ha cantado? ¿Con cuáles mantiene una relación más especial?
¿Cómo se siente acogido por el público español?
J.D.F.: Es siempre un placer estar en España para cantar. Siento que
el público español me tiene un especial cariño, y estoy muy
agradecido. Me siento muy a gusto y el cariño es recíproco; además
he hecho buenos amigos y tengo unos maravillosos fans, sobre todo
los del autobús. Además, se come maravillosamente, y los vinos…
Mi debut fue en Sevilla en el 98 con el Alahor en Granada, y de allí
he cantado en temporadas de óperas como Las Palmas, Bilbao,
Liceu, y en concierto o recital en Peralada, La Coruña, Menorca,
Madrid, San Sebastián, Santander, Santiago, Pamplona, Valladolid,
etc.
G. ROSSINI: Semiramide / Gruberova, di
Nissa, Le Corre, D´Arcangelo, Juan Diego
Flórez, Konstantinov, Reyes, Jankowitsch.
Wiener Konzertchor. Radio Symphonieorchester
Wien. Dir.: M. Panni /
NIGHTINGALE / Ref.: NC 207013-2 (3
CD) D3 x 3
G. DONIZETTI: Alahor in Granata /
Pace, Genaux, Alaimo, Juan Diego Flórez
/ Orquesta Ciudad de Granada. Dir.:
Josep Pons / ALMAVIVA / Ref.: DS 0125
(2 CD) D2 x 2

Plácido Domingo demuestra su calidad como director de foso en una interesantísima propuesta audiovisual de DYNAMIC
Butterfly insectil
En 1904 se estrenó la Madama Buttefly pucciniana; en 1924,
poco antes de partir a Bruselas para que le trataran su cáncer
de garganta, Puccini manifestó al libretista Giovacchino
Forzano el deseo de que en su querida Torre del Lago se
representaran algunas de sus óperas; en 1953-1954
se comenzaron a ofrecer en esta bella localidad
toscana aquellas deseadas representaciones con
cierta regularidad; en 1984 el ya festival
pucciniano fue reconocido como tal por el
gobierno italiano. Así, coincidiendo con tantas
fechas a recordar, este verano de 2004 se
representó la ópera «japonesa» del maestro luqués
en una originalísima propuesta. A partir del apodo
de Cio-Cio-San (Butterfly: Mariposa) Stefano Monti,
con los imaginativos figurines de Guillermo
Mariotto y un decorado con resabios lunares (o
marcianos) de Arnaldo Pomodoro, nos presenta a
los personajes de esta tragedia del abandono, sin
que pierdan sus referencias orientales, sumergidos
en un inquietante mundo de insectos, donde la
crisálida titular (impresionante la aparición de Cio-
Cio-San con el «Ancora un passo or via») está
asediada por el escorpión Pinkerton, apoyada por el grillo
Sharpless, protegida por la cigala Suzuki, mientras rechaza al
gusano Yamadori y se enfrenta finalmente a la hormiga Kate
Pinkerton, ante la presencia amenazante y sinuosa de la cucaracha
Goro. Interesante propuesta que encuentra en el foso a un famoso
Pinkerton, Plácido Domingo, que sigue con su carrera directorial
con un buen balance hasta la fecha, considerando sus apariciones
en Londres, Viena, Madrid, Los Ángeles, Busetto, Sevilla,
Washington, al frente de agrupaciones de nivel como la
Filarmonía, la Sinfónica de Madrid, la de la Radio Bávara o la
Nacional de Francia. Ahora, nada menos que en el Bayreuth
MYTO publica una vibrante velada protagonizada por Corelli y Cappuccilli
Verdi en Verona
Era la primera vez que Ernani llegaba al escenario de la Arena de Verona, y lo hacía a
mayor gloria de Franco Corelli. El tenor de Ancona había demostrado ya en los
escenarios de Milán y Nueva York que era, junto con Del Monaco y Bergonzi, el mejor
intérprete de esta parte. Su visión, de hecho, está en un punto intermedio entre la musculosa
fuerza del primero y el poético refinamiento del segundo. En esta velada del 15 de julio de
1972, dirigida con oficio por Oliviero de Fabritiis, y ante un público entregado de antemano
a vitorear cada una de sus intervenciones, Corelli derrocha
su generosidad y su belleza tímbrica, la plenitud de sus
agudos y su arrogancia expresiva, pero también sus
proverbiales medias voces. No le va a la zaga el Carlo de
Piero Cappuccilli, que prueba nuevamente que ha sido,
posiblemente, el último barítono genuinamente verdiano, y
cuya voz se expandía particularmente bien en los grandes
espacios. Su gran aria «Oh de’ verd’ anni miei» le vale al
cantante triestino una merecidísima ovación de gala. Ilva
Ligabue, la gentil soprano de Reggio Emilia (inolvidable
Alice Ford en el Falstaff vienés de Bernstein) es una Elvira de
clase, con un canto más lírico que impulsivo, pero
globalmente exquisita. Completa el cuarteto protagonista el
bajo Ruggero Raimondi, que ya llevaba casi una década de
carrera y se había afirmado como bajo verdiano en la Scala o en el Met, donde el boloñés
había debutado dos años antes también como el implacable Silva. A señalar la presencia del
inconfundible Piero de Palma como Don Riccardo.
El doble CD incluye una amplia selección de otra representación arenera del título
verdiano, unos días después, con el mismo reparto excepto el Silva de Ivo Vinco, lo que nos
permite escuchar completo el final de la ópera, ya que una importuna lluvia obligó a
interrumpir la función del 15 de julio cuando faltaban tan sólo unos minutos para su
conclusión. Oír a los espectadores de la gradinata, entre «bravos» y silbidos a los artistas,
lanzar improperios a los de platea que abandonan desaforados sus localidades, desde luego
tiene su gracia.
( 17 )
pucciniano, Domingo (captado por la cámara con más asiduidad
de lo que suele ser habitual en estos casos) sabe sacar partido a la
rica escritura del compositor al mismo tiempo que, como era de
esperar, cuida y apuntala la labor de los solistas vocales, en una
lectura muy por encima de la digna rutina, pese a la
lentitud de algunos pasajes. Este tenor con batuta
tiene a sus órdenes a otra de las parejas de moda del
panorama lírico actual, Daniela Dessì y Fabio
Armiliato, que en menos de un año han visto
destacada su provechosa relación con nuestro país a
través de varias publicaciones. Soprano y tenor son
protagonistas de la bella Aida de Mestres Cabanes
en el Liceo, de la extravagante Tosca de Núria Espert
en el Teatro Real, ambas en DVD, y en CD, de la
Manon Lescaut de la Maestranza sevillana. Ella,
como Cio-Cio-San, hace gala de su musicalidad
cálidamente italiana, de un diligente fraseo
pucciniano y de una expresiva caracterización; él,
como Pinkerton, de una dicción magistral y de una
apostura tenoril conveniente. Junto al Sharpless
experimentadísimo de Juan Pons, además de la
Suzuki extraordinaria de Rossana Rinaldi,
amparados todos por un espléndido plantel de comprimarios (a
destacar Marco Camastra como Yamadori y Luca Casalin en Goro),
la notable versión musical y canora, por encima de la media,
encuentra en este montaje extraño pero de rara e inquietante
belleza, con el fondo nocturno y lacustre del lugar que fue testigo
de tantas peripecias puccinianas, su más inmediato reclamo.
G. PUCCINI: Madama Butterfly / Daniela Dessì, Fabio Armiliato, Juan Pons, Rossana
Rinaldi. Orchestra e Coro CittàLirica. Dir.: Plácido Domingo. Director escénico:
Stefano Monti / DYNAMIC / Ref.: CDS 33457 (1 DVD) D2 x 2
R.B.I.
G. VERDI (1813-1901): Ernani / Franco Corelli, Ilva Ligabue, Piero Cappuccilli, Ruggero Raimondi. Orquesta y coro
de la Arena de Verona. Dir.: Oliviero de Fabritiis (Verona, 15.7.1972) / Ref.: 2MCD044299 (2 CD) D10 x 2
F.F.
PAUL SCHÖFFLER (1897-1977): Arias y fragmentos de
Mozart, Wagner, Verdi, Schumann & Brahms /
Grabaciones de 1946-1949 / PREISER / Ref: 89590 (1
CD) D6
FERNANDO CORENA (1916-1984): Arias & fragmentos
de Las bodas de Fígaro, Cosí fan Tutte, Don Giovanni, La
flauta mágica, El barbero de Sevilla, L’elisir d’amore,
Don Pasquale, La Giocoda & La forza del destino /
PREISER / Ref.: 89597 (1 CD) D6
BRUNO PRATICÒ: Canciones Napolitanas Favoritas /
Canciones de Donizetti, Tosti, D´Annunzio, Tagliaferri,
Murolo, D’Esposito, Manlio, Lania, D’Annibale, Bovio, E.
de Curtis, Nicolardi, Falvo, Modugno,Verde, Califano -
Cannio, Cardillo, Cordiferro. Orchestra Pro Arte Marche.
Dir.: M. Berdondini / BONGIOVANNI / Ref.: GB 2544-2
(1 CD) D2
Más información en www.diverdi.com

MYTO publica el único documento del Chénier de Pippo
Di Stefano, poeta revolucionario
Uno de lo mayores éxitos florentinos de 1962 fue un Andrea Chénier de Giordano que cantaron
Giuseppe Di Stefano, Onelia Fineschi y Ugo Savarese. Un papel, el del tenor, dominado entonces por
Mario del Monaco y desde 1957 por Franco Corelli, con la dura competencia trasatlántica de un
grandioso Richard Tucker, supuso para Giuseppe Di Stefano, metido ya de lleno en su segunda etapa
profesional, la de los personajes de tenor spinto, un duro reto. No lo cantó demasiado y sólo nos queda (de
momento) este documento sonoro al completo, suficiente para juzgarle. Cuando se analiza el arte de Di Stefano conviene pasar por alto
sobre todo la dureza o la debilidad de algunos agudos, un registro nunca del todo satisfactoriamente resuelto. Si se realiza esta terapia
auditiva, podrá gozarse del jamás indiferente fraseo, de sus acentos poderosos, de la belleza y calidez vocales y de los generosos perfiles
que daba a sus personajes. Chénier no es una excepción. Todo lo contrario, máxime cuando nos hallamos ante un rol que explota todas
las posibilidades de la cuerda tenoril, vocal y expresivamente. El Chénier de Beniamino Gigli sigue dominando el panorama discográfico,
pero es imposible resistirse a muchos momentos del Di Stefano más inspirado. Frases como O giovinetta bella en el Improvviso, o toda
la melancolía y la desesperación con que impregna el decisivo Come un bel dì di maggio, además del impacto repentino que consigue
en el espectacular dúo final, con instantes como Ah viene come l’aurora dando a la sílaba final (ra) una suavidad y una dulzura
escalofriantes, son algunos de los muchos datos que le permiten demostrar su capacidad para disuadirnos de la veracidad de su concepto,
por encima de cuestiones técnicas, vocales o estilísticas, que ante una personalidad tan exuberante pueden parecer hasta ociosas. La
Maddalena di Coigny de la Fineschi es una clonación de la de Tebaldi, dicho ello a su favor. La voz no es del calibre de la gloriosa
pesarense, aunque también comparte con ella el colorido de una soprano suntuosa, con un lirismo espontáneo y envolvente, retomando
la mayoría de las inflexiones propias de su colega más famosa, a la que Fineschi gana en más holgados agudos. El Gérard de Ugo
Savarese (compañero precisamente de la Tebaldi en la RAI de 1952 con protagonismo del uruguayo José Soler, un registro que tuvo
mucha difusión) tiene estatura, por la materia vocal y la honesta exhibición de intenciones, a partir de una voz sin un relieve especial.
Tebaldi, que parece el leitmotiv literario de estas notas, es protagonista por cierto, con el mismo Di Stefano, de una selección de la Tosca
pucciniana, Teatro alla Scala 1959, que existe ya al completo en algún que otro sello no oficial.
U. GIORDANO: (1867-1948): Andrea Chénier / G. di Stefano, U. Savarese, O. Fineschi, M. Ferrara, M. Masini. Orquesta del Comunale de Florencia (1962) / MYTO / Ref.:
2MCD044298 (2 CD) D10 x 2
Ha habido
p o c a s
sopranos
importantes
(con la excepción
de
Leyla Gencer)
que tengan una
discografía de
estudio tan exigua
como la de Magda Olivero. Su
temprano Turandot constituye un debut
feliz, pero son más representativas de su
actividad posterior Fedora o la selección
de Francesca da Rimini. Por eso, aunque
su voz expresiva (si bien no demasiado
fonogénica), encontrara en la escena su
ámbito más natural, hay que saludar
como un auténtico acontecimiento la
recuperación por parte de la colección
Lebendige Vergangenheit de sus grabaciones
para Cetra, que constituyen
buena parte del pasado vivo que hoy nos
permite rendir a esta cantante el tributo
que se merece. Aquí está casi todo
aquello que, corregido y ampliado, la
hizo grande sobre el palco escénico:
Adriana Lecouvreur, Manon Lescaut,
Tosca, Iris, Resurrezione... Y en ellas el
magisterio técnico inapelable (demostrado
una y otra vez en sus escalofriantes
reguladores), sus inflexiones más características,
su chocante vibrato... La
Olivero, además, nos deja atónitos en ese
«Amor, celeste ebbrezza», de Loreley,
donde practica el trapecismo sin red, o en
las diversas páginas de Traviata, en las que
propone un modelo genuino de Violetta,
alternativo al de Maria Callas, y
concebido cuando ésta (virtualmente) no
había debutado aún.
Joaquín Martín de Sagarmínaga
MAGDA OLIVERO (1910): Arias de Puccini,
Mascagni, Cilea, Verdi, Alfano, Massenet
(Grabaciones de 1939-1953) / PREISER / Ref.: 89612
(1 CD) D6
Ca b e
considerar
al tenor Peter
Anders como
un vice Roswaenge
(un
poco más corto
arriba, sin serlo)
y, cabe hacerlo,
por la emisión
heterodoxa de algunos sonidos, por la
insistencia en el Wagner lírico (Lohengrin,
Maestros) o en Fidelio como pieza
clave de ambos repertorios. Sin embargo,
difieren en el timbre, ya que el de Anders
es menos peculiar, siendo aquí el
referente Wunderlich, con el que a veces
tiene sorprendentes concomitancias. Al
margen de ello, Anders es también un
tenor de talla histórica (cuya carrera se
vio truncada en 1954 por un fatal
accidente de tráfico), con un bello metal
en la voz y una franqueza y espontaneidad
en el canto que desarman al más
crítico. Con tales bazas, interpreta muy a
sus anchas el repertorio alemán (Fidelio,
Maestros), o checo traducido (Novia
vendida), y tal vez descienda algo en sus
elogiadas interpretaciones de ópera
italiana concebidas para un tenor lírico
ancho o spinto (Butterfly, Payasos). Virtud
soberana es que, aunque cante en otro
idioma, se le entienda en italiano, por la
nada desdeñable razón de que sabe muy
bien lo que está diciendo. En ocasiones
(«Un tal gioco»), esboza bellas medias
voces, pero es una lástima que no las
emplee menos avaramente.
( 18 )
J.M.S.
PETER ANDERS (1908-1954): Arias y Duetos de
Weber, Beethoven, Wagner, Verdi, Leoncavallo, Bizet,
Puccini, Smetana / Peter Anders, tenor. Sena Jurinac,
soprano (en los duetos).(Grabaciones de 1952 &
1953) / PREISER / Ref.: 93436 (1 CD) D6
F.F.
No abundan las
grabaciones de
La Gioconda de
Ponchielli, uno de
los más representativos
ejemplos
del melodrama italiano
posterior a
Verdi, con su envergadura
de gran
ópera y unos personajes
trazados con vigoroso pulso. El papel
de la infortunada cantante callejera, uno de los
más ricos del panorama operístico femenino,
ha tenido tanto la insuperable fiereza de Callas
como los elegíacos acentos de Caballé,
pasando por el poderío de Cerquetti y Gulín o
la clase de Tebaldi. En los últimos años,
Urbanova y Casolla se han acercado a él con
cierta propiedad, cada una de ellas con sus
particulares aciertos. La protagonista de esta
versión que ahora presenta PREISER, grabada
originalmente por Urania Records en 1952
con músicos de la Scala de Milán y dirigida
con oficio por Armando La Rosa Parodi, es la
para el abajo firmante desconocida soprano
italiana Anita Corridori, quien se inclina hacia
la línea más lírica del papel, saliendo bastante
airosa del reto, convenciendo incluso en los
momentos que requieren una mayor variedad
psicológica. Giuseppe Campora muestra una
voz tenoril agradable y calurosa como Enzo
Grimaldo, y Miriam Pirazzini es una Laura
cuyos arrestos recuerdan a Amneris. Anselmo
Colzani da cuerpo y vida a uno de los más
desagradables villanos de la ópera, y lo hace
con vehemencia y buenos medios, y también
encontramos a Fernando Corena como un
malévolo Alvise, alejado de sus habituales
cometidos bufonescos. Por último, Rina
Cavallari es una apropiada Cieca.
R.B.I.
AMILCARE PONCHIELLI: La Gioconda / A. Corridori, M.
Pirazzini, R. Cavallari, G. Campora, A. Colzani, F. Corena.
Coro y Orquesta de la Scala de Milán. Dir.: Armando La
Rosa Parodi (1952) / PREISER / Ref.: 20034 (2 CD) D6 x 2

U
n compacto diverso y emocionante, teñido de un aire de
nostalgia que prende de inmediato. Todo, desde el inicio de
los Cuatro últimos Lieder straussianos hasta el aria
mozartiana «Dove sono», es enaltecido y sublimado por el arte
auténtico y sin demagogia de Elisabeth
Söderström, la versátil soprano sueca
(Estocolmo, 1927) cuya inteligente vocalidad ha
servido con similar fortuna músicas tan diversas
como las de Janácek, Mozart, Monteverdi,
Strauss, Rajmáninov, Berg, Henze, Hindemith o
Debussy.
Los casi 68 minutos de este generoso
compacto recogen grabaciones de conciertos
ofrecidos por la diva sueca entre 1960 y 1976,
en Londres, rescatadas de los nutridos archivos
de la BBC. La serena y madura turbación
straussiana de los Cuatro últimos Lieder o la
prodigiosa escena final de Capriccio encuentran
en la voz inteligente y sincera de la Söderström
el equilibrio perfecto entre emoción y fidelidad a una manera de
expresar volcada en la autenticidad estilística. El cálido y denso
acompañamiento de Antal Dorati y la Royal Philharmonic se
muestran como complemento envolvente de la magia vocal. La
grabación, procedente de un concierto celebrado el 3 de octubre
de 1976 en el Royal Festival Hall, se escucha con bastante
claridad, y el silencio impactante del público revela la emoción
que embargó aquella tarde otoñal al público londinense.
La turbación straussiana precede a la magia misteriosa del
El homenaje de Salzburgo a Karl Böhm
Inolvidable Ariadne
BBC hace justicia a la gran Elisabeth Söderström
Nostalgia que prende
El 14 de agosto de 1981 fallecía en Salzburgo Karl Böhm, sólo unos días antes de
cumplir 87 años. Su muerte clausuró una vida fielmente straussiana, y dejó en el
aire la producción salzburguesa de Ariadne auf Naxos que él mismo había
estrenado durante el festival de 1979 con un reparto vocal verdaderamente
excepcional encabezado por la Ariadne efusiva de Anna Tomowa-Sintow y la
deslumbrante, pirotécnica, Zerbinetta de una Edita Gruberova en óptimo estado vocal.
Tras la muerte del legendario Böhm, los responsables del festival
encomendaron a Wolfgang Sawallisch la delicada tarea de
reemplazarle, y le pidieron «no introducir sorpresas ni
variaciones significativas en relación a la versión de Karl Böhm».
Sawallisch, que no se había prodigado como director operístico
en Salzburgo -únicamente unas representaciones de Macbeth en
1964 y 1965, con Fischer-Dieskau y la Bumbry, y de La flauta
mágica, entre 1968 y 1970- aceptó gustoso la invitación, y,
además, tuvo el buen gusto de no hacer caso a los responsables
del festival y optar por hacer su propia versión. El resultado,
brillante, luminoso, pletórico de vida y felicidad,
tampoco exento de humor y refinada ironía,
aparece ahora recuperado en un álbum doble
registrado el 6 de agosto de 1982, en el que todo,
desde la perfecta toma acústica hasta el peso
orquestal de una Filarmónica de Viena que se
expresa apasionadamente straussiana bajo el
dinámico gobierno de Sawalisch, por no hablar de
un entregado reparto vocal en el que cada cual
brilla y se implica sin reservas en el prodigio de la
obra maestra, contribuye a convertir este álbum en
vehículo ideal para acercarse a esta ópera perfecta
a través de una versión ante cuya frescura resulta
imposible permanecer indiferente.
No se equivocó el crítico del Kronenzeitung de Viena, cuando pocos días después
de la representación escribió que «esta Ariadne auf Naxos salzburguesa permanecerá
inolvidable en la memoria de todos». Hoy, a partir de ahora, también de los
privilegiados melómanos que se adentren en la maravilla digital de estos dos
bienvenidos y esperados compactos, que -¡seguro!- hubieran entusiasmado al
mismísimo Karl Böhm.
J.R.
R. STRAUSS: Ariadne auf Naxos / Gruberova, Tomowa-Sintow, Berry, Matic, Schmidt, King, Weber, Düsing,
Equiluz. Orquesta Filarmónica de Viena. Dir.: Wolfgang Sawallisch (Salzburgo, 6 de agosto de 1982) / ORFEO
/ Ref.: C625042I (2 CD) D4 x 2
( 19 )
Shéhérezade de Ravel, cuyo imperfecto sonido queda compensado
por la entidad de la versión. La soprano está sencillamente
memorable, en óptimo estado vocal y emocional. Basta escuchar
las palabras iniciales («Asie, Asie, Asie») para sentir la veracidad de
un modo de decir y expresar que contagia al
instante. Boulez se involucra en el misterio
raveliano en una versión rica de colores y
timbres. Sin duda, se trata de una de las
versiones de referencia.
Como punto final a este compacto de nostalgias
y misterios, las dos arias de la Condesa de Las
bodas de Fígaro, procedentes de una actuación
celebrada el 20 de agosto de 1960 en los Proms
londinenses, en la que la soprano contó con el
acompañamiento transparente de John Pritchard.
Puro teatro en el que ambos músicos transforman
el escenario en un verdadero marco operístico.
Hay pasión, calor y un punto de resignación en
este Mozart impecable cargado de aéreas
perspectivas. Un compacto imprescindible para disfrutar del arte
absoluto de una de las cantantes más completas y ejemplares de la
segunda mitad del siglo pasado.
Justo Romero
(justoromero@wanadoo.es)
ELISABETH SÖDERSTRÖM interpreta STRAUSS: Cuatro últimos Lieder. Escena final
de Capriccio. RAVEL: Shéhérezade. MOZART: Arias de Las bodas de Fígaro. / E.
Söderström, Soprano. Royal Phil Orch. A. Dorati. BBC SO. P. Boulez. Royal Liverpool
Phil Orch. J.Pritchard / BBC / Ref.: BBCL 4153-2 (1 CD) D2
BENIAMINO GIGLI: Canciones sacras / Obras de
Bach/Gounod, Cecconi, Bizet, Liviabella, Stradella, Raffa,
Schubert, Gibilaro, Brahms, Kahn, Verdi, Carnevali, Haendel
y Franck / Beniamino Gigli, tenor (Grab. 1932 a 1954) / IDIS
/ Ref.: IDIS 6436 (1 CD) D5
GIACOMO PUCCINI: La Bohème / Tebaldi, Lauri Volpi,
Gobbi. Orchestra e Coro del Teatro San Carlo di Napoli. Dir.:
Gabriele Santini (1951) / IDIS / Ref.: IDIS 6437/38 (2 CD) D5
x 2
G. DONIZETTI: Roberto Devereux / Gruberova, Ziegler,
Bernardini, Kim, Boutet, Kazbek, Richert. Choeurs de l´Opéra
du Rhin. Orchestre Philharmonique de Strasbourg. Dir.: F.
Haider / NIGHTINGALE / Ref.: NC 070563 (2 CD) D2 x 2
Más información en www.diverdi.com

H
El Cuarteto LaSalle, una de las grandes formaciones camerísticas de siglo XX
El don de lenguas
ubo un tiempo en que el cuarteto de arcos hablaba en
cuatro idiomas sublimes: el Italiano, el Amadeus, el Julliard
o el LaSalle. A los dieciséis músicos que se expresaban en
cualquiera de estas lenguas (aunque en el Julliard
hubo pronto sustituciones, y los músicos fueron
más), se les entendían maravillas en cualquier
parte del mundo. En este artículo farfullaremos
algo en LaSalle, tal vez el menos hablado y
comprendido de los cuatro.
El Cuarteto LaSalle, hasta el momento de su
inopinada disolución, se distinguió como una
formación de perfiles muy acusados, capaz tanto
de redescubrir a Beethoven (sobre todo el de los
últimos cuartetos) o a Brahms, como de hacer
oportunas visitas a la música contemporánea, a
Schoenberg o a Lutoslawski (cuyo único cuarteto
estrenaron ellos mismos en 1965). A tenor de
estos mimbres, cabe considerarlo -y más de uno ha caído en esa
tentación-, como una formación fría y cerebral. Craso error. El
LaSalle, ciertamente, poseía en su conjunto una masa encefálica
notable, mas en lo temperamental no era nada gélido y, en muchos
momentos, sus integrantes eran expresivos en grado sumo. Sí
fueron algo paradójicos y, como tal, capaces de hacer un
Beethoven (el Cuarteto Op. 131, por ejemplo), lleno de fogonazos
y visiones anticipatorias, y un Lutoslawski casi contenido, de
superficies extremadamente pulidas.
Schubert dejó numerosas obras incompletas, lo que no suele
disminuir su enorme belleza, tal como atestigua este Quartettsatz,
el cuarto empezando por la cola de su catálogo cuartetístico. La
obra tiene instantes muy apolíneos, pero la versión del LaSalle nos
deja entrever también cierta agresividad en sus perfiles generales.
A sus miembros les gustan los fortes tanto como los pasajes de
agitados trémolos.
Este Schubert es una manera cabal de abrir boca; después
vendrán dos cuartetos que son piezas únicas en el corpus de sus
respectivos autores. En el de Ravel destacan el ensamblaje y la
fusión de los temas, unos en otros. Suaves disonancias, cuya
emancipación amplía nuestra sensibilidad para el goce, melodías
con un punto de exotismo lejano, armonías refinadas, son
condimentos que hallarán sus mejores receptores entre los sibaritas
que tienen el paladar en el oído.
En el tiempo lento, los LaSalle tejen un misterioso cuento
ARTS continúa con la publicación del legado discográfico del director suizo
Maag celebra a Mozart
Afinales de los años 80, Peter Maag emprendió la interpretación de todas las
sinfonías de Mozart en Roma, con la Orquesta Sinfónica de la RAI, un proyecto
que se extendería hasta 1991, año del bicentenario de la muerte del
compositor salzburgués, por el que el maestro suizo demostró un amor y una
dedicación que le acompañaron durante toda su
vida, hasta su fallecimiento en 2001, a los 82 años.
Este disco de ARTS nos presenta tres obras que
muestran esa desbordante pasión, que logró
transmitir a los músicos romanos. Para empezar, la
Sinfonía concertante en mi bemol para
instrumentos de viento (con cuatro excelentes
solistas de la propia orquesta), etérea, de una
extremada elegancia. Le sigue la Sinfonía nº 25 en
sol menor con un arranque de un gran dramatismo
que nos acerca a la atmósfera de Don Giovanni y
que se mantiene durante todo el Andante con brio,
con un final de una rotunda energía que contrasta
con la etérea elegancia del Andante, antes de pasar
a un Minuetto muy teatral y un Allegro en el que
volvemos a encontrar la tensión del primer movimiento. La Sinfonía nº 29 en la
mayor, por el contrario, rebosa de luminosidad, con un brío contagioso que parece
atravesarla de principio a fin.
( 20 )
asordinado, que es como la matriz interpretativa para el Cuarteto
Alban Berg (integrado por discípulos suyos, y cuyo cellista hacía
vibrar sus notas largas con la misma tensión que aquí lo hace un
sublime Lee Fiser). Los del Alban Berg tocaron
hace años en Madrid un concierto memorable con
programa casi idéntico, que incluía a Ravel y a
Lutoslawski. No hay aquí perfil que no esté
atemperado, filtrado a través de la mayor
adherencia estilística, hasta alcanzar el máximo
grado de intimidad. Pero a los miembros del
LaSalle la rítmica nerviosa del cuarto movimiento
y sus detalles brillantes también les caen como
anillo al dedo.
La composición de Lutoslawski se mueve por
completo en otro marco de relaciones. Obra
bipartita -una estructura habitual en su autor-, en
sus esquemas está contemplada activamente la
aleatoriedad. Pero, a fin de preservar la cohesión y la lógica formal
de la obra, se trata de una aleatoriedad controlada, que atañe nada
anecdóticamente a sus aspectos rítmico-temporales, pero cuyas
diversas posibilidades ha previsto de antemano el cacumen de su
inmenso autor.
Estamos ante una versión lutoslawskiana del LaSalle que, sin
desdecirse de otras suyas, parece haber atemperado la violencia
que, a veces muy latentemente, subyace en diversos episodios de
la obra. Lo suyo es la precisión absoluta, unida en este caso a la
mayor sutileza. En verdad hay que oír para creer la forma en que
resuelven un intrincado pasaje de pizzicati de más de dos minutos
de duración (y no es el único de la obra), contenido entre los 9´30´´
y los 11´40´´ (no veo mejor forma de expresarlo, para comodidad
del oyente). Su riqueza de escritura es tal, que no tiene demasiado
parangón, si no es con obras como, por ejemplo, el Tercer cuarteto
de Elliott Carter. Tampoco cargan las tintas los miembros del
LaSalle durante la brevísima segunda parte, de la que se desprende
un tono lamentoso, casi un planto, enfatizado (aunque ello parezca
una contradicción) de nuevo muy sutilmente.
J.M.S.
F. SCHUBERT: Quartettsatz D 703; W. LUTOSLAWSKI: Cuarteto de cuerdas (1964),
M. RAVEL: Cuarteto de cuerdas / Cuarteto LaSalle / Salzburgo, 20.VIII.1976 / ORFEO
/ Ref.: C632041B (1 CD) D4
R.B.I.
W.A. MOZART (1756-1791): Sinfonía concertante K.297b; Sinfonías nº 25 K.183 & nº 29 K.201 / Orchestra
Sinfonica RAI di Roma. Dir.: Peter Maag (1987-1990) / ARTS / Ref.: 43032-2 (1 CD) D5
GEORG SOLTI dirige BARTÓK: Concierto para piano n.3;
MAHLER: Sinfonía n.1 en re mayor, «Titán» / Annie Fischer,
piano. Orquesta Filarmónica de Viena. Dir.: Georg Solti
(16.08.1964) / ORFEO / Ref.: C628041B (1 CD) D4
KLAUS TENNSTEDT dirige BEETHOVEN: Obertura de
Egmont; Sinfonía No.5; Sinfonía No.1. WEBER: Obertura de
Oberon / London Philharmonic Orchestra. Dir.: Klaus
Tennstedt (Londres, 1989/90/91) / BBC / Ref.: BBCL 4158-2 (1
CD) D2
Más información en www.diverdi.com

El incandescente Mitropoulos, en ORFEO
Grande, grandísimo
Yno sólo por lo fornido, por el físico imponente, sino por la grandeza de su pensamiento musical, por la
calidad de sus versiones, siempre personales, partiendo en todo momento de la idea de servir a la música
por encima de cualquier otra cosa. No es de extrañar por eso que la muerte le alcanzara en pleno ensayo
de una Tercera de Mahler en la Scala de Milán, vía unos pulmones hechos un desastre de tanto fumar. Cada
disco que recupera parte del legado de Dimitri Mitropoulos es una joya, un documento siempre vivo del arte
de dirigir orquestas. Esta vez en Viena, en vivo, claro está, pues las casas de discos le hicieron ascos a este
maestro que tuvo que volverse a Europa, harto de la maledicencia que le hizo la vida imposible en Nueva York,
y de eso algo tendrían que decir personajes tan respetados como Serge Koussewitzky, Bruno Walter o Leonard Bernstein. Segunda de
Schumann y Quinta de Prokofiev alcanzan en sus manos esa lectura incandescente que era marca de la casa, esa entrega a la expresión,
esa puesta de cada autor en su lugar a través de una forma única de destacar sus caracteres. El amor por el modo de hacer de Mitropoulos
es sentimiento que crece imparable en quien lo prueba una vez. Este disco es una muestra más de ello.
( 21 )
Pablo Batallán
MITROPOULOS dirige SCHUMANN: Sinfonía No. 2; PROKOFIEV: Sinfonía No. 5 / Wiener Philharmoniker. Dir.: Dimitri Mitropoulos (Salzburgo · 21.agosto1954) / ORFEO / Ref.:
C627041B (1 CD) D4
El Sibelius de Beecham, una referencia absoluta
Rendición incondicional
Hace casi quince años EMI publicó este mismo
programa en una «Beecham edition» que,
lamentablemente, nunca llegó a
completarse. Helo aquí de nuevo para disfrute de
quienes entonces dejaron escapar la oportunidad y
de los nuevos adeptos que, a no dudarlo, el
inimitable Sir Thomas
Beecham sigue
ganando. Ante
interpretaciones de la
Segunda de Sibelius
como ésta, ofrecida
el 8 de diciembre de
1954, como presente
para el 89
cumpleaños de su
autor -que no
fallecería hasta 1957
y que acaso pudo
escucharla a través
de la BBC- no cabe sino la rendición total. Beecham
conoce la sinfonía hasta su último recoveco, porque
la ha estudiado con el compositor, la ama y la ha
dirigido en casi 50 ocasiones. En suma, es tan suya
como de Sibelius y, en esta memorable ocasión, da
un curso práctico de cómo debe sonar según un
planteamiento claro y clásico, de texturas
transparentes, tempi muy movidos (menos de 40
minutos; Bernstein en DG emplea 51), dinámicas
contrastadísimas y entusiasmo desbordante. El
resultado es espléndido, arrebatador, insuperable,
aunque Barbirolli, Monteux, Szell y el citado
Bernstein, por otras vías, hayan igualado al baronet.
La toma de sonido mejora apreciablemente -es más
clara y presente- la de EMI, que ya era notable para
la época.
Muy buena también la Octava de Dvorak, de
planteamiento similar; asombra que estemos
escuchando a un director octogenario. Y aunque
personalmente prefiero en esta obra a Kubelik, a
Szell y a Kertesz, no discutiría ni un minuto con
quienes, también, se rindan ante este modo enérgico
y entusiasta, profundamente musical, de dirigir a
Dvorak y de hacer tocar a la orquesta como si les
fuera la vida en ese concierto. Imprescindible.
Roberto Andrade
SIR THOMAS BEECHAM dirige SIBELIUS: Sinfonía nº.2 en re
mayor, Op.43; DVORAK: Sinfonía nº.8 en sol mayor, Op.88 / BBC
Symphony Orchestra. Royal Philharmonic Orchestra. Dir.: Sir
Thomas Beecham (1954,1959) / BBC / Ref.: BBCL 4154-2 (1 CD)
D2
De nuevo Henryk Szeryng, ahora como camerista
Un viejo conocido
Como tantos otros eventos memorables ofrecidos en los años 70 y 80
durante los festivales de Salzburgo, éste fue
grabado para la Radio Austriaca, ORF, por el
técnico o ingeniero de sonido Josef Sladko, con
quien los melómanos tenemos una deuda
impagable. El concierto que hoy recupera Orfeo se
celebró en el Grosses Festspielhaus, de acústica
inadecuada para recitales de cámara. Pero el sonido
que captó Sladko es excelente: tímbricamente fiel,
amplio de dinámica, equilibrado. Un modelo, en
suma. De modo que, ironías de la vida, es muy
probable que la memorable velada que ofrecieron
Szeryng y Tocco se pueda disfrutar mejor en casa
hoy que en la gran sala salzburguesa hace 25 años.
Las notas de carpetilla nos informan de que
Szeryng debutó en Salzburgo en 1965 y, en sus primeros recitales, tocó con un
pianista «acompañante», lo que le granjeó ciertas críticas; en esta ocasión supo
elegir, por el contrario, un colaborador de su misma categoría musical, como
siempre debiera ocurrir en los conciertos de cámara, y el resultado fue
extraordinario. Con sesenta años cumplidos, Szeryng se hallaba en 1979 en
excelente forma y su dominio técnico seguía siendo admirable; pero en este
concierto surgen ocasionalmente asperezas en su timbre, en ciertos pasajes
forte, en las dobles cuerdas o en ataques enérgicos. Sin embargo, estas reservas
pasan a segundo plano ante la calidad musical altísima de las versiones,
desbordantes de frases memorables en los tres tiempos lentos de las Sonatas y
en el Finale de la de Brahms. Soberbia, como ya he anticipado, la colaboración
de James Tocco, pianista semidesconocido de origen italiano nacido en
Detroit, de quien desearía más noticias «sonoras» que las de este recital. No
sólo es un gran técnico, sino un artista cabal y un magnífico colaborador,
equilibrado, atento, dialogante y con un soberbio sonido que nuestro viejo
conocido Sladko nos ofrece, para nuestro placer, en todo su esplendor.
R.A.
HENRYK SZERYNG interpreta Sonatas para violín y piano de MOZART (en si mayor KV 454 ),
BRAHMS (n.2 en la mayor op. 100 ) & BEETHOVEN (en do menor op.30/2) / Henryk Szeryng, violín.
James Tocco, piano (Salzburgo - 1.agosto 1979) / ORFEO / Ref.: C631041B (1 CD) D4
LEONIDAS KAVAKOS interpreta
STAMITZ: Obertura en sol
HAYDN: Concierto para violín No.
1 HENZE: Fantasia para cuerdas
MOZART: Sinfonía en re mayor KV
504 Praga / Camerata Salzburg. L.
Kavakos, violín y dirección
(12.08.2003) / ORFEO / Ref.:
C629041B (1 CD) D4
SANDOR VÉGH dirige
MENDELSSOHN: Sinfonía para
cuerdas n.9 en do mayor;
MOZART: Serenata Notturna KV
239 ; DVORAK: Serenata para
cuerdas op.22; WOLF: Serenata
italiana / Camerata Académica de
Salzburgo. Dir.: S. Végh / ORFEO /
C630041B (1 CD) D4
Más información en www.diverdi.com
RUDOLF FIRKUSNY: CHOPIN:
Sonata en la menor op.58;
JANÁCEK: Sonate 1. Oktober
1905; MUSSORGSKY: Cuadros de
una exposición / R. Firkusny, Piano
(16.08.1957) / ORFEO / Ref.:
C633041B (1 CD) D4

Fournier y Francescatti dos titanes frente a frente
Inspiración y oficio
Pierre Fournier (1906-1986) ha sido seguramente el máximo
violonchelista francés del siglo XX, en el que tuvo como colegas
a otros tres ilustres artistas galos, Maurice Gendron, André
Navarra y Paul Tortelier. Nacido en familia culta y noble, el
instrumento elegido por el niño Pierre fue el
piano, pero la poliomielitis que sufrió a los
nueve años le obligó a abandonarlo en favor
del violonchelo. Lo que en principio fue sólo
una diversión, pronto pasó a llenar la vida del
joven Fournier. Su carrera se desarrolló con
dificultades, poco a poco, y se vió
interrumpida por la guerra. A partir de 1946
cobró definitivo impulso y Fournier tocó con
todos los grandes directores, excepto
Toscanini, y con los mejores solistas; por
ceñirnos al violín, Oistraj, Szeryng y
Francescatti fueron sus colegas de concierto y de estudio. Entusiasta de
la música de cámara, sus varias grabaciones de las Suites de Bach son
referencia absoluta.
Músico serio, cabal e impecable, Fournier fue un intérprete
refinado, cálido, sensible y técnicamente sobresaliente. El Concierto
de Dvorák fue, por supuesto, uno de sus caballos de batalla y su
grabación con Szell y la Filarmónica de Berlín (DG) es referencia de
igual valor que las de Gendron, Tortelier o Rostropovich. En este
concierto que hoy recupera la BBC, sus 67 años no le impiden dejar
constancia de su precisión y de lo inspirado de su arte; una vez más es
cierta la frase de Colette: «Fournier canta mejor que cualquier cosa que
canta». Su inspiración logra, a partir del segundo movimiento,
contagiar a los músicos de la orquesta y a Colin Davis, que en todo
momento luce buen oficio, pulso firme y energía a expensas, a veces,
de la finura que este bello concierto exige.
En el Doble Concierto de Brahms Zino Francescatti da réplica a
Fournier en una versión en la que, otra vez, son los muy inspirados
solistas quienes acaban ganando para la causa, a partir del segundo
movimiento, a la orquesta y al irreprochable Sir Malcolm Sargent cuyo
sólido trabajo, obviamente, no es comparable al de Bruno Walter, con
quien colaboraron los dos citados artistas franceses en una memorable
versión (Sony), referencia para este hermosísimo concierto.
R.A.
FOURNIER & FRANCESCATTI interpretan DVORAK: Concierto para violoncello Op.104;
BRAHMS: Concierto para violín & violoncello Op.102 / Pierre Fournier, Violoncello. Zino
Francescatti, Violín. BBC SO. C. Davis, M. Sargent / BBC / Ref.: BBCL 4149-2 (1 CD) D2
PREISER prosigue su edición dedicada al Trio Oistrakh
Inspiración a raudales
Se nos va 2004 y, con él, el centenario del fallecimiento de uno de los
músicos más inspirados que hayan existido, en ciertos aspectos un
Schubert checo: Antonin Dvorák. Su amplísima producción cubrió
prácticamente todos los géneros y en todos dejó, al menos, una obra maestra
-casi siempre, varias- que bien explica la admiración de sus
contemporáneos, con Brahms y el exigente crítico vienés Hanslick en primer
término, y la popularidad de que gozó y sigue disfrutando, especialmente
gracias a su Concierto para chelo y a la Sinfonía Nuevo Mundo.
Este precioso CD que nos obsequia Preiser puede servir de iniciación al
amplísimo catálogo camerístico de Dvorák. Los dos Tríos con piano incluidos
son muy diferentes en estructura e inspiración (clásico y germánico el op. 65;
libre y checo el op. 90) pero excelentes ambos y forman un estupendo pórtico
de entrada al amplísimo repertorio camerístico de Dvorák. Y, salvo las
referencias que el Trío Suk grabó para Supraphon, la discografía no ofrece
opciones mejores que el Trío Oistraj, cuyas excelencias musicales ya ponderé
en números pasados del Boletín, y que vuelve a dar una lección magistral de
perfección técnica -la escritura de Dvorák no es nada fácil-, de diálogo
perfectamente equilibrado y de plena identificación con los dos estilos de estos Tríos. David Oistraj fue
tan estupendo músico como violinista y sus grabaciones de obras de cámara merecen reedición en
bloque. Pese a ser monoaural, el sonido tiene calidad sobrada para que podamos disfrutar de una fiesta
musical. Excelentes comentarios de carpetilla -sólo en inglés- firmados por Sam Morgenstern.
EL TRIO OISTRAKH interpreta DVORAK: Trío en fa menor op.65. Trío en mi menor op.90 Dumky / D. Oistrakh, violin. S.
Knushevitzky, cello. L. Oborin, piano / PREISER / Ref.: 90593 (1 CD) D6
( 22 )
El vibrante Tchaikovsky de Rubinstein y Giulini
Comunicatividad
No es el de Artur Rubinstein (1887-1982) un nombre
frecuente en este Boletín. Su imponente legado
fonográfico oficial, 94 CD que
RCA publicó en 1999 y que, en todo o
en parte, reedita con frecuencia, cubre
un repertorio amplísimo y no deja
mucho margen a los añadidos
procedentes de concierto. Pero cuando
éstos llegan, son bienvenidos porque,
como señala atinadamente Jeremy
Siepmann en las notas de carpetilla,
ciertos rasgos tímbricos de Rubinstein -
la inimitable forma de cantar algunas
frases, las sutilezas de color y timbre, los
pianísimos que «corrían» hasta el extremo de la sala- y su
especialísima comunicatividad, no siempre son restituidos
fielmente por sus registros de estudio, por excelentes que
sean. Rubinstein era un artista que necesitaba la presencia del
público para compartir con él sus emociones.
En el Concierto de Chaikovsky se beneficia de la
colaboración intensa, vibrante, sincera, de Carlo Maria
Giulini al frente de la Filarmonía en su edad de oro (1961).
Rubinstein elude abrumarnos en los pasajes de octavas -como
Horowitz, Gilels o Richter- pero nos seduce ya desde la
majestuosa introducción con su magia sonora, su encanto y
naturalidad al frasear, con su controlada pasión. Su forma
física es sorprendente en un pianista de 75 años de edad y
casi 60 de carrera. En el Concierto de Schumann -que
Rubinstein grabó para RCA con Giulini- se ve acompañado
por Rudolf Schwarz, maestro nacido en Viena y batuta de
vuelo mucho menor que la del maestro italiano, lo que no
impide a Rubinstein prodigar frases muy bellas, desde la que
abre el concierto. El CD se completa con nueve minutos de
entrevista de Rubinstein con Michael Oliver grabada en 1973.
R.A.
ARTUR RUBINSTEIN interpreta TCHAIKOVSKY: Concierto para piano No.1;
SCHUMANN: Concierto para piano (+ Rubinstein conversa con M. Oliver).
Grabaciones de 1961 & 1957. / Artur Rubinstein, piano. Dirs. Giulini &
Schwarz (1961 & 1957) / BBC / Ref.: BBC 4152-2 (1 CD) D2
R.A.
MANUEL DE FALLA (1876-1946),
EDUARDO TOLDRÁ (1895-1962),
JOAQUÍN TURINA (1882-1949):
Música española para violín y piano /
Jesús Ángel León, violín. Miguel Ángel
Muñoz, piano / VERSO / Ref.: VRS
2018 (1 CD) D2
JACQUES FRANÇOIS GALLAY (1795-
1864): Tres tríos para trompa op. 24;
Grand Quatuor op. 26 / Natural Horn
Ensemble Corniloquio. Dir.: Javier
Bonet / ARSIS / Ref.: ARSIS 4188 (1
CD) D2
Más información en www.diverdi.com

Volúmenes 31-36 de la Karel Ancerl Golden Edition
Identificación idiomática
En este nuevo encuentro con Ancerl y sus especialísimos modos
directoriales se nos presenta una selección de interpretaciones
que podemos considerar, casi en su totalidad, como
auténticamente magistrales, de referencia absoluta; algo ya
reconocido en el tiempo que estas grabaciones aparecieron en el
mercado, en disco de vinilo primero y en disco compacto después.
Son versiones que nos entregan al Ancerl en estado puro: preciso
de expresión, exacto de ritmo, transparente de texturas, riguroso en
el acento, elevado en la concepción. Recreaciones libres de
gangas, de énfasis, de detalles superfluos. Se enfrentaba el director
de Tucapy a unas músicas singularmente afines.
Stravinsky
No cabe, en efecto, más identificación entre un artista y unos
pentagramas que la que se produce a partir de los de Stravinsky. El
disco que contiene Les Noces -partitura genial que une voces y
percusión y que estiliza con habilidad pasmosa el folklore ruso-, la
Cantata y la Misa. La claridad instrumental, la dimensión percutiva,
la singularidad rítmica, cambiante a cada compás, de la primera
obra, escrita entre 1914 y 1923, tras no pocas modificaciones, no
se han reproducido nunca de esta manera tan firme, tan precisa,
tan vigorosa. Rara combinación, dura como la misma tierra de
donde proceden los breves y concisos temas populares, entre
control férreo y flexibilidad agógica. Se consigue, por supuesto, lo
que pretendía el compositor: que «el grupo instrumental sea
absolutamente homogéneo, absolutamente impersonal y por
completo mecánico». Sin embargo, el muy especial lirismo que
emana de la Cantata (1951-52), así como sus claros contrapuntos,
están excelentemente plasmados por la misma mano, que dota a la
Misa (1944-48) de la conveniente rudeza y recoge su carácter
estático, pétreo, arcaico. Obras, las tres, de una perfección formal
y de una genialidad sólo posible en una mente y un talento como
el del músico ruso; que son servidas en este caso, hay que insistir,
con una veracidad y una justeza sensacionales.
Prokofiev
A no menor nivel debemos situar el acercamiento de Ancerl, y
los mismos conjuntos, Coro Filarmónico de Praga y Filarmónica
Checa, a dos obras igualmente fruto de la inspiración de un artista
de la tierra de los zares como Prokofiev. En Alexander Nevsky la
crudeza de las sonoridades, la agresividad de los timbres, la
pesantez de los estratégicos pasajes isorrítmicos, la nerviosidad y
viveza de números como «La batalla sobre el hielo», en el que todo
se escucha de forma casi descarnada, son valores que hacen de
esta interpretación un modelo a seguir, libre de cualquier tipo de
confortabilidad, de blandura, de vacilación. Espléndidos coro y
orquesta y vívida en su descripción del «Campo de los muertos» la
mezzo Vera Soukupová. En la dificilísima parte del chelo solista de
la Sinfonía concertante brilla el sólido y virtuoso arco de André
Navarra, un instrumentista siempre muy ligado a Praga, que aquí,
con una sonoridad plena y rotunda, no siempre cálida, con
repetidas escaladas a los extremos de la tesitura, nos hace hasta
divertirnos en una obra más bien plúmbea y farragosa.
Martinu
Junto con Kubelik, Ancerl fue uno de los más grandes servidores
de la siempre excitante y nerviosa música de Martinu. Esas frases
certeras, cortas, esas células germinales que se mueven
permanentemente en el lenguaje del compositor, sin duda un buen
continuador de las propuestas de Janácek, y que le dan una
animación perpetua que arrastra, son reproducidas con una
nitidez, un impulso y una determinación formidables, que entran
de lleno en el habitual juego imaginativo y chisporroteante del
autor. Así, las Sinfonías nº 5 y nº 6 (Fantasías sinfónicas) y el
Memorial a Lídice alcanzan interpretaciones de notable
convicción.
Vycpálek y Ostrcil
La que preside también la de dos obras prácticamente
desconocidas en este lado de Europa, la Cantata de las últimas
cosas del hombre, sobre dos canciones moravas, de Ladislav
Vycpálek (1882-1969), un autor del que ya pudimos escuchar el
Réquiem en esta misma colección (volumen 21), y la Suite para
gran orquesta en do menor de Otakar Ostrcil (1879-1935), nuevo
en esta plaza. Dos músicos avezados y bien armados de recursos
técnicos, de un nacionalismo más bien tradicional en su
tratamiento de un material folklórico el uno -con excelente manejo
de los diseños imitativos- y de una ágil y minuciosa elaboración
( 23 )
sinfónica -con ciertos parentescos
con Shostakovich y Prokofiev- el
otro. Claridad y frescura expositiva,
nitidez y brillo tímbrico, elocuencia y
comunicatividad en la batuta y sus
colaboradores: coros, orquesta y
solistas vocales.
Mahler
La gran sorpresa -si no supiéramos desde hace años de su valores
la versión que el director checo dejó grabada (1966) de la
Sinfonía nº 9 de Mahler, de una transparencia polifónica insólita,
de una lógica de planteamientos, de un relieve y de un colorido
sensacionales. Todo, como solía pasar siempre con Ancerl, parece
estar en su sitio: los acentos, las intensidades, los detalles. Sin que
en ningún momento se tenga la impresión de que la línea
fundamental se pierda. Produce asombro cómo la batuta consigue
la máxima elocuencia sin alargar innecesariamente un tempo que
se tiene por absolutamente justo -en la mejor tradición del propio
Mahler-, sin exagerar ni un solo ataque, sin dotar de mayor
agresividad que la exigida a las texturas. Todo llevado con guante
de seda, con simplicidad espartana y con un fraseo de una
naturalidad sin mácula. La polifonía tan compleja del Andante
comodo, su nada fácil juego rítmico nos son ofrecidos con una
insólita luz, que da alas a un desarrollo que es de los más difíciles
de reproducir, tanto en vivo como en disco. A ello, por supuesto,
contribuye la nitidez de la toma de sonido, cosa del gran ingeniero
que era Frantisek Burda. La espumosidad del segundo movimiento,
la acidez del tercero contrastan acertadamente en esta visión con
la serenidad trágica, finalmente esperanzada, del Adagio postrero,
tocado con limpieza, sin excesivas elongaciones. Aquí brilla de
nuevo la mano segura de Ancerl, un director que nunca permitía
puntos muertos y que era capaz de trascender en los instantes
precisos. No hay duda de que Vaclav Neumann debió de beber de
este estilo austero, sobrio, claro, esporádicamente agresivo, a la
hora de dar consistencia a sus versiones de las sinfonías del músico
bohemio. Gran interpretación, por tanto.
Brahms
Nos queda el disco dedicado a Brahms, compositor al que
Ancerl otorgaba una prestancia sinfónica indudable partiendo de
un espléndido equilibrio formal y estructural, en el que no faltaba
el lirismo, aunque puede que escaseara el gran aliento
postromántico. Pero el director sabía sin duda hacer suyos los
presupuestos del hamburgués y trabajar algo tan importante como
eran los pasajes camerísticos. El colorido de su orquesta, más bien
claro, no era el obtenido por los grandes maestros alemanes, lo que
estaba contrarrestado por la aplastante buena distribución de los
acentos y por la sencillez del canto. Nos parece soberbio el
acompañamiento dado a esos dos grandes solistas que eran el
citado Navarra y Josef Suk, que bordan sus partes en una versión
fulgurante del Doble Concierto para violín y chelo. La lógica con
la que Ancerl expone los primeros y tranquilos compases de la
Sinfonía nº 2, la forma en la que la música se abre, paulatinamente,
a la gran frase lírica del primer tema son modélicas y nos marcan
ya el signo de una recreación tan luminosa como esbelta, que
establece la mayor de las claridades polifónicas en el
contrapuntístico Allegretto con spirito final.
Papageno
ANCERL Vol.31- BRAHMS: Sinfonía nº 2 in re mayor, Op. 73 (1877). Concierto en la
menor para violín, cello y orquesta op.102 (1887)/ J. Suk (violín). A. Navarra (cello).
Czech Philharmonic Orchestra. Dir.: K. Ancerl / SUPRAPHON / Ref.: SU 3691-2 (1
CD) D6
ANCERL Vol.32 - I. STRAVINSKY: Les Noces; Cantata; Misa / Diversos solistas. Coro
Filarmónico de Praga. Orquesta Filarmónica Checa. Dir.: K. Ancerl / SUPRAPHON /
Ref.: SU 3692-2 (1 CD) D6
ANCERL Vol.33 - G. MAHLER: Sinfonía nº 9 en re mayor (1909) / Orquesta
Filarmónica Checa. Dir.: K. Ancerl / SUPRAPHON / Ref.: SU 3693-2 (1 CD) D6
ANCERL Vol.34 - B. MARTINU (1890-1859): Sinfonía nº. 5, H. 310. Fantasías
sinfónicas (Sinfonía nº 6), H. 343. Memorial to Lidice. H. 2 / Czech Philharmonic
Orchestra. Dir.: K. Ancerl / SUPRAPHON / Ref.: SU 3694-2 (1 CD) D6
ANCERL Vol.35 - L. VYCPALEK: Cantata De las últimas cosas del hombre Op. 16; O.
OSTRCIL: Suite para gran orquesta, Op. 14 / Tikalova, Mraz. Czech Choir. Orquesta
Filarmónica Checa. Dir.: K. Ancerl / SUPRAPHON / Ref.: SU 3695-2 (1 CD) D6
ANCERL Vol.36 - S. PROKOFIEV: Alexander Nevsky Op. 78; Sinfonía Concertante
para cello y orquesta Op. 125 / V. Soukupová, A. Navarra. Czech Choir. Orq.
Filarmónica Checa. Dir.: K. Ancerl / SUPRAPHON / Ref.: SU 3696-2 (1 CD) D6

SUPRAPHON felicita por sus 75 años a uno de los grandes músicos checos, el gran violinista Josef Suk
Doble aniversario
En 2004 hemos podido conmemorar los cien años del fallecimiento de Antonin Dvorák (1841-1904) y
el 75 cumpleaños del violinista Josef Suk, máximo exponente de la escuela checa del violín y artista
eximio cuya felizmente amplia discografía ya ha motivado reseñas en las páginas del Boletín. Aquí le
escuchamos en una recopilación llevada a cabo por su principal sello discográfico, Supraphon, que le
debe una edición integral no menos que al gran Karel Ancerl.
Las interpretaciones se recomiendan por sí solas. Josef Suk el violinista es bisnieto de Dvorák y nieto
del Josef Suk compositor, dos de cuyas obras escuchamos aquí. De Dvorák se nos ofrecen las preciosas
Cuatro piezas románticas Op 75, la encantadora Sonatina Op 100 y la delicada Danza Eslava Op 46 nº
2 en versiones inigualables, tanto más cuanto que gozan de la soberbia colaboración del pianista Alfred Holecek: escúchenle el Larghetto
de la Sonatina y traten de comparar con cualquier otro colega. En realidad, el único defecto de este CD es que no ofrece completa la
colaboración de Suk y Holecek en la obra de Dvorák para violín y piano, que Supraphon publicó en un doble LP (que el abajo firmante
atesora).
Magnífica también la versión de las dos obras de Smetana (De mi país natal) y de Suk, la Balada Op. 36 y las Cuatro piezas Op. 17,
éstas con la colaboración, también excelente, de otro viejo conocido, Jan Panenka. Las grabaciones, de muy buena calidad, datan del
período 1962-1971.
HOMENAJE A JOSEF SUK EN SU 75 ANIVERSARIO: SMETANA: Dos piezas para violín y piano; DVORAK: Sonatina, Piezas románticas para violín & piano; SUK: Balada op.3,
4 piezas para violín & piano / Josef Suk, violín. J. Panenka & A. Holecek, piano / SUPRAPHON / Ref.: SU 3777-2 (1 CD) D6
La eslovaca, en el terreno del Lied
La otra Gruberova
Asociamos normalmente a Edita Gruberova con el
repertorio de la soprano lírico-ligera, donde luce un
instrumento de carnoso esmalte, lejano del habitual
pajarito mecánico de sus colegas tópicas. Con él, la
cantante eslovaca hace todas las virguerías de su cuerda,
exactas y vertiginosas. Menos habitual es en Gruberova un
menú de cámara. En el salón no se encienden tracas. Aquí
no enloquece Lucía ni se cachondea Zerbinetta ni fisga la
ambiciosa Adela.
En este recital,
tomado en vivo en el
Festival de Salzburgo
de 1980, más de un
aficionado hallará
materia para la
sorpresa. No en el
caso de Erik Werba,
el pianista, ni del
clarinetista Peter Schmidl,
que aportan,
como era de esperar,
su sensible ciencia y
dominio de los estilos.
En el trabajo de
Werba, además, se adivina que ha incidido sobre el
estudio que la soprano hizo del programa.
Gruberova se recoge a la intimidad, está extremadamente
alerta al texto, susurra y se expande
comedidamente cuando cuadra, cuida la emisión con una
musicalidad destilada y frasea sin dejar en vilo ningún
detalle. Todo ello resulta especialmente importante en
Schubert, que no soporta un exceso de vocalidad sin
fallecer en el acto. El pastor en la roca vale por un camafeo
de referencia.
Mendelssohn es más «fácil»: la melodía es sencilla y
evidente, la canción se resuelve en estrofas. Pero la noche
brilla cuando aparece Richard Strauss, el más cercano a los
despliegues de la ópera. En Amor se cuela en la plataforma
Zerbinetta, con sus agilidades, picados, agudos, trinos
sucesivos y demás delicias de la coloratura, que
Gruberova absuelve con maestría suma.
B.M.
EDITA GRUBEROVA interpreta Lieder de SCHUBERT, MENDELSSOHN &
STRAUSS / Edita Gruberova, soprano. Peter Schmidl, clarinete. Erik Werba,
Piano. (Mozarteum, Salzburgo, 14.08.1980) / ORFEO / Ref.: C635041B (1
CD) D4
¿
( 24 )
Brigitte Fassbaender en Salzburgo
¿Quién no la ama?
R.A.
Quién no ama a Brigitte Fassbaender? Basta escuchar una frase salida
de su valiente voz de verdadera mezzo para quedar encandilado con
el canto de esta mujer inteligente, de fuerte personalidad y con ideas
tan claras como su voz poderosa y dúctil. Berlinesa de 1939 e hija del
barítono Willy Domgraf-Fassbaender, sus actuaciones eran siempre
esperadas con la máxima expectación. El 13 de agosto de 1977, el
Festival de Salzburgo programó en el Kleines Festspielhaus una soirée
schumanniana en la que contó con el
piano cómplice y experto del viejo Erik
Werba. La voz suena directa, franca, se
siente que mira directamente a los
ojos. Más que con la garganta, es su
corazón de auténtica artista el que sin
tapujos ni reservas impone su ley en
versiones intensas y delicadas, en las
que se siente al Schumann más puro y
romántico, envuelto en el universo
poético y profundamente germánico
que tanto amó. En las propinas del
recital, también incluidas en el
compacto, la Fassbaender tuvo el buen
gusto de incluir la música de aquel fiel
schumanniano que fue Johannes
Brahms, cuyo Trennung sirvió para cerrar definitivamente la actuación
con una ovación interminable que sólo el cierre de micrófonos pudo
acallar.
BRIGITTE FASSBAENDER: Recital Robert Schumann (diversos Lieder, incluyendo el ciclo
Frauenliebe und Leben) / Brigitte Fassbaender, mezzosoprano. Erik Werba piano (Festival de
Salzburgo, 13 de agosto de 1977) / ORFEO / Ref.: C636041B (1 CD) D4
CONCIERTOS PARA VIOLÍN DE KHACHATURIAN, PROKOFIEV & GLAZUNOV: Julia
Fischer, violín. Russian National Orchestra. Dir.: Yakov Kreizberg / PENTATONE / Ref.: PTC
5186 059 (1 SACD) D1
IGOR STRAVINSKY: Suite de L‚Histoire du soldat; Ragtime; Petit Chorale; Concierto
«Dumbarton Oaks»; Concierto en re; Suites para pequeña orquesta nos 1 y 2 /
Kammerphilharmonie Bremen. Dir.: Paavo Järvi / Ref.: PTC 5186 046 (1 SACD) D1
Más información en www.diverdi.com
J.R.

Pletnev dirige una solemne cantata de Taneyev, en PENTATONE
Tradición rusa y modernidad europea
Sergei Ivanovich Taneyev (1856-1915) ha pasado a la historia
como el más idealista de los compositores rusos. Además de
la música, cultivó con especial interés la filosofía y las
matemáticas, y se dedicó al estudio del esperanto. En medio de la
controversia que dominó los primeros años de la
cultura de su país, que se debatía entre el
academicismo y el realismo, él optó claramente
por la primera de las dos opciones. Llegó a
dominar las técnicas del contrapunto y el
desarrollo motívico, y consagró una buena parte
de su carrera a la enseñanza en el Conservatorio
de Moscú, donde fue maestro de Scriabin y
Rachmaninov.
Tanto en su labor docente como en sus
composiciones, Taneyev consideraba el
contrapunto como el centro de la estética
musical, así como la coherencia interna dentro de
una composición. Su última obra, En la lectura de un salmo, es su
segunda cantata, y fue compuesta entre 1912 y 1915. La primera,
San Juan Damasceno, sobre un libreto de Alexei Tolstoi, es de
1883-84, y entre ambas existen fuertes divergencias estilísticas.
Mientras que la primera sigue fielmente la tradición ortodoxa, la
segunda está mucho más asociada a las influencias occidentales,
con ecos impresionistas y también de un misticismo panteísta
cercano a un Szymanowsky.
BONGIOVANNI incide en la obra de un músico ilustrado
Volviendo a Rolla
Alessandro Rolla vivió tanto (entre 1757 y 1841) como
para advertir los grandes cambios que iba registrando
la música de su tiempo. Baste pensar que su vida
podría haber sido paralela a la de Mozart, si el genio de
Salzburgo hubiera llegado a viejo. Las arenas eran
movedizas. Las piedras de la calzada estaban flojas. Rolla
fue alumno de Sanmartini y pudo ser maestro de Berlioz y
Schumann, con lo que está todo dicho.
Ante este panorama de alteración y crisis, Rolla prefirió
aferrarse a lo seguro, a la música de sesgo clásico: fórmulas
declaradas, concisión en los desarrollos, economía de
medios, sentimiento comedido y géneros claramente
respetados.
Este menú permite recorrer algunas
de sus habilidades. El concierto
para violín, de exacta arquitectura,
debe a Mozart sus soluciones
armónicas y el perfil de sus
melodías, más una curiosa y
amplia cadencia donde Rolla se
acuerda de que es un brillante
solista del arco.
Igualmente dieciochesca es su
sinfonía en re mayor, cuya deuda
se dirige hacia otro ilustre acreedor: Haydn. La
competencia de Rolla es evidente, pero mucho más
personal es el curioso adagio dedicado a su amigo y
compañero de la orquesta de la Scala, Giovanni Cavinatti.
Probablemente se trata de una obra destinada a conciertos
privados en las grandes casas nobiliarias de Milán, que
solían tener entre sus tesoros algunos violines cremonenses
de primer agua. La partitura evoca un aria de ópera con
articulación ternaria: una introducción con predominio de
las maderas, luego una suerte de recitativo, seguido de un
cantable que remata en un estrambote de lucimiento.
Rolla es un músico del Siglo de las Luces, que todavía
nos alumbra con su alegría de buen hacer y hasta puede
calentarnos con su lumbre en las noches del invierno
contemporáneo.
B.M.
ALESSANDRO ROLLA (1757-1841): Concierto para violín en Do; Sinfonía
en Re; Adagio para violin y orquesta / Orquesta de cámara Alessandro Rolla.
Dir & violín: Guido Rimonda / BONGIOVANNI / Ref.: GB 5618-2 (1 CD) D2
CPO culmina la integral sinfónica de Georges Onslow (1784-1853)
Otro genio olvidado
Es muy probable que el hecho de haber convivido cronológicamente
con el gran genio beethoveniano haya relegado a toda una
generación de músicos de la primera mitad
del siglo XIX al olvido. Este podría ser el caso de
Georges Onslow, un compositor dotado de un
incuestionable talento al que la discografía
moderna ha ido recuperando en los últimos años.
De origen británico -Onslow era hijo de un noble
inglés exiliado en la Francia prerevolucionarialos
primeros pasos de nuestro músico
transcurrirían en el castillo familiar de Chalendrat,
un lujoso palacio ubicado en las cercanías de
Clemont Ferrand, en el que recibió las primeras
lecciones musicales de su propio padre.
Siguieron, después, años de aprendizaje por toda
Europa donde el joven talento pudo entrar en contacto con las últimas
vanguardias musicales del momento y estudiar con profesores tan
reputados como Dussek, Reicha y Kramer, este último uno de los alumnos
predilectos de Clementi. Su técnica «brillante, de virtuoso experto y
sonido hermoso», como sería definida por Marmontel, y la calidad de sus
composiciones le permitieron entrar a formar parte de los grandes
nombres de la escena musical francesa del periodo postnapoleónico y
figurar como digno antecesor de toda una tradición musical que
culminaría a finales de aquella centuria con autores tan reconocidos
como Farrenc, Saint-Saëns o Réber.
Ambas sinfonías, las números 2 y 3, estrenadas en 1831 y 1834,
respectivamente, ponen de manifiesto el genio de Onslow a la hora de
trabajar con las masas orquestales. Abiertamente clásicas todavía en sus
estructuras formales, su escucha consigue crear en nuestro ánimo una
atmósfera envolvente y ensoñadora, llena de matices cálidos y, en
ocasiones, oníricos, que nos traslada al universo de un mundo en
constante transición de ideas y conceptos magníficamente reflejado en los
sombríos movimientos lentos y en los bríos de los tiempos iniciales y
finales que anuncian ya las tempestades políticas de la Europa
revolucionaria de 1848.
Un excelente trabajo de recuperación musical, respetuoso con el
contexto histórico y las ideas del genio. Un merecido homenaje a uno de
los compositores más brillantes de la primera mitad del siglo XIX.
( 25 )
La obra se basa en un poema de Alexei
Khomiakov, miembro de un grupo de filósofos
eslavófilos, y es una meditación personal sobre
la lectura del Salmo V, en el que Dios, durante
una tempestad se aparece a su pueblo y le
reprocha que queme ofrendas en su nombre, ya
que los únicos sacrificios válidos para él son la
pureza de corazón, el amor fraternal y la justicia.
En esta grabación, recogida en vivo en la Sala
Filarmónica de San Petersburgo en mayo de
2003, Mikhail Pletnev dirige, como es habitual
en él, con toda pasión y efusividad una música
que los rusos llevan impresa en su alma, al frente
de su excelente Orquesta Nacional Rusa, el
magnífico Coro Académico de San Petersburgo
(al que se unen los niños de la Academia Coral
Glinka) y un estupendo cuarteto vocal de nuevas
voces rusas (Lolita Semenina, Marianna Tarasova, Mikhail Gubsky,
Andrei Baturkin). El sonido es espectacular.
R.B.I.
SERGEI TANEYEV (1856-1915): En la lectura de un Salmo (Cantata nº2 op.36) / Coro
a cappella de la Academia Estatal de San Petersburgo. Coro de niños del Colegio Coral
Glinka. Orquesta Nacional de Rusia. Dir.: Mikhail Pletnev / PENTATONE / Ref.: PTC
5186 038 (1 SACD) D1
El Conde de Bonaplata
GEORGES ONSLOW (1784-1853): Sinfonías Nos. 1 op. 47 en la mayor & No.3 en fa menor /
NDR Radiophilharmonie. Dir.: Johannes Goritzki / CPO / Ref.: 999747-2 (1 CD) D2

¿
Grieg al fortepiano? La extrañeza es el primer sentimiento que
planea al enfrentarnos a la experiencia que alberga este disco,
que recoge, en límpida y cuidada
interpretación, 22 de las 66 Piezas líricas que el
compositor noruego escribió entre 1865 y 1901.
Obras breves, más o menos similares a algunas
de Mendelssohn (Romanzas sin palabras) o
Schumann, dotadas de un encanto indudable, de
un rico y a veces original lenguaje armónico. La
utilización de melodías y ritmos populares
nórdicos, de secuencias cromáticas y modos
eclesiásticos les conferían un atractivo curioso e
intemporal. La cuestión es si esas características
permiten dar una imagen sonora cabal y
moderna de estas composiciones, redactadas
mucho después de que fuera construido el
instrumento que emplea la experta pianista
alemana Heidi Kommerell, un Nannette
Streicher de 1829, 14 años anterior al nacimiento de Grieg.
Qué duda cabe de que, como dice Stefanie Laaser, la sonoridad
cantarina, las amplias resonancias, la ancha paleta de matices
puede poner de relieve de forma idónea algunos de los detalles de
estas piezas, incluso de aquéllas que pudiéramos estimar de un
mayor perfume romántico. Evidentemente, una partitura como la
En la senda de Schütz y Buxtehude
Reger mira al pasado
Amediados de 1898, después de una
desastrosa estancia en Wiesbaden, en la
que acumuló deudas y se entregó al
alcohol, el compositor alemán Max Reger (1873-
1916) regresó a su casa paterna en Weiden,
donde se entregó a
una frenética labor
de escritura y de
promoción de su
música. Allí también
emprendió su
abundante
producción coral,
tanto adaptaciones
de canciones populares
como otras
de nueva creación.
En todas ellas
encontramos,
como en toda la
obra de Reger, un especialísimo uso de las
armonías y del contrapunto. Así, en las tres
colecciones incluidas en el presente registro
(segundo que el sello CARUS dedica a esta
parcela del autor germano), y que son las Siete
canciones populares sacras, las Tres
adaptaciones corales para Navidad, Año Nuevo
y Epifanía y los Doce cantos sacros alemanes,
planea sin duda la sombra de Schütz y de
Buxtehude, los patriarcas de la música polifónica
alemana, pero observados a través de una mirada
muy personal. Uno de los coros con más solera
de Alemania, creado en 1946 y con una larga
tradición de interpretación de música coral a
cappella, es el encargado de cultivar
admirablemente estas obras de una inquietante
belleza.
R.B.I.
MAX REGER (1873-1916): Es sungen drei Engel (Reger vocal II);
7 Geistliche Volkslieder; 3 Choralbearbeitungen op. 79g; 12
Deutsche geistliche Gesänge / NDR Chor Hamburg. Dir.: Hans-
Christoph Rademann / CARUS / Ref.: CARUS 83.155 (1 CD) D2
La Piezas Líricas del noruego, a través del peculiar timbre del fortepiano
Grieg con otra voz
( 26 )
op. 43, 3, En mi patria chica, gana en expresión por la morbidez del
registro medio del instrumento. En Nostalgia, op. 57, 6,
encontramos sonoridades de extrema
delicadeza, casi irreales, que nos envuelven
también en la Canción de cuna, op. 68, 5, con
unos agudos de notable dulzura. En cambio, el
planteamiento modestamente sinfónico de la
op. 62, 6, Regreso al hogar, queda un tanto
chato en el fortepiano.
Interesante y fructífera experiencia, llena de
sorpresas, sin duda impulsadas por el buen
entendimiento y exquisito arte de la
instrumentista. Para quien prefiera la versión
más lógica, es decir, la tocada en un piano
actual -Grieg empleaba a principios del siglo XX
un moderno Steinway-, se recomienda la muy
narrativa e idiomática versión de una buena
parte de estas obras debida al noruego Leif Ove
Andsnes (Virgin, 1990-92); o la más antigua de Gilels (DG, 1974).
Papageno
EDVARD GRIEG (1843-1907): Piezas líricas / Heidi Kommerell, Nannette-Streicher
Fortepiano (1829) / MDG / Ref.: MDG 1271 (1 CD) D2
Vuelve Freddy Kempf, ahora con su propio Trio
Directo como un dardo
El pianista inglés Freddy Kempf (Londres, 1977) se ha consolidado como una
de las más sólidas revelaciones del teclado de los últimos años. Sus registros
para BIS con obras de Chopin, Rajmáninov o Liszt, entre otros compositores,
atestiguan su virtuosa y singular categoría artística.
Ahora vuelve a incursionar en el mundo del disco
integrado en su propio conjunto de cámara, el Trío
Kempf, con un monográfico Beethoven que
comprende dos piezas tan apreciadas como el
tercero de los seis Tríos con piano opus 1 y el
famoso Trío Archiduque. El conjunto suena
admirablemente, con un sentido camerístico que
aúna impulso solista y vocación concertante. El
Beethoven joven e impulsivo del Trío en do menor
aparece perfectamente equilibrado entre su raíz
clásica y el inminente futuro romántico que se
presiente en cada compás. Luego, en el
Archiduque, Kempf y sus dos formidables colegas
-el violinista francés Pierre Bensaid y el violonchelista
armenio Alexander Chaushian-, vuelcan sus medios sutiles en una visión
decididamente apasionada, nítida, de extremas dinámicas y fresco impulso
interno, que transcurre con una planificación precisa, casi milimétrica, de la
perfecta arquitectura beethoveniana. Esta escrupulosa fidelidad formal en
absoluto encorseta estas recreaciones intensamente vitales y alejadas de extrañas
elucubraciones. Beethoven sin tapujos ni historias. Directo como un dardo.
L.V. BEETHOVEN (1770-1827): Tríos con piano op.1 nº 3 & op.97, «Archiduque» / Kempf Trio / BIS /
Ref.: BIS SACD 1172 (1 SACD) D2
A. DVORAK (1841-1904): Música de cámara (Suite checa op.39 en re menor; Quinteto op.77 en sol mayor
/ ensemble acht / MDG / Ref.: MDG 1259 (1 CD) D2
A. DVORAK (1841-1904): Tríos con piano, vol.2 (Trio op.26 en sol menor; Trio op.90 en mi menor, Dumky
/ Wiener Klaviertrio / MDG / Ref.: MDG 1262 (1 CD) D2
Más información en www.diverdi.com
J.R.

CPO sigue recuperando al postergado
von Reznicek
Strauss y su doble
Tras el feliz descubrimiento de su ópera
Caballero Barba Azul y ocho meses
después de que el incansable Michail
Jurowski nos revelara las bellezas de
Schlemihl y Raskolnikov, dos de sus obras
orquestales más relevantes (véase el Boletín
124, correspondiente al pasado mes de
marzo), CPO nos brinda ahora la
oportunidad de profundizar en el
conocimiento del interesantísimo legado
orquestal del postergado y, por lo hasta
ahora escuchado, absolutamente reivindicable
Emil Nikolaus von Reznicek (Viena,
1860-Berlín, 1945).
Amigo y rival de Richard Strauss, la
impronta del bávaro se hace inevitable al
escuchar este Der Sieger (El vencedor),
monumental poema sinfónico (48 minutos)
para contralto, coro y orquesta de
dimensiones mahlerianas: piccolo, 3
flautas, 3 oboes, corno inglés, 3 clarinetes,
clarinete bajo, 3 fagotes, contrafagot, ocho
trompas, seis trompetas y trombones,
saxhorn contrabajo, timbales y numerosas
percusiones, tres arpas, celesta y una
enorme sección de cuerdas (24 violines
primeros, 22 segundos, 16 violas, 12
violonchelos y 10 contrabajos).
En su enciclopédico comentario a la
grabación, Eckhardt van den Hoogen
rastrea algunas de las posibles interpretaciones
de esta partitura estrenada con
éxito en Berlín por Theodor Spiering el 18
de diciembre de 1913. Parodia del estilo
straussiano adoptado años atrás por éste en
sus autobiográficas Una vida de héroe y
Sinfonía doméstica o poema sinfónico
descriptivo a la manera de aquél, en Der
Sieger evocamos, en un deslumbrante
recital de sonoridades orquestales y sin
necesidad de citas literales, la atmósfera de
Till Eulenspiegel (precisamente el título de
una de las óperas del vienés) o Don Quijote
pero también la melancolía nostálgica del
vals vienés o la estilizada cita del eterno
Dies Irae en el magistral scherzo diabólico
subtitulado «La danza alrededor del becerro
de oro».
Servida por una interpretación y sonido
modélicos, quien desee completar su
discoteca consagrada al tardorromanticismo
sinfónico germano deberá hacer un
hueco a esta nueva muestra del talento de
Reznicek.
Jean Marie Viardot
EMIL NIKOLAUS VON REZNICEK (1860-1945): Der
Sieger (poema sinfónico) / Orquesta Sinfónica y Coro de
la Radio de Colonia. Dir.: Michail Jurowski / CPO / Ref.:
999898-2 (1 CD) D2
Gran oportunidad de iniciarse en el sinfonismo escandinavo
Cinco maestros nórdicos
(homenaje camuflado a Neeme Järvi)
No hay nada más sencillo para un comentarista musical que escribir un artículo
sobre un disco de Neeme Järvi. Con decir que la ejecución de las obras es
acelerada y superficial, ya es suficiente. En Gothenburg y en Escocia no deben
pensar lo mismo, ya que subir a primera división orquestas antes consideradas
«comarcales», tiene mucho mérito. Y no menos lo tiene resucitar obras magistrales del
repertorio nórdico y ruso.
BIS nos ofrece una apasionante macedonia de trabajos
sinfónicos de compositores próximos en el espacio, aunque
no en el estilo. Del romántico Svendsen oímos sus dos
primeras sinfonías, cuyo particular carácter dinámico se hace
muy compatible con el estilo de Järvi. La Segunda, para quien
no la haya escuchado, es una verdadera sorpresa por la
riqueza de sus melodías, que suenan como a conocidas de
toda la vida, y el dominio de la armonía, del que Grieg señaló
que «sólo Dios sabe de dónde lo ha sacado».
Muy poco se conoce aún por estos lares del dubitativo y
misterioso Stenhammar. Su Serenata, compuesta en Florencia,
es una verdadera sinfonía en seis movimientos. Espontánea y
juguetona, combina temperamento con aturdimiento nórdico.
De gran belleza y sólida arquitectura, el Segundo concierto para piano conjuga una rígida
solemnidad con instantes de honda meditación, que Järvi y Ortiz sostienen con finura.
De Nielsen, es la Cuarta o Inextinguible la más conocida de sus seis sinfonías, pero no
la mejor. En ella se intenta representar el devenir de la vida en continuo movimiento,
aunque preferimos los devaneos de la Sexta, o simple, así denominada por la brevedad
de sus tiempos, junto al protagonismo individual y gran independencia de los diferentes
grupos de instrumentos.
Lo mismo podemos decir de la pegadiza Segunda de Sibelius. Siendo la más conocida,
y la única que a veces se interpreta en España de su autor, aún no es la obra del genial
finlandés que renacería a través de la Tercera. Como la Primera, sufre de una gran
influencia Tchaikovskiana, aunque presenta en su segundo movimiento una angustia
tenebrosa.
Como descubridor y amigo personal de Eduard Tubin, las versiones que Järvi brinda de
sus sinfonías, impetuosas a ratos, pero oscuras y melancólicas en otros momentos, son
impactantes y modélicas. Desgraciadamente, Tubin, que murió en la miseria tras trabajar
como conserje en la Corte Real de Drottningholm, no pudo jamás ver materializada la
integral que el mismo Järvi confeccionó con esmero, y de la que esta recopilación a
precio económico nos obsequia con una merecida muestra.
( 27 )
Mel Smith-Window
CINCO MAESTROS NÓRDICOS: Sinfonías y obras sinfónicas de Svendsen, Stenhammar, Nielsen, Sibelius y Tubin
/ Cristina Ortiz, piano Orquesta Sinfónica de Göteborg. Director: Neeme Järvi / BIS / Ref.: BIS 1496/1498 (5 CD)
D2 x 3 [5 CDs al precio de 3]
Primer vólumen de la integral cuartetística del autor ruso
El prudente Glazunov
La vida de Alexander Glazunov transcurrió sobre arenas movedizas. Vio caer el
zarismo, llegar a Trotski y a Lenín, inhumados por Stalin, advirtió que surgía
Stravinski y se inventaba el atonalismo. Ante semejantes convulsiones, incluida la
primera mitad de la guerra mundial, adoptó una actitud
prudente y se protegió en la solidez de unas actualizadas
tradiciones.
Es interesante encarar su obra de cámara, que ahora
Scene DG publica ordenadamente con la serie de sus
Cuartetos. En ella aparece el mejor Glazunov, liberado de
los efectos de sus obras con mayor formato: conciertos de
acariciante y expandido romanticismo, ballets coloridos,
cosas de ocasión académica. En el cuarteto, Glazunov se
vuelve introspectivo, atento al pequeño detalle,
reconcentrado en una expresividad meditativa. Es una
música, si se quiere, solitaria, como si el escucha
sorprendiera al músico envuelto en un bosque deshabitado
u oculto en un lejano y aislado pabellón.
Estas dos obras datan de su primera época (1882 y 1898) y exhiben sus preferencias
juveniles: una construcción brahmsiana pasada por Borodin, los encantos sensuales de
las armonizaciones francesas. Estamos en compañía de un romántico pero ya fuera del
romanticismo o, tal vez, advirtiendo que no existe música sin tales parentescos.
B.M.
A. GLAZUNOV (1865-1936): Cuartetos completos vol.1 (Cuartetos nº 3 op.26 & 5 op.70) / Utrecht String
Quartet / MDG / Ref.: MDG 1236 (1 CD) D2

NUOVA ERA nos rebela a Ferenc Farkas, uno de los grandes maestros de la guitarra del siglo XX
El ángel perdido
Si el gran intérprete Andrés Segovia se hubiera topado con el compositor húngaro Ferenc Farkas
(1905-2000), éste -junto a tres hombres de su quinta como Manuel Ponce, Alexandre Tansman y
Mario Castelnuovo-Tedesco-, se podría haber convertido en la cuarta vara del palio musical bajo el
que el guitarrista viajó por todo el mundo: en el cuarto ángel de su cama. No fue así y Farkas llegó muy
tarde a un instrumento en el que, sin embargo, tenía mucho que decir. Lo hizo en la década de los 70,
animado por Angelo Gilardino a cuya intuición y desvelos también debemos mucha buena música los
guitarristas actuales, pero la obra guitarrística que completó en las últimas tres décadas de su existencia,
desafortunadamente, no ha alcanzado apenas difusión. La mayor parte de sus composiciones se
registran por primera vez en la grabación que presentamos aquí, que contiene cuatro piezas para
guitarra sola, dos para dúo de guitarras y guitarra con violín, dos para tres guitarras y una para cuarteto
de guitarras, esto es, la mayor parte de la obra que Farkas dedicó a este instrumento.
Farkas es un maestro de la idea breve y sus piezas, que rondan el minuto de duración, son tan directas
que resultan positivamente cortantes. Si no está basado en alguna música tradicional o histórica, el fruto
del ingenio de este músico es de una inmediatez pasmosa: dice lo que tiene que decir y punto. Música
tajante, objetiva, que sólo habla de música, exenta de cualquier matiz oscuro, representa el enfoque
gozoso de la creación musical defendido por un compositor que merece, sin duda, integrarse en el
repertorio de uno de los tiempos dorados de la historia de la guitarra. En definitiva: un descubrimiento
tan grato como aconsejable.
Gerusalemme, sintesis de los oratorios barroco y romántico
Cristo según Perosi
Con su habitual rapidez, monseñor Lorenzo Perosi
estrenó su oratorio Jerusalén en abril de 1900,
habiéndolo comenzado en enero, a bordo del tren
que lo llevaba de Venecia a Milán. La popularidad ya
adquirida le permitió hacerlo en el enorme Salón que
llevaba su nombre, en la capital lombarda, con el aparatoso
dispositivo del caso: dos coros, una gran orquesta, cobres
fuera de escena, dos arpas y
tres solistas vocales.
Perosi, entre sus muchas
habilidades, tenía la de convertir
los textos de las Escrituras
en libretos dramáticos, sin
perder la compostura oratorial
que sus obras exigían. No son
óperas, pero hay en ellas
elementos de acción y personajes
que alcanzan el borde
de los escenarios. En Jerusalén
se trata de la llegada de Cristo a
la ciudad donde será juzgado y martirizado. Cristo es una
figura de la trama y Perosi lo hace cantar junto a los coros,
que son también personas, y los diversos nombres
episódicos que el Evangelio convoca en su relato.
La fórmula perosiana es clara y eficaz: sintetiza la
grandiosidad del oratorio barroco con los recursos del
oratorio romántico, todo ello servido por su conocimiento
de la música eclesial antigua, desde el gregoriano y la
polifonía renacentista hasta la recitación inmemorial de las
liturgias romanas. Su orquestación prudente y efectiva
provee de atmósferas a los distintos cuadros y da diversa
textura a las viñetas: intimidad, reflexión, tumulto, estremecimiento,
apoteosis.
Vale la pena, a la luz de estas exhumaciones perosianas
cumplidas en tierras de las Marcas de Italia, hacer un
repaso al conjunto de estas partituras (Moisés, El Juicio
Universal, La Transfiguración de Jesucristo, Las Siete
Palabras de Cristo en la Cruz). Su arquitectura nos revelará
todo un mundo.
B.M.
LORENZO PEROSI (1872-1956): Gerusalemme (Oratorio) / Marco Camastra,
Gianni Puddu, Emidio Guidotti. Orchestra Filarmonica Marchigiana. Dir.:
Arturo Sacchetti / BONGIOVANNI / Ref.: GB 2355-2 (1 CD) D2
( 28 )
La música despojada de la israelí Chaya Czernowin, en MODE
Extinción
NIKOS SKALKOTTAS:
Soprano & Piano: 16
Melodías (1941) para
mezzo-soprano y piano;
Piezas para piano / Angelica
Cathariou, mezzo soprano.
Nikolaos Samaltanos, piano
/ BIS / Ref.: BIS 1464 (1 CD)
D2
JEAN SIBELIUS: Snöfrid;
Obertura en la menor;
Cantata de la Coronación;
Rakastava; Oma Maa;
Andante Festivo / Orq. Sinf.
De Lahti. Dir.: Osmo
Vänskä / BIS / Ref.: BIS 1265
(1 CD) D2
Javier Suárez-Pajares
FERENC FARKAS (1905-2000): Obras para guitarra / A.Baschiera, M.Nicolè, V.Nalato, E.Roselli, guitarras. M.Valmarana, violín / NUOVA ERA / Ref.: 7387 (1 CD) D6
La música de la compositora israelí Chaya Czernowin (1957), que ya
sorprendiera con su ópera PNIMA... sobre el holocausto, nos
sumerge de nuevo en su estética del absoluto despojamiento, de lo
abrupto y discontinuo, donde los gestos
sonoros son concentrados al máximo en
aras de la intensidad expresiva. Es un
universo residual y fragmentario inspirado
por Shu Hai, personaje tan sabio como
grotesco que habita en los versos del poeta,
teórico musical y compositor Zohar Eitan.
Las tres piezas aquí recogidas entreveran
rumores, trazos, huellas, rastros de un
mundo desvanecido en el aire que sólo se
nos permite intuir. Incluso Shu Hai in an
orchestral setting, que reúne el conjunto
instrumental más amplio, consiste en una
exposición de débiles sucesos eventualmente
acallados por potentes y dramáticas irrupciones sonoras; una
geografía de oscuridad sin fin iluminada muy de tarde en tarde por
destellos de claridad. Los elementos electrónicos, por su parte,
aparecen perfectamente integrados en el espacio musical, configurando
efectos altamente interesantes en relación, sobre todo, a las voces,
capítulo en el que hay que destacar las aportaciones de la también
compositora Ute Wasserman: sus susurros, cuchicheos, chasquidos y
quedas declamaciones en el límite de lo audible conforman un notable
catálogo de modulaciones vocales para tiempos de extinción.
Javier Palacio
CHAYA CZERNOWIN (1957): Shu Hai in an orchestral setting; Shu Hai mitamen behatalat
kidon; Seis miniaturas / Ute Wassermann; Elision Ensemble; Basel Sinfonietta; Johannes
Kalitzke / MODE / Ref.: MODE 117 (1 CD) D1
Más información en www.diverdi.com

Obras para piano de Ferruccio Busoni (1866-1924),
interpretadas por Roland Pöntinen
¿Quién teme a Dante Michelangelo
Benvenuto?
Poco o nada sabe la humanidad actual sobre Busoni, cuyo nombre
completo aparece en la pregunta que titula este artículo. De
pequeño fue un niño prodigio, y arrasó a los siete años en Viena
interpretando los conciertos de Mozart. Glazunov le
dedicó algunas de sus obras, por lo que podemos
afirmar que existía entre ambos cierta amistad. Tras giras
a través de Finlandia, Rusia y Estados Unidos, su carrera
como pianista virtuoso y profesor avispado apunta de
nuevo a Viena, donde compone en 1907 estas
fantásticas y casi fanáticas Elegías, de las que Pöntinen
nos ofrece una interpretación perfecta, de fraseo
vertebrado y emoción invertebrada. Es a partir de esta
obra que Busoni dice haber encontrado por fin su propio
estilo como compositor. A pesar de mostrarse a favor de
la atonalidad, y declarar que Schoenberg,
Bartok y Varese iban a reemplazar desde
entonces a Bach y Mendelssohn en sus
influencias, las piezas son completamente
tonales. En sus criminales dificultades y
sus alusiones paisajísticas relativas a
diferentes países y tituladas en diferentes
idiomas, encontramos un homenaje
descarado a Liszt, y no a los autores
anteriormente citados. Pero cierta tendencia
a un impresionismo no exento de
misticismo, así como la invención de
nuevos sistemas polifónicos y armónicos,
le aproximan más a Scriabin. Obra
bellísima y espectacular a la vez, cuyo momento cumbre son las
variaciones sobre «Greensleeves» del cuarto movimiento, que recoge
además música de su suite Turandot (¿qué hacen los irlandeses allí
enmedio?).
Tras un endiablado Perpetuum mobile, que por suerte para Pöntinnen
sólo dura tres minutos, nos sumergimos en este ensayo sobre la técnica
de la simetría polifónica titulado Siete pequeñas piezas para el cultivo de
la interpretación polifónica, en el que se utilizan fragmentos desechados
de su ópera Doktor Faust sometidos a este curioso tratamiento inventado
por Bernard Ziehn. La verdad es que, si no sabes nada de todo esto, las
piezas resultan hermosísimas de por sí, e importa poco o nada la técnica
que Guido Krawinkel describe durante varias páginas de la carpetilla del
CD, y que sigue aún siendo incomprensible para quien esto escribe.
También de extrema minuciosidad y delicioso sonido son los Estudios en
arpegios con los que Busoni de nuevo intenta disfrazar con métodos
docentes lo que en sí mismas son piezas de inexplicable y enigmática
belleza.
M.S.-W.
FERRUCCIO BUSONI (1866-1924): Obras para piano (Sieben Elegien; Perpetuum mobile;
Sieben kurze Stücke; Prelude & Etude en arpeges) / Roland Poentinen, piano / CPO / Ref.:
999853-2 (1 CD) D5
C. ORFF (1895-1982): Klage der
Ariadne; Tanz der Spröden / L. Popp, R.
Wagemann, K. Ridderbusch, H.
Schwarz. Münchner Rundfunkorchester.
Dir.: Kurt EichhorN / ARTS / Ref.: 43004-
2 (1 CD) D5
Más información en www.diverdi.com
BENJAMIN BRITTEN (1913 - 1976)
Obras Orquestales (Simple Symphony op.
4. Les Illuminations op. 18. Variations on
a Theme of Frank Bridge op. 10) /
Franziska Hirzel, Soprano. Kiev Chamber
Orchestra. Dir.: Roman Kofman / MDG /
Ref.: MDG 1275 (1 CD) D2
( 29 )
TIMPANI propone un nuevo acercamiento a una
de las figuras capitales de la música francesa del siglo XX
Un Roussel coral y heroico
Pocas trayectorias creativas tan singulares como la de
Albert Roussel: tras una breve carrera como oficial de la
Marina de guerra francesa, su vocación musical le lleva
a vincularse a la muy tradicional Schola Cantorum, primero
como alumno de D´Indy y luego en tareas docentes, en las
que contará con discípulos tan dispares como Satie o Varèse.
Autor, antes de 1914, de un reducido número de partituras -
que evolucionan desde un escolasticismo prolijo y farragoso
hasta un impresionismo libre y atractivamente fresco (El
festín de la araña y Evocaciones son sus obras clave de
preguerra)-, será sólo en 1921 cuando, a los 52 años, casi de
la noche a la mañana -tras el aldabonazo que supone el
estreno de Para una fiesta de primavera- se convertirá en la
figura de proa de la música francesa de la posguerra,
aclamado por esas mismas jóvenes generaciones que
consideran superado el impresionismo
y ven a Ravel como una
figura del pasado. ¿La razón? Su
capacidad para evolucionar
autónomamente, para desarrollar
su propio pensamiento musical
sin someterse a escuelas, modas,
tendencias o imposiciones: un
neoclasicismo despojado, conciso,
original -bien alejado de la
tendencia al pastiche de la que no
se librarán sus más ilustres
contemporáneos-, que hace un amplio uso de la disonancia,
rítmicamente vigoroso y lleno de juvenil energía, pero en el
que no faltan extraordinarios oasis de extática contemplación,
de inmovilidad solar, de pagana mediterraneidad.
Y en los 16 años que aún le restan por vivir hasta su
desaparición en 1937 producirá más de cuarenta partituras:
tres sinfonías y otras obras orquestales de exquisita factura,
ballets, piezas corales, de cámara, mélodies, etc.
Todas las obras contenidas en el segundo álbum que
TIMPANI -tras la excelente integral de sus mélodies- dedica
a Roussel corresponden a este período de madurez, y por su
escasa presencia en los catálogos discográficos redondean
nuestro conocimiento del músico de Tourcoing. Si dos de
ellas son muy breves -la solemne Fanfare pour un sacre
païen para conjunto de cobres y percusión, y Le Bardit des
Francs, texto de Chateaubriand, salvaje canto guerrero que
preludia a una batalla contra el invasor romano-, las otras
dos son de amplias dimensiones: el Salmo LXXX, en la
versión original inglesa (fue un encargo de un editor
neoyorquino), para tenor, coro mixto y orquesta, estrenado
en la Ópera de París en 1929 como cierre de los actos
conmemorativos del 60º cumpleaños de su autor. Aquí la
mirada al pasado -Bach y Händel- se reviste de un lenguaje
contemporáneo áspero y solemne por momentos, lírico e
invocativo otros; el pueblo de Israel suplica y hasta exige
ayuda al Dios que lo sacó de Egipto y lo implantó en la tierra
prometida, entre pueblos enemigos. Completa el álbum el
inhabitual Eneas, ballet con recitador y coros que es una de
sus últimas obras, encargo de Hermann Scherchen con
destino a la Exposición Internacional de Bruselas de 1935, y
una de las piezas de inspiración mitológica -la Eneida en este
caso- debidas a su pluma, como El nacimiento de la lira y,
sobre todo, Baco y Ariadna. Una música sobria, dramática,
muy contrastada y depurada, sirve de marco a la narración
del periplo cumplido por el héroe troyano hasta la fundación
de Roma. La Orquesta Filarmónica de Luxemburgo, el
EuropaChorAkademie y el tenor Benjamín Butterfield, bajo
la dirección de Bramwell Tovey, ofrecen una colorista y
vibrante lectura de un programa tan infrecuente como
atractivo.
S.S.
ALBERT ROUSSEL (1869-1937): Obras vocales sinfónicas (Psalm 80; Fanfare;
Le Bardit des Francs; Aeneas) / B. Butterfield, tenor. EuropaChorAkademie.
Orchestre Philharmonique du Luxembourg. Dirección Bramwell Tovey /
TIMPANI / Ref.: 1C1082 (1 CD) D2

Los fascinantes períodos de juventud de Paul Hindemith y Kurt Weill en dos compactos MDG
La musa poética de Hindemith Pecados de juventud
Alo largo de su trayectoria, Paul Hindemith se forjó una imagen de
compositor sólido, asentado en una estética coherente que
apelaba a principios inmediatamente reconocibles: una música
que rechazaba la emotividad romántica en pos de una expresión
objetiva fundamentada en el oficio contrapuntístico, una rítmica
enérgica y la defensa del sistema tonal. La coherente defensa de esos
valores llevó al compositor a anquilosarse gradualmente en un
academicismo autárquico y conservador al que sólo quedaban los
méritos de un oficio deslumbrante.
Pero existe otro Hindemith, el de los orígenes, que es un compositor
en busca de identidad: inquieto, contradictorio, no siempre acertado o
equilibrado -hay que concederle la
atenuante de la juventud- pero insoportablemente
talentoso. Digo insoportablemente
porque hace buena música
hasta cuando parece dar palos de ciego,
cuando mezcla estilos dispares o se burla
del oyente como un niñato. El Hindemith
que escribe entre 1917 y 1927 es un
músico fascinante, seductor e imprevisible.
Es un músico, quién lo imaginaría,
dotado de una sensibilidad a flor de piel.
En Melancholie op.13, cuatro canciones
para voz y cuarteto de cuerda, el título lo
dice ya todo. Terminado en 1919, el ciclo
fue escrito en memoria de un amigo
muerto en guerra, aunque hubo que esperar hasta 1994 para que fuera
publicado. Si pensamos en el exacerbado antiwagnerismo del que
Hindemith hizo gala pocos años después, no ha de extrañar que el
compositor guardase la obra en el cajón. Una pieza como la cuarta
canción, Traumwald, parece arrancada directamente del árbol del
Tristán. Una manzana envenenada para el Hindemith de entonces, y
una manzana suculenta para los oyentes de hoy en día, ajenos a
polémicas puntuales y más centrados en el valor musical intrínseco de
la obra.
El expresionismo de Des Todes Tod op.23a
y Die junge Magd op.23b (ambos ciclos
fueron compuestos en 1922) nos confirma que
los arrebatos de Hindemith proceden de aquel
mismo Romanticismo que el compositor se
proponía combatir. Des Todes Tod y Die junge
Magd son dos obras maestras (la segunda en
especial) y constituyen el punto álgido de este
extraordinario programa que el Ensemble Villa
Musica dedica a la música vocal de cámara
del compositor alemán. Sobre Des Todes Tod
planea un tono gris y desolado, una escritura
despojada y marcada por la opaca homogeneidad tímbrica del cuarteto
instrumental (dos violas y dos violonchelos) que acompaña a la voz. En
el caso de Die junge Magd, Hindemith amplifica los poéticos
relámpagos impresionistas de Trakl por medio de una plantilla de flauta,
clarinete y cuarteto de cuerdas. Aquí la fantasía del compositor se
expresa a su máximo nivel. Es suficiente escuchar Oft am Brunnen...
para darse cuenta de que el contrapunto no está reñido con la expresión
subjetiva (ya lo había demostrado Schoenberg en el Pierrot lunaire).
¿No había sido el contrapunto una obsesión para románticos tales
como Hoffmann, Schumann, Chopin o Brahms?
Die Serenaden op.35, para soprano, oboe, viola y violonchelo, fue
concebido en 1924 como regalo de boda para la mujer del compositor
y se caracteriza por un tono más distanciado y objetivo. Hindemith
recupera formas y modos barrocos dentro de un contexto que obedece
a pautas rigurosamente contrapuntísticas. Números vocales e
instrumentales se suceden dentro de una estructura que recuerda a una
cantata en miniatura. La música adquiere perfiles netos e incisivos,
aunque la atmósfera tiene la frescura de la juventud, la ligereza de una
declaración de amor bajo la terraza. ¡Qué músico! y ¡qué intérpretes los
del Villa Musica coadyuvados en esta ocasión por la soprano Christiane
Oelze y la contralto Cornelia Kallisch!
Stefano Russomanno
PAUL HINDEMITH (1895-1963) Obras vocales de cámara / C. Oelze (soprano). C. Kallisch
(mezzo). Ensemble Villa Musica / MDG / Ref.: MDG 0535 (1 CD) D2
( 30 )
Hubo una época en la que Weill no era Weill. En 1918,
todavía en periodo de aprendizaje y sin tener un
rumbo definido, cuando era alumno de Humperdinck,
el joven compositor escribía el Cuarteto en si menor. Con sus
aromas brahmsianos, navegando por los ritmos populares de
Schubert, las inquietudes de Schumann y la descomposición
cromática de Reger, la obra es un ejercicio admirable
coronado por un asombroso
talento. El primer movimiento
sugiere que también Weill experimentó
arrebatos románticos y
se bañó en las aguas de la elegía
(tercer movimiento). El cuarto y
último movimiento es el más
original: un tema sometido a
constantes metamorfosis empieza
como sujeto de una fuga y acaba
presa de un melancólico ritmo de
danza. Además de Brahms,
Mahler.
El Cuarteto op.8, compuesto entre 1922 y 1923, marca un
evidente progreso y no en vano Weill estaba muy orgulloso de
su criatura. Los tres movimientos del Cuarteto op.8 nos
cuentan que, antes de cruzarse con el teatro social de Brecht
y su poética del extrañamiento, Weill
había bebido del progresista clasicismo
busoniano. Tras una introducción
inquieta, la obra desemboca en un
rítmico scherzo que, saltándose el
movimiento lento (el abandono ya no era
cosa del compositor), conduce a una
original y amplia fantasía sobre coral.
Eran tiempos en los que el compositor
creía aún ciegamente en las virtudes de
la música absoluta. Tanto es así que, al
comentar el estreno de su opus 8 por
parte del cuarteto de Hindemith, escribía
con ironía: «El último movimiento -que
me parece el más maduro- es el que menos les ha gustado a
esos cuatro señores. Me temo que Hindemith se ha sumergido
ya demasiado en el mundo del foxtrot». Decididamente, hubo
tiempos en los que Weill todavía no era Weill.
Hubo también una época en la que Hindemith estuvo
asistido por la bendita musa de la impertinencia. Más tarde, la
tapó bajo el espeso y serio manto del academicismo. Pero
todavía en 1923 era posible escuchar una obra como
Minimax. En ella, el compositor parodiaba la Trivialmusik de
la época. Marchas militares, canciones y temas de opereta
aparecen ridiculizados, reducidos a pura caricatura musical a
través de disonancias, fraseos exagerados y efectos tímbricos
grotescos (los armónicos de los violines imitando los flautines
en Die beiden lustigen Mistfinken). La impresión es que hay
que ser un gran compositor para jugar de esa manera con la
música. El Leipziger Streichquartett ofrece una excelente
interpretación de estas piezas poco conocidas. Pero vale la
pena conocerlas. Se lo merecen de verdad.
S.R.
KURT WEILL (1900-1950): Cuarteto de cuerda (1918); Cuarteto de cuerda op.8;
PAUL HINDEMITH (1895-1963): Minimax - Repertorio para música militar /
Leipziger Streichquartett / MDG / Ref.: MDG 1071 (1 CD) D2
MORTON FELDMAN ( 1926-1987):
Triadic Memories / Marilyn Nonken,
piano / MODE / Ref.: MODE 136 (2
CD) D10 x 2
Más información en www.diverdi.com

La obra para violín y piano del autor ruso, en STRADIVARIUS
Schnittke y el otro
Estas seis piezas, que son las Obras completas para violín y piano de Schnittke, resumen dos aspectos
especialmente interesantes del compositor, opuestos y acaso complementarios: la poética del
despojamiento y la búsqueda de las dos primeras obras del recital (Sonatas 1 y 2) y las dos últimas (Stille
Nacht y Sonata 3); frente a la tentación clasicista (Suite y Gratulationsrondo). Veamos.
El joven Alfred Schnittke que compone la Primera Sonata para violín en 1963 busca y rebusca entre el
serialismo y la tonalidad. Hay partes intimistas, pero sobre todo hay partes decididamente sinfónicas o, al
menos, concertantes. No es sorprendente que cinco años más tarde convirtiera sus cuatro movimientos en una
obra para violín y orquesta (que, por cierto, no se tocó hasta 1986). La Segunda Sonata es de 1968, el mismo
año en que convierte la Primera. Se trata de una vanguardia no serial, una pieza de veinte minutos que en un único movimiento contrasta
dinámicas hasta los extremos, hace uso de los silencios de manera dramática y despliega una diversidad de estilos; es lo que Schnittke
llama poliestilismo, que no es una solución ecléctica, sino una suma poética y un salto al otro lado de los estilos. También esta obra
mereció más tarde una trasposición, aunque en este caso al violín se le oponía un conjunto de cámara.
La Suite al estilo antiguo es algo posterior, de 1972, y en ella echa mano Schnittke de músicas compuestas por él para películas,
actividad a la que se había dedicado ampliamente en la década anterior. El clasicismo de las cinco piezas que componen la Suite es
explícito, pero imaginario; los temas son propios, mas el sabor es, en efecto, antiguo. Gratulationsrondo es otra obra clasicista, una pieza
mozartiana, breve aunque no miniaturista; se trata de una felicitación por cumpleaños a un músico, Rotislav Dubinski, primer violín del
Cuarteto Borodin, que en 1974 cumplía cincuenta años; Dubinski emigró, y se llevó con él su regalo, de manera que en la URSS se borró
del mapa esta pieza de ocho minutos.
Stille Nacht es otro regalo. Ahora se trata de un presente de Navidad para Gidon Kremer, que entona repetidamente el tema de la
conocida canción navideña alemana. Son cuatro minutos de una Navidad llena de disonancias y saltos interválicos, recogida, tensa y
bastante desolada. Con la Tercera Sonata para violín damos un gran salto en el tiempo, hasta 1994, cuatro antes del fallecimiento del
compositor. Estos cuatro movimientos apenas duran trece minutos, y el primero es realmente fugaz. Priman el recitativo y la introspección,
con eventuales estallidos que oponen el piano a la línea del violín, o acaso lo matizan y hasta subrayan.
Francesco D’Orazio y Giampaolo Nuti consiguen un recital rico en musicalidad y riqueza expresiva. Después de las dos Sonatas
experimentales y las piezas clasicistas, el recital culmina en la implacable secuencia a que ambos solistas someten las dos piezas
chirriantes. Con lo que asumen la antagónica propuesta del compositor con fidelidad y virtuosismo. Un disco muy bello que se presenta
como microcosmos de dos importantes tendencias (o tentaciones) de ese enorme compositor que se llamó Alfred Schnittke.
El mundo orquestal de Henze, en potentes lecturas
de Peter Ruzicka
Libre en su bulevar
( 31 )
Santiago Martín Bermúdez
ALFRED SCHNITTKE (1934-1998): Obras completas para violín y piano: Sonatas violín y piano 1, 2 y 3. Suite in stile antico. Stille Nacht. Gratulationsrondo. Francesco D’Orazio,
violín; Giampaolo Nuti, piano. / STRADIVARIUS / Ref.: STR 33675 (1 CD) D2
Hablar hoy de Hans Werner Henze es referirse a un
creador que, superando cualquier dogma, ha sabido
ser él mismo y acabar haciendo lo que le ha dado la
gana. Este disco es un repaso pleno de interés a algunos de
los florones de su obra
orquestal, empezando por
Ballet-Variationen (1949, con
revisiones en 1992 y 1998) y
concluyendo en los fragmentos
orquestales de
Boulevard Solitude (1951),
con paradas en el Concertino
para piano y orquesta de
viento (1947), Das Vokaltuch
der Kammersängerin Rosa
Silber (1950, revisada en
1990) y el Kammerkonzert
(1946). Vistas las fechas de
composición se puede pensar en que la selección da una
idea del Henze temprano, pero las fechas de las revisiones
tienen su importancia pues hacen ver no sólo la intención
revisora sino la adecuación de ese trabajo a la realidad del
presente en que se acomete su relectura, y en el autor
alemán nada de eso puede ser tomado a humo de pajas. Lo
entienden muy bien los intérpretes de esta ocasión, con
Peter Ruzicka como maestro de obras en un disco que es, a
la vez, una excelente introducción a Henze y una muestra
de sus maneras y de sus manías consigo mismo.
P.B.
HANS WERNER HENZE (1926): Ballet-Variationen. Concertino. Das
Vokaltuch der Kammersängerin Rosa Silber. Kammerkonzert. Fragmentos
sinfónicos del drama lírico «Boulevard Solitude» / Christopher Tainton,
piano. Matthias Perl, flauta. Orquesta Sinfónica de la NDR. Dir.: Peter
Ruzicka / WERGO / Ref.: 6663-2 (1 CD) D2
COLUMNA MUSICA propone un acabado retrato de un gran
exponente de la generación de los sesenta
Imágenes de Ricardo Llorca
Nacido en Alicante en 1962, Ricardo Llorca es uno de los más
prometedores valores de la nueva
generación de compositores
españoles. Estudió en el Conservatorio de
Madrid con Román Alís y, después de
asistir a los cursos del Festival de Granada
con Luigi Nono, Carmelo Bernaola y Luis
de Pablo, en 1988 se trasladó a Nueva York
para continuar su formación en la
prestigiosa Juilliard School con David
Diamond y John Corigliano, y en la que
actualmente ejerce una importante labor
docente, que compagina con la
composición, campo en el que ha
obtenido ya numerosos premios. Sus obras
se han escuchado en el Lincoln Center, el
Carnegie Hall y el Spanish Institute de Nueva York, el Teatro
Monumental y el Auditorio Nacional de Madrid o el Festival
Internacional de Alicante, entre otros lugares. El Concierto italiano, en
palabras del propio Llorca, «surge como resultado de mi creciente
interés en yuxtaponer y combinar técnicas tradicionales con elementos
de música contemporánea», utilizando elementos tomados de las
óperas de Haendel, y está ejecutada por la Orquesta de Cámara del
Gran Teatre del Liceu bajo la batuta de Guerassim Voronkov. El
monodrama The Dark Side, con texto del propio compositor, incluye
una parte recitada y otra cantada (ambas realizadas con un impecable
inglés por la excelente mezzosoprano canaria de sugerente voz Nancy
Herrera, con Mac Maclure al piano). Se cierra el CD con Tres piezas
académicas para piano (Sarao, Coral y Fuga), de nuevo una muy libre
reinterpretación de las formas antiguas, a cargo de Raimon Garriga.
R.B.I.
RICARDO LLORCA (1962): Dark side; Concierto italiano; 3 Piezas académicas para piano /
N. Herrera, mezzo. M. McClure, piano; A. Garrobé, guitarra; P. Bonet, flauta; B González,
clave. Orq. del Liceu Dir.: G.Voronkov / COLUMNA MUSICA / Ref.: 1CM 0126 (1 CD) D2

Saariaho, poetisa del enigma y de lo efímero, de nuevo en ONDINE
Sondas
El continente rebosante de color y accidentes geográficos de la
famosa compositora finesa Kaija Saariaho (1952) nos muestra
nuevos territorios a explorar. Du cristal y ...à la fumée, son dos
buenos ejemplos de sus procedimientos
orquestales, aprendidos
del primer y gran Ligeti. Atendiendo
a sus títulos, el primero resulta
cristalino, diáfano, estable y
volumétrico (con su poderoso uso de
las masas sonoras); el segundo, para
flauta y violonchelo, adopta un
carácter más gaseoso, vagoroso,
dinámico e inmaterial, sirviéndose
de los instrumentos solistas a manera
de sondas que atraviesan las
nubosidades orquestales para dar fe
de su evanescencia, de su
delicuescencia. Dos obras, en todo
caso, muy atractivas, un díptico dirigido con su habitual pericia por
Esa-Pekka Salonen.
Nymphéa, para cuarteto de cuerda (nada menos que el Kronos
Quartet) e instrumentación electrónica, muestra gran riqueza
armónica y una mágica elegancia, alcanzando a integrar
perfectamente el desorden y la aspereza en estructuras de
singulares auras, rudas y etéreas por igual. Al final podemos
escuchar, por cierto, unos versos de Arseni Tarkovski, el padre de
Andrei, el realizador de Stalker. Por su parte, Sept papillons son
otras tantas miniaturas, siete breves esbozos de desarrollos aéreos,
marcados por la fragilidad y la fugacidad.
Saariaho, poetisa del enigma y de lo efímero, vuelve a
sorprendernos con las distintas caras de su poliédrico e iridiscente
mundo.
KAIJA SAARIAHO (1952-): Du cristal; ...à la fumée; Nymphéa; Sept papillons / Los
Angeles Philharmonic Orchestra. Kronos Quartet . Anssi Karttunen, cello . Esa-Pekka
Salonen, director / ONDINE / Ref.: ODE 1047-2 (1 CD) D2
La música callada de Gerald Eckert
Amortiguación
Una superficie lisa que, tras observarse con atención, revela
minúsculas irregularidades, estrías, cuarteamientos; así es
la música de Gerald Eckert (Nuremberg, 1960). Está
situada varios pasos más allá de lo que suele entenderse por
sobriedad y laconismo: a su lado, la de Lachenmann parece
demasiado desaforada y barroca. No se producen en ella
acontecimientos excepcionales o
destacados, puesto que transcurre por
zonas limítrofes con el silencio; si
acaso, un levísimo metal, una
suavísima percusión que se deja oír en
des Nichts, verlorene Schatten, o una
secuencia de notas al violín que
aspiran de repente a elevarse desde lo
inaudible en l’étendue des fins éclats,
éparse. Amortiguación, concentración,
disolución y silenciamiento
parecen ser los principales procedimientos
que rigen el discurso del
compositor, cuya abstracción se enfrenta radicalmente a
cualquier tipo de retórica o goce expresivo: Eckert debe querer
aspirar, sin duda, a algún hipotético título de campeón en
puritanismo sonoro. Estamos quizá ante el constructor de las
estructuras más inestables, secretas y frágiles de los últimos
tiempos; habitémoslas al menos unas horas.
GERALD ECKERT (*1960): des Nichts, verlorene Schatten; l’étendue des fins éclats,
éparse; erinnerte Zeit, gebrochen; offen - fin des terres / Diversos solistas. Ensemble
Aventure. Dir.: James Avery / COL LEGNO / Ref.: WWE 20231 (1 CD) D1
J.P.
J.P.
( 32 )
Cathédrales I & II, el mundo del arpa
en manos de Haubenstock-Ramati
Fluctuaciones
Digámoslo de entrada: no soy ningún entusiasta del arpa, a
menos que se encuentre en los diversos contextos de la
música antigua. Y sin embargo
se demuestra indudablemente interesante
este disco de Roman
Haubenstock-Ramati (1919-1994)
dedicado a las incorpóreas sonoridades
del instrumento, convertido aquí en
generador de dos arquitecturas nítidas
y complejas, Cathédrale I y Cathédrale
II. Sus trazados evanescentes, sus
elaboradísimas tímbricas, evocan
lugares de contornos ambigüos y
difuminados, difíciles de topografiar,
como si estuvieran sujetos a continua
transformación. Se trata de una sensación que amplifica todavía
más la segunda de las piezas, para la cual se ha utilizado una
cinta grabada con los registros de otras quince arpas. El efecto es
sin duda sorprendente. Como explica la reconocida arpista
Giovanna Reitano, tantas sonoridades fluctuantes despliegan una
suerte de laberinto construido a partir de ecos, de reflejos, que se
entrecruzan y completan sin pausa; que no dejan de plantearnos
constantes retos y trampas perceptivas. Elevación y sensualidad a
partes iguales pueden encontrarse en estas dos refinadas obras.
ROMAN HAUBENSTOCK-RAMATI (1919-1994): Cathédrale I - Cathédrale II /
Giovanna Reitano, arpa / COL LEGNO / Ref.: WWE 20220 (1 CD) D1
Cuarta entrega BRIDGE de la obra del veterano
compositor neoyorquino
El vibrante espíritu de un clásico vivo
Si no fuera por su poderosa y sabia técnica de la que hace gala
se diría que la obra reciente de Elliott Carter (1908) está escrita
por algún músico de exultante
juventud. Riqueza de ideas y frescura a lo
que el compositor añade un sentido de la
precisión implacable. Cuatro obras, de las
cuales tres son finiseculares, conforman el
contenido de este interesante registro. La
más lejana en el tiempo, fechada entre
1950 y 1966, es Eight Pieces for Four
Timpani, obra de largo recorrido,
constituye una colección de procesos,
texturas, y modos de expresión posibles
con cuatro timbales. Entre las sorpresas
encontramos desde juegos polirítmicos a lo Ives y alusiones a
España en su saeta andaluza o la danza canaria hasta caprichos de
la fértil imaginación carteriana.
Shard es una breve pieza para guitarra de carácter fragmentario,
un estudio de ritmo y tempo que pasará posteriormente a formar
parte de un inusual sexteto de mayor envergadura titulado Luimen,
un auténtico y bello capricho escrito para trompeta, trombón, arpa,
mandolina, guitarra y vibráfono. Luimen es una obra
caleidoscópica, de cambiante y contrastado colorido, efervescente
y soñadora pero al tiempo escrita con un genial sentido de la
transparencia y la concisión.
El ciclo de ocho canciones italianas Tempo e tempi ya hubo
ocasión de comentarlo a propósito de otro registro mas reciente
(MODE 128) interpretado por el Ensemble Sospeso y la magnífica
soprano Lucy Shelton. La presente versión no le va a la zaga y las
diferencias son mas bien de matiz; Susan Narucki y Speculum
Musicae consiguen una dignísima interpretación de los poemas de
Montale, Quasimodo y Ungaretti referentes al tiempo y a los
tiempos. Formas breves, concisas, intimidad, lirismo y aromas del
Pierrot schoenbergiano para un ciclo difícilmente igualable.
J.P.
Manuel Luca de Tena
ELLIOTT CARTER (1908): Shard; Luimen; Tempo e tempi; Ocho piezas para cuatro
timbales / D.Starobin, guitarra. Speculum Musicae. Daniel Druckman, timbales /
BRIDGE / Ref: BRIDGE 9111 (1 CD) D2

Líneas trazadas en un blanco lienzo de silencio. Caligrafías. Movimiento desapegado en el tiempo y en el espacio. «Música es el lugar
de encuentro entre las notas y el silencio», afirma Hosokawa aludiendo a tradición artística japonesa, la suya, en la que
ocasionalmente se interna buceando en la profundidad de sus raíces para refrescarnos los oídos a través de novedosos tratamientos
de instrumentos tradicionales según ciertos parámetros estéticos actuales. En su día dedicó una
memorable grabación al koto y ahora le corresponde a shô, una modalidad de órgano de boca de 17
tubos, evolución del sheng chino, que según los japoneses, imita el canto del ave fénix, siendo a su
vez parte integrante de las piezas de gagaku, la música clásica refinada del archipiélago que permanece
fundamentalmente asociada a la corte y al culto sintoísta desde la remota época Heian, pero que
paradójicamente presenta aspectos de una modernidad que interesan al músico de hoy aun siendo
como es la forma armónica más antigua del mundo. Dentro de un heterofónico conjunto de estructura
poco variable en el que intervienen instrumentos de viento, cuerda y percusión, el shô cumple la
función de elemento armonizador y, aun considerando su carácter estático, su sonido se expande
abiertamente por el espacio, cualidad ésta que Hosokawa aprovecha para transportarlo lentamente
hacia el límite de lo audible y producir una más allá de lo habitual impresión de profundidad espacial.
En el presente registro el shô toca solo, fuera de su contexto orquestal, o acompañado de acordeón,
otro instrumento que «respira» haciendo un símil con los métodos zen de respiración, de meditación
silenciosa. Hosokawa, como suele ser su proceder, entabla un proceso dialéctico entre la tradición, la
naturaleza y las estaciones simbolizadas por el shô, y el universo humano contemporáneo simbolizado
por el acordeón, alternando piezas tradicionales Chôshi, anónimas, que cumplen la función de preludios, con obras de cosecha propia
como Line V, Cloudscapes-Moon night y Like a breath in the light, cuya interpretación está en manos de Mayumi Miyata (shô) y Stefan
Hussong (acordeón), dos auténticos especialistas en estas aventuras musicales y de una enorme calidad interpretativa tal y como exigen
estas piezas de trazo largo, lento pero firme, de austera y abstracta elegancia, de movimientos casi imperceptibles dentro de un tejido
armónico de intensa espiritualidad.
TOSHIO HOSOKAWA: Gagaku; Deep Silence (Siete piezas para sho y acordeón) / Mayumi Miyata, shô. Stefan Hussong, acordeón / WERGO / Ref.: 6801-2 (1 CD) D2
Homenaje de ORFEO al maestro desaparecido
Berio en el corazón
Aun año de la muerte de Luciano Berio un
disco como éste nos lo trae con todo su
genio intacto en dos de sus obras más
significativas: Epifanie y Coro. La primera,
revisada en 1965, es una sucesión de
fragmentos
cantados e int
e r l u d i o s
orquestales que,
partiendo de una
idea de Umberto
Eco, se sirve de
textos de Marcel
Proust, Antonio
Machado, Claude
Simon y Bertolt
Brecht. Es pieza
reveladora de los
intereses del autor en aquel momento, pero que
ha vencido al tiempo sin mayores dificultades,
como ocurre, exactamente igual, en Coro
(1975-1976), donde al elemento popular le
acompañan fragmentos de Pablo Neruda,
mostrando, una vez más, además de la maestría
en fundir palabras y notas, la afinidad de la
música italiana de la época con determinada
literatura hispana. La versión de ambas obras es
excelente, con un joven -y delgadísimo
entonces, a tenor de las fotografías, Leif
Segerstam y con el impagable trabajo en lo
vocal de la gran Cathy Berberian, la inolvidable
esposa del autor. Un gran disco que trae
recuerdos y hace pensar que al tiempo siempre
le vence el genio.
P.B.
LUCIANO BERIO (1925 - 2003): Epifanie; Coro / Cathy
Berberian, Mezzosoprano. ORF-Chor. ORF-
Symphonieorchester. Dir.: Leif Segerstam (19.08.1974) /
ORFEO / Ref.: C626041B (1 CD) D4
Toshio Hosokawa reaparece en WERGO en clave de shô
El arte de dibujar el silencio
Emocionante retrato del Paul Kletzki compositor
Antes de enmudecer
Como sus coetáneos Dorati, Martinon o
Skrowaczewski -y, antes que él, Walter, de
Sabata, Weingartner o Klemperer-, el director de
orquesta polaco Pavel Kletzki (1900-1973) consagró
buena parte de sus energías a la composición. En los
años finales de la República de Weimar la carrera del
judío Kletzki parece un sueño: protegido por Toscanini,
considerado el «hijo espiritual» de Furtwängler -con el
que estudia en Berlín, y que le permitirá dirigir a su
Filarmónica con tan sólo 25 años-, publicadas sus
obras por los editores más prestigiosos y estrenadas por ilustres intérpretes con éxito
de crítica…
La llegada del nazismo al poder en 1933 convertirá el sueño en pesadilla. Paul
Kletzki abandona Alemania y llega a Italia para enseñar en el conservatorio de Milán
pero el antisemitismo del régimen fascista le obliga a marchar a la Unión Soviética.
Titular de la Sinfónica de Kharkov en Ucrania, el terror estalinista fuerza su huida en
1938 (esta vez el objetivo parecía seguro) a Suiza. Sus posteriores empleos al frente
de la Sinfónica de Dallas (1958-1961) y, especialmente, de la Suisse Romande -donde
sucede a Ansermet- desde 1966 hasta su muerte forjarán una carrera reconocida pero
que ha terminado por ocultar su inicial dedicación a la composición.
Kletzki perdería la voz como creador en 1942. Su silencio compositivo derivó «del
choc que siginificó el nazismo, que destruyó también en mí la disposición y la
voluntad de componer». Concluida en octubre de 1939, la Sinfonía nº 3 «In
memoriam» puede interpretarse como un réquiem por las víctimas del nazismo -sus
padres y hermana morirían asesinados en los campos de exterminio-, pero también
por la memoria de la gran tradición musical alemana a la que Kletzki creía pertenecer
y que los trágicos acontecimientos políticos terminarían por arrasar.
Música angustiada, por momentos desesperada, y de una pulsación rítmica
inexorable, la Tercera de Kletzki hermana en su agitación la densidad y el respeto
formal de un Honegger con la motricidad habitual en Martinu, aunque lo exacerbado
de sus tensiones beba igualmente en Mahler y Bartók. El refinado Concertino para
flauta, sólo un año posterior, muestra una cara mucho más dulce, amable y
distanciada. Excelentemente servidas por Thomas Sandeling, Sharon Bezaly y los
músicos suecos de Norrköpping, ambas obras contribuyen a perfilar el, hasta ahora,
borroso e incompleto retrato de un gran músico.
( 33 )
M.L.T.
J.M.V.
PAUL KLETZKI (1900-1973): Sinfonía nº3; Concertino para flauta y orquesta / Sharon Bezaly, flauta.
Norkköping Symphony Orchestra. Dir.: Thomas Sanderling / BIS / Ref.: BIS 1399 (1 CD) D2

Finales de los años ochenta y principios de
los noventa fue un período fructífero para
los discos dedicados a los grandes
cancioneros de la música norteamericana.
Que Paul Motian dedicase uno a las
composiciones de Thelonious Monk no
extrañaba, su común angularidad les
relacionaba. Más sorprendente era que
entrase en el dominio romántico de los
estándares relacionados con Broadway. Los
tres volúmenes dedicados a ellos
permanecen hoy como uno de los empeños
más bellos y distintivos de la época en este
campo. La auténtica joya de la corona es el
tercero de ellos en el que a la probada
química entre el batería, Charlie Haden, Bill
Frisell y Joe Lovano se une la maestría de Lee
Konitz. Temas como «How Deep is the
Ocean» o «Just One of these Things» han
sido versionados millares de veces pero
nunca han sonado así. El entrecruzamiento
de dos saxos líricos, la guitarra de Frisell
añadiendo planos y una rítmica sugeridora
dan con un planteamiento sonoro que
parece inaugural por más que se mantenga
dentro de la ortodoxia armónica. Pero no es
sólo en este ámbito en el que opera este On
Broadway Vol. III pues, en «Crazy She Calls
Me» y «Weaver of Dreams» el quinteto
alcanza un clima emocional imborrable. La
larga carrera de Motian abunda en grandes
discos pero el emotivo lirismo de On
Broadway Vol. III lo hace de los más
atesorables.
JMT vol.55 / PAUL MOTIAN ON BROADWAY VOL.3:
Lee Konitz (saxo alto), Joe Lovano (saxo tenor), Bill Frisell
(guitarra), Charlie Haden (contrabajo), Paul Motian
(batería) / WINTER & WINTER / Ref.: JMT 919055-2 (1
CD) D1
Sciarrino: parodias y transcripciones
Exquisitos juegos
JMT: 55, 56, 57...
También tiene Till We Have Faces de Gary
Thomas que ver con los estándares, por
mucho que el saxofonista y el cancionero
americano parezcan tan incapaces de mezcla
como el agua y el aceite. Resulta irónico que tras
una serie de álbumes en los que Thomas
intentaba engranar jazz y rap con limitado
alcance fuese un disco, eso sí, sui generis, de
estándares el que sirviese para establecerlo como
una de las voces del tenor para el siglo XXI.
Proveniente de las bandas de Miles Davis y Jack
DeJohnette, Thomas poseía un tenor de sonido
comprimido reminiscente del de Billy Harper y
construcciones tensadas al máximo gobernadas
por un control férreo. Sus álbumes son obras de
un antagonista que proclama en cada uno de
ellos su fuerza y dominio. Till We Have Faces no
es excepción por más que incluyan a Pat
Metheny a la guitarra, aquí sin edulcorantes ni
technicolor, y que el repertorio interpretado
incluya baladas del calado de «Lament» de J.J.
Johnson, «Lush Life» de Billy Strayhorn y
«Peace» de Horace Silver. Thomas no venía a
traer la paz a ninguna de ellas sino a probar sus
costuras. Una excelente prueba de ello es un
virulento «Angel Eyes» vaciado de todo
romanticismo y convertido por una rítmica
implacable en un caballo de guerra de músculos
restallantes a todo galope. Thomas ha
sustanciado su promesa al título de uno de los
tenores del siglo XXI aquí y allá pero sin
continuidad. En Till We Have Faces, impactante,
abrumador incluso, todavía parecía un serio
contendiente.
JMT vol.57 / GARY THOMAS: TILL WE HAVE FACES: Gary
Thomas (saxos tenor y soprano), Pat Metheny (guitarra), Tim
Murphy (piano), Anthony Cox o Ed Howard (contrabajo), Terry
Lyne Carrington (batería), Steve Moss (percusión) / WINTER &
WINTER / Ref.: JMT919057 (1 CD) D1
Salvatore Sciarrino, uno de los más inspirados y renovadores compositores actuales, nos ofrece un
disco de transcripciones, Histoires d’autres histoires. Y lo que quizá podría ser un ejercicio menor
se convierte en sus manos en una propuesta deliciosa: poética, lúdica, vibrante y brillante. La
Toccata y Fuga en re menor de J. S. Bach es interpretada con una juguetona y pícara flauta,
descubriendo insospechadas dosis de carnalidad que la interpretación al órgano suele mantener
ocultas. Su adorado Domenico Scarlatti es «cortocircuitado», aparentando fidelidad a sus partituras y
demostrando que fue un verdadero adelantado a su época, lleno de inventiva. Pero la maravilla llega en Terribile e spaventosa storia del
Principe Di Venosa et bella Maria, relato de la muerte de la esposa de Gesualdo di Venosa a manos de su marido; se trata de una exquisita
ópera de marionetas para saxofones, percusión y voz, absolutamente mágica, patética y burlesca. Por último, dos bellísimas arias del otro
Scarlatti, Alessandro, interpretadas por el Cuarteto Prometeo: cabe decir que suenan emocionantes y cautivadoras, en especial la hermosa
Chi m’addita per pietà, que parece llegar desde la distancia, desde alguna alejada esfera supralunar.
¿Un trabajo menor, estas transcripciones?
SALVATORE SCIARRINO (1947): Historias de otras historias (elaboraciones a partir de obras de Bach, Scarlatti & Gesualdo) / Mario Caroli, flauta. Cuarteto Prometeo. Lost Cloud
Quartet / ZIG-ZAG / Ref.: ZZT 040802 (1 CD) D2
( 34 )
Ángel Gómez Aparicio
Joey Baron había tocado estándares
en las bandas de Toots Thielemans
y Fred Hersch sin mácula, pero si en
Tongue in Groove da cabida a «The
Shadow of Your Smile» y a «I Want a
Little Girl» es para demolerlos sin
piedad. Su descoyuntado mundo
sonoro está hecho de un humor
gestual y tendente a lo chiflado, las
refriegas del noise y el punk, y el
puro entusiasmo instrumental que
casan en un toque tan exacto como
descacharrante. La inmediatez y la
inventiva reinan en Barondown, su
banda de inusual formación, saxo
tenor, trombón y batería, responsable
de Tongue in Groove. Como era
marca en la música downtown, todo
parece sujeto a un cambio continuo
en el que las reglas del juego se
hacen conforme se juega. Y el nivel
de juego es alto cuando se encargan
de ello, además de Baron, dos
músicos que empezaron a descollar
con este álbum y que son hoy figuras
innovadoras por derecho propio,
Ellery Eskelin y Steve Swell. Con sus
dieciséis cortes interpretados en
menos de una hora, Tongue in
Groove no pierde el tiempo a la hora
de situar al oyente en un
desconcierto tan provocativo como
jovial. Música downtown en estado
puro.
JMT vol.56 / JOEY BARON: TONGUE IN
GROOVE / Ellery Eskelin (saxo tenor), Steve
Swell (trombón), Joey Baron (batería) / WINTER
& WINTER / Ref.: JMT 919056-2 (1 CD) D1
J.P.

Diapason d’Or
DIAPASON
Parade
RITMO
Excepcional
SCHERZO
5 de Goldberg
GOLDBERG
El éxito de esta versión reside en su alegría y
su vigor. A diferencia de otros purcellianos no
británicos, Hervé Niquet no cae en el error
de proyectar un punto de vista excesivamente
francés a costa del lenguaje indígena y
expresivo del compositor. GRAMOPHONE
HENRY PURCELL: King Arthur / Le Concert
Spirituel. Dir.: Hervé Niquet / GLOSSA / Ref.: GCD
921608 (1 CD) D2
Déodat de Séverac (1872-1921) nació en el
Languedoc y murió en la Cataluña del otro
lado de los Pirineos. Este CD constituye el
mejor acercamiento para aquellos que no
hayan frecuentado su música. Las
interpretaciones son sencillamente
soberbias. CD COMPACT
DÉODAT DE SÉVERAC: Música para piano / Billy
Eidi / TIMPANI / Ref.: 1C1080 (1 CD) D2
Los dos recitales de Lucia Popp en el Festival
de Edimburgo 1980 y 1983, desglosados y
convertidos en un solo CD para nuestra
felicidad. Está magnífica de voz, y se ha
escogido de cada velada lo mejor de su arte:
la sofisticación en Schoenberg y Strauss, la
vena popular en Dvorák y la melancolía en
Mahler y Brahms. A conocer a cualquier
precio. CLASSICA-RÉPERTOIRE
LUCIA POPP: Lieder de Schubert, Schoenberg,
Brahms, Dvorák, Mahler y R. Strauss / Irwin Gage,
Geoffrey Parsons, pianos / BBC / Ref.: BBCL 4148-
2 (1 CD) D2
Gracias a este compacto sensacional,
muchos podrán hacerse una idea más
ajustada de quién Malipiero, uno de esos
compositores del siglo XX considerados, si
no entre los fundamentales, sí entre los más
relevantes, además de un auténtico orfebre
del sonido. SCHERZO
G. F. MALIPIERO: Endecatode / Freon Ensemble.
Dir.: Stefano Cardi / STRADIVARIUS / Ref.: STR
33664 (1 CD) D2
El Tannhäuser de Cluytens conmocionó a
los fieles de Bayreuth por su vitalidad y su
sutil mezcla de claridad y pasión. Restituido
con el mejor sonido imaginable, he aquí el
eco de una velada que marcó el
extraordinario debut del director belga en la
colina sagrada. DIAPASON
R. WAGNER: Tannhäuser / André Cluytens /
ORFEO / Ref.: C643043D (3 CD) (3 CD) D4 x 3
Un álbum ejemplar que por contenidos y
presencia se emplaza sin complejos entre lo
más recomendable surgido en los últimos
meses. Una de las mejores grabaciones
aparecidas en la creciente industria
fonográfica española. SCHERZO
CRISTÓBAL HALFFTER: Don Quijote / Pedro
Halffter Caro / GLOSSA / Ref.: GSP 98004 (2 CD)
D2 x 2
La prensa
( 35 )
10 de Classica
Repertoire
CLASSICA REPERTOIRE
Recomendado
CD COMPACT
Savall continúa siendo el gran violagambista
de nuestra época, derrochando virtuosismo y
musicalidad, con una sabiduría y una
capacidad sin límites para extraer toda la
expresividad de la invención del capitán
Tobias Hume, del que puede considerarse su
auténtico descubridor. SCHERZO
Después de su primer álbum consagrado a
Hume, Jordi Savall se ha familiarizado
plenamente con este repertorio. Olvidando el
metrónomo y las barras de compás, se
apropia de esta música como si la reinventase
de nuevo. LE MONDE DE LA MUSIQUE
Veinte años después de sus primeros Musicall
Humors, Jordi Savall confirma que la viola
solista es su reino. Pero el intérprete ha
evolucionado: la antigua insolencia de los
exuberantes «humores» isabelinos se ha
metamorfoseado aquí en una aventura
poética. DIAPASON
TOBIAS HUME: Musicall Humors / Jordi Savall,
viola da gamba / ALIA VOX / Ref.: AV 9837 (1 CD)
D2
Catalogado por la UNESCO en su lista de
obras maestras de tradición oral, este misterio
medieval sobre la muerte y la Asunción de la
Virgen es una obra poderosa con profundas
raíces que Jordi Savall interpreta con un
tremendo idiomatismo, extrayendo
cautivadores sonidos de sus músicos.
GRAMOPHONE
HOMENATGE AL MISTERI D’ELX: La Vespra / La
Capella Reial de Catalunya. Dir.: Jordi Savall / ALIA
VOX / Ref.: AV 9836 (1 CD) D2
Era la primera vez que la ópera de Dvorák se
representaba en la Staatsoper de Viena
(1987), y constituyó todo un hito. Lo mejor de
este registro es Václav Neumann, cuya
dirección, exuberante, imaginativa y
detallista es correspondida por una orquesta
en verdadero estado de gracia. RITMO
ANTONIN DVORÁK: Rusalka / Václav Neumann /
ORFEO / Ref.: C638042I (2 CD) D4 x 2
Insertándola en un contexto polifónico, el
Ensemble Micrologus renueva por completo
nuestro acercamiento a una de las más
célebres obras literarias y musicales del siglo
XIII. Una analítica toma de sonido capta cada
intervención vocal o instrumental con
precisión y una bella imagen de conjunto.
CLASSICA-RÉPERTOIRE
ADAM DE LA HALLE: Le Jeu de Robin et Marion /
Ensemble Micrologus / ZIG-ZAG / Ref.: ZZT
040602(1 CD) D2
Siguiendo su exploración de la música en
tiempos de Luis XIII, Vincent Dumestre y Le
Poème Harmonique nos hacen descubrir,
con las airs de cour de Boesset, todo un
mundo olvidado. LE MONDE DE LA
MUSIQUE
ANTOINE BOESSET: Je meurs sans mourir / Le
Poème Harmonique. Dir.: Vicent Dumestre /
ALPHA / Ref.: ALPHA 057 (1 CD) D2
Choc
LE MONDE DE LA MUSIQUE
Choice
GRAMOPHONE

El binomio Xenakispercusión
es todo un
clásico de la música de la
segunda mitad del siglo XX. Si
estas piezas tuvieran la
adecuada difusión, podrían
incluso atraer a multitudes de
jóvenes. Una pieza como
Okho (1989) lo tiene todo para
triunfar: fuerza, frescura, sustancia...
En las notas del disco,
Makis Solomon imagina que
Okho hubiera podido surgir en
la mente del compositor tras
escuchar las improvisaciones
de los percusionistas africanos
en el metro de París. ¡Para que
vean! Psappha (1975) tiene un
carácter más abstracto (los
ritmos de la poesía clásica
griega) pero no menos efectivo,
y Rebonds (1987-88) es
otra obra de gran virtuosismo e
impacto. Esta última pieza se
compone de dos partes: A
(basada en ritmos irracionales)
y B (sobre ritmos regulares). El
intérprete tiene opción de
elegir en qué orden tocarlas.
Personalmente prefiero la
sucesión B-A (la menos
frecuente, pero escogida aquí
por Pedro Carneiro) que me
resulta más «entrópica» y
dramática.
Tal vez para compensar la no
larga duración del compacto
(treinta y siete minutos), ZIG-
ZAG ofrece en el mismo disco
un interesante DVD. En la
primera parte intervienen entre
otros Makhi Xenakis (hija del
compositor), el musicólogo
Makis Solomon y el percusionista
Pedro Carneiro. En un
momento de la entrevista,
Makhi Xenakis dice que para
su padre la interpretación era ir
hacia lo más salvaje, lo más
arcaico. Algunas veces (pienso
en Psappha o en el final de
Rebonds A) le falta al por otra
parte excelente Pedro Carneiro
una pizca de violencia y
salvajismo: su Xenakis cae más
del lado arquitectónico que del
primitivo. Es una opción
legítima. Donde estos dos
componentes se vuelven a unir
es en la segunda parte del
DVD, en la que Carneiro
interpreta de forma espectacular
Rebonds B ante las cámaras.
No cabe duda: ¡Xenakis
es un compositor para DVD!
ZIG-ZAG y Pedro Carneiro proponen una aproximación audiovisual
al mundo percutivo del autor greco-francés
Xenakis visto y oído
por Stefano Russomanno
IANNIS XENAKIS (1922-2001): Piezas para
percusión (Okho; Rebonds A & B; Psappha);
Incluye DVD vídeo con el Making off de la
grabación y un clip de Rebonds B / Pedro Carneiro,
percusión y djembé / ZIG-ZAG / Ref.: ZZT 040901
(1 CD) D2
La discografía incluida en este Boletín se puede adquirir en los centros de El Corte Inglés, Fnac, Madrid-Rock y en las principales tiendas del país.
Edita y realiza: DIVERDI, S.L. - Imprime: ESTUDIO - Dep. legal: M-10066-94