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HISTORIA DE LA ARQUITECTURA IV
HISTORIA DE LA
ARQUITECTURA
IV
ARTE DEL
SIGLO XIX Y XX
23 de enero
2012
CATEDRATICO: ARQ. ALEJANDRA VAQUERO
TEMA: PINTURA DEL SIGLO XIX Y XX
ALUMNAS: GRISSEL A. GUIFARRO H.
CLAUDIA MENBREÑO

HISTORIA DE LA ARQUITECTURA IV
CONTENIDO
INTRODUCCION…………………………………………………………………...3
ARTE DEL SIGLO XIX
EL ROMANTICISMO………………………………………………………….........6
EL REALISMO………………………………………………………………………..13
EL IMPRESIONISMO………………………………………………………………19
IMPRESIONISMO PAISAJISTA…………………………...24
POST-IMPRESIONISMO…………………………………...26
ARTE DEL SIGLO XX
VANGUARDIAS HISTORICAS
EL FOVISMO (FAUVISMO)………………………………31
EL EXPRESIONISMO………………………………………32
EL CUBISMO………………………………………………….34
EL FUTURISMO……………………………………………..36
EL DADISMO………………………………………………….38
EL SURREALISMO…………………………………………..40
EL ARTE ABSTRACTO
EL RAYONISMO……………………………………………..44
EL SUPREMATISMO……………………………………….45
EL NEOPLASTICISMO…………………………………….46
EL EXPRESIONISMO ABSTRACTO……………………47
EL INFORMALISMO………………………………………..48
EL POP-ART…………………………………………………..49
CONCLUSION ……………………………………………………………………….52
BIBLIOGRAFIA………………………………………………………………………53
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HISTORIA DE LA ARQUITECTURA IV
INTRODUCCIÓN
El siglo XIX fue una época de profundas transformaciones políticas, sociales, económicas y
culturales. En Inglaterra a mediados de siglo XVIII, Revolución Industrial, que modificó no
sólo la economía, sino también la demografía, las relaciones sociales y los hábitos y
costumbres de toda una sociedad.
Desde el siglo XVIII, en la mayoría de los países europeos gobernaban monarquías
absolutistas, que se vieron sustituidas en el siglo XIX por otras formas de gobierno en las que
no sólo los monarcas, sino también la sociedad, tuviera derecho particular en la toma de
decisiones políticas. Inglaterra fue el primer Estado que permitió a la burguesía intervenir en
la política. Los principios ideológicos y filosóficos de la Ilustración se intentaron aplicar por
primera vez en las colonias inglesas de Norteamérica y en Francia.
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LA PINTURA DEL SIGLO XIX
La pintura inglesa de finales del XVIII y principios del XIX tuvo como principales figuras
académicas a sir Joshua Reynolds (que definió el concepto grand manner "manera grandiosa"
o "espléndido estilo"), Thomas Lawrence; además de dos extraordinarios paisajistas que
evolucionaron hacia una concepción más identificable con el romanticismo pictórico: J. M. W.
Turner y John Constable.
Por comparación con la gigantesca figura de Goya, la pintura neoclásica española de finales
del siglo XVIII y comienzos del XIX ha sido habitualmente minusvalorada, pero contó con
pintores de la talla de Anton Raphael Mengs, que en su época era considerada la máxima
autoridad académica a nivel europeo, Paret, Meléndez o Vicente López, el discípulo de Goya
autor de su más famoso retrato. El academicismo pictórico presidió la totalidad del siglo XIX a
través de los géneros de más demanda institucional en España: el retrato y la pintura de
historia.
HERMANDAD PRERRAFAELITA
wikipedia.org/wiki/Historia_del_Arte_del_siglo_XIX
La Hermandad Prerrafaelita fue una asociación de pintores, poetas y críticos ingleses, fundada
en 1848 en Londres por John Everett Millais, Dante Gabriel Rossetti y William Holman Hunt.
La Hermandad duró como grupo constituido, pero su influencia se dejó sentir en la pintura
inglesa hasta entrado el siglo XX. Se utiliza el término prerrafaelismo para caracterizar al
movimiento pictórico que representan. Suele vincularse al movimiento realista que
simultáneamente se estaba desarrollando en Francia. Los prerrafaelistas rechazaban el arte
académico predominante en la Inglaterra del siglo XIX, centrando sus críticas en Sir Joshua
Reynolds, fundador de la Royal Academy of Arts.
Perséfone, de Dante Gabriel Rossetti.
http://es.wikipedia.org/wiki/Hermandad_Prerrafaelita
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ESCUELA DE BARBIZON
La Escuela de Barbizon de pintura (aprox. 1830–1870) fue el conjunto de
pintores franceses reunidos en torno al pueblo de Barbizon, cercano al bosque
de Fontainebleau, donde los artistas de este círculo llegaron a establecerse.
El hecho de que los pintores de Barbizon dejaran París para refugiarse en un pequeño pueblo
ya es una actitud de abierta oposición al sistema vigente, no sólo en el ámbito plástico, sino
también en el orden social.
Los pintores de Barbizon fueron parte del Realismo pictórico francés, que surgió en reacción
al más formalista Romanticismo de Gericaulto Delacroix.
Orígenes y fundación
Al principio del siglo XIX, los criterios artísticos giraban alrededor de la tradición neoclásica,
siguiendo al pintor Jacques-Louis David. Al margen de este academicismo, el Romanticismo
formalizado por Géricault, Bonington o Delacroix crecía.
En 1824, el Salón de París exhibió una exposición de John Constable. Sus escenas rurales
influenciaron a algunos artistas jóvenes, haciendo que abandonaran
el formalismo y academicismo para buscar su inspiración directamente en la Naturaleza. Las
escenas naturales fueron la temática más recurrente, como elemento protagonista de su
pintura y no como mero telón de fondo de hechos dramáticos o escenas mitológicas.
Durante las revoluciones burguesas de 1848, un grupo de artistas comenzó a reunirse en el
pueblo de Barbizon para seguir las ideas de Constable sobre la pintura y el naturalismo.
Los integrantes fundadores de la escuela de Barbizon fueron Théodore Rousseau, Jean-
Baptiste Camille Corot, Jean-François Millet y Charles-François Daubigny. Otros miembros
fueron Jules Dupré, Narcisso Virgilio Díaz de la Peña, Albert Charpin, Henri
Harpignies, Charles Olivier de Penne,Félix Ziem, Alexandre DeFaux, Constant Troyon y Jules
Jacques Veyrassat.
El puente de Mantes, por Corot, 1868-1870.
www.pintoresfamosos.cl/pinturas-siglo-19.htm
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EL ROMANTICISMO
Aparece en Francia a principios del siglo XIX como una reacción violenta contra la frialdad del
neoclasicismo. Si este significaba la razón, serenidad y límite, el romanticismo era
imaginación, pasión e infinito.
El Romanticismo es un movimiento cultural y político originado en Alemania y en el Reino
Unido(Gran Bretaña e Irlanda del Norte) a finales del siglo XVIII como una reacción
revolucionaria contra el racionalismo de la Ilustración y el Clasicismo, confiriendo prioridad a
los sentimientos. Su característica fundamental es la ruptura con la tradición clasicista basada
en un conjunto de reglas estereotipadas. La libertad auténtica es su búsqueda constante, por
eso es que su rasgo revolucionario es incuestionable. Debido a que el romanticismo es una
manera de sentir y concebir la naturaleza, la vida y al hombre mismo que se presenta de
manera distinta y particular en cada país donde se desarrolla; incluso dentro de una misma
nación se manifiestan distintas tendencias proyectándose también en todas las artes.
Se desarrolló en la primera mitad del siglo XIX, extendiéndose desde Inglaterra a Alemania
hasta llegar a otros países. Su vertiente literaria se fragmentaría posteriormente en diversas
corrientes, como el Parnasianismo, el Simbolismo, el Decadentismo o el Prerrafaelismo,
reunidas en la denominación general de Posromanticismo, una derivación del cual fue el
llamado Modernismo hispanoamericano. Tuvo fundamentales aportes en los campos de la
literatura, la pintura y la música. Posteriormente, una de las corrientes vanguardistas del siglo
XX, el Surrealismo, llevó al extremo los postulados románticos de la exaltación del yo
html.rincondelvago.com/arquitectura-y-pintura-del-siglo-xix.html
CARACTERÍSTICAS PRINCIPALES
SUBJETIVIDAD: el artista crea su obra a partir de sus emociones, sentimientos e ideas íntimas.
LIBERTAD DE EXPRESIÓN: no hay reglas fijas, sino que cada artista puede manifestarse según
su gusto y según las exigencias de la propia obra.
SUPREMACÍA DEL FONDO SOBRE LA FORMA: lo importante es lo que el artista expresa y no
cómo lo hace. La forma de decir es secundaria y debe estar determinada por la naturaleza del
contenido.
PINTURA: Se caracterizó por el predominio del color sobre la forma. Eran composiciones
dinámicas, de gran movimiento y sus temas eran tomados de la literatura y la historia
medievales y de la realidad pintoresca. Artistas importantes en el campo de la pintura fueron:
Gericaúlt, Delacroix, Francisco de Goya y Caspar Friedrich.
ESCULTURA: El movimiento tuvo sus orígenes en la primera mitad del siglo XIX y representó
una reacción contra la rigidez académica y la afirmación de una libertad y eclecticismo
absolutos. Se abandonaron los modelos de la antigüedad clásica a favor de los ideales
medievales.
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TEODORO GERICAULT
Teodoro Gericault atesora las características típicas del pintor romántico:
Es un artista disconforme con su entorno.
Tiene una personalidad melancólica.
Se encierra en la incomprensión, cayendo a veces en la locura.
Tiende a la crítica de lo que le rodea.
Gericault tuvo una infancia difícil. La revolución acrecentó este malestar, lo que despertó en él
un carácter sensible.
Marchó a París a corta edad y allí asistió al taller de un pintor enteramente clasicista, con el
que no se identificó.
Acudió a diferentes sesiones de París, donde descubrió a Goya, cuya técnica le fascinó y
también admiró el tenebrismo de Caravaggio.
Una de sus principales obras es:
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LA BALSA DE LA MEDUSA
La balsa de la Medusa
Théodore Géricault, 1819
Óleo sobre lienzo • Romanticismo
491 cm × 717 cm
Museo del Louvre, París, Francia
http://www.arteespana.com/pinturaromantica.htm
La pintura no tiene simetría, sino que presenta más bien un desorden intencionado acorde
con el tema representado. Varias líneas directrices (una de ellas la principal), dos planos
(primero la balsa y de fondo el paisaje), en definitiva, una estructura piramidal sobre una base
inestable (el mar).
Una línea parte del cadáver de la izquierda con las piernas en el agua y asciende hasta el
marino que agita un trapo en dirección al barco que acude al rescate. La disposición se ajusta
a la realidad histórica: los 15 náufragos de la balsa de la Méduse fueron rescatados por
el Argus. El sentido ascendente de la línea marca la sucesión de sentimientos experimentados
por los náufragos, desde la desesperación a la esperanza. También la luz refuerza esta idea de
final de la odisea con las nubes más negras a la izquierda, y el cielo más luminoso en la lejanía
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y recortándose entre las cabezas de los marinos más destacados. Finalmente, se corresponde
con la mirada clásica del espectador occidental, que "lee" la pintura de izquierda a derecha.
La balsa, levantada por las olas, se adentra oblicuamente al interior del espacio pictórico. La
figuras agrupadas, configurando una pirámide, acentúan ese movimiento "hacia dentro".
Géricault ha reducido considerablemente el tamaño del barco rescatador en su pintura, hasta
el punto que lo representa como un pequeño punto apenas sugerido en el horizonte. Si
observamos la vela de la balsa, nos damos cuenta de que el viento sopla en una dirección que
no acerca precisamente la balsa al barco: hacia la izquierda, en sentido contrario al de la
lectura; podríamos decir que simbólicamente el viento sopla hacia la muerte. Además tiene un
efecto negativo sobre el equilibrio de fuerzas de la escena.
Perspectiva: No hay punto de fuga, ya que las otras dos bordas de la balsa están ocultas por los
personajes que se encuentran en ella. Elencuadre es frontal.
Colores: La paleta es muy reducida, va del beis al negro pasando por los tonos pardos claros y
oscuros. Consigue, de este modo, una atmósfera de tonos cálidos con colores armonizados que
produce una impresión dramática de angustia y desamparo. El color dominante es el beis
oscuro y apagado. Sin embargo, existe un elemento que se destaca del resto por su color: se
trata de la estola rojiza que lleva el anciano que sujeta un cadáver con la mano, en la parte
izquierda inferior del cuadro.
Pincelada: El romanticismo se caracteriza por una pincelada suelta y unos contornos
imprecisos, como es el caso de este lienzo.
JOHN CONSTABLE
John Constable, pintor británico. Su infancia transcurrió en el ambiente rural de los molinos
de Dedham y Flatford, que pertenecían a su padre, un rico molinero y miembro relevante en
su comunidad. En esa época asistió a algunas clases, pero básicamente fue autodidacta. A
partir de 1795, realizó frecuentes viajes a Londres, donde trabajaba como dibujante
topográfico. En 1799, entró como alumno en la Academia Real, en cuyo Salón expuso en 1802.
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LA CARRETA DE HENO
La carreta de heno
John Constable, 1821
Óleo sobre tela • Romanticismo
130,5 cm × 185,5 cm
National Gallery de Londres, Londres, Reino Unido
Muestra un carro o carreta de heno cerca de Flatford Mill (El molino de Flatford) sobre el río
Stour en Flatford, Suffolk, donde Constable pasó su infancia. El molino de Flatford pertenecía
al padre de Constable y la casa del lado izquierdo pertenecía a un vecino, Willy Lott
(un agricultor arrendatario), del que se decía que había nacido en la casa y nunca la había
abandonado por más de cuatro días en toda su vida. El cottagede Willy Lott ha sobrevivido
hasta el día de hoy prácticamente sin alteraciones, pero no queda ninguno de los árboles que
pueden verse en el cuadro. El nivel del agua es también más alto puesto que esa zona de East
Anglia se ha hundido en el mar un pie (30 cm) desde la época de Constable.
En primer plano, dos figuras vadean el río conduciendo un carro de heno, viejo y destartalado.
No aparece, sin embargo, heno, sino que está vacío. Parece haberse atascado en una zona de
agua estancada. Dos caballos tiran del carro. Aparece un perro, lo que pone de manifiesto el
interés de Constable por los detalles. Al fondo se pueden ver amplios campos de heno. Una luz
cálida baña toda la composición.
om-historiadelarte.blogspot.com/.../la-pintura-del-siglo-xix-el.html -
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CASPAR DAVID FRIEDRICH
Como es característico de la pintura romántica, Friedrich pintó sobre todo óleos sobre lienzo.
En alguna ocasión utilizó el formato del retablo y empleó el oro, a la manera de los artistas
medievales.
No obstante, inicialmente se dedicó a hacer dibujos a la pluma, con tinta china y acuarela. A
partir de 1800 comenzó a utilizar preferentemente la tinta de color sepia. Aunque se le
atribuye un óleo en 1798 (Barco naufragado en el Océano Glacial), lo cierto es que no
generalizó el uso de esta técnica hasta más tarde, empezando a aparecer en gran número sólo
a partir de 1807.
Perteneció a la primera generación de artistas libres, que no pintaban por encargo, sino que
creaban por sí mismos para un mercado libre de galerías.
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ROCAS CRETACICAS DE RUGEN
Esta obra de arte está creada teniendo en cuenta las convenciones tanto románticas como
del paisaje. En este sentido, no se diferencia de otras obras de Friedrich; parecía sentirse
bastante atraído con la idea de ver y experimentar la naturaleza en lugares aislados y
maravillosos: al borde del mar o de lagos, en la cima de las montañas, o en lo alto de una
cascada.
Descripción
Carl Gustav Carus, médico y teórico del arte, amigo de Friedrich, visitó la costa del mar
Báltico en1818, y anotó sus impresiones, entre otras, sobre el panorama que se ve desde lo
alto de los acantilados:
Wissower Klinken.
Ese es el panorama que se considera reflejado en este cuadro. En el primer término de la
pintura aparece un prado, donde hay tres personajes. A la derecha, hay un hombre en pie, que
tiene una actitud calmada y mira hacia el mar. También lo hace la mujer que se encuentra
sentada a la izquierda, la cual tiene una cabeza inusualmente pequeña. En medio, otro
hombre, arrodillado en el suelo, mira por encima del borde de un vasto y alto acantilado que
lleva al océano infinito.
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Dos árboles claramente reconocibles forman un marco para la escena. El árbol de la derecha
es más grande que el de la izquierda. Mediante una abrupta transición, se pasa a las rocas
cretácicas del acantilado. Se ven las afiladas puntas de creta blanca.
EL REALISMO
Realismo es la denominación de un estilo o movimiento pictórico que se dio en Francia a
mediados del siglo XIX, cuyo principal representante es Gustave Courbet. El propio pintor fue
quien acuñó el término al dar nombre al pabellón que hizo construir para una provocativa
exposición de 1855, alternativa al Salón de París, bajo el título "Realismo". Allí expuso su
obra El taller del pintor, considerada el manifiesto del estilo, que provocó un sonoro
escándalo en los medios artísticos por su anti-academicismo y su crudeza, que se calificaba
de obscenidad. Posteriormente se identificó con el movimiento especialmente a Honoré
Daumier, Jean-François Millet yJules Breton, y a otros pintores (Jean-Louis-Ernest
Meissonier, Henri Fantin-Latour, Thomas Couture, Jean-Léon Gerome, etc.) El crítico de
arte Jules Champfleury definió teóricamente la estética del movimiento.
Se suelen identificar los principios estéticos del realismo pictórico con los del realismo
literario contemporáneo (Honoré de Balzac). El compromiso con las clases bajas y los
movimientos políticos de izquierda (en el contexto de la revolución de 1848) marcó la
sensibilidad social e ideológica de este grupo de pintores realistas, que conectaría con la
vertiente más comprometida socialmente del realismo literario: el naturalismo posterior
(Émile Zola).
GUSTAVE COURBET
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Gustave Courbet (Ornans, Francia, 10 de junio de 1819 – La Tour-de-Peilz, Suiza, 31 de
diciembre de 1877) fue un pintor francés, fundador y máximo representante del realismo, y
comprometido activista democrático, republicano, cercano al socialismo revolucionario.
Pintor francés muy prolífico y de gran influencia que, junto a sus compatriotas Honoré
Daumier y Jean François Millet, fue pieza fundamental en el origen de la escuela realista de
pintura del siglo XIX. Hijo de una familia acomodada de agricultores del Franco Condado,
Courbet nació el 10 de junio de 1819. Llegó a París alrededor de 1840, según parece para
estudiar derecho, sin embargo, se dedicó a pintar, cosa que aprendió copiando las obras
maestras del Museo del Louvre. En 1850 expuso Los picapedreros, cruda representación de
unos obreros arreglando una carretera. En esta obra Courbet evita deliberadamente el
elemento exótico, de gran carga emocional, característica de la tradición romántica y no sigue
las reglas de composición de la pintura académica. Siguió escandalizando a los académicos
con su obra de enormes proporciones Entierro en Ornans (1850, Museo Orsay, París), en la
que un friso de campesinos pobremente vestidos rodea una tumba de grandes proporciones.
Para entonces su estilo ya estaba totalmente maduro y se caracterizaba por una técnica
magistral, una paleta limitada aunque vigorosa, composiciones sencillas, figuras de modelado
sólido y severo (como puede apreciarse en los desnudos) y gruesos trazos de pintura muy
empastada que a menudo aplicaba con espátula, lo cual se manifiesta sobre todo en los
paisajes y las marinas.
Los modelos para "Los Picapedreros" fueron unos obreros que Courbet vio cuando iba al
castillo de Saint-Denis para pintar un paisaje y que llevó a su taller donde posaron para él. En
la tela el artista representa a dos trabajadores camineros, uno viejo y el otro joven, dos
hombres anónimos a los que no se les ve el rostro, por lo tanto no expresan nada, ni una idea o
emoción. A través de sus cuerpos se aprecian características físicas como fuerza, pesadez, un
estado de seriedad o algo de pesadumbre. Su postura sugiere monotonía e indiferencia,
producto del trabajo monótono que realizan. La naturaleza pintada hacia el horizonte no es
luminosa ni atractiva, para no distraer al espectador de las figuras centrales. Courbet, como
un fotógrafo, selecciona el lugar, el instante y el asunto a representar, pero no lo encaja en el
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artificio de "un tema" ordenando previamente el material.
La composición no está académicamente estudiada para distribuir de un modo equilibrado las
cosas allí representadas; tan solo congela un momento de la actividad laboral.
ENTIERRO DE ORNANS, COURBET
Es una composición abierta. La composición viene determinada por las figuras representadas
de pie a tamaño natural que están dispuestas horizontalmente, a modo de friso, imitando
los sarcófagos de la antigüedad romana. Los personajes están puestos sin ningún tipo de
jerarquía, pero las mujeres se mantienen separadas de los hombres a la derecha; entre ellas se
encuentran las hermanas del pintor: Juliette llorando y Zoé ocultando el rostro en un pañuelo
y Zélie pensativa. La horizontalidad de los dos precipicios del fondo y de las nubes se
contrapone con la verticalidad de los personajes.
La mujer en la parte central de la pintura se cree que es la viuda del fallecido. Detalle de dos mujeres, hermanas del pintor.
La perspectiva viene dada por el claroscuro, los diferentes planos en los que se distribuyen las
figuras y su superposición y el fondo con los acantilados que se alza detrás de los personajes.
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La línea del horizonte está por encima de las cabezas de los asistentes al entierro. No hay
una simetría clara.
La luz es barroca, inspirada ligeramente en Caravaggio. Busca contrastes entre el primer
plano, donde está el ataúd y los religiosos que hacen la ceremonia, y la franja de personajes
vestidos de negro. La luz no se utiliza para acentuar el dramatismo de los personajes, sino
para dar corporeidad y volumen a los cuerpos. En el cuadro domina una luz crepuscular que
acentúa la soledad del paisaje.
HONORÉ DAUMIER
Honoré Daumier nació en Marsella en una familia de un heladero, enamorado de la poesía que
incluso escribía sus propios versos. En 1814, la familia se trasladó a París. Daumier comenzó a
estudiar arte en 1822 con el artista y arqueólogo Alexandre Lenoir. La situación financiera
forzó a Daumier a ganarse la vida como mozo de recados, mientras que en su tiempo libre
dibujaba en el Louvre. Hacia 1828, él aprendió la técnica de la litografía y comenzó a trabajar
para editoriales pequeñas. Después de la revolución de 1830 en la atmósfera de libertad en
Francia el papel de los medios de comunicación creció y el arte de la sátira política prosperó.
Daumier ha evocado con frecuencia el laborioso pueblo de la gran ciudad bajo el Segundo
Imperio. Le hicieron famoso sus caricaturas, en particular mediante la litografía, pero era no
obstante un artista completo, también pintor y escultor.
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LA LAVANDERA
Sobre este tema de la lavandera, existen tres versiones muy cercanas, de las que la primera
aparece en el Salón de 1861. Como cuando Millet, dejando de lado el folclore, echa una nueva
mirada sobre el mundo campesino, durante los años 1850, se ejerce aquí un análisis
semejante de los trabajadores urbanos. Despejada del aspecto lúdico y gracioso adoptado por
las lavanderas de Boucher, Fragonard o Hubert Robert, en el siglo XVIII, La Lavandera de
Daumier afirma su tipo social marcado por su dura y repetitiva tarea.
El cuidado con el que atiende las figuras demuestra lo suficiente del peso de éstas sobre las
almas y los cuerpos. Distinguimos la mezcla de resignación y de ternura, en la madre que
ayuda a su hija para que suba hasta el más alto escalón. Con la pala en la mano, la niña ya
parece que se va a dedicar a perpetuar la tarea materna.
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JEAN-FRANÇOIS MILLET
Jean-François Millet pintor realista y uno de los fundadores de la Escuela de Barbizon en
la Francia rural. Se destaca por sus escenas de campesinos y granjeros, donde quiere expresar
la inocencia del hombre campesino en contraposición a la degradación que acompaña al
ciudadano inmerso en la sociedad industrial.
Después de 1840 se alejó del estilo de pintura oficial y cayó bajo la infuencia deHonoré
Daumier, de quien aprendió el sentido del contraste de luces y sombras, así como la
construcción del cuerpo humano, con simplicidad de volúmenes.
Millet, poseía un profundo sentido de la naturaleza, El autor buscará retratar a la gente
humilde y campesina en un gesto de admiración por la gente pobre del mundo rural,
seduciendo a los republicanos y exasperando a la burguesía por tratar esto como tema central
en su obra.
LAS ESPIGADORAS (1848)
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El cuadro más famoso de Millet es Las espigadoras (1848), representando la pobreza de unas
mujeres campesinas inclinadas en el campo para recoger las sobras de los campos
cosechados, es una potente y eterna declaración sobre la clase obrera. Hoy en día esa obra se
encuentra en París, y es exhibida en el Museo d'Orsay.
Recoger lo que ha sido dejado después de la cosecha era visto como uno de los trabajos más
denigrantes de la sociedad. Sin embargo, Millet describe a las mujeres de forma heroica, de
forma tal que son lo principal en la pintura. Previamente, había pintado sirvientes, pero
generalmente en un segundo plano, con un noble o un rey siendo el personaje principal. La
forma de las tres figuras, casi como una silueta contra la iluminación del campo, muestran
balance y armonía.
EL IMPRESIONISMO
El movimiento impresionista se desarrolló en Francia y luego se expandió a otros países
europeos. Al plasmar la luz en los cuadros, se dejaba de lado la identidad de aquello que la
proyectaba.
El impresionismo muestra una preponderancia de los colores primarios, utilizados sin
mezcla. Los tonos oscuros, en cambio, no son usuales. Los impresionistas postularon los
principios del contraste cromático, que suponen que cada color es relativo a los colores que le
rodean.
Los artistas impresionistas, por otra parte, solían pintar sin intención de ocultar las pinceladas
fragmentadas. De esta forma demuestran cómo, bajo ciertas condiciones, la perspectiva
permitía que distintas partes inconexas dieran lugar a un todo unitario.
Édouard Manet, Claude Monet, Pierre-Auguste Renoir, Armand Guillaumin y Edgar
Degas son algunos de los máximos exponentes de la pintura impresionista. Cada uno, sin
embargo, mantuvo un estilo personal dentro de las características de estilo compartidas por
todos los integrantes del movimiento.
EDUARDO MANET
Pintor y grabador francés. Hijo de un importante funcionario del ministerio de Justicia,
Édouard Manet fue un mediocre estudiante interesado únicamente en el dibujo. Tras seis años
de aprendizaje, Édouard Manet se estableció en un estudio propio. En esos primeros tiempos
entabló relación con artistas y literatos como Henri Fantin-Latour, Edgar Degas y Charles
Baudelaire.
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EL ALMUERZO CAMPESTRE
Esta obra, La merienda campestre, la compuso Manet en 1863. La presentó al Salon de ese
año, pero fue rechazada por considerarse escandalosa.
En la escena se puede observar un grupo de tres bañistas, disfrutando apaciblemente de un
día de baño a orillas del Sena, que aparece al fondo, con una mujer saliendo del agua.
La composición se basa en un triángulo formado por las figuras humanas en el centro de la
obra, al estilo clásico.
Por último, el cuadro puede leerse como un genial compendio de géneros reunidos en una
sola obra en la que encontramos paisaje, desnudo, retratos y naturaleza muerta.
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EDGAR DEGAS
Edgar Degas , fue un pintor y escultor francés. Es conocido por su visión particular sobre el
mundo del ballet, capturando escenas sutiles y bellas, en obras al pastel.
Admiraba a Ingres y los maestros del renacimiento italiano, pero también recibió la influencia
del arte japonés y las tendencias simbolistas. En sus primeras obras sigue las
tendencias neoclásicas, pintando cuadros de historia influido por el romántico Delacroix.
Es considerado uno de los fundadores del Impresionismo. No obstante, su estilo se desmarca
del grupo en varios aspectos, fundamentalmente en su preferencia por los temas urbanos con
escenas iluminadas artificialmente, en lugar de la pasión por la naturaleza y la luz natural de
otros miembros del grupo; abandona la técnica al óleo para dedicarse exclusivamente al
pastel; utiliza encuadres que lo acercan a la fotografía.
Realizó retratos y series sobre el mismo tema, destacadamente las bailarinas. Otra serie son
los desnudos femeninos que realiza sobre los distintos momentos de la toilette femenina.
También representa escenas cotidianas de mujeres, lavanderas, planchadoras o burguesas.
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LA CLASE DE DANZA
Edgar Degas (1834-1917)
La clase de danza, 1873-1876
Óleo sobre lienzo, 85 x 75 cm
Museo de Orsay, París
Una clase de ballet es el tema planteado por Degas para representar la escena. Las bailarinas,
con sus blancos tutus rodean al profesor de edad avanzada, Jules Perrot, quien había sido una
destacada figura de la Ópera de París como bailarín y coreógrafo.
A pesar de la baja estatura del maestro, la contundente vara que sostiene con sus manos y la
colocación del personaje, distante al grupo de chicas, le confieren un destacado protagonismo
con respecto a sus alumnas. Tras el aparente carácter instantáneo que puede transmitir la
imagen, se esconde un minucuioso estudio por parte del artista a la hora de representar la
composición. Degas realizaba un gran número de apuntes de los movimientos y gestos de cada
una de las figuras representadas, antes de realizar la obra definitiva. De este modo, podemos
asegurar que todos los detalles y comportamientos de los personajes están trazados de modo
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premeditado por el artista, renunciando así a la espontaneidad que, sin embargo, se comunica
al espectador.
Las tonalidades pastel y los reflejos lumínicos, que inciden en la estancia y realzan los vestidos
de las bailarinas, crean una atmósfera íntima del mundo de la danza.
Detalles:
1. La bailarina sentada sobre el piano, ajena a que está siendo observada, se rasca la
espalda, doblando con naturalidad el brazo por debajo de sus cabellos. Un pomposo lazo de
seda engalana su tutu.
2-3. El terrier que olisquea la pierna de la bailarina es un detalle lleno de gracia. Al igual
que la regadera (que servía para humedecer los pisos cuando se llenaban de polvo) es un
elemento importante en esta composición tan precisa y un buen ejemplo de la calculada
espontaneidad de Degas.
4. La presencia del viejo maestro hace referencia al pasado esplendor del ballet unos años
atrás y que ahora, sin embargo, parece encontrarse en un momento de decadencia.
5. El grupo de alumnas del fondo adopta posturas relajadas, sin prestar apenas atención al
maestro. Un encanto especial tiene la muchacha que, sentada en la plataforma y en postura
poca favorecedora, cruza los brazos y pone los pies de punta. Sobre ella, una muchacha, de
pie, se ajusta la gargantilla. A su derecha, la chica que está con los brazos en jarras repite la
pose de la bailarina del primer término, creando una sutil diagonal que sigue la línea del
entablado.
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HISTORIA DE LA ARQUITECTURA IV
IMPRESIONISMO PAISAJISTA
Hacia 1870, Manet dirigió su atención hacia la pintura al aire libre; pintaba a todo color,
captando toda la luminosidad y brillantez de la luz solar natural. Estuvo en contacto con los
impresionistas Monet, Renoir, Pissarro, Bazille y Sisley. Monet pintó su própio almuerzo
en el campo en 1866, obra con la que inauguró la pintura al aire libre, que a su vez influyó
en Manet e inspiró multitud de cuadros impresionistas.
Pintaban escenas cotidianas, ejecutadas directamente al aire libre. Así, su pintura se
concibe en función de la luz y el color. Lo importante es captar cómo se refleja la luz de los
objetos, en las figuras, en el agua, valiéndose para ello del contraste de colores puros.
Conocen y emplean las teorías del color, especialmente las de Chevreul.
Técnicamente aplicaban los colores directamente sobre el lienzo, sin mezclar en la
paleta, con pinceladas sueltas de manchas yuxtapuestas, de forma que a cierta distancia de
la tela es la retina del espectador la que mezcla los colores.
La temática.
El impresionista trata de representar la impresión, el efecto producido por la acción de los
objetos exteriores en los órganos de los sentidos. Intenta dar su visión particular. Su visión
depende siempre de la luz y de sus variaciones, que se convierten en el tema del cuadro.
El paisaje es la forma de pintura más importante. Trabajan al aire libre, ante el
motivo que se va a representar, y de forma rápida, pues la naturaleza es cambiante y lo que
les interesa es fijar una impresión fugaz: el mar y sus horizontes movedizos, el cielo y sus
nubes móviles, el Sol y sus vibraciones…
Los impresionistas pintan lo que es pasajero, algunos incluso ejecutan series en las
que siguen las transformaciones de un mismo paisaje según las diferentes horas del día.
Eligen sus temas en la actualidad. Degas transmite el reflejo de lo que puede
observar a su alrededor (carreras de caballos, lavanderas, bailes, mujeres arreglándose).
LA SENA EN ARGENTEUIL, MANET
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HISTORIA DE LA ARQUITECTURA IV
Alfred Sisley
Inundación en Port-Marly
1876
Óleo sobre tela; 50 x 61 cm
Los comienzos del grupo se producen cuando, por un lado Monet, Renoir y Sisley, que
habían abandonado la academia de Charles G. Gleyre disconformes con la enseñanza
academicista que allí se impartía; y por otro Pissarro, Cézanne y Guillaumin, que asistían a
la Academia Suisse, un taller económico donde se trabajaba libremente, sin correcciones
semanales ni exámenes, entran en contacto y se comienzan a reunir en un tranquilo café de
París, en la calle Batignolles. Estas reuniones tuvieron lugar entre los años de 1868 y 1870;
por el prestigio y admiración que los jóvenes le tenían, Édouard Manet presidía el grupo, a
veces acompañado por el escritor Émile Zola, quien sería un activo defensor del
movimiento Impresionista. También eran asiduos asistentes a estas reuniones el fotógrafo
Nadar, el pintor Fantin-Latour, críticos de arte y otros simpatizantes. Las discusiones solían
ser acaloradas; todos los problemas contemporáneos eran de su interés. Particularmente les
atraía la fotografía, con su posibilidad de captar un gesto, descomponer visualmente un
movimiento mediante tomas sucesivas y fotografiar al aire libre, y las estampas japonesas
que presentaban una concepción visual desconocida en Occidente con sus figuras
esquemáticas, colores luminosos, composición oblicua, etc. Los debates, los nuevos
descubrimientos, el desarrollo pictórico que cada uno va realizando, llevan a Renoir y
Monet a la elaboración de una técnica nueva para expresarse. El verano de 1869 lo pasan
ambos pintando a orillas del Sena en un balneario no lejos de París, la Grenouillère. Allí
captan la palpitante luz solar, los multifacéticos reflejos acuáticos, los aspectos inestables y
fluidos de la naturaleza, con pinceladas yuxtapuestas de colores brillantes. Esos trabajos
pueden considerarse las primeras pinturas impresionistas. Entre 1869 y 1874, esta técnica
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HISTORIA DE LA ARQUITECTURA IV
se termina de definir, perfeccionar y difundir sentando las bases de un movimiento que
revolucionará la pintura de la época.
OBRA COSECHA DE MANZANA DE PISSARRO
Las campesinas vuelven a ser las protagonistas en este cuadro. Pisarro se centra en captar la
atmósfera y la iluminación. Contrasta la zona de sombra donde desempeñan su labor las
mujeres, con la claridad de los amarillos y naranjas del campo que las rodea.
POSTIMPRESIONISMO
Postimpresionismo es un término histórico-artístico que se aplica a los estilos pictóricos de
finales del siglo XIX y principios del siglo XX posteriores al impresionismo. Fue acuñado
por el crítico británico Roger Fry con motivo de una exposición de pinturas de Paul
Cézanne, Paul Gauguin y Vincent van Gogh que se celebró en Londres en el año 1910. Este
término engloba en realidad diversos estilos personales planteándolos como una extensión
del impresionismo y a la vez como un rechazo a las limitaciones de este. Los
postimpresionistas continuaron utilizando colores vivos, una aplicación compacta de la
pintura, pinceladas distinguibles y temas de la vida real, pero intentaron llevar más emoción
y expresión a su pintura. Aunque los postimpresionistas basaron su obra en el uso del color
experimentado por los impresionistas, reaccionaron contra el deseo de reflejar fielmente la
naturaleza y presentaron una visión más subjetiva del mundo.
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HISTORIA DE LA ARQUITECTURA IV
CÉZANNE, GAUGUIN Y VAN GOGH
La obra de Cézanne, Gauguin y Van Gogh se caracterizó por un uso expresivo del color y
una mayor libertad formal. Paul Cézanne se interesó por resaltar las cualidades materiales
de la pintura, representando seres vivos y paisajes, volúmenes y relaciones entre
superficies, como en Pinos y rocas. Su interés por las formas geométricas y la luz
prismática inherente en la percepción de la naturaleza anticipó los experimentos del
cubismo.
Paul Gauguin, en un intento por conseguir la capacidad comunicadora del arte popular, se
centró en la representación a base de superficies planas y decorativas, como se aprecia en la
obra Calvario bretón (1889, Palacio de Bellas Artes, Bruselas).
Vincent Van Gogh, por su parte, se aproximó a la naturaleza con vigorosas pinceladas
coloristas, evocadoras de las emociones internas del artista. Su experimentación subjetiva,
ejemplificada en Noche estrellada (1889, MoMA de Nueva York), preludió el
expresionismo.
LOS JUGADORES DE CARTAS
Los jugadores de cartas (Les Joueurs de cartes en el título francés original) es una serie de
cinco cuadros sobre el tema de la partida de cartas, que realizó el pintor francés Paul
Cézanne entre 1890 y 1895
Pertenece a la época de madurez (década de 1890) en la que Cézanne produce sus
principales lienzos. Ejemplifica los cuadros en los que los personajes están fuertemente
anclados en su decorado. Especialmente en las tres últimas versiones, todos los volúmenes
están definidos de manera geométrica, lo que confiere a los dos personajes una
dignidad clásica.
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HISTORIA DE LA ARQUITECTURA IV
VINCENT VAN GOGH
Vincent Willem van Gogh fue un pintor neerlandés, uno de los principales exponentes
del postimpresionismo. Pintó 900 cuadros (de ellos 27 autorretratos y 148 acuarelas) y
1.600 dibujos.
A pesar que desde muy joven tuvo inclinación hacia el dibujo, su primer trabajo fue en una
galería de arte. Más tarde se convirtió en pastor y en 1879 se marchó como misionero a una
región minera de Bélgica, donde comenzó a dibujar a la gente de la comunidad local. En
ese momento su paleta se componía de tonos sombríos de tierra. La luz de colores vivos por
la que es conocido surgió en obras posteriores, cuando se trasladó al sur de Francia
consiguiendo su plenitud durante su estancia en Arles en 1888. La calidad de su obra sólo
fue reconocida después de su muerte considerándose uno de los grandes maestros de la
pintura. Tuvo una gran influencia en el arte del siglo XX, especialmente entre
los expresionistas alemanes y los fauvistas como Derain,Vlaminck y Kees Van Dongen.
Sufrió frecuentes brotes de una enfermedad mental a lo largo de su vida, que le llevó a
producirse una herida de bala que acabó con su vida a la edad de 37 años. A pesar de que
existe una tendencia generalizada a la especulación de sobre la afectación que tuvo en su
pintura su salud mental, el crítico de arte Robert Hughes cree que las obras del artista están
ejecutadas con un completo control.
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HISTORIA DE LA ARQUITECTURA IV
LA NOCHE ESTRELLADA:
De este viaje al Caribe, que resultaría fundamental para su futuro artístico, puesto que le
mostró la sensualidad del color y lo interesó por una naturaleza primitiva capaz de acentuar
las relaciones humanas, Gauguin regresará a Europa enfermo y abatido. Allí encuentra la
hospitalidad de Theo Van Gogh, quién además expondrá sus pinturas en su propia galería.
Pero dejando aparte este viaje, entre 1886 y 1891, vive principalmente en Bretaña en donde
se convierte en el centro de un grupo de pintores experimentales conocidos con el nombre
de Escuela de Pont-Aven, en donde tuvo como discípulos a Émile Bernard, Paul
Sérusier, Seguiny Chmaillard que constituirían el llamado simbolismo (Grupo de
los Nabis). Su estilo de pintura empezará a transformarse desde las cercanías
del impresionismo hasta un estilo mucho más personal.
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HISTORIA DE LA ARQUITECTURA IV
Por influencia de uno de sus jóvenes discípulos, Émile Bernard, su estilo evoluciona a lo
que se ha dado en llamar sintetismo, un modo de pintar más natural y sintético. Busca
inspiración en el arte indígena, en las vidrieras medievales y en las estampas japonesas.
Estas últimas las descubre gracias al holandés Vincent Van Gogh en 1888 en los dos meses
en los que viven juntos (entre octubre y diciembre) en Arlés, en el sur de Francia,
dedicándose ambos a pintar. Gauguin había conocido a Vincent y a Theo Van Gogh
en París en 1886, y Gauguin había quedado impresionado por la expresividad de Vincent.
Trabajan juntos y pintan la serie de vistas de Alyscamps. Pero la convivencia es muy
difícil, ambos tienen un carácter muy temperamental, y Gauguin se cansa de Vincent. Van
Gogh tratará de suicidarse más adelante. Su convivencia se deteriora y acaba con el famoso
episodio de la oreja cortada de Van Gogh. Se sabe que Van Gogh tenía problemas
emocionales y que se cortó la oreja; pero no es tan seguro que fuese por culpa de Gauguin.
Anécdota que puede ser real o un mito.
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HISTORIA DE LA ARQUITECTURA IV
LA PINTURA DEL SIGLO XX
fuerte vinculación entre pintura y escultura, con cierta subordinación estética de ésta, y el hecho
de que, con frecuencia, los artistas practican indistintamente ambas disciplinas, hace aconsejable
que se traten conjuntamente.
En esos veinticinco años, cuya historia política y social resultó tremendamente agitada, la pintura
hizo gala de una vitalidad renovadora y creadora que supuso la culminación del proceso de
ruptura iniciado a finales del siglo XIX. Este proceso de ruptura se había planteado como un
enfrentamiento entre arte y realidad y en tomo a 1900 había dado lugar a dos corrientes distintas,
el postimpresionismo y el simbolismo, que bien pueden tomarse como punto de partida para
intentar buscar unas líneas de continuidad en el conjunto de las vanguardias del siglo XX.
CORRIENTES DEL ARTE XX LAS VANGUARDIAS HISTORICAS:
EL FOVISMO
EL EXPRESIONISMO
EL CUBISMO
EL FUTURISMO
EL DADISMO
EL SURREALISMO
EL FAUVISMO
EL Término "fauves"(fieras, en francés) fue aplicado por un crítico
a ciertos pintores que expusieron en el Salón de Otoño de París en
1905, y cuya obra se significaba por el atrevido uso del color.El
grupo fauvista estuvo liderado por Henri Matisse (1869-1954) y
pronto se calificó de independiente con respecto a los
impresionistas y a los postimpresionistas, a los que, sin embargo,
debía mucho.El fauvismo supuso la afirmación y preponderancia
del color con respecto a la forma y al espacio; su pintura tiene una
clara intención de expresión vitalista de lo emocional y en ese
sentido puede considerarse precursora del expresionismo.
Este artista fue la figura más destacada del fauvismo, un movimiento pictórico que recogió
elementos del impresionismo, del postimpresionismo y del simbolismo.Técnicamente, el
fauvismo se caracteriza por el empleo del color puro que se plasma sin relación con la
realidad y con una pincelada directa y, a veces, de gruesos empastes. Los temas más
frecuentes fueron los paisajes (rurales, urbanos y marinos), la representación de la figura
humana en interiores y las naturalezas muertas.Entre los pintores fauves más destacados
se encuentran, junto a Matisse, André Derain, Maurice Vlaminck, Raoul Dufy, Kees van
Dongen y Georges Braque, que destacaría más por su etapa cubista.
http://www.cultureduca.com/histart_sxx_pintura02.php
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HISTORIA DE LA ARQUITECTURA IV
EL EXPRESIONISMO
La vanguardia expresionista, originada en Alemania a partir de 1905 no se limitó a ser un simple
estilo pictórico ya que, además de dejarse sentir en otras manifestaciones artísticas, debe
entenderse como una actitud vital frente a la realidad de la época.
Como casi todas las vanguardias, el expresionismo fue un movimiento de oposición enfrentado, en
este caso, al impresionismo. El artista expresionista no consideró la realidad como un modelo a
reproducir, sino como un simple estímulo que una vez interiorizado aflora como expresión de su
propia vivencia subjetiva. Entre los precursores del expresionismo podemos citar a Edvard Munch
(1863-1944), pintor noruego cuya frágil salud marcó su vida y su obra.
El grito, de Edvard Munch (Galería Nacional de Oslo), el cuadro más famoso de la corriente
expresionista.
Desde el punto de vista de la pintura, el expresionismo dio lugar a tres grupos que surgen en
lugares y momentos distintos. En 1905 apareció en Dresde el grupo Die Brücke (El Puente) en
donde destacaron Ernest Ludwig Kirchner (1880-1938) y Emil Nolde (1867-1956) entre otros
pintores que, con frecuencia, utilizaron el grabado como medio de expresión por ajustarse bien a
su estética agresiva y dura, frecuentemente empleada en temas donde la sexualidad está presente
(recuérdese que en 1900 y en 1905 Freud publicó la "Interpretación de los sueños"y "Una teoría
sexual y otros ensayos"respectivamente).
En 1910 surgió en Munich el grupo Der Blaue Reiter (El Jinete Azul) que estuvo encabezado por
Wassili Kandinsky (1866-1944) y contó con pintores como Franz Marc y August Macke. Este grupo
publicó en 1912 un libro, el Almanaque, que actuó a modo de manifiesto a través de sus casi 150
ilustraciones y sus textos teóricos.Tras la Primera Guerra Mundial, el expresionismo alemán se
prolongó a la obra de artistas como Otto Dix (1891-1969), George Grosz (1893-1959), Oscar
Kokoschka (1886-1980) o Egon Schiele.
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HISTORIA DE LA ARQUITECTURA IV
Los dos primeros trasladaron a sus cuadros la sensación de pesimismo propia de la postguerra con
un marcado interés por la miseria, la marginación y la crítica a la clase militar a la que ridiculizan
en auténticas caricaturas que rebosan amargura.
Kokoschka destacó por sus retratos y Schiele por sus figuras rezumantes de un novedoso erotismo,
pero ambos trabajaron también el paisaje.
Otro foco que cabe calificar de expresionista se desarrolló en París a partir de la obra de pintores
como Chain Soutine (1894-1943), Marc Chagall (1889-1985), Amadeo Modigliani (1884-1920) y
Georges Roualt (1871-1958) que, aunque no se constituyeron como grupo, realizaron una pintura
de clara tendencia expresionista y muy marcada por el propio estilo de cada uno de ellos.
El poeta reclinado, de Marc Chagall (Tate Gallery de Londres).
Su pintura, aunque de estilo expresionista, tiene influencias del surrealismo.Desde el punto de
vista estético, el expresionismo opta por una plástica sencilla y contundente que se pone de
manifiesto en el empleo del color y de la pincelada. Así, el grupo de Dresde buscó el impacto con
los contrastes fuertes y la línea quebrada, mientras que el grupo de Munich, utilizando un colorido
menos agresivo, generó el dramatismo expresivo a partir de la línea curva
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HISTORIA DE LA ARQUITECTURA IV
EL CUBISMO
Suele considerarse a Cézanne como el gran precursor del cubismo y ciertamente cuadros suyos,
como los de la serie de La montaña de Santa Victoria ya asumen una estética geometrizante y
limitada de color, para representar la naturaleza. Ahora bien, cuando Cézanne pintó estas obras,
era ya un hombre maduro de casi 60 años y para que el cubismo naciera fue preciso el
atrevimiento de los 26 años que, en 1907, tenía Picasso (1881-1873) cuando pintó Las señoritas de
la calle de Avinyó.
Al año siguiente, otro pintor, Georges Braque (1882-1963) realizó unos paisajes con casas que un
crítico definió como cubos. A partir de ese momento Picasso y Braque comenzaron juntos la
investigación creadora de una de las vanguardias más trascendentes del siglo, el cubismo. Iniciada
esa tarea, pronto hizo su aparición la tercera gran figura del nuevo "ismo", el español Juan Gris
(1887-1927) quien supo aportar matices originales a la nueva estética a la que dedicó toda su vida.
Botella de anís (1914) de Juan Gris, un artista recurrente con el collage, un estilo introducido por el
cubismo.
En el cubismo suelen distinguirse dos tendencias: la analítica y la sintética. El cubismo analítico,
que es el inicial, se extendió hasta 1911 y se caracteriza por el intento de análisis que el pintor
hace de la realidad y que le lleva a plasmar ésta como si se observara desde distintos puntos de
vista simultáneamente. Con ello se pierde todo intento de perspectiva habitual y el color se limita
hasta crear obras de una sola gama cromática (grises y ocres) porque sólo interesa la forma.
El cubismo sintético, fiel a aquellos cubos o formas geométricas que estuvieron en el origen de la
vanguardia, tiende a la síntesis de los cuerpos en esas formas primarias. La tendencia sintética es
más rica de color e introdujo uno de los grandes descubrimientos del cubismo, el collage (papeles
y objetos más o menos bidimensionales pegados en el cuadro).
Entre los pintores que dedicaron parte de su obra al cubismo merecen destacarse Robert
Delaunay que crearía una corriente denominada "orfismo", Fernand Léger, Francis Picabia y
Marcel Duchamp o los españoles María Blanchard o Daniel Vázquez Díaz.
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HISTORIA DE LA ARQUITECTURA IV
La interpretación escultórica del cubismo corrió a cargo de artistas como el ruso Alexander
Archipenko (1887-1964) que trabajó tanto la madera pintada como el metal; el rumano Constantin
Brancusi (1876-1957) cuya obra terminaría decantándose por la preferencia de las formas
ovoideas o Henri Laurens (1885-1954) que realizó obras que parecían la traslación a tres
dimensiones de cuadros cubistas. El propio Picasso desarrolló una interesante obra escultórica
cubista y otros artistas, como Julio González (1876-1934), Pablo Gargallo (1881-1934) o Henry
Moore (1898) realizaron obras que merecen el calificativo de cubistas.
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HISTORIA DE LA ARQUITECTURA IV
EL FUTURISMO
En 1909, paralelamente al desarrollo del cubismo, el poeta de origen italiano Filippo Tommaso
Marinetti (1876-1944) hizo público el primer manifiesto futurista.
Al año siguiente un grupo de pintores italianos firmaría un segundo manifiesto y aún más tarde
aparecerían los de escultura y arquitectura, pero las bases fundamentales del movimiento
quedaron perfectamente definidas por Marinetti cuando manifestó su deseo de ensalzar todo lo
nuevo de la técnica y la belleza de la velocidad hasta llegar a afirmar que "un automóvil de
carreras, que parece correr sobre una estela de metralla, es más hermoso que la Victoria de
Samotracia". Esta actitud, que orientaba el arte hacia el futuro, fue acompañada de un deseo de
destrucción de toda la cultura del pasado.
Con estos planteamientos es fácil entender que la pintura futurista tuviera como principal interés
plasmar el movimiento y que sus temas más frecuentes fueran la ciudad y todo lo que con ella
apareciera como signo de modernidad. En este sentido, el propio movimiento aparecía como
símbolo de lo cambiante y, por lo tanto, dirigido hacia el futuro.
La técnica empleada para transmitir esa sensación dinámica y cambiante de movimiento consistió
en la descomposición repetitiva de la imagen a modo de placa fotográfica sobreimpresionada
varias veces. Esta fórmula, que no debió ser ajena al desarrollo de la propia fotografía, se
denominó simultaneísmo.
Formas únicas de continuidad en el espacio, de Boccioni (Museo de Arte Moderno, Milán).
El pintor y escultor más destacado del futurismo fue Umberto Boccioni (1882-1916) quien,
además, desarrolló en el seno de la tendencia una importante labor teórica.
Su temprana muerte, en la Primera Guerra Mundial, fue determinante para la duración del
movimiento futurista, que se considera acabado precisamente en el año 1916. Junto a Boccioni,
tres italianos más, Carlo Carrá, Giacommo Balla y Gino Severini, fueron los artistas que dieron al
futurismo su carácter de vanguardia italiana.
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Particularidades:
- Exaltación de la originalidad.
- Estructuras del movimiento: tiempo, velocidad, energía, fuerza, etc.
- Contenido relacionado con el mundo moderno, las ciudades y los automóviles, su bullicio y
dinamismo. Así como máquinas, deportes, guerra, etc.
- Utilización de formas y colores para generar ritmos.
- Colores resplandecientes
- Transparencias
- Multiplicación de líneas y detalles, semejantes a la sucesión de imágenes de un caleidoscopio o
una película, (como resultado da la impresión de dinamismo).
Dinamismo de un perro con correa de 1912 Giacomo Balla. Manifestación patriótica, 1915.
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HISTORIA DE LA ARQUITECTURA IV
EL DADAISMO
Bajo el término "dadá"se agruparon una serie de tendencias artísticas y teóricas que desde 1915
estaban apareciendo en el seno de los grupos de vanguardia más heterogéneos e
intelectualizados. El dadaísmo fue un movimiento de rebelión contra todo tipo de formas
culturales, que careció de un programa común y cuyas manifestaciones variaron según el lugar y el
contexto de cada uno de sus focos.En el caso de las artes plásticas, tras la aparición de la
abstracción, la única salida posible que encontró el movimiento dadaísta fue una postura de
destrucción total cargada de matices satíricos. Así, ante la realidad que ofrecía un mundo inmerso
en la Primera Guerra Mundial o en las crisis postbélicas, el dadá respondió con el escándalo, la
protesta, lo absurdo y como culminación de ese absurdo, el anti-arte.Con estos presupuestos
surgió en el Zurich neutral de 1916 y en el seno del "Cabaret Voltaire", regido por el escritor
alemán Hugo Ball, el primer grupo dadá. Allí y de la mano de otro escritor, el rumano Tristan Tzara,
se realizaron las primeras manifestaciones artístico-literarias bajo el denominador común de dadá.
Según los artistas vinculados al "Cabaret Voltaire"el término dadá carecía de significado, había
sido encontrado al azar en un diccionario, razón por la cual, dadá equivalía a la nada, pero una
nada buscada y por lo tanto significativa, ya que los artistas dadá pretendían cambiar todo por la
nada. En 1918 Tristan Tzara hizo público un manifiesto dadá más radical que proclama ya el
movimiento como antiartístico y su actividad como una protesta a través de la provocación.
La nueva vanguardia se difundió rápidamente y, con un marcado carácter internacional, surgieron
grupos y actividades dadá en muchas ciudades. Esa expansión del dadaísmo llegó hasta Nueva
York, donde algunos artistas europeos se habían refugiado al estallar la primera gran guerra. En
cierto modo, con el dadá Nueva York se incorporó al panorama de los centros de vanguardias
artísticas del siglo XX.
El internacionalismo del dadá se vio reforzado por el hecho de que los artistas viajaron mucho e
hicieron evidentes sus posturas en lugares muy distintos. Así, pueden señalarse los nombres de
Hans Arp (1887-1966), que operó tanto en Zurich como en Colonia con una actividad a medio
camino entre la pintura y la escultura que, recogiendo distintas influencias, derivó hacia la
abstracción. Max Ernst (1891-1976) se movió en los círculos dadá de Colonia y de París y realizó
collages que ya anunciaban el esplendor de su futura obra surrealista.
Otros artistas, cuyo trabajo debe insertarse al menos en el ambiente dadá, fueron Raoul
Haussmann y John Heartfield, el primero llevó a cabo la realización de objetos cargados de ironía y
el segundo destacó por sus agudos y críticos fotomontajes, cuya producción se extendería hasta la
Segunda Guerra Mundial en forma de carteles propagandísticos anti-nazis.
A medio camino entre Nueva York y Europa se desarrolló la obra, rica e imaginativa, de Marcel
Duchamp (1887-1968), Francis Picabia (1879-1953) y Man Ray (1890-1976). Este último destacó
por su labor en el campo de la fotografía, donde introdujo técnicas nuevas como la de la
solarización. Picabia fue primordialmente pintor de extrañas maquinarias, a las que titulaba con
una mezcla de humor e ironía.
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HISTORIA DE LA ARQUITECTURA IV
Rueda de bicicleta, de Marcel Duchamp (Museo de Arte moderno, Nueva York)
Marcel Duchamp fue, sin duda, el más imaginativo y revolucionario teórico de la vanguardia
dadaísta. En 1915 se trasladó a Nueva York, pero ya para entonces había introducido en su
peculiar mundo artístico los denominados "ready-mades"; son éstos simples objetos de la vida
cotidiana y de producción industrial a los que Duchamp saca de su contexto habitual para
otorgarles la categoría de objetos artísticos por el simple hecho de haber sido elegidos como tales
por el artista.
La primera realización de Duchamp con la que el artista alcanzó cierta notoriedad fue con el
cuadro Desnudo bajando la escalera nº. 2. Esta obra, a mitad de camino entre el cubismo y el
futurismo causó un auténtico revuelo cuando fue expuesta en 1912. De todos modos, su obra más
sugerente y enigmática es un cuadro pintado sobre vidrio, cuyo título es La novia puesta al
desnudo por sus solteros, mismamente... y conocido, también, como El gran vidrio.
La vida de M. Duchamp fue en sí misma una constante manifestación del espíritu dadá y estuvo
repleta de gestos anti-arte que van desde su ready-made del urinario al que pomposamente le dio
el título de La fontana, hasta su reproducción de La Gioconda, sobre cuyo rostro pintó unos
bigotes como muestra de su capacidad de iconoclasta.
El dadaísmo como movimiento de protesta se extendió con manifestaciones muy variadas que
hicieron de él una corriente de gran influencia que actuó en gran medida como puente entre el
expresionismo y el surrealismo como queda demostrado por el hecho de que muchos
expresionistas terminaron militando en la vanguardia dadá, como George Grosz, donde también
se insertaron algunos de los más destacados surrealistas como Breton.
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HISTORIA DE LA ARQUITECTURA IV
EL SURREALISMO
En 1922 Tristan Tzara hizo pública su Oración fúnebre por Dadá pero la herencia de esta
vanguardia no tardó en dar nuevos frutos y en 1924 André Breton (1896-1966) sacó a la luz en el
París de entreguerras el primer manifiesto surrealista. El movimiento nació como una vanguardia
literaria que, bajo el influjo de toda la psicología freudiana, propugnaba un automatismo psíquico
mediante el cual la mente humana pudiera expresar todo cuanto contenía sin ser mediatizada por
la razón. Así, una de sus primeras manifestaciones fue la denominada "escritura automática"como
fórmula de máxima libertad expresiva.
Hay, por todo ello, en el origen del surrealismo, un fuerte interés por todo lo inconsciente, por lo
absurdo del pensamiento no racional, por lo fantástico creado en el mundo de los sueños y por lo
misterioso y mágico que hay en todo aquello que la mente puede producir al margen de la razón.
La integración de las artes plásticas en este "otro"mundo creado, o al menos soñado, por los
primeros escritores surrealistas no tardó en producirse. En realidad, la historia. de la pintura ya
había tenido claros precursores del surrealismo en artistas como El Bosco, algunos románticos
como Fuseli o, ya en torno a 1915-1920, en la denominada "Pintura Metafísica"de Giorgio de
Chirico (1888-1978) o Carlo Carrá.
La nueva vanguardia, lejos de establecer unos rasgos comunes de carácter técnico, temático o
estilística, fue conformándose a partir de las distintas y personales aportaciones de cada uno de
los pintores que cabe considerar como surrealistas. No obstante, es posible señalar en el seno del
surrealismo dos corrientes diferentes, atendiendo a la actitud con la que se enfrentan a su obra los
diferentes artistas.
Así, mientras unos mantienen el automatismo, ajeno a la razón, como punto de partida para la
realización de su obra; otros prefieren el uso de unos métodos de análisis más o menos racionales
para investigar su propia irracionalidad. En términos generales puede decirse que la primera
postura condujo hacia un surrealismo próximo a la abstracción, mientras que la segunda se vinculó
más a lo fantástico-mágico a través de la figuración.
Al primer grupo pertenecieron artistas como André Masson y Max Ernst (1891-1976) quienes
introdujeron en su pintura elementos o técnicas sujetas al azar como complemento a su
automatismo creativo. Así Masson utilizó como materia plástica arena que espolvoreaba sobre el
lienzo y que sólo se fijaba en aquellas partes de la tela a las que automáticamente había aplicado
cola.
Max Ernst, cuya obra dio lugar a fantásticos y desolados paisajes empleó una técnica inventada
por él y conocida como "frottage"consistente en colocar bajo el lienzo materiales de superficies
más o menos irregulares para después frotar el lienzo con pintura y obtener unas calidades que, a
modo de estampación, resultaban de este proceso fortuito. Ernst también empleó el collage en
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HISTORIA DE LA ARQUITECTURA IV
composiciones que se aproximan más al análisis investigador del mundo onírico, algunas de las
cuales, aún realizadas bajo el influjo dadá, son netamente surrealistas.
Uno de los grandes pintores del surrealismo fue Joan Miró (1893-1983) cuyo particular e
inconfundible estilo sitúan su obra en un lenguaje formal único.
Miró partió en su surrealismo de la descripción minuciosa y detallista de seres y objetos que, en
obras como La Masía adoptan una disposición espacial al margen de toda realidad.
La masía, de Joan Miró (National Gallery, Washington)
Sin embargo, hacia 1923 Miró desarrolla ese punto de partida hacia universos en los que objetos y
seres se van transformando con una clara tendencia a la abstracción. De todos modos, la obra de
Miró casi siempre mantuvo ciertas referencias a la realidad y puede hablarse de ella como de una
visión mágica y optimista del mundo.
Unos planteamientos estéticos bien distintos fueron los mantenidos por Salvador Dalí (1904-1989)
cuya obra pasa por ser la más genuinamente surrealista gracias al marcado carácter onírico de sus
temas, composiciones y tratamientos. Dalí abordó su obra a partir de lo que él mismo denominó
"método paranoico-crítico"cuyo fruto fue una serie de obras que bien podrían catalogarse como
pesadillas inventadas por la razón. Esas visiones oníricas, compuestas en amplios y desoladores
espacios, fueron realizadas con una técnica de gran realismo que contrastaba con lo absurdo de lo
representado, ya fueran unos relojes blandos o una jirafa que arde.
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HISTORIA DE LA ARQUITECTURA IV
Osificación prematura de una estación, de Salvador Dalí (Teatro-Museo Dalí, Figueras)
El surrealismo de Dalí dio también su fruto en el mundo del cine al colaborar con Luis Buñuel en la
realización de "Un perro andaluz"(1928), película que, sin duda alguna, merece el calificativo de la
más surrealista de la historia del cine. La obra pictórica de Dalí mantendría los planteamientos
surrealistas durante muchos años, pero su mejor producción es la realizada hasta comienzos de los
años treinta.
Otra de las grandes figuras del surrealismo fue René Magritte (1898-1967). Este pintor belga, cuya
vida se desarrolló dentro de la más absoluta monotonía del ambiente burgués de Bruselas, fue
capaz de plasmar en su obra toda una teoría de la comunicación, cuyo eje fue la idea de que la
pintura (el arte) no es el reflejo de la realidad, sino la sustitución de una realidad por otra. Su
surrealismo no fue otra cosa que un constante juego subversivo con todo aquello que parece
querer representar lo real y que Magritte plantea como un problema de representación.
Desde el punto de vista técnico la obra de Magritte se caracteriza por una gran economía de
medios, ya que lo que hay de sencillez e incluso tosquedad técnica en sus cuadros no es otra cosa
que la búsqueda de un lenguaje formal simple y directo para transmitir ideas que era lo que su
autor pretendía.
Junto a los hasta ahora citados, otros artistas como Yves Tanguy, Hans Arp, Man Ray y Paul Klee,
se sintieron vinculados al surrealismo.
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HISTORIA DE LA ARQUITECTURA IV
El arte abstracto es un movimiento artístico que surgió alrededor de 1910 y cuyo propósito es
prescindir de todos los elementos figurativos, para así concentrar la fuerza expresiva en formas y
colores sin ninguna relación con la realidad visual.
En la pintura abstracta, la obra de arte se convierte en una realidad autónoma, sin conexión con la
naturaleza y, como consecuencia, ya no se representa hombres, paisajes, casas o flores, sino
simplemente combinaciones de colores que intentan expresar la necesidad interior. Una de las
características principales de la pintura abstracta es el uso de un lenguaje sin forma y la libertad
cromática.
CORRIENTES ABSTRACTAS:
EL RAYONISMO
EL SUPREMATISMO
EL NEOPLASTICISMO
ÉL INFORMALISMO
EL POP ART
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EL RAYONISMO
El Rayonismo: Movimiento artístico ruso creado por el pintor Mijaíl Larionov alrededor de 1910 y
reconocido como una de las primeras manifestaciones del arte abstracto. En 1909, Larionov
expuso una obra no figurativa, Cristal (Museo Guggenheim, Nueva York), en la que esbozaba los
principios del rayonismo. Su búsqueda continuó con la creación del grupo Valet de Carreau y con
la exposición La cola de asno (1912). En 1913 publicó el manifiesto del movimiento, redactado por
él mismo y firmado por numerosos artistas, entre ellos su compañera Natalia Goncharova; más
tarde inauguró una exposición rayonista titulada El blanco. Los cuadros de Larionov y de
Goncharova presentan una abstracción a base de formas agudas entrecruzadas y
sistemáticamente cortadas, que denotan un interés por movimientos como el cubismo, el
futurismo o el orfismo. Sin embargo, el principio que defiende el rayonismo le es totalmente
propio: basado en el descubrimiento científico de la radiactividad y de los rayos ultravioletas,
propone plasmar la percepción de los rayos que emanan del objeto y la propagación rápida y
simultánea de la luz. El color se convierte en el tema central de la obra; los rayos, dispuestos en la
tela con longitud e intensidad variables, sugieren un universo irreal, regido únicamente por
las leyes cromáticas y dinámicas. Sin embargo, gran número de pinturas rayonistas siguen siendo
figurativas. En 1914 se celebró en París una exposición en la que se presentaron los trabajos de
Larionov y de Goncharova, con el apoyo activo de Guillaume Apollinaire. El movimiento
perderá fuerza con la llegada de la I Guerra Mundial, pero su influencia ha sido esencial en
la evolución del arte contemporáneo.
Caracteristicas:
Utiliza formas espaciales que resultan del cruce
de los rayos reflejados por los diferentes objetos.
Rechaza lo individual y desarrolla la autonomía
del cuadro.
Simplicidad de las formas
Uso restringido del color: Malevitch llega al
blanco y negro.
Green Forest. 1912. Pintura rayonista. Natalia
Gontcharova.
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EL SUPREMATISMO
La tendencia hacia la abstracción inaugurada por el Cubismo habría de extenderse y agudizarse
rápidamente en Europa como lo demuestra el surgimiento de tres movimientos más o menos
contemporáneos, el Suprematismo, De Stijl y el Constructivismo, los cuales llevan a extremos no
muy diferentes entre sí la reacción contra la pintura naturalista llevada a cabo por prácticamente
todos los estilos modernos.
El Suprematismo fue lanzado en 1913 en Rusia por Kasimir Malevich, quien sostenía que la pintura
debe ser exclusivamente el resultado de los elementos geométricos, rectángulo, triángulo, círculo
y cruz, para reflejar, no sólo la esencia material del mundo hecho por el hombre, sino también su
anhelo de acercarse al misterio inexplicable del universo. Para Malevich, además, el arte no tiene
por que ser útil socialmente, debiendo el artista mantener una independencia intelectual que le
permita concentrarse en la creación. Su pintura más famosa, Composición Suprematista: Blanco
sobre Blanco (la cual presenta un cuadrado blanco sobre otro del mismo color) es considerada
como una lógica conclusión de sus propuestas.
Caracteristicas:
Permite captar formas y colores pero no evoca
asociaciones ni sentimientos.
Se pretende expresar de una manera mística
estados puros de conciencia o de inconsciencia
no alterados por pensamientos reales.
Supremacía absoluta de la sensibilidad plástica
pura en las artes figurativas.
Simplicidad de las formas: hasta llegar al cuadro
como único elemento geométrico.
Uso restringido del color: se llega al uso
exclusivo del blanco y el negro porque
excitaban la emoción.
El rojo es considerado el color por excelencia.
Quiere transmitir la idea de que la realidad es
espacio informe (blanco) y todas las
diferenciaciones nominales y funcionales son
una ilusión humana.
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EL NEOPLASTICISMO
Corriente artística promulgada por Piet Mondrian en 1917 que proponía despojar al arte de todo
elemento accesorio en un intento de llegar a la esencia a través de un lenguaje plástico objetivo y,
como consecuencia, universal. Junto con Theo van Doesburg fundó la revista De Stijl, principal
órgano de difusión del movimiento, en cuyo primer número apareció publicado el manifiesto
neoplasticista. Las teorías de Mondrian, que tienen su origen en las obras cubistas de Georges
Braque y Picasso y en la teosofía, reivindican un proceso de abstracción progresiva en virtud del
cual las formas se irían reduciendo a líneas rectas horizontales y verticales, y los colores al negro,
el blanco, el gris y los tres primarios. Entre sus principales representantes se encontraban, además
de Van Doesburg, el pintor Wilmos Huszár, el escultor Georges Vantongerloo y los arquitectos
Jacobus Johannes Pieter Oud y Gerrit Thomas Rietvel, entre otros. El excesivo rigor de las
propuestas de Mondrian provocó violentas críticas tanto dentro como fuera de su círculo de
adeptos. No obstante, el neoplasticismo está considerado, junto con el suprematismo de
Maliévich, el origen de la abstracción geométrica.
Características:
Se elimina todo lo superfluo hasta que prevalece sólo lo elemental.
Formas geométricas regulares y con ángulos rectos
Uso de pocos colores: los puros (amarillo, rojo, azul) , y los neutros (blanco y negro)
Nunca se recurre a la simetría
Aunque hay un marcado sentido del equilibrio logrado por la compensación de las formas
y los colores.
Exclusión de lo individual y del objeto (limitado temporal y localmente)
Actuación por medios plásticos "puros" (colores y líneas) con los que se pretende mayor
claridad y precisión.
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EL EXPRESIONISMO ABSTRACTO
Esta corriente se consolidó en Nueva York a mediados de los años 40, por lo que también se la
conoce como primera generación de la Escuela de Nueva York. Se trata de una pintura no
figurativa y no geométrica que se fundamenta en su carácter gestual, en su deseo de ser expresión
de la misma acción de pintar; este movimiento fue también denominado Action painting (pintura
de acción) y su mayor impulsor fue Jackson Pollock (1912-1956) que hizo famosa la técnica del
dripping (goteo o chorreo) con la que realizó obras de gran formato.
En una línea semejante a Pollock se encuentra también Willem De Kooning (1904) aunque en este
artista la brutalidad del gesto, típica en la obra de Pollock, se suaviza y transforma en el trazo
incisivo de sus líneas angulosas.
Pintura, de Jackson Pollok
Otros artistas del expresionismo abstracto fueron Mark Rothko (1903-1970) que terminaría
realizando cuadros limitados a grandes manchas de color, o Franz Kline (1910-1962) cuya
gestualidad se pondría de manifiesto a través de sus grandes brochazos de pintura negra.
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EL INFORMALISMO
Movimiento pictórico europeo que tuvo gran aceptación en España, desarrollado a partir de
1945 en paralelo al expresionismo abstracto estadounidense. El término informalista se adoptó
para referirse a la abstracción lírica, opuesta a las tendencias más próximas al cubismo o al rigor
geométrico (el neoplasticismo o De Stijl). Dentro de esta corriente artística se incluyen las obras
de Wolfgang Wols, Jean Fautrier, Jean Dubuffet, Hans Hartung, o Alberto Burri, entre otros
muchos. Los informalistas, que huyen del arte figurativo para entrar en el abstraccionismo
(véase Arte abstracto), buscan la autenticidad de la pintura, del puro acto de pintar, esto es, la
caligrafía, las formas, la mancha y las texturas. En definitiva, la expresión del mundo interior del
artista.
Características:
Es básicamente matérico, con empleo de
cartón, papel, hilos, cuerdas, polvo de mármol,
superficies quemadas, madera, hierro, etc.
Subraya el material pictórico, la ,escritura, la
sugestión
Sustituye la composición, frecuentemente por
seriación y distribución regular de los
elementos.-
Rebeldía frente a toda estructuración
preconcebida y racional.
Fomenta la sensibilidad táctil y el valor de la
textura de los materiales.
El informalismo es un movimiento pictórico que abarca
todas las tendencias abstractas y gestuales que se
desarrollaron en Francia y el resto de Europa después
de la Segunda Guerra Mundial, en paralelo con el
expresionismo abstracto estadounidense. Dentro de él
se distinguen diferentes corrientes, como la abstracción
lírica, la pintura matérica (Antoni Tàpies), la Nueva
escuela de París, el tachismo, el espacialismo o el art
brut. El crítico de arte francés Michel Tapié acuñó el
término art autre (arte otro) en el libro homónimo, de
1952, sobre el arte abstracto no geométrico.
http://www.monografias.com/trabajos14/arte-abstracto-xx/arte-abstracto-xx.shtml
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Dentro de esta tendencia, cada artista deja toda la libertad a lo
imprevisto de las materias (gusto por la mancha y por el azar) y
a la aleatoriedad del gesto, rechazando el dibujo y el control, así
como la concepción tradicional de la pintura y su desarrollo,
que va de la idea a la obra terminada, pasando por los esbozos
y los proyectos; es una obra abierta que el espectador puede
leer libremente.
La aventura pictórica es completamente nueva: en vez de ir de
un significado para construir signos, el artista comienza por la
fabricación de signos y da a continuación el sentido.
Características plásticas de esta pintura son: la espontaneidad
del gesto, el automatismo, el empleo expresivo de la materia,
inexistencia de ideas preconcebidas, la experiencia de lo hecho
hace nacer la idea, la obra es el lugar y el momento privilegiado
en que el artista se descubre; es el final de la reproducción del objeto para la representación del
tema que se convierte en la finalidad de la pintura, con un aspecto a veces caligráfico, pudiendo
hablarse de una «Abstracción caligráfica» en relación con la obra de Georges Mathieu, Hans
Hartung o Pierre Soulages.
http://bitacoraponchoarte.blogspot.com/2011/08/informalismo.html
EL POP ART
En torno a 1955 algunos artistas americanos como Robert Rauschenberg (1925) y Jasper Johns
(1930) siguiendo la tradición dadaísta comenzaron a utilizar objetos de la vida cotidiana como
punto de partida de algunas de sus obras. Así Rauschenberg generó sus Combined paintings
(pinturas combinadas), como su famosa Cama, consistente en el conjunto de sábanas, colcha y
almohada de una cama semideshecha que hacía las veces de lienzo y sobre la que había aplicado
pintura.
Jasper Johns, por su parte, tomó como modelo de sus creaciones objetos tan triviales como
banderas o latas de cerveza. Por la misma época en Gran Bretaña algunos pintores, arquitectos,
escritores y críticos, entre los que destacaron Eduardo Paolozzi (1929) y Richard Hamilton (1922)
formaron el "Grupo Independiente"en cuyo seno se fueron generando los fundamentos y aun el
propio término de pop-art.
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Tracer, de Robert Rauschenberg
La nueva estética surgió de la consideración de la influencia de los medios de comunicación de
masas en la sociedad y en el arte. De ese modo, el nuevo estilo se configuró como figurativo y
realista, tan realista que con frecuencia se limitó a reproducir literalmente imágenes del mundo de
la publicidad, fotografías de los ídolos del cine y de la música, imágenes del cómic o simples
objetos de uso cotidiano.
Por todo ello el pop fue eminentemente urbano y vulgar, pero supuso la asimilación, para el
mundo del arte, de una cultura popular que las nuevas técnicas de comunicación habían
implantado siendo capaces de crear su propio mundo icónico. La difusión del pop-art fue rápida y
se dejó notar en casi todo el mundo y así como ensalzó a los grandes mitos de su tiempo, creó
también los propios en figuras como Andy Warhol (1928-1987) de cuya obra destacan las
representaciones de carácter fotográfico o serigrafiado de productos como latas de sopa o de
grandes estrellas de Hollywood.
Otros creadores destacados del pop-art fueron Roy Lichtenstein (1923) que se inspiró en el mundo
del cómic; Claes Oldenburg (1929) que realizó las mejores obras de la escultura pop con sus
productos comestibles de escayola pintada o sus objetos gigantescos realizados en plástico
blando; o el británico David Hockney (1937) que desde las representaciones a modo de
"graffiti"(pinturas callejeras) pasó a realizar pinturas con imágenes publicitarias para continuar su
peculiar estilo con una conocida serie de "Piscinas"y dedicarse después con el mismo sentido pop
a la fotografía.
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Cuando se abre fuego, de Roy Lichtenstein
En la escultura, cabe destacar la obra de George Segal (1924) que con vaciados de yeso blanco
representa todo tipo de ambientes y personajes cotidianos llenos de realismo.
En España, el pop-art, desde un punto de vista más crítico, dio lugar al imaginativo y fructífero
Equipo Crónica formado por Rafael Solbes y Manuel Valdés, quienes, trabajando conjuntamente
tomaron como punto de partida para su obra la publicidad y la realidad política de la España de los
años 60 y 70, así como las grandes obras de la historia de la pintura.
El lenguaje de los abanicos, del Equipo Crónica.
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CONCLUSIONES
En el siglo XIX aparece el romanticismo en lo mas amplio sentido con su gusto por lo
pintoresco lo anecdótico y lo legendario, se experimenta un progreso técnico que
plantean nuevos problemas a los que hay que dar soluciones.
La definitiva preponderancia de la burguesía y el desarrollo de una conciencia crítica llevo
a los artistas a interesarse por la realidad.
Podemos decir que en el siglo xx se destacaron dos grandes épocas una en donde se
encontraban las vanguardias históricas, aquellas corrientes donde surge una autentica
revolución de las artes , en esta etapa se produjo la revolución de la historia del arte.
En el siglo xx el arte de la pintura abandona la naturaleza y su principal centro fue el
lenguaje de las formas y los colores sin intermediarios.
Otra gran etapa en la que se divide es en el arte Abstracto, desglosando muchas corrientes
de pintura y escultura, el camino hacia el arte abstracto fue a comienzos de 1910, en esta
etapa se obtiene un carácter mas simbólico, trasforma las figuras hasta hacerlas
irreconocible.
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Paginas web.
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BIBLIOGRAFÍA
wikipedia.org/wiki/Historia_del_Arte_del_siglo_XIX
http://es.wikipedia.org/wiki/Hermandad_Prerrafaelita
www.pintoresfamosos.cl/pinturas-siglo-19.htm
http://www.cultureduca.com/histart_sxx_pintura02.php
http://www.monografias.com/trabajos14/arte-abstracto-xx/arte-abstracto-xx.shtml
http://bitacoraponchoarte.blogspot.com/2011/08/informalismo.html
Textos.
Maria del Rocio Fargarl, Maria Jose Fernandes, Historia del arte,Siglo XIX y XX corrientes
del arte pictórico.
Teoría de la Arquitectura III, Arquitecta Dora Drada, 2007, vanguardias históricas del siglo
XIX y XX.
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