Polynésie Arts et Divinités 1760-1860 - musée du quai Branly

* ART ET AUTHENTICITE
Le mot « art » qui figure dans le titre de l’exposition et du catalogue qui l’accompagne,
n’est pas employé à la légère. Selon un cliché de l’anthropologie, de nombreuses
cultures n’ayant pas de vocable pour désigner l’art, l’utilisation du mot serait suspecte.
Ironiquement, même dans les langues européennes qui disposent d’un mot, il n’existe
pas de consensus sur son sens et sa définition est régulièrement réévaluée. Avant le XX e
Ironiquement, même dans les langues européennes qui disposent d’un mot, il n’existe
pas de consensus sur son sens et sa définition est régulièrement réévaluée. Avant le XX
siècle et avant le déplacement du champ de l’art sous l’effet du Modernisme, on parlait
rarement d’« art » pour les types d’objets figurant dans cette exposition. Les avantgardes
européennes admirent les canons formels de l’ « art dit primitif ». Elles les
introduisirent dans leurs productions artistiques ce qui était aussi une façon d’exprimer
leur respect pour leurs créateurs. Des artistes comme Pablo Picasso et Henry Moore, des
critiques comme Roland Penrose et Roger Fry ont été inspirés par cet art ou l’ont célébré
dans leurs propres œuvres. Ils n’étaient pas exempts de préjugés naïfs sur les « artistes »
et les sociétés qui l’avaient créé, mais ils lui donnèrent une nouvelle dimension, ce qui
obligea le public à le prendre de plus en plus au sérieux. Il n’est pas étonnant que
Picasso, Moore et Penrose aient chacun possédé des moulages de la figure reliquaire de
Rurutu, conservée au British Museum.
e
siècle et avant le déplacement du champ de l’art sous l’effet du Modernisme, on parlait
rarement d’« art » pour les types d’objets figurant dans cette exposition. Les avantgardes
européennes admirent les canons formels de l’ « art dit primitif ». Elles les
introduisirent dans leurs productions artistiques ce qui était aussi une façon d’exprimer
leur respect pour leurs créateurs. Des artistes comme Pablo Picasso et Henry Moore, des
critiques comme Roland Penrose et Roger Fry ont été inspirés par cet art ou l’ont célébré
dans leurs propres œuvres. Ils n’étaient pas exempts de préjugés naïfs sur les « artistes »
et les sociétés qui l’avaient créé, mais ils lui donnèrent une nouvelle dimension, ce qui
obligea le public à le prendre de plus en plus au sérieux. Il n’est pas étonnant que
Picasso, Moore et Penrose aient chacun possédé des moulages de la figure reliquaire de
Rurutu, conservée au British Museum.
Moore passa de nombreuses heures dans le musée, dans les années 1920, à dessiner des
sculptures de Polynésie et d’ailleurs. On qualifie désormais plutôt ces œuvres de
« tribales » ou d’ « ethniques ». Quel que soit l’adjectif, le mot « art » est désormais
solidement établi et vise moins à faire entrer ces objets dans des systèmes de
classification européens qu’à honorer le savoir-faire et la créativité des Polynésiens, au
même titre que sont aujourd’hui honorées et valorisées les traditions artistiques du
monde entier. La plupart des définitions de l’art le relient à l’esthétique, à des
jugements sur la beauté, le goût, la forme et l’habileté de l’exécution. Chacun pourra
remarquer le soin extrême et le raffinement avec lesquels les objets présentés dans
l’exposition ont été exécutés. Les qualités plaisaient à la fois aux artisans et aux
utilisateurs et elles étaient, en outre, garantes d’efficacité puisque ce soin devait
honorer les dieux comme une forme de sacrifice propitiatoire. Une esthétique du divin
était ici à l’œuvre.
Qu’un objet semble grotesque ou magnifique à l’œil occidental
ne compte pas. Ces choses étaient fabriquées pour remplir une
fonction, pour produire des effets dans le monde – et c’est
toujours le cas. Pour Alfred Gell (1998), l’art pris dans son sens
interculturel le plus large n’est pas une affaire d’esthétique ni
de sens, mais de production d’effets sur le milieu social, une
capacité à agir. Alfred Gell concevait l’art comme un système
d’action destiné à changer le monde plutôt qu’à être le support
de propositions symboliques. De son point de vue, un objet
d’art est l’équivalent d’une personne (ou d’un dieu). Il n’a ni
besoin d’être « beau », ni de « symboliser » ou de « représenter
» quoi que ce soit. Il matérialise ou rend sensible ce à quoi il
renvoie tel un index. Par respect pour les images ou « idoles »,
Gell rejette la conception timorée qui en fait de simples
« représentations » de la divinité, des auxiliaires de la piété et
affirme au contraire qu’ils sont des dieux – une instance
physique du divin.
Boîte à ossements en forme de personnage debout
Îles Australes, Rurutu © British Museum, Londres
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