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coup de maître
Finalement, les frontières entre le reggae et d’autres musiques
sont plus floues que ce qu’il n’y paraît. Bob Marley disait que
le reggae est une musique dure. Quand tu écoutes les lives de
Black Uhuru, au début des années 80, ça joue très sec, c’est
nerveux, ils sont habillés en cuir… De la même manière, les
skinheads faisaient partie des premiers fans de reggae en
Angleterre.
Est-ce finalement dans le dub que vous avez
la plus grande marge d’expression collective ?
En tout cas, ce pour quoi nous sommes allés vers le dub, c’est
pour l’espace de liberté que cela crée. Tu y as aussi bien le
côté roots de cette musique que son penchant électronique.
Ça nous laisse beaucoup de liberté. Dans notre cas, on a la
chance de pouvoir faire d’autres choses ensemble, notamment
ce ciné-concert. Quand on revient, on a de l’énergie, de l’inspiration.
C’est nécessaire pour éviter de stagner. Et puis, au
moment où tu reprends la parole, tu as peut-être un peu plus
d’attention.
Avec l’arrivée d’un nouveau chanteur, Jay Ree,
tous vos titres sont chantés. Qu’est-ce que
cela apporte à votre musique ?
De la simplicité. On a toujours trouvé que faire du dub stricto
sensus, en disant non à la voix, comportait le risque de tourner
en rond à un certain moment. Jay Ree nous apporte une manière
beaucoup plus simple d’aborder notre musique. Il y a
aussi une complémentarité entre lui et Jamika. Elle vient des
mots, de la poésie, et Jay Ree a pour lui son expérience de
chanteur. Avec notre façon de fonctionner “work in progress”,
chacun y trouve son compte et se pose comme il le sent.
Le titre Over/Time a quelque chose de très
puissant justement, avec une narration de
Jamika qui lui donne un côté Melody Nelson
version dub…
Gainsbourg était assez tôt sensible au talk over et Jamika
s’inscrit complètement dans cette tradition de poésie dub, de
slam. Ce qui est aussi intéressant par rapport à ce titre, c’est
que l’on avait simplement le début du morceau et il a complètement
pris forme au moment où on l’a enregistré. C’est un
instantané de nous six en studio, ensemble en train d’improviser
et de vivre notre musique. Sa force vient aussi de là.
24 LONGUEUR D’ONDES N°64
Tous ces changements ont-ils modifié votre
façon d’enregistrer ?
On a toujours eu des processus différents. Jusque Living in
monochrome, on se débrouillait dans un esprit DIY à fond.
À partir de Living, on avait un label (UWe) qui nous permettait
d’aller dans un studio professionnel. On a appris beaucoup de
choses avec les techniciens, mais nous n’avions pas autant
accès à la production que lorsqu’on était entre nous. On a
voulu revenir à quelque chose d’un peu plus DIY, pour toute la
phase de mix avec notre culture reggae-dub d’intervention
sur les morceaux. Ça reste une musique de remix où la matière
musicale est comme une matière à sculpter.
Hasard du calendrier ou coïncidence, votre coffret
5+1 est sorti en même temps que la 100 e
référence du label lyonnais Jarring Effects.
Quel regard portez-vous la scène dub FR, une
dizaine d’années après son éclosion ?
Déjà, quand on entendait parler de scène dub française il y a
dix ans, on se méfiait un peu. C’était risqué de parler de
“scène” : trois-quatre groupes n’allaient pas faire un mouvement.
Je trouve aujourd’hui qu’il y a un problème de renouvellement
sur le plan musical, mais aussi par rapport aux
groupes. À part High Tone et Brain Damage, ce mouvement
n’en a pas révélé beaucoup. Certains ont été placés de force
dans cette scène comme Meï Teï Shô ou Le Peuple de l’Herbe
alors que leur musique est bien plus large que ça. Le dub live,
c’est Mad Professor qui se trimballe avec ses consoles et ses
magnétos sur scène.
L’étiquette vous a quand même servi à une
époque.
Oui… Le point commun qu’il y a entre tous ces groupes-là, c’est
que tout le monde venait plus du rock alternatif que du reggae.
C’était au début des années 90, juste après le rock fusion
qui a facilité la rencontre entre les styles. Le côté instrumental
est aussi très important. Pas besoin d’un frontman qui te dit
ce que tu as à faire. Tu es là pour balancer le son, c’est tout.
Mais je pense que l’étiquette nous enferme. Elle permet d’identifier
les groupes, mais il faut toujours se méfier des chapelles.
En même temps, le dub, c’est ce que l’on faisait, ce que l’on
fait encore, et sans doute ce que l’on fait de mieux ! i
“electric soul”
Yotanka / Differ-Ant
La douceur angevine chère
à Du Bellay a semble-t-il
apaisé les esprits de nos
dubbers. Le spoken word de
Jamika et la ligne de basse
fatale de Scars le signifient
d’entrée. Le duo basse /
batterie frappe de nouveau
fort sur No idol. On y découvre
la voix chaude de
Jay Ree. Première impression
impeccable. Après un
Mind control typique de la
maison, le trip hop de Stay
et le progressif Yuri’s porthole
dévoilent toute la
richesse d’influence du
groupe. L’album monte en
intensité. Winston McAnuff
puis Jamika nous plongent
en apnées dub narratives,
Chewin’ mi mic la joue
dubamuffin et la complainte
Man made machine achève
le récital.
Sortie le 24 septembre