Dossier de presse - Palais des Beaux Arts de Lille

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Section 4 L’invention du décor Dessins anciens "L’architecture est un art qui par le dessin et par des proportions convenables imite et construit toutes sortes d’édifices. [Dans l‘École d’Athènes] est un édifice d’une magnifique architecture composée d’arcades et de pilastres, et disposée d’une manière à rendre sa perspective fuyante (…). (…) il [Raphaël] a voulu encore que les statues et les bas-reliefs, qui sont des ornements de son architecture, contribuassent en même temps à la richesse et à l’expression de sa pensée. " Raffaello da Montelupo (1505 – 1566) Aristotile da Sangallo (1481 – 1551) Dessins du « Le Livre de dessins de Michel-Ange » Dessins à la plume et encre brune, lavis brun, pierre noire, 21 x 13,8 cm D’après Michelangelo Buonarroti dit Michel-Ange (1475 - 1564) Sept études de têtes (mascarons) Sanguine sur papier beige, 20,5 x 36,5 cm Raphaël (1483 – 1520) Deux têtes d’après l’antique et deux études de Silène Pointe de métal sur papier préparé rose, 11 x 16,9 cm Jacques de Lajoüe (1686 – 1761) Décor de théâtre : vestibule d’un palais Pierre noire, plume et encre noir et lavis d’encre grise, mis au carreau à la pierre noire, 27,5 x 38,4 cm Gilles-Marie Oppenord (1672 - 1742) Fontaine et côté de galerie Plume et encre noire, sanguine, lavis de sanguine sur plusieurs papiers assemblés, 39,2 x 55,5 cm Hubert Robert (1733 – 1808) La colonnade de Saint-Pierre à Rome Graphite, plume, encre brune, lavis gris et brun, aquarelle, 22,4 x 28,2 cm Hubert Robert (1733 – 1808) Colonnade en ruines Plume, encre noire et aquarelle sur mise en place à la pierre noire sur papier blanc, 80 x 77 cm Victor-Jean Nicolle (1754 – 1826) Arènes de Nîmes Plume et encre brune, aquarelle, 16,3 x 23,9 cm Albert Debayser (1804 – 1886) Composition pour un panneau décoratif Plume et encre brune, aquarelle, 42 x 15,8 cm Pl. 1254 François-Louis-Florimond Boulanger (1807 – 1875) Vue intérieure d’une église Aquarelle, gouache, mine de plomb, plume et encre brune, 50 x 38,2 cm Carlos Batteur (1844 – 1913) Mosaïque de Pavie Plume et encre noire, aquarelle, crayon noir, 41,9 x 25,4 cm François Verly (1760 – 1822) Panthéon, à Paris Plume et encre noire, lavis gris, aquarelle, 62,2 x 48,8 cm François Verly (1760 – 1822) Le théâtre et les bains du peuple Pierre noire, plume et encre noire, lavis gris, aquarelle, 52,3 x 90,3 cm Œuvres contemporaines Le dessin en perspective, avec son maillage serré de lignes et de points de fuite, est parfaitement adapté au graphisme numérique. La création d’univers fantastiques, de cités imaginaires, de mondes merveilleux scrupuleusement architecturés pourvoient aux décors des films de science-fiction et des productions à effets spéciaux. Le numérique permet la conception d’architectures hybrides aux formes inconnues, entre le réel et le virtuel, proche d’un espace mental. Ce cyberespace abolit le déterminisme d’une architecture statique et inerte comme métaphore d’un certain équilibre. Inspirée entre autres par des modèles issus de la biologie moléculaire, la fluidité du numérique dissout la masse des volumes et génère des formes qui exaltent un désir de vitalité. Régie par la perspective, l’architecture est parfaitement assimilée par le numérique qui entraîne l’avènement de nouveaux plans de constructions transparentes, mobiles, organiques et fluides. Au cinéma, les réalisateurs puisent dans l’image de synthèse les ressources infinies à la création de mondes virtuels parfaitement illusionnistes. L’architecture historique est elle-même réinterprétée par l’animation de sa symbolique pour habiter le virtuel d’une âme mythique. Les artistes contemporains utilisent le patrimoine comme un répertoire de formes. La perspective n’est plus perçue comme un système qui réduit le regard à une vision cyclopéenne mais comme une construction qui aide l’espace numérique à s’étendre dans un univers imaginaire qui semble réel. Cette aspiration nous entraîne dans un jeu de relation physique à l’image et nous projette au centre d’un univers artificiel. Le point commun des images de synthèse est la volonté de faire entrer le spectateur dans les univers qu’elles décrivent. "L’homme s’affranchit ici de sa pesanteur physique et s’échappe par l’imagination dans un monde de synthèse que la technologie a créé pour lui". François-Louis-Florimond Boulanger (1807 - 1875) Coupe : décor intérieur d’une église Aquarelle, gouache, mine de plomb, plume et encre brune, 54,5 x 42,2 cm dossier de presse • e.motion graphique | 10
Œuvres contemporaines Logorama Réalisation: H5 [F. Alaux, H. de Crécy & L. Houplain] France / 2009 / 16’ / couleur Prix Découverte Kodak à la semaine de la critique du Festival de Cannes 2009. Production : Autour de Minuit en coproduction avec Addict, Arcadi, H5 & Mikros Image © Autour de Minuit/H5/Addict/Mikros/Arcadi Le studio graphique H5 est reconnu pour ses pochettes de disques (Superdiscount, Air, Demon…) et sa direction artistique (Dior, Cartier, YSL). François Alaux, Hervé de Crécy et Ludovic Houplain sont les auteurs de nombreux clips (Alex Gopher, Massive Attack, Röyksopp…), et sont régulièrement exposés en tant qu’artistes (Nuit Blanche 2007, Beaubourg, MoMA…). Entièrement composé de logos, Logorama est construit comme un mini polar à la fois ludique et politique. Deux flics (des bonshommes Michelin) prennent en chasse un gangster (Ronald McDonald) qui prend en otage un enfant (Haribo). La poursuite est interrompue par le séisme "The Big One" qui sépare la Californie du continent américain. La péninsule se transforme en un croissant de terre qui est la marque Nike. Les buildings, comme des monuments à la gloire des marques qu’ils symbolisent, s’écrasent les uns contre les autres. L’histoire se finit sur un bout d’île qui surnage parmi les décombres des images de marques. La terre vue du ciel correspond elle-même à la marque Universal qui évolue parmi les étoiles de la nébuleuse Milky Way. Sur un ton inspiré des films d’action volubiles et référencés à la Tarantino, Logorama détourne et exploite les logos comme des ready-made, qui synthétisent la nature de ce qu’ils vendent. Mais si l’objet industriel peut devenir une œuvre d’art, les marques déposées ne s’emploient pas sans autorisation. Logorama invalide la hiérarchie des valeurs de la consommation où le logo a plus de valeur que l’objet qu’il représente. La symbolique est plus forte et intouchable que la réalité. Les H5 en créant cet univers de logo peuplés d’êtres "logo typés" ont composé la peinture de vanités la plus emblématique de notre monde à la recherche d’une mythologie et de symboles forts. Streets Réalisation : LE CABINET France / 2002 / 1’20 / couleur © Le Cabinet Le Cabinet.Paris réunit les graphistes Pierre Emery et Marc Nguyen Tan. Ensemble, ils ont réalisé plusieurs projets pour les maisons de haute couture et les médias, Kenzo, Comme des garçons, Louis Vuitton, M6, Paris Première, Eurosport, Channel Four, Arte European TV Channel, Marie Claire Japon… Leurs images synthétisent les diverses techniques de l’illustration, du graphisme, du design, de l’animation et du film. Éveillant l’intérêt des perspectivistes, le très court film Streets du duo de graphistes réunis sous l’appellation Le Cabinet condense la réalité d’une ville à son tracé lumineux, pour vivre son exploration comme une sensation. Jubilee Line Réalisation (Animation et musique) : TIM HOPE UK / 2000 / 4’45 / couleur Modèles : Elly Smith et Justine Kenyan Production : Passion Pictures © Passion Pictures Réalisateur de spots publicitaires et de clips pour Coldplay, et R.E.M., Tim Hope de Passion Pictures est un réalisateur anglais qui aime fondre ensemble les techniques traditionnelles et celles de l’animation numérique. Ce film est extrait d’une série de films commandés par le British Council. En référence à la ligne de métro londonien du même nom, Jubilee Line de Tim Hope développe cette idée d’une cité transparente. Nostalgique, le réalisateur reconstruit graphiquement le Londres d’avant la construction de cette ligne pour y intégrer les modèles d’un défilé de mode. Conscient de ne recouvrer la capitale qu’il affectionne que dans son souvenir nostalgique, les modèles eux-mêmes, comme des figures à facettes, traduisent cette impression de ne plus faire partie des lieux que l’on a connus. Leur périple se termine au sein d’un théâtre, lieu illusionniste par excellence, comme pour démontrer la difficulté du corps humain à s’intégrer dans un univers structuré par les lois de la perspective, et par extension de la place de l’homme dans un développement urbain qui se soucie peu de son histoire. Strata #1 Réalisation: QUAYOLA France-Royaume-Uni / 2008/ 2’20 / couleur Musique : Autobam Photographie : James Medcraft Production : Quayola © Quayola/Onedotzero/MTV Strata #2 Réalisation: QUAYOLA France-Royaume-Uni / 2009 / 7’30 / couleur Musique : Mira Calix + Autobam, Cello : Oliver Coates Animation : Quayola, Labmeta Photographie : James Medcraft Production : Quayola / Elisa Scialpi Co-Production : Arcadi © Quayola Quayola se consacre à la réalisation de films courts qui se projettent en salle ou sous forme d’installation. L’évidence graphique de ses créations montre les structures qui se dégagent de la nature et de l’architecture. Strata#1 & Strata#2 sont deux films qui dévoilent la structure cachée d’un édifice baroque et d’une cathédrale gothique. Le numérique anime sous forme d’éclats les couleurs des fresques et des vitraux. La lumière des peintures et le rayonnement des rosaces se matérialisent sous la forme d’un réseau de facettes chromatiques. En perpétuelle évolution, leur multiplication semble suivre notre propre découverte des lieux. Reproduisant l’enchaînement décoratif des figures hybrides des grotesques , la prolifération des éléments crée finalement une nouvelle architecture mobile au sein des bâtiments. La raison de son apparition semble tout aussi énigmatique que le sens des grotesques, mais, comme elles, cette nouvelle architecture trouve sa raison d’être dans notre besoin de spiritualité qui ne trouve refuge que dans la représentation abstraite. dossier de presse • e.motion graphique | 11
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