Dossier de presse - Palais des Beaux Arts de Lille

Avant-propos
L’exposition intitulée E.motion graphique se formule comme une expérience qui se veut exemplaire dans l’activité scientifique et culturelle
des musées aujourd’hui. L’exposition prend appui sur la présentation au public de plus de 170 dessins de la collection du musée qui, du
XVI ème au XX ème siècle, donnent une définition visuelle du geste du dessinateur dans son évolution au sein de la culture européenne. La
confrontation avec l’animation graphique issue de la technologie informatique permet de repérer des effets de permanence entre l’art du
passé et la pratique contemporaine. L’ensemble donne à voir le double temps recherché de ce mouvement qui procure l’émotion et que
précisément traduit, dans un jeu de mots entre français et anglais, le titre E.Motion Graphique.
Malgré l’attention très contemporaine aux formes d’expression archaïques et primitives, la quête de l’illusion née dans la culture antique est
toujours aussi vivante.
Alain Tapié
Conservateur en chef du patrimoine
Directeur du Palais des beaux-arts de Lille et de l’Hospice Comtesse
E.motion Graphique : propos et œuvres exposées
Père des trois arts : peinture, sculpture et architecture, selon Giorgio Vasari, peintre et théoricien florentin du XVIe siècle, le dessin occupe
une place essentielle dans le processus créatif des artistes. À toutes les étapes de sa carrière, de son apprentissage à la pleine possession
de ses moyens expressifs, l’artiste, du XVIe au XIXe siècle, commence par être un dessinateur. Sa formation débute en effet par des études
dessinées, d’après des modèles antiques puis aborde le corps humain d’après le modèle vivant dans son détail anatomique, sa plastique,
sa pose, son visage. Viennent alors l’étude de la perspective qui permet de créer un décor ou d’étudier des personnages en raccourci, puis
l’étude des plis et des drapés qui couvrent les figures. L’artiste est alors prêt à entreprendre ses compositions, à les concevoir dans leur ensemble
comme d’en isoler des détails pour obtenir le résultat recherché, perfectionner son œuvre. La peinture dite d’histoire, évoquant des
scènes historiques, mythologiques, allégoriques ou religieuses - la plus considérée par la hiérarchie des genres mis en place par l’Académie
royale de peinture et de sculpture, à Paris au XVIIe siècle - nécessite cette pratique du dessin, plus particulièrement celle du corps humain ; la
représentation de l’homme apparaissant comme le sujet le plus noble. Le paysage, moins considéré est cependant un sujet de préoccupation
pour nombre de peintres d’histoire qui en font un élément "parlant" de leurs œuvres, par l’étude de l’atmosphère, de la symbolique des
plantes, ou comme lieu de méditation.
À la charnière du XVIIe et du XVIIIe siècle, Roger de Piles, l’un des principaux théoriciens français de l’époque, résume ses pensées et la place
qu’il accorde au dessin dans un ouvrage paru à Paris en 1708, un an avant sa disparition. Tout en y développant, dans son raisonnement,
des aspects techniques, De Piles expose dans son Cours de peinture par principe qu’il adresse aux amateurs, les principes de la peinture. Le
dessin - écrit-il - "est la clef des Beaux-Arts". Il est "le fondement de la peinture". Les citations introduisant les sept sections de l’exposition
reprenant les différentes étapes de la pratique du dessin classique et des genres picturaux que nous avons évoqués, sont extraites de son
ouvrage.
Si aujourd’hui, les techniques du dessin, l’utilisation de la pierre noire, la sanguine, la plume et l’encre brune, le pastel etc., ne sont plus les
mêmes, la conception graphique, comme moyen artistique d’expression des formes, relie l’œuvre du dessinateur d’hier à celle du vidéaste
d’aujourd’hui.
Cordélia Hattori
Chargée du Cabinet des dessins au Musée des Beaux-Arts de Lille
Les réalisateurs des années 2000 composent des images de synthèse qui donnent corps à une vision charnelle de l’univers numérique. Cela
transparaît particulièrement dans les clips, les films d’animation et de motion graphic où les formes adoptent des morphologies merveilleuses
et organiques. Derrière leur aspect ludique et séduisant, parfois poétique, ils composent un monde virtuel où les éléments semblent en
interaction permanente. Ils affirment par le processus d’hybridation des images qu’une âme habite le numérique.
Le graphisme contemporain condense toutes les formules de l’illusion visuelle : la perspective, le réalisme des apparences, la symbolique des
formes, le trompe-l’œil et les métamorphoses. Grâce à ses nombreuses combinaisons, allégoriques et fantastiques, il propose d’expérimenter
le dépassement de la matière dans la simulation.
Les images virtuelles sont maintenant considérées comme des objets relevant comme les autres du discours de l’historien. Longtemps,
la question de l’image fut celle de la vérité. Et en ce début de XXIe siècle, les artistes, au cœur des débats sur l’authenticité des images,
questionnent le numérique en regard de l’histoire de l’art et des idées pour évaluer sa réelle portée culturelle. « Aujourd’hui, les nouveaux
médiums apparaissent souvent comme des masques de médiums plus anciens. […] Même les technologies les plus avancées du monde
numérique continuent à produire des images qui sont agencées en fonction des capacités d’intuition de nos habitudes visuelles. » Les
technologies se modernisent mais elles répondent aux mêmes problématiques esthétiques. Autorisant à l’infini la synthèse de toutes les
représentations, l’ère numérique fait toujours appel à nos références culturelles, qui interrogent l’imitation du réel.
Il est encore trop tôt pour définir avec exactitude quelle place auront les images de synthèse dans la longue histoire de l’art, mais quelle
qu’en soit l’issue, la croyance à l’illusion du réel préexistait à leur apparition. Il s’agit toujours d’évoquer notre réalité par analogie et par
métaphore parce que nous continuons de mesurer le degré de vraisemblance des images par rapport au réel.
Régis Cotentin
Chargé de la programmation culturelle contemporaine au Musée des Beaux-Arts de Lille
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