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COLLECT Belgique Février 2023

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CALLEWAERT<br />

VANLANGENDONCK<br />

GALLERY<br />

BELGIAN ABSTRACT POST-WAR ART<br />

THE NEW FLEMISH SCHOOL<br />

26 February – 30 April <strong>2023</strong><br />

vernissage Sunday 26 February, 2 pm - 6 pm<br />

introduction by art historian Johan Pas<br />

PAUL VAN HOEYDONCK<br />

GUY VANDENBRANDEN<br />

WALTER LEBLANC<br />

MARK VERSTOCKT<br />

WOUT VERCAMMEN<br />

ENGLEBERT VAN ANDERLECHT<br />

JEF VERHEYEN<br />

JAN DRIES<br />

MARK CLAUS<br />

WANNES VAN DE VELDE<br />

VIC GENTILS<br />

BRAM BOGART<br />

In response to G58 Hessenhuis, Jef Verheyen<br />

and Englebert Van Anderlecht, at collector<br />

Hans Liechti's hotel in Grenchen, Switzerland,<br />

forge plans that would lead to the creation of<br />

the avant-garde artists' group The New Flemish<br />

School (1959–1965). The supportive role of<br />

gallery owner Hans Liechti can hardly be<br />

underestimated. Alongside important Swiss,<br />

German and French artists, he attracts a new<br />

batch of Belgian artists. After Lucio Fontana,<br />

Liechti is the second foreign art collector<br />

to acquire work by Guy Vandenbranden.<br />

From then on, Hans Liechti's collection<br />

includes many works by Belgian abstract<br />

artists. Part of his collection is now on display<br />

at Callewaert Vanlangendonck Gallery.<br />

Callewaert Vanlangendonck Gallery<br />

17 Sint-Jacobstraat, 2000 Antwerp<br />

Friday – Saturday – Sunday 2 pm - 6 pm<br />

or by appointment<br />

gallery@callewaert-vanlangendonck.com<br />

www.callewaert-vanlangendonck.com<br />

Brecht Callewaert +32 475 92 67 24<br />

Yoeri Vanlangendonck +32 476 44 46 11


Sommaire<br />

Menart Fair<br />

Première bruxelloise<br />

EST. 1971 / février <strong>2023</strong> N°522<br />

www.collectaaa.be<br />

50 ans après<br />

Picasso<br />

64<br />

Un mythe contesté<br />

52<br />

Les esquisses<br />

à l’huile<br />

42<br />

SUIVEZ-NOUS ÉGALEMENT<br />

SUR : @ARTMAGAZINE<strong>COLLECT</strong><br />

OURS<br />

Administration,<br />

Rédaction, Agenda<br />

Begijnhoflaan 464 G<br />

9000 Gand<br />

Tél. : 09/216.20.20<br />

Fax : 09/216.20.21<br />

collect@ips.be<br />

www.collectaaa.be<br />

ING 310-0657650-76<br />

IBAN BE91 3100 6576 5076<br />

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Secteur Art : Joris van Glabbeek<br />

Tél. : 09/216.20.24<br />

collect.net@ips.be<br />

Tout autre secteur : MAC-Strat SRL /<br />

Yves de Schaetzen<br />

Georges Huynenstraat 21A<br />

1560 Hoeilaart<br />

GSM : 0475/82.96.00<br />

yves@macstrat.be<br />

Rédacteur en Chef<br />

Christophe Dosogne<br />

Rédaction<br />

Els Bracke<br />

Celine De Geest<br />

Christophe Dosogne<br />

Trice Hofkens<br />

Collaborateurs<br />

Roxane Baeyens<br />

Gilles Bechet<br />

Jean-Marc Bodson<br />

Thijs Demeulemeester<br />

Gwenaëlle de Spa<br />

Gwennaëlle Gribaumont<br />

Elien Haentjens<br />

Johan Frederik Hel Guedj<br />

Diane Hennebert<br />

Anne Hustache<br />

Christine Vuegen<br />

Traduction<br />

Dynamics Translations<br />

Didier Vanhede<br />

Mise en pages<br />

Renaldo Candreva<br />

Freek Lukas<br />

Impression<br />

Graphius, Gand<br />

Distribution<br />

Librairies<br />

AMP<br />

La Poste<br />

Abonnements<br />

Pays d’Abonnements<br />

Ambachtenlaan 21 - Unit 2A -<br />

3001 Heverlee - Tél. 02/808.55.23<br />

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<strong>Belgique</strong> 49,5 €, Europe 70 €<br />

Les abonnements sont à reconduction<br />

automatique, sauf avis contraire<br />

envoyé au minimum deux mois avant<br />

la date d’échéance. Un abonnement<br />

offert en cadeau se termine automatiquement<br />

au bout d’un an. Pour un<br />

changement d’adresse, une résiliation,<br />

un numéro manquant, ou toute<br />

autre question, surfez sur :<br />

www.paysdabo.be<br />

En couverture<br />

Johannes Vermeer, La Fille au chapeau rouge,<br />

1664-1667, huile sur panneau, 22,8 x 18 cm.<br />

Washington, National Gallery of Art.<br />

Membre de l’Union des Editeurs<br />

de la Presse Périodique<br />

www.wemedia.be<br />

Editeur responsable :<br />

Patrick Snoeck, Begijnhoflaan 464G - 9000 Gand<br />

Pour les auteurs d’art visuel et les photographes :<br />

© CISAC / SABAM Belgium <strong>2023</strong><br />

Portrait : © Silvie Bonne<br />

Nulle partie de cette publication ne peut être reproduite<br />

et/ou publiée par impression, photocopie ou de toute<br />

autre manière que soit, sans l’autorisation écrite de<br />

l’éditeur. Ni la rédaction ni l’éditeur ne peuvent être tenus<br />

pour responsables des opinions et faits contenus dans<br />

les articles signés ou les contributions de ce magazine,<br />

lesquels n’engagent que leurs auteurs. <strong>COLLECT</strong> ne peut<br />

être tenu pour responsable du contenu des annonces<br />

publicitaires publiées, la responsabilité en incombant uniquement<br />

à l’annonceur. © Arts Antiques Auctions, Gand


Édito<br />

<strong>2023</strong>, année de tous les dangers ?<br />

L’année 2022 s’est définitivement inscrite<br />

comme un millésime exceptionnel pour<br />

les enchères d’art. Avec comme facteur<br />

d’expansion la globalisation du marché,<br />

l’afflux de nouveaux enchérisseurs, le<br />

développement des ventes en ligne et<br />

l’importance des liquidités dans le monde.<br />

L’auctioneer Christie’s, premier acteur du<br />

marché mondial, générait ainsi 8,4 milliards<br />

de dollars en ventes de tableaux et sculptures,<br />

tandis que le dernier rapport UBS/<br />

Art Basel révélait que 75 % des collectionneurs<br />

milliardaires souhaitent continuer<br />

d’acheter des œuvres cette année, alors que<br />

leurs dépenses ont pratiquement doublé<br />

depuis la fin de la pandémie. L’appétit de<br />

ces collectionneurs reste d’ailleurs particulièrement<br />

aiguisé pour les œuvres<br />

exceptionnelles et fraîches sur le marché,<br />

ce qui a fait le succès des nombreuses<br />

collections privées dispersées l’an dernier<br />

(car reportées en raison de la pandémie),<br />

tant chez Christie’s que chez Sotheby’s, de<br />

celle de Paul Allen aux trésors d’Hubert<br />

de Givenchy ou des Al Thani. Du côté de<br />

chez Sotheby’s, pas moins de 120 records<br />

du monde étaient par ailleurs battus en art<br />

moderne. Même Bonhams, qui s’est particulièrement<br />

développée l’an dernier, a vu<br />

son chiffre d’affaires bondir de 27 % par rapport<br />

à 2021, enregistrant 52 % de nouveaux<br />

acheteurs. Même constat de prospérité du<br />

côté des ventes privées qui, chez Sotheby’s,<br />

ont atteint 1,1 milliard de dollars, tandis<br />

que Christie’s parvenait à générer 1,2 milliard<br />

de transactions dans ce segment de<br />

marché basé sur la discrétion. Quant au<br />

grand mobilier classique, l’arrivée des vastes<br />

collections précitées a boosté des prix qui<br />

ont retrouvé des niveaux plus vus depuis<br />

les années 1990. Evidemment, ceci ne<br />

concerne que le haut de gamme. Le marché<br />

intermédiaire pâtit toujours d’un désintérêt<br />

généralisé de la jeune génération. Férue de<br />

nouvelles technologies et d’achats en ligne,<br />

sa frange la plus dynamique, issue pour une<br />

grande part de l’Asie-Pacifique, s’intéresse<br />

surtout à l’art contemporain et au luxe.<br />

Mais, pour beaucoup d’observateurs, ces<br />

résultats pourraient être le signe avantcoureur<br />

d’une surchauffe et d’un prochain<br />

krach. Ou, pour reprendre les termes de<br />

Vincent Noce dans La Gazette Drouot (n°2,<br />

13-01-<strong>2023</strong>), « le marché de l’art fonctionne-t-il<br />

au gaz hilarant ?» Sans doute pour<br />

partie, même si sa bonne santé supposée<br />

résulte en fait d’un effet report lorsque les<br />

autres débouchés comme la Bourse ou<br />

l’immobilier paraissent trop aléatoires. Or,<br />

entre autres signaux d’alerte révélateurs<br />

d’une surchauffe, il faut rappeler le délitement<br />

complet du marché des NFTs, qu’on a<br />

trop vite qualifié de nouvel Eldorado et qui,<br />

l’an dernier, s’est lamentablement écroulé.<br />

Même constat du côté des jeunes pousses<br />

de l’art contemporain qui laissent souvent<br />

perplexe, malgré les prix parfois stratosphériques<br />

générés par leurs créations. Lucide,<br />

Vincent Noce constate : «Les prix atteints<br />

par des jeunes pousses hors sol se justifient<br />

rarement par des qualités esthétiques qui<br />

pourraient les installer dans la durée. Les<br />

galeries d’art contemporain évitent d’en<br />

parler, mais elles gardent dans leur stock,<br />

des cimetières d’œuvres invendables dont<br />

elles ne savent que faire. » Le dernier rapport<br />

UBS/Art Basel n’a ainsi pas manqué de<br />

pointer, en 2022, la faiblesse des transactions<br />

en foires par rapport à 2019. A méditer,<br />

car en matière d’investissement, patience<br />

et longueur de temps font souvent plus que<br />

force et que rage.<br />

Christophe Dosogne<br />

RUBRIQUES<br />

6 Up to date<br />

10 Personalia<br />

12 Musées<br />

16 Paroles de galeristes :<br />

Whitehouse Gallery<br />

17 Galeries<br />

21 Paroles de galeristes :<br />

Dauwens & Beernaert<br />

22 L’artiste du mois : Julien Meert<br />

24 Zoom : Sanja Marušić<br />

DOSSIERS<br />

26 Johannes Vermeer : magicien de la<br />

couleur, de la lumière et de la perspective<br />

32 Emprunter un Vermeer ?<br />

34 Vermeer, le retour de Cupidon<br />

36 D’Ukraine... au cœur de la modernité<br />

40 Aristide Maillol<br />

42 Les esquisses à l’huile<br />

46 Au fil des siècles : la canne, bien plus<br />

qu’une aide à la marche<br />

50 Theodore Rombouts, entre Caravage<br />

et Rubens<br />

52 50 ans après Picasso,<br />

un mythe contesté<br />

58 Raphaela Vogel s’envole<br />

60 Bienvenue dans la Uhoda Collection<br />

64 Menart Fair à Bruxelles<br />

66 Enzo Mari, chantre de<br />

l’autodétermination<br />

70 Restaurer ses oeuvres ou non ?<br />

VENTES<br />

72 Focus International<br />

76 La surprise du mois<br />

77 Ventes en <strong>Belgique</strong><br />

AGENDAS<br />

92 Auction calendar<br />

93 Fair calendar<br />

94 Expo calendar<br />

95 Gallery calendar<br />

97 Bonnes adresses & Sites web<br />

97 Petites annonces<br />

La rédaction de <strong>COLLECT</strong> envoie<br />

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adresse électronique à : collect@ips.be


UP TO DATE<br />

Signa temporum, ars temporis…<br />

-><br />

Balthazar Martinot, pendule dite ‘‘de Brasilia’’,<br />

XVIIe siècle, détruite le 8 janvier dans le palais<br />

présidentiel du Planalto. © D. R.<br />

-><br />

Jean-Pierre Ransonnet, L’ailleurs. © de l’artiste / Courtesy BPS22<br />

La Fédération Wallonie-Bruxelles occupera<br />

le pavillon belge lors de la 60e Biennale des<br />

Arts visuels de Venise, en 2024. Dans cette<br />

perspective, elle lance un appel dont<br />

l’objectif est de sélectionner un projet<br />

artistique développé par un(e) commissaire<br />

d’exposition autour d’un ou plusieurs<br />

artistes plasticiens relevant de ses compétences<br />

linguistiques et témoignant de la<br />

vivacité de la création contemporaine sur<br />

son territoire. Deadline : le 01-03. www.<br />

artsplastiques.cfwb.be A Bruxelles, le<br />

Bright Festival revient du 16 au 19-02. Au<br />

programme, trois parcours à travers<br />

plusieurs communes. Outre la présence de<br />

nouvelles installations originales, le festival<br />

s’étend cette fois jusqu’à Schaerbeek. Le<br />

patrimoine architectural Art nouveau de<br />

Bruxelles sera également mis à l’honneur.<br />

www.brightfestival.brussels Du 10-02 au<br />

12-03, la Gare Maritime de Tour & Taxis<br />

accueille la première édition de Sculptura,<br />

festival réunissant une bonne vingtaine de<br />

sculpteurs internationaux. www.sculpturafestival.be<br />

Ouverte en 2015 à Bruxelles<br />

au numéro 68 de la place du Jeu de Balle, la<br />

galerie Marc Minjauw a quitté le quartier<br />

des Marolles et son marché aux puces à la<br />

mi-décembre 2022 pour rejoindre l’un des<br />

espaces de la nouvelle galerie Louise. Le<br />

lieu, donnant sur la place Stéphanie, a fait<br />

l’objet d’une rénovation récente, permettant<br />

d’accueillir la galerie sur une surface de 250<br />

m², avec six vitrines. www.mmgallery.be<br />

Début décembre, le gouvernement<br />

bruxellois décidait d’octroyer une rallonge<br />

de 22 millions d’euros au budget du chantier<br />

de Kanal Centre Pompidou, afin de faire<br />

face à la hausse des coûts des matériaux. Le<br />

montant total des travaux, fixé à 153 millions<br />

d’euros en 2021 (hors finitions muséales) a<br />

donc été réévalué à près de 172 millions<br />

d’euros. Début janvier, on apprenait en outre<br />

que l’ouverture de l’institution, déjà reportée<br />

en 2024, était encore décalée à l’automne<br />

2025… A Charleroi, après huit mois de<br />

travaux d’isolation et de mise en conformité<br />

du bâtiment, le BPS22 rouvre ses portes le 18<br />

février. La programmation reprend son cours<br />

avec la mise à l’honneur de deux artistes des<br />

années 1970 : Jean-Pierre Ransonnet<br />

(1972-1980), qui évoque la mémoire des lieux<br />

et des relations sociales de son enfance, et<br />

Jean-Pierre Point (1941-<strong>2023</strong>), décédé début<br />

janvier, qui, en portant une attention toute<br />

particulière à la richesse des couleurs, s’est<br />

attaché à présenter la beauté simple du<br />

quotidien. www.bps22.be Alors qu’on<br />

pensait être proche d’un accord entre les<br />

deux parties, la Grèce a annoncé début<br />

janvier rejeter la perspective d’un ‘‘prêt à<br />

long terme’’ des marbres du Parthénon par<br />

le British Museum de Londres. Les ministres<br />

grecs refusent en effet de reconnaître que<br />

l’institution britannique serait la propriétaire<br />

légitime des sculptures et qu’elle serait, de<br />

ce fait, en mesure de les prêter. De son côté,<br />

Michelle Donelan, ministre de la Culture<br />

britannique, déclarait à la BBC : «Nous ne<br />

devrions pas renvoyer [les frises], elles<br />

6


UP TO DATE<br />

-><br />

Le chantier de Kanal Centre Pompidou, en novembre 2022. © photo : Bart Grietens<br />

appartiennent au Royaume-Uni, où nous<br />

avons pris soin d’elles longtemps ». Ambiance.<br />

S Le 16 décembre, le marchand d’art<br />

Giuliano Ruffini, qui s’était rendu fin<br />

novembre à la justice italienne, était mis en<br />

examen par la justice française pour<br />

tentative d’escroquerie et tromperie.<br />

L’homme de 77 ans est accusé d’avoir<br />

orchestré pendant des décennies un trafic<br />

de faux. Il a été placé sous surveillance<br />

électronique. S Parmi les œuvres d’art<br />

vandalisées lors de l’insurrection du 8<br />

janvier dernier, au sein des institutions<br />

démocratiques de la capitale brésilienne,<br />

Brasilia, outre un grand tableau du peintre<br />

Emiliano Di Cavalcanti, on signale la forte<br />

dégradation d’une pendule française<br />

fabriquée par l’horloger de Louis XIV,<br />

Balthazar Martinot (1636-1714), retrouvée au<br />

sol, son coffre marron et doré très abîmé et<br />

un trou béant à la place du cadran. Il<br />

s’agissait d’un cadeau de la cour du<br />

Roi-Soleil à la couronne portugaise, apporté<br />

par le roi Joāo VI au Brésil, en 1808, lors de<br />

sa fuite de Lisbonne à l’approche des<br />

troupes napoléoniennes. La seule autre<br />

pendule de ce type réalisée par l’horloger se<br />

trouve au château de Versailles. S La foire<br />

Masterpiece, organisée fin juin à Londres<br />

depuis 2010, contrôlée depuis 2017 par<br />

MCH, la maison mère d’Art Basel, qui avait<br />

annulé deux éditions (2020 et 2021) en<br />

raison du Covid, n’aura pas lieu en <strong>2023</strong>. S<br />

Forts du succès de leur événement namurois,<br />

les organisateurs du salon Antica<br />

annoncent la tenue, du 19 au 23-04 sur le<br />

site de Tour & Taxis, de la première édition<br />

bruxelloise de ce salon d’art et d’antiquités<br />

haut de gamme, alliant qualité, éclectisme<br />

et convivialité. www.antica.be S En 2024, la<br />

maison de vente aux enchères Sotheby’s<br />

devrait ouvrir un nouveau siège à Hong<br />

Kong, sur la Six Pacific Place dans le quartier<br />

de l’Admiralty (où sont implantés ses<br />

bureaux actuels), ainsi qu’un espace<br />

d’exposition et une salle de vente dans le<br />

quartier du Landmark Chater. L’objectif :<br />

mener des ventes en direct, proposer des<br />

événements toute l’année et poursuivre la<br />

stratégie de développement de l’enseigne<br />

en Asie alors qu’elle fêtera, en <strong>2023</strong>, ses 50<br />

ans d’implantation sur le territoire. De leur<br />

côté, les maisons Christie’s et Phillips ont<br />

également fait part de leurs projets d’ouvrir<br />

de nouveaux sièges à Hong Kong. La<br />

première devrait s’installer en 2024 dans un<br />

immeuble conçu par le cabinet d’architectes<br />

de Zaha Hadid, tandis que Phillips prévoit<br />

d’inaugurer son espace dans le quartier de<br />

West Kowloon dès mars prochain.<br />

10 millions pour un Vermeer…<br />

C’est l’événement de ce printemps. L’exposition Vermeer au Rijksmuseum d’Amsterdam<br />

(lire par ailleurs) devrait attirer la grande foule. Elle réunit pas moins de 28 tableaux sur les<br />

37 recensés du grand maître de Delft, sans doute plus qu’il n’en put lui-même voir réunis de<br />

son vivant. Las, une peinture et non des moindre manque toujours à l’appel. Volé à Boston,<br />

le 18 mars 1990, Le Concert (1663-1666) faisait alors partie des collections de l’Isabella Stewart<br />

Gardner Museum qui en avait fait l’acquisition contre 5.000 dollars, en 1882, lors d’une<br />

vente organisée à Paris. Cette œuvre, qui vaudrait aujourd’hui pas moins de 250 millions de<br />

dollars (231 millions d’euros) sur le marché n’a toujours pas été retrouvée. Elle représente une<br />

élégante jouant du clavecin et un homme de dos, jouant du luth devant une femme chantant<br />

debout à ses côtés. Au premier plan apparaissent les détails d’un tapis d’Orient posé sur<br />

une table, un violon et une viole de gambe posée sur le sol. Sur le mur du fond, à droite, on<br />

reconnaît L’Entremetteuse de Dirck van Baburen, œuvre qui appartenait à la belle-mère de<br />

Vermeer. La rétrospective qui s’annonce, et le battage médiatique international autour de<br />

l’artiste, sera peut-être l’occasion d’un rebondissement ? Avis aux Sherlock Holmes en herbe :<br />

10 millions de dollars sont offerts par le FBI à qui, par ses informations, aidera à récupérer ce<br />

chef-d’œuvre, ainsi que les douze autres toiles (dont une exceptionnelle marine de Rembrandt),<br />

toujours portés disparus… www.gardnermuseum.org<br />

-><br />

Johannes Vermeer, Le Concert, 1663-<br />

1666, huile sur toile, 72,5 x 64,7 cm .<br />

Isabelle Stewart Gardner Museum,<br />

Boston, inv. P21w27<br />

7


UP TO DATE<br />

Quelques foires en février…<br />

-><br />

Atelier de Rembrandt, Portrait d’homme,<br />

XVIIe siècle. © Galerie Maru / Fine Art<br />

Wavre<br />

-><br />

Leendert van Accoleyen, Pour la maçonnerie porteuse et non porteuse, 2022. © de l’artiste / Pizza<br />

Gallery / Sculpture Park / Art Rotterdam<br />

-><br />

Isabel Miramintes, Corp Accord, sculpture.<br />

© Art Thema / Fine Art Wavre<br />

Du 09 au 12-02, Affordable Art Fair Brussels<br />

est de retour pour sa 14ème édition.<br />

Les visiteurs y ont droit à une aventure<br />

artistique avec un large éventail d’œuvres<br />

contemporaines en provenance de plus de<br />

80 galeries belges et internationales. Sept<br />

d’entre elles participent pour la première<br />

fois : Galerie Oever (Ostende), Artcode<br />

(USA / Mexique), Winarts Arte (Italie),<br />

GLO’ART (Neerharen-Lanaken), Galerie<br />

Cyril Guernieri (France), Galerie ACHILLEA<br />

(France / Allemagne) et Galerie 22 (France).<br />

www.affordableartfair.com S Nouvelle<br />

venue au calendrier, Fine Arts Wavre réunit,<br />

du 09 au 12-02 dans le chef-lieu du Brabant<br />

wallon, une cinquantaine de galeries belges<br />

et des pays limitrophes. La plupart des styles<br />

et des époques y sont représentés : cabinets<br />

de curiosités, peintures et sculptures<br />

anciennes, modernes ou contemporaines,<br />

bijoux, bijoux de créateurs, mobilier, argenterie,<br />

antiquités anglaises et art asiatique. La<br />

Galerie Maru, basée à Deurne, y présente<br />

un rare portrait d’homme attribué à l’atelier<br />

de Rembrandt. La Galerie Chastelain &<br />

Butes (Gand) annonce un beau tableau du<br />

peintre de genre allemand Gustaf Seyfferth<br />

(1868-1876), Le Nouveau Monde. Enfin, la<br />

galerie d’art moderne Pascal Mulpas de<br />

Wavre, montre un masque en bronze d’André<br />

Derain (1880-1954). www.wavrefineart.<br />

com S Au cours des dernières décennies, la<br />

foire madrilène d’art contemporain ARCO<br />

est devenue l’une des plus importantes<br />

plateformes artistiques du marché hispanophone.<br />

Du 22 au 26-02, sa 42e édition aura<br />

pour thématique ‘‘La Méditerranée : une<br />

mer ronde’’, initiative mettant en lumière les<br />

scènes artistiques des pays qui entourent<br />

cette mer, du nord au sud et d’une côte<br />

à l’autre. Nos régions y seront également<br />

représentées par Annie Gentils (Anvers),<br />

Harlan Levey Projects (Bruxelles) et Joey<br />

Ramone (Rotterdam). www.ifema.es/en/<br />

arco/madrid S En quête d’art contemporain<br />

cutting edge ? Rendez-vous à Rotterdam !<br />

Du 08 au 12-02, la ville entière se consacre<br />

à sa semaine de l’art, réunissant foires,<br />

ouvertures d’expositions, installations, spectacles<br />

pop-up et visites d’ateliers d’artistes.<br />

L’événement principal en est Art Rotterdam<br />

(du 09 au 12-02), dont on ne manquera<br />

pas cette année le parc de sculptures. Une<br />

vingtaine d’œuvres de grande dimension<br />

investissent la Tobacco Factory, un des espaces<br />

industriels situés sur le site de l’usine<br />

Van Nelle. Une partie est réservée aux<br />

artistes de Rotterdam, mais une sculpture<br />

du Belge Leendert van Accoleyen (Pizza<br />

Gallery, Anvers) est également annoncée. Le<br />

salon de design OBJECT vaut également le<br />

détour, tout comme le salon de la photographie<br />

Haute Photographie (tous deux du 09<br />

au 12-02). www.rotterdamartweek.com<br />

8


UP TO DATE<br />

Un nouveau Léonard<br />

pour Washington<br />

Le promoteur immobilier Ian Woodner (1903-1990), s’il n’est pas aussi<br />

connu que d’autres grands collectionneurs américains de la seconde<br />

moitié du XXe siècle, avait pourtant amassé plus de 1000 dessins de toutes<br />

époques, notamment de la Renaissance. Plus d’une centaine avaient été<br />

donnés, notamment à la National Gallery de Washington, qui a encore<br />

reçu, fin novembre, de la part des filles du philanthrope qui gèrent la<br />

fondation familiale, un autre cadeau de prix, promis depuis 2017 : l’une des<br />

caricatures auxquelles Léonard de Vinci s’adonna pendant une décennie,<br />

entre 1495 et 1508, chaque fois sur quelques centimètres carrés, devenant<br />

un des pionniers de la physiognomonie qu’allaient développer plus tard<br />

Lavater et Lombroso. L’ensemble de 30 feuilles, qui a connu la notoriété<br />

grâce aux copies qu’en fit son disciple Melzi, appartenait dans sa totalité au<br />

duc de Chatsworth au début du XVIIIe siècle, avant d’être ensuite morcelé<br />

et dispersé au gré des enchères. www.nga.gouv<br />

-><br />

Léonard de Vinci, Tête grotesque de vieille femme, 1489-<br />

1490, plume et encre brune sur papier vergé, 6,4 x 5,1 cm.<br />

National Gallery of Art, Washington.<br />

Tournai gagne<br />

le Challenge Patrimoine<br />

Entre le double portail roman donnant accès<br />

à la nef centrale de la cathédrale Notre-<br />

Dame de Tournai, classée au patrimoine<br />

mondial de l’UNESCO, se trouve une<br />

remarquable statue de la Vierge à l’Enfant<br />

dite Notre-Dame des malades, qui accueille<br />

visiteurs, pèlerins et souverains depuis<br />

le XIVe siècle. Aujourd’hui symbole de<br />

la cathédrale, elle est, dès lors, chère aux<br />

Tournaisien(ne)s. Cette œuvre gothique est<br />

la grande gagnante du Challenge Patrimoine<br />

2022, initiative de l’Institut royal du<br />

Patrimoine artistique (IRPA), lancée dans<br />

l’optique du bicentenaire de la <strong>Belgique</strong> et<br />

qui met, chaque année, en compétition,<br />

des trésors de notre héritage culturel dont<br />

l’état de conservation est préoccupant.<br />

Avec 4 633 votes, cette madone a véritablement<br />

conquis le cœur du public et dès lors<br />

retenue comme gagnante par la commission<br />

de personnalités belges composant le<br />

jury de cette édition. En d’autres termes,<br />

l’IRPA s’engage à octroyer une réduction<br />

de 5.000 euros sur le traitement de conservation<br />

et/ou restauration de cette statue.<br />

www.kikirpa.be<br />

-><br />

Notre-Dame des Malades, XIVe siècle,<br />

Tournai, Cathédrale Notre-Dame. © IRPA<br />

-><br />

Vive la Zwanze !<br />

La Zwanze est un type d’humour constitutif de l’identité belge. Sous des airs potache ou<br />

trivial, elle « fait penser après avoir fait rire », écrivait Sander Pierron (1872-1945), homme<br />

de lettres et critique d’art, coordinateur de la Great Zwans Exhibition de 1914. Dans la jeune<br />

<strong>Belgique</strong> du XIXe siècle, la zwanze s’illustre par un esprit frondeur, hérité de Tyl Uilenspiegel.<br />

Les Zwanzeurs refusent toute occupation de l’esprit. Subversifs à souhait, ils se moquent de<br />

manière subtilement ‘‘hénaurme’’ du petit monde culturel, artistique et politique. Ils combattent<br />

l’esprit de sérieux et battent en brèche les idées reçues. Dada n’est pas loin. L’historienne<br />

et journaliste culturelle Eliane Van den Ende nous livre les arcanes de cette singularité<br />

en un ouvrage réjouissant qui pointe les origines de l’humour et de l’identité belges.<br />

Eliane Van den Ende, La Zwanze. L’humour comme identité belge, Artha, Gand, ISBN 978-9-46436-812-3, 26 €<br />

9


Têtes de l’Art<br />

Antonio Recalcati<br />

In memoriam : Peintre autodidacte,<br />

né en 1938 à Bresso, dans la banlieue<br />

de Milan, Antonio Recalcati opère,<br />

à vingt-deux ans, une entrée fracassante<br />

dans le monde de l’art contemporain.<br />

Alors que l’abstraction<br />

domine la scène, il expose ses<br />

Empreintes, manifeste en faveur de<br />

la figuration – il avait appliqué son<br />

propre corps sur la peinture qu’il<br />

venait de répandre sur la toile. Célébré<br />

dans son pays comme un prodige,<br />

il est exposé à Bruxelles, réclamé<br />

à Londres... Désigné pour représenter<br />

l’Italie à la Biennale de Paris de<br />

1963, Recalcati en profite pour poser<br />

ses valises dans la capitale française.<br />

Il y rencontre ceux qui, tels Bernard<br />

Rancillac et Hervé Télémaque,<br />

militent pour un retour de l’image,<br />

tout en refusant de s’aligner sur le<br />

Pop Art anglo-saxon. Installé à Carrare<br />

depuis 1990, l’artiste décédait le<br />

4 décembre. C’est la galerie Kaléidoscope<br />

qui représente désormais<br />

son estate.<br />

© Facebook<br />

Fernando Campana<br />

In memoriam : Le 16 novembre, disparaissait<br />

à São Paulo, à 61 ans, le<br />

designer brésilien Fernando Campana,<br />

cadet des deux indissociables<br />

frères Campana. Ensemble, ils<br />

ont pendant près de quatre décennies<br />

réinventé les codes du design<br />

contemporain au Brésil. Depuis la<br />

pandémie, ils se consacraient à la<br />

création d’un musée de design en<br />

plein air inspiré de l’immense parc<br />

national d’art contemporain Inhotim<br />

sur les terres familiales, à Brotas,<br />

dans l’intérieur de l’État de São<br />

Paulo. L’ouverture est prévue cette<br />

année.<br />

Ger Luijten<br />

In memoriam : Il dirigeait depuis 2010<br />

la Fondation Custodia à Paris : Ger<br />

Luijten est décédé d’une crise cardiaque<br />

le 19 décembre à l’âge de 66<br />

ans, sur sa terre natale des Pays-Bas.<br />

C’était un directeur éclairé comme<br />

on les aime, pour son érudition en<br />

histoire de l’art et pour son charisme<br />

qui rejaillissait sur le rayonnement de<br />

la Fondation. Quand il s’exprimait,<br />

son œil bleu pétillait de la lumière<br />

de ces chefs-d’œuvre qu’il repérait<br />

avec un talent infaillible, animé par<br />

la joie de transmettre son enthousiasme.<br />

Après des études de dessin, le<br />

regard aiguisé et maîtrisant les diverses<br />

techniques du medium, il s’était<br />

tourné vers l’histoire de l’art et avait<br />

occupé la fonction de conservateur à<br />

Rotterdam (au musée Boijmans Van<br />

Beuningen, de 1987 à 1990) puis au<br />

département des arts graphiques du<br />

Rijksmuseum d’Amsterdam qu’il dirigea<br />

de 2001 à 2010.<br />

© photo : Daria Scagliola<br />

© photo : Miguel Schincariol<br />

Maya Picasso<br />

Pierre Dartevelle<br />

In memoriam : Décédé le 14 décembre<br />

à Uccle, l’expert en art premier et<br />

marchand Pierre Dartevelle (1940)<br />

avait réuni pendant un demi-siècle,<br />

une des plus belles collections privées<br />

d’art africain, notamment présentée<br />

chez Lempertz à Bruxelles en<br />

2018. Le Congo fut sa passion, initié<br />

par son père, Edmond, explorateur<br />

à l’époque de la colonie pour le<br />

musée de Tervuren. Il avait ouvert<br />

une galerie au Sablon, dont les rênes<br />

sont aujourd’hui tenues par sa fille.<br />

© photo : Valérie Dartevelle<br />

In memoriam : Maya Widmaier-Picasso,<br />

fille unique de Pablo Picasso et de<br />

Marie-Thérèse Walter, décédait le 20<br />

décembre à l’âge de 87 ans. Deuxième<br />

des quatre enfants de Picasso, et<br />

première de ses filles, elle était devenue<br />

une experte respectée du travail<br />

de son père, très impliquée dans les<br />

questions d’authentification. Profondément<br />

attachée à l’héritage de<br />

Picasso, elle avait réuni un grand<br />

nombre d’archives. Elle avait procédé<br />

l’an dernier à la dation de neuf pièces<br />

majeures en règlement de droits<br />

de succession.<br />

© photo : AFP<br />

10


Suzanne Tarasiève<br />

Anaïs Sandra Carion<br />

Nomination : Nommée, début janvier,<br />

directrice générale du MAD<br />

Brussels, Anaïs Sandra Carion<br />

(1991), diplômée en sciences de la<br />

communication à l’ESCG, a entamé<br />

sa carrière dans le monde du design<br />

en tant que journaliste pour la plateforme<br />

Designspeaking. Intégrant<br />

en 2015 le département communication<br />

d’Hermès Benelux Nordics<br />

à Bruxelles, elle s’y est concentrée<br />

sur le travail de jeunes designers et<br />

artistes pour la création de vitrines<br />

et publicités.<br />

© photo : Robin Joris Dullers<br />

In memoriam : La pétillante galeriste<br />

Suzanne Tarasiève s’est éteinte le<br />

27 décembre à Paris à l’âge de 73 ans,<br />

des suites d’un cancer, après une vie<br />

rythmée par l’amour de l’art et des<br />

artistes. Elle avait ouvert la galerie<br />

Triade à Barbizon, sa ville natale,<br />

en 1978. En ces années 80, le Tout-<br />

Paris s’y pressait pour découvrir les<br />

peintres Jean-Pierre Pincemin et<br />

Christian Bonnefoi lors de vernissages<br />

mémorables. En 2003, poussée<br />

par son ami collectionneur Marcel<br />

Brient, elle a fait partie des galeristes<br />

attirés par le nouveau quartier<br />

du 13e arrondissement de Paris. En<br />

2008, elle trouve son lieu de vie, doté<br />

d’une résidence d’artistes, le Lot 19,<br />

à Belleville. En 2011, l’ouverture de<br />

sa galerie dans le Marais la consacre.<br />

Elle était connue pour ses tenues<br />

extravagantes, moulées sur son<br />

corps athlétique, que Juergen Teller<br />

adorait photographier. Soucieuse de<br />

l’avenir de ses artistes, Suzanne Tarasiève<br />

a organisé la reprise de sa galerie<br />

par son équipe actuelle.<br />

© Say Who / photo : Jean Picon<br />

Virginie Devillez<br />

Mercato : Après six années passées<br />

à la tête du département Impressionnisme,<br />

Art moderne et contemporain<br />

chez Sotheby’s Belgium,<br />

l’historienne de l’art Virginie Devillez<br />

change de cap. Outre le courtage<br />

d’œuvres d’art, elle a notamment<br />

pour projet actuel le commissariat<br />

de la grande exposition monographique<br />

consacrée à l’artiste impressionniste<br />

et mécène Anna Boch, qui<br />

ouvrira ses portes en juillet prochain<br />

au Mu.ZEE d’Ostende.<br />

Adriano Pedrosa<br />

Nomination : La prochaine biennale<br />

d’art de Venise, dont la 60e édition<br />

est prévue du 20 avril au 24 novembre<br />

2024, aura pour commissaire<br />

général le Brésilien Adriano Perdosa,<br />

57 ans, directeur artistique du<br />

MASP, le Museu de Arte de São Paulo.<br />

Celui-ci a participé à de nombreux<br />

événements internationaux :<br />

commissaire adjoint de la biennale<br />

de São Paulo en 1998 et co-commissaire<br />

de celle de 2006, directeur artis-<br />

Marie Noble<br />

Nomination : Le Palais des Beaux-<br />

Arts de Charleroi annonçait, midécembre,<br />

la nomination de Marie<br />

Noble au poste de directrice générale<br />

et artistique de l’institution, une<br />

fonction qu’elle occupera à partir de<br />

la mi-mars en remplacement du<br />

directeur actuel, Pierre Bolle, atteint<br />

par la limite d’âge. Quadragénaire,<br />

originaire du Brabant wallon, germaniste<br />

et philosophe de formation,<br />

Marie Noble fut successivement<br />

commissaire adjointe artistique de<br />

Mons 2015, directrice des pôles danse,<br />

théâtre, littérature et médiation à<br />

Bozar et commissaire générale de la<br />

Foire du Livre de Bruxelles.<br />

© photo : Barbara Iweins<br />

tique de la triennale de San Juan<br />

en 2009, ou encore co-commissaire<br />

de la biennale d’Istanbul en 2012.<br />

Lauréat du Audrey Irmas Award for<br />

Curatorial Excellence <strong>2023</strong>, décerné<br />

par le Bard College de New York,<br />

Adriano Pedrosa est non seulement<br />

le premier curateur latino- américain,<br />

mais aussi le premier issu de<br />

l’hémisphère sud nommé commissaire<br />

de la biennale de Venise.<br />

© photo : Daniel Cabrel<br />

© Facebook<br />

11


MUSEES<br />

Kees van Dongen<br />

jusq. 07-05<br />

Musée Singer<br />

Laren<br />

www.singerlaren.nl<br />

Swedish Ecstasy<br />

du 17-02 au 21-05<br />

Bozar<br />

Bruxelles<br />

www.bozar.be<br />

« Regardez-moi, je vais devenir célèbre », ces mots pleins<br />

d’ambition sont ceux du jeune artiste Kees van Dongen<br />

(1877-1968), originaire de Delfshaven, à Rotterdam. De fait,<br />

il devint l’un des artistes les plus célèbres du XXe siècle, aux<br />

côtés de Matisse, Braque et Picasso. Cette exposition, organisée<br />

en collaboration avec l’Institut néerlandais d’Histoire<br />

de l’Art (RKD), met en lumière le tout début de la carrière<br />

de l’artiste et sa percée à Paris peu après 1900. En 1905,<br />

Picasso l’invite à occuper un atelier au Bateau-Lavoir. Dans<br />

ce Montmartre libre, Van Dongen se retrouve au coeur de<br />

l’innovation et devient le peintre de la figure, novateur par la<br />

couleur et la touche. (eb)<br />

Kees van Dongen, Lieuses, 1905, huile sur toile, 37,5 x 45 cm. Collection<br />

privée. © Pictoright Amsterdam 2022<br />

Comme la Suède assure ce semestre la présidence tournante du<br />

conseil de l’Union européenne, Bozar, selon une habitude désormais<br />

établie, organise une exposition consacrée à ce pays. Le commissaire,<br />

Daniel Birnbaum, critique d’art suédois, part du constat que le mysticisme<br />

et les spéculations ésotériques en constituent le fil rouge, tant à<br />

travers la littérature que les arts visuels, des écrits d’August Strindberg<br />

aux œuvres de Hilma af Klint (1862-1944). Cette créatrice était entourée<br />

d’un groupe d’artistes féminines moins connues, chacune explorant<br />

des sphères surnaturelles grâce à des techniques occultes : ainsi, af<br />

Klint fonda avec Anna Cassel, Cornelia Cederberg, Mathilda Nilsson et<br />

Sigrid Hedman, le groupe Les Cinq (De Fem), qui explora des champs<br />

spirituels à travers la méditation et les séances de spiritisme. C’est<br />

autour de ce groupe que l’exposition se développe, ouvrant le champ<br />

exploratoire jusqu’aux artistes actuels. (ah)<br />

Hilma af Klint, The Swan, The SUW Series, Group IX, No.7, 1914, huile sur toile.<br />

Courtesy The Hilma af Klint Foundation. © photo : Moderna Museet, Stockholm<br />

Michele De Lucchi.<br />

Futuro Gentile<br />

du 12-02 au 27-08<br />

CID<br />

Hornu<br />

www.cid-grand-hornu.be<br />

Michele De Lucchi, World Station,<br />

Education Stations, 2020. © de<br />

l’artiste / photo : Filippo Bolognese<br />

Michele De Lucchi est internationalement reconnu comme un designer et architecte ayant placé<br />

l’approche humaniste au cœur de son travail. Cette exposition en témoigne en un parcours double,<br />

chacun étant réservé à l’une de ses deux pratiques : les objets de design expérimental sont exposés<br />

dans le Magasin aux Foins, tandis que les architectures visionnaires des Earth Stations sont racontées<br />

à l’aide de vidéos et de maquettes, dans les Écuries. Michele De Lucchi (1951) estime que nous vivons<br />

une époque caractérisée par de grands changements déterminés par les découvertes scientifiques et<br />

les progrès technologiques. Malgré cette phénoménale évolution, notre vision de l’avenir demeure<br />

sombre et morose. Par son œuvre, il souhaite introduire un imaginaire plus confiant dans nos capacités<br />

et répondre de manière dynamique aux défis toujours plus complexes de l’humanité. (ah)<br />

12


MUSEES<br />

Thomas Demand<br />

du 14-02 au 28-05<br />

Jeu de Paume<br />

Paris<br />

www.jeudepaume.org<br />

Ghada Amer<br />

jusq. 16-04<br />

MUCEM – Fort Saint Jean<br />

/ Chapelle du Centre de<br />

la Vieille Charité / FRAC<br />

PACA<br />

Marseille<br />

www.mucem.org<br />

Né à Munich en 1964, Thomas<br />

Demand vit et travaille<br />

entre Berlin et Los Angeles.<br />

Depuis plus de vingt-cinq<br />

ans, il tente, au travers de<br />

ses photos et de ses sculptures,<br />

de saisir ‘‘l’inquiétant<br />

bégaiement de l’histoire’’<br />

qui définit la culture<br />

contemporaine de l’image.<br />

Alors qu’elles semblent<br />

représenter le monde réel,<br />

un examen plus attentif de<br />

ses photographies révèle<br />

qu’elles n’entretiennent avec<br />

lui qu’un fragile rapport<br />

de similitude, lequel trahit<br />

leur nature effective. Ce<br />

sont les photographies de<br />

sculptures, réalisées par<br />

l’artiste à partir d’images<br />

médiatiques existantes. Cette première rétrospective en France, se déploie<br />

en quatre volets : Histoires inquiétantes, Les mystères de la vie quotidienne,<br />

La pulsion architectonique et Des images qui bougent présentent la vision<br />

globale du monde de l’artiste et interrogent les événements historiques que<br />

nous consommons à travers le filtre des images. (ah)<br />

Thomas Demand, Daily. © de l’artiste / Adagp, Paris, <strong>2023</strong><br />

Voici une manifestation d’envergure, déployée dans<br />

trois lieux, qui réunit les différents modes d’expression<br />

plastique menés par Ghada Amer, artiste<br />

franco-américano-égyptienne : broderie, peinture,<br />

céramique, bronze et création de jardins, depuis ses<br />

débuts jusqu’à ses créations les plus récentes. Au<br />

MUCEM est mis en lumière le parcours transculturel<br />

et international de l’artiste : ce qu’on appelle<br />

l’Orient, sa perception par l’Occident, la traductibilité<br />

d’une culture dans une autre, la religion et la<br />

condition féminine. De leur côté, les jardins du fort<br />

accueillent sa première sculpture-jardin, A Woman’s<br />

Voice Is Revolution, tandis que le FRAC PACA réunit<br />

nombre de ses broderies, la chapelle du Centre de<br />

la Vieille Charité propose ses sculptures. (ah)<br />

Ghada Amer, Self-Portrait in Blue and Yellow [autoportrait en<br />

bleu et jaune], 2014, grès cérame avec incrustations de porcelaine<br />

et barbotine de porcelaine. Collection de l’artiste, New<br />

York. © de l’artiste / photo : Christopher Burke Studios<br />

Danai Anesiadou<br />

du 28-01 au 23-04<br />

WIELS<br />

Bruxelles<br />

www.wiels.org<br />

Danai Anesiadou, Untitled, 2022.<br />

© de l’artiste<br />

Née en Allemagne, Danai Anesiadou (1977) vit et travaille à Bruges. L’artiste exprime de<br />

multiples questionnements métaphysiques et personnels à travers un séduisant corpus<br />

d’œuvres tournées vers le cinéma, les sciences occultes, l’Antiquité grecque et l’état de<br />

notre monde contemporain. Pour cette exposition, elle réunit l’intégralité de ses objets<br />

domestiques, chaussures et vêtements, biens précieux – le tout solidifié en assemblages<br />

exubérants faits de résine ou dans des housses industrielles de rangement sous vide. Elle<br />

transforme ces objets en ‘‘orgonites’’, soit des transformateurs d’énergie, dans le but de<br />

remodeler sa propre vie. (ah)<br />

13


MUSEES<br />

Guerrilla Girls<br />

and Feminist<br />

Graphic Design<br />

du 28-01 au 17-09<br />

Museum für Kunst<br />

& Gewerbe<br />

Hambourg<br />

www.mkg-hamburg.de<br />

Maria Helena Vieira<br />

da Silva<br />

jusq. 03-04<br />

Musée des Beaux-Arts<br />

Dijon<br />

www.beauxarts.dijon.fr<br />

En 1989, les Guerilla Girls posaient une question fondamentale<br />

: pourquoi les femmes artistes sont si peu<br />

représentées dans les collections muséales, alors que<br />

le corps de la femme est l’un des plus importants<br />

en art ? Depuis, si les choses ont évolué, ce groupe<br />

international féministe n’a cessé de produire des<br />

œuvres humoristiques et caustiques, élargissant ses<br />

thématiques au sexisme, au racisme et à la discrimination.<br />

Outre la présentation de leurs œuvres, cette<br />

exposition fournit l’occasion d’élargir le propos en<br />

intégrant dans le parcours les œuvres du musée qui<br />

anticipaient cette réflexion. Ainsi, plus de 400 depuis<br />

1870 sont réunies. Un beau challenge à ne pas manquer<br />

! (ah)<br />

Guerrilla Girls, Do Women Have to Be Naked<br />

to Get Into The Met. Museum?, 1989. © Guerrilla Girls /<br />

Courtesy guerrillagirls.com<br />

Organisée à l’occasion des trente ans de sa disparition, cette rétrospective<br />

rassemble près de quatre-vingt œuvres de Maria Helena Vieira da Silva<br />

(1908-1992), afin de retracer les étapes-clés de sa carrière marquée par<br />

un questionnement sans relâche sur la perspective, les transformations<br />

urbaines, la dynamique architecturale ou la musicalité de la touche picturale.<br />

Le parcours se déploie en deux parties, la première étant rétrospective et<br />

chronologique tandis que la seconde met l’accent sur la relation privilégiée<br />

entre l’artiste et ses mécènes, le couple Kathleen et Pierre Granville, grâce<br />

auquel le musée des Beaux-Arts de Dijon conserve aujourd’hui près de<br />

quarante de ses œuvres. Urbi et orbi, le plus grand format jamais peint par<br />

l’artiste (300 x 401 cm), fut donné par elle au musée en 1972, afin de parachever<br />

cette donation. (ah)<br />

Maria Helena Vieira da Silva, La Grande chambre bleue, 1951, gouache et peinture à l’huile<br />

sur panneau d’isorel. © Dijon, Musée des Beaux-Arts / ADAGP,<br />

Paris 2022 / photo : François Jay<br />

D’Ouzbékistan...<br />

Le Louvre<br />

Paris<br />

www.louvre.fr<br />

(jusq. 06-03)<br />

Institut du Monde Arabe<br />

Paris<br />

www.imarabe.org<br />

(jusq. 04-06)<br />

Ces deux expositions invitent le visiteur au cœur de l’Asie centrale, sur les routes qui mènent à Samarcande<br />

et à Boukhara, et à découvrir l’Ouzbékistan, centre intellectuel, culturel et artistique, au carrefour<br />

de l’Inde, de la Chine et de l’Iran. Le Louvre accueille plus de 170 œuvres, parmi lesquelles des<br />

trésors nationaux ouzbeks, offrant une incursion inédite qui réserve quelques moments d’émerveillement,<br />

comme les peintures murales monumentales du palais des ambassadeurs de Samarcande, les<br />

pages d’un des plus anciens corans monumentaux des débuts de l’Islam et des trésors d’or provenant<br />

de Bactriane (sud de l’Ouzbékistan actuel), d’argent, de soie, de céramique fine. Parallèlement,<br />

l’Institut du Monde Arabe présente plusieurs centaines de pièces confectionnées au tournant du XXe<br />

siècle, qui plongent dans un savoir-faire ancestral : manteaux chapans et accessoires brodés d’or de<br />

la cour de l’émir, selles en bois peintes, harnachements de chevaux en argent sertis de turquoises,<br />

précieuses tentures brodées suzanis, tapis, ikats de soie, bijoux et costumes de la culture nomade,<br />

ainsi qu’une quinzaine de peintures orientalistes. (ah)<br />

Cuillère-fourchette Paykend, VIIe siècle<br />

ap. J.-C., fouilles de Boukhara. Musée<br />

du Louvre. © Art and Culture Development<br />

Foundation, Republic of Uzbekistan<br />

/ photo : Andrey Arakelyan<br />

14


MUSEES<br />

Maximilian von<br />

Goldschmidt-<br />

Rothschild<br />

du 28-01 au 04-06<br />

Museum Angewandte<br />

Kunst<br />

Francfort<br />

www.museumangewandtekunst.de<br />

Beyond the Streets<br />

London<br />

du 17-02 au 09-05<br />

Saatchi Gallery<br />

Londres<br />

www.saatchigallery.com<br />

Maximilian von Goldschmidt-Rothschild fut la seule<br />

personne d’origine juive à être anoblie par l’empereur<br />

Guillaume II en raison de son succès personnel et de ses<br />

activités philanthropiques. Il fut aussi un collectionneur<br />

passionné d’art décoratif, des reliques médiévales aux<br />

meubles de style Louis XV, en passant par la céramique,<br />

l’orfèvrerie et aussi la peinture des maîtres anciens. En<br />

1938, les nazis le forcèrent à vendre sa collection et son<br />

palais à la ville de Francfort. Tous les musées de la cité<br />

furent alors gratifiés d’œuvres dont beaucoup ont été<br />

restituées après la Seconde Guerre mondiale. Une histoire<br />

largement évoquée dans cette exposition. (ah)<br />

Hippocampe en forme de verre à boire, ca. 1590-1600, argent doré.<br />

© The Los Angeles County Museum of Art<br />

Pour la première fois depuis huit ans, l’exposition envahira tous les espaces<br />

de la galerie. A l’origine du Street Art, le graffiti est éphémère. Aussi, l’exposition<br />

réunira à la fois des œuvres originales, des photographies d’œuvres<br />

disparues et des installations spécifiques rappelant certaines d’entre elles.<br />

Le but est d’explorer le Street Art dans toute sa complexe diversité, son<br />

activisme, ses guerillas urbaines, ses domaines d’activité, depuis la peinture<br />

de trains jusqu’à la mode. Les grands noms du Street Art, du hip-hop, du<br />

punk rock et de la culture underground sont évoqués ainsi que le rôle particulier<br />

joué par la ville de Londres. (ah)<br />

Kenny Scharf, Closet #42 Bestest ever honor fraser, 2022. © de l’artiste / photo : Charles<br />

White / JW pictures<br />

Kiki Kogelnik<br />

du 02-02 au 25-06-<strong>2023</strong><br />

Kunstforum Wiens<br />

Freyung, n°9<br />

Vienne<br />

www.kunstforumwien.at<br />

Kiki Kogelnik, Superserpent, 1974. Vienne, Musée<br />

Ortner. © The Kiki Kogelnik Foundation<br />

Kiki Kogelnik (1935-1997) est avant tout considérée comme la seule artiste autrichienne<br />

à avoir embrassé le Pop art. Cette vaste exposition cherche à démontrer combien son<br />

œuvre dépasse cette tendance. Après avoir étudié en Autriche et voyagé en Europe, elle<br />

s’est installée à New York en 1962, s’intégrant effectivement dans le milieu artistique Pop.<br />

Mais, elle déploie sa propre réflexion critique de la société de consommation aux questionnements<br />

concernant les progrès technologiques, la médecine, le traitement du corps<br />

féminin et la réalité de sa propre vie d’artiste, de mère et d’épouse. Son travail, plein de<br />

punch et d’humour, témoigne aussi de son ouverture à de nouvelles matières comme le<br />

vinyle. (ah)<br />

15


Paroles de galeristes #02.<strong>2023</strong> — PART 1<br />

Whitehouse<br />

Gallery<br />

Oasis artistique loin<br />

du bruit<br />

La Whitehouse Gallery est établie dans<br />

une demeure du XVIIIe siècle au cœur<br />

d’un arboretum historique, à la lisière de<br />

Louvain. Depuis 2014, Bert Verlinden et Elly<br />

Kog y ont créé un endroit singulier consacré<br />

à l’art contemporain. Situé à l’écart des<br />

autres plateformes artistiques, c’est un lieu<br />

de rencontre accueillant artistes jeunes<br />

et confirmés qui y montrent surtout de<br />

nouvelles œuvres. Si les habitués des foires<br />

les connaissent, une visite sur place offre une<br />

expérience supplémentaire.<br />

<strong>COLLECT</strong> : Quelle est la vision<br />

de la galerie et comment<br />

celle-ci a-t-elle vu le jour ?<br />

Bert Verlinden et Elly Kog : « Le<br />

succès d’une galerie réside dans<br />

l’établissement de relations<br />

de confiance avec les clients<br />

existants et potentiels. Cela<br />

prend du temps de se faire une<br />

réputation comme enseigne de<br />

qualité, ce que dans le monde<br />

de l’art on nomme un ‘‘pedigree’’.<br />

Dès que vous avez une<br />

réputation, le bouche à oreille<br />

rend les choses relativement<br />

faciles. Mais comme pour toute<br />

entreprise, il faut continuer à<br />

proposer de la qualité à tous<br />

les niveaux, par exemple en<br />

termes d’expositions, d’artistes<br />

produits, de visibilité et de<br />

traitement rapide et correct des<br />

ventes. Tout cela contribue à la<br />

réputation de la galerie. »<br />

Quelle avancée majeure votre<br />

galerie a-t-elle connue ?<br />

« Nous avons débuté il y a huit<br />

ans et demi. Nous enregistrons<br />

une importance croissante de la<br />

fréquentation numérique et investissons<br />

donc de plus en plus<br />

dans notre site Web, avec de<br />

bonnes images des expositions<br />

et des reproductions de qualité<br />

des œuvres, des newsletters<br />

attrayantes et des posts Instagram<br />

sympas. Nous suivons<br />

aussi l’évolution des NFTs, car<br />

il est crucial de se tenir informé<br />

dans ce monde numérique.<br />

Tout cela élargit la base de notre<br />

clientèle. Ces dernières années,<br />

nous avons vendu à des Belges<br />

mais aussi à des clients sur tous<br />

les continents, essentiellement<br />

par la voie du numérique. »<br />

Comment décririez-vous les<br />

relations de votre galerie avec<br />

ses artistes ?<br />

« Des relations basées sur une<br />

confiance réciproque sont essentielles.<br />

En tant que galeriste,<br />

nous devons demeurer ouverts<br />

à un art de qualité, même s’il<br />

est ou devient moins vendable.<br />

L’artiste doit à son tour être<br />

honnête dans ses relations<br />

avec la galerie et évoluer en<br />

continu sur un plan artistique.<br />

Les réseaux jouent un grand<br />

rôle tant pour le galeriste que<br />

pour l’artiste, mais l’attention se<br />

porte ailleurs, c’est-à-dire vers<br />

les contacts commerciaux pour<br />

la galerie et artistiques pour les<br />

artistes. »<br />

Comment les collectionneurs<br />

arrivent-ils jusqu’à vous ?<br />

« Notre ‘‘galerie distante’’ ne<br />

peut pas compter sur des visiteurs<br />

occasionnels. Nous tentons<br />

de tenir nos clients informés<br />

par toutes sortes de canaux<br />

© Whitehouse Gallery<br />

« Nous suivons aussi l’évolution<br />

des NFTs, car il est crucial de se<br />

tenir informé dans ce monde<br />

numérique. »<br />

et d’étendre ainsi leur nombre.<br />

La participation à des salons<br />

d’art de qualité et une présence<br />

en ligne sur une plateforme<br />

artistique internationale comme<br />

Artsy revêtent dès lors une<br />

importance capitale. Un accueil<br />

chaleureux dans un bâtiment<br />

remarquable constitue à nos<br />

yeux un atout majeur. »<br />

Comment découvrez-vous<br />

vos artistes ?<br />

« Nous recherchons sans cesse<br />

des artistes novateurs qui<br />

produisent des œuvres valables<br />

sur un plan technique et avec<br />

une idée sous-jacente. Nous les<br />

découvrons tout d’abord sur les<br />

conseils de nos propres artistes.<br />

Nous visitons aussi beaucoup<br />

d’expositions et d’ateliers.<br />

Bruxelles est très attractive pour<br />

les artistes. Et, par bonheur,<br />

les collectionneurs belges<br />

sont également ouverts à l’art<br />

venant de l’étranger. »<br />

Vous inspirez-vous des tendances<br />

du marché ?<br />

« Depuis la pandémie, la vente<br />

d’art en ligne a considérable-<br />

ment augmenté. Des images<br />

de qualité des œuvres jouent<br />

dès lors un rôle crucial. Il en<br />

résulte que les œuvres doivent<br />

rapidement nous parvenir pour<br />

une foire ou une exposition,<br />

ce qui n’est pas toujours facile<br />

pour les artistes. Le processus<br />

de communication numérique<br />

préparant ce type de présentation<br />

garantit la moitié du<br />

succès. »<br />

À quel moment estimez-vous<br />

qu’une exposition est réussie<br />

?<br />

« D’abord lorsque de nombreux<br />

visiteurs se déplacent pour venir<br />

la voir. Une bonne vente est un<br />

deuxième indicateur de réussite,<br />

pour la galerie mais aussi<br />

pour la plupart des artistes ! »<br />

Isabel Fredeus. Are you coming<br />

or going? An analogue puppetry<br />

of light behaviour /<br />

Nancy Moreno. Buzz<br />

Whitehouse Gallery<br />

Lovenjoel<br />

www.whitehousegallery.be<br />

jusq. 19-02<br />

16


GALERIES<br />

Kean<br />

jusq. 22-02<br />

Galerie Duret<br />

Bruxelles<br />

www.galerieduret.com<br />

Johannes Kahrs<br />

et Philip Metten<br />

du 04-02 au 01-04-<strong>2023</strong><br />

Zeno X<br />

Borgerhout<br />

www.zeno-x.com<br />

Autodidacte, Kean (1988) a<br />

d’abord déployé ses talents<br />

dans l’espace urbain en tant<br />

que graffeur. Aujourd’hui, il<br />

livre des paysages abstraits<br />

qui impressionnent par la<br />

perfection de leurs dégradés.<br />

Résultat de nombreuses<br />

années de recherches,<br />

son processus de création<br />

rapide et précis, dû au très<br />

court temps de séchage de<br />

l’acrylique, dérive du graffiti<br />

ainsi que de la photographie :<br />

« Je travaille uniquement<br />

l’acrylique, avec des spalters<br />

– soit des pinceaux très larges<br />

et fins – pour réaliser ces<br />

dégradés. » Ses gammes de<br />

couleurs nous plongent dans<br />

des atmosphères nuancées<br />

qui convoquent les sens et une variété d’émotions. Nous sommes dans l’instant<br />

: le bleu profond d’un ciel nocturne, les oranges d’une soirée d’été, les<br />

roses du lever du jour… On contemple des horizons lointains, une sélection<br />

de tableaux abstraits qui ouvre une réflexion spirituelle. Particularité de<br />

cette exposition, la présentation d’une œuvre de petit format. Et pour cause,<br />

les créations de Kean sont généralement grandes, composées en tiers selon<br />

les principes de la photographie, avec le plus souvent une ligne d’horizon,<br />

franche ou estompée. (gg)<br />

Kean, Come a little closer, s.d., acrylique sur toile, 130 x 97 cm. © de l'artiste /<br />

Courtesy Galerie Duret – Prix : entre 3.200 et 8.900 €<br />

Que faut-il<br />

attendre de la deuxième<br />

exposition<br />

solo de Johannes<br />

Kahrs (1965) chez<br />

Zeno X ? Ses<br />

nouveaux tableaux<br />

s’inspirent une fois<br />

de plus d’images<br />

médiatiques ou<br />

d’arrêts sur image,<br />

peints différemment,<br />

et il s’agit<br />

parfois aussi de portraits. L’artiste ne cesse de remettre<br />

les choses en question, peignant entre autres deux fois le<br />

même homme dans la même pose. Si la figure ne trouve<br />

pas à sa place dans l’art de Philip Metten (1977), cela ne<br />

veut pas dire pour autant qu’il ne nous questionne pas.<br />

Il s’est fait un nom grâce à ses sculptures souterraines et<br />

ses installations accessibles. Une œuvre récente portait<br />

sur l’aménagement du restaurant ESSEN à Anvers. Cette<br />

exposition solo démontre que ses collages picturaux<br />

de papier ont pris une tournure plus sculpturale. Les<br />

collages de morceaux de toile cousue sont récents. Ils<br />

peuvent représenter des pixels d’images, un masque,<br />

une carte, un modèle architectonique. Son langage<br />

visuel mélange les échos de la Préhistoire et d’un avenir<br />

lointain, les rituels tribaux, le modernisme, les films de<br />

science-fiction et le cinéma expérimental. (cv)<br />

Philip Metten, 080322, 2022. © de l’artiste / Courtesy Zeno X Gallery<br />

– Prix : Philip Metten, de 3.000 à 15.000 € ; Johannes Kahrs, de<br />

20.000 à 70.000 €<br />

Ben Edmunds invite à gravir<br />

des montagnes<br />

du 04-02 au 19-03<br />

Tatjana Pieters<br />

Gand<br />

www.tatjanapieters.com<br />

La deuxième exposition solo de l’artiste britannique Ben Edmunds (1994) organisée par Tatjana<br />

Pieters s’intitule Second Mountain, comme l’ouvrage de David Brooks paru en 2020 sur la recherche<br />

d’une vie significative. L’ascension de la première montagne portait sur la carrière, la réussite,<br />

la richesse, autant de termes qui ne sont pas forcément synonymes de bonheur. Cette seconde<br />

montagne concerne le lien avec autrui et notre environnement. Quel est le pouvoir du tableau ?<br />

Par le passé, Ben Edmunds associait le potentiel transcendant de la peinture abstraite à sa propre<br />

expérience de sports comme la voile. Second Mountain est désormais une marque apposée sur les<br />

cadres confectionnés par l’artiste, comme s’il s’agissait de matériel d’escalade. Cela renvoie aussi<br />

au lien avec autrui. Signalons au passage deux tenues vestimentaires, une collaboration avec le<br />

créateur de mode Oliver Selic et une bande-son de Joe Clark. Dans une autre salle, Ben Edmunds<br />

présente Search Party, exposition collective réunissant une foule d’autres artistes amis, dont Beatrice<br />

Lettice Boyle et Charles Degeyter. (cv)<br />

Ben Edmunds, Miracles d’une nouvelle<br />

perspective, 2022 (détail), peinture<br />

pour textile et peinture acrylique sur<br />

toile avec contour différent et cadre<br />

fait main, 180 x 140 cm. © de l’artiste<br />

/ Courtesy Tatjana Pieters – Prix :<br />

10.000 €<br />

17


GALERIES<br />

Alioune Diagne<br />

jusq. 04-03<br />

Templon<br />

Bruxelles<br />

www.templon.com<br />

Arno<br />

Rafael<br />

Minkkinen<br />

jusq. 25-02<br />

La Patinoire Royale -<br />

Galerie Valérie Bach<br />

Bruxelles<br />

www.prvbgallery.com<br />

Pour la première fois<br />

à Bruxelles, le peintre<br />

franco-sénégalais Alioune<br />

Diagne (1985) dévoile une<br />

quinzaine de tableaux<br />

autour de la notion de<br />

voyage, de mouvance et de<br />

déplacement. L’artiste se<br />

distingue immédiatement<br />

en fondant, en 2013, un<br />

mode d’expression unique,<br />

le ‘‘figuro-abstro’’. Composé<br />

d’une image figurative<br />

créée à partir d’un nombre<br />

infini de motifs, l’œuvre de<br />

Diagne interpelle par sa<br />

complexité et le dynamisme de ses scènes qui dépeignent le quotidien de<br />

la communauté noire et de la diaspora africaine à travers le monde. L’exposition<br />

se déploie à travers une palette chatoyante : le vert citron côtoie<br />

l’indigo, l’aigue marine et le jaune canari dans une explosion de couleurs<br />

vives. Dans cette série, les toiles flirtent plus que jamais avec l’abstraction.<br />

De prime abord, l’œil se perd dans l’infinité des signes qui composent<br />

la toile et dont aucun n’est identique. Mais, c’est en s’éloignant que les<br />

toiles se livrent dans des scènes locales prises sur le vif. L’une dépeint une<br />

scène de marché, une autre montre un regroupement matinal sur la place<br />

publique. (gg)<br />

Alioune Diagne, Arrivée des pêcheurs à Cayar Sénégal, 2002, huile et acrylique sur toile,<br />

100 × 100 cm. © de l’artiste / Courtesy Templon, Paris – Bruxelles – New York –<br />

Prix : entre 25.000 et 30.000 €<br />

Exposées dans le monde entier, les œuvres du photographe<br />

finlando-américain Arno Rafael Minkkinen<br />

(1945) explorent essentiellement l’autoportrait, sur fond<br />

d’engagement militant en faveur d’une meilleure place de<br />

l’homme dans la nature. « Celle qu’il s’assigne à lui-même<br />

se veut souvent discrète, fondue, évocatrice de cet Eden<br />

perdu dans lequel l’humanité commença son aventure<br />

ontologique, précise le communiqué de presse. Habitant<br />

le monde, son monde, en poète, Minkkinen considère son<br />

intervention dans le paysage comme un prolongement<br />

naturel de son corps, faisant ainsi citation de la partie<br />

par rapport au tout. Cette tautologie amène à découvrir<br />

comment ce corps humain, le sien, s’intègre parfaitement<br />

dans la nature dont il est partie prenante, mais<br />

aussi tributaire. L’artiste n’hésite pas, en effet, à se mettre<br />

même en danger, à repousser les limites du possible et<br />

du tolérable par une forte contrainte corporelle liée à des<br />

pratiques de respiration, de contorsion, de résistance au<br />

froid et à la chaleur, cette posture ascétique, proche de<br />

celle du fakir, allant même parfois jusqu’à la disparition.<br />

C’est toujours seul que l’artiste se photographie au moyen<br />

d’un déclencheur, sans retouche ultérieure, ni intervention<br />

extérieure. » (gg)<br />

Arno Rafael Minkkinen, Stranda, 2007, Norvège, photographie, 147 x<br />

194 cm. © de l’artiste / Courtesy La Patinoire Royale – Galerie Valérie<br />

Bach – Prix sur demande<br />

Premier solo belge<br />

pour Kristian Touborg<br />

du 03-02 au 16-03<br />

Newchild Gallery<br />

Anvers<br />

www.newchildgallery.com<br />

Kristian Touborg, Void Portal (Portail<br />

vide, autoportrait), 2022, peinture à<br />

l’huile, peinture acrylique et colorant<br />

de sublimation sur polyester et tissu<br />

réfléchissant, 170 x 134 cm. © de l’artiste<br />

/ photo : Newchild Gallery – Prix : de<br />

8.000 à 25.000 €<br />

L’artiste danois Kristian Touborg (1987) réunit de nouvelles œuvres pour sa première exposition solo<br />

en <strong>Belgique</strong>. Il espère ainsi faire preuve d’originalité. Ses tableaux ont toujours quelque chose de<br />

tridimensionnel et il lui arrive de créer des sculptures. Mais c’est avant tout un peintre qui mélange<br />

techniques traditionnelles et nouveaux supports comme les impressions numériques. Il aime la<br />

nature, les fleurs, l’eau, la forme du corps, les superpositions, les couleurs et la lumière. Il l’exprime<br />

dans une nouvelle vidéo où il indique choisir des moments du quotidien pour créer une sorte de capsule<br />

temporelle. Il tente d’incorporer dans ses tableaux les structures sociales et ce qu’il observe dans<br />

le monde. L’été dernier, il présentait, dans le cadre d’une exposition collective à la galerie, le tableau<br />

intitulé Void Portal (2022), scène domestique dans un halo onirique magenta, réalisée au départ<br />

d’une photo de lui-même au lit. Ce tableau, qui ne fait pas partie de la sélection, témoigne d’emblée<br />

du caractère personnel de l’œuvre de l’artiste. (cv)<br />

18


GALERIES<br />

Fiona Rae<br />

jusq. 18-03<br />

Galerie Nathalie Obadia<br />

Bruxelles<br />

www.nathalieobadia.com<br />

Daniel De Thuin<br />

jusq. 28-02<br />

Antécédence –<br />

Galerie Ephémère<br />

Thuin<br />

Fiona Rae (1963) est l’une<br />

des peintres abstraites les<br />

plus importantes de sa<br />

génération. Depuis plus<br />

de 30 ans, elle élabore<br />

une œuvre au vocabulaire<br />

riche et complexe, capable<br />

à la fois de rendre hommage<br />

à l’histoire de l’art<br />

– l’artiste ne révoque pas la<br />

résonance Pop de certains<br />

motifs, ni l’influence d’une<br />

gestuelle propre à l’expressionnisme<br />

abstrait – tout<br />

en élaborant son propre<br />

langage visuel novateur,<br />

ancré dans notre contemporanéité.<br />

Cette exposition<br />

présente des peintures<br />

et des œuvres sur papier<br />

de 2015 à 2021. Un aperçu<br />

qui atteste de sa virtuosité<br />

picturale ainsi que de sa capacité à produire des images énigmatiques à<br />

l’expressivité vive. Au premier étage, des peintures appartenant aux séries<br />

Greyscale, Figure et Pastel. La disposition des œuvres révèle des variations<br />

chromatiques suivant une ascension dramatique du clair au sombre.<br />

Au deuxième étage, des œuvres de la série la plus récente Word, de la<br />

série Abstract ainsi qu’une sélection d’œuvres sur papier. (gg)<br />

Fiona Rae, Gouache (following darkness), 2017, gouache sur papier, 42 x 29,7 cm. © de<br />

l’artiste / Courtesy Galerie Nathalie Obadia Paris – Bruxelles / photo : Antony Makinson<br />

at Prudence Cuming Associates Ltd – Prix sur demande<br />

Diplômé de l’Académie des Beaux-Arts de Charleroi,<br />

Daniel De Thuin explore le dessin et la sculpture avant de<br />

poursuivre son travail artistique par la voie de la peinture.<br />

Celle-ci se fera de plus en plus abstraite, épurée,<br />

jouant essentiellement sur des nuances de gris reliées<br />

entre elles par une ponctuation colorée. De la sculpture,<br />

Daniel De Thuin conserve cette volonté d’introduire de<br />

la matière, du volume sur la surface picturale. Christian<br />

Dupont, ancien ministre de la fonction publique :<br />

« Ces splendides monochromes de gris, de toutes les<br />

gammes de gris, qu’il confectionne avec amour nous<br />

rappellent l’ardoise, le schiste, les toitures et les textures<br />

de nos maisons ouvrières. Du coup, la texture de la<br />

matière, entre brute et polie, se fait paysage sensuel... »<br />

Subitement, l’artiste a pris plaisir à laisser parler instinctivement<br />

ses pinceaux, ses couleurs, gestuellement<br />

et spontanément pour le seul plaisir de peindre. Des<br />

images étranges et fortes apparaissent librement. Entre<br />

matière et éther, entre rocs, vents, nuages, orages…, le<br />

visiteur se retrouve seul dans une atmosphère réveillant<br />

tous les sens. Un ensemble qui dégage un sentiment de<br />

quiétude palpitante. (gg)<br />

Daniel De Thuin, De pierres et d’éthers…, 2022, acrylique et huile sur<br />

toile, 80 X 120 cm. © de l’artiste / Courtesy Antécédence – Galerie<br />

Ephémère – Prix : entre 450 et 3.000 €<br />

L’aventure silencieuse<br />

des espaces intervallaires<br />

du 17-02 au 18-03<br />

Odradek<br />

Bruxelles<br />

www.odradekresidence.be<br />

André Lambotte, Sans titre, s.d., crayons de couleur<br />

sur papier, 21 x 21 cm. © de l’artiste / Courtesy<br />

Odradek – Prix : entre 1.000 et 4.000 €<br />

Sur une proposition d’André Lambotte, Odradek présente une exposition dont la thématique<br />

tient en une seule phrase de Rainer Maria Rilke, citée en 1985 par Henri Maldiney :<br />

« L’aventure silencieuse des espaces intervallaires. » Le lieu réunira des œuvres sur papier<br />

dans lesquelles les jeux de ‘‘blancs’’ (ou valeurs très claires) apparaissent comme des<br />

respirations, des silences, des ‘‘vides’’ (espaces intervallaires) qui parcourent les tracés plus<br />

colorés ou plus foncés de surfaces souvent plus importantes. Cinq artistes se partageront<br />

l’espace : les Belges Kiran Katara et André Lambotte, les Français Albert Palma, Jacques<br />

Pourcher et Frank Vigneron. Une programmation assurément pointue dans un lieu d’exposition<br />

toujours propice à la réflexion. (gg)<br />

19


GALERIES<br />

Nicolas Party<br />

jusq. 04-03<br />

Xavier Hufkens<br />

Bruxelles<br />

www.xavierhufkens.com<br />

Christian<br />

Renonciat<br />

jusq. 04-03<br />

Galerie La Forest Divonne<br />

Bruxelles<br />

www.galerielaforestdivonne.com<br />

Pour sa troisième exposition chez Xavier Hufkens, Nicolas Party (1980)<br />

présente un ensemble de nouvelles œuvres (pastels, cabinets et peintures<br />

à l’huile sur cuivre). Se plongeant dans l’art du passé, il a créé<br />

deux grands triptyques au pastel qui reflètent l’échelle des retables<br />

historiques. De l’œuvre de Jérôme Bosch (Le Jardin des délices) aux<br />

triptyques de Francis Bacon, les artistes ont longtemps exploré, par<br />

convention ou par choix, cette structure organisationnelle distincte.<br />

Dans ses triptyques, la nature occupe une place centrale : les arbres<br />

dominent l’un, les nuages l’autre. Maîtrisant l’art presque oublié de<br />

la peinture sur cuivre, l’artiste livre aussi des cabinets analogues aux<br />

petites peintures portables, ou icônes, traditionnellement destinées<br />

au culte privé. Il reproduit également les grisailles qui ornent souvent<br />

le revers de ces artefacts anciens. Lorsqu’elles sont fermées, les compositions<br />

monotones en gris et blanc dissimulent les couleurs vives de<br />

l’intérieur. (gg)<br />

Nicolas Party, Triptyque à la Forêt rouge, 2022, huile sur cuivre et huile sur panneau<br />

de bois, 31 × 49 × 6,5 cm. © de l’artiste / Courtesy Xavier Hufkens, Bruxelles / photo :<br />

Adam Reich – Prix sur demande<br />

Spectaculaires à souhait, les sculptures de Christian Renonciat<br />

(1947) nous plongent dans un espace qui interroge<br />

et remet en question notre perception. Par sa technique<br />

d’une finesse extrême, l’artiste s’inscrit dans la grande<br />

tradition de la sculpture sur bois, avec ses drapés et tout<br />

ce qu’ils contiennent de sensualité. Ses œuvres hyperréalistes<br />

entrouvrent, comme l’artiste l’explique lui-même, « la<br />

bibliothèque prodigieuse des sensations en mémoire ». Et<br />

c’est précisément de mémoire dont il est ici question. Ses<br />

sculptures, donnant la vertigineuse illusion du papier, du<br />

carton, de la laine ou encore de la mousse, convoquent instantanément<br />

le souvenir de ces matières sous nos doigts ou<br />

l’écho de leurs murmures dans nos oreilles. Une production,<br />

véritablement troublante, qui taquine nos sens, la tentation<br />

de toucher étant irrépressible. Pour sa première exposition<br />

personnelle à Bruxelles, l’artiste présente un important ensemble<br />

de bas-reliefs récents en tilleul, ayous et cèdre. (gg)<br />

Christian Renonciat, Ondée 1, 2022, sculpture en bois de tilleul, 75 x 60<br />

x 6 cm. © de l’artiste / Galerie La Forest Divonne – Prix : entre 3.000 et<br />

30.000 €<br />

Lysiane Ambrosino<br />

jusq. 11-03<br />

Tandemm<br />

Bruxelles<br />

www.tandemm.be<br />

Designer textile et illustratrice, Lysiane Ambrosino (1991) réalise des gouaches, des sculptures en<br />

argile et de mini-tapisseries. Basées sur le thème de la lumière de l’hiver, du chez soi, l’artiste nous<br />

présente une série de gouaches, de mini-tapisseries, de petites sculptures et mobiles en argile<br />

emplis de couleurs, de fleurs, de motifs et de lumière. Une ode au soleil, à la lumière présente, et si<br />

absente à la fois, durant l’hiver en <strong>Belgique</strong>. Diplômée de l’ENSAV La Cambre à Bruxelles, Lysiane<br />

Ambrosino travaille dans le secteur de la mode et de l’ameublement pour des marques et des<br />

studios de création. Elle questionne la couleur, le motif et l’assemblage dans ces projets. Passer du<br />

dessin à la matière et de la matière au dessin fait partie de son processus créatif. Pluridisciplinaire et<br />

curieuse, ses recherches s’articulent autour de plusieurs médiums et techniques (gouaches, textiles,<br />

dessins, collages...) où naissent des projets colorés, poétiques et parfois abstraits. Lysiane Ambrosino<br />

fait également partie du collectif d’illustration bruxellois Cuistax, dans lequel elle participe au<br />

Fanzine et à divers projets culturels et expositions. (gg)<br />

Lysiane Ambrosino, Sans titre (série :<br />

Soleil d’hiver), gouache, 30 x 40 cm. © de<br />

l’artiste – Prix : entre 20 et 450 €<br />

20


Dauwens<br />

& Beernaert<br />

Version Oldskool<br />

Joris Beernaert et Laurence Dauwens, de la galerie<br />

bruxelloise d’art contemporain Dauwens & Beernaert,<br />

s’associent à leurs collègues de la galerie anversoise<br />

de maîtres anciens Lowet de Wotrenge. Des œuvres<br />

de jeunes talents vont ainsi côtoyer celles de Frans<br />

Francken II, Jan Fijt et Hieronymus Francken I.<br />

Un entretien passionnant.<br />

<strong>COLLECT</strong> : Comment cette<br />

collaboration avec Lowet de<br />

Wotrenge a-t-elle vu le jour ?<br />

Joris Beernaert et Laurence<br />

Dauwens : Ce n’est pas la première<br />

fois que nous présentons<br />

des œuvres historiques. Lors<br />

de notre exposition inaugurale,<br />

intitulée Rétrospective/Introspective,<br />

nous avions montré un<br />

Warhol de 1984 qui avait été exposé<br />

pour la première fois chez<br />

Sabine Wachters, ancien propriétaire<br />

de notre immeuble. Le<br />

retour de cette œuvre était une<br />

forme d’hommage à l’histoire<br />

du lieu. Comme partie d’un<br />

concept, nous intégrons de plus<br />

en plus d’œuvres anciennes.<br />

Nous remontons un peu plus<br />

dans le temps avec Oldskool,<br />

soit jusqu’aux XVIe et XVIIe<br />

siècles. Ce dialogue avec les<br />

maîtres anciens est au cœur<br />

du concept. L’idée nous trottait<br />

dans la tête depuis un certain<br />

temps, car nombre de nos<br />

artistes se penchent de manière<br />

rafraîchissante sur des thèmes<br />

et techniques ‘‘old school’’.<br />

Nous avons trouvé en Tyr Baudouin,<br />

directeur et fondateur de<br />

la Galerie Lowet de Wotrenge,<br />

un partenaire idéal qui propose<br />

des œuvres de qualité muséale<br />

et s’est immédiatement<br />

enthousiasmé pour notre projet.<br />

Il faut se faire épauler pour<br />

mener cela à bien et nous avons<br />

trouvé cette expertise chez Tyr.<br />

Nous sommes ravis de pouvoir<br />

intégrer des chefs-d’œuvre,<br />

allant d’un magnifique portrait<br />

de Saint-Jérôme par Artus<br />

Wolffort à des dessins botaniques<br />

et tactiles à la plume de<br />

Nicolaas Struyk.<br />

Qu’est-ce qui rend ce dialogue<br />

intéressant ?<br />

Les canons de l’histoire sont immuables.<br />

Les paysages, marines,<br />

scènes de genre, portraits et<br />

natures mortes demeurent charmants.<br />

Sur le plan de l’utilisation<br />

des matériaux, les techniques de<br />

la peinture dominent toujours.<br />

Le contexte a, en revanche,<br />

énormément changé. C’est<br />

ce dont nous voulons témoigner<br />

avec Oldskool. L’artiste<br />

contemporain se retrouve face<br />

à la masse pesante de l’histoire<br />

de l’art, dans laquelle tout ou<br />

presque a déjà été dit et fait. Il<br />

peut y puiser l’inspiration, mais<br />

il n’est pas du tout certain de<br />

pouvoir produire quelque chose<br />

de pertinent. La modestie est<br />

sa seule échappatoire possible,<br />

comme en témoigne l’œuvre de<br />

Quinten Ingelaere, qui a réalisé<br />

une série de natures mortes<br />

inspirées d’Adriaen Coorte.<br />

Par la composition ou l’ajout<br />

d’éléments tactiles tels que des<br />

yeux, la nature morte se mue à<br />

la fois en étude de caractère et<br />

en portrait.<br />

Pourquoi misez-vous sur les<br />

expositions collectives ?<br />

Lors des visites d’atelier, nous<br />

avons constaté que de nom-<br />

© photo : Diego Franssens<br />

« Nous tentons, par nos expositions<br />

collectives, d’éliminer la pression<br />

qui pèse individuellement sur<br />

chaque artiste. »<br />

breux artistes abordent des<br />

thèmes susceptibles de donner<br />

lieu à un dialogue intéressant.<br />

Notre espace est par ailleurs suffisamment<br />

grand et imposant :<br />

il faut une production relativement<br />

massive pour le remplir<br />

par le biais d’une exposition<br />

personnelle. Nous tentons donc,<br />

par des expositions collectives,<br />

d’éliminer la pression qui pèse<br />

individuellement sur chaque<br />

artiste. A terme, notre ambition<br />

est d’évoluer vers un plus grand<br />

nombre d’expositions personnelles.<br />

Nous présenterons, par<br />

exemple, un solo d’œuvres de<br />

Toon Boeckmans, à Art Rotterdam.<br />

Ce type d’exposition vise-t-il<br />

à drainer un nouveau public à<br />

la galerie ?<br />

Nous souhaitons, avant tout,<br />

établir un dialogue entre les<br />

œuvres et le public. Si l’intégration<br />

des maîtres anciens<br />

parvient à attirer un nouveau<br />

public, tant mieux, mais ce<br />

n’est pas l’objectif premier.<br />

Nous constatons que certains<br />

clients associent sans hésiter art<br />

contemporain, maîtres anciens,<br />

design vintage, Art déco, œuvres<br />

précolombiennes, parfois même<br />

oldtimers dans leur collection.<br />

Pourquoi pas ? Elle doit intégrer<br />

une niche, car chaque domaine<br />

exige une extrême spécialisation.<br />

Une galerie est tributaire<br />

de sa réputation et de ses choix<br />

parmi l’offre pléthorique de l’art<br />

contemporain. Un marchand,<br />

actif sur le second marché, mettra<br />

plus volontiers l’accent sur la<br />

provenance, l’authenticité et le<br />

pedigree de l’œuvre. Nous nous<br />

réjouissons de pouvoir réunir ces<br />

deux domaines de compétence<br />

dans l’exposition Oldskool.<br />

Oldskool<br />

Dauwens & Beernaert<br />

Bruxelles<br />

www.dauwensbeernaert.com<br />

jusq. 13-02<br />

#02.<strong>2023</strong> — PART 2<br />

Paroles de galeristes<br />

21


L’ARTISTE DU MOIS<br />

Julien Meert<br />

Dans cette série, <strong>COLLECT</strong> éclaire la position qu’occupent les jeunes<br />

artistes dans le monde de l’art contemporain. Pourquoi ont-ils choisi<br />

cette voie, d’où leur vient leur inspiration et comment envisagent-ils<br />

leur place ? Ce mois-ci, c’est au tour du Bruxellois Julien Meert (1983).<br />

TEXTE : ELIEN HAENTJENS<br />

PORTRAIT : GUY KOKKEN<br />

Depuis plus de douze ans, Julien<br />

Meert crée tableaux, dessins<br />

et vidéos dans le lieu où Xavier<br />

Hufkens ouvrait sa première galerie<br />

dans les années 1980, derrière l’église<br />

de Saint-Gilles. Rendu célèbre grâce à<br />

ses portraits monumentaux, il tourne son<br />

regard vers le monde pour l’exposition<br />

Planetarium, inaugurée mi-janvier : « Les<br />

portraits signifiaient une confrontation<br />

avec moi-même. Je n’avais pas d’espace<br />

mental pour intégrer l’environnement.<br />

Cela change peu à peu. Cette évolution<br />

intérieure va de pair avec un glissement<br />

de mes toiles, de la verticale à l’horizontale,<br />

avec une utilisation marquée de la<br />

couleur. L’usage des pastels contrastait<br />

déjà avec le contenu relativement lourd<br />

de mes œuvres. Cette nouvelle étape,<br />

je la dois en grande partie à l’excellent<br />

encadrement de ma galerie. Après une<br />

exposition décevante, il y a six ans, j’étais<br />

sur le point de tout arrêter. Jusqu’au jour<br />

où Sébastien Janssen (Sorry we’re closed)<br />

m’a envoyé un e-mail de félicitations<br />

après avoir découvert mes portraits à<br />

l’occasion d’Unseen au Wiels. Il a ensuite<br />

visité mon atelier et m’a aidé, tant sur un<br />

plan psychologique que financier. Il m’a<br />

offert une liberté inconditionnelle, celle de<br />

retrouver plaisir de peindre et confiance<br />

en moi. J’irai jusqu’à dire qu’il m’a sauvé.<br />

Plus tard, j’ai également rencontré sa<br />

directrice, Emilie Pischedda, avec laquelle<br />

j’ai souvent de longues et passionnantes<br />

discussions sur mon travail. ».<br />

EXPÉRIENCE PHYSIQUE<br />

Planetarium offre à l’ancien étudiant de<br />

La Cambre l’occasion d’entrer en dialogue<br />

avec le monde extérieur. Les toiles font<br />

place, comme au théâtre, à des scènes<br />

imaginaires qui naissent en toute liberté,<br />

avec spontanéité : « Notre état physique<br />

me fascine et m’angoisse à la fois. La<br />

perception de notre corps est un thème<br />

récurrent dans mon œuvre. Dans ces<br />

nouvelles toiles, j’étudie l’influence du<br />

contexte politique ou culturel sur cette<br />

expérience. Même si j’incarne toujours le<br />

point de départ de mes œuvres, celles-ci<br />

sont devenues plus abstraites et offrent<br />

davantage de place à l’imagination du<br />

spectateur. Comme mes vidéos sont<br />

présentées sur des socles grandeur nature,<br />

l’action des économiseurs d’écran donne<br />

l’impression d’une sorte de tableau vivant<br />

ou d’une présence humaine. Les œuvres<br />

n’ont ni début ni fin, elles ne racontent<br />

22


L’ARTISTE DU MOIS<br />

« J’aspire à une<br />

approche scientifique<br />

de la peinture »<br />

pas d’histoires, mais stimulent de nouveaux<br />

niveaux sémantiques en lien avec<br />

les tableaux. » La réalisation d’animations<br />

est aussi relativement récente : « Je les ai<br />

expérimentées, pour la première fois, dans<br />

le cadre de Krieg, présentée à la PXL-<br />

MAD School of Arts de Hasselt, exposition<br />

qui a dû fermer ces portes au bout de<br />

quelques jours en raison de la pandémie.<br />

Les liens me paraissent évidents, même si<br />

jusqu’à présent je n’ai pas eu le courage<br />

de présenter ce travail en galerie. J’admire<br />

l’artiste Sigmar Polke parce que, durant sa<br />

carrière, il a expérimenté un grand nombre<br />

de formes et techniques. Je trouve ainsi<br />

essentiel de s’opposer à la dictature hiérarchique<br />

entre les différents niveaux de l’art.<br />

Pour cette raison, j’aime la musique, mais<br />

aussi les graffiti des années 1970 et 1980.<br />

J’admire la façon dont Blade a, en toute<br />

Sans titre, 2022, acrylique et crayon sur toile, 220 x 170 cm.<br />

© de l'artiste<br />

Faire-part, 2022, acrylique et fusain sur toile, 220 x 170 cm.<br />

© de l'artiste<br />

Condor, 2022, acrylique sur toile, 190 x 150 cm. © de l'artiste<br />

liberté, créé un univers personnel et drôle<br />

dans le métro de New York. Pour un artiste,<br />

c’est formidable de pouvoir utiliser divers<br />

supports. La peinture exige beaucoup<br />

d’efforts physiques, alors que le dessin est<br />

plus intime et que les animations peuvent<br />

en partie se créer sur ordinateur. Dans la<br />

perspective de cette exposition, j’ai été<br />

très réticent à partager les images sur les<br />

réseaux sociaux. Je ne souhaite pas que<br />

mon œuvre se consume à l’avance sur<br />

l’Internet et que le public ne prenne plus<br />

la peine de se rendre à la galerie. A ce<br />

sujet, Walter Swennen, un de mes grands<br />

modèles, a dit : ‘‘Si nous photographions<br />

un tableau, nous reproduisons ce qui est<br />

photogénique. Peindre ce n’est pas cela’’<br />

et aussi ‘‘L’art de la peinture n’est pas une<br />

simple image, c’est une image tirée de la<br />

matière.’’ Pour bien le comprendre, il faut<br />

expérimenter l’art physiquement. Ses tableaux<br />

sont aux antipodes d’Instagram. Ils<br />

demandent au spectateur un certain effort<br />

pour les déchiffrer, ne se dévoilant pas au<br />

premier regard. J’ai également le sentiment<br />

que son œuvre n’est pas influencée<br />

par les exigences du marché. A mes yeux,<br />

c’est donc un modèle d’intégrité. J’aspire<br />

moi-même à une approche scientifique<br />

de la peinture. Je tente de l’analyser et de<br />

la comprendre, puis de créer des images<br />

correspondant à notre société, qui soient à<br />

la fois actuelles et picturalement novatrices.<br />

À cet égard, l’exposition de Charline<br />

von Heyl, à la Galerie Gisela Capitain de<br />

Cologne, m’a littéralement époustouflé.<br />

Cette femme a su se réapproprier la<br />

masculinité de la peinture expressionniste.<br />

Cela m’a donné envie de miser davantage<br />

sur le geste et d’insuffler ainsi une plus<br />

grande énergie dans mes œuvres. J’espère<br />

que le public appréciera mes nouvelles<br />

créations. J’ai moi-même eu beaucoup de<br />

plaisir à les réaliser. J’ai appris à faire la différence<br />

entre l’existence de mes tableaux<br />

dans l’atelier, où ils font l’objet d’une<br />

intense recherche picturale, et leur vie sur<br />

le marché de l’art. Dès qu’ils sont à vendre,<br />

je m’en détache mentalement. »<br />

VISITER<br />

Julien Meert. Planetarium<br />

Sorry We’re Closed<br />

Bruxelles<br />

www.sorrywereclosed.com<br />

jusq. 18-03-<strong>2023</strong><br />

23


ZOOM<br />

Sanja Marušić<br />

Déni de photographie<br />

Très longtemps, la photographie<br />

d’auteur ne s’est déclinée qu’en<br />

noir et blanc, la couleur étant<br />

réservée aux usages commerciaux<br />

et aux souvenirs familiaux. À voir<br />

la production très graphique de<br />

la jeune artiste Sanja Marušić,<br />

dont une exposition est proposée<br />

au Nederlands Fotomuseum de<br />

Rotterdam, cette frontière entre art<br />

et art appliqué semble abolie.<br />

TEXTE : JEAN-MARC BODSON<br />

Sanja Marušić, With You, 2020. © de l’artiste<br />

On l’a aujourd’hui oublié, mais<br />

très longtemps la photographie<br />

d’auteur, la création<br />

artistique fut privée de couleur.<br />

Les raisons en sont multiples, mais<br />

la principale a certainement été, jusqu’à<br />

l’avènement du numérique, la difficulté,<br />

voire l’impossibilité pour les photographes<br />

de contrôler le rendu final de leurs images<br />

comme ils pouvaient le faire en noir et<br />

blanc. Le traitement standardisé des films<br />

que leur proposaient les laboratoires spécialisés<br />

ne différait en rien de celui réservé<br />

aux souvenirs de vacances des amateurs.<br />

Précisément, c’est en jouant avec cette<br />

proximité de la photographie vernaculaire<br />

que des auteurs comme William Eggleston,<br />

Joël Meyerovitz et Stephen Shore ont<br />

contribué à la légitimation artistique de<br />

la photographie couleur dans les années<br />

1970. Jugées alors triviales, leurs images<br />

ont en fait renouvelé un pacte de réalisme<br />

avec le public. Paradoxalement, en<br />

offrant une alternative à l’expressionnisme<br />

et au symbolisme omniprésents<br />

24


ZOOM<br />

Marušić fuit la<br />

réalité et se réfugie<br />

dans le rêve.<br />

passe chez elle par un déni implicite de<br />

la photographie, dont elle n’utilise que la<br />

technique. Comme elle le confiait à Fisheye<br />

Magazine, il y a deux ans, ses références<br />

sont du côté de la peinture : « Je m’inspire<br />

beaucoup des peintres polonais, russes<br />

et mexicains, ainsi que de la broderie, et<br />

des peintures sur objets » et ce, avec une<br />

prédilection pour « l’art soviétique des<br />

années 1930 ». Une précision qui place ses<br />

séries, sublimant certains épisodes de sa<br />

vie, dans la perspective des affiches graphiques<br />

de propagande. Ce que confirme<br />

la très grande proximité entre son œuvre<br />

personnel et ses travaux de commande, esde<br />

la photo d’art en noir et blanc, ils ont<br />

également ouvert la porte des institutions<br />

légitimantes – musées et galeries – à la<br />

photographie plasticienne. Sanja Marušić<br />

(1991) est assurément plus proche des<br />

artistes plasticiens utilisant la photographie<br />

que de ces coloristes américains<br />

soucieux de réalisme. Ses images aux<br />

tons vifs, souvent peintes, n’ont que faire<br />

du vraisemblable photographique. Leur<br />

lyrisme joyeux est même aux antipodes de<br />

la banalité désenchantée qui perdure dans<br />

la photographie documentaire depuis les<br />

années 1930 et qui a été réactualisée un<br />

demi-siècle plus tard par la légitimation<br />

de la couleur. En ce sens, son tropisme est<br />

bien moins photo que graphique.<br />

RÉFÉRENCES PICTURALES<br />

À première vue, le travail de la photographe,<br />

faisant la part belle à l’autoportrait<br />

inséré dans le paysage, rappelle inévitablement<br />

celui du grand Arno Rafael<br />

Minkkinen. À première vue seulement car,<br />

à y regarder de plus près, il en est l’exact<br />

opposé. Alors que le Finlando-américain<br />

se revendique de la photographie pure,<br />

sans retouche ni artifice, la jeune Croatonéerlandaise<br />

n’a de cesse d’effacer, sous<br />

des couches de couleur, l’empreinte nue<br />

et crue du réel. Ce ripolinage pourrait<br />

faire penser, dans le registre cinématographique,<br />

au film Les Demoiselles de Rochefort.<br />

Pour rappel, plutôt que de réaliser sa<br />

comédie musicale dans les décors d’un<br />

studio, Jacques Demy avait fait le pari de<br />

la tourner dans des quartiers de la ville<br />

charentaise dont il avait fait repeindre<br />

façades et volets de couleurs vives, sans<br />

vraiment en effacer le caractère provincial.<br />

Mais précisément, c’est à cet écart entre le<br />

décor naturel et son travestissement que<br />

le film doit son souffle poétique et non pas<br />

à la création de toute pièce d’un univers<br />

visuel. Tout l’inverse de Sanja Marušić, qui<br />

cherche le rêve dans la fuite du réel. Et cela<br />

Sanja Marušić, Eutierria, 2019. © de l’artiste<br />

sentiellement pour la mode ou la publicité.<br />

Un peu comme si, à terme, la légitimation<br />

artistique de la photo couleur avait aboli la<br />

distinction entre l’art appliqué et l’art.<br />

VISITER<br />

Sanja Marušić – Out of This World<br />

Het Nederlands Fotomuseum<br />

Rotterdam<br />

www.nederlandsfotomuseum.nl<br />

du 18-02 au 18-06<br />

25


Johannes Vermeer<br />

Magicien des<br />

couleurs, de la lumière<br />

et de la perspective<br />

Les tableaux de Johannes Vermeer<br />

ont toujours été rares. Ses<br />

admirateurs se bousculent partout<br />

dans le monde pour les découvrir.<br />

Ce qui ne manquera pas de se<br />

produire dans les mois à venir, au<br />

Rijksmuseum d’Amsterdam.<br />

TEXTE : BERNADETTE VAN DER GOES<br />

Il s’agit de la plus grande exposition<br />

rétrospective jamais organisée de<br />

l’artiste, avec pas moins de 28 tableaux<br />

sur les 37 recensés, plus que l’artiste<br />

lui-même n'en a probablement rassemblé.<br />

Et plus aussi que les vingt tableaux que le<br />

collectionneur et mécène Pieter Claesz<br />

van Ruijven et son épouse Maria de Knuijt<br />

acquirent de son vivant. En 1696, leur<br />

collection qui comptait alors 21 oeuvres<br />

de Vermeer, quitta Delft quand leur gendre<br />

Jacob Dissius en organisa la vente aux enchères<br />

à Amsterdam. Les tableaux furent<br />

ensuite disséminés en Europe, ensuite aux<br />

Etats-Unis avec la découverte de Vermeer<br />

par les collectionneurs américains au<br />

début du XXe siècle. Les très puissants<br />

industriels américains firent de Vermeer le<br />

héros de la peinture hollandaise du XVIIe<br />

siècle qu’ils rendirent dès lors inestimable.<br />

« Le plus grand trésor pour un collectionneur<br />

américain est un tableau de Vermeer<br />

de Delft », écrivait, en 1911, l’historien de<br />

l’art allemand Wilhelm von Bode dans le<br />

New York Times. Dix des 28 tableaux exposés<br />

au Rijksmuseum proviennent ainsi de<br />

collections américaines.<br />

FILS D’UN MARCHAND D’ART<br />

Comment Johannes Vermeer (1632-1675),<br />

fils d’un marchand d’art et tavernier, a-<br />

t-il pu devenir cet artiste à la renommée<br />

mondiale ? De son vivant, il ne fut pourtant<br />

qu'un maître local. Vermeer est né à Delft<br />

où il vécut jusqu’à sa mort. Rien n’indique<br />

Vermeer ne cessait<br />

de réfléchir à ses<br />

compositions.<br />

qu’il ait suivi une formation artistique en<br />

Italie comme de nombreux autres peintres,<br />

ou qu’il se soit rendu dans d’autres pays. Il se<br />

peut qu’il ait, pendant quelques années, fait<br />

son apprentissage chez un peintre d’Amsterdam<br />

ou d’Utrecht. Quoi qu’il en soit,<br />

dès que Vermeer s’inscrivit à la fin de 1653<br />

comme maître à la guilde de Saint-Luc à<br />

Delft, il y demeura jusqu’à la fin de ses jours.<br />

TECHNIQUES DE NUMÉRISATION<br />

La grande exposition du musée Prinsenhof<br />

de Delft présente les conditions de<br />

vie du peintre à l’époque. Elle s’étend au<br />

contexte historique et culturel dans lequel<br />

les tableaux de Vermeer virent le jour, à<br />

son réseau, sa famille, ses amis, ses collègues<br />

et ses sources d’inspiration. Les deux<br />

expositions font le point sur l’état actuel<br />

des recherches sur Vermeer. Quand il fut<br />

qualifié, en 1866, de « sphinx de Delft » par<br />

le critique d’art Théophile Thoré, peu de<br />

choses étaient alors connues à son sujet.<br />

Les connaissances sur la vie et les tableaux<br />

de Vermeer se sont considérablement<br />

étoffées et ne cessent d’ailleurs de s’étendre.<br />

Lors d’une récente étude réalisée à l’aide<br />

26


La Femme en bleu lisant une lettre, 1662-1664, huile sur toile, 46,6 x 39,1 cm. Amsterdam, Rijksmuseum.<br />

27


Le Verre de vin, 1659-1661, huile sur toile, 65 x 77 cm. Berlin, Gemäldegalerie Staatliche Museen zu Berlin.<br />

Ses représentations<br />

n’ont que l’apparence<br />

de la réalité.<br />

EFFETS LUMINEUX<br />

Johannes Vermeer est sans conteste l’un<br />

des peintres les plus talentueux du XVIIe<br />

siècle hollandais. Toute sa vie, il fut fasciné<br />

par la représentation de la réalité. Il avait<br />

une capacité d’observation phénomédes<br />

techniques de numérisation les plus<br />

évoluées, le Rijksmuseum révélait le dessin<br />

sous-jacent de La Laitière, ce qui a permis<br />

d’en savoir plus sur les méthodes de travail<br />

et les repentirs de l’artiste. Le Mauritshuis<br />

a appliqué les mêmes procédés à La Jeune<br />

fille à la perle et les résultats seront connus<br />

en juin.<br />

INTERACTION<br />

Le négoce d’art de son père a permis au<br />

jeune Vermeer de côtoyer les artistes de<br />

Delft. Il connaissait sans doute les intérieurs<br />

d’églises de Gerard Houckgeest,<br />

Hendrick van Vliet et Emanuel de Witte.<br />

De même que leur utilisation novatrice de<br />

la couleur dans des espaces en perspective<br />

créant l’illusion de la lumière. Au milieu<br />

du XVIIe siècle, l’ancien disciple de Rembrandt<br />

Carel Fabritius vécut à Delft, tandis<br />

que Paulus Potter, Jan Steen et Pieter de<br />

Hooch s’y établissaient pour des périodes<br />

plus ou moins longues. Dans la seconde<br />

moitié des années 1650, Vermeer et De<br />

Hooch se mirent à peindre des intérieurs<br />

domestiques et une interaction artistique<br />

fructueuse naquit entre les deux artistes.<br />

Lorsque, vers 1660, De Hooch déménagea<br />

à Amsterdam, Vermeer continua à développer<br />

le genre, avec ses paysages urbains<br />

et ses visages, mais surtout ses tableaux<br />

discrets et intimes d’intérieurs représentant<br />

des jeunes femmes.<br />

28


nale et des connaissances approfondies<br />

sur les effets de lumière et la perspective,<br />

ne cessait de réfléchir à la structure de<br />

ses compositions et aux rapports entre<br />

les objets, mais était aussi attentif aux<br />

moindres détails. Possédant une fabuleuse<br />

technique de peinture, c’était un magicien<br />

des pigments, de la lumière et de la<br />

perspective, un maître dans le rendu de<br />

l’illusion, de l’immobilité, de l’harmonie et<br />

de l’intimité. On a récemment découvert<br />

que la fréquentation des jésuites lui a sans<br />

doute permis de s'initier à la camera obscura.<br />

Ainsi, même si ses thèmes et idées<br />

s’apparentent à ceux de ses contemporains<br />

comme Gerard ter Borch, Pieter de Hooch,<br />

Gabriël Metsu et Frans van Mieris l’Ancien,<br />

la singularité de Vermeer est toujours<br />

immédiatement identifiable.<br />

NOVATEUR ?<br />

L’examen des tableaux de Vermeer offre<br />

une expérience extraordinaire car il a<br />

innové tout en s’inscrivant dans la tradition.<br />

« Vermeer ne fut pas un novateur »,<br />

écrivait en novembre dernier le spécialiste<br />

de l’artiste, Albert Blankert : « Pas au sens<br />

où il créa un nouveau style ou introduisit<br />

des idées révolutionnaires. Il a emprunté<br />

son style et ses thématiques aux maîtres<br />

hollandais présents dans son entourage.<br />

Sa qualité réside dans le fait qu’il a entièrement<br />

prévu l’ensemble des conséquences<br />

d’une nouvelle approche de ce que d’autres<br />

s’étaient contentés de signaler ou d’explorer<br />

et il s’est engagé avec beaucoup de<br />

sérieux dans la poursuite de l’extrême,<br />

ce que cette nouvelle approche rendait<br />

possible. »<br />

FAUX-SEMBLANT<br />

Vermeer fut un perfectionniste, comme<br />

si cela ne lui coûtait aucun effort. Devant<br />

ses tableaux, certains admirent l’atmosphère<br />

de calme, d’autre s’enthousiasment<br />

pour leur réalisme poussé à l’extrême.<br />

Mais ce réalisme n’est, en grande partie,<br />

qu’un leurr, car Vermeer n’a en aucun cas<br />

représenté la réalité de manière littérale.<br />

Gregor Weber, conservateur des arts plastiques<br />

au Rijksmuseum, explique : « Pour<br />

réaliser ses intérieurs, Vermeer manipule<br />

son environnement, invente des motifs<br />

et les adapte à son gré. Dans chaque<br />

tableau, il est toutefois capable de créer<br />

une époustouflante illusion de la réalité.<br />

Son monde visuel illusionniste dérive de<br />

la combinaison harmonieuse de diverses<br />

composantes : l’immobilité des personnages,<br />

la maîtrise parfaite de la perspective<br />

et l’observation minutieuse des effets<br />

optiques, de même que l’équilibre entre<br />

acuité et flou dans la représentation. Il<br />

sait parfaitement rendre la lumière et<br />

ses reflets colorés. Il maîtrise non seulement<br />

à la perfection tous ces aspects,<br />

mais a aussi le sens de la composition,<br />

de l’ordonnancement et de la répartition<br />

des motifs sur la surface du tableau, avec<br />

leur jeu de lignes et la luminosité des<br />

couleurs. »<br />

La Fille au chapeau rouge, 1664-1667, huile sur panneau, 22,8<br />

x 18 cm. Washington, National Gallery of Art.<br />

La Femme à la balance, ca. 1662-1664, huile sur toile, 40,3 x 35,6 cm. Washington, The National Gallery of<br />

Art.<br />

29


Atelier de Johannes Vermeer, La Jeune Fille à la flûte, 1664-<br />

1667, huile sur panneau, 20 x 17,8 cm. Washington, National<br />

Gallery of Art.<br />

particularité ? En août 1663, Vermeer reçut<br />

la visite du diplomate français Balthasar<br />

de Monconys. Comme il n’avait rien à<br />

lui montrer, il l’envoya chez un boulanger<br />

qui possédait un de ses tableaux…<br />

Femme en jaune écrivant une lettre, 1664-1667, huile sur toile, 45 x 39,9 cm. Washington,<br />

National Gallery of Art.<br />

Vermeer fut beaucoup<br />

moins productif que<br />

Rembrandt ou Frans<br />

Hals.<br />

RARETÉ INDUITE<br />

Après la grande vente des 21 Vermeer de<br />

la Collection Dissius en 1696, l’œuvre de<br />

l’artiste disparaît. Dans le siècle qui suit,<br />

ses tableaux firent épisodiquement leur<br />

apparition sur le marché, la plupart sous<br />

la signature de collègues du XVIIe siècle<br />

connus à l’époque, tels Pieter de Hooch,<br />

Gabriël Metsu, Frans van Mieris l’Ancien<br />

et même Rembrandt. Ce n’est qu’à la fin<br />

du XVIIIe siècle que quelques tableaux<br />

apparurent sous la forme de gravures et<br />

que les premières publications permirent<br />

la redécouverte de l’artiste. Le caractère<br />

limité de l’œuvre de Vermeer ne fut pas favorable,<br />

étant nettement inférieur à ceux<br />

des deux autres géants du XVIIe siècle<br />

hollandais, Frans Hals et Rembrandt.<br />

Vermeer n’a guère réalisé plus de 45 à 50<br />

œuvres, soit deux en moyenne par an, ses<br />

tableaux étant déjà rares de son vivant.<br />

Même si, dans sa ville natale et dans les<br />

environs, il passait pour un maître réputé,<br />

il disposait de peu d’œuvres en réserve. Sa<br />

renommée tenait-elle justement à cette<br />

28 VERMEER ?<br />

Il existe à ce jour 37 tableaux connus que<br />

les historiens de l’art reconnaissent comme<br />

d’authentiques Vermeer, dont 7 se trouvent<br />

aux Pays-Bas, 24 sont signés et cinq également<br />

datés. Dans son exposition, le Rijksmuseum<br />

en présente pas moins de 28. Cinq<br />

de plus que lors de celle organisée au Mauritshuis<br />

en 1995-1996, en collaboration avec<br />

la National Gallery of Art de Washington. À<br />

l’annonce de ces 28 tableaux, Taco Dibbits,<br />

directeur de l’institution évoquait ce moment<br />

chargé d’émotions rendu possible<br />

grâce à la générosité d’un grand nombre de<br />

prêteurs. Mais, ces 28 peintures sont-elles<br />

vraiment toutes de la main de Vermeer ?<br />

Il n’existe aucun doute quant à la plupart<br />

des tableaux attribués à Vermeer. Nombre<br />

d’entre eux proviennent de la collection de<br />

Jacob Dissius, dispersée en 1696, notamment<br />

La Laitière et La Femme à la balance.<br />

D'autres tableaux ont un historique moins<br />

ancien mais un degré élevé de qualité et des<br />

caractéristiques stylistiques convaincantes.<br />

DOUTES ET REJET<br />

Latmosphère de certaines œuvres soulève<br />

des doutes quant à leur authenticité. Une<br />

Sainte Praxède apparut ainsi, il y a quelques<br />

décennies et fut sans hésitation attribuée à<br />

Vermeer grâce à sa signature et la parenté<br />

de son style avec les premiers tableaux<br />

30


Des doutes subsistent quant<br />

à l’authenticité de certaines œuvres.<br />

historiques de l’artiste. Mais l'oeuvre se vit<br />

contestée lors de sa présentation, dans<br />

la réptrospective de 1995-1996, suite à un<br />

examen minutieux. Des doutes ont aussi<br />

longtemps plané sur l’authenticité de La<br />

Jeune Fille à la flûte de la National Gallery of<br />

Art de Washington et de La Fille au chapeau<br />

rouge, exceptionnelle peinture sur bois de la<br />

même collection. Ces deux petits panneaux<br />

ont longtemps été considérés comme des<br />

pendants, même si les historiens de l’art<br />

n’ont cessé de débattre sur leur différence<br />

de qualité. Après une étude approfondie,<br />

historique et technique des matériaux,<br />

l’institution décrétait, en octobre 2022, que<br />

La Jeune Fille à la flûte n’était pas de Vermeer<br />

mais peinte par un artiste inconnu dans son<br />

atelier. Des numérisations ont ainsi révélé<br />

que les couches de peinture de La Jeune<br />

Fille à la flûte étaient appliquées d’une toute<br />

autre manière que sur d’autres tableaux de<br />

Vermeer. L’hypothèse selon laquelle il s’agit<br />

d’une œuvre d’atelier est neuve car, jusqu’à<br />

présent, on supposait que Vermeer travaillait<br />

seul et n’avait ni apprentis, ni assistants.<br />

MALADRESSE<br />

Par ailleurs, des doutes subsistent depuis<br />

longtemps quant à l’authenticité d’une<br />

œuvre tardive, La jeune Femme au virginal<br />

de la Leiden Collection. L’étude historique<br />

et technique des matériaux a confirmé son<br />

attribution à Vermeer. Pourtant, la composition<br />

paraît maladroite en regard d’autres<br />

tableaux. Le grand châle jaune porté par<br />

le personnage ne coïncide pas avec son<br />

anatomie, tandis que la peinture grossière<br />

des plis du tissu fait douter de son authenticité.<br />

A l’heure actuelle, on considère que<br />

le tableau est bien de Vermeer, mais qu’il fut<br />

achevé par quelqu’un d’autre, peut-être après<br />

la mort de l’artiste. En revanche, les experts<br />

du Rijksmuseum n’ont aucun doute quant à<br />

l’authenticité de ces trois oeuvres, présentées<br />

dans l’exposition comme authentiques. En<br />

publiant, en novembre dernier, sa liste de<br />

28 œuvres, soit un mois après le rejet pour<br />

motifs scientifiques par la National Gallery of<br />

Art de Washington de La Jeune Fille à la flûte,<br />

l’institution néerlandaise semble convaincue<br />

qu’il s’agit de véritables Vermeer. Sur la base<br />

de quels résultats de recherches, hypothèses<br />

et arguments le Rijksmuseum parvient-il à<br />

cette conclusion ? Pour rédiger cet article,<br />

nous avons interrogé son personnel scientifique.<br />

Mais, après des tentatives répétées,<br />

le Rijksmuseum n’a pas souhaité nous<br />

répondre, ce qui entretient le doute.<br />

VISITER<br />

Le Delft de Vermeer<br />

Museum Prinsenhof Delft<br />

www.prinsenhof-delft.nl<br />

du 10-02 au 04-06<br />

Vermeer<br />

Rijksmuseum<br />

www.rijksmuseum.nl<br />

du 10-02 au 04-06<br />

LIRE<br />

Gregor J. M. Weber, Vermeer. Faith, Light and<br />

Reflection, Rijksmuseum, Amsterdam, <strong>2023</strong>,<br />

ISBN 978-9-46208-758-3<br />

Aart Aarsbergen, Het raadsel Vermeer,<br />

Sterck & De Vreese, Gorredijk, <strong>2023</strong>,<br />

ISBN 978-9-05615-968-9<br />

Johannes Vermeer ?, Sainte Praxède, 1655, huile sur toile, 101,6 x 82,6 cm. Kufu Company Inc., en prêt au<br />

National Museum of Western Art, Tokyo.<br />

N. B : Le Rijksmuseum organise, les 28 et 29<br />

mars, en collaboration avec le Mauritshuis de<br />

La Haye, un symposium sur les récentes études<br />

techniques et historiques des tableaux de<br />

Vermeer.<br />

31


Emprunter<br />

un Vermeer ?<br />

Seul un des trente-sept tableaux<br />

encore existants de Vermeer<br />

appartient à un particulier. La Jeune<br />

Femme au virginal fait partie de<br />

la Leiden Collection, composée<br />

au cours des deux dernières<br />

décennies, qui rend hommage au<br />

siècle d’or et fonctionne comme<br />

un organisme de prêt d’œuvres<br />

d’art. Les deux cent tableaux et<br />

dessins qu’elle conserve sont en<br />

majorité de la main de Rembrandt.<br />

« Ajouter un Vermeer à la vente<br />

d’un autoportrait de Rembrandt<br />

m’a paru improbable.», précise son<br />

fondateur, Thomas Kaplan.<br />

TEXTE : ELS BRACKE<br />

La Jeune Femme au virginal, 1670-1672, huile sur toile, 25,5 x 20,1 cm. New York,<br />

The Leiden Collection.<br />

C'est à l’âge de sept ans, lors d’une<br />

visite au Metropolitan Museum<br />

de New York, que Thomas Kaplan<br />

tombe sous le charme de Rembrandt.<br />

« À un si jeune âge, je ne comprenais<br />

bien entendu rien à son importance<br />

historique et artistique », souligne l’homme<br />

d’affaires, philanthrope et collectionneur<br />

d’art né il y a 60 ans à New York. « Mais son<br />

art m’a époustouflé et ce sentiment ne m’a<br />

jamais quitté depuis. Plus tard, je me suis<br />

rendu compte de ce que faisait Rembrandt :<br />

‘‘Toucher l’âme’’. Même celle d’un enfant. »<br />

La première ville européenne où il atterrit<br />

fut Amsterdam : « Le Rijksmuseum m’apparut<br />

comme un lieu de pèlerinage. J’y suis<br />

retourné un nombre incalculable de fois. »<br />

32


Alors que, par son origine, celui-ci n’a aucun<br />

lien avec les Pays-Bas et son patrimoine,<br />

il est impressionnant de constater à quel<br />

point Thomas Kaplan s’efforce de faire de<br />

Rembrandt le principal artiste de l’histoire :<br />

« À mes yeux, Rembrandt était un véritable<br />

révolutionnaire, dans sa manière de reproduire<br />

la beauté, de rejeter les conventions,<br />

d’être lui-même, d’utiliser la peinture avec<br />

expressivité et surtout de peindre librement.<br />

Rembrandt est un artiste universel<br />

qui a inspiré, grâce à ce que j’appelle un<br />

‘‘transfert génétique’’, les artistes les plus<br />

influents tels William Turner, Eugène<br />

Delacroix, Vincent van Gogh, Pablo Picasso,<br />

Francis Bacon, Lucian Freud, Jenny Saville,<br />

Zeng Fanzhi ou Abdul Qader Al Rais. »<br />

PREMIER REMBRANDT<br />

À partir de 2003, Thomas Kaplan et son<br />

épouse Daphné achètent, pendant cinq ans,<br />

une œuvre chaque semaine. « Et ce, alors<br />

que j’avais abandonné l’idée de devenir un<br />

collectionneur comme étant ‘‘ordinaire et<br />

matérialiste’’ », déclare celui qui est devenu<br />

milliardaire grâce au négoce des matières<br />

premières. « Tout a commencé après un<br />

entretien avec Francesca von Habsburg,<br />

fille de Heinrich Thyssen-Bornemisza, et<br />

Norman Rosenthal, alors conservateur à la<br />

Royal Academy. Ils m’ont demandé ce que<br />

je désirais collectionner. ‘‘L’école de Rembrandt’’,<br />

ai-je répondu. Je n’imaginais pas<br />

alors que je pourrais acquérir des œuvres<br />

de Gerrit Dou, Frans Mieris, Ferdinand Bol,<br />

Govaert Flinck ou Jan Lievens, sans parler<br />

de celle de Rembrandt, jusqu’à ce qu’ils<br />

m’en aient convaincu. L’achat de mon premier<br />

Rembrandt eut lieu lors d’une vente<br />

aux enchères et mon cri de joie lorsque<br />

j’ai emporté l’enchère finale a contraint le<br />

commissaire-priseur à retirer son oreillette.<br />

Cependant, ce qui était encore possible il<br />

y a vingt ans ne l’est plus aujourd’hui. Avec<br />

des prix plus élevés et un renforcement<br />

des règles et des intérêts nationaux, il est<br />

désormais pratiquement impossible de<br />

faire voyager les œuvres de Rembrandt. »<br />

Dix-sept des quarante dessins encore existants<br />

de Rembrandt figurent aujourd’hui<br />

dans la Leiden Collection. Thomas Kaplan :<br />

« Je m’intéresse à tout l’entourage de<br />

Rembrandt. À quelques exceptions près,<br />

toutes les œuvres que nous possédons<br />

représentent des personnages. Notre objectif<br />

n’est pas de constituer une collection<br />

encyclopédique, mais de collectionner ces<br />

représentations. »<br />

PASSION ET CAPITAL<br />

Ce sont les conservateurs qui ont appris à<br />

Thomas Kaplan à regarder, même s’il choisit<br />

en général lui-même. Les marchands<br />

de maîtres anciens Johnny van Haeften,<br />

Salomon Lilian et Otto Naumann attirent<br />

son attention sur de possibles acquisitions.<br />

En 2016, il publiait avec son épouse<br />

un catalogue en ligne reprenant non seulement<br />

ces œuvres, mais aussi l’ensemble<br />

des études et recherches les concernant,<br />

lesquels font aujourd'hui l'objet d'une<br />

exposition à l'Hermitage Amsterdam.<br />

Thomas Kaplan : « Je savais que le regard<br />

porté sur notre collection serait dès lors<br />

différent : un couple plutôt jeune qui collectionne<br />

des maîtres anciens, alors que<br />

tout le monde se tourne vers l’art moderne<br />

et les impressionnistes. Des expositions au<br />

Louvre, à Pékin et Abu Dhabi ont compris<br />

« Notre objectif n’est<br />

pas de constituer<br />

une collection<br />

encyclopédique, mais<br />

de collectionner des<br />

personnages. »<br />

mon point de vue sur Rembrandt en tant<br />

qu’artiste universel, ce qui a trouvé un écho<br />

partout. » Passion, engagement et capital<br />

sont, selon lui, liés aux divers projets qu’il<br />

soutient : Panthera, une organisation qui<br />

vise à protéger les félins sauvages ; Aliph<br />

qui vise à protéger le patrimoine dans<br />

les zones de conflit et la Leiden Collection<br />

qu’il dirige avec son épouse. « Cette<br />

collection a été construite comme une<br />

bibliothèque de prêt d’abord privée, mais<br />

devenue publique ces cinq dernières<br />

années, avec comme objectif principal la<br />

promotion de l’œuvre de Rembrandt. Les<br />

activités internationales qui en découlent<br />

établissent le lien entre les différentes<br />

approches. Notre rôle de collectionneurs<br />

prêtant essentiellement des œuvres, est<br />

tout à fait singulier. Heinrich Thyssen fut<br />

peut-être la seule personne à procéder de<br />

la sorte. La fragilité des tableaux anciens<br />

ne facilite pas toujours les prêts, alors<br />

que c’est notre principale préoccupation.<br />

L’objectif majeur de la Leiden Collection<br />

est de hisser Rembrandt tout en haut de la<br />

liste des artistes les plus influents. »<br />

UN VÉRITABLE VERMEER<br />

En dehors d’un large ensemble d’œuvres de<br />

Rembrandt et du seul Fabritius en mains<br />

privées, les Kaplan sont aussi les seuls à posséder<br />

un Vermeer : « L’œuvre de Vermeer<br />

est magique, chose que je ne retrouve pas<br />

chez Rembrandt qui excelle plutôt dans la<br />

force émotionnelle. Carel Fabritius, dont<br />

je possède le Saint-Graal, aurait pu être<br />

un grand, mais il est mort trop jeune. Jan<br />

Lievens avait aussi cette capacité, mais<br />

lorsqu’il a quitté Leyde, son œuvre a perdu<br />

en authenticité. Leur magie s’est surtout<br />

exprimée dans l’entourage de Rembrandt. »<br />

Thomas Kaplan estime que, jusque vers<br />

1900, un Vermeer était moins recherché<br />

sur le marché qu’un Gabriel Metsu : « J’ai<br />

vu, pour la première fois, La Jeune Femme<br />

au virginal de Vermeer chez Sotheby’s. J’ai<br />

eu l’impression d’entendre les notes : une<br />

femme charmante dont le regard aimable se<br />

portait sur quelqu’un dans la pièce. L’œuvre<br />

fut acquise par le marchand américain Stephen<br />

Alan Wynn. Lorsque plus tard, après<br />

la crise des subprimes, j’ai négocié avec lui<br />

l’achat d’un Rembrandt, il a insisté pour<br />

que je prenne aussi le Vermeer. La question<br />

de savoir si l’œuvre était authentique<br />

est restée des années en suspens, même si<br />

personnellement j’en étais persuadé. » En<br />

préparant l’exposition du Rijksmuseum,<br />

les commissaires ont découvert dans les<br />

archives du musée que leur précédent directeur,<br />

Arthur van Schendel, l’avait examinée<br />

dans les années 1960. Ce dernier, qui avait<br />

douté de son authenticité, avait fini par la<br />

reconnaître. Une récente analyse technique<br />

a prouvé que chaque coup de pinceau est<br />

de la main de Vermeer. Thomas Kaplan :<br />

« Cela me fait très plaisir et me rend fier que<br />

cette œuvre côtoie maintenant ses frères<br />

et sœurs. Cette exposition Vermeer est une<br />

expérience unique. »<br />

VISITER<br />

Exposition Rembrandt et ses<br />

contemporaines, pièces historiques de la<br />

Leiden Collection<br />

Hermitage<br />

Amsterdam<br />

www.hermitage.nl<br />

du 04-02 au 27-08<br />

SURFER<br />

www.theleidencollection.com<br />

33


Le retour<br />

de Cupidon<br />

Restaurateur de tableaux et<br />

historien de l’art, Ronald de Jager<br />

analyse la restauration radicale<br />

du tableau Jeune fille lisant une<br />

lettre à la fenêtre de Johannes<br />

Vermeer. Cupidon, dieu de l’amour,<br />

découvert au cours de l’examen<br />

sous les couches de vernis, y joue<br />

un rôle mystérieux. Une énigme<br />

dans l’histoire de l’art.<br />

TEXTE : RONALD DE JAGER<br />

CCe tableau, probablement peint<br />

par Johannes Vermeer vers 1657-<br />

1659, est considéré comme la<br />

première de ses œuvres représentant<br />

un personnage unique dans un<br />

intérieur. Il fait partie de la collection de<br />

la Galerie des Maîtres anciens de Dresde.<br />

Jusqu’à très récemment, la jeune fille<br />

figurait à l’avant-plan d’un mur aveugle.<br />

Mais, les apparences d’un tableau sont<br />

parfois trompeuses… En 2017, il fut décidé<br />

de procéder à une restauration radicale<br />

de l’œuvre, laquelle devait durer jusqu’en<br />

2021. Celle-ci fut menée sur place<br />

par le restaurateur Christoph Schölzel.<br />

En 2004, un autre tableau de Vermeer,<br />

L’Entremetteuse, y avait déjà été restauré<br />

et amélioré à un point tel, sur le plan de<br />

l’intensité des couleurs, qu’on pensa alors<br />

pouvoir obtenir un résultat comparable<br />

avec la restauration de la Jeune fille lisant<br />

une lettre. Au fil des ans, de nombreux<br />

examens avaient eu lieu. Des échantillons<br />

de peinture avaient, par exemple,<br />

été analysés en 1965, tandis qu’en 1979<br />

une spectrographie révélait la présence<br />

du dieu de l’amour sous la peinture du<br />

mur derrière la jeune fille. En 2007, une<br />

analyse du support de lin était suivie, en<br />

2009, d’une étude par réflectographie à<br />

infrarouge (à partir des surcouches de<br />

dessin ou de peinture, puis des changements<br />

dans la manière de peindre). En<br />

vue de l’exposition Der frühe Vermeer (Le<br />

premier Vermeer, ndlr), organisée en 2010<br />

à Dresde, le tableau fit encore l’objet d’un<br />

examen au microscope. L’attention s’est<br />

alors plus particulièrement portée sur la<br />

technique de peinture et l’état du tableau.<br />

La question s’est<br />

posée de savoir si<br />

la couche peinte<br />

par-dessus le cupidon<br />

avait été apposée par<br />

Vermeer lui-même.<br />

QUI A EFFACÉ CUPIDON ?<br />

Après le retrait des couches de vernis<br />

jauni, appliquées au XIXe siècle et plus<br />

tard, le tableau apparut, comme il fallait<br />

s’y attendre au vu des découvertes faites<br />

pendant la restauration de L’Entremetteuse,<br />

gagner considérablement en<br />

luminosité, en intensité colorée et en<br />

contrastes. Grâce à cette opération,<br />

les anciennes retouches et surcouches<br />

devinrent plus visibles. Mais surtout,<br />

le tableau se trouvait dans un état de<br />

conservation exceptionnel compte tenu<br />

de son ancienneté. Il est également apparu<br />

que la couche de peinture, à l’endroit<br />

de la superposition des couches plus<br />

qu’ailleurs dans le tableau, présentait une<br />

réactivité différente aux solvants utilisés.<br />

La question s’est alors posée de savoir si<br />

la couche peinte par-dessus le cupidon<br />

avait été apposée par Vermeer lui-même,<br />

suite à un changement de composition,<br />

ou par un autre peintre à une époque<br />

ultérieure. L’examen des échantillons<br />

de peinture à l’emplacement du cupidon<br />

révéla que ce surpeint se trouvait<br />

sur deux couches de vernis anciennes,<br />

34


Le tableau de Vermeer avant restauration. © The Leiden Collection / Rijksmuseum<br />

L'oeuvre après restauration. © The Leiden Collection / Rijksmuseum<br />

séparées par une couche de crasse. D’où<br />

la conclusion que ce surpeint avait été<br />

appliqué après l’achèvement du tableau.<br />

Les deux couches de vernis, comme<br />

la présence de saleté entre elles, indiquaient<br />

aussi une période plus longue,<br />

de quelques décennies sans doute, après<br />

l’achèvement de l’œuvre. Ce qui excluait<br />

donc que Vermeer ait été lui-même<br />

l’auteur de ce repeint. Une spectrométrie<br />

à fluorescence X du tableau, analysant<br />

les éléments chimiques de la peinture<br />

et permettant de déduire les pigments<br />

utilisés, effectuée en 2017 avec le soutien<br />

du Rijksmuseum, confirma les nouvelles<br />

découvertes relatives à ce surpeint.<br />

RÉHABILITATION ET NOUVELLE<br />

SIGNIFICATION<br />

L’occultation de Cupidon fut peut-être<br />

délibérée pour adapter le tableau au goût<br />

du jour : la nudité du personnage n’était<br />

de fait pas toujours souhaitée. Lorsque le<br />

tableau entra, en 1742, dans les collections<br />

du musée de Dresde, ce changement<br />

de composition était déjà patent.<br />

Il fut donc décidé d’éliminer la couche<br />

L’occultation du cupidon fut peut-être<br />

délibérée, pour adapter le tableau au goût<br />

de l’époque : la nudité du personnage<br />

n’ayant pas pas toujours été souhaitée.<br />

supérieure de ce surpeint, les couches de<br />

vernis sous-jacentes devant être préservées<br />

car il s’agissait peut-être du seul<br />

vernis original subsistant appliqué par<br />

Vermeer lui-même. Des tests approfondis<br />

révélèrent qu’il était préférable de retirer<br />

ce surpeint extérieur sous microscope,<br />

à l’aide d’un scalpel et non à l’aide d’un<br />

solvant à l’effet plus difficilement contrôlable.<br />

A l’issue de cette restauration, le<br />

tableau reprit enfin son aspect originel<br />

voulu par l’artiste : une jeune fille lisant<br />

une lettre sous une représentation de<br />

Cupidon. Le spectateur demeure toutefois<br />

sur sa faim quant au contenu de cette<br />

lettre. Ce ‘‘tableau dans un tableau’’ est<br />

caractéristique des œuvres de Vermeer.<br />

Dans sa dernière œuvre connue, intitulée<br />

Dame debout au virginal, Cupidon est également<br />

représenté sur le mur du fond. Si<br />

ces cupidons sont similaires, les tableaux<br />

n’ont en revanche rien de commun.<br />

VISITER<br />

Rembrandt et ses contemporains,<br />

pièces historiques de la Leiden Collection<br />

Hermitage<br />

Amsterdam<br />

www.hermitage.nl<br />

du 04-02 au 27-08<br />

35


D’Ukraine...<br />

Au cœur de la modernité<br />

Redko Kliment, La Laure de Kiev-Pecherska, 1914, huile sur toile, 28 x 39,7 cm. The Kyiv National Art Gallery.<br />

Depuis bientôt une année, l’est de l’Europe est en guerre. En proie aux<br />

visées impérialistes de Moscou, l’Ukraine subit de plein fouet une agression<br />

telle qu’il ne s’en était plus produite depuis plus d’un demi-siècle sur<br />

le Vieux Continent. Victime collatérale, comme toujours, le patrimoine<br />

artistique et culturel souffre terriblement. Mais que connaissons-nous de<br />

l’histoire de l’Ukraine et de son héritage ? Quel rôle ont joué ses artistes et<br />

quelle fut leur place au sein des avant-gardes ?<br />

TEXTE : CHRISTOPHE DOSOGNE<br />

Selon une enquête du New York Times<br />

publiée le 19 décembre, plus de 300<br />

sites culturels en Ukraine – dont des<br />

bibliothèques, des musées et des<br />

églises – ont subi des dommages importants<br />

depuis l’invasion du pays par la Russie en<br />

février 2022. Ainsi, l’or des Scythes, dont sa<br />

plus importante partie conservée dans la<br />

ville de Melitopol, de même que des millions<br />

d’objets et œuvres d’art auraient été volés<br />

ou évacués par les troupes d’occupation.<br />

Tout cela renvoie aux pillages systématiques<br />

opérés par l’Armée Rouge dans l’est de l’Allemagne,<br />

la Pologne et l’Ukraine à la fin de la<br />

36


« Je ne pense pas<br />

que l’art en général<br />

puisse échapper aux<br />

questions politiques.<br />

Le patrimoine,<br />

pris pour cible<br />

délibérément,<br />

représente un objectif<br />

tactique en soi. »<br />

SAMUEL GROSS<br />

Seconde Guerre mondiale. Victime notable à<br />

l’époque, le fameux Trésor de Priam, évacué<br />

depuis Berlin comme trésor de guerre, n’a<br />

jamais été restitué par les autorités russes<br />

qui l’exposent aujourd’hui au musée Pouchkine<br />

de Moscou. C’est dans cette ambiance<br />

mortifère qui laisse augurer du pire pour le<br />

patrimoine local, que plusieurs expositions,<br />

tant en Suisse qu’en Espagne, témoignent de<br />

la singularité de la création en Ukraine, entre<br />

la fin du XIXe et les premières décennies du<br />

XXe siècle. Accueillies, entre autres, par le<br />

musée Rath de Genève et le Kunstmuseum<br />

de Bâle, ces expositions offrent un abri temporaire<br />

aux collections de la galerie nationale<br />

d’Art de Kiev inaugurée en 1922. C’est<br />

également, comme nous le confirme Samuel<br />

Gross, responsable du secteur des expositions<br />

au musée d’Art et d’Histoire de Genève,<br />

une manière de se positionner politiquement<br />

: « Je ne pense pas que l’art en général<br />

puisse échapper aux questions politiques.<br />

Le patrimoine, pris pour cible délibérément,<br />

représente un objectif tactique en soi. La<br />

guerre en Ukraine a stupéfait tous les acteurs<br />

culturels. A Genève, nombreuses ont été les<br />

actions d’entraide et de soutien à destination<br />

des institutions culturelles ukrainiennes et<br />

de nos collègues professionnels. La solidarité<br />

s’est exprimée sous des formes diverses. Les<br />

musées municipaux de la Ville de Genève<br />

ont très rapidement réuni du matériel d’emballage<br />

à destination des principaux grands<br />

musées ukrainiens dans un souci de préservation<br />

de leur patrimoine. Nous ne pensions<br />

pas, à ce moment-là, que la Convention de<br />

La Haye sur la protection des biens culturels<br />

en cas de conflit armé serait violée aussi dramatiquement<br />

qu’elle ne l’est actuellement,<br />

même si personne ne s’attendait malheureusement<br />

à ce que les violences épargnent les<br />

lieux culturels et leurs acteurs. C’est à cette<br />

violence que s’opposent symboliquement<br />

notre exposition et celle de Bâle. »<br />

Anatol Petrytskyi, Figurines du Ministre Ping pour l’opéra Turandot à l’Opéra d’Etat, Járkiv, 1928, gouache et<br />

encre de Chine sur papier, 72 x 54 cm. Musée du Théâtre, de la Musique et du Cinéma d’Ukraine.<br />

UNE RICHESSE MÉCONNUE<br />

Riche d’une histoire séculaire, on connaît<br />

pourtant mal la scène artistique ukrainienne.<br />

Peu de gens savent, par exemple que Kasimir<br />

Malevitch, inventeur du Suprématisme, était<br />

ukrainien. Au-delà de l’urgence de sauver un<br />

patrimoine en danger, la double exposition<br />

suisse, qui réunit une centaine de tableaux,<br />

se concentre sur le thème de la nuit, en présentant<br />

des œuvres principalement réalisées<br />

dans la seconde moitié du XIXe siècle et<br />

sur la diversité d’une création qui fut trop<br />

longtemps réduite au lieu commun d’un art<br />

russe prétendument homogène. Samuel<br />

Gross : « L’exposition de Genève, qui reprend<br />

en partie celle organisée à Kiev l’an dernier,<br />

souligne l’importance du thème de la nuit<br />

dans la peinture du XIXe siècle. La nuit est<br />

un espace que les avancées techniques et<br />

l’arrivée des lampes électriques va transformer.<br />

Les artistes vont se saisir, sous des<br />

aspects très différents, de ce décor qui s’ouvre<br />

et se peuple. Bien évidemment, la métaphore<br />

est aujourd’hui plus cruelle si on pense à ce<br />

que traverse la population ukrainienne. »<br />

Tous les artistes exposés témoignent ainsi<br />

de la résonnance particulièrement poétique<br />

de la nuit en Ukraine, comme l’a célébrée<br />

naguère le grand écrivain d’origine ukrainienne<br />

Nicolas Gogol, qui la décrivait comme<br />

« divine » et « magique ». Mais, la singularité<br />

de la création ukrainienne, notamment en<br />

ses avant-gardes, dont la portée esthétique<br />

fut longtemps récupérée par le puissant<br />

voisin russe, c’est sans doute à Madrid qu’elle<br />

se montre le plus clairement. Placée sous le<br />

commissariat de Konstantin Akinsha, docteur<br />

en histoire de l’art, diplômé de l’Université<br />

Shevchenko de Kiev, de l’Université d’État<br />

de Moscou et de l’Université St Andrews<br />

d’Edimbourg, l’exposition du museo Thyssen-<br />

Bornemisza se concentre sur le modernisme<br />

37


Mykola Yaroschenko, Ecolière, 1883, huile sur<br />

toile, 134 x 83 cm. The Kyiv National Art Gallery.<br />

Vadym Meller, dessin pour la chorégraphie de Masques de l’Ecole de Mouvements de Bronislava Nijinksa,<br />

Kiev, 1919. Musée du Théâtre, de la Musique et du Cinéma d’Ukraine.<br />

« On a un peu trop<br />

vite parlé d’avantgarde<br />

russe, comme si<br />

l’Ukraine n’avait jamais<br />

eu d’identité propre,<br />

ni partagé les valeurs<br />

européennes. »<br />

FRANCESCA THYSSEN-<br />

BORNEMISZA<br />

des trois premières décennies du XXe siècle.<br />

Prévue depuis près de sept années, elle n’a été<br />

rendue possible que par la volonté de la collectionneuse<br />

d’art et philanthrope Francesca<br />

Thyssen-Bornemisza qui a créé la Fondation<br />

ARCH (Art Restoration for Cultural Heritage)<br />

œuvrant dans la sauvegarde du patrimoine<br />

artistique d’Europe de l’Est. Dans une<br />

récente interview, elle précisait : « Konstantin<br />

Akinsha m’a aidée à comprendre par quels<br />

embrouillaminis de l’Histoire la plupart des<br />

artistes ukrainiens de l’avant-garde étaient<br />

dits russes, sans considération pour leurs<br />

origines ni leurs lieux de vie ou de création.<br />

Le modernisme ukrainien s’est développé en<br />

réaction à une conjoncture sociopolitique<br />

ultra-complexe, marquée par la chute de plusieurs<br />

empires, la Première Guerre mondiale,<br />

la Révolution de 1917, puis la guerre d’indépendance<br />

ukrainienne (1917-1921), tout<br />

cela ayant mené à la création de l’Ukraine<br />

soviétique. La période des années 1930 y est<br />

une renaissance, créative, expérimentale et<br />

très influencée par les arts traditionnels. Kiev,<br />

Odessa et Kharkiv sont alors le berceau de<br />

l’intelligentsia grandissante. L’exposition de<br />

Madrid rappelle ce chapitre essentiel – même<br />

s’il est très peu abordé en Occident – du modernisme<br />

européen. Elle met également en<br />

exergue des œuvres ukrainiennes réchappées<br />

des grandes purges staliniennes de l’Holodomor<br />

car considérées comme sans aucune valeur.<br />

On a un peu trop vite parlé d’avant-garde<br />

russe, comme si l’Ukraine n’avait jamais eu<br />

d’identité propre, ni partagé les valeurs européennes,<br />

ne lui accordant ainsi aucune raison<br />

de devenir membre de l’Union européenne<br />

et d’appartenir culturellement à l’Occident. »<br />

Après avoir subi de nombreux refus côté<br />

européen, notamment en Allemagne et en<br />

Hongrie, motivés par la peur de déplaire au<br />

géant russe lorsque la guerre s’est déclarée,<br />

Konstantin Akinsha a repris son bâton de<br />

pèlerin et fini par obtenir l’aide de Francesca<br />

Thyssen-Bornemisza. L’urgence de soustraire<br />

les œuvres d’art du danger immédiat de la<br />

guerre a finalement motivé rapidement les<br />

principaux prêteurs, le Musée national d’art<br />

d’Ukraine et le Musée du Théâtre, du Cinéma<br />

et des Arts musicaux.<br />

MODERNISME EN UKRAINE<br />

Même s’il s’en défend, le parti pris de<br />

Konstantin Akinsha, en se concentrant sur<br />

le modernisme des années 1900 à 1930, est<br />

38


« Nous avons estimé qu’il fallait montrer<br />

les œuvres d’artistes qui étaient actifs<br />

en Ukraine à différentes périodes et qui<br />

ont laissé une forte empreinte sur le<br />

développement de l’art ukrainien. »<br />

KONSTANTIN AKINSHA<br />

bien de rendre à l’Ukraine, patrie d’Alexandra<br />

Exter, Sonia Delaunay et Kasimir Malevitch,<br />

la place qui lui revient dans l’histoire<br />

de l’art moderne, trop souvent éclipsée<br />

par la Russie : « Notre sélection n’était pas<br />

fondée sur un profilage ethnique. Nous<br />

avons estimé qu’il fallait montrer les œuvres<br />

d’artistes qui étaient actifs en Ukraine à<br />

différentes périodes et qui ont laissé une<br />

forte empreinte sur le développement de<br />

l’art ukrainien. Par exemple, Kazimir Malevitch<br />

est né en Ukraine. Il a passé la majeure<br />

partie de sa vie créative en Russie, mais en<br />

1928, il a été invité à enseigner à l’Institut<br />

des Arts de Kiev. Cela s’est produit à une<br />

époque où, en Russie, il ne pouvait pas<br />

obtenir un tel poste. Malevitch a fortement<br />

influencé les jeunes artistes, laissant son<br />

empreinte sur le développement du modernisme<br />

ukrainien. Nous avons également<br />

inclus dans l’exposition des artistes d’origine<br />

ukrainienne tels que Sonia Delaunay<br />

et Vladimir Baranov-Rossiné qui sont nés<br />

en Ukraine, mais se sont formés comme<br />

artistes à l’étranger. Nous avions également<br />

prévu d’inclure les œuvres d’Alexander<br />

Archipenko. Malheureusement, à Madrid,<br />

c’était impossible, mais nous espérons que<br />

nous pourrons les montrer dans d'autres<br />

lieux. » Car l’exposition fait mouche ! Son<br />

itinérance est déjà prévue au printemps,<br />

au musée Ludwig de Cologne et plus tard<br />

au Musée d’Art moderne de la Ville de<br />

Paris. On y redécouvre la place particulièrement<br />

cardinale d’une personnalité<br />

comme Alexandra Exter : « Il est intéressant<br />

de regarder les entrées de Wikipédia<br />

la concernant dans différentes langues<br />

– le Wikipédia ukrainien la définit comme<br />

une artiste ukrainienne, le russe comme<br />

une artiste russe et le français comme une<br />

artiste française. Les trois définitions sont<br />

correctes. Alexandra Exter a influencé<br />

toutes les cultures mentionnées, mais son<br />

rôle en Ukraine a été particulièrement<br />

important. Elle fut l’un des fondateurs de<br />

l’école du Futurisme de Kiev et est devenue<br />

professeure de différents artistes comme,<br />

par exemple, Vadym Meller. Malheureusement,<br />

le marché international de l’art est<br />

pollué par des centaines de fausses œuvres<br />

d’Exter, ce qui rend difficile toute recherche<br />

sérieuse sur son héritage. » Une autre dimension<br />

primordiale de la modernité ukrainienne<br />

est celle de la culture yiddish : « Tout<br />

le territoire de l’Ukraine prérévolutionnaire<br />

appartenait à ce que l’on a appelé le Pale<br />

of Settlement. Les Juifs, qui n’avaient pas le<br />

droit de résider à Saint-Pétersbourg, Moscou<br />

et d’autres villes russes, étaient concentrés<br />

en Ukraine, en Biélorussie, en Lituanie et<br />

dans une partie de la Pologne qui était sous<br />

domination russe. Le rôle de l’Ukraine dans<br />

l’histoire juive est fondamental. Après la révolution,<br />

Kiev est devenue, pour une courte<br />

période, la capitale de la culture yiddish,<br />

attirant des artistes de différentes parties<br />

de l’empire russe effondré. Ils ont rejoint la<br />

Kultur Lige, importante organisation culturelle<br />

juive. Après 1920, si elle cessa d’exister,<br />

les artistes juifs jouèrent tout de même un<br />

rôle important dans le développement du<br />

modernisme ukrainien. Ainsi, Emanuel<br />

Shekhtman, artiste ayant rejoint le groupe<br />

des disciples de Mykhailo Boychuk, a peint<br />

des tableaux monumentaux représentant<br />

les pogroms et les réfugiés juifs. J’espère que<br />

cette exposition attirera enfin l’attention sur<br />

ce modernisme ukrainien, qui reste jusqu’à<br />

présent peu connu et n’est pas inclus dans<br />

l’histoire de l’art européen du XXe siècle. En<br />

même temps, elle contribuera à maintenir,<br />

temporairement, tous ces tableaux dans la<br />

sécurité des salles de musées européens. »<br />

VISITER<br />

Du Crépuscule à l’Aube. Collection de la<br />

Galerie Nationale d’Art de Kyiv<br />

Musée Rath, Genève<br />

www.mahmah.ch<br />

jusq. 23-04<br />

Born in Ukraine. La Galerie Nationale d’Art<br />

de Kyiv à l’honneur<br />

Kunstmuseum, Bâle<br />

www.kunstmuseumbasel.ch<br />

jusq. 30-04<br />

El Lissitzky, Composition, 1918-1920. National Art Museum of Ukraine.<br />

In the Eye of the Storm: Modernism in<br />

Ukraine, 1900-1930s<br />

Museo Thyssen Bornemisza, Madrid<br />

www.museothyssen.org<br />

jusq. 30-04<br />

39


Aristide Maillol<br />

La beauté d’une montagne silencieuse<br />

À mille lieues du lyrisme expressif<br />

de Rodin, Aristide Maillol s’imposa<br />

comme le sculpteur des beautés<br />

silencieuses et immobiles. La<br />

rétrospective qui lui est consacrée<br />

à La Piscine nous invite à examiner<br />

sa pratique par l’éclairage d’une<br />

œuvre assurément emblématique,<br />

La Montagne (1937).<br />

TEXTE : GWENNAËLLE GRIBAUMONT<br />

Formé à l’École des Beaux-Arts de<br />

Paris, Aristide Maillol (1861-1944)<br />

s’essaya à la peinture et à la tapisserie<br />

avant de se consacrer, vers l’âge<br />

de quarante ans, à la sculpture, discipline<br />

qui lui offrira ses lettres de noblesse.<br />

Cette Montagne confirme sa très large<br />

prédilection en faveur du corps féminin.<br />

Après l’avoir représenté habillé, Aristide<br />

Maillol s’y intéresse dans son plus simple<br />

appareil, privilégiant les formes sensuelles<br />

et épanouies, les volumes lisses et<br />

arrondis, les anatomies charpentées mais<br />

harmonieuses.<br />

UN APAISEMENT UNIVERSEL<br />

Autre signe distinctif, sa recherche inconditionnelle<br />

d’idéal. Maillol s’inscrit dans<br />

la grande tradition classique. Il vise une<br />

expression intemporelle en donnant son<br />

œuvre une universalité archaïque et instaure<br />

un nouveau classicisme en évoquant<br />

directement la statuaire grecque, tant<br />

dans la perfection des proportions que<br />

dans le choix des positions déterminées<br />

le plus souvent dans un volume. Ici, un<br />

format triangulaire dont la base évasée et<br />

la cime aigüe suggèrent la silhouette d’une<br />

montagne. Cette œuvre d’une tranquillité<br />

imposante traduit sa volonté de livrer, à<br />

travers sa quête d’équilibre des formes,<br />

un travail assurément apaisé. On mesure<br />

aisément son opposition, en terme de style,<br />

à Auguste Rodin. L’œuvre silencieuse de<br />

Maillol défie l’expressionnisme, elle offre<br />

une rupture fondamentale avec la sculpture<br />

que Judith Cladel, biographe de l’artiste,<br />

qualifiait en 1937 de gesticulante : «<br />

Aristide Maillol a<br />

inventé un nouveau<br />

classicisme, s'inspirant<br />

directement de la<br />

sculpture grecque.<br />

Il faut le moins de mouvement possible en<br />

sculpture. Il ne faut pas que ça chahute et<br />

que ça grimace et, dans le mouvement, on<br />

grimace facilement. [...] Les statues égyptiennes,<br />

plus elles sont immobiles, plus il<br />

semble qu’elles vont remuer...»Pourtant, le<br />

sculpteur immortalise ici son modèle dans<br />

une position inconfortable à l’équilibre<br />

instable. Absorbée dans ses pensées, privée<br />

de toute expression, elle est représentée la<br />

main droite en appui sur le sol, une jambe<br />

repliée sous son corps, un genou relevé vers<br />

le buste, la tête inclinée vers l’avant.<br />

LES TRAITS DE DINA<br />

« Les jours de tramontane, voyez-vous, je<br />

vais m’asseoir par là, dans ces oliviers, à<br />

l’abri, et je regarde la montagne, en face,<br />

avec les arbres agités par le vent. C’est<br />

d’une puissance... C’est divin. [...] C’est<br />

violent et c’est calme en même temps.<br />

J’ai l’idée d’une statue que j’appellerais La<br />

Montagne et le Vent. » Ces confidences,<br />

que l’artiste livra en 1933 à Henri Frère,<br />

40


La Montagne, 1937, pierre. Lyon, musée des Beaux-arts, dépôt du musée d’Orsay. © RMN-Grand Palais (Musée d’Orsay) / photo : René Gabriel Ojéda<br />

indiquent que cette œuvre germait de<br />

longue date. Trois ans plus tard, Maillol<br />

concrétise son projet. En 1936, il fait poser<br />

sa jeune muse, Dina Vierny. Dans le seul<br />

carnet connu contenant des esquisses<br />

de La Montagne, les traits de Dina sont<br />

reconnaissables. Au sommet de sa gloire,<br />

l’artiste a rencontré Dina deux ans plus tôt.<br />

Elle est âgée de quinze ans. La demoiselle,<br />

qu’il considérera comme sa fille (elle sera<br />

à ce titre son exécutrice testamentaire et<br />

héritière), incarne son idéal en sculpture.<br />

Elle devient son principal modèle, mais<br />

également sa précieuse collaboratrice et<br />

le restera pendant dix ans, jusqu’à la mort<br />

de Maillol en 1944. L’artiste imaginera<br />

de nombreuses œuvres dont les formes<br />

pleines, simplifiées jusqu’à l’épure, repré-<br />

Avec ses sculptures dépouillées,<br />

Maillol déclencha une révolution artistique.<br />

sentent une véritable révolution artistique.<br />

Par sa vision synthétique, axée sur l'équilibre<br />

des masses et la rupture radicale avec<br />

l’art descriptif du XIXe siècle, il ouvre, dans<br />

sa discipline, la voie vers l’abstraction. Sa<br />

création marque le tournant entre les XIXe<br />

et XXe siècles, inspirant nombre de grands<br />

artistes dont Henry Moore, Hans Arp,<br />

Henri Laurens, Constantin Brancusi, et<br />

même Picasso ou Matisse.<br />

VISITER<br />

Aristide Maillol (1861-1944) : La quête de<br />

l’harmonie<br />

La Piscine<br />

Roubaix<br />

www.roubaix-lapiscine.com<br />

du 25-02 au 28-05<br />

41


Les esquisses<br />

Un secret qui dure<br />

Eugène Bracht, Un glacier (rivages de l’oubli), signé, huile sur toile marouflée sur panneau, 24,5 x 33,5 cm. Courtesy Ubbens Art<br />

Les esquisses sont les secrets les<br />

mieux gardés de bien des artistes.<br />

Réalisées dans l’intimité de l’atelier<br />

ou dans le dialogue solitaire avec<br />

un paysage, elles témoignent dans<br />

leur incomplétude du geste créatif<br />

dans ce qu’il peut y avoir de plus<br />

éruptif et de plus virtuose.<br />

TEXTE : GILLES BECHET<br />

Pour les amateurs d’art, l’esquisse<br />

a toujours représenté l’expression<br />

la plus pure et sans filtre du<br />

génie et de l’inspiration de l’artiste.<br />

Au XVIIe siècle déjà, les critiques admiraient<br />

les esquisses de Rubens qui étaient<br />

alors réalisées sur panneau de bois. Ils<br />

y voyaient s’exprimer toute la créativité<br />

et l’authenticité du peintre anversois.<br />

« C’est fascinant, parce que c’est comme<br />

une plongée dans l’atelier de l’artiste qui<br />

permet de voir comment il travaille et<br />

comment il aborde ses compositions »,<br />

précise Baukje Coenen, Senior Specialist<br />

pour la peinture ancienne chez Sotheby’s<br />

à Amsterdam. L’esquisse est importante<br />

pour l’artiste parce qu’elle permet de présenter<br />

une composition au commanditaire<br />

et d’avoir son assentiment avant de passer<br />

à la version finale. Souvent inachevée, c’est<br />

sans doute dans cette incomplétude que<br />

réside paradoxalement le génie créatif .<br />

Dans la tradition classique de l’esquisse,<br />

on distingue le bozzetto pour les premières<br />

esquisses, et le modello pour sa version<br />

plus aboutie, proche de la réalisation<br />

finale. Outre son intérêt esthétique, le modello<br />

peut avoir un intérêt historique dans<br />

42


« C’est comme<br />

une plongée dans<br />

l’atelier de l’artiste,<br />

qui permet de<br />

voir comment il<br />

travaille et comment<br />

il aborde ses<br />

compositions. »<br />

BAUKJE COENEN<br />

Elles sont aujourd’hui plus appréciées que<br />

leurs compositions plus abouties. » Quand<br />

elles ne sont pas des études de composition,<br />

les esquisses se concentrent sur des<br />

sujets spécifiques, comme les portraits, les<br />

études de draperie, des parties du corps,<br />

visages, mains ou sur des attitudes d’animaux.<br />

Au XVIIe siècle, avec l’engouement<br />

pour le Grand Tour, surgit une passion<br />

pour les paysages, les ciels, les vallons, les<br />

ruines du Colisée ou de l’Acropole et les<br />

éruptions du Vésuve. Ces paysages, ancrés<br />

dans l’Histoire et dans la Mythologie, devenaient<br />

aussi l’expression de l’âme romantique.<br />

Les artistes faisaient l’expérience<br />

d’une émotion artistique sublimée par la<br />

lumière et les éléments naturels. L’esquisse<br />

était considérée par l’artiste comme une<br />

libération. Par sa rapidité et sa légèreté,<br />

elle permettait de rester au plus proche de<br />

cette émotion, exaltant une sensualité et<br />

un mouvement proches du baroque. Car il<br />

s’agissait de saisir un moment furtif. Dans<br />

son ouvrage de réflexion et de conseil sur<br />

la pratique du paysage, publié en 1799, le<br />

peintre français Pierre-Henri de Valenciennes<br />

recommandait aux jeunes artistes<br />

désireux de traduire l’effet d’un soleil couchant<br />

ou levant de travailler rapidement,<br />

jamais plus de deux heures. Dans ces<br />

esquisses qui témoignent d’un sens aigu<br />

de l’observation, ces peintres captaient des<br />

détails, des éléments qui rendaient leurs<br />

compositions d’atelier plus authentiques<br />

et originales en s’éloignant d’une vision<br />

idéalisée de la peinture classique.<br />

le cas de toiles déjà connues et cataloguées,<br />

car il permet, en fonction des ajouts<br />

et omissions, d’apprécier le cheminement<br />

artistique entre les différentes versions.<br />

Ainsi, une esquisse pour L’Adoration des<br />

Mages, réalisée par Rubens pour l’église<br />

Saint-Jean de Malines, aujourd’hui conservée<br />

au Louvre, vient de sortir de l’oubli et<br />

être mise en vente par la Galerie Colnaghi<br />

de Londres. Les esquisses sont généralement<br />

de plus petite taille que la version<br />

définitive. Dans ce cas précis, on passe<br />

d’une trentaine de centimètres de haut<br />

à plus de deux mètres. Outre la finition<br />

des éléments, on peut voir entre les deux<br />

versions une différence importante dans<br />

l’attitude et la position de la Vierge Marie.<br />

UNE LIBÉRATION<br />

Les esquisses sont bien souvent, vu leur<br />

taille et leur finition, une entrée abordable<br />

dans l’œuvre d’un grand maître.<br />

« Les estimations sont parfois un peu plus<br />

basses, confirme Baukje Coenen, mais au<br />

final les prix atteignent toujours un bon<br />

niveau. C’est le cas avec les frères Annibale<br />

et Agostino Carracci, peintres italiens du<br />

XVIe siècle qui réalisaient des esquisses<br />

sur du papier avec parfois des traces<br />

d’écriture, ou sur des papiers encollés.<br />

Pierre Paul Rubens, L’Adoration des Mages, ca. 1616-1619, huile sur panneau, 38,4 x 31,6 cm. Courtesy Colnaghi<br />

1760<br />

43


Lord Frederic Leighton, Terrasse sur l’île de Capri, 1859, huile sur papier posé sur toile, 32,7 x 30,8 cm.<br />

Fondation Custodia, Collection Fritz Lugt, Paris.<br />

HUILE SUR CARTON<br />

L’huile est adoptée par les peintres de paysage<br />

parce que c’est un matériau très résistant<br />

et facile à emporter. Appliquée sur du<br />

carton, dont l’invention remonte à 1751,<br />

elle peut être très fine et très transparente.<br />

Cela fait qu’à nos yeux contemporains, la<br />

frontière entre une esquisse et une œuvre<br />

finie peut s’avérer très mince. Au XIXe<br />

siècle, parmi les peintres français de l’école<br />

de Barbizon, Camille Corot suivi d’Eugène<br />

Boudin marquent l’avènement du paysage<br />

moderne perpétuant la pratique de l’esquisse<br />

à l’huile, encouragés par l’apparition<br />

sur le marché de la peinture en tube, dont<br />

le brevet a été déposé en 1841. Ils trouvent<br />

un écho aux Pays-Bas, avec l’école de La<br />

Haye et ses paysages de prairies, polders<br />

ou marines. Au XIXe, on bascule entre<br />

un style académique et une touche plus<br />

intuitive. Un artiste comme Constable<br />

multiplie les esquisses non destinées à une<br />

œuvre finie, réalisant de grandes toiles au<br />

format d’exposition, tout en gardant la<br />

touche plus légère de l’esquisse. Après la<br />

période faste des paysages romantiques,<br />

les artistes poursuivent la pratique des<br />

esquisses à l’huile sur carton, comme en<br />

témoignent les œuvres de Rouault ou Vuillard<br />

que propose la Galerie April in Paris,<br />

à Amsterdam. Rarement destinées à être<br />

montrées au public, les esquisses ne sont<br />

« On ne peut pas<br />

toujours attribuer une<br />

esquisse à un artiste<br />

bien précis. Il faut<br />

alors faire confiance à<br />

son instinct, ce qui est<br />

l’essence même de la<br />

collection. »<br />

JOB UBBENS<br />

Léon Frédéric, esquisse pour les Ramasseurs d’escarbilles, huile sur carton, 9,5 x 20,5 cm. Courtesy Thibaut<br />

Wolvesperges. La toile achevée en 1883 (162 x 212 cm) se trouve à La Boverie de Liège.<br />

44


« Si on connaît<br />

bien un artiste, on<br />

peut parfois faire de<br />

belles découvertes<br />

suite à un mauvais<br />

catalogage, quand<br />

une esquisse est<br />

erronément attribuée<br />

à un assistant ou à<br />

son école. »<br />

THIBAUT WOLVESPERGES<br />

Ecole française, Vue de la Piazza del Popolo, Rome, ca. 1870, huile sur toile posée sur carton, 18 x 21 cm.<br />

Courtesy Ubbens Art<br />

généralement pas signées, ce qui nécessite<br />

pour leur identification de nombreuses<br />

recherches. Parfois, on peut reconnaître le<br />

tableau qu’elles ont inspiré ou se fier aux<br />

analogies stylistiques. Dans le doute, on<br />

dira, anglais XVIIIe ou français XIXe, sans<br />

pouvoir être plus précis.<br />

PROBLÈMES D’ATTRIBUTION<br />

« Si on connaît bien un artiste, on peut<br />

parfois faire de belles découvertes suite<br />

à un mauvais catalogage, quand une<br />

esquisse est erronément attribuée à un<br />

assistant ou à son école », constate Thibaut<br />

Wolvesperges, galeriste à Bruxelles.<br />

« On ne peut pas toujours attribuer une<br />

esquisse à un artiste bien précis. Il faut<br />

alors faire confiance à son instinct, ce<br />

qui est l’essence même de la collection »,<br />

sourit Jop Hubbens, collectionneur et marchand<br />

à Bussum. Le marché est, on l’aura<br />

compris, très diversifié. « On peut acheter<br />

une esquisse pour 500 comme pour 50.000<br />

euros. Tout dépend du nom de l’artiste, du<br />

sujet, de son traitement, de sa finition et<br />

de la sensibilité du marché », précise-t-il.<br />

Un de ses artistes favoris, l’Anglais Thomas<br />

Jones (1742-1803) a fait plusieurs séjours<br />

en Italie et dans le sud de l’Europe à la fin<br />

du XVIIIe siècle. Jamais exposées de son<br />

vivant, ses huiles sur papier, où il capte<br />

avec raffinement la patine et la matière<br />

des murs de ces villes sous le soleil méridional,<br />

sont aujourd’hui très recherchées<br />

des collectionneurs. Si on peut trouver<br />

certaines de ses œuvres entre 60.000 et<br />

80.000 euros, une de ses esquisses, La vue<br />

du Temple de Diane à Nemi, était adjugée<br />

par Christie’s, en 2005, pour 187.200<br />

livres sterling (279.600 euros). Au musée<br />

Kunstpalast de Düsseldorf, l’exposition<br />

Mehr Licht rassemble des œuvres d’artistes<br />

de l’époque romantique de l’école locale,<br />

mais aussi de Caspar David Friedrich ou<br />

de Camille Corot, artistes ayant pratiqué<br />

l’esquisse à l’huile pour affirmer une nouvelle<br />

vision de la nature. Œuvres à priori<br />

non destinées au public, elles n’ont pour<br />

la plupart été exposées qu’un ou deux<br />

siècles après la disparition de leur auteur.<br />

Même en conservant le statut d’esquisse,<br />

elles peuvent être aujourd’hui considérées<br />

comme des œuvres d’art à part entière, et<br />

garder intacte la singularité du moment<br />

dont elles sont les témoins.<br />

VISITER<br />

Mehr Licht. Die Befreiung der Natur<br />

Museum Kunstpalast<br />

Düsseldorf<br />

www.kunstpalast.de<br />

du 08-02 au 07-05<br />

45


La canne<br />

Bien plus qu’une aide à la marche<br />

Un simple bâton ramassé le long<br />

d’un chemin peut faire l’affaire pour<br />

servir d’aide à la marche. Comment<br />

alors expliquer l’extraordinaire<br />

succès qu’a connu – et que connaît<br />

encore – la canne ? Sans doute<br />

parce que l’être humain a toujours<br />

entouré le plus simple outil d’une<br />

pléiade de symboles, dont celui du<br />

pouvoir ou de la richesse. Quand ce<br />

n’est pas simplement l’identification<br />

de soi.<br />

TEXTE : ANNE HUSTACHE<br />

«La canne n’a pas d’âge. La<br />

première canne a dû être<br />

inventée dès que l’homme,<br />

se saisissant d’une branche<br />

cassée, a compris le parti qu’il pourrait en<br />

tirer », écrivait en 1988 l’historien Pierre<br />

Faveton. L’objet est donc né à l’aube de<br />

l’humanité et de besoins très utilitaires :<br />

soutenir le corps dans sa progression,<br />

faire avancer un troupeau, mais aussi se<br />

défendre. Très vite toutefois, il est orné et<br />

pourvu d’autres fonctions symboliques. La<br />

canne représente diversement le pouvoir,<br />

la classe sociale, l’appartenance à un<br />

groupe. Si le bâton de marche est signalé<br />

plusieurs fois dans l’Antiquité grecque et<br />

romaine et dans la Bible, le mot ‘‘canne’’,<br />

n’est pas attesté avant le XVIe siècle. Il<br />

semble se référer au mot italien ‘‘roseau’’.<br />

Au cours du Moyen Âge, elle entre dans<br />

l’ombre de l’épée ou de la crosse épiscopale,<br />

mais elle accompagne fidèlement le<br />

pèlerin. La Renaissance la remet à la mode<br />

et elle devient un accessoire de plus en<br />

plus luxueusement orné, plutôt réservé<br />

à l’aristocratie et à la noblesse. Après la<br />

Révolution française, elle se démocratise<br />

et, au courant du XIXe siècle, se diversifie :<br />

la canne-système fait fureur et convoque<br />

un imaginaire débridé, couplé à un certain<br />

savoir-faire. La Belle Epoque lui offre son<br />

âge d’or : pour un homme, sortir sans<br />

canne est alors aussi incongru que sortir<br />

sans chapeau pour une femme. Son déclin<br />

s’amorce à la fin des années 1920, étant<br />

sans doute concurrencée par l’envahissement<br />

de la voiture et d’autres critères de<br />

modernité.<br />

LIRE<br />

Pierre Faveton, Les Cannes, éd. C. Massin,<br />

Paris, 1988, ISBN 2-7072-0132-4<br />

Ennemi<br />

ca. 1345 av. J. – C.<br />

Toutankhamon fut-il le premier grand collectionneur de<br />

cannes ? Sa tombe en recelait 130 exemplaires ! Si le jeune<br />

pharaon, affublé d’un pied-bot congénital, en utilisa certaines<br />

pour marcher, d’autres – comme celle-ci – furent certainement<br />

confectionnées dans le cadre de cérémonies rituelles. Le pommeau<br />

est formé du corps souplement recourbé d’un personnage<br />

nubien, un des ennemis héréditaires de l’Egypte. Ainsi,<br />

lors des apparitions processionnelles de Pharaon, le geste de sa<br />

main posée sur ce corps exprimait, devant tous, la supériorité<br />

de l’un sur l’autre. Outre sa domination, c’était aussi l’humiliation<br />

que souhaitait infliger l’Egypte aux peuples qui lui étaient<br />

hostiles.<br />

Canne de Toutankhamon avec prisonnier nubien sur le pommeau, Egypte,<br />

argent, bois d’ébène, H. 140 cm. Le Caire, Musée égyptien (futur GEM), inv.<br />

JE 61735. © photo : Kenneth Garrett<br />

46


Exotisme<br />

XVIIIe siècle<br />

De Sèvres à Meissen, la porcelaine fut l’une des matières privilégiée<br />

pour les cannes réalisées aux XVIIIe et XIXe siècles, que ce soit pour<br />

des pommeaux milord ou ‘‘à forte poignée’’. Les décors floraux et les<br />

thèmes galants, comme les scènes inspirées de Watteau, abondent<br />

ainsi que les têtes, que ce soit celles de jolies femme ou de personnages<br />

étrangers, comme ici. Toute la légèreté et le goût pour l’exotisme du<br />

XVIIIe siècle s’expriment dans cette séduisante canne. La tête d’un<br />

homme chauve, probablement chinois ,termine le pommeau réalisé en<br />

porcelaine de Limoges, d’autre part décoré de fleurs et feuillage stylisés.<br />

Sur le dos du pommeau, un dessin de canne complète une inscription<br />

associant ‘‘béquille’’ à ‘‘fertile’’. Une allusion joyeusement coquine ?<br />

Diverses scènes sont ciselées sur le bâton.<br />

Canne avec pommeau, France, bois et porcelaine tendre de Limoges, H. 88 cm.<br />

Limoges, musée national Adrien Dubouché, inv. ADL 1128.<br />

Musicale<br />

ca 1750-1758<br />

Voici une canne dont la rareté est assurée tant par la matière utilisée que par son<br />

utilisation. Elle est en effet sculptée dans une dent de narval, une ‘‘excroissance’’<br />

très recherchée car elle passait pour la corne d’une licorne et son prix dépassait<br />

plusieurs fois celui de l’or. En outre, la partie supérieure de l’objet est sculptée en<br />

flûte traversière et la partie inférieure en hautbois. Son auteur, Georges Heinrich<br />

Scherer, était le plus célèbre membre d’une famille de fabricants d’instruments de<br />

musique à vent, Frédéric le Grand figurait parmi ses plus prestigieux clients. Le<br />

monarque, qui jouait de la flûte et en possédait plusieurs, marquait également un<br />

intérêt scientifique aux qualités acoustiques des matières, d’où ce choix d’une dent<br />

de Narval. Il ne reste actuellement que deux cannes de ce type au monde, l’autre se<br />

trouvant à Darmstadt, au musée régional de Hesse.<br />

Georg Henrich Scherer, Canne flûte et hautbois, Allemagne, dent de Narval, ivoire, bronze doré, H.<br />

107,5 cm. New York, The Metropolitan Museum of Art, inv. 2006.86a-c.<br />

Chaud-Froid<br />

fin du XVIIIe siècle<br />

Classer les cannes n’est pas une mince affaire ! La majorité des modèles anciens disposent<br />

d’une double fonction, par exemple aider à la marche et servir d’arme en cas de besoin. La<br />

canne à système se révèle d’un autre type : elle reste un ustensile de marche mais dispose<br />

d’une autre fonctionnalité, celle-ci étant parfois cachée : canne-cadran solaire, canne avec<br />

matériel d’écrivain, canne-épée, canne-fusil, ... La liste est longue. Cette canne-thermomètre<br />

est exceptionnelle car munie d’un système permettant probablement à son propriétaire<br />

de relever la température du sol. A l’ouverture du fût, on peut y lire l’inscription<br />

suivante : ‘‘Thermomètre portatif de l’invention du citoyen Régnier’’. La férule (embout<br />

dans le bas de la canne) est une haute douille creuse et percée de plusieurs trous.<br />

47


Littéraire<br />

1834<br />

Joachim Le Cointe, Canne dite d’Honoré de Balzac<br />

ou Canne aux turquoises, Paris, or et turquoises, H.<br />

90 cm. Saché, Musée Balzac, inv. BAL 186.<br />

A Paris, au XIXe siècle, personne ne sortait<br />

au théâtre sans canne et certainement pas<br />

Honoré de Balzac (1799-1850) qui, en cette<br />

année 1834, se voit accéder au succès et<br />

entend marquer celui-ci en en possédant<br />

une. Il acquiert à grand frais (700 francs),<br />

auprès de l’orfèvre Le Cointe, une canne<br />

extravagante, plus haute que la normale,<br />

garnie d’un pommeau d’or ciselé et frappé<br />

des armoiries des Balzac d’Entraigues, famille<br />

n’ayant rien à voir avec la sienne. Sur<br />

le pommeau sont serties des turquoises<br />

habituellement associées aux jeunes filles,<br />

les chaînettes y étant attachées ayant été<br />

récupérées sur un sautoir appartenant<br />

à sa maîtresse, Madame Hanska. Cerise<br />

sur le gâteau, le pommeau est également<br />

muni d’un couvercle s’ouvrant sur une<br />

cavité où l’écrivain gardait une mèche des<br />

cheveux de son amante… Cette canne, qui<br />

contraste avec les objets raffinés portés<br />

par les dandys, va évidemment susciter<br />

la raillerie des caricaturistes de l’époque.<br />

En 1836, toutefois, l’écrivain Delphine de<br />

Girardin imagine, dans un roman intitulé<br />

La Canne de Mr Balzac, que cet accessoire<br />

rend invisible celui qui le porte à la main<br />

gauche… Une canne enchantée donc, qui<br />

permet à son propriétaire de se glisser<br />

dans le quotidien de ses personnages, de<br />

les observer pour en nourrir ses romans.<br />

Militaire<br />

fin du XIXe siècle<br />

Un conscrit est un jeune homme appelé à accomplir son<br />

service militaire. Traditionnellement, avant son départ, il<br />

achetait pour l’offrir à sa famille, une canne de verre soufflé,<br />

joliment décorée de trois couleurs enrubannées : le rouge, le<br />

blanc et le bleu du drapeau français. L’objet, empli d’alcool<br />

et hermétiquement scellé d’un bouchon de cuir protégé par<br />

de la cire, était suspendu à un mur du foyer où il attendait le<br />

retour du conscrit. C’était alors l’occasion de briser le bouchon<br />

et de trinquer joyeusement. Parmi les cannes aujourd’hui<br />

conservées, plusieurs demeurent intactes, ce qui signifie que,<br />

malheureusement, certains jeunes hommes sont morts au<br />

combat.<br />

Canne de conscrit, France, verre polychrome, L. 100 cm. © Antiques de Laval<br />

215 €<br />

Prise de bec<br />

début du XXe siècle<br />

Canne Art nouveau, Italie, maillechort, argent 800/1000, ébène, bague de<br />

base en métal, H. 90 cm. © Bellami Fine Art<br />

L’Art nouveau, qui s’épanouit en Europe aux alentours de 1900, a<br />

fourni un fonds inépuisable de modèles aux fabricants de cannes,<br />

extrêmement sollicités en l’ âge d’or de cet accessoire : le monde<br />

de la nature, la courbe d’origine végétale, la femme à la chevelure<br />

foisonnante… Pour cet exemplaire, l’orfèvre a choisi de réunir un<br />

paon et un coq, se prenant doucement le bec sur un lit de fleurettes.<br />

Mais quel est le sens de cette scène si elle n’est pas qu’esthétique ?<br />

En effet, les plumes du coq s’enroulent comme les voiles d’un drap,<br />

tandis que le paon abandonne sa superbe habituelle. Une canne qui<br />

témoigne du raffinement extrême dans lequel celles à pommeau<br />

d’argent de la Belle Epoque étaient réalisées.<br />

48


A la chasse aux papillons<br />

ca. 1900<br />

Canne à système pour collectionneur de papillons, bois. Collection particulière.<br />

© Anticstore<br />

Au cours des XVIIIe et XIXe siècles, plus de 1500 brevets<br />

de systèmes pour canne furent déposés… entre canne à<br />

dés, canne boîte à poudrer, canne allume-cigare, canne<br />

avec matériel pour médecin ou encore canne-montre,<br />

ces accessoires et outils, créées par des esprits inventifs,<br />

offrent certainement les cannes les plus fascinantes et les<br />

plus collectionnées. Cette canne pour collectionneur de<br />

papillons témoigne du sens pratique dont les fabricants<br />

devaient disposer : comment faire entrer tous les instruments<br />

nécessaires – filet, pince, étuis, épingles – dans le<br />

mince tuyau de bois ?<br />

La classe !<br />

1996<br />

Siegfried De Buck est internationalement reconnu pour ses créations dans<br />

le domaine du bijou contemporain. On connaît moins ses objets. Sa réinterprétation<br />

de la canne Milord, ou Crimson, traduit parfaitement la philosophie<br />

de ce passionné de belles matières, de formes essentielles et créatives,<br />

mais aussi du savoir-faire qui donne patiemment vie aux choses. La Crimson<br />

est faite de matériaux nobles, adoptant un profil net et sobre qui montre<br />

sans détour un petit couvercle dissimulant un contenant. A chacun d’y<br />

déposer son secret. En créant plusieurs cannes, outre la Crimson, Siegfried<br />

De Buck (1949) confirme sa foi en des objets qui nous identifient.<br />

Siegfried de Buck, canne Crimson, Gand, bois et argent. Anvers, DIVA, inv. S2005/5.<br />

Hors catégorie<br />

1997<br />

Au XVIIIe siècle, la famille Jacquet Droze, originaire de la Chauds-de-Fonds, se<br />

rendait internationalement célèbre pour ses travaux d’horlogerie, montres et<br />

automates. Entrée en déclin au début des années 1990, la firme est intégrée en<br />

2000 dans le groupe Swatch. Réalisée en 1997, cette canne-montre témoigne<br />

pourtant d’un savoir-faire maison demeuré intact en dépit des années d’ombre,<br />

un tel objet requérant la maîtrise de divers artisans de haut vol. Le pommeau est<br />

en or et émail translucide bleu, serti de rubis, turquoises et perles. Une ouverture<br />

secrète, faite de tourmaline sertie de diamants, laisse entrevoir le cadran de la<br />

montre. L’aiguille est en acier bleui. Un stylo bille en or guilloché figure également<br />

à l’intérieur de la canne.<br />

Canne montre-squelette Jacquet Droze, or, bois d’amarante, émail, rubis, turquoises, perles,<br />

diamant, acier bleui. Artcurial, Monaco, 30-07-2007. © Artcurial<br />

11.772 €<br />

49


Theodore Rombouts<br />

Un maître entre Caravage et Rubens<br />

Allégorie de la Cour de Justice de Gedele, 1627–1628, huile sur toile. Gand, Musée des Beaux-Arts.<br />

50


Le point culminant de la célébration<br />

des 225 ans d’existence du musée<br />

des Beaux-Arts de Gand (MSK)<br />

est sans aucun doute l’exposition<br />

internationale Theodore Rombouts.<br />

Virtuose du caravagisme flamand.<br />

Son chef-d’œuvre, l’Allégorie de<br />

la Cour de Justice de Gedele, a été<br />

acquis par le musée en 2007.<br />

TEXTE : MATTHIAS DEPOORTER<br />

Theodore Rombouts (1597-1637)<br />

n’est sans doute pas un nom<br />

très connu. La commissaire de<br />

l’exposition, Frederica Van Dam,<br />

introduit le catalogue consacré à ce caravagiste<br />

anversois par une citation de Max<br />

Rooses : « Le maître anversois envers lequel<br />

la postérité a manifesté la plus grande<br />

injustice » et qui « a le moins bénéficié de<br />

la notoriété à laquelle il pouvait prétendre<br />

». En 1879, l’historien de l’art anversois<br />

résumait en ces termes la renommée de<br />

Rombouts. Près d’un siècle et demi plus<br />

tard, cette injustice est toujours d’actualité.<br />

Aussi, l’exposition souhaite-t-elle corriger<br />

cette image et offrir un nouveau souffle à<br />

la recherche. Le lien avec Gand et le MSK<br />

n’est pas fortuit. Rombouts réalisa pour la<br />

ville des œuvres magnifiques, dont celle<br />

précitée qui fait partie des joyaux du musée.<br />

La toute première œuvre d’un maître acquise<br />

par l’institution fut l’Allégorie des cinq<br />

sens, commande de son mécène gantois,<br />

l’évêque Antoon Triest (1577–1657). Theodore<br />

Rombouts appartient à la deuxième<br />

génération des caravagistes, indirectement<br />

influencés par le génie lombard (1571-1610)<br />

et par son principal disciple italien, Bartolomeo<br />

Manfredi (1582–1622). Rombouts se<br />

rendit en Italie en 1616, s’y imprégnant de<br />

l’atmosphère picturale novatrice, avant de<br />

devenir, après son retour à Anvers, le plus<br />

grand peintre de scènes de genre moralistes<br />

à l’esthétique caravagesque. Ses compositions<br />

ont un format horizontal, le chiaroscuro<br />

(clair-obscur) est créé par une source de<br />

lumière cachée, des personnages en buste<br />

et de saisissants gros plans de têtes. L’artiste<br />

savait créer une ambiance séduisante, notamment<br />

grâce à des musiciens jouant du<br />

luth ou du théorbe.<br />

Le caravagisme<br />

ne connut<br />

qu’un bref<br />

épanouissement et<br />

fut longtemps négligé<br />

par les critiques.<br />

RUBENS, CHEF DE FILE<br />

On ne connaît qu’une quarantaine de<br />

tableaux de Theodore Rombouts, mort<br />

relativement jeune. Il avait vingt ans de<br />

moins que Pierre Paul Rubens (1577-1640),<br />

fait qui le desservit tant dans sa vie que<br />

dans l’accueil réservé à ses oeuvres. Malgré<br />

la portée internationale du caravagisme<br />

dans le nord des Pays-Bas, avec Dirck van<br />

Baburen, Gerard van Honthorst et Hendrick<br />

ter Brugghen, la situation était différente<br />

dans les provinces du sud. Ainsi, Gerard<br />

Seghers (1591-1651) se plaignait-il de son<br />

obligation d’adapter son style à celui de<br />

Rubens, selon le souhait de ses commanditaires.<br />

Les artistes et leurs biographes<br />

n’avaient alors d’yeux que pour Rubens et<br />

Antoine van Dyck, de sorte que le caravagisme<br />

de Rombouts et de ses confrères<br />

ne connut qu’un bref épanouissement et<br />

fut longtemps négligé. En outre, nombre<br />

d’historiens de l’art méprisèrent les scènes<br />

de genre de Rombouts, faisant courir le<br />

bruit d’une jalousie de sa part en regard des<br />

succès rencontrés par Rubens.<br />

MAGNUM OPUS<br />

En dehors des scènes de genre, il subsiste<br />

un nombre limité d’allégories et représentations<br />

religieuses de Rombouts. L’Allégorie de<br />

la Cour de Justice de Gedele, tableau particulièrement<br />

puissant et sa plus grande œuvre,<br />

réunit toutes les caractéristiques de son<br />

art. En avril 1628, après un an de travail et<br />

juste avant la date de livraison convenue, il<br />

acheva l’œuvre sur une toile à matelas avec<br />

motif à chevrons, utilisée pour sa rigidité<br />

convenant aux œuvres monumentales. Ce<br />

tableau, qui s’inscrivait dans la politique<br />

de représentation de la cité, fut installé<br />

dans l’hôtel de ville, en la salle scabinale<br />

de Gedele, précurseur de l’actuel palais de<br />

justice. L’oeuvre impressionne, notamment<br />

dans son plan inférieur, par une approche<br />

personnelle du caravagisme naturaliste. Les<br />

personnages sont assis ou couchés, portent<br />

des costumes de fête, adoptent une pose<br />

théâtrale ou prennent un air impassible, tel<br />

ce solide hallebardier de profil au heaume<br />

étincelant. En peintre figuratif accompli,<br />

Rombouts démontre, dans sa personnification<br />

de l’Escaut, que la représentation d'un<br />

corps d’homme robuste et nu ne pose aucun<br />

problème. Son apprentissage probable<br />

auprès d’Abraham Janssens (1575–1632)<br />

est ici perceptible. Ce personnage placide<br />

nous incite à regarder plus en hauteur. Les<br />

gestes de la main et l’orientation des têtes<br />

des autres figures sont tout aussi précis, de<br />

sorte que le regard se porte à gauche et à<br />

droite avant de se fixer, via l’escalier, sur le<br />

thème central. Le plan supérieur est doté<br />

d’un ton et d’un style différents avec, au<br />

milieu, la Vierge de Gand sous un baldaquin.<br />

Celle-ci personnifie la ville, avec le lion<br />

symbolisant la justice. Les huit échevins de<br />

Gedele, aux attributs définissant la jurisprudence,<br />

l’encadrent sur les marches. Au<br />

registre inférieur, trois femmes incarnent<br />

les vertus cardinales de Courage, Prudence<br />

et Tempérance. Contrairement à ses scènes<br />

de genre, l’artiste a ici élaboré un véritable<br />

décor. L’architecture et la sculpture<br />

antiques offrent un contrepoids classique<br />

au caravagisme, ce qui révèle un artiste à la<br />

forte personnalité, capable de transcender<br />

l’image stéréotypée du peintre de genre. En<br />

1630, celui-ci acquit sa maison familiale,<br />

Den Leecktap sur le Meir. L’atelier tournait<br />

alors à plein régime, avant de cesser toute<br />

activité au décès de l’artiste en 1637.<br />

VISITER<br />

Theodore Rombouts.<br />

Virtuose du caravagisme flamand<br />

MSK<br />

Gand<br />

www.mskgent.be<br />

jusq. 23-04<br />

51


Lucien Clergue, Picasso à La Californie, Cannes, 1955. © de l'artiste<br />

52


Cinquante ans<br />

après Picasso<br />

Un mythe contesté<br />

Cette année commémore dans<br />

le monde le cinquantième<br />

anniversaire de la disparition de<br />

Pablo Picasso, avec pas moins de<br />

cinquante expositions. Une nouvelle<br />

génération découvre le plus grand<br />

artiste du XXe siècle en posant les<br />

questions du XXIe sur le mythe<br />

Picasso. Est-il possible de dissocier<br />

l’art de l’artiste et du culte de sa<br />

personnalité ?<br />

TEXTE : CELINE DE GEEST<br />

Dans le demi-siècle qui a suivi sa<br />

mort, Picasso (1881-1973) n’a cessé<br />

d’occuper le devant de la scène.<br />

<strong>2023</strong> est une année spéciale, car<br />

les institutions culturelles d’Europe et des<br />

États-Unis organisent Celebrating Picasso<br />

1973-<strong>2023</strong> : cinquante expositions et événements<br />

retraçant la carrière du maître espagnol.<br />

En Europe, les expositions Picasso – El<br />

Greco au Kunstmuseum de Bâle, Picasso:<br />

Matter and Body au Guggenheim de Bilbao,<br />

Miró – Picasso au Museu Picasso et à la<br />

Fundació Joan Miró de Barcelone, Picasso<br />

& Abstraction aux musées des Beaux-Arts<br />

de Bruxelles et Célébration Picasso, sous<br />

la direction artistique de Paul Smith, au<br />

musée national Picasso de Paris figurent<br />

au programme. Aux États-Unis, le MoMA<br />

suit le mouvement avec Picasso in Fontainebleau,<br />

le Metropolitan avec Picasso: A Cubist<br />

Commission in Brooklyn, le Guggenheim<br />

avec Young Picasso in Paris et le Cincinnati<br />

Art Museum avec Picasso Landscapes: Out<br />

of Bounds. Si un demi-siècle après le décès<br />

de l’artiste, il semble que tout ait été dit.<br />

Le Brooklyn Museum de New York sort<br />

des sentiers battus en soulevant quelquesunes<br />

des questions que, toutes générations<br />

confondues, les visiteurs se posent, traitant<br />

de notions telles que la masculinité, la<br />

misogynie et le génie en art. Une personnalité<br />

complexe, érigée au rang de mythe telle<br />

que celle de Picasso, en est une illustration<br />

parfaite. L’exposition de Brooklyn se penche<br />

sur les méthodes de travail de l’artiste et son<br />

personnage vu à travers le spectre du féminisme.<br />

Il s’agit d’une collaboration entre les<br />

L’exposition de<br />

Brooklyn se penche<br />

sur les méthodes de<br />

travail de l'artiste et<br />

son personnage vu à<br />

travers le spectre du<br />

féminisme.<br />

curatrices Lisa Small et Catherine Morris et<br />

l’humoriste et historienne de l’art australienne<br />

Hannah Gadsby.<br />

LE REGARD MASCULIN<br />

« I fucking hate Picasso! », hurle Hannah<br />

Gadsby dans son fameux spectacle Nanette<br />

que des millions de spectateurs ont vu sur<br />

Netflix. « Il couchait avec une fille mineure<br />

et ça me suffit. Il ne m’intéresse pas »,<br />

déclare-t-elle. La comédienne évoque la<br />

relation que l’artiste, alors âgé de 45 ans,<br />

entama avec Marie-Thérèse Walter, âgée<br />

de 17 ans. Et d’ajouter : « Picasso trouvait<br />

cette situation parfaite. ‘‘J’étais dans la fleur<br />

de l’âge, elle était dans la fleur de son âge’’,<br />

a-t-il déclaré. J’ai lu cela quand j’avais dixsept<br />

ans. Ça m’a dégoûtée. Je le déteste, sauf<br />

que c’est interdit. » Avec ironie, elle imite<br />

les défenseurs de Picasso : « ‘‘Mais c’est tout<br />

de même lui qui a inventé le cubisme !’’ Ne<br />

vous méprenez pas, le cubisme est effectivement<br />

important. Picasso a introduit<br />

53


Figure, 21 novembre 1948, crayon, frottis, encre et grattoir<br />

sur zinc, impression par Mourlot sur papier vélin,<br />

66,1 × 50,4 cm. © Musée national Picasso-Paris, dation<br />

Pablo Picasso, 1979.<br />

Nu au bouquet d'Iris et miroir, 1934. © Succession Picasso Sabam Belgium 2022 / RMN-Grand Palais<br />

(Musée national Picasso-Paris) / photo : Mathieu Rabeau<br />

« Retirez le nom<br />

de Picasso de ses<br />

tableaux et voyez<br />

combien ils vont<br />

rapporter dans une<br />

vente aux enchères :<br />

pas un centime ! »<br />

HANNAH GADSBY<br />

de nouvelles perspectives dans l’art. Mais<br />

une seule de celles-ci avait-elle trait à la<br />

femme ? » Lorsqu’elle parle de faire la<br />

distinction entre l’artiste et son art, autre<br />

argument des défenseurs de Picasso, elle<br />

ajoute : « D’accord, cela ne coûte rien<br />

d’essayer. Retirez le nom de Picasso de ses<br />

tableaux et voyez combien ils rapportent<br />

aux enchères : pas un centime ! » Il n’est<br />

pas facile de dissocier l’artiste de son art<br />

lorsqu'on parle de Picasso. Les femmes qui<br />

ont coloré sa vie, de la période bleue à la<br />

rose et longtemps après, constituent un<br />

élément incontournable de son mythe. Les<br />

différentes périodes de l’œuvre de Picasso<br />

sont souvent définies par ces femmes.<br />

Olga Khokhlova (1891-1955), Marie-Thérèse<br />

Walter (1909-1977), Dora Maar (1907-<br />

1997), Françoise Gilot (1921) et Jacqueline<br />

Roque (1927-1986) sont quelques-unes des<br />

muses qui l’ont inspiré et qu’il a indissociablement<br />

liées à l’art. Picasso a sciemment<br />

articulé son personnage autour de ses<br />

partenaires féminines et les historiens de<br />

l’art lui ont emboîté le pas. Mais le regard<br />

porté aujourd’hui sur le personnage a<br />

tendance à se nuancer, dans la foulée<br />

du mouvement MeToo et des études de<br />

genre. La journaliste Arianna Huffington,<br />

fondatrice de The Huffington Post, les a<br />

précédés dès 1989. Dans son livre Picasso:<br />

Creator and Destroyer, elle décrivait l’artiste<br />

comme un malade, tourmenté, fragile,<br />

sadique, peu digne de confiance, mais<br />

aussi comme un misogyne qui harcelait<br />

ses femmes et maîtresses. Pour ce faire,<br />

elle a notamment interviewé l’artiste Françoise<br />

Gilot, aujourd’hui âgée de 101 ans,<br />

dont Picasso fit la connaissance alors qu’il<br />

avait 61 ans et elle 21. Ils vécurent dix ans<br />

ensemble et eurent deux enfants, Claude<br />

et Paloma. Lorsque Françoise quitta<br />

Picasso, il demanda à tous les marchands<br />

d’art qu’il connaissait de ne pas accepter<br />

de vendre les œuvres de son ex-compagne.<br />

En 1964, onze ans après leur séparation,<br />

cette dernière écrivit Life with Picasso,<br />

portrait révélateur devenu un bestseller<br />

malgré les efforts de l’artiste pour interdire<br />

sa publication. Dès lors, quiconque<br />

souhaitait nouer des liens avec Picasso ou<br />

avoir accès à son atelier devait dénigrer le<br />

livre de Françoise. Après sa publication, il<br />

refusa de continuer à voir leurs enfants. Le<br />

produit de la vente du livre servit à payer<br />

les frais du procès de Claude et Paloma<br />

pour devenir ses héritiers légaux.<br />

54


MUSES RÉCIPROQUES<br />

Les témoignages de Françoise n’ont pas<br />

pour autant freiné la Picasso-mania. Des<br />

milliers d’œuvres de l’artiste sont disséminées<br />

dans le monde et constituent le<br />

clou de nombre de collections privées et<br />

publiques. Beaucoup de musées ont toutefois<br />

cessé, au fil des ans, de présenter sans<br />

esprit critique Picasso et d’autres grands<br />

artistes comme de purs génies, des êtres<br />

presque surhumains à l’inspiration divine et<br />

au dévouement total à leur art, ce qui justifie<br />

parfois une personnalité abominable.<br />

Au lieu de cela, les expositions traitent du<br />

contexte social de l’éclosion de leur talent<br />

et de l'importance des collaborations en art.<br />

Lors de la récente exposition Lee Miller and<br />

Picasso, la galerie britannique Newlands<br />

House dénaturait le récit dominant sur le<br />

peintre espagnol et ses modèles féminins<br />

en présentant Picasso comme muse de<br />

Miller. La photographe et correspondante<br />

de guerre Lee Miller (1907-1977) rencontrait<br />

Picasso à l’été 1937, lors de vacances<br />

dans le sud de la France, à la suite de quoi<br />

le maître a peint des portraits colorés d’elle.<br />

Picasso devint à son tour inspirateur de<br />

la photographe qui en fit plus de mille fois<br />

le portrait dans les années qui suivirent.<br />

Nombre de ces images présentent Picasso<br />

comme homme et père, mais aussi comme<br />

artiste. Lee Miller eut accès à l’atelier de<br />

Picasso, privilège exclusivement réservé aux<br />

personnes de son entourage proche. Ses<br />

photographies d’atelier révèlent la manière<br />

dont Picasso a représenté ce lieu dans ses<br />

tableaux : un espace sacré où il exerçait sa<br />

magie. Plus on s’éloigne d’Europe, plus le<br />

regard semble critique. En 2018, en Australie,<br />

une exposition itinérante présentait la<br />

Suite Vollard, série de cent gravures réalisées<br />

par Picasso entre 1930 et 1937, se référant<br />

au marchand d’art Ambroise Vollard qui<br />

les avait commanditées. Ces gravures qui<br />

font, entre autres, partie des collections du<br />

MoMA et du British Museum, comptent<br />

d’après les connaisseurs parmi les meilleures<br />

de l’artiste. Elles représentent le<br />

Minotaure en agresseur et le sculpteur<br />

Pygmalion, obsédé par son modèle incarné<br />

par Marie-Thérèse Walter. L’exposition<br />

s’accompagnait d’une déclaration du musée<br />

intitulée Picasso and #MeToo et d’une liste<br />

d’ouvrages de référence. Cette liste incluait<br />

des articles questionnant les rapports de<br />

force dans l’art de Picasso, vus par certains<br />

comme l’expression de sa misogynie, tandis<br />

que d’autres proposaient une analyse minutieuse<br />

de son art.<br />

Arianna Huffington décrit Picasso comme<br />

un génie tourmenté, fragile, sadique et peu<br />

digne de confiance et comme un misogyne qui<br />

harcelait ses femmes et maîtresses.<br />

DANS LE PRISME DU GENRE<br />

À Paris, seconde patrie de l’artiste, lire<br />

son œuvre par le prisme du genre paraît<br />

plus délicat. Lorsque la journaliste Julie<br />

Beauzac mit en doute, dans un podcast<br />

qu’elle nomma L’esthétisation de la violence<br />

sexiste et sexuelle de Picasso, elle accusa<br />

« la manière dont l’histoire de l’art est<br />

organisée en club pour hommes, dont<br />

la société fabrique des génies et l’impunité<br />

accordée à des hommes puissants. »<br />

Son message ne fut pas accueilli des plus<br />

favorablement. Interrogée par l’AFP, Cécile<br />

Debray, directrice du Musée national<br />

Picasso-Paris, qualifia ce podcast « d’attaque,<br />

d’autant plus violente que Picasso<br />

est la personnalité la plus célèbre et<br />

populaire de l’art moderne. Une idole à ne<br />

pas détruire ». Elle nuança ultérieurement<br />

son point de vue : « Il est crucial que le<br />

L'Acrobate, 1930, huile sur toile, 162 x 130 cm. Musée national Picasso-Paris. © Succession Picasso - SOCAN /<br />

RMN-Grand Palais (Musée national Picasso-Paris) / photo : Adrien Didierjean<br />

55


Picasso a sciemment<br />

créé son personnage<br />

autour de ses<br />

partenaires féminines<br />

et les historiens de l’art<br />

lui ont emboîté le pas.<br />

musée choisisse une approche historiographique<br />

qui conserve la distance nécessaire<br />

par rapport aux débats sur l’attitude de<br />

Picasso à l’égard des femmes et qui tente<br />

à la fois de déconstruire le mythe Picasso.<br />

Nous souhaitons y parvenir en faisant<br />

le distinguo entre faits avérés et inventés.<br />

» La déconstruction envisagée inclut<br />

la réévaluation et la réorganisation de la<br />

collection, l’invitation d’artistes contemporains<br />

inspirés par Picasso, comme la<br />

Bruxelloise Farah Atassi. Cécile Debray :<br />

« Il s’agit de trouver un bon équilibre ; nous<br />

nous mettons en retrait de l’hagiographie<br />

et recherchons l’idée compréhensible et<br />

pertinente pour présenter ses créations.<br />

Les attaques contre Picasso sont, à l’heure<br />

actuelle, essentiellement lancées en ligne.<br />

De ce fait, beaucoup de personnes, surtout<br />

les jeunes, entendent parler pour la première<br />

fois de Picasso de manière biaisée,<br />

sans aucune connaissance de l’œuvre ni<br />

du fonctionnement d’un musée. Il me<br />

semble dès lors crucial que le musée tente<br />

de rencontrer ce public en s’ouvrant au<br />

débat et en lui faisant découvrir l’art. »<br />

Lorsque l’exposition Picasso. Figures s’est<br />

déplacée du musée national Picasso au<br />

musée national des Beaux-Arts du Québec,<br />

un audioguide était proposé sur le<br />

thème ‘‘Pouvons-nous distinguer l’art de<br />

l’artiste ?’’ Dans une interview au Journal<br />

de Québec, la commissaire Maude Lévesque<br />

déclarait : « Il faut examiner dans<br />

quelle mesure son œuvre est pertinente<br />

pour la société actuelle et comment nous<br />

pouvons l’employer afin d’aborder des<br />

questions cruciales. Il nous faut porter<br />

notre regard au-delà du seul génie. »<br />

La femme en gris, 1942,huile sur panneau. New York, The Brooklyn Museum, don d'Alex Hillman Family<br />

Foundation en mémoire de Rita K. Hillman, 2008.43. © Brooklyn Museum<br />

Projet de composition : guitare, bouteille et verre sur<br />

table ronde, 1913, technique mixte sur papier, 27,5 ×<br />

21,5 cm. © Musée national Picasso-Paris, dation Pablo<br />

Picasso, 1979<br />

56


Le peintre et son modèle dans un paysage, 1963, huile sur toile, 89 x 130 cm. Nahmad Family Collection. © 2021 The Estate of Pablo Picasso / Artists Right Society<br />

(ARS), New York<br />

VISITER<br />

Picasso & Abstraction<br />

MRBAB<br />

Bruxelles<br />

www.fine-arts-museum.be<br />

jusq. 12-02<br />

Picasso / Poussin /<br />

Bacchanales<br />

Musée des Beaux-Arts<br />

Lyon<br />

www.mba-lyon.fr<br />

jusq. 05-03<br />

Picasso in Fontainebleau<br />

MoMA<br />

New York<br />

www.moma.org<br />

du 18-02 au 01-05<br />

Picasso. L'artiste et son<br />

modèle : dernières toiles<br />

Fondation Beyeler<br />

Bâle<br />

www.fondationbeyeler.ch<br />

du 18-02 au 22-01-2024<br />

Célébration Picasso<br />

Musée national Picasso<br />

Paris<br />

www.museepicassoparis.fr<br />

du 07-03 au 27-08<br />

Young Picasso in Paris<br />

Guggenheim<br />

New York<br />

www.guggenheim.org<br />

du 12-05 au 07-08<br />

Picasso and Feminism<br />

Brooklyn Museum<br />

New York<br />

www.brooklynmuseum.org<br />

du 02-06 au 24-09<br />

Picasso Landscapes:<br />

Out of Bounds<br />

Cincinnati Art Museum<br />

cincinnatiartmuseum.org<br />

du 24-06 au 11-10<br />

Picasso: A Cubist<br />

Commission in Brooklyn<br />

Metropolitan Museum<br />

New York<br />

www.metmuseum.org<br />

du 12-09 au 14-01-2024<br />

Picasso: Matter and Body<br />

Guggenheim<br />

Bilbao<br />

guggenheim-bilbao.eus<br />

du 29-09 au 14-01-2024<br />

Picasso. Dessiner à l'infini<br />

Centre Pompidou<br />

Paris<br />

www.centrepompidou.fr<br />

du 18-10 au 22-01-2024<br />

Miró – Picasso<br />

Museu Picasso & Fundacio<br />

Joan Mirò<br />

Barcelone<br />

www.museupicasso.bcn.cat<br />

du 19-10 au 25-02-2024<br />

NOTRE SELECTION<br />

57


Raphaela Vogel<br />

prend son envol<br />

Le musée De Pont de Tilburg<br />

organise une exposition<br />

rétrospective de l’artiste allemande<br />

Raphaela Vogel, étoile montante<br />

de l’art international qui excelle<br />

dans la sculpture, la peinture, le<br />

ready-made, les sons et les vidéos<br />

tourbillonnantes dans lesquelles<br />

elle se met en scène. Sa démarche<br />

soulève des questions, non sans<br />

humour ni fascination, sur le<br />

contrôle, la domination, les rapports<br />

de force et le genre dans le monde<br />

actuel.<br />

TEXTE : CHRISTINE VUEGEN<br />

Cette rétrospective s’intitule<br />

KRAAAN, avec les trois A du<br />

mot néerlandais ‘‘kraan’’ et du<br />

mot allemand ‘‘kran’’, signifiant<br />

tous deux ‘‘robinet’’. Terme qui pourrait<br />

s’appliquer aux méthodes de travail<br />

dynamiques de Raphaela Vogel (1988) :<br />

un déluge d’images soigneusement composées<br />

semblant s’échapper d’un robinet<br />

toujours ouvert et faisant souvent fusionner<br />

divers supports. Une grue jaune figure<br />

sur l’image de campagne, celle de la vidéo<br />

Rollo, élément de l’installation du même<br />

nom réalisée en 2019 pour sa grande exposition<br />

personnelle de la Kunsthaus de<br />

Bregenz, en Autriche. Rollo est le nom du<br />

caniche blanc de l’artiste, également présent<br />

dans la vidéo. Elle indique volontiers<br />

que c’est le nom du chien du personnage<br />

principal de Effi Briest de Theodor Fontane,<br />

célèbre roman du XIXe siècle traitant<br />

d’un mariage malheureux, comme<br />

dans Madame Bovary de Flaubert, écrit<br />

du point de vue féminin par un homme.<br />

MONTAGNES RUSSES<br />

Dans la vidéo, Raphaela Vogel grimpe tout<br />

en haut de cette grue. Elle filme invariablement<br />

à l’aide de drones et utilise une<br />

caméra panoramique qui provoque des<br />

déformations considérables. Filmée en<br />

contre-plongée, la grue se tord dans tous<br />

les sens. Lorsqu’elle s’accroche enfin à son<br />

point culminant, l’image se met à tourbillonner<br />

à une allure folle, comme dans<br />

une centrifugeuse. Puis l’artiste apparaît<br />

accompagnée de son caniche, dans une<br />

ouverture ronde semblable à un judas de<br />

porte dotée d’une lentille centrale avec,<br />

en dessous, un motif psychédélique de<br />

cercles en nuances de gris ne cessant de<br />

tourner. Cette fois, elle se filme de bas en<br />

Dans la vidéo<br />

Rollo, une grue<br />

avec Vogel et son<br />

caniche tourbillonne<br />

dans tous les sens,<br />

après quoi l’image<br />

se transforme en<br />

centrifugeuse.<br />

haut tandis qu’un pied grotesque s’avance.<br />

On peut en même temps l’entendre gloser<br />

sur ce qu’elle a et n’a pas. Il s’agit d’une<br />

version allemande, adaptée par ses soins,<br />

de Ain’t Got No, I Got Life, fameux tube de<br />

1968 chanté par Nina Simone qui avait<br />

elle-même fusionné deux chansons de<br />

la comédie musicale Hair. Le projecteur<br />

vidéo fait partie de la sculpture centrale de<br />

l’installation Rollo, un décor de modèles<br />

architecturaux provenant d’un ancien parc<br />

d’attraction incluant des versions miniatures<br />

de bâtiments et monuments européens<br />

emblématiques comme le Tower<br />

Bridge de Londres, l’Arc de Triomphe de<br />

Paris, la Frauenkirche de Dresde et la statue<br />

de la Liberté de New York. Ceux-ci sont<br />

reliés par des tuyaux chromés là où ils se<br />

rejoignent en un faisceau qui se soulève,<br />

socle d’une sculpture auto-construite qui<br />

rappelle l’Atomium de Bruxelles. La vidéo<br />

est ensuite projetée sur le mur. Dans ce<br />

contexte, cette grue qui se tortille fait penser<br />

à des montagnes russes.<br />

58


Raphaela Vogel, Rollo, 2019 (détail), captures d’écran, vidéo sonores, 6:21 minutes (élément de l’installation Rollo, 2019). © de l’artiste / Courtesy den BQ, Berlin<br />

DIVERTISSEMENT ET PROFONDEUR<br />

La source d’inspiration de l’œuvre Rollo est<br />

un court-métrage socialement engagé de<br />

Helke Sander, créé en 1981. Il reconstitue<br />

l’acte d’une mère de Hambourg frappée<br />

par la crise immobilière, qui escalade une<br />

grue avec ses deux enfants et menace de<br />

sauter si rien n’est fait pour endiguer les<br />

loyers exorbitants et la pénurie de logements.<br />

Un problème qui demeure d’actualité.<br />

Cette immense grue symbolise aussi<br />

l’hubris, mot grec désignant l’orgueil, cette<br />

arrogance avec laquelle les humains se<br />

mesurent aux dieux et dominent la nature.<br />

Depuis un séjour à De Ateliers d’Amsterdam,<br />

Raphaela Vogel est connue aux<br />

Pays-Bas. Le musée De Pont a déjà acquis<br />

deux de ses œuvres, dont la sculpture<br />

vidéo Tränenmeer (Océan de larmes) dans<br />

laquelle elle joue de l’accordéon sur un<br />

rocher au milieu de la mer, tandis que l’eau<br />

tourbillonne autour d'elle. Ses créations,<br />

avec musique et chansons créées pour<br />

l’occasion, semblent s’apparenter à celles<br />

de Pipilotti Rist, reine suisse de l’art vidéo.<br />

Mais des supports plus divers entrent<br />

en jeu. A l’occasion de Beaufort 2021,<br />

triennale de la côte belge, l’artiste réalisait<br />

une installation incluant deux girafes<br />

de bronze. On a pu voir l’œuvre Können<br />

und Müssen (Pouvoir et Devoir) lors de la<br />

dernière Biennale de Venise, une squelettique<br />

caravane de girafes blanches tirant le<br />

modèle anatomique surdimensionné d’un<br />

pénis malade et flasque. Dans A Woman’s<br />

Sports Car (2019), la Triumph jaune de la<br />

mère de l’artiste étincelle comme un readymade,<br />

avec ses phares projetant une vidéo.<br />

Lorsque l’artiste peint, elle le fait délicatement<br />

sur de grandes peaux d’animaux. Un<br />

support masculin, comme un trophée de<br />

chasse, même si la forme des œuvres suspendues<br />

a quelque chose d’un utérus. Les<br />

conflits, le contrôle, les rapports de force,<br />

la valeur d’amusement et la profondeur<br />

de réflexion, la force et la vulnérabilité, la<br />

position de la femme, les relations entre les<br />

animaux, les hommes et les machines, un<br />

jeu avec les symboles et des changements<br />

de perspective inattendus sont autant<br />

d’éléments récurrents dans le monde tourbillonnant<br />

de Raphaela Vogel.<br />

Ses créations vidéos,<br />

avec musique et<br />

chansons créées pour<br />

l’occasion, semblent<br />

s’apparenter à celles<br />

de Pipilotti Rist. Mais<br />

de nombreux autres<br />

supports entrent en<br />

jeu.<br />

VISITER<br />

Raphaela Vogel. KRAAAN<br />

Musée De Pont<br />

Tilburg<br />

www.depont.nl<br />

du 18-02 au 27-08<br />

59


Uhoda Collection<br />

L'art contemporain qui crée du lien<br />

Comment se constitue une grande<br />

collection d’entreprise ? À quelques<br />

semaines de l’ouverture officielle<br />

de son espace au grand public,<br />

l’entrepreneur liégeois Stephan<br />

Uhoda, actionnaire principal du<br />

groupe éponyme (stations-service,<br />

épiceries, immobilier, …), nous a<br />

confié sa vision de l’engagement<br />

artistique et culturel.<br />

TEXTE : GWENNAËLLE GRIBAUMONT<br />

<strong>COLLECT</strong> : Comment a débuté cette<br />

formidable aventure de collectionneur ?<br />

Stephan Uhoda : C’est tout d’abord une<br />

passion qui a commencé avec mon frère<br />

Georges. Nous avions alors une trentaine<br />

d’années et rencontrions de jeunes<br />

artistes liégeois. Nous avons entamé notre<br />

collection d’entreprise de cette façon. Au<br />

fur et à mesure du développement de nos<br />

activités professionnelles, les budgets que<br />

nous pouvions consacrer à l’acquisition<br />

d’œuvres d’art devenaient plus conséquents<br />

et la collection s’est élargie pour<br />

intégrer des artistes belges, puis internationaux.<br />

Xavier Mary, Diamond Lover, 2010, acier et acier poli-miroir, 146 x 136 x 136 cm. À l’arrière-plan : à gauche,<br />

Frank Stella, From de the Waves : The Whale as a Dish, 1989, CTP ¼, technique mixte, 172 x 138 cm ; à droite,<br />

Thandiwe Muriu, Child’s Play, 2018, photographie, 150 x 100 cm © Uhoda Collection / photo : Jean-Luc Deru<br />

De quelle manière définiriez-vous<br />

l’orientation et l’étendue de celle-ci ?<br />

C’est une collection basée sur la passion,<br />

comptant plusieurs centaines d’œuvres,<br />

mais le nombre n’est pas important. C’est<br />

la qualité qui prime ! Très éclectique, elle<br />

ménage un équilibre entre artistes locaux<br />

60


Léo Luccioni, GOUVERNER, installation, néon, sculptures Meditation Drums et Tatol, 2022, dimension variables, proposition présentée dans le White Cube, Liège,<br />

novembre 2022 – janvier <strong>2023</strong>. © photo : Jean-Luc Deru<br />

ou régionaux, grands noms nationaux<br />

et pointures internationales. Dans nos<br />

espaces, nous aimons créer des dialogues<br />

entre des artistes aux parcours très différents,<br />

entre plasticiens confirmés et jeunes<br />

talents émergents. Nous y avons aussi<br />

intégré de l’art africain. C’est ce mélange<br />

qui fait la singularité de notre collection.<br />

« Très éclectique, cette collection ménage<br />

un équilibre entre artistes locaux ou<br />

régionaux, grands noms nationaux et<br />

pointures internationales. »<br />

De quelle manière allez-vous organiser sa<br />

présentation au public ?<br />

Dans un premier temps, nous accueillerons<br />

les visiteurs uniquement le samedi<br />

après-midi, sur rendez-vous et par le truchement<br />

d’un médiateur. Nous souhaitons<br />

démarrer calmement, en changeant<br />

partiellement l’accrochage deux fois par<br />

an. Nous présenterons dans une ancienne<br />

banque offrant quelques centaines de<br />

mètres carrés 5 % de l’ensemble, en questionnant<br />

des thématiques. Travailler de la<br />

sorte va nous permettre d’approfondir ces<br />

sujets afin que les visiteurs en retiennent<br />

véritablement quelque chose. Nous prêtons<br />

aussi régulièrement des œuvres à des<br />

musées et fondations, ce qui permet de<br />

les faire circuler tant au niveau national<br />

qu’international.<br />

Comment décidez-vous de l’achat d’une<br />

œuvre ? Êtes-vous toujours d’accord avec<br />

votre frère Georges sur les acquisitions ?<br />

Nos sensibilités se rapprochent très fort.<br />

Nous sommes également conseillés par<br />

Catherine Goffeau et décidons à trois.<br />

Avant toute acquisition, nous analysons<br />

d’abord le parcours de l’artiste, si l’œuvre<br />

fait sens par rapport à l’ensemble déjà<br />

constitué. Etant une collection basée sur<br />

les fonds propres de l’entreprise, l’aspect<br />

investissement est essentiel. Nous devons<br />

acheter de façon prudente et sélective.<br />

Nous observons l’évolution des artistes,<br />

suivons de près leurs cotes pour développer<br />

une collection réfléchie et contrôlée.<br />

Globalement, tout cela se passe<br />

très bien car c’est une activité à laquelle<br />

nous consacrons un certain budget, non<br />

seulement pour l’achat mais également<br />

pour conserver les œuvres, les répertorier,<br />

réaliser des recherches sur les artistes, un<br />

travail d’archivage, …<br />

Que vous apporte cette collection en<br />

terme d’image ?<br />

L’art est une excellente façon de communiquer.<br />

Au départ, nous avions la volonté<br />

de communiquer en interne par cette<br />

collection. Nos employés peuvent choisir<br />

les œuvres qui les entourent. Que ce soit<br />

en interne ou en externe, l’art et la culture<br />

nous apparaissent comme des enjeux<br />

essentiels. La culture reflète l’identité de<br />

la société et l'art nous permet d’avoir une<br />

réflexion sur nous-même. Aussi, quand<br />

nous discutons d’une œuvre avec un collaborateur,<br />

cela crée du lien, ce qui est très<br />

61


important. La culture tourne très vite à dimension<br />

sociale qui est toujours positive.<br />

C’est un autre dénominateur commun<br />

des œuvres choisies : nous aimons qu’elles<br />

soient positives.<br />

Vous êtes également très engagés au<br />

niveau de la ville de Liège. On pense<br />

évidemment à l’installation de l’œuvre de<br />

Daniel Buren dans la Gare des Guillemins,<br />

initiative du Groupe Uhoda...<br />

Nous sommes à l’origine de plusieurs<br />

initiatives et avons démarré, avec l’asbl<br />

Liège Gestion Art au Centre, le projet Art<br />

au centre, offrant à de jeunes artistes et<br />

commissaires d’exposition l’occasion de<br />

réaliser des propositions dans des vitrines<br />

de commerces vides. Nous disposons<br />

également depuis juin 2021 d’un white<br />

cube, une surface de 12 mètres carrés, en<br />

plein centre de Liège, dans lequel nous<br />

dévoilons chaque mois une œuvre de<br />

notre collection, assortie d’une mini-explication.<br />

Cette vitrine est installée dans<br />

la rue Saint-Paul, une des artères les plus<br />

« Avant toute<br />

acquisition, nous<br />

regardons d’abord le<br />

pedigree de l’artiste et<br />

si l’œuvre fait sens par<br />

rapport à l’ensemble<br />

déjà constitué. »<br />

fréquentées de la ville, atteignant quelques<br />

60 000 visiteurs par semaine. C’est important<br />

de créer des événements et des<br />

activités à Liège que je considère comme<br />

une ville magnifique, avec énormément<br />

de potentiel. L’invitation faite à Daniel<br />

Buren dans la Gare des Guillemins en est<br />

un autre exemple. Ces initiatives donnent<br />

une image positive à la ville et attirent<br />

l’attention. L’intervention de Buren incite<br />

des visiteurs du monde entier à faire escale<br />

dans notre ville et en tant que Liégeois, il<br />

est essentiel de mettre notre ville en valeur.<br />

Lorsque nous voyons des usagers du rail<br />

prendre des photos des projections de<br />

Buren sur les trains et dans la gare, nous<br />

nous disons que le pari est gagné !<br />

Y-a-t-il des œuvres particulièrement<br />

emblématiques dans votre collection et<br />

auxquelles vous êtes personnellement<br />

attaché ?<br />

Il y en a beaucoup ! Peut-être une des<br />

œuvres achetées au tout début ou une<br />

œuvre d’un artiste auquel nous avons un<br />

attachement particulier. Je pense directement<br />

à Xavier Mary et à Fréderic Plateus.<br />

Deux artistes que nous avons soutenus à<br />

l’aube de leur carrière et qui ont tous deux<br />

un parcours remarquable, faisant à présent<br />

leur chemin avec leurs galeries. Mais<br />

je ne pourrais pas pointer une œuvre en<br />

particulier. Toutes celles qui composent<br />

la collection sont comme nos enfants et<br />

nous les aimons toutes ! La plupart sont<br />

Vue de l’ancienne banque dans laquelle s’est installée la Collection Uhoda. © photo : Jean-Luc Deru<br />

62


Stéphan Uhoda. © photo : Jean-Luc Deru<br />

« Etant une collection<br />

basée sur les fonds<br />

propres de l’entreprise,<br />

l’aspect investissement<br />

est essentiel. Nous<br />

devons acheter de<br />

façon prudente et<br />

sélective. »<br />

stockées en réserve et il est intéressant<br />

d’observer, quand nous les redécouvrons<br />

après plusieurs années, que nos goûts ont<br />

évolué. On les apprécie différemment.<br />

Il est évident que j’ai un attachement<br />

particulier pour les œuvres signées par<br />

des artistes que je connais personnellement.<br />

La rencontre apporte assurément<br />

quelque chose.<br />

Daniel Buren, Comme tombées du ciel, les couleurs in situ et en mouvement, travail in situ (détail), Gare de<br />

Liège-Guillemins, 2022-<strong>2023</strong>, © de l’artiste / ADAGP, Paris / photo : Jean-Luc Deru<br />

Est-ce important d’affirmer publiquement<br />

votre engagement vis-à-vis des jeunes<br />

artistes, plus particulièrement liégeois ?<br />

Certainement ! Il est d’abord très réjouissant<br />

de soutenir des jeunes qui sont tous<br />

très reconnaissants du soutien que nous<br />

leur avons apporté. Aussi, nous avons toujours<br />

eu la volonté de donner un support à<br />

notre échelle. Nous restons conscients de<br />

nos limites, responsables d'une entreprise<br />

de taille moyenne, mais nous participons<br />

au mouvement créatif liégeois. La culture,<br />

en tant que bien social, c’est très important.<br />

De même, à travers nos initiatives<br />

(white cube, Buren, …), nous souhaitons<br />

démystifier et rendre plus accessible l’art<br />

contemporain.<br />

VISITER<br />

Uhoda Collection<br />

Rue Léon Frédéricq 14<br />

Liège<br />

www.uhodacollection.com<br />

Ouvert dès mars-avril <strong>2023</strong><br />

(sur rendez-vous)<br />

63


Menart Fair<br />

Une première à Bruxelles<br />

Unique en Europe, Menart Fair,<br />

foire internationale d’art moderne<br />

et contemporain dédiée à l’art du<br />

Moyen-Orient et de l’Afrique du<br />

Nord (ME.NA), s’installe à Bruxelles<br />

pour sa troisième édition.<br />

Jihad Khairallah, Kōzō, 2022, structure en bois massif avec supports en acier, 228 x 121,5cm. © de l’artiste /<br />

Jihad Khairallah Architects, Beyrouth<br />

dans les somptueux<br />

espaces de la Villa Empain,<br />

Centre d’Art et de Dialogue<br />

C'est<br />

entre les cultures d’Orient<br />

et d’Occident et siège de la Fondation Boghossian<br />

inauguré en 2010, que la Menart<br />

Fair a choisi de poser ses valises pour sa<br />

première étape bruxelloise. « Notre souhait<br />

a été pour Bruxelles quand nous nous<br />

sommes projetées dans l’avenir, Joanna<br />

Chevalier et moi-même, explique Laure<br />

d’Hauteville, fondatrice et directrice de la<br />

foire. Après le succès des deux éditions de<br />

Paris, le rayonnement des arts du ME.NA<br />

en Europe dépendrait de leur visibilité<br />

dans une capitale majeure. Bruxelles s’est<br />

imposée à nous d’autant plus naturellement<br />

que la <strong>Belgique</strong> est probablement<br />

le pays européen qui réunit la plus<br />

importante concentration de collectionneurs<br />

d’art. » Joanna Chevalier, directrice<br />

artistique du salon, ajoute : « La <strong>Belgique</strong><br />

m’a toujours interpelée par la qualité de<br />

ses collections et leurs approches visionnaires.<br />

Menart Fair, foire émergeante, a<br />

toute sa place à Bruxelles, notamment à<br />

la Fondation Boghossian. Le visiteur aura<br />

la possibilité d’y découvrir une pléthore<br />

d’artistes qui, pour bon nombre, sont<br />

reconnus dans leur pays d’origine. » En<br />

outre, beaucoup d’entre eux sont déjà<br />

64


Depuis des milliers<br />

d'années, les pays<br />

du ME.NA sont un<br />

fascinant creuset<br />

culturel.<br />

collectionnés par nombre de musées,<br />

d’institutions de renommée internationale<br />

et de connaisseurs occidentaux. Outre<br />

une sélection d’exposants spécialisés dans<br />

les arts plastiques, le salon présente une<br />

section de design incluant meubles, installations<br />

et objets de qualité qui incarnent<br />

magie et raffinement, éclectisme et<br />

audace. Carrefours culturels multimillénaires,<br />

les pays du ME.NA sont, en effet,<br />

réputés pour leur savoir-faire traditionnel<br />

se mariant aux formes contemporaines<br />

riches d’influences multiples. Ici émergent<br />

des créations surprenantes, émouvantes et<br />

originales. Ce design contemporain révèle<br />

son enracinement profond dans l’expérience<br />

et le temps, fruit des échanges, du<br />

brassage et de la succession des peuples et<br />

des civilisations.<br />

Bilal Bahir, Coquille de Bachelard, 2020, technique<br />

mixte sur papier ancien, 42 X 31 cm. © de l’artiste /<br />

Gery Art Gallery, Namur<br />

Nadine Rouphael, Yellow, 2022, céramique, base en finition velours avec glaçage à effet spécial, 43 x 30 x 20 cm.<br />

© de l’artiste / Atelier Nadeen, Beyrouth<br />

PIONNIÈRE EN EUROPE<br />

Laure d’Hauteville souligne également la<br />

richesse et la singularité de l’histoire de<br />

l’art moderne du ME.NA : « L’art contemporain<br />

y connaît une effervescence et une<br />

diversité incroyables. L’engagement des<br />

galeries, des fondations et des collectionneurs<br />

de cette région du monde a été fondamental<br />

pour faire connaître les artistes<br />

dans leurs propres pays. La foire Beirut<br />

Art Fair, que j’ai créée et dirigée à Beyrouth<br />

durant plus d’une dizaine d’années, a été<br />

pionnière dans ce domaine et participé au<br />

rayonnement de ces scènes artistiques.<br />

Avec Menart Fair, nous installons en<br />

Europe une plateforme d’échanges sans<br />

équivalent pour que cette formidable<br />

créative se développe et ne connaisse<br />

plus de frontières. Car, au-delà d’être une<br />

foire marchande, Menart Fair raconte une<br />

histoire, celle de l’art des pays du ME.NA<br />

» L’événement étant à taille humaine<br />

puisque ne regroupant qu’une vingtaine<br />

de galeries, les collectionneurs auront le<br />

temps de visiter les stands, de parler aux<br />

exposants, de découvrir les artistes, de<br />

jeunes designers, avec un focus particulier<br />

sur le travail des créateurs d’Afrique<br />

du Nord. Parmi les 23 galeries exposantes<br />

en provenance de 13 pays, on compte<br />

quelques Belges : Baronian (Bruxelles)<br />

dont le stand propose les œuvres du<br />

Syrien Mekhitar Garabedian (1977), du<br />

Belgo-Iranien Toufan Hosseiny (1988) et<br />

du Marocain Achraf Touloub (1986) ; Gery<br />

Art Gallery (Namur) présente les créations<br />

« Bruxelles était<br />

une évidence, car la<br />

<strong>Belgique</strong> est peut-être<br />

le pays européen qui<br />

compte la plus grande<br />

concentration de<br />

collectionneurs d'art. »<br />

LAURE D’HAUTEVILLE<br />

oniriques sur papier de l’artiste irakien<br />

Bilal Bahir (1988) ; Nathalie Obadia (Paris<br />

/ Bruxelles) montre le travail des Iraniens<br />

Hoda Kashiha (1986) et Shahpour Pouyan<br />

(1979), celui du Franco-Turc Sarkis (1938)<br />

et de l’Egyptien Youssef Nabil (1972).<br />

VISITER<br />

Menart Fair<br />

Villa Empain<br />

Bruxelles<br />

www.menart-fair.com<br />

du 03 au 05-02<br />

65


Enzo Mari et<br />

le projet humain<br />

personnel<br />

Multiplo con i componenti per la realizzazione di un modello in scala 1:5 della Sedia P, Corraini Edizioni, Mantova, 2002, cadre en acier avec photo, fiche technique,<br />

clous et panneaux en balsa, 25 x 36,5 x 34,2 cm. Archivio E. Mari, Ville de Milan, CASVA.<br />

66


A Genk, le C-mine consacre une<br />

exposition à Enzo Mari, « légende<br />

du design », selon sa directrice<br />

Louise Osieka. Etre éclectique,<br />

cet Italien fut non seulement<br />

créateur, mais également artiste,<br />

illustrateur, architecte, théoricien,<br />

pédagogue et auteur de quinze livres<br />

pédagogiques et politiques.<br />

TEXTE : ROXANE BAEYENS<br />

Au début des années 1950, Enzo<br />

Mari (1932-2020) étudie la<br />

scénographie à l’Académie des<br />

beaux-arts de Brera, à Milan. Il<br />

participe aussi, en tant que jeune artiste,<br />

à ce que Bruno Munari et Umberto Eco<br />

baptisèrent en 1961 l’arte programmata (ou<br />

art programmé), groupe d’artistes italiens<br />

actifs entre la fin des années 1950 et le<br />

début des années 1960, les premiers à introduire<br />

une technologie et une approche<br />

algorithmique dans la production artistique.<br />

Dans ses diverses séries de modèles<br />

comparatifs et contrastés, Mari examine<br />

ainsi l’ambiguïté perceptuelle de l’espace<br />

tridimensionnel. Son Strumenti per le ricerche<br />

sui rapporti fra colore e volume (1952)<br />

étudie, par exemple, la relation entre couleur<br />

et volume, en une série de modèles<br />

dont les surfaces internes se colorent de<br />

manière différente. Ce système de cubes<br />

de 7 cm de côté, soit la distance moyenne<br />

entre les pupilles humaines, permettant de<br />

percevoir la profondeur. C’est cette première<br />

recherche au sein des arts visuels qui<br />

forme la base de la méthodologie légendaire<br />

de l’artiste en matière de design, avec<br />

laquelle il créera avec des programmes<br />

informatiques des produits industriels et<br />

artisanaux. Dans la série Putrella (1958),<br />

‘‘putrella’’ signifiant poutre, il étudia les<br />

différents codes d’outilllage et de techniques<br />

mécaniques et industriels. Il souhaita<br />

ainsi montrer le ratio économique<br />

entre l’utilisation d’appareils industriels<br />

et de produits artisanaux semi-finis. Pour<br />

les vases de la série Samos (1973), Enzo<br />

Mari offrit aux artisans les connaissances<br />

permettant de créer eux-mêmes, grâce à<br />

Contenitori di ferro profilato, Serie putrella, modello A, 1958, fer, 46 x 13 x 8 cm. Danese Milano.<br />

© photo : Fabio e Sergio Grazzani<br />

une méthode programmée. Ils se débarrassaient<br />

ainsi d’une chaîne de production<br />

les obligeant à répéter à l’infini une forme<br />

déterminée par quelqu’un d’autre.<br />

OUTILS DE TRANSFORMATION<br />

Dans les années 1960, Enzo Mari bouleversa<br />

le monde du design. Non seulement<br />

en élaborant des objets pour des gens<br />

ordinaires, dans un secteur alors considéré<br />

comme élitiste, mais aussi en créant à<br />

contre-courant de toute tendance et à l’opposé<br />

de toute exigence du marché. Offrant<br />

une attention particulière aux combinaisons<br />

formelles et aux solutions fonctionnelles,<br />

son approche créative n’est pas tant<br />

esthétique qu’une aspiration à la simplicité<br />

et à une construction parfaite. Du reste,<br />

l’objet final importe peu au créateur, seuls<br />

comptent le processus préalable et la<br />

méthodologie utilisée. « La recherche est<br />

le design, pas le produit », précisait-il. Ses<br />

créations avaient également un objectif<br />

Les créations d’Enzo<br />

Mari dénotent<br />

une aspiration à la<br />

simplicité et à une<br />

construction parfaite.<br />

politique clair. « La priorité d’Enzo Mari<br />

était de créer des outils de transformation<br />

devant stimuler l’évolution de la société »,<br />

souligne Francesca Giacomelli, fondatrice<br />

et conservatrice des archives de l’artiste.<br />

Ce dernier croyait en une participation<br />

collective à la création et aspirait à une<br />

conscience socialisée du design. Il consacra<br />

sa vie à un seul rêve : la réalisation<br />

de l’autoprogetto uomo (projet humain<br />

personnel). En 1973, il créa Proposta per<br />

un’autoprogettazione, manuel gratuit de<br />

67


Les jouets et livres<br />

pour enfants de<br />

l’artiste sont des<br />

créations poétiques<br />

qui aident les petits à<br />

comprendre le monde.<br />

L’uovo e la gallina, Emme Edizioni, 1969, tirage polychrome sur papier repassé, 21,5 x 21,5 cm. Archivio E. Mari,<br />

Ville de Milan, CASVA.<br />

OUVERT ET ÉCLECTIQUE<br />

Au fil des ans, Enzo Mari créa une série<br />

d’œuvres extraordinaires en divers matériaux,<br />

disciplines et supports. Avec sa<br />

personnalité polyvalente, il ne fit jamais<br />

le distinguo entre disciplines et laissa<br />

tous les types de recherche fusionner. Ses<br />

œuvres, qui figurent dans les collections<br />

du Museum of Modern Art de New York,<br />

du Musée des Arts Décoratifs de Paris ou à<br />

la Triennale de Milan en sont une belle illustration.<br />

Les œuvres de Mari font encore<br />

l’objet d’une demande importante, comme<br />

le confirme la Galleria Massimo Minini de<br />

Brescia qui a commencé à travailler avec<br />

l’artiste en 2015 et représente ses créations<br />

visuelles. Une grande rétrospective était<br />

organisée en mai dernier, incluant ses<br />

œuvres du courant arte programmata. Certaines<br />

de ces premières créations sont encore<br />

disponibles. Les prix varient de 4.000<br />

montage de meubles avec marteau, clous<br />

et planches en bois. Il ne s’agissait pas d’un<br />

projet de bricolage, mais plutôt d’une invitation<br />

révolutionnaire à porter un regard<br />

critique sur les méthodes de production<br />

de la société du gaspillage. Des jouets et<br />

livres pour enfants comme La mela e la<br />

farfalla (La pomme et le papillon) et L’uovo<br />

e la gallina (L’œuf et la poule), créés en<br />

1958 avec son épouse Gabriela Ferrario,<br />

voyaient le jour dans le cadre de cette intention<br />

politique. Il s’agissait de créations<br />

poétiques aidant les enfants à comprendre<br />

le monde. Des jouets éducatifs donc,<br />

mais surtout des jouets tenant compte de<br />

l’imagination débridée des enfants. Dans<br />

la vision d’Enzo Mari, la création d’un<br />

univers personnel, avec ses règles excentriques<br />

et l’invention d’un alphabet, était<br />

très importante et devait permettre aux<br />

enfants de participer, une fois adultes, à la<br />

construction d’une nouvelle société.<br />

OpenStructures Iconic Conversions IC.001/ 002, 2022, basé sur le projet de table Capitello d'Enzo Mari,<br />

1977, base en contreplaqué de bouleau ; Hot Dog, 1987, table extensible, prototype conçu pour Lema (non<br />

réalisé). © photo : OS.Studio<br />

68


Struttura 304, 1956, détrempe sur carton, 32,5 x 41,5 x 8,5 cm. © de l'artiste / Courtesy Galleria Massimo Minini / photo : Petrò Gilberti<br />

euros, pour des œuvres sur papier et des<br />

tableaux plus petits, à 120.000 euros pour<br />

de grandes sculptures en aluminium anodisé.<br />

L’exposition du C-mine, qu’il fut déjà<br />

possible de voir à la Triennale de Milan, se<br />

compose de deux volets, un historique et<br />

l’autre contemporain. Le premier consiste<br />

en la réédition d’une exposition rétrospective<br />

composée par l’artiste lui-même pour<br />

le GAM de Turin (2008-2009), organisée<br />

par Francesca Giacomelli. Outre un aperçu<br />

chronologique de son œuvre, ce volet historique<br />

inclut dix-neuf études approfondies<br />

sur les divers thèmes qui intéressaient<br />

l’artiste, illustrés à l’aide de maquettes, de<br />

dessins, de notes et de prototypes inédits<br />

tirés des archives d’Enzo Mari. Le second<br />

volet inclut des documents et interviews<br />

vidéo de Hans Ulrich Obrist, qui éclairent<br />

le regard radical de l’artiste sur la création<br />

et l’éducation, mais aussi d'installations<br />

d’artistes et de créateurs contemporains<br />

de premier plan, notamment Tacita Dean,<br />

Rirkrit Tiravanija et Danh Vo, qui lui<br />

rendent hommage. Le duo belgo-allemand<br />

Thomas Lommée et Christiane Högner a<br />

également été convié. Tout comme Enzo<br />

Mari, ils rêvent d'une plus grande collectivité<br />

et de réunir une société durable. A cet<br />

effet, ils ont inventé par analogie avec Lego<br />

et Wikipédia, le système OpenStructures.<br />

Ils expliquent : « Il s’agit d’un système<br />

modulaire façonné par divers auteurs<br />

au départ d’une trame partagée. Chaque<br />

élément du système OpenStructures peut<br />

et doit être utilisé par d’autres en vue d’une<br />

application originelle ou d’une application<br />

nouvelle. » En vue de l’exposition du<br />

C-mine, Lommée et Högner rendaient les<br />

deux projets de table de l’artiste compatibles<br />

avec la trame d’OpenStructures : la<br />

table Capitello/Tondo pour Driade (1977)<br />

et la table Hot-dog pour Lema (prototype<br />

de 1987). Leur projet d’installation présente<br />

des images de créations originales<br />

de Mari, des composants des tables adaptés<br />

à la trame d’OpenStructures, un projet<br />

de table reconfiguré à partir d’une combinaison<br />

d’éléments appropriés de Capitello<br />

et Hot-dog et une invitation aux visiteurs<br />

à se mettre au travail, en mémoire d’Enzo<br />

Mari, avec les éléments appropriés.<br />

VISITER<br />

Enzo Mari curated by Hans Ulrich Obrist<br />

with Francesca Giacomelli<br />

C-mine<br />

Genk<br />

www.c-mine.be<br />

du 11-02 au 29-05<br />

LIRE<br />

Enzo Mari curated by Hans Ulrich Obrist.<br />

With Francesca Giacomelli, Electa, Milan,<br />

2020, ISBN 978-8-89282-070-8<br />

69


Les comptes<br />

de la restauration<br />

Conservation plutôt que<br />

restauration, les membres de la<br />

ROCAD abordent avec beaucoup<br />

de prudence les interventions de<br />

conservation sur les objets qu’ils<br />

mettent en vente.<br />

TEXTE : GILLES BECHET<br />

«<br />

Une<br />

œuvre d’art de plus<br />

de 100 ans ne peut<br />

plus être telle qu’elle<br />

a été à l’origine. Tout<br />

objet porte en lui la trace de la vie qu’il<br />

a vécue », explique le galeriste Thomas<br />

Deprez. C’est sans doute aussi cette patine<br />

et ce vécu qui donnent à un objet une<br />

partie de sa magie. Quand une restauration<br />

est envisagée, c’est toujours dans<br />

l’idée du respect de l’intégrité de l’œuvre.<br />

De nombreux marchands et galeristes préfèreront,<br />

dès lors, parler de conservation.<br />

Si les objets sont nettoyés et dépoussiérés<br />

pour être présentés en galerie, les interventions<br />

ultérieures sont généralement<br />

réalisées en concertation avec l’acquéreur.<br />

C’est ainsi un ensemble de mobilier<br />

de Victor Horta de qualité muséale que<br />

Thomas Deprez présente lors de l’édition<br />

<strong>2023</strong> de la BRAFA : « Nous avons décidé de<br />

conserver le tissu d’origine sur les chaises,<br />

mais si le client décide de le changer après<br />

la vente, on sera très heureux de le faire. »<br />

S’il est évident qu’un objet, dans un état<br />

impeccable, a plus de valeur que s’il était<br />

endommagé ou incomplet, la restauration,<br />

« Si je vends une<br />

coupe en ivoire<br />

du XVII e , légèrement<br />

endommagée,<br />

elle atteindra<br />

pratiquement<br />

le même prix que<br />

la même pièce dans<br />

son état d'origine. »<br />

TORKILD MALFAIT<br />

« Chaque objet porte<br />

les marques de la vie<br />

qu'il a menée. »<br />

THOMAS DEPREZ<br />

si elle est bien faite et réversible, n’affectera<br />

pas sensiblement le prix, et augmentera<br />

même son potentiel de vente. A l’inverse,<br />

une restauration trop visible en diminuera<br />

la valeur. Chaque catégorie d’objet a ses<br />

propres règles et limites en matière de<br />

restauration. Ainsi en verrerie, on ne va<br />

pas chercher à réparer une pièce fendue<br />

ou ébréchée, mais au final c’est toujours au<br />

galeriste d’opérer des choix. Thomas Deprez<br />

a fait l’acquisition d’un tableau XIXe<br />

qui n’a jamais eu de vernis. Après un nettoyage<br />

patient avec un produit non abrasif,<br />

s’est posée la question de sa conservation :<br />

« Pour le protéger de la poussière, on s’est<br />

demandé si on allait appliquer une couche<br />

de vernis mat, mais comme l’artiste n’en<br />

avait pas fait le choix de son vivant, on a<br />

préféré mettre le tableau sous verre. »<br />

‘‘DANS SON JUS’’ OU PAS ?<br />

La question de choix se pose déjà au<br />

moment de l’achat. Pour éviter de mauvaises<br />

surprises, Klaas Müller n’achète<br />

pas de tableaux trop sales ou trop restaurés<br />

: « Avant d’acquérir un tableau, je<br />

70


« L’état de<br />

conservation<br />

devient de plus<br />

en plus important<br />

pour beaucoup de<br />

collectionneurs<br />

qui ne veulent acheter<br />

que des tableaux<br />

en bon état. »<br />

KLAAS MULLER<br />

Une chaise de Victor Horta présentée "dans son jus" à la BRAFA. © Thomas Deprez / photo : Cedric Verhelst<br />

demande un condition report et montre<br />

l’œuvre à un restaurateur. Cela devient<br />

de plus en plus important pour beaucoup<br />

de collectionneurs qui ne veulent<br />

acheter que des tableaux en bon état. »<br />

Parfois, l’importance historique d’une<br />

œuvre incite à réaliser une restauration<br />

plus conséquente, mais la restauration<br />

de qualité coûte cher, il y donc un équilibre<br />

à trouver. Conformément à la charte<br />

éthique de l’association, les membres de la<br />

ROCAD se doivent d’informer l’acheteur<br />

potentiel des réparations ou interventions<br />

sur l’objet qu’ils convoitent. Aujourd’hui,<br />

nombreux sont les collectionneurs qui<br />

préfèrent acheter des objets ‘‘dans leur jus’’<br />

pour les faire restaurer eux-mêmes. Ou<br />

pas... « J’ai vendu un cabinet en marqueterie,<br />

du début du XVIIe, qui avait un besoin<br />

urgent de restauration, mais l’acheteur a<br />

choisi de le laisser comme il était, dans son<br />

jus », confie le galeriste Torkild Malfait. La<br />

tolérance à la restauration dépend aussi<br />

de l’usage et du rapport que l’acheteur<br />

entretient avec l’objet. Est-ce une pièce de<br />

collection ou un objet décoratif ou fonctionnel<br />

? « Si je vends une coupe en ivoire<br />

du XVIIe, légèrement endommagée, elle<br />

atteindra pratiquement le même prix que<br />

la même pièce dans son état originel. Par<br />

contre, si je souhaite vendre une coupe en<br />

ivoire du XIXe cassée, personne ne l’achètera.<br />

Quand c’est l’aspect décoratif qui<br />

prend le dessus, les gens préfèrent acquérir<br />

un objet où rien ne manque. » Les coffres<br />

à bijoux et les secrétaires, par exemple, se<br />

doivent de posséder une clé fonctionnelle.<br />

Les secrets se protègent à double tour !<br />

SURFER<br />

www.rocad.be<br />

71


Focus<br />

International<br />

130.000 €<br />

Gabrielle Chanel, tunique ‘‘russe’’,<br />

brodée à la main par Kitmir, Paris,<br />

1922, H. 96 cm. Maurice Auction, Paris,<br />

17-11. © Maurice Auction<br />

25.000 €<br />

Theodore Rombouts, Joueurs de cartes autour d’une table, huile sur<br />

toile, 127,5 x 153,5 cm. Briscadieu Bordeaux OVV, 26-11. © Briscadieu<br />

169.000 €<br />

Jesús Rafael Soto, Progression Elliptique Rose et<br />

Blanche, 1974, tiges en métal peint sur socle en<br />

métal peint 200 × 150 × 200 cm. Digard Auction,<br />

05-12. © Digard Auction<br />

ON A VENDU<br />

Record pour une<br />

pièce historique<br />

signée Chanel<br />

Le vêtement dormait depuis<br />

plusieurs dizaines d’années dans<br />

le grenier d’un château, à Grasse.<br />

Étiquetée “Gabrielle Chanel”,<br />

la pièce a immédiatement<br />

été identifiée par Kelly Taylor,<br />

spécialiste mode, comme une<br />

création unique de la collection<br />

printemps 1922. À cette époque,<br />

Coco Chanel avait délaissé son<br />

emblématique tweed pour se<br />

concentrer sur un autre type<br />

vestimentaire en vogue : la broderie<br />

russe. L’engouement pour<br />

ces vêtements est d’abord dû<br />

aux Ballets Russes très appréciés,<br />

que l’arrivée massive de<br />

réfugiés, fuyant la Révolution<br />

et apportant leur savoir-faire,<br />

ne fait que renforcer. Assistée<br />

de la duchesse Maria Pavlovna<br />

Putyatin (1890-1958), exilée russe<br />

qui avait fondé à Paris la maison<br />

de broderie Kitmir, la créatrice a<br />

ainsi imaginé toute une collection<br />

reprenant cette technique<br />

de couture. La pièce en question<br />

est une tunique ample de crêpe<br />

noire, avec de grandes manches<br />

et un col carré, le tout agrémenté<br />

de broderies vertes, jaunes et<br />

rouges ainsi que de fils argentés.<br />

Proposée à la vente, le 17<br />

novembre, par la jeune maison<br />

Maurice Auction, flanquée d’une<br />

estimation de 10.000 euros,<br />

cette tunique qui était connue<br />

en noir et blanc par l’illustration<br />

du numéro de Vogue de mars<br />

1922, était finalement vendue<br />

130.000 euros. C’est la première<br />

fois qu’une pièce Chanel de cette<br />

époque se vend si cher.<br />

Belle enchère pour<br />

un Rombouts chez<br />

Briscadieu<br />

Du XVIIe au XXe siècle, le thème<br />

des joueurs de cartes fut l’un<br />

des plus appréciés des peintres.<br />

Alors que s’annonce sa rétrospective<br />

au MSK de Gand (lire<br />

par ailleurs), une scène de ce<br />

type par Theodore Rombouts<br />

vient de resurgir sur le marché<br />

français. La scène est placée dans<br />

la pénombre, le jeu de clairobscur<br />

mettant en lumière les<br />

visages d’un grand réalisme des<br />

protagonistes, leurs vêtements et<br />

la table où se posent des cartes<br />

bien visibles. Cette composition<br />

au cadrage efficace reprend les<br />

principes du Caravage, avec ces<br />

personnages vus à mi-corps et<br />

le spectateur pris à témoin dans<br />

le moment critique de la partie<br />

où un joueur pose ses deux as.<br />

C’est en 1616 que Rombouts<br />

découvre à Rome l’œuvre de<br />

Caravage, dix ans après que ce<br />

dernier a quitté la ville. De retour<br />

dans sa ville d’Anvers en 1625, sa<br />

facilité d’exécution et sa touche<br />

légère lui apportent une grande<br />

renommée. Il réalisa plusieurs<br />

versions de ses joueurs de cartes,<br />

certaines conservées dans les<br />

musées d’Anvers, de Berlin et<br />

de Saint-Petersbourg. Certifiée<br />

par le cabinet d’Eric Turquin,<br />

l’œuvre proposée à Bordeaux<br />

chez Briscadieu, le 26 novembre,<br />

s’adjugeait légèrement au-delà<br />

de son estimation basse, à 25.000<br />

euros.<br />

Un pan de la<br />

succession Denise<br />

René dispersé à<br />

Drouot<br />

Le 5 décembre, près de 100<br />

œuvres d’artistes provenant de la<br />

collection de cette grande dame<br />

de l’art abstrait que fut Denise<br />

René créaient l’événement,<br />

malgré la désapprobation d’un<br />

neveu qui dirige la nouvelle galerie<br />

Denise René. La maison de<br />

ventes Digard Auction dispersait<br />

ainsi une partie de la succession<br />

Denise René (1913-2012),<br />

grande galeriste parisienne de<br />

l’après-guerre (de son vrai nom<br />

Denise Bleibtreu) ayant soutenu<br />

de nombreux artistes pionniers<br />

de l’abstraction géométrique et<br />

de l’art cinétique. Dès 1944, elle<br />

exposait le père de l’art optique,<br />

Victor Vasarely, dans un atelier<br />

de mode – sa précédente activité<br />

– transformé en galerie d’art.<br />

À partir de 1946, elle s’orientait<br />

vers l’abstraction géométrique<br />

tous azimuts, défendant Vasarely<br />

bien sûr, avec qui elle eut une<br />

liaison durable, le Français Jean<br />

Dewasne, les Danois Robert<br />

Jacobsen et Richard Mortensen<br />

ou encore les jeunes Latino-Américains<br />

Jesús-Rafael Soto, Carlos<br />

Cruz-Diez et Julio Le Parc. En 1957,<br />

elle organisait dans sa galerie la<br />

première rétrospective en France<br />

de l’œuvre de Piet Mondrian.<br />

Le succès la poussait à ouvrir<br />

en 1966 une deuxième galerie à<br />

Paris (Denise René-Rive Gauche),<br />

puis l’année suivante une autre<br />

en Allemagne avec Hans Mayer,<br />

ainsi qu’un espace à New York (de<br />

1971 à 1981) avec une exposition<br />

inaugurale d’œuvres de Yaacov<br />

Agam. En 2001, le musée national<br />

d’Art moderne-Centre Georges-<br />

Pompidou lui rendait hommage.<br />

Dans les 92 lots provenant de sa<br />

collection personnelle, on trouvait<br />

les maîtres de l’abstraction des<br />

années 1945-1965 à l’instar d’Al-<br />

72


532.401 €<br />

Corneille, L’Orchestre de Jazz Be Bop (Hommage à Charlie<br />

Parker), 1950, huile sur toile, 59 x 70 cm. Bonhams Bruun Rasmussen<br />

Auctioneers, Copenhague, 06-12. © Bruun Rasmussen<br />

Auctioneers<br />

52.000 €<br />

Thomas de Keyser, Portrait d’homme,<br />

1637, huile sur panneau, 27,5 x 21 cm.<br />

Aguttes, Neuilly-sur-Seine, 06-12.<br />

© Aguttes<br />

80.600 €<br />

Cabinet, Anvers, milieu du XVIIe siècle, peintures attribuées à Isaac<br />

Van Oosten, ébène et bois noirci, peintures et broderies, 148 x 92,5<br />

x 46 cm. Giquello OVV, Paris, 13-12. © Giquello OVV<br />

bers, Arp et Sonia Delaunay, la<br />

jeune avant-garde abstraite des<br />

années 1950 à 1960 de Dewasne,<br />

Deyrolle, Jacobsen et Mortensen,<br />

les fondateurs de l’art en mouvement<br />

comme Calder, la nouvelle<br />

génération du cinétisme avec<br />

des œuvres animées mobiles et<br />

transformables signées Agam,<br />

Bury, Soto ou Tinguely, des<br />

œuvres luminocinétiques de<br />

Boto, Demarco, Garcia-Rossi, Le<br />

Parc, Schöffer et Vardanega, le<br />

G.R.A.V. (groupe de recherche<br />

d’art visuel de Le Parc, Morellet,<br />

Sobrino et Yvaral) actif à partir de<br />

1961, ainsi que des œuvres manipulables<br />

ou évolutives d’Agam et<br />

Tomasello. Parmi les lots phares,<br />

on notait une installation de Soto<br />

de 1974, adjugée 169.000 euros;<br />

un relief de 1956 de Tinguely<br />

emporté 912.880 euros, ou un<br />

Plan Mobiles de Pol Bury de 1954,<br />

décroché à 70.200 euros. Denise<br />

René n’ayant pas eu d’enfant,<br />

une partie de ses neveux et<br />

nièces étaient à l’origine de cette<br />

dispersion dont les prix attractifs<br />

firent monter les enchères. Quant<br />

au gros de la succession, l’avenir<br />

dira ce qu’il en adviendra…<br />

Records pour<br />

CoBrA chez Bruun<br />

Rasmussen<br />

Dans une salle de vente pleine<br />

à craquer, les tableaux CoBrA<br />

proposés aux enchères à Copenhague<br />

chez Bruun Rasmussen<br />

Auctioneers, en collaboration<br />

avec Bonhams, atteignaient le<br />

6 décembre un résultat total de<br />

plus de 6 millions d’euros. L’un<br />

des moments forts de la soirée<br />

fut la vente d’un tableau de<br />

l’artiste néerlandais Corneille.<br />

L’Orchestre de Jazz Be Bop<br />

(Hommage à Charlie Parker)<br />

s’est ainsi envolé à 532.401 euros,<br />

plus de trois fois son estimation<br />

basse (150.000 à 200.000 euros),<br />

au terme d’une longue bataille<br />

d’enchères suivie par un tonnerre<br />

d’applaudissements. Il s’agit d’un<br />

record mondial pour une œuvre<br />

de l’artiste vendue aux enchères.<br />

Un autre tableau de Corneille,<br />

intitulé Peinture, œuvre de 1952<br />

atteignait le prix de 354.934 euros,<br />

second prix record pour une<br />

œuvre de l’artiste. Un second<br />

record mondial était atteint pour<br />

une œuvre vendue aux enchères<br />

avec une huile sur toile de 1948<br />

de l’Ecossais Stephen Gilbert,<br />

adjugée 81.600 euros contre une<br />

estimation de 10.000 à 13.500<br />

euros. Exposée au salon des<br />

Surindépendants à Paris en 1948,<br />

cette toile attira l’attention de<br />

l’artiste danois Asger Jorn, qui<br />

proposa alors à Stephen Gilbert<br />

de rejoindre le groupe CoBrA. Il<br />

participa à la première édition du<br />

journal du groupe, et s’impliqua<br />

dans ses deux expositions majeures<br />

: le Congrès de Bregnerød<br />

en août 1949, et l’exposition du<br />

Stedelijk Museum d’Amsterdam<br />

où il collabora avec Constant<br />

Nieuwenhuys.<br />

Maîtres anciens<br />

chez Aguttes<br />

Le 6 décembre, Aguttes proposait<br />

à Neuilly-sur-Seine sa<br />

troisième et dernière vente en<br />

‘‘maîtres anciens’’ de l’année.<br />

Parmi les nombreuses découvertes,<br />

on retiendra un modello<br />

de Jean-Baptiste Marie Pierre,<br />

dernier témoin d’un plafond<br />

disparu. Réalisée probablement<br />

pour la demeure d’un commanditaire<br />

royal ou, tout du moins,<br />

proche du pouvoir, cette esquisse<br />

a décroché 98.800 euros. Ce<br />

modello dévoile une touche,<br />

naturellement plus enlevée que<br />

dans la version finale, que l’on<br />

ne connaît plus aujourd’hui.<br />

La plupart des réalisations de<br />

l’artiste ont été détruites au fil<br />

du temps, et ne demeurent<br />

comme témoins, à l’exception<br />

d’une, que des modelli. Autre<br />

œuvre importante, un Portrait<br />

d’homme réalisé par Thomas de<br />

Keyser (1596–1667), portraitiste le<br />

plus renommé de son temps à<br />

Amsterdam, suscita également<br />

l’engouement des amateurs<br />

jusqu’à 52.000 euros. Fermement<br />

éloignée de la grandiloquence<br />

d’un portrait d’apparat, cette<br />

peinture se caractérise par sa<br />

simplicité : le peintre présente<br />

ici son modèle dans un cadrage<br />

intimiste, de format modeste.<br />

Pratique courante, cela pourrait<br />

suggérer qu’il s’agit là du portrait<br />

d’un ami ou d’un confrère.<br />

Habilement et malgré un format<br />

modeste, le peintre exprime tous<br />

ses talents de portraitiste dans<br />

la vérité des traits, la maîtrise<br />

des volumes et la franchise de la<br />

touche. Des camaïeux de bruns<br />

émergent les chairs lumineuses,<br />

qui donnent un véritable éclat<br />

au visage partagé entre lumière<br />

et obscurité. Enfin, un Silène<br />

ivre de l’atelier d’Antoine van<br />

Dyck trouvait preneur à 39.000<br />

euros. En 1619, Antoine van<br />

Dyck s’inspire d’un Silène ivre<br />

de Rubens, réalisé un à deux<br />

ans plus tôt pour une composition<br />

au thème éponyme. Cette<br />

œuvre, aujourd’hui au musée de<br />

Dresde, apparaît être la première<br />

version de l’œuvre que proposait<br />

Aguttes.<br />

73


Focus<br />

International<br />

EST. 1.500.00-1.800.000 €<br />

Ferrari 250GT Lusso, 1964. Artcurial, Paris, 03-02. © Artcurial<br />

EST. 2.200.000-3.200.000 €<br />

Hergé, Tintin en Amérique, 1942, encre de<br />

Chine, mine de plomb et gouache correctrice,<br />

46 x 32,8 cm. Artcurial, Paris, 10-02. © Artcurial<br />

Un cabinet<br />

flamand à Drouot<br />

Au XVIIe siècle, Anvers, port<br />

influent, riche notamment du<br />

commerce des épices, est au<br />

comble de sa richesse, comptant<br />

pas moins de cent mille habitants.<br />

En écho à ce développement, les<br />

ateliers d’artistes se multiplient<br />

et les commandes affluent. Né<br />

en Italie au XVIe siècle, le cabinet<br />

devient emblématique de la<br />

production des pays du Nord. Les<br />

Flamands s’en font une spécialité<br />

et, à Anvers, ont la judicieuse idée<br />

de le réaliser en placage de bois<br />

d’ébène, car non seulement celuici<br />

est exotique, donc rare et cher,<br />

mais aussi dur à travailler. On y<br />

adjoint souvent l’écaille de tortue,<br />

l’ivoire, l’albâtre, les émaux, le lapis-lazuli<br />

et le porphyre, mais aussi<br />

des peintures en trompe-l’œil<br />

comme dans l’exemplaire proposé<br />

par la salle Giquello OVV, le 13<br />

décembre dernier à Drouot. Provenant<br />

de la collection Jean Bouvier,<br />

il s’orne d’une ode à la Création du<br />

Monde attribuée à Isaac Van Oosten,<br />

artiste typiquement anversois<br />

dont le talent d’une grande<br />

sérénité s’inscrit dans la lignée de<br />

Bruegel de Velours. Il était adjugé<br />

80.600 euros, largement au-delà<br />

de l’estimation.<br />

ON VENDRA<br />

Chefs-d’œuvre<br />

automobiles pour<br />

Artcurial<br />

Outre une collection de Mercedes-Benz<br />

AMG des années<br />

1980, l’un des chefs-d’œuvre<br />

majeurs de l’histoire de l’automobile<br />

est inclus dans l’édition<br />

<strong>2023</strong> de la vente Rétromobile,<br />

organisée les 3 et 4 février par<br />

Artcurial, à Paris. Il s’agit d’une<br />

Ferrari 250 LM de 1964, plus rare<br />

et plus exclusive qu’une 250 GTO,<br />

10e des 32 exemplaires sortis<br />

de l’usine Maranello. La 250 LM<br />

représente une véritable légende<br />

dans l’histoire du sport automobile<br />

international, puisque<br />

ce modèle fut la dernière Ferrari<br />

à remporter les 24 Heures du<br />

Mans en 1965, entre les mains<br />

de Masten Gregory et Jochen<br />

Rindt. L’estimation de ce modèle<br />

qui représente l’adéquation<br />

parfaite entre l’esthétisme et<br />

l’efficience des performances est<br />

sur demande.<br />

Artcurial vend<br />

la couverture<br />

originale de Tintin<br />

en Amérique<br />

Le 10 février, lors de sa vente<br />

dédiée à l’univers du créateur de<br />

Tintin, Artcurial dévoile un magnifique<br />

dessin de Hergé, réalisé<br />

pour la couverture de l’édition<br />

dite ‘‘grande image’’ de 1942 de<br />

l’album Tintin en Amérique. Ce<br />

grand dessin à l’encre de Chine<br />

fut repris, en 1946, pour la couverture<br />

de l’édition en couleurs<br />

de cet album. Il est encore publié<br />

de nos jours en couverture.<br />

Estimée entre 2,2 et 3,2 millions<br />

d’euros, il s’agit d’une œuvre<br />

exceptionnelle et unique qui aura<br />

su fasciner plusieurs générations<br />

de lecteurs sans perdre sa<br />

modernité. Artcurial détient le<br />

record du monde aux enchères<br />

pour les œuvres d’Hergé. La maison<br />

a ainsi vendu par deux fois<br />

le dessin de la couverture dite<br />

‘‘petite image’’ des Aventures<br />

de Tintin en Amérique. Adjugée<br />

une première fois en 2008 pour<br />

764.218 euros, cette couverture<br />

aura finalement été acquise en<br />

2012 par un collectionneur pour<br />

la somme record à l’époque de<br />

1.338.509 euros.<br />

74


23, 24 & 25<br />

février<br />

<strong>2023</strong><br />

Arts d’Asie et d’Europe<br />

Grand retable en tryptique en bois polychromé et doré<br />

Espagne, 1ère moitié du 16ème<br />

Exposition: 'Arts ecclésiastiques', Anvers, 1948<br />

€ 40.000 - € 80.000<br />

RM-AUCTIONS.COM<br />

75


47.500 €<br />

La surprise du mois<br />

Peintre, graveur et poète néerlandais<br />

du siècle d’or, Adriaen Pietersz<br />

van de Venne (1589-1662) est connu<br />

pour ses scènes de genre, allégories,<br />

portraits et scènes historiques. Originaire de<br />

Delft, contemporain de Vermeer, il s’inscrit à<br />

l’Université de Leyde où il étudie le latin, avant<br />

de s’initier à la peinture auprès du maîtreorfèvre<br />

Simon de Valk à Leyde et la gravure<br />

auprès du peintre de grisailles Hieronymus<br />

Van Diest, à La Haye. Après un court passage<br />

à Anvers en 1607, il s’installe à Middelburg en<br />

1608, avant de déménager à La Haye en 1625.<br />

Influencé par l’œuvre des Breughel, Pierre et<br />

Jan l’Ancien, il est particulièrement fameux<br />

pour ses illustrations de la Guerre de Quatre-<br />

Vingts Ans entre les deux Pays-Bas, Nord et<br />

Sud, dans lesquelles il dénonce le fanatisme<br />

religieux. De 1620, jusqu’à son décès, il a peint<br />

de nombreuses grisailles et gravures illustrant<br />

des scènes, souvent de genre, parfois mythologiques<br />

et religieuses, venant souvent illustrer<br />

maximes et proverbes, la plupart d’entre<br />

eux issus de son contemporain, le poète<br />

néerlandais Jacob Cats (1577-1660). C’est ce<br />

travail d’illustration qui fit sa renommée aux<br />

XVIIe et XVIIIe siècles. Peut-être est-ce à cette<br />

catégorie que se rattache le dessin, attribué<br />

par La Libre à van de Venne, proposé parmi<br />

plus de dix mille lots, lors de la dernière vente<br />

en ligne organisée, le 12 décembre, en la salle<br />

namuroise Rops. Il y était catalogué comme<br />

anonyme et simplement décrit comme une<br />

Scène de guerre par les experts de la salle,<br />

qui en voient passer des œuvres et ne sont<br />

aucunement redevables, de par la législation<br />

belge, de la description des lots qu’ils<br />

proposent… Quoi qu’il en soit, le dynamisme<br />

noueux de cette scène en grisaille, typique<br />

de l’art de Van de Vennne, représenterait en<br />

fait L’Arrestation de Samson, épisode qui vit le<br />

héros biblique, invincible de par sa chevelure,<br />

trahi par sa maîtresse Dalila. Ce qui n’a pas<br />

échappé à deux marchands parisiens, malgré<br />

l’estimation dérisoire du lot (entre 200 et 300<br />

euros). Ceux-ci s’unirent contre un Hollandais<br />

pour faire monter les enchères et en prendre<br />

possession à 38.000 euros (47.500 euros frais<br />

inclus).<br />

Adriaen Pietersz van de Venne, L’Arrestation de<br />

Samson, XVIIe siècle, dessin au lavis d’encre de<br />

Chine, 10 x 13 cm. Rops, 12-12. © Rops<br />

76


Collect-1/2pQ-fév.qxp_320 11/01/23 10:54 Page1<br />

Ventes<br />

<strong>Belgique</strong><br />

VENTE PUBLIQUE<br />

14 & 15 FÉVRIER à18h30<br />

97.500 €<br />

Ado Chale, Goutte d’eau, 1989,<br />

table de salon en bronze doré.<br />

Bonhams Cornette de Saint Cyr,<br />

20-11. © Bonhams Cornette de<br />

Saint Cyr<br />

57.200 €<br />

Ettore Sottsass, Barbarella, 1966,<br />

meuble en bois de rose et hêtre.<br />

Bonhams Cornette de Saint Cyr, 20-11.<br />

© Bonhams Cornette de Saint Cyr.<br />

Huile sur toile "Composition"<br />

Signé en bas à droite J. Germain et daté (19)67<br />

Ecole française. Dim.:89 x 116 cm.<br />

ON A VENDU<br />

Design chez<br />

Bonhams Cornette<br />

de Saint Cyr<br />

Le 20 novembre, la salle Bonhams<br />

Cornette de Saint Cyr à Bruxelles<br />

mettait en vente 194 meubles<br />

design et objets des XXe et XXIe<br />

siècles. Cette vente était l’occasion<br />

d’attirer l’attention sur de grands<br />

créateurs. Quantité d’offres<br />

vinrent ainsi de nouveaux clients<br />

du réseau Bonhams. Le clou de<br />

la vente était la table de salon<br />

Goutte d’eau (1989) du créateur<br />

belge et orfèvre Ado Chale. La<br />

forme libre de ce dessus de table<br />

en bronze doré s’inspire d’un<br />

des quatre éléments : l’eau. Elle<br />

se vendait 97.000 euros, trois fois<br />

l’estimation basse. Le secrétaire<br />

Barbarella de l’architecte et créateur<br />

italien Ettore Sottsass a,<br />

pour sa part, plus que doublé son<br />

estimation basse (20.000-30.000<br />

euros) avec une adjudication à<br />

57.200 euros. Ce meuble en bois<br />

de rose et hêtre avait été produit<br />

en 1966 par Poltronova. Sottsass<br />

fut le cofondateur du collectif<br />

de design Memphis Group qui<br />

s’inspirait des mouvements Art<br />

déco et Pop. Le mobilier modulaire<br />

S421 du Scandinave Verner<br />

Panton, composé d’un canapé et<br />

de deux fauteuils et produit par<br />

Thonet en 1963-1968 ne manquait<br />

pas non plus d’attirer les regards.<br />

Il trouvait preneur contre 46.800<br />

euros (est. 20.000-30.000 euros).<br />

Enfin, un dressoir de Charlotte<br />

Perriand quittait la salle à 44.200<br />

euros, et un portemanteau mural<br />

de Jules Wabbes en padouk massif,<br />

crochets et chevilles en laiton,<br />

signé, s’adjugeait 22.750 euros.<br />

Fin d’année<br />

surprenante chez<br />

Bonhams Cornette<br />

de Saint Cyr<br />

Début décembre, la salle Cornette<br />

de Saint Cyr enregistrait<br />

une formidable vente en art<br />

belge et contemporain avec un<br />

résultat total de 2.403.310 euros.<br />

Des acheteurs belges dans la<br />

salle et de nombreux clients par<br />

téléphone soumettaient ainsi<br />

des offres, notamment pour des<br />

"La Mise au tombeau"<br />

Encre noire et brune sur papier. Par Paul Delvaux<br />

Ecole belge. Dim.: 133 x 203 mm.<br />

EXPOSITION<br />

VENDREDI 10, SAMEDI 11 ET DIMANCHE 12 FÉV.<br />

DE 10 À 18H<br />

HOTEL DE VENTES VANDERKINDERE S.A.<br />

CHAUSSÉE D’ALSEMBERG 685-687-1180 BRUXELLES<br />

PARKING PRIVÉ • TÉL. 02 344 54 46<br />

info@vanderkindere.com<br />

w w w . v a n d e r k i n d e r e . c o m<br />

77


Ventes<br />

<strong>Belgique</strong><br />

507.000 €<br />

Marcel Broodthaers, Surface de<br />

Moules, 1965-1967, coquilles de moules<br />

collées avec résine teintée sur panneau<br />

de bois peint, 67 x 51 x 9,5 cm.<br />

Bonhams Cornette de Saint Cyr, 04-12.<br />

© Bonhams Cornette de Saint Cyr<br />

3.800 €<br />

Miguel Berrocal, Goliath, 1972, sculpture en<br />

laiton poli, composé de 79 éléments amovibles.<br />

Haynault, 05-12. © Haynault<br />

12.000 €<br />

Rodolphe-Théophile Bosshard, Scène de famille, New York, ca. 1924,<br />

toile, 42,5 x 65 cm. Bernaerts, 06-12. © Bernaerts<br />

œuvres de Marcel Broodthaers,<br />

Jean-Michel Folon et Evelyne<br />

Axell. Plus de 110 lots de plus de<br />

deux siècles d’histoire de l’art<br />

changeaient ainsi de propriétaire.<br />

La Surface de Moules (1965-1967)<br />

de Marcel Broodthaers, estimée<br />

300.000-500.000 euros, rapportait<br />

507.000 euros et devenait instantanément<br />

le clou de la vente.<br />

L’œuvre, composée de coquilles<br />

de moules collées avec de la<br />

résine teintée sur un panneau de<br />

bois peint, fait partie d’une série<br />

de 15 panneaux sur ce thème.<br />

Les fans de Jean-Michel Folon lui<br />

rendaient un vibrant hommage<br />

en faisant des offres généreuses<br />

pour la Fontaine aux oiseaux qui<br />

dépassait largement son estimation<br />

(250.000-350.000 euros)<br />

en rapportant 403.000 euros. Il<br />

existe deux autres exemplaires de<br />

cette monumentale sculpture, qui<br />

représente le personnage favori<br />

de Folon avec une main tendue<br />

sur laquelle un oiseau s’est posé,<br />

l’une à Watermaal-Boitsfort et<br />

l’autre à Monaco. Les deux autres<br />

œuvres de Folon à avoir pulvérisé<br />

leur estimations sont des aquarelles<br />

sur papier des années 1970 : Le<br />

cri (1975) qui changeait de mains<br />

contre 11.700 euros (est. 6.000-<br />

8.000 euros) et Underground<br />

(1973) qui rapportait 13.000 euros<br />

(est. 4.500-5.500 euros). Evelyne<br />

Axell, étoile filante du Pop art<br />

belge de 1965 à 1972, figurait aussi<br />

dans le peloton de tête avec Le<br />

jour où les homards... (1968),<br />

œuvre vendue 208.000 euros (est.<br />

200.000-300.000 euros). Nombre<br />

d’autres œuvres dépassaient<br />

largement leur estimation : Le<br />

Thiou (II), huile en couleur sur<br />

toile de 1972 du chef de file belge<br />

de l’art abstrait lyrique de l’aprèsguerre<br />

Louis van Lint. Le tableau,<br />

estimé 30.000 à 50.000 euros,<br />

s’adjugeait 80.600 euros. Une<br />

gouache écarlate sur papier de<br />

1964 de Jean Degottex, intitulée<br />

Écriture, 23-2-1964, estimée 8.000<br />

à 12.000 euros, rapportait 46.800<br />

euros, près de quatre fois son<br />

estimation la plus élevée. Quant<br />

à elle, une Compression (1963)<br />

de César, d’une collection privée<br />

belge, changeait de mains contre<br />

41.600 euros (est. 18.000-25.000<br />

euros).<br />

Miguel Berrocal<br />

chez Haynault<br />

Haynault proposait de beaux lots<br />

lors de sa vente du 5 décembre<br />

dernier, dont une sculpture dorée<br />

de l’Espagnol Miguel Berrocal<br />

(1933-2006). Cet artiste, originaire<br />

de Malaga, acquit une réputation<br />

internationale grâce à ses<br />

‘‘sculptures puzzles’’. En 1964, il fut<br />

invité à participer à la Documenta<br />

III de Kassel. Son Goliath (1972),<br />

une édition destinée à Edition<br />

Orangerie multiples, fut moulée<br />

à Cologne par G.S. Reischauer et<br />

composée de 79 éléments amovibles.<br />

Un exemplaire faisait l’objet<br />

d’une offre à 3.800 euros. Autre<br />

clou de la vente, un ensemble<br />

de deux fauteuils Easy Lounge<br />

avec repose-pied de Charles et<br />

Ray Eames, œuvre de 1956. Ces<br />

meubles emblématiques trouvaient<br />

preneur à 6.400 euros. Un<br />

grand miroir du XVIIIe siècle, de<br />

la période Régence, en bois doré<br />

orné de ferronnerie, surmonté<br />

d’un fronton avec immense<br />

coquille au milieu, quittait la salle<br />

pour 2.000 euros. Signalons enfin<br />

ce maître ancien, Klaes Molenaer<br />

de Haarlem (1626-1676), dont la<br />

Vue d’une plage avec marchands<br />

de poissons rapportait la somme<br />

de 1.800 euros.<br />

Antiquités et Art<br />

moderne chez<br />

Bernaerts<br />

Bernaerts proposait antiquités et<br />

art moderne, les 5 et 6 décembre<br />

derniers. L’offre la plus élevée<br />

portait sur un relief de Malines<br />

représentant L’Arrestation du<br />

Christ et daté vers 1575-1610. Avec<br />

une estimation de 4.000-5.000<br />

euros, l’œuvre trouvait preneur à<br />

19.000 euros. La taille et la qualité<br />

de ce relief en albâtre sont tout<br />

à fait exceptionnels. L’anatomie<br />

délicate et précise des personnages<br />

laisse supposer que cette<br />

pièce est de la main d’un maître<br />

important. Autre chef-d’œuvre à<br />

signaler, une représentation de<br />

Vierge à l’enfant entourée d’une<br />

78


MARDI<br />

GRAS<br />

VENTE<br />

14 FÉVRIER<br />

JOURS D’EXPO<br />

9 - 13 FÉVRIER<br />

JEAN-JOSEPH CARRIES (1855-1894)<br />

‘Autoportrait en Midas ou Le faune endormi’, bronze, ca. 1890-1900, est: € 2000-2500<br />

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VENTE<br />

AUX<br />

ENCHÈRES<br />

ART CONTEMPORAIN,<br />

MODERNE &<br />

MAÎTRES ANCIENS<br />

Samedi 4 mars <strong>2023</strong><br />

13 h & 19 h 30<br />

Exposition :<br />

22 février au 1 mars<br />

10 h - 19 h<br />

Sam Francis<br />

4 40<br />

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Léon Spillaert<br />

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Ventes<br />

<strong>Belgique</strong><br />

85.000 €<br />

Kati Heck, Multikulti Sause, 2011, toile, porte-gobelets en bois, verre à vin et<br />

bière, 230 x 305 cm. Bernaerts, 06-12. © Bernaerts / photo : Tim Van Laere<br />

Gallery<br />

19.000 €<br />

Relief représentant l’Arrestation du<br />

Christ, Malines, 1575-1610, albâtre avec<br />

traces de dorure, 44 x 31 cm. Bernaerts,<br />

05-12. © Bernaerts<br />

18.000 €<br />

Demetre Chiparus, Pyjama Girl,<br />

sculpture, bronze doré, ivoire, marbre,<br />

signée sur le socle, H. 48 cm. Galerie<br />

Moderne, 05 & 06-12. © Galerie<br />

Moderne<br />

auréole par le Maître au Brocart<br />

d’Or. Cette appellation fut inventée<br />

pour identifier un groupe de<br />

tableaux au style similaire d’un<br />

maître inconnu à ce jour et/ou de<br />

son atelier, actif dans le sud des<br />

Pays-Bas vers 1480-1499. L’arrièreplan<br />

comportait souvent un décor<br />

de motifs floraux dorés, imitation<br />

d’un brocart doré. Cette œuvre<br />

était adjugée 18.000 euros. Les<br />

autres offres notables concernaient<br />

une garniture de cheminée<br />

en trois parties de style Louis<br />

XVI et un lampadaire (1870) de<br />

Ferdinand Barbedienne, époque<br />

Napoléon III, respectivement<br />

frappés 17.000 et 7.600 euros.<br />

Pour sa part, la Nature morte<br />

avec plantes exotiques, papillons<br />

et raisins près d’un rocher de<br />

Carel Borchaert Voet (1671-1743)<br />

s’adjugeait au prix surprenant de<br />

3.400 euros. Carel Borchaert Voet<br />

fut actif, de 1689 à 1690, en Angleterre<br />

au service de Hans Willem<br />

Bentinck, comte de Portland.<br />

Il peignit pour ce mécène une<br />

série de douze natures mortes<br />

avec paniers de fleurs et fruits,<br />

ainsi que quelques paysages<br />

des alentours de sa maison de<br />

Zorgvliet. La section art moderne<br />

a été dominée par les signatures<br />

de Folon, Kati Heck et Rinus Van<br />

De Velde. La sculpture en bronze<br />

Vivre en ville (2004) de Jean-<br />

Michel Folon changeait ainsi de<br />

mains contre 350.000 euros, près<br />

de trois fois son estimation haute.<br />

De son côté, la jeune artiste Kati<br />

Heck (1979) obtenait 85.000 euros<br />

de l’œuvre Multikulti Sause, titre<br />

qui se réfère à la déclaration de<br />

2010 d’Angela Merkel Multikulti<br />

ist tot (le multiculturel est mort).<br />

Elle y met en scène, avec un sens<br />

aigu du drame et de l’ironie,<br />

des personnes de son entourage<br />

immédiat et mélange avec<br />

humour diverses influences,<br />

recréant une vision singulière du<br />

quotidien. Pour leur part, deux<br />

dessins au fusain de Rinus Van<br />

De Velde obtenaient une des<br />

cinq meilleures enchères : It was<br />

time of tremendous possibilities,<br />

changes and personal anxieties<br />

(2011) s’adjugeait au niveau de<br />

l’estimation à 40.000 euros,<br />

tandis que All the things I still<br />

possessed I left behind (2015)<br />

partait à 26.000 euros. D’autres<br />

œuvres créaient également la<br />

surprise. Un triptyque sans titre<br />

de 2005 du peintre, sculpteur<br />

et photographe autodidacte<br />

Avi Kenan était adjugé dix fois<br />

l’estimation haute à 20.000 euros.<br />

Scène de famille, New York (1924)<br />

du peintre Rodolphe-Théophile<br />

Bosshard générait 12.000 euros.<br />

Cette œuvre, composition d’un<br />

nu féminin avec une grande ville<br />

à l’arrière-plan, est une pièce<br />

unique de sa période parisienne<br />

(1920-1924).<br />

Constant Permeke<br />

à la Galerie<br />

Moderne<br />

Les 5 et 6 décembre, la Galerie<br />

Moderne proposait une belle<br />

offre en art belge et international.<br />

Une magnifique sculpture de<br />

l’artiste Art déco franco-roumain<br />

Demeter Chiparus (1886-1947) y<br />

tenait la vedette. Expert en sculpture<br />

chryséléphantine, Chiparus<br />

connut son heure de gloire dans<br />

le Paris de l’entre-deux-guerres.<br />

Pyjama Girl (1925), qui date de<br />

cette période, représente une<br />

jeune fille endormie dans un<br />

pyjama à la mode, sur un socle<br />

en marbre avec un chat faisant<br />

le gros dos. Cette sculpture en<br />

bronze doré, au prix estimatif de<br />

20.000 à 25.000 euros, quittait<br />

la salle contre 18.000 euros. De<br />

son côté, un Paysage avec charrette<br />

aux couleurs sombres de<br />

Constant Permeke, provenant<br />

de la collection Jean Van Parys<br />

(1891-1964), estimé 8.000 à 12.000<br />

euros était adjugé 10.000 euros.<br />

Enfin, un collectionneur déboursait<br />

6.000 euros pour l’œuvre Les<br />

porteurs de fraises (1925) de Jean<br />

Brusselmans, estimée 4.000 à<br />

6.000 euros.<br />

Expressionnistes<br />

chez Millon<br />

<strong>Belgique</strong><br />

Le 7 décembre, la filiale bruxelloise<br />

de la salle Millon proposait<br />

tableaux et objets d’art en<br />

provenance de collections belges<br />

et luxembourgeoises. Les deux<br />

chefs-d’œuvre vendus sont de<br />

la main d’artistes expressionnistes<br />

: Edgard Tytgat (1879-1957)<br />

et Gustave De Smet (1877-1943).<br />

Bien que contemporains et tous<br />

deux inspirés par les scènes<br />

folkloriques, ces peintres se<br />

distinguaient par leurs méthodes<br />

de travail. La Flûte enchantée<br />

(1924) de Tytgat, estimée 40.000 à<br />

60.000 euros, était adjugée 70.000<br />

euros. Tytgat crée un univers<br />

personnel, un spectacle parfois<br />

plein d’ambiguïté, mais qui<br />

exprime la simplicité, la fraîcheur<br />

et l’innocence d’un enfant. Il est<br />

80


70.000 €<br />

Edgard Tytgat, La Flûte enchantée, 1924, huile sur toile, 46 x 61 cm. Millon<br />

<strong>Belgique</strong>, 07-12. © Millon <strong>Belgique</strong><br />

9.000 €<br />

Henri Rivière, L’Enterrement aux<br />

parapluies, 1891, gravure sur bois en couleur,<br />

34,6 x 24,6 cm. Arenberg Auctions,<br />

du 8 au 10-12. © Arenberg Auctions<br />

36,000 €<br />

Maurits Escher, Chute d’eau, 1961, lithographie,<br />

éd. 12/70, 38 x 30 cm. Bernaerts,<br />

08-12. © Bernaerts<br />

à noter que la partie droite de<br />

l’œuvre est reprise dans un dessin<br />

intitulé Le flûtiste et son chien,<br />

réalisé par l’artiste en 1926. Tytgat<br />

ajouta en 1924 trois anneaux<br />

entrelacés à son dessin, en signe<br />

de solidarité avec tous les artistes<br />

qui participèrent aux festivités<br />

bruxelloises organisées alors par<br />

James Ensor en hommage au<br />

peintre Bruegel. La Lys (ca. 1930)<br />

de Gustave De Smet représente<br />

un paysage flamand. Vers 1928,<br />

l’artiste mettait un terme à son<br />

évolution post-cubiste. Sa composition<br />

devint plus lâche et la<br />

représentation plus picturale. Ses<br />

couleurs criardes furent remplacées<br />

par des teintes terreuses.<br />

L’artiste a effectué un retour à la<br />

nature et à l’humain. Cette œuvre<br />

s’est vendue 27.000 euros, c’est-àdire<br />

bien au-dessus de sa valeur<br />

estimative de 5.000 à 7.000 euros.<br />

Troisième surprise de cette vente :<br />

Élégante pensive devant la Mer<br />

du Nord de l’artiste réaliste Constantin<br />

Meunier (1831-1905). Cette<br />

œuvre pulvérisait sa modeste estimation<br />

(1.000-2.000 euros) pour<br />

être adjugée 8.500 euros.<br />

Retable chez<br />

Arenberg Auctions<br />

Nombre de collectionneurs se<br />

firent plaisirs, entre les 8 et le<br />

10 décembre chez Arenberg<br />

Auctions. Parmi les gravures,<br />

Henri Rivière (1864-1951), artiste<br />

français connu comme l’inventeur<br />

du théâtre d’ombres au cabaret<br />

parisien Le Chat Noir, enregistrait<br />

de bons résultats. Il expérimenta<br />

la gravure sur bois en couleur à la<br />

fin du XIXe siècle et s’inspira du<br />

japonisme en vogue à l’époque,<br />

comme en atteste L’Enterrement<br />

aux parapluies (1891). Cette gravure,<br />

estimée 2.500 à 3.500 euros,<br />

trouvait preneur contre 9.000<br />

euros. La même somme était déboursée<br />

pour une œuvre espagnole<br />

du début du XVIe siècle (est.<br />

8.000-9.000 euros), Sainte Hélène<br />

et la Sainte Croix, qui montre la<br />

sainte entourée d’un saint, d’une<br />

autre femme et de deux hommes.<br />

Le motif ornemental à l’arrièreplan,<br />

l’auréole du saint et une<br />

partie de la croix furent réalisés à<br />

l’aide de modèles gravés. Ce tableau<br />

a probablement été réalisé<br />

en Aragon-Catalogne (nord de<br />

l’Espagne) comme partie d’un<br />

retable plus important. Singulière<br />

était la publication de William<br />

Curtis (1746-1799), botaniste et<br />

entomologiste britannique : The<br />

Botanical Magazine, fondé en<br />

1787 est la plus ancienne revue<br />

de botanique. Très populaire<br />

à l’époque, il était connu pour<br />

ses gravures d’éminents artistes<br />

comme Sydenham Edwards,<br />

James Sowerby, John Curtis,<br />

Mathilda Smith et Lillian Snelling.<br />

Un collectionneur déboursait<br />

18.000 euros (est. 10.000-15.000<br />

euros) pour cet exemplaire. Deux<br />

atlas faisaient, de leur côté, l’objet<br />

d’offres respectives de 20.000<br />

et 9.000 euros : soit, le Nouveau<br />

grand atlas des villes d’Italie augmenté<br />

et amélioré de R. Chr. Alberts<br />

de 1724 et le Nouveau grand<br />

atlas des villes du Piémont et de<br />

Savoie augmenté et amélioré<br />

de 1725, réédition du Theatrum<br />

Italiae de Joan Blaeu.<br />

Œuvres sur papier<br />

chez Bernaerts<br />

Une vente Papier I & II était<br />

proposée le 8 décembre chez<br />

Bernaerts. Comme il fallait s’y<br />

attendre, les rares lithographies<br />

du célèbre artiste néerlandais<br />

Maurits Escher, provenant directement<br />

de sa famille, furent le<br />

clou de l’événement. L’une de ses<br />

œuvres les plus emblématiques,<br />

Chute d’eau (1961), était ainsi<br />

adjugée 36.000 euros, le triple de<br />

son estimation basse, tandis que<br />

Trois mondes (1955) rapportait<br />

34.000 euros. De son côté, Rue à<br />

Scanno (1930) arrivait à la troisième<br />

place avec un prix marteau<br />

de 32.000 euros, plus de cinq<br />

fois l’estimation haute. Citons<br />

encore un étonnant morceau de<br />

gravure sur bois en couleur sur<br />

soie, intitulé Poissons (ca. 1942),<br />

qu’Escher réalisa pour sa famille<br />

proche et n’est mentionné dans<br />

pratiquement aucune bibliographie.<br />

Estimé 4.000 à 6.000 euros,<br />

il trouvait preneur à 15.000 euros.<br />

Nombre d’œuvres de James Ensor<br />

enregistraient également de bons<br />

résultats. La gravure Squelettes<br />

voulant se chauffer (1895) rapportait<br />

ainsi la somme étonnante<br />

de 3.600 euros, contre une<br />

estimation de 500 euros. Dans<br />

la section Papier II, la vidéo Une<br />

seconde d’Éternité (D’après une<br />

idée de Charles Baudelaire) de<br />

1970 battait tous les records avec<br />

la somme de 15.000 euros (est.<br />

6.000-8.000 euros).<br />

81


Ventes<br />

<strong>Belgique</strong><br />

50.000 €<br />

Anto Carte, L’Enfant Prodigue, 1982,<br />

huile sur toile, 178 x 138 cm. Horta, 12-12.<br />

© Horta<br />

28.000 €<br />

Frans Smeers, Famille dansant à la plage, 1911, huile sur toile, 61 x 80,5 cm.<br />

Vanderkindere, 13 & 14-12. © Vanderkindere<br />

166.000 €<br />

Avalokitesvara debout sur une fleur de<br />

lotus, bronze à patine brune portant<br />

des traces de laque rouge et de dorure,<br />

travail chinois, XVIème - XVIIème,<br />

dynastie Ming, h. +/- 66cm. Vanderkindere,<br />

13 & 14-12. © Vanderkindere<br />

Art contemporain<br />

chez Horta<br />

Horta enregistrait quantité de<br />

beaux résultats lors de sa vente<br />

du 12 décembre. Anto Carte était<br />

présent avec trois œuvres, dont<br />

une huile sur toile intitulée<br />

L’Enfant Prodigue (1982). Estimée<br />

60.000 à 80.000 euros, elle n’a<br />

finalement pas réussi à dépasser<br />

cette fourchette avec un prix<br />

marteau à 50.000 euros. Côté art<br />

contemporain, nombre d’artistes<br />

remportaient un vif succès. Des<br />

offres enthousiastes étaient ainsi<br />

faites pour une toile réalisée en<br />

technique mixte du Français Gully<br />

(1977), lequel s’est fait un nom<br />

dans les années 1990 et au début<br />

des années 2000 comme artiste<br />

urbain dans les rues de Paris,<br />

même s’il travaille depuis 2008<br />

dans son atelier. Tout comme<br />

Banksy, il cache son identité. Son<br />

œuvre Gully présente Basquiat<br />

et Warhol (2020) met en scène, à<br />

la manière de bandes dessinées,<br />

deux artistes emblématiques. Estimée<br />

8.000 à 12.000 euros, la toile<br />

obtenait un prix au marteau de<br />

14.000 euros. L’artiste sud-africain<br />

Guy Pierre Du Toit enregistrait<br />

également de beaux résultats. Sa<br />

sculpture d’environ deux mètres<br />

de haut, œuvre de 2018 représentant<br />

deux ‘‘lièvres dansants’’, estimée<br />

10.000 à 15.000 euros, quittait<br />

la salle contre 17.000 euros.<br />

Edgard Tytgat chez<br />

Vanderkindere<br />

Edgard Tytgat était l’une des stars<br />

de la vente des 13 et 14 décembre<br />

derniers chez Vanderkindere. Son<br />

Portrait du Docteur Bouché (1911),<br />

estimé 25.000 à 30.000 euros,<br />

séduisait un collectionneur qui<br />

déboursait 45.000 euros. Frans<br />

Smeers (1873-1960), un autre<br />

maître belge, suscitait un vif intérêt.<br />

Peintre postimpressionniste<br />

de scènes de genre, portraits,<br />

paysages, natures mortes, vues<br />

de plages, ports et marines, cet<br />

artiste bruxellois a d’abord suivi<br />

une formation pour devenir décorateur,<br />

avant d’étudier auprès de<br />

Jean-François Portaels et Joseph<br />

Stallaert à l’Académie des Beaux-<br />

Arts de Bruxelles. Il commença par<br />

peindre selon la tradition réaliste,<br />

puis se tourna vers le luminisme<br />

à partir de 1900. Sa toile Famille<br />

dansant à la plage fut peinte en<br />

1911, tout comme le Portrait du<br />

Docteur Bouché. Estimée 4.000 à<br />

6.000 euros, elle dépassait largement<br />

les attentes en s’adjugeant<br />

28.000 euros. En matière d’art<br />

moderne, une petite sculpture<br />

de Lynn Chadwick suscitait bien<br />

des convoitises. The Cape, un<br />

bronze patiné, représente un de<br />

ses personnages caractéristiques,<br />

vêtu d’un manteau sombre, avec<br />

une forme dorée en guise de tête.<br />

Estimée 10.000 à 15.000 euros,<br />

cette sculpture générait 25.000<br />

euros. Citons enfin une rare<br />

sculpture chinoise, Avalokiteśvara<br />

assis sur un lotus, dont le résultat<br />

d’adjudication créait la surprise.<br />

Cette sculpture en bronze avec<br />

traces de laque rouge date du<br />

XVIe-XVIIe siècle. Son estimation,<br />

fixée entre 26.000 et 36.000 euros,<br />

était littéralement pulvérisée<br />

par un prix marteau de 166.000<br />

euros !<br />

ON VENDRA<br />

La Collection<br />

Seymour Lazar<br />

chez Lempertz<br />

La vente organisée à Bruxelles par<br />

Lempertz, le 1er février, comprend<br />

217 lots, la plupart provenant<br />

d’Afrique et d’Océanie. La vente<br />

présente 159 lots de la collection<br />

de Seymour et Alyce Lazar. Seymour<br />

Lazar fut un avocat à succès<br />

du show-business, devenu trader<br />

en bourse et investisseur audacieux<br />

qui commença à collectionner<br />

dans les années 1960. Il comptait<br />

parmi ses amis et clients Lenny<br />

Bruce, Miles Davis, Alan Ginsberg,<br />

Maya Angelou et le militant<br />

de l’usage des psychédéliques<br />

Timothy Leary. Il aimait rassembler<br />

de grandes séries d’objets<br />

– massues, peignes, cuillères, ...<br />

Beaucoup furent acquis auprès de<br />

marchands tels son ami de longue<br />

date, Peter Adler, à Londres,<br />

et beaucoup aux enchères. Parmi<br />

les différentes provenances des<br />

objets figurent certains des noms<br />

82


Bavikhoofsestraat 74, 8530 Harelbeke | 056/711 580 | info@debaveye.be<br />

NOS PROCHAINES VENTES<br />

‘Plumes vase’,<br />

R. Lalique France<br />

D’après P. P. RUBENS,<br />

École flamande du XVIIe siècle,<br />

L’Annonciation, 122 x 93 cm<br />

Bouddha assis,<br />

porcelaine sur socle,<br />

H. 59 cm<br />

« Grand Classique »<br />

Mercredi 01 février à 18h00 – Partie 1 :<br />

(Mobilier – Argenterie -Objets d’Art…)<br />

Jeudi 02 février à 18h00 – Partie 2 : (Tableaux – Sculptures)<br />

CATALOGUE SUR<br />

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Vente d’art et d’antiquités :<br />

15 & 16 février à 13h30<br />

Exposition : Samedi 11, Dimanche 12<br />

& Lundi 13 février de 14h00 à 18h00<br />

Expo : Samedi 28, lundi 30 et mardi 31 janvier de 10h00<br />

à 18h00 – Dimanche 29 de 14h00 à 18h00<br />

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Ventes<br />

<strong>Belgique</strong><br />

Figure Fang, Gabon, H. 35 cm.<br />

Lempertz, 01-02. © Lempertz<br />

EST. 40.000-60.000 €<br />

James Ensor, Dunes, Mer et Bateaux, ca. 1925-1930, huile sur toile,<br />

50 x 60 cm. Carlo Bonte, 07 à 09-02. © Carlo Bonte<br />

EST. 15.000-20.000 €<br />

Van Cleef & Arpels, importante broche aux oiseaux, or<br />

jaune 18 carats, rubis et diamants, 6 x 5,5 cm. Antenor,<br />

05-02. © Antenor<br />

les plus célèbres de l’histoire de<br />

l’Art d’Afrique et d’Océanie – le<br />

général de corps d’armée Pitt<br />

Rivers, Harry Beasley, Helena<br />

Rubinstein, Klaus Perls, J.J. Klejman,<br />

Morris Pinto, Ernst Heinrich,<br />

Harold Rome, Stéphen Chauvet,<br />

Henri Kamer et Ben Heller. Les<br />

points forts de ce groupe comprennent<br />

un rare bouclier Massim<br />

et une pagaie Maori, tous deux<br />

ayant appartenu à la collection<br />

du lieutenant-général Pitt Rivers<br />

à la fin du 19e siècle (estimations<br />

8.000-12.000 euros et 3.000-4.000<br />

euros). Un tabouret Songye,<br />

anciennement dans la collection<br />

du photographe belge Raoul<br />

Blondiau, fit partie de la célèbre<br />

exposition d’Anvers de 1937-1938<br />

(Tentoonstelling van Kongo-<br />

Kunst) et a ensuite fait partie de la<br />

collection du Baltimore Museum<br />

of Art (est. 15.000-20.000 euros).<br />

Un important groupe d’appuienuques<br />

provenant d’une collection<br />

privée est également proposé<br />

lors de cette vente bruxelloise.<br />

Ils furent offerts au propriétaire<br />

actuel par le célèbre marchand<br />

anglais John Hewett. Ils comprennent<br />

des exemples provenant des<br />

peuples Luba, Shona, Tsonga,<br />

Zulu et Kuba ainsi que deux<br />

exemples des Fidji. Enfin, un<br />

groupe de masques et d’objets<br />

d’art du Congo comprend un<br />

masque Ngady amwaash féminin<br />

Kuba exceptionnellement ancien<br />

et rare, qui fut acquis auprès de la<br />

marchande anversoise Nadya Levi<br />

dans les années 1970 (est. 20.000-<br />

22.000 euros).<br />

Beaux bijoux<br />

chez Antenor<br />

Le 5 février, sous l’expertise de<br />

Laure Dorchy, Antenor accueille<br />

au Sablon sa vente Jewels IV.<br />

Parmi les lots à retenir, notons<br />

cette importante broche aux trois<br />

oiseaux inséparables, signée Van<br />

Cleef & Arpels. Elle est en or jaune<br />

18 carats, serti de diamants taille<br />

brillant et de petits rubis cabochons<br />

(est. 15.000-20.000 euros).<br />

Outre une belle tabatière ronde<br />

du XVIIIe siècle, travail français<br />

d’époque Louis XVI, en or jaune<br />

18 carats, sertie de lapis-lazuli et<br />

ornée d’une scène galante en miniature<br />

peintre (est. 15.00-20.000<br />

euros), citons encore deux pièces<br />

Art déco : un bracelet en platine<br />

et diamants à motifs géométriques<br />

provenant d’une famille<br />

princière européenne (est. 12.000-<br />

14.000 euros) et un poudrier en or<br />

jaune 14 carats rehaussé de laque<br />

imitant le lapis-lazuli, laque rouge<br />

et or et diamants en taille rose<br />

(est. 4.000-6.000 euros).<br />

Ensor chez<br />

Carlo Bonte<br />

La prochaine vente de Carlo<br />

Bonte se tient les 7, 8 et 9 février. A<br />

l’honneur, deux œuvres originales<br />

de James Ensor en provenance<br />

d’une collection privée, excellent<br />

prélude aux expositions à venir<br />

lors de l’année Ensor, en 2024. Le<br />

tableau Dunes, Mer et Bateaux<br />

date des années 1925-1930. Il fut<br />

présenté au grand public, entre<br />

autres, lors de l’exposition Les<br />

peintres de la mer, aux musées<br />

royaux des Beaux-Arts de <strong>Belgique</strong>,<br />

à Bruxelles, en 1950. Elle fit<br />

partie de la collection de Gustave<br />

Van Geluwe et figure dans le catalogue<br />

raisonné de Xavier Tricot.<br />

Un engageant portrait, au fusain<br />

et à la craie noire, d’un homme<br />

posant pour Ensor dans son atelier<br />

attire également l’attention.<br />

L’offre en maîtres anciens est à<br />

nouveau bien diversifiée, avec<br />

des œuvres de Théobald Michau,<br />

Gillis Mostaert et une Vierge à<br />

l’Enfant dans une couronne de<br />

fleurs de Brueghel le Jeune, très<br />

finement peinte. Modest Huys représente,<br />

à lui seul, le luminisme<br />

avec quatre œuvres importantes<br />

en provenance de la même<br />

collection. A noter, la présence<br />

d’une horloge de table hexagonale<br />

datant des environs de 1750,<br />

dont le travail est signé Johan<br />

Simon Betzamyr de Danzig. Rare,<br />

on a conservé sont élégant étui<br />

original. De même, une grande et<br />

belle collection d’objets de Delft,<br />

dont une rarissime chaussure miniature<br />

du XVIIIe siècle avec polychromie<br />

noire et une théière du<br />

XVIIIe siècle en kakiemon. Parmi<br />

les sculptures en bronze, on note<br />

le buste Suzon d’Auguste Rodin.<br />

Mais, le clou du spectacle en art<br />

asiatique est la sculpture en pierre<br />

d’un Bouddha assis (H. 75 cm) de<br />

la dynastie Tang. Le tout élégamment<br />

présenté sur un piédestal<br />

en bronze. Enfin, on annonce la<br />

dispersion d’un ensemble de neuf<br />

baskets Louis Vuitton Air Force<br />

One conçues par le designer Virgil<br />

Abloh, présentées lors des collections<br />

de mode masculine Louis<br />

Vuitton printemps-été 2022.<br />

84


Chsée de St-Job n° 638 - 1180 Bxl Tel : 02/372 92 19 - info@sdvu.be<br />

DVC<br />

AUCTIONS<br />

L.C. Verwee<br />

Zandloperstraat 10 (Kerkhofstraat) - GAND - 09/224 14 40<br />

dvc@dvc.be - www.dvc.be<br />

PROCHAINE VENTE<br />

4 au 6 mars <strong>2023</strong><br />

EXPOSITION: 24 au 28 février<br />

H/T 19eS<br />

Dim: 130 x 145 cm<br />

M.Moreau<br />

Fontaine, bronze H: 113 cm<br />

Art Classique<br />

Art Moderne<br />

Objets Anciens<br />

Design<br />

Art Décoratif<br />

Argenterie<br />

Bijoux & Montres<br />

W.Leroy : Canapé 3 places


Ventes<br />

<strong>Belgique</strong><br />

EST. 50.000-70.000 €<br />

Bouddha assis, dynastie Tang, calcaire gris, H. 170<br />

cm. Carlo Bonte, 07 au 09-02. © Carlo Bonte<br />

Une aquatinte originale de Tal-Coat. Damien Voglaire,<br />

le 11-02. © Damien Voglaire<br />

EST. 2.000-2.500 €<br />

Jean-Joseph Carriès, sculpture d’un artiste représenté<br />

comme Midas avec des oreilles d’âne, bronze. Bernaerts,<br />

14-02. © Bernaerts<br />

Belle offre chez<br />

Damien Voglaire<br />

Pour cette première vente de<br />

l’année qui se déroule en deux<br />

vacations, les 10 et 11 février, Damien<br />

Voglaire propose une large<br />

section consacrée aux avantgardes<br />

littéraires et artistiques<br />

du XXe siècle. Des livres de Paul<br />

Éluard et Robert Ganzo illustrés<br />

d’eaux-fortes originales par Óscar<br />

Dominguez, deux romans-collages<br />

de Max Ernst : Le Rêve d’une<br />

petite fille qui voulut entrer au<br />

carmel et Une semaine de bonté<br />

ou les Sept éléments capitaux,<br />

le rare livre Facile, première collaboration<br />

entre Man Ray et Paul<br />

Éluard, dont Nusch, son épouse,<br />

posa pour le photographe. Un<br />

des derniers recueils d’Antonin<br />

Artaud publiés de son vivant,<br />

Artaud le Momo, comprenant<br />

des poèmes virulents et explosifs<br />

(rare exemplaire comportant la<br />

suite des dessins), l’édition originale<br />

de Corps et biens de Robert<br />

Desnos, exemplaire du service<br />

de presse enrichi d’un charmant<br />

dessin dédicacé, mais aussi de<br />

nombreuses éditions originales<br />

de Francis Picabia. Pour la partie<br />

moderne et contemporaine, la<br />

salle propose trois numéros de<br />

la revue trimestrielle d’art actuel<br />

Kwy, publiés par Lourdes Castro,<br />

Christo, Jan Voss et René Bertholo<br />

; une rarissime édition originale<br />

de Piero Manzoni illustrée de huit<br />

reproductions photographiques<br />

en noir d’œuvres et performances<br />

de l’artiste. Également à saisir, le<br />

superbe deuxième livre illustré<br />

de Tal-Coat comprenant dixsept<br />

aquatintes originales tirées<br />

par l’atelier Crommelynck ; des<br />

éditions originales de Lawrence<br />

Weiner, Marcel Broodthaers,<br />

Dieter Roth, Andy Warhol et<br />

bien d’autres… Damien Voglaire<br />

propose également quelques<br />

peintures et dessins, un beau<br />

portrait de jeune femme aux<br />

cheveux roux par Henry De Groux,<br />

un nu d’Oscar Jespers (fusain<br />

sur papier) ou encore une huile<br />

d’Henri Thomas.<br />

VENTES AUX<br />

ENCHÈRES<br />

D'OBJETS D'ART<br />

ET D'ANTIQUITÉS<br />

JORDAENS SA<br />

VENTES<br />

LES MARDI 31 JANVIER ET MERCREDI 1 FÉVRIER<br />

LES MARDI 7 ET MERCREDI 8 MARS<br />

À PARTIR DE 19H.<br />

EXPOSITION<br />

LES VENDREDI ET SAMEDI AVANT LA VENTE<br />

DE 10 À 17 H.<br />

Drabstraat 74 I 2640 Mortsel I info@jordaens.eu<br />

03 449 44 30 I Catalogues et livestream: www.jordaens.eu<br />

86


EST. 10.000-15.000 €<br />

Cy Twombly, Sans titre, 1977, crayons de couleur, pastel<br />

et gouache sur papier, 48 x 59 cm. Vanderkindere, 14 &<br />

15-02. © Vanderkindere<br />

Edmond De Pratere, Scène de chasse avec chevaux et chiens, huile sur toile, 120 x 183,5 cm.<br />

Debaveye, 15 & 16-02. © Debaveye<br />

Mardi gras chez<br />

Bernaerts<br />

Sous le titre Mardi gras, la salle<br />

Bernaerts organise, le 14 février,<br />

une vente classique d’œuvres<br />

d’art et d’antiquités du XVIe<br />

au XIXe siècle. Une seule vente<br />

donc, entamée par la dispersion<br />

de quelques maîtres anciens,<br />

dont le portrait d’un artiste confiant,<br />

toile de la main d’un peintre<br />

jusqu’alors inconnu des Pays-Bas<br />

septentrionaux, actif au XVIIe siècle.<br />

Cette oeuvre provient d’une<br />

collection anglaise, avant d'être<br />

demeurée des décennies durant<br />

dans une collection bruxelloise.<br />

De ce même ensemble, on annonce<br />

une paire de panneaux<br />

attribués à David III Ryckaert<br />

représentant deux des péchés<br />

capitaux. On y trouve également<br />

des œuvres de Barend Gael,<br />

Jacob Van Es (att.) et Andrea del<br />

Sarto. La vente met davantage<br />

l’accent sur les peintures du<br />

XIXe siècle. Outre des œuvres de<br />

maîtres belges tels qu’Eugène et<br />

Louis Verboeckhoven et Gustave<br />

Colsoulle, il convient de mentionner<br />

une paire de danseurs et<br />

nobles dames du romantique<br />

polonais Ladislaus Bakalowicz,<br />

qui a émigré en France, et une<br />

paire de vues de villes d’Anvers et<br />

de Cologne par Wake Cheltenham,<br />

datant de 1872. Egalement<br />

à prendre, une scène de village<br />

du sud de l’Italie avec personnages<br />

et massif rocheux par le<br />

Français Alfred de Curzon, une<br />

Lettre de 1887 par le Britannique<br />

prussien Otto Leyde ou<br />

une séduisante scène de genre<br />

comparant des notes par le Britannique<br />

Thomas Musgrave Joy,<br />

mort très jeune. Une œuvre de<br />

jeunesse de Godefroid Guffens<br />

et une splendeur de Charlemagne<br />

Oscar Guet clôturent la liste<br />

des romantiques. La sculpture<br />

d’un artiste représenté comme<br />

Midas, avec des oreilles d’âne,<br />

compte parmi les autres œuvres<br />

d’intérêt. Son auteur, le Français<br />

Jean-Joseph Carriès (1855-1894),<br />

s’est délibérément ridiculisé<br />

en se représentant comme un<br />

faune ou comme le légendaire<br />

roi phrygien : il se considérait<br />

comme stupide, bestial et non<br />

civilisé. Terminons ce tour<br />

d’horizon par huit ensembles de<br />

cheminée d’époque Napoléon III,<br />

de style Louis XIV ou Louis XV.<br />

Un Twombly pour<br />

Vanderkindere<br />

Ce sont les 14 et 15 février que la<br />

salle bruxelloise Vanderkindere<br />

tient sa vente cataloguée mensuelle.<br />

Incluant toujours une belle<br />

diversité, celle-ci se démarque<br />

cette fois par la présence d’une<br />

rare œuvre d’un artiste américain<br />

qu’on a peu l’habitude de voir en<br />

<strong>Belgique</strong>, Cy Twombly (1928-2011).<br />

Ce peintre néo-dadaïste remettait<br />

en question l’expressionnisme<br />

abstrait à travers sa technique et<br />

les sujets qu’il abordait dans ses<br />

toiles, où les tracés se mélangent<br />

de manière désordonnée et se<br />

simplifient au fil des années. Se<br />

rapprochant de l’art européen<br />

en déménageant en Italie, il s’est<br />

s’inspiré, par la même occasion,<br />

de la mythologie. L’œuvre proposée<br />

par la salle Vanderkindere est<br />

une technique mixte sur papier,<br />

monogrammée au milieu vers<br />

la droite C.T et datée 1977. Elle<br />

provient d’une collection privé<br />

belge et fut acquise en la Galerie<br />

Alexandra Monett, à Bruxelles.<br />

Son estimation est de 10.000 à<br />

15.000 euros.<br />

Des vases<br />

de Canton chez<br />

Debaveye<br />

Debaveye annonce pour les<br />

15 et 16 février la vente d’un<br />

chef-d’œuvre du peintre réaliste<br />

romantique de paysages et<br />

d’animaux Edmond de Pratere<br />

(1826-1888). Sa Scène de chasse<br />

avec chevaux et chiens figure<br />

dans le livre Animal painters<br />

of the 19th century (p. 154). De<br />

nombreux autres trésors sont<br />

à découvrir lors de ces enchères,<br />

telle cette belle collection<br />

d’aziatica, avec ses nombreux<br />

vases de Canton, une peinture de<br />

paysage en quatre parties datée<br />

du XIXe siècle, un large éventail<br />

de sculptures religieuses en bois<br />

flamandes et européennes des<br />

XVIIe et XVIIIe siècles. Le tout<br />

est complété d’une belle offre<br />

en meubles anciens, dont des<br />

meubles Napoléon III, une commode<br />

en acajou du XVIIIe siècle<br />

estampillée JME, des ensembles<br />

de salon du XIXe siècle, de<br />

nombreux meubles de campagne<br />

en chêne et autres tableaux de F.<br />

Cane, M. Cockx, H. De Braekeleer,<br />

A. Devambez, Y. De Chastellux,<br />

87


Ventes<br />

<strong>Belgique</strong><br />

EST. 8.000-12.000 €<br />

Canons vénitiens, fin du XVIIe siècle. Rob Michiels, 23 à 25-02. © Rob Michiels<br />

Cette œuvre d’Edgar Scauflaire sera à prendre chez<br />

Lhomme, le 25-02. © Lhomme<br />

J. De Coene, J.G. Domergue, V.<br />

Dooms, Fr. Du Mont, E. Farasyn,<br />

A. Gaudin, F. Jespers (4 œuvres), J.<br />

Linnel, Minneboo, A. Saverys, Sorel,<br />

Sorlain, E. Vierin. Enfin, mentionnons<br />

des verreries de Lalique,<br />

Schneider et Val Saint Lambert,<br />

une grande collection de Royal<br />

Dux, des céramiques flamandes<br />

de Torhout et Maes, des couverts<br />

en argent massif signés Wolfers.<br />

Art asiatique<br />

et européen chez<br />

Rob Michiels<br />

Du 23 au 25 février, art asiatique<br />

et européen seront proposés chez<br />

Rob Michiels, à Bruges. La pièce<br />

maîtresse est un vase impérial<br />

chinois réalisé pour la cour de<br />

l’empereur Wanli (1572-1620), estimé<br />

entre 80.000 et 120.000 euros.<br />

Pour une figurine en bronze doré<br />

(H. 16,5 cm) représentant Avalokitesvara<br />

et datant de la période<br />

Yongzheng (1722-1735), on espère<br />

entre 30.000 et 60.000 euros. Les<br />

bronzes chinois sont particulièrement<br />

remarquables, avec en tête<br />

deux grandes statues de Bouddha<br />

de la dynastie Ming, estimées<br />

entre 30.000 et 80.000 euros. Pour<br />

une tasse et une soucoupe en<br />

porcelaine exceptionnellement<br />

fine de période Yongzheng, la<br />

salle espère 8.000 à 12.000 euros.<br />

La porcelaine chinoise destinée<br />

au marché vietnamien est<br />

une spécialité plus récente de<br />

l'enseigne brugeoise. Un bol daté<br />

de 1804 est ainsi proposé contre<br />

une estimation de 15.000 à 25.000<br />

euros, tandis qu’un vase bleu et<br />

blanc, à décor de nuages, vaudrait<br />

entre 10.000 et 20.000 euros. En<br />

matière d’art européen, un grand<br />

triptyque espagnol de la première<br />

moitié du XVIe siècle a reçu une<br />

estimation de 40.000 à 80.000<br />

euros. Il fut intégré par les décorateurs<br />

anversois de la Maison<br />

Franck dans une importante collection<br />

de Knokke. En 1948, il était<br />

inclus dans l’exposition d’Anvers<br />

sur l’art ecclésiastique. De la<br />

même collection, on annonce<br />

aussi une intéressante œuvre<br />

d'après Jérôme Bosch : l'original<br />

de cette Moquerie du Christ est<br />

conservé à la National Gallery de<br />

Londres, même si cette version<br />

du début du XVIe siècle s’en<br />

rapproche qualitativement. Une<br />

allégorie de la fausseté, dessin<br />

de Jan Lievens ayant travaillé un<br />

certain temps avec Rembrandt,<br />

est estimée entre 25.000 et 35.000<br />

euros. Enfin, une tirelire en bleu<br />

de Delft suscitait l’étonnement<br />

du commissaire-priseur. Exécuté<br />

dans une très haute qualité et<br />

quasi sans défaut, il s’agit de l’un<br />

des lots les plus importants dans<br />

le domaine de la céramique.<br />

L’estimation pour ce chefd’œuvre<br />

de Pieter Kocx est de<br />

4.000 à 8.000 euros. Enfin, un canon<br />

de bronze de 1656, provenant<br />

de l’armée anglaise de Charles<br />

II, est également proposé (est.<br />

12.000-18.000 euros). Il fut repêché<br />

en mer du Nord, tout comme<br />

un autre spécimen aujourd’hui<br />

conservé au musée Gruuthuse.<br />

Une paire de canons vénitiens de<br />

la fin du XVIIe siècle est, quant à<br />

elle, estimée entre 8.000 et 12.000<br />

euros.<br />

Art contemporain<br />

chez Lhomme<br />

La prochaine vente publique chez<br />

Lhomme aura lieu le samedi 25<br />

février. L’art contemporain sera<br />

particulièrement présent dans<br />

cette vente avec un superbe<br />

exemplaire de l’Eau-forte VI de<br />

Pierre Soulages, des œuvres de<br />

Jean Rets, Georges Collignon,<br />

Jo Delahaut, Hans Hartung,<br />

Roger Greisch, Pierre Alechinsky,<br />

Fernand Flausch, Bram Bogart…<br />

ainsi que des sculptures de Paul<br />

Van Hoeydonck, Mady Andrien,<br />

Lambert Rocour, ou encore des<br />

ouvrages illustrés d’estampes<br />

originales de Jo Delahaut, Raoul<br />

Ubac et Bram van Velde. Seront<br />

également proposés une huile<br />

et plusieurs dessins d’Armand<br />

Rassenfosse, un dessin de Léon<br />

Spilliaert, des œuvres d’Edgar<br />

Scauflaire et une toile du peintre<br />

luministe Ferdinand Hart Nibbrig.<br />

Suivront un bel ensemble de manuscrits<br />

autographes de Gustave<br />

Flaubert, Marcel Proust, Colette,<br />

88


VEILINGHUIS<br />

HET PAND<br />

LA SALLE DES VENTES DU COIN OUEST DE LA FLANDRE<br />

Vente<br />

d’un particulier<br />

Nature morte<br />

florale signée<br />

Louise Coupé.<br />

61 x 110 cm<br />

L’artiste gantoise Louise<br />

Coupé (1877-1945) est<br />

connue pour ses natures<br />

mortes de fleurs et de fruits.<br />

Elle a participé aux Salons<br />

triennaux d’Anvers, en 1920<br />

et 1926. Oeuvre, e. a.,<br />

au Musée de Gand.<br />

Mentionné dans BAS I en<br />

“Twee eeuwen Signaturen<br />

van Belgische kunstenaars”<br />

Vente aux enchères d’antiquités<br />

dimanche 26 février à 14h<br />

Jours d’expositions :<br />

du samedi 18 au jeudi 23 février entre 13u30 - 18h.<br />

Vente aux enchères avec public dans la salle.<br />

Tél 04 74 49 13 17<br />

info@veilinghuishetpand.be<br />

www.veilinghuishetpand.be<br />

KASTEELSTRAAT 8<br />

DIKSMUIDE<br />

CONTACT<br />

elsbethreiter@gmail.com<br />

Vente d'art et antiquités<br />

28 février <strong>2023</strong><br />

INGELANDGAT 4 - GENT<br />

LOECKX.BE


Ventes<br />

<strong>Belgique</strong><br />

EST. 700-1.000 €<br />

Lucas Franchois II le Jeune (att.), La Lamentation, XVIIe siècle. ‘t PAND,<br />

26-02. © ‘t PAND<br />

Vue de l’offre en art d’Orient chez Loeckx, le 28-02. © Loeckx<br />

Karl-Joris Huysmans, mais aussi<br />

quelques livres anciens, dont un<br />

bel exemplaire des Délices du<br />

Pays de Liège, et modernes, un<br />

chapitre d’estampes japonaises et<br />

un bel ensemble de gravures de<br />

Félicien Rops.<br />

Vente aux enchères<br />

d’antiquités au<br />

‘t PAND<br />

Une importante vente<br />

d’antiquités se déroulera au ‘t<br />

PAND de Diksmuide le 26 février.<br />

On y annonce une offre intéressante<br />

en argenterie religieuse, tels<br />

que calices, ostensoirs, ciboires,<br />

patènes et couronnes. Ces lots<br />

seront complétés de statues<br />

anciennes en bois, chemins de<br />

croix, reliquaires, lourds chandeliers<br />

d’autel en bronze et autres<br />

sculptures néo-gothiques, entre<br />

autres. On verra, en outre, une<br />

offre variée en antiquités civiles:<br />

statues en bronze, socles de<br />

statues, cloches de bronze, petits<br />

meubles, objets décoratifs en<br />

cristal et porcelaine. Les objets<br />

de collection et autres curiosités<br />

fermeront la marche.<br />

Varia chez Horta<br />

Lors de sa vente des 27 et 28<br />

février, outre quelques remarquables<br />

bijoux dont une bague en or<br />

blanc et jaune agrémentée d’un<br />

diamant solitaire taille brillant de<br />

+/- 7,03 carats, avec certificat HRD<br />

stipulant M SI1 (est. 22.000-25.000<br />

euros), la salle Horta proposera<br />

quelques tableaux de maîtres<br />

anciens. Est ainsi à prendre, une<br />

École flamande du XVIe siècle,<br />

triptyque à l’huile sur panneau<br />

représentant L’adoration des<br />

mages, L’adoration des bergers<br />

et La circoncision. Attribuées au<br />

Maître de 1518 et son atelier, leur<br />

estimation est de 40.000 à 60.000<br />

euros. Parmi les œuvres des XIXe<br />

et XXe siècles, citons un Verboekchoven<br />

de belle facture (Bouc,<br />

moutons et agneaux sur fond de<br />

paysage marin avec voiliers et<br />

vapeur, est. 12.000-15.000 euros)<br />

et un Paulus (Hiver au Pays Noir,<br />

est. 8.000-10.000 euros). Enfin,<br />

moins présents cette fois-ci, les<br />

artistes contemporains seront<br />

représentés par Enrico Castellani,<br />

dont l’œuvre intitulée Composition<br />

avec fils vaut entre 6.000 et<br />

8.000 euros.<br />

Art oriental<br />

chez Loeckx<br />

La prochaine vente chez Loeckx<br />

est prévue le 28 février. Elle<br />

proposera une large sélection<br />

d’art occidental et oriental. Il s’agit<br />

notamment de sculptures bouddhistes<br />

et d’objets rituels provenant<br />

de la région himalayenne :<br />

Tibet, Népal et Chine. Des objets<br />

de porcelaine, jade ou cloisonné,<br />

et quelques peintures chinoises<br />

seront également proposés. Un<br />

magnifique paysage d’hiver de<br />

Klaes Molenaer se distingue également,<br />

ainsi qu’une sélection de<br />

céramique et verrerie Art nouveau<br />

et Art déco, dont un rarissime<br />

vase signé Daum Nancy, illustré<br />

d’un motif en toile d’araignée.<br />

Art contemporain,<br />

moderne et ancien<br />

chez De Vuyst<br />

Les collectionneurs et passionnés<br />

pourront bientôt s’émerveiller devant<br />

l’offre unique de la vente de<br />

mars chez De Vuyst. Plus de 650<br />

œuvres seront mises aux enchères<br />

le 4 du mois, des maîtres anciens<br />

à l’art contemporain, international<br />

et national, des peintures et<br />

sculptures aux photographies et<br />

installations. Une partie importante<br />

de la vente comprend des<br />

œuvres clés du début du XXe siècle.<br />

De l’excentrique James Ensor,<br />

une importante version coloriée<br />

à la main de la gravure L’entrée<br />

du Christ à Bruxelles (1898) est<br />

90


EST. 6.000-8.000 €<br />

Enrico Castellani, Composition avec fils, 1958,<br />

huile sur tissu marouflée sur toile, 79,5 x 59,5<br />

cm. Horta, 27 & 28-02. © Horta<br />

EST. 80.000-120.000 €<br />

Léon Spilliaert, Vue du Visserskaai depuis<br />

l’atelier, 1909. De Vuyst, 04-03. De Vuyst<br />

EST. 55.000-75.000 €<br />

Corneille, Composition, 1951. De Vuyst, 04-03. De Vuyst<br />

ainsi annoncée. Le catalogue<br />

comprendra, en outre, plusieurs<br />

aquarelles importantes de Léon<br />

Spilliaert, dont View of the Fishermen’s<br />

Quay from the Studio<br />

(1909). On y trouve également<br />

plusieurs œuvres importantes de<br />

Jean Brusselmans, notamment<br />

une huile de 1914, sa période<br />

fauve brabançonne, qui porte le<br />

double titre Matin en banlieue /<br />

L’usine à Auderghem et provient<br />

de la collection du critique d’art<br />

Paul Haesaerts. Les couleurs et<br />

coups de pinceau utilisés par<br />

Brusselmans sont exceptionnellement<br />

modernes pour l’époque.<br />

La Lys et le Tempelhoeve à<br />

Laethem-Saint-Martin (1918), avec<br />

ses coups de pinceau lumineux et<br />

estivaux, illustre le génie pointilliste<br />

d’Evariste De Buck. L’œuvre<br />

date de la période où l’artiste<br />

séjourna pour la première fois à<br />

Laethem, entre 1916 et 1918. Deux<br />

importantes sculptures d’Oscar<br />

Jespers méritent également d'être<br />

mentionnées : Hunched Woman<br />

- Opschik (1933) en marbre blanc<br />

et Bird (1927) en bronze. Corneille<br />

a, pour sa part, réalisé une<br />

merveilleuse composition en 1951,<br />

dernière année officielle du mouvement<br />

CoBrA, proposée lors de<br />

cette vente. Laquelle comprendra,<br />

en outre, des œuvres de Karel<br />

Appel et Reinhoud. Le vaisseau<br />

spatial General Spinaxis (1977) de<br />

Panamarenko est un grand dessin<br />

de près de deux mètres de large.<br />

En 1968, Panamarenko réalisait<br />

une première version en balsa<br />

du General Spinaxis. En 1978, il<br />

construisait une version monumentale,<br />

exposée à l’aéroport de<br />

Brême. C’est dans ce contexte<br />

que l’artiste créait le grand dessin<br />

proposé ici. Il s’agit d’un vaisseau<br />

spatial alimenté par l’énergie<br />

solaire. Enfin, on mentionnera<br />

quelques noms internationaux<br />

tels Pierre Soulages, Sam Francis,<br />

Pablo Atchugarry, Sol LeWitt et<br />

Jan Dibbets. L’art contemporain<br />

sera représenté par Rinus Van de<br />

Velde, Philippe Vandenberg et Jan<br />

Fabre.<br />

91


Auction calendar<br />

FEBRUARY / MARCH <strong>2023</strong><br />

Belgium<br />

FEBRUARY<br />

31-2 Jordaens<br />

Kunst en antiek MORTSEL<br />

1 Lempertz Brussel<br />

Arts of Africa, the Pacific & the<br />

Americas BRUSSEL<br />

2 Legia Auction<br />

Kunst en antiek HANNUT<br />

3 Maison des Huissiers de<br />

Justice<br />

Deurwaarderstukken BRUSSEL<br />

4-6 DVC Gent<br />

Kunst en antiek GENT<br />

4 ABS Veilingen Mechelen<br />

Deurwaarderstukken<br />

MECHELEN<br />

5 Antenor<br />

Juwelen BRUSSEL<br />

6 Amberes<br />

Burgerveiling ANTWERPEN<br />

7-9 Carlo Bonte<br />

Kunst en antiek BRUGGE<br />

7 Berg van Barmhartigheid<br />

Juwelen en numismatiek<br />

BRUSSEL<br />

10 Maison des Huissiers de<br />

Justice<br />

Deurwaarderstukken BRUSSEL<br />

10-11 Damien Voglaire<br />

Klassieke schilderijen en<br />

boeken BRUSSEL<br />

11 Berg van Barmhartigheid<br />

Speciale verkoop<br />

BRUSSEL<br />

11 FW auctions Namur<br />

Algemene veiling NAMEN<br />

11 ABS Veilingen Mechelen<br />

Deurwaarderstukken<br />

MECHELEN<br />

11 Morel de Westgaver<br />

Ansichtkaarten, prenten en<br />

boeken BRUSSEL<br />

11-12 Maison Jules<br />

Kunst en antiek GENT<br />

12-13 Monsantic<br />

Kunst en antiek BERGEN<br />

13 Amberes<br />

Burgerveiling ANTWERPEN<br />

13-19 Rops Namur<br />

Kunst en antiek ONLINE<br />

14 Berg van Barmhartigheid<br />

Zilver en juwelen<br />

BRUSSEL<br />

14-15 Vanderkindere<br />

Kunst en antiek UKKEL<br />

14-15 Bernaerts<br />

Kunst en antiek<br />

ONLINE<br />

15-16 Debaveye<br />

Kunst en antiek<br />

HARELBEKE<br />

17 Maison des Huissiers de<br />

Justice<br />

Deurwaarderstukken BRUSSEL<br />

18 ABS Veilingen Mechelen<br />

Deurwaarderstukken<br />

MECHELEN<br />

20 Amberes<br />

Burgerveiling ANTWERPEN<br />

20 Elysée Liège<br />

Kunst en antiek LUIK<br />

21 Elysée Liège<br />

Burgerveiling LUIK<br />

23 Rob Michiels<br />

Aziatische kunst BRUGGE<br />

24 Maison des Huissiers de<br />

Justice<br />

Deurwaarderstukken BRUSSEL<br />

25 Rob Michiels<br />

Europese en Islamitische<br />

kunst BRUGGE<br />

25 Lhomme<br />

Schilderijen, prenten,<br />

tekeningen, boeken etc LUIK<br />

25 ABS Veilingen Mechelen<br />

Deurwaarderstukken<br />

MECHELEN<br />

26 HET PAND<br />

Antiek DIKSMUIDE<br />

27 Amberes<br />

Burgerveiling ANTWERPEN<br />

27-28 Galerie Moderne<br />

Kunst en antiek BRUSSEL<br />

27-28 Horta<br />

Kunst en antiek BRUSSEL<br />

28 Loeckx<br />

Kunst en antiek GENT<br />

MARCH<br />

2-12 Arenberg<br />

Collectibles ONLINE<br />

3 Maison des Huissiers de<br />

Justice<br />

Deurwaarderstukken BRUSSEL<br />

4 ABS Veilingen Mechelen<br />

Deurwaarderstukken<br />

MECHELEN<br />

4 De Vuyst<br />

Hedendaagse,<br />

Moderne en Oude Meesters<br />

LOKEREN<br />

4 Louiza Auction<br />

Schilderijen BRUSSEL<br />

6 Amberes<br />

Burgerveiling ANTWERPEN<br />

7 Berg van Barmhartigheid<br />

Juwelen en numismatiek<br />

BRUSSEL<br />

10 Maison des Huissiers<br />

de Justice<br />

Deurwaarderstukken<br />

BRUSSEL<br />

The Netherlands<br />

FEBRUARY<br />

28-5 Oprechte Veiling<br />

Kunst en antiek HAARLEM<br />

6 Derksen<br />

Meubelen en klokken<br />

ARNHEM<br />

6-7 Zadelhoff<br />

Kunst, antiek en curiosa<br />

ONLINE<br />

6-10 Korst van der Hoeff<br />

Kunst en antiek<br />

S-HERTOGENBOSCH<br />

7 Derksen<br />

Kunst ARNHEM<br />

8 Derksen<br />

Kleingoed en vitrinestukken<br />

ARNHEM<br />

9 Derksen<br />

Aziatica ARNHEM<br />

11 Derksen<br />

Goud, zilver en brocanten<br />

ARNHEM<br />

11 Van Sabben<br />

Affiches HOORN<br />

14 Richard Terborg<br />

Tekeningen ONLINE<br />

14-18 Heritage Auctions<br />

Goud, zilver, kunst, curiosa en<br />

militaria IJSELSTEIN<br />

14-28 Venduehuis Den Haag<br />

Single owner sale, paintings<br />

ONLINE<br />

15-16 Notarishuis Rotterdam<br />

Algemene veiling ONLINE<br />

17-19 Veilinghuis Omnia<br />

Kunst en antiek KOLMHAM/<br />

HOOGEZAND<br />

19 Peerdeman<br />

Kunst en antiek UTRECHT<br />

21-7 Venduehuis Den Haag<br />

Indonesian art sale ONLINE<br />

27 Ald Fryslan<br />

Chinees en Oosters porselein<br />

ONLINE<br />

27-28 Van Spengen<br />

Kunst en antiek HILVERSUM<br />

28 De Jager<br />

Kunst, antiek en juwelen GOES<br />

28-2 Ald Fryslan<br />

Kunst en antiek IJLST<br />

MARCH<br />

1-2 De Jager<br />

Aziatica GOES<br />

9-10 De Ruiter<br />

Munten en bankbiljetten<br />

KLAASWAAL<br />

13-15 Klinkhamer<br />

Kunst en antiek GRONINGEN<br />

France<br />

FEBRUARY<br />

26-2 Tajan<br />

Art Moderne & Contemporain<br />

PARIS<br />

1 Ader<br />

Verrerie contemporaine PARIS<br />

1 Thierry De Maigret<br />

Tableaux, objets d'art,<br />

mobilier, tapis (Drouot) PARIS<br />

1 Magnin Wedry<br />

Tableaux, mobilier & objets<br />

d'art (Drouot) PARIS<br />

1 Bonhams Cornette<br />

La collection Dr Peter et Ulrike<br />

Bühner de motos et voitures<br />

anciennes<br />

PARIS<br />

1-2 Bonhams Cornette<br />

Les Grandes Marques du<br />

Monde à Paris PARIS<br />

2 Bonhams Cornette<br />

Fine watches at The Grand<br />

Palais Ephémère PARIS<br />

2 Lucien Paris Nogent<br />

Fonds de maisons et parties<br />

de mobilier garnissant un<br />

hôtel particulier NOGENT<br />

3 Artcurial<br />

Rétromobile <strong>2023</strong> PARIS<br />

3 Crait+Müller<br />

Livres, tableaux, mobilier &<br />

objets d'art (Drouot) PARIS<br />

3 Giquello & Associés<br />

Collection Lucie Scheler,<br />

livres anciens et modernes,<br />

tableaux modernes (Drouot)<br />

PARIS<br />

3 Oger - Blanchet<br />

Importants bijoux - Montres<br />

et orfèvrerie (Drouot) PARIS<br />

3 Coutau-Begarie<br />

Etoffes - Costumes anciens -<br />

Papier peints (Drouot) PARIS<br />

4 Artcurial<br />

Racing, Flying & Yachting<br />

PARIS<br />

7 Artcurial<br />

Maîtres anciens & du XIXe<br />

siècle PARIS<br />

7 Cannes Enchères<br />

Joaillerie & Horlogerie de<br />

collection CANNES<br />

7-21 Aguttes<br />

Bijoux & Montres ONLINE<br />

8 Beaussant Lefèvre<br />

Tableaux, mobilier et objets<br />

d'art (Drouot) PARIS<br />

8 Ader<br />

Cadres anciens et modernes<br />

(Drouot) PARIS<br />

9 Ader<br />

Judaïca PARIS<br />

9 Maison R&C<br />

Oeuvres d'exception (Drouot)<br />

PARIS<br />

9 Millon<br />

Tour du monde du<br />

collectionneur NICE<br />

9-23 Aguttes<br />

Asian Art ONLINE<br />

10 Thierry De Maigret<br />

Tableaux, objets d'art,<br />

mobilier, tapis (Drouot) PARIS<br />

10 Tessier & Sarrou<br />

Marine & Voyage (Drouot)<br />

PARIS<br />

10 Drouot Estimations<br />

Montres, bijoux, objets de<br />

vitrine & mode (Drouot) PARIS<br />

10 Ader<br />

Art de l'Islam et de l'Inde<br />

& Archéologie - Vente de<br />

prestige (Drouot) PARIS<br />

10 Giquello & Associés<br />

Livres anciens et modernes<br />

(Drouot) PARIS<br />

10 Artcurial<br />

de Hislaire à Yslaire<br />

PARIS<br />

10 Artcurial<br />

L'univers du créateur de Tintin<br />

PARIS<br />

10 Coutau-Begarie<br />

Eventails (Drouot)<br />

PARIS<br />

11 Artcurial<br />

Bandes dessinées PARIS<br />

13 Ader<br />

Numismatique & Philatelie<br />

PARIS<br />

14 Gros & Delettrez<br />

Mode et fourrure (Drouot)<br />

PARIS<br />

14 De Baecque<br />

Arts Premiers (Drouot) PARIS<br />

14 L'Huillier<br />

Eden roc (Drouot) PARIS<br />

14 Deburaux - Du Plessis<br />

Bijoux anciens et modernes<br />

(Drouot) PARIS<br />

14 Ader<br />

Collection Marcel Sztejnberg<br />

(Drouot) PARIS<br />

14 Lemon Auction<br />

Design - Art du XXe siècle<br />

(Drouot) PARIS<br />

14 Yann Le Mouel<br />

Oeuvres sur papier - Tableaux<br />

modernes et contemporains<br />

(Drouot) PARIS<br />

14 Millon<br />

Biennale - Tableaux, mobilier<br />

& objets d'art (Drouot) PARIS<br />

14-28 Aguttes<br />

Numismatique ONLINE<br />

15 Piasa<br />

Photographies d'une<br />

collection PARIS<br />

15 Piasa<br />

Bruno Gambone Ceramiques<br />

PARIS<br />

15 Gros & Delettrez<br />

Mode et fourrure (Drouot)<br />

PARIS<br />

15 Aguttes<br />

Livres & Manuscrits NEUILLY<br />

15 Millon<br />

Ecole de Paris - Regards de<br />

collectionneurs PARIS<br />

16 Giquello & Associés<br />

Tableaux, mobilier et objets<br />

d'art (Drouot) PARIS<br />

16 Lucien Paris Nogent<br />

Ecrin de Madame M. - Bijoux<br />

anciens et modernes, et à<br />

divers amateurs NOGENT<br />

16-22 Sothebys<br />

Living Contemporary PARIS<br />

17 Gros & Delettrez<br />

Bijoux anciens & modernes -<br />

Montres (Drouot) PARIS<br />

17 Ader<br />

Art d'après guerre et<br />

contemporain (Drouot) PARIS<br />

21-28 Artcurial<br />

Estampes & Multiples ONLINE<br />

22 Thierry De Maigret<br />

92


Auction calendar<br />

FEBRUARY / MARCH <strong>2023</strong><br />

Tableaux, objets d'art,<br />

mobilier, tapis (Drouot)<br />

PARIS<br />

22-28 Sothebys<br />

Livres et Manuscrits PARIS<br />

23 Coutau-Begarie<br />

Haute Epoque (Drouot) PARIS<br />

23 Aguttes<br />

Design NEUILLY<br />

23 Piasa<br />

Design français PARIS<br />

23 Cannes Enchères<br />

Lithographies<br />

CANNES<br />

23-1 Artcurial<br />

Mobilier & Objets d'art ONLINE<br />

24 Beaussant Lefèvre<br />

Tableaux, mobilier et objets<br />

d'art (Drouot) PARIS<br />

24 Coutau-Begarie<br />

Mobilier & Objets d'art<br />

(Drouot) PARIS<br />

24 Nouvelle Etude<br />

Césars & Prestigieuse garderobe<br />

(Drouot) PARIS<br />

24 Cannes Enchères<br />

Art Moderne CANNES<br />

24-2 Artcurial<br />

Collection de Mode ONLINE<br />

25 Cannes Enchères<br />

Art Contemporain CANNES<br />

MARCH<br />

1 Ader<br />

Tableaux anciens (Drouot)<br />

PARIS<br />

2 Lucien Paris Nogent<br />

Objets d'art et de bel<br />

ameublement NOGENT<br />

6 Aguttes<br />

Peintres d'Asie, Oeuvres<br />

majeures NEUILLY<br />

7 Bonhams Cornette<br />

Estampes et multiples en<br />

ligne PARIS<br />

7 Ader<br />

Bijoux & Vintage (Drouot)<br />

PARIS<br />

8 Piasa<br />

Art + Design from one<br />

property PARIS<br />

8-20 Sothebys<br />

Fine Watches PARIS<br />

9 Aguttes<br />

Arts d'Asie NEUILLY<br />

10-20 Sothebys<br />

Handbags and Accessories<br />

PARIS<br />

United Kingdom<br />

FEBRUARY<br />

25-8 Sothebys<br />

Fine Watches<br />

LONDON<br />

27-10 Sothebys<br />

Original Film Posters<br />

LONDON<br />

6-16 Bonhams<br />

Art from Georgia & Armenia<br />

ONLINE<br />

7-8 Bonhams<br />

The Connoisseur's Library<br />

LONDON<br />

9 Dreweatts<br />

The culinary arts - A private<br />

library ONLINE<br />

9 Sothebys<br />

Fine Jewels<br />

LONDON<br />

9 Christies<br />

Private Collection from an<br />

English Country House<br />

LONDON<br />

15 Bonhams<br />

Knightsbridge Jewels LONDON<br />

20-28 Bonhams<br />

Modern and Contemporary<br />

South Asian Art<br />

ONLINE<br />

21-22 Dreweatts<br />

Interiors LONDON<br />

22 Bonhams<br />

Watches & Wristwatches<br />

LONDON<br />

23-9 Christies<br />

Post-War & Contemporary Art<br />

Online ONLINE<br />

28-14 Christies<br />

Contemporary Edition:<br />

London ONLINE<br />

28 Christies<br />

20th/21st Century Art Evening<br />

Sale LONDON<br />

28 Christies<br />

The Art Of The Surreal<br />

LONDON<br />

MARCH<br />

1 Christies<br />

Post-War and Contemporary<br />

Art Day Sale LONDON<br />

1-2 Sothebys<br />

Modern & Contemporary<br />

Auction LONDON<br />

1-2 Phillips<br />

20th Century &<br />

Contemporary Art LONDON<br />

2 Dreweatts<br />

Old masters, British and<br />

European art LONDON<br />

2 Christies<br />

Impressionist Day and Works<br />

on Paper Sale LONDON<br />

2-16 Christies<br />

Prints and Multiples ONLINE<br />

7 Dreweatts<br />

Fine clocks, barometers and<br />

scientific instruments LONDON<br />

8 Dreweatts<br />

Fine jewellery, silver, watches<br />

and objects of vertu LONDON<br />

8 Bonhams<br />

British and European Art<br />

LONDON<br />

10-16 Sothebys<br />

(Woman) Artists LONDON<br />

Germany<br />

FEBRUARY<br />

25-2 Van Ham<br />

Jewels Quarterly ONLINE<br />

30-3 Hermann Historica<br />

Antiken, Asiatika,<br />

Schusswaffen, Orden und<br />

Militaria<br />

ONLINE<br />

8-9 Nagel Auktionen<br />

Moderne & Zeitgenössische<br />

Kunst, Design Highlights<br />

STUTTGART<br />

Fair calendar<br />

FEBRUARY / MARCH <strong>2023</strong><br />

Belgium<br />

JANUARY<br />

28-5/2 BRAFA<br />

BRUSSELS<br />

FEBRUARY<br />

3-5 Menart Fair<br />

BRUSSELS<br />

03-05 JAP Artists Print<br />

SCHAERBEECK<br />

8-12 Affordable Art Fair<br />

BRUSSELS<br />

9-12 Fine Art Fair Wavre<br />

WAVRE<br />

MARCH<br />

9-12 <strong>COLLECT</strong>IBLE<br />

BRUSSELS<br />

France<br />

FEBRUARY<br />

10-12 Art3f Toulouse<br />

TOULOUSE<br />

Germany<br />

FEBRUARY<br />

3-5 ARTe Contemporary Art<br />

Fair<br />

OSNABRUCK<br />

Italy<br />

FEBRUARY<br />

3-5 Arte Fiera<br />

BOLOGNA<br />

10-13 Arte Genova<br />

GENOVA<br />

11-20 Excelsior<br />

MODENA<br />

Portugal<br />

FEBRUARY<br />

10-12 Art Expo Algarve<br />

ALGARVE<br />

Spain<br />

FEBRUARY<br />

22-26 ARCOMadrid<br />

MADRID<br />

The Netherlands<br />

FEBRUARY<br />

8-12 Haute Photographie<br />

ROTTERDAM<br />

10-12 OBJECT<br />

ROTTERDAM<br />

9-12 ART ROTTERDAM<br />

ROTTERDAM<br />

United Arabic<br />

Emirates<br />

FEBRUARY<br />

3-5 Art Dubai<br />

DUBAI<br />

United Kingdom<br />

FEBRUARY<br />

9-12 Affordable Art Fair<br />

LONDON<br />

United States<br />

FEBRUARY<br />

16-19 Frieze Los Angeles<br />

LOS ANGELES<br />

17-20 The Palm Beach Show<br />

PALM BEACH<br />

MARCH<br />

2-5 Outsider Art Fair New York<br />

NEW YORK<br />

93


Museum calendar<br />

FEBRUARY / MARCH <strong>2023</strong><br />

Belgium<br />

ANTWERPEN<br />

MOMU<br />

△ Mirror Mirror. Mode en<br />

de Psyché'<br />

t/m 26-02<br />

Snijders&Rockoxhuis<br />

△ ‘Finis Terrae’<br />

t/m 26-02<br />

M HKA<br />

△ ‘Dora Garcia. Elle a<br />

plusieurs noms’<br />

10-02 t/m 21-05<br />

BINCHE<br />

Musée international<br />

du Carnaval et du<br />

Masque<br />

△ ‘Dia de Muertos’<br />

j. 05-03<br />

BRUGGE<br />

Groeningemuseum<br />

△ ‘Pieter Pourbus. Master<br />

of Maps’<br />

t/m 16-04<br />

Sint-Jans Hospitaal<br />

△ ‘Oog tot Oog met<br />

de Dood. Hugo<br />

Van der Goes, een<br />

nieuwe blik over oude<br />

meesters’<br />

t/m 05-02<br />

BRUSSELS<br />

Atomium<br />

△ ‘Visual System’<br />

03-02-><br />

△ View from my window<br />

j. 29-05<br />

BOZAR<br />

△ ‘Swedish Ecstasy : De<br />

Swedenborg à Hilma af<br />

Klint et au-delà’<br />

17-02 au 21-05<br />

CIVA<br />

△ ‘Picturesque. Jules<br />

Buyssens, landscape<br />

architect’<br />

j. 12-02<br />

△ ‘After / D’Après / No’,<br />

Vincent Meessen<br />

j. 26-03<br />

Design Museum<br />

Brussels<br />

△ On Display. Quand<br />

le design investit la<br />

boutique'<br />

j. 05-03<br />

Fondation A<br />

△ ‘Graciela Iturbide.<br />

Lignes d’ombre’<br />

j. 21-04<br />

ISELP<br />

△ ‘Memories Gone<br />

Wild. Fictive Archive<br />

Investigation’<br />

j. 25-03<br />

MAD<br />

△ ‘The Power of<br />

Ceramics. Modern Craft<br />

#2’<br />

j. 25-02<br />

Maison de l’histoire<br />

européenne<br />

△ ‘Jeter. Histoire d’une<br />

crise contemporaine’<br />

18-02 au 31-01-2024<br />

MIMA<br />

△ ‘Local Heroes’<br />

03-02 au 28-05<br />

MRBAB<br />

△ Isabelle de Borchgrave.<br />

Miradas de Mujeres'<br />

j. 12-02<br />

△ Picasso & Abstraction'<br />

- 'Jean-Pierre Ghysels.<br />

Exposition focus'<br />

- 'Prune Nourry.<br />

L'Amazone Erogène<br />

(Arc)'<br />

j. 12-02<br />

Musée Horta<br />

△ ‘Victor Horta versus Art<br />

nouveau’<br />

24-03 au 08-01-2024<br />

Musée juif de<br />

<strong>Belgique</strong><br />

△ Arié Mandelbaum<br />

j. 05-03<br />

△ ‘236. Land(es)capes<br />

from the 20th Convoy’. Jo<br />

Struyven / Luc Tuymans<br />

j. 14-08<br />

△ ‘Femmes marocaines<br />

- Entre éthique et<br />

esthétique’<br />

j. 30-04<br />

Musée Mode &<br />

Dentelle<br />

△ Kidorama. 200 ans de<br />

mode enfantine<br />

j. 05-03<br />

Musée René Magritte<br />

△ ‘Renée Demeester,<br />

paysages abstraits’<br />

j. 03-09<br />

Villa Empain<br />

△ ‘Ornamentum’<br />

j. 14-05<br />

WIELS<br />

△ Danai Anesiadou. D<br />

Possessions<br />

j.23.04<br />

CHARLEROI<br />

Musée de la<br />

Photographie<br />

△ Stephan Gladieu.<br />

Corée du Nord - Brian<br />

McCarty. War-Toys -<br />

Vasco Ascolini. Ciseler<br />

l’ombre<br />

j. 21-05<br />

Musée des Beaux-<br />

Arts<br />

△ ‘Dupuis : La fabrique<br />

de héros. 100 ans de 9e<br />

art au Pays noir’<br />

j. 30-07<br />

GENT<br />

Huis van Alijn<br />

△ Licht uit. Pop op<br />

t/m 26-03<br />

MSK<br />

△ Theodoor Rombouts<br />

(1597-1637)<br />

t/m 23-04<br />

Museum Dr. Guislain<br />

△ Mirror Mirror - Mode &<br />

de psyche'<br />

t/m 26-02<br />

S.M.A.K.<br />

△ Healing the Museum<br />

- Artist in Residence:<br />

Grace Ndiritu<br />

t/m 04-02<br />

HASSELT<br />

C-Mine<br />

△ Enzo Mari<br />

11-02 t/m 28-05<br />

HORNU<br />

CID<br />

△ ‘Michele De Lucchi &<br />

ADML Circle’<br />

12-02 au 27-08<br />

MAC’s<br />

△ ‘Les Fabriques du<br />

coeur et leur usage’<br />

j. 19-03<br />

LA LOUVIÈRE<br />

Centre de la Gravure<br />

et de l’Image<br />

imprimée<br />

△ ‘Pol Bury. Va-et-Vient’<br />

j. 12-03<br />

MECHELEN<br />

Kazerne Dossin<br />

△ Homo’s en Lesbiennes<br />

in Nazi-Europa’<br />

16-02 t/m 10-12<br />

OOSTENDE<br />

Mu.ZEE<br />

△ ‘Friends in a field :<br />

conversations with Raoul<br />

De Keyser’<br />

t/m 21-05<br />

LEUVEN<br />

Museum M<br />

△ Prendre le temps<br />

t/m 23-04<br />

LIÈGE<br />

Trésor de la<br />

Cathédrale<br />

△ ‘Pierres précieuses,<br />

gemmes et matériaux<br />

d’exception. Histoire et<br />

techniques’<br />

j. 05-03<br />

Trinkhall Museum<br />

△ Jean-Marie Heyligen<br />

et Paul Duhem<br />

j. 05-03<br />

LOUVAIN-LA-NEUVE<br />

Musée L<br />

△ ‘Fossiles & Fictions’<br />

j. 26-03<br />

MORLANWELZ<br />

Musée Royal de<br />

Mariemont<br />

△ ‘Les vies multiples des<br />

cercueils’<br />

j. 09-04<br />

Musée Royal de<br />

Mariemont<br />

△ ‘Egypte. Eternelle<br />

passion’<br />

j. 16-04<br />

NAMUR<br />

Musée Rops<br />

△ ‘Charles Doudelet<br />

(1861-1938) et le<br />

symbolisme. Les Portes<br />

d’or’<br />

j. 05-03<br />

TERVUREN<br />

Africa Museum<br />

△ Europa Oxalá'<br />

t/m 05-03<br />

TOURNAI<br />

Musée des Beaux-<br />

Arts<br />

△ Toute une histoire,<br />

regard sur les collections<br />

#3<br />

j. 02-<strong>2023</strong><br />

EUPEN<br />

IKOB<br />

△ ‘Henrik Naumann:<br />

WESTALGIE mit Merle<br />

Vorwand und Tom<br />

Bogaert’<br />

j. 16-04<br />

LA LOUVIÈRE<br />

Keramis<br />

△ ‘Daniel Pontoreau.<br />

Avant le paysage’<br />

11-02 au 20-08<br />

94


Gallery calendar<br />

FEBRUARY / MARCH <strong>2023</strong><br />

Belgium<br />

AALST<br />

Galerie Van<br />

Caelenberg<br />

△ ‘Tout est nouveau sous<br />

la lune’<br />

t/m 16-02<br />

ANTWERPEN<br />

Annie Gentils Gallery<br />

△ Jacqueline Peeters<br />

t/m 06-03<br />

Coppejans Gallery<br />

△ ‘Denmark. Sie<br />

Sollten in Ruhe<br />

weiterarbeiten’<br />

t/m 18-02<br />

De Zwarte Panter<br />

△ ‘Agnès Guillaume.<br />

Epithalame - Fred<br />

Bervoets. Onderweg’<br />

t/m 05-02<br />

Everyday Gallery<br />

△ ‘I Paint What I Want<br />

To See’<br />

t/m 12-02<br />

Ronny Van de Velde<br />

△ ‘Le mal du pays’<br />

t/m 26-03<br />

Tim Van Laere<br />

△ Ryan Mosley<br />

02-02 t/m 18-03<br />

ASSE<br />

De Ziener<br />

△ ‘Jo De Smedt.<br />

VUUR’<br />

t/m 26-02<br />

BONHEIDEN<br />

Galerie Art Depot<br />

△ Gilbert Swimberghe<br />

t/m 26-02<br />

BRUSSELS<br />

Almine Rech<br />

△ ‘Fabien Adèle, Alexis<br />

McGrigg & Ted Pim’<br />

j. 25-02<br />

Ballon Rouge<br />

△ Rashawn Griffin<br />

j. 11-03<br />

Baronian<br />

△ ‘Jean-François<br />

Lacalmontie. Peintures’ -<br />

‘Marcin Sobolev.<br />

Central Asia’<br />

j. 04-03<br />

Belfius Art Gallery<br />

△ Art Beats’<br />

j. 24-06<br />

Belgian Gallery<br />

△ ‘Resonances’<br />

j. 23-02<br />

Bernier/Eliades<br />

△ ‘Charlie Billingham.<br />

Habillé pour le Week-<br />

End’<br />

j. 25-02<br />

Box Galerie<br />

△ ‘Sven Laurent,<br />

fragments of solace’<br />

j. 04-03<br />

CFC Editions<br />

△ Werner Lambersy,<br />

passeur des ailleurs’<br />

j. 25-02<br />

Chez Olivia Project<br />

Room<br />

△ ‘Léopoldine Roux.<br />

Souvenirs de Bruxelles’<br />

j. 18-02<br />

CLEARING<br />

△ ‘Cursed Objects.<br />

Meriem Bennani’<br />

j. 11-02<br />

Contretype<br />

△ ‘Archipel_o. Lyon<br />

Bandie, Théodore<br />

Bauthier, Bénédicte<br />

Blondeau, Aliki<br />

Christoforou, Aurélien<br />

Goubau, Marcel Top’<br />

j. 19-03<br />

Dvir Gallery<br />

△ ‘Aysha E Arar.<br />

Barbarian’<br />

j. 23-02<br />

Frédérick Mouraux<br />

Gallery<br />

△ ‘Bob Verschueren : le<br />

choix du fragile’<br />

j. 04-03<br />

Galerie Albert<br />

Dumont<br />

△ Jean-Philippe Braam -<br />

Luis Gonzalvez<br />

j. 19-02<br />

Galerie Aliénor<br />

Prouvost<br />

△ ‘Ordinary Life. Wenjie<br />

Lin’<br />

j. 25-02<br />

Galerie Didier<br />

Devillez<br />

△ Denis De Mot,<br />

peintures récentes<br />

j. 18-02<br />

Galerie Dys<br />

△ ‘Koenraad Tinel.<br />

Traveller’<br />

j. 26-02<br />

Galerie Faider<br />

△ Max Wechsler<br />

j. 11-02<br />

Galerie La Forest<br />

Divonne<br />

△ ‘Christian Renonciat.<br />

Le Grain des choses’<br />

j. 04-03<br />

Galerie Nathalie<br />

Obadia<br />

△ Fiona Rae<br />

j. 18-03<br />

Gallery Laurentin<br />

△ ‘Antoine Mortier.<br />

Works on paper’<br />

j. 04-02<br />

Gallery Sofie Van den<br />

Bussche<br />

△ ‘Avolenté - Yves &<br />

Christophe Malfliet’<br />

j. 19-02<br />

Hangar Photo Art<br />

Center<br />

△ ‘Mirror of Self’<br />

j. 25-03<br />

Huberty & Breyne<br />

△ ‘Albert Dubout. Le Fou<br />

dessinant’<br />

j. 18-02<br />

In-Gate Gallery<br />

△ ‘Vladimir Semenskiy:<br />

Age of Wisdom’<br />

18-02 au 08-04<br />

Irène Laub<br />

△ ‘Tout est là. Bernard<br />

Villers’<br />

j. 25-02<br />

Kusseneers Gallery<br />

△ Ermias Fikleyesus - Els<br />

Opsomer<br />

j. 18-02<br />

La Patinoire Royale /<br />

Galerie Valérie Bach<br />

△ ‘Arno Rafael<br />

Minkkinen. Standing<br />

With Nature’<br />

j. 25-02<br />

△ ‘Francine Holley. Une<br />

abstraction musicale’<br />

j. 25-03<br />

La Verrière<br />

△ ‘Marion Verboom.<br />

Chryselephantine’<br />

09-02 au 22-04<br />

Le Botanique<br />

△ ‘Photo Brut’<br />

j. 19-03<br />

△ ‘Katherine Longly. To<br />

Tell My Real Intentions,<br />

I Want to Eat Only Haze<br />

Like A Hermit’<br />

j. 05-03<br />

Le Salon d’Art<br />

△ ‘Entrevoir. Patrick Van<br />

Ghendt. Estampes’<br />

j. 04-03<br />

Maison des Arts<br />

△ ‘Sub terra’<br />

25-02 au 14-05<br />

Maruani Mercier<br />

△ ‘Tony Matelli.<br />

Timelines’<br />

j. 11-02<br />

Mathilde<br />

Hatzenberger Gallery<br />

△ ‘Estelle Lagarde. Ils<br />

vécurent heureux’<br />

j. 26-02<br />

Michèle Schoonjans<br />

△ ‘Mathieu Bonardet x<br />

Tom Henderson. Tilt’<br />

j. 25-02<br />

Modesti Perdriolle<br />

△ ‘Jean-Daniel Allanche.<br />

L’atelier moléculaire de<br />

Saint-Germain-des-<br />

Prés’<br />

j. 25-02<br />

Odradek Residence<br />

△ ‘Jean-François Pirson.<br />

D’où monte son chant, le<br />

silence aussi’<br />

j. 11-02<br />

Parc Royal<br />

△ ‘Le Chat déambule à<br />

Bruxelles !’<br />

09-03 au 30-06<br />

Rossi Contemporary<br />

△ Frank Van Hiel<br />

j. 04-03<br />

Sorry we’re Closed<br />

△ Julien Meert -<br />

‘Planetarium’<br />

j. 18-03<br />

Super Dakota<br />

△ On the edge of all this<br />

sprawl of night and cities’<br />

j. 11-03<br />

Templon<br />

△ Alioune Diagne. Tukki’<br />

j. 04-03<br />

The Palm Beach<br />

△ ‘Herbarium. Anne<br />

Greuzat’<br />

j. 26-02<br />

Vanderborght<br />

△ ‘Peter Lindbergh.<br />

Untold Stories’<br />

j.14-05-<strong>2023</strong><br />

Zedes Art Gallery<br />

△ ‘Leif Österman. From<br />

Last Nights Rain’<br />

j. 04-03<br />

Zwart Huis<br />

△ ‘Christophe Coppens.<br />

Playdate’<br />

j. 04-03<br />

DIEPENBEEK<br />

Anouk Vilain Art<br />

Gallery<br />

△ ‘The show must go on.<br />

Pieter Jan Martyn’<br />

11-03 t/m 09-04<br />

GENT<br />

Barbé Urbain<br />

△ Charlie Voet - Joost<br />

Pauwaert<br />

08 t/m 12-02<br />

Francis Maere Fine<br />

Arts Gallery<br />

△ ‘Ernest Van Hoorde<br />

(1921-1991)’<br />

t/m 05-03<br />

GENTBRUGGE<br />

Galerie Settantotto<br />

△ ‘Change. Herman De<br />

Vries’<br />

19-02 t/m 02-04<br />

HASSELT<br />

Z33<br />

△ ‘Fitting In’<br />

t/m 26-02<br />

HEVERLEE<br />

Parcum - Parkabdji<br />

△ ‘Fragile - Patrick Van<br />

Caeckenbergh’<br />

t/m 26-02<br />

JAMBES<br />

Galerie Détour<br />

△ Jehanne Paternostre<br />

j. 11-02<br />

KORTENBERG<br />

Artipool<br />

△ Kaat Spelier - Nicko -<br />

Michel Janssens<br />

t/m 12-02<br />

LIÈGE<br />

Christine Colon<br />

△ ‘Marlis Albrecht et<br />

Jivko’<br />

j. 12-02<br />

Les Brasseurs Art<br />

Contemporain<br />

△ Jacques Di Piazza -<br />

Messa Porta’<br />

j. 18-03<br />

Les Chiroux<br />

△ ‘Marion Colard -<br />

DRAGA’<br />

j. 05-02<br />

LINKEBEEK<br />

Hors Tempsia<br />

△ Agnès De Man. ZOO<br />

t/m 23-04<br />

LOUVAIN-LA-NEUVE<br />

Espace 001<br />

△ ‘Martin Chaumont. Sur<br />

le qui-vive’<br />

05-02 au 05-03<br />

MONS<br />

Atelier des Capucins<br />

△ ‘TomArt, peintures<br />

- Helène Soete,<br />

sculptures’<br />

j. 05-02<br />

Les Anciens Abattoirs<br />

△ ‘Le réservoir, porte<br />

d’entrée d’un voyage aux<br />

origines de la Nature’<br />

j. 12-02<br />

OOSTEEKLO<br />

Galerie William<br />

Wauters<br />

△ ‘A la recherche du pain<br />

perdu’, Pjeroo Roobjee<br />

- Herman Van den<br />

Broecke<br />

05-02 t/m 12-03<br />

SPY<br />

Galerie Aarnor<br />

△ Gilles Mezzomo<br />

j. 12-02<br />

TOURNAI<br />

Rasson Art Gallery<br />

△ Bénédicte Vanderreydt<br />

j. 25-02<br />

95


Chambre Royale Belgo –<br />

Luxembourgeoise des salles de ventes<br />

Aux enchères, commissaires-priseurs, courtiers et experts mobiliers<br />

asbl fondée en 1936<br />

Avenue Louise 500,<br />

1000 Bruxelles<br />

Tél. 0475-62 71 85<br />

Fax 02-741 60 70<br />

www.auctions-in-belgium.be info@auctions-in-belgium.be<br />

Extrait liste des membres (Liste complète disponible au sécretariat ci-dessus)<br />

ANTWERPEN 2000<br />

AMBERES b.v.b.a<br />

(Dir. Rik Dupain - Marc<br />

Royer)<br />

Terninckstraat 6-8-10<br />

T.03/226.99.69 -<br />

F.03/227.03.89<br />

www.amberes.be.<br />

Gecatalogeerde kunstveilingen,<br />

schattingen voor nalatenschappen<br />

en verzekering.<br />

Geïllustreerde catalogus.<br />

Wekelijkse burgerveilingen.<br />

Meer dan 35.000 loten<br />

toegewezen per jaar<br />

BERNAERTS<br />

Kunstveilingen<br />

(Dir. Ch. & P. Bernaerts)<br />

Verlatstraat 16-22<br />

T.03/248.19.21<br />

info@bernaerts.be<br />

www.bernaerts.be<br />

LIVE & ONLINE VEILINGEN<br />

Oude, Romantische &<br />

Moderne Meesters.<br />

Antiek, Toegepaste kunsten,<br />

Design, Werk op papier.<br />

Expertises voor verdeling en<br />

verzekering<br />

CAMPO & CAMPO<br />

(Dir. Guy Campo)<br />

Grote Steenweg 19-21 - 2600<br />

Berchem<br />

T.03/218.47.77<br />

F.03/218.53.63<br />

guy@campocampo.be<br />

www.campocampo.be - 5<br />

Gecatalogeerde kunst- en<br />

antiekveilingen - schilderijen<br />

- grafiek - beeldhouwkunstmeubelen<br />

- porselein - zilverwerk<br />

- tapijten - wijnen<br />

e.a.<br />

DVC<br />

(Dir. D. Van Cappel)<br />

Ellermanstraat 36-38 - 2060<br />

Antwerpen<br />

T.03/232.36.64<br />

F.03/234.22.14<br />

Gecatalogiseerde kunst- en<br />

antiekveilingen schattingen<br />

en expertises van nalatenschappen<br />

en verzekeringen<br />

e-mail: dvc@dvc.be<br />

www.dvc.be<br />

JORDAENS N.V.<br />

Drabstraat 74 - 2640 Mortsel<br />

T.03/449.44.30<br />

e-mail: info@jordaens.eu<br />

www.jordaens.eu<br />

Openbare verkopingen van<br />

kunst, antiek, juwelen, wijn,<br />

collecties en inboedels.<br />

Taxatie voor verdeling en<br />

verzekering<br />

BRUGGE 8000<br />

CARLO BONTE AUCTIONS<br />

Kardinaal Mercierstraat 20,<br />

8000 Brugge<br />

www.carlobonte.be<br />

info@carlobonte.be<br />

T. 050 33 23 55<br />

Internationale ONLINE<br />

Kunst- en Antiekveilingen.<br />

Asian Art, Western Art,<br />

Antiques, Design. Advies bij<br />

verkoop - expertise - schattingen<br />

Van de Wiele Auctions<br />

Groeninge 34<br />

T.050 49 07 69<br />

auctions.vandewiele@proximus.be<br />

www.marcvandewiele.com<br />

Zeldzame drukken en handschriften,<br />

oude kaarten,<br />

atlassen, grafiek en schilderijen.<br />

Schattingen voor verzekeringen<br />

en nalatenschap.<br />

BRUSSEL 1000<br />

ARENBERG AUCTIONS<br />

(dir. Johan Devroe § Henri<br />

Godts)<br />

Wolstraat 19 bus 2 - 1000<br />

Brussel<br />

T. 02-5441055<br />

info@arenbergauctions.com<br />

www.arenbergauctions.com<br />

Veilingen van zeldzame<br />

atlassen, boeken, prenten<br />

en tekeningen. Ook gehele<br />

bibliotheken, archieven en<br />

zeldzame manuscripten.<br />

Salle de Ventes du<br />

BEGUINAGE s.p.r.l.<br />

(Olivier Bolens - David Libotte)<br />

Rue Haute 161 (1000)<br />

T.02/218.17.42<br />

0475/87.06.77<br />

F.02/218.86.50<br />

www.salledeventesdubeguinage.be<br />

s.v.b@hotmail.be<br />

Online via Drouot digital<br />

HAYNAULT Kunstveilingen<br />

(dir. Rodolphe de<br />

Maleingreau d’Hembise)<br />

Stallestraat 9 - 1180 Brussel<br />

T.02/842.42.43<br />

www.haynault.be<br />

info@haynault.be<br />

Negen gespecialiseerde<br />

veilingen per jaar: juwelen,<br />

goud en zilverwerk (3x);<br />

munten penningen, verzamelingen<br />

en historische<br />

souvenirs (2x); schilderijen,<br />

kuntwerken uit Europa en<br />

Azië (4x)<br />

Lempertz 1798<br />

(dir. Henri Moretus Plantijn)<br />

Grote Hertstraat 6, 1000<br />

Brussel / Rue du Grand Cerf<br />

6, 1000 Bruxelles<br />

T. 02 514 05 86<br />

F. 02 511 48 24<br />

brussel@lempertz.com<br />

www.lempertz.com<br />

Schattingen en expertises<br />

van maandag tot vrijdag<br />

van 9:00 – 13:00 uur en van<br />

14:00 uur -17:00 uur.<br />

Hôtel de Ventes HORTA<br />

(Dir. Dominique de Villegas)<br />

70/74 Avenue de<br />

Roodebeek (1030)<br />

T.02/741.60.60<br />

F.02/741.60.70<br />

www.horta.be<br />

info@horta.be<br />

‘Ventes mensuelles cataloguées<br />

d’antiquitées, oeuvres<br />

d’art, bijoux et vins’<br />

Brussels Art Auctions<br />

Dir. Ph Serck & Is. Maenaut<br />

Rue Ernest Allardstraat 7-9 /<br />

Sablon - Zavel (1000).<br />

F. 02/503.62.10<br />

www.ba-auctions.com<br />

info@ba-auctions.com<br />

T.02/511.53.24<br />

Vente d’art et antiquités.<br />

Spécialiste en art Belge classique<br />

et moderne<br />

Galerie MODERNE<br />

(Dir. David & Jérôme Devadder)<br />

Rue du Parnasse 3 (1050) -<br />

T.02/511.54.15 - F.02/511.99.40<br />

www.galeriemoderne.be -<br />

info@galeriemoderne.be<br />

11 Ventes mensuelles cataloguées<br />

GENT 9000<br />

DVC<br />

(Dir. D. Van Cappel)<br />

Zandlopersstraat 10 - 9030<br />

Mariakerke<br />

T.09/224.14.40<br />

F.09/225.04.14<br />

e-mail: dvc@dvc.be -<br />

www.dvc.be<br />

Gecatalogiseerde Kunst- en<br />

Antiekveilingen<br />

Schattingen en expertises<br />

voor nalatenschappen en<br />

verzekeringen<br />

Galerie en Veilingzaal<br />

PICTURA b.v.b.a.<br />

Brusselsesteenweg 656<br />

9050 Gentbrugge<br />

T.0475/74.49.25<br />

henk.vervondel@telenet.be<br />

www.pictura.be<br />

LOECKX<br />

auctioneers Belgium<br />

(Dir. Cécile La Pipe,<br />

Peter en Natan Loeckx)<br />

Ingelandgat 4<br />

T.09/223.37.93<br />

F.09/233.76.71<br />

www.loeckx.be<br />

info@loeckx.be<br />

International art & antiques<br />

auctions. Expertises<br />

LIEGE 4000<br />

Hôtel des Ventes Elysée<br />

(Dir. Fairon)<br />

Boulevard Cuivre et Zinc 28<br />

T.04/221.09.09<br />

F. 04/221.15.05<br />

www.ventes-elysee.be<br />

info@ventes-elysee.be<br />

Ventes publiques mensuelles<br />

d’antiquités et objets<br />

d’art, Vintage, Maroquinerie,<br />

Bijoux. Expertises et accueil<br />

du lundi au vendredi de<br />

9h00 à 12h00 et de 13h00 à<br />

17h00. Fermé le mercredi<br />

Légia – Auction<br />

(Dir. Bruno de Wasseige<br />

& Vincent de Lange)<br />

Rue de Cras-Avernas, 12<br />

4280 Hannut<br />

Tél. : 019/63.55.59<br />

0495/87.99.01 - 0475/27.73.87<br />

www.legia-auction.com contact@legia-auction.com<br />

Ventes publiques d’Arts et<br />

d’Antiquités, tapis, mobiliers,<br />

bijoux, tableaux, Art d’Asie,…<br />

Expertises gratuites sur rendez-vous.<br />

Librairie LHomme<br />

(Dir. David Lhomme)<br />

Rue des Carmes 9<br />

T.04/223.24.63<br />

F.04/222.24.19<br />

www.michel-lhomme.com<br />

librairie@michel-lhomme.<br />

com<br />

Livres anciens et modernes<br />

de qualité - Gravures -<br />

Tableaux - Curiosités<br />

Hôtel des Ventes MOSAN<br />

(Dir. Maxence Nagant de<br />

Deuxchaisnes)<br />

Rue du Nord belge 9 (4020)<br />

T.04/344.91.70 - F.04/341.39.19<br />

www.hvm.be - Expertises<br />

gratuites tous les vendredi<br />

de 9h à 12h30 et de 14h à 18h<br />

LOKEREN 9160<br />

DE VUYST<br />

(Dir. Guy De Vuyst &<br />

Pascale Philips)<br />

Kerkstraat 22-54, 9160<br />

Lokeren<br />

T.09/348.54.40<br />

F.09/348.92.18<br />

www.de-vuyst.com<br />

info@de-vuyst.com<br />

Internationale Kunstveilingen<br />

en Tentoonstellingen van<br />

17de eeuw tot hedendaagse<br />

kunst.<br />

Schattingen en expertises<br />

van nalatenschappen en verzekeringen<br />

MONS - MAISIERES 7020<br />

MONSANTIC<br />

(Dir: Daniel Otten)<br />

Rue Grande 193b,<br />

7020 Maisières (Mons)<br />

T.065/73.94.00<br />

F.065/73.94.09<br />

otten@monsantic.com<br />

www.monsantic.com<br />

Ventes publiques cataloguées<br />

Expertises le<br />

mercredi, le samedi ou sur<br />

rendez vous - déplacement<br />

gratuit à domicile<br />

NAMUR 5000<br />

Salle de Ventes ROPS<br />

(Dir. B. de Sauvage)<br />

Avenue d’Ecolys 2, 5020<br />

Suarlée (Namur)<br />

T.081/74.99.88<br />

F.081/74.99.86<br />

www.rops.be /<br />

www.rops-online.be<br />

Ventes publiques mensuelles<br />

d’antiquités et ventes bourgeoises.<br />

Expertises gratuites<br />

à domicile sur rendez-vous<br />

ou à la salle tous les jours<br />

de 9h à 12h, sauf les lundis<br />

et jeudis<br />

VERVIERS 4800<br />

Hôtel des Ventes LEGROS<br />

(Dir. Benoît Legros)<br />

Rue Peltzer de Clermont 41<br />

4800 Verviers<br />

T. 087/33.01.00 - F.087.30.19.00<br />

www.venteslegros.com<br />

benoit.legros@euronet.be.<br />

Ventes régulières d’antiquités<br />

et objets d’art<br />

96


Bonnes<br />

adresses<br />

Petites annonces<br />

Assurances<br />

INVICTA ART INSURANCE<br />

« L’assurance au service de l’art »<br />

Eeckman Jean-Pierre & Isabelle<br />

67-69 Bd.Reyerslaan – 1030 Bruxelles<br />

Tel : 02/735 55 92/ Fax: 02/734 92 30<br />

eeckman.jpe@portima.be<br />

eeckman.ie@portima.be<br />

invicta.belgium@portima.be<br />

Musées – Collections privées –<br />

Expositions – Fondations particuliers/<br />

professionnels – Séjours – Transports<br />

www.invicta-art.com<br />

Restauration<br />

RESTAURATION DE METAUX<br />

Restauration d’objets antiques en<br />

métal, appareils photo, projecteurs,<br />

microscopes, automates, ...<br />

Spécialisation : horloges et montres.<br />

Création de systèmes de présentation<br />

Geert Schumeth<br />

GeertSchumeth@hotmail.com<br />

www.metaalrestauratie.com<br />

ATELIER DE RESTAURATION<br />

TEMPERA<br />

Tempera sprl, Alost - Aurel<br />

Uytterhaegen & fils<br />

Restauration d’oeuvres d’art - toiles -<br />

panneaux - statues polychromes.<br />

Devis & expertise (sans engagement):<br />

tempera@telenet.be<br />

0494 47 60 32<br />

www.temperarestauratie.be<br />

Encadrements<br />

VAN THIENEN S.C.R.L.<br />

Rue de l’Enclume, 28<br />

1210 Bruxelles<br />

T. 02 230 27 16<br />

Fabrication de façon artisanale de<br />

cadres contemporains, modernes et<br />

de style ancien. Plus de 600 modèles,<br />

tous réalisés à la main. Restauration<br />

de cadres anciens et modernes.<br />

Dorure à la feuille d’or. Création de<br />

modèles uniques sur demande.<br />

www.van-thienen.be<br />

Art Handling<br />

ART ON THE MOVE<br />

Rue Henri-Joseph Genesse 1,<br />

1070 Bruxelles<br />

Tél. : 02 333 2411,<br />

georges.merz@art-onthemove.be &<br />

stephane.merz@art-onthemove.be<br />

Un service spécialisé et complet :<br />

avant, pendant et après le transport.<br />

Décrochage/accrochage, protection<br />

& emballage,entreposage sécurisé,<br />

assurance, transport/expédition<br />

nationale et internationale, formalités<br />

douanières, etc….<br />

www.art-onthemove.be<br />

Vide-grenier<br />

VIDEGRENIER<br />

Vide-grenier cherche bibelots et<br />

objets rigolos pour brocante.<br />

Prix à convenir.<br />

Service de vide-demeure disponible.<br />

Evrard de Villenfagne :<br />

evrard@haveso.be<br />

+32 (0)476/41.09.16<br />

Musée<br />

MUSÉE DE L’EROTISME ET<br />

DE LA MYTHOLOGIE<br />

Musée de l’Erotisme et de la<br />

Mythologie . Le musée, situé dans<br />

une maison ancienne du Sablon,<br />

offre un aperçu historique de l’art<br />

érotique de l’antiquité à nos jours.<br />

Cette collection privée, parmi les<br />

plus belles d’Europe, présente des<br />

pièces rares et uniques : ivoires,<br />

peintures, sculptures, antiquités greco-romaines,<br />

estampes japonaises,<br />

œuvres d’artistes belges et autres<br />

curiosités.<br />

Rue Sainte-Anne, 32<br />

1000 Bruxelles<br />

T : +32(0) 2/514.03.53<br />

E-Mail : info@m-e-m.be<br />

www.m-e-m.be<br />

Offre<br />

Vente privée de gravures par : C.<br />

Andriessen / Kraguluy / Cuixart<br />

/ Wittevrongel / P. Van Gysegem<br />

/ Marchoul / L. Collet / P. Caille<br />

/ Lismonde / J. P. Point / L. Van<br />

Malderen / Baeyens / E. Hoorne / P.<br />

Mara / e. a. Info : 02/428.32.60<br />

Recherche<br />

Galerie d’art renommée<br />

avec emplacement exceptionnel<br />

cherche un partenaire ou acquéreur.<br />

Intéressé? Veuillez répondre à la rédaction de Collect.<br />

2026 marque le 100e anniversaire<br />

de la naissance de l’artiste Geo<br />

Sempels. Philippe Berte a été chargé<br />

par la famille de réunir un maximum<br />

d’informations sur cet artiste flamand<br />

«oublié». Il s’agit d’inventorier et de<br />

contacter, par différents canaux, les<br />

collectionneurs privés afin de rendre<br />

la rétrospective, potentiellement<br />

prévue en 2026, aussi complète<br />

que possible. Merci de bien vouloir<br />

nous contacter à l’adresse : philippe.<br />

berte@gmail.com ou par tél. : +32/<br />

(0)483.46.51.68<br />

Recherchons oeuvres design à insérer<br />

dans des ventes aux enchères ; expertise<br />

gratuite : 0473/86 05 01 et info@<br />

bvhart.com. Art moderne et contemporain,<br />

design, art du XIXe siècle et<br />

impressionniste.<br />

Cherche : détails sur la vie ou les<br />

oeuvres du peintre malinois Hubert<br />

Wolfs (1899-1937) pour catalogue et<br />

exposition : affiches, invitations aux<br />

expositions (de groupe ou individuelle),<br />

article de journaux, revues,<br />

magazines, lettres, photos, …<br />

courriel : karlineverreydt@hotmail.com<br />

Cherche : renseignements, documentations,<br />

peintures de Paul De<br />

Hauwere (belge, vers 1930, scènes de<br />

Bruxelles) courriel : l.rodembourg@<br />

busmail.net Tél. 0475/94.41.32<br />

Cherche : oeuvres de L.W.R.<br />

Wenckebach. Dessins, peintures et<br />

aquarelles. Tél. +33 /(0)6/53.75.14.08<br />

Cherche : Oeuvres (tableaux, dessins)<br />

et détails (articles de journaux, lettres,<br />

photos, …) sur la vie du peintre<br />

belge Albert Dupuis (1923-2010) pour<br />

une prochaine exposition et catalogue<br />

au Musée Charlier. Contact :<br />

Michèle Schoonjans de la fondation<br />

F.A.D. - Tél. : 0478/71.62.96 ou courriel<br />

michele@micheleschoonjans.be /<br />

fondation.albert.dupuis.2010@gmail.<br />

com<br />

Dik van Bommel recherche des antiquités<br />

égyptiennes. Merci de contacter<br />

: dikencis@gmail.com<br />

Recherche : tableaux de l’artiste<br />

GABRIEL MEIRING (1946). Merci de<br />

me contacter par e-mail : jean.wattenberge@telenet.be<br />

Je recherche tous les documents<br />

possibles concernant la CERAMIQUE<br />

DE BRUXELLES, à savoir : catalogues,<br />

plaquettes publicitaire,<br />

papeterie, photos de bâtiments, ...<br />

L’entreprise fut fondée en 1921 et<br />

fermée en 1950. L’adresse originelle<br />

était Chaussée d’Anvers 330, puis<br />

Rue du Dobbelenberg 27 et Bd de<br />

l’Abattoir 27, à Bruxelles. L’acte de<br />

fondation mentionne, entre autres,<br />

Fernand Thon, céramiste, et Marcel<br />

de Vinck. Puis Alfons Smeets en tant<br />

que manager. Je désire écrire un<br />

historique - mémorandum sur cette<br />

firme bruxelloise. Contact : Pierre<br />

DEWIL, Square François Riga 51, 1030<br />

Bruxelles, tél. : 0479/60 92 35, dewilpierre@gmail.com<br />

Ecole d’art (Waterloo) cherche à<br />

acquérir, pour sa section restauration,<br />

des peintures anciennes (XVIe, XVIIe,<br />

XVIIIe siècle), abîmées ou endommagées<br />

(petits accidents - trous<br />

– écaillements / éclats de peinture<br />

- usures - fissures - plis sur la toile ou<br />

sur le panneau). Tél. 0472/30 81 06 ou<br />

0491/93 20 94<br />

Afin d’établir le catalogue raisonné<br />

du peintre Ward Lernout (Tervuren),<br />

nous sommes en quête de tous ses<br />

tableaux et dessins signés. Nous profitons<br />

de cette occasion pour lancer<br />

un appel aux personnes en possession<br />

d’œuvres de Ward Lernout.<br />

Confidentialité garantie. Idéalement,<br />

il nous faut une photographie (également<br />

avec téléphone portable) et les<br />

informations suivantes : titre, année<br />

et dimensions (hors cadre). Ces informations<br />

peuvent être transmises à<br />

l’adresse : tille.lernout@telenet.be. Ce<br />

message peut également être lu sur<br />

la page FB : «Ward Lernout peintre».<br />

Merci d’avance pour votre collaboration.<br />

97


Confidential<br />

Service Guaranteed<br />

Benelux<br />

We speak your Language<br />

herman de vries<br />

solo exhibition ‘change’<br />

19 02 <strong>2023</strong> - 02 04 <strong>2023</strong><br />

Worldwide Art Shipping,<br />

Packing & Storage,<br />

Picture Hanging<br />

& Sculpture Installation.<br />

CONTACT OUR TEAM FOR A FREE QUOTE<br />

more info on www.settantotto.be<br />

settantotto is a gallery for contemporary art<br />

Fr. Burvenichstraat 78 - 9050 Gentbrugge - info@settantotto.be<br />

mtecbelgium@mtecfineart.com<br />

+32 (0) 3 765 9051<br />

www.mtecfineart.com<br />

@mtec0<br />

La Sucrerie, le nouveau hall evenementiel de Wavre<br />

Galerie Forma<br />

Galerie Maru<br />

Son accessibilité à 3 minutes de la sortie 6 de l’autoroute E411 Bruxelles-Namur, et son<br />

parking face à l’entrée du hall, offrent aux visiteurs le confort d’une visite détendue.<br />

Un Lunch Bar et un Salon de Thé sont présents au cœur du salon.<br />

45 exposants internationaux<br />

Galerie Maru<br />

Art Thema<br />

Forma Forma<br />

The Old treasury<br />

Bob Shimanovich<br />

Gallery Daria<br />

Anthony Short<br />

The Early Birds Gallery