Programme de soirée - Génération danse

GÉNÉRATION
DANSE
DE
CLARE BARRON
Traduction
MARYSE WARDA
Mise en scène
SOPHIE CADIEUX
Production
LA MANUFACTURE
DU 10 OCTOBRE AU 18 NOVEMBRE 2023

Théâtre La Licorne • Génération danse
LA MANUFACTURE
ET LE THÉÂTRE LA LICORNE
La Manufacture est une compagnie de théâtre qui assure également la direction du
Théâtre La Licorne, un centre de création et de diffusion théâtral favorisant l’émergence,
la découverte, le développement et le rayonnement d’une dramaturgie qui porte un regard
neuf et actuel sur notre société, ses enjeux et les débats qu’ils provoquent. Privilégiant
la création québécoise, la compagnie fait aussi place à la parole d’auteurs canadiens et
étrangers, particulièrement d’Angleterre, d’Écosse et d’Irlande. La Licorne est un théâtre
où les idées circulent, où les artistes créent en toute liberté. Un théâtre où le public,
véritable complice, est toujours au cœur de notre action artistique. Lieu d’incubation et
de création incontournable, La Licorne est une véritable institution dédiée au théâtre de
création et un modèle de vitalité des plus inspirants.
→ VOIR L’ÉQUIPE DE LA MANUFACTURE
→ VOIR LE CONSEIL D’ADMINISTRATION
© SUZANE O’NEILL
GÉNÉRATION DANSE À REPENTIGNY
Grâce à une deuxième année de partenariat avec Diffusion Hector-Charland – partenariat qui permet aux
productions de La Manufacture d’être présentées à Repentigny, et ce, peu de temps après leur création –,
Génération danse sera à l'affiche du Théâtre Alphonse-Desjardins, du 30 novembre au 2 décembre 2023.
EN SAVOIR PLUS

Théâtre La Licorne • Génération danse
MOT DE LA
DIRECTION ARTISTIQUE
Il y a des textes, comme Génération danse, qui nous soufflent dès la
première lecture par leur force d’impact. Je me souviens encore de l’état
d’euphorie dans lequel j’étais en tournant la dernière page, porté à la
fois par la fougue et la liberté de l’écriture et l’immense plaisir qui s’en
dégage. Je venais de recevoir en pleine face une parole sauvage comme
j’en avais rarement lu. Une parole fière et assumée pour parler de rêves
et d’espoirs et des sacrifices pour les atteindre et aussi de réalisation de
soi avec ce que ça demande de courage pour se tenir droit, surtout à
l’adolescence ! Tout ça dans une langue rythmée, caustique où tous les
sujets sont abordés de front, sans tabous ni morale. Une ode à la force
brute de la jeunesse, quand tout est encore à bâtir et à inventer. Une
ode à la sororité aussi, parce qu’à travers leur vulnérabilité, les doutes
et les angoisses, ces jeunes femmes ne sont jamais seules. Elles savent
intuitivement, et quel que soit l’âge, qu’ensemble elles sont plus fortes…
et donc plus libres.
© KELLY JACOB
Cette sororité, vous allez la sentir sur scène aussi, avec cette équipe
de formidables interprètes qui jouent le jeu imaginé par l’autrice avec
un plaisir contagieux ! Merci à chacune et chacun de vous pour votre
abandon total, votre confiance et votre talent ! Et merci à l’équipe de
conception pour votre inventivité débordante et à Maryse Warda pour
ta traduction si juste et nuancée.
Bien entendu, pour mener une troupe si nombreuse à bon port, il fallait
une capitaine inspirée et inspirante. Chère Sophie, un immense merci
d’avoir accepté mon invitation à mettre en scène cette pièce. Tu as su,
avec toute ta sensibilité et ton intelligence, insuffler ce qu’il fallait de
délinquance à ce texte pour le faire rayonner à sa pleine mesure!
Finalement, je veux remercier Marie Farsi qui m’a fait découvrir l’univers
jubilatoire de Clare Barron et sans qui cette rencontre n’aurait peut-être
jamais eu lieu.
Sinon, à vous, cher public, je vous souhaite une soirée haute en couleur
en compagnie de ces personnages éclatants qui, je l’espère, sauront
vous convaincre qu’il n’y a pas d’âge pour rêver!
PHILIPPE LAMBERT
DIRECTEUR ARTISTIQUE ET GÉNÉRAL
LA LICORNE / LA MANUFACTURE

Théâtre La Licorne • Génération danse
CLARE
BARRON
AUTRICE
© MARC J. FRANKLIN
Biographie
Clare Barron est une autrice et interprète américaine, originaire de
Wenatchee, dans l’État de Washington. Sa pièce Dance Nation (Génération
danse) a été présentée en première mondiale au Playwrights Horizons de
New York en mai 2018. Pour cette pièce, Clare Barron était finaliste pour
le prix Pulitzer de théâtre en 2019. Elle a également reçu le prix Susan
Smith Blackburn, le prix James Tait Black pour le théâtre et le Relentless
Award, créé en l’honneur de Philip Seymour Hoffman. Parmi ses autres
pièces, citons : Shhhh, (2022, Atlantic Theater Company, New York), You
Got Older (2018, Page 73 ; Steppenwolf, Chicago) pour laquelle elle a
reçu deux Obie Awards, pour le texte et la production, une nomination
au Drama Desk pour la meilleure pièce et a été finaliste du Susan Smith
Blackburn ; I’ll Never Love Again (2016, The Bushwick Starr, Brooklyn) ; et
Baby Screams Miracle (2013, Clubbed Thumb New York ; 2017, Woolly
Mammoth Theatre, Washington). Clare Barron est aussi récipiendaire
du Whiting Award pour le théâtre, du Vineyard Theatre’s Paula Vogel
Playwriting Award et de la bourse d’écriture de Page 73.
Dance Nation a été présentée en première britannique à l’Almeida Theatre, à Londres,
en septembre 2018.
Playwrights Horizons Inc., à New York, a produit la première mondiale de Dance Nation en
2018 avec le soutien d’une bourse de la National Endowment for the Arts et d’un généreux
don de Scott M. Delman.
Un merci spécial au Harold and Mimi Steinberg Trust pour le soutien apporté aux nouvelles
œuvres au Playwrights Horizons. Merci à la Time Warner Foundation pour son soutien au
New Works Lab de Playwrights Horizons.
Dance Nation a été développée au Perry-Mansfield New Works Festival, en juin 2015,
avec l’Atlantic Theatre Company, et présentée dans le cadre du Contemporary American
Voices Festival au Long Wharf Theatre, en septembre 2016.
Dance Nation a été écrite, en partie, en résidence à SPACE on Ryder Farm et a bénéficié
d’un atelier dans le cadre du programme Jerry A. Tishman Playwrights Creativity Fund
de New Dramatists.

Théâtre La Licorne • Génération danse
Mot de l'autrice
Il y a quelque chose d’un peu paralysant à créer une œuvre
portant sur le « genre », en ce moment. Pire encore d’avoir
à en parler. Mais je vais quand même essayer.
Cette pièce parle de filles de 13 ans. Elle parle aussi de
femmes, d’ambition et de désir. Je voulais l’écrire, car
je tenais à offrir une représentation différente d’adolescentes
sur scène. Une pièce où le traumatisme ne serait
pas le point central. Mais où « être la meilleure » le serait.
Les jeunes filles sont jouées par des femmes allant de
la vingtaine à la soixantaine, parce que j’étais fatiguée
de cette convention qui consiste à choisir des jeunes
femmes toutes menues de 25 ans pour incarner des
filles de 13 ans. Je ne voulais pas que les personnages
d’adolescentes correspondent à l’image qu’on se fait
des adolescentes – parce que les adolescentes ne ressemblent
pas vraiment à ça ! Aussi, parce que le vrai sujet
de la pièce est ce qu'il nous reste de nos 13 ans et que
l’on porte avec nous toute notre vie.
En ce qui me concerne, je suis encore en lutte avec plusieurs
des mêmes enjeux.
Je me souviens d’avoir participé à un point de presse
pour parler d’une pièce que j’avais écrite. Le journaliste
m’a demandé si j’étais actrice. J’ai répondu : « Non, j’ai
écrit la pièce. » Il a sursauté : « Toute seule ? » Au lieu de
lever les yeux au ciel ou de le remettre à sa place, j’ai ri,
timidement, et je lui ai souri : « Oh, bon, vous savez, j’ai eu
beaucoup, beaucoup d’aide. »
À cet instant, le réconforter lui, quant à ses actions, ses
mots et son point de vue — m’assurer qu’il ne se sente pas
mal –, était plus important pour moi que de me défendre
moi et mon travail. Et je pense vraiment qu’il s’agit là d’un
mode de fonctionnement qui m’a hantée.
Parfois, je me dis que le sous-titre de ma vie professionnelle
et personnelle pourrait être « Clare Barron aide des
hommes médiocres à se sentir mieux ».
C’est une chose que je dois changer. Et je tiens à préciser
que je reconnais qu’il est autant question ici d’attentes
venant de l’extérieur – être agréable aux yeux des autres,
polie, gentille, impuissante et humble – que de mon
propre échec à m’assumer véritablement comme agent
de changement dans le monde – ce que nous sommes
tous.
Dans mon cas, cette « impuissance » ou apparente
impuissance m’a parfois permis de fonctionner à l’intérieur
même du système et de réussir.
Nous transigeons constamment en devises corrompues.
Je ressens un grand malaise quand je reçois une quelconque
reconnaissance. En partie, parce que je n’aime
pas prendre trop de place. En partie aussi, car je suis
consciente d’avoir eu une vie relativement facile. Qu’il y
a quelque chose de précaire à se montrer agréable aux
gardiens du temple dans un monde aussi profondément
injuste.
C’est ce qui est un peu délicat dans le fait de récompenser
l’excellence. Comment peut-on en célébrer une poignée,
alors qu’il y en a tant sans tribune, sans privilèges
et qui sont confrontés à de profonds biais institutionnels ?
Ou même, d’un point de vue plus psychologique :
Je me souviens quand j’ai commencé à écrire du théâtre,
mes collègues masculins se mettaient en colère lorsqu’ils
ne décrochaient pas une chose convoitée (une résidence
d’écriture, un cercle d’auteurs). J’étais troublée – moi, je
n’étais pas en colère. Et c’est là que j’ai compris la différence.
Eux, ils considéraient qu’ils la méritaient ; moi, je
m’étais convaincue du contraire.
Les filles de ma pièce sont aux prises avec les mêmes
considérations : qui est la meilleure, qui mérite reconnaissance,
que faire quand le système (i.e. Pat le Prof de
Danse) est injuste, comment être amies tout en étant en
compétition, comment se défendre soi-même quand on
a été formée à ne pas le faire…
La différence, c’est qu’elles n’ont que 13 ans.
La différence, c’est qu’elles sont encore un peu naïves.
Elles croient que tout est encore possible.
Dans la pièce, les filles auditionnent pour un « rôle spécial »
dans une compétition de danse. Après l’audition, une des
filles, Amina, court vers sa meilleure amie, Zuzu. Elles se
félicitent toutes les deux pour leur performance, ignorant
le fait qu’une des deux sera inévitablement déçue. Puis
Amina a une idée : « Peut-être qu’on va juste l’avoir toutes
les deux ! »
Zuzu s’illumine. L’idée ne l’avait pas effleurée. « Oh mon
Dieu ! Ça serait parfait ! »
Et pourquoi pas.
Clare Barron
Ce texte a été originalement publié par le Playrights Horizons en 2018.

Théâtre La Licorne • Génération danse
SOPHIE
CADIEUX
METTEURE EN SCÈNE
Biographie
Depuis sa sortie du Conservatoire d’art dramatique de Montréal en
2001, Sophie Cadieux rayonne dans l’espace théâtral montréalais, ayant
participé à près d’une quarantaine de productions. Dès 2004, les spectateurs
de La Licorne la découvrent dans Cette fille-là, de Joan MacLeod
(2004). Avec sa compagnie la Banquette arrière, qu’elle cofonde en
2001, elle joue entre autres dans les créations La fête sauvage (2006)
et Province (2012). On la retrouve aussi dans Après la fin de Dennis Kelly
(2008) et Des arbres de Duncan Macmillan (2016), deux productions
de La Manufacture. Elle s’est récemment illustrée au Centre du Théâtre
d’Aujourd’hui dans Les mutant·es, qu’elle a coécrit avec Sylvain Bélanger
(2023), dans la reprise de La Fureur de ce que je pense (2022), d’après
l’œuvre de Nelly Arcan, et dans 4.48 Psychose de Sarah Kane (2022),
pour laquelle elle remportait le Prix de la critique de l’AQCT pour la
meilleure interprétation féminine. Elle a également brillé dans le solo
théâtral Féministe pour Homme, de Noémie de Lattre.
© KELLY JACOB
En 2015, elle signe sa première mise en scène avec Tu iras la chercher de
Guillaume Corbeil, à Espace Go. Elle continue ces dernières années de
déployer ce talent en orchestrant notamment la pièce Nassara de Carole
Fréchette (2021). Avec Génération danse, elle réalise sa deuxième mise
en scène à La Licorne, après Gamètes de Rébecca Déraspe (2017).
À la télévision, elle a joué dans une foule de séries dont Lâcher prise –
interprétation qui lui a d’ailleurs valu un Gémeaux. On peut aussi la voir
dans le dernier film d’Ariane Louis-Seize, Vampire humaniste cherche
suicidaire consentant.

SPENCER IMBROCK / UNSPLASH
Théâtre La Licorne • Génération danse
Mot de
la metteure
en scène
Il y a quelque chose de merveilleux dans ne pas savoir.
Il y a des textes qui se révèlent lentement, se distillent, qui apparaissent au fil des
conversations, des questions. C’est le cas de Génération danse. Il y a une fébrilité
dans chaque scène, un grand appétit de performer, de gagner, une soif inassouvissable
d’être à sa place.
Clare Barron met en scène des jeunes filles carnivores, féroces, qui semblent avoir
peur de rien et de tout à la fois. Elles sont écartelées entre l’enfance et le monde
adulte qui les lorgne.
Nous sommes tombées sous le charme de ces imparfaites en devenir. Elles sont
cruelles et « cruellées ».
Dans ce jouissif parcours, on vous convie à retourner dans cet espace où beaucoup
de questions et de choix se côtoient, où se dessinent les contours de ce que l’on
devient (des fois bien malgré soi).
Parfois, on s’affranchit de ce qu’on pensait vouloir être et on chemine vers ce que
l’on veut vraiment.
Ces jeunes danseuses ont des corps de femmes devant vous, ce soir. Elles sont
multiples et puissantes.
Je remercie profondément les interprètes pour le saut bungee-kamikaze dans cet
univers iconoclaste, dans la tête de cette autrice allergique aux conventions et à
l’attendu, qui joue des codes avec un plaisir sadique.
Les filles, vous êtes games et fabuleuses et généreuses.
Merci à l’équipe de conception et à toute l’équipe de La Manufacture.
Merci à Marie-Hélène pour l’appui dans TOUTE et le regard juste à tous les instants.
Je vous souhaite la fièvre douce-amère mais enivrante de la danse. On danse
toujours dans tout ce qu’on fait.
SOPHIE CADIEUX
FOU DE
THÉÂTRE ?
Chaque samedi,
dans l’édition papier

Théâtre La Licorne • Génération danse
MARYSE
WARDA
TRADUCTRICE
Biographie
© J.-S. DENOMMÉ
C’est en 1992 que Maryse Warda signe sa toute première traduction pour
le Théâtre de Quat’Sous : Traces d’étoiles de Cindy Lou Johnson. Au cours
de sa carrière, elle a traduit plus de 70 pièces d’auteurs contemporains
nord-américains et britanniques, dont Margaret Edson (Wit), David Ives
(Variations sur un temps, La Vénus au vison), David Mamet (Le cryptogramme,
Race), Simon Stephens (Le bizarre incident du chien pendant la
nuit) ou Tom Schulman (La société des poètes disparus). Son travail sur la
série Motel de passage, de George F. Walker, reçoit en 2000 le Masque
de la traduction. Pour sa traduction de Toxique ou L’incident dans l’autobus,
de Greg MacArthur, elle remporte le prix du Gouverneur général en
2011. Fidèle collaboratrice de La Manufacture, elle a notamment réalisé
la traduction des pièces Yellow Moon et Les événements, de David Greig,
Ce moment-là de Deirdre Kinahan et Des promesses, des promesses de
Douglas Maxwell. Outre son adaptation québécoise de Fairfly, signalons
celles des comédies Le Prénom et Les Choristes, présentées à Juste pour rire.
Pour La Licorne, elle signait récemment la traduction des pièces Le Nœud,
de Johnna Adams (2022), Un violon discordant, de Anthony Black d’après
Yann Martel (2022), et Stop Kiss, de Diana Son (2023). Pour le Rideau
Vert, elle a traduit Vania & Sonia & Macha & Spike, de Christopher Durang
(2022) et Une maison de poupée, 2e partie, de Lucas Hnath (2023), sans
oublier Le Garçon de la dernière rangée, de Juan Mayorga, pour le Théâtre
Niveau Parking.
VIVEZ
L’EXPÉRIENCE

Théâtre La Licorne • Génération danse
LES INTERPRÈTES
Cliquez sur le nom pour consulter la biographie de l’artiste.
© GUILLAUME BOUCHER
Thomas Derasp-Verge
dans le rôle de Luke
© EVA-MAUDE TC
Émilie Gilbert
dans le rôle de Ashlee
© ANNIE ÉTHIER
Mireille Métellus
dans le rôle de Maeve
© MAXYME G. DELISLE
Dominique Pétin
dans le rôle de Zuzu
© ANNIE ÉTHIER
Clara Prieur
dans le rôle d'Amina
© EVA-MAUDE TC
Pascale Renaud-Hébert
dans le rôle de Sofia
© JULIE PERREAULT
Tova Roy
dans le rôle de Connie
© MAXIME CÔTÉ
Sally Sakho
dans le rôle de Vanessa et les mères
© JEAN-PHILIP LESSARD
Sasha Samar
dans le rôle de Pat le prof de Danse

Théâtre La Licorne • Génération danse
ÉQUIPE DE CRÉATION
Texte CLARE BARRON
Traduction MARYSE WARDA
Mise en scène SOPHIE CADIEUX
Avec THOMAS DERASP-VERGE, ÉMILIE GILBERT,
MIREILLE MÉTELLUS, DOMINIQUE PÉTIN,
CLARA PRIEUR, PASCALE RENAUD-HÉBERT,
TOVA ROY, SALLY SAKHO et SASHA SAMAR
Assistance à la mise en scène MARIE-HÉLÈNE DUFORT
Espace scénique SOPHIE CADIEUX
et MARTIN LABRECQUE
Costumes ELEN EWING
Éclairages MARTIN LABRECQUE
Musique PHILIPPE BRAULT
Régie MARIE-HÉLÈNE DUFORT et HÉLÈNE RIOUX
Maquillage et coiffure DOMINIQUE HASBANI
Assistance aux costumes FANY MC CRAE
et JEANNE DUPRÉ
Direction technique du spectacle FRANÇOIS MARTEL,
assisté d'ALICE GERMAIN
Technicien·nes de scène
MARTIN BEAULIEU, PHILIPPE BÉLANGER,
FRÉDÉRIC DESSOLY, NICOLAS DUPUIS,
RAFAEL GONZALES-MORA, JULIE LAROCHE,
JOËLLE LEBLANC, MARIE LÉPINE,
ALEXANDRE LEROUX, CAROLINE LORTIE,
SILOÉ MELANÇON, GASPARD PHILIPPE,
CAMILLE PILON-LAURIN, ÈVE PILON-SENTERRE,
JÉRÉMIE POIRIER et ÉLOI TALBOT
Relations de presse
GINETTE FERLAND
Photo de l'affiche
RICHMOND LAM
Photos de production
SUZANE O’NEILL
Graphisme du programme
LILY PINSONNEAULT
Un merci spécial à MATHIEU GOSSELIN
Une production du THÉÂTRE DE LA MANUFACTURE
ÉQUIPE DE LA MANUFACTURE
Directeur artistique et général
PHILIPPE LAMBERT
Adjointe à la direction artistique
PASCALE RENAUD-HÉBERT
Artiste associée
LOUIZA GUIRA
Directeur fondateur
JEAN-DENIS LEDUC
Directrice exécutive
DANIÈLE DROLET
Adjointe à la direction exécutive
HÉLÈNE RIOUX
Directeur technique
FRANÇOIS MARTEL
Adjointe à la direction technique
ALICE GERMAIN
Directrice de production
MARIE-HÉLÈNE DUFORT
Directrice de tournée
FRÉDÉRICKE CHARTRAND
Directrice des communications
et du développement
CLAUDIE BARNES
Adjointe aux communications
DAPHNÉ ANGIOLINI
Relations de presse
GINETTE FERLAND
Accueil et services aux groupes
SOPHIE ROCHELEAU
Responsable du guichet
VALÉRIE MICHAUD
Billetterie
LORI PIFKO
MAXIME BERNARD
Gérant de salle
ALEXANDRE LAVIGNE
Gérant de bar
CAM POIRIER
Équipe de salle et bar
ALEXIS AUBÉ
ÉMILE DEMERS
NICOLE DOUMMAR
JADE L. DION
MARIANNE LAROSE
MARGOT LEPAGE
ÉLISABETH LEROUX
STÉPHANIE MORIN
CLARA PRIEUR
ROXENNE QUENNEVILLE
MATHILDE RICHER
ARNAUD ROUSSELLE
LOUIS ROY
Entretien ménager
GABRIEL CONSTANTIN
ALINA DUMITRACHE

Théâtre La Licorne • Génération danse
ENTREVUE
AVEC DOMINIQUE PÉTIN
ET CLARA PRIEUR
Génération danse aborde les enjeux de l’adolescence avec
énergie et audace ! Nous nous sommes entretenus avec
Dominique Pétin et Clara Prieur, deux des neuf interprètes
qui donnent vie à ce spectacle aussi puissant qu’inattendu,
afin d’en savoir plus sur leur expérience de jeu.
Parlez-nous de cette pièce unique et étonnante de
Clare Barron. Son histoire, ses spécificités, les thèmes
qu’elle aborde.
Dominique Pétin : En travaillant ce texte, il m’apparaît que
l’autrice nous invite, entre autres, à la désobéissance. Clare
Barron propose une forme théâtrale non conventionnelle
où les codes habituels de la dramaturgie sont brassés.
Le public est sommé de rester dans une posture d’ouverture
par la fougue des interprètes et celles-ci doivent se
mouler à une écriture émotive en pointillé. Il n’y aura pas de
cartes de navigation, pas de GPS, simplement l’urgence de
vivre et d’être. Un peu comme l’adolescence, quoi.
© DAPHNÉ ANGIOLINI
Sur la photo : Clara Prieur et Dominique Pétin
Clara Prieur : L’histoire est simple : une troupe d’ados veut
se rendre à la grande compétition nationale de danse,
guidée par Pat le prof et plus ou moins soutenue par leurs
Mamans. Mais les enjeux sont plus complexes. La sororité
se dessine par contraste, en présence d’autres forces.
Pour moi, c’est avant tout une pièce qui propose un regard
féminin sur le thème de la férocité : celle qui s’installe dans
le ventre des adolescentes avec le sang des premières
règles, celle de la découverte de la sexualité, celle du
premier amour, celle du désir de réussir et de la pression
qui vient avec, celle de la nécessité de trouver sa place
au sein d’un petit groupe, comme au sein de la société. À
l’adolescence, tout semble être une question de vie ou de
mort. La danse sert de prisme pour décupler ces enjeux-là,
et faire du corps leur point névralgique.

Théâtre La Licorne • Génération danse
Vos personnages respectifs entretiennent une amitié
privilégiée, ici. Dites-nous-en plus sur la relation compétitive,
complexe et attachante qui vous lie dans ce
texte, ainsi que sur votre duo d’actrices.
D.P. : Avant tout, il y a l’amour qu’elles éprouvent l’une
pour l’autre ; l’attachement profond qu’on ressent quand
on rencontre dans ce monde quelqu’un qui nous ressemble.
Quand on a le cœur grand ouvert, sans protection
(parce qu’on n’avait jamais imaginé qu’on aurait besoin
de protection), la peine d’amitié est très douloureuse.
On tombe. De haut. Zuzu s’écrasera. Cependant, cette
première débarque lui permettra de se libérer en quelque
sorte. Tout comme Zuzu, je suis admirative de la grâce
de Clara/Amina. Je remercie Clara de sa patience à mon
égard, de sa gentillesse aussi. Nous nous sommes rapidement
ouvertes l’une à l’autre exposant nos fragilités,
nos biais. Ça m’émeut.
C.P. : Amina et Zuzu s’adorent, elles se connaissent par
cœur, elles sont les plus ambitieuses de la troupe. Elles
arrivent à un moment décisif de leur jeune carrière : celui
de se faire remarquer par un agent de casting pendant
la compétition nationale… Bien sûr, une rivalité s’installe,
mais elle reste sourde, inavouable. Deux pulsions luttent
à l’intérieur d’Amina : elle veut être la meilleure, mais elle
ne veut pas écraser son amie. Ce que j’ai trouvé formidable
avec Dominique, c’est qu’il y a eu tout de suite une
grande franchise et beaucoup de bienveillance entre
nous. Je n’ai jamais senti de différence d’âge, mais un
désir profond de chercher les nuances de cette relation
entre Amina et Zuzu. C’est une femme très inspirante, et
ça me touche de voir qu’une amitié réelle se tisse entre
nous à mesure que les personnages prennent vie dans
la fiction.
L’autrice a choisi d’écrire des personnages d'adolescent·e·s
pour des interprètes adultes. Qu’est-ce que
cette liberté dans la forme apporte au texte et à votre
jeu ? Comment est-ce de jouer un ado quand on est
adulte ?
D.P. : J’avais sous-estimé l’énergie qui nous habite, adolescentes.
Dans le corps, bien sûr, mais aussi et surtout
dans les montagnes russes des émotions. Tout est à broil.
Et vulnérable. Cela demande un élan ininterrompu. Sans
repos. Il m’a fallu pour épouser pleinement la proposition,
me défaire de mes défenses, de mes frustrations. Plonger
dans le processus en toute liberté m’a demandé de laisser
de côté tout ce qui fait de moi une adulte réfléchie pour
renouer avec la désinvolture, le romantisme, la fragilité de
l’adolescente que j’étais il y a 50 ans. Tout un voyage. Et
comme le chante si bien Céline… « On ne change pas, on
met juste les costumes d’autres sur soi. » (sourire)
C.P.: J’ai l’impression que le texte de Clare Barron et la
direction de Sophie Cadieux nous demandent d’osciller
en permanence entre l’adulte et l’adolescent·e. Les didascalies
initiales indiquent que nous ne jouons pas des
ados à proprement parler, mais que « les personnages
de 13 ans sont hantés par les spectres de ce qu’ils vont
devenir », ce qui déploie largement les possibilités d’interprétation
! C’est vertigineux, car on peut choisir quand
déplacer le curseur sur l’échelle de la maturité, analyser
quels outils nous manquent, nous encombrent ou nous
donnent du pouvoir selon l’âge. J’ai adoré me replonger
dans les enjeux de cette période de bouleversements
qu’est l’adolescence, retrouver la fébrilité des premières
fois. On peut se permettre d’avoir des réactions moins
psychologiques, plus à fleur de peau, tout en gardant le
recul d’un·e adulte en contrepoint.
Clara, tu es comédienne, mais également danseuse
professionnelle. Quels sont les parallèles à tisser entre
les enjeux soulevés dans la pièce et les défis réels qui
parsèment la vie de danseuse (sacrifices, compétition,
pression de performance, etc.) ?
C.P.: Souvent, dans le milieu de la danse, on commence
très jeune, puis on se transforme auprès des mêmes personnes
pendant des années, dans un microcosme qui
obéit à ses propres codes. L’amitié se densifie, il y a tant
de couches qui se superposent qu’on ne sait plus très
bien comment les définir. L’effort physique demandé au
quotidien, l’adrénaline des concours, la joie d’être sur
scène, tout ça soude des liens incomparables. D’un côté,
on atteint une complicité et une liberté très épanouissantes
— ce qu’on retrouve bien dans la pièce. Mais d’un
autre côté, on est mis face aux limites de nos corps en
permanence, on a beau s’entraider pour les repousser, on
réalise vite qu’il n’y a pas d’égalité. En revanche, quand
on arrive à se débarrasser des complexes ou de la frustration
qui en découlent, on partage une telle euphorie
en dansant que ça en vaut vraiment la peine !

Théâtre La Licorne • Génération danse
REGARDS CROISÉS
AVEC DAPHNÉ B.
© MARIE OUARDIYA ATCHEBA
Donner la parole à une voix extérieure au milieu
théâtral, afin d’approfondir notre réflexion sur les
spectacles présentés entre nos murs, c’est la raison
d’être de Regards croisés, une tribune offerte,
par La Manufacture, à un·e libre penseur·euse en
résidence. Après Martine Delvaux et Fabrice Vil,
La Licorne accueille cette saison l’essayiste,
poète, traductrice littéraire et chroniqueuse
Daphné B, à qui l’on doit notamment l’essai
Maquillée, lauréat du Prix des libraires (2021).
Son dernier recueil de poésie jeunesse, La pluie
des autres, a été finaliste au prix du Gouverneur
général. Elle nous offre ici son texte Pas cute,
fruit d’une réflexion sur la pièce Génération
danse. Bonne lecture !
Pas cute
Ce sont les didascalies qui me frappent à la lecture de
Génération danse (traduit de l’anglais par Maryse Warda),
ces indications que la dramaturge américaine Clare
Barron sème dans son manuscrit pour diriger les artistes
qui feront vivre sa pièce. Comme une cheffe d’orchestre,
elle distribue ses coups de baguette avec précision. À
travers ses exigences, j’ai l’impression de la voir apparaître
dans toute sa puissance, sa souveraineté d’autrice.
Le « mignon » est proscrit. La sauvagerie païenne et la
férocité sont essentielles, précise-t-elle dans le texte qui
met en scène des adolescentes participant à une compétition
de danse. En fait, Barron ne fait pas que gouverner
son royaume. En nous transmettant ses intentions par l’entremise
des didascalies, elle nous livre aussi sa vision du
monde.
Les chants devraient être des rituels terrifiants qui
convoquent une puissance véritable.
Tous les personnages […] devraient être incarnés par des
adultes (pour la plupart) âgés entre 12 et 75 ans et même
plus. Voyez ça comme une pièce peuplée de fantômes :
les corps plus âgés des acteurs hantent les personnages
de 13 ans.
C’est en lisant ces indications que j’ai pensé que je devais ressembler
à l’autrice. Depuis plusieurs années, j’essaie, moi aussi,
de lutter contre le cute, l’infantilisation systématique de tout ce
qui touche à ma personne ou à mon genre ; le féminin. Quand
je chante dans ma douche, no joke, je hulule parfois, dans
un mélange de rituels terrifiants et de puissance véritable.
À 33 ans, j’ai le goût qu’on me considère avec sérieux
et qu’on respecte ma liberté, mon intelligence, mon autorité.
Tous les jours, je lutte contre mon désir de plaire,
d’être la gentille fée qui saupoudre ses courriels de lol et
de bonhommes sourire, comme pour m’excuser d’exister.
La vérité, c’est que j’aimerais envoyer les gens chier beaucoup
plus souvent. Dire non. Gueuler. Exiger davantage que
le minimum. Et venger l’enfant qui hante mon corps d’adulte.
Je ne veux plus être la fille qu’on exploite sans hésitation,
celle qu’on taxe de « jeune » autrice québécoise, alors même
qu’elle a quatre livres derrière la cravate, deux maîtrises et
l’âge d’avoir des enfants. Je suis tannée d’être celle qu’on
fait travailler gratuitement, celle qu’on traite comme une figurine
Hello Kitty, celle à qui on envoie des pouces bleus. Je
n’en peux plus. L’année passée, sur un minuscule pendentif
en grain de riz que je porte autour du cou, j’ai fait inscrire
mon nouveau pseudo : « chien sale ».

Théâtre La Licorne • Génération danse
Ce désir de dignité qui ressemble presque à un jappement,
je le retrouve chez Barron. Quand l’autrice proscrit
le « mignon » de sa pièce, ce n’est pas parce qu’elle
déteste ce qui est cute, mais parce que le cute porte un
genre, et que l’autrice veut qu’on prenne ses personnages
au sérieux, même si (ou justement parce que) ce
sont des filles, des humaines de 11 à 14 ans. Clare Barron
nous demande donc de les écouter avec l’attention que
commande la conférence de presse de la prochaine
chimiste à gagner le prix Nobel. On leur doit du respect,
de l’attention et de la considération. Il me semble que ce
n’est pas sorcier, non ?
Au moment d’écrire Dance Nation, Barron avait à peu
près mon âge: 33 ans. Je clique sur un article paru dans
The Guardian et lis une entrevue dans laquelle elle parle
de toute la condescendance qu’elle a suscitée dans sa
carrière de « jeune femme ». Elle raconte « cette fois où,
lors d’une remise de prix, un critique l’a prise pour une actrice,
puis lui a demandé si elle avait réellement écrit toute
seule la pièce pour laquelle elle avait été sélectionnée ».
Elle poursuit : « Des fois [ton identité de jeune femme] te
freine, pis d’autres fois, grâce à cette chose qu’on fétichise
et qu’on marchandise, on t’offre une opportunité.
Pis ça devient épeurant de vieillir. Genre, est-ce que
j’ai une carrière seulement parce que j’étais une jeune
autrice, pis que c’était hot dans le temps ? Ou bien est-ce
que les gens prennent vraiment mon travail au sérieux ? »
Je lis ma peur dans les mots de Barron, ma colère, mon
insécurité. Je l’ai déjà écrit dans un livre, moi aussi : « on
me prend cute, pour ici ou pour emporter, on me prend
par la main en me disant c’est incroyable », on me prend
tout sauf au sérieux. Quand on me parle d’écriture, on
me ramène sans cesse à mon sexe, à mon genre. Dans la
sphère médiatique, on s’obstine encore à me cantonner
au féminisme, au rose et au corps, alors que j’étudie les
médias numériques depuis dix ans et que j’écris sur la
transformation identitaire, le deuil et la sociologie. Si je
suis féministe, ce n’est pas par choix, mais par nécessité.
Similairement, on relègue souvent les personnes racisées
aux enjeux raciaux, les personnes trans aux enjeux trans,
etc., bien qu’on devrait pouvoir parler de vie, de mort,
d’économie, de philo, de sports, de sciences, de socio,
d’environnement, d’histoire, d’éthique et de politique en
transcendant la case réductrice de notre identité.
Ainsi, depuis quelques années, je travaille à me transformer
en chienne sale, à répliquer quand on me marche
sur les pieds, à parler. Évidemment, ça ne plaît pas à tout
le monde. C’est dur, c’est insécurisant et ça me nuit. La
dernière fois que je me suis enflammée sur les réseaux
sociaux parce qu’on venait de me demander de donner
un cours de presque deux heures aux HEC sans être
rémunérée, les gens que j’ai dénoncés se sont empressés
de m’écrire un courriel : on me disait de me comporter
avec davantage de respect, de civilité. Mais comment
puis-je respecter ceux et celles qui n’ont aucun respect
pour moi, pour la valeur de mon travail, pour ma survie ?
Dans une autre didascalie, Clare Barron décrit les adolescentes
qui exécutent une chorégraphie. On dirait des
bébés robots sexy.
Elle précise l’image : [Elles ressemblent à] des robots
sanguinaires qui veulent détruire le monde et le fourrer
après sa mort.
Elles sont à peine vêtues. Elles caressent leurs corps.
Grincent des dents — elles ont toutes des crocs à présent.
Des dents pointues et acérées.
Une musique se fait entendre. Sexuelle et perverse.
La rencontre de déesses de vidéos de musique et de
gremlins lubriques.
À mes yeux, cette didascalie contient l’essence de ma
chienne sale intérieure. C’est une force qui refuse d’être
cute, mais qui se sait aussi vivante, désirable et désirante.
Une déesse gremlin lubrique. Je me regarde dans
le miroir, je checke mes crocs, mes petites dents croches.
Je me caresse les cheveux roses, je jappe. Puis je finis de
lire l’article dans The Guardian où ma nouvelle héroïne
narre son parcours.
À la fin de l’entrevue, la dramaturge offre un conseil à tous
ceux et celles qui souhaiteraient écrire sur les filles et les
femmes, et je vous le livre ici : « Faut qu’il y ait de l’âme.
Que ça soit big. Prenez ça au sérieux. »
Mais surtout : « Don’t make it cute. »
Daphné B.
Causerie avec DAPHNÉ B. et SOPHIE CADIEUX
Le jeudi 16 novembre, après la représentation de Génération danse, La Manufacture vous invite
à une discussion avec Daphné B. – libre-penseuse en résidence à La Licorne cette saison – et
Sophie Cadieux, metteure en scène de la pièce. Animé par Alexandre Cadieux, cet entretien sera
l’occasion d’approfondir les thèmes abordés dans cette œuvre de Clare Barron.
La causerie sera suivie d'une soirée dansante animée par DJ Flip Phone.
Événement gratuit - Tous les détails ici.

Théâtre La Licorne • Génération danse
ENTREZ DANS
LA DANSE
Le soutien à la culture est d’une importance capitale puisqu’il permet aux
organisations de maintenir une offre culturelle des plus vastes et diversifiées.
Nous, citoyens et citoyennes, consommons la culture tous les jours, que ce
soit par les arts vivants, la télévision, le cinéma, la radio, la littérature ou
encore les arts visuels. Elle fait partie intégrante de nos vies. La culture est
partout autour de nous et elle rend notre quotidien plus doux, plus beau,
plus dynamique.
Soutenir La Licorne, c’est donc contribuer à cette
effervescence culturelle si riche et puissante qui
nous unit.
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nous permet de poursuivre notre mission et de
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dans des univers qui remettent en question vos
certitudes, des univers qui font réfléchir et qui
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Les interprètes de Génération danse en répétition
© CAMILLE GLADU-DROUIN

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