ARCHEOMODERNITAS Rivista semestrale di Ineffabili fatti d'Arte nr.1

"IL GRANDE MUSEO DEL DUOMO"
Giovanna Lazzi
Dalla fine di ottobre 2015 ha riaperto i
battenti un luogo straordinario nel cuore
di Firenze, il "Grande Museo del Duomo",
6.000 metri quadrati di superficie, articolati
in 28 sale e suddivisi su tre piani,
godibili grazie ad un nuovo allestimento
molto scenografico, quasi da cinema, ma
per questo assai accattivante per ogni tipo
di pubblico. Se l’intenzione era quella di
stupire il risultato è davvero eccezionale.
Nell’articolata successione degli spazi,
a volte un po'complicata per la verità, il
percorso si snoda tra saloni e angusti ricetti,
corridoi e aperture sulla città in un
suggestivo gioco di rimandi tra l’interno e
l’esterno. Qui è ora concentrata una raccolta
del tutto speciale della scultura monumentale
fiorentina con statue e rilievi
medievali e rinascimentali in marmo,
bronzo e argento. Le parole dei depliant
e del sito non suonano come mera propaganda,
anzi accanto a capolavori assoluti
e spesso assai noti che fanno risuonare i
nomi di Arnolfo, Donatello, Ghiberti fino a
Michelangelo, si ammirano splendidi oggetti
di oreficeria, maestosi codici miniati,
lussuosi parati sacri.
Dal Quattrocento gli ambienti oggi adibiti
a museo furono utilizzati per le diverse
fasi di progettazione e preparazione dei
lavori di Santa Maria del Fiore: qui ebbe
il suo quartiere generale Filippo Brunelleschi
e qui Michelangelo scolpì il David,
destinato ad un contrafforte della Cupola.
Dal Seicento fino all’Ottocento servirono
all’Opera anche come depositi e dal 1891
divennero museo.
Avviato nel 1296, in un momento di eccezionale
prosperità e di particolare assetto
sociopolitico, il nuovo Duomo voleva
esaltare il potere economico di Firenze,
in grado di gareggiare con le cattedrali
d’oltralpe e di primeggiare sulle città vicine.
La scultura, estremamente costosa
oltre che altamente decorativa e spettacolare,
era anche un simbolo di questo
prestigio, a cui univa un toccante significato
religioso, dal momento che il Nuovo
Testamento caratterizza i credenti come
le "pietre vive" di un edificio spirituale
la cui base è Cristo (1 Pietro 2,5). Così
le statue di marmo, i rilievi, le formelle
parlavano dell’identità dei fiorentini, che
vedevano nella plastica monumentale un
potente mezzo di comunicazione per manifestare
il loro primato ma anche la loro
osservanza religiosa. Ad esempio, le sedici
statue e i cinquantaquattro rilievi del
Campanile - oggi esposti nella scenografica
galleria del primo piano - di cui il primo
e più consistente nucleo fu realizzato
a partire dal 1334 da Andrea Pisano con
vari aiuti, illustrano la creatività umana
attraverso la serie delle formelle con le
arti e i mestieri ed evocano la presenza
divina con i profeti, i sacramenti, le virtù,
in un articolato e ben calibrato programma
iconografico.
La prima facciata, mai completata e
smantellata nel 1587, è stata ricostruita
in base a un disegno dell’epoca, in
modo da poter ricollocare molte delle
statue nelle loro posizioni originali, di
fronte alle porte istoriate del Battistero.
Nel così detto Salone del Paradiso, che si
apre quasi d’improvviso al visitatore con
un sapiente colpo di teatro, si rivive così
lo spirito originario di quello spazio tra il
battistero e la chiesa, che, per antica tradizione,
i cristiani chiamavano Paradiso,
in allusione alla gioia dei battezzati che
s’avviavano a partecipare per la prima
volta all’Eucaristia. Fu probabilmente in
questo senso che, come afferma Giorgio
Vasari, Michelangelo definì "del Paradiso"
la porta bronzea del Battistero prospiciente
la Cattedrale, in un gioco di parole
inteso a sottolineare l’eccelsa qualità
del capolavoro di Lorenzo Ghiberti.
La concentrazione delle arti nella Firenze
del ‘300 e ‘400 si era potuta realizzare
in virtù di una congiuntura economico
sociale complessa ma in fondo assai
proficua. La città era florida di commerci
e vi scorrevano fiumi di denaro, che neanche
fatti di rilevanza generale, come
la peste e i fallimenti delle monarchie oltremontane,
avevano distrutto, grazie ad
un sistema produttivo che si sapeva rigenerare
e ricomporre. I manufatti di altissima
qualità dimostrano il valore delle
botteghe; senza l’alto artigianato sarebbe
impossibile e inconcepibile per una città
produrre quella galassia così variegata di
artisti eccelsi ed eclettici. La sensazione
chiara che rimane al termine della visita
al museo, da affrontare come una sorta
di cammino culturale e artistico ma anche
spirituale da compiere passo passo,
è proprio quella della meravigliosa unità
delle arti nella Firenze del suo lungo
e intenso splendore, quando gli artisti si
applicavano a tutte le discipline senza distinzioni;
si formavano spesso nell’atelier
degli orafi, che comunque si dedicavano
anche al formato monumentale – pensiamo
a Ghiberti e al Verrocchio dalle cui
botteghe sono passati quasi tutti i grandi
maestri- e poi transitavano dalla scultura,
all’architettura o alla pittura senza
scosse. Basta citare Giotto, Arnolfo, e poi
Pollaiolo, Michelozzo, lo stesso Michelangelo.
Senza soluzione di continuità ma, anzi,
quasi rimarcando questa unità e compenetrazione
delle varie manifestazioni
artistiche, le stanze si affollano di capolavori
e tutte le arti dall’architettura alla
scultura, la pittura, la tessitura, il ricamo,
l’oreficeria, interagiscono con la poesia,
la musica, il canto e la coreografia rituale
nella celebrazione della gloria divina,
ma anche nel panorama culturale e nella
compagine sociale della città.
Tutte le sale sono improntate a questa
"ratio" e vi si respira un’aria non solo di
alta concentrazione artistica ma anche
spirituale. Il percorso infatti, in una sua
apparente tortuosità in qualche punto,
suggerisce momenti di intensa riflessione
e non solo di contemplazione di opere eccelse.
Così il cammino verso la Maddalena
di Donatello e la Pietà di Michelangelo,
dolenti corpi quasi smaterializzati e del
tutto spiritualizzati, inizia da una piccola
saletta quasi una cappella delle reliquie,
vero trionfo dell’arte orafa. San Paolo insegna
che il corpo umano è "tempio dello
Spirito Santo" (1 Corinzi 6,19) e in questa
prospettiva la Chiesa conserva e venera
le reliquie dei santi, esposte in sontuosi
contenitori nei giorni di festa, segni del
premio riservato al corpo di chi muore in
comunione col Salvatore.
E al piano superiore il reliquiario del libretto
ben si inserisce tra le due magnifiche
cantorie di Donatello e Luca della
Robbia, vicino ai corali di Monte di Giovanni
aprendo la via al parato di san Giovanni
e a quella meraviglia di spettacolarità
che è l’altare d’argento del Battistero,
commissionato, come la croce monumentale
attribuita al Pollaiolo, dall’Arte di
Calimala e realizzato da più generazioni
di artisti a partire dal 1367. Allo sfavillare
delle pietre e dei metalli preziosi si
unisce il quieto fulgore delle carte miniate,
il ciclo di 14 Graduali e 18 Antifonari,
commissionato dall’Opera del Duomo
tra il 1508 e il 1526 per coprire l’intero
anno liturgico, affidato all’elegante maestria
della bottega dei fratelli Gherardo e,
soprattutto, Monte di Giovanni del Fora.
Il programma iconografico, denso di riferimenti
politici e civici, oltre che religiosi,
culmina nell’esaltazione della famiglia
Medici, in particolare Lorenzo il Magnifico
e suo figlio Giovanni, papa Leone X.
E alle maestose pagine "ridenti" pare rispondere
il balenare dei parati liturgici
dove la ricchezza dei tessuti e i fili d’oro o
d’argento manifestano la gloria e la regalità
di Dio e della sua Chiesa. L’immagine
di san Paolo dei "rivestiti di Cristo" (Galati
3,27) pare suggerire il fondamento
simbolico delle vesti rituali.
L’interesse dei Medici, ormai legittimati
signori della città come granduchi, non
viene meno neanche nei secoli successivi,
anzi in qualche modo ostenta la comunanza
d’intenti e il reciproco rispetto
tra potere civile e religioso, come dimostra
la nuova recinzione marmorea del
presbiterio commissionata da Cosimo I a
Baccio Bandinelli nel 1547 e ultimata nel
1572, il primo di una serie di interventi
per adeguare la cattedrale al gusto della
"maniera", con personaggi maschili ve-
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