FABRIZIO COSTANZO WORK IN PROGRESS 1

F A B R I Z I O C O S T A N Z O
Work in progress / 1
A - Introduzione. B - Scritti, eventi culturali, direzioni artistiche. C - Testi.
Artestudio MONTECUCCIO

Artestudio MONTECUCCIO
FABRIZIO COSTANZO / Work in progress
SEZIONE 1
A - Introduzione
B - Scritti, eventi culturali e direzioni artistiche
C - Testi, stralci critici e articoli giornalistici
SEZIONE 2
D - Opere e studi
E - Per mare e per terra. Quasi x gioco (poesie, appunti, bozzetti, carte su legni)
F - Apparati (biografia - esposizioni - bibliografia - scritti - recensioni e testi correlati
stralci critici - notizie e articoli)
Coordinamento editoriale: Artestudio MONTECUCCIO
Ideazione e progetto grafico: Fabrizio Costanzo
Consultazione testi: Archivio Graffiti Art / Archivio Homestudio Montecuccio
Fotografie in entrata: Simona Costanzo
Altre foto presenti: Studio Cappellani, Fabrizio Costanzo, Giuseppe Fell, Toni Gentile

simonacostanzo.com

Artestudio MONTECUCCIO
FABRIZIO COSTANZO / Work in progress

Introduzione

Sulla soglia dello studio, una scritta, intagliata su una tavoletta di legno,
illuminata da un piccolo lampione di rame.
La camera di un segreto
Se si obliasse tutto il resto, penserei d’essere finita dentro un vicolo della
Palermo d’inizio secolo. Un piccolo paradosso spazio-temporale che m’introduce
in un’impeccabile scenografia, pensata per accogliere e narrare,
dove ogni singolo elemento, mai fuori fuoco, è parte del meccanismo di un
orologio, ironico ed ambizioso, che scandisce un tempo rassicurante. Il ticchettio
si percepisce appena, mentre lo sguardo assapora il puzzle immaginifico
che lega insieme coppe e tavolette di versi, diplomi di benemerenza e
tele vergini, cornici e pennelli, quadri e scatti un po’ sbiaditi, austeri nel loro
bianco e nero, in cui eventi e volti e discussioni, fissati una volta per sempre,
restano a futura memoria. Sublime nel suo silenzio, campeggia l’oro
della Porta di Gerusalemme, di ritorno da un viaggio che l’ha riportata indietro,
proprio là, da dove era partita. Un’altra storia…Alcuni spazi sono rimasti
dolorosamente vuoti per molto tempo, dopo il furto di tredici opere, il sei
gennaio del Duemila. Il tempo di elaborare un lutto non ancora guarito. Delle
opere d’arte si appropria sempre il tempo. Non appartengono più al loro
autore, che si consola tuttavia della loro distanza consapevole. Non così
nello sguardo e del pensiero tolto. Il pittore si chiede dove vivano i suoi quadri
rubati, e spera che la mano che li ha pretesi per sé, ne abbia una cura
amorevole. In qualche modo attende il loro ritorno, per potersene separare
nuovamente, ma stavolta senza rimpianto. E mentre l’artista, mette da parte
la nostalgia, raddrizzando con soddisfazione - novello Peter Pan - il suo
treno di legno, o mostra divertito lo spioncino ricavato sulla porta, con una
veduta su La fonte del cielo, viene in mente di trovarsi dentro un gioco
molto serio, di ricercatezza e passione per la bellezza, coinvolgente ed
autentico.
Dappertutto grossi lucchetti con chiavi rugginose. Un grammofono è fermo
sul tempo sbiadito di un autore sconosciuto, e penne antiche e matite allegoriche
ne scrivono lo spartito. Piccoli feticci, che irradiano energia, che
accentrano significati. Ma ciò che più emoziona, perfetta nella sua semplicità,
è la superba coloriera, il piccolo altare di legno di risulta, scuro e solido,
che il pittore ha costruito con le sue mani, quale atto d’amore per i colori e
la loro disciplina. Ad ognuno è riservato un trattamento d’eccellenza. Il Verde
vescica, la Terra verde antica e di Pozzuoli, le ocre, preponderanti tra
l’azzurro cobalto e i blu oltremare, si mescolano solo tra loro, altezzosi e fieri
per avere dato la loro anima ai cieli, alle terre e ai mari notturni, dove grossi
pesci dagli occhi cerulei, placidi e compassati, si guardano intorno con distacco.
Dietro paraventi reali e immaginari, dietro i grossi volumi di storia
dell’arte, si svela e si cela l’ultimo quadro ancora incompleto, l’ultimo messaggio
da infilare nella bottiglia, prima di intraprendere un altro viaggio. Ogni
oggetto-evento è una cartolina, un souvenir nella camera di un viaggiatore
instancabile, reale e metaforico, che s’interroga intorno al vivere e al dipingere.

Hai quasi la certezza che abbia visto davvero gli alberi impossibili e le case
auree dei suoi quadri, in una terra magica, lontana o prossima, in cui si ergono
e si arrampicano sfidando ogni legge. E tutto lascia presagire che abbia
ancora molte storie da narrare. Lo farà a suo modo, con mano immaginifica,
che non fatica a catturare la luce. Si conclude con un colpo d’occhio
rapido, il viaggio nella camera di un segreto, che il pittore non svela neppure
a se stesso. Nel loro acquario notturno, i pesci continuano placidi il loro moto
impossibile, e proprio sulla soglia, prima di lasciare il vicolo, ho la sensazione
che mi abbiano strizzato l’occhio. Allora si tratta davvero di un gioco
tremendamente serio? È inutile porre questa domanda. Il pittore, sornione,
non risponderà…
Elina Chianetta

Facoltà di Architettura di
Palermo
La formazione
Anni universitari. Gli incontri, da studente, con Cesare Ajroldi, Pasquale
Culotta, Margherita De Simone, Maria Giuffrè, Giuseppe La Monica, Nicola
Giuliano Leone, Giuliana Tripodo, Leonardo Urbani in Facoltà di Architettura,
e quelli con Giuseppe Bellafiore, Antonino Buttitta e Renato Tomasino in
Facoltà di Lettere (dove Fabrizio Costanzo completa i suoi studi universitari)
determineranno la sua formazione artistica.
Nel frattempo Costanzo lavora nello studio di via Quintino Sella dove architetti,
pittori e docenti d’arte, progettano, dipingono e sviluppano idee, alternando
progetti reali a utopie creative.
La brillante laurea in Architettura nel 1987, e l’abilitazione alla professione
nel 1988, spostano definitivamente il baricentro della sua ricerca culturale
sull’arte visiva, determinandone un definitivo approdo alla pittura e alla progettazione
artistica.
Trasferitosi nello studio di via Monte Cuccio comincia ad elaborare le prime
opere che lo indirizzeranno verso uno studio specifico dei sistemi di rappresentazione,
dei colori e dei materiali: nasce il primo borgo verticalizzato
(Borgo Tristano, 1988).

Con Nicola Giuliano Leone, Cesare Ajroldi e Giuliana Tripodo
FACOLTA’ DI ARCHITETTURA - Palermo, luglio 1987

La prima personale
Con Enzo Patti
La prima Personale di Fabrizio Costanzo si svolge nel 1989 al Cenacolo,
una delle gallerie più antiche di Palermo.
La mostra dell’esordio artistico, difficile e carica di emozione, è allestita in
maniera poco usuale. Costanzo, non sarà presentato da un critico ufficiale
ma da Enzo Patti, che affiancherà inaspettatamente il giovane pittore con la
sua singolare scrittura misterica e inintelligibile, generando curiosità, critiche
e consensi nell’ambiente culturale palermitano.
In quel periodo Fabrizio Costanzo è molto attratto dalla pittura di Enzo Patti,
da quel suo modo così specifico di entrare in simbiosi con il legno, di dipingerlo
seguendo le linee naturali d’invecchiamento, di fiutarlo visivamente e,
d’altronde, lo stesso Patti apprezza la verticalizzazione pittorica delle opere
di Costanzo, sistema di rappresentazione adottato e costruito meticolosamente
da quest’ultimo fin dagli esordi e che sarà subito recensito con interesse
da Albano Rossi, critico d’arte della R.A.I.
Dodici anni più tardi, un altro critico d’arte, Nicolò D’Alessandro, porrà l’accento
sul legame professionale tra i due artisti delineando Fabrizio Costanzo
Poeta dell’immagine (Storia della Sicilia – Editrice Editalia – Gruppo Istituto
Poligrafico e Zecca dello Stato).

Enzo Patti a BORGO NOVIZIO - Palermo, 1989

L’impegno didattico
In un’intervista del 1992 sul mensile Mondello, al giornalista che gli chiede
se la sua formazione artistica, “costituita da apporti culturali così diversificati”,
lo danneggi, risponde: “Al contrario, mi arricchisce professionalmente e
nella vita; oggi, nel nostro ambito, siamo abituati a pensare e ad agire settorialmente
dimenticandoci che l’arte è una e che diversi sono soltanto gli approcci:
pittura, scultura e architettura (solo per citare le classiche) fanno parte
di un’unica formazione e di un unico bagaglio culturale…”. Ancora, Gioacchino
Lavanco, docente di Psicologia di Comunità all’Università degli Studi di
Palermo, nel catalogo dell’autore De Ciclo Vitae (1996) scrive: “Nelle sue
minute geometrie si legge, sia la figura dell’architetto - lo studioso attento di
tecniche di rappresentazione che, a proprio piacimento, sa usare e manipolare
gli strumenti - sia quella dell’artista che, attraverso la visione storica dei
borghi medioevali, ci presenta il suo mondo giocherellone e beffardo...Poi,
c’è la figura di Fabrizio Costanzo insegnante, che spiega Storia dell’arte, che
guida al disegno, che educa al gusto estetico ed alla sua ricchezza. E’ in
quel contatto quotidiano con i giovani, nella scelta di una semplicità che non
lascia spazio alle semplificazioni, in quel rigore adulto, che gli è permesso di
credere nel fantastico, nel sogno, nell’impossibile… Una ricerca della precisione
come atto dovuto, che attua la sua dimensione di insegnante: la semplice
linea o il tocco di colore diventano, in aula, elementi fondamentali da
essere studiati e analizzati. Il segno così indica ciò che esso è, ma anche ciò
che vi sta oltre, con la capacità insita di descrivere, di stimolare ed evocare”.
L’iter didattico, percorso da Fabrizio Costanzo in tanti anni di insegnamento,
può riassumersi in tre periodi che ricalcano altrettanti modi di porsi nei confronti
della didattica espressiva.
Nei primi anni Novanta, l’aspetto teorico e tecnico profuso supera, con largo
margine, quello artistico e laboratoriale. Sono gli anni dell’insegnamento ai
Licei Classico e Scientifico che danno una visione più distaccata (o meglio
disincantata) della disciplina Storia dell’arte e Disegno. In quel periodo il
pensiero prevale sul fare producendo un coinvolgimento emozionale di tipo
concettuale.
Gli anni successivi, a cavallo del Duemila, sono vissuti alla Scuola Media
Statale Leonardo Sciascia attraverso una didattica sul campo, in cui l’aspetto
laboratoriale prevale su quello concettuale. Fabrizio Costanzo lavora intensamente
in un ambiente sociale difficile - quello dello Zen - puntando
sull’aspetto motivazionale. L’arte, è una valvola di sfogo, salva e riscatta la
vita, combatte il degrado e l’emarginazione, unisce perché parte dal basso,
muove piccole e grandi cose, genera uguaglianza e rispetto per il prossimo.
Via dell’Arte ne è un esempio: ideata da Costanzo e realizzata insieme agli
alunni più difficili della scuola, crea interesse e motivazione, semina il bello
dove c’è il brutto. L’esperienza con Antonio Presti ribadisce e intensifica lo
stesso concetto. Le 20 bandiere realizzate da Fabrizio Costanzo, Giovanni
Iannello e i loro alunni nei progetti Io sono il fiume dell’umanità e La grande
Madre, testimoniano l’ulteriore impegno didattico profuso in quel particolare
ambiente attraverso le dinamiche espressivo-manipolative. Il laboratorio, in
tal senso, diventa il luogo dell’integrazione morale e sociale dove gli alunni
esprimono un valore aggiunto operando in sinergia, disegnando e dipingendo
(con coinvolgimento ed emotività) i temi proposti dell’acqua e della terra.
Vengono così stesi grandi lenzuoli alle pareti che modificano l’aspetto statico
del luogo didattico ora interpretato in funzione ludico-motoria.

Il terzo periodo fondamentale - quello odierno - pone in evidenza l’esperienza
maturata negli altri due periodi antecedenti e si contestualizza nella
Scuola Media Statale Antonino Pecoraro. Adesso il bilanciamento degli
aspetti teorico-concettuali e di quelli laboratoriali si sintetizza in un'unica
nuova logica. L’insegnamento è cambiato, o meglio, è in continua evoluzione.
La tecnologia informatica si è insinuata tra la dinamica del fare, del pensare
e del recepire. I ritmi di apprendimento sono accelerati e slittano verso
dimensioni affascinanti e globalizzanti per un verso, asettiche e prive di profondità,
per un altro. L’immagine alla Lim offre grandi prospettive esplorative,
traguardi immediati e manipolazioni sensoriali non indifferenti. E’ in questo
contesto che nasce la mostra Pecorart di Fabrizio Costanzo che, sviluppata
in accordo con le linee generali della Road Map (elaborata in Corea nel
2006), intende porre al centro dell’insegnamento l’alunno e la sua sfera
creativa. Nella didattica in classe l’opera d’arte viene così considerata veicolo
comunicativo da esplorare, destrutturare e ristrutturare attraverso la continua
sollecitazione degli input sensoriali del docente. Gli alunni, dal canto
loro, contestualizzano le opere d’arte all’interno delle realtà territoriali e si
riconoscono negli elaborati che producono ogni giorno e che espongono
accuratamente nella scuola-atelier. Gli anni dal 2012 ad oggi sono dedicati
all’impegno per i Beni Culturali e Ambientali e, nello specifico, per il Patrimonio
Unesco che, soprattutto in Sicilia, annoterà un’ulteriore spinta con il riconoscimento
unescano nel 2015 dell’itinerario Arabo-normanno a Palermo e
delle cattedrali di Monreale e Cefalù. Fabrizio Costanzo, nello stesso anno
elaborerà il progetto UNESCOLIVE che sarà particolarmente apprezzato a
Roma ottenendo un riconoscimento ufficiale. Nello stesso anno l’istituto Pecoraro
sarà dichiarato Scuola in rete Unesco e, da ora in poi porterà avanti
un programma specifico centrato sull’impegno culturale e ambientale del
nostro territorio attenzionando gli aspetti variegati della nostra Isola.

Sopra - F. Costanzo ed un suo alunno dipingono l’albero della vita di Keith Haring. - S.M.S. L.SCIASCIA, maggio 2007
Sotto - Via dell’arte - Scuola Media Statale LEONARDO SCIASCIA

Con Antonio Presti e Giovanni Iannello
Fiumara d’Arte - ART HOTEL CASTEL DI TUSA (Me), maggio 2006 e VILLA MARGI (Me), maggio 2007

Io sono il fiume Oreto dell’umanità (in collaborazione con Giovanni Iannello)
Le bandiere della Fiumara d’Arte - Scuola Media Statale LEONARDO SCIASCIA - Palermo, maggio 2007

La Grande Madre (in collaborazione con Giovanni Iannello)
Le bandiere della Fiumara d’Arte - OSPEDALE CIVICO - S.M.S. LEONARDO SCIASCIA - Palermo, maggio 2008

Cittattiva (in collaborazione con Licia Messana)
Scuola Media Statale ANTONINO PECORARO - Palermo, 2012 /2013

Arte in bottiglia (in collaborazione con Paolo Mottareale)
Scuola Media Statale ANTONINO PECORARO - Palermo, 2012/2013

PecorArt (in collaborazione con Maria Pia Cardella e Maria Gervasi)
Scuola Media Statale ANTONINO PECORARO - Palermo, maggio 2010 e 2013

PecorArt (in collaborazione con Maria Pia Cardella e Maria Gervasi)
S.M.S. ANTONINO PECORARO - Palermo, maggio 2014

M U S E O A R T E C O N T E M P O R A N E A S I C I L I A
Laboratorio “dripping” di Pollock (classe 3C - in collaborazione con Rita Di Fiore)
Catania/Scuola Media Statale ANTONINO PECORARO - Palermo, 14 aprile 2015

M U S E O A R T E C O N T E M P O R A N E A S I C I L I A
Laboratorio “riciclo Arte povera” di Alberto Burri (classe 3D - in collaborazione con Germana Pagano)
Catania/Scuola Media Statale ANTONINO PECORARO - Palermo, 14 aprile 2015

Il periodo lombardo
Il rapporto con Massimo Moavero, stilista di Krizia prima e di Missoni poi, è
un rapporto d’amicizia che perdura e si consolida nel tempo. Negli anni, troverà
la giusta definizione anche sul piano professionale e della stima reciproca.
Nei loro frequenti incontri, amichevoli e di lavoro, vi è sempre un continuo
scambio d’esperienze che, pur diverse, s’integrano a vicenda, dando
spunto a idee sempre nuove. In uno di questi incontri, l’intesa porterà, tra
l’altro, all’elaborazione dell’opera di Costanzo Trittico di Altamira – olio su
tavola del 1993 – appositamente ideata e realizzata per l’amico stilista.
L’altro incontro interessante di questo periodo è quello con Fabrizio Malerba,
industriale famoso e cultore d’arte. Malerba conoscerà Fabrizio Costanzo
grazie a Massimo Moavero: anche in questo caso l’intesa con il collezionista
sarà veloce e intensa: inizierà così una fitta corrispondenza di lettere e bozzetti
che definirà, nei mesi, la fase preparatoria dei disegni di un nuovo trittico,
studiato e realizzato per Fabrizio Malerba - Miracolo sotto le stelle – olio
su tela del 1995.
L’esperienza lombarda è un momento significativo nella crescita culturale di
Costanzo e continuerà negli anni a venire. Inizia con i progetti de Il luogo
ritrovato e Sagrati di Milano (entrambi concepiti per il capoluogo lombardo
negli anni 1989 e 1990), prosegue, attraverso lo scritto di Matilde Trapassi
(dell’Accademia di Brera - Milano), passa ancora per i già citati Massimo
Moavero e Fabrizio Malerba e, nel 2002, approda con l’organizzazione della
mostra-convegno Così lontano, così vicino: artisti lombardi e siciliani al Palazzo
Ruggeriano di Altofonte.
Un filo rosso conduce dunque Fabrizio Costanzo verso la Lombardia portando
linfa nuova all’opera pittorica dell’autore, soprattutto per quanto riguarda il
tema della verticalizzazione nella rivisitazione del borgo medioevale, sistema
di rappresentazione da lui preferito nella costruzione dell’immagine bitridimensionale.
La ricerca culturale specifica, applicata all’iter espressivo,
nel tempo, si dimostrerà proficua e interessante. In quegli anni, infatti, la
critica nazionale definirà la pittura di Fabrizio Costanzo in vari modi:… ”una
scatola simbolica” (Matilde Trapassi)… ”una ricreazione artistica” (Carlo Castronovo)…
”un miracolo figurativo” (Albano Rossi).

Trittico di Altamira e Miracolo sotto le stelle, i due trittici prodotti rispettivamente per Massimo Moavero (stilista di
Krizia e Missoni Sport) e Fabrizio Malerba (Malerba Calze) oggi esposti a Milano e a Varese in due collezioni private.
A sinistra: Trittico di Altamira, 1993 - olio su tavola 210x90
A destra: Artestudio Montecuccio, servizio fotografico di Toni Gentile per Miracolo sotto le stelle - olio su tela 120 x 150

Il primo convegno Internazionale
La collaborazione con
l’Università degli Studi di Palermo
Negli anni 1997-98, Costanzo collabora più volte con l’Università degli Studi
di Palermo.
Il primo convegno internazionale Fratelli di Caino? del 1997 rinvigorisce
l’intesa già stabilita un anno prima tra Fabrizio Costanzo e Gioacchino Lavanco.
La collaborazione tra i due in questo periodo è molto stretta e i vari incontri
porteranno alla stesura di Per mare e per terra: Quasi x gioco, un quaderno
d’immagini e parole di vena ironica.
Per l’occasione la Facoltà di Psicologia commissionerà all’artista l’opera
Terra Antica del Buon Governo, in linea con il tema del convegno - un
omaggio al tema storico medioevale ma anche all’uomo politico inteso nella
sua azione etica, capace di organizzare lo spazio e la funzione pubblica
amministrativa attraverso un comportamento corretto e razionale.
Una visione augurale e positiva della città, quella proposta da Fabrizio Costanzo,
fortemente verticalizzata, che crea una società comunque di affetti
“con le casette quasi sempre uguali e semplici che si aggregano e si confortano
a vicenda” (Dora Avella, 1990).
Il convegno, a carattere internazionale, includerà, tra l’altro, presenze prestigiose
nel mondo della cultura, dalla Francia agli Stati Uniti, testimoniando il
grande interesse prestato in questo periodo verso le problematiche sociali
ed esistenziali.

Con Gioacchino Lavanco
Convegno Internazionale Fratelli di Caino? FACOLTA’ DI PSICOLOGIA / Hotel Splendid La Torre (Palermo, aprile 1997)

I convegni successivi
Il secondo convegno del 1997, Giovani e disagio, si svolge a Ribera ed è
organizzato ancora da Gioacchino Lavanco nell’ambito della Cattedra di
Psicologia di Comunità dell’Università di Palermo, ricalcando alcuni dei temi
già affrontati nel precedente convegno (crisi della società odierna con possibili
soluzioni da adottare in chiave di programma di prevenzione e d’informazione).
In occasione di questa manifestazione l’autore riprenderà il disegno
a china La sorpresa (1997) per illustrarne il manifesto; L’opera, poi rielaborata
in olio su tela, sarà rubata nel 2000 (insieme ad altre dodici opere di
Costanzo) alla personale Notturni della galleria-ristorante Liolà di Terrasini.
La terza manifestazione nazionale è il simposio di medicina La chirurgia
addominale oggi (1998), organizzato da Maurizio Romano all’Addaura Hotel
con il patrocinio dell’Università degli Studi di Palermo e di altri importanti
partners; qui l’autore condurrà la sua personale-performance Momento di
lavoro con pausa, strutturando un “frizzante” atelier-laboratorio in sincronia
con il simposio ed il pubblico presente.
Nel 2003 l’appuntamento culturale è con Arte & Mestieri nella Conca D’Oro.
Il convegno che ne segue, inserito all’interno di una complessa manifestazione,
ha luogo ad Altofonte (Palazzo Ruggeriano), ed è strutturato con eminenti
rappresentanti della cultura siciliana di cui farà parte anche Fabrizio
Costanzo in qualità di Delegato Regionale dell’A.I.A.M. di Roma e di direttore
artistico della Graffiti dell’Addaura Hotel di Palermo.
Segue il convegno dell’Hotel Splendid La Torre (2007) organizzato dall’Ordine
degli Psicologi della Regione Siciliana e dall’Ordine dei Medici-Chirurghi
e Odontoiatri della Provincia di Palermo – La promozione del cambiamento:
il contributo dell’approccio centrato sulla persona – che impegnerà Costanzo
(insieme ad altri artisti), in una intensa attività espositiva.
Nel 2008, al Sanpaolo Palace Hotel di Palermo – e nell’ambito del 7° Congresso
Nazionale degli Architetti (2008) - Fabrizio Costanzo e Francesco
Pintaudi sperimenteranno la personale Tracce dipingendo “a quattro mani”
le loro opere (carte, tele e tavole) durante le fasi multiple del congresso. Le
Contaminazioni di segni storici e contemporanei dei due artisti continuerà in
altre manifestazioni e nell’ambito della committenza privata creando un movimento
d’opinione con produzione di parecchi scritti sull’argomento.
Nel 2013 Fabrizio Costanzo è invitato da Maria Lo Presti a San Giovanni
Decollato dove l’Associazione Biblia, la Facoltà Teologica di Sicilia, l’Università
degli Studi e l’Osservatorio astronomico di Palermo organizzeranno ìl
simposio Alla ricerca delle origini. L’evento darà l’opportunità all’autore di
pubblicizzare l’opera Stella del Sud che farà da supporto visivo e concettuale
al confronto multidisciplinare della tematica discussa.
Nel 2015, la manifestazione Nei luoghi della Storia, presenterà vari appuntamenti
culturali di prim’ordine insieme alla mostra di pittura di Fabrizio Costanzo,
Manlio Giannici e Gery Scalzo (Le atmosfere incantate del suono e
del colore). Saranno organizzate, la conferenza La Via del Molo e la Dimora
Storica di Palazzo Montalbo - Il gusto per il bello; la tavola rotonda Report
sulla ceramica tra memoria e progetto; il seminario Il sistema di accreditamento
dei luoghi della cultura della Regione Siciliana: nuovi approcci per
standard di qualità; il convegno internazionale Conservare è tramandare:
tecniche di pavimentazione antiche e strutture in terra cruda: una sfida ben
consolidata.

La sorpresa - Disegno illustrativo del convegno Giovani e disagio - Ribera, 1997
UNIVERSITA’ DEGLI STUDI DI PALERMO - CATTEDRA DI PSICOLOGIA DI COMUNITA’

L’Accademia Internazionale
d’Arte Moderna di Roma
La nascita della Delegazione
di Palermo
“Il 25 Settembre del 2000, l’Accademia Internazionale d’Arte Moderna, con
sede in Roma, delibera la costituzione della prima Delegazione A.I.A.M. di
Palermo (dal 2002 estesa a Delegazione Regionale). Il Delegato accademico
ufficiale, prof. arch. Fabrizio Costanzo è nominato per presa d’atto del
Presidente avv. Francesco de Benedetta con Delega Reg/ta al n°741 di
protocollo”.
L’impegno di Fabrizio Costanzo, in campo istituzionale è intenso; la prestigiosa
accademia, con delegazioni in varie parti del mondo, approda anche a
Palermo e comincia ad essere conosciuta nell’Isola anche attraverso i continui
patrocini accordati alla Delegazione siciliana in occasione delle manifestazioni
artistiche organizzate.
L’A.I.A.M. (come Ente) sorge a Roma nel 1955, e si costituisce in Accademia
nel 1975 con atto notarile reg./to agli Atti Pubblici della Capitale e depositato
al Ministero dei Beni Culturali. Nel 2005 è riconosciuta quale NGO
(Non Governmental Organization) delle Nazioni Unite ed iscritta al n. 8886 /
DESA. Svolge attività di diffusione della cultura attraverso i numerosi organi
istituzionali di cui è composta. Nel Consiglio direttivo: Rapporti con gli Esteri,
l’Ufficio Stampa e il Parlamento; commissioni varie: Referenti per il Notiziario
(cartaceo e on line), la tenuta dell’Albo, la Borsa Valori delle opere d’arte,
gli Studi, i problemi finanziari e la programmazione artistica, Delegati italiani
e stranieri, Senato accademico, Classi di merito e corrispondenti…) e si
pregia dei nomi più prestigiosi dell’arte moderna e contemporanea a livello
internazionale. Al suo interno risiedono: l’Archivio storico degli artisti, la Pinacoteca
e la Biblioteca.

Con Francesco De Benedetta
Complesso Monumentale di SANTA MARIA DELLO SPASIMO - Palermo, agosto 2000

Dalla Storia della Sicilia
al Made in Sicily
Con Nicolò D’Alessandro
La Storia della Sicilia (2001) - Editrice Editalia - Gruppo Istituto Poligrafico e
Zecca dello Stato, è il più autorevole Gruppo editoriale esistente in Italia.
L’opera si presenta come la più attenta e accurata ricostruzione di tremila
anni di cultura isolana; considerando infatti l’ambizione del progetto editoriale
e la vastità delle epoche trattate, si è reso indispensabile il coinvolgimento
di alcuni fra i massimi esperti nei diversi campi del sapere coordinati
dall’illustre storico Rosario Romeo. La pubblicazione analizza non solo la
storia dell’isola ma si addentra nei molteplici aspetti della cultura, della filosofia,
della letteratura, dell’architettura e dell’arte in generale. Presentata in
una elegante veste editoriale (11 volumi e oltre 1000 illustrazioni) ha una
chiara trattazione degli argomenti ed è stata condotta alla luce delle indagini
più rigorose.
Nel volume X di aggiornamento (Arti figurative e architettura in Sicilia II), al
capitolo XI – Artisti siciliani del Secondo Novecento – Nicolò D’Alessandro
storicizza, con cognizione e lucidità, quegli artisti che si sono distinti nel
campo delle arti visive per l’impegno e la qualità del lavoro svolto.
Fabrizio Costanzo è citato all’interno della prestigiosa opera editoriale con
poche ma significative parole, collocato nel Secondo Novecento artistico
insieme alla figura di Enzo Patti con cui ha esordito come pittore:…”Vicino
ai temi di Enzo Patti è Fabrizio Costanzo (Palermo, 1961), poeta dell’immagine”.
In una lettera di ringraziamento a Nicolò D’Alessandro, Fabrizio Costanzo
dirà: “Poche parole e ben dette possono superare i fiumi di complimenti
a cui spesso siamo abituati in altri contesti, così come un silenzio può
superare l’urlo di chi, con forza, deve apparire a tutti i costi eclatante; con
onere e con onore ci hai dato una responsabilità in più rispetto alla storia:
esserci!.”
Il riferimento è agli artisti del Gruppo Graffiti. La soddisfazione per Fabrizio
Costanzo, in questo caso è doppia, poiché la Storia della Sicilia lo premierà
insieme a gran parte degli autori presenti alla mostra dell’Addaura Hotel,
testimoniando la coerenza delle scelte operate nel 1999 con Francesco
Carbone.
Il cammino con Nicolò D’Alessandro proseguirà anche negli anni successivi
con un continuo scambio di opinioni sull’arte ed una lettura critica e amichevole
sul suo stato di salute a Palermo, consolidandosi nell’approdo al doppio
impegno espositivo della Galleria d’Arte Moderna Le ciminiere di Catania
e dell’Albergo delle Povere di Palermo. Le due manifestazioni, dal titolo
emblematico e ironico Made in Sicily, coinvolgeranno 176 artisti per volta,
testimoniando la presenza di una ricerca culturale isolana chiara e continua
che, partendo dalla Sicilia, racconterà l’evoluzione delle persistenze figurative
sul territorio. Il dialogo, vivo e approfondito s’inserirà con fervore nel panorama
artistico internazionale confrontandosi, necessariamente, con il
grande equivoco dell’arte contemporanea.

Nicolò D’Alessandro discute con gli alunni di Fabrizio Costanzo alla mostra Made in Sicily
ALBERGO DELLE POVERE - Palermo, nov/dic 2011

Dimore storiche & co
“Ogni attimo nascono luoghi nei luoghi, una creazione spontanea ed inarrestabile…Cercatori
instancabili, fabbricanti di luoghi, ci muoviamo dentro di
essi quasi avessimo una riserva di vita infinita, perché ad ogni passo epoche
e stagioni, passate e future, si muovono con noi (Elina Chianetta, Luoghi,
2007)".
Fabrizio Costanzo espone le sue opere nelle stanze dei palazzi antichi ripercorrendo
la memoria di quei luoghi, dando linfa e nuovo significato alla
sua attività espositiva.
Nel confronto spazio-temporale egli avvia un processo di contaminazione
visiva e psicologica attraverso segni ispirati alla dimensione umana, al silenzio,
alla riflessione, all’ironia.
Un filo rosso segna la presenza dell’artista dentro le sedi storiche siciliane.
Le mostre nelle architetture storiche, civili e religiose - la Chiesa di S.Ignazio
all’Olivella a Palermo (1994), Palazzo Cataldi a Terrasini (1996 e 1997),
Palazzo dei Benedettini/Biblioteca a Cinisi (1995-96), Cappella sconsacrata
a Cinisi (1997), Castello di Carini (2001 e 2008), Albergo delle Povere a
Palermo (2002 e 2012), Palazzo Ruggeriano ad Altofonte (2003), Villa Filangeri
(Giardino d’inverno) a Santa Flavia (2005), Palazzo Pantelleria-
Varvaro a Palermo (2005 e 2006), Palazzo Branciforte a Palermo (2006),
Collegio di Maria a Monreale (2007), Villa Niscemi a Palermo (2007), Santa
Maria dello Spasimo a Palermo (2007), Villa Boscogrande a Palermo
(2008), Chiesa di Sant’Euralia dei Catalani a Palermo (2009), Loggiato di
San Bartolomeo a Palermo (2010 e 2012), Palazzo Florio a Favignana
(2011), Ciminiere a Catania (2011), Real Fonderia Oretea a Palermo
(2013), Palazzo Montalbo a Palermo (2015) - solo per citare le strutture
storiche siciliane – testimoniano il sentimento profondo che lega Costanzo a
questo tipo di esperienza espositiva in cui il presente si coniuga al passato
interagendo nel tempo.
Un filone continuo, coerente e significativo di esposizioni, che vale la pena
sottolineare, è rappresentato dagli Incontri d’arte diretti da Giuseppe Di
Franco (in collaborazione con Gery Scalzo) in cui i linguaggi musicali, letterari
e visivi si contaminano creando un trinomio d’eccezione all’interno di
un’atmosfera armonica e sinergica.

Il Salotto del Gattopardo
VILLA BOSCOGRANDE - Palermo, febbraio 2008

Luoghi
“Ciò che è noto, non è per ciò stesso, conosciuto”
Hegel - Scienza della logica
“Quale che sia il loro nome, i luoghi hanno molti nomi. Tanti, quante sono le
emozioni.
Ci sono giorni felici, sospesi, in cui si offrono - tela perfetta - per una narrazione
sorprendente della nostra anima. Mai indifferenti.
Stazionano più spesso in un luminoso ed intermittente oblio: gioco della
mente, che mantiene viva la sensazione che c’è sempre qualcosa d’altro,
che non avevamo visto, qualcosa che emergerà, all’improvviso. Per sorprenderci.
Nell’istante in cui cerchiamo di fermarli - in un’immagine pittorica, scultorea,
in un verso - sappiamo già che in essi quel qualcosa non riusciremo né vorremo
svelarlo. Per mantenerlo vivo…
I luoghi sono lì, mappa oggettiva nel mondo, ma sono tanto più nel nostro
altrove, rigenerati nella memoria, vividi nella nostra personale geografia.
Saturi di vita, sono voragini temporali, in cui, strato dopo strato, si depositano
storie gloriose ed infami: talune piccolissime, simili ad un quieto borbottio,
altre un lamentarsi, flebile e monotono. Altre ancora sono urlo, rombo di
guerra, boato spettrale. Ogni attimo nascono luoghi nei luoghi, una creazione
spontanea ed inarrestabile.
Nell’accentrare e decentrare sguardi e slanci, generano un movimento, un
battito sonoro, il cui andamento sincopato ci narra il nostro essere contemporanei,
la nostra memoria del mondo, la nostra responsabilità.
Cercatori instancabili, fabbricanti di luoghi, ci muoviamo dentro di essi quasi
avessimo una riserva di vita infinita, perché ad ogni passo, epoche e stagioni
- passate e future - si muovono con noi. Perciò è necessario dimenticarli,
ogni tanto, renderli leggeri, affini alla nostra curiosità, alla nostra natura incostante.
E perché non diventino sinistramente commestibili occorre sottrarli
e restituirli all’oblio, senza mai perderne la Memoria”. (Elina Chianetta - I
luoghi dell’oblio, 2007).
Fabrizio Costanzo ha viaggiato in Europa, Asia, Africa. Ha conosciuto popoli
diversi, religioni diverse, linguaggi artistici diversi.
Ha visitato luoghi-memoria, realtà quotidiane, miracoli della natura. Ha visto,
sentito, toccato, odorato l’altro, per capire umori e rumori della gente.
Ha trasformato luoghi fisici in tracce-pensiero…

Traccia-pensiero
HAUS DER MUSIK - Vienna, 2006

Contaminazioni
Dipingere a 4 mani
La sperimentazione artistica di Fabrizio Costanzo e Francesco Pintaudi inizia
nel 2007 con la Personale Tracce, nata all’interno del 7° Convegno Nazionale
degli Architetti, una mostra insolita che mette a confronto due diversi
modi di dipingere e di intendere la pittura, una scommessa apparentemente
persa in partenza, che si evolverà invece, negli anni successivi, in una
esperienza ricca di stimoli, formativa e significativa. La personale Tracce
cambierà pelle imprevedibilmente trasformandosi, ben presto, in un’altra
mostra. I due pittori, nella hall-atelier del Sanpaolo Palace Hotel, si spingeranno
oltre, dando vita ad una coinvolgente performance a 4 mani che invoglierà
un folto pubblico di visitatori e di convegnisti. Saranno prodotte, tra
carte e tavole, una quarantina di opere di diversi formati che si aggiungeranno
a quelle già esposte dall’inizio separatamente. Critici e cultori scriveranno
nove testi sull’evento e le principali testate giornalistiche pubblicheranno
altri articoli sull’argomento. Da ora in poi le contaminazioni di Costanzo e
Pintaudi non si fermeranno più. Seguiranno altre opere elaborate per altrettanti
mostre: Trame e nobili mura (2008), dittico in legno dipinto sulla tematica
storica della baronessa di Carini e conservato nella pinacoteca La Grua-
Talamanca del Castello; Esculentiae memoriae (Il pranzo di Giafar) 2008,
tele dipinte sul cibo siciliano per le mostre itineranti curate da Salvo Ferlito;
Metamorfosi (2010), tele-dittico incentrate sulla disamina puntuale e toccante
del mare, elemento-simbolo bioetico da preservare, elaborate per la mostra
Blu? Il mare come non lo avete mai visto, diretta dallo stesso Fabrizio
Costanzo. Infine, nel 2014, la grande opera realizzata in dieci pannelli, Pescatori
di Reperti, per una committenza privata, “un omaggio all’uomo ed
alla sua storia, un inno alla bellezza, alla ricchezza del nostro patrimonio
artistico, al mare che tuttora conserva tesori inestimabili...luce del mondo”.

Fabrizio Costanzo e Francesco Pintaudi
STUDIO PINTAUDI - Palermo, marzo 2014

Studio 71
Lo Studio 71 di Palermo, luogo di ritrovo di artisti “ad ampio raggio”, nei
suoi oltre trent’anni di attività espositiva ha organizzato mostre ed eventi
culturali di buon livello, molti dei quali pensati e realizzati con spirito di abnegazione.
Una tipologia di manifestazioni a sé è sicuramente quella legata
al vino ed alla solidarietà, due tematiche apparentemente disgiunte ma
che, nel tempo, si sono rivelate un vero e proprio volano di fattibilità finalizzate
all’obiettivo da raggiungere. Negli anni, Francesco M. Scorsone, Mariella
Calvaruso e Vinny Scorsone si sono fatti portatori di un messaggio
universale importante - la Solidarietà, appunto - che ha trovato voce e corpo
nei tanti artisti che hanno aderito spontaneamente all’invito della galleria
-studio.
L’etichetta, mass-media dalla connotazione simbolica e accattivante, mira
ad una comunicazione ammaliatrice. Considerarne soltanto il suo valore
estetico può essere limitativo. L’etichetta veste il corpo-bottiglia e vestendolo
ne disvela le anime: l’anima del vino e l’anima dell’artista… corpo e anima.
A volte demone travestito da angelo, altre volte angelo in sembianza di
demone… il gelido vetro ha bisogno di essere scaldato, curato, coccolato.
Bisogna coprirlo, mettergli addosso un bell’abito, il suo abito…(Vinny Scorsone).
Tre sono le manifestazioni che hanno coinvolto Fabrizio Costanzo all’interno
delle tematiche anzidette: la prima, Un’etichetta per solidarietà, è stata
realizzata con le sole forze dello Studio 71, le altre due - O’Scuru o’ scuru e
Lu veru piaciri, sono state messe in atto con il contributo fondamentale di
Pucci Giuffrida dell’azienda Al-Cantara di Randazzo (Ct), che ha saputo
tradurre le sue idee in progetto e il progetto in realtà credendo nell’aspetto
culturale del vino e realizzando gli eventi-solidarietà fino a proporli alla Fiera
del libro di Torino. E’ così che Al-Cantara - in arabo “ponte”- ha collegato
simbolicamente Arte, Vino e Poesia, privilegiando intuizione e intelletto,
rendendo magica ogni bottiglia.

Lu veru piaciri - le bottiglie decorate da Fabrizio Costanzo
Azienda vitinicola Al-Cantara - Randazzo (Ct) / Studio 71 - Palermo - 2011

Un’etichetta per solidarietà
Un’etichetta per solidarietà - l’etichetta realizzata da Fabrizio Costanzo
Studio 71 - Palermo - 2004

O’Scuru o’scuru - l’etichetta realizzata da Fabrizio Costanzo
Azienda vitivinicola Al-Cantara - Randazzo (Ct) / Studio 71 - Palermo - 2010

Santhià
La mostra nazionale di pittura contemporanea Santhià, fondata nel 1964, è
compresa nel Calendario delle Manifestazioni Ufficiali dello Stato.
“Ispirandosi ai valori universali di cultura perseguiti con gli “Amici della Scala”
di Milano, si presenta nella sua matrice idealistica, staccandosi nettamente
dalle molte iniziative concorsistiche legate ad interessi speculativi o
di mercato”.
Tra i premi figurano quelli del Presidente della Repubblica e di Sua Santità, i
premi di rappresentanza di Alte Autorità dello Stato, di Enti, di personalità
della politica, della cultura e della vita sociale italiana.
La giuria, negli anni, ha annoverato illustri rappresentanti della cultura: Lorenzo
Alessandri, Angelo Gilardino, Renzo Mezzacapo, Angelo Mistrangelo,
Ugo Nespolo, Dino Pasquali, Giorgio Seveso, Matteo Smolizza, Mario
Pistono, Gianfranco Bertolino.
La manifestazione è riservata a circa 250 artisti selezionati dalla Commissione
preposta.
Fabrizio Costanzo, invitato per la prima volta nel 1997 (Trentaquattresima
edizione) vi partecipa, fuori concorso fino al 2000, ed in concorso, dal 2001
ad oggi. Negli anni vince i seguenti premi nazionali:
Luciano Verdiani (Trentottesima edizione) 2001; Banca Sella (Trentanovesima
edizione) 2002; Felice Cavallotti (Quarantesima edizione) 2003; Arcangelo
Corelli (Quarantunesima edizione) 2004; Giuseppe Porta (Quarantatreesima
edizione) 2006; Valerio Bacigalupo (Quarantaquattresima edizione)
2007; Francesco Rosso (Quarantacinquesima edizione) 2008; Nicolò
Paganini (Quarantaseiesima edizione) 2009; Ignazio Isler (Quarantasettesima
edizione) 2010. Dal 2011 la manifestazione non ha più luogo e chiude
definitivamente il suo ciclo storico.

Artestudio MONTECUCCIO
FABRIZIO COSTANZO / Work in progress

simonacostanzo.com

Scritti, direzioni artistiche, eventi culturali

Scritti, direzioni artistiche
eventi culturali
Gli scritti, le direzioni artistiche, le presentazioni di autori, i convegni e
gli altri eventi culturali - prodotti a partire dagli anni Novanta - sono da
considerare un unico bagaglio esperienziale. Nella maggior parte dei
casi trattasi di testi critici pubblicati in cataloghi d’arte, articoli giornalistici,
trascrizioni di interviste con la R.A.I. e le TV private, semplici appunti
pensati in studio. Altri scritti sono correlati alla presentazione di mostre
personali e collettive di artisti, vere e proprie occasioni di dialogo con
pittori e operatori del settore. Dal 1995 ad oggi, Fabrizio Costanzo testimonia
la sua ricerca culturale anche attraverso la cura, calibrata e mai
frenetica, di eventi culturali d'arte visiva. Nel 1996, Gioacchino Lavanco
scrive: “Dietro le diverse figure di Costanzo, ovvero dietro i molteplici
aspetti della stessa persona ritroviamo, con compiacimento, la figura di
un uomo “senza professione”: non si scomodi il Musil dell’assenza di
qualità perché qui la mancanza di professione è una “scelta professionale”,
quella che non vuol fare dell’arte un semplice mestiere, della
creatività una catena di montaggio, della ricerca un’adesione a schemi,
modelli, correnti predefinite…”
Un’unica motivazione congiunge le esperienze che iniziano – nel 1995 -
con il Centro Arti Sperimentali La Sinopia di Palermo (all’interno di una
ricerca di formule espositive alternative) e proseguono attraverso altre
tappe fondamentali quali Graffiti (mostra permanente degli artisti siciliani
contemporanei, nata nel 1999 e tuttora in corso); Maschere (1999); Col
ferro (2001) – tutti eventi organizzati dentro l’Addaura Hotel di Palermo;
le prestigiose mostre Nel castello (2001), a Carini; Così lontano, così
vicino: artisti lombardi e siciliani a confronto (2002), a Palazzo Ruggeriano
di Altofonte nell’ambito di una manifestazione-convegno di arte, territorio
e didattica; Segno & Colore (2002), all’Hotel Club Ramuxara di
Campobello di Mazara; Segni & Segnali (2002), all’Albergo delle Povere
di Palermo; la mostra italo-rumena (2003), all’Accademia di Romania
(Roma); I Cinquant’anni del Cenacolo (2004), nella omonima galleria di
Palermo; Incontri con gli artisti (2004), ancora alla galleria Il Cenacolo;
Ti dirò (2006), al Palazzo Branciforte di Palermo. Seguono le mostre
organizzate e dirette in collaborazione con Francesco Pintaudi al Sanpaolo
Palace Hotel di Palermo: Felix Ziz (2006-2007); I luoghi dell’oblio
(2007); Palermo: I luoghi della storia (2007); Annodamenti & Bizzarrie
(2007); Tracce (2007-2008); Ludusmentis (2008); E’ qui la Natività del
Caravaggio? (2009). Graffiti Day (2009), sposta nuovamente il baricentro
dell’attenzione sull’Addaura Hotel, proponendo una manifestazioneevento
(per i dieci anni di attività della mostra Graffiti), incentrata su
cultura, legalità e ambiente. Un successo pieno, di pubblico, giornalisti e
critici, subito bissato nel 2010, con la mostra Blu? Il mare come non lo
avete mai visto, nella quale l’acquario dadaista, ideato coraggiosamente
da Roberto Cavallaro, diventa il pretesto per discutere sugli habitat.

Manlio Mele e Gioacchino Lavanco presentano la Personale di Fabrizio Costanzo De ciclo vitae
PALAZZO CATALDI - Terrasini, 21 dicembre 1996

Modulo piramidale, verticalismo compositivo,
dimensione simbolica
Nel quadro, le particolari applicazioni del modulo piramidale,
del verticalismo compositivo, del bilanciamento di
forme e della ricerca cromatica, trasformano il significato
degli elementi ben riconoscibili nella nostra esperienza
quotidiana (elementi naturali quali l’albero, la montagna,
l’acqua, il sole, la luna, le stelle, la terra etc…e quelli
artefatti quali la casa, la strada, l’ingresso etc.) determinando
una sorta di dimensione simbolica dell’io, non
spiegabile e non raggiungibile in quanto esistente solo
nella sua essenza fluttuante. In tal senso il processo di
identificazione elemento-significato, appartenendo soltanto
all’artista, esula dai normali canali di comunicazione
e procede al di sopra della comune percezione sensoriale….
Fabrizio Costanzo / De Ciclo Vitae, 1996 – I quaderni de La Sinopia
Sulla rappresentazione
Nella configurazione rappresentativa e progettuale
dell’immagine il braccio traccia le prime linee e l’opera
d’arte prende forma. In quell’istante l’idea si materializza
rendendo visibile un processo fino a quel punto considerato
invisibile. L’idea, non è un atto puro e autonomo: si
presenta inerente al pensiero… e il pensiero è costruzione.
Nasce così una dicotomia tra questi due termini facilmente
risolvibile considerando l’idea come una particolare
costruzione, vera e propria progettazione mentale che
si materializza tramite un’ispirazione di tipo noumenico:
non esiste un assoluto che governa le regole così come
non esiste un assoluto che governa le emozioni: ogni
regola deve controllare un’emozione e viceversa...poi
entra in campo il gioco come finzione (struttura ed essenza
dell’arte stessa) e la rappresentazione si complica...
verso assi portanti. Tale assetto autorizzerebbe a considerare
l’opera nella sua essenza compositiva e progettuale,
un esercizio da svolgere tecnicamente (e correttamente)
dove le linee, le texture e i colori avvalorerebbero
un loro peso visivo. Gli studi sulla teoria Gestaltica
(psicologia della forma), compiuti in Germania nei primi
anni del Novecento, perseguirono il concetto cardine che
ognuno di noi percepisce i segni attraverso un assetto
unitario della forma. Il gioco, l’esperienza e la memoria,
utilizzando la teoria basilare della pregnanza della forma,
ci inducono peraltro a trasformare i segni in immagini già
note. Ancora una tesi (quella di Jackson Pollock in The
Tradition of the new - 1959) considera l’atto stesso del
dipingere il modo di essere e di manifestare il mondo
interiore dell’artista. Nel caso specifico, il quadro non
viene considerato come supporto tecnico (e di cultura)
ma luogo dell’evento, topos dove si coagulano le differenti
e complesse fasi fenomenologiche che stanno alla base
del meccanismo infinito di scelte di cui l’arte ha bisogno…
un filo rosso congiunge l’arte all’io e alla materia, alla
realtà e all’astrazione. Le tesi, apparentemente controverse
(o distanti) confermano la natura equivoca dell’opera
d’arte che, se per un verso risponde a dettami di rappresentazione
tecnico-strutturale, dall’altra mostra di essere
specchio degli eventi quotidiani, memoria e futuro del
nostro io, segno e metafora, spirito, pensiero e intuizione,
speranza e tragedia, spiegazione dell’inspiegabile, dolce
mistero di vita.
Fabrizio Costanzo / De Ciclo Vitae, 1996 – I quaderni de La Sinopia
Fabrizio Costanzo / De Ciclo Vitae, 1996 – I quaderni de La Sinopia
Sulla percezione visiva
Studi autorevoli sulla percezione visiva sostengono l’ipotesi
di un’idea strutturale che verificherebbe il senso d’armonia
nell’opera d’arte, configurando quest’ultima attra-

Sull’opera d’arte
L’opera d’arte, in quanto luogo delle esperienze tecniche
e psichiche, dà significato al mistero della rappresentazione
rinnovando l’evento fascinoso della nascita, prima
fase del ciclo della vita. Il suo significato introspettivo,
onirico e psicologico per un verso, intellettivo e spirituale
per un altro ne riassume in sé la dimensione sensoriale,
connotazione chiara e precisa (ma altalenante) di un
viaggio ipotetico a metà tra virtuale e reale. Enorme la
diaspora tecnica e interpretativa in cui si dipana l’opera
d’arte in rapporto al tentativo di manipolazione su cui i
grandi maestri hanno indagato: uno per tutti (e a noi non
troppo lontano) Maurits Cornelis Escher che ha descritto
con arguzia e sagacia l’inganno rappresentativo, riducendo
l’assurdo della realtà entro i limiti gestibili dall’intelligenza
umana. Tutto ciò spiega solo in minima parte la
difficoltà interpretativa dell’opera d’arte, sulla cui esistenza
ruotano le dimensioni dell’artista e dell’osservatore,
della società e della politica, degli affetti e degli incontri…
e tant’altro. Il Quid in questione, non quantificabile spazialmente
e indefinito nel tempo, è un’enorme incognita
che intercede nella dimensione misterica dell’opera d’arte,
di natura ipotetica, non verificabile nel suo assetto
figurativo.
Fabrizio Costanzo / Appunti in studio – Palermo, dicembre 2000

La Sinopia di Palermo
La Sinopia, luogo di memoria fondata dallo scultore Salvo Salvato, nasce
negli anni Ottanta come laboratorio-bottega di restauro. Fabrizio
Costanzo inizia a farne parte nel 1995, quando questa si costituisce in
Centro Arti Sperimentali.
Sette sono gli artisti del nucleo fondante: Nicola Busacca, Paolo Chirco,
Fabrizio Costanzo, Toni D’Antoni, Pino Manzella, Marcello Palminteri e
Salvo Salvato.
La Sinopia organizza la sua attività espositiva a Palermo e in provincia -
tranne Isolamata, manifestazione di punta che si svolgerà a Bari - riscuotendo
consensi di critica e di pubblico. Le mostre ospitano artisti qualificati
- molti dei quali operanti nel circuito nazionale - e sono supportate
da I quaderni della Sinopia. Negli ultimi due anni il nucleo degli artisti –
adesso formato da Fabrizio Costanzo, Toni D’Antoni e Salvo Salvato –
promuoverà un’interessante attività di ricerca sperimentale organizzando
manifestazioni e progettando la propria struttura espositiva (il serpentone),
capace di adattarsi con i suoi moduli aggregativi ai singoli luoghi
di esposizione. La Sinopia così costituita si propone come un bel
“giocattolo” che sperimenta formule e offre qualità, ma come tutti i gruppi
artistici, la sua storia avrà un andamento a parabola con un inizio, un
apice ed una fine. In ogni caso segnerà un punto fermo negli artisti che,
per primi o per ultimi, avranno creduto in essa.
L’ultima manifestazione di rilievo organizzata dal Centro Arti Sperimentali
è la Graffiti (Addaura Hotel), degli artisti siciliani contemporanei,
inaugurata l’8 maggio 1999 con Francesco Carbone. Siamo all’epilogo:
da questo momento le strade si divideranno: La Sinopia come gruppo
artistico non esisterà più ma proseguirà il suo cammino con Salvo Salvato.
Fabrizio Costanzo gestirà invece l’Addaura Art dirigendo la Graffiti
autonomamente.

Salvo Salvato presenta il catalogo De ciclo vitae di Fabrizio Costanzo nell’ambito delle iniziative de La Sinopia
PALAZZO CATALDI - Terrasini, 21 dicembre 1996

Graffiti
Gli anni della Graffiti
L’inaugurazione con
Francesco Carbone
Il 1999 segna una svolta nell’attività artistica di Fabrizio Costanzo.
Scioltasi La Sinopia, egli inizia a promuovere la Graffiti dell’Addaura
Hotel attraverso un’intensa attività espositiva. Il progetto, ideato da Costanzo,
è semplice ma ambizioso: per la realizzazione l’autore si rivolge
a Francesco Carbone, uno dei critici d’arte più rappresentativi nel panorama
culturale siciliano. Questi, dopo vari incontri sul tema, decide di
condividere il progetto espositivo di Costanzo e di seguirlo nella sua fase
evolutiva.
Il proposito è quello di istituire una mostra permanente e dinamica, una
vetrina di artisti siciliani contemporanei (o operanti in Sicilia) dentro uno
spazio espositivo diverso dalla galleria d’arte che da anni ormai è in crisi
di pubblico. L’hotel, progettato da Massimo Coraci, si presenta perfetto
per tale scopo: elegante, accogliente, all’avanguardia, ben gestito e con
parecchie migliaia di persone che annualmente vi gravitano all’interno
per diversi motivi.
La struttura della mostra prevede tre nuclei distinti ma sincronici di artisti
che espongono le loro opere nei luoghi di accoglienza dell’hotel: il primo
nucleo è composto da artisti professionisti che lavorano autonomamente
o con le gallerie di appartenenza del territorio nazionale; il secondo nucleo
è formato da giovani promesse già segnalate nell’ambiente culturale
siciliano; il terzo nucleo è rappresentato da docenti che insegnano
discipline artistiche nei vari ordini di Scuola e all’Accademia di Belle Arti.
La mostra, diretta da Fabrizio Costanzo, nasce sotto una buona stella e
Francesco Carbone, entusiasta, scriverà un testo intitolato Una mostra
esemplare, in cui esalterà la validità dell’intera operazione e la capacità
organizzativa di Fabrizio Costanzo, definendolo “intelligente e attivo operatore
culturale”. All’inaugurazione la curiosità è forte e parteciperanno
quasi tutti gli artisti invitati, critici d’arte, giornalisti, rappresentanti della
cultura ed un gran pubblico. In seguito, saranno scritti parecchi articoli
nazionali sulla mostra dell’Addaura Hotel e la Graffiti comincerà ad essere
conosciuta anche oltre lo Stretto.

Fabrizio Costanzo inaugura la mostra Graffiti con Francesco Carbone, Toni D’Antoni e Salvo Salvato
ADDAURA HOTEL RESIDENCE CONGRESSI - Palermo, 8 maggio 1999

Graffiti
Una mostra esemplare
Gli interrogativi sulle sorti dell'arte del terzo millennio si fanno sempre più pressanti e spesso anche drammatici nell'impossibilità
di fornire adeguata risposta di segni e segnali che lascino intravedere qualche indizio al riguardo. Nonostante
ciò l'arte non subisce alcun arresto, anzi un crescente numero di mostre allestite in luoghi e sedi prima del tutto
estranei a tali iniziative, dimostrano il contrario.
Questa rassegna, di notevole spessore artistico-culturale, testimonia infatti la continua validità delle scelte effettuate,
soprattutto se concepite e realizzate con rigore critico relativo alla selezione degli artisti, nonché all'interesse delle loro
poetiche e dei loro linguaggi; proprio in considerazione della presenza di noti artisti la mostra ha risposto a tali esigenze.
Ai requisiti in questione hanno badato gli organizzatori della rassegna. La direzione artistica, l'allestimento della
mostra e quant'altro attiene all'iniziativa, sono stati affidati al prof. arch. Fabrizio Costanzo, anch'egli valido artista, intelligente
ed attivo operatore culturale. L'operazione ha anche lo scopo di consentire agli artisti partecipanti di porsi a confronto
sia sul piano delle scelte poetiche che su quello delle rese linguistiche o espressive, fornendo agli studiosi nel
campo dell'arte - tra l'altro - il panorama delle tendenze artistiche offerto dalla presente proposta.
Fabrizio Costanzo ha valutato e considerato la rassegna ed il suo significato sotto vari aspetti: ha evidenziato in fondo
ciò che molti altri operatori spesso trascurano, cioè che una mostra d'arte non si può limitare ad appendere quadri o ad
esporre sculture in uno spazio, ma dev'essere nel contempo occasione di conoscenza e di approfondimento sugli
aspetti più salienti dell'arte contemporanea.
Francesco Carbone / Graffiti - Addaura Hotel. Palermo, maggio 1999

Con Francesco Carbone
ADDAURA HOTEL RESIDENCE CONGRESSI - Palermo, 8 maggio 1999

Sopra: M. Palminteri, L. La Barbera, F. Costanzo, P. Manzella, F. Lo Cascio, S. Salvato, F. Carbone, A. Lugaro, T. D’Antoni
Sotto: momenti dell’inaugurazione della mostra Graffiti - con M. Coraci e F. Carbone - Palermo, 8 maggio 1999

N. Bruno, F. Costanzo, A. Caruso, A. Affronti, P. Giambanco, E. Pagani, S. Lo Presti, N. Perricone, L. La Barbera
ADDAURA HOTEL RESIDENCE CONGRESSI - Brindisi di fine anno - Palermo, dicembre 2002

Graffiti
Addaura, graffiti d’oggi
Anche oggi, negli spazi espositivi dell’Addaura Hotel di
Palermo, si può visitare la collettiva intitolata Graffiti,
esposizione permanente d’arte visiva organizzata da La
Sinopia e dall’Addaura Art. La mostra offre una panoramica
sull’arte siciliana contemporanea e raccoglie opere
di oltre venti autori, improntate su linguaggi e tecniche
pittoriche differenziate. Curatore della mostra è Fabrizio
Costanzo…
Dario Lo Verde / Giornale di Sicilia - Palermo, 16 giugno 1999
L’arte alloggia all’ Addaura Hotel
Venti artisti siciliani selezionati da La Sinopia espongono
le proprie opere alla mostra d’Arte visiva denominata
Graffiti che è stata recentemente presentata da
Francesco Carbone presso L’Addaura Hotel di Palermo.
Gli artisti che hanno inaugurato sono: Salvatore Caputo,
Fabrizio Costanzo, Toni D’Antoni, Salvo Gurgone,
Leonardo La Barbera, Franco Lo Cascio, Stefano Lo
Presti, Achille Lugaro, Pino Manzella, Riccardo Mazzarino,
Marcello Palminteri, Gabriella Patti, Calogero Piro,
Gianni Provenzano, Daniela Riccioli, Saverio Robberto,
Salvo Salvato, Giusto Sucato, Ranieri Wanderlingh, Eva
Warnke. Il progetto espositivo nasce da una comunione
d’intenti tra l’arch. Massimo Coraci, general manager dell’Addaura
Hotel, e il prof. arch. Fabrizio Costanzo, promotore
del Centro Arti Sperimentali La Sinopia, che ha
curato l’intera manifestazione; la mostra raccoglie una
grande diversità di linguaggi e di materiali...
I viaggiatori residenti all’Addaura Hotel potranno rendersi
conto direttamente dei fermenti culturali presenti nella
nostra regione.
Arti Sperimentali La Sinopia…proprio alle soglie del terzo
millennio, momento in cui si fanno sempre più pressanti e
drammatici gli interrogativi sulle sorti dell’arte.
La direzione artistica è stata affidata al prof. arch. Fabrizio
Costanzo, egli stesso artista ed operatore culturale,
che ha proposto, a partire dall’8 maggio 1999 la rassegna
di artisti siciliani contemporanei Graffiti.
Perché questo titolo? E’ una sorta di nome magico che si
fonde indissolubilmente con il luogo preistorico in cui l’hotel
sorge; infatti, in questa zona sono state ritrovate incisioni
risalenti a circa 12.000 anni A.C. fra cui la più interessante
è ritenuta La Scena interpretata da Jole Bovio
Marconi, soprintendente alle antichità di Palermo, come
una danza rituale d’iniziazione alla pubertà o virilità, raffigurante
uomini camuffati con maschere a testa d’uccello
e becco lungo, alcuni dei quali hanno capigliatura rigonfia
e sesso accentuato (itifallia).
Anche il nome stesso del complesso l’Addaura, ovvero
l’alloro, è doppiamente augurale, primo, perché questa
pianta in Sicilia si riproduce in maniera spontanea con
estrema facilità, e ciò si spera che avvenga per i valori di
crescita individuale e sociale che l’arte porta in se, secondo,
perché sia un auspicio di verdi allori per questi interessanti
artisti siciliani, alcuni dei quali sono stati nostri
ospiti qui a Bari.
Daniela Cinti / Kantiere culturale Il Centauro - Bari, giugno 1999
Germano Scargiali / Palermo Parla - Palermo, mag./giu. 1999
Palermo, mostra permanente d’Arte visiva
all’ Addaura Hotel
Un hotel, che è anche residence e centro congressi, situato
alle falde del Monte Pellegrino, a 150 metri dal mare,
ha raccolto le preziose energie culturali del Centro

Graffiti
Graffiti
Palermo, Graffiti all’ Addaura Hotel
…Sotto la direzione artistica del prof. arch. Fabrizio Costanzo,
anch’egli autore di alcune opere della rassegna,
espongono noti artisti siciliani contemporanei scelti con
rigore critico per i linguaggi e per la carica espressiva
che permea le loro creazioni… La rassegna, permanente
e dinamica, apre la strada al confronto ed alla scoperta di
nuove forme espressive, approfondendo gli aspetti salienti,
e non da tutti conosciuti, dell’arte contemporanea
siciliana. Un simile progetto non poteva trovare sistemazione
migliore, vista la disponibilità e l’accoglienza dell’Addaura
Hotel che, facendo da contenitore alle opere, in
ampi saloni, grazie alla competenza del personale, diviene
anche e soprattutto punto d’incontro amichevole e
culturale per i visitatori.
Luigi Aco - Il Mattino - Napoli, 8 luglio 1999
Graffiti all’Addaura Hotel di Palermo
Inaugurata nel maggio scorso, la mostra permanente
d’Arte visiva Graffiti – Artisti Siciliani Contemporanei -
organizzata dal Centro Arti Sperimentali La Sinopia e
dall’Addaura Art di Palermo. Luogo scelto per ospitare
questa particolare ed interessante rassegna è l’Addaura
Hotel Residence Congressi di Palermo. Di nuova costruzione,
l’hotel prende il nome dalla pianta che rigogliosa
cresce nella zona alle falde del monte pellegrino, l’alloro,
e si pone come scopo non solo di offrire ai suoi ospiti i
migliori servizi, ma di permettere loro di conoscere più
direttamente la cultura siciliana: sia nella scelta del luogo
in cui sorge, ricco di ricordi risalenti alla preistoria, sia
nella capacità di proporre iniziative con cui valorizzare le
numerose risorse dell’isola.
Chiaro esempio è proprio la rassegna, permanente e
dinamica che, nell’avvicendarsi degli artisti e delle opere,
apre la strada al confronto ed alla scoperta di nuove forme
espressive e di particolari scelte poetiche…
Graffiti, un nuovo concetto di esporre
…Gli autori invitati provengono in parte dall’Accademia di
Belle Arti di Palermo (lo stesso direttore e i docenti) e in
parte da varie gallerie che hanno gentilmente concesso ai
loro artisti di poter intervenire per l’occasione. Sono presenti
inoltre giovani autori, bravi, ma relativamente conosciuti.
E’ stato esposto un vasto repertorio di linguaggi
visivi, opere eseguite con tecniche tradizionali e innovative.
Qualche esempio: sculture e micro sculture in pietra
arenaria o in vetro e ferro, libri-oggetto in legno e carta
con applicazioni di chiodi, rulli in pergamena decorati e
girevoli, una maternità in terracotta con lumino che si
accende, un trittico in legno che si apre e si chiude…
La mostra, presentata dal noto critico d’arte prof. Francesco
Carbone, è stata ideata dal direttore artistico prof.
arch. Fabrizio Costanzo, che ha pensato, per l’occasione,
ad un nuovo concetto di esporre: la Graffiti, infatti, ha
carattere permanente e dinamico con rotazione periodica
di opere ed artisti…
Carlo Della Valle / Il Notiziario dell’Accademia Internazionale d’Arte
Moderna – Roma, apr./giu. 1999 n° 48
Luigi Aco - Il Messaggero - Roma, 25 giugno 1999

Graffiti
Mostrare, più che promuovere
Graffiti è il frutto di un’idea nata con l’intento di mostrare, più che di promuovere, il vasto e variegato panorama artistico
siciliano - una vetrina - come la definisce lo stesso Fabrizio Costanzo, promotore e direttore artistico di questa insolita
mostra, stabile e continuamente aggiornata sia negli artisti che nelle opere, che presenta al visitatore - turista, frequentatore
di convegni o altro - un assaggio di quella che è l’arte, autoctona o di importazione, in questa terra. Per ottenere
un risultato positivo, all’interno dell’Addaura hotel, sono state individuate, le zone di maggior transito nelle quali potere
collocare le opere, in modo da rendere quasi obbligatoria la visibilità delle stesse. Nutrito il numero degli artisti partecipanti
che fornisce una pluralità di linguaggi e di poetiche artistiche contemporanee inerenti la fertile produzione territoriale
presente nell’isola.
La storia ufficiale di Graffiti prende l’avvio l’8 maggio 1999 con la partecipazione attiva del compianto critico d’arte
Francesco Carbone. Allora gli artisti erano 20, oggi hanno raggiunto il numero di 42. Un crescendo di presenze quindi,
che, seppur selezionate, hanno subito un’impennata dovuta al grande interesse riscontrato verso questa singolare iniziativa.
Sostanzialmente però, da quel 23 dicembre 1999 la vetrina ha subito poche modifiche concettuali, mantenendo
invariati gli intenti e l’idea di base. Inizialmente il progetto prevedeva l’allestimento di tre sezioni dedicate rispettivamente
agli artisti professionisti, ai docenti dell’Accademia di Belle Arti e ai giovani (dai 30 ai 40 anni), ma con il passare del
tempo questi ruoli si sono mischiati rendendo quasi nullo lo schematismo iniziale. Tele, disegni e incisioni, installazioni
di matrice figurativa, astratta, informale e quant’altro fanno compagnia allo spettatore attento o al fugace frequentatore
dell’hotel accompagnandolo nella sua deambulazione da un luogo all’altro. Generi così tanto diversi tra loro si ritrovano
accomunati in uno spazio fisico che pretende da questi la perfetta simbiosi con lo spirito del luogo, che ne condividano
le emozioni e lo stile e non dimentichino l’importanza storica del territorio (ricordiamo che l’albergo sorge in prossimità
delle grotte dell’Addaura, alle falde di Monte Pellegrino e quasi in riva al mare, dove sono stati ritrovati, in tempi passati,
dei graffiti risalenti a circa 12000 anni A.C., da qui il nome del complesso e dell’iniziativa culturale). L’idea di un albergo,
che fosse al contempo un luogo di cultura, nacque dall’architetto Massimo Coraci, progettista e proprietario
dell’Addaura hotel, che istituì l’Addaura Art. Quando tempo dopo, nel 1998, egli conobbe l’architetto Fabrizio Costanzo,
pittore e promotore del Centro Arti Sperimentali La Sinopia di Palermo, sviluppò con questi il progetto che da tempo
inseguiva. L’anno successivo i due, avvalendosi della professionalità e dell’autorevolezza del critico d’arte Francesco
Carbone, cominciarono un’opera di epurazione nei riguardi dei dipinti e di una parte di autori già presenti nelle sale
dell’albergo. Vennero così sostituiti gli artisti e rivisitata la gestione della rassegna in virtù dell’idea innovativa. L’8 maggio
1999, finalmente, l’idea divenne realtà (…). Dal novembre 2000 l’intero progetto espositivo è patrocinato dall’Accademia
Internazionale d’Arte Moderna di Roma e dall’aprile 2002 è possibile seguirlo anche via internet. Un’altra caratteristica
del progetto è quella di fornire agli artisti un luogo d’incontro dove discutere e confrontarsi in un piacevole contesto
alberghiero.
A distanza di tre anni, parecchi articoli sono stati scritti in Italia sulla Graffiti. L’impegnativo cammino intrapreso da Fabrizio
Costanzo è proseguito confermando l’intento iniziale e consentendo alla rassegna, unica nel suo genere, di vivere
nel tempo mutando aspetto e artisti.
Vinny Scorsone / Addaura Hotel - Palermo, 4 aprile 2003 (da un’intervista a Fabrizio Costanzo per la rivista Artefile)

Graffiti
Tasselli di bellezza
Scelte poetiche, manierismo linguistico, studiati comportamenti e manifestazioni espressive spingono l’ingegnosa creatività
a completare la ricerca ed esprimere ancora una novità da perseguire nella forma e nel colore.
Il Giornale di Sicilia, nella pagina di cultura del 9 dicembre 2004, nel presentare l’ultimo mio libro Incontri con gli artisti
mi ha definito “il burocrate che ama il bello”, infatti, la ricerca della bellezza è stata ed è la costante riflessione della mia
ricerca artistica, cadenzata nel tempo, rapportata a luoghi, persone e circostanze, oggi…al contesto della Graffiti come
punto di riferimento culturale ben preciso nella nostra città. La Permanente, voluta e diretta da Fabrizio Costanzo, presenta
“il bello” nelle tante sfaccettature degli autori. Inaugurata l’8 maggio 1999 dal Centro Arti Sperimentali La Sinopia
di Palermo (Fabrizio Costanzo, Toni D’Antoni e Salvo Salvato), da Francesco Carbone e da Massimo Coraci… oggi è
più che mai viva! Il segreto di tanta audience è l’unione di più elementi: i critici che spontaneamente hanno scritto sulla
Graffiti, le prestigiose testate giornalistiche nazionali che hanno dato voce a questa singolare idea progettuale, il patrocinio
dell’Accademia Internazionale d’Arte Moderna di Roma, il catalogo Scirocco degli artisti siciliani contemporanei,
miostudio che per primo ha creduto nell’aspetto virtuale della Graffiti diffondendola, attraverso internet, in varie parti del
mondo (in Oriente soprattutto, avviando uno scambio culturale assai interessante), in ultimo, nel 2005, Pittorica, che ha
stretto con Graffiti una collaborazione fattiva. Possiamo affermare che oggi a Palermo, Graffiti & Pittorica offrono un
ventaglio espositivo d’ampio respiro che coinvolge professionisti affermati, autori noti e giovani talenti. I tasselli di bellezza
della Graffiti sono diventati le voci degli artisti che, compatti, hanno formato un mosaico compiuto, ben strutturato
e corroborato nel tempo. Nelle sale dell’Addaura Hotel è così emersa la varietà dei linguaggi espressivi, un mondo
interiore in cui gli artisti hanno reso al meglio la forma figurativa esprimendo i loro sentimenti, evidenziando dialettiche
incentrate sul valore estetico universale.
Tra i tanti aspetti positivi di tale iniziativa ne vorrei sottolineare uno, quello dell’ospitalità, che qui, all’Addaura Hotel è
subito apparsa palese grazie alla gestione professionale degli architetti Silvana Moncada e Massimo Coraci che hanno
accolto la mostra e gli artisti con affetto e simpatia. Qui, in albergo, espositori e opere si susseguono ogni giorno, sollecitando
l’osservatore alla riflessione ed alla curiosità, invogliandolo culturalmente, coinvolgendolo emotivamente in una
dinamica espositiva sempre nuova.
Giuseppe Mendola / Addaura Hotel - Palermo, febbraio 2005

Il Cielo dentro la memoria
L’occasione è propizia per parlare di Palermo, ma soprattutto del suo bellissimo (anzi eclatante) spazio culturale consegnatoci
dalla storia e filtrato attraverso i secoli. Santa Maria dello Spasimo s’identifica con la recente rinascita della
città ma anche con il travaglio di cinque secoli di storia e di cultura locali.
Oggi, il complesso è riemerso grazie ai lavori di restauro iniziati nel 1988 e rappresenta uno dei luoghi artistico-culturali
di primo piano della città. Il visitatore che vi entra dentro è subito rapito da un senso di stupore che solo un luogo magico
come questo può emanare; due sono i parametri imprescindibili che occorre considerare se si vuole analizzare la
struttura architettonica (dopo avere tralasciato la meraviglia): la memoria e la reinvenzione. La prima ci riporta alla data
del 1506, anno in cui il giureconsulto Girolamo Basilicò aveva fondato un monastero per i Padri di Monte Oliveto dentro
il rione della Kalsa a Palermo. Nel 1573 la presenza dei pirati turchi che minacciavano la città indusse il vicerè spagnolo
a potenziare le opere di difesa della città e, in tal modo, la vecchia cinta muraria costituita da torri e cortine venne
rinforzata con grandi bastioni a forma pentagonale, uno dei quali ricadenti proprio nel luogo dove sorgeva il monastero
degli Olivetani. Questi ultimi, di conseguenza, dovettero abbandonare la sacra struttura ed ebbero in cambio il monastero
di Santo Spirito, fuori dalle mura, dove oggi sorge l’omonimo cimitero. In seguito, chiesa e monastero furono acquistati
dal Senato palermitano e trasformati in magazzini. Nella chiesa, successivamente adibita anche a pubblico
teatro, vennero eseguite sacre rappresentazioni. Arriviamo adesso al nocciolo della questione. Perché allora l’intero
complesso conventuale (chiesa, ospedale e magazzini comunali) venne denominato Lo Spasimo? Il motivo affascinante
risiede in un quadro che, nel 1516, il giureconsulto Basilicò aveva commissionato al grande Raffaello Sanzio per la
chiesa costruita anni prima, intitolato appunto Spasimo di Sicilia. Il Vasari ci racconta le peripezie dell’opera rivelandoci
che, durante il trasporto del quadro stesso, da Roma in Sicilia la nave naufragò subito dopo essere uscita dal porto;
miracolo volle che il dipinto si salvò, imballato ottimamente e, galleggiando, attraverso le onde giunse a Genova. I Padri
Olivetani, così, recuperarono la preziosa opera che venne finalmente collocata nella chiesa dello Spasimo. Quando,
nel 1573 i Padri Olivetani si dovettero trasferire altrove per il motivo anzidetto, portarono via anche il quadro di Raffaello.
Nel 1661, un certo Giovanni Dies volendosi procacciare il favore del viceré Ferdinando D’Ayala, approfittando di una
situazione turbolenta ed in maniera alquanto scorretta, regalò il dipinto al viceré che a sua volta lo donò al re Filippo IV.
Quest’ultimo, per disobbligarsi, promise quattromila scudi al convento e cinquecento al priore Staropoli, ma, furbescamente,
il compenso non fu mai pagato. Le suppliche dei Padri Olivetani furono tante e durarono fino al XIX secolo.
L’opera, ancor oggi, è in territorio spagnolo, esposta al museo del Prado di Madrid.
In questo incredibile luogo ho assaporato il fresco di una caldissima mattina di agosto. Ho condiviso le sensazioni, gli
odori, gli umori ma anche la storia, la memoria e le invenzioni dello Spasimo, consapevole del fatto che la perfezione di
una architettura non scaturisce da una formula matematica, ma dalla magia della sua spazialità. La chiesa, concepita
come luogo chiuso e con una sensibilità tardo gotica, oggi ha mantenuto il suo fascino e la sua coerenza, pur avendo
modificato l’assetto strutturale di alcune parti (attualmente, infatti, è un luogo aperto o semiaperto e non ha la copertura).
L’architettura cinquecentesca, sorge come una cattedrale nel deserto, adagiandosi sul tessuto urbanistico di un
centro storico ferito e lacerato in più punti. L’intervento di Daniel Buren, artista di fama internazionale, è oggi il pretesto
per parlare ancora una volta dello Spasimo. Il suo progetto (la reinvenzione – secondo parametro di analisi) intitolato A
cielo aperto, lavoro in situ - ribadisce la vitalità del luogo con la conseguente capacità camaleontica di trasformarsi ma
anche di adattarsi alla particolare visione espressa dall’artista francese. In verità il suo intervento, nel fittizio gioco di
specchi, moltiplica i punti di vista da cui godere della bellezza del sito, coinvolgendo psicologicamente il visitatore che
avvia un dialogo emozionale e fisico con tale spazio. Lo stesso accade, nella chiesa, per i pannelli colorati che contrastano
significativamente (ma non violentemente) con le monofore, e per le bande metalliche in bianco e nero che ricoprono
l’intradosso degli archi: in entrambi i casi è accentuata la lettura dei pieni sui vuoti della struttura, ma non è alterata
la spazialità dell’insieme in cui il cielo entra dentro la memoria storica del sito. In conclusione, Palermo è viva e Lo
Spasimo ne è la prova tangibile. La città si sta trasformando in un laboratorio artistico permanente ed efficiente e l’Officina
delle Arti Contemporanee testimonierà, in futuro, lo sviluppo di un percorso culturale autonomo.
Fabrizio Costanzo / Il Notiziario dell’A.I.A.M. (Roma) – Notizie dal Mondo dell’Arte - Ed. cartacea n°51 (gen./mar. 2001) - Ed. telematica dic. 2000

Daniel Buren - A cielo aperto - lavoro in situ
SANTA MARIA DELLO SPASIMO - Palermo, ottobre 2000

L’artista e la bottega medioevale...sempre attuale
Proviamo a dare uno sguardo alla civiltà del passato soffermandoci, in particolare, su di un preciso momento storico,
buio per alcuni, attivo e pieno di prospettive per altri: il Medioevo. Tali considerazioni partono, neanche a dirlo, dall’universo
artista, pieno di problematiche anche in quel tempo; questi, pittore, scultore o architetto che fosse, viveva all’interno
di un meccanismo perverso che ne azzerava la professionalità e la libertà espressiva, relegando la sua attività
sociale ad una dimensione di secondo piano, comune a molte altre. La condizione culturale era così bassa che nessun
esponente dell’alta borghesia o della nobiltà avrebbe mai pensato di intraprendere tale strada. Istituzionalmente l’artista
doveva far parte di una corporazione che, in apparenza, lo proteggeva e lo preservava da ingiustizie palesi: in realtà
tanti erano gli oneri e le regole che doveva seguire, inesistenti gli onori. Il pittore apparteneva alla corporazione dei
Medici e degli Speziali così come i mercanti di colore, i medici, i farmacisti e i commercianti di prodotti vari. Scultori ed
architetti, ancor più giù, appartenevano alla corporazione minore dei Muratori e dei Carpentieri. Il pittore, sembrava
quindi quello messo meglio, ma in realtà il suo potere di contrattazione all’interno della corporazione era assai relativo
in quanto si configurava come semplice sottoposto dell’arte al pari dei macinatori di colori e degli imbianchini, senza
avere alcuna parte attiva nel sistema. La situazione per il pittore però, gradualmente, sembrò migliorare dalla metà del
Trecento in poi, e si assistette a continui segnali d’indipendenza e di dinamicità di questi, tali da arrivare, in seguito,
persino alla riunione autonoma come dipintore e a far parte della Compagnia di San Luca (Firenze), un’importante confraternita
religiosa di laici. Il pittore quindi, emancipato rispetto allo scultore ed all’architetto, cominciò ad organizzarsi in
maniera sempre più qualitativa mostrando un estremo rigore procedurale nella pratica didattica.
La bottega era organizzata capillarmente e considerata l’ombelico del mondo. Tutti gravitavano attorno ad essa: apprendisti,
giornalieri, aiuti, gente comune, artisti vari, ricchi borghesi, ordini monastici, nobili, ecclesiastici ecc.. Nella
bottega si realizzavano oggetti di diverso tipo perché l’artista, avendo una formazione poliedrica, riceveva le commissioni
più disparate, dall’affresco alla gualdrappa da cavallo, dalla pala d’altare agli stendardi e ai cortinaggi, solo per
fare qualche esempio. Il pittore iniziava come apprendista presso un Maestro della corporazione; qui, con un approccio
graduale, imparava il mestiere e la disciplina, cominciando, com’è ovvio, dalle mansioni più umili, prime fra tutte la
macinazione dei colori e la preparazione delle tavole. Per anni seguiva il proprio Maestro con impegno e dedizione
senza avere la possibilità e la coscienza di dipingere autonomamente. Solo in seguito l’apprendista-pittore poteva copiare
i capolavori del Maestro e impararne tutti gli espedienti. La corporazione prescriveva anche i colori da usare e
quelli da bandire (ad esempio era proibito il blu di Prussia e concesso invece il blu oltremare, che peraltro insieme al
color oro era fondamentale e molto caro).
Nel Medioevo il rapporto artista-committente era sintomatico della società di quel periodo: non esisteva la cosiddetta
libertà artistica così come la intendiamo oggi e, chi commissionava, si aspettava dall’artista esattamente la trasposizione
pratica del suo pensiero senza divagazioni di sorta. Solo il sommo Giotto, riconosciuto unanimemente e celebrato
fin dai tempi, poteva esprimere il suo genio liberamente (ma sempre entro certi limiti). Il rapporto artista-committente
era quindi unilaterale e poco (o per niente) democratico, e come tale equiparato ad un qualsiasi rapporto tra l’autorità e
l’operaio subordinato. Il committente poteva inoltre esigere un eventuale risarcimento dall’artista se il prodotto finale
non lo soddisfaceva, in virtù del fatto che era l’unico a potere sostenere l’onere per le procedure. Tutto questo potrebbe
far pensare che i contratti stipulati fossero superficiali nella loro stesura: nient’affatto! – Molti aspetti del prodotto da
realizzare erano ben definiti ed evidenziati: dimensioni, materiali, numero delle figure e ancora, compensi, termini del
pagamento, scadenze di consegna dell’opera. L’artista doveva accollarsi le spese del salario dei lavoranti della bottega
e, spesso, dei materiali occorrenti per eseguire l’opera. E’ facile, a questo punto trarre la conclusione che l’artista beneficiava
ben poco del fatto di potersi riunire all’interno della corporazione dovendo sottostare a contratti così pesanti.. La
voglia di arricchirsi o di stare bene economicamente, anche a quei tempi, doveva essere forte per la categoria, ma le
somme elargite dai committenti erano quasi sempre esigue e non permettevano all’artista di condurre una vita agiata;
pare addirittura che, nel caso di commissioni monastiche, il pagamento avvenisse in natura.
Queste le considerazioni sul periodo storico preso in esame; sorge spontanea una domanda: potrebbe essere valida,
oggi, un’organizzazione didattico-professionale così strutturata? Una sorta di fabbrica delle idee dove artisti dalla formazione
completa rispondono ad ogni tipo di richiesta del committente più o meno ricco ma pur sempre esigente?
La storia ci insegna che qualcosa di simile è già stato sperimentato in Germania con la scuola Bauhaus di Weimar…

ma quella è stata tutta un'altra storia.
Sognare è lecito e, aggiungerei, non sempre utopistico. Per tale motivo, nonostante la società del 2000 ci impone di
andare avanti nell’ottica del pixel, penso che una sana velatura di nostalgia non ci danneggerebbe. L’immagine dell’artista,
maestro di bottega è anacronistica ma perseguibile, così come quella dell’artista-apprendista che con modestia
impara il mestiere senza vergognarsene, soprattutto, senza pensare di saltare le tappe obbligatorie, insostituibili, della
sua formazione di uomo e di artista-professionista. Spesso, la velocità d’intenti e di tempi e la “fretta commerciale”
(tanto per intenderci), sono gran brutte bestie che ci stressano; occorre andare avanti, intuendo che i “tempi biologici”
sono necessari anche per l’opera d’arte e che l’artista-demiurgo, oggi come ieri, ha l’obbligo morale di rispondere
alle richieste più disparate con qualità e preparazione, a volte a voce bassa, altre volte in silenzio, in una società, quella
odierna, che preferisce urlare ed esprimersi in forma eclatante pur di stupire e di raggiungere il sospirato indice di
ascolto.
Fabrizio Costanzo / Il Notiziario dell’A.I.A.M. (Roma) – Notizie dal mondo dell’arte - Ed. cartacea ed Edizione telematica dicembre 2001

Graffiti
Nel Castello
L’Addaura Art, nel panorama delle iniziative d’arte per il turismo, sposta il baricentro della sua azione a Carini, ospite
del Comune, nel bellissimo castello appena restaurato che profuma ancora d’arte e di storia. Il maniero, il cui aspetto
attuale è quello del XVI secolo, si presenta massiccio, con mura di pietra alte e compatte, torrioni circolari e quadrati,
un vasto cortile interno con vari ambienti intorno, una scala che porta al piano superiore e altri elementi che connotano
e denotano un luogo fisico… e di sentimenti. Suggerisce materia, geometria, raccordo funzionale, concatenazione
strutturale, sintesi di linguaggio, simbologia, metafora: tutto oltrepassa la pura sfera visiva per assurgere a parametro
psicologico ed emotivo, stimolo e carica creativa. A completare il quadro di per sé complesso, il castello si lega alla
storia della Baronessa di Carini, Laura Lanzi, uccisa dal padre, come racconta un poemetto in lingua siciliana: il fatto
ha dato fama al luogo ed è stato ampiamente pubblicizzato dai mass-media… insomma gli elementi identificativi del
luogo ci sono tutti, storico-artistici, scenografici e spaziali, spettacolari, sentimentali. Il castello, architettura sicura e
ambiziosa, testimonia ancor oggi le azioni degli uomini che si perpetuano attraverso i secoli.
La collettiva organizzata a cura della Delegazione A.I.A.M. di Palermo, propone i nomi già noti del Gruppo Graffiti
dell’Addaura Hotel di Palermo. Tanti gli artisti di primo piano gravitanti nel giro dell’Accademia di Belle Arti di Palermo e
dell’Accademia d’Arte Moderna di Roma e, oltre la metà, recentemente storicizzati da Nicolò D’Alessandro nella prestigiosa
Storia della Sicilia di Editalia – Gruppo Istituto Poligrafico e Zecca dello Stato, tutto ciò a conferma, se ce ne fosse
bisogno, della qualità degli artisti selezionati e delle opere oggi presenti alla mostra-evento di Carini. L’aspetto che
sicuramente vale la pena sottolineare è quello relativo al fatto che una collettiva, di solito, presenta un numero di pittori
e scultori non sempre bene assortito, che si conoscono poco o niente pur esponendo spalla a spalla: qui invece il gruppo
sta insieme da circa tre anni, ogni giorno, vivendo lo spazio fisico e di relazione dell’Addaura Hotel di Palermo.
Il luogo, quindi, ancora una volta unisce gli autori, li sprona a conoscersi, a confrontarsi, a dialogare, diventando sinonimo
d’identità nel momento stesso in cui gli artisti s’identificano con esso. Il castello di Carini certamente si pone in questi
termini, rendendo pubblico il suo spazio fisico, esaltandolo se è il caso, porgendolo a pittori e scultori in un confronto
continuo e sinergico di azioni e d’idee. Abbiamo superato il Duemila, ma gli uomini (e gli artisti in particolare), pur se
proiettati verso il futuro globalizzante, dimostrano di essere legati sentimentalmente al luogo inteso come entità spaziotemporale,
memoria affettiva: apprezzano il presente senza rinnegare il passato, condizione unica e lecita per guardare
il futuro.
Fabrizio Costanzo / Carini, 9 settembre 2001

Fabrizio Costanzo presenta la mostra con il Sindaco di Carini Gaetano La Fata
Nel Castello - CASTELLO DI CARINI - 9 settembre 2001

Graffiti
Nel Castello - artisti siciliani contemporanei
Lontana dall’ordine generalizzante d’una possibile tendenza o da sterili pretese stilistiche, una mostra come questa,
voluta e coordinata dall’intelligente pittore e operatore culturale Fabrizio Costanzo, trova forza e carattere nell’assenza
di un linguaggio dominante superandone le barriere e offrendo un panorama ampio e diversificato sull’attuale produzione
artistica siciliana. Il nutrito numero di presenze permette di verificare, accanto alle esperienze di artisti la cui fama è
ormai consolidata, quelle delle generazioni più vicine, proponendo l’analisi su personalità maturate in contesti differenti,
ma tutte capaci di avvertirci dell’aderenza di ciascuno al proprio tempo e soprattutto della capacità di confrontarsi con
la complessità del mondo contemporaneo. Tale ampiezza di riferimenti rintraccia, in un percorso che comprende grafica,
pittura e scultura, il senso della convivenza poetica, cioè di uno sviluppo che basa le ragioni d’un esistere sulla qualità
del fare, testimoniando peraltro la costante vitalità dell’esercizio dell’arte…
Marcello Palminteri / Nel castello – Carini, settembre 2001
Nel castello
Trentatrè artisti siciliani contemporanei espongono le loro creazioni al Castello di Carini, una mostra diretta e coordinata
dal pittore Fabrizio Costanzo che, per l’occasione, ha voluto evitare tematiche e connotazioni specifiche per offrire
un ampio ventaglio di opere frutto della creatività degli artisti siciliani contemporanei. Questi i noti artisti presenti: Antonella
Affronti, Nino Bruno, Nicola Busacca, Salvatore Caputo, Roberto Cavallaro, Paolo Chirco, Fabrizio Costanzo,
Egidio Cotroneo, Rosetta D’Alessandro, Toni D’Antoni, Marcello Follari, Pippo Giambanco, Manlio Giannici, Anna Kennel,
Leonardo La Barbera, Sonia Lo Bue, Franco Lo Cascio, Stefano Lo Presti, Achille Lugaro, Pino Manzella, Riccardo
Mazzarino, Elena Pagani, Gabriella Patti, Antonino G.Perricone, Francesco Pintaudi, Calogero Piro, Gianni Provenzano,
Daniela Riccioli, Giuseppe Simonetti, Giusto Sucato, Totò Vitrano, Vincenzo Vinciguerra, Eva Warnke.
La mostra, realizzata con il patrocinio dell’Assessorato Cultura e Turismo del Comune di Carini, è stata organizzata in
collaborazione con l’Accademia Internazionale D’Arte Moderna di Roma e con L’Addaura Art di Palermo.
Corrado Lo Piccolo / Servizio per il TG di Tele Occidente – Montelepre
Nel castello – Carini, 13 settembre 2001

Graffiti
Nel Castello
Parliamo adesso di pittura.
Domenica, e fino al 16 Settembre 2001, si potrà ammirare la rassegna di 33 artisti siciliani contemporanei. Noi ne abbiamo
parlato con l’organizzatore e artista della singolare iniziativa, il prof. arch. Fabrizio Costanzo.
- Professore Costanzo, qui al castello di Carini, una rassegna di 33 artisti: cosa vogliono rappresentare?
- Anzitutto se stessi attraverso il loro linguaggio. Questi artisti costituiscono già un gruppo di professionisti ben consolidato
che proviene dall’Addaura Hotel di Palermo. Lì, con Francesco Carbone, abbiamo condiviso un progetto espositivo
che oggi include una quarantina di autori, con formazioni differenti: una parte proviene dall’Accademia di Belle Arti
di Palermo, un’altra appartiene alle gallerie, un ultimo gruppo è costituito da giovani artisti che si sono già distinti nel
campo delle arti visive.
- Lei mi diceva che molti autori hanno un’esperienza artistica di un certo valore, comunque sono conosciuti fuori dalla
Sicilia…
- Si, molti dei nostri artisti sono già conosciuti in Italia o all’estero. Sono da esempio quasi tutti i pittori e gli scultori oggi
presenti a Carini. Uno degli obiettivi che noi dell’Addaura Art intendiamo portare avanti è la divulgazione del nostro
gruppo fuori dall’isola: era anche il sogno di Francesco Carbone… Oggi il sogno è diventato realtà perché la Graffiti
dell’Addaura Hotel è conosciuta, stimata e patrocinata dall’Accademia Internazionale d’Arte Moderna di Roma e da
questa divulgata in varie parti del mondo.
- Perché il castello di Carini?
- Il castello di Carini è indubbiamente un luogo di memoria; noi abbiamo voluto intitolare la mostra semplicemente “Nel
castello” in quanto omaggio al luogo stesso. Nell’era della globalizzazione l’artista dimostra di essere ancora legato al
luogo: noi dell’Addaura Art ci ritroviamo in un hotel in quanto architettura contemporanea, il castello, invece è un luogo
di memoria. Nel momento stesso in cui il luogo di memoria condivide la propria esperienza con quella degli artisti di
oggi e, in generale, con l’arte contemporanea, la simbiosi che ne deriva diventa un fatto assolutamente lecito e identificativo.
Partinico – TV 7 / Intervista per il TG7 - Carini, 11 settembre 2001

Nel Castello
CASTELLO DI CARINI - 9 settembre 2001

Sopra e sotto: A.Perricone, M.Coraci, P.Chirco, R.D’Alessandro, A.Lugaro, F.Costanzo, M.Palminteri, G.Sucato
P.Giambanco, E.Warnke, A.Affronti, G.Patti, G.Simonetti, M.Follari, N.Busacca, P.Manzella, F.Pintaudi, E.Pagani

Arte & Mestieri nella Conca d’Oro
Arte, storia e cultura: le potenzialità del patrimonio artistico, storico e culturale di Altofonte nella Sicilia d’oggi.
Il territorio, luogo di esperienza delle risorse umane (produttive e culturali), esprime la capacità di autogestirsi e di autorappresentarsi
attraverso un lavoro di rete utile e indispensabile per la sua stessa sopravvivenza, impiegando tutte le
potenzialità in atto affinché verifichi il fatidico passaggio da “semplice porzione di terra… a luogo delle attività produttive”
– Zingarelli).
La capacità autorappresentativa è da intendersi come abilità progettuale, volontà ferma e decisa di costruire il dato
culturale attraverso varie componenti ambientali e storiche in grado di evidenziare, sia il carattere di memoria del luogo
che la sua esigenza di proiettarsi nel futuro. In quest’ottica è lecito pensare ad una gestione intelligente del territorio,
che non può e non deve continuare a sopravvivere perché il rischio è quello di essere dimenticato.
L’esperienza odierna di Altofonte, è un chiaro esempio di congruo utilizzo delle risorse in atto nel territorio. Sponsor
privati ed Enti pubblici vanno a braccetto, cooperano, si cercano, trovano aiuto e spinta nell’istituzione didattica di ogni
ordine e grado, nei commercianti, nella gente comune: tutti devono bere alla stessa fonte, vivere il luogo respirandone
l’atmosfera culturale: occorre proporre un’attrattiva interessante e piacevole al visitatore del comprensorio, della provincia,
dell’Isola, turista o altro, trovando un pretesto utile per farlo giungere fin qui. Il pericolo, va detto subito, è quello di
creare un oggetto culturale troppo prezioso per Altofonte, un oasi nel deserto, bella a vedersi ma utilizzabile solo per
pochi: bisogna, al contrario, seminare tutto il territorio, far sì che l’evento abbia consistenza e continuità, venga assimilato
naturalmente e senza forzature, affinché ne diventi parte integrante; il processo dovrà essere innescato con cura e
meticolosità per riuscire ad andare avanti da solo, entrando dentro le case della gente ma soprattutto nei loro pensieri.
Solo allora il territorio comincerà a diventare interessante e acquisterà potere di contrattazione spendibile in termini di
fiducia reciproca, di ricerca culturale e di ritorno economico.
Altofonte e Addaura, situazioni territoriali, storiche e ambientali così diverse ma limitrofe a Palermo, sono confrontabili
perché entrambe traggono spunto e linfa dalla memoria del luogo: i normanni ad Altofonte, i graffiti all’Addaura…ma
non solo. I segni del territorio, ivi compresi quelli paesaggistici e urbanistici, devono essere integrati e supportati da altri
segni forti, opportunamente tarati e verificati durante l’iter procedurale, come ad esempio la costituzione di una pinacoteca
organizzata in maniera dinamica e moderna: un esempio tra i tanti che mi vengono in mente è il museo polifunzionale
Mirò di Barcellona, organizzato in varie sezioni con all’interno sale destinate alla didattica di ogni ordine e grado,
laboratori per la sperimentazione contemporanea degli artisti del territorio, aule convegno, biblioteca, uffici computerizzati
per la ricerca virtuale in campo artistico e, naturalmente, locali per l’esposizione delle opere. Certo questo è un
esempio volutamente eclatante e provocatorio a cui vi ho accennato, ma non andando troppo lontano potrei suggerirvi
tanti altri esempi, a noi vicini, sicuramente applicabili ad Altofonte con un‘opportuna opera di ridimensionamento progettuale.
Penso all’esperienza calabra del paesino di Falerna, che ha visto protagonisti artisti provenienti dall’intero
territorio nazionale per decorare porte e portali delle case degli abitanti del luogo; l’interessante formula di Una farfalla
sul mare nell’isola di Favignana con la performance didattico-espressiva dei pittori che hanno realizzato gigantesche
tele per poi donarle alla pinacoteca Comunale; le molteplici esperienze artistiche di tanti altri centri urbani che sono
venuti alla ribalta per la realizzazione di murales, arredi urbani di ogni tipo o gli esempi ormai famosi di Gibellina e della
Fiumara d’arte; in ultimo Graffiti a Palermo, nata in punta di piedi (ma con chiari intenti) ad opera del sottoscritto, di
Massimo Coraci e di Francesco Carbone e che oggi fornisce un valido modello espositivo sotto forma di struttura organizzativa,
sperimentazione e valorizzazione del luogo di appartenenza.
Queste e tante altre esperienze dimostrano inequivocabilmente che non basta e non serve organizzare una mostra o
un convegno, seppur interessanti, per identificare un luogo: occorre ben altro, la continuità soprattutto, la perseveranza
nell’obiettivo da raggiungere, la convinzione di poter operare bene senza pretendere un risultato evidente ed istantaneo.
Bisogna aver chiara la differenza fra mostra e progetto culturale: la prima attua un’esperienza limitata nel tempo,
programmata per avere un apice e poi esaurirsi (struttura a parabola). Il secondo, è un vero e proprio progetto che
nasce e si sviluppa nel tempo, duraturo o ciclico con risultati non riscontrabili che a lungo termine, che investe in cultura
ed in economia configurandosi con un ritorno d’immagine dello stesso tipo.
In quest’ultima ottica, il convegno odierno ha senso solo se fa il punto della situazione, propone strategie, si arricchisce

di nuovi elementi, diventa, insieme al progetto espositivo, segno forte e permanente, rappresentativo ed identificativo
del contesto in cui opera.
Fabrizio Costanzo / Arte, turismo e territorio: Graffiti, un percorso alternativo di gestione delle risorse (da un intervento/relazione al convegno)
ABBAZIA CISTERCENZE, Altofonte, 11 maggio 2002
Il Notiziario dell’A.I.A.M. (Roma) – Notizie dal mondo dell’arte - Edizione cartacea n°55 (gen./mar. 2003) ed Edizione telematica

Fabrizio Costanzo inaugura la mostra-convegno con Cesare Onorato
Arte & Mestieri nella Conca d’Oro - PALAZZO RUGGERIANO - Altofonte, 11 maggio 2002

Fabrizio Costanzo incontra il sindaco di Altofonte Salvatore Corsale
Arte & Mestieri nella Conca d’Oro - PALAZZO RUGGERIANO - Altofonte, 11 maggio 2002

Graffiti e Addaura Art: dal binomio Arte -Turismo alla sperimentazione espositiva
Graffiti, un nome, un luogo, una tecnica, una memoria culturale e storica, una mostra: la nostra.
Una sperimentazione visiva e organizzativa diventata realtà grazie all’impegno congiunto del sottoscritto (promotore
del progetto e direttore artistico della mostra), del compianto critico d’arte e artista Francesco Carbone (figura di primo
piano nell’arte visiva e nell’organizzazione di eventi culturali), di Massimo Coraci che, da manager e progettista del
luogo dove ha sede la mostra permanente, ha concepito l’Addaura Hotel Residence Congressi di Palermo come una
struttura alberghiera polifunzionale in grado di ospitare artisti ed opere d’arte. Un progetto espositivo che ha preso forma
e consistenza grazie all’accuratezza e alla pazienza con cui sono state collocate le tessere-puzzle dell’immagine.
E’ così che, in un grande contenitore, abbiamo messo tutta la nostra professionalità, l’esperienza fin qui accumulata e
una buona dose d’inventiva, doti queste, che non guastano mai. Abbiamo coinvolto giovani e valenti artisti, pittori professionisti
delle gallerie, l’Accademia di Belle Arti di Palermo con in testa il suo direttore Stefano Lo Presti; abbiamo
trovato lo sponsor ufficiale su internet (www.mioStudio.it) invitando i visitatori dell’hotel (oltre 40.000 ad anno) a consultare
la mostra e i siti degli artisti attraverso il nostro Internet point. Ci siamo pubblicizzati sul catalogo degli artisti siciliani
(Scirocco Edizioni)…riassumendo, abbiamo sfruttato le risorse in atto (anche quelle del territorio) creando un servizio
di rete. Oggi, a distanza di tre anni, mostriamo un prodotto ben congegnato, esportabile, che fornisce energie, organizzazione
ed artisti ad altre manifestazioni con ritorno spontaneo d’immagine. Parecchi gli articoli già scritti sulla Graffiti
(oltre 10), di cui alcuni su testate giornalistiche prestigiose come Il Mattino di Napoli e Il Messaggero di Roma. Tanta
promozione, quindi, per una mostra capillare, reale e virtuale che raccoglie parecchi linguaggi differenziati e varie tecniche,
dalla pittura ai disegni e alle incisioni, dalle sculture alle installazioni.
Da Novembre 2000, l’intero progetto espositivo è patrocinato dall’Accademia Internazionale d’Arte Moderna di Roma
che contribuisce, con il suo prestigio, ad impreziosire ancor più una mostra singolare di per sé ricca di spunti e annotazioni.
L’esperienza di Altofonte ci entusiasma e ci arricchisce ulteriormente per vari motivi: perché c’introduce dentro un
luogo storico che, come il nostro dell’Addaura, intende rispettare e valorizzare il proprio patrimonio artistico; perché ci
proietta nella dinamica culturale ed organizzativa privato-pubblico-didattica; perché c’induce al confronto con artisti di
una dimensione diversa dalla nostra (l’associazione Milano Arte), “Così lontana, così vicina… e così interessante”.
Fabrizio Costanzo / Arte & Mestieri nella Conca d’Oro – Così lontano così vicino: artisti lombardi e siciliani al Palazzo Ruggeriano
(da un’introduzione al catalogo del convegno) - Altofonte, maggio 2002

Angelo Denaro, Manlio Giannici, Fabrizio Costanzo, Antonella Affronti
Così lontano così vicino: artisti lombardi e siciliani al Palazzo Ruggeriano - Altofonte, 10 maggio 2002

Angelo Morello (Università di Palermo), Fabrizio Costanzo (Delegato Regionale A.I.A.M. Roma),
Nino Di Lorenzo (Sindaco di Piana degli Albanesi), Carla Zucchi (Presidente Associazione Milano Arte)
Convegno Arte, storia e cultura: le potenzialità del patrimonio artistico, storico e culturale di Altofonte nella Sicilia d’oggi
PALAZZO RUGGERIANO - Altofonte, 11 maggio 2002

Angelo Morello (Università di Palermo), Fabrizio Costanzo (Delegato Regionale A.I.A.M. Roma),
Carla Zucchi (Presidente Associazione Milano Arte), Pasquale Hamel (Storico)
Convegno Arte, storia e cultura: le potenzialità del patrimonio artistico, storico e culturale di Altofonte nella Sicilia d’oggi
PALAZZO RUGGERIANO - Altofonte, 11 maggio 2002

Graffiti
Parametri di lettura dell’opera d’arte
Il corso di formazione per docenti incentrato sulla didattica del linguaggio cinematografico, trova il suo momento centrale
nella lettura dei parametri dell’opera d’arte cui oggi è dedicato il mio intervento.
Il piano di lavoro prevede due fasi distinte ma integrate tra loro: una di discussione e di chiarimento degli elementi basilari
che intercorrono (con le varianti insite) nel processo di lettura dell’opera d’arte; l’altro, di applicazione nel reale degli
elementi anzidetti teoricamente, attraverso l’osservazione diretta del manufatto artistico.
La mostra Graffiti degli artisti siciliani contemporanei presenti all’Addaura Hotel di Palermo ben si presta al nostro
obiettivo di lavoro, in quanto presenta varietà di linguaggi, espressioni e materiali ed è già concepita nell’ottica didattico
-professionale. Il principio chiave che sarà seguito in tutto il corso è quello della destrutturazione/ristrutturazione dell’opera,
con conseguente lettura finale e tabulazione dei dati. Lo studio dal vero abituerà i docenti all’emozione ed al
sentimento…alla formazione dell’io psichico ed indagativo che sarà in seguito trasferito agli alunni in classe o durante
visite e viaggi d’istruzione. Il piano di lavoro intende scavalcare la soluzione quasi sempre teorica e ipotetica dello studio
didattico effettuato sulle immagini riprodotte per valorizzare invece l’osservazione diretta dell’opera d’arte dove interviene
un fattore di emozionalità visiva simile a quello della rappresentazione teatrale.
Durante la prima fase, nello specifico, saranno affrontati gli elementi-parametro che sono presenti nell’opera d’arte e
che compongono i cinque livelli di lettura visiva. Primo livello/generale: intuitività dello spazio, tecniche anatomiche,
struttura del linguaggio visivo e percezione visiva. Secondo livello/culturale: conoscenza generale dei Beni Culturali e
Ambientali e degli aspetti sociali, religiosi, psicologici, storico-politici, geografici ed economici che gravitano intorno
all’opera d’arte. Terzo livello/tecnico: conoscenza dei materiali e applicazioni della geometria descrittiva; sistemi di rappresentazione
(impianto compositivo e struttura portante); configurazione congruente (relazione tra i singoli elementi e
in rapporto con la superficie da adottare nella rappresentazione; bilanciamento visivo dei colori e delle forme, ecc.);
validità e coerenza del tema trattato in relazione al linguaggio ed alla tecnica utilizzata dall’artista. Quarto livello/
estraniamento: parametri che l’artista-pittore deve mettere in gioco nell’esecuzione dell’opera; carattere divergente
(possibilità di arrivare alla soluzione del problema attraverso percorsi differenziati. Quinto livello/quid: indeterminato e
indefinibile, necessario perché incide sulla nostra psiche. E’ in stretto rapporto con la memoria, il quotidiano e le abitudini,
il contesto territoriale e socio politico, la salute, gli incontri, l’educazione familiare, la formazione professionale,
ecc.. A questo punto, stilati i parametri individuativi, possiamo affermare che l’opera d’arte, per definirsi tale, deve tener
conto di tutti e cinque i livelli esposti. I primi quattro innescano una condizione necessaria ma non sufficiente e possono
essere utilizzati dall’intelletto tramite lo studio e l’applicazione. Il quinto livello (quid) non quantificabile spazialmente e
temporalmente, è una vera e propria incognita che possiede infinite variabili. L’ineffabilità dell’opera d’arte dipende da
quest’ultimo livello: è il dolce mistero di una disciplina senso-non senso che ha le sue regole ma non si rivela come
scienza esatta….
La seconda fase permetterà di addentrarci all’interno dell’opera d’arte stimolando direttamente i nostri sensi. Di fronte
al quadro, attiveremo una condizione psichica di attrazione-repulsione che ci guiderà (e ci condizionerà) successivamente
nell’espressione del giudizio.
Il senso-consenso rispetto alle situazioni pregnanti (che già conosciamo e ritroviamo nel bagaglio delle nostre esperienze
di vita) ci stimolerà e ci farà schierare positivamente nei confronti di ciò che osserveremo (rispetto all’idea, alle
tecniche, ai linguaggi, alle tematiche ecc.); il non senso-consenso ci depisterà conducendoci invece sul livello di nonconoscenza
(o di conoscenza ripudiata). Queste due posizioni sono proprio quelle che indagheranno il nostro quid di
partenza, chiudendo il cerchio della conoscenza e delle sensazioni come attività dell’intelletto….
Fabrizio Costanzo / Corso di formazione per docenti – Istituto Comprensivo Leonardo Sciascia e Addaura Hotel. Palermo 2002
(da un intervento/relazione sui parametri di lettura dell’opera d’arte)

Opere in esposizione / momenti dell’evento
Corso di formazione per docenti – ADDAURA HOTEL - Palermo, 2002

Segno & Colore
L’Hotel Club Ramuxara di Campobello di Mazara, con l’iniziativa in oggetto, investe in cultura affidando la propria immagine
ad artisti professionisti che giocano un ruolo importante dentro e fuori il territorio siciliano. Come già ampiamente
detto in altri contesti, l’Addaura Art espone attingendo artisti dalla Graffiti dell’Addaura Hotel di Palermo, con
supporto di idee e organizzazione, soprattutto di professionalità, affinché la semplice vetrina espositiva si trasformi in
occasione culturale di confronto tecnico e di linguaggi. Non la collettiva sterile, quindi, formata da artisti occasionalmente
invitati che poi si disperdono, ma un gruppo ben affiatato e già collaudato, molto più ampio di quello odierno, che
alloggia da anni in un altro albergo (l’Addaura Hotel di Palermo). Pittori e scultori siciliani, partendo dal loro luogoesposizione,
dialogano, s’incontrano (con il pubblico e gli addetti ai lavori), si confrontano con altri artisti, creano movimento
e situazioni.
Graffiti & Addaura Art, con il patrocinio permanente A.I.A.M. (Accademia Internazionale d’Arte Moderna di Roma), sono
già una realtà nella nostra Isola… e oltre: lo dimostrano i numerosi articoli scritti sulla mostra (permanente e dinamica)
da prestigiose testate giornalistiche nazionali.
Oggi, l’Hotel Club Ramuxara, diligentemente, coglie il messaggio facendosi promotore di una rassegna di arti visive
particolare ed elegante, un confronto, tra gli artisti dell’Addaura Art ed altri artisti siciliani contemporanei, rivolto ai turisti
frequentatori dell’albergo e, in generale, al territorio circostante. Ramuxara, quindi, nell’ottica di Segno & Colore, non si
propone più soltanto come un albergo: benché giovane (di nuovissima costruzione) vuole elevarsi a situs culturale polivalente,
valorizzando il luogo e apponendo le tessere di un’immagine da definire.
Fabrizio Costanzo / Segno & Colore - Hotel Ramuxara - Campobello di Mazara, luglio 2002
Presentazione in catalogo

Marcello Palminteri, Fabrizio Costanzo e l’assessore alla cultura di Campobello di Mazara inaugurano la mostra
Segno & Colore - HOTEL RAMUXARA, 17 luglio 2002

Segni & Segnali
Segni & Segnali rappresentano i due poli identificativi e significativi della mostra in atto. Evidenziano, nel contempo,
aspetti diversi della stessa ricerca, da quello espressivo della Tabula picta che intende mostrarsi in un unicum (benché
caratterizzata da individualità e linguaggi specifici), a quello prettamente comunicativo che mira a diffondere segnali distensivi
di dialogo e messaggi culturali fortemente condizionanti.
Sollecitazioni sensoriali, visive soprattutto, tessere di un puzzle che trovano l’immagine conclusiva nel gioco-sostegno
delle parti. Gli artisti professionisti qui presenti, partono dal capoluogo siciliano per diffondere la loro azione dentro e fuori
l’Isola, veicolando e storicizzando l’iter espressivo all’interno di un luogo di assoluto valore storico e architettonico (…).
Fabrizio Costanzo / Premio La Fenice - presentazione in catalogo
Assessorato Beni Culturali e Ambientali - Pubblica Istruzione - Regione Siciliana - Soprintendenza Beni Culturali e Ambientali di Palermo
Un momento della manifestazione
Premio La Fenice - ALBERGO DELLE POVERE, ottobre 2002

Premio La Fenice / la giuria: Vinny Scorsone, Angela Zuccarello, Bent Parodi, Maria Teresa Prestigiacomo, Pino Giacopelli
Antonella Brandi, Alberto Monteleone, Donatella Moncada, Carmela Cannizzaro, Salvo Ferlito, Fabrizio Costanzo

Guttuso guarda Guttuso
Un evento nell’evento.
Sentimentale, passionale, lucido e analitico: irripetibile. E’ Renato Guttuso in mostra a Bagheria - Dal Fronte nuovo
all’autobiografia - nel segno dei venticinque anni dei Beni Culturali in Sicilia.
L’intera regione è in festa (non solo perché si avvicina il Natale…) e saluta il passaggio al nuovo anno con una serie di
manifestazioni di alto livello. A Palermo: La ricerca dell’identità da Antonello a De Chirico dell’Albergo delle Povere,
curata da Vittorio Sgarbi; I Serpotta, tra restauro e ricerca, con l’apertura degli oratori serpottiani; il restauro della Fontana
Pretoria; Forme d’acqua a Palazzo Belmonte Riso e, punta dell’iceberg, a Bagheria, nella settecentesca villa Cattolica,
Guttuso. Dal Fronte nuovo all’autobiografia curata da Fabio Carapezza Guttuso e Dora Favatella Lo Cascio. Qui,
tra il profumo degli aranci, il cielo limpido e il mare blu (come il blu d’Aspra inventato da Guttuso) si erge maestosa la
storica villa (una delle tante che da queste parti fanno corpo unico con il fenomeno delle bellissime ville settecentesche
della Conca d’Oro di Palermo, Bagheria e Mezzo Monreale, dove l’antica nobiltà amava trascorrere al fresco le caldi
estati siciliane.
Oggi, villa Cattolica, dopo tre anni di laboriosi restauri rivive magicamente, restituendo la fabbrica alla pubblica fruizione.
La città così si riappropria della significativa area culturale d’importanza internazionale diventata Civica Galleria
d’Arte Moderna e Contemporanea, dedicata al maestro Renato Guttuso. In questa splendida cornice emozionale e di
eventi Guttuso scrive una pagina di storia con una mostra accanto un’altra mostra: entrambe lo riguardano, entrambe
si guardano e si completano, l’una nei corpi bassi della villa (quella temporanea), l’altra nel piano nobile (quella permanente).
Le oltre trecento opere al momento presenti a villa Cattolica testimoniano uno spaccato di vita pubblica e privata,
di grande rispetto. Nell’esedra esterna ancora una testimonianza di alto livello: il grande sarcofago rettangolare della
tomba di Guttuso che qui riposa, interamente costruito in marmo azzurro del Brasile, mirabilmente progettato da
Giacomo Manzù.
La mostra temporanea Guttuso. Dal Fronte nuovo all’autobiografia, propone un ventennio di produzione del maestro
(1946-1966). L’esposizione, strutturata per sezioni, evidenzia gli aspetti noti e meno noti della sua attività da intellettuale:
dalle collaborazioni teatrali alle varie illustrazioni, ai rapporti con le altre personalità della cultura (pittori, letterati,
politici, musicisti), con la gente comune e con la sfera privata. Guttuso, negli anni del dopoguerra sarà un protagonista
scomodo dell’Italia del rilancio, sempre dentro il dibattito sul Realismo, perno di una situazione di contese artistiche che
sfocerà spesso nel sociale e nel politico. Promuoverà il rinnovamento della cultura nazionale proponendo l’avvicinamento
a modelli europei in generale, e francesi in particolare. Il Fronte nuovo delle arti sintetizzerà il momento di euforia
storica del periodo ma sarà solo una fase (che finirà nel 1950) cui ne seguiranno altre di uguale slancio, come quella
del Realismo programmatico di contenuto sociale (vedi L’occupazione delle terre incolte in Sicilia o di contenuto storico,
La battaglia di Ponte dell’Ammiraglio, opere di grandi dimensioni, entrambe esposte alla Biennale di Venezia negli
anni ‘50 e ‘52. Il movimento realista, d’importanza primaria nell’Italia del secondo dopoguerra, proporrà una figurazione
di forte impegno etico-sociale, la ricerca di un linguaggio comprensibile dalle masse ed il conseguente superamento
della frattura uomo-arte, coinvolgendo tutte le forze intellettuali dell’epoca. Come dirà lo stesso Guttuso “La mia adesione
al Realismo era per me l’unico modo di affrontare la crisi… in una situazione che vedevamo precipitare”. Altre opere
come il Boogie Woogie o La spiaggia sono altrettante testimonianze, tra le tante, della profonda esigenza di rinnovamento
che Guttuso sentirà di dover seguire dalla metà degli anni Cinquanta in poi: muteranno così i soggetti (ed i contenuti)
della sua ricerca stilistica. Adesso i fumatori, le figure per strada, i nudi, le nature morte, il paesaggio, gli amici
ed altro pervaderanno i suoi quadri inserendosi nel solco profondo di una vita vissuta negli aspetti più profondi, veri,
non più celebrativi; gli oggetti stessi acquisteranno una forza evocativa senza precedenti e l’esistenza verrà attenzionata
nei minimi dettagli.
Renato Guttuso sta cambiando e L’edicola, l’unica grande scultura da lui prodotta, sarà l’emblema di tale cambiamento:
ancora Guttuso – “L’uomo che legge il giornale continuava ad occuparmi la mente, era un personaggio della mia
esistenza” - così l’edicola (ovvero la cultura) acquisterà la funzione ed il significato di un tempio: è il preludio della realizzazione
dei dipinti del 1966 che costituiranno il ciclo dell’Autobiografia.

Adesso il Padre agrimensore, Il pittore di carretti ma soprattutto Nuvola Rossa testimonieranno la strada intrapresa dal
maestro in senso introspettivo dove la dimensione interiore si è trasformata in immagine, vivendo attraverso il filtro
della memoria.
Ancora una volta egli percorrerà una fase fondamentale della sua vita da artista che, unita a quella sociale, intellettuale,
politica o semplicemente esistenziale lo vedrà sempre protagonista degli eventi verificatisi intorno a lui, anche
quando proverà a raffigurarsi in disparte seduto al tavolino, apparentemente distaccato dalla scena, ma sempre lucido
nell’analisi critica e percettiva.
Fabrizio Costanzo / Il Notiziario dell’A.I.A.M. (Roma) - Notizie dal mondo dell’arte - Edizione cartacea ed Edizione telematica dicembre 2003

I Cinquant’anni del Cenacolo
Cinquant’anni di storia, cinquant’anni di memoria.
La galleria d’arte Il Cenacolo dopo mezzo secolo di attività si racconta, festeggiando con stile e professionalità il suo
lungo cammino, fin da quando, negli anni Cinquanta, Ninni Pampalone e Silvana Paladino svolgevano qui la loro attività
coinvolgendo pittori, scultori, architetti, fotografi ed artigiani.
Oggi, la presenza di una rappresentanza di artisti di primo piano appositamente invitati (alcuni dei quali già storicizzati
nella Storia della Sicilia dell’Istituto Poligrafico e Zecca dello Stato), dà lustro alla manifestazione in atto. Molti i nomi di
critici d’arte e giornalisti particolarmente noti che sono rimasti legati al Cenacolo: Raffaele Biordi, Giovanni Cappuzzo,
Francesco Carbone, Carlo Castronovo, Bianca Maria Cordaro, Mario Crispo, Federico De Maria, Melo Freni, Francesco
Gallo, Aldo Gerbino, Pino Giacopelli, Renato Giani, Franco Grasso, Nino Martinez, Pietro Mazzamuto, Bent Parodi,
Albano Rossi, Giuseppe Servello e tanti altri, tutti esponenti della cultura che hanno accostato il loro talento artisticoletterario
alla galleria ed a Vincenzo Vinciguerra in particolare. L’avvenimento cade nella fase storica in cui le gallerie
d’arte (e non solo quelle) attraversano una crisi d’identità (mancanza di comunicazione nel rapporto arte-pubblico),
conseguenza diretta del difficile e complesso momento che registra la società odierna. L’immagine, oggi, come pura
visibilità, ha acquisito una dimensione comunicativa senza precedenti ed un valore estetico e psicologico fortemente
condizionante. La conseguenza più immediata è l’allargamento del piano d’offerta e l’accesa competizione dei vari
settori interessati. L’artista, faber imaginis, diventa genius loci di un luogo totalizzante, il mondo intero, contenitore di
tutti i linguaggi specifici, incisivo nell’identità spaziale e psichica in cui opera, consapevole soprattutto delle altrui culture.
All’interno di questo contesto cangiante, l’avanguardia artistica odierna mostra un volto multiforme, una pelle camaleontica
che punta dritto al futuro pur rimanendo saldamente ancorata al passato. E’ una situazione di grande instabilità,
che genera un panorama variegato intriso di contraddizioni, ma che ha anche il gran merito di scatenare un processo
iperattivo in cui, alla moltitudine di input corrispondono altrettante risposte.
L’arte, specchio dell’anima ed elemento cardine della società, deve proporre una profonda riflessione su se stessa,
manipolando con cura e sapienza i propri meccanismi rappresentativi, le tecniche, le ideologie e quant’altro intimamente
collegato ad essa, consapevole dell’enorme carico di responsabilità che porta con sé. In senso lato, l’immagine si
schiera, ponendosi al centro della nostra stessa esistenza, consentendo un riscatto all’indifferenza comune. I linguaggi
presentati al Cenacolo sono la sfaccettatura di sensibilità poliedriche nate e cresciute nella nostra isola, ma che hanno
trovato occasione di dialogo e confronto nel panorama nazionale. Contro gli estremismi delle ideologie e della gestualità
la galleria propone un’arte limpida, tecnica, di contenuti, facilmente decifrabile.
Fabrizio Costanzo / Cinquant’anni del Cenacolo - Galleria d’Arte Il Cenacolo - Palermo, 17 aprile 2004

Gery Scalzo, Salvo Benanti, Vincenzo Vinciguerra, Fabrizio Costanzo, Antonella Affronti
I Cinquant’anni del Cenacolo - Galleria d’Arte IL CENACOLO - Palermo, 17 aprile 2004

Fabrizio Costanzo consegna a Vincenzo Vinciguerra la medaglia per l’attività della galleria
Tra i presenti: Giusy Leone, Achille Lugaro, Salvo Benanti, Nino Bruno, Antonella Pomara

Fabrizio Costanzo consegna a Gabriella Patti la medaglia per l’attività professionale
I Cinquant’anni del Cenacolo - Galleria d’Arte IL CENACOLO - Palermo, 17 aprile 2004

La frantumazione dell’essere
“Quello che stiamo attraversando è un particolare momento storico, contraddistinto da una sorta di diaspora, un processo
di polverizzazione del sapere che ha frantumato alcuni miti a cui erano legati quanti ci hanno preceduto. Caduta
l’assoluta certezza, in preda ad una sorta d’inquietudine, l’uomo ha bruciato sull’altare del solipsismo, della solitudine
angosciante e lacerante, tutti i miti e le seduzioni del passato. Trafitto da questa condizione di crisi, l’individuo ha in
certo modo sgretolato l’unitarietà dell’essere…”
Così Giovanni Cappuzzo, in una delle tante presentazioni in galleria, sintetizzava il suo pensiero sulla società e sull’animo
umano. La breve introduzione testimonia l’alta sensibilità dell’uomo e del critico che, con intelligenza, apertura
mentale e rigore stilistico fotografava la società odierna introducendo i connotati generali agli astanti per poi porre gli
assiomi della discussione in termini specifici e contingenti di assoluta aderenza alla realtà. Una delle doti più grandi di
Cappuzzo era l’incisività colloquiale e la capacità di attenzionare il pubblico che invitava alla riflessione ed al ragionamento.
La sua chiarezza espositiva, rispecchiando la sicurezza concettuale, esternava un linguaggio autentico e avvolgente,
che invogliava e ammaliava. Nonostante ciò, l’atmosfera che si creava non era ipnotica ma armonica e di trasporto
emotivo, illuminante e coerente. Il testo, da cui desumeva il suo intervento tipo, aveva una strutturazione ben
precisa: inquadramento storico-letterario, individuazione delle parole chiave su cui imperniava l’intero discorso, riferimenti
ad altri artisti o contesti culturali, ulteriori spunti di discussione (ampliamento), eventuali citazioni in latino
(impreziosimento). Tutto ciò dimostra l’ampia cultura di Giovanni Cappuzzo, intellettuale colto e raffinato, presenza
forte e convincente nel settore delle arti visive, della letteratura e dei Beni Culturali e Ambientali. In una introduzione al
catalogo degli artisti siciliani del 1995, citando l’opera di Jackson Pollock, The tradition of the new, considerava la tela
del pittore come un topos fenomenologico, luogo degli eventi con le infinite variabili, come infinite sono le componenti
della società. Compito del critico è allora quello di cogliere l’indecifrabilità del tempo, con tutte le problematiche insite,
per poterle studiare e analizzare, spiegarle al pubblico… Nel dualismo arte-pubblicità, l’immagine diventa simbolo, contenuto
virtuale, significante, forza manipolatrice. L’arte, in tale situazione, deve dimostrare la sua autonomia attraverso,
punti, linee, texture ecc., e impadronirsi di una nuova spazialità e gestualità. Deve divincolarsi in un terreno difficile,
manifestando un’esigenza esplorativa in quanto linguaggio avente la necessità di affidarsi al segno, al colore, alla grafia,
come dimensione estrema di libertà: “In un tempo tragico come l’attuale in cui lo spazio del mondo è colmo di offese
e di prevaricazioni dell’uomo sull’uomo e in cui il cerchio delle nostre idee s’impoverisce di nozioni e di convenzioni…
il margine residuo della nostra libertà, in una dimensione da ultima spiaggia, è costituito dall’arte, come unico spazio
vitale”. L’arte contemporanea, spia-testimone della situazione attuale esprime uno sconvolgimento strutturale di
matrice psicologica e morfologica dove la frantumazione dell’essere, dell’unicum accademico, porta alla frantumazione
del sapere, al caos, alla sfaccettatura culturale (e quindi storica)… alla psicanalisi, alla crisi odierna: l’uomo esplora il
mondo interrogando se stesso, il proprio io, inerpicandosi verso ritmi sconosciuti.
Giovanni Cappuzzo, uomo semplice, professionista scrupoloso, amante d’arte autorevole, coscienza critica e morale
del nostro tempo, pur consapevole della crisi generazionale, non si arrendeva a tutto ciò e apriva sempre il suo cuore
alla speranza, ai valori civili e spirituali…“Voglio sperare che i nostri sogni non diventino merce di scambio e che ci sia
riservato uno spazio per vivere con la nostra fresca capacità di determinazione e d’eccitazione”.
Fabrizio Costanzo / Galleria Il Cenacolo – Palermo, 22 gennaio 2004
(da un intervento/relazione al simposio sul critico d’arte Giovanni Cappuzzo)

Fabrizio Costanzo presenta la rivista Artefile di Marcello Palminteri
Galleria d’Arte IL CENACOLO - Palermo, aprile 2004

Il difficile mestiere del critico d’arte
L’arte, nella sua denominazione significante, è comunicazione simbiotica spazio-temporale, essenza universale in cui
tutti gli elementi strutturali e compositivi mirano all’unità visiva. Nella sua accezione fenomenologica, l’opera d’arte si
esprime come luogo di eventi, res cogitans visiva, struttura attiva autonoma e pensante capace di interagire con l’osservatore
critico o la persona comune.
Il libro Incontri con gli artisti, pur partendo da una preferenza di linguaggio legata alla lezione classica e accademica in
generale (per dichiarazione del suo stesso autore Giuseppe Mendola), va avanti verso una linea di pensiero assai moderna
ed evoluta, che porta dritto all’esplorazione dei contesti espressivi contemporanei (con un uso-abuso del valore
segnico-comunicativo). In tal senso, il critico d’arte oggi opera su diversi registri interpretativi non sempre comprensibili,
che riguardano, da una parte, il quid indecifrabile della dimensione estetica dell’artista e delle sue peregrinazioni mentali
quotidiane; dall’altra, la tecnica espressiva, la struttura compositiva, gli aspetti semiotici ecc., che incidono praticamente
sul risultato finale dell’opera d’arte.
Le emozioni contemporanee (come ogni altro aspetto della nostra vita quotidiana), essendo brevi e veloci, rientrano in
una logica psichica che fagocita tutto e subito per produrre altro che a sua volta viene ingerito ed espulso immediatamente
senza essere metabolizzato… Ecco, la metabolizzazione, come sinonimo di percorso qualitativo interiorizzato,
deve indurre ad una riflessione sugli input segnici ed iconici che incidono nell’opera d’arte… D’altronde, l’asetticità comunicativa
è già presente nello stesso ambito tecnico-operativo del critico, il quale, abbandonata la manualità gestuale
della scrittura ad inchiostro, scrive i suoi testi al computer, cancellando ogni pentimento, consegnando, già nella bozza,
un prodotto perfetto privo di cancellature, non discutibile dal punto di vista del risultato estetico, ma finto nell’elaborazione
cerebrale. Quanti pentimenti, negli artisti, ci hanno fatto comprendere la vera natura di un dato della realtà, magari
ripensato più volte, riproposto, infine liberato dall’idea ed esteriorizzato dopo un travaglio durato un attimo o anni…
Dubbi, incertezze, parvenze, realtà analizzate da più angolazioni, sono quelle che Pirandello ci ha insegnato e che
l’agrigentino Giuseppe Mendola ben esprime, con la mimica, nei suoi testi a volte formalmente tortuosi ma limpidi nel
ragionamento.
Noi, oggi, in questa riunione, insieme all’autore di Incontri con gli artisti, rivendichiamo il valore dell’uomo con i suoi
sentimenti e la sua morale, valorizziamo l’amicizia e la vera comunicazione, ci proiettiamo nel futuro ben consapevoli di
quanto il passato ci abbia lasciato: a noi il compito di seguire la giusta traccia e di leggerne il significato…
Fabrizio Costanzo / Galleria Il Cenacolo – Palermo, dicembre 2004
(da un intervento/relazione alla presentazione del libro Incontri con gli artisti di Giuseppe Mendola)

Fabrizio Costanzo presenta la raccolta di Giuseppe Mendola Incontri con gli artisti
Galleria d’Arte IL CENACOLO - Palermo, 8 dicembre 2004

Presentato al CEPU, da Fabrizio Costanzo, Pietro Mazzamuto e Nicola Romano il volume di
Giuseppe Mendola Incontri con gli artisti
Nell’accogliente aula magna del CEPU, venerdì 20 maggio 2005, ha avuto luogo la presentazione del volume di Giuseppe
Mendola Incontri con gli artisti, a cura di Fabrizio Costanzo, Pietro Mazzamuto e Nicola Romano.
La manifestazione, organizzata dall’Associazione Impiegati in Quiescenza della Regione Siciliana, di concerto con
CEPU, ha ottenuto un lusinghiero successo, sia per le numerose personalità dell’arte e della cultura che vi sono intervenute,
sia per le connotazioni di valore contenute nel libro e che sono state sottolineate dagli oratori. Peraltro, in sala,
erano presenti numerosi artisti tra quelli descritti da Giuseppe Mendola nel suo volume: abbiamo notato, oltre Fabrizio
Costanzo, Antonella Affronti, Antonella Anzalone, Grazia Contarini, Claudia Nazari, Enza Maria Orestano, Maria Giovanna
Peri, Giorgio Ravazzolo, Fulvia Reyes, Anna Santoro, Vincenzo Vinciguerra, Angela Zuccarello e Maria Marino
Becchina (vedova Gianbecchina).
Fabrizio Costanzo, dopo essere stato citato da Nicola Romano per il titolo davvero appropriato espresso sull’autore,
(Giuseppe Mendola tra umanità e professionalità) e per il commento in generale, ha preso la parola soffermandosi, in
un primo momento, sul contesto del libro nato nell’ambito della galleria Il Cenacolo di Palermo e della rivista Sikania.
Successivamente, Costanzo ha richiamato i trascorsi di Mendola risalendo agli anni ’70, al colloquio con l’Editore Flaccovio
ed al passaggio, dalla carriera amministrativo-ispettiva della Regione all’attività critica nel campo delle arti visive.
In entrambi gli ambiti, ha denotato l’assoluto bisogno di comunicare, esigenza tradotta in pratica, ancor oggi, utilizzando
la sua vecchia Olivetti per scrivere e la gomma per cancellare. Sempre alla ricerca di una tela da analizzare, il critico
deve considerare l’opera nella sua accezione di linfa vitale e luogo degli eventi, per poterne raccogliere gli impulsi e
tradurli in scrittura.
Felice Giacone / Notiziario A.I.Q.Re.S. – Palermo, apr./mag. 2005

Fabrizio Costanzo presenta la raccolta di Giuseppe Mendola Incontri con gli artisti con Pietro Mazzamuto e Nicola Romano
REGIONE SICILIANA/CEPU – Palermo, 20 maggio 2005

La pittura del silenzio
Francesco Lojacono e la nuova Galleria d’Arte Moderna di Palermo
L’avvenimento principe di questi giorni a Palermo, e l’ultimo, in ordine, dopo una serie d’importanti iniziative artistiche
(le progettazioni della passeggiata a mare del Foro Italico e dei giardini del castello della Zisa, il restauro della fontana
Pretoria e delle esedre di villa Giulia, l’apertura al pubblico dei palazzi storici e degli oratori serpottiani – solo per citare
le principali), è la mostra di Francesco Lojacono. Il pittore palermitano, operante nella seconda metà dell’Ottocento,
inaugura l’attività della nuova Civica Galleria d’Arte Moderna di Palermo, alloggiata da quasi cento anni nelle sale di via
Turati e annessa al Teatro Politeama. Oggi, trasferitasi nel bellissimo ex convento tardo rinascimentale e barocco di
Sant’Anna alla Misericordia, trova nuova linfa, dotata finalmente di moderne tecnologie espositive.
L’iniziativa, posta sotto l’alto patronato del Presidente della Repubblica Carlo Azeglio Ciampi, si configura come momento
culturale di straordinaria importanza per Palermo ed è visitabile secondo i percorsi della conoscenza progettati a
diversi livelli, sia per i ragazzi che per gli adulti. La mostra presenta oltre cento dipinti in parte mai esposti al pubblico,
provenienti da musei italiani e stranieri e da collezioni private, corredata da una ricca sezione fotografica. Certo, ad un
miglior esordio cittadino Francesco Lojacono non poteva ambire: l’artista celebra in tal modo, con tutti gli onori, la sua
prima antologica articolata in sette sezioni espositive: l’immagine dell’artista; la formazione tra Napoli e Firenze; il Naturalismo;
il vulcano e il mare; i luoghi di Sicilia; la stagione delle esposizioni; verso il Simbolismo. L’esposizione, in un
clic fotografico, ripercorre il difficile e complesso periodo sociale dell’Ottocento siciliano soffermandosi soprattutto
sull’incantevole contesto naturale di Palermo poco prima delle traumatiche trasformazioni urbanistiche che la porterà
ad uniformarsi alle principali capitali europee. In un grande contenitore convergono così le migrazioni contadine, dai
centri rurali alla città con i relativi primi problemi di industrializzazione, il pensiero illuminista da una parte e quello romantico
dall’altra, il Verismo isolano in mezzo. Lontano dalle profonde trasformazioni che da lì a poco l’Impressionismo
porterà avanti a Parigi, Palermo vive nei salotti aristocratici le idee diffuse dai diplomatici inglesi, prime fra tutte il gusto
per il paesaggio. Francesco Lojacono, filtra gli avvenimenti e i contesti descrivendo il suo ideale di paesaggio, consegnando
ai posteri l’ultima immagine di una Sicilia incontaminata e connotata da elementi caratterizzanti, ergendo a
protagonista un genere considerato fino ad allora minore rispetto ai temi storici, religiosi ed alla ritrattistica. Di conseguenza
gli elementi naturalistici riconoscibili nella Palermo dell’epoca (primo tra tutti Monte Pellegrino) connotano marcatamente
i suoi quadri, diffondendo un’immagine lirica della città. Il paesaggio viene descritto attraverso scogli, porticcioli
e marine, palme, ulivi, fichi d’india, agrumi, ninfee e vegetazione varia, pescatori e contadini. Già nella seconda
metà del Settecento la Sicilia diventerà meta di viaggi per almeno due motivi: l’interesse che susciteranno i templi greci
(nonostante le devastazioni delle guerre), che la porranno al centro dell’attenzione in pieno stile neoclassico e, dal punto
di vista scientifico, i fenomeni naturalistici dei vulcani e dei terremoti che interesseranno gli studiosi dell’epoca
(soprattutto naturalisti e, nello specifico, geologi). L’Isola diverrà, dal XVIII secolo in poi, meta ambita da parte dei viaggiatori
provenienti da ogni parte d’Europa che la includeranno nel Gran Tour. Tra i tanti, il poeta Goethe visiterà la Sicilia
con il pittore paesaggista Christoph Heinrich Kniep che lo aiuterà a impressionare i vari momenti della sua visita
disegnando anche Monte Pellegrino, definito da Goethe… “il più bello di tutti i promontori del mondo”. Più tardi, nel XIX
secolo saranno molti gli inglesi e gli americani che arriveranno nell’Isola con ottiche diverse. Vale la pena ricordare
William Agnew Paton, archeologo e scrittore americano che visiterà la Sicilia nel 1897, descrivendo monte Pellegrino,
l’Acquasanta, villa Belmonte, i boschetti di agrumi, i gerani, i fichi d’india ecc., ovvero gli stessi luoghi e gli stessi elementi
che verranno attenzionati da Francesco Lojacono in un’ottica positiva e rassicurante (anche nel caso di altri contesti
siciliani come l’Etna). Pur confermando i legami con la coeva pittura di Napoli e Firenze (ambienti culturali che ne
forgeranno la formazione) l’immagine di Lojacono, silente, sarà capace di zumare repentinamente sui particolari naturalistici,
anche su un singolo elemento, descrivendo una sensazione di calma quasi irreale, alternando primi piani a
campi medi o lunghi, giocando con la linea d’orizzonte, qualche volta a metà del campo visivo - altre volte alta - per
permettere di descrivere la vegetazione dettagliatamente, prima d‘individuare l’elemento di chiusura percettivo. E’ così
che nasceranno le sue opere che ritrarranno un insieme naturalistico dalle colline che sovrastano Santa Maria di Gesù,
dal porto, dall’Aspra o dalla Piana dei Colli. Francesco Lojacono, artista di fama internazionale (espone a Vienna, Parigi
e Bordeaux), consoliderà la sua fama attraverso due opere fondamentali, una alloggiata nella Galleria Nazionale di
Capodimonte a Napoli, La strada di campagna, l’altra, L’arrivo inatteso, scelta dalla Regina Margherita per il Palazzo
del Quirinale a Roma.

Cantore internazionale della sua terra, capace di descrivere bellezze e asprezze della Sicilia in un’ottica serena e pacifica,
Lojacono si porrà, a buon diritto, come intellettuale di primo piano nel fervente dibattito sul realismo meridionale.
La critica e la sua città oggi gli tributano un doveroso omaggio inquadrandolo e confermandolo nel contesto della pittura
italiana ed europea.
Fabrizio Costanzo / Il Notiziario dell’A.I.A.M. (Roma) - Notizie dal mondo dell’arte - Ed. cartacea ed Edizione telematica dicembre 2005

Graffiti
Ti dirò
Come ci presenteremo al futuro? Cosa diremo all’ipotetico interlocutore fisico o virtuale che ci chiederà di esprimerci
con un’idea e non con nome, cognome e riti burocratici? Nel contesto che verrà privilegeremo l’aspetto esistenziale o
quello spirituale, l’atteggiamento naturalistico o quello storico? Ritorneremo al caos primordiale di Democrito e Anassagora
o preferiremo il mondo pitagorico governato dall’ordine numerico? E che valore daremo alla maternità ed alla libertà?
Dialogheremo con i segni grafici o con quelli del computer? Soprattutto, comunicheremo con sentimento o in
maniera asettica?… Lasceremo una traccia?
Probabilmente, la scommessa sul futuro consisterà anche nell’humus comunicativo con cui saremo capaci di mantenere
i rapporti col nostro prossimo, uno scarto qualitativo che ci fornirà qualità e dimensione del vivere. La forma visiva,
prima ancora della scrittura, accompagna l’uomo nella sua peregrinazione comunicativa. Fin dall’era preistorica, segni,
linee, colori, texture, forme elementari si mescolano con sguardi, gesti, comportamenti sociali e danze tribali, identificando
una precisa volontà nel voler dominare animali ed eventi naturali attraverso la loro rappresentazione. Le immagini
che ne vengono fuori sono particolarmente significative e dimostrano come linguaggi pittorico-scultorei e visivi in
generale, ma soprattutto sentimenti e sensazioni del vivere, entrano in simbiosi con la magia e la spiritualità, consegnando
all’umanità un unicum espressivo non sempre facile da identificare, spiegare e separare nelle singole componenti
mentali e strutturali. Gli oggetti materiali, nel tempo e nello spazio, acquistano significati simbolici ponendosi su di
un piano sensoriale indefinito e indeterminato. L’uomo, per primo, ha comunicato con la parola registrando pensieri ed
emozioni, muovendo il grande passo verso la fondazione di società complesse; con la scrittura, ha tramandato ai posteri
pensieri e conoscenze acquisite dalle singole generazioni, salvando dall’oblio il patrimonio culturale ed emozionale
delle grandi civiltà del passato, dimostrando che, oltre al meccanismo dell’eredità genetica, condiviso da tutti gli esseri
viventi, possiede anche quello dell’eredità culturale che lo configura dominante sulla terra. Le ulteriori tappe della
comunicazione - la stampa, il telegrafo ed il telefono, la radio e la televisione, fino ai contemporanei computer (e naturalmente
ad internet) - testimoniano uno sviluppo esponenziale nel campo della comunicazione, della diffusione culturale,
dello scambio d’idee ed informazioni. Oggi, il rischio a cui andiamo incontro è quello di un prevedibile livellamento
e snaturamento delle manifestazioni spontanee nelle varie etnie, uno svilimento della configurazione popolare che potrebbe
portarci al conseguente accentramento dei mezzi di comunicazione di massa: la posta in gioco è altissima ma la
prospettiva di uno scambio cosmico di pensieri tra i popoli ci affascina, facendoci sognare una dimensione spaziotemporale
senza precedenti! L’uomo, operando con ingegno e creatività, consegna alla storia il documento del suo
cammino perenne, assegnando all’arte il compito di salvare le identità culturali nell’ambito di una forma comunicativa
universale.
Pablo Picasso (un esempio per tutti), agli inizi del ‘900, ha dato prova del suo talento artistico attraverso una ricerca
espressiva a trecentosessanta gradi: dalla sua terra natia ha prodotto immagini psichiche senza tempo, ha intrecciato
luoghi, storia e arte smantellando il parziale sistema di rappresentazione prospettica ed introducendo la totale visione
strutturale cubista, ha eliminato la frontiera tra bellezza classica ed africana, il prima e il dopo, l’essere e il non essere,
il vero e il falso, ha consegnato ai posteri una carica emotiva ed esplorativa senza precedenti. L’uomo, oggi, consapevole
dell’eredità storica che trasmetterà al futuro, lascerà una traccia indelebile del suo cammino, che scolpirà nella
memoria. Le opere visive che produrrà, dalla preistoria all’epoca contemporanea, costituiranno un patrimonio d’informazioni
e di sentimenti unico, non sostituibile da altra forma linguistica, configurandosi - in un parto espressivo inspiegabile
- nel grande mistero della vita. Siamo consapevoli dell’enorme potere che la comunicazione ha sulla nostra esistenza
e di quanto, quella virtuale ci possa far sentire isolati nel reale, comunicando senza comunicare anche a fini
utilitaristici. In un’accezione prettamente esistenziale e filosofica possiamo affermare che la comunicazione s’identifica
con il divenire e la vita, così come, la sua mancanza, genera la stasi e la morte. La comunicazione, come arché di tutte
le cose, pone la condizione necessaria e sufficiente per vivere e soddisfare l’esigenza interiore, lasciando un messaggio
oltre la stessa esistenza. Ti dirò, in tal senso, esplora il nostro io dichiarando esplicitamente la propria esigenza di
comunicare, intendendo fortemente spronare al dialogo, proponendo una costruttività del messaggio, ponendo dubbi e
certezze esistenziali. L’uomo, attraverso le varie forme comunicative ci consegna un patrimonio generazionale di enorme
significato - dalla musica allo sport, dalla storia alla letteratura, dalla scienza alla fisica, dalla tecnologia all’arte e a
tutto ciò che gli gira intorno - indagando l’universo e i suoi affascinanti meccanismi, in un dialogo infinito…

Graffiti
Art
Utopisticamente, si potrebbe persino pensare ad un messaggio cosmico tra i popoli in cui la comunicazione spaziotemporale
s’identifica con la loro sinergia artistica, testimoniando l’ampiezza e la profondità dell’intero percorso umano.
Oggi, gli artisti presenti a Palazzo Branciforte, s’immergono con coraggio nella tematica espositiva, sfidando se stessi e
gli altri, dichiarando i loro propositi in rapporto ad un luogo storico. Protagonisti degli eventi storico-sociali (e quindi
ideologici) della società, come la cartina di tornasole, essi sono testimoni lucidi ed analitici dei continui cambiamenti
che il quotidiano produce, intrappolano l’energia con il loro pensiero (e con gli strumenti di lavoro) e la restituiscono
sotto forma d’impulsi nelle diverse forme espressive. Con un unico parto, l’immagine e la scrittura, ponendosi a confronto
(e poi entrando in simbiosi), esprimono un unico concetto.
Nasce così l’idea progettuale di Ti dirò, spinta dall’esigenza di testimoniare il messaggio degli artisti d’oggi attraverso
un trittico scritto-pittorico con valenza di documento storico. In tale contesto, gli autori, nel rispetto delle loro idee, dei
linguaggi e delle tematiche, dialogano con un immaginario interlocutore, il futuro, traducendo, il loro pensiero attuale
nel domani: un messaggio altro… oltre.
Fabrizio Costanzo / Ti dirò - Palazzo Branciforte – Palermo, febbraio 2006 - Presentazione in catalogo

Teresa Ferlisi, Fabrizio Costanzo, Vincenzo Gennaro, Pino Schifano presentano la mostra
Ti dirò - PALAZZO BRANCIFORTE - Palermo, 18 febbraio 2006

Fabrizio Costanzo è intervistato da Mario Azzolini per RAI 3
Ti dirò - PALAZZO BRANCIFORTE - Palermo, 18 febbraio 2006

Graffiti Art Graffiti Art
Graffiti
La creatività siciliana dialoga con il futuro
Ti dirò. Segni e messaggi per il futuro è il titolo della mostra
che s’inaugura oggi pomeriggio negli ampi spazi al
pianterreno di Palazzo Branciforte.
Una grande collettiva, a cura di Fabrizio Costanzo e Pino
Schifano, che vede riuniti i lavori di trentaquattro artisti
siciliani, selezionati dal Gruppo Graffiti & Addaura Art e
dall’Associazione Pittorica, la stessa che da oltre cinque
anni gestisce il portale web Pittorica.it. Due realtà, queste,
che da anni, sulle orme del lavoro iniziato dall’artista
e critico Francesco Carbone, sono impegnate nella promozione
della creatività isolana, attraverso l’associazionismo
e l’attività espositiva.
Ti dirò vuole essere un ipotetico viaggio nel futuro, un
messaggio che gli artisti di oggi rivolgono a coloro che
verranno domani. Su quale piano avviene la comunicazione
tra il presente e il futuro? Qual è il senso di un
messaggio alla posterità? Ognuno dei trentaquattro
artisti ha risposto con il linguaggio che gli è proprio, con il
segno, il colore, la materia plasmata. In molti lavori si è
insinuata la parola. Come se ad essa non si potesse
rinunciare, per consegnare ai posteri la testimonianza più
completa di un pensiero, di un desiderio, di un’ideologia…
Emilia Valenza / Giornale di Sicilia - Palermo, 18 febbraio 2006
Ti diro'…Segni e messaggi per il futuro
L’Associazione Culturale Pittorica, che da oltre cinque
anni gestisce il noto portale web Pittorica.it, e lo storico
Gruppo Graffiti (sorto nel 1999 dall’impegno del compianto
critico d’arte Francesco Carbone, ed oggi diretto dal
professor Fabrizio Costanzo) presentano la mostra d’arte
contemporanea dal titolo - Ti dirò…Segni e messaggi per
il futuro. La mostra a tema prevede l’esposizione di opere
pittoriche e scultoree, appositamente realizzate per l’occasione
da trentaquattro artisti che, sensibili protagonisti
degli eventi storici, sociali ed ideologici della società in
cui vivono ed operano, sono testimoni lucidi ed analitici
dei continui cambiamenti che il quotidiano produce a
trecentosessanta gradi.
Essi ne intrappolano l’energia con il loro pensiero (e con
gli strumenti di lavoro) restituendola sotto forma d’impulsi
nelle forme espressive più disparate. Considerando che
spesso l’immagine, da sola, non è sufficiente ad esprimere
il pensiero dell’artista, allora, con un unico parto estetico,
vengono poste a confronto (o integrate vicendevolmente)
l’immagine e la scrittura sintetizzando così l’idea
di ciascun autore. La finalità del progetto-mostra non sta,
dunque, essenzialmente sulla possibilità - tuttavia non
esclusa - di porre in essere operazioni meramente sinestetiche,
ne' di promuovere in prima istanza rivoluzioni
artistiche - anch’esse pur possibili - di carattere formale,
essendo l’arte, di per se stessa, autonoma nel suo farsi
cultura della società alla quale appartiene.
L’idea progettuale nasce, invece, dall’esigenza di testimoniare
il pensiero degli artisti d’oggi, pensando al futuro,
attraverso un prodotto scritto-pittorico con valenza di testimonianza
storica. In tale contesto, gli autori, nel rispetto
dei loro linguaggi e delle loro tematiche, intessono un
dialogo con un immaginario interlocutore, il futuro appunto,
traducendo, con l’immagine e la scrittura, il loro pensiero
attuale sul domani: segni e messaggi per il futuro.
La libertà espressiva e la forza concettuale che ciascun
artista ha voluto imprimere alla propria opera è, al contempo,
un importante contributo alla prospettiva di costruzione
del possibile miglior mondo prossimo venturo ed un
input creativo foriero di promesse nella ricerca espressiva
e del linguaggio. La mostra, curata da Fabrizio Costanzo
e Pino Schifano, prevede la presenza di trentaquattro
artisti che produrranno un trittico scritto-pittorico…
Cronache Siciliane – Palermo, 23 febbraio 2006
Ti dirò…
A Palazzo Branciforte s’inaugura la mostra di arte contemporanea
Ti dirò…segni e messaggi per il futuro. Pittorica
e il Gruppo Graffiti & Addaura Art presentano una
mostra composta da trittici prodotti da trentaquattro artisti.
Gli artisti levano una voce al futuro, alle generazioni che
verranno, ragionando sul presente con la consapevolezza
che l'arte non ha tempo. I veri artisti, spesso, hanno la
capacità di prevedere il futuro, e forse proprio per questo
motivo non vengono apprezzati dai contemporanei.

Graffiti
Graffiti Art
Oggi i trentaquattro autori (scultori e pittori), hanno deciso
di dire la loro sul domani. In un'era dove la comunicazione,
il contatto anche con popoli lontani è un must -
un motore che spinge sempre di più in avanti - l'uomo
spesso si sente solo, o meglio, isolato nel suo grido contro
il presente o verso il futuro. La prospettiva cambia…le
parole sfuggono. Ecco perché l'arte, l'immagine, i colori
riescono a colmare quell'enorme vuoto che spesso
s’interpone fra uomini e parole. Segni che raccontano
storie, invitano a sperare, che aprono porte verso nuovi
mondi e modi di vivere. Le opere sono dei trittici, ognuno
personalizzato, che acquista vita secondo tecniche diverse.
L'olio su tela, l'acristucco su tela, legno, cartone e
ferro assumono nuovi significati, vivono attraverso le
mani sapienti degli artisti che trasmettono il loro messaggio
al futuro con un mezzo duraturo e indelebile: l'arte.
Maria Letizia Affronti / Palermo, 24h Night & Day – febbraio 2006
Pensieri di artisti con colori e parole
A Palazzo Branciforte s’inaugura una mostra d’arte contemporanea
organizzata dall’associazione Pittorica e dal
Gruppo Graffiti & Addaura Art, curata da Fabrizio Costanzo
e Pino Schifano.
La mostra a tema prevede l’esposizione di opere pittoriche
e scultoree realizzate per l’occasione da trentaquattro
artisti che, sensibili protagonisti degli eventi storici,
sociali e ideologici della società in cui vivono ed operano,
sono testimoni lucidi e analitici dei continui cambiamenti
che il quotidiano produce a trecentosessanta gradi.
L’idea progettuale nasce dall’esigenza di leggere il pensiero
degli artisti d’oggi attraverso un prodotto scrittopittorico
con valenza di testimonianza storica…
La Repubblica – Palermo, 18 febbraio 2006
Ti dirò, una grande esposizione d’arte
contemporanea a Palazzo Branciforte
Parole che dipingono, opere d’arte che parlano, pongono
dubbi, dialogano con il fruitore di oggi e di domani. Linguaggio
umano e cultura visuale s’intrecciano e forniscono
le coordinate per interpretare il mondo, chiavi di lettura da
lanciare nel futuro. Trentaquattro artisti hanno dato vita a
creazioni personali che assumono il valore di documenti
storici, immagini della realtà odierna da inviare ai posteri.
E’ nata così Ti dirò…Segni e messaggi per il futuro, mostra
d’arte contemporanea allestita a Palazzo Branciforte,
frutto della sinergia fra l’Associazione culturale Pittorica,
presieduta dalla dott.ssa Teresa Ferlisi, e lo storico Gruppo
Graffiti & Addaura Art, diretto dal professore Fabrizio
Costanzo. Due realtà, queste, che, proseguendo il lavoro
del compianto Francesco Carbone, puntano alla promozione
ed alla valorizzazione degli artisti isolani. Il filo conduttore
dell’esposizione, secondo gli organizzatori, privilegiava
dunque l’aspetto della comunicazione nella dimensione
spazio-temporale, ed è in questa ottica che gli artisti
si sono espressi con opere create appositamente. Ed
ecco, quindi, che ogni artista affronta tematiche attuali –
locali o globali – le interiorizza e ne traspone il contenuto
attraverso il filtro della propria sensibilità artistica, arricchendo
l’opera con le parole. Testi (personali o citazioni
letterarie) che spiegano e ne chiariscono il senso nascosto
e velato che appare agli occhi del pubblico, attraverso
un procedimento che senza difficoltà potremmo descrivere
utilizzando la parola greca ékphrasis, propriamente,
descrizione delle immagini. Nel percorso creato all’interno
delle sale del palazzo offerto all’uopo dalla Fondazione
Banco di Sicilia, il pubblico s’immerge in un’atmosfera
unica, quasi onirica, dove ciascun viaggiatore percorre
l’attualità, ne intravede le mille sfaccettature, i problemi
che affliggono sia la realtà Siciliana che l’intero globo
terrestre, quanto ancora gli eterni dilemmi dell’anima. Le
tematiche affrontate non lasciano mai spazio alla banalità
ma rintracciano sempre un messaggio profondo, un segno
nel presente che i posteri analizzeranno come traccia
del proprio passato. Già, perché il tema di fondo è la comunicazione
tra civiltà, al di là delle barriere spaziotemporali,
dialogo profondo che ha il valore del divenire,
della vita, della dinamicità: infatti non comunicare significherebbe
stasi e morte. Dunque sguardi altri e oltre, per
individuare l’unica strada possibile nella storia evolutiva
dell’uomo. Le molteplici tematiche si snodano – per convenzione
– attraverso la forma strutturale del trittico, che
a volte appare come una sequenza cronologica, altre
quasi una sequenza cinematografica, come sostiene

Graffiti Art
Graffiti Art
Fabrizio Costanzo che, insieme a Pino Schifano, ha curato
la mostra – “la risposta che dobbiamo dare agli altri
e a noi stessi, e che più ci preme, è sul piano della memoria,
se lasceremo una traccia rispetto a tutti i segni
quantitativi e qualitativi messi in gioco”.
Ecco, i segni qualitativi. Quale incidenza, sul piano estetico
- “La mostra è stata un grande successo d’immagine
anche per l’alta qualità delle opere esposte” – chiarisce
Pino Schifano - “ciascun artista si è espresso secondo il
proprio personalissimo stile – già noto ed apprezzato dal
pubblico e dalla critica più qualificata – ma, direi, anche
con un impegno creativo ed ideativo particolarmente
fervido per l’occasione”.
Le caratteristiche formali complessive riflettono - con
apprezzabili varianti innovative - quelle delle più interessanti
e fondamentali correnti che si sono affermate dal
secondo dopoguerra ad oggi. E, del resto, siamo ancora
pienamente immersi nel Novecento, anche in campo
internazionale, seppure con numerosi tentativi di ricerca,
che non sono ancora, tuttavia, punti di riferimento universale.
Abbiamo proposto un’idea, non una variante locale della
Biennale veneziana. Né avevamo la pretesa di provocare
rivoluzioni artistiche – peraltro pur possibili – essendo
l’Arte, di per sé, autonoma e incondizionabile nel suo
farsi sincera testimone della società alla quale appartiene.
C’è di certo, nell’insieme delle opere, nella loro forza
formale e simbolica, quella capacità di raccordare il tempo
presente con la storia passata e quella di un futuro
prossimo venturo: una bella ragione per spiegare il successo
conseguito dalla mostra. Un successo che si traduce
anche in cifre: un migliaio di visitatori già all’inaugurazione
ed una vasta attenzione del mondo artistico, culturale,
critico e giornalistico. Diffusione di servizi stampa
e televisivi (anche nazionali) ed ampia presenza redazionale
ed informativa su portali web.
E si comincia a parlare di una prospettiva, come anche
ad una periodicità della mostra. Per tante altre cose da
dire…
Claudio Cirà / Sicilia Tempo - Palermo, marzo 2006
RAI 3
Luminoso e solare allestimento nell’antico Palazzo Branciforte
di Palermo per la mostra Ti dirò…segni e messaggi
per il futuro.
Una grande e qualificata collettiva curata da Pino Schifano
e Fabrizio Costanzo…Messi insieme i lavori di 34 artisti
siciliani per iniziativa delle associazioni culturali Pittorica,
sito virtuale, e Graffiti & Addaura Art, due realtà che,
proseguendo il lavoro di Francesco Carbone, puntano
alla promozione e alla valorizzazione degli artisti isolani.
L’esposizione ha come filo conduttore quello della comunicazione
nella dimensione spazio-temporale. Partendo
dal luogo fisico della Sicilia, gli artisti raccolgono l’energia
della realtà e la restituiscono sotto forma d’impulsi. Il loro
sguardo nel presente serve a lasciare una traccia indelebile
nel futuro…
Fabrizio Costanzo – “Nel percorso sono descritte diverse
tematiche come quelle della realtà, della libertà, della
storia, della memoria ma anche tematiche specifiche come
la maternità… Il senso della mostra, la risposta che
dobbiamo dare agli altri e a noi stessi, e che più ci preme,
è sul piano della memoria, se lasceremo una traccia rispetto
a tutti i segni quantitativi e qualitativi che metteremo
in gioco…”.
Mario Azzolini / R.A.I. 3 - Palermo, 19 Febbraio 2006
Gazzettino di Sicilia - 20 febbraio 2006
Sarà ospitata fino al 3 marzo, Ti dirò…segni e messaggi
per il futuro. La mostra, curata da Fabrizio Costanzo e da
Pino Schifano prevede l’esposizione di 34 opere di artisti
palermitani. Palermo è una città che assume un tenore
culturale e artistico sempre maggiore e che non di rado
dà spazio a forme artistiche non prettamente canoniche.
E’ così che parametri e opere dell’arte contemporanea
vengono sempre più apprezzate da un curioso pubblico
palermitano attento alle novità. Per venire incontro a queste
correnti artistiche relativamente nuove, il Palazzo
Branciforte di via Bara all’Olivella a Palermo ospiterà la
mostra dal titolo Ti dirò…segni e messaggi per il futuro.
Si tratta di una mostra di arte contemporanea frutto del
lavoro attento e minuzioso, ma soprattutto appassionato,

Graffiti
Graffiti
Graffiti Art
di artisti siciliani noti e meno noti, una mostra ricca di
fantasia, di luminosità, di tematiche e simboli che impongono
una seria riflessione estetica, un percorso, quindi,
tutt’altro che superficiale, un percorso che conquista e
che seduce, insomma, da non perdere.
Salvatore Galizia / CTS - Palermo, 26 febbraio 2006

Logos et fabula
Il mito con le sue leggende. La storia con le sue architetture, i suoi eventi e i suoi uomini. La strabiliante posizione geografica.
Poi la natura con i suoi profumi e le sue asprezze, il mare, il cielo, i vulcani, la luce. Una terra d’incanto e di
incantesimi, di bellezze abbaglianti e di eventi… che attrae. Una terra antica, significante, che ha trovato la propria
dimensione e connotazione nel mito ancor prima che la propria storia fosse stata scritta.
La fabula descrive tre ninfe impegnate in un meraviglioso viaggio alla ricerca di doni da trovare in ogni angolo del mondo,
doni che la terra offre e che loro raccolgono. In questa ricerca d’identità e di curiosità, sulla via di ritorno, s’imbattono
in uno specchio d’acqua d’indicibile bellezza. La magia di quel momento le incanta facendo sì che esse si dispongano
sull’acqua in tre direzioni, lasciando cadere pugnetti di terra…dando vita ai luoghi sacri della Sicilia; tre ninfe, tre
gambe a raggiera e tre direzioni racchiudono così, in un triangolo, un’isola favolosa chiamata Triquetra (Trinacria), tanto
bella da essere custodita, tutelata, difesa e protetta dalla testa della Medusa che in ogni modo cercherà di dissuadere
i nemici e gli invasori dal portarle guerra e distruzione. La fabula è solo la prima di tante che, procedendo all’interno
del mito, decanta gli elementi, entrando in simbiosi con l’acqua, la terra e il fuoco… dal ratto di Proserpina (sulle rive
del lago di Pergusa), alle lotte tra il sommo Zeus e i Giganti (primi abitatori dell’Isola); dall’attività di Hefesto (il Dio fabbro
che ha la sua fucina posta sotto il vulcano Etna e che forgia fulmini per Zeus e corone per gli Dei), alla fonte Aretusa,
vicino Siracusa, dove la ninfa si rifugia ad Ortigia per sfuggire ad Alfeo (venendo trasformata in sorgente da Afrodite).
Poi ancora Cariddi, Galatea, Camarina e tanti altri luoghi sacri che raccontano il mito. Nella Sicilia dai tanti volti, gli
oggetti d’uso quotidiano danno dimensione e senso alla vita e la rinnovano. In questa terra-mestiere l’arte si fonde con
l’artigianato, la creatività con le motivazioni, la materia eletta con quella povera. Qui le idee degli artisti si concretizzano
prendendo forma. Hefesto, il dio del fuoco, manipolatore e creatore della materia è fabbro e artista insieme e lavora
nelle viscere del vulcano.
Oggi, in Sicilia, il mito rivive nelle officine e nelle botteghe artigiane dove si lavorano il ferro, il legno, la pietra, la cartapesta
e il gesso, si manipolano le pelli e le argille, si tagliano e si combinano i vetri, si fondono e si lavorano gli argenti,
gli ori e le pietre preziose: un crogiuolo d’idee, esperienziali ed innovative, concepite dall’uomo per l’uomo, che in molti
casi rappresentano vere e proprie opere d’arte e che oramai trovano occasione di dialogo e d’integrazione con i moderni
settori industriali. Ancora, la storia e la cultura mostrano una Sicilia attraversata da dominatori e uomini illustri che, in
entrambi i casi (e per diversi motivi), hanno lasciato un segno profondo nella nostra Isola, scalfendola o accarezzandola,
prostrandola o esaltandola, forgiandone l’aspetto ed il carattere, una connotazione forte e chiara che oggi la caratterizza
nell’esteriorità e nell’anima. Felix Ziz, fiore felice, si propone come terra ricca, propizia, prospera, fertile, feconda,
utile ma anche gradita, salutare e desiderata, ben augurante, spirituale, necessaria, da cui non si può prescindere,
come scrisse Goethe, per poter comprendere l’Italia.
Gli artisti di Felix vivono la Sicilia con la luce, i profumi, l’architettura, la spiritualità, il mito, la storia…il ferro, il legno, la
pietra, il cotto, il vetro, la terra e i materiali poveri riciclati, predisposti con i sensi in un percorso-rappresentazione attraverso
gli odori degli agrumi, lo sfrangiamento dei campi di grano, il vento caldo di scirocco sui fichidindia, il cielo limpido,
il mare trasparente ma anche un nuovo sentire e sperimentare con la capacità insita di mettersi in gioco attraverso
la creatività e la ricerca personale. Nati e cresciuti nella nostra Isola, gli autori, trovano occasione di dialogo con altri
luoghi, perseguendo la dimensione sicula nel contesto globale (che freddamente è sintetizzato dalla sigla Glocal in
contrapposizione a Global) rappresentando un compromesso estetico nel linguaggio espressivo odierno, modellando
forme autonome e ben delineate contro ogni appiattimento culturale o uniformità ideativa, creando la trama di un discorso
inconfondibile e perciò specifico, spendibile in termini di sperimentazione. Il filo rosso perseguito dal Gruppo
Graffiti & Addaura Art (di cui l’odierna mostra ne rappresenta solo una parte) s’insinua tra le due diverse sponde, valorizzando
il tessuto espressivo isolano nelle sue componenti tradizionali, esaltandone e valorizzandone gli elementi specifici,
guardando attentamente oltre, inserendosi di buon diritto nel dibattito artistico internazionale. I linguaggi espressivi
proposti nella mostra odierna - come iter comunicativi - procedono attraverso le dimensioni storiche ed innovative,
proponendo logos e caos rappresentativi, fervori visivi e iter descrittivi mai sopiti, ricchi d’impulsi e di apparenti contraddizioni.
Una ricchezza d’idee che testimonia l’anima di una terra sempre diversa, di un popolo capace di guardarsi allo
specchio e di rigenerarsi.
Fabrizio Costanzo / Felix Ziz - Sanpaolo Palace Gallery. Palermo, ott. 2006 / gen. 2007 - Presentazione in catalogo

Fabrizio Costanzo, Salvo Ferlito, Francesco Pintaudi presentano la mostra
Felix Ziz - SANPAOLO PALACE HOTEL - Palermo, 7 ottobre 2006

Malgrado tutto
La globalizzazione si è ormai fatta sentire, e parecchio,
anche nel campo dell’arte, dove già da diversi decenni gli
strateghi del nuovo sistema geo-politico avevano imposto
le loro regole e i loro principi, considerati a torto o a ragione
buoni per tutti…Credo che le irrequietezze superficialmente
cosmopolite e gli omologanti internazionalismi
alla moda travisino le ricerche artistiche, le quali non
possono prescindere dai luoghi, dalla storia, dalla cultura,
dai sentimenti e dalle genti nel cui ambito nascono e
si sviluppano. In un mondo che va verso una nuova cultura
multietnica, l’arte deve tornare ad essere un importante
strumento di scambio culturale, e per far questo è
auspicabile che i popoli, ma anche le minoranze, etniche
o di altro genere, esprimano liberamente se stessi, senza
influenze forzate e appiattimenti di circostanza…Questa
mostra vuole provare a proporre valori universali, partendo
da noi stessi – da quello che siamo e da quello che
eravamo – dalla nostra terra e dalla nostra storia…
Francesco Pintaudi / Felix Ziz - Palermo, ottobre 2006
Icone di Sicilia
Grazie ad una iconicità esplicita e chiaramente intelligibile,
perseguita con modalità, tecniche e linguaggi difformi
e variegati (e quindi in grado di declinare la sicilianità con
congrua ampiezza di sguardo), i nostri dieci artisti hanno
elaborato una peculiare semeiotica, capace di offrire ai
fruitori quel sistema di linee guida e punti cardinali di
assoluta rilevanza ai fini d’un buon orientamento nell’immaginario
collettivo dei siciliani. Un risultato – quest’ultimo
– ottenuto coniugando una ideatività decisa e risoluta
con un altrettanto affinata fabrilità, sì da pervenire alla
realizzazione di immagini e manufatti simbolo, dalla compiuta
valenza comunicativa e affabulatoria.
Il caleidoscopio di luci e colori dei vetri di La Barbera
(incline a catturare e riverberare la tipica luminosità isolana),
la efestina metallurgia di cui è artefice Vitrano (nella
quale si concreta l’aspetto ctonio e vulcanico di questa
terra), il sinuoso cromatismo dei paesaggi dell’Affronti
(tanto anti-naturalistico nella sua sintesi di tratto e composizione,
quanto fedele e veritiero nella resa delle intense
tonalità dei panorami), il conchiuso simbolismo delle icone
di Costanzo (che riassume, con gioiosa e apparente
semplicità, la salienza del peso della storia, del mito e
della natura), il veristico impianto delle tele di Cavallaro (i
cui trompe l’oeil ben consacrano l’importanza dell’arte
figulina), la concreta manualità di D’Antoni (anch’essa
direttamente incentrata sulla esaltazione delle potenzialità
estetiche della materia argillosa), le citazioni storicistiche
di Pintaudi (ancora una volta rimarcanti il sedimento
impareggiabile delle antiche civiltà) e quelle altrettanto
indicative di Giambanco (con il loro rutilare di memorie
della grande stagione panormita del tardo-Manierismo e
del Barocco), la polimorfa ricerca scultorea di Rizzo
(oscillante fra declinazioni figurative ed esiti astrattisti) e
la visionaria polimatericità pittorica di Chirco (caratteristicamente
tripudiante di tecniche miste) si ergono dunque
ad eloquente novero di chiari referenti, atti a narrare con
dovizia informativa le piacevolezze della nostra Felix Ziz.
Una miscellanea di differenti sensibilità, linguaggi, modalità
d’esecuzione nonché stilemi, che, pur definendo un
articolato mosaico di vissuti soggettivi, riesce ad andar
ben oltre la semplice mappatura delle singole personalità,
per tradursi, infine, in una composta e leggibile cartografia
affettiva della sicilitudo, fedele testimonianza immaginifica
e tributo amoroso reso dai nostri dieci artisti alla
loro felix insula .
Salvo Ferlito / Felix Ziz - Palermo, ottobre 2006

In un telaio figurativo,
dieci artisti ricamano la Sicilia
In una veste un po’ insolita, dieci artisti siciliani del Gruppo
Graffiti & Addaura Art presentano Felix Ziz, tra pittura,
scultura ed altre forme manipolative.
Nel contesto dell’albergo (la grande hall e gli spazi d’accoglienza)
la mostra, diretta da Fabrizio Costanzo e
Francesco Pintaudi (in collaborazione con Salvo Ferlito),
si configura nel suo aspetto poliedrico dialogando con il
turismo, i convegni, la gastronomia e altro.
“Ho visitato Felix Ziz il giorno dell’inaugurazione e sono
tornato ben volentieri in seguito, perché l’esposizione mi
ha attratto particolarmente presentando tecniche e materiali
diversi, che stuzzicavano la mia curiosità. Osservando
le opere mi sono soffermato su alcuni oggetti della
memoria riciclati e artefatti e su altri naturali - canne,
stoffe, sabbie, terre, sassi, conchiglie, ferri vecchi e chiodi
arrugginiti, legni consunti, jute, insieme ad acrilici, oli,
smalti e pigmenti vari - utilizzati su supporti più o meno
nobili, insomma, un telaio figurativo di ampio respiro su
cui gli artisti hanno ricamato le proprie idee…”.
Giuseppe Mendola / Boè – Palermo, nov./dic. 2006
Felix Ziz, ovvero Fiore felice
Una mostra dedicata alla Sicilia
Antonella Affronti, Roberto Cavallaro, Paolo Chirco, Fabrizio
Costanzo, Toni D’antoni, Pippo Giambanco, Leonardo
La Barbera, Francesco Pintaudi, Giacomo Rizzo e
Totò Vitrano sono i dieci artisti che - con le loro opere di
pittura, scultura ed altre forme manipolative - danno vita
alla mostra Felix Ziz in cui, come nel catalogo, “è l’aggiornata
riflessione sull’intonsa vis dell’ambiente naturale e
sull’estrema pregnanza dell’eredità culturale a farla pienamente
da padrona, sì da restituire agli osservatori
un’immagine suadente (ma anche assai esplicativa) della
nostra complessa e multiforme isola”.
Sikania – Palermo, novembre 2006
Felix Ziz: narrazione di una mostra
Fuoco, acqua, terra: ai tre elementi evocati dalla varietà
dei materiali di questa mostra, si affianca un quarto elemento,
il vento, che passa e raccoglie aromi e suggestioni:
un novello cantastorie che avvicina imprevedibilmente
le opere, che tesse u cuntu di una Sicilia possibile, poetica
e magica, quale ci consegnano gli artisti di Felix
Ziz….
Elina Chianetta / Felix Ziz – Palermo, dicembre 2006
Un titolo a metà strada tra il latino e l’arabo…
A capire il senso della mostra ci aiuta la presentazione in
catalogo di Salvo Ferlito, ed in particolare la sua oratoria
dalla quale traspare l’attenta analisi cartografica di una
produzione artistica che punta sulla sicilianitudine degli
autori i quali nelle loro opere tendono a rimarcare (non
senza ottimi effetti) l’iconografia della Sicilia e dei suoi
aspetti…Alla mostra partecipano anche i curatori Fabrizio
Costanzo e Francesco Pintaudi e, mentre per Costanzo
la variabile predominante è la minuziosità simbolista con
la quale affronta ogni sua opera, per Pintaudi troviamo
una sorta di recupero della memoria attraverso l’uso del
colore (smalti e acrilici) tale da dare la sensazione dell’affresco…
Francesco M. Scorsone / Centonove – Messina, 24 novembre 2006

Luoghi, teatri della mente
Luoghi dimenticati, sognati, idealizzati, inventati, mai visti. Intrappolati nella tela dei ricordi.
Luoghi vissuti, riemersi sul filo della memoria.
Luoghi sacri, teatrali, privati. La storia è colma di luoghi, dalla caverna preistorica alla moschea, dai palazzi storici alle
architetture dei giardini, dalle chiese alle piazze barocche, dalle piramidi egizie e maya ai templi occidentali e buddisti,
ai custodi del sonno cinesi.
Luoghi come teorie, manipolazioni della realtà, descrizioni minuziose di prospettive rinascimentali, di spazialità barocche,
di luce impressionista, di frantumazioni cubiste.
Luoghi assoluti, astratti, escheriani.
Luoghi metafisici stranianti, impossibili, di là dal tempo e dallo spazio, visioni surreali dove il sogno incontra la realtà.
Luoghi-silenzio, di opere d’arte, strappate al fare, conservate in statici musei.
Luoghi-evento, teatrali, rituali, spettacolarizzati dall’uomo che recita se stesso mimando il gioco della vita.
Luoghi comuni, piazze, strade. Muri quotidiani fumettati da Haring.
Luoghi-caos pervasi dal dinamismo futurista. Luoghi noti e sconosciuti. Luoghi.
La psicologia topologica (dal greco topos – luogo) ha studiato a fondo il significato del luogo inteso come spazio di relazione.
La teoria gestaltica ha dimostrato che gli individui hanno organizzato il loro intorno secondo precise leggi strutturate,
leggi percettive di similarità, prossimità, continuità, delimitazione. Lewin ha sostenuto la capacità dell’uomo di
muoversi ed agire (da soggetto attivo) nell’ambiente, decidendo liberamente, pur condizionato dai modelli culturali specifici
(le istituzioni). Walter Benjamin ha riportato la nozione di spazio entro i limiti della dialettica uomo-storia, affermando
che, lunghi periodi storici e dinamiche complesse di esistenza delle società hanno influenzato la percezione umana
sensoriale nei diversi territori. All’interno del concetto di configurazione nella teoria gestaltica, Rudolph Arnheim ha
sostenuto che l’aspetto di un oggetto non è mai soltanto determinato dall’immagine che colpisce direttamente il nostro
occhio (vedi la sfera che logicamente completa la forma rotonda parzialmente visibile di fronte). In tale accezione, non
si vive una realtà parziale, ma completa. La forma dell’oggetto, quindi, non sempre coincide con l’effettivo limite di un
corpo fisico. Edward T. Hall, nell’opera La dimensione nascosta, analizzando i vari comportamenti culturali dell’uomo
nel loro complesso e affrontando i modi di usare lo spazio e di attribuirgli un significato, si è addentrato nel campo
dell’arte considerandone l’aspetto percettivo. In particolare, l’autore, ha sottolineato il ruolo della pittura che, pur non
potendo riprodurre direttamente, ad esempio, il profumo di un frutto, può evocare sensazioni simili attraverso segni
rappresentativi opportunamente selezionati.
I pensieri di Rudolph Arnheim e di Edward T. Hall, pur divergenti, sono complementari in un punto e ci permettono di
guardare ancora più dentro il concetto di luogo inteso come sistema relazionale e di conoscenza spazio-temporale.
L’artista, per Hall ha il compito di aiutare il profano a mettere ordine nel proprio universo culturale, a decifrare il fenomeno
visivo, ma lo fa (vedi Arnheim) secondo una suggestione sensoriale che non sempre raffigura l’oggetto, le persone,
e i luoghi in maniera chiara e completa. In taluni casi può semplicemente evocarli o descriverli in parte, citarli, trasfigurarli,
e non per questo, necessariamente, sono conosciuti dall’osservatore in maniera incompleta. Una posizione
estrema è quella di Jackson Pollock, che ha sublimato il concetto fisico del luogo, trasferendolo sulla tela. Questa, definita
luogo degli eventi, si configura come forza attiva e propulsiva, capace di generare sentimenti e passioni in un moto
dinamico irrefrenabile dove l’artista, in preda ad un raptus creativo - e senza nulla di preordinato - sgocciola il colore
secondo l’input del dripping. L’opera d’arte, non più elemento passivo, instaura un rapporto simbiotico con l’artista concentrando
su di essa l’universo delle esperienze esaltanti o frustranti. Ma ci sono altri luoghi, teatri della mente, che
fanno parte unicamente del nostro io, della nostra esperienza di vita, del nostro modo di essere. Sono i luoghi della
memoria, non descritti da teorie o altro, ma dai sensi. I dodici artisti presenti in questa mostra ripercorrono la strada
della loro vita attraverso ricordi di viaggi, profumi, materiali, luoghi familiari, sogni, esperienze, introspezioni. Particelle
insostituibili del meccanismo cosmico, scrutano l’universo, lo analizzano, restituendolo sotto forma d’impulsi linguistici e
strutturali.

Le varie tematiche proposte si snodano così in tentativi di ricerca dove il segno-parola, il segno-immagine e il segnostruttura
vengono esplorati attraverso forme e contenuti, travalicando il senso della realtà descritta.
Gli schemi compositivi che ne derivano risultano proiettati in canoni evolutivi: nasce un vocabolario di sensi e d’intenti
visivi che sfiora e imbriglia la memoria, un gioco nel gioco di cui l’artista, padrone della situazione, ne conosce le regole,
componendo e scomponendo il meccanismo imperfetto della realtà (artifex ludens sicut dei).
Fabrizio Costanzo / I luoghi dell’oblio - Sanpaolo Palace Gallery. Palermo, mar./giu. 2007 - Presentazione in catalogo

Ludusmentis
Una mostra come questa pone certamente domande sul carattere fenomenologico della comunicazione, su come
questa può e deve relazionarsi con la nostra quotidianità.
Viviamo un momento storico spettacolare in cui abbiamo polverizzato i saperi, messo da parte i miti e i sentimentalismi,
frantumato l’essere (o ciò che pensavamo tale), e da ogni particella ne abbiamo ricavato e ridefinito una nuova identità.
Ci chiediamo: dopo le nostre conquiste globalizzanti siamo più forti o più deboli? Il bicchiere è mezzo vuoto o mezzo
pieno? Siamo in crisi? La nostra condizione esistenziale, dagli anni Sessanta in poi, ha visto nascere in Europa e negli
Stati Uniti movimenti artistici di rottura riluttanti verso qualsiasi legame specifico con le forme d’arte precedenti e con i
significati ad essi attribuiti, movimenti che, pur diversi tra loro, sono stati accomunati dalla stessa volontà dissacrante.
Dissolta la forma e la progettualità, essi hanno perseguito il segno e l’improvvisazione (all’interno del nuovo significato
di materia) esprimendo, in compenso, la genuinità dell’atto creativo. E’ così che, i movimenti dell’Arte segnica, l’Action
painting, l’Informale, lo Spazialismo, La Pop art, la Op art, l’Arte cinetica, l’Arte ecologica e l’Arte povera si sono alternati
ad altre correnti artistiche come il Neorealismo sociale prima, l’Iperrealismo e la Transavanguardia poi, auspicando
un ritorno alla figurazione ma con indirizzi e risultati estetici diversi ed eclettici, fino ad arrivare alle estremizzazioni della
Body art, non ultima ma assai significativa perché da considerarsi punto estremo di un processo di liberazione dai
vinco 䁬 i imposti dalla società: nella performance il corpo partecipa al processo espressivo ed il rapporto artistaosservatore
ne è stravolto; l’Arte concettuale, in cui l’oggetto e la materia hanno perduto il ruolo di protagonista dell’opera
d’arte dentro una comunicazione sempre più finalizzata all’ideazione ed al processo, ed ancora, la Street art,
una forma d’arte degli anni Ottanta, totalmente immersa nella quotidianità, che riassume i diversi approcci creativi nella
dimensione urbana...In un panorama così ampio, è necessario trarre delle conclusioni. Per dirla con Escher “far rientrare
dentro il finito di un cerchio l’infinito delle possibilità ideative” affinché si colga il senso di tutto ciò. E’ quindi opportuno
sottolineare almeno un aspetto positivo e fondamentale della ricerca culturale odierna, ovvero quello connesso alla
libertà delle procedure espressive attuate dagli artisti in Europa e nelle grandi democrazie del mondo, dove i loro studi
sono stati condotti senza condizionamenti, in assoluta autonomia procedurale e concettuale. Gli operatori adesso hanno
l’obbligo di riflettere su tutto ciò e, conseguenzialmente, di vegliare sull’impegno etico connesso al libero processo
creativo, affinché non vada sprecata l’occasione di essere salvaguardati nelle identità, facendosi altresì imbrigliare
dall’invasività spettacolare e globalizzante della comunicazione odierna. L’arte contemporanea, in sostanza, procede
su un filo rosso non riconducibile a categorie fisse. Il sistema comunicativo-espressivo odierno - sfuggente, complesso
ed eterogeneo - sviluppa (e fagocita) valori nuovi ed elementi inaspettati, si confronta con la molteplicità delle tecnologie,
dei materiali e dei processi, si caratterizza sempre più per l’esigenza di unicità ed individualità nell’estrinsecazione
dell’atto creativo, rifiutando l’appartenenza a gruppi, movimenti, maestri e scuole.
I linguaggi di Candiloro, Emanuele e Mott, oggi presenti al Sanpaolo Palace Hotel, partendo da una realtà sì fatta ma
anche idiomatica del capoluogo palermitano, s’inseriscono con personalità e calibratura nel dibattito culturale dei nostri
giorni, interagendo con i processi ludici del fare arte, coinvolgendo consapevolmente la sfera estetica.
Fabrizio Costanzo / Ludusmentis - Sanpaolo Palace Gallery. Palermo, lug./nov. 2008 - Presentazione in catalogo

Fabrizio Costanzo e l’installazione Electric chair di Richard Mott
Ludusmentis - SANPAOLO PALACE HOTEL - Palermo, ottobre 2006

Un catalogo, una vita
Una dialettica tra contenuti e processi
Le azioni progettuali in rete, finalizzate al raggiungimento dell’obiettivo della solidarietà, assumono particolare importanza
in un contesto di esperienze ed emozioni comuni. Nello specifico, la mostra-concorso L’arte del Volontariato di
Villa Niscemi, avvicina i giovani ed i professionisti a questo mondo in maniera costruttiva e spontanea. A tale genere
d’iniziativa, gli artisti del Gruppo Graffiti non sono nuovi: già altre volte hanno dimostrato la loro etica professionale prodigandosi
a favore di chi soffre con la presenza, il lavoro e le donazioni - vedi le ultime mostre di Santa Maria dello
Spasimo (2007) e di Villa Boscogrande (2008) a Palermo.
Il catalogo prodotto nel 2008, egregiamente coordinato dalla giornalista Laura Poma e dal Presidente dell’A.R.I.S. Rocco
Di Lorenzo, ci dà lo spunto per ampliare il discorso, andando oltre il risultato estetico. La pubblicazione, ponendosi
come strumento divulgativo a supporto della mostra, evidenzia una sua valenza simbolica che racchiude vite e opere
degli artisti partecipanti alla manifestazione. Nella disputa con l’altro strumento di comunicazione per eccellenza del
Ventunesimo secolo – internet (e tutto ciò che riguarda la telematica) – ne esce a testa alta. Ancora oggi per noi è essenziale
appartenere ad un oggetto reale attraverso i sensi: ci è indispensabile leggere e sfogliare un catalogo sentendo
e toccando la porosità delle sue pagine, osservare le foto seduti su di una comoda poltrona e sotto la luce rassicurante
di un lume: abbiamo bisogno di memorie, di affetto, della terra sotto i piedi, del senso della vita e della Bellezza.
A quest’ultimo valore universale siamo indissolubilmente legati; oggi però il nostro approccio è profondamente cambiato
rispetto al passato. Siamo incapaci di usufruirne perché di carattere privato ed esclusivo. I greci invece praticavano
la bellezza nella piazza, pubblicamente, vivendola tutti i giorni: Bellezza e Giustizia entravano in simbiosi, la legge morale
e quella estetica coincidevano dando senso e significato alla vita. Oggi la bellezza è eclatante ed esteriorizzante,
produce audience e riscontro economico. Qualche volta sfocia nel cruento (vedi performance scioccanti e oscene) e
deve colpire subito, ad ogni costo…non è meditativa, non crea consensi. Abbiamo frantumato l’essere in tante particelle,
altri microcosmi anarchici: siamo isole. Non riconosciamo più i maestri e i movimenti: non discutiamo. E’ un problema
di comunicazione, adesso libera e multidimensionale, ma nel contempo parossistica e non lineare. Storicamente,
l’arte di fine millennio è caratterizzata dalla voglia d’indipendenza creativa e dall’estrema varietà delle proposte; per
tentare di comprenderla occorre considerare i cambiamenti che si sono verificati all’interno della società e l’interscambio
sempre più intenso di uomini, prodotti e idee, che ha permesso una circolazione della cultura su scala globale: lo
sviluppo impressionante della tecnologia ha aumentato le opportunità a disposizione degli artisti facilitando il nascere
ed il proliferare di tendenze e dinamiche assai diverse tra loro. Il Capitalismo degli anni ’70 ha altresì formato al suo
interno una opposizione, un’aspra lotta politica e ideologica al cui interno il mondo artistico ha risposto in maniera
estremamente variegata, portando avanti il fenomeno delle Neoavanguardie. Gli artisti hanno così evidenziato le contraddizioni
sociali e liberato la creatività personale da ogni condizionamento estetico e culturale: Joseph Kosuth, ad
esempio, ha espresso un nuovo concetto di creatività incentrato sul momento ideativo. Per l’artista l’arte è processo
mentale da ricreare davanti allo spettatore. Conta solo l’idea, non la sua realizzazione. Non è quindi importante l’aspetto
estetico del risultato. Nell’opera Uno e tre cappelli rappresenta in tre modi diversi lo stesso concetto: la fotografia di
un cappello, un cappello vero, e la sua definizione linguistica tratta da un dizionario. Kosuth, in pratica, indica l’inutilità
dell’oggetto (non esiste alcun motivo per rappresentarlo) e nega alla radice qualsiasi forma di opera d’arte. Molti artisti,
in questo periodo, si sono schierati contro lo sfruttamento commerciale del loro lavoro proponendo un’arte volutamente
invendibile, senza mercato. Cristo e Richard Long, aderenti alla Land Art, hanno agito direttamente sul territorio, segnando
il paesaggio con realizzazioni talmente colossali da non poter essere esposte in nessuna galleria. Gilbert &
George hanno considerato il loro corpo come un’opera d’arte vivente, sostituendo all’oggetto-contenuto, il concettoprocesso:
nelle performance e negli happening gli artisti creano direttamente davanti al pubblico facendolo partecipare
alle loro azioni. Nell’ultimo trentennio del XX secolo il significato di arte si è ampliato a dismisura coinvolgendo la musica,
il teatro, la danza e il video o impiegando materiali non artistici. Per Joseph Beuys l’arte è trasformazione, trasmissione
di energia vitale che spettacolarizza esibendosi dal vivo. Egli rifiuta i consueti strumenti artistici preferendo impiegare
oggetti e materiali prelevati dalla realtà quotidiana che assembla in maniera sconcertante e provocatoria. In Pianoforte
a coda, usa un pianoforte senza gambe, alcuni frammenti di un violino distrutto dall’artista, il suo cappello e le
fotografie che documentano le fasi dell’evento.

Michelangelo Pistoletto, nell’Arte povera, sistema accanto ad un mucchio di stracci una statua classica (Venere degli
stracci), simbolo della bellezza eterna, facendola idealmente dialogare con ciò che resta del veloce trascorrere delle
mode: un cumulo di stracci contro la società consumistica! Ancora, la Body Art, tra ricerca, esperienza e spettacolo
esplora i limiti del corpo umano e le reazioni dell’artista e del pubblico.
Questi pochi ma significativi esempi di artisti e movimenti – alcuni dei quali ancora attuali – l’ulteriore spinta della Transavanguardia
alla fine degli anni ’70 (con le videoinstallazioni di Fabrizio Plessi) e gli ultimi fenomeni del Graffitismo e
della Street art, testimoniano il difficile passaggio epocale che stiamo vivendo: oggi non è possibile sostituire i valori,
così come è impensabile andare avanti allo sbaraglio senza soffermarsi sul quotidiano, sulle piccole cose che fanno
grande l’esistenza dell’essere umano e dell’artista nello specifico. Non si può tornare al passato e proporre un tuffo
all’indietro nella memoria perché sarebbe anacronistico, ma occorre conoscere le dinamiche storiche e socio-culturali
per poter produrre con coerenza e proporre una dialettica tra contenuti e processi, logos e caos, entrambi facce della
stessa medaglia.
La mostra di villa Niscemi è una mostra di contenuti…e di processi. Tutti e diciotto gli artisti sono operatori culturali del
Ventunesimo secolo: fanno dell’arte una ricerca, la producono per contenuti e seguono i processi. Guardano al futuro,
danno risposte agli altri ma soprattutto a se stessi. Il binomio immagine-immaginare, ben evidenziato nel contesto del
Volontariato – e in questa iniziativa in particolare – pone le basi per ulteriori ampie discussioni. La certezza di ciò che
la visione è (nella strutturazione del linguaggio visivo), diventa speranza nell’immaginare un mondo migliore in cui tutti
cooperano (giovani e anziani, persone sane e bisognose), una forza-unione trainante che rende forti e coraggiosi.
Scrive Rudolph Arnheim “L’arte non è un isola, serve per capire il mondo”. Sostiene Bertolt Brecht “Tutte le arti contribuiscono
all’arte più grande di tutte: quella di vivere”. Traslando il discorso, i due autori, così diversi e distanti tra loro,
procedono tra Arte e Vita, icone e azioni: segni-tracce e input vitali che danno senso e significato alla discussione
odierna.
Fabrizio Costanzo / L’arte del volontariato – Biotos – Palermo, 2 ottobre 2008 - Presentazione catalogo

Fabrizio Costanzo ed Elena Pagani presentano il catalogo della mostra
L’arte del volontariato - BIOTOS - Palermo, 2 ottobre 2008

Elena Pagani, Fabrizio Costanzo, Rocco Di Lorenzo, Laura Poma
L’arte del volontariato - BIOTOS - Palermo, 2 ottobre 2008

Graffiti Art
Graffiti Art
Graffiti
Graffiti Day
Cultura, legalità, ambiente all’ombra della Montagna Sacra
Da un’idea…
Sono trascorsi dieci anni da quell’8 maggio 1999.
Menzionare gli artisti che si sono susseguiti l’uno dopo l’altro nel nostro hotel o le opere che vi sono state esposte, non
è sufficiente. Sono le emozioni che mi piace ricordare, quei momenti del 1998, quando io, Francesco Carbone e Massimo
Coraci, discutevamo, a cena o seduti sui divani, di come dovevamo organizzare e strutturare la futura mostra Graffiti:
frasi, spunti, idee, schizzi e annotazioni che nel tempo prendevano forma. Alcune cose erano programmate con
cura, altre nascevano spontaneamente: tutto era però voluto con entusiasmo e determinazione, doti che oggi naufragano
nel mare dell’indifferenza. Dieci anni fa, il nostro proposito di costituire una mostra permanente e dinamica, che
coinvolgesse le componenti della didattica, dei professionisti e dei giovani emergenti, fu un’idea vincente, subito accolta
con partecipazione da artisti e operatori del settore coinvolti. Posso affermare, senza timore di essere smentito, che
la Graffiti, è stata la prima mostra in assoluto ad avere tali caratteristiche. Il progetto espositivo, è stato realizzato, grazie
a Massimo Coraci che, da architetto progettista dell’hotel, cultore dell’arte e manager, si è calato nei panni del mecenate,
attivandosi come un operaio per rendere fattibile un’idea, che doveva rispondere - ed ha risposto - sul piano
culturale e su quello commerciale. Giornalisti, critici, cultori dell’arte, turisti e semplici visitatori, hanno discusso con gli
autori, creando un clima piacevole e di confronto. In dieci anni, oltre 200.000 persone, di tutte le nazionalità, sono entrate
in contatto con la mostra. Gli artisti hanno contribuito alla diffusione dell’evento, in maniera professionale, passionale…e
coraggiosa, dando vita ad una delle realtà più belle di Palermo. Si sono messi in discussione, giocando per
lavoro (e lavorando per gioco), impiegando notevoli energie psico-fisiche, collaborando con spirito di gruppo, liberi nelle
scelte e negli orientamenti. Oggi, le fasi artistiche connesse al Graffiti Day per i dieci anni della permanente Graffiti (le
presentazioni de La bestia di Bizhan Bassiri e delle installazioni-totem), ribadiscono la volontà di lasciare segni forti nel
territorio e all’Addaura Hotel in particolare. L’iniziativa rientra nella linea di condotta fortemente voluta da Massimo Coraci,
votata al rispetto della natura e condivisa da tutti gli operatori impegnati in hotel. L’iter punta energicamente sull’aspetto
espressivo-ambientale come premessa culturale e morale finalizzata al dialogo con il territorio.
Un filo rosso che si snoda dal 1999 ad oggi, privilegiando la legalità ed il rispetto della persona. Come stile di vita.
Fabrizio Costanzo / Sicilia Tempo – Palermo, maggio 2009 - Presentazione catalogo

Fabrizio Costanzo intervistato dalla giornalista di Video C6.tv
Conferenza stampa: Fabrizio Costanzo, Massimo Coraci, Bizhan Bassiri, Salvo Ferlito - ADDAURA HOTEL - Palermo, 8 maggio 2009

Graffiti
17 Totem per il Graffiti Day
Offrire un articolato sistema di miliaria con cui orientarsi nel controverso panorama della contemporaneità.
Parrebbe essere questo l’intento prioritario perseguito dai diciassette artisti coinvolti nel progetto 17 Totem per il Graffiti
Day, a conferma dell’insopprimibile esigenza di marcare simbolicamente il territorio esistenziale, sì da lasciare tracce e
segni assai evidenti, che possano fungere al contempo da bagaglio esperienziale per il presente e da memoria e tacitiano
monumentum per il futuro. Non è per tanto un caso – quindi – che l’intento di celebrare i dieci anni di Graffiti
abbia previsto la realizzazione di opere d’arte tutt’altro che effimere quali dei totem, poiché questi, in virtù della loro
significativa possanza volumetrico-visiva, si rivelano dei congrui ed appropriati strumenti d’affermazione dell’Ego artistico,
in grado di incarnare, con dovizia e precisione, quel modo di intendere il proprio essere ed esistere al mondo e
quell’idea di sé, maturati nel corso d’una intera vita di uomini e di protagonisti delle arti visuali. Epitomi, dunque,
nonché sublimati e concentrati visivi di io strutturati per progressivi passaggi e sedimentazioni esperienziali, che, innalzandosi
in forme simboliche di elevata gradazione emozionale ed affettiva, si offrono quali paradigmi cui relazionarsi e
riferirsi, in una interlocuzione che possa fungere da ideale referente ai fini d’una più dettagliata mappatura del qui e ora
e – in definitiva – d’una più chiara (ma non per questo più rassicurante) topografia della nostra identità spaziotemporale.
Segni – come detto – nel senso d’una lata semiologia, ma anche, volendo, d’una semeiotica di stampo clinico
- probanti e indicativi d’una condizione assolutamente individuale, e tuttavia capaci, in forza del loro innestarsi come
nodi fondanti, in una estesa tramatura di interrelazioni, di delineare il puntuale diagramma d’una articolata e generale
situazione, al contempo psicologica, sociale, cultural-antropologica e quindi storica.
Non, per tanto, semplici strutture-monito (nei termini tipici del simbolismo religioso cui i totem alludono nella loro impostazione
primigenia ed aborigena), non soglie invalicabili (inevitabilmente indicatrici di codici normativi ai quali attenersi
strettamente nel viver quotidiano), ma puntuali trascrizioni immaginifiche di vissuti personali (artistici innanzitutto, e
contestualmente anche esistenziali), tali da ergersi a efficace segnaletica cui guardare non passivamente e con la quale
confrontarsi dialetticamente in cerca di illuminanti spunti e suggestioni.
Racconti sempre ben conclusi in loro (e ovviamente doviziosi, a prescindere dal grado di facondia e dal tono più o meno
retorico dei diversi e peculiari registri narrativi adottati dagli autori) e ciò nonostante in grado di integrarsi armonicamente,
fornendo agli osservatori quel sistema di coordinate – cui nell’incipit si è accennato – capaci di guidare non solo
nella dimensione della singola ideatività artistica d’ogni artefice coinvolto, ma anche – e primariamente – di fungere da
palesi referenti per chi cerchi delle prese di posizione non ambigue nell’incerto panorama intellettuale del mondo circostante.
Il che induce ad inquadrare i processi ideativi e gestuali dei nostri artisti in tassonomie di pregnanza tutt’altro
che irrilevante o superficiale, rilanciando, ancora una volta, l’obbligata riflessione sulle categorie del moderno e del
postmoderno e sull’imprescindibilità d’ogni vero fare artistico da un pensiero estremamente forte e consapevole (…).
Muove proprio da queste “energiche” premesse l’impegno progettual-esecutivo dei diciassette partecipanti all’iniziativa,
i quali, non a caso, hanno operato una variegata e articolata serie di fabulazioni, in cui la componente della più accesa
fantasia visuale non esula però mai da visioni dell’esistente improntate a una debita attitudine riflessiva ed analitica di
notevole profondità e di rilevante peso specifico. E tutto ciò, prescindendo da qualsivoglia sterile e obsoleta controversia
su tecniche e linguaggi (che infatti spaziano dal segno graffitistico al predominio del colore, dal verbo figurativo alla
libera astrazione, dal ricorso al ready made agli inserti polimaterici, in un caleidoscopio di ibridazioni fra grafica, pittura,
scultura, uso concreto della parola, tale da condurre a delle installazioni assai contaminate), poiché quello che conta
maggiormente è contemperare le esigenze correlate a ben precise cifre estetico-stilistiche e la volontà di rendere
leggibili le idee sottese ai gesti degli artisti, senza però incorrere in derive iconologiche di tipo semplicistico o riduttivamente
didascalico (nonostante l’affioramento, qui e là, di qualche tentazione di siffatto genere) e mantenendo piuttosto
il rapporto fra significante e significato entro ambiti semantici non troppo labili, così da indirizzare il focus ottico degli
osservatori verso l’obiettivo tematico immaginato.
Totem, dunque, quali ideali miliaria che segnino il passo di chi ad essi sappia volgere lo sguardo; inconsueti indicatori
di percorsi, la cui comunicativa forza di orientamento ed induzione è lasciata – in fondo e come sempre – all’acuità
visiva e alla capacità recettiva di tutti noi, viandanti viepiù dispersi e isolati in un girovagare senza posa nei troppi
territori oscuri dell’esistere.
Salvo Ferlito / Sicilia Tempo - Palermo, maggio 2009 / L’inchiesta - Palermo, giugno 2009 - Presentazione catalogo

Graffiti
Kairòs, a tempo debito
ossia “suonare lo strumento del nome per far aprire una porta”, usare parole che intimano
l’apertura di un passaggio: questo accade nel nominare insieme graffiti e totem.
Con sorprendente rapidità siamo indotti ad evocare un tempo della mente che il passare dei secoli non ha mutato nella
struttura, ma solo nella forma: quel tempo in cui la rappresentazione nasceva a se stessa, un vero e proprio rito di passaggio,
dove l’individuo - sebbene ancora non come individuo, ma come gruppo o clan - da creatura in simbiosi tra le
creature, animali e vegetali, diventava uomo, essere umano. Nella nostra immaginazione prende di nuovo vita la mano
mirabilmente ferma - per dirlo con le parole di Hardouin - che ha scolpito gli acrobati nella grotta dell’Addaura, conferendo
loro leggerezza ed eleganza: la dura roccia non l’ha ostacolata, mentre riproduceva una danza o con maggiore
probabilità un rito cruento - l’efferatezza di un engramma - che non è rimasto fisso solo nella sua mente, che non è
stato nascosto nel ventre della roccia, bensì accessibile alla luce del sole, in tutta la sua perturbante bellezza. Bellezza
delle origini.
: nei tratti sottili e superficiali o nel solco profondo lasciati da quella mano, nel cerchio magico
di uomini e di animali, immersi nel ciclo del divenire - vita, morte e generazione - c’è tutta la forza del rapporto
mistico con la natura, intrisa di forze sconosciute ed extraumane, forze prodigiose e minacciose, senza il cui aiuto la
vita non avrebbe potuto perpetuarsi. Un tempo della mente che si è replicato in mille rituali e manufatti, feticci, maschere-parola.
E da quei recessi più reconditi emergeva l’anima della boscaglia - il Totem - una visione in sogno - territorio
sconfinato che di quel tempo conserva ancora intatto tutto il mistero. Dentro il suo perimetro, lungo la verticale del suo
moto ascensionale - un cammino dritto che si spingeva fino a toccare il proprio Zenit - s’istauravano parentele di visioni
e vincoli di appartenenza che affratellavano gli uomini e sancivano rapporti d’identità.
: i Totem del nostro tempo non risuonano allo stesso modo, benché abbiamo mantenuto il
loro scopo - posto che fosse l’unico. Si limitano a gridare la potenza del denaro e della tecnologia, accrescendo lo spazio
del profano, ponendosi al Nadir - al punto più basso. Sono gettati contro di noi, aggressivi. Iniqui e poveri, creano
impoverimento. Mercificano la vita. La materia densa dello spirito non appare, non fa capolino. Non si intuisce nessun
enigma, solo una tessera opaca. Un babelismo caotico e desolante.
: nelle intenzioni di chi ha voluto questa mostra il totem si riprende il proprio spazio simbolico
e rappresentativo. Si offre agli artisti e gli artisti lo ripensano e c’è lo restituiscono - il totem prima di assurgere a
significato collettivo è qualcosa che prende vita nella nostra intimità più ancestrale - accresciuto nella sua pluralità semantica,
nel suo dinamismo, nella sua espressività e spiritualità: oltre la bidimensionalità della tela, come immagine
nello spazio.
: Monte Pellegrino come un novello Ziggurat. Si ritorna sulla terrazza superiore a tracciare
più di una linea, a designare più di un punto di osservazione che ci permetta di guardare al nostro tempo con nuove
intenzionalità, con nuova consapevolezza.
C’è bisogno di un nuovo patto di alleanza tra gli uomini. E l’arte, nel suo palesarci l’immanenza della nostra esistenza
quotidiana, la contrapposizione tra istantaneo ed eterno, nell’alimentare domande, fa la sua parte. Kairòs, a tempo
debito.
Elina Chianetta / Sicilia Tempo – Palermo, maggio 2009 - Presentazione catalogo

Fabrizio Costanzo e Massimo Coraci presentano la mostra
Graffiti Day - ADDAURA HOTEL - Palermo, 9 maggio 2009

Enrico Colajanni, Massimo Coraci, Fabrizio Costanzo e Salvo Ferlito presentano la mostra
Graffiti Day - ADDAURA HOTEL - Palermo, 9 maggio 2009

Sergio FIGUCCIA
Paolo CHIRCO
Gnomone
Evolution
Pietro EMANUELE
Antonella AFFRONTI
Lo scudiero del re
Mutazioni
Mutazioni
della
della
pietra
pietra
Angelo DENARO
Fabrizio COSTANZO
Il serpente piumato
Inno alla luna
Giuseppe FELL
Roberto CAVALLARO
Up and Down
Graffitotem
Bozzetti totem
Graffiti Day - ADDAURA HOTEL - Palermo, 8 maggio 2009

Pino MANZELLA
Francesco PINTAUDI
Totem della memoria
Totem dissonante
Leonardo LA BARBERA
Maria Gabriella PATTI
L’uomo oggi
Altro celeste viene dopo altro celeste
Fabio MATTALIANO
Giacomo VIZZINI
Cromatic E.mail
AlberoUomo
Mario LO COCO
Antonino PERRICONE
Totem per gli dei del fuoco
Opera prima, ascoltando Toscanini
Bozzetti totem
Graffiti Day - ADDAURA HOTEL - Palermo, 8 maggio 2009

Sergio FIGUCCIA
Paolo CHIRCO
Gnomone
Evolution
Pietro EMANUELE
Antonella AFFRONTI
Lo scudiero del re
Mutazioni della pietra
Angelo DENARO
Marcella GRECO
Il serpente piumato
Zoo Addiopizzo
Giuseppe FELL
Roberto CAVALLARO
Up and Down
Graffitotem
Totem/Antonella AFFRONTI
La scopertura dei totem in esposizione
Graffiti Day - ADDAURA HOTEL - Palermo, 8 maggio 2009

Pino MANZELLA
Francesco PINTAUDI
Totem della memoria
Totem dissonante
Leonardo LA BARBERA
Maria Gabriella PATTI
L’uomo oggi
Altro celeste viene dopo altro celeste
Giacomo VIZZINI
Fabio MATTALIANO
Antonino PERRICONE Mario LO COCO
AlberoUomo
Cromatic E.mail
Totem per gli dei del fuoco
Opera prima, ascoltando Toscanini
La scopertura dei totem in esposizione
Graffiti Day - ADDAURA HOTEL - Palermo, 8 maggio 2009

Graffiti
Graffiti Day - L’inaugurazione: cronaca di un successo annunciato
Si. Un grande successo. Anche perché le fasi del coordinamento generale si sono svolte esattamente come erano
state previste. Il Graffiti Day, nei propositi degli organizzatori, doveva essere una manifestazione speciale, coerente
con il percorso sperimentale fin qui esibito nei 10 anni di vita.
Massimo Coraci e Fabrizio Costanzo, volevamo qualcosa di forte, di diverso, così hanno progettato minuziosamente
(da architetti?) tanti piccoli eventi dentro l’Evento.
La serata si è aperta con la proiezione delle immagini sulle pareti esterne dell’hotel. Il percorso iniziatico con le luminarie
ha condotto il pubblico alla statua bronzea di Bizhan Bassiri, scoperta con grande pathos da Massimo Coraci. Poi i
visitatori sono stati convogliati nella grande Sala Mediterraneo, trovandosi a cospetto con i totem opportunamente
coperti. Sul palco, mentre si susseguivano le immagini delle fasi di lavoro dei totem e dei graffiti della grotta, Massimo
Coraci e Fabrizio Costanzo hanno aperto la manifestazione ringraziando gli sponsor e i patrocinatori per la collaborazione
fattiva, Elina Chianetta e Bruno Corà, per il prezioso contributo dato nel catalogo della manifestazione. Quindi è
stato invitato ad unirsi Enrico Colajanni, presidente dell’associazione Futuro Libero, che è intervenuto sulla tematica
della legalità. Successivamente, dopo l’intervento di Fabrizio Costanzo sui 10 anni del Gruppo Graffiti & Addaura Art,
ha preso la parola Salvo Ferlito, che ha presentato la mostra dal punto di vista critico. Conclusi i discorsi e premiati gli
artisti, si è dato inizio alla fase più emozionante della serata: la scopertura dei totem, eseguita, una ad una, personalmente
dagli autori. Un folto pubblico ha cominciato ad affollare la foresta dei totem. Tra i tanti commenti positivi delle
persone, i più significativi sono stati senz’altro quelli sull’emozione: la gente era visibilmente elettrizzata, e questa, per
gli organizzatori, è stata una ricompensa grandissima. Quante persone, oggi, si emozionano ad una mostra? In un
momento successivo, sono state avviate le proiezioni di Bizhan Bassiri e di Sergio Figuccia (il cortometraggio Il terzo
tempo, sulla legalità), con il gran finale affidato al Trio di Gianni Cavallaro, un’icona del jazz palermitano, per un totem
musicale che ha coronato una serata indimenticabile.
Pino Schifano / Sicilia Tempo - Palermo, maggio 2009
Cultura, legalità, ambiente…
Da queste tre parole passa il riscatto della Sicilia. Cultura: abbiamo un inestimabile patrimonio culturale, ma dobbiamo
capirlo, rispettarlo e proteggerlo per farne occasione di sviluppo turistico. Legalità: dobbiamo capovolgere l’immagine
negativa che ci ha contraddistinto per troppo tempo: da un popolo ostaggio delle mafie e delle loro ataviche prepotenze,
ad uno che finalmente raddrizza la schiena (i totem si ergono fieri), si ribella a questo triste stereotipo e si mostra
al mondo con una nuova dignità, nel rispetto delle regole civili. Ambiente: abbiamo il dovere di affrontare la nuova sfida
di questo secolo che Jeremy Rifkin chiama Terza Rivoluzione Industriale, che deve transitare attraverso il rispetto
dell’ambiente e l’uso delle fonti rinnovabili. “Non c’è futuro per il turismo se non c’è rispetto dell’ambiente”...
Massimo Coraci / Sicilia Tempo - Palermo, maggio 2009 - Presentazione catalogo

Fabrizio COSTANZO Inno alla luna
Fabrizio COSTANZO Inno alla luna
Simona Costanzo scopre il Totem Inno alla luna di Fabrizio Costanzo
Graffiti Day - ADDAURA HOTEL - Palermo, 8 maggio 2009

Graffiti
Il Graffiti Day: l’arte a servizio di cultura, ambiente e legalità
Palermo 8 maggio 2009. E' stato presentato all'hotel Addaura di Mondello il Graffiti Day 99/09. Una manifestazioneevento
per celebrare i primi dieci anni di apertura della mostra Addaura Art, la rassegna permanente all’interno dell’albergo
palermitano che, patrocinata dall’Accademia Internazionale d’Arte Moderna di Roma, ha avuto ed ha, come
obiettivo, la promozione del territorio nel capoluogo dell'Isola attraverso la valorizzazione dei suoi artisti e del patrimonio
archeologico locale. “Duecentomila persone hanno visto le opere del nostro hotel”, sostiene il direttore artistico
dell’Addaura Art, Fabrizio Costanzo.
Una mostra che farà da cassa di risonanza, anche nel futuro, per numerosi artisti siciliani, e che possiamo definire,
dopo tanto tempo, un vero e proprio prodotto culturale. Un evento di alta qualità d’immagine e comunicazione nell'ambito
dell'arte contemporanea che, nel Graffity Day, vedrà coinvolti 17 artisti siciliani affermati (Antonella Affronti, Roberto
Cavallaro, Paolo Chirco, Fabrizio Costanzo, Angelo Denaro, Pietro Emanuele, Giuseppe Fell, Sergio Figuccia, Marcella
Greco, Leonardo La Barbera, Mario Lo Coco, Pino Manzella, Fabio Mattaliano, Gabriella Patti, Antonino G. Perricone,
Francesco Pintaudi e Giacomo Vizzini) nella realizzazione di altrettante sculture/totem (di cui una dedicata al
Comitato Addiopizzo) e, in aggiunta, La Bestia, una grande opera in bronzo dell'artista persiano Bizhan Bassiri. La mostra
è sottotitolata Cultura, Ambiente, Legalità all'ombra della Montagna Sacra, quella che, all'interno delle grotte
dell'Addaura, custodisce l'unica importante testimonianza del più antico insediamento umano presente nel golfo di
Mondello: 30 mirabili graffiti tracciati circa 14.000 anni fa. "Da queste tre parole passa il riscatto del nostro popolo" -
afferma l'architetto Massimo Coraci, uno dei curatori della mostra - "…e della nostra terra, la cui civiltà viene prima di
tutte le altre, e che allo stesso tempo le sintetizza, conservandone i valori portanti che ancora oggi ne fanno una incontaminata
fucina di pensiero e di arte".
Alessandro Costanzo / Video C6.tv - Riprendiamo l’Italia / Addaura Hotel - Palermo, 8 maggio 2009 - Intervista e videoconferenza

Momenti vari della manifestazione
Graffiti Day - ADDAURA HOTEL - Palermo, 8 maggio 2009

Graffiti
Un nuovo dono di Bizhan Bassiri: La bestia, l’orrido che scaccia l’orrido
Bizhan Bassiri, vive ed opera tra Roma e San Casciano dei Bagni. Di origini persiane, giunge a Roma nel 1975 dove si
forma all’Accademia di Belle Arti, sotto la guida di Toti Scialoja...La sua ricerca artistica inizia con l’utilizzo di materiali
diversi: superfici di cartapesta e di alluminio, ferro o bronzo, elementi lavici, elaborazioni fotografiche. E’ interessato al
fluire magmatico della materia, sempre in relazione con lo spazio architettonico. Il suo intento è quello di coniugare il
linguaggio artistico con quello poetico, letterario, teatrale e musicale attraverso una ricerca che trova fondamento nel
suo Manifesto del Pensiero Magmatico. Stretto e duraturo (oltre dodici anni), il suo rapporto con la Graffiti dell’Addaura
Hotel, dove sono esposte sue opere di pittura e scultura. In particolare una installazione-meteorite (Unicorno - pietra
lavica fusa in bronzo), che rappresenta la materializzazione dell’intuizione visiva dell’artista, in stretta relazione con il
progetto “La caduta delle Meteoriti nelle ore vitali che anticipano la visione” – che ha coinvolto le città di Gent, Firenze
e Roma. Ed ora, per il Graffiti Day dell’Addaura Hotel, La bestia – anch’essa fusa in bronzo – a sancire lo stretto rapporto
di Bassiri con gli elementi vitali e, nello specifico, con il territorio dell’Addaura…
Pino Schifano / Sicilia Tempo - Palermo, maggio 2009
Tra i tanti contributi:
Addaura Hotel – Graffiti Day
Diciassette totem per ricordare che legalità ed ambiente possono andare d’accordo. E’ il progetto espositivo del Graffiti
Day, rassegna che si apre oggi all’Addaura Hotel che così festeggia i primi dieci anni di apertura del Gruppo Graffiti &
Addaura Art (1999-2009). Costruito in collaborazione con la Provincia, il Graffiti Day prevede 17 sculture-totem
(ricavate da tronchi di castagno), firmati da Antonella Affronti, Roberto Cavallaro, Paolo Chirco, Fabrizio Costanzo,
Angelo Denaro, Pietro Emanuele, Giuseppe Fell, Sergio Figuccia, Marcella Greco (per AddioPizzo), Leonardo La Barbera,
Mario Lo Coco, Pino Manzella, Fabio Mattaliano, Gabriella Patti, Antonino G. Perricone, Giacomo Vizzini e di una
grande opera in bronzo (La bestia) di Bizhan Bassiri. Obiettivo della collettiva è la promozione del territorio attraverso
la valorizzazione dei suoi artisti e del patrimonio archeologico…
Giornale di Sicilia – Palermo, 9 maggio 2009

BIZHAN BASSIRI
La bestia
Momenti vari della manifestazione - la scopertura de La bestia
Graffiti Day - ADDAURA HOTEL - Palermo, 8 maggio 2009

Graffiti
Graffiti Day: il riscatto della Sicilia
Presentata a Mondello, presso l’Addaura Hotel, il Graffiti Day, 1999-2009, una mostra-evento di arte contemporanea,
che intende celebrare i primi dieci anni di attività della Graffiti. La rassegna permanente, ospitata all’Addaura Hotel, è
nata con l’obiettivo di promuovere il territorio del capoluogo siciliano attraverso la valorizzazione dei suoi artisti e del
patrimonio archeologico locale. La Montagna Sacra (Monte Pellegrino) custodisce, all’interno di una grotta dell’Addaura,
pitture rupestri – trenta magnifici graffiti – tra le maggiori testimonianze del paleolitico in Italia…
Quotidiano Arte.it – Il giornale del patrimonio culturale - Palermo, maggio 2009
Graffiti Day: Mostra/Evento per i dieci anni del Gruppo Graffiti & Addaura Art
Cultura, Ambiente, Legalità all’ombra della Montagna Sacra
Graffiti Day: 1999-2009 è il nuovo progetto espositivo, dall’alto impatto comunicativo, promosso dall’Addaura Art all’Addaura
Hotel di Palermo. La mostra, nata come Graffiti da una comunione d’intenti tra Massimo Coraci (architetto, progettista
e manager dell’hotel), Fabrizio Costanzo (Architetto-docente e direttore artistico della Graffiti) e Francesco Carbone
(docente e critico d’arte) è unica nel suo genere ed ha carattere permanente e dinamico. Scrive Francesco Carbone
nel 1999: “Gli interrogativi sulle sorti dell'arte del terzo millennio si fanno sempre più pressanti e spesso anche
drammatici nell'impossibilità di fornire adeguata risposta di segni e segnali che lascino intravedere qualche indizio al
riguardo. Nonostante ciò l'arte non subisce alcun arresto, anzi un crescente numero di mostre allestite in luoghi e sedi
prima del tutto estranei a tali iniziative, dimostrano il contrario. Questa rassegna, di notevole spessore artisticoculturale,
testimonia infatti la continua validità delle scelte effettuate, soprattutto se concepite e realizzate con rigore
critico relativo alla selezione degli artisti, nonché all'interesse delle loro poetiche e dei loro linguaggi; proprio in considerazione
della presenza di noti artisti la mostra ha risposto a tali esigenze…”. Oggi, a distanza di dieci anni da quella
felice intuizione, l’Addaura Art festeggia la Mostra Permanente Graffiti (pur senza il compianto Francesco), con il Graffiti
Day, una manifestazione ben congegnata che include momenti significativi per il Gruppo Graffiti & Addaura Art, come
la Cultura, l’Ambiente e la Legalità.
Guidasicilia - Palermo, maggio 2009

Graffiti
All’Addaura Hotel in mostra i totem dedicati… alla Montagna Sacra
Tra le opere spiccano quella realizzata da AddioPizzo e quella dedicata ai morti uccisi dalla mano mafiosa, con le foto
di Puglisi, Fava e Rostagno. L’artista persiano Bizhan Bassiri, inoltre, esporrà La bestia, una grande scultura in bronzo
che accoglierà i visitatori nell’atrio. La manifestazione si aprirà alle 16 con il vernissage di piccoli totem affidati ai bambini
di alcune scuole primarie della città. Alle 20 inizierà la proiezione - a dimensione naturale - delle immagini dei graffiti
delle grotte dell’Addaura sulle pareti esterne dell’hotel, mentre alle 20.30 ci sarà la presentazione vera e propria dei
totem con gli interventi di Fabrizio Costanzo, direttore artistico della Graffiti, e Salvo Ferlito, critico d’arte. “La mostra
Graffiti – racconta Massimo Coraci, architetto, progettista e manager dell’hotel – ha registrato oltre duecentomila presenze
ed è un successo per noi molto importante. Questa struttura alberghiera vuole essere un luogo di sperimentazione
artistica aperta a tutti. Il Graffiti Day intende far veicolare la cultura dell’ambiente e della legalità, capovolgendo
l’immagine negativa che ci ha contraddistinto per tanto tempo”..in programma anche il concerto del trio jazz Cavallaro.
Repubblica - Palermo, 9 maggio 2009
All’ombra della Montagna sacra
Dieci anni di cultura, ambiente, storia e legalità all’ombra della Montagna sacra. Diciassette sculture – incentrate sui
temi della giustizia, della legalità e della pace – opere di altrettanti artisti, per celebrare i primi dieci anni dell’Addaura
Art e per ricordare che l’area in cui sorge l’hotel è stata uno dei primi insediamenti di uomini primitivi, stabilitisi nelle
grotte prospicienti l’azzurro mare di Mondello-Addaura…
Palermo Parla - Palermo, giu./lug. 2009
Graffiti Day: la manifestazione
Un evento di alta qualità d’immagine e comunicazione nell’ambito dell’arte moderna, che ha visto coinvolti 17 affermati
artisti siciliani nella realizzazione di altrettante grandi sculture/totem (ricavate da massicci tronchi di castagno alti 2.22
metri e montati su basi di acciaio) di cui una dedicata ad AddioPizzo, più una grande opera in bronzo dell’artista
Bizhan Bassiri. La manifestazione è stata valorizzata dalle immagini dei Graffiti delle grotte dell’Addaura, proiettate in
grande dimensione sulle pareti esterne dell’Addaura Hotel. I bambini, tra i nove e i dieci anni, hanno creato 9 minitotem
che sono stati esposti insieme alle opere della mostra, veicolando il messaggio positivo dell’evento anche alle
generazioni più giovani. Durante la serata del 9 maggio, inoltre, è stato proiettato il cortometraggio "Il terzo tempo"
prodotto da Pittorica.it sul tema della Legalità che aveva già riscosso un notevole successo nella terza edizione della
Mostra del Cinema dello Stretto svoltasi a Messina dal 21 al 25 aprile…
Pittorica.it - Palermo, maggio 2009

Organizzazione: RicercArte - Palermo di Naire Feo e Bartolomeo Conciauro
Manifestazione a cura di Germana Riccioli
Patrocini: DARC (Dip. Regionale per l’Architettura e l’Arte Contemporanea) - Reg. Siciliana Comune di Trabia
Testi critici: Germana Riccioli, Fabrizio Costanzo, Claudio Alessandri, Michele Benfari, Antonio Zingali
EXPO PLEIN-AIR
Natura e Ambiente del territorio
Oggi abbiamo difficoltà a partorire i Luoghi, a leggere e ad organizzare i Paesaggi.
La globalizzazione ha consolidato la pratica del non-luogo, creando un disequilibrio territoriale. Il paesaggio, in quanto
categoria dinamica e transculturale, si presenta con un quadro complesso e multiforme, che testimonia la storia dell’uomo
nella sua relazione con la natura, coinvolgendo linee, forme e colori per un verso, conoscenze e innovazioni tecnologiche
per un altro. Architetti, urbanisti, paesaggisti ed operatori a vario titolo, in fase di progettazione, sono tenuti a leggere
correttamente i segni del territorio, affinché l’attività estetica su di esso esercitata, possa muoversi - all’interno di
parametri di continuità - entro le categorie del riconoscimento e dell’interpretazione. I luoghi devono ritrovare l’ideale di
bellezza - indispensabile per la formazione etico-sociale dell’individuo e per il suo rapporto con la natura.
Anche il nostro territorio dev’essere letto in tal senso.
Nel 1997, in una pubblicazione del sottoscritto (Per mare e per terra: Quasi x gioco), prodotta con la Facoltà di Psicologia
di Palermo in occasione di un convegno internazionale - la Sicilia veniva così descritta: “E’ terra di prodigi, è terra
complicata, non semina e non coglie… rappresenta”. In queste poche parole (e nel titolo del catalogo), si racchiudeva il
senso ed il significato di ciò che la nostra Isola è: una complicata sequenza di vicende culturali e storico-sociali in cui il
mare, la terra e tutta la vegetazione (all’interno di una alchemica trama di segni, magia, forme e colori) creano il miracolo
della rappresentazione. Un unicum naturale e culturale che, procedendo dentro le regole del gioco, genera la grande
Mens Insulae in grado d’indurre, nei secoli, artisti e artigiani ad utilizzare ed a manipolare indifferentemente tecniche
nobili e non, creando con il ferro, il legno, i marmi, gli stucchi, la ceramica, la cartapesta, il gesso, il vetro e gli argenti.
Nella scatola scenica della nostra Insula, il regista, gli attori, le comparse e l’ampia scenografia percorrono una lunga e
laboriosa strada, un Percorso-Rappresentazione, che conduce dritto alla Identità.
In questo variegato e multiforme contesto s’inserisce l’estemporanea di pittura di Torre Artale in cui i pittori hanno ben
descritto il prodigio della natura, filtrando le connotazioni del luogo attraverso le proprie esperienze personali, riferendosi
a quella immagine seconda leopardiana da cui non si può prescindere quando si osserva un paesaggio: dietro ogni oggetto
o elemento di natura che l’uomo guarda con gli occhi, c’è sempre un altro significato, più vero, più profondo, più
evocativo, che egli deve cogliere con gli altri sensi. Dentro la tematica naturalistica, gli artisti hanno osservato il paesaggio,
dipingendo gli elementi culturali e ambientali caratterizzanti la Sicilia e l’interland di Trabia: sole, luna e cielo, mare e
terra, vegetazione, animali ed elementi artefatti (graffiti, muri in pietra, fontane e l’immancabile torre). Ma è l’aspetto sensoriale
che ha generato lo scarto tra i vari autori: una parte di loro ha guardato le forme esaltandone gli aspetti cromatico
- espressivi. Altri hanno apprezzato i profumi della terra e del mare, altri ancora hanno sentito la natura toccandone gli
elementi. All’interno di un limitato segmento temporale, i pittori hanno colto nell’ambiente, immagini evocative e rimandi

ealistici, simbologie e valori, creando, in alcuni casi, contaminazioni e trame segniche interessanti.
Giovanna Calabretta, Alberto Amodeo, Rosario Trapani e Manà, hanno descritto una natura vibrante, al limite
dell’Espressionismo, con un approccio estetico alla realtà, ironico e sensuale; in Vittorio Silvestri e Dora Flavianna, gli
elementi naturalistici sono diventati pretesto per creare texture semiotiche dentro il ludus dell’immaginario; Maria Giovanna
Vincenti, Bartolomeo Conciauro, Marcello Castiglia, Luca Di Cesare, Giovanna Calabretta, Tony Curcio ed Enrico
Sansone, si sono riferiti ad una iconicità esplicita frutto di una modalità stilistica riconducibile a punti cardinali già
collaudati; Angela Di Blasi, Franco Montemaggiore, Mascal, Giusy Cannizzaro e Miron Traian, hanno accentuato l’aspetto
favolistico e surreale, descrivendo la realtà attraverso traslati onirici; Nuccia Gandolfo, Gaetano Li Grani, Donato
Larotonda e Maurizio Tomasello, hanno cliccato sulla natura restituendo immagini limpide e dettagliate. Interessanti,
i tagli rappresentativi di Maurizio Costa, Naire Feo e Donato La Rotonda, la connotazione preistorica di Angelo Denaro,
la ricerca materico-espressiva di Tiziana Viola Massa ed il simbolismo di Letizia Abbate. Tutti hanno espresso differenti
sensibilità fornendo linguaggi e modalità di esecuzione autonomi, preferendo riferirsi all’unicum scenico isolano
(pur con alcune connotazioni innovative) e non alla espressività globalizzante.
Arte Torre Artale mostra di possedere abilità progettuale: non vuole fermarsi alla semplice organizzazione della estemporanea
di pittura, ma intende procedere all’interno di una valorizzazione culturale e ambientale più incisiva, impegnandosi
nella giusta direzione: nel tempo ha dato input al suo interland attraverso la connotazione storica del luogo
(la memoria) e le numerose attività culturali che si sono susseguite, simbiotizzando le risorse del territorio con le esigenze
d’intervento, inserendosi in progetti di potenzialità e sviluppo. Oggi il paesaggio è diventato interessante, avendo
acquistato un potere di contrattazione tale da poter essere speso in termini di bene comune. L’estemporanea di
pittura, la nascente pinacoteca e i numerosi murales realizzati qui in hotel sono già segni forti, indicatori di una precisa
volontà di cui si deve tener conto. Ricerc-Arte, Torre Artale e gli sponsor hanno già capito tutto ciò.
Fabrizio Costanzo / Arte Torre Artale – Torre Artale – Trabia (Pa), 5 luglio 2009 - Presentazione catalogo

Fabrizio Costanzo, Germana Riccioli, Claudio Alessandri
Arte Torre Artale - TORRE ARTALE - Trabia, 5 luglio 2009

Arte Torre Artale - TORRE ARTALE - Trabia, 5 luglio 2009

AMORE E SEGRETI A PALERMO NELL’ACQUARIO DI SCRIMA
Un amore tormentato, ricercato e forse mai consumato in una Palermo malata ed affascinante, che fa da sfondo ad una vicenda tragica
e misteriosa. Tutto questo racconta L’acquario di Francesco Scrima…I protagonisti sono Alfonso e Irene, che vivono in due appartamenti
l’uno di fronte all’altro. Si osservano, si spiano, si scrutano ma non hanno il coraggio di fare il primo passo. La causa? Un po’
l’emozione ed un po’ i segreti che tormentano entrambi. Fantasmi di un passato che torna sempre e che è difficile cacciare via. Testimone
indiretto di questa storia è un piccolo pesce rosso che abita in un bellissimo acquario… La Repubblica - 11 giugno 2009
L’acquario - Francesco Scrima - Edizioni La Zisa - 2009
La copertina di Fabrizio Costanzo

Con Francesco Scrima
SANPAOLO PALACE HOTEL - Palermo

Parche del destino
Nel cortometraggio Tracce di un possibile domani, che definisce e conclude la Trilogia della valigetta, l’uomo dialoga con
se stesso, confrontandosi con alcuni valori essenziali della vita. Nell’ottica dell’opera qui presentata, la solitudine, l’amore
e l’odio, i sensi, la religiosità, la speranza e la certezza, diventano vere e proprie problematiche esistenziali che Sergio
Figuccia propone attraverso le scene che si susseguono con ritmo alterno - lente e riflessive alcune volte, concitate altre.
Lo spettatore, all’inizio, si concentra sull’aspetto misterico di Amin - il sottomesso - che in preda ad un momento di sentito
raccoglimento in preghiera, chiede di essere illuminato sull’azione che dovrà svolgere. Chiede, dicevo, non esegue,
perché probabilmente la sua fede vacilla già prima dell’evento catartico dell’autobus. La frame successiva è proprio l’incontro
sull’autobus con la donna e la bambina, simbolo di una maternità tutta cristiana, che turba e depista il povero
Amin, inaspettatamente emozionato davanti una scena semplice e chiara: la vita nel suo perpetuarsi. E’ qui che avviene
l’illuminazione, scenicamente evidenziata proprio da un raggio di luce che entra prepotentemente dentro il mezzo pubblico
infuocando, per un attimo, il viso di Amin. E’ solo un istante, sufficiente per giustificare un cambiamento di pensiero e
d’azione. Poi di nuovo un ritmo serrato tra Amin e Abdul - il principe - e la scena finale, sentimentale, di Amin che, abbracciato
a suo figlio, tre anni dopo, guarda anche lui il futuro come la donna con la bambina del passato. Una frame
lascerei fuori, quella di Amin – adesso umano - che riapre la valigetta – a conclusione della vicenda – e trancia il filo rosso
del detonatore, stavolta non per uccidere, ma per rendere la vita, in antitesi con le tre famose parche – Cloto, Lachesi
e Atropo che, nel mito, tagliano invece il filo vitale, recidendolo per sempre.
Tracce di un possibile domani apre le porte ad un futuro di speranza a cui Figuccia crede fermamente. L’uomo non può
essere spettatore passivo degli eventi, né succube del volere degli altri. La sua libertà (e quella di Amin, in particolare)
passa attraverso la dignità e l’amore per gli altri. Il regista, attraverso i suoi personaggi, si confronta con i valori essenziali
della vita – l’esistenza, la spiritualità, la felicità, il bene e il male…ponendo domande e non pretendendo risposte. E’
lecito leggere l’intera opera nell’ottica di una problematica posta ma non risolta, intuita ma non dimostrata. Una situazione
esistenziale complessa che include la vasta sfera etica e spirituale, le etnie, le ideologie e le mortificazioni concettuali.
Figuccia, all’interno del dato sociale (ancor più che artistico) traccia la linea di un domani migliore, in cui l’uomo, stupido
o intelligente, buono o cattivo, bianco o nero, di qualsiasi religione, si confronta con se stesso, interrogandosi sull’esistenza
e sul perché delle cose. Un film sì fatto è un gioco sulla vita. L’uomo immerso in una solitudine senza tempo, con
il silenzio, alla fine, risolve e lenisce le azioni impulsive, diventa egli stesso medium comunicativo, attore e spettatore di
una scena simbolica, che filtra l’anima e lo spirito più che gli interessi e la politica. Il cortometraggio esprime, in sostanza,
il disagio del mondo che non riesce a svincolarsi dagli orpelli dell’odio ma che nel contempo semina amore e speranza in
un possibile domani…
Fabrizio Costanzo / Tracce di un possibile domani – Cine Ariston. Palermo, marzo 2010

Fabrizio Costanzo presenta il cortometraggio di Sergio Figuccia
Tracce di un possibile domani - CINEMA ARISTON - Palermo, 14 marzo 2010

Blu? Il mare come non lo avete mai visto
Vogliamo ipotizzare il mare nel futuro?
Se davvero crediamo in esso come risorsa, valore etico e principio estetico occorre modificare cultura, stile di vita e politica.
Il mare, con una superficie più che doppia rispetto alle terre emerse (trecentodieci milioni di chilometri quadrati –
otto volte quella della luna!), è un vero e proprio mondo nascosto da esplorare, in cui la vegetazione acquatica e la fauna
marina - pesci, poriferi, conchiglie, coralli, alghe ed altro – generano caleidoscopici giochi di colore nelle infinite forme
naturali. Peccato che ad una tale bellezza estetica non corrisponda un altrettanto stato di salute degli ecosistemi acquatici
mondiali che peggiora di giorno in giorno. Il loro benessere ed il loro equilibrio dipendono oggi da un concreto cambiamento
culturale basato sul concetto di sostenibilità il quale, pur non compromettendo la possibilità delle future generazioni
di perdurare nello sviluppo, preserva la qualità e la quantità del patrimonio e delle riserve naturali esauribili. Il dibattito
sulla globalizzazione ha evidenziato, tra i tanti aspetti, le problematiche legate all’ambiente e ad ogni tipo d’inquinamento,
frutto di modelli di sviluppo, produzione e consumo affermatisi nei Paesi occidentali e da qui esportati altrove. La concentrazione
di gas serra - la cui massiccia presenza sta portando ad un aumento della temperatura – ha alterato in maniera
determinante la composizione dell’atmosfera terrestre provocando una serie di cambiamenti climatici. Questi hanno
influito direttamente sugli ecosistemi, modificandone sensibilmente le strategie di sopravvivenza degli organismi, ampliandone
o riducendone la biodiversità propria di una determinata nicchia ecologica. Scioglimento dei ghiacciai, innalzamento
del livello medio degli oceani, desertificazione, tropicalizzazione sono alcune delle conseguenze che portano al
surriscaldamento della terra. I cambiamenti degli ecosistemi, a loro volta, sono causa di alluvioni, frane, inondazioni,
trombe d’aria, cicloni, che possono provocare danni alle colture, agli animali, alle infrastrutture, etc. E’ vero, le previsioni
sono catastrofiche, ma non troppo lontane dalla realtà visto che alcuni fenomeni si stanno già verificando con intensità
sempre maggiore.
Il Protocollo di Kyoto del 1997, individuando il malessere della terra, ha cercato di porre un freno alla crescita smisurata
di quei gas - come l'anidride carbonica o il metano - che l’uomo emette continuamente nell'atmosfera attraverso un consumo
smodato di combustibili fossili. Sono state 184 le nazioni che hanno firmato quel Protocollo - non senza ripensamenti
politici e problemi diplomatici – con l'impegno improrogabile di ridurre le emissioni entro il 2012. In questa prima
fase, gli obblighi dovevano riguardare solo i Paesi industrializzati, con un complesso sistema di pesi e misure. Ad oggi, la
situazione climatica è peggiorata ed il trattato internazionale appare ancora cagionevole. Il cammino da percorrere per il
raggiungimento di un accordo vincolante tra le nazioni è lungo e tortuoso, considerato il dato sconfortante che nessuno
dei Paesi, Italia inclusa, ha mantenuto la promessa di ridurre le emissioni.
Fabrizio Costanzo / Blu? Il mare come non lo avete mai visto – Addaura Hotel – Palermo, luglio 2010 - Presentazione mostra

La presentazione
Il pubblico...e le barchette
Dietro le quinte
Blu? Il mare come non lo avete mai visto - Addaura Hotel - Palermo, 9 luglio 2010

Ancora Blu…
Questa mostra non può (e non deve) dare una risposta alla problematica sul mare, però può aiutarci a riflettere – tra
ironia e cruda realtà - su come oggi buttiamo al vento una risorsa naturale bella dentro e fuori, vitale per la nostra dimensione
psico-fisica. Blu? ci ricorda che il mare è uno, ma che mille sono i modi per poterlo aiutare se davvero lo vogliamo.
L’evento di oggi – tra mito, leggenda, cronaca, natura…e scherzi concettuali – s’insinua nel quotidiano parlando del mare
e della vita, nel tentativo, mai sopito, di scuotere le coscienze. Lo spunto è dato dall’Art-acquario dadaista realizzato da
Roberto Cavallaro che, con incisività e vena ironica - ma anche con aperta denuncia - propone un mare…di oggetti riciclati.
Il progetto Blu? Il mare come non l’avete mai visto - intende interpretare il mare nelle tante sfaccettature, con linguaggi,
materiali e procedimenti differenziati, proponendo pitture, installazioni e oggetti vari. A distanza di appena un
anno dall’altro importante evento (il Graffiti Day), l’Addaura Art propone un rinnovato impegno per l’ambiente ed il territorio
palermitano in particolare, proseguendo con coerenza il percorso culturale già intrapreso e che ne contraddistingue il
cammino da 11 anni. Una strada aperta alla ricerca ed alla sperimentazione che sviscera, anche in questa occasione,
un’energia estetico-espressiva ben mirata.
Antonella Affronti ha navigato nel mare degli eventi, seguendone flussi e riflussi; scandendo il tempo e lo spazio attraverso
una ricerca informale, più gestuale che descrittiva, più energica che riflessiva.
Salvatore Caputo si è affidato al mito, immergendo i suoi pensieri nella notte, nel momento magico in cui tutti gli elementi
trovano pace, si placano, e il riflesso lunare, delicatamente, accarezza ogni cosa.
Roberto Cavallaro ha inventato un gioco-giocattolo di matrice dadaista, rivisitando la fauna e la vegetazione marina, ironizzando
su materiali impossibili da riciclare ma che dentro l’acquario acquistano nuovo significato.
Paolo Chirco ha utilizzato i materiali della terra, del mare e artefatti. Attraverso procedimenti psico-manipolativi ha simbiotizzato
le memorie del mare.
Fabrizio Costanzo e Francesco Pintaudi, nel loro dittico a quattro mani, hanno descritto una metamorfosi acquatica, cliccando
sugli ecosistemi la cui alterazione, non sempre visibile ad occhio nudo, spesso è già in atto ed ha provocato danni
irreversibili.
Filli Cusenza ha ri-guardato la vita con la leggerezza delle fiabe, dove bimbi piccoli hanno “nuotato” il mare e “volato” il
cielo, confondendone i blu; i loro grandi occhi hanno scrutato l’orizzonte in cerca del grande amico.
Pina D’Agostino ci ha parlato di una pagina triste del mare, che accoglie nel suo ventre-vita…la vita e la morte di chi tenta
un viaggio improbabile dove l’unica possibilità di riuscita è sempre superiore alla disperazione certa di chi vive nella
propria terra.
Toni D’Antoni ha attraversato terre e civiltà lungo un percorso d’acqua che racchiude - in uno scrigno prezioso - ciò che
l’uomo ha prodotto nel corso dei millenni. Lo ha cristallizzato consegnandolo ai posteri, a futura memoria, in tutto il suo
splendore.
Angelo Denaro, attraverso la triste storia di un sub ci ha fatto scoprire un mondo incontaminato, un ecosistema curato e
perfettamente autosufficiente in cui gli equilibri sono legge. Quel filo di luce è ancora oggi un unico concetto emozionale
che lega il suo lungo racconto di bellezza.
Pietro Emanuele è entrato in un vortice pittorico, e dentro questo ha inserito elementi diversificati, metallici, presentandoci
un mare dinamico, fluttuante, colmo di sorprese, mai domo.

Giuseppe Fell ha fotografato la realtà attraverso semplici e significativi segnali-monito di un passato certo e di un futuro
(forse) negato. Le orme dell’uomo marcano ancora il territorio e ci inducono alla speranza…ma non hanno più una connotazione
ben precisa.
Sergio Figuccia ci ha regalato “Yakamoz” - Il riflesso della luna sull’acqua - ricordandoci che questa, è la più bella parola
del mondo ma che è anche sinonimo di bellezza e mistericità ricollegabile alle notti di luna piena, in cui lo scintillio è capace
di irretire i turchi nei loro momenti di rilassamento sul Bosforo.
Manlio Giannici ci ha condotto nel suo mare tranquillo, naturale e archeologico dove bolle magiche e leggere levitano
sospese dentro il fluido acquatico. Qui gli elementi rispondono ad una legge universale definendosi nella loro forma perfetta,
collocandosi con misura nello spazio.
Leonardo La Barbera, vive il mare ed il cielo dividendo la sua anima tra esaltazione del gesto timbrico - pennellate apparentemente
istintive e flussi guizzanti curvilinei che riversa sui supporti bidimensionali - e ragionevolezza cosmica, che
ipotizza e verifica nei suoi vetri, giocando sapientemente con le trasparenze e i colori.
Mario Lo Coco ha prodotto una strabiliante onda, sfuggente e arrabbiata, in 14 pezzi, altrettante tessere di un mosaico
significante. Due le particolarità evidenti: le tonalità cangianti verde acqua e azzurro-blu che la rendono sempre diversa
nel suo aspetto e la poliedricità della sua collocazione spaziale.
Pino Manzella ha squarciato il mare con un segno, ritrovando il blu nel mare ocra. Ma quel mare è scritto e descritto
dall’uomo, vissuto e temuto, rispettato e offeso. Adesso chiede pace e un giusto nutrimento.
Fabio Mattaliano ha innalzato “l’alga anomala” attraverso un gioco di bottiglie, un’inaspettata installazione ludica che
propone con ironia la plastica come nuovo ideale di bellezza…nutrimento di pesci fantasma.
Richard Mott ha increspato il mare con una tela blu, luogo di eventi. La sua è una tessera-simbolo, profonda e piena, su
cui i fatti di cronaca, i concetti e i processi mentali sono rimasti intrappolati per essere poi accuratamente analizzati e
metabolizzati.
Gabriella Patti ha liquidato le forme del flusso materico. I timbri cerulei sono lievi e delicati, spontanei e mai definiti. Fluttuano
nell’etere in cerca di un appagamento, consapevoli del loro magico ruolo.
Maria Giovanna Peri non si è immersa nel mare e non lo ha esplorato…ha preferito osservarlo in simbiosi con il cielo, il
sole e la gente. Il suo è un clic fenomenico, forse glaciale e cristallizzante ma fortemente comunicativo, al cui interno
l’essere umano vive il vortice della quotidianità.
Antonino Perricone ha inventato la “Donna-mare” da amare e ascoltare, che incanta e seduce attraverso le movenze del
suo corpo armonico ed equilibrato, ma che ammonisce chi ne altera l’equilibrio psico-fisico. Nella perfetta simbiosi donna
-natura ricorda a tutti il suo essere ambivalente, nel contempo semplice e complessa.
Giusto Sucato ha costruito un bestiario acquatico arcimboldiano attraverso materiali di risulta. Ricicla chiodi, latte, legni,
stoffe, tutti gli elementi del quotidiano, riconnotando con ingegno l’identità delle cose.
Giacomo Vizzini si è immerso nel mare individuando la preda, sottolineando che il fondale marino non è l’Eden perduto e
non persegue solo l’ideale di bellezza, ma può diventare un territorio aspro e duro, di conquista, dove il più debole soccombe.
Fabrizio Costanzo / Blu? Il mare come non lo avete mai visto – Addaura Hotel – Palermo, luglio 2010 - Presentazione mostra

La presentazione
Il pubblico...e le barchette
Dietro le quinte
Blu? Il mare come non lo avete mai visto - Addaura Hotel - Palermo, 9 luglio 2010

La presentazione
Il pubblico...e le barchette
Dietro le quinte
Blu? Il mare come non lo avete mai visto - Addaura Hotel - Palermo, 9 luglio 2010

Antonella AFFRONTI Salvatore CAPUTO Roberto CAVALLARO
Paolo CHIRCO
Fabrizio COSTANZO
Filli CUSENZA
Pina D’AGOSTINO
Toni D’ANTONI
Angelo DENARO
Pietro EMANUELE
Giuseppe FELL
Sergio FIGUCCIA

Manlio GIANNICI Leonardo LA BARBERA Mario LO COCO Pino MANZELLA
Fabio MATTALIANO
Gabriella PATTI
Maria Giovanna PERI
Antonino PERRICONE
Francesco PINTAUDI
Giusto SUCATO
Giacomo VIZZINI
COSTANZO & PINTAUDI

Tre sfumature di “Blu”
Mare nostrum: il mare “percepito”
Questa sera seduto sull’orlo del crepuscolo
I piedi a dondolare sopra le onde
Guarderò scendere la notte:
si crederà tutta sola.
E mi dirà il cuore: fai di me qualcosa
Che io senta se sono sempre il tuo cuore.
(Jules Supervielle, Gravitazioni)
Il “mare nostrum” è il mare che ciascuno porta dentro, ciò che resta di tutti i mari sognati, desiderati, amati, perduti, conquistati:
un mare che ha la “forma” della nostra storia, specchio delle nostre gioie infantili, della perfetta quiete o del burrascoso
ribollire di certe nostre passioni. Tutti i nostri sensi cercano il mare: lo sguardo, per accordare il nostro respiro; le
nostre narici, per nutrirsi del suo aroma salmastro, il nostro corpo tutto, per farsi cingere dalla sua forza respingente e
avvolgente ad un tempo, in uno scambio di energie primitivo, come il nostro prendere forma, di uomini e di donne, in un
grembo acquatico, in cui abbiamo vissuto come pesci. Né il vento, né la terra, né il fuoco possono essere toccati e toccarci
come l’acqua. Il suo corpo liquido è sempre pronto ad offrirsi al nostro. Torniamo “semplici” davanti al mare: ed è
tale la nostra resa, davanti alla sua potenza, che qualcosa in noi, segretamente, ci suggerisce che forse non era del tutto
folle la credenza che il mare fosse governato da una selva misteriosa di dei.
(…) Coraggio, Bulkington, coraggio!
Stringi i denti, semidio.
Dalle sferzate d’acqua della tua morte nell’oceano
si scaglia in alto, a perpendicolo, la tua deificazione.
Mareare: il mare “narrato”
(Moby Dick, Melville)
L’uomo di mare, il mare dell’uomo. Da che iniziarono le navigazioni e il mare divenne “territorio” di conquista, il mare “si
prese” l’uomo: non più mero luogo di commerci, mezzo di sostentamento, ma domus del mito, patria liquida di eroi, di
creature mostruose e seducenti. Ogni viaggio accresceva l’immaginario di nuovi pericoli e di nuove chimere, dando corso
a straordinarie narrazioni. Il senso più alto della libertà, dello spirito di conquista, se lo prese il mare. L’uomo
“rassomiglia” al mare: ha come lui profondità e specularità - che negli umani ha il suono dolce di “empatia” - e come il
mare anche l’uomo è “un cosmo alieno” che nutre, al riparo della luce, esseri sconosciuti di cui solo ciascuno di noi conosce
il nome.

(…) Richiama, te ne prego,
alla mente che t’ho reso di gran servizi,
che non t’ho mai detto alcuna menzogna,
che non ho commesso errori…”
Idromanzia: “Blu?” VS “Fleuve d’oubli”: il mare “pensato”
(La Tempesta, W. Shakespeare)
Sembra irrimediabilmente perduto questo senso di paradisiaca o sublime contiguità con il mare, da quando il suo sfruttamento
intensivo lo ha reso territorio da razziare: al mare sono occorsi migliaia di anni per venire al mondo, ma poche
generazioni di uomini potrebbero bastare ad ucciderlo. Sangue azzurro versato, senza pentimento. L’arte può risarcirlo?
Con i colori salmastri dell’immaginazione e dei ricordi, cantarne il dolore e la bellezza originaria, farne il ritratto, da quando
si sono confusi i suoi lineamenti? (…”eppur mi sembra di veder sul tuo viso quel che tu dovresti essere…” La Tempesta,
W. Shakespeare). Della forza del suo incantamento, pari alla sua fragilità dinnanzi all’uomo, gli artisti ne fanno installazione,
scultura, la distendono sulle tele, che diventano ammonimento e canto - un requiem e un allegretto, un pie lesu
o una passacaglia - e tutte insieme sono, metaforicamente, le vele di un bastimento senza cannoni e senza reti, che
attraversa il mare e ne contamina i colori, senza disperdere i veleni.
è il loro canto, non da pescatori o marinai, ma da moltiplicatori di acqua limpida e di pesci: lo intonano
per gli uomini di terra, lo rivolgono alla loro pericolosa distrazione; lo cantano a chi ha oltraggiato la sacralità del
mare, rendendolo una discarica a cielo aperto, a chi respinge lo straniero dalle coste, facendo del mare un incolpevole
omicida. Sangue di mare e di uomini versato, che nessuno scorge dalla riva, affollata di ombrelloni, l’orizzonte dello sterminio
ben nascosto dal profilo di grandi navi per navigatori immobili, che passeggiano sui ponti lucidi e che, come i marinai
di Ulisse, hanno le orecchie chiuse al richiamo delle “creature marine”, che sembra dire:
(La
Tempesta, W.Shakespeare).
Elina Chianetta / Blu? Il mare come non lo avete mai visto – Addaura Hotel – Palermo, luglio 2010 / Presentazione mostra

Ventiquattro artisti in “Blu”
Una collettiva ideata e curata da Fabrizio Costanzo
“Il mare come non lo avete mai visto” è il tema sul quale si misurano con tecniche diverse gli autori. Dai tradizionali agli
sperimentatori. Come Mattaliano e Cavallaro.
Palermo. “Blu”, la mostra inaugurata il 9 luglio presso l’Addaura Hotel di Palermo, si protrarrà fino alla fine dell’estate e
dà il pretesto per parlare del mare. Bene ha fatto Fabrizio Costanzo, ideatore e curatore della mostra, a scegliere per
questa rassegna un titolo quanto mai significativo: “Il mare come non lo avete mai visto”, quindi “visto dall’altro lato”,
coinvolgendo 24 artisti, quasi tutti palermitani, sul tema del mare e come non lo hanno mai visto. Se mai qualcuno mi
dovesse fare una simile domanda sul mare o di cosa ne penso, il mio pensiero non andrebbe immediatamente ai disastri
ecologici che da sempre hanno inquinato questa risorsa, che un tempo si riteneva inesauribile, ma ai bombardamenti
aerei e navali durante la seconda guerra mondiale che hanno sconquassato gli oceani Pacifico, Atlantico e Indiano o alle
bombe atomiche sganciate nell’atollo di Mururoa dalla Francia - solo perché negli anni Sessanta era un possedimento
francese - o quelle liberate nel deserto del Sahara le cui polveri sollevate e trasportate dai venti di scirocco per anni sono
piovute poi nel mare Mediterraneo e nei paesi del suo bacino. Tutti sono colpevoli, nessuno escluso. Le marinerie di tutti
i paesi della terra (anche quelli che di fatto sembrano non avere sbocchi sul mare) hanno colpe gravissime perché non
potevano non sapere che i loro atti scellerati avrebbero distrutto flora e fauna, la prima sostegno dell’altra. Certamente il
transatlantico, come il pescatore dilettante avranno anche le loro colpe, come colpe gravi hanno tutti i comuni che scaricano
i loro liquami a mare inquinandolo in modo irreversibile, ma certamente questi ultimi hanno adottato mezzi per contenere,
sia pure in modo effimero, tale disastro ecologico. I potenti della terra si spartiscono parti del pianeta indipendentemente
dalla posizione geografica sopra e sotto il mare, in cielo come in terra. Gli spazi aerei appartengono a qualcuno;
come il mare, appartiene sempre a qualcuno. Strani velivoli solcano indisturbati i cieli dei cinque continenti così come
baleniere, navi cisterna, sottomarini (nucleari o meno) inquinano in modo irreversibile questo bene dell’umanità. Ed è
tutt’ora in corso il disastro più grave che atto umano abbia mai compiuto, quello a carico della BP, ex British Petroleum
che nel 1998 cambiò la propria denominazione sociale, fondendosi con l’Amoco perché, essendo inglese, nella sua corsa
speculativa mondiale non voleva avere ostacoli di nessun genere, soprattutto di carattere interculturale. Spero fortemente
che la natura, generosa come sempre, troverà una soluzione per arginare lo scempio che sta compiendo questo
irresponsabile ammorbatore del pianeta. A ben poco servirà una mostra come questa che, pur avendo tutte le caratteristiche
della denuncia contro l’inquinamento, nel suo complesso risulta troppo organica…
Angelo Denaro, Richard Mott, Giacomo Vizzini, Giuseppe Fell, così come tanti altri, hanno interpretato questo “liquido”
di cui ci nutriamo giornalmente in modo oserei dire tradizionale. Ricordiamoci che il tema era: “Il mare come non lo avete
mai visto”. A questo dettato hanno risposto bene, anzi molto bene: Fabio Mattaliano “L’alga anomala” una istallazione
trasparente e verticale di bottiglie di plastica e Roberto Cavallaro relativamente all’improbabile acquario, un’istallazione di
sapore Dada e poi Pina D’Agostino con il suo viaggio impossibile in fondo al mare tra le mille difficoltà, non ultima una
rete che intrappola le sue compagne di viaggio; Sergio Figuccia, Antonella Affronti, Salvatore Caputo, la coppia Costanzo-Pintaudi
che abbiamo avuto modo di vedere in più occasioni e che non ci tradisce neanche in questa tornata espositiva,
Antonino G. Perricone e il suo spumeggiante manichino e, ovviamente, Giusto Sucato con i suoi oramai consolidati
pesci di latta riciclata. Di forte richiamo alla fiaba e al sogno è invece l’opera di Filli Cusenza, uno straordinario esempio
di Fiber art. Mentre non passa inosservata la ceramica prodotta da Mario Lo Coco per questo evento che riprende il tema
dell’onda marina che si infrange sulla spiaggia, con la differenza che in questo caso è vista dal mare…Bisogna che
tutti ci ricordiamo che stiamo dentro la storia e, per quanto è possibile dobbiamo tentare di cambiarla.
Francesco M. Scorsone / Centonove – Messina, anno XVII / n. 30 – 30 luglio 2010

Blu? Il mare come non lo avete mai visto
All’Addaura Hotel, una mostra che interpreta le mille sfaccettature del mare.
A distanza di appena un anno dall’altro importante evento (il Graffiti Day), l’Addaura Art rinnova il suo impegno per l’ambiente
ed il territorio palermitano in particolare, proseguendo con coerenza il percorso culturale già intrapreso e che ne
contraddistingue il cammino da oltre 10 anni. Una strada aperta alla ricerca ed alla sperimentazione che sviscera, anche
in questa occasione, un’energia estetico-espressiva ben mirata.
L’evento di oggi - tra mito, leggenda, cronaca, natura…e scherzi concettuali – s’insinua nel quotidiano parlando del mare
e della vita, nel tentativo, mai sopito, di scuotere le coscienze. Il progetto Blu? Il mare come non lo avete mai visto – direttore
artistico Fabrizio Costanzo e coordinatore Massimo Coraci - intende interpretare il mare nelle tante sfaccettature.
Elina Chianetta, presentatrice della mostra, si sofferma su almeno tre sfumature di “Blu”.
Il Mare nostrum come mare “percepito”, cioè il mare che ciascuno porta dentro, ciò che resta di tutti i mari sognati, desiderati,
amati, perduti, conquistati: un mare che ha la “forma” della nostra storia, specchio delle nostre gioie infantili, della
perfetta quiete o del burrascoso ribollire di certe nostre passioni, in uno scambio di energie primitivo, come il nostro prendere
forma, di uomini e di donne, in un grembo acquatico, in cui abbiamo vissuto come pesci. Il mare “narrato”, l’uomo di
mare, il mare dell’uomo. L’uomo “rassomiglia” al mare: ha come lui profondità e specularità – che negli umani evidenzia il
suono dolce di “empatia” – e come il mare anche l’uomo è un “cosmo alieno” che nutre, al riparo della luce, esseri sconosciuti
di cui solo ciascuno di noi conosce il nome. Il mare “pensato”. Sembra irrimediabilmente perduto questo senso di
paradisiaca o sublime contiguità con il mare, da quando il suo sfruttamento intensivo lo ha reso territorio da razziare: al
mare sono occorsi migliaia di anni per venire al mondo, ma poche generazioni di uomini potrebbero bastare ad ucciderlo.
Sangue azzurro versato, senza pentimento. L’arte può risarcirlo? Con i colori salmastri dell’immaginazione e dei ricordi,
cantarne il dolore e la bellezza originaria, farne il ritratto, da quando si sono confusi i suoi lineamenti? Della forza del suo
incantamento pari alla sua fragilità dinnanzi all’uomo, gli artisti ne fanno installazione, scultura, la distendono sulle tele,
che diventano ammonimento e canto, e tutte insieme sono, metaforicamente, le vele di un bastimento senza cannoni e
senza reti, che attraversa il mare e ne contamina i colori, senza disperdere i veleni.
è il loro canto, non da pescatori o marinai, ma da moltiplicatori di acqua limpida e di pesci: lo intonano
per gli uomini di terra, lo rivolgono alla loro pericolosa distrazione; lo cantano a chi ha oltraggiato la sacralità del
mare, rendendolo una discarica a cielo aperto, a chi respinge lo straniero dalle coste, facendo del mare un incolpevole
omicida. Sangue di mare e di uomini versato, che nessuno scorge dalla riva, affollata di ombrelloni, l’orizzonte dello sterminio
ben nascosto dal profilo di grandi navi per navigatori immobili, che passeggiano sui ponti lucidi e che, come i marinai
di Ulisse, hanno le orecchie chiuse al richiamo delle “creature marine”.
L’evento ha superato le attese. Grande pubblico (didattica, turismo, artisti, critici, giornalisti, galleristi…). A fine mostra,
simbolicamente, sono state distribuite le barchette di carta Blu a tutti i visitatori (appositamente costruite dalla Express
Digital Photo). Fra gli ospiti d’onore, il grande Nicolò D’Alessandro, particolarmente interessato ed entusiasta per l’iniziativa,
ha elogiato la mostra ma anche l’intera collezione dell’Addaura Hotel che attualmente, tra pitture, installazioni e oggetti
vari, conta oltre 150 opere distribuite in uno scenario sempre ben curato.
Uno dei meriti riconosciuti a Fabrizio Costanzo, per aver saputo gestire artisti ben consolidati e dalle forti personalità che
difficilmente si sarebbero uniti in altre situazioni qui a Palermo…
Pino Schifano / Sicilia Tempo – Palermo, settembre 2010

Blu?...Un’ampia panoramica tra l’arte contemporanea ed il mare
Sul potere evocativo del mare, sulla capacità delle azzurre vastità marine di alimentare l’ispirazione artistica, nonché –
più banalmente – di innescare fantasiosissime spirali fabulistiche e mitopoietiche, si potrebbe scrivere un poderoso
trattato di carattere accademico. Dal paradigmatico epos di Omero alla metaforica Tempesta shakespeariana, dalla
“leviatanica” ossessione di Melville alla futur-tecnologica profezia di Verne, dalla possente drammaticità di Hemingway
alla poetica leggiadria di Prevert – per rimanere brevemente in ambito letterario – e ancora dal vivace naturalismo delle
pitture murali minoiche (con scattanti delfini ed altri pesci che guizzano nei flutti) al raffinato decorativismo di quelle
d’epoca romana (scene dall’Odissea, vedute di città portuali), dalla poliedricità figurativa dell’evangelica pesca miracolosa
(dai paradigmi musivi bizantini a quella pensata per gli arazzi dal sommo Raffaello) alla “tempestosa” maestosità marina
dei pittori olandesi del ‘600 (Van Ruysdael sopra tutti), dalla fosca e pre-informale visionarietà di William Turner alla
raffinata empatia “pre-ambientalistica” di Hokusai, dai luminosi colorismi degli impressionisti fino alle esplosioni ipercromiche
dei fauves e ai ritorni classicistici dei novecentisti – per fare un breve excursus nelle arti visuali – e inoltre dall’incalzante
contrappunto vivaldiano (La tempesta di mare) alle più pausate atmosfere di Debussy (La mer) – per citare
qualche limitato exemplum musicale – è infatti tutto un incedere diacronico di svariate (e monumentali) dissertazioni sulla
tematica, in grado di offrire un’ampia panoramica sulle immense potenzialità immaginifiche e narrative di cui il mare è
foriero sin dagli albori della nostra civiltà, e quindi sul ruolo che esso ha giocato (e continua a giocare) nella determinazione
dell’immaginario culturale dell’intera umanità. Se è vero – come ipotizzano alcune scuole di pensiero – che le modalità
più profonde e radicate del cogitare umano si presentano (e rimangono) pressoché identiche e invarianti in spazi e
tempi fra loro anche assai diversi e distanziati (basterebbe qui soffermarsi un attimo a contare quante generazioni si susseguono
lungo una linea familiare nel corso di un secolo, cioè non più di cinque, per comprendere come ciascuno di noi
sia stato preceduto negli ultimi 2000 anni, ovvero nell’arco di tempo che va dall’epoca di Augusto e Cristo ad oggigiorno,
da non più di 99 individui, e complessivamente da circa 200, procedendo a ritroso fino al 2000 A.C., e per intuire così,
con un certo sgomento, come un’idea possa muoversi lungo i millenni alla stregua d’una freccia che percorra con gran
celerità la propria traiettoria), ciò spiega e motiva ampiamente il perché il mare continui ancor oggi a esercitare un fascino
immutato su artisti ed intellettuali, fungendo – come in antiquo – da autentico epicentro e fonte ispiratrice, capaci di
catalizzare, con deterministica efficacia, un difforme e polimorfo sublimato di pensieri, affetti ed emozioni. Il mare, dunque,
quale possente polo d’attrazione, vero e proprio “maelstrom” – volendo citare una “visione” marinara del grande
Edgar Allan Poe – al cui intenso vorticare è impossibile sottrarsi, in una “discesa” che obbliga al confronto con se stessi
e col mondo circostante. A questa incontenibile pulsione hanno immancabilmente ottemperato anche gli artisti del Gruppo
Graffiti, aderendo al progetto di una mostra collettiva – non casualmente intitolata Blu?...– per l’appunto tutta incentrata
sul mare e sulla sua inconsunta capacità di evocazione.
Ventiquattro declinazioni ben differenziate – quelle dei partecipanti a questa interessante iniziativa – improntate a tecniche,
linguaggi e – soprattutto – assetti narrativi estremamente variegati, i quali, per ciò medesimo, si rivelano congruamente
atte a fornire un ben articolato caleidoscopio di intriganti e suggestivi spunti di analisi e riflessione.
Iperrealismo metafisico (Giannici), realismo sociologico (Peri), affabulazione immaginifica (Cusenza, Costanzo e Pintaudi),
ironia surreale (Cavallaro), astrazione allusiva (Chirco, La Barbera), espressività materica (Lo Coco), simbolismo
allegorico (D’Antoni, Perricone, Mattaliano), colorismo emozionale (Denaro, Manzella), impegno civile (D’Agostino), informale
evocativo (Patti), humour impietoso (Mott), misteriosità crepuscolare (Caputo), vedutismo criptico (Figuccia), pathos
veristico (Vizzini), inventiva fantasiosa (Sucato), turbolenza polimaterica (Emanuele), cronachismo inquietante
(Fell), pregnanza ipercromica (Affronti), si alternano e susseguono in un incedere visuale che induce nell’osservatore un
obbligato approccio analitico e speculativo.

E tutto ciò – dunque – al di là della semplice “offerta” d’una gamma di gradazioni di carattere estetico, che pure devono
esserci e vanno rispettate nella loro ampia opinabilità, ma piuttosto a conferma dell’assoluta rilevanza – per una
mostra collettiva – della peculiarità (e della significatività) della tematica portante, in quanto filo narrativo, minimo comun
denominatore e linea di repere, innanzitutto per gli artisti compartecipi – così chiamati a una mirata gestione della
loro espressività – e non di meno per i visitatori – cui viene chiesta un’accurata e partecipata lettura simpatetica. Una
esposizione – questa allestita all’Hotel Addaura – che ribadisce con forza la valenza del legame e del contesto associativo
(da considerare non solo una occasione ed un ambito ideale in cui incontrarsi e confrontarsi, ma soprattutto
uno strumento culturale che consente, sul piano pratico, di svincolarsi dalla dipendenza, troppo spesso clientelare, da
pubbliche amministrazioni del tutto sorde a qualsivoglia iniziativa che non riguardi parenti, amici, amanti, clientele varie
e pseudo-intelletuali di notorietà mediatica), rilanciando la necessità – com’era in altri tempi – di travalicare gli steccati
degli sterili soggettivismi e tornacontismi da retrobottega (che purtroppo abbondano anche fra gli artisti) in funzione
non tanto di movimentismi para (o pseudo) avanguardistici, quanto d’una piena consapevolezza del valore dell’unità di
intenti da perseguire (che non rispondano a vacui programmi od obsolete ideologie) e quindi d’una rinnovata coscienza
del ruolo sociale dell’ideare e agire artistici.
Un modus operandi che dovrebbe anche assumere il peso “politico” proprio dell’esercizio di una fisiologica funzione di
controllo e di analisi critica nei confronti di chi gestisce e amministra le attività culturali, da attuare non solo nelle forme
naturali della proposta e dell’offerta di spunti di riflessione mediante la sollecitazione posta in essere dalle opere d’arte
e dalle relative cornici espositive, ma anche nelle vesti di censure ed invettive (senza tema di ritorsioni) laddove l’operato
dei pubblici amministratori (e dei colleghi artisti ed intellettuali variamente “accoliti”) – in fatto di cultura ed anche
altro – sconfini nell’inaccettabile indecenza.
Salvo Ferlito / Blu? Il mare come non lo avete mai visto - Pittorica – Palermo, settembre 2010
Blu?...Artisti in mostra
Alle spalle l’imponente parete verticale di grigio granito del monte Pellegrino, poco più in alto la misteriosa ferita
dell’antro che ospitò i “remoti” abitanti di quel luogo (i famosissimi graffiti), che ci narrano - scaturendo dal nero profondo
della “non conoscenza” - riti propiziatori di abbondanti prede, animali in atto di sottrarsi alla cattura e misteriose
silhouette di uomini danzanti. Il prospetto guarda il mare dal blu intenso, una distesa incontaminata animata da piccole
“creste” bianche di spuma destata dal vento leggero, che giunge fino all’Addaura Hotel portando con sé il piacevole
profumo di salsedine…Il magnifico complesso alberghiero, non poteva esimersi dall’offrire ai clienti un settore dedicato
alla cultura…Vigila su questo delicato aspetto - e da parecchi anni - Fabrizio Costanzo, architetto, anche lui raffinato
artista, occupandosi, sapientemente e con cura, della direzione artistica delle mostre. Attualmente si svolge la collettiva
Blu?...composta da ben ventiquattro artisti che si sono cimentati su di un argomento tragicamente attuale: l’inquinamento
della terra e del mare. Il giudizio sulla qualità artistica di tutte le opere, non può che essere positivo, meritevole
dell’attenzione di esperti e profani, forse i secondi sono coloro che potranno maggiormente giudicare se i vari artisti
sono stati in grado di rendere l’immagine di un mondo che agonizza, soffocato da rifiuti di ogni genere, e che non riesce
a trovare la smarrita armonia fra natura e progresso…
Claudio Alessandri / SiciliaInformazioni – Palermo, luglio 2010

La presentazione
Blu? Il mare come non lo avete mai visto - Addaura Hotel - Palermo, 9 luglio 2010

La presentazione
Blu? Il mare come non lo avete mai visto - Addaura Hotel - Palermo, 9 luglio 2010

Dell’immagine inintelligibile
Una mostra sulle immagini è una mostra sulla vita vissuta attimo per attimo, che corre sul filo della memoria, che ne progetta
il futuro. L’uomo, al di là degli stimoli che ha ricevuto dal mondo esterno e dalla natura in particolare, ha accumulato
nel tempo un tesoro di esperienze introspettive che ha riversato sulla sua sfera esistenziale. Procedendo in una continua
ricerca del centro, nel corso dei millenni (e fin dalla sua comparsa) egli ha esplorato il suo intorno spaziando tra gli opposti,
ricercando l’essere pur esprimendosi con le apparenze, ambendo al vero pur vivendo nella falsità. Nei suoi ruoli di
indagatore l’uomo – filosofo, psicoanalista, antropologo, biologo, teologo, artista e, in generale, acuto osservatore della
psiche e della realtà terrena e divina, ha profuso i codici che oggi rappresentano l’immenso patrimonio culturale delle
immagini, dei linguaggi specifici e dei simboli esistenti al mondo. In diverse modalità e forme, egli ha tradotto quei segnitraccia
in pensiero, mito, storia e arte, identificandoli nel quotidiano, proiettandoli nel mistico o immergendoli nella psiche.
Il segno, in sostanza, si è incuneato nell’idea primigenia esprimendo l’inesprimibile, connotando il visibile e l’invisibile,
sfidando i tempi e i luoghi.
La Prisca Sapientia, rivelata direttamente da Dio a Mosè e tramandata per mezzo di una lunga catena di grandi uomini,
ha superato tutto ciò, conservando l’essenza significativa dello spirito puro e preservando il suo codice mistico dall’abuso
dei profani.
Il segno contemporaneo è figlio ed essenza di quello arcaico. E’ arrivato fino a noi corroborato dalle esagerate esperienze
dell’uomo di oltre quarantamila anni fa e in tutti i suoi aspetti espressivi, simbolici, magici e cultuali significanti, percorrendo
luoghi, tempi e modalità assai diverse. Dalle incisioni rupestri alle grandi civiltà fluviali, dai popoli occidentali a quelli
musulmani, dal lungo arco medioevale all’arte rinascimentale, dalla rivoluzione del Seicento al dibattito estetico illuminista
e romantico, dalle avanguardie artistiche del Novecento alla pienezza del nostro tempo, senza dimenticare l’arte di
quei popoli – India, Oriente, Africa, Oceania, America del Nord, America Centrale e regione andina (civiltà precolombiane)
- spesso esclusa dai libri di testo didattici - ma che ha reso il cammino culturale dell’uomo un’avventura unica, affascinante
e insostituibile.
In aggiunta – in una carrellata forzatamente incompleta di citazioni temporali e tematiche - occorre ricordare l’immenso
patrimonio di pensiero filosofico e mistico che ha connotato e supportato i percorsi storici sempre travagliati del passato,
fino ad arrivare ai più recenti studi fenomenologici e psicoanalitici e alla pesante problematica esistenzialista del presente.
Questo oceano concettuale, inglobandosi nella circolarità del mondo, ma nutrendosi del suo seme originario (il centro),
ha prodotto una infinità di segni e simboli. In un processo di generazione e rigenerazione, l’uomo oggi, raccoglie i
frutti - archetipici, simbolici, mistici, allegorici e alchemici del passato ed ogni sorta di input comunicativi del presente - da
una pianta surreale e multiforme. Un ricchissimo patrimonio d’immagini significanti scagliate nell’etere attraverso la logica
globalizzante di internet, ha reso il nostro cosmo dinamico e caotico, senza peculiarità specifiche, ma con una immensa
offerta mediatica. Ecco, gli artisti di oggi assorbono tutto ciò in maniera consequenziale e sintomatica, attuando la loro
ricerca poliedrica e multidirezionale senza alcun pregiudizio ideologico. La grande produzione odierna, connotata da materiali
tradizionali e innovativi, performance, installazioni, video e procedimenti dinamici di tipo informatico, inseriti dentro
contenitori di movimenti-ombra e ideologie fluide, impongono una nuova chiave di lettura del prodotto-evento visivo.
I sei autori presenti al Loggiato San Bartolomeo, in rappresentanza dell’associazione Pittorica, partendo dalla Sicilia, s’inseriscono
nel dibattito espressivo dell’arte contemporanea, seguendo un iter comunicativo e progettuale impegnativo. La
struttura simbolica della loro pittura rappresenta una griglia spaziale di riferimento sulla quale appoggiano una ricerca
segnica diversamente indirizzata (…).
Fabrizio Costanzo / Prisca Sapientia - Pittorica-Assocultura / Testo in catalogo / Loggiato San Bartolomeo - Palermo, gennaio 2012

Fabrizio Costanzo ed Eugenio Trapani
Prisca Sapientia - LOGGIATO SAN BARTOLOMEO - Palermo, gennaio 2012

Caccia alla Chimera
Nel bagaglio delle esperienze culturali annoverate da Fabrizio Costanzo è da includere anche una sua insolita presenza
come personaggio del Noir Caccia alla Chimera, il primo romanzo noir multisensoriale per il web. L’opera inedita di Sergio
Figuccia, come un vero e proprio film da leggere, è prodotta con modalità del tutto innovative e presenta contenuti ed
inserti multisensoriali integrati da contributi artistici, fotografici, audio e video che ne potenziano la ricettività da parte dei
lettori, una sorta di esperimento sulla rete, con una proposta di testo letterario pubblicato ad episodi (settimanalmente),
per aumentare la suspense.
LA TRAMA
Il racconto, ambientato nel fatidico anno 2012 (l’anno della profezia dei Maya), si snoda attraverso le tematiche dell’ingegneria
genetica e l’invadente e cinico mondo dei media, e si svolge prevalentemente all’interno di una televisione privata
globale di ultima generazione (YouGlobe Television). Il regista dell’innovativo telegiornale di questa tv è la voce narrante,
mentre i protagonisti principali sono: il più celebre lettore del TG, la sua compagna di vita e di lavoro ed un misterioso
scienziato svedese, malato terminale. Prima di morire il dottore farà una clamorosa dichiarazione pubblica che sconvolgerà
la vita dei due giornalisti e del loro staff. Verranno tutti coinvolti nell’interpretazione di una profezia di Nostradamus,
mai spiegata in passato. Diverse figure si muovono all’interno del romanzo.
Fabrizio Costanzo è una di queste, e parteciperà al noir quasi per gioco, su invito di Sergio Figuccia, interpretando il personaggio
di Juan José Navarro, un pittore spagnolo che insegna all’Accademia Rubens di Milano. Navarro, entrerà in
scena nel 15° capitolo, quando la giornalista Cinzia Forestieri lo andrà a trovare in sede per chiedergli alcune notizie sulla
vicenda della Chimera. Il pittore si mostrerà subito disponibile al dialogo, ma ribadirà di non essere coinvolto nella vicenda
su cui lei sta indagando. Accennerà solo al fatto di sapere che Kurt Polasacra, ricercatore svedese, si trova in Brasile
(all’interno di una missione di accoglienza per bambini abbandonati di una favela di Rio de Janeiro) e che quest’ultimo
è del tutto estraneo agli omicidi per cui è sospettato. Navarro, è qui presentato come una persona che sa il fatto suo
(e forse sa anche qualcosa in più sulla persona sospettata) ma non si sbilancerà nel colloquio con la giornalista, anzi
sorriderà ironicamente. D’altronde si capisce subito che anche lui, in qualche modo è coinvolto nell’intrigo internazionale.
Nel 1968, infatti, Navarro, appena diciannovenne, già distintosi per le sue capacità artistiche talvolta utilizzate anche in
campo fotografico - collaborò (per una serie di fortunate coincidenze) ad un esperimento di grande interesse scientifico
della durata di un anno. Navarro ne prese parte (senza sapere di cosa si trattasse), accettando l’incarico di storicizzarlo
con le sue foto, e così si ritrovò, giovane, in uno staff di prim’ordine che nel suo specifico settore ha praticamente scritto
la storia. Entrato come reporter ufficiale, ben presto Navarro mise al servizio del gruppo degli otto anche le sue doti di
ritrattista, diventando il beniamino dello staff. Elaborò così alcuni disegni dei protagonisti (tra cui quello dello scienziato
svedese Samuel Magnusson) e scattò delle foto sull’esperimento della Chimera...
Sergio Figuccia / Caccia alla Chimera – Palermo, 2012 - Note tratte dall’edizione cartacea.

JUAN JOSE’ NAVARRO
Caccia alla Chimera
Fabrizio Costanzo è Juan José Navarro, pittore spagnolo che insegna all’Accademia Rubens di Milano.
Scatti fotografici effettuati sul set
Caccia alla Chimera - Palermo, 2012

Palermo salva? / Da La città salvata
Le artiste: Carla Accardi, Ida Barbarigo, Gabriella Benedini, Mirella Bentivoglio, Valentina
Berardinone, Maria Bernardone, Irma Blank, Renata Boero, Monica Bonvicini, Sara Campesan,
Lucilla Catania, Amalia Del Ponte, Chiara Diamantini, Giosetta Fioroni, Paola
Gandolfi, Maria Lai, Lucia Marcucci, Elisa Montessori, Liliana Moro, Lidia Puglioli, Cloti
Ricciardi, Sara Rossi, Marilena Sassi, Fausta Squatriti, Anna Torelli.
La mostra
La mostra, nata da una comunione d’intenti tra l’Assessorato alla cultura del Comune di Palermo e la Biblioteca delle
donne UDIPALERMO, espone le opere create nel 2009 nell’ambito della Biennale di Venezia, per il Centenario della nascita
di Simone Weil. La tematica proposta, va detto subito, è di quelle profonde, che non lasciano scampo. Mi ricorda il
Blue Hole, un luogo che ho visitato sul Mar Rosso, ad Est della penisola egiziana del Sinai. In quest’area, la depressione
carsica del mare corallifero attira sul fondale i sub visitatori, inducendoli alla scoperta, meravigliandoli e coinvolgendoli
emozionalmente. È l’effetto che ho provato anch’io visitando la mostra, una sensazione dapprima di leggerezza, che ti
avvolge e coinvolge, e che è diventata sempre più profonda e interessante man mano che ho continuato nell’osservazione.
La protagonista è una città, Venezia, attorno ad essa ruotano il pensiero di una filosofa dalla personalità complessa
(la cui vita è stata costellata da tantissime vicende), un testo storico (la cronaca dell’abate di Saint-Real ), una tragedia
ed un film tratto da questa (Venezia salva), le tematiche della guerra, della città, dello sradicamento, della forza, dell’attenzione
e della bellezza (insieme ad altre con cui si integrano in una relazione di mutuo sostegno), venti artiste di livello
internazionale che dialogano con Simone Weil attraverso i loro libri artistici…infine Palermo. Come si relaziona tutto ciò?
Procediamo con ordine. Anzitutto soffermiamoci sulla personalità davvero complessa di Simone Weil. La sua attività speculativa
ed esperienziale è molteplice e si fonda su principi sensoriali di percezione in cui il corpo si lega indissolubilmente
alla mente e all’anima in una connotazione spazio-temporale tendente allo spirituale. La vocazione naturale verso l’abnegazione
di se stessa, la volontà di amare oltremisura e la capacità di leggere la realtà secondo stilemi di vita e chiavi di
lettura molteplici ne fanno una personalità sfuggente, non catalogabile, di grande fascino, un fascino che – come dicevo
prima – attrae irrimediabilmente inducendo a esplorare insieme a lei i meandri umani più imprevedibili. Al centro della
storia c’è Venezia. Simona Weil, legge la cronaca dell’abate di Saint-Real della metà del Seicento prima dell’inizio della
Seconda Guerra Mondiale e da questa trae interessanti motivazioni per la stesura della sua tragedia Venezia Salva. Con
un ulteriore balzo spazio-temporale e traslandone l’idea, Venezia oggi rivive il passaggio magico dalla politica del Consiglio
dei Dieci (la memoria), alla grazia femminile delle venti artiste invitate alla Biennale di Venezia (ed ora a Palermo)
per dialogare con l’opera della Weil (il presente), ovvero, il passaggio dallo stato di Forza dell’uomo alla dolcezza femminile.
Ciò che affievolirà gli animi sarà il sentimento di Pietà e l’Amore di Violetta, che renderà tutto possibile. In questo
stato di grazia ci si avvicinerà progressivamente all’idea di Bellezza del mondo, una delle tematiche più interessanti del
pensiero weiliano che si pone a metà strada tra il necessario ed il bene e che “si manifesta ad una certa distanza”.
Nell’accezione così invogliante noi potremo solo guardare la bellezza, ma non nutrircene. La realtà, regno della forza, ci
indurrà a tener conto di questo dato imprescindibile e ciò che potremo fare sarà soltanto prodigarci per essa, cercando di
salvarla. La tematica verrà esposta nella tragedia Venezia Salva rimasta incompiuta per la morte prematura – a 34 anni –
dell’autrice, che ha come protagonista la città lagunare. L’opera enfatizzerà i due sentimenti fondamentali riscontrabili nella
tragedia, appunto quelli della Pietà e dell’Amore, entrambi perpetrati nei confronti della città di Venezia, che pervaderà

ispettivamente il congiurato Jaffier (il traditore pentito che salverà Venezia), l’altro congiurato, Renaud (posseduto dalla
Forza) ed il personaggio di Violetta (l’innocenza felice). All’interno della tragedia vagheranno gli stolti mercenari (che considerano
Venezia come un giocattolo da buttar via) e il sogno (lo sradicamento dalla realtà) dei vinti. Questi gli elementi
chiave dell’opera Venezia salva, in cui la città si salverà con un finale concitato ma a lieto fine.
Oggi le venti artiste invitate, in processione come Vestali, procedono per onorare Venezia e la sua Laguna Sacra, non
tanto per mantenerne acceso il fuoco, quanto per attingerne le loro coppe al mare. Ognuna di esse berrà un sorso della
pozione magica ma non tutte ne trarranno benefici. Diverse tra loro saranno le condizioni e i sentimenti che ne restituiranno:
la tragicità della Guerra, la Città, lo Sradicamento, la Forza. Altre “Vestali” volgeranno invece agli aspetti positivi
della condizione umana descrivendo (o meglio soffermandosi) sui concetti dell’Attenzione e della Bellezza, le grandi
aspettative che salveranno il mondo e che concluderanno l’Opera, il catalogo e questa mostra.
La mostra odierna di Palermo, ci offre interessanti spunti di riflessione non tanto per quel che riguarda le due città in questione,
distanti tra loro per storia, dinamiche socio-politiche, struttura morfologica, posizione geografica, clima ed altro
(quindi relazionabili solo forzosamente) quanto per le tematiche affrontate venute fuori dalla tragedia Venezia salva e
dall’opera congiunta delle venti artiste qui presenti che ci invitano ad una riflessione sui valori universali che devono guidare
la nostra esistenza strettamente legati allo spazio di una città, al suo sistema relazionale e alla sua memoria. A questo
proposito mi piace ricordare l’importanza che Simone Weil attribuisce al contatto “a pelle”, il limen, con cui il nostro
corpo psico-fisico interagisce con l’ambiente circostante emettendone e ricevendone impulsi. Una “Palermo salva” purtroppo
non esiste ma, sinceramente, mi piacerebbe che esistesse. Palermo, città bellissima, vive saldamente ancorata a
peculiarità semantiche e dinamiche sociali che si ripercuotono da millenni. La Ziz “Tuttoporto” non ha saputo o voluto
sviluppare una cultura del mare come avrebbe meritato. Ha invece generato un inestricabile tessuto storico e psicosociale
– più volte lacerato e rattoppato - che è un unicum al mondo. Non sono d’accordo con chi sostiene che occorre
“guardare” alla Bellezza della nostra città non scoperchiandone le brutture perché ciò significherebbe avvalorare la politica
dello struzzo passando oltre un’altra tematica fondamentale – La Coscienza – non esplicitamente evidenziata in Venezia
salva ma che potremmo sicuramente far rientrare nell’Attenzione e nell’Io passivo con cui la Weil “sospende” per un
attimo Venezia prima di passare al tema della Bellezza. In quest’ultima fase, vero fine a cui dobbiamo tendere se vogliamo
salvare Palermo e tutte le realtà del mondo, occorre imparare a percepire - più che a guardare – le piccole cose che
rientrano in una lettura più complessa dell’intero sistema socio-economico, bio-etico e sensoriale di un luogo. Insomma, è
necessario che noi tutti, addetti ai lavori e non, impariamo a leggere (o a ri-leggere) la complessità delle componenti che
gravano o impreziosiscono un luogo per essere in grado, successivamente, di sfruttarne al meglio le risorse. Non possiamo
più permetterci di sbagliare diagnosi. Guai a continuare a dare la “medicina” sbagliata, sarebbe peggio che non capirne
i sintomi. E allora, come afferma Simone Weil, addestriamoci all’attenzione delle cose prendendocene cura, decentriamo
il nostro “io”, facciamo il vuoto dentro di noi per accogliere gli altri. La ricerca della Bellezza, come valore etico, sensoriale
e spirituale, sempre e comunque ci salverà.
Fabrizio Costanzo / La città salvata, omaggio a Simone Weil - Pittorica / Archivio Storico Comunale di Palermo, gennaio 2014

Ragazza con l’orecchino… una Perla nel Secolo d’oro
Delft, l’alba, o pieno giorno: poco importa.
Qui la vita scorre tranquilla, sempre uguale. Le donne sono intente a lavorare, a sbrigare le loro faccende domestiche, i
bimbi giocano, la vita si rinnova pur nella monotonia del ripetersi dei giorni. Diderot ben caratterizza gli olandesi del periodo…”sono
come formiche umane, si spargono in tutti i paesi della terra, raccolgono tutto ciò che trovano di raro, di utile e
di prezioso e lo portano nei loro magazzini...La ricchezza è senza vanità, la libertà senza insolenza, le imposte senza
vessazione né miseria”. Il cittadino ottiene la certezza della grazia divina attraverso la realizzazione di sé, condizione
essenziale per intensificare il senso di patriottismo e di solidarietà. A tutto ciò si aggiunga l’ossessione che gli olandesi
mostrano per la pulizia nelle proprie case, in un periodo in cui l’igiene personale, nel resto dell’Europa, è appannaggio di
una stretta cerchia di “cultori”. Vermeer, ne La stradina sottolinea il gioco tra interno ed esterno, la soglia di casa - al di là
della quale s’intravedono le donne immerse nel loro lavoro - la strada e i palazzi come sinonimo di decoro, ordine e pulizia.
Ecco, il Secolo d’oro, a Delft si manifesta così, nella compostezza di chi vive la vita di tutti i giorni. Il Seicento, in campo
artistico, è un periodo in cui il mercato olandese è dominato dai “fijnschilders”, pittori che lavorano in finezza e ad ore
di lavoro, scrutando e analizzando ogni dettaglio della realtà. Questa categoria di artisti si rivolge a committenti ben precisi,
i ricchi mercanti, che mostrano estremo interesse per il genere proposto. Esiste una vera e propria scala di valori di
tipo commerciale che mette al primo posto le scene di interni borghesi, le nature morte e le preziose tavole imbandite
rispetto ad altre tematiche come le scene campestri e le osterie. I temi mitologici, storici, di guerra e i nudi, per diversi
motivi non sono ricercati. La società olandese evidenzia una ricchezza diffusa, è operosa e si rispecchia in ciò che la
circonda: tavole imbandite, domestiche al lavoro, bambini, madri, spose, adolescenti intenti nel compiere azioni quotidiane.
L’ideologia calvinista non permette lo sfarzo delle grandi regge nobiliari come quelle esistenti in Italia, Francia e Inghilterra.
Le abitazioni hanno dimensioni contenute e quindi anche i quadri devono essere di piccolo formato. Due curiosità:
l’alto numero dei pittori presenti a Delft e in tutti i Paesi Bassi e il fatto che due terzi delle abitazioni abbiano opere
appese alle pareti. In questo contesto opera Vermeer.
Della sua biografia si conosce ben poco: la sua data di nascita approssimativa, qualche documento ufficiale e commenti
di altri artisti. Sposò Chaterina Bolnes, cattolica, e da lei ebbe quindici figli di cui undici sopravvissero. La sua attività artistica
andava a rilento e non bastava a soddisfare le esigenze della famiglia numerosa. Badò quindi alla locanda del padre
fino ad ereditarla, si dedicò ad attività commerciali varie e dipinse poco ma in maniera eccelsa.
Attualmente si conoscono trentasei opere del maestro, troppo poche per evitare le difficoltà economiche che, alla fine, lo
spegneranno a soli quarantatre anni. Le fonti ci riferiscono che il suo talento venne riconosciuto unanimemente e che fu a
capo della Gilda di San Luca, ma la vita trascorsa per intero a Delft lo relegherà forzosamente in un ambito pur sempre
ristretto per le sue ambizioni. Vermeer possedeva una tecnica eccelsa. Era in grado di ottenere colori trasparenti ed una
resa vivida e dinamica applicando piccoli punti ravvicinati (pointillé). Il procedere scientifico andava al di là dei contenuti. I
soggetti erano solo espedienti per sperimentare e verificare la sua pittura. Probabilmente, come altri artisti del periodo,
utilizzò la camera oscura per raffigurare con estrema precisione i suoi personaggi, e ciò giustificherebbe sia la mancanza
di schizzi preparatori che gli effetti fuori fuoco (di tipo fotografico) che si riscontrano in alcune opere. I suoi capolavori
erano curati al massimo e dipinti con colori costosissimi e di prima qualità come il blu oltremare ottenuto dai lapislazzuli.
La vicenda di Vermeer, vero enigma della pittura della Golden Age (fu soprannominato Sfinge di Delft), è in ogni caso
affascinante, anche in considerazione del fatto che, il noto falsario olandese Han Van Meegeren, creò e diffuse parecchi
falsi d’autore di Vermeer. Oggi, il Maestro, dopo la riemersione dall’oblio di oltre due secoli, è considerato uno degli artisti
più autorevoli del Seicento.

La ragazza con l’orecchino di perla. La “ragazza” di Vermeer viene fuori dall’oscurità configurandosi, di tre quarti, nella
sua enigmatica dolcezza. E’ come se la giovane donna – quasi un’adolescente – si fosse nascosta per secoli nella casa
in cui è stata ritratta. Il suo volto ed il contesto sono molto diversi da quelli de La lattaia, La merlettaia, La donna con
brocca, La donna in blu, La pesatrice di perle o La ragazza che legge una lettera presso la finestra. Tutte queste donne
sono attorniate da numerosi oggetti e occupate nelle loro mansioni o in attività varie, la ragazza con il turbante, no. In una
dimensione silenziosa in cui l’unità atmosferica e psicologica fa tutt’uno con il tempo e lo spazio, “la ragazza” si volge
indietro, forse richiamata dall’artista. La sua bocca è semiaperta e fortemente sensuale. E’ in questo attimo sospeso che
inizia il gioco leggero della seduzione tra la ragazza e l’artista, fatto di parole non dette, di sguardi innocenti, d’intenti.
L’atteggiamento visivo precede quello tattile e i gesti rimandano ad una introspezione profonda. Tracy Chevalier, nel romanzo
tratto dall’opera di Vermeer, ci descrive la storia di Griet, sedici anni, al servizio del pittore. Si dovrà occupare
delle pulizie del suo atelier muovendosi con circospezione tra i fragili oggetti. Vermeer s’innamorerà della giovane serva
e deciderà di ritrarla in modo inusuale (pur contro la sua volontà) con un turbante ed una grossa perla della moglie
dell’artista per presunte esigenze di luce riflessa. La perla sarà dipinta con rara maestria attraverso due sole pennellate a
forma di goccia separate l’una dall’altra, sufficienti per farci immaginare l’intera perla.
L'opera, oggi, è uscita dalla sua dimora eccellente, il Maurithuis Museum a l'Aia, in Olanda, per effetto di lavori di restauro
ed ampliamento che attualmente interessano la sua sede. La chiusura del museo ha indotto la direzione a progettare
un selezionato tour mondiale con al centro l’opera. Bologna é così diventata l'unica tappa in Italia e in Europa della preziosa
opera, che ha toccato anche il Giappone e gli Stati Uniti. Tralasciando dal contesto della manifestazione il corpus
delle altre trentasei opere secentesche e “l’effetto collaterale” degli artisti contemporanei in chiave di rivisitazione odierna,
direi che l’operazione culturale e di marketing sia stata nel complesso positiva. Goldin ha messo in atto e coordinato
un'imponente macchina organizzativa che i bolognesi hanno supportato con sagacia, entusiasmo, accoglienza e spirito
imprenditoriale. Io stesso, a Bologna, ne ho sperimentato di persona l'intero meccanismo ricevendone un'impressione del
tutto positiva. L'input mediatico, partito dalla città in maniera capillare si è ulteriormente rinforzato attraverso la collaborazione
delle attività commerciali, la produzione dei gadget, l’editoria, gli spot nazionali, il romanzo di Tracy Chevalier ed il
film successivamente realizzato da Peter Webber, creando un feedback culturale e sentimentale di primo piano. Bologna
si è così specchiata nell’immagine della “ragazza”, assimilandone l’anima e riflettendone la luce: alla fine tutti quanti ci
siamo innamorati di quel bellissimo sguardo delicato e intrigante…
Fabrizio Costanzo / Ragazza con l’orecchino...Una Perla nel Secolo d’Oro - Pittorica / Palazzo Fava - Bologna, marzo 2014

FABRIZIO COSTANZO
MANLIO GIANNICI
GERY SCALZO

IL GERME DELLA VITA E’ QUI
Da un’ intervista di Marilisa Giammona
Tele One – Palermo, 19 novembre 2015
A Palazzo Montalbo, Nei Luoghi della Storia, Fabrizio Costanzo presenta Le atmosfere incantate del suono e del colore
come sinonimo di Weltshaaung, ricreazione artistica, rigenerazione psico-fisica da cui le forme prendono vita.
Due sono le tematiche affrontate in questo luogo magico.
La prima, è riconducibile al limen della Porta di Ishtar che stabilisce la condizione ambivalente del mondo. Fuori la
guerra e la corruzione, quelle che nel Medioevo avremmo definito “Gli effetti del cattivo governo” di martiniana memoria,
un mondo infelice e dimenticato che “non semina e non coglie” e in cui vige l’inerzia. Dentro, il benessere, la coerenza
e la convivenza tra i popoli, un mondo dove gli esili alberi - filiformi e verticalizzati - giocano con le geometrie
pure e con le dune di luce. Terra felice, frame di un mito-racconto che s’inserisce nel cerchio magico della vita e che
dialoga con le delicate cromie della natura. In questo mondo incantato, su cui si staglia un cielo blu oltremare, profondo
e rassicurante, regnano l’ordine e l’armonia e l’uomo sarà il grande presente-assente. La luna, forma-simbolo di
estrema purezza, da sola o in compagnia, vigilerà sugli eventi, rassicurando e dando coraggio, accompagnando la
notte fino alle prime luci dell’alba.
L’altro aspetto peculiare della produzione di Fabrizio Costanzo, presentato nella mostra di Palazzo Montalbo, riguarda
le tre grafiti acquerellate tratte da Pescatori di reperti, una grande opera in dieci pannelli dedicata ai Beni archeologici
e prodotta a quattro mani con Francesco Pintaudi; un omaggio chiaro ed esplicito al luogo e al pregio storico-artistico
che esso rappresenta. L’accezione, nel caso specifico, è l’azione ludica che ne consegue, la sdrammatizzazione della
memoria che qui diventa frivola, leggera, disinvolta. Un segno-forma di pesci “divertiti” che dialoga “impertinente” con
la linea certosina dei reperti del passato, rendendo “vivi” questi ultimi. Un richiamo, hic et nunc, al linguaggio dell’arte
contemporanea che non vuole essere irriverente nei confronti della storia ma piuttosto tende a dipanarne il tempo vetusto
in pillole leggere di simpatica ironia.

L’OSPEDALE DELL’ARTE APRE LE SUE PORTE
Alla scoperta di tele, ceramiche e sculture
Mostre, concerti, conferenze, incontri, visite ai laboratori: un programma rivolto
a scolaresche e visitatori curiosi di conoscere come funziona il mondo che si occupa
di salvare le opere d’arte.
Varchi un cancello e ti ritrovi sotto soffitti affrescati che da fuori neanche t’immagini. Poi entri e scopri microscopi, tele
e cavalletti, strumenti e resine: tutto un mondo che è dedito al salvataggio delle opere d’arte. Siamo al Centro Regionale
per la Progettazione e il Restauro ospitato, praticamente da sempre, a Palazzo Montalbo, alle spalle del porto:
qui hanno sede tutti i laboratori scientifici e specialistici in cui si recuperano manufatti, tele e carte. Da oggi il Centro
aprirà le porte alle scuole e ai visitatori.
Su spinta della direttrice Enza Cilia Platamone, e con l’aiuto del direttore artistico Giuseppe Di Franco, il Centro si è
dato una “ripulita” e si è messo in mostra, per raccontare la Sicilia attraverso arte e tradizioni. Fino al 27 novembre,
Nei luoghi della Storia, promossa dall’Assessorato Regionale ai Beni Culturali, apre i battenti incontrando i protagonisti
e inaugurando due mostre, La ceramica siciliana tra memoria e progetto e Le atmosfere incantate del suono e del
colore. Alla prima, coordinata da Patrizia Italiano, partecipano diciotto ceramisti provenienti dai maggiori centri di produzione
figulina in Sicilia (Caltagirone, Sciacca, Santo Stefano di Camastra, Burgio). Le atmosfere incantate del suono
e del colore presenta invece le tele di Gery Scalzo, Fabrizio Costanzo e Manlio Giannici.
“La visita al Centro permetterà di scoprire come si lavora nei laboratori”, spiega Enza Cilia. Giuseppe Di Franco ha
invitato anche alcuni musicisti: oggi è previsto il concerto Un viaggio nella musica con i soprani Francesca Mazzara e
Federica Faldetta e il tenore Fabrizio Corona, accompagnati da Alessandro Librio (violino) e Salvatore Scinaldi
(pianoforte). Domani, la conferenza La Via del Molo e la Dimora Storica di Palazzo Montalbo – il gusto per il bello,
mentre nella giornata conclusiva si svolgerà la tavola rotonda Report sulla Ceramica tra memoria e progetto.
Un passo indietro ed eccoci alla scoperta del luogo: Palazzo Montalbo è stato costruito tra il 1567 e il 1590, per volontà
del viceré Garcia de Toledo, sul Molo Nuovo di Palermo, considerato l’Ottava meraviglia del Mondo per la sua
estrema modernità ingegneristica. Quasi quattrocento anni dopo sarà questo uno dei luoghi più bombardati della città:
resteranno in piedi soltanto l’Arsenale smirigliano, la Via dei Marchesi De Gregorio, l’ex Quinta Casa dei Gesuiti al
Molo e l’attiguo Palazzo del duca di Montalbo...
Simonetta Trovato - Giornale di Sicilia – Palermo, 17 novembre 2015

CERAMICA, ARTE E MUSICA PER RACCONTARE LA SICILIA: MOSTRA A PALERMO
Ceramica, pittura e musica per raccontare la Sicilia attraverso la sua arte e le sue tradizioni, in uno storico edificio che
apre le porte per mostrarsi in tutta la sua bellezza. Oggi a Palermo è stata presentata la terza edizione della manifestazione
artistica e musicale Nei luoghi della Storia. Un viaggio tra arte, storia e cultura, che si svolgerà a Palazzo Montalbo
- sede del Centro Regionale per la Progettazione ed il Restauro - dal oggi e fino al 27 novembre, kermesse direttamente
promossa dall'Assessorato Regionale dei Beni culturali e dell'Identità Siciliana.
La rassegna prevedrà, martedì 17, la cerimonia di apertura con la partecipazione di Carlo Vermiglio, Assessore Regionale
dei Beni Culturali e dell’Identità Siciliana; Gaetano Pennino, Dirigente Generale del Dipartimento dei Beni Culturali e
dell’Identità Siciliana; Enza Cilia Platamone, Direttore del Centro Regionale per la Progettazione e il Restauro; Giuseppe
Di Franco, presidente dell’Associazione Culturale Quadrelle, regista e direttore artistico della manifestazione; Patrizia
Italiano, coordinamento e organizzazione sezione ceramica; Vincenzo Merlo, curatore sezione ceramica e Gery Scalzo,
coordinatore della mostra di pittura. Presenterà la giornalista Licia Raimondi.
A seguire l'inaugurazione delle due mostre: La ceramica siciliana tra memoria e progetto e Le atmosfere incantate del
suono e del colore. All'esposizione di ceramica parteciperanno 18 artisti, ognuno con una propria opera, provenienti dai
vari centri siciliani che hanno fatto scuola e che vantano lunga tradizione, come Caltagirone, Sciacca, Santo Stefano di
Camastra, Burgio. I 18 artisti, ognuno attraverso peculiari percorsi di tradizione, ricerca e innovazione, offriranno un quadro
variegato di espressioni, capace di fare della Sicilia una delle regioni d'Italia più ricche di identità creative. Una trentina,
invece, le opere pittoriche che saranno esposte dagli artisti Gery Scalzo, Fabrizio Costanzo e Manlio Giannici.
“Questa è per Palazzo Montalbo una significativa occasione per fondere arte e cultura, un'iniziativa frutto della sinergia
con l'Assessorato regionale che ci permetterà, grazie al coinvolgimento delle scuole che verranno a visitare non solo le
mostre ma anche i nostri laboratori di restauro, di trasmettere questo sapere. La ceramica è bella come una tela, vinca
sempre la bellezza”, ha detto nel corso della presentazione il direttore del CRPR, Enza Cilia Platamone.
“Ringrazio l'Assessorato regionale che ha permesso la realizzazione del progetto, figlio di un excursus professionale che
risale al 2002. Questa rassegna è forse l'unica che unisce tre forme d'arte come ceramica, pittura e musica”, ha spiegato
il direttore artistico Giuseppe Di Franco.
Nei luoghi della Storia prevedrà anche il concerto di musica classico-lirica Un viaggio nella musica, con Francesca
Mazzara (soprano), Federica Faldetta (soprano), Fabrizio Corona (tenore), Alessandro Librio (violino), Salvatore Scinaldi
(pianoforte), concerto offerto dalla Fondazione Accademia Filangeri.
Domani in programma la conferenza La Via del Molo e la Dimora Storica di Palazzo Montalbo - Il gusto per il bello, mentre
nella giornata conclusiva, venerdì 27, si terrà la tavola rotonda Report sulla Ceramica tra memoria e progetto.
Nei luoghi della Storia - Tele Giornale di Sicilia - Palermo, 17 novembre 2015 / L’inchiesta Sicilia - Palermo, 18 novembre 2015.

NEI LUOGHI DELLA STORIA
Un viaggio tra Arte, Storia e Cultura
Momenti vari della manifestazione
Palazzo Montalbo - Palermo, 17 – 27 novembre 2015

PITTURA DI SOGNI E DI MISTERI A PALAZZO MONTALBO DI PALERMO
Blog di Francesco Scorsone - Palermo,17 novembre 2015
Le atmosfere incantate del suono e del colore è il titolo dell'evento ideato e curato da Gery Scalzo. Suo è il testo di seguito
per la mostra di pittura che si svolge a Palermo, nel Centro Regionale Progettazione e Restauro di Palazzo Montalbo
dal 17 al 27 novembre 2015. Gli artisti invitati fanno parte di quel gruppo che ha visto la loro espressione pittorica
legata ai concerti curati dal maestro Di Franco: dal concerto spiritual, eseguito nel lontano 2002 nella chiesa di San Francesco,
alle esposizioni e ai concerti realizzati nelle dimore più prestigiose dell’entourage palermitano. Oggi, Palazzo
Montalbo, Sede Regionale per la Progettazione e il Restauro, tra le iniziative atte a promuovere arte, storia e cultura,
propone la rassegna Nei luoghi della Storia e ospita un’esposizione di ceramiche antiche, un concerto di musica classica
e una mostra di pittura dei maestri Gery Scalzo, Fabrizio Costanzo e Manlio Giannici, artisti dal respiro internazionale per
le numerose esposizioni all’estero e per i riconoscimenti di prestigio.
Nelle opere di Gery Scalzo, una nuova vista si apre sul “mondo”, dove lo spettatore diventa anche attore e viceversa,
uno spettatore che entra nell’opera alla maniera di Akira Kurosawa, interpretando le emozioni dell’artista per condividere
e coltivare lo stesso sogno. Le molteplici sfaccettature dei piani ribaltati e le geometrie “innamorate” congelano i paesaggi
della memoria in una composizione che non dimentica la forma originaria e che, nella sua metamorfosi, intende ricreare
l’emozione di una realtà rappresentata nella quale il dominio degli azzurri e dei verdi si scioglie in atmosfere incantate
dove il colore e l’emozione, diventano canto e poesia. Nella pittura di Fabrizio Costanzo, le architetture del sogno contengono
volte dai cieli stellati mentre il fato insegue il mito, sublimandolo nel racconto filiforme del segno. Le efflorescenze
si aprono a labirinti onirici da cui nascono frattali di una memoria che si addensa nei particolari, fagocitando lo spazio
nelle piccole costruzioni, nei bagli, nei paesaggi, negli oggetti, dove il gioco delle tonalità calde si sposa con il chiarore di
una pallida luna, in un rimando metafisico nel quale la rappresentazione cristallizzata coagula la memoria: unico patrimonio
dell’uomo nell’unica stagione della vita: il tempo. Nelle opere di Manlio Giannici, la fantasia e l’introspezione, collaborando
con l’identità della forma, produce, in maniera evidente, metafore e simboli di una realtà dai risvolti psicologici.
Mi piace riportare un pensiero di Giannici: “A volte è utile vedersi dentro, leggersi e amarsi e poi….nell’immenso, volare”.
Questo concetto liberatorio presente in moltissimi autori, in Giannici diventa azzurra espressione dei silenzi negli abissi
marini, dove la quiete e la bellezza tengono sospesa l’anima del fruitore appagando, in parte, la voglia d’infinito, sollecitandolo
ad andare “oltre”, al di là della siepe, dove “il naufragar m’è dolce” dice il poeta, e questo andare oltre “m’illumina
d’immenso” sottolinea Ungaretti. Ma la voglia d’infinito cede alla paura e gli opposti suggeriscono all’artista il risvolto della
medaglia - “uomo sei ancora quello della fionda e della pietra” - afferma Quasimodo. Ancora una volta, la solitudine
dell’uomo, solo con se stesso, produce interrogativi ed enigmi. Nascono, così, le opere dai temi: animale uomo, piccolo
uomo, grande uomo, uomo marionetta, uomo chi sei, da dove vieni. La metafora continua a tessere storie e l’uomo a
guardarsi dentro, forse solo per trovare le proprie radici e per continuare ad esistere.

Nei Luoghi della Storia: un viaggio tra Arte, Storia e Cultura
Momenti vari della manifestazione
Palazzo Montalbo - Palermo, 17 – 27 novembre 2015

Nei Luoghi della Storia: un viaggio tra Arte, Storia e Cultura
Momenti vari della manifestazione
Palazzo Montalbo - Palermo, 17 – 27 novembre 2015

A PALERMO, A PALAZZO MONTALBO, L’INIZIATIVA NEI LUOGHI DELLA STORIA
Tele e ceramiche a Palazzo Montalbo, sede del Centro Restauro della Regione Siciliana. In mostra, per dieci giorni, i
quadri di Gery Scalzo, Fabrizio Costanzo e Manlio Giannici e poi dibattiti e concerti – previsto anche un incontro sulle
tecniche di recupero con esperti del Centro di Restauro e poi un report sulla ceramica dalla tradizione di Burgio a quella
di Caltagirone passando per il collezionismo contemporaneo della casa-museo palermitana Stanze al Genio e della Fiumara
d’Arte di Antonio Presti a Marina di Tusa. Numerosissimi gli artisti presenti Nei Luoghi della storia - si chiama così
l’iniziativa curata da Giuseppe Di Franco - il quale afferma “La manifestazione nasce per la valorizzazione dei siti storicomonumentali
poco conosciuti di Palermo dove realizzare iniziative artistico-culturali e musicali, accomunando varie tipologie
di espressioni artistiche. Sono stati così coinvolti tre noti pittori siciliani – Gery Scalzo, Fabrizio Costanzo e Manlio
Giannici – e i ceramisti (in rappresentanza delle varie scuole) coordinati da Patrizia Italiano; in più, all’interno di questo
progetto, è stato dedicato uno spazio alla musica con la presenza di artisti siciliani: proprio ieri c’è stato qui, a Palazzo
Montalbo, un concerto di musica classica e classico-lirica che ha registrato un pubblico numeroso e un successo strepitoso”.
RAI3 – Davide Camarrone – TGR del 19 novembre 2015
PALAZZO MONTALBO: CERAMICHE E TELE RACCONTANO LA SICILIA
Ceramica e pittura per raccontare la Sicilia attraverso la sua arte e le sue tradizioni, in uno storico edificio che apre le
porte per mostrarsi in tutta la sua bellezza. Le due esposizioni che sono state organizzate nell’ambito della Terza edizione
della manifestazione artistica e musicale Nei luoghi della Storia sono: “La ceramica siciliana tra memoria e progetto” e
“Le atmosfere incantate del suono e del colore”. All’esposizione di ceramica partecipano 18 artisti, ognuno con una propria
opera, provenienti dai vari centri siciliani. Una trentina, invece, le opere pittoriche esposte dagli artisti Gery Scalzo,
Fabrizio Costanzo e Manlio Giannici.
Giornale di Sicilia – Palermo, 25 novembre 2015

Occasioni di dialogo con gli artisti
Fabrizio Costanzo, dalla metà degli anni Novanta cura una serie di iniziative
culturali, pianificando progetti espositivi particolarmente impegnativi.
In generale, in quegli anni, l’aspetto intellettuale - insieme a quello
politico - connotava spesso le singole attività creando fermenti ed entusiasmi
oggi impensabili. Erano appunto, “tempi d’azione” in cui gli artisti
si riunivano, riscuotevano consensi, agivano, consumavano le idee dando
forma a progetti che poi traducevano in mostre a costo zero.
Nella sezione Occasioni di dialogo con gli artisti, Fabrizio Costanzo si
confronta con le loro ideologie e problematiche. Scrive testi, presenta
artisti, ma soprattutto “vive” dall’interno le situazioni calde di quegli anni.
Oggi, luoghi, tempi e modalità di confronto sono assai diversi. Una parte
degli artisti ha camminato con l’autore, conquistando gli eventi attraverso
le vicissitudini de La Sinopia, altri hanno percorso la strada più comoda
del Sanpaolo Palace Hotel (per breve tempo) dove le mostre sono
state supportate da un’organizzazione alberghiera ben strutturata che
ha ammorbidito e facilitato le singole fasi di realizzazione dei progetti
espositivi (peraltro curate insieme a Francesco Pintaudi). L’ultima fase
(quella attuale) è un caso a sé, unico nel suo genere. La mostra Graffiti,
progettata con Massimo Coraci e condivisa dal compianto Francesco
Carbone, presenta una fase ideativa ed uno sviluppo operativo dinamico
e permanente, ampiamente copiato successivamente da altre strutture e
non solo turistiche. Qui le occasioni di dialogo con gli artisti si sono generate
e sviluppate a stretto contatto, dentro un congegno ben rodato e
con un’organizzazione di base che ha sempre offerto linfa vitale per lo
sviluppo degli eventi. Tutto ciò testimonia la diversa natura degli scritti di
Fabrizio Costanzo - intensi, accorati e vissuti alcuni, più asettici altri.
Infine i testi etichettati prodotti per artisti di caratura - ma che non hanno
condiviso un percorso di vita con l’autore - hanno chiuso il cerchio delle
esperienze letterarie aprendo invece il fronte delle considerazioni e dei
ripensamenti personali. Una società che non soffre e che non combatte
non genera crescita culturale ma isole. Gli artisti oggi riflettono una crisi
sociale, politica ed economica insanabile, che apparentemente produce
i colori della globalizzazione ma che in realtà riflette il grigio delle identità.
In campo artistico si organizzano meno mostre e si hanno meno occasioni
di dialogo. Il fermento degli anni Novanta (l’ultimo colpo di coda
della società) non esiste più ed ogni artista datato percorre la propria
strada portando nel cuore le battaglie condotte e condivise intensamente,
ma che le nuove generazioni - attraversando luoghi e tempi culturali
differenti - sconoscono.

E’ sintomatico considerare che, in un momento storico e caotico come il
nostro, connotato da gravi problematiche e da quesiti irrisolti, la maschera
si pone oggi in tutta la sua valenza…e ambiguità, identificandosi con la
società che la partorisce, dichiarandosi al contempo identità e non, verità
e bugia.
MASCHERE E SOCIETA’
Roberto Cavallaro
Siamo alla disperata ricerca di una credibilità per capire noi stessi, per
sopravvivere all’interno della realtà quotidiana.
La maschera di Roberto Cavallaro ci dice ciò che non è…ma che vorrebbe
essere nel corso di un determinato tempo, a volte nel corso della
stessa giornata: basti pensare a tutta la vasta gamma di stati sociali, o
semplicemente a come cambia il nostro umore a distanza di pochi minuti.
Maschera in senso lato quindi, intesa come espressione camaleontica
del nostro stesso viso, come anima-spia dei nostri sentimenti.
Tutto ciò ed altro ancora riassume la maschera, mito e sregolatezza,
connotazione storica ben definita o semplice divertimento di carnevale,
identità e, in definitiva, specchio di se stessa…
Fabrizio Costanzo / Maschere e società - personale di Roberto Cavallaro
Addaura Hotel – Palermo, luglio 1999
Occasioni di dialogo con gli artisti

Magia, odori, colori si disseminano nell’aria.
DENTRO LA PELLE
Roberto Cavallaro
Occasioni di dialogo con gli artisti
Strane figure tribali in guisa di maschere interagiscono con lo sfondo, si
rivelano in uno scenario artificioso. Un caleidoscopio di forme dipinte a
grandi linee, con genuina originalità, si dispone sul supporto di juta, legno
o tela. Poi, scendendo nel dettaglio, gli elementi si moltiplicano, le
trame s’infittiscono: segni astratti creano improbabili giochi fino a conformare
figure reali; altre volte è la materia stessa a parlare, configurandosi
nella sua essenzialità con tutte le insite potenzialità, spiegandoci il linguaggio
della vita e della morte, del caos e della quiete, del giorno e della
la notte, di come l’uomo, nell’era del computer, si misura con se stesso.
…Le maschere e le pitture di Roberto Cavallaro, nelle quattro stanze qui
presentate, pur vivendo la sostanza psicologica di un’area geografica
ben definita, si confrontano costantemente e in sinergia con il linguaggio
contemporaneo delle maschere odierne: il punk, il poliziotto, il tifoso,
l’intellettuale ecc. sono il prodotto di un universo che vive nella sua ambiguità
oggi come ieri e che qui è analizzato sistematicamente dal punto
di vista psicologico ed emozionale.
Nella maschera, in sostanza, convivono il bene e il male, il quotidiano
indagato nella sua essenza ambivalente, felice e dolorosa, esprimibile
ed inesprimibile: gioco dell’immaginario e intelligenza semiologia che
inseguendo le orme del pensiero traducono il codice della vita…
Fabrizio Costanzo / Dentro la pelle - personale di Roberto Cavallaro
Travelcafè – Palermo, maggio 2000

Tre autori, tre generazioni, tre modi di porsi nell’ambito artistico e di forgiare
la materia eletta: il ferro.
COL FERRO
Nicola Busacca
Giusto Sucato
Totò Vitrano
Occasioni di dialogo con gli artisti
Col ferro, Nicola Busacca, il più giovane, ma con una preparazione
accademica alle spalle, sintetizza i modelli che la natura offre individuando
l’elemento specifico su cui concentra la sua attenzione, esaltando
forma e contenuti, configurando composizioni all’interno di spazi ben
definiti, misurati: una visione chiara e cristallina, perfettamente consapevole
dei limiti e delle potenzialità della materia, esaltante per altri versi,
un percorso artistico depurato da tutte le sostanze inquinanti della realtà,
da quelle contaminazioni che spesso legano alla mimesi della natura.
La purezza formale ricercata non trascura però gli aspetti estetici, psicologici
e sentimentali della materia che, nel farsi opera, sintetizza i processi
di nascita, crescita e stabilizzazione: è allora che solitamente Busacca
buca l’elemento per carpirne la sostanza e pervenire all’assoluto
impalpabile, come nel caso del trittico Aria. L’oculatezza del processo
ideativo e la capacità di discernimento degli elementi inoltre, si contestualizzano
e si amalgamano in una assoluta identità espressiva, ritrovando
l’assioma ben definito in un insieme linguistico puro e coerente,
che riassume e definisce l’iter procedurale.
Col ferro, Giusto Sucato, “madrenatura”, plasma i suoi oggetti reali o
surreali, entrando in simbiosi con i prodotti della terra che cerca, trova e
colloca nel suo iter creativo. La sua è una continua battaglia contro l’inutilità
oggettuale. I segni che l’uomo lascia nei luoghi sono quelli della
memoria, paradigma della storia: simbolici, solari, arcani…sono tracce
indelebili del suo cammino - del passato che ci ha lasciato - e che Sucato,
oggi, raccoglie e manipola con una gestualità senza confini. Nella
sua produzione ogni cosa è descritta ma impensabile, lecita ma dissacrante:
i libri-oggetto, le sedie-omaggio, le scritture con chiodi, i pannelli
polimaterici…tutto si identifica nella sua tabula visionaria…I materiali
usati e riciclati (ferro, legno, cuoio, gesso, canne, carta, chiodi, garze ed
altro) hanno pari dignità, appartenendo ad un universo contaminato in
cui la povertà e la preziosità degli elementi non sono fattori discriminanti
all’interno del processo creativo.
Col ferro, Totò Vitrano, oculato e ironico, realizza strutture leggere che
libera nello spazio sfidando le leggi di gravità. La lamiera è come un
foglio di carta, una morbida stoffa merlettata pronta per essere disegnata
o ricamata, tarlata nell’anima e nella mente, apparentemente debole
fisicamente ma forte nell’anima e nella psiche. Ben nota è l’ironia nel
trattare i temi delle sue opere: penso, ad esempio, a quelle piantine naturali
da innaffiare amorevolmente, bisognose d’affetto e, in generale, a
tutta la sua vasta produzione di natura vegetale e animale. E’ lo spirito
libero che prevale sulle leggi del creato, la vita che supera la morte, il

gioco che diventa serio nel suo farsi regola. L’approccio al ferro è specifico,
pieno e totale, senza compromessi. La sintesi strutturale, scevra da
canoni puramente accademici, è una ricerca intelligente e costante che
genera ritmi, vibrazioni profonde e sonorità espressive.
Simbiosi, osmosi, giochi di linee, superfici e volumi s’intrecciano nella
dimensione atemporale dei tre autori, dando allo spettatore un senso di
attrazione e di stupore. La materia, apparentemente inerte e incolore,
improvvisamente cambia pelle, si anima, acquista significati pregnanti,
si mostra camaleontica, docilmente ammaestrata dalle loro mani esperte.
Ancora, scendendo nel dettaglio, la materia stessa, letta e compresa,
esaltata nel suo valore artistico e simbolico, evidenzia le trame, i colpi di
martello, i fori del trapano, le saldature, le scintille: l’artista infervorato
dialoga con il ferro manipolandolo, ponendo l’impronta, artefice del proprio
destino. La scultura, mestiere nobile e difficile, misura, attimo per
attimo, le qualità dell’artista, impegnandolo totalmente nella sua competenza
bidimensionale e tridimensionale. Attraverso un lavoro complicato
(stressante fisicamente e psicologicamente) lo scultore definisce il Sublime
che vi è nell’arte del porre, come sosteneva il superbo Michelangelo,
ma anche nell’arte del bucare, del fondere, dell’assemblare…
Fabrizio Costanzo / Col ferro - personale di Nicola Busacca, Giusto Sucato, Totò Vitrano
Addaura Hotel Residence Congressi – Palermo, lug./ago. 2001
COL FERRO
Nicola Busacca
Giusto Sucato
Totò Vitrano
Occasioni di dialogo con gli artisti

In pittura, occorre confrontarsi di continuo con la realtà ed aver chiari i
vari elementi: tecnica d’esecuzione, composizione, anatomia, sistemi di
rappresentazione, struttura e percezione del linguaggio visivo, psicologia
e pregnanza della forma, e ancora, grande sensibilità, adeguata
preparazione culturale e una buona dose d’ironia, quella che anima e
rende libero l’oggetto rappresentato, che si concede all’inventiva e
all’umore di chi intende gustare con gli occhi.
ARRIVEDERCI EVA
Eva Warnke
Occasioni di dialogo con gli artisti
Proviamo ora ad entrare dentro un trompe-oeil di Eva Warnke: ad un
primo sguardo superficiale troviamo una minuziosa descrizione di elementi
tratti dalla realtà, tecnica abilissima e realismo puro…gli oggetti
raffigurati recitano, intrecciano un intimo rapporto, entrano in simbiosi
con lo spazio virtuale descritto, dialogano tra loro e con lo spettatore:
una parete, un tavolo antico, un oggetto quotidiano alcune volte ci portano
verso una situazione familiare, già nota, attraente…altre volte, gli
stessi elementi sembrano perdersi in una dimensione infinita e indefinita,
imprigionati entrambi nella capacità manipolativa dell’artista, in quel
suo modo così dolce e così autoritario di dimostrare padronanza descrittiva
e sensoriale…
Fabrizio Costanzo / Arrivederci Eva - personale di Eva Warnke
Bottega di Hefesto – Palermo, novembre 2002

Un luogo nel mondo: il San Basilio a Palermo.
FORMA MENTIS
Fabio Mattaliano
Una pittura eterna, un’atmosfera significativa: il silenzio…L’aspetto comunicativo,
nelle opere di Fabio Mattaliano, sembra sconfinare nel sacrale,
in una dimensione metafisica, fuori dal tempo e dallo spazio, sospesa
nell’aria, eterea…Il segno delinea la composizione dell’opera,
diventa sogno, pur all’interno di un cromatismo strutturale. L’architettura
dipinta esula il vero significato costruttivo…leggera, impalpabile, pensiero.
Nella dimensione realistica assume una connotazione psicologica
introspettiva, fortemente ieratica. Questo non senso, esprime il senso di
una pittura sempre protesa verso l’aspetto immaginativo, sublime al
tempo stesso. Architravi, fregi e cornici, intere trabeazioni o semplici
dentelli, sono in realtà la ricerca di matrici geometriche pure, quadrati,
rettangoli, triangoli e cerchi non viziati dalla forma esperienziale.
Artifex ludens sicut Deus, nel meccanismo ludico il pittore-architetto
controlla le forme giocando come un Dio, manipolando la sua macchina
scenica, apparentemente elementare nel sistema percettivo, assolutamente
complessa nell’assetto ideologico e nel costrutto psicologico, di
difficile descrizione verbale, evocativa.
Occasioni di dialogo con gli artisti
Ho visto un luogo che era la mia vita, e sui suoi muri ho appeso i miei
sogni. Ancora…Colori, forme, spazi…sono entità che ci raggiungono al
limitar della pelle e lì diventano sensazioni, emozioni, umori…così l’artista,
tra le righe, sintetizza il suo pensiero, evidenziando un canale comunicativo
poliedrico, formato da sensazioni visive (le idee che si tramutano
in immagini) e scritture (le idee che si tramutano in messaggi) entrambe
facce della stessa medaglia, inscindibili, bisognose ognuna
dell’altra, e per questo, interagenti e interessanti. La ricerca qui condotta
incuriosisce, lambisce la memoria, si proietta nel futuro consapevole del
suo obiettivo finale. Narra il libro della Genesi che Dio, per prima cosa,
creò la luce e solo dopo, il cielo, il sole, le stelle e i pianeti. La luce, come
ricerca e come certezza ha il potere di definire gli elementi del mondo
naturale, di delinearne le forme scivolando su di esse, accarezzandone
le asperità. Luce indagatrice, quindi, come essenza, chiarezza,
qualità, verità, direzione, intensità, composizione, gioco fisico introspettivo,
Forma mentis, appunto, disegnata, voluta e narrata dagli uomini per
gli uomini o per un’entità divina. Nel gioco strutturale ed in quello mentale
ha sede la storia e qui, all’ex monastero di San Basilio, la memoria è il
quid psichico per potere capire il logos umano: nella ricerca d’intenti
l’atmosfera crea il silenzio, il silenzio crea l’atmosfera.
C’è un luogo nella mente …
Fabrizio Costanzo / Forma Mentis - personale di Fabio Mattaliano
miostudio.it – Palermo, gennaio 2004

DEL LUCIDO IMMAGINARE
Achille Lugaro
Occasioni di dialogo con gli artisti
Gli oggetti di Achille Lugaro sono rappresentati con lucida cognizione,
inseriti con cura all’interno del quadro compositivo. Ogni elemento, minuziosamente
descritto, appare nel luogo più congeniale, in attesa, mimando
il gioco del silenzio di antica memoria. L’osservazione nasce
da un costrutto ideologico, un citazionismo filosofico, psichico e morale
che pone l’uomo al centro dell’universo (e della rappresentazione), anche
quando egli è assente. Lugaro pone l’uomo solo davanti al creato,
consapevole però della possibilità che egli ha nel gestirlo e dominarlo
con la sola forza del pensiero. Con chiarezza, riaffiorano i grandi filosofi
del passato che hanno descritto l’animo umano nella sua condizione
introspettiva - come Platone e Aristotele, o in rapporto alla dimensione
ordine-caos, come Empedocle, o ancora, più recentemente, hanno studiato
il dramma esistenziale dell’uomo, come Kierkegaard… Il lucido
immaginare di Lugaro è la descrizione attenta e puntuale della condizione
contraddittoria e mutevole dell’uomo, intrisa d’enigmi e d’introspezioni,
di limiti e di potenzialità… è l’acuta rappresentazione dell’uomomisura
dechirichiano, sospeso nella dimensione psico-atmosferica, al di
là del tempo e dello spazio. L’artista è l’oracolo della sua generazione,
che guida l’uomo nella ricerca, che sentenzia e predice il futuro, ma è
anche il demiurgo che plasma le idee, l’architetto che costruisce lo spazio;
le tre condizioni determinano una dimensione rappresentativa priva
d’aria, vento e sole, un ecosistema impossibile da modellare dove solo
la mente può vivere e sviluppare il suo habitat.
Parametri fondamentali di lettura dell’opera di Lugaro sono la memoria e
la capacità immaginativa che, vagando nel campo delle idee, assumono
l’aspetto e la connotazione di specifici costrutti psichici. La prima ci ricorda
che l’uomo è parte integrante del creato, direttamente collegato alle
nozioni di percorribilità spazio-temporale. Un filo rosso congiunge la sua
esistenza a quella dei suoi avi intersecando concetti di storia, arte e
religione. Ciò è condizione necessaria ma non sufficiente per spiegare
dimensione, condizione e punto di partenza dell’uomo. L’immaginazione
- secondo parametro di lettura - ci riporta invece all’universo uomo in
termini di potenzialità esplicativa, fuori dai canoni usuali, dove la capacità
immaginativa è esercitata, incanalata e supportata all’interno di una
lucida analisi progettuale. Immaginare non è come fantasticare: l’elaborazione
della forma, traducendo le normali ambientazioni in sottesi significati,
amplia il dato puramente visivo. In alcuni casi, la ricerca, particolarmente
raffinata, lambisce la sfera spirituale ed emozionale individuando
e interpretando tematiche filosofiche specifiche di grande effetto.
Fabrizio Costanzo / Del lucido immaginare - personale di Achille Lugaro
Annuario d’Arte Moderna A.C.C.A. (Roma) 2004

Il concetto di linea nel campo delle arti visive è, per sua natura, particolarmente
esteso, perché abbraccia l’intera figurazione spazio-temporale
dell’essere umano e si connota di riferimenti storici, interpretativi, compositivi
e simbolici diversi in ogni epoca. Il primo elemento espressivo fu il
graffito, in seguito campito con il colore che, traducendo il gesto puro
dell’uomo preistorico, propose un’iniziale forma di comunicazione con
caratteri descrittivi e magico-propiziatori autonomi.
STRUTTURA E PENSIERO
Antonella Affronti
Occasioni di dialogo con gli artisti
La lettura della linea, come contorno proiettivo delle figure, fu un criterio
successivo che stabilì un’ulteriore tappa evolutiva di pensiero nei confronti
degli uomini preistorici e delle antiche culture in generale. Queste
ultime, attribuendo alla linea (e quindi al segno) il carattere più estensivo
di significante la connotarono attraverso diverse tecniche e intensità,
assegnandole molteplici valori riguardanti soprattutto la sfera simbolica.
Consapevole di tutto ciò l’uomo, in seguito (e fino ai nostri giorni) ha
prodotto la linea soffermandosi sulla potenzialità del suo atto creativo,
visualizzandola e inserendola nel variegato panorama artistico odierno
dove la rivoluzione della concezione estetico-percettiva (sperimentazioni
varie di materiali, contenuti, sistemi di rappresentazione ed altro) si è
alternata a malinconici ritorni accademici.
…La struttura del linguaggio visivo, campo delle esperienze fisiche, racconta
il senso e l’essenza dello spazio dove linee, texture, luce e ritmo
s’intersecano e si materializzano dipanandosi nel tempo. L’effluvio di
linee, in un movimento di contrazione e dilatazione, pattina su una superficie
irreale trasformando le linee-struttura in linee-pensiero...In un
periodo storico di grandi e veloci comunicazioni il rischio fondato è quello
di non potere o non sapere comunicare nella forma più incisiva, senza
traslitterazioni, e di dimenticare magari l’autenticità e l’immediatezza di
un discorso portato a buon fine…la linea, come ricerca interiore, è rappresentazione
cardine dell’intero orientamento creativo (che fa tutt’uno
con la coscienza)…dove ogni elemento cromatico o pseudo-figurativo
gioca il proprio ruolo affettivamente…
Per Antonella Affronti, la linea è sinonimo di regola e libertà, mimesi
fisica, psichica e concettuale o semplicemente pensiero, un filo rosso
che, attraversando il filtro della memoria, giunge inesorabile fino ai nostri
giorni, sviluppando concetti storico-sociali e affettivo-emozionali globali,
inerenti l’intero percorso della storia umana.
Fabrizio Costanzo / Struttura e pensiero - personale di Antonella Affronti
Lulapalusa Art Cafè – Palermo, 18 gennaio 2004

LA SPIRITUALITA’ DELL’ESSERE
COME ATTIVITA’ INTELLETTIVA
Flora Schicchi
Occasioni di dialogo con gli artisti
Il ciclo dell’esistenza, attraverso le fasi di nascita-crescita-moltiplicazionemorte,
trova il suo significato più profondo nell’attività intellettiva e culturale
dell’uomo che, da particella del creato, si erge a creatore del mondo,
strutturando se stesso e dando significato a tutte le cose…Nelle
opere di Flora Schicchi, l’occhio umano percepisce l’oggetto della realtà
instaurando con esso un rapporto sensoriale, emozionale ed estetico
che si traduce in finzione scenica: mens e scaena s’incontrano in un
tutt’uno, seppellendo la morte e dando significato alla realtà - rerum
natura - nel turbinio del suo esistere…Il sentimento e la memoria giocano
un ruolo fluidificante (anche se non esclusivo) nella concezione
dell’artista, facendo sì che l’immagine si componga, nella sua genesi, tra
finzione e realtà, carattere storico e reinvenzione…La rielaborazione,
nella sua apparente semplicità, dona all’osservatore una moltitudine
d’input, depistandolo in un primo momento, accompagnandolo successivamente,
lungo un percorso coerente e sicuro: sono i viaggi dell’anima,
in cui il senso dell’effimero nell’uomo è superato dalla profonda ricerca
di se stesso, del perché delle cose, e in generale, del significato della
vita.
…La rappresentazione pittorica, all’interno di una visione bugiarda e
ingannevole, contiene in nuce il dono del miracolo creativo, un’immagine
insieme psichica e spirituale, altalenante tra incanto e disincanto.
L’artista sente quest’impulso e lo traduce in materia, cogliendo l’invisibile
energia della natura; gli elementi s’imprimono così nella retina
della memoria, rientrando nella logica lirico-evocativa, avviando il meraviglioso
gioco della tensione emozionale. Dentro un ritmo descrittivo ben
calibrato, la Schicchi pone la ricerca di una natura positiva ed entusiasta,
un’esperienza profonda e vibrante che s’incastona nella matrice
introspettiva e riflessiva.
In questo strano gioco caratteriale e di vita, le immagini del presente
s’intersecano con quelle del passato - scrigni di ricordi - modellandosi
dentro una rappresentatività creativa indice di approfondimenti iconologici
e semiografici d’ampio respiro.
Fabrizio Costanzo / La spiritualità dell’essere... - personale di Flora Schicchi
Libreria Idiomi – Palermo, dic 2004 - intervista di Loredana Mormino per SICILIAUNO

Un libro significante sfoglia le sue pagine aprendo lentamente le immagini,
offrendo agli altri il senso e la dimensione della vita. Il racconto
contiene la trama di una quotidianità lucida, lineare, percorsa dal filtro
della memoria. E’ l’immagine del nostro tempo, molle e decisa nel contempo,
silente, impregnata di tanta sicilianità, vogliosa di confrontarsi
con il mondo.
IL QUOTIDIANO, FILTRO DELLA
MEMORIA
Giacomo Vizzini
Occasioni di dialogo con gli artisti
I protagonisti dei quadri di Giacomo Vizzini sono gli oggetti predisposti in
un contenitore esperienziale fortemente caratteriale, astratto e impalpabile
per un verso, descrittivo e lirico per un altro. Gli elementi in primo
piano interagiscono con altri più lontani o con lo sfondo, entrano in simbiosi,
riuniscono in un significato più significati, cercano altro, oltre. Un
accordo equilibrato relaziona gli obblighi rappresentativi con l’emozione
visiva, la tersezza morale con l’oculatezza sensoriale, la semplicità con
la complessità d’approccio dell’iter culturale. Osservando le immagini si
rimane imbrigliati nella riflessione, punto d’inizio e d’arrivo dell’incedere
espressivo. Lo spazio virtuale contemporaneo è descritto con un’anima
antica, valorizzando memoria e sentimento, tradizione e innovazione...
Scendendo nel dettaglio, la macchina rappresentativa si svela: la struttura
del colore (splendida quella corposa spatolata) e gli oggetti, intercalati
e disposti dentro il ritmo compositivo dell’opera, dialogano con l’osservatore,
generando un gioco di rimandi percettivi fortemente allusivo.
Vizzini, approda all’unità visiva viaggiando nel tempo, fissando i concetti
cardine all’interno di un’analisi percettiva acuta e profonda. La sua capacità
immediata di cliccare sulla realtà genera uno scarto qualitativo che
consegna all’osservatore un prodotto apparentemente statico, in realtà
vivo ed espressivo nel turbinio fisico e mentale, istintivo e creativo, colmo
d’affetto. In un quotidiano frenetico e caotico in cui si preferisce
apparire più che essere, le immagini acquistano un significato profondo
ed emozionale, fermano il tempo, generano calma e riflessione: la speranza
di un nuovo giorno.
La poetica, al di là del dato prettamente espressivo, diventa filosofia di
vita, ricerca, linguaggio esistenziale di un crepuscolarismo colto dove
l’oggetto, il gesto, la scenografia si dichiarano punto di partenza di un
percorso-significante, che talvolta dice senza svelarsi: è allora che il
reale diventa sensazione, parvenza, macchia-tessitura, trama di un percorso
vitale che procede a metà tra logos e furor. L’artista supera il dato
reale guardando il mondo dall’alto per poi immergersi in esso, definendolo
nelle sue innumerevoli tessere, slegate e sfuocate, in un primo
tempo, collegate e nitide, successivamente: immagine di vita.
Fabrizio Costanzo / Il quotidiano, filtro della memoria - personale di Giacomo Vizzini
San Giorgio dei Genovesi – Palermo, maggio 2005

DEL SEGNO, DELL’EQUILIBRIO
Domenico Mezzatesta
Occasioni di dialogo con gli artisti
L’arte contemporanea, specchio-testimone della condizione storica odierna
pone oggi nuove problematiche sotto il profilo espressivo, socioculturale,
politico e produttivo. La moltitudine d’input, l’assetto segnico
poliedrico e la sintassi evolutiva assolutamente inedite, sconvolgono le
consonanze armoniche e gli equilibri già precari imponendo all’uomo di
rivedere dimensione e ideologie secondo il nuovo stile di vita. Il motore
di ricerca dell’arte, generatore di processi complessi e delicati, innesca
così un meccanismo di strutture polimorfiche - all’interno della ricerca
ideativa nuova e crescente - che sollecita e condiziona la sensibilità
dell’artista. Siamo circondati da immagini pubblicitarie, sinonimi di vita
accattivanti, che ci propongono modelli culturali fittizi frutto di una lettura
asettica della realtà. In un contesto in cui alteriamo il rapporto significante-significato,
non riusciamo più a decidere, siamo più vulnerabili.
Giulio Carlo Argan, in una conferenza del 1973 alla Galleria Nazionale
d’Arte Moderna di Roma, sosteneva che la crisi dell’arte aveva raggiunto
un punto limite di non ritorno con la conseguente polverizzazione del
sapere e la destabilizzazione dell’essere. Sostituiti i vecchi miti con i
nuovi, l’uomo perseguiva l’estetica del bello, preferendo gli attributi alla
sostanza…L’autonomia di una ricerca estetica oggi è ancora possibile. Il
riscatto dell’arte può avvenire in termini di segno, colore, forma, svincolati
dal sistema sociale condizionante. Immergendoci nella natura (e
riscrivendone il codice di sopravvivenza) siamo in grado di ritrovare un
ordine cosmico inalterato, riproponendo situazioni spaziali, psicologiche,
gestuali e tecnologiche innovative…il punto cardine dell’orientamento
creativo.
E’ così che, in Domenico Mezzatesta, il concetto fisico di sperimentazione
segnica e cromatica spazio-temporale diventa sedimentazione emozionale,
abbracciando la storia dell’uomo dalla gestualità preistorica al
villaggio globale. Il prodotto finale, sinonimo di equilibrio e raffinatezza, è
di grande effetto e trova la soluzione stilistica più appropriata nella giustapposizione
degli elementi, una ricerca di contenuti che riassume l’omogeneità
delle ideazioni progettuali, un percorso visivo di estrema purezza,
un libro, dove le pagine esprimono il senso e la dimensione della
vita.
Fabrizio Costanzo / Del segno, dell’equilibrio - personale di Domenico Mezzatesta
Valore Art Gallery – Palermo, marzo 2007

TRA ESSERE E PARVENZA
Mauro Maraschi
Occasioni di dialogo con gli artisti
Un’immagine, fragile ed eterea si materializza, acquistando forma e
dimensione, suggerendo una misteriosa tensione espressiva sul volto
della donna. Una bellezza quotidiana, tolta dall’olimpo degli dei, narra la
fatica del vivere di tutti i giorni dove il tempo, implacabile, mobilita i sensi
e la ragione. Un’altra figura, imbrigliata nell’alveo di un marchio sociale,
si muove freneticamente in cerca di una identità. Volti consapevoli testimoniano
l’essenzialità e la precarietà del vivere oggi ma anche la speranza
di raggiungere un obiettivo, di filtrare un raggio di luce in un mondo
buio e senza stelle. La ricerca di Mauro Maraschi, attraverso un percorso
significativo, pone l’uomo solo davanti al creato, con tanti quesiti
da risolvere. I temi d’affrontare sono molti, troppi, ma tutti ruotano attorno
al senso della vita ed al ruolo che ha oggi l’essere umano in un simile
contesto. Ancora una volta ci si trova di fronte al problema della comunicazione
attraverso i temi della spiritualità, della storia evoluzionistica,
della psiche, di un mondo materiale e tecnologico che genera pseudocertezze,
spinte non sempre controllabili. Siamo ben lontani, sia dai
sereni modelli greci e rinascimentali che dalla spiritualità medioevale...Mauro
Maraschi dipinge contemporaneamente l’essere, il non essere
e la parvenza, una dimensione simbiotica dove ogni affermazione è,
non è, o sembra. Il suo, senza dubbio, è un approccio difficile ma delineante
e qualificante del modo di esprimersi e di schierarsi nella pittura.
La società, dalla fine dell’Ottocento ad oggi, ha imboccato una strada
senza ritorno, rinnegando regole e modelli in virtù di un’immersione totale
nella vita, rimodellando il rapporto tra l’uomo ed il suo essere, il suo
sapere, le sue certezze...Da lì a poco, gli espressionisti ne disegneranno
la condizione di angelo caduto, gli astrattisti ne polverizzeranno il suo
essere. Picasso ne metterà a nudo la dimensione bestiale…l’uomo cadrà
a pezzi e perdureranno gli aspetti fluttuanti e transitori. Si assisterà
all’allontanamento progressivo dal centro: un esempio per tutti è quello
di Francis Bacon che esplorerà gli stati umani esistenziali più bassi e
disperati. Si divulgherà così, da una parte, la poetica dell’irrazionale,
dall’altra, il razionalismo costruttivo che considererà l’arte come progetto,
riscatto. La lotta tra i due poli (destino ineluttabile e utopia progettuale),
ovvero la disputa caos-logos, su un filo rosso, si proietterà fino ai
nostri giorni, sovrapponendo all’input generazionale dell’ultimo secolo
un nuovo disordine costituito da pixel e aspetti virtuali…Maraschi oggi,
individuando i parametri estetici ed emotivi della caducità umana
(bellezza, moralità, dolcezza, amicizia, gratitudine etc.) e tralasciando
invece quelli di perfezione, immortalità, forza, accarezza l’idea di una
comunicazione che dia un senso alla vita, da riscattare nell’ideale di
bellezza del quotidiano riaffermando l’uomo, essere pensante.
Fabrizio Costanzo / Tra essere e parvenza - personale di Mauro Maraschi
Ex Noviziato dei Crociferi – Palermo, 2008

Un unico concetto emozionale, fisico e psicologico abbraccia la storia
dell’uomo, dai suoi esordi fino ai nostri giorni.
QUEL FILO DI LUCE
Angelo Denaro
Occasioni di dialogo con gli artisti
Paesaggi, culture, tecniche e conoscenze, compongono una relazione
inscindibile di valori in cui l’essere umano, con il susseguirsi delle generazioni,
trasmette il sapere universale ed opera insieme all’ordine delle
cose, alle luci, alle forme, alle superfici, agli avvenimenti. Tutto ciò avviene
attraverso un continuo scambio di esperienze estetiche, percezioni,
conoscenze, rappresentazioni di dati, sensibili e non. I luoghi, in pratica,
sono transiti di memoria nel tempo e nello spazio, categorie dinamiche
e transculturali dove gli elementi, naturali ed artificiali, interagiscono
tra loro. Viviamo il degrado del paesaggio naturale in cui lo spirito della
globalizzazione ha partorito i non luoghi. Lo stravolgimento delle connotazioni
naturali ed il conseguente impoverimento delle identità culturali
ha reso necessario un intervento di salvaguardia da parte dell’uomo ed
una riorganizzazione intelligente del territorio: oggi abbiamo la necessità
di ritrovare un nuovo equilibrio. Tutti gli operatori culturali ed ambientali
a vario titolo, e le persone comuni, sono chiamate ad agire responsabilmente
ed a saper leggere il territorio.
Friedensreich Hundertwasser, fautore della bioarchitettura, ha sostenuto
tenacemente la conciliazione e l’integrazione dell’attività e dei comportamenti
umani con le preesistenze ambientali ed i fenomeni naturali. Kurt
Lewin, ha indagato l’ambiente dal punto di vista topologico, come spazio
di vita psicologico, luogo di relazione, in cui l’uomo, parte attiva e generatore
di processi, si confronta con tutto ciò che lo circonda…Lo spazio
oggetto di studio di Angelo Denaro non è di natura geometrica, né
contemplativa, è esistenziale, incentrato sulla presenza determinante
dell’uomo che tende a riformare il suo habitat psico-fisico. In tale accezione,
la nozione di spazio s’identifica con quella più complessa di ambiente,
caratterizzandosi dinamicamente e procurando tensioni nei luoghi.
Norberg-Schulz, a proposito della nozione di spazio-ambiente, ha
sostenuto altresì che la vita si svolge su una varietà di piani, da quello
sensorio-motorio a quello esclusivamente simbolico e che nell’ambiente
bisogna tener conto dei risultati provenienti dai campi specifici della sociologia,
dell’antropologia e dell’economia. La pittura qui descritta è colta
ma parla con un linguaggio universale, non rientra in stilemi e movimenti
catalogati, non contempla. Emoziona per la sua schiettezza.
...Quel filo di luce così esile e così visibile è un percorso nitido di ricerca
che racconta la vita, squarcia le tenebre, illumina la terra e il cielo. E’ un
filo lineare, che però ha percorso, tra tante insidie, il labirintico Palazzo
di Cnosso del re Minosse. Angelo Denaro, si è addentrato nei meandri
di quel luogo raccontandone tutti gli aspetti. In una realtà priva di individui,
ha descritto l’uomo ombra, subdolo, che si è aggirato per i tracciati,

degradando l’ambiente, e l’uomo speranza, fiducioso e positivo, sempre
pronto a tendere una mano e a credere nella perfezione dei meccanismi
biologici: le due facce della stessa medaglia…Angelo Denaro, identificando
gli elementi-cardine della realtà, plasma le forme in nuovi significati,
opera per segni e tessiture, pitture e impasti, parcellizzazioni di un
humus culturale sempre vivo…Memoria e creatività, segni-traccia e immagini-pensiero
dialogano con un nuovo linguaggio, una nuova spazialità,
definendo un innovativo coagulo estetico-comunicativo.
Il disegno si veste di ricchezza visiva e la pittura evidenzia un impianto
sicuro, incisivo, di grande apertura culturale. La rappresentatività, accompagnata
da una profonda e magica accuratezza descrittiva, denota
un assemblaggio di percorsi che si avvale di una tecnica ben consolidata
nel tempo. Affiorano antiche culture che suggeriscono approfondimenti
densi di significati formali, ottiche antropologiche…Forse un tentativo
panico di riconciliarsi con la natura? O la voglia di ritrovare la magia
nella gestualità rituale?…Un ritorno alle origini per dimostrare la fiducia
nel futuro, una ripresa del segno-immagine per codificare un nuovo linguaggio…una
comunicazione spazio-temporale di grande emozione,
quasi una ricreazione estetica.
Quel filo di luce ancor oggi squarcia le tenebre…
Fabrizio Costanzo / Quel filo di luce - personale di Angelo Denaro
Galleria di Villa Niscemi – Palermo, novembre 2008
QUEL FILO DI LUCE
Angelo Denaro
Occasioni di dialogo con gli artisti

Pochi artisti (e pochi uomini in generale) hanno la reale capacità di sentire
il Luogo e di simbiotizzarlo…Qualcuno ne fa terra di conquista, qualcun
altro lo interpreta romanticamente, altri ancora lo leggono ma non
riescono ad intervenire con coerenza e creatività.
ARCHITETTO DEL TEMPO
Bishan Bassiri
Occasioni di dialogo con gli artisti
Bassiri, esploratore dell’immaginario, attenziona il reale in ogni sua manifestazione.
Dimostra il suo interesse a trecentosessanta gradi verso
tutti i materiali organici e inorganici (dagli elementi lavici alle elaborazioni
fotografiche, alla cartapesta, all’alluminio, al ferro, al bronzo…),
verso il cosmo (nell’accezione estetica e scientifica), verso l’uomo e le
sue possibilità rappresentative, convinto fautore dell’unità dei linguaggi
artistici (visivo, poetico-letterario, teatrale e musicale). E’ proprio questo
suo interesse nell’indagare dal dentro le cose (ogni cosa) che lo rende
così acuto e sensibile. La sua è una ricerca sulla bellezza intesa come
potenzialità degli elementi, equilibrio tra le parti. Legge il luogo nel duplice
aspetto logos-caos, come categoria dinamica transculturale, intriso di
enigmi e di magia. Coniuga i meccanismi della natura alla storia dell’uomo,
un unico pensiero fluente, in cui le tracce hanno valenza autonoma
al di là della dimensione spazio-temporale. La funzione dell’artista è
quella di porsi come anello di congiunzione tra le varie condizioni della
realtà, che devono essere analizzate e restituite sotto forma di livelli di
rappresentazione. Nella sua condizione di osservatore, ritrova semplicemente
l’equilibrio psico-fisico del locus, entrando in armonia con il creato,
senza sentenziare…in una sua sentita visita alla grotta dell’Addaura
in cui, natura e magia, sensi ed ispirazione, atmosfera solenne e riti
pagani s’intrecciavano idealmente con i segni e le immagini misteriche
del luogo, Bassiri subito percepì una dimensione onirica profonda ed
ispiratrice, che tradusse in opera d’arte. L’artista si era immerso totalmente
nel territorio dell’Addaura, guardandolo ad occhi chiusi, con la
mente, immaginando la forza espressiva delle forme, il movimento di
dilatazione e contrazione di quei segni che da linee-struttura si erano
tramutati in linee-pensiero.
Da parecchi anni sue opere di pittura e scultura sono presenti all’Addaura
Hotel di Palermo, insieme a quelle degli artisti siciliani della Graffiti –
tra queste, una installazione-meteorite (L’unicorno – in pietra lavica fusa
in bronzo) che rappresenta la materializzazione dell’intuizione visiva
dell’artista, ed ora, per il Graffiti Day, La bestia – anch’essa fusa in bronzo
– a sancire lo stretto rapporto di Bassiri con gli elementi vitali e, nello
specifico, con l’ambiente della Montagna Sacra.
La bestia di Bassiri, rappresenta l’orrido che scaccia l’orrido, proprio
come l’immagine della medusa sicula diventa anatema, forza benefica,
talismano in grado di tenere lontani gli spiriti maligni. La bestia, l’unicorno
di Bassiri e i totem Graffiti, insieme, difendono il territorio dandogli

sicurezza, ricodificandone il significato, ripercorrendo il circuito esistenziale.
Bassiri, oggi è artista Graffiti perché si pone come artifex loci, testimone
e demiurgo dell’Addaura. Nel manifesto sul Magmatismo – che
da solo ne rappresenta il pensiero filosofico ed il testamento spirituale -
pone le basi verso le tematiche psico-fisiche legate ai luoghi.
Così recita…“L’immagine precede la conoscenza” – “Il tempo e la
storia sono assenti” – “la luce proviene dall’interno dell’opera” –
“la forza divina e quella devastante sono contenute all’interno dell’opera”
“l’artista contempla in condizione eterna” – “l’immagine sovrana resta
senza subire il tempo, di esso si nutre e ringiovanisce” – “l’opera d’arte
cessa di esistere nel momento dello sconfinamento nel vero” – “tutti i
nostri cinque sensi anticipano il pensiero” - l’opera non può nascere
come illustrazione o realizzazione di un progetto… non dà la soluzione,
è un emblema da scavare... è meteorite proveniente dal cosmo e non
appartiene alla terra…”
ARCHITETTO DEL TEMPO
Bishan Bassiri
Cercatore instancabile di pietre viventi e architetto del tempo, Bizhan
Bassiri trae segni evidenti ed indelebili dal cerchio magico delle forze
fluenti, ritrovando nella semplicità delle cose e nella limpidezza ideativa,
il senso della vita.
Fabrizio Costanzo / Architetto del tempo - Bizhan Bassiri, Graffiti Day
Addaura Hotel - Palermo, maggio 2009
Occasioni di dialogo con gli artisti

Consideriamo subito alcuni aspetti del pensiero di Edouard Jeanneret,
in arte Le Corbusier.
C’E’ UNO SPIRITO NUOVO…
O DELL’EQUILIBRIO TIMBRICO
Franco Mineo
Occasioni di dialogo con gli artisti
Nell’opera Verso un’architettura, 1920-21 – pietra miliare dell’architettura
moderna - a proposito del fare creativo, l’artista sosteneva che ogni
prodotto estetico presuppone un quantum di interesse sensoriale ed
intellettuale rispondente il primo, al colore, di pertinenza dei popoli semplici,
dei contadini e dei selvaggi; il secondo, all’armonia-proporzione,
come attività dell’intelletto dell’uomo colto. Le Corbusier diceva inoltre,
che il colore - il superfluo necessario – e l’armonia-proporzione - il necessario
superfluo - rappresentavano i due estremi ideologici su cui si
orientava l’attività creativa dell’uomo. Questa particolare impalcatura
concettuale, poneva le basi di un discorso più complesso, comprendente
altri fattori, la cui meta finale sintetizzava un’idea sostanziale di purezza
formale a cui Ozenfant e Le Corbusier lavorarono a lungo, condividendola
e difendendola per tutta la vita. Che senso ha, quindi, oggi,
presentare una mostra su Le Corbusier – un omaggio che non è un
omaggio – che ripropone un’idea così apparentemente astrusa? Franco
Mineo, evidentemente, sta attuando una ricerca seria e meticolosa, coraggiosa
e non comune direi, sul solco di un rigore filologico che tuttavia
lascia ampio spazio a quegli impulsi emozionali di cui l’uomo abbisogna,
e l’artista si serve, per poter condurre il suo studio. Un giorno, Matisse -
grande maestro del colore - rivelando candidamente di essersi innamorato
di un bel blu, fece una dichiarazione d’amore e da contadino, ma
sappiamo tutti quanto fosse colto e intellettuale… Mineo dal canto suo,
intende dare ordine alla molteplicità del Creato, esplorandone le leggi
per trarne fuori una linfa fresca e vitale, gioiosa, positiva negli intenti e
nei fatti. Scruta il mondo, la natura vegetale e animale, gli oggetti inanimati
e le persone, sublimando la vita come manifestazione di perfezione.
La tabula di Mineo ha un alto valore evocativo ma è, strutturalmente,
tessitura di equilibri spaziali e cromatici in cui ogni oggetto, pur avendo
peso, forma e vita autonomi, si relaziona con gli altri. Nel mutuo sostegno,
i suoi segni-struttura e i timbri-forma, avvalorano un’azione ludica
che toglie l’amaro al quotidiano donando sorriso al prossimo. Siamo
certamente distanti dal luogo degli eventi così caro a Jackson Pollock, in
cui l’intervento dell’artista generava input difficilmente controllabili e che
acquistavano vita autonoma. In Mineo i segni e i timbri si simbiotizzano
– in un gioco di rimandi - con la forma strutturale, definendo la scatola
scenica del quadro e della realtà, acquistando incisività e significato,
materializzandosi in un pensiero lucido, chiaro. La sedia di Le Corbusier,
indice di un nuovo approccio estetico-funzionale al mondo del design
- e così affettivamente resa protagonista da Franco Mineo - chiude
il cerchio della sua ricerca bi-tridimensionale, configurandosi come unità
di sintesi del processo visivo: siamo in presenza di un unicum sensoriale

e percettivo che contribuisce a dare stabilità e chiarezza ai due aspetti
dimensionali. Quello tridimensionale rientra con parsimonia in un assetto
fisico ben strutturato. Oggetto funzionale e caro alla memoria, la sedia
è modello di vita dell’abitazione moderna, chiave di lettura delle nostre
abitudini e spia-testimone dell’uomo che con essa dialoga e si confronta
attraverso la storia. Quello bidimensionale è invece finestra sul
mondo, dove gli elementi-eventi – nel dialogo interno-esterno e primo
piano-sfondo - acquistano nuovo significato. Entrambi gli aspetti dimensionali
diventano altresì gioco timbrico texturale insinuandosi nella coscienza
e nel processo ludico-creativo. L’intera struttura del linguaggio
visivo è mimesi psico-concettuale, che filtra la memoria attraverso percorsi
storico-sociali ed emozionali, presentandosi, oggi, libera e depurata.
Un accordo armonico ed equilibrato relaziona i calibrati obblighi rappresentativi
con l’emozione visiva, definisce gli elementi essenziali e i
complessi iter esplorativi. Ne viene fuori un’immagine integra, che, muovendosi
tra incanto e disincanto, rientra nei processi della natura e del
quotidiano, un quid incontenibile e affascinante di bellezza ludica, che si
nutre della complessità della vita restituendola in forma schietta e serena.
Nella ricerca di una purezza visiva in termini etici ed estetici, l’artista
ritrova così il significato più profondo nella presenza sentimentale degli
elementi-segno caratterizzanti, che si insinuano nella forma sterile delle
geometrie asettiche per diventare vita. Oggi, come artisti e uomini di
cultura siamo chiamati a rispondere delle nostre azioni e ad essere dentro
il dibattito culturale e sociale. Mantenere un posto nella storia significa
esserci. Certo, ci si può limitare ad osservare e dipingere, è vero, ma
leggere e capire la pittura ed i processi che sottendono ad essa è ben
altra cosa… Questa è la strada difficile su cui oggi s’insinua - e procede
con cautela – Franco Mineo, progettando i suoi dipinti. La sua ricerca
pittorica, riflessiva e introspettiva, è esperienza intellettuale sull’arte contemporanea
o, più semplicemente, percorso quotidiano dell’uomo d’oggi.
C’E’ UNO SPIRITO NUOVO
O DELL’EQUILIBRIO TIMBRICO
Franco Mineo
Occasioni di dialogo con gli artisti
“C’è uno spirito nuovo: spirito di costruzione e di sintesi guidato da una concezione
chiara…” (Esprit Nouveau, 1920).
Fabrizio Costanzo/C’è uno spirito nuovo o dell’equilibrio timbrico - personale di F.Mineo
Palazzo della Vicaria – Trapani, dic./gen. 2010-2011

DELL’IMMAGINE ININTELLIGIBILE
Antonella Affronti
Fabrizio Costanzo
Tanina Cuccia
Occasioni di dialogo con gli artisti
Nel segno-struttura, Antonella Affronti supera la realtà descritta e raccontata,
cogliendo l’impulso della materia. La sua linea morbida e avviluppante,
che ha accarezzato il mondo definendone la produzione negli
ultimi anni, è diventata oggi input timbrico, simbolo arcaico e contemporaneo
che ispeziona in profondità le viscere della terra tramutandosi in
materia empirica. Dentro questa corposa sostanza, la linea ha sviluppato
un’energia indomita, pulsante, che ha messo a nudo il dramma esistenziale
dell’uomo delineandone i due estremi di luce e ombra, esplorandone
la storia e ridisegnandone il futuro...
Nel segno-icona, Tanina Cuccia rappresenta le sue figure ieratiche,
cariche di memoria e sentimento religioso. Il corteo iconico giunto fino ai
nostri giorni – Cristo, la Madonna, gli angeli, i profeti, i dignitari e altro -
ha percorso un tragitto esperienziale difficile, affondando le radici nel
mondo degli uomini, sporcandosi di biacca, evidenziando lacune. La
figura non è integra: come la pagina manoscritta di un palinsesto – scritta,
cancellata e scritta nuovamente - mostra i segni di un cammino lungo
e profondo pur nella compostezza del suo esibirsi. E’ così che spirito e
materia dialogano, confrontando il limite terreno con l’impalpabilità eterea,
esprimendo il tempo contemporaneo...
Nel segno-traccia, Giuseppe Fell incide sul piano visivo ricercando cromatismi
arcaici, quasi strappi materici che mettono in luce l’essenzialità
dei concetti. In un incastrarsi di piani figurativi e segnici la struttura
espressiva si presenta irta di timbri e suggestioni insinuandosi nella coscienza.
Ne viene fuori un’immagine depurata, senza orpelli, che punta
dritto all’anima. Il pesce-ichthys, spesso descritto nelle sue opere, è il
segno-simbolo che ci riporta all’ambiguità cristiano-pagana, ricordandoci
la comune matrice religiosa dell’immagine ma anche la forza propulsiva
di tale codice che si pone in tutto il suo prorompente significato semiologico
e trascendente, travalicando l’uomo e le sue azioni.
Nel segno-logos, Sergio Figuccia progetta il suo spazio mentale scandendo
kronos, il tempo degli uomini. Il suo fine, però, non è la costruzione
di un luogo fisico dell’esistenza, né la razionalizzazione degli eventi
fine a se stessi. L’artista assembla materia e spirito, gioca con concetti e
sistemi di rappresentazione, manipola solidi e forme pure, lettere e anagrammi,
segni e scritture arcaiche. È l’oracolo-alchemico che, muovendosi
sapientemente nel silenzio, osserva gli oggetti e gli eventi del nostro
quotidiano ponendosi domande e dando risposte. Conosce altresì
le formule dell’esistenza e le rivela - in un gioco-enigma - sulla tabula
scripta, mistero di vita.

Nel segno-scrittura, Pino Manzella incide sugli eventi ripercorrendo
tempi e luoghi della memoria. La sua, è una ricerca sensoriale e alchemica
al tempo stesso, che si nutre del seme della storia non per descrivere,
raccontare o evocare, ma per incidere su di essa, destrutturandone
gli eventi per poi ricomporli attraverso la sua cronaca calligrafica. L’artista,
con uguale intensità, analizza i contesti sociali e naturali, prestando
particolare attenzione al territorio inteso nella sua accezione di habitat
antropologico, operando una puntuale lettura critica, schierandosi nel
magma dell’indifferenza collettiva...
Fabrizio Costanzo / Dell’immagine inintelligibile - Prisca Sapientia
Loggiato San Bartolomeo - Palermo, gennaio 2012
DELL’IMMAGINE ININTELLIGIBILE
Giuseppe Fell
Sergio Figuccia
Pino Manzella
Occasioni di dialogo con gli artisti

ARTEFEX LUDENS
Antonino Nacci
Occasioni di dialogo con gli artisti
Una formica rituale, in cerca di una meta, segue paziente una scia silenziosa;
forme antropomorfe e consapevoli si attraggono tra terra e cielo,
librandosi dentro un’atmosfera indefinita; pesci-ictys guizzano, volando
su onde zigzaganti; lucertole, cavalli, meduse e strani vegetali marcano
la loro presenza all’interno di strisce verticalizzanti, di spazi impossibili…
Poi, ancora segni – tanti segni – incidono la materia: sfere, triangoli,
quadrati, spirali, frecce, lettere dell’alfabeto, falci di lune ed ogni sorta di
graffito. Nel mondo di Antonino Nacci, una miriade di elementi abitano i
luoghi. Sono presenze dinamiche, sfuggenti, ripetute, organizzate; contrassegnano
un territorio psicologico e si configurano come rappresentazioni
ludiche di un codice-concetto già strutturato. Nacci ama i colori
della terra e li recupera nella porosità della sabbia. Stende con delicatezza
il materiale mischiandolo alla colla vinilica e incidendolo con tratto
sicuro. Pur non descrivendo la bellezza, ciò che costruisce è bello, ponderato.
La sua pittura, lucida e controllata, esprime grande forza comunicativa
con una tavolozza apparentemente povera ma ricca di variazioni
tonali. La mostra di Nacci – in un viaggio che guarda oltre – dialoga
con segni e forme che si muovono in spazi ben definiti e diversamente
colorati, che hanno la capacità insita di descrivere, stimolare ed evocare,
incuneandosi tra delicati cromatismi tonali e rese materiche. Il suo
mondo, è un Caos-Logos irrazionale ma determinato in cui gli elementi
ritmati esprimono la ricchezza interiore nel modo di relazionarsi più che
nel loro valore unico. L’operare giocoso di Antonino Nacci – homo faber
- delinea una tabula atemporale e adimensionale che imprime allo spettatore
una irresistibile componente attrattiva ed emozionale, un’estetica
fantastica e dinamica dentro la quale, come sosteneva il fisico Gert Eilenberger
– “la combinazione armonica di ordine e disordine riconduce,
in natura, al senso della bellezza…” L’apparente confusione generata
da segni e forme è controbilanciata da precisi ritmi vettoriali che incanalano
i flussi di elementi all’interno di scie sinuose o di spazi ben delimitati
e caratterizzati che a loro volta sfociano in veri e propri cartigli ideogrammatici
o determinano elementi pitto-formali. In un tutt’uno, il piano
strutturale gioca con le stratificazioni della materia sabbiosa creando un
progresso materico di opera in opera, dalla forte carica ideativa. In questo
contesto, Antonino Nacci, pur avendo chiara la visione culturale sui
fatti storici e sul quotidiano, propone un mondo leggero, privo di tensioni
fisiche e gravitazionali, dove le famiglie di elementi sono organizzate
e riconoscibili. La tessitura di equilibri spaziali, se letta in chiave puramente
decorativa, può trarre in inganno. La sua, è una tabula viva, luogo
degli eventi (per dirla con Pollock) e possiede una vita autonoma. In
essa i segni-forma vanno considerati inseparabili rispetto alla resa calligrafica,
ai materiali adoperati e al formato che li supporta. Nacci, non
intende raccontare una storia, ma lasciare tracce, suscitare interrogativi.

Nelle sabbie, il gioco comunicativo – tra incanto e disincanto - è assai
delicato. Qui l’artista propone un attento bilanciamento di pesi e contrappesi,
alternando il prima e il dopo temporale, il qui e l’altrove fisico, il
piccolo e il grande dimensionale, relazionandosi simbioticamente con il
suo aspetto psichico e umorale. E’ in questa fase che Nacci – artefex
ludens - indaga il quotidiano con ironia e saggezza, analizzandone gli
eventi dinamici (panta rei), una realtà reinterpretata, riscritta, rimodulata
e convertita in colori armonici e rese di materia ben calibrate, una rivisitazione
dolce e poetica che esprime il senso della vita tout court.
Le opere di Nacci, in sostanza, denotano una simbiosi totale con la materia.
Sia che la incida, la buchi, la bruci o la ricucia - assemblandola,
evidenziandola, nascondendola o, addirittura, rinnegandola - il suo operare
è decisamente attuale e contemporaneo. In una realtà che sta profondamente
cambiando, intende assolutamente orientarsi. Le sue opere
appaiono come mappe concettuali, luoghi esplorati e misurati, controllati
e calibrati in cui i fatti sono meticolosamente appuntati. Piccole magie
che evocano ricordi lontani, che emozionano.
Negli anni Ottanta, le pagine esistenziali subiranno una chiara evoluzione.
La visione del mondo diventerà sempre più fluttuante ed onirica.
Cominceranno così le descrizioni di mondi arcani e sconosciuti, di realtà
complicate e sempre più frenetiche dove gli elementi anzidetti si misureranno,
adesso, con un quotidiano irriconoscibile. Nacci, nell’ultima produzione,
introdurrà il rosso ed il nero sui toni sabbiati, evidenziando la
sua crisi personale e quel senso di disagio a cui il mondo sta andando
incontro, ma lo farà sempre con stile e riservatezza, in punta di piedi. Il
suo linguaggio, senza barriere territoriali, non conoscerà la globalizzazione
del Duemila, ma la descriverà ugualmente.
ARTEFEX LUDENS
Antonino Nacci
Occasioni di dialogo con gli artisti
Fabrizio Costanzo / Artefex ludens - personale di Antonino Nacci
Palazzo Sant’Elia / pittorica.it – Palermo, aprile 2012

LA CITTA’ SALVATA
Omaggio a Simone Weil
Carol Rama
Sulla guerra / Carol Rama. L’artista punterà alla sofferenza. Il suo
è un grido di dolore sul mondo, forte e netto come il suo segno.
Rama è l’unica che, pur appartenendo alla mostra è presente a
Venezia ma non a Palermo. Non presenta libri artistici, soltanto un
disegno a china su carta pentagrammata, un omaggio all’unità
delle arti ed alla comune sensibilità artistica. La sua coppa ha attinto
l’acqua sacra dalla laguna e ne ha raccolto solo grida di sofferenza
che amplifica affinché tutti si rendano conto dello strazio
che sta vivendo Venezia, stretta nella morsa. Più che un omaggio
a Simone Weil la sua è un”unghiata” alla vita, un graffio contro gli
interessi economici che mortificano l’uomo e ne cancellano la memoria.
Fabrizio Costanzo / Carol Rama - Sulla guerra
Archivio Storico Comunale di Palermo / pittorica.it – Palermo, gennaio 2014
Occasioni di dialogo con gli artisti

LA CITTA’ SALVATA
Omaggio a Simone Weil
Carla Accardi
La città / Carla Accardi. La sua città fremerà di bellezza. L’universo
è bello, da amare, i colori e le forme ne sublimeranno la vita. I
primi intensificano la realtà attraverso il timbro e l’espressività; le
seconde creano la magia della sagoma-limite. Insieme generano il
codice segreto della vita. Nelle pagine di Carla Accardi, sublimate
dal segno inconfondibile, si legge la struttura della laguna che però,
adesso, ha acquisito nuovo significato, nuova atmosfera. La
geometria, apparentemente asettica, riprende vita ed emana luce
propria svelandone le sue forme pure. Più che simbolo, spirito.
Fabrizio Costanzo / Carla Accardi - La città
Archivio Storico Comunale di Palermo / pittorica.it – Palermo, gennaio 2014
Occasioni di dialogo con gli artisti

LA CITTA’ SALVATA
Omaggio a Simone Weil
Sara Rossi
Lo sradicamento / Sara Rossi. Fra tutte le artiste, Sara Rossi è
quella che renderà più evidente la denuncia al disfacimento del
patrimonio artistico di Venezia. Le sue immagini fotografiche sono
eloquenti. Dietro c’è una profonda riflessione sull’architettura strutturale
e sugli assetti urbanistici della città, sugli ecosistemi, sugli
aspetti sociali, sulla memoria. Tutto ciò appare inutile se non è
filtrato dai sensi che inevitabilmente stabiliscono il limen tra il nostro
corpo e lo spazio che lo circonda. Il suo omaggio alla Weil è
silenzioso. Muti sono i palazzi, le case, le chiese tacciono. Anche
la laguna ha un’atmosfera metafisica. Lo sradicamento ne fa perdere
le coordinate spazio-temporali.
Fabrizio Costanzo / Sara Rossi - Lo sradicamento
Archivio Storico Comunale di Palermo / pittorica.it – Palermo, gennaio 2014
Occasioni di dialogo con gli artisti

LA CITTA’ SALVATA
Omaggio a Simone Weil
Maria Lai
La forza / Maria Lai. C’è il fuoco nell’opera dell’artista. Il suo librotexture
evidenzierà le tracce del passaggio dell’uomo che vive in
questo mondo. Il cammino di Maria Lai è difficile e si rinnova giorno
dopo giorno, tessendo e modificando le sue relazioni. Tutto
l’invisibile è raccontato con forza nel suo libro: le opere d’arte
eclatanti, i luoghi famosi e quelli ignoti, piccoli e grandi imprese, il
tempo che scorre, la gente comune. I suoi fili pendenti e aggrovigliati
rappresentano gli eventi trascinati dalla imprevedibilità del
fuoco che li accompagna e ne da forza. Ma la forza – nelle parole
della Weil – abbrutisce l’uomo, lo trasforma in cose, gli toglie l’anima
e la dignità, pietrifica il suo cuore.
Fabrizio Costanzo / Maria Lai - La forza
Archivio Storico Comunale di Palermo / pittorica.it – Palermo, gennaio 2014
Occasioni di dialogo con gli artisti

LA CITTA’ SALVATA
Omaggio a Simone Weil
Irma Blank
L’attenzione / Irma Blank. Ripercorrerà i flussi dell’energia vitale
attraverso l’esperienza della Global writings, una scrittura alfabetica
di sole otto consonanti che pone il testo libero di “volare” nel
foglio disponendosi in maniera autonoma. Il suo segno-scrittura
acquista così significato fuori da ogni codice linguistico diventando
ritmo, texture, inserendosi nello spazio circostante senza condizionamenti
di lettura e di regole grammaticali. Il tratto calligrafico denota
una precisa volontà di guardare la realtà in maniera assoluta
e asemantica, non contaminata dal mondo dell’esperienza. L’omaggio
alla Weil è chiaro e incondizionato: occorre annullare l’io, farlo
diventare buio e passivo affinché non possa più risplendere della
propria luce. Per far ciò è necessario decentrare se stessi creando
il vuoto, soffocando l’ingiustizia, guardando al Sacro.
Fabrizio Costanzo / Irma Blank - L’attenzione
Archivio Storico Comunale di Palermo / pittorica.it – Palermo, gennaio 2014
Occasioni di dialogo con gli artisti

LA CITTA’ SALVATA
Omaggio a Simone Weil
Elisa Montessori
La bellezza / Elisa Montessori. L’artista opererà una simbiosi
psico-strutturale nell’ambito del suo racconto cesellato sulla città
di Venezia. Struttura un linguaggio visivo in cui la percezione e la
memoria s’integrano in un percorso fluido connotato da scritture,
timbri forti e leggeri, segni e immagini. E’ la vita che scorre, che
attua le sue pause e le sue impennate ma che alla fine guarda alla
bellezza. Particolarmente interessante il gioco delle linee-china
che alcune volte contornano le figure, altre volte s’infiltrano e giocano
con le texture atmosferiche. Nell’omaggio a Simona Weil ci
indica la strada della bellezza da seguire: “Noi tendiamo ad essa
senza sapere cosa domandarle. Lei ci offre la sua esistenza. Non
desideriamo altro”.
Fabrizio Costanzo / Elisa Montessori - La bellezza
Archivio Storico Comunale di Palermo / pittorica.it – Palermo, gennaio 2014
Occasioni di dialogo con gli artisti

LA CITTA’ SALVATA
Omaggio a Simone Weil
Le altre artiste
Occasioni di dialogo con gli artisti
Un libro? / Le altre artiste. L'omaggio a Simone Weil ha coinvolto
in tutto 26 artiste che hanno trattato i temi della bellezza, l'attenzione,
la forza e lo sradicamento come vere e proprie icone del
pensiero weiliano. Le artiste invitate si sono confrontate (o isolate)
sul libro di piccolo formato (30x30) che è diventato ''altro'' allo
sguardo di ognuna di loro. In pratica, più che definire le ideeconcetto
in forma di scrittura e d'immagini, le operatrici hanno
riproposto l’idea di un libro-oggetto nella sua metamorfosi di opera
d'arte. La formula - non innovativa, beninteso - copre l'intero arco
storico-culturale che va dalla produzione alessandrina all'arte concettuale.
Ancor oggi il suo panorama esplicativo é vasto e sviluppa
iter processuali ed elucubrazioni mentali di grande significato
che ne travalicano il semplice significato culturale. Vale la pena
sottolineare come qui, all'Archivio Storico Comunale di Palermo, il
confronto tra il libro-manufatto e il libro-tradizione - letto e sepolto
nelle immense scaffalature dell’antica struttura - crei un aspetto
simbiotico-divergente del tutto singolare. Storia e innovazione,
memoria e trasgressione s'integrano e si respingono creando le
condizioni per divagare verso nuovi orizzonti. La lettura diventa
così pensiero e l'intero iter ambivalente: il libro si manifesta e si
cela aprendosi e chiudendosi, affermandosi e negandosi in tutta la
sua valenza, rimandando a sottesi significati. Il libro, ancora, é
tabula su cui gli artisti dipingono concetti e idee, incollano altri oggetti,
bucano, trasformano e aggregano materia, manifestano il
corpo e l'anima che sconfina nello spirituale, mai uguale a se
stesso. Il libro in sostanza diventa l'intero mondo possibilista del
pensiero umano, sguardo sul quotidiano e introspezione dell'anima,
meditazione profonda, silenzio. Un centro gravitazionale dove
le tensioni e il movimento spaziale esprimono la drammaticità degli
eventi ma anche l'etica e il dialogo sereno. Di fronte all'immenso
panorama delle ''qualità'' del libro, l'omaggio a Simone Weil
acquista un valore ben definito. Le artiste ne esplorano l'universo
in termini sensoriali, evidenziandone soprattutto gli aspetti tattili,
olfattivi e uditivi ed estendendone la profondità in termini espressivi.
Fabrizio Costanzo / Le altre artiste - Un libro?
Archivio Storico Comunale di Palermo / pittorica.it – Palermo, gennaio 2014

Artestudio MONTECUCCIO
FABRIZIO COSTANZO / Work in progress

simonacostanzo.com

Testi, stralci critici e articoli giornalistici

LA RIVISITAZIONE DEL BORGO MEDIOEVALE E LA SUA LETTURA IN CHIAVE SIMBOLICO-METAFISICA
La pittura di Costanzo, e ancor più i suoi pastelli, propongono una visione pura della vita, una dimensione armonica e
positiva; i borghi, rivisitati in chiave simbolico-metafisica, ne riflettono un’immagine tipicamente favoleggiante dove coscienza
e stile trovano la loro strutturazione sul piano della memoria, abbandonandosi a sogni e fantasie.
Da una prima lettura delle opere di Costanzo ne deriva una forte emozione generata dal senso di coerenza che si instaura
tra l’osservatore e l’opera d’arte riconducibile ad almeno due fattori fondamentali: il colore e il rigoroso modulo
compositivo.
Che il colore sia una componente essenziale per un quadro è quasi scontato, ma se il suo particolare trattamento
espressivo e l’accostamento di toni e timbri riescono a comunicare uno stato d’animo, a far percepire il profumo e l’essenza
delle cose o, ancor più, il carattere dell’artista, allora il processo creativo raggiunge la sua meta e comunica sensazioni
che vanno al di là del puro dato visivo.
Il rigoroso modulo compositivo mostra altresì uno studio meticoloso delle forme, del segno, delle matrici geometriche e
dell’immagine in generale che derivano dalla sua formazione di architetto. Se si osserva ancor più attentamente questo
borgo si nota come esso sembri proiettato all’infinito tramite le ripetute verticalizzazioni che denotano un’esigenza di
ascesi spirituale che ben si amalgama con il senso di armonia e soavità dell’insieme. Chiara appare la matrice medioevale
attraverso la stilizzazione del borgo trecentesco fiorentino, con il suo sistema di rappresentazione schiacciato su di
un piano dove le profondità si annullano o si evidenziano: è l’incoerenza di un periodo in cui i miti, le speranze, le aspirazioni,
le credenze, la religione e gli uomini si mescolano in un grande “pentolone” generando una società strana ma
produttiva, semplice e vorticosa, che cesella, come in un mosaico, tessera su tessera.
Il senso della natura impronta fortemente quella società così come il senso di speranza e di dedizione al lavoro. L’immagine
che viene fuori dalla rivisitazione di Costanzo è fortemente adimensionale e atemporale ma anche favolistica,
simbolica, metafisica e surreale. Si presenta a noi, oggi, trasfigurata: dimostra di avere attraversato con fatica e con un
carico d’esperienza non indifferente settecento anni di storia fisica e di rappresentazione…
Costanzo, nelle sue opere approda ad una unità compositiva, una sintassi, un linguaggio marcato e deciso, un’autentica
Weltanshauung, una visione del mondo autosufficiente, quasi una ricreazione estetica.
Carlo Castronovo / Lo studente – Palermo, settembre 1989

LA PITTURA TRASOGNATA DI FABRIZIO COSTANZO
THE DREAMT PAINTINGS OF FABRIZIO COSTANZO
Di fronte alle definizioni cristalline, alle bizzarre e poliedriche
invenzioni della pittura di Fabrizio Costanzo, l’occhio
corre indietro a cercare e salutare i suoi affini, i suoi parenti
lontani e perenni, gli straordinari e toccanti, e come
lui umili e pazienti inventori di miracoli figurativi: tra Duccio,
il Sassetta, l’Angelico delle cronache dipinte in Vaticano.
I cieli, i soffitti, le pianure, i pavimenti si stendono allo
stesso modo: tersi, nitidi, con campiture nette, piatte,
omogenee.
Le terre e le acque rivelano di appartenere a un giorno
diverso dalla creazione.
Come per un effetto di magia emergono sul filo dell’orizzonte
i paesi e i castelli e, la vegetazione, dà inizio ad
una crescita cellulare fatta di steli verticali, di piccoli tasselli
intrecciati, di sagome ricorrenti, di profili ondosi e
zigzaganti, provocando una sensazione remota e perciò
vagamente surreale. Però, questa sensazione di surrealtà
non risponde a un programma estetico, né ad una
semplice scelta di gusto. E’ invece, e soprattutto, l’effetto
del sovrumano silenzio che incombe sul mondo pittorico
di Fabrizio Costanzo, sospeso tra storia e favola, riconosciuto
attraverso luoghi, che sono come segnali, situati in
un’isola deserta.
Costanzo è il primo beato che ne accosta gli approdi, o
l’ultimo esule accorato che se ne allontana.
In front of the crystal-clear definitions, and the strange
and multifaceted inventions of Fabrizio Costanzo’s paintings,
the eye moves backwards in an attempt to find and
say hello to his far-off and everlasting relations, extraordinary
and touching and humble and patient inventors of
figurative miracles, just like him, among Duccio, Sassetta,
Angelico of painted history in the Vatican.
The skies, the ceilings, the lowlandes and the floors extend
in the same way: clean, sharp, with net, flat and balanced
back- grounds.
The earths and waters reveal some kind of belonging to
another day from creation.
Almost by magic, the villages and castles appear on the
horizon and vegetation creates a cellular growth made up
of vertical stems, small intertwined pins of recurrent shapes
and forms, of wavy and zigzagging profiles, stimulating
a remote sensation and therefore slightly surreal. But
this sensation of surrealism is the effect of a superhuman
silence that hangs over Costanzo’s world of paintings,
suspended between history and fairytales, recognised
through places that are like signals, located on a desert
island.
Costanzo is the first blessed to approach the shores or
the last concerned exile to leave.
Albano Rossi / R.A.I. Radiotelevisione Italiana - Giornaleradio 12 nov. 1990

FANTASIA E MEMORIA
Fantasia e memoria possono benissimo essere indicate come elementi referenziali cui collegare moduli linguistici contemporanei
e parametri stilistici, come poli entro i quali può muoversi una capacità di esprimersi nel campo delle arti
visuali, affidate prevalentemente agli strumenti tecnici del segno e del colore.
Alla fantasia, nella accezione metafisica della libertà trascendente, appartengono la concezione dello spazio e la designazione
delle scelte contenutistiche entro un’architettura che può essere arcaicamente realistica, audacemente surreale
o soltanto informale.
Alla seconda appartiene la storia delle stratificazioni culturali, la fisionomia noumenica con il residuo di un sentimento
che ci riporta ad una realtà vissuta come una dimensione storica.
L’impegno pittorico di Fabrizio Costanzo si raccorda a questi due principi attraverso la costruzione di un ordine architettonico,
grazie alla equilibrata strutturazione d’insieme, al calcolato ritmo compositivo che nel tono essenziale del suo
proporsi, rivela l’interna coerenza del processo astrattivo.
La presenza quasi costante di un motivo legato alla visualizzazione del borgo medioevale inteso come struttura essenziale
che si sviluppa dentro una cinta muraria quasi sempre in verticale, sottolinea una designazione di campo spaziale,
una esteriorità iconica che oltrepassa comunque la sfera visiva per portarsi sul terreno della metafora e della assonanza
interiore con una fucina di possibilità in cui si coniugano più codici creativi.
Il borgo medioevale, nella sua accezione storico-temporale, diventa simbolo di un passato che ci appartiene come entità
memorativa, stratificazione parcellare, palinsesto da scoprire e rileggere con l’umore psicologico dell’oggi, con la
nostra stravolta sensibilità moderna e con la fresca capacità intuitiva che ci fa cogliere finezze, profili, spessori inediti.
Ma c’è una spazialità di tipo nuovo che suggerisce metafore in un’altalena metafisica di materia e geometria per cui
fino a che il segno non si racchiude in se stesso, circoscrivendo una porzione di spazio ed assumendo una connotazione
morfologica paranaturalistica (casa, mura, albero, fronda), si ha la vaga impressione che il piano di proiezione entro
cui si visualizza l’evento pittorico, sia di tipo innovativo, tale da stravolgere i canoni usuali.
Viene fuori un processo espressivo che fa pensare ad una sorta di emblematismo razionale, dove la sintassi, il raccordo
funzionale fra i singoli elementi raffigurati, disegnati, dipinti risponde ad esplicitazioni che riportano le radici fenomeniche,
già stilizzate e sublimate, sul piano di un equilibrio che ha ragione nell’ambito di una ricerca del valore semantico,
significativo. Le forme, i colori, per Costanzo devono disporsi secondo una specie particolare d’ordine che procede
gradualmente alla conquista di una semplificazione figurativa che conferisce all’insieme una pura essenzialità.
Siamo (e ne avvertiamo sensibilmente il travaglio) alle soglie di una commossa trepidazione, pur nel fermo e deciso
consistere delle forme essenziali; ma c’è al fondo una sorta di stupore e di silenzio illuminato che si lega alla favola
triste della vita, in una vicenda atemporale e metafisica, allusiva per il suo sapore simbologico.
L’albero è allora simbolo del nostro consistere terreno o meglio, la metafora di un favolismo risolto in chiave fantastica
con un sapore irreale nel suo spazio continuo: in ogni caso supera l’impatto naturalistico, l’appagamento contemplativo
ed articola un discorso più ampio e più complesso in una proiezione di tensione viva ed efficace, quasi da immaginario
favolistico, ma con una sottesa presenza razionale.
E’ proprio la scansione dello spazio, l’ordinata strutturazione d’insieme che coniuga reale ed irreale, sul filo di una memoria
calda e avvertita, a sovrintendere ad una operazione lucida di elaborazione artistica.
L’architettura allora diventa, nell’esercizio contemporaneo del segno deciso e del colore selezionato e trattato dentro
una gamma ed una scala di valori sensibili e variabili, uno strumento linguistico che, ubbidendo al sintetismo essenziale,
ha l’eleganza di un “exercise de style sur un topos visuel”, per dirla con Schneider.
Giovanni Cappuzzo / Catalogo Fabrizio Costanzo - Palermo 1990

LA RICERCA ESPRESSIVA COME RECUPERO DI VALORI E DI ALTE FINALITA’
Apparentemente il mio incontro con Fabrizio Costanzo è stato uno dei più casuali.
Io non sapevo ancora niente né dei suoi quadri né delle sue mostre e questo si è rivelato un bene perché dalle cose
che Costanzo mi diceva, dai suoi interessi e dai suoi desideri veniva fuori il significato più vero dei suoi lavori; significato
che molte volte ho ritrovato anch’io leggendo poi e più attentamente in essi.
Forse perché sento e vivo profondamente la crisi dei nostri giorni in cui il dialogo si annulla nell’indifferenza ed il silenzio
mortifica la spontaneità, mi ritrovo in quella comunità sociale e di affetti composta da piccole case, quasi sempre
uguali e semplici che si aggregano e si confortano a vicenda.
E’ l’antico borgo dove affetti, odio e amore, amicizia venivano spontaneamente e coralmente vissuti.
A questo punto il tessuto ed il volume della città esulano dai riferimenti prettamente storici per diventare specchio dei
nostri desideri nella continua ricerca di dialogo, contrapposizione ai nostri silenzi, ricerca di vicinato, intimità.
Ma in questo mondo pittorico vi sono molti altri motivi che lo caratterizzano personalizzandolo con forza: ne sono un
esempio le strade, tagli drammatici alcuni che dagli estremi confini della città giungono al punto emergente della composizione;
nastri flessuosi e morbidi altri.
Vogliamo intenderli come cammini metafisici verso la perfezione?
Anche qui le opere di Fabrizio Costanzo presentano dualità di segno e di significato.
La massa cuspidata, fortemente geometrizzata, memoria inconscia dell’abbazia o del castello può intendersi come il
riferimento fermo e sicuro verso cui tendiamo ben sapendo che per le poche volte che giungervi è facile, tante difficoltà
invece bisogna superare quasi sempre.
Molte volte, però, al volume sobrio e austero si sostituisce l’albero; un albero che sembra attingere vigore ed energia
dalla terra ma che è, nel suo continuo rinnovarsi, esso stesso forza vivente.
E’ per questo motivo che gli alberi, pur nella loro stilizzazione, svettano con andamento eretto e vibrante verso il cielo?
Al verticalismo del borgo medioevale si contrappongono, con grande flessibilità, i paesaggi marini; l’orizzontalità è solo
apparente, scandita com’è da ritmi e colori al limite di uno strano ideogramma la cui astrazione è evidenziata dalle coloratissime
onde.
Quale salto, inoltre, da un ideogramma ad una sequenza di archi…archi che solo apparentemente propongono uno
spazio metafisico; questo spazio, delimitato da quinte e da archi, per alcuni versi scenografico, prepara ad una emozione
che è tutta da scoprire: la superficie di fondo infatti, anch’essa forata da un arco, si apre su un borgo di cui si scorgono
pochi elementi ma sufficienti perché l’immaginazione senta il bisogno di percorrere questo tunnel al di là del quale
l’artista ci propone la sua realtà sempre presente: il borgo appunto.
E poi c’è il colore che usa sempre netto, indulgente solo poche volte sulle mezze tinte, contrapponendo volumi e cielo,
sfondi e primi piani: il borgo antico risulta così restituito ad una nuova vibrante vitalità.
Non so ne mi sento di etichettare l’arte di Fabrizio Costanzo individuandone le precise matrici culturali del passato o
del nostro tempo; mi sento di affermare invece che ci troviamo dinnanzi ad una ricerca espressiva che, attraverso la
crisi del presente vuole recuperare valori ed alte finalità.
Dora Avella / Galleria Il Cenacolo – Palermo, novembre 1990

IL BORGO METAFISICO TRA MITO E REALTA’
L’immagine è nitida, stagliante, il riflesso d’uno specchio: all’interno di essa un mondo si agita, vorticoso per quanto
quella è immobile, irrazionale per quanto, all’apparenza, risulta razionale l’associazione di forme, colori, contorni.
E la vita è quella, perduta, dell’infanzia come rifugio ancestrale dell’età della purezza come di un riposo cui la mente
tende nel suo divenire anima, e l’anima nel suo divenire mente: ecco che l’immagine è diventata simbolo, e nel simbolo
traspaiono due mondi vicini ed insieme distanti: Dante, da una parte, la mente; e dall’altra, l’anima, Petrarca.
Nella pittura di Fabrizio Costanzo, ogni vita sottende un’altra vita; ogni realtà un’altra, che dà forza sulla prima proprio
in quanto se ne allontana, come le case del borgo, motivo così tipico di molti suoi quadri, che s’assiepano una sull’altra
e nello sforzo dell’unione-contrasto s’elevano verso il cielo.
C’è appunto, qui, tutto il Trecento toscano: quello letterario e quello figurativo, quello politico-sociale e quello religioso.
Da un lato, come detto, Dante e Petrarca, cioè la tensione razionale e la tensione spirituale, e dall’altro Simone Martini
ed i Lorenzetti (con sullo sfondo, la spada piantata nella roccia: il vigore giottesco) cioè la tensione politico-sociale (si
pensi al Cattivo Governo ed al Buon Governo di Ambrogio Lorenzetti, o a Guidoriccio da Fogliano del Martini) fra lotte
di fazione e guerre dei vari borghi.
L’assemblaggio di motivi, si magna licet, è notevole, ma non fa schermo alla nitidezza né all’intelligibilità di essi; semmai
li fortifica, come elementi di un caleidoscopio gigante, sicché a trionfare sono gli accostamenti di colore, che nella
loro perfezione sono come una scala musicale fra le dita abili e svelte d’un pianista.
Ritornando al motivo del borgo, così carico di motivi simbolici, ci sembra che in questo l’arte di Costanzo meravigli per
creatività: l’accostamento costante di reale e irreale, l’immersione in un mondo tutto favolistico in cui il rapporto uomonatura
risulta scarnificato dei suoi elementi superflui, per apparire in una magica essenzialità, tutto questo, dunque,
finisce con l’innalzare ideali da troppo tempo perduti – la purezza, la gioia di vivere con gli altri, il mistero della scoperta
della natura – proprio mentre rifiuta una realtà edulcorata, che poi è quella del nostro tempo, nascosta dietro finzioni
(l’immagine sfuocata al posto di quella nitida) e chiusa da un morbo oscuro (l’assenza di colore come rinuncia alla vita);
ecco allora che quel borgo d’atavica memoria, il borgo “resuscitato” da Costanzo, non è vecchio di sei secoli, ma è
nuovo: è il borgo del Duemila, è il distruttore di questa nuova preistoria (l’etichetta al nostro tempo è mutuata da Pier
Paolo Pasolini) che fagocita e non crea, possiede ma non ama. Ma per distruggere, oggi più che mai, non c’è bisogno
di violenze; ed infatti, lo dicevamo all’inizio, è nella serena immobilità che il borgo si erge – il silenzio superficiale di un
mare tormentato – e la sua arma vincente è l’ironia che deforma qualsiasi legge e qualsiasi categoria dell’universo, per
formare un nuovo linguaggio in cui prevalga, finalmente, il silenzio sull’inutile rissa di parole che la nostra società offre.
Svelare verità? Offrire messaggi? O chiavi e formule terapeutiche? Sono queste le finalità della pittura di Costanzo?
Chi può dirlo? L’ermeneutica, di un romanzo come di un dipinto, ha valore proprio in quanto non è mai unica, intoccabile
come una regola matematica, ma varia al variare delle emozioni di chi entra in contatto con l’opera; e allora lasciamoci
irretire, visto che non siamo più capaci di farlo, dalla meraviglia silenziosa della scoperta.
Francesco Scrima / Universitas - Palermo, gennaio 1990

INCONTRO CON LA PITTURA DI FABRIZIO COSTANZO, GIOVANE TALENTO PALERMITANO
CHE STA FACENDO PARLARE DI SE’
Decisamente giovane (è nato a Palermo nel 1961) Fabrizio Costanzo è tuttavia un artista che ha fatto parlare di sé in
maniera lusinghiera, critici quotati e che si impone per l’affascinante originalità delle sue opere: non a caso il suo nome
è già presente nell’elitario catalogo dell’Arte Moderna Italiana Mondadori.
L’arte di Costanzo ripropone in nuova veste il bagaglio di esperienza ideologica del borgo medioevale che si sviluppa
all’interno della cinta muraria per difendersi dal mondo esterno e, crescendo vorticosamente, costruisce nuove cinte
murarie concentriche, costringendo la città a svilupparsi densamente e in verticale. Ciò che ne viene fuori è una società
proiettata nel futuro ma con forti condizionamenti del passato, verticalizzata in maniera surreale, riproposta come ritmo,
scansione, modularità, musicalità.
Il simbolismo e la cosmicità risultano evidenti: l’albero della vita, di frequente riproposto, ne è un chiaro esempio. Passando
poi alla lettura tecnica dei quadri di Costanzo vediamo come la realtà dei sogni e la visione favolistica siano rese
tramite ariose, sfumate e leggere campiture disegnate a pastello oppure con calde e decise tinte dipinte ad olio ottenute
con l’impiego quasi esclusivo di terre (brune e verdi), di ocre e di gialli. In ambedue le tecniche predilette il colore
assume un ruolo fondamentale: esso non viene inteso soltanto come fattore puramente visivo ma come espressione
imprescindibile di continuità fra l’oggetto rappresentato e l’armonia dell’insieme, come fattore psicologico dell’opera
generante emozioni.
Francesco Scrima / Universitas – Palermo, gennaio 1990

FABRIZIO COSTANZO ED I SUOI BORGHI ONIRICI
Il tema della mostra è incentrato sui borghi onirici, borghi desunti dalla memoria e dal mito, proiettati in una realtà pluridimensionale
dove l’immaginazione e la fantasia fanno da perno a tutto il sistema di rappresentazione. Non, quindi, il
borgo tradizionale, quello appartenuto alla storia ed ormai dimenticato, ma un borgo rivissuto, metaforizzato, simbolico,
proiettato nel futuro.
L’immagine che ne viene fuori, ormai svuotata da ogni implicazione con il passato, si presenta nella sua veste favolistica
rievocando ricordi della nostra infanzia ma anche sensazioni e sentimenti appartenenti alla sfera del futuro…
Il piano bidimensionale si alterna con quello tridimensionale dando vita ad una realtà surreale colma di riferimenti e di
significati…
Giuseppe Messina / Giornale di Sicilia - Palermo, 10 novembre 1990
LA PITTURA VISSUTA DENTRO IL RACCONTO FIABESCO
Fabrizio Costanzo, architetto, insegnante e pittore, è uno degli artisti contemporanei emergenti…La sua pittura è coinvolgente
e toccante, diversa dalla produzione di molti artisti odierni spesso troppo ermetici.
Il messaggio che Costanzo ci manda attraverso le sue opere si legge, sia nei colori nitidi dei quadri ad olio o a pastello,
sia nelle figure che sono immaginate come se fossero messe in posa, desiderose di comunicare ma anche di essere
studiate…Le forme sono geometriche e lineari, evidentemente influenzate dalla competenza architettonica del pittore;
colpisce il continuo protendersi delle figure verso l’alto, il volere andare al di là della realtà terrena, in un luogo metafisico
aspaziale e atemporale.
Siamo, in conclusione, di fronte ad una pittura di tipo onirica che ci riporta a certi sogni rasserenanti, immersi in un’atmosfera
surreale, che ci fanno credere e sperare di essere dentro un racconto fiabesco.
Isabella Teresi / Tele Reporter Notizie – Palermo, 16 novembre 1990

APPROVATO DALLA GIUNTA COMUNALE IL PROGETTO PER ABBELLIRE LA PIAZZA DI MONDELLO
La piazza di Mondello cambierà volto: entro dieci giorni circa verrà realizzato infatti un progetto di arredo urbano, approvato
nei giorni scorsi dalla giunta comunale, che l’architetto-pittore palermitano Fabrizio Costanzo ha donato al Comune
su iniziativa dell’Associazione Mondello. Un progetto che, se ben realizzato, contribuirà ad allineare finalmente
Mondello alle altre località turistiche italiane come Sanremo e Portofino, alle quali sicuramente non ha niente da invidiare,
ma da cui si è sempre distanziata per disordine e noncuranza. Si cercherà invece di venire incontro alle esigenze
sia dei cittadini, che sicuramente vedranno più vivibile e accogliente la piazza, sia a quelle dei commercianti che
potranno offrire meglio i loro servizi ai visitatori. La piazza verrà recintata da vasi in terracotta legati da corde marinare;
dentro l’area il fulcro sarà rappresentato dalla fontana al centro che verrà potenziata con zampilli più forti, ed il verde
all’interno, attualmente non curato, sarà costituito da una fioriera circolare dove sarà possibile comporre disegni o scritte
con fiori colorati che daranno il benvenuto ai turisti. Attorno alla fontana, a mezzaluna, verranno installate diverse
panchine alternate a piccole aiuole, mentre di fronte, sul lato opposto, sarà creata la piazzola della musica, una pedana
in legno su cui si esibiranno, tre volte a settimana, pianisti o musicisti che suoneranno musica d’intrattenimento. Sui
due lati opposti della piazza verranno inoltre create altre piazzole circolari con tavolini di 25-40 metri quadrati ciascuna,
una per ogni bar che prospetta sulla piazza; al centro dei tavolini un lume a gas garantirà sempre, anche in mancanza
della corrente elettrica, una luce soft. Gli spazi vuoti dentro l’area saranno spezzati da gruppetti di panchine e aiuole
che eviteranno che si giochi a pallone dentro la piazza. Parecchi contenitori di rifiuti dovrebbero garantire una maggiore
pulizia, mentre, in fondo alla piazza, ci sarà un’area destinata ai motocicli e degli spazi dove posteggiare anche le biciclette.
Ogni arredo sarà mobile visto che non si potrà intervenire sulla pavimentazione e molte panchine o aiuole sono
già state date in dotazione all’Assessorato Ville e giardini: tutto ciò accelererà i tempi di realizzazione del progetto. Per
mantenere ordine e diminuire la possibilità di furti sarà assicurato un servizio di sorveglianza diurna e notturna, da parte
di vigili urbani, carabinieri e polizia.
”…il disegno non nasce da una casualità – spiega l’architetto-pittore Fabrizio Costanzo – ma da geometrie già esistenti
nel luogo; ho cercato comunque di dare al progetto un’impronta più artistica che tecnica. La piazza diventerà un bel
quadro che la gente potrà andare ad ammirare ogni giorno…”.
Costanzo riprende così l’idea del “progetto artistico” già sperimentato a Milano in due occasioni (“Il Luogo ritrovato”
(1989) e “Sagrati” (1990), in collaborazione con Giuseppe Messina e Anne Guy.
Isabella Teresi / L’Ora – Palermo, 15-16 giugno 1991
SISTEMAZIONE DEL VERDE SULLA PIAZZA DI MONDELLO
La sistemazione del verde sulla piazza di Mondello è stata realizzata seguendo criteri lineari nel rispetto della realtà
esistente e con elementi di arredo forniti dall’Assessorato Ville e Giardini. L’idea progettuale, ritrovando le geometrie e
le caratteristiche del sito, si presenta semplice e funzionale, di natura transitoria, in attesa di una radicale sistemazione
degli spazi urbani e della vivibilità dei luoghi.
La piazza, nelle intenzioni di progetto dell’architetto-pittore Fabrizio Costanzo, risponde alle esigenze dei commercianti
che, attraverso le isole messe a disposizione, avranno la possibilità di offrire alla cittadinanza ed ai turisti un servizio di
ristorazione con opportunità di consumare prodotti alimentari tipici del luogo e non. Contemporaneamente si potrà
ascoltare la musica proveniente dall’apposita piazzola (altra idea di progetto) e osservare la fontana rinnovata con i
giochi d’acqua e con la grande fioriera circolare situata nel cuore della piazza. Il sito risponderà inoltre alle esigenze di
tutte quelle persone che in esso vorranno ritrovare un luogo a misura d’uomo in cui riconoscersi, sedendo su alcune
panchine appositamente predisposte per il pubblico o semplicemente passeggiando. Sono stati anche previsti dei parcheggi
per motociclette e biciclette. L’intera area sarà contornata e caratterizzata da dissuasori collegati da corde marinare
in sostituzione delle attuali catene (…).
Mondello / Palermo, luglio 1991

IL PAESAGGIO SIMBOLICO DI FABRIZIO COSTANZO
Ogni pittore, per tutta la vita non fa altro che dipingere lo stesso quadro: è il quadro di sé e del proprio rapporto con il
mondo.
Ma qual è il quadro che dipinge Costanzo?
Esso, secondo me, rimanda ad un illusionismo antico e tardo antico, ad una visione cosmologica fatta di metafore fantastiche
come quelle dell’uomo del medioevo. Fabrizio Costanzo concepisce lo spazio come una scatola che contiene
un paesaggio pieno di simboli: l’esterno è visto come un interno e viceversa, e questo è reso possibile perché il tessuto
pittorico è bidimensionale e tridimensionale al tempo stesso. Non mi è mai piaciuto trovare a tutti i costi dei riferimenti
storici e fare delle analogie o dei confronti, ma se proprio dovessi trovare in qualche modo un esempio precedente in
questa abilità di trasformare forme piane in un inquietante gioco d’incastro di spazi tridimensionali, potrei dire che l’unico
artista a cui ho subito pensato è M.C.Escher, abilissimo disegnatore che guardò attentamente i mosaici dell’Alhambra
dove figura e sfondo interagiscono in un continuum decorativo prezioso ed interessante. Questo studio è alla base
di tutta l’opera di Escher; similmente, Fabrizio Costanzo costruisce immagini complesse ed anch’esse interessanti.
Proviamo ad entrare adesso dentro il quadro: troviamo una visione quasi sempre centrica, una composizione simmetrica,
gradini o pavimento che conducono ad un albero o ad una torre: una piramide visiva, una visione del mondo in termini
di metafora.
Il mondo immaginato da Costanzo è come un albero: l’albero universale congiunge il cielo, la terra ed il sottosuolo e,
per la sua posizione di asse del mondo, simbolizza la protezione, come un Dio Onnipotente che si estende tutto intorno;
la figura dell’albero è un simbolo per il senso intrinseco d’immortalità che esso richiama: lo sviluppo di un percorso
circolare che lo riporta al seme dal quale verrà rigenerato, ed è l’albero cosmico, l’albero della vita, del sapere, della
psiche e della storia. Nella pittura di Fabrizio Costanzo, il colore svolge un ruolo anch’esso simbolico non meno
dell’uso di una casa, di una finestra o di un blocco di pietra: forme semplici in un misurato rapporto di orizzontali e verticali,
costruzioni compositive serrate e articolate; attraverso gradazioni di colore verde (il verde nell’alchimia è il colore
dell’origine), sopra la linea dell’orizzonte troviamo la luna: nel mito, la luna è la sorella del sole, ha trasgredito le leggi
divine e pertanto è diventata simbolo della sessualità profana. Dall’atteggiamento metaforico della fantasia di Costanzo,
scaturisce tutto un sistema di simboli: il sole, la luna, l’albero, la montagna, il labirinto, la torre ecc.
Ma, cosa vuole rappresentare Costanzo? Cosa cerca attraverso questo paesaggio di simboli?
Come un’alchimista, egli ricerca forse la verità, i segreti della natura, della vita, della morte, dell’eternità e dell’infinito. Il
paesaggio ricco di simboli che Costanzo ci presenta, è pervaso di poesia, ma anche di mistero e d’ambiguità, e perciò
riesce a trasmetterci una tensione, un’emozione che ogni artista, segretamente, con la propria opera, spera e vorrebbe
trasmettere: Fabrizio Costanzo c’è riuscito.
Matilde Trapassi Wanstall / Accademia di Belle Arti di Brera – Milano 1991

LA PITTURA FAVOLISTICA DI FABRIZIO COSTANZO
Professore, qual è la sua formazione artistica?
Mi sono laureato in Architettura all’Università di Palermo svolgendo inizialmente la professione dell’architetto, in seguito
ho insegnato Disegno e Storia dell’arte nei licei e, contemporaneamente, ho ripreso a dipingere scoprendo ben presto
la pittura come passione e ragione di vita.
Questa sua formazione artistica che si avvale di apporti culturali così diversificati, la danneggia?
Al contrario, mi arricchisce professionalmente e nella vita; oggi, nel nostro ambito, siamo abituati a pensare e ad agire
settorialmente dimenticandoci che l’arte è unica e che diversi sono soltanto gli approcci: pittura, scultura e architettura
(solo per citare le classiche) fanno parte di un’unica formazione e di un unico bagaglio culturale.
Quando si ha la sensazione di essere un artista?
Molti sono artisti potenziali senza saperlo: per la società, però, solo chi ha il coraggio di esternare ad un pubblico i propri
sentimenti ed il proprio lavoro diventa artista “catalogato”.
Mi parli della sua pittura.
E’ sempre particolarmente difficile parlare di se stessi e del proprio lavoro; la mia pittura è stata definita in vari modi:
“onirica”, “simbolica”, “favolistica”, “surreale” ecc… ma ogni pittura ha un suo preciso significato al di là della corrente
artistica cui appartiene. Spesso storici e critici d’arte “inscatolano” le opere all’interno di periodi e correnti solo per comodità
di trattazione.
Come nascono i suoi quadri?
Nei luoghi più impensabili e meno probabili, indifferentemente di giorno o di notte, sicuramente quando uno viene colto
dal “momento magico”.
Quali sono i temi della sua pittura?
Da anni descrivo il borgo medioevale, non quello ormai storicizzato bensì un borgo proiettato nel futuro, onirico e favolistico
(se proprio devo usare un’etichetta), composto da piccole tessere e da geometrie pure… ma in realtà il borgo è
solo un pretesto per poter parlare di rappresentazione.
Cos’è per lei la rappresentazione?
La rappresentazione è la chiave di lettura dell’universale; essa è nelle cose più semplici ma anche nel nostro modo di
comportarci più complesso.
Recentemente lei ha disegnato il manifesto della Prima Sagra di Primavera di Mondello: come le è venuto in mente
quel disegno?
Per l’occasione ho pensato ad un luogo della borgata marinara ben riconoscibile anche se non prettamente storicizzato:
“la passeggiata a mare”. Su un vaso della ringhiera, che delimita e separa la pavimentazione dal mare, ho immaginato
tanti fiori con un bel sole soprastante che sorride: questa per me è la cornice ideale di Mondello.
Quali sono stati i suoi ultimi impegni artistici nel 1992?
Per quanto riguarda l’Italia, le partecipazioni di Torino (Galleria La Telaccia), Ferrara (Galleria Alba), Roma (Accademia
Internazionale d’Arte Moderna). All’estero, New York (Jacob Javits Convention Center), Stoccolma (Museo Nazionale),
Budapest (Museo Nazionale).
Quali i suoi programmi futuri?
Certamente un ritorno a Palermo e, spero, anche a Mondello!
Ignazio Aiello / Mondello – Palermo, agosto 1992

FABRIZIO COSTANZO POETA DELL’IMMAGINE
Fabrizio Costanzo è un artista dotato di grandi capacità espressive.
Le sue opere, pervase da suggestive tensioni emozionali, evidenziano una straordinaria sensibilità percettiva. Nel suo
racconto simbolico si muovono fiori, piante, animali e oggetti che appartengono ad un mondo irreale, estranei alla nostra
esperienza quotidiana. All’interno del suo sistema di rappresentazione ricerca un rigoroso modulo compositivo
supportato da un assiduo studio delle matrici geometriche; il colore è utilizzato in maniera attenta e ostenta una forte
componente psicologica; le tessiture sono fitte ed il loro trattamento è meticoloso. Osserva e rielabora la realtà con
creatività sintetizzando un equilibrato ed elegante fraseggio. Costanzo si propone, quindi, come un autentico “poeta
dell’immagine” poiché le sue opere sanno parlare con la suadente cadenza dei sentimenti inalterabili nel tempo. Nonostante
la vasta gamma di riferimenti storici, egli si distacca da questi, depurandosi da tutto ciò che è prettamente reale,
definito e quantificabile.
I suoi dipinti e i suoi disegni ci attraggono e ci coinvolgono, in definitiva ci fanno sognare: il suo mondo e la sua arte,
inesorabilmente ci conquistano.
Lucio Baldi / Galleria La Telaccia - Torino, novembre 1992

QUEL MONDO GIOCHERELLONE E BEFFARDO
THAT PLAYFUL AND DERISORY WORLD
Davvero Fabrizio Costanzo è autore di opere che il critico
d’arte Albano Rossi chiama “miracoli figurativi”? O forse
l’immagine “nitida e stagliante” descritta da Francesco
Scrima appartiene a quella “scatola simbolica” a cui fa
riferimento Matilde Trapassi?
Più d’uno ha scritto sull’opera di Fabrizio Costanzo, ed
ognuno vi ha scoperto, letto, “sentito” qualcosa. Chi, come
Dora Avella, delle forti geometrie e un dialogo costante
fra orizzontalità e verticalità; chi, come Giuseppe
Messina, vi ha visto pulsare “borghi onirici”; chi, invece, e
siamo a Lucio Baldi, non ha esitato a rintracciare nel
segno di Costanzo elementi di un verso, tali da renderlo
“poeta dell’immagine”. C’è forse da stupirsi di questa
polifonia di osservazioni, di questo “incanto” che coglie
l’osservatore, il quale, davanti alle opere di Costanzo,
non resiste alla tentazione di cercare le parole appropriate,
quelle sintesi, quei simboli che riescano a descriverlo,
a comprenderlo, a contenerlo? Probabilmente aveva
ragione Enzo Patti che, in un modo che a qualcuno apparve
provocatorio, nel 1989, presentò una personale di
Costanzo utilizzando un labirinto di segni, tracce di una
lingua mesopotamica inintelligibile a chi vi cerca sensi e
significati codificati: non una parola, solo un’emozione,
un segno fatto di segni. Eppure, lo sforzo compiuto da
quanti della pittura di Fabrizio Costanzo si sono occupati
in questi anni ha il pregio di consegnarci, oggi, una possibile
chiave di lettura, un filo conduttore, una traccia del
discorso. Intanto, che i visitatori facciano tesoro di questo
timido consiglio: dietro la pittura di Costanzo, ma anche
accanto, di lato, e forse ad anticiparlo, c’è Costanzo stesso,
nato un singolare giorno, il 1° Gennaio 1961, quando
ancora il suo destino di pittore era inimmaginabile. Nelle
sue minute geometrie si legge, sia la figura dell’architetto,
lo studioso attento di tecniche di rappresentazione
che, a proprio piacimento, sa usare e manipolare gli strumenti,
sia quella dell’artista che, attraverso la visione
storica dei borghi medioevali, ci presenta il suo mondo
“giocherellone e beffardo”.
Poi c’è la figura di Fabrizio Costanzo insegnante, che
spiega Storia dell’arte, che guida al disegno, che educa
al gusto estetico ed alla sua ricchezza.
Is Fabrizio Costanzo really the author of works that the
art critic Albano Rossi calls “figurative miracles”? Or maybe
does the “clear and silhouetted” image described by
Francesco Scrima belongs to that “symbolic box” to which
Matilde Trapassi refers?
More than one has written about Fabrizio Costanzo’s
work and each of them has found out, read, “felt” something
in it; some, like Dora Avella, have founded hard
geometries and a constant dialogue between horizontality
and verticality; some, like Giuseppe Messina, have seen
“dreamlike villages” beating; others, instead, like Lucio
Baldi, have not hesitated to found in Costanzo’s trace
elements of a verse as to make him “poet of the image”.
Shall we maybe have to wonder at this polyphony of observations,
this “spell” that captures the observer who, in
front of Costanzo’s works, does not resist the temptation
to look for the appropriate words, those syntheses, those
symbols that can describe, understand and contain it?
Perhaps Enzo Patti was right, when, in a way that
seemed provocative to someone in 1989, presented a
Costanzo’s personal exhibition using a maze of signs,
traces of an incomprehensible mesopotamic language for
those who are looking for sense and codified meanings:
no words, only an emotion, a sign made of signs. However,
the effort made by those who have been interested in
Fabrizio Costanzo’s painting in these years is worth delivering
us, today, a reasonable interpretation, a guiding
thread, a trace of speech. In the meantime, let visitors
prize this shy advice highly: behind Costanzo’s painting,
but also beside, near, and maybe ready to anticipate it,
there is Costanzo himself, born on an extraordinary day,
on January 1st 1961, when his career as painter was not
yet imaginable. In his small geometries we can read both
the figure of the architect - the careful scholar of technical
representations who can use and handle as he likes, the
instruments - and that of the artist who, through the historical
vision of medieval villages, shows us his “playful and
derisory” world.
Then, there is the figure of Fabrizio Costanzo as teacher
who explains History of art, who guides to drawing and
trains to beautiful and its richness.

Graffiti
Graffiti Art
E’ in quel contatto quotidiano con i giovani, nella scelta di
una semplicità che non lascia spazio alle semplificazioni,
in quel rigore adulto, che gli è permesso di credere nel
fantastico, nel sogno, nell’impossibile. E’ in quella ricerca
della precisione come “atto dovuto”, che si attua la sua
dimensione d’insegnante: la semplice linea o il tocco di
colore diventano, in aula, elementi fondamentali da essere
studiati e analizzati.
Il segno così indica ciò che esso è, ma anche ciò che vi
sta oltre, con la capacità insita di descrivere, di stimolare,
di evocare.
Dietro le diverse figure di Costanzo, ovvero dietro questi
aspetti della stessa persona ritroviamo, infine, con compiacimento,
la figura di un uomo “senza professione”: non
si scomodi il Musil dell’assenza di qualità perché qui la
mancanza di professione è una “scelta professionale”,
quella che non vuol fare dell’arte un semplice mestiere,
della creatività una catena di montaggio, della ricerca
una adesione a schemi, modelli, correnti predefinite.
Questo, in realtà, è il regalo che Fabrizio Costanzo ci fa
con maggior accortezza. E’ un astrattista? Un simbolista?
Un surrealista o un metafisico? Appartiene forse a
qualche corrente artistica contemporanea, magari di quelle
che rapidamente compaiono e scompaiono?
La verità è che Fabrizio Costanzo ci salva dall’obbligo di
classificarlo, non lo chiede, non lo pretende: umilmente
ce lo risparmia, sapientemente ce lo impedisce. Perché,
in fondo le sue opere sono delle narrazioni, in ognuna
prosegue e si interrompe un discorso.
E’ una storia di borghi, forse del Trecento forse del Duemila.
E’ una storia di angoli, di linee, di piante con lunghe
radici o senza esse. E’ una storia di uomini e di donne
che sono presenti nella misura in cui il mondo di Costanzo
sembra fatto per loro, solo che per un destino che
avvicina Costanzo al Morselli di Dissipatio Humani Generis,
quegli uomini e quelle donne sembrano essersi dissipati
per lasciar spazio ai pesci o agli uccelli, alle piante,
alle cose quotidiane che però appartengono ad una quotidianità
impossibile. Pensate, ad esempio, all’inquietante
presenza di matite nei lavori di Costanzo; e ancora, a
tetti come forme pure, a tronchi come steli infiniti, a foglie
come pennini pronti ad intingersi nei calamai.
It is that daily contact with young people, in the choise of
a simplicity that gives no way to simplifications, in that
adult severity, that he is allowed to believe in fantasy, in
dreams and in the impossible. It is in that search for precision
as “necessary act”, that his dimension as teacher
comes out: the simple line or the touch of the colour becomes,
in the classroom, fondamental elements to be
studied and analyzed.
In this way, the sign shows what it really is but also what
there is beyond, with an inherent ability to describe, stimulate
and evoke.
Behind Costanzo’s differents aspects, or behind these
aspects of the same person, we find out, with pleasure,
the figure of a man “without profession”: let’s not trouble
Musil regarding the lack of quality, because here the lack
of profession it’s a “professional choice”, the choice that
does not want to make art a simple job, creativeness an
assembly line, research an acceptance of prearranged
schemes, models and currents.
This is really the present that Fabrizio Costanzo gives us
with greater care. Is he an abstract artist? Is he a symbolist?
Is he a surrealist or a metaphysical? Does he maybe
belongs to a present-day artistic current, perhaps to one
of those that rapidly appear and disappear?
The truth is that Costanzo saves us from the obligation to
classify him, he does not ask for it, he does not want it:
he humble spares it to us, he wisely prevents it. At the
end his works are tales in which a speech is continued
and interrupted.
It is a story of villages maybe of the fourteenth century or
maybe of the year two thousand. It’s a story of angles,
lines, plans with long roots or without its. It is a story of
men and women who are here in the measure in which
Costanzo’s world is made for them, if only destiny that
brings Costanzo near the Morselli of Dissipatio humani
generis, those men and women seem to have vanished
just to give space to fishes or birds, plants and daily
things that, however, belongs to an impossible every day
life. Think, for instance, of an anxious presence of pencils
in Costanzo’s works, and, moreover, roofs like pure shapes,
trunks like endless stems, leaves like pennibs ready
to dip into the ink.

Graffiti Art
La scrittura viene evocata e la narrazione acquista il fascino
di rinviare ad un altro strumento comunicativo,
quello che dice, che concettualizza, che colora e dà tono.
Attenzione, però: anche questo è un gioco. Non fatevi
imbrigliare dai borghi illuminati di Costanzo passeggiando
tra le sue viuzze e sui suoi tetti; non avventuratevi nei
suoi “borghi felicita”, nelle sue “nevicate”, nelle sue
“brezze marine” o nei suoi “pulviscoli lunari”. Sfuggite alle
sue “attenzioni” ed alle sue “solitudini”, non cercate di dar
nome alle cose che vedrete: esse non ne hanno, nessuno
è mai riuscito a contenerle in un semplice nome. Non
lasciatevi tentare dall’idea di trovare risposte.
Le opere di Costanzo possono solo proporvi domande: è
questo il loro pregio ultimo.
Scoprirete così che fra le messi di parole, le mie e le
altrui comprese, le opere di Fabrizio Costanzo sanno
esprimere la semplicità del silenzio, il silenzio che avvolge
e condiziona ogni sua opera, quasi un invito pressante
a far smettere la fola di suoni che spesso ci avvolge,
e a far spazio, magari per una volta, all’osservazione
ed all’emozione che da essa deriva.
Writing is evoked and narration acquires the charm to
send back to another communicative instrument, the one
that says, that gives the idea, that gives colours and
tone. But pay attention: this is a play, too. Do not get deceived
by Costanzo’s illuminated villages while walking in
its little streets and on its roofs; do not go through his
“happy villages”, “snow-falls”, “breezes” or “lunar dust”.
Avoid his “cares” and his “loneliness”, do not try to give a
name to things that you will see: they have none, nobody
has ever succeeded in containing them into a simple name.
Do not get tempteted by the idea to find any answer.
Costanzo’s works can only give questions: this is their
last merit.
Then you will discover that among the so many words,
mine and those of the others, Fabrizio Costanzo’s works
can express the simplicity of silence, the silence that covers
and influences each of his works, almost an invitation
to stop the fairytale of sounds that often wraps us,
and to give space, even if for once, to observation and
emotion that comes from it.
Gioacchino Lavanco / De ciclo vitae – Presentazione in catalogo.
Palazzo Cataldi - Terrasini 1996

L’ARTE NON E’ UN’ISOLA, SERVE PER CAPIRE IL MONDO
La mostra De ciclo vitae, esposta a Palazzo Cataldi dal 21 dicembre 1996 al 7 gennaio 1997, sintetizza l’attività artistica
nel campo della pittura dell’artista Fabrizio Costanzo.
La raccolta antologica, in un rincorrersi di scritti di vario genere, di pensieri, di note (personali e non), d’immagini di
quadri e di rielaborazioni grafiche, visualizza il tracciato, o meglio, lo spaccato dell’iter pittorico dell’artista.
In tale lasso di tempo, le diverse esperienze culturali e le altrettanti vicende della vita privata dell’autore hanno lasciato
un solco profondo nel suo linguaggio artistico e nel suo animo.
Ecco cosa scrive Dora Avella a proposito dell’olio su tela intitolato “Il tempo della rappresentazione”: “Gli archi…
proponendo uno spazio, per alcuni versi, scenografico, preparano ad una emozione che è tutta da scoprire. Nella superficie
di fondo, infatti, anch’essa forata da un arco… si scorgono pochi elementi, sufficienti perché l’immaginazione
senta il bisogno di percorrere questo tunnel…”.
Redazionale / Giornale di Sicilia – Palermo, 22 dicembre 1996
DE CICLO VITAE
Dal 21 dicembre 1996 al 7 gennaio 1997 il pittore prof. Fabrizio Costanzo ha concluso la sua doppia fatica artisticoculturale
con la presentazione della raccolta antologica De ciclo vitae e la mostra di opere pittoriche nel prestigioso sito
storico di Palazzo Cataldi a Terrasini. La manifestazione è stata patrocinata dall’Assessorato ai Beni Culturali del Comune
di Terrasini e da La Sinopia – Centro Arti Sperimentali.
Riportiamo una nota dello stesso autore: “Uno dei motivi di successo della personale è stato il coinvolgimento di grandi
e piccoli alla manifestazione. Il pubblico partecipe, ha osservato, commentato e, all’occorrenza disegnato e colorato
all’interno di Palazzo Cataldi, sui tavoli appositamente predisposti con il materiale preparato: in particolare l’obiettivo è
stato quello di far lavorare i piccoli…per gioco: mi hanno così tenuto compagnia proprio mentre anch’io, per diciotto
giorni, ho dipinto la mia tavola ad olio. E’ stata una piacevole ed interessante esperienza artistica e di vita, un modo per
crescere insieme nel gioco e nel lavoro, intesi, entrambi, come le due facce della stessa medaglia”.
Redazionale / Notizie dal mondo dell’arte – Il Notiziario n 44 - Roma, aprile – giugno 1997

I DISEGNI MAGICI
MAGIC DRAWINGS
Capacità di un artista il quale, nella fermezza di un silenzio
in positivo, fa emergere tutta l’esplicazione del dipinto,
stimolando i tempi ed evocando trascorsi momenti.
Nel programma estetico di Fabrizio Costanzo, vi sono
una miriade di figure incastrate con inventiva immaginifica
che caratterizza il momento magico del Medioevo nella
sutura del classico con il moderno. Gioco di matita nel
disegno ed espansione del pastello con predilezione dei
verdi, dei gialli e delle terre per le sagome in volumi armoniosi.
Gli oli, nel connubio di uccelli e pesci che si
legano alla idolatrata luna, esaltano la resa pittorica. Una
scatola di simboli che, sparsi nello spazio, danno risalto
alla forza propulsiva e si impegnano e si impennano verso
l’alto in sottesi significati. L’ambientazione è una scena
in versione favolistica di una realtà aspaziale e atemporale
nel ripetuto borgo, ordito di messaggi nascosti nel
chiuso di tanti alveari, con l’essenzialità del sesso nella
libertà dei soggetti descritti. Ricorrente è la notazione
poetica che emerge per addolcire la meccanicità connessa
all’apparato di case ed alberi nell’inquadratura tra
terra e cielo.
Le opere di Costanzo sono il miracolo di un collettivo
immaginato e ridotto nella sintesi di una cultura ingabbiata
nell’ordine delle cose, tali da sembrare merletto ingegnoso
di fine architettura.
Ability of an artist who, in the strength of a positive silence,
makes the whole significance of the painting come to
the surface, stimulating time and recalling moments of the
past.
In the aesthetic program of Fabrizio Costanzo there are
thousands of figures stucked with imaginative inventiveness
that characterises the magical moment of the Middle
Age in the suture of classic and modern. A pencil game in
the drawing and an expansion of pastels with a predilection
for greens, yellows and umber for the profiles in harmonious
volumes. The oil paintings, in the mixing of birds
and fish that join the idolised moon, exalt the pictoral result.
A box of symbols that, scattered in space, give emphasis
to the propulsive force and point upward in underlying
meanings. The setting is a fairy-tale scene of a space
less reality in the recurrent village, full of hidden messages
in the close of many bee-hives, with the essential
of sex in the freedom of the described subjects. There is
a recurrent poetic note that emerges to soften the mechanical
aspect linked to the apparatus of houses and trees
in the setting between earth and sky.
Costanzo’s works are the miracle of a collective imagined
and reduced in the synthesis of a culture enclosed in the
order of things such as to seem an ingenious lace of fine
architecture.
Giuseppe Mendola / Sikania - Palermo, ago./set. 1998

ROMA 1999
IL REALISMO FANTASTICO DI FABRIZIO COSTANZO
Nelle nature marine, le figure si muovono senza alcun vincolo, libere da ogni legge di rappresentazione prospettica e
gravitazionale. Spesso intrecciano tra loro rapporti bizzarri e poliedrici interagendo su scenari dal realismo fantastico.
Quasi al limite di una commedia teatrale le figure recitano, si scambiano battute e con gli occhi si rivolgono allo spettatore:
nel coinvolgimento, quest’ultimo è spinto ad entrare dentro il quadro, all’interno di una sorta di colloquio mentale e
visivo, un dialogo senza parole.
La luce è il motivo dominante delle opere di Costanzo, sempre netta, stagliante, mai indulgente, una luce psicologica e
poco atmosferica, che non possiede ombre, che non illumina tutto…All’interno di una tavolozza cromatica naturale che
si esprime con i verdi, i blu, i gialli, le ocre, le terre e qualche rosso, la sintassi pittorica è nitida e rigorosa, le immagini
hanno un taglio ed un contorno preciso.
Le figure, sia marine che terrestri, benché apparentemente isolate all’interno del contesto del quadro, fanno sempre
parte di un racconto, un ciclo narrativo, un segmento concettuale che procede e si srotola nel tempo.
Carlo Della Valle / Annuario D’Arte Moderna A.C.C.A. – Roma, 1999
IL BORGO DI COSTANZO: STUPEFACENTE RI-CREAZIONE
Nel suo singolare immaginario, Fabrizio Costanzo conduce una ricerca assidua e intelligente incanalata all’interno di
un percorso in bilico tra memoria e reinvenzione: siamo al limite di una proposta estetico-ideativa (una ricreazione) sul
piano della rappresentazione, ricca di riferimenti culturali, a volte aulica, incastonata di semplici elementi formali.
La reinvenzione, all’interno di un rigore compositivo, si presenta insieme ingenua e complessa, bidimensionale e tridimensionale,
intrisa di geometrie astratte che alludono al loro significato simbolico. Tale itinerario concettuale, svuotato
di precise connotazioni storiche, determina l’oggetto artistico che si costituisce in una non specificata dimensione
temporale. Nei quadri si avverte l’appartenenza al segno e al significante ma anche la consistenza fisica che consente
di vedere l’oggetto nel suo essere “cosa”, ritaglio di uno spazio, ricordo immaginario, memoria con fughe vertiginose
nel tempo. Il borgo verticalizzato pone l’evidenza di un luogo che diventa atmosfera sognata e magica, stupefacente
espressione di un universo creativo in cui plasticità, colore e architettura interagiscono.
La pittura evidenzia campiture piatte che s’incontrano con cieli a rilievo scuri e scintillanti. Il colore struttura l’immagine
descritta diventandone lo statuto specifico, l’idea stessa del borgo concepito, che reclama la parvenza di un gioco
nell’inganno del suo proporsi.
Francesco Carbone / Addaura Hotel Residence Congressi – Palermo, 1999

FABRIZIO COSTANZO O DELL’EQUILIBRIO DELLE IMMAGINI
Fabrizio Costanzo perviene alla costruzione pittorica del suo immaginario attraverso uno stile sintetico, in cui la qualità
della pittura e la cura affettuosa dei particolari descrivono l’essenziale, ma rigorosamente determinata, struttura delle
forme.
L’artista, mirando alla sostanza delle cose, lega, alla solidità dei volumi geometricamente precisati, la stabilità del dipinto,
realizzando un’intrigante e nel contempo efficace dinamica armonica. Questo svolgersi di geometrie definite e tuttavia
sciolte dagli stessi rigidi vincoli che le contraddistinguono, scarne nella loro assoluta limpidezza, danno appieno il
senso dell’esperienza dell’uomo e della misura del corpo, sebbene non vi sia presenza umana nello spazio virtuale del
quadro. Dove sorgono pianure, colline o irte montagne e dove s’insinuano borghi ordinati da un equilibrio speciale che
offre omogeneità e carattere a tutta la pittura di Costanzo.
Sono visioni svelate da una luce immobile, che attenua la forza del colore e accresce la profondità dell’orizzonte. E,
quando la luce si abbandona alla notte, lo scintillio della luna e delle stelle rimbalza sui tetti delle case e sulle chiome
degli alberi, richiamando lo sguardo verso un altro orizzonte, quello più misterioso del cielo.
Nei notturni - ciclo di opere che questo catalogo storicizza - di fatto, l’infinito di un cielo verde profondo si appropria di
una vasta superficie della tela, avvolgendo ogni immagine senza comprimerla. Così, queste opere permettono di affacciarsi
su un’ampia prospettiva visionaria in cui il buio non è condizione di tenebra o di cecità ma un luogo di riposo e di
quiete. Allora la realtà, tramite l’esercizio poetico del dipingere, si traduce in sogno, un’apertura incantata e innocente
alla memoria e all’attesa, una sospensione metafisica in cui si condensano la bellezza e l’armonia come sostanze
dell’essere.
Marcello Palminteri / Notturni - Presentazione in catalogo – Scirocco Arte Contemporanea – Terrasini, dicembre 1999
FABRIZIO COSTANZO: NEL BUIO DELLA NOTTE RISPLENDE LA LUNA
Quando il nero della notte scolora il rosso del tramonto, la natura, per un attimo, si cristallizza nell’attesa di un evento
misterioso, un precario equilibrio fra le certezze della luce e l’incognita del buio... Buio che richiama alla mente paure
ancestrali, quando la notte era fantasticamente popolata da entità malefiche pronte a carpire la vita di uomini schiacciati,
incolpevolmente, dalla non conoscenza. Non è così per le ultime realizzazioni di Fabrizio Costanzo che, pur non
abbandonando le passate espressioni artistiche, immerge i suoi paesaggi, i suoi alberi, i suoi borghi da fiaba, nell’oscurità
di una notte fatata, scevra da ansie e prodiga di promesse d’incantato vivere. In quest’atmosfera protettiva dove
l’uomo veglia sereno, le case si ordinano in un vertiginoso equilibrio verticale o si rannicchiano al riparo di monti illuminati
da una luce diffusa.
Costanzo esalta le forme e rinuncia a colori clamorosi che finirebbero per volgarizzare una totalità visiva, concentrata
su un insieme ben composto, immersa in un’atmosfera rarefatta, assorta, esente da acuti dissonanti. Complessi strutturali
geometricamente coerenti, non scaturiti da teoremi astrusi ma da una fantasia feconda che fa rivivere piccoli agglomerati
rurali a misura d’uomo dove, ancor oggi, s’avvertono profumi diffusi per invisibili vicoli, quali messaggi di
quiete in una notte che promette rifugio sicuro da incubi paurosi o da veglie immotivate.
Le opere di Costanzo vengono fuori da un animo sereno, vinto da armonie fiabesche, metafisiche, che si espandono
nella notte rischiarata dall’opalescente lucore di una luna ben augurante. Si è immersi, allora, in una serenità senza
tempo, senza spazio, che s’insinua nel profondo di un’umanità non più pervasa da inumana violenza, sopraffatta invece,
da una natura riposante che è sogno ad occhi aperti ma anche mistero della creazione.
Claudio Alessandri / Notturni – Presentazione in catalogo – Scirocco Arte Contemporanea – Terrasini, dicembre 1999

FURTO NELLA GALLERIA D’ARTE DI UN RISTORANTE A TERRASINI:
NEL BOTTINO TREDICI OPERE DEL PALERMITANO COSTANZO
Il furto è stato scoperto ieri mattina ed è stato subito denunciato alle forze dell’ordine.
I ladri sono entrati in azione ieri notte. Dopo avere forzato una porta al numero civico 97 di via Palermo a Terrasini,
sono entrati nel locale e si sono impossessati dei dipinti. Hanno caricato i quadri uno dopo l’altro e, con tutta probabilità,
li hanno sistemati su un furgone dandosi poi alla fuga.
Sul colpo è stata aperta un’indagine.
Gli investigatori ritengono assai probabile che si tratti di un furto su commissione e che i quadri saranno presto piazzati
sul mercato nero…I carabinieri ascolteranno i gestori del locale e della galleria per comprendere se nei giorni passati
sono state notate alcune presenze sospette, perché sembra fuor dubbio che chi è entrato in azione per rubare i quadri
abbia prima compiuto un sopralluogo al Liolà. L’altra notte i banditi si sono così impossessati di tredici quadri del pittore
palermitano Fabrizio Costanzo, che da qualche giorno esponeva nella galleria di Terrasini… ”Da qualche tempo abbiamo
avviato una collaborazione con il ristorante Liolà per allestire una galleria – dice il direttore artistico Marcello Palminteri
– e, facendo leva sul binomio gastronomia-arte, abbiamo organizzato diverse esposizioni. L’altra notte, però,
qualcuno ha deciso di impossessarsi dei quadri esposti e di intralciare il nostro percorso culturale”. Palminteri è visibilmente
dispiaciuto, il raid dei ladri ha inferto un duro colpo all’attività della galleria. Adesso i responsabili del centro culturale
di Terrasini confidano nell’operato delle forze dell’ordine per tentare di riuscire a recuperare i quadri ma l’impresa
non sembra delle più facili. In questi casi, infatti, i ladri sono semplici esecutori, incaricati di mettere le mani sulle opere
d’arte e di consegnarle immediatamente al ricettatore.
Virgilio Fagone / Giornale di Sicilia – Palermo, 7 gennaio 2000
I DIPINTI DI FABRIZIO COSTANZO VANNO A RUBA
I dipinti di Fabrizio Costanzo vanno a ruba.
Non è un modo di dire, effettivamente tredici opere del pittore architetto Fabrizio Costanzo sono sparite durante
la notte tra il 6 e il 7 Gennaio, alla vigilia della chiusura della personale dell’artista nella sala attigua il ristorante Liolà
adibita a mostra dalla Scirocco Arte Contemporanea in via Palermo 95-97 a Terrasini (Pa).
Le opere, di fattura onirica, hanno catalizzato un pubblico raffinato di visitatori, ma anche l’attenzione di ladri che hanno
selezionato alcune delle opere più pregiate del Maestro che ha esposto con successo trentatré opere nel locale anzidetto.
I quadri di Costanzo attualmente sono quotati dalla VAL.ARTE diversi milioni di lire. Nella Galleria d’arte telematica
dell’A.I.A.M. riportiamo uno dei tredici dipinti rubati, Portando la luna a spasso in una magica notte: è un’opera deliziosa
che ha indotto in peccato i ladri.
Redazionale / Notizie dal mondo dell’arte – Il Notiziario n 50 – Roma, apr./giu. 2000 ed edizione telematica – febbraio 2000

Alcuni dei quadri rubati all’autore in esposizione
Notturni - GALLERIA D’ARTE LIOLA’ - Terrasini, dic./gen. 2000

NEL MONDO DELL’ARTE
(…) Nei medaglioni dei ricordi, indubbiamente dovrei mettere le figure dei tanti artisti che ho frequentato e talvolta presentato
nelle varie mostre, uno per tutti il pittore Vincenzo Vinciguerra, con la sua consumata esperienza, la sua instancabile
volontà a non dare mai per scontato l’esito finale di un quadro, ma anche con la sua abilità tecnica e la capacità
camaleontica nel sapersi rinnovare…L’ultima mia esperienza nella piena maturità l’ho avuta con un artista dal talento
vivo: Fabrizio Costanzo, docente ed architetto, raffinato disegnatore ed armonioso pittore. Le sue immagini, sperimentate
in novità spaziali e coloristiche ed esplorate attraverso sistemi di rappresentazione storici, mi sono subito apparse
come momenti magici. In particolare, i suoi borghi rivisitati mi si sono rivelati in un connubio di tensione spirituale medioevale
e di visione prospettica rinascimentale, con una configurazione finale nitida e smagliante al tempo stesso…
una visione spaziale acutamente visualizzata dalla sua capacità manipolativa….
Giuseppe Mendola / Ricordi (capitolo III) - Edizioni Primosole – Palermo, novembre 1999

ROMA 1999
UNO STRANO GIOCO DI SGUARDI E D’INTENTI
Dentro una rappresentatività ben curata, frutto di una padronanza stilistica e concettuale, si muove il mondo magico e
poetico di Fabrizio Costanzo.
Il segno, nell’essenzialità visiva, predispone una pittura simbolica d’ampio respiro, significativa, dolce e decisa nel contempo.
Un’armonia spaziale di tipo psicologico pervade la composizione dove gli elementi giustapposti ed equilibrati,
recitando, si osservano, inebriando lo spettatore complice in un gioco di sguardi e d’intenti.
Il mio pensiero fisso è sempre rivolto lì, a quell’incredibile quadro che, a distanza di anni, emana una sorta di magia:
Portando la luna a spasso in una magica notte: è l’inizio di un cammino…o un volo mai interrotto? E’ come se le nostre
notti insonni fossero vigilate da quel tranquillo uccello che, ancor oggi, ci protegge, sorvolando le nostre case. Prima
e dopo c’è tutta la ricerca di Costanzo, dagli inizi, i borghi medioevali reinterpretati verticalmente in chiave magicosimbolica,
alla scrittura-segno, alle carte su legno, alle tematiche siciliane e a quelle dei tanti viaggi effettuati.
La flessibilità cognitiva e sensoriale dell’autore è la chiave di lettura per capire come s’inerpichi nei meandri psicologici
e spirituali dei luoghi e delle persone. L’approccio analitico e sornione, dentro una rappresentatività magico-favolistica,
genera una realtà cristallizzata nel tempo. In essa l’uomo non si mostra ma è presente prendendo parte al mistero
dell’universo e dando senso agli elementi del creato.
Tutto partecipa alla configurazione dell’immagine: la luce, che irrompe, netta, a identificare gli elementi, o dolce, ad
accarezzarli; il disegno, d’impianto sicuro, che denota padronanza stilistica ed espressiva; la pittura, ricca visivamente,
che impreziosisce l’intera composizione con una tavolozza composta da pochi colori (quelli della natura) ma d’infinite
tonalità e che trascende la materia comunicando un messaggio estetico fortemente caratterizzante: è così che il gioco
cromatico, imperniato soprattutto sulle ocre, le terre e i verdi diventa significante, mostrandosi nelle tante sfumature e
rendendo la superficie brillante.
Infine le texture e il trattamento delle superfici, che Costanzo cura meticolosamente alternando superfici piatte e rigorose
ad altre corpose, spatolate, pennellate di getto o elaborate con sabbia e segatura per accentuarne l’effetto tridimensionale.
Fanno da corona (ma sono anche struttura portante) le lune, le stelle, i soli, l’acqua, la terra, e in generale la
natura vegetale e animale, soggetti dipinti in maniera essenziale, pregnanti, di nostro gradimento che popolano e definiscono
una dolce e magica atmosfera.
Anne Goliot / Parigi, settembre 2004 / Roma, Annuario d’Arte Moderna A.C.C.A. 2005

TRACCE, UNA MOSTRA INSOLITA
FABRIZIO COSTANZO E FRANCESCO PINTAUDI, DIPINGERE A QUATTRO MANI
Due pittori (uno architetto, l’altro ingegnere) dopo anni di conoscenza e di stima professionale reciproca, decidono di
esporre insieme accostando i loro linguaggi e le loro tematiche. Da lati opposti.
Nasce Tracce, una mostra sul segno con un obiettivo specifico e coraggioso: accostare le tracce della memoria e quelle
contemporanee (tra armonia storica e stress quotidiano), dal “medioevo” di Costanzo al “copertone” di Pintaudi.
Il progetto espositivo (che segue l’altro sulla comunicazione – Ti dirò – Palazzo Branciforte, 2006) è dinamico e complesso:
si sviluppa e si accresce nel tempo con gli elaborati che vengono prodotti man mano che si procede.
Stranamente, critica e pubblico sono entusiasti…e se ne parla molto. Si crea un movimento d’opinione e si scrivono
testi interessanti…
La mostra, presentata in catalogo da Elina Chianetta, è stata inaugurata con Pino Schifano al Sanpaolo Palace Hotel di
Palermo il 15 dicembre 2007.
E’ coinvolta l’Università, nel cui ambito, in occasione del 7° Congresso Nazionale della Facoltà di Architettura (6-9 febbraio
2008), Fabrizio Costanzo e Francesco Pintaudi dipingeranno in Hotel.
Nella performance, i due pittori si spingeranno oltre operando contemporaneamente sulla stessa opera: le tracce storiche
e quelle quotidiane s’integreranno entrando in simbiosi. Saranno realizzate opere in tecnica mista su vari supporti
che si aggiungeranno a quelle già esposte, rendendo viva e dinamica l’intera esposizione.
Il gioco-ricerca sulle tracce, appena iniziato, avrà un seguito dopo la chiusura della mostra e negli anni a venire: Costanzo
e Pintaudi produrranno altre “contaminazioni” e la loro collaborazione maturerà nel tempo sperimentando approcci
sempre più diversificati.
Miostudio.it

Elina Chianetta e Pino Schifano presentano la mostra di Fabrizio Costanzo e Francesco Pintaudi
Tracce - SANPAOLO PALACE HOTEL - Palermo, 15 dicembre 2007

DISCUSSIONI SU UNA MOSTRA
Vorrei introdurre questa mostra con un’esperienza personale, apparentemente estranea all’evento in atto, un episodio
che risale alla mia gioventù, quando, studente universitario qui a Palermo, lavoravo a Padova, interessandomi già da
allora di teatro, musica e pittura.
Una mattina di gennaio, affacciandomi alla finestra della struttura militare dove vivevo, vidi l’enorme piazzale sottostante
(contornato da tre immensi palazzi) completamente deserto… e bianco per la neve che era caduta; un grande fazzoletto
candido, meraviglioso, splendente della luce che v’incideva. Ad un tratto, da lontano, arrivò una jeep che fece un
percorso ondulato, dolcissimo, che lasciò un solco su quel fazzoletto bianco. Con la mente, mi rifeci immediatamente a
quella che era la poesia futurista, o all’arte Dada. Ma ciò che mi rimase di quell’esperienza (che non dimenticherò più)
fu la traccia, il segno lasciato dall’automezzo. Bene, l’episodio appena raccontato – come potete facilmente intuire – è
strettamente legato al titolo della mostra di Costanzo e Pintaudi e al significato che vuole avere la parola “tracce”, emblema
del segno e del linguaggio. Perché il linguaggio nasce così, con un segno, un solco che i primi uomini fecero e
che poi altri diffusero in tutto il mondo, ognuno con tracciati diversi, diventando linguaggio. Traccia appunto, nel significato
latino di trascinamento, testimonia qualcosa che è stato trascinato, condotto in una certa maniera, rimasto come
segno eterno di un passaggio, presenza, o anche, in maniera transitoria, che viene lavato dalla pioggia, dalle intemperie.
Adesso v’invito ad immaginare la scena di un film dove le riprese, zumate rapidamente, partono da una stella lontanissima
e si avvicinano ad una casa sulla terra; oppure, viceversa, considerate le riprese che partono dall’interno della
finestra di una casa e conducono fuori con un movimento scenico velocissimo. Provate a vedere la terra dall’alto e ad
osservarla improvvisamente in un arco storico che va dalle origini fino ai nostri giorni. Quanti segni e quanti disegni
diversi di camminamenti sono rimasti sulla terra, che si sono sedimentati lasciando le tracce della nostra storia…
Il segno e la traccia non sono altro che la storia di tutti noi, passato, presente e futuro.
Il tema proposto da Fabrizio Costanzo e Francesco Pintaudi è complicatissimo ma estremamente affascinante: se voi
riflettete su quanti significati ha la parola traccia, si potrebbe andare all’infinito. Dalle tracce di cui stiamo parlando, le
orme, alle tracce che si vanno seguendo per andare a scoprire un assassino, alle tracce dei camminamenti di eserciti,
di macchine, di una lumaca che lascia la scia…la scia sulla neve, come dicevamo all’inizio, la traccia di un film, le tracce
delle analisi cliniche, la traccia di un impianto elettrico…Però, per sintetizzare, e per non parlare dell’infinità di tracce
che si potrebbero lasciare, mi vorrei soffermare su due o tre tipi di tracce che hanno attinenza con il tema della mostra
in atto e dell’arte in genere: traccia, in architettura e in ingegneria (uno è architetto e l’altro è ingegnere!) è l’ossatura di
un progetto. In arte (e nello specifico del quadro) è lo schema, l’abbozzo, la sinopia, il disegno preparatorio di un progetto
artistico… e potremmo andare avanti indagando su cosa sono le tracce nella loro professione e nell’arte, ma arriveremmo
sempre ad una conclusione: segno e traccia si guardano vicendevolmente dicendo, l’uno, una cosa nel campo
artistico, l’altra, una cosa nel campo della storia.
Quali sono i punti di congiunzione tra un architetto ed un ingegnere che hanno due storie e due stili diversissimi e che,
apparentemente, non hanno nulla a che spartirsi nella realtà tranne il fatto che, insieme, hanno allestito questa mostra
che è la risultanza di un concetto unico?
Nel modo di pensare di Francesco Pintaudi c’è una certa costruzione mentale che via via, nel corso degli anni, lo ha
portato, da una serie di esperimenti simbolisti e metafisici, naturalistici o più recentemente concettuali e storici, ad un
astrattismo informale, attuale, che è però il portato di un ragionamento in cui il segno si fa materia viva per raccontare
la storia: questo è un po’ il ragionamento…ingegneristico e culturale di Pintaudi. Egli ha continuamente fatto una ricerca
estetica di linguaggi diversi, anche se la componente, il denominatore comune è il cromatismo e l’impatto materico.
Fabrizio Costanzo parte invece da una posizione totalmente diversa. Ha una sorta di stile fissato, preciso, che ha inventato
in un certo momento e che ha seguito con fedeltà in tutto il suo arco artistico. Pintaudi racconta la storia, in
Costanzo la storia s’infila nel suo segno partendo così da una concezione culturale che, nello specifico, lo lega molto
alla pittura del Trecento. Se andate a vedere i grandi capolavori di Giotto, Simone Martini, i Lorenzetti… vi accorgerete
che la prospettiva pionieristica di quei quadri è il modo di narrare le cose e le case soprattutto, l’aspetto urbanistico, lo
sfondo in cui sono inserite le figure di San Francesco o di altri santi.

Tutto ciò induce a considerare il Trecento come una sorta di tessitura geometrica incredibilmente moderna e attuale...
Possiamo dare una spiegazione del concetto attraverso una semplice considerazione sull’Astrattismo di Piet Mondrian
che, con un colpo di genio, ad un certo punto della storia, ha reso razionale e poetica la realtà del suo tempo. Bene, lo
stile di Fabrizio Costanzo io lo accosterei, anche se con un iperbole e con una stranezza, alla musica di Bach rivisitata
da Anton von Webern, massimo esponente del dodecafonismo… che è il corrispondente in musica dell’astrazione di
Mondrian. Immaginate che delle composizioni di Bach siano state affidate a Webern per essere rivisitate con una sorta
di razionalità lirica. Quello che fa Fabrizio Costanzo è la poesia razionale di una geometrizzazione di forme che sono
costanti nel tempo, apparentemente uguali, apparentemente simili, ma espressione di un discorso continuo che, guarda
caso, è la traccia della storia nel suo divenire (…). In Fabrizio Costanzo la storia passa per raccontare forme, in
Francesco Pintaudi la forma passa per raccontare storia. Il parallelismo tra i due sta nel fatto che le rispettive tematiche
s’incrociano perché l’una senza l’altra non può stare!
Azzarderei una curiosità visiva: se provate a guardare a distanza una tavola verticale di Fabrizio Costanzo, vi accorgerete
di una traccia che va dal basso verso l’alto con delle sagomature che, tutto sommato, non sono molto dissimili dal
copertone che sceglie Francesco Pintaudi per raccontare la sua storia vissuta, e che noi, giorno dopo giorno, lasciamo
sull’asfalto…
Pino Schifano / Tracce – presentazione mostra - Sanpaolo Palace Hotel – Palermo, 15 dicembre 2007

LA SFIDA DELLA MEMORIA
Tracce. Orizzonti minimi. Intrinsecamente fragili.
Il tempo, non dà loro requie…Intrinsecamente forti, capaci di reggere a quel logorio incessante, ed affermare la loro
volontà di permanere. Il risultato di questa lotta titanica è la memoria. E l’arte è la sua spada sguainata, il suo esercito
sempre in cammino, il suo baluardo. Il compito tout court dell’artista quello di palesarne lo spessore – per similitudine o
per contrasto, recuperando o distruggendo – ripensando nel proprio linguaggio, le esperienze del sé e di mille altri sé…
La sfida della memoria – il suo richiamo ad essere responsabilmente al mondo è rivolto ad ogni singolo individuo: non
c’è esperienza umana, forma di società, epoca, che possa esimersi dal raccoglierla…
Fabrizio Costanzo e Francesco Pintaudi, pur nella diversità delle scelte stilistiche, si muovono con coerenza, lucidità e
profondità, senza contraddizioni né sbavature, nel solco della memoria…
Elina Chianetta / Tracce – presentazione in catalogo e Sicilia Tempo - Palermo, dicembre 2007
IL MIGLIORE DEI MONDI POSSIBILI
Le sue tracce sembrano scaturire da un tempo insolito per la mente: un tempo assorto, generatore di gesti sapientemente
ricercati, privi di qualsivoglia nevrosi compositiva. Hanno piuttosto l’andamento di un Pianissimo, tra le case dei
suoi borghi, si dipanano con la lentezza di chi pizzica uno strumento, alla ricerca di un accordo: sono esse stesse pentagramma,
su cui le sue matite pensanti – metafora di una multiforme operosità – scrivono le note di una rapsodia.
Costanzo muove sinergicamente tutti i sensi dell’anima, senza mai indugiare in un puro esercizio di stile, senza adagiarsi
nel compiacimento della propria misura cromatica: rivela i tumulti dell’anima, disseminati dovunque nella fragilità
intrinseca delle sue laboriose architetture. Nella loro trama, complessa e densa, nella fioritura compulsiva di segni e
simboli – sia che abitino assolate regioni terrestri o che siano proiettate al limitare di cieli impossibili – riflettono tutte
l’attesa spasmodica di un nuovo patto d’armonia, di un armistizio. Attraversando questo microcosmo ci s’imbatte in
notturni assolati in commiati e dolorose assenze, in gioie purissime, in memorie e versi – secretati in preziosi rotoli vivificati
dalla linfa dei suoi prodigi vegetali. E dietro a tutto ciò, si respira la malinconia di non poter affidare ai propri contemporanei
le chiavi delle sue città, di non poter aprire le porte e le finestre ad una umanità che sappia abitarvi, senza
condurla alla rovina.
Ma la luce stempera ogni cosa: rende possibile al cielo e al mare di riflettere il verde dei prati – colore di speranza –
rafforza la sacralità della terra, conferendo al tutto un moto irresistibilmente ascendente, verticale, indissolubile – una
tensione spirituale squisitamente laica ed ironica, che restituisce autorevolezza all’arte e rende preponderante il ruolo
dell’artista, ridefinendone la progettualità di un mondo che possa essere il migliore possibile.
Se è vero – come scrive Luigi Zoja – che il brutto è immorale (…) una ferita inferta all’anima, si avverte perfettamente,
nel lavoro di Costanzo, l’imperativo di dovere restituire al nostro tempo – ed alla sua bruttezza imperante – il risarcimento
etico della bellezza.
Elina Chianetta / Tracce – presentazione in catalogo e Sicilia Tempo – Palermo, dicembre 2007

DEL BELLO, DELLA LUCE, DELLE ATTESE, DEI SILENZI
Costanzo dissemina frammenti di un discorso che ha come oggetto la devozione per la bellezza in attesa che essa si
riprenda il mondo, la realtà che ci circonda… spera che tutto ciò possa arginare la violenza del brutto e dell’osceno che
viene ostentato da un certo cinema, da una certa letteratura, dalla moda, dall’architettura asservita al guadagno piuttosto
che alla qualificazione di un territorio. Il brutto - per usare una considerazione dello psicanalista Luigi Zoja – ferisce
l’anima, creando una sorta d’intossicazione psichica permanente che è fonte di alienazione, di perdita d’identità.
Costanzo crede nella bellezza come risarcimento etico, nella coincidenza classica del bello e del bene. Per gli antichi
greci, infatti, il concetto di bello era molto più ampio di come lo intendiamo noi oggi e comprendeva non soltanto cose
belle (forme, colori, suoni) ma anche pensieri e abitudini. Platone cita spesso esempi di bello - bei caratteri e belle leggi…Il
bello ed il bene coincidenti… l’autentico bello spirituale - Per tale ragione il bello era di competenza non solo
dell’estetica ma anche dell’etica. Nel suo lirismo onirico, Fabrizio Costanzo rappresenta un mondo possibile cesellato
dalla ricerca di un equilibrio, di un’armonia. Dissemina tracce della consapevole fragilità di cui l’uomo deve farsi carico
per poter raggiungere i propri ideali: nella complessa trama strutturale, le singole tessere, in perfetto equilibrio, si aggregano
e si sostengono a vicenda, inerpicandosi all’infinito. In tale contesto, l’artista, oltre che dipingere attese, rappresenta
silenzi, l’assenza di uomini a cui poter consegnare le chiavi della città. Non ci sono commensali alla tavola de
L’attenzione, non ci sono uomini dentro le mura di quelle città… eppure tutto sembra essere predisposto per accogliere
un’umanità illuminata: indoviniamo le tracce di una spinta, di un’aspirazione spirituale, sebbene tutta umana, squisitamente
laica. Ancora… la luce gioca in questo microcosmo, lievitando, poggiandosi e abbracciandosi agli oggetti, emergendo
inaspettatamente dal loro interno. S’irradia dalla terra verso il cielo, sovvertendo le leggi della natura. I cieli, pieni,
densi, quasi mai trasparenti ricevono la luce da sotto: sembra che la spiritualità che c’è dentro le cose, la faccia
emergere dal loro profondo facendo sì che gli oggetti ne siano avvolti come una seconda pelle. Le terre, le ciotole, i
tetti delle case dei borghi (piccolissime e disciplinate come le cellette di un alveare), l’agile e sottile vegetazione, irradiano
una straordinaria traccia luminosa che solo Costanzo, alchimista della luce, sa dosare…
Elina Chianetta / Tracce - appunti da una mostra - Sanpaolo Palace Hotel – Palermo, gennaio 2008

DAL PATHOS STORICO ALLO STRESS QUOTIDIANO
Al Sanpaolo Palace Hotel è in atto una particolare mostra dal titolo Tracce. I due artisti mettono insieme il repertorio
della loro ultima ricerca, mostrando segni-simbolo specifici, solleticando la memoria e giocando con il quotidiano.
Le tracce di Fabrizio Costanzo e di Francesco Pintaudi, apparentemente distanti tra di loro, in realtà si completano a
vicenda. Nel chiuso armonico di una figura architettonica, floreale o nello stress d’un tratto o d’una forma, entrambi
esprimono operosità e ritmo di vita, ricerca compositiva e compiutezza estetica. Contraggono ed espandono la materia
restituendoci un’immagine bifronte, storica e quotidiana, molle e decisa. Il nostro pianeta è pieno di tracce: naturali,
artificiali, prodotte dall’uomo e non, palesi, nascoste, caratterizzanti, casuali.
Costanzo, con pathos, determina un mondo distillato di vegetazione, case, borghi e ipotetici abitanti dove la nota pregnante
di sollecitazione storica è la nozione di castello, impronta rappresentativa di una forza reale e ideale, di un vissuto
sociale e fiabesco di forme e colori, quasi scatola a sorpresa. Il susseguirsi ed il concatenarsi di elementi serrati
determina una cadenzata ripetizione di simboli che, sparsi nell’apparato pittorico, diventano ingegnosi dadi di una studiata
composizione architettonica, una punteggiata struttura di messaggi nascosti che ribadisce, con determinazione,
la spazialità innovativa.
Pintaudi, con tumulto dell’anima, propone un’esistenza dove, le tracce texturizzate sull’asfalto e le marcate e sfuggenti
striature, sono strette nella morsa di una quotidianità frenetica tra impronte di scarpe, passaggi di biciclette e di automobili,
macchie varie. Superata la rappresentazione di una scientificità botanica, il gigantismo vegetale, i clic sulla Palermo
barocca, e la linea fluida e articolata delle figure del mito greco, ora la sua carica espressiva s’incentra su di un
tratto di tela ove contenere un mondo articolato e quanto mai tambureggiante, sulla forza dei colori magistralmente
impiegati, sulle ammalianti stratificazioni opportunamente strutturate.
La mostra in atto al Sanpaolo Palace Hotel di Palermo si presenta interessante e significativa in quanto, inserendo
input innovativi e connotazioni psico-storiche, pone le basi per una ricerca segnica incentrata sull’uomo e sulle dinamiche
sociali della comunicazione.
Giuseppe Mendola / Tracce – Sanpaolo Palace Hotel – Palermo, gennaio 2008 / Boè – Palermo, lug./ago. 2008

QUANTE TRACCE…
ECCO COME DUE ARTISTI RACCONTANO GLI STESSI SENTIMENTI: DA ANGOLI OPPOSTI
Ciò che spesso ci chiediamo noi poveri e inevitabili mortali è cosa rimarrà del nostro passaggio terreno.
Le nostre ansie, i nostri affanni, il volere a tutti i costi affermare il principio della unicità della propria esistenza, il ripetersi
in esercizi di scrittura citazionistica, il tentativo sempre e comunque di essere i primi della classe quando, forse, non
avremmo neanche il titolo per starci in “classe”, ci pongono spesso in una condizione critica rispetto poi a chi è chiamato
a giudicare il nostro fare o comunque ciò che abbiamo fatto, scritto o detto. In altri termini le tracce che lasciamo
giorno dopo giorno. Tracce, infatti, è il titolo della mostra di Fabrizio Costanzo e Francesco Pintaudi, due artisti che,
apparentemente, non hanno niente in comune tranne la passione per l’arte. Approdati alla pittura per strade diverse,
Fabrizio Costanzo, tra i due, appare il più misurato, preciso, senza mai una sbavatura. La sua pittura è costruita centimetro
dopo centimetro, una pittura puntuale, minuziosa, al limite della pignoleria e della maniacalità compositiva. I suoi
lavori ricordano, soprattutto nei colori, il paesaggio primaverile di Kholui, paesino sulle rive del fiume Teza un piccolo
fiume della Russia centrale. Le sue inondazioni di primavera, ritirandosi, donano al paesaggio un colore particolare,
surreale, che i pittori miniaturisti del luogo amavano e amano dipingere. Ma i lavori di Fabrizio Costanzo non sono mai
delle miniature. La loro realizzazione è da miniaturista, ma certamente non lo sono i formati o i temi trattati: Sotto il
cielo di Gerusalemme - 2007, opera che, personalmente, considero tra le più significative della mostra; Cattedrale -
2002; Finzione e realtà - 2006, in cui le pagine di un libro posto in cima ad una colonna, vengono sfogliate dal vento,
quasi a volere parafrasare ciò che è successo, in occasione dell’esposizione in pubblico sul sagrato di San Pietro, della
salma di Giovanni Paolo II. Ma in questo caso le pagine vengono strappate e il vento se le porta via. Un presagio della
vacuità del nostro essere uomini? Il dubbio che ciò che abbiamo fatto finirà con noi? O forse ciò che abbiamo fatto non
ha inciso talmente le coscienze da meritare di essere tramandato ai nostri eredi attraverso le pagine di un libro. In ogni
caso il messaggio di Costanzo sembra abbastanza chiaro e incisivo. Egli è un attento e puntuale osservatore del mondo
che lo circonda, ne assorbe gli aspetti pregnanti, gli umori e, diversamente da altri artisti, più che procedere per
impeto, per strappi, aspetta che l’idea prenda corpo combinandosi, amalgamandosi con la propria conoscenza in uno
dei suoi “cassetti” dei ricordi. Dopo sarà pronta per diventare quadro…
Francesco M. Scorsone / Tracce - Sicilia Informazioni – Palermo, 8 gennaio 2008 e Centonove – Messina, 19 gennaio 2008

L’ARMONIA INVISIBILE
La difficoltà di individuare tracce, se non nell’accezione di indizi, è nelle forme del nostro mondo isolano: esse si sono
definite, e continuano a farlo, come sovrapposizione di equilibri precari che demandano ad altri e successivi equilibri la
ricerca di un acquietamento, fino alle estreme conseguenze della interruzione del loro processo evolutivo, della sparizione
fisica. Per questo parlo di indizi: perché è sempre quel che resta, o addirittura che sia rimasto nella memoria, a
costituirsi come oggetto di attenzione e di propulsione vitale, di apertura per il futuro. Che l’indizio sia concreto e tangibilmente
materiale o sia parte del nostro immaginifico ideale, forse poco importa: specie se esso è sinonimo di continuità,
di quella scoperta espressiva che il Moderno compie sul passato. Come dimenticare Le Corbusier che rilegge il
Partenone nell’associazione apparentemente insondabile con una potente automobile dell’epoca (inizi anni ’20 del secolo
scorso): associazione scandalosa perché non esalta la meccanica avanguardistica in contrasto con il rudere, come
nelle attuali pubblicità, ma l’analogia tra le due costruzioni, tra i procedimenti progettuali che esse sottendono malgrado
la loro distanza temporale e forse grazie ad essa. Se questa distanza tende perciò ad annullarsi nel senso di una
rinnovata continuità e se è questa a prevalere alla fine, perché allora insistere sulle tracce? E perché questo insistere ci
viene dai due pittori Costanzo e Pintaudi? (…). Mi è capitato di confrontarmi spesso con la presenza di reperti archeologici,
elementi vivi restituiti a un paesaggio diverso dall’originario (ma quale originario?) e come tali testimoni senza
tempo prima che elementi di rappresentazione del loro tempo. Elementi restituiti alla natura dunque, come inevitabilmente
avviene per qualsiasi edificio dell’uomo, tanto da far metaforicamente sostenere ad Auguste Perret che “gli architetti
devono costruire belle rovine”, quasi che una qualità della forma progettata sia il presagio del suo divenire. Anche
per questo non mi piace parlare di tracce se esse fissano e codificano il passato rispetto al presente… in fondo
non mi emoziona l’eccesso di visibilità, convinto, con Eraclito, “che l’armonia invisibile è più forte di quella visibile”.
Francesco Taormina / Tracce – Facoltà di Architettura - Roma, febbraio 2008

TRACCE CHE NON SI CANCELLANO
Quello che rimane indelebile nella memoria dell’anima è l’idea che i sogni e la realtà, i rumori ed il silenzio, l’ordine ed il
disordine possono convivere, al di là della storia e della “Storia”, e dare un senso a questi attimi – ora forti ora deboli –
che si susseguono e che sono il noi che rimane. Sono queste le tracce che le opere di Costanzo e Pintaudi hanno lasciato
dentro di me. Ed è un bene che tutto ciò nasca dalla perplessità, anzi con la perplessità, di due stili, dei relativi
temi, che non si assomigliano, che si respingono quasi. Perché, dopo, ti accorgi che non è così, che una “traccia” non
cancella l’altra, che la forza del loro insieme – non nel senso della commistione, ma della comunione – sta in quello
che non si vede, nella epochè che permette il raccoglimento e suggerisce alla mente.
Entrare nella pittura di Costanzo è come fare un sogno ad occhi aperti, trovarsi in un passato che è anche presente e,
insieme, proiezione mitopoietica: la disciplina dei colori (non il blu della notte, non il giallo del sole, ma quel blu, quel
giallo), l’ordine apparente degli oggetti (case, alberi, fogli di carta, vivi come solo ciò che “comunica”), la simbolicità
evidente dei piccoli dettagli ricorrenti (un segno, oserei dire, montaliano dell’esistenza) danno la sensazione del viaggio
ideale che non riesce a (non vuole) rinunciare del tutto alla realtà, ai sentimenti – percorso metafisico intriso di fisicità.
Nell’arte di Costanzo nulla è gridato, ma come sussurrato e, per questo, lontana dall’oggi più volgare; nulla è freddo,
ma, al contrario, tutto è pieno di amore: amore per ciò che rimane, ancora, nel naufragio del nostro tempo; amore per
un passato che può essere di nuovo presente; amore per l’arte, infine, come ultimo baluardo, arma invisibile, agape. E
così, l’arte di Pintaudi, nella sua estrema, violenta, fisicità, si integra con quella di Costanzo per il suo disperato tentativo
di fissare l’hic et nunc, e di fissarlo con ironia, con il sorriso distaccato dell’occhio di un dio che crea e si diverte della
sua creatura. Qui non ci sono colori pieni, linee ordinate, oggetti simbolici, eppure tutto quello che c’è, e che ha forma,
parla una lingua vera, perché è tutto quello che viviamo, di cui siamo impastati, che ci piaccia o meno, “polvere fango
olio acqua catrame fumo sangue (…)”, anch’esso traccia fissata in eterno dentro di noi.
Francesco Scrima / Tracce - Sanpaolo Palace Hotel – Palermo, giugno 2008

TOPOGRAFIA MNEMONICA
Un apparato iconico assai complesso e articolato, ove il sedimento delle immagini – tanto prescelte, quanto casuali – si
fa puntuale mappatura di quella geografia dell’esistenza, grazie alla quale definire nel presente e veicolare verso il futuro
tutto il senso (e il non senso) del proprio viver quotidiano. Un filo della memoria, per l’appunto, quello dipanato da
Fabrizio Costanzo e Francesco Pintaudi, costellato di “miliaria” dalla simbolica significanza, la cui forza visuale consente
di rimarcare l’intero peso esercitato dalla pittura quale meccanismo di “traduzione” – nell’immediato, in termini di
subitanea formalizzazione dell’immaginario estetico, e quindi in proiezione, in virtù del suo fattivo potere di “tradere”
che dà luogo alla “tradizione” – di quelle “idealità” e di quelle “evenienze” contingenti (relative a un ben preciso contesto
spazio-temporale) che stanno alla base del pensare e dell’agire di ogni artista.
Il che non implica, però, – sia detto con chiarezza – alcuna semplice “registrazione” o – per così dire – “archiviazione”
di rigide sequenze di “icone referenti”, ma piuttosto una peculiare “riflessione visuale” su quanto atto a strutturare una
chiara identità (artistica e socio-antropologica) con connotati di durevolezza temporale.
Si spiega in questi termini, per tanto, sia la focalizzazione del “visus pittorico” su un insieme di segni più classici e consuetudinari,
sia la più divagante incursione in un sistema di significanti assai meno abituale ed assolutamente aleatorio.
Se Costanzo, infatti, punta al recupero – seppure incantato, e quindi senza cascami retorici e forzosi mediterraneismi –
dell’armamentario tipico della cultura visiva isolana (il sole, le architetture calcinate o ammantate dei solenni panni della
storia, i cromatismi accesi e vivaci), mirando alla sua specifica conservazione, Pintaudi, viceversa, concentra la sua
attenzione sulle impronte – nel vero senso della parola – impresse dall’uomo nel suo convulso peregrinare giornaliero
(tracce di copertone od orme di suole gommate), rilevandone il carattere di imperscrutabile e transitoria ragnatela, in
grado di connotare a perfezione la nostra spersonalizzante quotidianità.
Un confronto, quello fra i due artisti palermitani, che non si limita ad una semplice contrapposizione fra punti di vista e
moduli espressivi – figurativo Costanzo, decisamente astrattista Pintaudi – apparentemente lontani e inconciliabili, ma
che costituisce un “classico” caso di dialogo “maieutico”, ove la giusta dialettica – per i suoi connotati di pertinenza e
profondità – è premessa obbligata ad un naturale sbocco verso esiti “ibridativi” e “complementari”, perfettamente in
linea con gli orientamenti artistici della contemporaneità. Sono proprio le tele realizzate a quattro mani, infatti, a dare
l’intero senso ad un progetto assai ben congegnato, che si fa specchio fedele e cartina di tornasole delle dinamiche in
atto nella nostra stretta attualità: ovvero di quell’inevitabile cinetica di incontri-scontri fra opposti speculari, che trova
nella “crasi contaminativa” il suo dovuto sviluppo e soprattutto il suo pieno e fisiologico completamento di tipo visuale.
Sono queste, dunque, le principali “Tracce” destinate a farsi punti cardinali e linee guida d’una ideale topografia mnemonica;
meridiani e paralleli d’una peculiare cartografia dell’esistenza, messi a disposizione di chiunque voglia – oggi –
orientarsi nella propria “stratificata” quotidianità, o di chi – un domani – volesse volgersi a guardare i segni lasciati dai
suoi predecessori, nel tentativo (forse vano) di effettuare – a posteriori – una congrua rilettura di quel che è stato (o
quanto meno di quel poco o di quel tanto che è stato tramandato).
Salvo Ferlito / Tracce - Sanpaolo Palace Hotel – Palermo, novembre 2008

SANT’ERASMO E SANPAOLO: ARCHITETTI E LA MATITA DEL BASILE
Per il 7° Congresso Nazionale degli Architetti, oggi alle 15,30, nell’Ex Deposito Locomotive di Sant’Erasmo, s’inaugura
una collettiva di progetti per la riqualificazione di Pizzo Sella con, alle 19.30, la presentazione al Sanpaolo Palace. Alle
20.00, nella sala “Scavuzzo”, in Piazza Principe di Camporeale, s’inaugura La professione della qualità. Cento disegni
a matita di Ernesto Basile. Esposti disegni del grande architetto palermitano, nella Dotazione Basile della Facoltà di
Architettura. A conclusione, concerto per sola chitarra di Maurizio Norrito.
Sempre nell’ambito del 7° Congresso Nazionale degli Architetti e della mostra Tracce, fino al 9 febbraio, Fabrizio Costanzo
e Francesco Pintaudi dipingeranno, al Sanpaolo Palace Hotel, contemporaneamente sulle stesse opere.
Giornale di Sicilia – Palermo, 7 febbraio 2008
SANPAOLO PALACE: COSTANZO E PINTAUDI “DAL VIVO”
Per il 7° Congresso Nazionale degli Architetti, e nell’ambito della mostra Tracce di Fabrizio Costanzo e Francesco Pintaudi,
oggi, al Sanpaolo Palace Hotel di via Messine Marine, i due artisti lavoreranno contemporaneamente sulle loro
opere.
Giornale di Sicilia – Palermo, 9 febbraio 2008
SANPAOLO PALACE: COSTANZO E PINTAUDI “TRACCE”
Al Sanpaolo Palace Hotel, Tracce di Fabrizio Costanzo e Francesco Pintaudi. Oli su tela e su tavola, installazioni, tecniche
miste, oggetti in legno. Costanzo dipinge un mondo di vegetazione, Pintaudi tracce sull’asfalto, impronte di scarpe,
passaggi di biciclette. A cura di Elina Chianetta e Pino Schifano.
Giornale di Sicilia – Palermo, 29 giugno 2008
PALERMO, ARCHITETTI A CONFRONTO
Si è tenuto a Palermo, dal 6 al 9 febbraio, il 7° Congresso Nazionale degli Architetti. Tre giorni di lavoro a cui hanno
partecipato circa mille professionisti che si sono confrontati su tematiche legate alla loro professione.
Conoscenza dei saperi e costante aggiornamento, capacità di confrontarsi con la concorrenza entro l’ambito di regole
prefissate e di elaborare risposte con l’utilizzo delle innovazioni tecnologiche nonché con adeguati criteri organizzativi;
tutti elementi base che qualificano l’azione progettuale quale atto di responsabilità culturale, civile e di democrazia
urbana.
Non solo conferenze e dibattiti riservati agli addetti ai lavori, ma anche momenti di cultura e intrattenimento.
Tra i protagonisti, Fabrizio Costanzo e Francesco Pintaudi, autori di una pittura su legno di tracce storiche e contemporanee
miscelate in modo imprevedibilmente originale.
Mondellolido – Palermo, 16 marzo 2008

Fabrizio Costanzo e Pino Schifano commentano L’attenzione
Tracce - SANPAOLO PALACE HOTEL - Palermo, 15 dicembre 2007

Performance di Fabrizio Costanzo nel laboratorio dell’hotel
Tracce - 7° Congresso Nazionale degli Architetti - SANPAOLO PALACE HOTEL - Palermo, 6 febbraio 2008

(…) Il segno, l’accordo cromatico, la costruzione del quadro
denotano una “Scuola” che riconduce ad un discorso
unitario la estroversione creativa. La mostra di Costanzo
ad un primo impatto piace, ad una successiva analisi
critica convince.
Carlo Castronovo / Personale Fabrizio Costanzo
Galleria Il Cenacolo - Palermo, maggio 1989
(…) L’invito, è quello di continuare in questa direzione,
secondo la positiva visione della realtà.
Carmela Angela Di Stefano / Personale Fabrizio Costanzo
Galleria Il Cenacolo - Palermo, maggio 1989
(…) Fabrizio Costanzo porta avanti con notevole successo
la sua idea di borgo medioevale… riscuote ampi consensi
che in futuro gli daranno continue soddisfazioni.
Salvo Alicata / Estate e Arte
Sala Le due giare - Cefalù, agosto 1994
(…) L’arte è fantasia, ma principalmente sogno, e le opere
di Costanzo sono intrise di onirico pur evidenziando un
impianto pittorico ben definito. Il tratto sicuro esalta la
composizione che, pur avvalendosi di una tavolozza non
prodiga di cromatismi, sottolinea l’atmosfera magica di
un mondo osservato attraverso il dipanarsi del tempo; nel
quadro Portando la luna a spasso in una magica notte, la
luna domina un paesaggio animato da creature la cui
fragilità adombra una forza interiore che permette incredibili
sortilegi. E’ sufficiente a dimostrarlo un’anatra in volo
che trascina con una fune un’arrendevole luna? Pensiamo
proprio di sì!
Claudio Alessandri / Percorsi paralleli
Palazzo dei Benedettini - Biblioteca comunale - Cinisi, dic./gen. 1995/96
(…) L’opera Portando la luna a spasso in una magica
notte racchiude un messaggio alato, quasi irreale. La
risposta che ci viene dalla composizione è comunque
delle più positive, sia per il linguaggio allegorico, sia per
la luminosità della luna che sembra sorridere e giocare a
tu per tu con le aeree presenze che le fanno corona.
Fulvio Castellani Catanzaro - Catalogo Arte immagini
Antares - Vincenzo Ursini Editore – 1996
(…) La tensione magico-favolistica esercitata all’interno di
una forte sintesi dinamica, caratterizza i temi di natura
vegetale e animale nelle opere di Fabrizio Costanzo.
Pino Giacopelli / Isolamata
Palermo - Centro Arti Sperimentali La Sinopia - Palermo, maggio 1997
(…) Fabrizio Costanzo riesce a comunicare attraverso
case, alberi, fiori, e lune, vicende ironiche e lievi come ali
di farfalle, dando la possibilità all’uomo di oggi di trovare
una dimensione in cui sentirsi il cuore leggero e puro. C’è
nelle sue opere una scansione suono-silenzio-suono, e a
guardarle e a riguardarle non stancano mai, anzi suggeriscono
sempre inedite aperture e incanti.
Vittoria Bellomo / Isolamata
Kantiere culturale Il Centauro - Bari, maggio 1997
(…) Una certa pregnanza alchemica, di tipo magico (non
surreale) pare permeare queste opere, senza dubbio
espressione di una totalità fiabesca, votata allo stupore,
al canto, all’incanto, all’abbraccio con questa cosa straniante,
assolutamente inutile che è l’arte.
Gianfranco Labrosciano / Notturni
Galleria Scirocco - Terrasini, dic./gen. 1999/00
(…) Valenza tecnica ed emotiva, capacità di sintesi e,
soprattutto, volontà di confronto, stanno alla base della
mostra voluta e coordinata da Fabrizio Costanzo, che già
nell’esemplare chiarezza del suo titolo, Col ferro, indica la
radice operativa che lega i tre artisti coinvolti, al di là della
differenza anagrafica ed espressiva: Nicola Busacca,
Giusto Sucato e Totò Vitrano (…). Possiamo pertanto
affermare, senza timore di smentite, che una mostra come
questa, rivelando poetiche e tendenze apparentemente
distanti fra loro, sostiene il concetto di convivenza
stilistica proprio dell’arte contemporanea la cui essenza
sta nella molteplicità di linguaggi, ovvero in una grammatica
del vedere che vive di continui slittamenti visivi e concettuali.
Marcello Palminteri / Col ferro
Addaura Hotel Residence Congressi - Palermo, lug./ago. 2001

(…) Ad una forte componente geometrizzante, legata alla
solidità dei volumi e delle cose, si rifà Fabrizio Costanzo,
il cui universo è pervaso di primigenia innocenza.
Marcello Palminteri / Nel castello
Castello di Carini, settembre 2001
I suoi borghi medievali sono atemporali, onirici, paesaggi
del pensiero, un mondo che sa esprimere la semplicità
del silenzio…
Pino Schifano / Ti dirò...
Palazzo Branciforte - Palermo, feb./mar. 2006
(…) Non è difficile identificare le tracce del percorso di
una pittura fantastica anche in Sicilia. Sono molti gli artisti
che operano in tale direzione…Enzo Patti (Favignana
1947), pittore e scenografo, rimanda all’oggetto, all’ambigua
visione dello spazio che diventa luogo teatrale. Per
maggiore ambiguità inventa una scrittura che riporta su
manoscritti, rotoli, libri sfogliabili e ancora in leggii, legni
vari e tavole. Vicino ai temi di Enzo Patti è Fabrizio Costanzo
(Palermo 1961), poeta dell’immagine…
Nicolò D’Alessandro / Storia della Sicilia
Editalia - Gruppo Istituto Poligrafico e Zecca dello Stato - Roma, 2001
(…) Il conchiuso simbolismo delle icone di Costanzo riassume,
con gioiosa e apparente semplicità, la salienza del
peso della storia, del mito e della natura…
Salvo Ferlito / Felix Ziz
Sanpaolo Palace Hotel - Palermo, ott./gen. 2006/07
(…) Ad impreziosire la visione in un programma estetico
ben definito ho apprezzato, in Fabrizio Costanzo, il senso
della natura e della storia intriso d’ironia...
Giuseppe Mendola / Felix Ziz
Sanpaolo Palace Hotel - Palermo, ott./gen. 2006/07
(…) Ancora il magico del passato ritorna nella pregnante
produzione d’ambientazione poetica di Fabrizio Costanzo,
in un’armonia di architettura che sembra comporsi e ricomporsi
per stuzzicare il nostro interesse. Le sue tavolette,
nello specifico, sono dei portatili di grande richiamo
all’occhio e al pensiero col precipuo senso di portafortuna,
sostegno culturale e stimolo artistico. La compiutezza
della composizione scritta e la gradevolezza delle insorgenze
cromatiche risultano ingabbiate in una cornice di
fine fattura che evidenzia un impianto ben strutturato e
che rimane, refert in codicillos, a duratura inventiva nella
memoria…
Giuseppe Mendola / Addaura Hotel - Palermo, 2001
(…) Fabrizio Costanzo trasferisce nelle sue opere l’abilità
di finissimo disegnatore e l’esperienza professionale che
privilegia la componente geometrizzante legata alla solidità
dei volumi e delle cose, dando luogo a ritmi architettonici,
a costruzioni metafisiche tra i cui tasselli s’intrecciano
simbolismo ed ironia, mistero e poesia, in trasognata
tensione magico-favolistica. Una pittura non riduttivamente
classificabile, tuttavia, in alcuno specifico stilema,
se non quello che lui stesso ama definire della rappresentazione
quale chiave di lettura dell’universale.
(…) Per Costanzo, la variabile predominante è la minuziosità
simbolistica con la quale affronta ogni sua opera…
Marcello Scorsone / Felix Ziz
Sanpaolo Palace Hotel - Palermo, ott./gen. 2006/07
Una mostra d’arte, qualunque sia la motivazione che anima
gli organizzatori, deve avere sempre un’adeguata
coreografia degli spazi espositivi. Certamente, quella promossa
dall’Associazione “Il Salotto del Gattopardo”, ospitata
presso la Villa Boscogrande di Palermo - negli ampi
spazi del piano nobile - dà anche grande respiro ai lavori
esposti… sicché fanno bella mostra le opere di Fabrizio
Costanzo e le sue “costruzioni” di Escheriana memoria…
Francesco M. Scorsone / Una mostra a favore dell'ARC, rassegna
Villa Boscogrande – Palermo, febbraio 2008
(In SiciliaInformazione, 25 febbraio 2008)
(…) Fabrizio Costanzo ha realizzato un trittico su tavole
formato da due pale strette e lunghe che si aprono come
un libro, sormontate da un grande sole. Nella superficie,
trattata ad olio, una città - costituita da piccole case -
aspetta silenziosa il divenire di un nuovo millennio…
Filli Cusenza / Fatti ad arte - Galleria Millenium – Bagheria, mar. 2008

(…) Questo libro di ricette di Concetta Amella, è veramente
“cibo per la mente”.
Un libro-catalogo che mi convince…un susseguirsi di
pietanze dimenticate, accompagnate, in questa mostra,
dalla regia di Salvo Ferlito, che ha invitato per l’occasione
sedici artisti a “pranzo”, alla galleria Studio 71, per far
festa a Concetta. Così che ognuno di loro ha “portato” ciò
che meglio lo rappresentava: Fabrizio Costanzo e Francesco
Pintaudi hanno apparecchiato una tavola con ogni
“ben di dio” dedicata a Giafar…
Francesco M. Scorsone / Io sono quello che mangio
Galleria 71 – Palermo, 2009
(In Scorsone Arte Contemporanea, gennaio 2009)
(…) Quando nel 965 gli arabi divennero padroni dell’isola,
la cucina siciliana “toccò” la punta più alta, estendendo
la sua influenza in tutto il bacino del Mediterraneo. Di
questo straordinario periodo, Esculentiae memorie (Il
pranzo di Giafar), ci sussurra gli splendori: frutto della ben
rodata co-produzione tra i due pregevoli artisti Fabrizio
Costanzo e Francesco Pintaudi. Nella loro tela prende
così forma l’opulenza della corte dell’Emiro Giafar II, della
dinastia Kalbita, definito dagli storici come il Lorenzo il
Magnifico della rinascenza araba in Sicilia: in un trionfo di
frutti della terra e del mare, soffusi nella nebbia di vapori
odorosi, che pare si sprigioni dalle pietanze per avvolgere
le cupole e raggiungere il cielo…
Elina Chianetta / De gustibus
Istituto Cervantes – Palermo, feb./mar. 2009
(In Sicilia Tempo, marzo 2009)
(…) Obbligata e doverosa citazione degli antichi graffiti
dell’Addaura. Non mero omaggio di carattere formale,
ma piuttosto sentita rivisitazione contemporanea, finalizzata
ad enucleare quell’intensa ieraticità del segno primitivo,
di cui – da almeno cent’anni a questa parte – si nutrono
il pensiero e il gesto di tanti artisti.
Salvo Ferlito / Graffiti Day (commento al totem Inno alla luna)
Addaura Hotel – Palermo, maggio 2009
(In Graffiti Day, catalogo 2009)
(…) Ironia e pensosa disanima della fragilità di un ecosistema
e della condizione umana, nel dittico Metamorfosi,
di Fabrizio Costanzo e Francesco Pintaudi, impegnati,
ancora una volta, in una collaborazione che ha già prodotto
risultati di grande interesse. I pesci di queste due
tele in dittico, “umani troppo umani” nella loro espressività,
sono toccati da un trasformazione che cancella in loro
“colore e forma”: una metafora della progressiva disumanizzazione
degli uomini e un atto di accusa contro l’impoverimento
delle specie marine. Una perdita di “certezze”
che tocca due mondi, strettamente legati tra loro. “Comme
dans la mer, comme dans les cœurs humains”- “come nel
mare, così nel cuore degli uomini” - potrebbe essere il
sottotitolo del loro lavoro, frutto di una ricerca a due, che
ha messo a confronto stili pittorici differenti, che si sono
però ritrovati e fusi sulla comune percezione di un mondo
che cambia, a volte “furtivamente”, dentro una sottotraccia
di cui spesso non si ha sentore, e che svela i suoi
disastri quando è già troppo tardi.
Elina Chianetta / Blu? Il mare come non lo avete mai visto
(commento all’opera Metamorfosi)
Addaura Hotel - Palermo, lug./set. 2010
ORIZZONTI D’ATTESA
E’ meraviglioso, come la complessità del pensiero possa
racchiudersi in un tratto essenziale, in colori che riescono
ad esprimere mille parole…
Guardando i quadri di Fabrizio Costanzo, viene voglia di
vivere in quei paesaggi puliti, in quel mondo ordinato e
rarefatto, dove il male è assente.
Uno stato di grazia pervade quei luoghi nei quali è possibile
soltanto l’attesa del miracolo o nei quali, forse, il miracolo
è già avvenuto… Una mano benigna è scesa dal
cielo ed ha ordinato le case, ha piantato l’albero, ha ripulito
le vie; la stessa mano ha dato vita a tenere creature
che, infinite e uguali, ripetono nel silenzio, la loro solitudine,
grate dello stare insieme nello stesso spazio.
Non si sente la mancanza dell’essere umano: ci sono le
stelle, gli steli, le lune e i campanili, ci sono gli orizzonti
dorati che certo una creatura con un cuore ha sognato…
ci sono pesci riuniti in rispettosa assemblea che con
stupore attendono che qualcosa avvenga… c’è la luce,

che nel deserto pulsa di una propria vita…c’è un ritmo
segreto che anima con onde nascoste la simmetria degli
elementi…c’è la semplicità e la purezza di un mondo
risorto da passata distruzione nel quale, miracolosamente,
rinasce la poesia.
Agata Raimondi / Appunti dal dvd Fabrizio Costanzo, rappresentazioni
in corso. Palermo, aprile 2010
LE ATMOSFERE INCANTATE
DEL SUONO E DEL COLORE
Nella pittura di Fabrizio Costanzo, le architetture del sogno
contengono volte dai cieli stellati mentre il fato insegue
il mito, sublimandolo nel racconto filiforme del segno.
Le efflorescenze si aprono così a labirinti onirici da
cui nascono frattali di una memoria che si addensa nei
particolari, fagocitando lo spazio nelle piccole costruzioni,
nei bagli, nei paesaggi, negli oggetti, dove il gioco
delle tonalità calde si sposa con il chiarore di una pallida
luna, in un rimando metafisico nel quale la rappresentazione
cristallizzata coagula la memoria, unico patrimonio
dell’uomo nell’unica stagione della vita: il tempo.
Gery Scalzo – Nei Luoghi della Storia, novembre 2015

L’ALBERO DELLE LUCCIOLE
L’albero delle lucciole, per gentile concessione del suo autore, l’artista palermitano Fabrizio Costanzo, è il logo della
nostra Associazione: una scelta “obbligata” dall’essenza stessa dell’opera - un albero magico - che riunisce in sé l’energia
di mondi diversi, quello vegetale e quello animale, in un’unica matrice esistenziale, rendendo palpabile quanto vi
sia di prodigioso in ciò che definiamo Bios, quell’energia vitale al cui interno vive una complessità di forze che non agiscono
mai separatamente e che si muovono in perfetta sinergia. Dove noi vediamo separazione Bios ha unito, dove
noi vediamo il singolo, Bios si è alimentata di una molteplicità di relazioni che abbracciano il macro ed il microcosmo
senza soluzione di continuità.
Il principio di unione che nel quadro è magistralmente espresso, incontra quell’idea di benessere, dell’esistere bene
che è l’obiettivo che Percorsi Naturali vuole promuovere: una condizione che sussiste tenendo presente che la realtà
umana e spirituale, psicologica e fisica insieme, che ogni crescita, ogni prodigio che tocca i nostri sensi, si alimenta del
grande e del piccolissimo, del difforme e dell’omogeneo, del fragile - come può essere fragile una lucciola - e del solido
- come solido può essere un albero.
Elina Chianetta / Percorsi naturali - Villa Virginia – Palermo, 2012
Caro Fabrizio,
L'albero delle lucciole, ma anche albero del desiderio, mi sembra rappresentativo del tuo lavoro. Ben figurerà alla mostra
Made in Sicily.
Restituisce la tua cifra pittorica e la meticolosa cura del particolare che tanti già conoscono. Le tue architetture fantastiche
sono riassunte con leggerezza in questo elemento compositivo metaforico, circolare, sospeso in una atmosfera blu
cobalto, forse cielo, forse oceano ma pur sempre sogno che racconta nostalgie e desideri di un mondo migliore.
Grazie per aver aderito a questo progetto.
A presto Nicolò
Nicolò D’Alessandro / Made in Sicily (commento all’opera L’albero delle lucciole)
Galleria d’Arte Moderna Le Ciminiere - Catania, lug./set. 2011 e Albergo delle Povere - Palermo, nov./dic. 2011

Artestudio MONTECUCCIO
FABRIZIO COSTANZO / Work in progress