TRAKS MAGAZINE #15

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MAGAZINE
Numero 15 - luglio 2018
Joan Thiele
volevo essere
Jimmy Page
Maëlys
Carmine Tundo
RadioLondra
Alisia Jalsy
Minor Swing Quintet
Andrea Labanca

sommario
4
Joan Thiele
Dutty Beagle
49
8
Maëlys
I Fiori di Mandy
50
12
Carmine Tundo
Alèxein Mègas
51
16
RadioLondra
Dentone & Ghezzani
52
20
Alisia Jalsy
Fabio Cuomo
56
24
Minor Swing Quintet
Bluvertigo
60
28
Andrea Labanca
30
Chris Agnoletto
32
Ellen River
36
Fabio Curto
40
Le Hen
44
Giorgio Stammati
48
Enjoy the Void
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JOAN THIELE
volevo essere Jimmy Page
Scelte inaspettate e altre probabilità di canzoni in italiano per la cantautrice
italo-colombiana, forte di un disco, “Tango”, scritto proprio mentre
ripercorreva le proprie forti radici sudamericane
Vestito arancione, sorriso e un
po’ di curiosità negli occhi: Joan
Thiele si muove con grazia negli
uffici Universal di Milano. La ragazza
italo-colombiana è qui per
presentare alla stampa il suo nuovo
Tango, un ballo molto pop ed
estremamente colorato, ma anche
con strati multipli che prendono
origine dalle radici di Joan. “C’è
un riferimento alle mie origini
sudamericane, ma per me rappresenta
il fatto di toccarsi, emozionarsi,
arrivare alle persone. Tango
è nato due anni fa in Colombia, ad
Armenia, vicino a Bogotà, dove
vive mio padre con suo fratello
gemello. E’ stato un viaggio molto
forte per me. Sono partita e sono
andata a trovarli in un periodo
difficile, in cui mio padre stava
molto male. Il viaggio mi ha portato
ad affrontare le mie paure e la
mia vita in quel momento. E’ stato
molto bello e importante, perché
a un certo punto mi sono completamente
liberata e sono nate
le canzoni. Sono riuscita a esprimere
tutto quello che avevo dentro,
quindi piano piano canzoni e
suoni hanno preso forma. E’ stato

molto importante avere questa
duplicità nella mia vita e nel disco:
la Colombia, la natura ma anche
la parte più elettronica che rappresenta
la mia casa, la mia parte più
europea, la mia mamma. Per me
si tratta di un disco importante
perché mi sento molto cresciuta a
livello personale di esperienza e di
vita. A prescindere dalla musica,
che poi il disco piaccia o meno.
Scriverai mai in italiano?
Probabilmente scriverò in italiano:
la lingua non dev’essere limite.
Non dovrei dire: “Voglio scrivere
soltanto in inglese”. Ho fatto que-
sto pezzo in spagnolo (Azul, ndr)
proprio perché volevo far emergere
di più il tango. Vorrei che fosse
la comunicazione ad arrivare,
piuttosto che il limite della lingua,
che poi non è un limite perché
la nostra è una lingua stupenda.
Il giorno che scriverò in italiano
sarò molto felice. Ma non la vivo
come una pressione, cioè che devo
iniziare a cantare in italiano per
forza.
E uno dei modelli potrebbe essere
Calcutta...
Stimo molto Calcutta, così come
mi piace molto come scrive Colapesce,
ci
sono diversi
artisti italiani
che reputo
molto
validi nella
scrittura e
che hanno
creato uno
stile e hanno
dato vita
a un proprio
movimento.
Hai dichiarato
che se potessi scegliere qualcuno
con cui collaborare penseresti
a Robert Plant
Sì! Oppure Paul McCartney... Ho
iniziato mitizzando i Led Zeppelin.
Io non avevo particolari
riferimenti, i miei genitori non
sono mai stati appassionati di musica
tanto da inculcarmi qualcosa.
Però la mia vicina si casa, che
era anche la mia baby sitter, che
ascoltava i Led Zeppelin tutti
i giorni, io avevo 11 anni e ho
iniziato ad assorbirli. Poi già
strimpellavo un po’ la chitarra
e suonavo cose minori o anni
Novanta, e volevo diventare
Jimmy Page! Poi i miei ascolti
sono cambiati tantissimo.
Tanto che a volte mi chiedo:
“Ma mi piace quello che faccio?”
Ci sono cose che ti escono
nonostante i tuoi ascolti
siano diversi. Quindi non è
più una questione di genere,
ma piuttosto: sto raccontando
qualcosa e a me viene fuori in
questo modo qua. “Vestito” e
produzione sono un’altra cosa.
Ma io in definitiva non posso
essere i Led Zeppelin, o qualche
altro cantante che stimo e amo.
Devo trovare quello che sono io.
A volte combatti con i “mostri”
interni, ti dici: “Questa canzone
è troppo pop”, ma poi capisci che
devi accettare che ci sia la canzone
più pop, quella con più chitarra,
con meno parole. Devi accettare
te stesso e lavorare per migliorare.
6
7

Qual è la tua storia fin qui e come
hai incontrato Claudio La Rocca?
Ho sempre cantato, non ho un ricordo
di me in cui io non canti.
Al liceo mi sono imbattuta in due
musicisti singolari, Stefano De
Vivo e Vincenzo Guerra e li ho
sempre seguiti nel loro percorso di
MAËLYS
il tempo adatto
“Mélange” è il primo album ufficiale della giovane cantante pugliese,
che racconta dei suoi brani e dell’incontro con il suo produttore,
il beatmaker italiano Claudio La Rocca, in arte Sup Nasa
musicisti, la prima fan di un loro
progetto hip hop/nu soul, i Think
About It. È stata alla presentazione
del loro secondo disco che
sono incappata in Claudio (che fa
parte anche dei Think About It), o
meglio, è lui a essere incappato in
me! Ero in prima fila e conoscevo
già tutte le parole di un disco pubblicato
quel giorno. Chiese di me
e i ragazzi gli fecero vedere alcuni
brani di me che cantavo molto intimamente
al piano di casa mia. Il
giorno dopo mi scrisse per collaborare
e da quel momento mi ha
introdotta in un mondo, quello
dell’elettronica, nuovo e affascinante.
I due galeotti di cui parlavo
prima sono ovviamente parte
essenziale del mio progetto oggi:
Stefano De Vivo è alla chitarra e
ha composto con Claudio i brani,
Vincenzo Guerra è il mio (paziente)
produttore artistico.
Come nascono le canzoni che
sono finite su disco? Nel cassetto
da tempo oppure accumulate in
fretta prima dell’uscita del disco?
Sono nate davvero per caso, non
esisteva nemmeno l’idea di fare
un disco. Io e Claudio passavamo
giorni in studio a buttare giù idee
e nel giro di tre ore avevamo già
8 9

scritto due pezzi. È stato davvero
un flusso di coscienza e ho trovato
straordinario come alle volte sapeva
realizzare qualcosa che avevo
in mente senza che lo esprimessi
poi cosi tanto
chiaramente.
Ci sono molte
influenze internazionali
che si
avvertono nel disco:
quali sono i
tuoi punti di riferimento
in assoluto?
Ci sono dei nomi
della scena internazionale che
mi rapiscono totalmente. Penso
a Jorja Smith, Thundercat, Sabrina
Claudio, Daniel Caesar, Frank
Ocean, Sampha, Solange.
Perché hai scelto “Apricot Marmalade”
come singolo? Che
cos’ha di speciale per te?
È stato il primo brano che Claudio
mi fece ascoltare, prodotto da
lui e cantato dalla sua voce. Me
ne innamorai subito, anche se lui
non ne era molto entusiasta. Me
ne sono quasi impossessata, gli
dicevo che se a lui non piaceva sarebbe
diventato mio. Rappresenta
molto la mia voglia di andar via,
di visitare bei posti, anche solo
con la mente.
Visto che il disco è uscito
da qualche tempo, avete
già del materiale nuovo?
Ho scritto qualche testo
nelle ultime settimane,
sono tutti molto embrionali
e impulsivi, scritti
in momenti di pieno trasporto
emotivo circa alcune
situazioni vissute.
Ho tanto da raccontare
ma sono ancora nella fase di “vortice
di pensieri” che va ancora
riorganizzato per far nascere un
prodotto autentico e vero. Quasi
ogni giorno sento il bisogno di
chiudermi di nuovo in studio e
dar vita a brani emozionali come
è successo con quelli di Mélange,
ma ancora lavoriamo molto per
il tour estivo (che potete visionare
sulla mia pagina artista su Facebook@maelysmusic
o sul mio
profilo Instagram@egomaelys).
Ci sarà il tempo adatto per tutto.
10 11

CARMINE TUNDO
un’esigenza reale
Non ha scopi precisi, non sarà seguito da un tour, fa parte di una trilogia:
“Nocturnae Larvae Volume Uno” è il nuovo disco del cantautore
di Galatina, ma anche una raccolta di incubi e fantasmi
Prima domanda
ovvia: perché
hai sentito
la necessità di
dedicare un album,
anzi una
trilogia, ai tuoi
fantasmi notturni?
E’ stata una necessità,
quella
di raccontare la
mia parte più
oscura, che poi
rispetto anche
ai miei altri
progetti è il
mondo sonoro
in cui
mi sento più
a mio agio.
Sono tracce raccolte in tanti
anni, all’inizio sembravano
confuse, però poi mettendole in
fila avevano un significato molto
profondo per me, e quindi
ho deciso di pubblicare questo
lavoro senza pensarci molto, seguendo
soltanto l’istinto di voler
fare quello che volevo senza
filtri.
Il disco è potente e molto sperimentale,
e sembra lungamente
meditato: da quanto tempo lo
stavi “preparando”, dentro di te?
Parecchi anni, ogni traccia è nata
da un’esigenza reale, non c’è nulla
di meditato, quindi magari tra un
brano e l’altro c’è anche un anno
di differenza, ma ogni volta che ne
sentivo la necessità, avevo quella
“cartella” dove man mano ci buttavo
dentro i miei fantasmi, poi
arrivato a circa quaranta brani ho
deciso di dividerli in capitoli.
Considerando i tuoi esordi, di-
12 13

Non è il momento ancora per me
di affrontare un certo percorso
su questo album, è una questione
molto intima, magari quando avrò
pubblicato tutti i volumi poi cercherò
il modo di portarlo live.
Anche se quest’anno farò una piccola
anteprima al SEI festival, ma
è più una questione di famiglia, ci
ho suonato con tutti i miei progetti
e ci tenevo a tenere una piccola
esibizione in anteprima su quel
palco.
Il pezzo che mi incuriosisce forse
di più è “King of Trap”: come
ciamo così, “mainstream”, un
album del genere era difficile da
pronosticare: come giudichi ora
i tuoi primi passi in campo musicale?
Guardo sempre al passato con
un po’ di ansia, soprattuto al periodo
sanremese, per quasi dieci
anni non ho riascoltato l’album
di “Romeus” perchè sentivo un
forte disagio. Poi dopo dieci anni
credo che alcune sensazioni cati
è venuta l’idea?
Mi divertivo a campionare dei discorsi
in tedesco per inserirli in
un brano, volevo ricreare quell’atmosfera
di alcuni brani dei Rammstein,
band che amo molto, e
mi sono imbattuto nel celebre discorso
di Trapattoni quando era
allenatore del Bayern Monaco. E
così è nato questo titolo,un gioco
di parole per prendermi un po’ in
giro e per ironizzare su quello che
ascolto e mi incuriosisce/diverte/
lascia sgomento della scena trap
italiana.
dano in prescrizione :) e quindi lo
considero come un tassello fondamentale
per il percorso successivo,
ritrovarmi in giovane età in
quel contesto lì mi ha fatto capire
la differenza tra il fare musica e
l’industria musicale, così ho avuto
modo di scegliere cosa fare, come
esprimermi, e ho scelto di farlo
con le mie regole.
Ti va di spiegare perché l’album
non sarà seguito da un tour?
14 15

RADIOLONDRA
è lei che ti salva
Indie pop, itpop, etichette che hanno un senso fino a un certo punto per
una band orgogliosa di aver fatto la gavetta e di conservare valori “antichi”
come la nostalgia e il romanticismo
Molta gavetta per arrivare fino a
“Slurp”: vi raccontate un po’?
Sì, noi siamo una band che ha fatto
la cosiddetta “gavetta” e in fondo
ne siamo orgogliosi... saltarla
(la gavetta) e passare subito magari
a un successo, magari dato da
qualche talent televisivo, è una illusione.
Perché le prime serate nei
locali semivuoti, le prime canzoni
pubblicate e ascoltate solo dagli
amici e dai parenti, ti fanno crescere
più di ogni altra cosa, come

musicista e anche come persona.
Abbiamo fatto vari Festival, diverse
date, abbiamo suonato tanto,
abbiamo anche smesso di suonare
per un certo periodo - perché
quando senti di non avere niente
da dire è meglio stare fermi e
aspettare - e poi, in qualche mese,
abbiamo scritto Slurp. Finalmente
abbiamo trovato il suono che stavamo
cercando, e tutto è venuto
facile.
Nome “antico”, titolo e copertina
fumettosa, sotto un vestito
indie-pop (anzi a volte perfino
itpop) le vostre canzoni hanno
testi spesso cantautorali e nostalgici.
Insomma ascoltate più spesso
Calcutta o Guccini?
Ascoltiamo più che altro Vasco,
Dalla e De Gregori. Calcutta è,
come noi “figlio” di Guccini e di
quella tradizione da cui non puoi
prescindere, perché parte di te, è
una cosa ineliminabile. Per quanto
riguarda la nostalgia a cui fai
riferimento, è vero, è presente
nelle canzoni. Ma sai, la tristezza
e la nostalgia (che oggi sono sentimenti
da cui si cerca di fuggire
perché ritenuti fuori moda, per
essere fighi bisogna sempre sorridere
a ogni costo) sono secondo
noi quei sentimenti che invece ti
costringono a fermarti e a guardare
veramente dentro e fuori di te.
La nostalgia è una cosa molto utile,
non è da censurare.
Come nasce “Quando sei abbronzata”,
uno dei pezzi secondo
me più significativi dell’album?
Quando sei abbronzata è anche
una delle nostre preferite, siamo
felici ti piaccia. Sembra un pezzo
triste ad alcuni, ma in realtà
è una vera e propria canzone
d’amore. E’ un inno a lei che ti
salva, che ti ha preso in braccio
quando stavi male, che è presente
lì a dirti che i tuoi sensi di colpa
devono andare a cagare, che
la vita è bella e merita di essere
vissuta con tutti i suoi casini.
Il disco suona molto “estivo”,
pur con le sue riflessioni. Che
programmi avete per l’estate?
Dove sarà possibile vedervi dal
vivo e qual è la versione dei RadioLondra
che si vede su un palco?
Abbiamo fatto qualche data promozionale
a Milano e ci torneremo
a brevissimo, poi suoneremo a
Roma, a Rimini ...per queste info
siamo sempre attivissimi su instagram@radiolondraband
e su facebook@radiolondraofficial.
Sul palco
suoniamo il disco, così com’è.
Vogliamo riproporre lo spettacolo
esattamente come lo abbiamo realizzato
su disco, perché ci sembra
ci sia un bel groove di fondo. Poi
chiaramente qualche sorpresa bella
la abbiamo inserita in scaletta!
18
19

ALISIA JALSY
momenti di rabbia
to di fine anno. Ricevendo complimenti
e inviti a partecipare ad
altri eventi decisi di intraprendere
questa strada. La tappa più significativa
si può dire sia stata la mia
partecipazione a Italia’s got Talent
dove arrivai alle semifinali. Contemporaneamente
mi iscrissi al
Brass, scuola jazz europea di Palermo,
dove tutt’ora continuo a
studiare sia canto che pianoforte.
Durante il periodo di Italia’s got
Talent scrissi il mio primo singolo
Se solamente Tu grazie al quale
ricevetti ottimi riscontri così da
decidere di intraprendere la strada
del cantautorato.
Sei giovanissima (stai studiando
per la maturità): come concili
scuola e canzoni?
Diciamo che al momento risulta
difficile anche per me conciliare
entrambe le cose, al momento la
cosa più importante è il diploma e
per fortuna ho un team dietro che
mi sostiene soprattutto nella gestione
lavorativa e social.
Il tuo nuovo singolo, “Fango”,
sta avendo un successo notevole
su YouTube: come nasce la canzone?
Il pezzo Fango nasce da un mo-
Secondo singolo e un ep in arrivo l’anno prossimo per la giovanissima
cantante di “Fango”, tra successo ed (esame di) maturità
Qual è la tua storia fin qui?
La mia storia musicale si può dire
sia iniziata all’età di 16 quando
partecipai con la scuola al concer-
20 21

mento di rabbia, rivolto a una
persona in un periodo particolare
della mia vita... il termine Fango
a Palermo significa ‘persona poco
affidabile’ e infatti tale si è rivelata.
Come nel caso di Se solamente Tu
sono testi scritti di getto con totale
spontaneità (apportando poi le
giuste modifiche nel momento
dell’elaborazione del pezzo) soprattutto
come valvola di sfogo sia
per me che per chi li ascolta.
Hai qualcosa da raccontare a
proposito del video?
Stavo impazzendo per trovare un
attore, ci stavo quasi rinunciando...
Ricordavo di aver visto circa
un mese prima delle riprese un ragazzo
che usciva dal Brass (la mia
scuola di musica)
da allora sperai
di incrociarlo
ma alla fine riuscii
a trovare il
suo contatto negli
elenchi della
scuola. Decisi di
contattarlo chiedendogli
di partecipare
al video
e accettò subito,
spero di aver
reso felici gli occhi
delle mie fans
ahahah. Il video
è stato girato a
Palermo a Villa
Giulia e al centro
di Monreale.
Fino a qui hai
pubblicato soltanto
singoli: è
previsto un album? Puoi anticipare
qualcosa?
Al momento non do nulla per certo.
L’unica cosa che posso dirvi è
che probabilmente usciranno altri
singoli e che a gennaio 2019 uscirà
un ep.
22 23

MINOR SWING QUINTET
“Minor mali” è il nuovo disco del combo, sei anni dopo “Mapo salato”:
un album che evidenzia la ricchezza portata dalle differenze, sia a livello
interno, sia su scala globale
Sei anni dopo “Mapo Salato”,
ecco “Minor Mali”: che cosa
è successo in questi sei anni e
come sono andate le lavorazioni
del disco?
Come in ogni matrimonio che si
rispetti, in questi anni siamo stati
tanto insieme, calcato molti palchi,
ma ci siamo anche presi una
pausetta di riflessione, che ci ha
fatto ritornare in sala più carichi
che mai e comporre questo nuovo
disco..insomma, è passata tanta
acqua sotto i ponti ma, come direbbe
Vasco...noi siamo ancora
qua!
Il titolo del disco è leggibile anche
come “mai normali”: che
messaggio volete lanciare?
In un periodo dove le diversità
non sono così ben accettate, abbiamo
voluto rendere esplicito
il nostro pensiero: le differenze
sono solamente delle ricchezze!
Ci sarebbero domande da fare
su ogni brano, ma mi concentrerei
per esempio su un paio: per
“Tipitappi”, che apre il disco dite
che “ammiccate ai Led Zeppelin”.
Perciò… che musica stavate
24 25

a Gaza nel 2011.
Mi raccontate qualcosa anche a
proposito delle collaborazioni
del disco, con Fabrizio Bosso e
Mbar Ndiaye in particolare?
Con Mbar abbiamo avuto il piacere
di suonare durante diverse
edizioni del Mama Africa Meeting,
festival di musica e danza
dell’Africa dell’Ovest. Con Fabrizio
invece, Alessandro e Tommy
avevano collaborato nello spettacolo
Mimì è una civetta. Entrambi
hanno accettato entusiasticamente
alla nostra proposta di un cameo
nel disco e noi ne siamo molto
grati e onorati.
ascoltando nel periodo di composizione
dei brani?
In realtà nessuna musica in particolare,
in Tipitappi è venuta fuori
di più la nostra vena rockettara,
ma gli ascolti rimangono eterogenei
per tutti e cinque. Comunque
essere accostati ai Led Zeppelin è
un grandissimo onore!
Due brani particolarmente significativi
del disco mi sembrano
“Le Bandit de Bambeeto” e
“Vittorio”: volete raccontarne la
storia?
Le Bandit de Bambeto è ispirato a
un quartiere di Conakry, capitale
della Guinea, dove, nel settembre
2009, ci sono stati molti scontri e
disordini tra polizia e civili. Vittorio
invece è dedicato a Vittorio
Arrigoni, attivista italiano morto
26 27

ANDREA LABANCA
#cinqueminuticon
Andrea Labanca l’ho scoperto
per caso, e spesso per caso succedono
gli incontri più interessanti,
anche se virtuali. Per non tornare
è il suo terzo album, legato alle radici
della canzone italiana intelligente
ma divertente, con testi mai
banali e ritornelli deliziosamente
pop.
“È bellissimo
perdersi per il
gusto di non tornare”
è una frase
del brano che dà
il titolo al disco.
Da quale luogo,
fisico o mentale,
stai scappando?
Quella canzone
l’ho scritta in
modo impersonale
all’inizio,
non pensando a
me, volevo solo
scrivere una storia
di un certo tipo. Mi
sono accorto a posteriori
che c’era dentro
quella canzone molto
del mio vissuto di
qualche anno fa. Credo
che la fuga sia sempre uno spostarsi
da qualcosa che non ti permette
di essere quello che vorresti.
Io ho sempre bisogno di stimoli
nuovi e di sfide, anche a costo di
sfidare l’ignoto, penso che la mia
fuga sia dal già visto e dal già sentito.
La prigione più grande dell’uomo
è da sempre quella di cui si possiedono
le chiavi. “Fare l’amore”
nonostante il buonumore rende
perfettamente l’idea di quanto le
paranoie possano condizionarci
le storie, e pure un po’ la vita...
Quello che succede fuori condiziona
l’interno e viceversa ovvio, ma
penso che ci sia troppo pessimismo
in giro, troppa prostrazione. Dalla
politica alla società in generale c’è
poca ricerca del bello e di emozioni
positive. Guarda i social: sono
diventati lo sfogo di frustrazioni
e rabbia, creandole talvolta. Penso
che questa atmosfera negativa
serva solo a tenere gli occhi della
gente sulle cose piccole a non fargli
guardare il cielo che è comunque
più grande di noi e rimarrà dopo di
noi. Non si cambia nulla col cattivo
umore. Lavorare alle cose che ami,
cambiare la tua vita tutti i giorni,
amare le persone che ti stanno vicino,
queste sono le cose che migliorano
l’umore personale e permettono
di immaginare un mondo
migliore.
Fare le stesse cose col sorriso
non costa fatica ma cambia la
prospettiva. La vita se ne accorge
se la stai prendendo in giro o se
davvero te la stai godendo, e se
te la godi magari sarà lei stessa
a decidere di regalarti qualche
soddisfazione in più. Un po’ di
Rino, un po’ di Enzo... le influenze
musicali si intuiscono, ma c’è
qualcosa di imprevedibile tra i
tuoi artisti del cuore, riferimenti
letterari compresi?
Be’ Jannacci e Gaber di sicuro
sono dei grandi riferimenti per
me, non solo musicalmente ma
come mondo di intendere lo spettacolo,
il rapporto con l’arte. Io
mi sono confrontato spesso con
la performance e con il teatro e
credo che in questo mio rapporto
abbiano influito le visioni dei due
grandi milanesi. Rino Gaetano
l’ho sempre amato, ma è stata una
sorpresa quando in studio ho alzato
di tonalità la linea vocale di
“Facciamo l’amore” scoprire che là
mi ero sicuramente ispirato a lui
nella scrittura. Tra gli italiani citerei
Piero Ciampi e Bennato ma se
28 29

devo essere sincero la mia adolescenza
è fatta anche di tantissimo
rap vecchia scuola Run-DMC, De
La Soul, Arrested Development.
Ora ascolto tanto Wilco e Jack
White.
È un’arte anche saper scegliere la
musica con cui diventare grandi.
“Lago di Costanza” è la canzone
del tuo album a cui ho dedicato
più tempo e attenzione. Ci racconti
come è nata è quello che
rappresenta?
Durante lo Spaghetti Couchsurfing
Tour, ci annullarono una data
e dovemmo fermarci due giorni
a Costanza, una città tedesca
che si sviluppa proprio attorno
all’omonimo Lago. Costanza
è una città davvero suggestiva
con un’atmosfera spettrale eppure
romantica, piena di leggende.
Una mattina mi svegliai
attorno alle cinque, un orario
in cui si vedono ancora bene
gli spettri, e in qualche minuto
scrissi la canzone, direi di getto,
quasi in trance.
Gli spettri a fine notte sono
quelli meno addomesticabili,
che ti riconoscono e ti chiamano
per nome, quelli da cui
non si può fuggire e da cui non
si vorrebbe tornare. Gli stessi
spettri, però, sono anche quelli
che permettono di scrivere canzoni,
storie, di dare forma a un
sentire.Che idea hai della situazione
attuale della musica in Italia,
ma più in generale dell’intero
ambiente culturale?
In generale non credo che sia un
periodo di grandissima rivoluzione
musicale, se ci pensi la novità
della trap non è che un rap
rallentato e con l’autotune, senza
nulla togliere ad artisti straordinari
quali Ghali, ma non vedo
delle vere innovazioni di rottura.
A me piacciono le sacche di resistenza,
oppure le sperimentazioni
pure, in generale cerco di sguazzare
nei piccoli mondi sommersi.
Per esempio la poetry-slam è un
fenomeno che mi interessa molto,
sia per l’aspetto aggregativo
che per l’uso della parola. I raduni
rock’n’roll mi piacciono sempre
molto per l’atmosfera, credo che
in Italia come anche in Europa, si
stia un po’ col naso per aria cercando
qualcosa di nuovo.
Per chi vuole fare musica e vivere
di arte che prospettive ci
sono?
Be’ ti risponderei come nel mio
video di lancio di Carrozzeria
Lacan “Intervista alla Televisione
spagnola” ma è un’intervista
scritta, quindi articolerò. Credo ci
voglia tanto lavoro e fantasia, tanto
lavoro sul territorio. Qualcuno
ci ha convinti che con internet si
può diventare famosi, ma io famosi
da YouTube ho visto diventare
soltanto dei deficienti che si rovesciano
i bicchieri d’acqua in testa.
Se vuoi fare musica devi suonar
tutti i giorni e creare un bel rapporto
con il pubblico, da lì arriva
la possibilità di poter fare questo
lavoro per più di sei mesi.
Ci consigli qualche brano da inserire
nella playlist, che magari
ci aiuti anche a conoscere qualcosa
in più di te?
Italiani quindi? Ultimamente sto
amando molto Gemitaiz e Ghali,
ma penso che uno dei dischi più
belli italiani sia sicuramente quello
di Colapesce per linguaggio,
intelligenza e scelte sonore. Non ti
nascondo che l’idea di collaborare
con un rapper mi entusiasmerebbe.
Gemitaiz è una mia passione,
forse inconfessabile su un magazine
come TRAKS. Ma ormai
l’ho detto. E non solo: se capitasse
una collaborazione tra Andrea
e Davide sarei la prima a
festeggiare, con un pezzo drammaticamente
e irrimediabilmente
trap in sottofondo.
Chiara Orsetti
30

CHRIS AGNOLETTO
Molte forme di amore (ma anche un po’ di indignazione) nel primo disco
del cantautore foggiano, che ha anche un’attività, florida e parallela, di
poeta e di scrittore
Hai iniziato a lavorare a questo
disco nel 2013: come sei arrivato
fino all’album?
Dopo un lungo periodo di distacco
dalla musica, nel 2013 ho ritrovato
l’ispirazione per scrivere nuove
canzoni. Ho messo in piedi un
paio di band ma non sono riuscito
a trovare la formula magica che le
facesse suonare come avrei voluto.
Fino all’incontro con Alberto
Nemo, musicista e produttore di
Rovigo, con cui è nata un’intesa
umana e artistica incredibile, che
ha deciso di arrangiare una parte
del mio repertorio e produrla per
farci un album.
Mi sembra che il disco sia permeato
da una certa rabbia di
fondo...
Il disco è invece permeato di un
intenso sentimento di amore, nelle
sue varie forme: l’amor proprio,
l’amore per una donna, l’amore
per un amico scomparso, l’amore
per un’umanità disperata, confusa
e anestetizzata. Ecco, tutto questo
amore si traduce in un urlo di
dolore, più che di rabbia, quando
l’oggetto o il soggetto a cui è rivolto
lo si sente soffrire, lo si crede
perduto, lo si vede morire.
Come nasce “Il mondo è morto”?
“Il mondo è morto” nasce da una
profonda indignazione, scaturita
dall’osservazione del momento
storico nel quale viviamo, dove
una società ipnotizzata, addomesticata
e frustrata si lascia soggiogare,
schiavizzare e impoverire dal
potere di una minoranza occulta.
Un’umanità impaurita che vede
nemici ovunque, che distrugge e
si autodistrugge, incapace di creare
legami, guidata dalle più basse
pulsioni, ormai sempre più slegata
dalla propria essenza spirituale, ed
è stupidamente felice. Chi è consapevole
non può che essere infelice
osservando questo mondo,
che però, essendo morto, non può
che rinascere in qualcosa di meglio.
La tua attività di scrittura investe
anche poesie e racconti: hai
in programma prossime pubblicazioni?
Prossimamente darò alle stampe
una raccolta di racconti. Nel frattempo
sto scrivendo un romanzo,
un’avventura intrisa di esoterismo
e fantasy, che continuerò compatibilmente
con il mio progetto musicale.
C’è un rapporto distaccato
tra la le due attività: entrambe
hanno dinamiche molto diverse di
scrittura, ma talvolta ci possono
essere delle convergenze; ad esempio,
canzoni come “Parola d’ordine:
uccidere!” e “L’uomo senza
ombra” sono nate come racconti
che poi ho avuto l’esigenza di mettere
in musica.
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ELLEN RIVER
Sonorità americane e collaboratori (eccellenti) italiani: “Lost Souls” è il
secondo album della cantautrice modenese e può contare su nomi di spicco
come Antonio “Rigo” Righetti, Mel Previte, Robby Pellati
Dove sei andata a inseguire le
tue “Lost Souls”?
Le mie Lost Souls sono sempre nei
paraggi, per scovarle basta osservare
bene chi ci circonda, a volte
sono presenze che si aggirano nei
miei pensieri come memorie che
riemergono da vite antiche, altre
volte sono incontri casuali lungo il
cammino, altre invece sono sguardi
che si incrociano per una frazione
di secondo. Sono le persone
che non hanno paura di mostrare
le proprie debolezze, la propria
umana imperfezione. Sono anime
coraggiose che ogni giorno
si fanno strada in questo mondo
delirante.
Veniamo all’incontro con i
grandi musicisti che ti accompagnano
nel disco: come è avvenuto?
Qualche aneddoto?
Ci si aspetta sempre aneddoti
divertenti o particolari, nel mio
caso è la casualità che mi ha portato
a conoscerli di persona.
foto di Gabriella Ascari
I loro nomi li conoscevo ovviamente
essendo musicisti emiliani
con un percorso artistico importante
a livello nazionale, ma non
li avevo mai incontrati. Una sera
ho partecipato da spettatrice a un
evento che prevedeva l’ascolto di
vinili e ho incontrato Rigo, scoprendo
dopo che era tra gli organizzatori
dell’evento.
A giudicare dai titoli dell’album
c’è un forte elemento acquatico:
cosa ti affascina nell’acqua?
Farei forse prima a dire cosa non
mi affascina dell’acqua :-) E’ un
elemento essenziale, non a caso
noi stessi siamo fatti in gran parte
d’acqua. La sua potenza inarrestabile
e la capacità di avanzare
nonostante gli ostacoli lungo il
percorso sono da ammirare, Lei
procede senza soste e trova sempre
la strada sebbene impervia.
E’ l’esempio lampante che a ogni
buio segue una luce e che a ogni
ostacolo può corrispondere un
salto.
Come ti presenterai dal vivo per
promuovere il disco?
Nei live sino a ora abbiamo portato
la formazione al completo
cercando di portare alle persone il
mood dell’album. C’è stata magia
in sala di registrazione ed è quella
che si cerca di riprodurre nei
concerti, si cerca di veicolare alle
persone le emozioni che il musicista
stesso prova. L’arte è emozione
allo stato puro, per come la vedo
io ovviamente, per cui l’intento
è farsi guidare dal moto che abbiamo
dentro facendolo detonare
all’esterno.
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FABIO CURTO
Alle spalle una vittoria a “The Voice”e anche un periodo di silenzio. Oggi il
cantautore si è rimesso a navigare con il nuovo “Rive volume 1”
Dopo tre anni, ecco il tuo nuovo
disco: vuoi raccontarci che tipo
di esperienze hai affrontato per
arrivare a “Rive volume 1”?
Ho dovuto superare diverse diffi-
coltà tra le quali rimanere fermo
per un certo periodo di tempo,
almeno a livello discografico e
poi tirare le somme per lanciare
un messaggio con un sound
omogeneo e concreto senza troppa
dispersione di energie.
Come nasce il disco e perché
l’ambizione racchiusa nell’attributo
“volume 1”?
Il disco nasce da una selezione
di brani che avevano qualcosa in
comune, una selezione basata su
sound e tematiche, spesso di separazione
e rinascita. Sono rimasti
fuori tutta una serie di brani
già composti e in parte arrangiati.
Da qui l’ambizione di un volume
due che parli anche di loro.
Come nasce “Mi sento in orbita”
e perché l’hai scelta come
singolo?
Ho presentato questo brano in
Fonoprint il giorno prima che
iniziassero le registrazioni ufficiali,
avevo una bozza della quale
mi convinceva molto il ritornello
e in generale il climax, l’ho sentito
molto pulp, adrenalinico e
noir allo stesso tempo. Tirando
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le somme e confrontandomi con
tutto lo staff della Fonoprint abbiamo
deciso di lanciarlo come
primo singolo perché sembrava
quello più appropriato a dare un
messaggio di rottura di cui avevo
bisogno. È la traccia più rock
dell’album senza ombra di dubbio
insieme a Un’ora fa.
Hai presentato il disco con un
tour australiano: come mai questa
scelta?
Sono stato contattato da un organizzatore
di eventi australiano il
quale mi ha proposto questo Italian
National Ball nel quale erano
presenti diverse
figure
diplomatiche
ed esponenti
di eccellenze
enogastronomiche
e aziendali
italiane. Ho
vissuto come
un onore
rappresentare
l’Italia dal
punto di vista
artistico nel
giorno della
festa della
repubblica
presentando
il mio nuovo
album in un
evento così
importante.
È stata una bella esperienza anche
se tre concerti in dieci giorni
con ventiquattro ore di viaggio
alle spalle....non è stata una passeggiata
diciamo :)
Cosa ti ha regalato l’esperienza
a “The Voice”? Ti sentiresti di
consigliarla a un emergente?
Mi ha fatto maturare molto dal
punto di vista professionale, ho
capito quali sono i pro e i contro
della televisione ma ho capito
soprattutto quanta determinazione
e quanta struttura ci
vogliano per affrontare questo
mestiere con il sorriso. Dire che
è dura è cosa risaputa. Non so se
lo consiglierei a un artista emergente,
dipende dal carattere, ci
vuole molta fiducia in se stessi
altrimenti ne esci spappolato e
con l’immagine che “loro hanno
di te”. Resta sicuramente una
grande vetrina.
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LE HEN
Sono un trio che nasce a Bologna nel dicembre del
2014 e che fa un punk come non si sentiva da un po’:
il loro nuovo disco è “Alibi”, concentrato di energia e
obiettivi polemici spesso molto precisi
Una curiosità di partenza: qual è
la storia della vostra band?
Ci siamo conosciute casualmente
a una festa di laurea di un compagno
di corso di università della
Totta, amico comune delle future
Hen. Lui, appassionato di musica,
sapeva che la Totta prendeva
lezioni di chitarra da anni ma che
suonava soltanto in casa da sola
quando tutti erano fuori. Quella
sera festeggiando tra spritz e gin
fizz, ci siamo trovati nella sua villa
in un giardino metafisico simile
a un paradiso rock. Un gruppo
hardcore intratteneva la serata e
finito il concerto, l’amico invitò la
Totta per suonare qualcosa.
C: Sì era la mia prima volta, il
terrore mi assalì. Mi sedetti imbarazzata
e dal microfono cercai
complicità tra quei muri d’amplificatori
e riflettori. Arrivarono
solo due ragazze stralunate, le
stesse vegane con le quali avevo
sbranato da poco una ruola gigante
di lasagne. Neanche farlo
apposta una si sedette alla batte-
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ia e l’altra al basso. Non sapevo
che sapessero suonare. Purtroppo
realizzai subito che come me non
sapevano suonare, ma ci eravamo
già lanciate, incoscienti e aiutate
dall’alcol, in una devastante interpretazione
di Venus e Satisfaction.
I: Ecco! Tra una laurea, le lasagne
e un po’ di rock, sorsero così le
mitiche Hen, naturalmente sui famosi
colli punk di Bologna.
Qual è il vostro “Alibi”? Quali
sono le motivazioni del titolo del
disco?
Per noi l’alibi è un altrove
che ci serve per respirare,
per riappacificarci,
come un suono che viene
da lontano. Le parole
sono importanti e amiamo
estrapolarle dal loro
contesto e inserirle in
uno nuovo, a volte affine
a volte arbitrario. Questo
è il nostro alibi. L’album
stesso ha fisicamente un
lato A e un lato B. Ogni
nostro brano è caratterizzato
da giochi di parole,
doppi significati
e dietrologie varie che
cercano di sdrammatizzare. Un
linguaggio che definiremmo “anti-infarto”
o, come diremmo qui a
Bologna, “antismalvino”.
Dichiarate di esservi buttate nel
disco “senza rete”: come è andata
la lavorazione dell’album?
Abbiamo registrato allo Studio
Spaziale di Bologna cercando di
privilegiare la parte più emozionale
a quella tecnica perché è il
valore aggiunto che riteniamo
di avere. Questo ha comportato
anche delle imprecisioni, noi le
chiamiamo “sporchitudini”, che
in certi casi sono volute, si ispirano
al mood degli anni ‘60 dove
alcune inesattezze erano mantenute
per ricreare le atmosfere che
potevano nascere in un clima live.
Queste sporcature erano aiutate
dal suono del vinile ma erano imprecisioni
che hanno in sé un loro
fascino. Ci siamo date il permesso
di mantenerle perché anche l’errore
ha la sua bellezza. E dall’errore
nasce l’alibi. Abbiamo cercato di
trasformare i nostri limiti in un
valore aggiunto, in una nostra
componente espressiva, aiutate
dalla sapiente produzione
artistica di John Paoli, che ci
ha supportate nel perseguire
questa cifra stilistica.
Era parecchio tempo che non
sentivo un disco che meriti
l’aggettivo “militante”…
Grazie mille! Per noi è un
complimento meraviglioso!
Forse il lato vintage è dato,
oltre dalla ricerca del clima
live, dal fatto che abbiamo una
passione per le atmosfere anni
’60 e ’70, momento in cui le varie
espressioni del rock hanno avuto
origine. Anche se guardiamo alle
mode con grande interesse, non
ricoprono un ruolo così importante
perché, si sa, passano. Ma
la personale modalità di esprimersi
no. Sicuramente vogliamo
metterci la faccia rispetto a temi
più difficili da affrontare perché
pensiamo che se non si fa niente
per cambiare le cose allora si è responsabili,
ed è lì che ci si nasconde
dietro a un alibi, nella sua accezione
negativa.
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GIORGIO STAMMATI
Un bambino con il fucile sulla copertina di un
disco, “La festa patronale”, che racconta molte
storie di provincia con l’occhio del cantautore
cresciuto un po’ per volta
Comincerei dalla copertina: che
cosa rappresenta il bambino con
il fucile giocattolo della cover?
Non è stato facile scegliere la copertina
del disco. Ho optato alla
fine per questa perchè mi serviva
qualcosa di emblematico, ma anche
imperfetto, sporco. Il bambino
armato a una festa patronale
ci dice che anche in un tranquillo
ambiente di paese, festoso e rassicurante
con le sue certezze (come
il carretto con il muso di porco),
si celano battaglie, frustrazioni e
dubbi. Ringrazio Emanuele
e Giacomo Forte e il piccolo
Diego per aver ideato e realizzato
la foto.
Sembra che le canzoni siano
cresciute un po’ per volta.
Come è nato questo lavoro?
E’ vero, il progetto è stato una
lenta e mutevole costruzione.
Sono partito da solo a scrivere
canzoni nei miei primi
anni universitari senza troppa
cognizione di quello che
stavo facendo; nel corso di

cinque anni ho cambiato gusti,
ascolti, idee e band alla ricerca
di una identità cantautoriale, che
ovviamente è ancora in divenire.
Questo lungo percorso però mi
ha permesso di guardare con un
occhio più distaccato (per quanto
possibile) il materiale che avevo
tra le mani e decidere cosa tenere,
cosa buttare e cosa cambiare. La
svolta è arrivata con la formazione
della band con cui tutt’ora suono,
composta da Giovanni Iacovella
alla batteria, Marco Agesti al basso
e Giacomo Forte alle tastiere,
amici con i quali ho trovato subito
una giusta dimensione musicale
nella quale costruire La festa patronale,
che infatti è nato dopo
solo qualche mese di lavori in sala.
Nel disco dunque ci sono canzoni
scritte nei primissimi tempi e
canzoni scritte più recentemente,
un mix, questo, che conferisce
un’idea di cambiamento, dalle più
giovanili A clean house o Il parere
del timido alle più consapevoli La
festa patronale o Il pomeriggio, e
crescendo si sa, ci si incupisce.
Si sente un’aria da anni ‘90 nelle
tue canzoni. Quali sono i tuoi
ascolti abituali?
Per la costruzione del disco non
abbiamo deciso di seguire a priori
dei particolari filoni musicali,
non mi sono affidato a specifici
riferimenti (troppi pochi mezzi e
troppa poca tecnica per farlo) ma
è stato il naturale mix di gusto e
capacità di ogni componente della
band. Ovviamente si, il gusto
musicale si forma soprattutto con
l’ascolto, che per quato mi riguarda
è piuttosto variegato anche se
pigro: da Manu Chao ai Nirvana,
dall’indie italiano a Ozzy Osbourne,
da De Gregori a Sufjan Stevens.
Mi sembra che “La festa patronale”
sia anche il pezzo attorno
al quale gira l’ep. Come nasce?
Vero, “La festa patronale” è il fulcro
tematico del lavoro, per questo
ho dato al disco il nome di questa
canzone. La festa patronale è per
definizione una festa, appunto, ma
non sempre ci si diverte. Se non
hai mai provato altro, se non hai
alternativa è più un rimpiangere
quello che non c’è che un godersi
quello che ti si offre, è più un soffrire
la piccolezza della situazio-
ne che il godersi la genuina semplicità
della cosa: esci, incontri i
tuoi zii, vedi i fuochi (ogni anno
più poveri), incotri i soliti amici
(ogni anno più stempiati), mangi
il panino con la porchetta (che è
buono, per carità, pero..), ti compri
l’ennesimo laser, vai sulla Nave
Pirata e poi torni a casa col motorino
tra le imprecazioni in dialetto
per il traffico impazzito
e pensi ai tuoi amici che
vivono fuori, che girano
il mondo, che chissà che
lingue stanno parlando in
quel momento, chissà che
avventura assurda hanno
fatto quella sera, magari
hanno visto i Pirati veri,
non quelli della nave giostra.
Ma magari no, anzi
sicuramente no. In questo
contesto si articolano le
storie delle varie canzoni:
il timido, il solito pub, i
pomeriggi persi e le altre.
Insomma ognuno parla di
quello che più o meno conosce.
Come vedi questo disco:
opera a sé stante o anticipazione
di un album?
Consapevole del fatto che si tratti
di un inizio posso però considerarla
un’opera autonoma. Ho qualche
nuovo brano in cantiere nato
da spunti e atmosfere molto diverse
e che quindi mi piacerebbe raccogliere
in un disco nuovo, ma c’è
ancora molto lavoro da fare.
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ENJOY THE VOID
Enjoy the Void è un progetto alternative
rock nato a Sapri (SA)
nell’autunno del 2015, la cui idea
originaria risale, però, ai primi
mesi del 2014, quando Sergio Bertolino
viveva a Manchester. Oggi
la band è un sestetto che esordisce
con un disco omonimo di rock
alternativo. Si parte da The Most
Sublime, traccia che ha un ingresso
molto graduale, per poi sviluppare
tutta un’atmosfera tra electro
e new wave, con evidenti venature
romantiche. Più acidificata
Nanaqui, che presenta sviluppi
articolati, fra cui un assolo di chitarra,
sorretto da un groove molto
continuo della sezione ritmica. Si
va su toni da ballad con Our Garden,
rallentata e melodica. Il basso
predomina nelle prime fasi di
Doubt, ricca di funk. The Usual
Blues segue traiettorie elettriche
con un arredamento minimal del
pezzo, almeno nelle prime battute.
Something Strange vira su un
pop elettronico, raffinato e risonante,
con qualche nostalgia 80s
e 90s. A Prayer accoglie note malinconiche.
Dopo la breve Night
ecco la cadenzata Don’t Tell me
no, dai sapori black stemperati da
un’elettricità di provenienza rock
blues, con il basso in particolare
evidenza. Stay Away prende una
via soft con un pianoforte avvolto
di situazioni psichedeliche, che
poi si diffondono per tutto il brano.
Si chiude con Song for the
Forgotten One, con ritmi netti,
inquietudine sparsa, oscurità minacciosa.
Tanti gli ingredienti differenti
usati dagli Enjoy the Void,
per un risultato complessivamente
fresco e realizzato in modo più
che soddisfacente.
DUTTY BEAGLE
La campagna del rumore è il nuovo
album di Dutty Beagle: nove
brani in cui coesistono critica sociale
e ironia, il reggae e il folk, il
rap e il pop, il funk e il raggamuffin.
«Senza voler essere complottista
né sembrare troppo serio, il
titolo “La campagna del rumore”
si riferisce a quello che considero
un vero e proprio progetto di destabilizzazione
e desensibilizzazione
degli esseri umani. Siamo circondati
da ogni sorta di rumore:
social network, pubblicità, spinte
più o meno dirette a uniformarci,
a sottometterci alla società del
consumismo». C’è un lato di critica
ma anche un atteggiamento
tutto sommato ironico all’interno
di Aperisushi, che apre su ritmi
rilassati. Più energica Iammungenn,
che sconfina nello ska e
nel dialetto. Anche Isola utilizza
il dialetto, ma in funzione molto
più morbida e meno percussiva.
Si procede poi con Fortuna, che
vede la collaborazione di Andrea
Tartaglia, molto determinata e
oscura. Un rappato fitto anche con
Vien’ cca’ e vira, che lascia spazio
anche alla chitarra elettrica. Molto
più melodica Tutturuttuttu,
che scivola morbida con un po’ di
maliconia e qualche nota di sax.
Anche K vuo’ fa’ scende per pendii
melodici, accompagnata anche
dal pianoforte, ma approda anche
a momenti acidi. Si procede con
Tra le nuvole, che torna su toni
ironici, prendendosela con i social.
Chiusura di nuovo melodica
e notturna con Mare amaro, storia
di risacca e di “luna chiara”. Un
disco intenso e motivato, quello di
Dutty Beagle, che compila un discorso
pregno e sensato.
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I FIORI DI MANDY
Esce il secondo ep ufficiale de I
Fiori di Mandy: Carne. «Il titolo
“Carne” è dedicato al quadro
utilizzato per la copertina del disco,
opera di Tonino Mattu, pittore
oristanese che ha deciso di
prestarci questa sua bellissima
creatura”. Gli intenti della band si
capiscono dalla prima traccia, Invadere,
che cerca da subito di torcere
le budella dell’ascoltatore. Si
prosegue con Karter, che si rivela
presto riferita a “Hurricane” Carter,
protagonista della celeberrima
canzone di Dylan nonché del film
con Denzel Washington. Ma dallo
spunto iniziale I Fiori di Mandy
procedono, con dolore, lentezza e
influssi elettrici. In virtù del piovere
si rivela una danza che ha
tratti ossessivi, con chitarra e basso
completamente ingaggiati nel
discorso e ispirazioni che possono
far pensare ai primissimi Litfiba.
Ma la canzone ha molte facce e
si spezza in due, portando con sé
un incedere pericoloso e psichedelico.
Quelli di ieri parte piano,
veleggia su orizzonti dolceamari,
con il basso ancora in buona vena
e il gusto per le immagini forti
sempre presente. Mandria arriva
modulando i ritmi, e usa più il fioretto
che la spada, spagnoleggiando
qui e là. Tra le storie la storia
chiude l’ep optando per modalità
morbide, sulle prime. Ma poi
non ce la fa e rompe gli argini,
lasciando ampio spazio di libertà
agli strumenti e scatenandoli in
una sorta di danza tribale finale.
La personalità della band è molto
spiccata, la capacità di scrittura da
tenere presente, rabbia ed energia
talmente evidenti che è inutile anche
menzionarle.
ALEXEIN MEGAS
È in uscita il tuo nuovo video e
singolo: perché hai scelto proprio
questo brano?
The White Bird rappresenta uno
stato mentale appartenente all’essere
umano. Tutti che si affannano
per raggiungere i propri obbiettivi
perdendo di vista il vero
scopo di ogni singolo respiro, di
ogni attimo condiviso con gli altri.
Lo stato di prigionia delle persone
è rappresentato dalla gabbia
bianca, che stringe in una morsa
la vita del ragazzo, angosciato e
dolorante. A metà della storia il
ragazzo cade in un sonno profondo
e tribolato, tanto da iniziare a
confondere il sogno con la realtà,
rischiando di impazzire. Inizia la
sua rincorsa verso la gabbia che
fino ad allora era stata come una
compagna sempre presente, sebbene
indesiderata. L’ultima scena
ci regala un messaggio sottile: il
ragazzo che lascia andare la gabbia
per impugnare la chitarra vuole
rappresentare la liberazione dalla
sua prigionia con l’ingresso in
un luogo sconosciuto e spazioso,
ma che rappresenta pur sempre
una gabbia.
A fine settembre uscirà il tuo
nuovo lavoro: ci puoi raccontare
come sarà?
The White Bird sarà composto da
dieci tracce: un percorso tortuoso
tra stati emotivi, urla di rabbia,
bisogno di solitudine e voglia di
amore e libertà. Si tratta del percorso
della mente di un artista,
con ostacoli sul proprio cammino.
Emotivamente instabile, esaspera
le sue reazioni, rivolgendo le proprie
urla verso lo spazio. Soltanto
l’amore verso se stesso e verso gli
altri, permetterà ai suoi reali sentimenti
di venir fuori.
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STEFANO DENTONE
& ANTONIO GHEZZANI
Sedici canzoni con testi in italiano e in inglese:
“Spirali Impazzite” è il titolo del nuovo lavoro
in studio del duo livornese con all’attivo già due
album
Siete arrivati al terzo disco: in
che cosa è diverso “Spirali impazzite”
dai precedenti?
Ogni disco che abbiamo fatto è
stato diverso. Teatro Staller era un
album registrato in diretta come
si faceva ai tempi d’oro del rock e
aveva un impianto sonoro davvero
“roots” con le nostre sole due
chitarre e la voce. I Pugilatori aveva
un sound molto classic rock
con l’utilizzo della full band e le
chitarre elettriche in primissimo
piano.

Spirali Impazzite è senza dubbio
quello dei tre con l’anima più
folk. Ovviamente s’è conservato
l’impianto full band e le chitarre
elettriche graffiano a dovere, ma è
caratterizzante il maggior utilizzo
di strumenti acustici e della tradizione
come mandola, mandolino
e chitarre classiche antiche dei
primi del Novecento. In più Spirali
Impazzite, a livello di testi, ha
molti più elementi che riguardano
il nostro vissuto. Questo ultimo è
stato un anno davvero intenso per
noi e lo si può respirare in ogni
parola che abbiamo scritto.
State mantenendo il ritmo di un
disco l’anno e in più questo conta
su ben sedici canzoni: da dove
deriva questa iperproduttività?
Siamo sempre stati produttivi…
anche I Pugilatori aveva sedici
tracce e Teatro Staller addirittura
diciannove. Siamo due autori
prolifici e ci piace fare quello che
vogliamo senza curarci delle convenzioni.
Oggi un disco deve avere
al massimo dodici tracce altrimenti
rischi di stufare la gente…
noi ce ne sbattiamo altamente! Se
abbiamo cose da dire le diciamo
e ci prendiamo tutto il tempo per
dirle. Essere indipendenti veri (!),
come siamo noi, ti permette questi
lussi.
Come mai la scelta di scrivere
qualche canzone in italiano e
qualcuna in inglese?
Quelle in italiano sono sempre di
più. Siamo italiani e ci è più naturale
farlo, anche se per il rock è
più difficile… però il nostro è un
genere anglosassone ed è giusto
scriverlo anche in inglese. Bisogna
vedere la cosa nella stessa ottica
della musica folk: la musica napoletana
è scritta in dialetto, quella
è la sua lingua madre. La lingua
madre del rock’n’roll è l’inglese.
Come nasce “Centro benessere”,
a mio parere fra le più interessanti
del disco?
Centro Benessere nasce da una
riflessione avvenuta dopo un periodo
di sofferenza. Dal fatto che,
quando si soffre, ci si affoga nel
tormento… alla fine, proprio l’attraversare
questo stesso tormento,
diventa catarsi e ci si libera dalle
scorie del dolore.
Qual è la versione live del vostro
duo? Che cosa si deve aspettare
chi vi viene a vedere dal vivo?
Noi siamo due rockettari nel senso
tradizionale del termine…
quando ci esibiamo live abbiamo
tre formule: una full band completa,
un trio accompagnato dal
nostro percussionista e la versione
duo che è quella che preferiamo.
In duo siamo
semi-acustici
con
una chitarra
elettrica
e, appunto,
una acustica.
Non ci risparmiamo
mai… i nostri
concerti
sfiorano
sempre le
tre ore e andiamo
fieri
di dire che
sono concerti
veri e
propri, perché
noi suoniamo
soltanto musica originale.
Quindi chi viene ad ascoltarci, si
deve aspettare un concerto rock
vero e proprio. Ci piace suonare
dal vivo e crediamo sia la base
per ogni musicista. Se non ti piace
farlo o se, come si sente dire tante
volte, ti stanca, cambia mestiere
che è meglio… oppure non fare il
rock’n’roll.
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FABIO CUOMO
Fabio Cuomo, polistrumentista
da sempre attivo nel circuito
underground genovese, pubblica
“Sette studi tra quiete e
inquietudine”: musica strumentale
sperimentale composta
e suonata in totale autonomia,
i cui ingredienti sono per lo più
la musica ambient, jazz, classica,
drone e progressive
Vorrei capire fin da subito perché
hai deciso di concentrare la
tua ricerca musicale di questo
periodo su un tema come l’inquietudine
In realtà quello che ho voluto qui
dipingere non è soltanto l’inquietudine,
ma il rapporto tra la quiete
e quest’ultima; due concetti molto
più mescolati e interdipendenti di
quanto possa sembrare ad un’analisi
superficiale. Diciamo che ho
sentito l’esigenza di scrivere i sette
brani in questione per “raccontare”
lo stare dell’uno dentro l’altro…..
per spiegare meglio il concetto
dico spesso questo: ”Spesso
una persona è quieta solamente
perché sa gestire la propria inquietudine,
e spesso una persona
è inquieta solamente perché non
sa gestire la propria quiete”.
I tuoi brani spesso partono dal
pianoforte e poi prendono derive
difficili da prevedere. Ci puoi
spiegare come componi?
Il mio modo di comporre si può
dividere in tre fasi: - Decidere
i “gusti” che si vogliono ottenere;
ossia mi chiarisco bene cosa
decido di esprimere e che sensazioni
voglio dare nei vari momenti
della composizione e nel
suo complesso. - Decidere gli
“ingredienti” da usare; ossia scelgo
che strumenti, suoni, effetti,
tipo di produzione ecc… usare
a seconda della prima fase; e soprattutto
nel caso di synth e suoni
sintetici “creare” dei suoni ap-
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positamente per lo scopo e per le
parti che andrò a fare. - Decidere
la “preparazione” da usare; ossia
scegliere sempre in funzione della
prima fase gli arrangiamenti e le
armonie da usare. Soprattutto per
quanto riguarda i modi, che sono
poi i veri e propri colori della musica.
Come nasce “Starship Journey”?
Starship Journey è stata scritta immaginando
appunto un’ipotetica
“crociera spaziale” in tutte le sue
fasi; la partenza, le varie tappe; sia
movimentate tra vortici di stelle
che lente e contemplative nella vastità
del cosmo, e in fine un tranquillo
atterraggio.
Una curiosità: sul tuo sito c’è una
lista lunghissima di synth, pedali,
effetti che utilizzi per le tue
composizioni. Quando ti esibisci
dal vivo riduci il “bagaglio” allo
stretto necessario oppure ami
avere tutto a portata di mano?
Non uso strumenti virtuali; non
tanto perché sia contro o abbia
delle riserve sulla loro qualità
quanto per il fatto che non è il
mio modo di lavorare, soprattutto
per quanto riguarda la fase di costruirmi
suoni ad hoc, nella quale
uso moltissimo i pedalini che lavorano
molto meglio con sorgenti
“vere”. Per quanto riguarda il discorso
live uso solo una piccola
parte della mia strumentazione
essenzialmente per due motivi:
ridurre il bagaglio come dici te, e
ridurre per cosi dire la “libreria”
di suoni possibili che non avrebbe
senso usare interamente in un
live intero per quanto lungo possa
essere…. Diciamo che, fatti i conti
con la trasportabilità e la gestibilità
in generale, mi porto dietro le
macchine che mi servono per produrre
i suoni che decido di usare
per quella determinata situazione.
THE MINIMAL PIANO SERIES VOL.2
Contest internazionale per la realizzazione di una produzione discograÞca
LÕetichetta discograÞca BLUE SPIRAL RECORDS bandisce il Contest Internazionale di
Composizione che ha come scopo la realizzazione del Cd ÒThe Minimal Piano Series Vol. 2Ó.
Al contest potranno partecipare compositrici e compositori di qualsiasi nazionalitˆ senza limiti di
etˆ ed è riservato a composizioni originali e inedite per pianoforte solo, pianoforte e elettronica,
pianoforte e archi o qualsiasi altra combinazione che preveda il pianoforte come strumento
principale del brano. Il carattere delle composizioni dovrˆ essere ispirato al general minimal.
Il Cd sarˆ pubblicato con il titolo di The Minimal Piano Series vol. 2. Saranno scelti un numero
variabile fra le 10 e le 14 composizioni per la realizzazione della compilation.
Il disco sarˆ realizzato Þsicamente (graÞche, stampa cd label a colori, digipack 2 ante stampato a
colori, booklet di 12 pagine, plastiÞcazione lucida, cellophanatura), sarˆ disponibile per la vendita
sul sito www.bluespiralrecords.com e distribuito in digitale su tutte le piattaforme audio (iTunes,
Spotify, Deezer, Amazon etc.). La Blue Spiral Records si riserva inoltre di distribuire il Cd nei
maggiori negozi di dischi.
I lavori e la relativa documentazione dovranno pervenire entro e non oltre il 30 settembre 2018.
Le decisioni della giuria saranno rese pubbliche entro il 30 ottobre 2018.
Per ulteriori informazioni visitare il sito www.bluespiralrecords.com oppure scrivere a
bluespiralrecords@gmail.com
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BLUVERTIGO,
“LA CRISI”
#quellochesentivo
Singolo estratto da Zero - ovvero la famosa nevicata dell’85 (1999),
La crisi fu in qualche modo l’ultimo successo dei “veri” Bluvertigo,
quelli della trilogia chimica, quelli impegnati ancora a scardinare i
luoghi comuni
I Bluvertigo hanno saputo cogliere
l’essenza degli anni ‘90, le
influenze elettroniche e l’amore
per la musica suonata, coniugate
al genio creativo di un Morgan dai
capelli rossi che ha sempre saputo
sedurre le parole per ottenere da
loro l’effetto ricercato.
La crisi è un momento passeggero
ma che si ripete nel tempo, che
ciclicamente affiora sconvolgendo
equilibri e costringendo a fare i
conti con le realtà che non avevi
preso in considerazione.
Sto vivendo una crisi
e una crisi c’è sempre ogni volta che
qualcosa non va
Usarla come giustificazione sarebbe
un limite, eppure la sensazione
di smarrimento deve essere vissuta
e utilizzata come arma per allontanarsi
dal quotidiano.
so che rimarrò distratto per un po’
quindi rimarrò altrettanto distante
Perché quando succede, quando
la crisi incombe, non soltanto ci
si perde nei pensieri, ma si deve
anche ritrovare il filo rosso che ci
lega alle crisi altrui, che meglio
rappresentano allontanamenti e
riappacificazioni tra legittimi proprietari.
quando arriva una crisi riaffiorano
alcuni ricordi
che credevo persi
cosa penso di me cosa voglio da te
dove sono cosa sono e perché
Perché poi, alla fine, gli animi
inquieti sono quelli che più facilmente
vengono additati come folli,
soltanto per avuto il coraggio
di guardare dentro e ascoltare il
rumore del proprio mare.
molto spesso una crisi è tutt’altro
che folle
è un eccesso di lucidità
La crisi non passa mai del tutto, si
mette buona in un angolo, aspetta
il momento per tornare a fare
rumore. Lascia visibili i cambiamenti
che ha causato, la larghezza
di vedute, la profondità di pensiero,
la lunghezza delle ombre della
sera sulla sabbia.
e malgrado sembri male
cambia solo il modo di giudicare
Chiara Orsetti
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