TRAKS MAGAZINE 023

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MAGAZINE
Numero 23 - aprile 2019
CISCO
respirare aria nuova
ALO EAZY
ONDANUEVE
TV LUMIERE
SCARDA

sommario
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Cisco
Alo Eazy
Ondanueve
TV Lumière
Luciano Tarullo
Dheiti
Wallace Records
UnTimore
Scarda #5mc
Fabrizio Moro #qcs
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CISCO
respirare aria nuova
Stefano “Cisco” Bellotti torna con “Indiani & Cowboy”, album composto di
dieci canzoni. Il cantautore è volato fino in Texas per raccogliere la giusta
ispirazione e l’album è nato con il prezioso contributo di Rick del Castillo
Per “Indiani & Cowboy” sei partito
da presupposti differenti, sei
volato fino in Texas e hai cambiato
un po’ di cose. Ci spieghi
perché?
C’era per me necessità di cambiare
aria musicalmente parlando perché
gli ultimi dischi li ho sempre
fatti in Emilia con i miei musicisti.
In questo caso avevo bisogno di
respirare aria nuova per pensare
un nuovo progetto e l’immagine
della frontiera americana con il
discusso muro che vuole costruire
Trump, la vita normale quotidiana
di tutti i giorni dove la frontiera è
un posto simbolico dove le culture
si intrecciano e si mischiano, ecco
quel discorso mi interessa tanto.
Ma è un discorso che possiamo
trovare anche in Italia, nel Mediterraneo,
è un legame che ci unisce
molto forte e quindi quei concetti
quei pensieri sono alle basi
del disco stesso.
Mi sembra che oltre al discorso
sonoro ci siano motivi ideali che
ti hanno spinto in America. Sbaglio?
Si per Indiani e Cowboy l’idea è
stata proprio quella di mescolare
le carte soprattutto a livello musicale,
sfruttare questo ponte che
si era creato con l’America grazie
a Paolo Pagetti della Rivertale e
alle sue conoscenze americane
di Austin con Rick Del Castillo,
un ponte quindi tra l’Emilia e il
Texas, dove noi qui in Italia abbiamo
creato le basi e poi l’abbiamo
mandate oltreoceano per essere
prodotte, completate e finite il cui
risultato è qualcosa di completamente
diverso da quello che ho
sempre fatto nella mia vita, dove i
suoni si mescolano, le radici non
si perdono, la mia scrittura si sente.
Il mio modo di scrivere canzoni
infatti non è tanto cambiato,
ma è cambiato il sound fatto da
un produttore come Rick appunto
che ha stravolto in alcuni casi i
brani rendendoli affascinanti con
suoni tex-mex, suoni di frontiera,
suoni a me cari, rendendoli unici.
Questo lavoro è un lavoro pensato,
voluto in questa maniera dall’inizio,
non a caso ho a realizzare il
disco quando ho avuto la concreta
certezza di poter lavorare con
Rick, di poter andare ad Austin a
cantare, a mixare, a finire il lavoro
del disco realizzandolo con queste
determinate caratteristiche. Per
quello reputo Indiani e Cowboy
un album diverso dagli altri e per
quanto mi riguarda, di cambiamento.
I riferimenti all’attualità non
mancano, così come i ritratti di
personaggi “forti”. Come nascono,
a proposito, le canzoni dedicate
a Guido Rossa e Don Gallo?
Questo senza dubbio è di sapore
vintage ma dalle forti tematiche
di attualità, non a caso si parla di
confini, di muri, di migrazioni, di
sceriffi e di indiani, perché il mondo
è fatto sempre di più da indiani
che tentano di sopravvivere e
da cowboy che continuano a non
capire. E quindi per questo è un
disco di forte attualità. Le figure di
Guido Rossa e di Don Gallo ovviamente
si schierano dalla parte
degli indiani, sono due figure di
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cui la prima tragica, della storia
recente italiana, risalente a 40 anni
fa quando negli anni di piombo
le brigate rosse decisero di eliminare
un sindacalista genovese che
aveva denunciato alcune persone
che erano conniventi con le br,
quindi una storia non semplice
che ancora oggi divide, ma che
credo sia importante far conoscere.
Per parlare di Guido Rossa tra
l’altro ho usato la metafora della
montagna perché lui era un grande
scalatore, era un amante della
montagna, quindi ho voluto usare
questa immagine che mi sembra
fosse molto adatta al personaggio.
Don Gallo invece è uno di quei
capi indiani che resistevano
e un grande
amico che è venuto
a mancare anni fa ed
io ne sento personalmente
la mancanza.
Ho avuto modo di
frequentarlo diverse
volte, i miei primi
due figli sono stati
battezzati da lui, ho
assistito alle sue messe
laiche anzi direi
quasi pagane, dove si passava da
Gesù Cristo a Che Guevara, da
Gandhi a Mao Tse Tung. È stato
un personaggio importantissimo
per la mia formazione ma credo
che sia un personaggio che manca
tantissimo nel mondo sociale
culturale italiano perché era uno
che sapeva sempre dire le cose
giuste al momento giusto e che
oggi giorno avrebbe messo al
proprio posto alcuni personaggi
che cercano di farla da padroni.
Purtroppo è scomparso, ma dobbiamo
assolutamente ricordare
la sua importante figura.
Che cosa ha regalato la produzione
di Rick Del Castillo a
questo disco?
Rick Del Castillo è stato fondamentale
per la realizzazione di
questo disco, primo perché ha
reso meno scontato e meno banale
quello che noi avevamo registrato
e inciso, facendo quello
che fa un produttore di un certo
tipo con una certa formazione e
spessore, creando parti e stravolgendo
i pezzi però assecondando
l’indole della canzone stessa senza
snaturarla. Rick ha dato delle vere
e proprie perle e penso all’ultimo
brano del disco che è Bianca, una
ballata in dialetto che lui ha reso
unica con il suo tocco di chitarra
stile messicano facendola diventare
una vera e propria chicca. Mi
ricordo ancora la notte in cui mi
mandò il provino di quello che lui
aveva fatto e avevo avuto i brividi
oltre che le lacrime agli occhi.
Quindi una cosa importante il suo
lavoro, fondamentale per la riuscita
di questo disco e gliene sarò per
sempre grato. So che Rick del Castillo
non è un nome altisonante,
così conosciuto come altri, lui si
occupa anche e soprattutto di colonne
sonore per esempio nei film
di Robert Rodriguez, Machete, Sin
city, Dal tramonto all’alba, El mariachi,
ecc…ma anche con Quentin
Tarantino dove in Kill Bill
Vol.2 troviamo proprio la chitarra
di Rick e si possono sentire alcuni
pezzi suonati da lui.
Qual è il tuo film preferito del
genere “indiani & cowboy”?
Da ragazzino ero uno molto patito
del mondo western e dei film
western, giocavo sempre a cowboy
e indiani ovviamente cercando
di parteggiare sempre dalla parte
dei cowboy perché erano i più fighi,
avevano le pistole, gli sceriffi
avevano la stella e il cappellone.
Poi crescendo la storia ci ha raccontato
in qualche modo la verità,
siamo tutti diventati pro indiani.
Riguardo al mondo western a me
viene da citare tra i classici Ombre
rosse del grande regista John Ford,
di più recente invece mi aveva colpito
L’ultimo dei mohicani, un film
ben fatto che ancora oggi mi emoziona
vederlo, e poi sicuramente i
film del grande Sergio Leone con i
suoi spaghetti western, per citarne
uno fra tutti Per un pugno di dollari.
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ALO EAZY
Con uno spiccato amore per l’ “Erba”, protagonista anche dell’ultimo
singolo, la band della provincia di Alessandria progetta un ep e nel
frattempo sabota matrimoni
Volete raccontare qualcosa della
vostra storia per chi non vi conosce?
Siamo un gruppo di ragazzi di Capriata
d’Orba, un paese in provin-
cia di Alessandria. Praticamente
è tutta la vita che ci conosciamo,
alcuni di noi hanno fatto l’asilo
insieme, altri studiano insieme
tuttora. Insomma siamo una sor-
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ta di grande famiglia. Ci piace la
musica, ci piacciono le grigliate, la
natura, le belle ragazze, il mare, le
persone ricche che danno i soldi,
i festival che chiamano i gruppi
emergenti pagandoli, i bonifici e
l’arte. Facciamo il nostro genere
musicale, che si chiama Alo Eazy.
Per tutto il resto, ascoltateci e magari
comprate i nostri lavori. Altrimenti
ci sarà un momento dove
faremo soltanto le grigliate. Potete
comprare anche quelle se volete.
Come nasce “Erba”?
Erba nasce dai campi della nostra
zona, dall’amore per la natura.
Alcune parole a volte ci fanno
pensare subito male, tipo: erba,
negro, siluro, vengo, “lo metto
dentro?”, “sono duro!”, toccami,
“di che segno sei?” Insomma Erba
sì, potete pure vederlo come un
inno blah blah droghe, delinquenti,
siete pazzi. Però pensate, non
giudicate tutto subito, altrimenti
vi perdete un sacco di cose. Tra
queste cose ci siete anche voi stessi.
Dite quello che volete e fate
quello che volete, oppure fate i
soldi.
Direi che anche il video che accompagna
la canzone meriti
qualche approfondimento…
Il video… sì... allora, abbiamo
deciso di buttare 300 euro di un
lavoro che avevamo fatto in un
pupazzo. La Piga. La Piga doveva
sposarsi con Michele, però lui
è stato con noi a fare festa, come
suo solito, e si è dimenticato di
sposarsi. La Piga voleva rapirlo,
noi però siamo Duri! (Avete pensato
male?) Comunque siamo
andati a salvarlo, è andata bene
perché la Piga è un’infame sbrocca
di brutto, dentro c’è
uno di noi, ma non
riusciamo a capire
chi è! Alla fine abbiamo
trovato il nostro
cantante ed era
nella stanza sopra la
sala prove.
È in arrivo il vostro
prossimo ep: ci raccontate
come sarà?
Il nostro ep si chiamerà
Warhol e sarà una Botta!!
Non pensate male che sbrocco
scrivo le parole a caso e bestemmie,
spacco tutto! Siamo contenti,
abbiamo viaggiato tra diversi
colori e sentirete che per colori
noi intendiamo diverse sonorità.
Per questo si chiamerà Warhol,
come lui abbiamo usato un punto
di vista diverso per quanto
riguarda la nostra musica. Siamo
orgogliosi di essere maestri
del “me ne fotto”! Vogliamo stare
bene e magari far stare bene
qualcuno, il tutto, divertendosi.
Un saluto a tutti voi, grazie per
aver dedicato il vostro tempo
alla lettura della nostra intervista.
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ONDANUEVE STRING
QUARTET
“Mutazioni” è il nuovo ep della formazione che ha affiancato alle esperienze
classiche il rock, la world music e il jazz, per arrivare a un linguaggio musicale
eclettico
Da quali premesse nasce il vostro
nuovo lavoro “Mutazioni”?
Questo lavoro nasce con l’intento
di evidenziare una nostra visione
musicale sviluppata nel tempo.
Come ogni cosa, anche la musica
muta, si evolve, si fonde creando
nuovi generi e così anche il modo
in cui utilizziamo i nostri strumenti
classici del quartetto d’archi
in maniera diciamo molto meno
“classica”. Abbiamo fuso quindi

molti generi musicali apparentemente
lontani tra loro ma con così
tanti elementi in comune da generare
nuove sonorità e creando
quindi, a modo nostro, una mutazione.
Avete lavorato a colonne sonore,
avete riproposto e riarrangiato
classici del pop, ma immagino
che l’approccio per un lavoro di
inediti sia differente. Qual è il
vostro metodo di lavoro?
Il metodo inizia in maniera uguale
per tutti, e cioè con le note sul
pentagramma. Da lì si lavora insieme
per arrivare ad ottenere
l’effetto desiderato. Un lavoro di
inediti è sicuramente piu difficile
e rischioso rispetto a riarrangiare
canzoni che hanno avuto già un
loro successo e che godono quindi
del vantaggio di una forza in più,
ma riuscire ad esprimere qualcosa
di nostro, qualcosa che nel bene o
nel male crea una nostra identità
è sicuramente più emozionante ed
appagante.
Quali sono i dischi che avete
ascoltato di più lavorando a
“Mutazioni”?
Stare qui ad elencarli sarebbe davvero
difficile. In questi 5 brani si
spazia dall’ Irish al flamenco, al
tango, musica venezuelana, popolare
del sud italia, rock, balcanica
e molti altri. Ogni genere di questi
è stato assimilato con l’ascolto di
decine di dischi l’uno.
Come nasce “Mano de Diòs”?
Si parla ovviamente di “quella”
“Mano de Diòs”?
In effetti abbiamo voluto valorizzare
e avvicinare degli aspetti di
Maradona con quelli della nostra
città che l’ha ospitato nei sui tempi
d’oro: Napoli. Questa composizione
infatti rappresenta in musica
alcuni aspetti del suo genio: un
lato oscuro scandito
da una pulsazione
ritmica fusa a una
tensione melodica
iniziale, una parte
introspettiva caratterizzata
da un tango
elettronico che lo
lega alle sue origini,
per poi sfociare in un
mood mediterraneo
solare, l’immagine
sonora del suo enorme
e gioioso talento.
Una curiosità: se doveste individuare
un/una cantante per i
vostri o per un vostro brano, chi
vorreste? Un nome solo, ma assolutamente
senza limiti di tempo
e spazio
Un nome che ci viene in mente
senza limiti soprattutto di importanza
è Sting. Un artista che
è riuscito a creare musica sempre
innovativa e che non si è mai
fermato nella sperimentazione,
nonostante i suoi oltre 40 anni di
carriera. Ha attraversato generi
musicali più vari. Nel nostro piccolo
ci rivediamo molto nel suo
stile musicale.
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TV LUMIERE
E’ disponibile “Avrei Dovuto Odiarti” il disco che segna il ritorno della
band, otto anni dopo “Addio Amore MIo”
Da dove nasce il mutamento sonoro,
da noise a folk, che si riscontra
nel nuovo disco?
Si tratta di un processo graduale,
non di una scelta fatta a tavolino
o per seguire una particolare corrente.
Questo immagino che lo
dobbiamo ai nostri ascolti recenti
e alla voglia di andare sempre più
incontro alla forma canzone, tuttavia
non credo si possa definire
un disco “folk”, il nostro album
contiene molte trame volutamente
desertiche ma non mancano gli
interventi violenti a rievocare le
nostre radici, abbiamo cercato di
utilizzare le liriche per collegare
tutti gli episodi di questo disco.
Ho letto che la gestazione di questo
disco è stata particolarmente
lunga. Incidenti di percorso o
vostro perfezionismo?
Touchè! Ci hai preso in pieno.
Dopo Addio! Amore mio abbiamo
avuto una lunga serie di problemi,
la scomparsa di un nostro
caro amico che stava lavorando a
un nuovo progetto con il nostro
chitarrista Ferruccio lo ha tenuto
lontano dalla musica per un lungo
periodo, seguito poi da un incidente
stradale che lo ha bloccato
fisicamente per un sacco di tempo
e infine l’abbandono del gruppo
da parte di Irene, l’arrivo del nuovo
bassista e la ricostruzione.
Come nasce “Fondo alle ancore”?
Questo brano nasce da un’idea di
Federico, così
come le cose
più cantautorali
che trovi
in questo album,
tutto il
disco avrebbe
dovuto già
funzionare
con sole chitarra
e voce e
la band avrebbe
dovuto soltanto
colorarlo
ma poi è uscito fuori il nostro
istinto e questo è il risultato finale.
La vostra band naviga nell’alveo
della musica alternativa italiana
ormai da qualche anno. Come
giudicate il momento musicale
italiano in generale?
Grazie per la domanda, non capita
spesso di poter parlare di questo
senza dover mettere le mani
avanti. Cercherò tuttavia di fare
una sintesi. Non conosciamo i retroscena
alla perfezione e non ci
permettiamo di giudicare il lavoro
altrui, il problema rimane sempre
la gente e quanta voglia abbia o
meno di guardarsi intorno anzi-
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ché prendersi quello che gli viene
offerto da chi ha pagato di più. Le
scelte che fanno le band indipendenti
di andar nei vari festival in
tv non le discuto, purché ci vadano
con la loro idea, che piaccia o
meno, la musica per teenager non
discuto neanche quella, c’è sempre
stata, che piaccia
o meno. Se
c’è un problema
è quello
che a differenza
di qualche
anno fa,
i piccoli club
che aprono e
chiudono in
continuazione
e non vengono
affatto aiutati
dagli enti statali,
anzi, vengono
affondati,
questo fa sì
che i cachet
siano sempre
più bassi
e molte band
di un basso
livello di popolarità
non
riescono più
a spostarsi e
portare la loro
musica in tutte le città. Se prendo
poi la domanda dal punto di vista
artistico o gusto personale, non
si tratterebbe più di un problema
italiano.
Tra produttori e aperture ai concerti
avete incontrato alcuni giganti
della musica alternativa.
Chi ha lasciato il segno maggiore
su di voi?
Senza dubbio alcuno la persona
che sentiamo più vicina e con la
quale abbiamo collaborato di più
è Amaury Cambuzat, sia come
Ulan Bator che come nostro produttore,
egli ci ha strutturato
come musicisti e aiutato a colmare
le nostre lacune, oltre ad averci
fortemente influenzato con la sua
musica, Amaury rimane uno dei
nostri punti di riferimento oltre
che un buon amico!
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LUCIANO TARULLO
Il cantautore originario di Agropoli (Salerno) pubblica l’album
“L’isola”, una miscela di cantautorato e rock come insegna la migliore
tradizione musicale italiana
Vuoi raccontare la tua storia?
Ho incontrato la musica a 15
anni e da quel momento non l’ho
più lasciata. A tal proposito tutte
le mie scelte, anche di studio e
professionali, sono state fatte in
un’unica direzione e con un unico
obiettivo, quello di far diventare
questa passione un lavoro, e a oggi
posso dire di avercela fatta anche
se la strada è ancora lunga. Di
conseguenza tutta la mia “storia”
è parte integrante di questo lavoro
discografico. C’è dentro un po’
tutto il percorso artistico e umano
che ho compiuto da quando
ho iniziato a suonare fino ad oggi.
L’isola non è altro che la mia vita,
il luogo dove sono cresciuto, le
esperienze che ho fatto, le persone
che ho incontrato sulla mia strada.
La proiezione del mio mondo
interiore e la visione di ciò che mi
circonda.
Questo disco nasce da una lunga
gestazione: a cosa è dovuta questa
elaborazione?
Prima di tutto credo che per realizzare
un lavoro discografico di
qualità serva del tempo. Ho scelto
di non avere fretta. Ho scelto di
far uscire un lavoro che mi rappresentasse
in tutto e per tutto.
Diciamo che il lavoro più lungo
è stato quello che ha riguardato
la pre-produzione, e quindi la
scelta dei brani, il lavoro di arrangiamento,
la scelta dei musicisti,
dello studio di registrazione. Tutte
componenti fondamentali per
la riuscita di un album. Anche la
parte di mix e master è stata abbastanza
lunga proprio perché c’era
la voglia di non lasciare niente al
caso. A tutto questo va aggiunto
poi soprattutto il fatto che si tratta
di un auto-produzione, e quindi
come potete ben capire i sacrifici
si moltiplicano. Questo per quanto
riguarda la parte della produzione.
Dal punto di vista artistico
inoltre, ho deciso di inserire anche
dei brani che ho scritto quasi agli
inizi. Canzoni che avevo paura di
lasciare per sempre nel cassetto.
E anche per questo motivo che
questo album rappresenta per me
tutto un percorso che parte da
lontano e arriva fino a qui. Un
percorso che rappresenta soltanto
l’inizio.
Dici di non esserti curato molto
delle mode. Quali sono state le
tue fonti di ispirazione?
Sì in effetti è stato così. Questo
assolutamente non per snobismo
oppure perché non ci siano
oggi dei riferimenti importanti
da prendere in considerazione,
anzi. È stato soltanto un voler approcciarsi
alle canzoni in maniera
diversa. Ho curato tutti gli arrangiamenti
pensando al vestito migliore
che andasse bene per ogni
singolo brano dell’album. Questo
per me significa “non seguire le
mode”. Ciò non significa che non
ci siano dei riferimenti importanti
nella mia musica, anzi. Battisti, De
Gregori, Vasco in primis. E poi il
rock, soprattutto il sound legato
agli anni 80’ e 90’.
Visto che il disco si chiama “L’isola”…
Tre dischi da portare su
un’isola deserta?
Risposta difficile. Mi gioco tre album
degli artisti che ho citato nella
risposta precedente, Il mio canto
libero di Battisti, Rimmel di De
Gregori e Gli spari sopra di Vasco.
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DHEITI
Uscito il primo giorno di primavera, il nuovo ep della cantante
e pianista si chiama “Rebirth”, alla ricerca di una rinasciata
intima e del tutto naturale
Come hai affrontato il tuo primo
lavoro da solista?
È stato emozionante. Le sensazioni
erano tante e diverse: entusiasmo,
grinta, curiosità, approccio
sognante, ma ci sono state anche
fasi di stanchezza, timore, persino
rabbia. Ci ho messo tutta me
stessa. Ho partecipato a ogni step
della produzione, seguendo i lavori
con l’amore e la frenesia d’una
mamma che attende la nascita del
suo bambino, non lasciando nulla
al caso... Però, quando è arrivato il
momento di cantare, ho semplicemente
chiuso gli occhi e mi sono
lasciata andare: infatti ho registrato
le voci in pochissimo. Volevo
che il risultato finale fosse il più
naturale possibile. Sicuramente ho
vissuto quell’intero periodo con
grande intensità ed è stata una
splendida esperienza. Dentro di
me lo percepivo sia come un traguardo
sia come la tappa iniziale
di un nuovo percorso artistico.
Da cosa origina la necessità di
una “Rebirth”, di una rinascita?
Credo che sia un bisogno che tutti
proviamo più volte nella vita.
Talvolta siamo fagocitati dalle abitudini,
che spesso si fanno strette
come catene togliendoci l’entusiasmo
e la meraviglia negli occhi.
Allora lì bisogna fare qualcosa.
Serve spezzarle, quelle catene.
Almeno provarci. Non c’è dubbio
che, quando scrivevo i brani
dell’ep, io attraversassi una fase del
genere. Non è stata l’unica, e non
sarà l’ultima.
Come nasce “Feel”?
Nasce in una piccola stanza di
Lark Lane a Liverpool. Avevo da
poco comprato una tastiera di
seconda mano (decisamente “entry-level”)
da un signore inglese.
Erano due mesi che mi ero distaccata
dalla pratica della musica e
ne stavo soffrendo. Ricordo che
quando salii le scale e la posizionai
in un angolo della mia camera,
chiusi la porta e non smisi di
suonare e cantare per giorni. I
miei coinquilini mi avranno odiata,
penso, ma devo ammettere che
sono stati gentili e non mi hanno
mai detto nulla. “Feel” è stato
il primo pezzo che ho scritto per
l’ep. È nato in modo molto naturale.
Volevo immaginare di star
già provando quello che, in realtà,
“speravo” di arrivare a provare
presto: un senso di totale armonia
con il mondo. In seguito ce l’avrei
fatta. Ma anche quelle belle sensazioni
(come ogni cosa del resto)
sono destinate a mutare. Siamo
soggetti a infinite fluttuazioni.
Queste quattro canzoni si possono
considerare anche un “antipasto”
di un lp futuro?
Sicuramente sì. “Antipasto”, mi
piace questo termine. Sì, è un antipasto.
Non so se di un lp o se
continuerò a pubblicare altri ep.
Il modo di ascoltare la musica
oggi è cambiato. Funzionano molto
i singoli e i “mini-album”, di solito
ascoltati in streaming. Da un
lato mi spiace, perché adoro gli lp.
Dall’altro, però, hai possibilità di
pubblicare più spesso, e se hai la
fortuna di avere un pubblico sei
messa nelle condizioni di non lasciarlo
a bocca asciutta per troppo
tempo. A ogni modo “Rebirth” è
senz’altro un assaggio. Di cosa ancora
non so, ma lavorerò sodo affinché
sia qualcosa di meglio.
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WALLACE RECORDS
Compie vent’anni l’etichetta di Trezzano Rosa (Milano), fedele all’etica
del DIY, partendo dal punk rock ma uscendo poi spesso dal seminato.
La compilation “TracceXX” la celebra. Ecco le nostre domande al patron
Mirko Spino
Direi di partire da un quadro
storico: quando e come nasce
Wallace Records e che cosa avete
combinato in questi vent’anni?
I primi passi sono stati mossi appunto
nel 1999, venti anni fa. Il
quadro storico era estremamente
diverso da quello odierno: si compravano
ancora i dischi fisici, non
soltanto in ambito underground.
Il contesto specifico era, ed è,
quello del rock underground indipendente,
ossia quel mondo fatto
di musica suonata, ispirata dal
punk ma che non suona necessariamente
punk-rock, e fieramente
lontana da logiche commerciali.
Se vogliamo citare dei punti di
riferimento dico Dischord e
Touch&Go. Rimanendo ancorati
a questa idea, tanti dischi
(200) e tanti artisti (100) sono
passati. Ma anche tanti concerti,
party, e grosse soddisfazioni.
Come nasce l’idea della compilation
e com’è andata l’operazione?
TracceXX è l’ideale seguito di
Tracce, la prima uscita dell’etichetta.
Mi sono ispirato a
quell’idea: fotografare un pezzo
di underground italiano di
quel periodo. La differenza è che
nella prima uscita ho lavorato
con gruppi che avrei voluto avere
nell’etichetta. In questa ultima
compilation ci sono gruppi che
già stanno nell’etichetta. L’operazione
di crowdfunding è andata
bene, abbiamo raggiunto l’obiettivo
economico, ma avevo anche
l’intenzione di sondare il terreno,
ossia quanto potesse interessare
l’operazione, se un po’ di “pubblico”
fosse ancora li e se fosse pronto
a sostenere l’etichetta. Ed è stato
così.
Queste sono domande da non
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fare, ma se ti chiedessi di scegliere
una canzone in particolare
alla quale sei più legato, tra quelle
contenute nella compilation,
quale sceglieresti?
Ah ah… sì, domanda scorretta.
Ovviamente non ho una risposta
ma cerco lo stesso di dartene
una: credo che sia molto significativo
che su questa compilation
ci siano quattro personaggi che
erano anche nella prima: parlo di
Paolo Cantù, Federico Ciappini,
Xabier Iriondo e Roberto Bertac-
chini (ai tempi con Six Minute
War Madness, A Short Apnea e
Starfuckers, oggi con Makhno e
The Shipwreck Bag Show). Sono
musicisti e amici che hanno
percorso questi venti anni con
me. Discorso simile anche per
Anatrofobia e Quasiviri. Tuttavia
mi piace guardare al presente
più che al passato, quindi
è bene ricordare che TracceXX
è composta da band che sono
attive, che pubblicano regolarmente
dischi e fanno concerti.
Qual è il futuro di Wallace
Records?
Non ho mai pianificato
le mosse del futuro, procedo
per piccoli passi,
forse questo è uno dei
motivi della longevità
dell’etichetta! :) Ti annuncio
soltanto in anteprima
le prossime uscite.
Oltre a Marsala, appena
uscito, ci sono in cantiere
i dischi di Hysm?Duo,
Daniele Brusaschetto e
Nairobi. Ah… e poi la
compilation dei trent’anni
nel 2029.
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UNTIMORE
UnTimore, all’anagrafe Numitore Fiordiponti, è un cantautore pugliese
d’origine ma toscano d’adozione. A marzo ha pubblicato il singolo “Illusi
Reclusi”, cui ha fatto seguito lo scorso 16 aprile l’intero debut album,
intitolato “Il Falò dell’Umanità”
Chi è UnTimore e quanto di Numitore
Fiordiponti c’è al suo interno?
È una domanda che fomenta egocentrismo.
UnTimore è un insie-

me di persone che hanno registrato
un disco. Io sono la spinta
creativa e il comburente che ha
innescato la combustione.
Hai pubblicato da poco il tuo
primo singolo, “Illusi Reclusi”.
Parlaci un po’ di questo brano.
È un brano che mette in fila un
elenco di luoghi comuni che oggi
sono considerati opinioni e che
stimolano l’aggressività delle persone.
Siccome al peggio non c’è
mai fine, questi luoghi comuni
creano consenso, sono diventati
ideologie da inserire nei programmi
elettorali.
Il singolo ha anticipato l’uscita
del tuo primo album, “Il Falò
dell’Umanità”, pubblicato
lo scorso 16 aprile.
Cosa rappresenta questo
“falò dell’umanità”?
Nel disco si racconta
dell’essere umano, delle
sue espressioni peggiori.
Tra le righe si intravede
l’amore come unica via
di fuga a una esistenza
meschina. Musicalmente
è abbastanza vario, siamo
partiti da brani chitarra
e voce che abbiamo
vestito degli arrangiamenti
più adatti al nostro
gusto personale.
Quali sono le esperienze
o le situazioni che
ti stimolano maggiormente
a scrivere una
canzone?
Sono gli stati d’animo a
darmi la spinta creativa,
a volte però devo impormi
una disciplina di scrittura che
sia indipendente dallo stato emotivo.
Essendo tendenzialmente un
pessimista sono più creativo nei
momenti negativi che per fortuna
non sono frequenti.
Qual è il tuo sogno nel cassetto?
Non avere rimpianti.
Prossimi live?
Ci stiamo lavorando. Per gli aggiornamenti
seguiteci su www.
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UnTimoreBand.
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SCARDA #5minuticon
Scarda è Nico Scardamaglio, un cantautore che con pochi ingredienti
semplici e genuini è riuscito a farsi conoscere e apprezzare dal pubblico.
Il suo tour di concerti ha avuto un grande successo, e il suo secondo album
“Tormentone” continua a veder aumentare il numero di ascolti sulle
piattaforme online nonostante la pubblicazione sia dello scorso ottobre,
merito del passaparola e del suo indiscutibile talento. Lo abbiamo intervistato
di Chiara Orsetti
Il tuo “Tormentone” sta girando
l’Italia in lungo e in largo: oltre
20 date dallo scorso autunno e
avanti fino a primavera inoltrata.
Che cosa porterai con te al
termine di questo tour? C’è stata
qualche tappa in particolare che
ti ha lasciato ricordi indelebili?
Di tutte queste date credo di voler
fare un vero bilancio solo alla fine.
Nel frattempo, ciò che si avverte
è tanta umanità. Fare i chilometri
insieme, suonare su tanti palchi,
conoscere tanta gente, dormire in
tanti alberghi, crea tra noi della
band un legame molto intenso. È
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ello, poi, girare, trovare e ritrovare
i fan in giro, magari gente
che si è fatta i chilometri, magari
gente che si è fatta più città. Credo
che la data che mi è rimasta più
impressa é stata Prato (Capanno
Black Out) perché c’è stata molta
più risposta di quanto mi aspettassi
e perché ero particolarmente
“allegro” sul palco. Si accedeva
al camerino tramite delle scalette.
Ricordo che a fine concerto,
uscendo dal palco le ho fatte di
schiena, perché sono inciampato.
In “Sorriso” parli d’amore e di
malinconia, ma quello che mi
ha colpita fin dal primo ascolto
sono i luoghi che la abitano. I
negozi sono uguali a Berlino e a
Cosenza, i pensieri sono uguali
a Taranto o a Milano, come a riprendere
il concetto del non importa
dove… ma chi?
L’argomento principale di Sorriso
è la morte. È dedicata a una
persona che non ha mai saputo
di essere amata, e come dici tu...
il pensiero, il ricordo, può avere
molti “dove” ma è il “chi”, spesso a
dare davvero importanza a quel
luogo, e a quel ricordo.
A proposito di tour e di luoghi
del mondo, non posso fare altro
che chiederti se ami viaggiare e
quali sono i luoghi “fisicamente
raggiungibili” che hanno segnato
il tuo cammino.
Mi piace viaggiare, ciò che mi
piace vedere di più è la provincia.
Qui in Italia ne ho vista tanta, mi
piace il mare, i borghi e la campagna,
o i borghi che si incastrano
con entrambe le cose, tipo Positano
o Castellina in Chianti. All’estero
sono stato quasi sempre in
grandi città. Mi riprometto, appena
potrò, di visitare la campagna
francese, quella belga, i mulini a
vento in Olanda, ma anche la provincia
inglese. Altro desiderio che
avrei: Santorini in Inverno. Magari
anche primavera. Ma non in
estate.
Grazie a “Smetto quando voglio”,
colonna sonora dell’omonimo
film, sei arrivato a farti conoscere
anche da chi è lontano dal
mondo musicale indipendente.
Com’è nata la collaborazione con
la produzione?
Molto brevemente (l’ho già raccontato
in molte interviste) suonavo
in un locale a Roma, era
un breve intervento sul palco
nell’ambito di un open mic (quello
che dopo avrebbero chiamato
Spaghetti Unplugged). Seduta
tra il pubblico c’era la ragazza di
Sydney, il regista. Mi ha fatto un
video, poi glielo ha fatto casualmente
vedere, e da lì si è interessato
alla mia musica. Siccome aveva
questo film da girare qualche
mese dopo ha pensato di affidarmi
la title track. Mi ha mandato la
sceneggiatura e sulla base di quella
ho scritto il brano. Gli é piaciuto.
Di solito chiedo una playlist agli
ospiti di “Cinque minuti con...”,
ma in questo caso mi piacerebbe
che ne creassi una a tema viaggio,
interiore o no lo decidi tu…
Ti va?
Vi do una Playlist che ascolterei
percorrendo la provincia... la Via
Emilia ad esempio, o le strade di
campagna della Maremma, o una
litoranea in Calabria.
Clicca qui per la Playlist
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FABRIZIO MORO
“PAROLE RUMORI
E GIORNI”
#quellochesentivo
E’ appena uscito “Figli di nessuno”, il nuovo album di Fabrizio Moro, ma
qui andiamo a ritrovarlo con una canzone datata 2007 ed estratta dall’album
“Pensa”
Accanirsi nella convinzione che il
meglio sia già venuto. Anzi, che
sia venuto e che ce lo siamo fatti
scappare. Perdere tempo dicendo
di Chiara Orsetti
di non averne abbastanza, punendosi
per gli errori commessi e per
le parole non dette.
Siamo ancora in tempo per rico-
minciare a ridere
Siamo ancora in tempo per scrollarsi
tutto e vivere
Prenditi le scarpe e non gridare
Per convincerti da solo che le cose
vanno bene
Con il tempo impari che è possibile
dare tutto e non avere nulla
in cambio. Quanta fatica costa
dover accettare di non essere stati
abbastanza? Abbastanza attraenti,
abbastanza capaci, abbastanza
pazienti. A volte le situazioni
precipitano e basta, e tu puoi solo
decidere se correre incontro al
fallimento o darti la spinta e ricominciare
a fluire.
Il dolore sai è normale se le storie
poi finiscono
Maledette le ambizioni quando
non si concretizzano
Ma fra prendere e lasciare non si
deve mai aspettare
Perché il tempo che perdiamo non
ce lo ridà nessuno, nessuno, nessuno
Parole, rumori e giorni
Attese, speranze e sogni
Lontani, vicini, chi lo sa?
Chi lo sa?
Il coraggio dei vent’anni ha il sapore
della ribellione, ma il retrogusto
che lascia in bocca spesso
sa solamente di occasioni mancate.
Perché quando provi a scappare
da te stesso stai solo rimandando
un incontro inevitabile.
Rispondi alle domande, non cercare
di scappare
Per non essere costretto a rincorrerti
più in là
Quando avrai i tuoi quarant’anni
e le risposte ancora vaghe
E il dubbio che magari era meglio
avere un figlio
E sposarti quella donna che non
hai tenuto stretta
Perché avevi più capelli e più coraggio
da investire
Fare pace con la voglia di scappare,
leccarsi le ferite e ricominciare
a camminare. Piccoli passi, piccoli
gesti. Un giorno alla volta.
Senza sosta.
Siamo fatti per sbagliare, e poi tornare
indietro
E desiderare sempre quello che sta
dietro al vetro
Ma prenditi le scarpe e riprendi la
tua rabbia
E continua a cercare il tuo ago nella
sabbia
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