BERNARD AUBERTIN territori di fuoco - Rosenberg

ANTOLOGIA CRITICA
Dominique Stella, 2007
Bernard Aubertin
Dopo l’incontro con Yves Klein, nel 1957, Bernard
Aubertin inizia a fare pittura monocroma. Tutto ha
origine, quindi, da una visita all’atelier di Klein, a
Montparnasse. Un anno dopo, per l’esattezza nel
1958, Aubertin realizza i suoi primi “monocromi rossi”
in eco al monocromo blu di Yves Klein. Attraverso la
monocromia Aubertin pratica ciò che egli definisce il
silenzio pittorico. Per sfuggire all’arte di sensazione e
di sentimento, per sfuggire al piacere delle tecniche
pittoriche o del puro montaggio/collages, quale è stato
praticato nell’arte dall’inizio del XX secolo, Aubertin
offre la propria visione nichilista dell’arte: l’arte deve
essere noiosa, afferma; è un’evocazione semplice
del reale, che oggi non è possibile raffigurare. Non è
per niente descrittiva, può solo essere contemplativa.
Aubertin è “artista monocromo” come altri sono stati
impressionisti, astratti, espressionisti; egli appartiene
a quella sfera dell’arte in cui il colore in sé giustifica il
gesto pittorico. Bernard Aubertin è un artista a parte
nella storia recente dell’arte contemporanea. Atipico e
inclassificabile, rimane unico per la sua ricerca ostinata
e solitaria che attraversa la storia dall’inizio degli anni
Sessanta sino ad oggi. La sua ricerca si caratterizza per
l’uso esclusivo del rosso. Egli s’identifica interamente
con questo colore di cui per molti anni farà uso nel
proprio lavoro, senza mai abbandonare il filo di questa
tinta da lui privilegiata come simbolo del sangue e al
tempo stesso dell’elemento FUOCO.
(...) Nel suo lavoro, Bernard Aubertin sviluppa la
propria affinità con il concetto base della “tabula rasa”
promosso dal gruppo Zero. Il nome del gruppo
tedesco non era in alcun modo volto a celebrare il
nichilismo: Zero deve essere inteso come il vuoto
che include un insieme di altri concetti, in particolare
l’infinito e il nulla, che gli artisti del gruppo cercavano
di raggiungere attraverso un lavoro sul monocromo
privilegiando, nelle prime opere della fine degli anni
‘50, l’utilizzo del bianco. Il Manifesto Zero definisce i
diversi livelli d’azione del gruppo: “ZERO è silenzio,
ZERO è principio, ZERO è rotondo”. Malgrado
l’aspetto iconoclasta dell’atteggiamento innovatore di
questi giovani artisti, la continuità del retaggio culturale
è innegabile e assicura il legame con il futurismo, con
110
l’interrogazione spazialista di Fontana. La rivoluzione
“Zero”, per i tedeschi, o rivoluzione “Blu”, per Yves
Klein, s’interroga sulla modernità, sul ruolo dell’artista
nella società e la sua azione su ciò che è vivente. Questa
ricerca caratterizza le tendenze che segnano l’arte
europea degli ultimi anni Cinquanta e degli anni Sessanta,
in una tradizione nata nell’immediato dopoguerra. La
modernità era allora sinonimo di libertà e veicolava una
visione “romantica universalista, coerente, spirituale,
strutturata e gerarchica del mondo, nella quale l’atto
artistico assumeva un ruolo ben definito. Come
sottolinea Lazlo Gloser, si assisteva alla trasformazione
della percezione dell’arte: “Più che la realizzazione
individuale, che conta tutt’al più a titolo di esempio,
ciò che importa è il fenomeno della “modernità”, che
per il pubblico rappresenta un incontro globale con il
“nuovo”“. Zero condivide questa percezione dell’arte
e anche Aubertin, nella sua ostinazione monocroma,
rivela la medesima ambiguità tra principio e continuità
storica: “Gli artisti di ZERO volevano fare tabula
rasa di tutto ciò che era esistito prima di loro. Ma è
evidente che la loro nuova concezione della pittura
faceva parte della continuità storica, proveniva dal
retaggio culturale futurista della liberazione del colore e
assicurava così il prolungamento della tradizione delle
arti plastiche. “ Le scelte di Aubertin derivano da una
logica implacabile e rispondono a un’accumulazione
di elementi e avvenimenti, che creano l’opera a
partire dall’azione sublimata dal gesto che egli vuole
ripetitivo e, citando le sue parole, “seriale”. Aubertin
abbandona ogni implicazione emotiva per rifugiarsi
nel silenzio creatore che lo assimila all’artigiano,
autore di un gesto meticoloso che sia il più possibile
esatto. Nessun effetto di spettacolo, nessun effetto
di stile, ma lo svolgimento lento e progressivo di un
lavoro che si compie nel tempo e nel raccoglimento.
Quando Aubertin definisce il suo lavoro, nel 1977,
egli si dichiara allora e per sempre Realista: stabilisce
la traccia di questo svolgimento effettivo del tempo
sulla superficie di un quadro, preferibilmente rosso.
È spaziotempo quantificato, “rappresentato”, in un
desiderio di intercettare questa effimera realtà. Effimera
realtà che egli cattura anche nelle sue azioni di fuoco,
fra cui la più spettacolare è probabilmente il Feu en
lévitation (1968), materializzazione fisica di fenomeni
puramente astratti che raffigurano “l’accelerazione