Miguel Ângelo - Jaba

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Sofrimento sem tragédia A Virgem mostra uma expressão serena, que restringe a terrível dor interna que a oprime. Mesmo trabalhando com todo o vigor e ousadia da juventude, o génio renascentista demorou dois anos a terminar a escultura. Sendo profundamente cristão, teve o cuidado de que Maria brilhasse eternamente jovem e cândida para destacar a sua “virgindade e pureza perpétuas”. Ao contrário de representações anteriores, em que Jesus Cristo parece oprimir ligeiramente o corpo de sua mãe, A Piedade de Michel Ângelo, mostra um equilíbrio perfeito entre as duas figuras, embutido numa estrutura piramidal definida pelo corpo e pelas dobras do manto de Maria. O objectivo do artista era reforçar o envolvimento psicológico do espectador com uma cena emocionante, mas não trágica. Com os olhos semicerrados, a Virgem desvia o olhar do corpo prostrado de seu filho para orientá-lo para si mesma mostrando assim, aos olhos do observador, os seus sentimentos de compaixão de mãe que humildemente se submete à vontade de Deus. Em carne e osso O espírito renascentista do escultor manifesta-se na forma como mostra duas pessoas reais, de carne e osso, próximas e tangíveis. Na busca do volume ideal, Miguel Ângelo deu rédea solta à atitude interior que os críticos chamaram de “La terribilitá” do artista: uma expressão avassaladora de sentimentos. Dono de um génio temperamental, poucos dias depois de A Piedade ter sido colocada num local público, o artista ouviu um peregrino comentar que a obra havia sido criada por um certo Cristoforo Solari de Lombardia. A sua ira foi tão grande que, nessa mesma noite ele esculpiu com o cinzel nas vestes da Virgem, uma expressão latina que dissiparia para sempre qualquer dúvida: “Michelangelo Buonarroti, de Florença, fez isto”. Colocava essa mesma paixão na sua obra, exigindo-lhe perfeição e vitalidade. Queria com cada golpe titânico do cinzel e do martelo fazer emergir “o ser escultórico” oculto entre as veias do mármore. Procurava um resultado perfeito com uma energia que às vezes derivava em fúria, não tendo qualquer receio de destruí-lo. Não suportava os trabalhos medíocres que não expressassem com absoluta veracidade o seu estado de ânimo. Na obra A Piedade, criada num período de calma e estabilidade na vida do artista, o dramatismo da cena é contrastado pela atitude controlada e serena de Maria.
Da anatomia à perfeição Através da perfeição física, o artista dotou as suas obras de grande espiritualidade. Esculturas como Moisés, Baco e David, transmitem poderosos sentimentos e paixões humanas. Miguel Ângelo sacrificou a harmonia do classicismo a favor de um expressionismo pessoal com um selo único de estilo. Tanto a sua forma de esculpir, como o produto final do seu trabalho, reflectiam o seu temperamento incontrolável, e não a influência de uma escola formal ou teoria erudita. Esta característica autodidacta, marca da sua obra, levou-o a mergulhar no terreno das emoções através da anatomia. Com o seu vasto conhecimento do movimento dos músculos, da estrutura óssea e da pele, conseguiu representar fielmente as mais variadas e subtis emoções nas suas estátuas sacras e profanas. A Piedade, uma amostra emblemática dessa característica, reflecte o sofrimento interno de uma mãe, sintetizado na expressão do rosto, cabisbaixo mas estóico da Virgem Maria. A Piedade inacabada Criada no período final da trajectória artística de Miguel Ângelo, e também no final da sua vida, A Piedade Rondanini evoca sentimentos opostos ao seu primeiro trabalho sobre o mesmo tema. Esta obra inacabada reflecte o pessimismo e a revolta contra o mundo e contra si mesmo que invadiram o artista na velhice, somada a uma sensação de fracasso por não ter conseguido alcançar a perfeição suprema que ansiava. Realizado à luz das velas durante várias noites de inquietação e insónia, deixa a descoberto a sua inconstância emocional e intelectual no processo de criação. A figura de Cristo, praticamente fundida com a de sua mãe numa imponente massa pétrea, parece querer libertar-se de toda a concepção estética, e inclusivamente, da realidade objectiva. A protagonista da obra é a dor, agora evidente, da mãe que com escassas forças tenta suster o cadáver do seu filho que abraça por trás para evitar que caia, utilizandoo no entanto, no seu desespero e debilidade, como suporte físico e moral. Inacabadas, com a expressão dos seus rostos amorfos e o movimento dos seus corpos, ambas as figuras transmitem desolação, impotência e desamparo, sentimentos com os quais o artista se identificava plenamente.
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Page 14 and 15: 14 Mathis Grünewald e A Crucifica

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