Unsigned Sounds - Underground Music Magazine, Ausgabe 05

Interviews, Bands und mehr:
Amora Hope,
Ashes of a Lifetime,
Filiz Birkandan,
Intractable,
I Saw Daylight,
Molllust, Sevenlies,
Sparkling, Midsummer
Records
07/2013 Ausgabe 05
Band des Monats
Creamhild’s
Jazzpants

Impressum
Angaben gemäß § 5 TMG:
Unsigned Sounds -
Underground music magazi-
ne GbR
Ganghoferstraße 23
82256 Fürstenfeldbruck
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03 Einleitung
den.
Einleitung
Fakt ist: Es ist extrem schwer,
eine Band zu gründen!
Das erste Problem ist der
Wohnort, denn ca. 99,9% der 80
Millionen Einwohner Deutsch-
lands wohnen nicht in deiner
Nähe. Mindestens ein Dreivier-
tel der Leute, die in deiner Nähe
wohnen, haben kein Interesse
daran, eine Band zu gründen.
Und wenn du dann endlich ein
paar Musiker zusammen hast,
scheitert es (in vielen Fällen)
entweder am Bandnamen, oder
spätestens dann, wenn über die
Musikrichtung gesprochen wird.
Die wenigen, die es dann tat-
sächlich geschafft haben, eine
Band zu gründen, bekommen oft
zu wenig Aufmerksamkeit. Und
das, obwohl sie es vielleicht um
Einiges mehr verdient hätten als
so mancher „Künstler“ aus den
Charts – wobei ich keine Namen
nennen möchte.
Deshalb: An alle Bands da drau-
ßen: Macht euch bemerkbar, wo
ihr nur könnt! Man muss nicht
an teilweise entwürdigenden
Castingshows teilnehmen, um
bekannt zu werden.
Oft reichen schon ein kleiner
Clip auf YouTube, eine gute
Facebook-Seite, hier und da ein
Artikel in der Zeitung, ein biss-
chen Recherche im Internet über
Bandcontests und Festivals, bei
denen man möglicherweise auf-
treten kann, oder ein kleiner Gig
in der Kneipe nebenan. Das
bedeutet natürlich für die Barbe-
sitzer, dass sie auch mal unbe-
kannten Bands eine Chance
geben sollten!
Und wenn es nicht auf Anhieb
klappt: Dranbleiben und damit
weitermachen, was wir alle doch
am liebsten pflegen – unsere
Musik!
Und damit wünsche ich euch
viel Spaß beim Lesen unserer
brandneuen Ausgabe!
Lea Lea Härtel
Härtel

Band sounds
05 Filiz Birkandan 07 Amora Hope 09 Creamhild’s Jazzpants
10 Intractable 11 Sparkling 13 Ashes of a lifetime
15 i saw daylight 16 sevenlies
18 Molllust
Studio & touring sounds
26 GrooVe & Dead Night 27 Meine neue Ukulele
Dies & das sounds
21 patreon.com
23 mannheim
31 das grosse betteln
Inhalt 04
29 Midsummer Redcords

05 Filiz Birkandan
FILIZ
BIRKANDAN
„Ich mache keinen
Glitter-Glamour-
Pop!“
„Ich mache aber keinen Glitter-
Glamour-Pop!“, so die 26-
jährige Filiz Birkandan. Sie ist
Sänger- und Songwriterin und
hat sich das Gitarrespielen
selbst beigebracht. Die – wie sie
sich selbst beschreibt – lebens-
lustige und emotionale Kielerin
komponiert seit drei Jahren ihre
eigenen Songs, wobei sie sich an
eher unbekannten Künstlern
wie Kina Grannis (USA) und
Glen Hansard (Irland), aber
auch an prominenten Größen
wie John Mayer oder Maroon 5
orientiert. Ihre Musikrichtung
hängt von ihrer Stimmung ab.
Die meisten Songs jedoch ge-
hen in Richtung In-
die/Akkustik-Pop. Welche
Musik sie nicht macht, wissen
wir ja!
Deine Songs veröffentlichst du
auf YouTube. Siehst du You-
Tube mittlerweile als eine po-
tenzielle Plattform zum Durch-
starten? Wie steht es mit
Castingshows? Via YouTube
kann man natürlich viele Leute
erreichen. Meine eigentliche
Intention war damals allerdings
eine andere. Ich wollte den
Situationen aus dem Weg ge-
hen, in denen es hieß: „Hey, du
machst Musik? Sing mal was!“
Mir war dies oft sehr unange-
nehm, aus Angst, etwas falsch
zu machen oder arrogant zu
wirken. Durch meine Videos
konnte ich dann immer sagen:
„Hört es euch im Internet an!“
In erster Linie macht es mir
einfach nur Spaß, die Videos
aufzunehmen und sie zu veröf-
fentlichen. Was Castingshows
betrifft: Ich will nicht sagen,
dass ich sie hasse, kann aber
auch nicht behaupten, ein gro-
ßer Fan zu sein. Ich habe Res-
pekt vor jedem, der sich da hin-
wagt. Ich selber möchte aller-
dings nicht in eine Art
Castingshow-Schema gepresst
werden. Desweiteren zweifele

ich an der Echtheit und Glaub-
würdigkeit dieser Formate. Klar
gibt es inzwischen Shows, in
denen angeblich nur die Stimme
zählt, aber so ganz geheuer ist
mir das dann doch nicht. Die
Angst vor dem „sich verkaufen
müssen“ wäre mir zu groß.
Du hast mittlerweile schon 3500
Abonnenten auf YouTube.
Kannst du uns verraten, wie du
das geschafft hast? Ich freue
mich sehr über die Abonnenten-
zahl. Wie es dazu gekommen
ist, kann ich beim besten Willen
nicht sagen. Praktisch ist natür-
lich immer, wenn ich auf Kon-
zerten anmerken kann: „Den
eben gehörten Song gibt es auch
auf YouTube zu hören!“ – Was
bei YouTube wichtig ist, ist
wohl, soviel Material wie nur
irgend möglich hochzuladen.
Vor allem am Anfang! Dabei
sollte die Qualität aber nicht
leiden. Ein gutes Mikro ist auf
jeden Fall von Vorteil, so dass
zumindest die Audioqualität
stimmt. Meine ersten drei Vi-
deos hatten eine sehr schlechte
Qualität. Erst mit dem entspre-
chenden Equipment wuchs
dann auch langsam die Zahl der
Klicks.
In eigenen Songs verarbeitet
man ja oft auch Gefühle. Wenn
man diese Songs dann
veröffentlicht, fühlt es sich da
nicht manchmal so an, als
würden Fremde in deinem
Tagebuch lesen? Ja, oft
verarbeitet man eigene Gefühle,
aber eben nicht immer. Es gibt
Songs, die wirklich von mir
handeln, es gibt aber auch
Songs, in denen ich tatsächlich
über andere Personen (bekannte
oder fiktive) oder nur
Vorstellungen schreibe. Das
Gute daran ist: Am Ende ist es
immer mir überlassen, was ich
zu welchem Song sage oder ob
ich überhaupt etwas sage.
Denken darf sich dazu jeder, was
er will … Die Wahrheit kenne
nur ich.
Regelmäßig trittst du bei der
„Kieler Woche“ auf der „jungen
Bühne“ auf. Was war dein bisher
schönstes, verrücktestes
Konzerterlebnis dort? Der
schönste Moment war 2011, als
ich überglücklich eine Zugabe
geben durfte, zu der ich meinen
damals 7-jährigen Neffen auf
die Bühne holte. Eine Freundin
von mir kam ganz locker dazu
und pustete Seifenblasen. Es war
so schön spontan und
ungezwungen!
Du trittst bei dem Contest „lo-
cal heroes“ an. Was erhoffst du
dir davon? Soweit ich mich
informiert habe, ist der „local
heroes band contest“ ein Wett-
bewerb, der in allen deutschen
Bundesländern, Italien, Öster-
reich und Ungarn stattfindet.
Filiz Birkandan 06
Viele kompetente Musiker,
Veranstaltungsmanager und
Coaches haben ihre Hand im
Spiel. Somit kann man natürlich
viele wichtige Kontakte knüpfen
und sich einen Namen in der
Musikszene schaffen. Dieser
Punkt ist mir persönlich sehr
wichtig. Ob Gewinnen oder
nicht, das Wichtigste – und
auch mit der schwierigste Punkt
beim Musik machen – ist, erst
einmal bekannt zu werden. Dies
geht nur, wenn man an so vielen
Events wie möglich teilnimmt.
Man will und muss gehört wer-
den, um sich so Schritt für
Schritt einen Platz in der „Sze-
ne“ zu erkämpfen. Stetiges re-
cherchieren ist hierzu wichtig.
Ansonsten hätte ich wohl erst
sehr spät oder sogar nie von
diesem Contest erfahren. Aller-
dings – ohne zu pessimistisch
wirken zu wollen – rechne ich
mir nicht so große Chancen aus.
Ich bin wirklich total überrascht,
dass ich als Singer/Songwriter
an der Vorrunde teilnehmen
darf. Ich freue mich sehr auf den
Abend und die tollen Bands und
erwarte mir von diesem Auftritt
neue Erfahrungen und nette
Leute, und – wie gesagt – gute
Musik! :-)
http://filiz-music.de/
Lea Lea Lea Härtel
Härtel

EP-REVIEW
AMORA HOPE
WE FOUND
HOME
„Breathe“, „Call My Name“,
„Suddenly“, „My Love“, „Em-
pire“ – fünf Songs, die es in sich
haben. Schon nach den ersten
paar Sekunden überkommt mich
eine Gänsehaut. Der Mix ist
sauber, fast schon zu. Der Ge-
sang klingt abgefuckt, emotio-
nal, erinnert mich stellenweise
an Kris Allen, Ex-American-
Idol-Gewinner. Im Vergleich zu
den Demoaufnahmen werden
hier die Töne allerdings getrof-
fen. Bereits Song numero uno
gibt uns einen Ohrwurm mit auf
den Weg. Das Design: stilvoll.
AMORA HOPE machen läs-
sig-kantigen Indie/Alternative-
Rock mit eingängigen Melodien
und Delay-Gitarren. Beim Mi-
xing haben sie sich an BIFFY
CLYRO, ONE REPUBLIC
und KINGS OF LEON orien-
tiert.
07 Amora Hope
Wie ging die Produktion eurer
EP vonstatten? Die Produktion
der CD war anstrengender und
dauerte länger als erwartet. Wir
haben selbst im Vorfeld jeden
Song vorproduziert und, als es
ins Studio ging, das eine oder
andere noch nachträglich geän-
dert. Wir haben uns bewusst
Zeit gelassen und alles sehr gut
vorbereitet. Wir wollten einfach
alles aus unseren Songs rausho-
len. Wir wollten eine Debut-EP
aufnehmen, die sich sehen lassen
kann.
Warum nur so wenige Lieder?
Da wir momentan noch alles
selber finanzieren müssen, ist es
schwierig, ein ganzes Album in
der Qualität aufzunehmen. Zum
einen wegen der Kosten, und
zum anderen, weil uns ja noch
kaum einer kennt. Wir würden
auf den Kosten sitzenbleiben. Es
war, wie für jede junge Band,
quasi eine wirtschaftliche Ent-
scheidung. Wir sehen die EP als
eine Art Visitenkarte, mit der
wir uns bei Veranstaltern vor-
stellen können, ohne uns verste-
cken zu müssen.
Welche Erfolge konntet ihr
bereits verzeichnen?
Unsere Erfolge waren bislang
fast alle auf persönlicher Basis.
Wir sind unglaublich Stolz auf
die Platte. Die Reaktionen der
Leute sind auch überwältigend,
und das freut uns am meisten!
Ansonsten durften wir die Band
THREE CHORD SOCIETY
auf deren Tour Ende letzten
Jahres begleiten und spielen
jetzt, am 22ten Juni, als Vor-
band für SILBERMOND und
BOSSE in Tettnang! Ich denke,
ich muss nicht sagen wir sehr
wir uns darauf freuen.

Was hat es mit eurem Design
auf sich? Das Design ergibt sich
aus unseren Vorstellungen, was
wir machen möchten und wie
wir gesehen werden wollen. Ich
bin ein Freund von klaren und
minimalistischen Designs. Un-
sere Musik ist unserer Meinung
nach aufgeräumt und hat klare
Linien. Außerdem finde ich es
gut, dass, wenn man z. B. nur
unser Design sieht, nicht gleich
erschließen kann, was dahinter
steckt. Im Grunde soll es hoch-
wertig und edel aussehen. Da-
durch, dass ich (David, Gesang)
die ganzen Designs selber ma-
che, kann ich mich da natürlich
voll ausleben Ich denke, als
Band reicht es heute nicht mehr,
nur gute Musik zu machen. Das
ganze Drumherum muss stim-
Amora Hope 08
mig sein. Eben wie das CI einer
Firma.
AMORA HOPE bringen zum
Nachdenken, zum Resümieren,
was da gerade eigentlich passiert
ist. Und lassen nur mit einem
einzigen Gefühl zurück: Hoff-
nung. Hoffnung, dass da noch
mehr kommen wird, noch mehr
kommen muss von diesen fünf
Stuttgartern, die sich nach lan-
ger Suche gefunden haben und
den Hörer regelrecht „in ihre
Familie“ aufnehmen.
8,5/10
https://www.facebook.com/Am
oraHope
Bene
Bene

9 Creamhild’s Jazzpants
Kein Geld in
der Tasche,
kein Konzept
für
nichts –
Na dann
kann's ja
los gehen!
Unsere
Band des
Monats
„Man sieht es uns vielleicht
nicht an, aber wir sind echte
Musiker!“ Und wer kann das
heutzutage noch von sich
behaupten?
Zu der Hand voll Auser-
wählter darf sich die Rock-
Funk-Band
CREAMHILD‘S JAZZ-
PANTS aus Rhön-Grabfeld
zählen.
In Zeiten, in denen „handge-
machte“ Musik nicht mehr die
populärste Gattung ist, bleiben
sich die vier Jungens um Rapper
Tollpatsch treu. Auch wenn sie
sich den Weg in die Professio-
nalität wünschen.
Dafür aber seine Musik verleug-
nen und dem Mainstream an-
passen? Denkste! –
CREAMHILD’S JAZZ-
PANTS glänzen mit Schirm,
Charme und Texten, die unter
die Haut gehen. Für die ist
hauptsächlich Rapper Toll-
patsch verantwortlich. Genauso
wie für den eher ungewöhnli-
chen Bandnamen. „Ich wollte
unbedingt einen Frauennamen.
Der Name sollte wie unsere
Musik cremig klingen. Da ka-
men wir letztendlich auf
Creamhild. Die ominösen Jazz-
pants haben wir in einem Un-
terwäschekatalog gefunden.“
Unterwäsche und eine leckere
Frau? Wer würde da nicht zu
einem Konzert der Jazzpants
gehen? Aber natürlich nicht nur
deswegen. Die Musik lockt
einen da noch viel mehr. „Bei
uns kommen verschiedenste
Einflüsse aus unterschiedlichen
Genres zusammen und ergeben
ein sehr abwechslungsreiches
Programm aus Rock, Funk,
Blues, Punk und mehr, bei dem
der Rap jedoch immer im Vor-
dergrund steht.“
Viel Gemecker, viel Battlerap.
So was findet man in dieser
guten Qualität selten in der
Underground-Szene. Über einen
Computer rappen, das reizt
Frontmann Tollpatsch über-
haupt nicht. Die laute Live-
Musik, die seine Texte energisch
untermalt, macht den Jazzpants-
Sound einzigartig. Mit Größen
wie den ORSONS und CRO
können sie, ohne aus der Puste
zu kommen, mithalten.
Seit fünf Jahren begeistern die
JAZZPANTS nun schon ihr
Publikum in ganz Bayern. Und
das quasi noch in der Urbeset-
zung – im Gegensatz zu vielen
anderen Jung-Bands eine Sel-
tenheit.
Was kann eine Band wie die
erfahrenen CREAMHILDS
JAZZPANTS dem einen oder
anderen Nacheiferer raten? –
Rapper Tollpatsch hat für unse-
re Unsigned-Sounds-Leser eine
kleine Lebensphilosophie parat:
„Geht euren Weg. Verlauft euch
nicht. Zieht zur Not einen Fa-
den hinter euch her. Und ver-
gesst die Pausen nicht, sonst
geht euch die Puste aus!“
Ihr wollt den Faden zu den
JAZZPANTS nicht verlieren?
Dann loggt euch ein, unter
www.creamhild.de!
Sophia Sophia Binder Binder
Binder

ALBUM-REVIEW
INTRACTABLE
INNER
DECAY
Durchaus gekonnt hören sich
die Schweizer Death/Thrash-
Metaler an. Viel gegrunzt, ge-
röhrt, gegrowlt wird außerdem.
Geshoutet vielleicht auch. Aber
so genau kenne ich mich da
nicht aus. Ich weiß nur: Es hört
sich gut an! Gar nicht falsch
oder nach Kehlkopfkrebs, son-
dern richtig!
Dominant: riffige Gitarren, die
mich an Metallica erinnern,
Double-Bass und Blastbeats.
Das Cover: handgezeichnet, ein
Fabrikgelände unter Beschuss,
ein Himmel in Blutrot, schwar-
ze Wolken, Rauch und Abgas-
nebel, zwei Hände, leichengrau,
die aus dem Himmel greifen,
einer Figur, ganz ohne Beine,
Hände auflegen. Mittig: eben-
diese, männlich. Mit geschlos-
senen Augen versucht sie zu-
rückzuhalten, was aus ihrem
offenen Ende fällt: herausquel-
lende Gedärme.
Doch kommen wir zum Mittel-
punkt meiner Kritik: ihrer Mu-
sik. Im Prinzip spiegelt das
Cover ihre Wirkung wider:
INTRACTABLE sind düster,
aggressiv, gewaltig. Bedrohlich,
um es auf den Punkt zu bringen.
Maschinell, mit einer meditati-
ven Note. Meditativ, weil alles
wie aus einer inneren Ruhe zu
passieren scheint, selbstzerstöre-
risch anklingt. „Decay“ ist dafür
tatsächlich das richtige Wort.
Alles zerfällt, von innen heraus.
Musikalisch unterscheiden sich
die zwölf Albumsongs nicht
wirklich. Alles klingt irgendwie
gleich. Was man sowohl positiv
als auch negativ sehen kann.
Positiv, weil die Band damit ihre
Stilsicherheit beweist. Negativ,
weil sie mich nach den ersten
drei, vier Liedern langweilt. Ich
höre alle Arten von Musik. Gute
Musik kann mich immer – egal,
welcher Art – begeistern. Und
irgendwie ist „Inner Decay“
auch ganz gut gemacht. Sie
passt. Nur wäre ich gern besser
unterhalten gewesen. So sind
mir INTRACTABLE irgend-
wie zu wenig. Ich brauche Ab-
wechslung. Und die bietet die
Scheibe nicht – sieht man von
ein paar Half-Time- und/oder
Bass-Parts ab.
In der Genrewertung gibt es
daher 8 Punkte. Insgesamt aber
kann ich nur 6,5 von 10 verge-
ben. Die Scheibe flasht mich
nicht. Auch etwaigen Groove
vermisse ich. Ich kenne Bands,
Intractable 10
die haben dieses Genre besser,
atemraubender gemeistert.
Bene Bene
Bene

11 Sparkling
… und als Underg-
round-Superhelden
die Musikszene in
Köln, besser noch in
ganz Deutschland,
aufmischen! – Leon,
Luca und Levin bilden
die Grundmauern der
minimalistischen In-
die-Rock-Band
SPARKLING aus der
Kölner Südstadt.
SPARKLING
Die Welt retten
„Sparkling bedeutet auf
Englisch erfrischend, fun-
kelnd, glänzend, prickelnd.
Unsere Musik erfrischt
durch ihre Klarheit und
‚funkelt‘ deshalb aus der
Menge heraus.“ – Über-
trieben? Quatsch! SPAR-
KLING liegen mit dieser
Selbsteinschätzung kei-
neswegs daneben. Ihr clea-
ner E-Gitarren-Sound,
ohne Schnörkel, ohne end-
lose Soli und Verzerrun-
gen, prickelt auf der Haut
wie kaltes, klares Mineral-
wasser. Direkt und präsent.
Eine neue, erfrischende,
nicht überladene Musik, on
point. „Wir filtern aus un-
seren präferierten Musik-
stilen die besten Eigen-
schaften heraus.“

SPARKLING beflügeln
die Bühnen der Welt seit
2011. Eine Besonderheit
dabei: Bereits ihre allerers-
ten Konzerte waren restlos
überfüllt. Und das als
Newcomerband! – „Unsere
ersten Konzerte waren
ausverkauft. Wir waren
überrascht und glücklich,
dass so vielen Leuten unse-
re Musik auf Anhieb ge-
fällt.“
Aber was genau hebt
SPARKLING von den
abertausend anderen Bands
ab? „Unsere Emotionen
werden bei jedem Auftritt
vollständig auf das Publi-
kum übertragen. Dadurch
entsteht eine Verbunden-
heit von uns (als Akteure)
zum Publikum. Diese
Energie unseres Auftretens
animiert die Menge zur
Bewegung. Keines unserer
Konzerte ist wie das ande-
re, da wir immer mit neuen
Aktionen überraschen.“
Mit jedem Ton, mit jedem
Wort ziehen Sparkling die
Zuschauer in ihren Bann,
wie richtige Illusionisten.
Gruselig, aber auch un-
heimlich schön. „Bei Live-
konzerten ist uns die Inter-
aktion mit dem Publikum
sehr wichtig, wir feiern alle
zusammen, wie auf einer
gemeinsamen Reise.
Nichtsdestotrotz bewahrt
die Grenze zwischen Pub-
likum und Bühne eine ge-
dankliche Distanz, die es
ermöglicht, den Auftritt
von außerhalb als Gesamt-
kunstwerk und als Illusion
wahrzunehmen.“
Sparkling 12
Nach ihren Erfolgen in
Deutschland soll jetzt auch
die Insel das Live-
Phänomen SPARKLING
erleben. „Im Juli 2013 geht
es für uns einen Monat auf
Tour durch England.“ –
The Queen will be amused!
Wir wünschen Sparkling
auf jeden Fall viel Spaß im
Land des Pfefferminztees.
Vielleicht geht dann auch
bald der Traum, die Lon-
doner ARCTIC
MONKEYS zu supporten,
in Erfüllung. Bis es einmal
so weit ist, bleiben die
Jungs sich auch weiterhin
treu und leben gemäß ih-
rem Bandmotto: „Lieber
einmal zu viel als einmal zu
wenig. Rettet die Welt!“
Sophia Sophia Binder
Binder

13 Ashes of a Lifetime
Ashes Of A Lifetime
EP-Review: „Green“
Ashes Of A Lifetime, das
sind: Stephan (Guitar),
Sebsatian (Guitar), Nils
(Vocals), Daniel (Bass)
und Jannik (Drums). Die
fünf Jungs standen bereits
mit Born From Pain, War
From A Harlots Mouth,
Purified In Blood und A
Traitor Like Judas, aber
auch mit Bands wie Equi-
librium oder Die Apokalyp-
tischen Reiter auf der Büh-
ne. Mir vor liegt ihre neue
EP.
„Green“ beginnt stim-
mungsvoll: Keys, Geräu-
sche, die in ein Piano
übergehen. Orientalisch
anmutende Klänge. Ein
Teufel spricht im Hinter-
grund. Ich muss an
Kamelots „March of Me-
phisto“ denken. Auch hier
kamen Streicher,
Snarerolls zum Einsatz.
Aber das war’s auch schon
mit den Gemeinsamkeiten.
Es knallt ordentlich.
„Shock“ läuft an. Saubere
Death Metal-Gitarren,
Tapping-Läufe – technisch
absolut perfekt. Der Ge-
sang: sehr guttural, Shouts,
die die eigentliche Stimme
des „Sängers“ nicht gänz-
lich zu verschleiern wissen.
Dennoch: Auch hier gilt:
technisch relativ ausgefeilt.
„Illusion“ kommt etwas
melodramatischer daher.
Gezupfte Gitarrenchords
über einem grundsoliden
Riff. Wieder „Geschrei“.
Zu Beginn gibt’s eine

Sprachpassage. Dann
klingt alles aus. Atmosphä-
rische Gitarren. Im An-
schluss: ein verzweifeltes
Nachluftringen. Am Ende
mündet alles wieder in das
Anfangsriff.
„Nemesis“ gibt richtig auf
die Fresse. Und präsentiert
den ersten Chorus mit
(gebrüllter) Melodie. Der
richtig gut rüberkommt! –
Schließlich: Chöre, ein
herzzerreißendes Krei-
schen. Ich verliere irgend-
wie den Faden … Erst der
Chorus bringt mich wieder
back in track.
Womit wir auch schon bei
„Continuation“ wären:
Den Anfang machen apo-
kalyptische
Gitarrenchords. Echte
Rifftaifune lassen den Hö-
rer in seinen Grundfesten
erzittern. Ein finsterer
Malstrom reißt mich in die
Tiefe. Urplötzlich fühle ich
mich umringt von Teufeln
und Dämonen. Sie singen
im Chor. Eine Riffwand
katapultiert mich auf die
Füße, schlägt mir ins Ge
sicht: Breakdown! – Heavy
as hell …
Der Bonus-Track dürfte
ein bekannter sein:
„Davidian“ von Machine
Head. Der klingt hier
deutlich härter. Wo Rob
Flynn noch einigermaßen
menschlich klingt, scheint
Nils einen ihm innewoh-
nenden Dämon zu entfes-
seln. Der Fünfer schaukelt
sich ins Ekstatische … und
klingt aus, rhythmisch, ein
Sterbender in letzen Zü-
gen. Es ist vollbracht.
Auch wenn sich Ashes Of A
Lifetime keinem eindeuti-
gen Genre zuordnen las-
sen: Sie machen Metal,
und das richtig, richtig gut!
– Wer auf Machien Head,
Soilwork und Konsorten
steht, sollte diese Band
verfolgen! Unbedingt im
Auge behalten!
Ashes of A Lifetime 14
Mittlerweile hat ein kleiner
Lineup-Change stattge-
funden: An Sebastians
Stelle ist Bastian getreten
und statt Daniel zupft nun
Anna den Bass.
https://www.facebook.co
m/ashesofalifetime
Bene
Bene

15 I Saw Daylight
EP-Review
I Saw
Daylight
Wütend-schön statt
Bimmelei
Ulm. Eigentlich nur be-
kannt für das Münster und
das schöne Fischerviertel.
Doch mittlerweile hört
man aus der Stadt an der
Donau außer Glockenge-
bimmel noch etwas ande-
res: melancholischen
Hardcore.
I SAW DAYLIGHT greifen
auf altbewährte Mittel zurück
und verzichten gerne auf viel
Schnickschnack in ihren Songs.
Verzerrte Gitarren, ein knacki-
ger Bass, fette Drums und ein
brachial bellender Frontmann
reichen den zwei Mädels und
drei Jungs, um dem Zuhörer
eine Welle von Emotionen
entgegenzuwerfen. Ob verletz-
lich, wütend oder melancholisch
– die fünf jungen Menschen
wissen, wie sie es auf den Punkt
bringen!
Der Opener „wake up my heart“
ihrer Split-CD mit JTZT
(ebenfalls aus Ulm!) gibt die
Grundstimmung der Platte vor,
die sich auch durch die anderen
Tracks zieht, ohne aufdringlich
zu wirken. Melancholisch,
nachdenklich und doch wütend-
schön.
In „used to…“ bilden die
Guestvocals einen schönen Kon-
trast zum Geschrei des Ulmer
Frontmanns. Allerdings macht
der Mix einiges kaputt. Die
Gesangspassagen wirken zu hart
und trocken im Vordergrund,
was den Song im Gesamtein-
druck etwas schwächeln lässt.
„Words I left unsaid“ treibt
einen von Beginn an, spätestens
beim Breakdown (Achtung:
Ohrwurm!) wippt man automa-
tisch mit dem Kopf vor und
zurück. Die Groupshout-
Passage am Ende rundet den
Song mit einem ordentlichen
Wumms! ab.
Bevor die CD zu JTZT wech-
selt, kommt mit „Orchid“ wohl
die beste Nummer des Quin-
tetts. Mit ruhigem Intro, an-
schließendem Hardcorebeat,
einem klasse geschriebenen Text
sowie einem passenden Wechsel
aus Härte und Gefühl verab-
schieden sich ISD vom Hörer.
Fazit: Die Ulmer wissen, auf
ihrer Seite der Split-CD zu
überzeugen. Die melancholische
Grundstimmung, die einen in
den ersten paar Sekunden beim
Anhören übermannt, ist dezent
– wirkt aber! Getragen von trei-
benden Beats und gefühlvollen
Leadriffs glaubt man Front-
mann Eugen jedes Wort, das er
einem entgegen schreit, und das,
ohne vor Schmerz und Melan-
cholie zu triefen. I SAW
DAYLIGHT liefern ein gelun-
genes Gesamtpaket ab. Auch
wenn das Mixing alles andere als
gut ist und der ein oder andere
aus dem Takt geratene
Verspieler zu hören ist, kann
man den Ulmer Mädels und
Jungs keine Langeweile oder
fehlende Kreativität vorwerfen.
Potential ist nicht von der Hand
zu weisen. Mit dem richtigen
Engineer an der Seite wird die
nächste Platte dazu beitragen,
ISD über regionale Grenzen
hinaus zu katapultieren!
PS: Mittlerweile haben die
Jungs und Mädels schon wieder
eine ganz neue, andere EP auf
Lager …
www.facebook.com/ISAWDA
YLIGHT
Yannick Yannick Forstenhäusler
Forstenhäusler

ALBUM-REVIEW
“Ready to
roll!?”
Mit „Ready To Roll“ jagen
SEVENLIES ihre Hörer durch
ein regelrechtes Wechselbad der
Gefühle – wenn auch ungewollt:
Gemeint sind nämlich nicht die
den Songs immanenten
Changes, sondern mein Kopfni-
cken, -schütteln, wenn ich etwas
gut oder mal weniger gut finde.
„Weniger gut“ wäre in den
meisten Fällen sogar noch un-
tertrieben. Meiner Meinung
nach wagen sich die Jungs viel
zu früh an ihr Album. Der Sän-
ger kommt kaum hoch, die
Vocals klingen unsauber, unsi-
cher. Es fehlt ihnen an Druck,
der nötigen Stringenz. Auch
wenn er eine geile Stimme hat,
der Jean-Jaque Rosé. Er sollte
an ihr arbeiten. Nicht einmal
seine Melodien kommen richtig
rüber.
Womit wir auch schon bei mei-
nen Favoriten wären: Die Riffs,
Akkordfolgen und Harmonien,
die das Gitarrenspiel (Luka
Egner, Lucien DeVille) offen-
bart, sind der Hammer! – Die
Jungs erinnern mich an NI-
CKELBACK, BREAKING
Sevenlies 16

Sevenlies 17
BENJAMIN und BLACK
STONE CHERRY. (Allerdings
wechseln sich auch hier Gut und
Böse ab: Während das Solo in
„Over The Edge“ nur so
reinhämmert, bleibt es andern-
orts bei ein paar ziellos
dahingedudelten Tönchen.)
Dennoch sind sie noch ein gro-
ßes Stück von deren Perfektion
entfernt. Hier und da hört man
die Trigger-Drums heraus, Bass
und Gitarre kommen untight
oder der Frontmann leistet sich
schiefe Töne. Richtige Ohr-
würmer bleiben auch aus. Lei-
der.
Dabei kommt die Mucke richtig
gut! Ihr Mix ist richtig geil!
Auch das Layout sieht gut aus.
Da waren echte Profis am
Werk.
„Ready To Roll“ ist kein kom-
pletter Flopp. Die Jungs haben
Potential. Doch sollten sie noch
etwas feilen, an ihren Songs, den
Melodien, ihrem Zusammen-
spiel. Dann könnte aus ihnen
eine richtig große Rock-
Nummer werden!
Nachtrag: Das Album haben die
Jungs im Tonstudio ihres Sän-
gers aufgenommen, den soge-
nannten „Asskan Studios“. Das
Vocal Feature auf „Steal the sun
from the sky“ mit Sänger Pedro
von der Luzerner Alternative-
Rock-Band ONE DAY
REMAINS kam durch eine
gemeinsame Tour im Jahr 2011
zustande. Die Stimme von Ped-
ro hat sie „alle einfach nur faszi-
niert“.
Mit dem Rohmix des Songs als
Grundlage haben Pedro und
Claudio, der Produzent und
Gitarrist von ONE DAY
REMAINS, die Gesangsspur in
der Schweiz aufgenommen und
ihnen zugeschickt – Internet sei
Dank! Das Solo für den Song
„Over the edge“ stammt von
Kai, dem Sänger, Gitarrist und
Produzent der Aalener Melodic-
Death-Metal-Band
PARASITE INC. Der hat
freundlicherweise auch das
Mastering für „Ready To Roll“
übernommen. Außerdem hat er
ihnen bei den Recordings bera-
tend zur Seite gestanden.
(6/10)
Bene
Bene

Molllust
Opera Metal
“Bach Con Fuoco” heißt das
neue Werk des Sechsers. Darauf
enthalten: vier Songs, oder soll-
te ich besser sagen: Stücke, denn
„Songs“ kann man diese
aufarrangierten klassischen
„Bauklötze“ beim besten Willen
nicht nennen. Zu tun haben wir
es mit dem „Präludium in d-
moll“ nach der überarbeiteten
Fassung von D. Kabalewski,
„Blute nur, du liebes Herz“ aus
der Matthäus-Passion, „Aus
Liebe will mein Heiland ster-
ben“, ebenfalls aus der Matthä-
us-Passion, sowie „Ave“ nach
„Ave Maria“, einer Meditation
über das Präludium Nr. 1 in C-
Dur.
Aber was macht das ganze Ding
zum Metal? Aussehen tut die
Scheibe ja wie ein Zusammen-
schnitt des Klassikfachs: feinge-
schnittene Profile, feder-, hand-
gezeichnet, stilvoll auf Creme-
weiß. Im Hintergrund: eine
geschmackvolle Tapete. Das
Cover zeigt Bach, den Kompo-
nisten, sowie Janika Groß, filig-
rane Schönheit und Sängerin
des Sechsers, die außerdem das
Klavier zu allen Stücken
eingeklimpert hat. Ansonsten
partizipieren Frank Schumacher
(Gesang, E-Gitarre), Tommaso
Soru (Schlagzeug), Sandrine
Bisenius (Violine), Lisa Hellner
(Cello) und Johannes Hank am
Molllust 18
Bass. Als Gäste sind zu hören:
Stephan Klingner (Violine),
Christoph Uschner (Cello) so-
wie Andy Schmidt (Bass).
Zugegeben: „Opera Metal“
klingt nach NIGHTWISH.
Und so ganz ist der Vergleich
auch nicht von der Hand zu
weisen. Janika Groß hat einen
klaren, wunderbar klassischen
Sopran. Sie singt echte Kolora-
turen. So wie Tarja. Allerdings
klingt Janika manchmal etwas
schief, was aber wahrscheinlich
an der Färbung ihrer Stimme
liegt. Etwas dunkler oder heller
eingefärbte Vokale klingen eben
einfach etwas tiefer oder höher.
Außerdem darf/muss sie schwe-

19 MOLLLUST
re Sprünge singen. Ihre Auf-
nahmen klingen echt und unge-
künstelt, und ich habe großen
Respekt vor ihrer Kunst. (Ganz
anders klingt ihr männliches
Konterfei: Frank Schumacher
hat leider keine sehr angenehme
Stimme!)
Anders als bei NIGHTWISH
wird hier noch alles handge-
macht. Die verwendeten klassi-
schen Instrumente sind echt und
klingen auch so. Außerdem
stehen hier weniger individuali-
sierte Songs, sondern vielmehr
die Originale im Vordergrund,
die durch Schlagzeug und Gitar-
re bloß ergänzt werden.
Das Ergebnis jagt dem Hörer
das eine oder andere Mal (samt
und sonders in „Ave“) einen
wohligen Schauer über den
Rücken. „Bach con fuoco“ ist
sperrig, aber auf seine eigene,
einzigartige Weise auch wun-
derschön; ein gelungenes, ge-
konntes Werk. 2012 haben die
Jungs und Mädels sogar die
Bachspiele gewonnen.
Wie seid ihr darauf gekommen,
DAS aus klassischer Musik zu
machen? Wir wollten eine Brü-
cke bauen zwischen den heuti-
gen Hörgewohnheiten und der
Kunst der alten Meister. Als
klassischer Musiker wächst man
fast automatisch in zwei Welten
gleichzeitig auf: in der Klassik
und mit all dem, was das Um-
feld an einen heranträgt. Was
spricht dagegen, diese zu ver-
binden? Ich wollte allerdings nie
Bach einfach irgend etwas über-
stülpen. Zunächst habe ich mich
intensiv mit seinem Werk ausei-
nandergesetzt und die darin
enthaltenen Aussagen extrahiert.
Als Kunstgriff habe ich mir
lediglich die Freiheiten genom-
men, diese mit den heutigen
Möglichkeiten zu unterstreichen
oder einen ganz bestimmten
enthaltenen Aspekt mehr in den
Vordergrund zu heben. Bach
war Kirchenmusiker und hatte
in seinem Arbeitsvertrag stehen,
dass er nichts zu aufwühlendes
schreiben dürfe, was der An-
dacht abträglich wäre. Heute ist
eine andere Zeit: Jeder wird von
einem wahren Blitzlichtgewitter
an Reizen täglich überfallen. Da
muss man meiner Meinung
nach auch andere Akzente set-
zen, um die Menschen zu errei-
chen, um ihnen einen Zugang
zu solchen Werken zu schaffen.
Wie geht ihr beim Umschrei-
ben, Arrangieren vor? Ich habe
mich vor den Klavierauszug
gesetzt, mir klar gemacht, was
mir dieses Stück jeweils sagt und
mit welcher musikalischen Spra-
che ich dies umsetzen würde. Z.
B. bei „Blute nur“ steht der
Judas-Verrat im Raum, das
Unheil kündigt sich an. Daher
hörte ich für mich den Gang
zum Schafott, die Trommeln,
das Bedrohliche, und im Gegen-
satz dazu die unschuldige Klage
der Frauenstimme. Die Violinen
im Original waren mir zu ver-
spielt. Ich habe also das Thema
der tieferen Instrumente ge-
nommen und ausgeweitet sowie
das Werk etwas von der baro-
cken, verspielteren Auffüh-
rungspraxis gelöst und stattdes-
sen mit der Gefühlsintensität
der Romantik angestrichen. Aus
rein technischer Sicht habe ich
ganz verschiedene Kniffe ange-
wendet: Teilweise habe ich
etwas gekürzt oder bestimmte
Parts wiederholt, die Taktart
geändert, den Rhythmus präg-
nanter gesetzt,
uminstrumentiert, stärkere Kon-
traste geschaffen, bestimmte
Themen betont, andere wegge-
lassen, den Stückaufbau leicht
verändert, etwas eingefügt, den
Text abgewandelt – je nachdem,
was mir an welcher Stelle gerade
als passend erschien.
Wer ist bei euch federführend?
Ich, die Frau an Tasten und
Mikro (Janika). Das Songwri-
ting kommt fast ausschließlich
von mir, allerdings fließen auch
immer wieder beim Proben die
Impulse meiner Bandkollegen
mit ein. Ich schreibe erst einmal
alle Stimmen und schicke sie
herum, aber jeder für sich macht
sich Gedanken, wie man noch
mehr aus der eigenen Linie
herausholen kann. Bei den Ei-
genkompositionen fließt auch ab

und an mal ein Riff von unserem
Gitarristen, Frank, ein – das war
bei „Bach con fuoco“ aber logi-
scherweise nicht der Fall. Insbe-
sondere die Gestaltung des
Schlagzeuges ist am Ende im-
mer wesentlich kreativer und
vielschichtiger, als ich sie im
ersten Entwurf grob notiere.
Was habt ihr für einen Hinter-
grund? Klassische Ausbildung?
Eure Sängerin hört sich danach
an. Wir haben allesamt zumin-
dest über einen kurzen Zeitraum
hinweg Unterricht auf unseren
jeweiligen Instrumenten gehabt,
größtenteils sogar von Kindes-
beinen an. Dennoch würde ich
nicht alle von uns als klassische
Musiker bezeichnen. Johannes,
Sandrine und ich hatten schon
Unterricht, als wir noch halb so
groß wie jetzt waren. Lisa hat
ihre Liebe zum Cello erst als
Jugendliche gefunden und hat
zumindest die Grundlagen bei
einem Lehrer erarbeitet, jetzt
arbeitet sie auch viel in Eigenre-
gie. Frank und Tommaso sind
eigentlich Rockmusiker. Frank
war ursprünglich Autodidakt,
hat sich ab einem gewissen
Punkt dann aber auch mit Hilfe
eines Lehrers weiter vorange-
bracht. Und Tommaso stammt
aus einer Schlagzeugerfamilie –
er hat also auch gleich früh das
Rüstzeug bekommen, sich zu-
sätzlich aber auch noch unter-
richten lassen, aber eben weni-
ger in Hinblick auf klassische
Musik. Ich habe ein privates
Gesangsstudium durchgezogen
und hole mir heutzutage zusätz-
lich neue Impulse in Meister-
kursen.
(7,5/10)
Bene
Bene

21 Patreon.com
Patreon
Wer oder
was ist
Patreon?
Patreon passiert onli-
ne, in Form einer
Website. Jack Conte
(Singer/Songwriter,
Musiker, Sound- und
Video-Creator) hat die
Site gegründet, um
seinen multimedialen
Output zu finanzieren
– und den aller ande-
ren content bloggers.
Die Seite bietet ihren Be-
suchern an, Patenschaft zu
übernehmen. Für alles
kann gespendet werden:
Bilder, Fotos, Musik, Vi-
deos …
Der Sinn dahinter: Die
content creators sollen von
ihrer Leidenschaft/Sucht
leben können. Mit dabei
mittlerweile unter anderen:
Nataly Dawn, die Sängerin
der durch YouTube be-
kannt gewordenen Cover-
band Pomplamoose, sowie
Lauren O’Connell. Das
sind die Gefeatureten.
Die Präsenz steht aller-
dings noch in den Startlö-
chern. Es soll noch so viel
mehr passieren. Künstler
sollen nicht nur ihre eige-
nen Links promoten, son-
dern sich auch gegenseitig
finden können. MySpace,
ick hör dir trapsen! – Der
einzige Unterschied: die
Möglichkeit, den Künst-
lern Geld zu spenden.
Doch tatsächlich: Jack
Contes
(http://www.youtube.com
/user/jackcontemusic)
Plan geht auf. In einem
halben Tag hat er so über
2000$ gemacht. Und das
pro Video! – Ab heute
kann er sich zurücklehnen,
chillen, sich die Sonne auf
den Bauch schaun lassen.
Angefangen hat das alles
vor sechs Jahren. Sein ers-
tes Video „The Making
Of: the Video Blog Intro”
hatte fast 20000 Aufrufe –
wenig für einen Conte-
Song. Seine beliebteste
Kreation verzeichnet nahe-
zu 1000000 Klicks! – Hier
könnt ihr euch das Video
ansehen:
http://www.youtube.com/
watch?v=lBUUOJpFg9Y.
Seitdem versorgt uns Jack
relativ regelmäßig mit neu-
en kreativen Songideen.
Seine Musik klingt ganz
anders, frisch, experimen-
tell, unkonventionell. Im-
mer mit dabei: ein ganzer
Arsch voller Effekte!
Mittlerweile hat er ganze
60 Videos im Alleingang
produziert. Und dabei sind
noch nicht die, die er in
irgendwelchen Projekten
fabriziert hat. Denn Conte
ist quasi überall dabei! – Er
filmt, schneidet und kom-
poniert für gut ein halbes
Dutzend Bands.
Seine neue, wieder ganz
andere EP gibt’s übrigens
zum kostenlosen Down-
load hier:
www.patreon.com/JackCo
nte.

Für sein neustes Video –
„Pedals“, eine Ode an Ef-
fekt-Geräte
(http://www.youtube.com
/watch?v=mZ02alEkbLw
&feature=youtu.be) – hat
er mehrere Roboter pro-
grammiert, sein Studio in
das Innere einer Art
Raumschiff verwandelt.
Während eine ferngesteu-
erte Spinne tanzt, diverse
Knöpfe drückt, bewegt ein
mechanischer Kopf die
Lippen. Jack Conte selbst
geht an der Gitarre ab.
Vollkommen übernächtigt
– direkt nach Upload sei-
nes Videos (eigenen Aus-
sagen zufolge hat er seit
über 24 Stunden nicht
geschlafen) – präsentiert er
sein eben erst online ge-
gangenes (am 07.05.2013)
Baby „www.patreon.com“.
Bene Bene
Bene

23 Mannheim
Studieren an der
Popakademie
Habt ihr nicht auch schon mal
mit dem Gedanken gespielt,
euer Hobby zum Beruf zu ma-
chen? Und das am besten noch
mit Studium? – Jens Schneider
hat genau das getan, an der
Popakademie Mannheim:
Wie bist du auf Mannheim
gekommen? Für mich stand
schon ziemlich früh fest, dass
Musik für mich mehr als nur ein
Hobby ist. Initialzündung hier-
für waren unter anderem die
MainPop-BandCamps, an de-
nen ich regelmäßig teilgenom-
men habe. Auf der Suche nach
Studienmöglichkeiten im Be-
reich Rock/Pop bin ich dann
ziemlich schnell auf die Popaka-
demie in Mannheim gestoßen,
die aufgrund ihres sehr guten
Renomés und einiger namhafter
Absolventen an Stelle eins mei-
ner Studienwunschliste rückte.
Mannheim?
Ich habe mich zwar auch noch
an anderen Unis und Berufs-
fachschulen beworben, für mich
war jedoch klar, dass ich nach
Mannheim gehe, sofern ich die
Aufnahmeprüfung bestehen
würde.
Wie lief das so ab? Wie hast du
dich über die Prüfung infor-
miert? Hast du viel geübt oder
bist du einfach hingegangen?
Zunächst mal wird anhand einer
eingeschickten Bewerbung inkl.
Demo-CD eine Vorauswahl
getroffen, die dann zur Auf-
nahmeprüfung eingeladen wer-
den. Auf der Website der Pop-
akademie finden sich hierzu
ausgiebige Informationen sowie
Videopodcasts, die sehr helfen,
um sich auf die Aufnahmeprü-
fung einzustellen. Ich habe auch
im Vorfeld mit einigen Absol-
venten gesprochen, die sich
mittlerweile zahlreich in der
deutschen Musiklandschaft
tummeln. In den Wochen vor
der Prüfung habe ich dann na-
türlich besonders viel geübt, um
einfach optimal vorbereitet zu
sein, was auf jeden Fall immer
empfehlenswert ist!
Wie war die Prüfung? Was war
gefragt? Wie bist du damit um-
gegangen? Wie hast du dich
gefühlt? Die Prüfung an sich
besteht aus zwei, drei Teilen.
Zum einen aus einer Gehörbil-
dungs- und Theorie-Prüfung,
die auch für Leute mit wenig
Vorwissen auf dem Gebiet gut
machbar ist, sowie dem Schrei-
ben eines kleine Aufsatzes zu
einem aktuellen die Musikwirt-
schaft betreffenden Thema –
auch machbar! Wenn die beiden
ersten Teile bestanden sind,
kommt dann das Live-Vorspiel.
Dieses ist öffentlich und man
sollte neben der Jury aus Dozen-
ten auch mit weiterem Publi-
kum rechnen. Ich habe dann
meine vorbereiteten Songs zu
einem Playback vorgespielt.

Danach kommt noch eine Art
ad-hoc-Prüfung, bei der man
Spontaneität und Flexibilität
unter Beweis stellen muss, sowie
ein kleines „Interview“. Trotz
viel Bühnenerfahrung war ich
bei der Aufnahmeprüfung ext-
rem aufgeregt, bin dann aber
einigermaßen gut durchgekom-
men. Ich glaub, man sollte das
Live-Vorspiel am besten wie
eine Art Konzert vor sehr auf-
merksamen Publikum ansehen,
das beschreibt die Situation am
besten.
Wie läuft’s in Mannheim? Ist
das dein Traum? Wie sind die
Dozenten? Mittlerweile habe
ich mich gut eingelebt in
Mannheim, auch die Dozenten
sind super kompetent und alle
selbst erfahrene Profis aus der
Praxis! Das Studium ist auf
jeden Fall oft kräftezehrend und
zeitintensiv, aber die Arbeit
lohnt sich und bringt tolle Er-
gebnisse hervor. Mein Traum ist
jedoch nicht das Musikstudium
an sich, sondern das Spielen von
Konzerten, Tourneen, auf der
Bühne stehen, sowie Songs
schreiben und produzieren, und
mit all dem am Ende des Tages
möglichst mein Geld zu verdie-
nen. Natürlich zweifle ich auch
immer wieder, ob dieser Weg
der richtige ist und das alles so
klappen kann, wie ich mir das
vorstelle, aber bis jetzt schaut
alles ganz gut aus!
Was machst du grade? Ich bin
prinzipiell jemand, der Spaß
daran hat, viele verschiedene
Dinge zu machen und sich mu-
sikalisch auszuprobieren. Neben
bzw. auch im Rahmen des Stu-
diums spiele ich in verschiede-
nen Projekten, die unterschiedli-
che musikalische Facetten der
Rock/Pop-Musik abdecken.
Durch all die Projekte ergibt es
sich, dass ich sehr viel live spiele,
das bedeutet fast jede Woche
mindestens ein Konzert. Das ist
manchmal anstrengend, aber
sobald vom Publikum Begeiste-
rung zurückkommt, hat sich die
Mühe gelohnt! Dieses Jahr war
ich zweimal auf Tour, einmal
mit dem Mannheimer Sin-
ger/Songwriter „Jonas Knopf“
und dem Wahl-Berliner und
„Voice of Germany“-Gewinner
„Nick Howard“, das waren tolle
Erfahrungen. Ansonsten bin ich
immer am Üben, Schreiben und
Produzieren und arbeite ständig
an neuem Material für mich und
meine Projekte.
Was ist in Aussicht? Was
kommt dann? Im Sommer ste-
hen jetzt natürlich einige Festi-
val Shows und andere Konzerte
an. Im Herbst geht’s dann vo-
raussichtlich wieder auf eine
oder mehrere Tourneen. Darauf
freue ich mich! Mit dem Studi-
um bin ich dann, wenn alles
planmäßig läuft im Sommer
2014 fertig. Was danach kommt
weiß ich noch nicht, natürlich
weiterhin Musik. Ob in Mann-
heim, einer der einschlägigen
deutschen Großstädte oder
sonst wo, bleibt abzuwarten.
Wem und warum würdest du
Mannheim empfehlen? Um
anders anzufangen, ich würde
das Studium an der Popakade-
mie nicht empfehlen, wenn man
sich so stark wie möglich auf die
Arbeit am Instrument bzw. der
Stimme konzentrieren möchte

25 Mannheim
und eine musikalische Ausbil-
dung á la Jazz-Studium an der
Musikhochschule sucht. Wenn
man allerdings Spaß am Musik
machen hat, auch selbst
schreibt, kreativ und offen ist
und viel Input selbständig aufar-
beiten kann, dann ist die Pop-
akademie das Richtige. Man
sollte sich bewusst sein, dass es
auch viel um wirtschaftliche
Themen geht. Wenn man sich
also sowieso auch für Booking,
Management oder sonderglei-
chen interessiert, lernt man auch
in diesen Bereichen viel Neues.
Ansonsten befindet man sich
drei Jahre lang in einem Pool
voller musikverrückter Men-
schen, was sehr inspirierend ist
und natürlich auch Netzwerke
für die Zukunft entstehen lässt!
facebook.com/oakfieldband
facebook.com/dieherrenschneid
er
facebook.com/jonasknopfofficia
l
Bene
Bene

Die
Unistadt
wird erschüttert.
Halle, ein kleines, beschauliches
Städtchen im Herzen Sachsen-
Anhalts. Bekannt für seine fa-
miliär anmutende Universität
und die wunderschön gestaltete
Innenstadt mit mehreren klei-
nen Kneipenmeilen. Doch es
ziehen dunkle Wolken auf und
die Kleinstadtidylle wird gestört.
Im Oktober wird es, passend
zum stürmischen Herbstwetter,
ein Konzert geben, was so gar
nicht in das Stadtbild passt: Die
zweite Auflage der
Groov’n’Dead-Night bricht über
die Stadt herein!
Die Nachwuchsband YELLIN
BOOTS IT lädt zum zweiten
Mal in die Kulturhauptstadt ein,
um eine saftige Alternative zu
gemütlichen Jazz-Abenden oder
studentischen Diskussionsrun-
den zu bieten. „Wir haben fünf
Bands auf dem Plan, die es in
sich haben“, sagt Benjamin,
Gitarrist von YBI und Veran-
stalter.
Den Abend eröffnen
SNONOROUS NOISE, eine
sechsköpfige
Deathmetal/Deathcore-Band,
die mit ihrer siebenjährigen
Banderfahrung schon zu den
erfahreneren Hasen im Musik-
geschäft zählen und mittlerweile
schon eine feste Größe in der
Hallenser Szene sind.
Mit einem Schmunzeln im
Gesicht, aber nicht weniger
böse, geht es direkt weiter – mit
CLITCOMMANDER! Hier
geht es um drei existenzielle
Dinge: grind, beer, party! – Das
ist doch mal eine Ansage! Ihre
Musik lässt sich schwer be-
schreiben. Jungs? Was macht ihr
denn so? – „Grind’n’Roll,
ULTRAHEAVYBLAST-
BEATSCHWIXXE!!!“
Na dann, Feuer frei!
Die dritte Vorspeise vor dem
Hauptgericht des Abends ist
eine Band, die in den letzten
Monaten durch ihre EP „The
Golden Section“ von sich reden
gemacht hat. Stilistisch geht es
hier in eine etwas andere Rich-
tung. Bei „Reach The Surface“
erwartet euch eine gute Mi-
schung aus Metal und Hardcore,
das alles aber in einer techni-
schen Reife, die man sich defini-
tiv von Nahem ansehen sollte!
Groove & Dead Night 26
Dann folgen die beiden
Mainacts: YELLIN BOOTS
IT leiten das große Finale wür-
dig ein. Diese Band gibt es erst
seit Sommer 2012, aber das
merkt man ihrem technisch
anspruchsvollen Thrashcore
keine Sekunde lang an. Die
Jungs werden den Club zum
Beben bringen!
Über die letzte Band braucht
man sicherlich nicht mehr viel
sagen. WALKING DEAD ON
BROADWAY lassen es sich
nicht nehmen, euch mit ihrem
Set wortwörtlich den Arsch
aufzureißen. Die fünf
Deathcore-Profis, die seit drei
Jahren für große Furore in der
Republik sorgen, werden euch
nur mehr auf Knien nach Hause
robben lassen!
Fünf Top-Bands, 6€ Eintritt
und eine gewaltige Ladung
Todesmusik. Das solltet ihr
euch nicht entgehen lassen!
Wann? 12.10.13
Wo? Rockpool, Grenzstraße 19,
Halle a. d. S., Germany
Einlass: 19:00 Uhr
Eintritt: 6€
Sascha Sascha Winkler
Winkler

27 Meine neue Ukulele
Meine
neue
Ukulele
Habe letztens mal wieder
was bei www.thomann.de
bestellt. Machen wir ja alle
hin und wieder. (Ist im-
merhin bequem. Und
preisgünstig.) Vor allem,
wenn wir neue Kabel brau-
chen. Die alten gehen ja
auch schnell kaputt. Wobei
wir da ja selber schuld
sind. Immerhin stiefeln wir
auf ihnen rum oder stol-
pern über sie, im Probe-
raum, Homestudio …
Jedenfalls: Der liebe, gute
Thomann hat sich etab-
liert. Der gilt unter Musi-
kern als Ausflugsziel: „Los,
wir fahren jetzt zum Tho-
mann! Wer kommt mit?“ –
Ich muss gestehen, ich war
noch nie beim Thomann.
Hatte immer keine Zeit.
Oder Lust. Von Interesse
ganz zu schweigen. Bin ja
kein Musiker in dem Sinn.
Sondern nur Sänger. Aber
ein bisschen klampfen
kann ich auch!
Egal. Auf jeden Fall habe
ich mir demletzt mal wie-
der was bestellt. Und stand
vor einem nicht ganz außer
Acht zu lassenden Prob-
lem: Der Thomann hat ja
sowas wie einen Mindest-
bestellwert. Und sechs,
sieben Euros haben mir
noch dazu gefehlt. Was
nun? Kabel hatte ich ei-
gentlich genügend. So vie-
le, dass ich fast schon mit
Absicht über sie stolpere!
Also habe ich ein bisschen
rumgesurft. Ich weiß nicht
mehr, wie ich drauf ge-
kommen bin, aber irgend-
wie habe ich wohl „Ukule-
le“ in die Suche eingetippt.
Und auch eine günstige
gefunden, von Harley Ben-
ton, für nur 15€!
Natürlich war ich erst mal
ein kleines Bisschen skep-
tisch. Wir wissen ja: Das
günstige Gelumps taugt
nichts! – Also habe ich mir
das Gerätchen mal probe-
angehört … und es klang
eigentlich ganz gut, zu gut,
um wahr zu sein!
Achselzuckend habe ich
mir die Ukulele dann aber
trotzdem noch bestellt. Bei
manchen Schnäppchen
muss man einfach zuschla-
gen! Und irgendwie stehe
ich darauf, unkonventio-
nelle Musikinstrumente in
meinen Rock zu integrie-
ren …
Und es dauerte auch nicht
lange, da war sie auch
schon da, meine Ukulele –
verpackt in einen giganti-
schen Karton mit haufen-
weisem Füllmaterial. Das
übrigens immer noch bei
mir herumfliegt. Sollte es
entsorgen. Bin aber zu faul
…
Aber was habe ich mir da
eigentlich gekauft? – Har-
ley Benton, Ukulele,
HBUK 11/NT, Mahago-
ni-Boden und -Zargen,
mit laminierter Decke,
matt lackiert, gesamte
Länge: 52cm, Mensur:
35cm, Farbe: Natur, inklu-
sive Gigbag. Preis: 14,90€.
Der Sound: tadellos, wie
beschrieben, einwandfrei.

Sie ist leicht wie eine Fe-
der. Na ja, nicht ganz …
Was viele nicht wissen:
Eine Ukulele wird – so
ähnlich sie einer Gitarre
(augenscheinlich) auch ist
– einfach mal komplett
anders gestimmt. Wobei:
Ein paar Gemeinsamkei-
ten habe ich dann doch
entdeckt! – Die drei (von
mir, oben aus betrachtet –
sodenn ich mein
Ukulelchen selbst in Hän-
den halte) untersten Saiten
verhalten sich abstand-
technisch wie die drei un-
tersten (auf die gleiche Art
und Weise angesehen)
Saiten einer Gitarre. (Die
beiden Stimmungen im
Vergleich: G-C-E-A, E-
A-D-G-B-E.) Dazu
kommt, dass sich die
oberste Saite, das G trotz
seiner Lage nicht etwa für
die Grundtöne der Ukulele
verantwortlich zeigt, son-
dern tontechnisch zwi-
schen E und A verordnet.
Meine neue Ukulele 28
Mein Fazit: Wenn man
sich erst mal richtig auf der
Ukulele zurechtfindet, ist
sie ein richtig geiles kleines
Instrumentchen, das bockt!
Einziger Nachteil: Ukulele
„Billigmarke“ lässt sich
nicht richtig stimmen. Sie
verzieht sich immer tiefer.
Die Lösung: Das
Dingchen einfach so
stimmen, einen Halbton
tiefer: Fis-B-Dis-Gis.
Dann klappt’s auch mit der
„Billigmarke“!
BENE
BENE

29 Midsummer Records
Midsummer Records
In einem kleinen Ort im
Saarland betreibt Tim das
Label Midsummer Records.
Leben kann er davon
nicht. Er bekommt meist
nicht mal das Geld wieder
rein, welches er in die Mu-
sik investiert. Tim betreibt
Midsummer Records, weil
es ihm Freude macht. Ein
paar Fragen an einen, von
denen es leider viel zu we-
nige gibt.
Wie kamst du denn auf die Idee
oder was hat dich dazu bewo-
gen, Midsummer Records zu
gründen? Midsummer Records ist
eigentlich aus dem Midsummer
Open Air entstanden, zumindest
der Name. Das Midsummer
Open Air ist ein „umsonst &
draußen“-Festival und findet
seit 2004 jährlich in meinem
Heimatort Halver (Sauerland,
Märkischer Kreis) statt. Ich hab‘
damals viele kleine Konzerte
hier und da veranstaltet und war
ebenfalls wieder mit einer neuen
Band aktiv, sodass ich neben der
eigenen Musik auch zig andere
Bands kennenlernte, und ir-
gendwie ist dadurch das Verlan-
gen größer geworden, diesem
Ganzen eine Plattform zu bie-
ten. So ist das Ganze peu-a-peu
gewachsen.
Kannst du mal ein bisschen von
der Arbeit erzählen, die für dich
als Labelinhaber anfällt?
„Labelinhaber“ klingt immer so
falsch, da ich das Label nach wie
vor aus Überzeugung und aus
Leidenschaft mache, als „Hob-
by“. Diese geschäftliche Note
kann ich nie greifen, da das
Label auch nach wie vor sich
finanziell nicht selbst trägt. Aber
nun gut, ich schweife ab, was
mache ich für Arbeit? Vor allem
viele E-Mails schreiben, Briefe
und Pakete verschicken, diverse
Menschen mit neuer Musik
bemustern, extrem viel Geld
ausgeben, was am Ende nicht
wieder reinkommt, diverse Zeit-
abläufe mit den Bands koordi-
nieren, ab und an, sehr selten,
beim Booking aushelfen, und
hin und wieder selbst Shows
organisieren und so ‘n Zeug halt
…
Wie läuft denn der Aufnahme-
prozess einer neuen Band bei
deinem Label ab? Was sind für
dich die wichtigsten Punkte, die
bei einem neuen „Signing“ er-
füllt werden müssen? Die per-
sönliche Komponente kommt
bei Midsummer oftmals noch vor
der musikalischen. Wenn
ich eine Band musikalisch
supergut finde, die Menschen
dahinter aber nicht auf meiner
Wellenlänge sind, dann macht
eine Kooperation für mich ei-
gentlich wenig Sinn. Ansonsten
muss es irgendwie für mich zu
Midsummer passen, das reicht.
Und natürlich muss ich die
Musik gut finden. Schön ist es,
wenn „Midsummer-Bands“
andere Bands empfehlen und da
dann direkt auch alles passt und
sich so die „Familie“ vergrößert.
Allerdings habe ich mich da
mittlerweile auch etwas über-
nommen, denn bei vielen Bands
fällt natürlich auch mehr Arbeit
an, die ich dann fast nicht mehr
ausreichend bearbeitet bekom-
me. Von daher wird sich
Midsummer eher, was das Raster
angeht, verkleinern, anstatt
weiterhin zu vergrößern. Es
bleibt sonst einfach zu viel lie-
gen und da hat keine Band was

von, und ich natürlich am Ende
auch nicht.
Woher kommt denn der größte
Antrieb für dich, weiterzuma-
chen, wenn es mal nicht so gut
läuft? Es macht riesigen Spaß,
zu sehen, wie die Bands wach-
sen, und auch, wie dankbar
manche einfach für das sind, was
man für sie macht. Außerdem
ist Musik meine große Leiden-
schaft, die ich so mehr oder
weniger aktiv ausleben kann. Als
Musiker tauge ich nicht viel, so
kümmere ich mich doch lieber
um die, die das Ganze viel bes-
ser beherrschen und mit diesem
ebenfalls ähnliche Ideale wie
man selbst verfolgen.
Welche Erfahrungen kannst du
denn an junge Bands weiterge-
ben? Vor allem im Bezug auf
Labels? Schwierig zu sagen, da
ich ja ein wirklich sehr, sehr
kleines Label bin, wo die Bands
sehr viel selbst in Eigenregie
machen. Wenn man sich als
Band ein Label sucht, sollte man
auf keinen Fall denken: “Super,
jetzt geht es los!“ Denn ohne
Eigeninitiative, die meist mit
dem Eingehen einer Label-
Partnerschaft sogar wächst, geht
es eh nicht. Man muss sich nach
wie vor den Arsch abspielen.
Alle beschissenen pay-to-play-
Geschichten kann man dabei
allerdings zu 90% komplett
vergessen, und auf so etwas
würde ich mich als „kleine“
Band auf keinen Fall einlassen.
Das Wichtigste ist, wenn es
musikalisch stimmt, dass man
unentwegt Präsenz zeigt, so viel
und so gut wie möglich. Alles
andere kommt irgendwie schon
von selbst. Falls man jedoch nur
Musik macht, um hinterher
„Rockstar“ zu werden, sollte
man es besser gleich lassen.
Was sollte deiner Meinung
nach in der deutschen Indie-
Musiklandschaft besser ge-
macht werden? Schwer zu sa-
gen, und vor allem ist die Frage
ja doch sehr allgemein gestellt.
Wo soll man da anfangen? Prin-
zipiell kann man natürlich alles
kritisieren und optimieren, aber
was man wirklich besser machen
sollte, kann ich schlecht beurtei-
len. Beziehungsweise: Welche
Aspekte sollte man hier aufgrei-
fen? Da gibt es so viele Felder.
Allgemein gehen mir viele Din-
ge mächtig gegen den Strich,
aber manche Sachen werden
MIDSUMMER Records 30
sich eh nie ändern. Ich fände es
zum Beispiel schön, wenn hiesi-
ge Künstler und Bands mehr
Aufmerksamkeit bekommen
würden, also, zumindest die, die
es verdient haben. Aber schön
und gut, wer hat es verdient?
Schwer zu sagen, und das kann
man wohl auch nur schlecht
objektiv beurteilen. Prinzipiell
könnte ich hierbei diverse The-
men aufgreifen, aber das würde
den Rahmen doch erheblich
sprengen.
Und was darf denn genauso
bleiben? Die Renaissance der
Schallplatte. Es ist toll, zu se-
hen, wie die Schallplatte in den
letzten Jahren sogar im
„Mainstream“ ihre Wiederaufer-
stehung feiert. Das soll bitte so
weitergehen. Außerdem ist die
JUZ/AZ-Kultur nach wie vor
extrem wichtig für Hardcore,
Punkrock etc. Ich hoffe, dass es
weiterhin Menschen gibt, die
sich hierfür stark machen und
sich einsetzen, dass diese Zen-
tren am Leben bleiben.
www.midsummer-records.de
Olli
Olli

Das Grosse Betteln
Das Angebot einer Plattenfirma.
Der große Sprung, die Treibstoff-
zündung für die Karriereleiter, der
Traum eines jeden Künstlers wird
Wirklichkeit!
Doch der Musikindustrie geht es
schlecht. Schon 2008 schrumpfte der
europäische Phonomarkt laut Wirt-
schaftsspiegel um 6,3%. Hätten nicht
spätestens zu diesem Zeitpunkt sämtli-
che Alarmglocken in den Büros der
Musikmultis ohrenbetäubend läuten
müssen, so ist der Umsatzeinbruch für
den europäischen Markt inzwischen bei
einem Minus von fast 20% angekom-
men. Die digitale Revolution zwingt
das Musikimperium in die Knie. Na-
men wie Ariola, Polydor oder EMI sind
nur noch Schall und Rauch. Nachdem
bei letztgenannter Heimat von Künst-
lern wie Herbert Grönemeyer und
COLDPLAY die Umsatzzahlen plötz-
lich im selben Rot wie das Firmenlogo
erschienen, wurde die einst millionen-
schwere Firma verscherbelt – zu einem
Spottpreis von 1,9 Millionen US-
Dollars.
Auch kleine Plattenfirmen und Distri-
butoren sind von dieser Entwicklung
betroffen. Ein Indie-Label nach dem
anderen schließt seine Pforten. Das
Lamento ist groß.
Dabei war dies durchaus vorhersehbar.
Die Schallplatte wurde von der Kassette
abgelöst, die Kassette von der CD.
Trotz dieser Entwicklung strotzte die
Labelbranche vor vermeintlichen Um-
satzeinbrüchen, die die Einführung
eines neuen Speichermediums für
Musik mit sich brachte. In den 1980er
Jahren warnte die Industrie mit Slogans
wie „Home taping is killing music!“ vor
dem Aufnehmen und Tauschen von
Tapes. Ebenfalls eher verhalten als
vehement war in den 1990er Jahren die
Einführung eines Kopierschutzes für
Compact Discs. Denn aufgrund der
stabil bleibenden Einnahmen aus
Plattenverkäufen ging man es eher
locker an und ignorierte gekonnt die
düsteren Zukunftsprognosen vermeint-
licher Wirtschaftsexperten.
Doch der Wandel kam. Und er äußerte
sich in einer Enormität, deren Wucht
die inzwischen adipös gewordene
Industrie zurückwarf wie die Wucht
eines Tsunamis: Live-Streams und
Downloading. Gift für die Ohren der
Labelchefs. Das Projektil für den Gna-
denschuss einer ganzen Branche. Ton-
träger in physikalischer Form – von nun
an ein Nischenprodukt?
Zumindest stand schnell fest, dass die
Shake-Hand- und Download-
Generation eine eher ungeeignete
Zielgruppe für nachhaltige Kaufkraft
darstellte. Um sich weiterhin auf dem
Markt behaupten zu können, mussten
innovative Ideen erdacht werden. Es
grenzt an ein Wunder, dass die sonst so
träge Musikindustrie für diese Erleuch-
tung nur zehn Jahre benötigt hat.
Als Contergan für die geschundenen
Synapsen der Label-Bosse dienen nun
nicht mehr die Tonträger- und Mer-
chandise konsumierende Fans, sondern
man besinnt sich zurück auf die Ur-
sprünge der Labelpolitik. Zurück auf
die Zeiten, in denen nicht nur Konsu-
menten, sondern auch die Interpreten
für ihre Liebe zur Musik bluten muss-
ten. Es ist fast wie früher: Im Canossa-
gang wird der freischaffende Künstler
mit offener Hand und verdeckten
Karten zur Kasse gebeten. In Form von
Plattenverträgen, die gar keine sind.
Da Tonträger als umsatzstarkes Medi-
um nur noch auf dem Papier existieren,
verwandeln sich viele Plattenfirmen,
sowohl im Mainstream- als auch im
Independentsektor, zu Promotion- und
Bookingagenturen. Die neue Strategie
sieht eine Art „Bandbetreuung“ als
Dienstleistung vor. Garantien im
Rahmen von Promotion- und Marke-
ting-Kampagnen mit hohen Marktwer-
ten sollen potentielle Interessenten
locken und Geld in die leeren Firmen-
kassen spülen. Slogans wie „Nichts ist
erfolgreicher als der Erfolg selbst!“ oder
proletenhaftes Imponiergehabe mit
nichtssagenden Referenzen sollen den
Eindruck suggerieren, man hätte es mit
seriösem Humanismus par excellence zu
tun. Die Angebote variieren und bieten
eine ganze Palette an buchbaren Optio-
nen für den nach besseren Gigs und
höherem Ansehen strebenden Underg-
round-Mucker.
Buchbar? Die große Ernüchterung setzt
ein, sobald man zwischen den Zeilen
liest. Hier avanciert das großzügige
Angebot plötzlich zu einem Kostenvor-
anschlag. Genauestens werden Preise
und Optionen zu Promotionszwecken
aufgelistet, mögliche Kooperationen,
Interview-Bookings und Review-
Garantien versichert. Amazon-Charts-
Promotion, Entwicklung eines ziel-
gruppenorientiertenKommunikations- konzepts. Möchegern-Businesstalk von
lyrischen Perückenträgern, die unter
hunderten von versandten Emails
hoffen, einen Dummen zu finden, der
entweder zu beschränkt ist, um sich
selbst um die Promotion seiner Band zu
kümmern, oder nicht begriffen hat, wie
das Internet funktioniert. „Ganzheitli-
che Kampagnen mit PR-Garantie“ auf
Laufzeitbasis von 1-2 Monaten werden
zu „günstigen Konditionen“ von knapp
2000€ offeriert wie das Korn dem
Huhn. Die Kosten, die man für diesen

Public-Relations-Traum zu zahlen hat,
bestünden lediglich aus „technische
Kosten“ und würden, wie es in einem
Angebot hieß, nur einen winzigen Teil
der eigentlichen Arbeit des Labels
finanziell decken. Schließlich wolle man
mit idealistischem Tun den Künstler
nach besten Wissen und Gewissen
unterstützen. Vorgegaukelte Nächsten-
liebe als zuckersüßes Werbekonzept!
Die Absurdität dieser Offerten nimmt
nun der Musikindustrie auch die letzte
Würde. Verkommen zu altersschwa-
chen Baumwollbaronen, die nicht wahr
haben wollen, dass die Zeit des Ausbeu-
tens vorbei ist, wird ein letzter Versuch
gestartet, um eine Revolution aufzuhal-
ten, die nie eine war. Mit scheinheiliger
Doppelmoral und Worthülsen speien-
der Debilität wird zum letzten Aufge-
bot gerufen. Alea iacta est!
Doch die Zeit der Plattenfirmen und
Labelgiganten ist vorbei. Das Internet
hat ihre Arbeit überflüssig gemacht.
Blitzschnelles Schalten von PR, das
Ankurbeln der Klicks auf der Website,
Produktion von Merchandise, das
Pressen von Kleinauflagen: Bands und
Musiker arbeiten inzwischen autark, die
Preise für Presswerk und Druckerei sind
für jedermann bezahlbar geworden.
Niemand benötigt „ganzheitliche
Kampagnen“ und „PR-Garantien“. Das
Konzept des DO-IT-YOURSELFs
hält Einzug im Musikbusiness. Zeit
wurde es. Den Traum vom Plattendeal
träumen nur noch diejenigen, denen
Image wichtiger ist als Musik. Doch
auch diese Individuen werden früher
oder später begreifen, dass es einen
Unterschied gibt zwischen Selbstver-
wirklichung und Selbstinszenierung.
Auch wenn sie dafür vielleicht erst
2000€ zahlen müssen, dass jemand
anderes für sie Emails verschickt. Viel-
leicht wäre das Geld in neuem Equip-
ment oder einem Tourbus besser ange-
legt.
Max Marquwardt