Jeff Koons - Fondation Beyeler

Medienmitteilung
Jeff Koons
13. Mai –2. September 2012
Die Fondation Beyeler zeigt die erste Ausstellung des amerikanischen Künstlers Jeff Koons
(*1955) in einem Schweizer Museum. Der wohl bekannteste lebende Künstler sorgt mit
seinen unverkennbaren, die Populär- und Hochkultur verbindenden Kunstwerken seit
Jahrzehnten für grosses Aufsehen.
Die Ausstellung widmet sich in einer umfangreichen Präsentation drei zentralen Werkgruppen
– The New, Banality und Celebration –, die entscheidende Etappen in Koons’
künstlerischer Entwicklung markieren und mitten ins Schaffen und Denken des Künstlers
führen. The New umfasst die Readymade-artigen Reinigungsgeräte aus der frühen Zeit,
Sinnbilder des Neuen und Reinen. Zu Banality gehören jene in traditionellem Handwerk
gefertigten Skulpturen aus Porzellan und Holz, die zu (post-)modernen Ikonen geworden
sind. In der Serie Celebration, an der Koons seit bald zwanzig Jahren arbeitet, treten
schliesslich die in ihrer materiellen Perfektion unverwechselbaren, hochglänzenden Stahlplastiken
und grossformatigen Gemälde auf, in denen der Künstler in geradezu barocker
Weise die Kindheit feiert.
In seinen ebenso spektakulären wie subtilen Kunstwerken beschäftigt sich Koons immer
wieder mit Themen wie Unschuld, Schönheit, Sexualität und Glück. Diese entsprechen
seinem Konzept einer für jeden Betrachter zugänglichen Kunst.
Zeitgleich mit der Ausstellung ist im Park der Fondation Beyeler Jeff Koons’ monumentale
Blumenskulptur Split-Rocker zu sehen, die aus Abertausenden von echten Pflanzen besteht
und einen einzigartigen Dialog zwischen Kunst und Natur herstellt.
Die Ausstellung wird kuratiert von Sam Keller, Direktor, und Theodora Vischer, Senior
Curator at Large der Fondation Beyeler.
Folgende Leihgeber haben wesentlich zum Gelingen der Ausstellung beigetragen: Jeff
Koons, The Brant Foundation, Greenwich, Connecticut; The Broad Art Foundation, Santa
Monica; Des Moines Art Center; Kunstmuseum Wolfsburg; The Rachel and Jean-Pierre
Lehmann Collection; Prada Collection, Mailand; Rubell Family Collection, Miami; The
Sonnabend Collection; Tate / National Galleries of Scotland; Whitney Museum of American
Art, New York.
Der Katalog erscheint in Deutsch und Englisch im Hatje Cantz Verlag, Ostfildern. Er enthält
ein Vor-wort von Sam Keller und Theodora Vischer, ein Gespräch mit dem Künstler und
Theodora Vischer, sowie Essays von Raphaël Bouvier und Günther Vogt. 212 Seiten und
154 Abbildungen, CHF 68, ISBN 978-3-906053-00-4 (Deutsch); ISBN 978-3-906053-01-1
(Englisch).
Die Ausstellung wird grosszügig unterstützt von Mercedes-Benz und Hugo Boss.
Die Aussenskulptur Split-Rocker wurde ermöglicht durch den substanziellen Beitrag von JTI
als Hauptpartner sowie durch die Unterstützung von Simone und Peter Forcart-Staehelin und
InCentive Asset Management AG.

Pressebilder erhältlich unter http://pressimages.fondationbeyeler.ch
Weitere Auskünfte:
Catherine Schott, Head of Public Relations
Telefon + 41 (0)61 645 97 21, presse@fondationbeyeler.ch, www.fondationbeyeler.ch
Fondation Beyeler, Beyeler Museum AG, Baselstrasse 77, CH-4125 Riehen
Öffnungszeiten der Fondation Beyeler: täglich 10.00–18.00 Uhr, mittwochs bis 20.00 Uhr

Medienmitteilung
Jeff Koons
13. Mai–2. September 2012
Jeff Koons (*1955) ist einer der bekanntesten Künstler der Gegenwart, der seit den 1980er-
Jahren mit seiner Kunst immer wieder für Furore gesorgt hat. Besonders berühmt wurde er
mit jenen Werken, welche die gängigen Vorstellungen von Kunst und Kitsch infrage stellen.
Die Fondation Beyeler präsentiert die erste Jeff-Koons-Ausstellung in einem Schweizer
Museum überhaupt.
Von Anfang an arbeitete Koons in chronologisch aufeinanderfolgenden Werkgruppen, von
denen jede einen eigenen Titel trägt. Zusammengenommen entwerfen diese Serientitel ein
Panorama seines künstlerischen Konzepts. Die Ausstellung widmet sich in einer umfangreichen
Präsentation mit rund 50 Werken drei zentralen Werkgruppen, die entscheidende
Etappen der künstlerischen Entwicklung von Jeff Koons aufzeigen und den ungewöhnlichen,
Populär- und Hochkultur verbindenden Weg verfolgen, den das Objekt in seinem Schaffen
gegangen ist und weiter geht.
Bei den drei gemeinsam mit dem Künstler für die Ausstellung ausgewählten Serien handelt
es sich um The New (entstanden zwischen 1980 und 1987), Banality (1988) und Celebration
(ab 1994).
Mit The New, der frühen Werkgruppe des jungen Künstlers, und Celebration, unter deren
Namen bis heute neue Arbeiten entstehen, spannt die Ausstellung einen weiten Bogen.
Dazwischen positioniert sich Banality, jene folgenreiche Gruppe von Werken, die Manifestcharakter
hat und gleichzeitig für das künstlerische Selbstverständnis von Koons entscheidend
war. Gemeinsam führen die drei Serien ins Zentrum des Schaffens und Denkens von
Jeff Koons. Sie machen auch den inneren Zusammenhalt des Gesamtwerks deutlich, der mit
der Systematisierung in Werkgruppen mit je eigenen Titeln leicht in den Hintergrund gerät.
In der Werkgruppe The New, die für Jeff Koons’ Schaffen wegweisend wurde, konzentrierte
er sich explizit auf fabrikneue, ungebrauchte Staubsauger und Teppichshampoonierer des
Fabrikats Hoover, die, auf Leuchtstoffröhren liegend oder stehend, von kubischen Plexiglasvitrinen
umschlossen werden. Die Gegenstände sollen auf diese Weise unberührt und
unversehrt bleiben und ihre verführerisch-kostbare Dimension gesteigert werden. Sie verkörpern
so das ideale Neue. Leitthemen der Werkgruppe The New sind somit Integrität,
Unschuld und Reinheit – Werte, die für Koons’ Schaffen allgemein massgeblich sind. In der
strengen Anordnung, aber auch im Rückgriff auf die Neonröhren verweisen die Objekte nicht
zuletzt auf die Minimal Art.
Koons ist aber auch einer jener Künstler, welche die von Duchamp mit der Erfindung des
Readymade zu Anfang des 20. Jahrhunderts lancierte Objektdiskussion aufgegriffen und auf
eigenwillige und brillante Weise vorangetrieben haben – und er ist darin ein Meister.
Die Ausstellung präsentiert aus der Serie The New dreizehn Arbeiten, unter anderem eine
mit den originalen Objekten rekonstruierte Schaufensterinstallation mit Staubsaugerarbeiten,
die 1980 in The New Museum of Contemporary Art in New York zu sehen war. Die Zelebrierung
des Neuen erfährt innerhalb der Serie The New nicht nur in den Staubsaugerarbeiten
ihren Ausdruck, sondern auch im programmatischen The New Jeff Koons (1980),

estehend aus einem Leuchtkasten mit einer Schwarz-Weiss-Fotografie, die den Künstler
als Kind zeigt. In dieser Arbeit manifestiert sich bereits das künstlerische Selbstbewusstsein
des jungen Koons.
Die von Koons für seine Lithografien verwendeten Werbeplakate manifestieren sein besonderes
Interesse für kommerzielle Bilder oder Bildstrategien. Sie bringen dem Betrachter in
Kombination mit den Vitrinenobjekten den Grundgehalt der Serie auf unmittelbare Weise
nahe und veranschaulichen Koons’ Faszination für das manipulative Potenzial von Bildern
und deren Zurschaustellung sowie sein Anliegen, ein Kunstwerk für den Betrachter so
zugänglich wie möglich zu machen. Als Bild auf Leinwand erweist sich die Lithografie New!
New Too! (1983) auch als frühes Zeugnis für Koons’ Beschäftigung mit der monumentalen
Malerei, die erst Jahre später in der Werkgruppe Celebration zur Umsetzung gelangt.
Die Readymade-artigen Objekte aus Alltagsgegenständen von The New wandeln sich in der
Werkgruppe Banality zu wundersam-provokativen, in traditionellem Handwerk gefertigten
Skulpturen aus Holz, Porzellan und Spiegelglas, deren Motive gleichwertig der Kunstgeschichte
und der Populärkultur entnommen und zu neuartigen Figuren mit einer am
Barock orientierten Ästhetik collagiert werden. Mit der viel beachteten Banality-Serie stellte
Koons nicht nur den Kunstbegriff auf neue Grundlagen, sondern avancierte endgültig zum
Star der internationalen Kunstszene.
Die Ausstellung zeigt mit 16 Plastiken und Reliefs beinahe vollständig die aus insgesamt
zwanzig skulpturalen Figuren bestehende Serie. Die Motive aus Banality entstammen einem
breit gefächerten Bilderfundus aus der Kunst der Renaissance und des Barocks, aus populären
Zeitschriftensujets, der Spielzeugwelt und Postkarten. Das Ausgangsmotiv wird modifiziert,
sodass die Figuren einen massstäblichen, medialen oder materiellen Verwandlungsprozess
durchlaufen, durch den sie sich neuen Interpretationen öffnen.
Der Leitgedanke der Werkgruppe Banality ist die über das vermeintlich Banale vermittelte
Selbstakzeptanz des Betrachters. Richtunggebend dafür ist die polychrome quasireligiöse
Holzskulptur Ushering in Banality (1988), die gleichsam das Banale als künstlerisches
Grundideal von Koons manifestiert.
Ein weiteres Thema der Banality-Serie bildet die Komplizenschaft zwischen Mensch und
Tier, die viele Werke der Serie kennzeichnet, etwa Stacked. Als Gruppe fügen sich die
Banality-Figuren zu einem Gesamtbild zusammen, in dem Koons’ künstlerisches Anliegen in
Form eines regelrechten Erlösungsprogramms illustriert wird und sein Anspruch einer für alle
zugänglichen, verständlichen und erbauenden Kunst in der Gegenwart zum Ausdruck
kommt. Sein inhaltliches Konzept ist aber weniger religiös denn allgemein auf existenzielle
Fragen zum Dasein des Menschen ausgerichtet. Das gesamte Bildprogramm von Banality
gründet auf den Begriffen von Schuld und Unschuld und zielt über ästhetische Mittel auf
Sündenvergebung und die Auflösung des Schuldbegriffs überhaupt. Dies zeigt in der Serie
der häufige Rekurs auf Heilige oder mit dem Sakralen verbundene Gestalten: etwa bei der
aus gefasstem Holz bestehenden Skulptur Buster Keaton. Die imposante Porzellanplastik
Michael Jackson and Bubbles, die Koons als zeitgenössische Pietà bezeichnet, ist heute zur
postmodernen Ikone geworden. Die Plastik veranschaulicht Koons’ Ideal einer alle Gegensätze
vereinenden Kunst, mit der er das grösstmögliche Publikum zu erreichen sucht.
Koons’ Interesse an Materialien und Oberflächen erreicht in Banality eine besonders symptomatische
Dimension. Der ästhetische Effekt des Materials steht immer unmittelbar mit dessen
emotionaler Wirkung in Beziehung. Der Künstler appelliert mittels des Materials, sei es
Porzellan, Holz oder Chromstahl, an die Affekte des Betrachters und versucht, dessen
Begehren zu entsprechen. Mit dem Einsatz von Spiegelglas für die Werke Christ and the
Lamb und Wishing Well greift er schliesslich auf ein Material zurück, das – wie zuvor schon
der Chromstahl – in seiner reflektierenden Qualität den Betrachter unmittelbar in das Werk

einzubinden vermag und insofern Koons’ Grundkonzept einer zugänglichen Kunst auf
besondere Weise konkretisiert.
Die Werkgruppe Celebration stellt bis heute Koons’ wohl aufwendigste Serie dar, die auf
zwanzig monumentale Plastiken aus perfekt gearbeitetem Edelstahl sowie sechzehn
grossformatige Ölgemälde angelegt ist. In der Ausstellung werden zehn Gemälde gezeigt. In
den Gemälden und Skulpturen von Celebration behandelt Koons Vertrautes und Vergängliches,
feiert das Kind und die Kindheit, mit Motiven, die an Kindergeburtstage und Feiertagsbräuche
erinnern, die in ihren monumentalen skulpturalen Formen aber gleichzeitig zu
ikonenhaften Figuren stilisiert sind. Stilistisch erscheint Celebration wie eine Art Synthese
aus der minimalistischen Ästhetik von The New und der barocken Opulenz von Banality und
knüpft in der Auseinandersetzung mit der Kindheit an Koons’ frühere Werkreihen an. Attribute
von Kindergeburtstagen erscheinen in den Gemälden Party Hat (1995–1997) und Cake
(1995–1997), in den Ballonfiguren Balloon Dog (Red) (1994–2000), Tulips (1995–98) und
Moon (Light Pink), (1995–2000). Geschenk- oder Spielzeugartikel bilden das Motiv in dem
meisterhaften Gemälde Play-Doh (1995–2007) wie auch in Shelter (1996–98). Von besonderer
Anziehungskraft ist die monumentale Plastik Hanging Heart (Gold/Magenta) (1994–
2006) aus hochlegiertem rostfreiem Chromstahl. In Celebration spielen mit Cracked Egg
(Blue), (1994–2006), das auf das Osterfest hinweist, ebenfalls religiöse Motive eine Rolle.
Die scheinbar fragilen Celebration-Figuren wirken geschmeidig und schwerelos, während sie
in Wirklichkeit stabil, hart und tonnenschwer sind.
In Celebration entwickelt Koons nicht nur seine skulpturale Bildsprache weiter, sondern
vollzieht darin den eigentlichen Schritt hin zur Malerei, die erstmals in seinem Werk ebenbürtig
neben die Bildhauerei tritt. Für die Celebration-Gemälde geht der Künstler von selbst
zusammengestellten realen Objektarrangements aus, die, abfotografiert und nach einem
komplexen Schematisierungsverfahren überarbeitet, um ein Vielfaches vergrössert akkurat
auf die Leinwand übertragen werden. Das zentrale Bildsujet wird vor einer drapierten Glanzfolie
inszeniert, in der sich einzelne Partien des Objekts, meist verzerrt, unzählige Male spiegeln.
In ihrer ästhetischen Erscheinung, die nicht zuletzt auf die Pop Art zurückgeht, bestechen
die Gemälde durch eine »objektive«, geradezu hyperrealistische Wirkung.
In Celebration drückt sich die mediale Austauschbarkeit des Objekts, die für Koons’ Arbeit
charakteristisch ist, ebenso auf besonders spektakuläre Weise aus wie deren kunsthistorisch
singuläre Wechselwirkung zwischen Malerei und Bildhauerei. Das Zusammenspiel der Gattungen
– Objektkunst, Bildhauerei und Malerei – bildet sich in Celebration erstmals im Schaffen
von Koons vollständig aus.
Im Berower Park der Fondation Beyeler werden zwei Skulpturen zu sehen sein: Im Nordpark
des Museums wird Balloon Flower (Blue) (1995–2000) im Teich installiert. Und im vorderen
Teil des Parks wird die kolossale Blumenskulptur Split-Rocker (2000) präsentiert. Siehe die
separate Medienmitteilung.
Folgende Leihgeber haben wesentlich zum Gelingen der Ausstellung beigetragen: Jeff
Koons, The Brant Foundation, Greenwich, Connecticut; The Broad Art Foundation, Santa
Monica; Des Moines Art Center; Kunstmuseum Wolfsburg; The Rachel and Jean-Pierre
Lehmann Collection; Prada Collection, Mailand; Rubell Family Collection, Miami; The
Sonnabend Collection; Tate / National Galleries of Scotland; Whitney Museum of American
Art, New York.
Die Ausstellung wird kuratiert von Sam Keller, Direktor, und Theodora Vischer, Senior
Curator at Large der Fondation Beyeler.

Der Katalog erscheint in Deutsch und Englisch im Hatje Cantz Verlag, Ostfildern. Er enthält
ein Vorwort von Sam Keller und Theodora Vischer, ein Gespräch mit dem Künstler und
Theodora Vischer sowie Essays von Raphaël Bouvier und Günther Vogt. 212 Seiten und 154
Abbildungen, CHF 68, ISBN 978-3-906053-00-4 (Deutsch); ISBN 978-3-906053-01-1
(Englisch).
Die Ausstellung wird grosszügig unterstützt von Mercedes-Benz und Hugo Boss.
Die Aussenskulptur Split-Rocker wurde ermöglicht durch den substanziellen Beitrag von JTI
als Hauptpartner sowie durch die Unterstützung von Simone und Peter Forcart-Staehelin und
InCentive Asset Management AG.
Pressebilder erhältlich unter http://pressimages.fondationbeyeler.ch
Weitere Auskünfte:
Catherine Schott, Head of Public Relations
Telefon + 41 (0)61 645 97 21, presse@fondationbeyeler.ch, www.fondationbeyeler.ch
Fondation Beyeler, Beyeler Museum AG, Baselstrasse 77, CH-4125 Riehen
Öffnungszeiten der Fondation Beyeler: täglich 10.00–18.00 Uhr, mittwochs bis 20.00 Uhr

Medienmitteilung
Split-Rocker, 2000/2012
Mai bis Herbst 2012
Mit Split-Rocker wird eine kolossale Blumenskulptur des amerikanischen Künstlers Jeff
Koons (1955*) aus Abertausenden echten Pflanzen im Park der Fondation Beyeler präsentiert.
Die Skulptur führt auf eigene Weise den harmonischen Dialog zwischen Kunst und
Natur fort, der für die Fondation Beyeler so charakteristisch geworden ist. Split-Rocker ist
2000 ein erstes Mal im Kreuzgang des Palais des Papes in Avignon aufgestellt worden und
ein paar Jahre später in den Gärten von Versailles (2008). Jetzt ist der Split-Rocker in
Riehen herangewachsen.
Für seine Blumenskulptur ist Koons von zwei verschiedenen Schaukeltiermotiven ausgegangen,
einem Pony und einem Dinosaurier, deren Köpfe er zunächst halbiert und dann neu
zusammengesetzt hat. Da die beiden Hälften nicht deckungsgleich sind, entstehen an verschiedenen
Stellen spaltartige Zwischenräume, welche die Skulptur öffnen und sie zu einer
Unterschlupf bietenden Architektur werden lassen. Als zerlegte und andersartig wieder
zusammengesetzte Figur, die gleichzeitig seitlich und nach vorne schaut, bezieht sich Split-
Rocker auf den Kubismus eines Pablo Picasso und lenkt ihn zugleich in eine ganz andere
Richtung. Als florale Aussenskulptur reiht sich Split-Rocker aber auch in die Tradition der
barocken Gartenkunst und der sogenannten Formschnittgärtnerei ein, die heute noch in den
populären Vergnügungsparks weiterlebt.
In der Kombination eines Ponys und eines Dinosauriers verkörpert Split-Rocker jene Verbindung
von Gegensätzen, die auch in der Idee eines «monströsen», riesenhaften Kinderspielzeugs
zum Ausdruck kommt. Dabei wählt der Künstler ausgerechnet vergängliche
Blumen als Material für sein Dauer verheissendes Monument. Nicht zuletzt in diesem
besonderen Zusammenspiel vermeintlicher Widersprüche liegt auch die eigentliche Spannung
und Kraft der Kunst von Jeff Koons.
Die Blumenskulptur Split-Rocker, wurde von Lernenden aus Lehrlingsbetrieben des Gärtnermeisterverbands
beider Basel sowie ausgebildeten Gärtnern bepflanzt. Wir danken Thomas Schulte, Präsident
des Gärtnermeisterverbandes beider Basel, und den Lehrlingen und Gärtnern sowie Fritz Braun,
Betriebsleiter der Gemeindegärtnerei Riehen, für ihre grossartige Unterstützung.
Das Projekt Split-Rocker wurde ermöglicht durch die grosszügige Unterstützung von JTI.
Das Unternehmen fördert im Rahmen seines philanthropischen Engagements weltweit kulturelle
Projekte, darunter auch Gegenwartskunst. Daneben unterstützen JTI und die JTI Foundation
Programme in den Bereichen Umwelt, Katastrophenhilfe und Soziales. JTI ist ein international
führender Tabakhersteller, tätig in 120 Ländern, mit weltweitem Hauptsitz in Genf. 1200 Personen
arbeiten in der Schweiz
Pressebilder erhältlich unter http://pressimages.fondationbeyeler.ch
Weitere Auskünfte:
Catherine Schott, Head of Public Relations
Telefon + 41 (0)61 645 97 21, presse@fondationbeyeler.ch, www.fondationbeyeler.ch

01 Jeff Koons
New Hoover Convertible, 1980
Staubsauger, acryl und Leuchtstoffröhren,
142,2 x 57,2 x 57,2 cm
Rubell Family Collection, Miami
© Jeff Koons
Foto: Jeff Koons Studio , new York /
douglas M. Parker Studio, Los angeles
06 Jeff Koons
Stacked, 1988
Gefasstes Holz, 154,9 x 134,6 x 78,7 cm
Privatsammlung
© Jeff Koons
Foto: Jeff Koons Studio , new York /
Jim Strong
11 Jeff Koons
Cake, 1995–97
Öl auf Leinwand, 318,5 x 295,6 cm
Privatsammlung, Europa
© Jeff Koons
Foto: Jeff Koons Studio , new York /
Jim Strong
16 Jeff Koons
Balloon Flower (Blue), 1995–2000
Hochlegierter rostfreier Chromstahl mit
transparenter Farbglasur,
340 x 285 x 260 cm
Privatsammlung
© Jeff Koons
Visualisierung einer installation im Berower
Park der Fondation Beyeler, Riehen/ Basel
02 Jeff Koons
New Shelton Wet / Drys Tripledecker, 1981
drei Staubsauger, acryl und Leuchtstoffröhren,
316,2 x 71,1 x 71,1 cm
des Moines art Center Permanent
Collections, erworben mit dem Erlös aus
dem Verkauf einer Schenkung von
Roy Halston Frowick, 1991
© Jeff Koons
Foto: Jeff Koons Studio, new York
07 Jeff Koons
Ushering in Banality, 1988
Gefasstes Holz, 96,5 x 157,5 x 76,2 cm
Privatsammlung
© Jeff Koons
Foto: © taschen GmbH, Köln /
Foto: Schaub/Höffner, Köln
12 Jeff Koons
Tulips, 1995–98
Öl auf Leinwand, 282,7 x 331,9 cm
Privatsammlung, Europa
© Jeff Koons
Foto: Jeff Koons Studio, new York /
tom Powel
Pressebilder http://pressimages.fondationbeyeler.ch
das Bildmaterial darf nur zu Pressezwecken verwendet werden. die Reproduktion ist nur für die dauer der ausstellung erlaubt.
Bitte verwenden Sie die Bildlegenden und die dazugehörenden Copyrights. Für jegliche Verwendung online dürfen die Bilddaten keine druckbare
Qualität aufweisen. Mit freundlicher Bitte um Zusendung eines Belegexemplars.
Fondation Beyeler
03 Jeff Koons
Bear and Policeman, 1988
Gefasstes Holz, 215,9 x 109,2 x 94 cm
Kunstmuseum Wolfsburg
© Jeff Koons
Foto: Jeff Koons Studio, new York
08 Jeff Koons
Winter Bears, 1988
Gefasstes Holz, 121,9 x 111,8 x 39,4 cm
the Rachel and Jean-Pierre Lehmann
Collection
© Jeff Koons
Foto: Jeff Koons Studio, new York
13 Jeff Koons
Tulips, 1995–2004
Hochlegierter rostfreier Chromstahl mit
transparenter Farbglasur,
203,2 x 457,2 x 520,7 cm
Prada Collection, Mailand
© Jeff Koons
Foto: Serge Hasenböhler
17 Jeff Koons
Split-Rocker, 2000
im Berower Park der Fondation Beyeler, Riehen/Basel, 2012,
unterstütztvon Jti sowie Simone und Peter Forcart-Staehelin,
inCentive asset Management aG
Rostfreier Chromstahl, Blumenerde, Geotextil, Selbstbewässerungssystem
und blühende Pflanzen, 1120,1 x 1181,1 x 1082 cm
Besitz des Künstlers
© Jeff Koons
digitale Bearbeitung unter Verwendung von aufnahmen
von Laurent Lecat und andri Pol
04 Jeff Koons
Michael Jackson and Bubbles, 1988
Porzellan, 106,7 x 179,1 x 82,6 cm
the Broad art Foundation, Santa Monica
© Jeff Koons
Foto: Jeff Koons Studio , new York /
douglas M. Parker Studio, Los angeles
09 Jeff Koons
Balloon Dog (Red), 1994–2000
Hochlegierter rostfreier Chromstahl mit
transparenter Farbglasur,
307,3 x 363,2 x 114,3 cm
Privatsammlung, Europa
© Jeff Koons
Foto: Jeff Koons Studio, new York
14 Jeff Koons
Play-Doh, 1995–2007
Öl auf Leinwand, 333,4 x 282,5 cm
Besitz des Künstlers
© Jeff Koons
Foto: Jeff Koons Studio, new York
18
Jeff Koons, 2012
Foto: Chris Fanning / © Jeff Koons
Neue exklusive Portraits online
13. Mai bis 2. September 2012
05 Jeff Koons
Pink Panther, 1988
Porzellan, 104,1 x 52,1 x 48,3 cm
Courtesy the Brant Foundation, Greenwich,
Connecticut
© Jeff Koons
Foto: © taschen GmbH, Köln /
Schaub/Höffner, Köln
10 Jeff Koons
Hanging Heart (Gold/Magenta), 1994–2006
Hochlegierter rostfreier Chromstahl mit transparenter
Farbglasur, 291 x 280 x 101,5 cm
Besitz des Künstlers
© Jeff Koons
Foto: Jeff Koons Studio, new York
15 Jeff Koons
Balloon Swan (Magenta), 2004–2011
Hochlegierter rostfreier Chromstahl mit
transparenter Farbglasur,
350,5 x 302,3 x 238,8 cm
Privatsammlung
© Jeff Koons
Foto: Jeff Koons Studio, new York

Biografie
Jeff Koons
1955
Jeff Koons wird in York im Bundesstaat Pennsylvania geboren, wo er seine Kindheit verbringt.
1972-1976
Koons studiert Kunst und Design am Maryland Institute College of Art in Baltimore. 1975 geht er
für ein Austauschjahr an die School of the Art Institute of Chicago. Im Jahr darauf verlässt er
Chicago Richtung New York.
1977
Koons arbeitet in The Museum of Modern Art, wo er neue Mitglieder für das Museum anwirbt. Bis
1979 entwickelt er seine erste Werkgruppe, bestehend aus kombinierten Readymades, in denen
aufblasbare Figuren auf und vor Spiegeln platziert sind.
1979
Koons beginnt mit Haushaltsgeräten zu arbeiten, die er für eine später Pre-New getaufte Serie an
Leuchtstoffröhren befestigt. Das erste Werk mit einem Staubsauger entsteht. Koons arbeitet als
Broker an der Wall Street, um die Produktion seiner Kunstwerke finanzieren zu können.
1980
Koons richtet in The New Museum of Contemporary Art in New York als seine erste Ausstellung
eine Schaufensterinstallation ein. Hieraus entwickelt sich die Serie The New.
1983
Koons skizziert die ersten Wassertanks für die Werkgruppe Equilibrium.
1985
Koons hat seine erste eigentliche Einzelausstellung in der Galerie International With Monument in
New York.
1986
Koons‘ Serien Luxury and Degradation und Statuary entstehen. Sämtliche Skulpturen daraus
bestehen aus rostfreiem Chromstahl.
1987
Koons wird zu Skulptur Projekte Münster eingeladen und schafft dafür Kiepenkerl aus rostfreiem
Chromstahl.
1988
Koons’ neue Serie Banality wird gleichzeitig in drei bedeutenden Galerien in Köln, New York und
Chicago gezeigt. Die Porzellan- und Holzskulpturen stellen die Kritik vor Rätsel.
1991
Die Serie Made in Heaven wird in Köln und New York gezeigt. Die Arbeiten, die den Künstler beim
Liebesakt mit Ilona Staller alias Cicciolina zeigen, werden von der Kritik zum Grossteil verrissen.
Koons heiratet Ilona Staller.
1992
Koons realisiert die monumentale Blumenskulptur Puppy vor dem Schloss in Bad Arolsen unweit

von Kassel. Grosse Museumsretrospektiven finden in Amsterdam, Stuttgart, San Francisco und
Minneapolis statt.
1993
Durch seinen kleinen Sohn Ludwig Maximilian inspiriert, entwickelt Koons die umfangreiche Serie
Celebration, die aus farbigen Chromstahl- und Polyäthylenskulpturen und Gemälden besteht.
Koons trennt sich von Ilona Staller und ein langer Kampf um das Sorgerecht für den Sohn
entbrennt.
1999
Koons beginnt mit der neuen Serie Easyfun, die aus Gemälden und Wandskulpturen besteht.
2000
Koons entwirft Split-Rocker, seine zweite Blumenskulptur, die erstmals am Palais des Papes in
Avignon gezeigt wird. Er beginnt mit der neuen Gemälde-Serie Easyfun-Ethereal.
2002
Die neue Serie Popeye aus Skulpturen und Gemälden wird in Angriff genommen. Koons heiratet
Justine Wheeler.
2004
Koons’ Werk wird in New York beziehungsweise in Oslo und Helsinki mit Retrospektiven geehrt.
2006
Koons‘ Arbeit an der neuen Serie Hulk Elvis beginnt.
2008
Koons sind grosse Ausstellungen in Chicago, New York, Berlin sowie im Versailler Schloss
gewidmet. Es beginnt die Arbeit an der neuen Werkgruppe Antiquity.
2012
In der Fondation Beyeler findet Koons‘ erste museale Ausstellung in der Schweiz statt; etwas
später wird auch eine Koons-Ausstellung in Frankfurt am Main veranstaltet.

Statements von Jeff Koons
Aus: Jeff Koons, hrsg. von Fondation Beyeler und Theodora Vischer, Ausstellungskatalog Fondation
Beyeler, Riehen/Basel, 13. Mai – 2. September 2012, Hatje Cantz, Ostfildern 2012
In The New verwandelte ich Staubsauger, nur indem ich sie in beleuchtete Plexiglasvitrinen
steckte, um sie in einem Zustand des Neuseins zu zeigen. Die Idee dahinter war, dass Objekte
eine solch endgültige Daseinsweise erlangen können, während uns Menschen das versagt bleibt:
Wir müssen verfallen. Diese Gegenüberstellung zeigt den bedrohlichen Aspekt des Objekts, die
Macht, die es über uns hat, denn in vieler Hinsicht ist es stärker und besser fürs Überleben gewappnet.
(1986/87), S. 42
Unberührtheit heisst für mich nicht einzugreifen. Wenn ich mit einem Objekt arbeite, achte ich
immer sehr darauf, es weder physisch noch psychisch zu manipulieren. Vielmehr versuche ich
einen bestimmten Aspekt in der »Persönlichkeit« des Objekts herauszustellen. (1986), S. 50
Anfänglich wurde mein Werk mit dem Konsumdenken in Zusammenhang gebracht. Der soziopolitische
Dialog, den die Menschen mit Objekten führen, wurde kaum bedacht und fast ohne
jeden Bezug zu seiner tragischen Seite. Aber mein Werk hat sehr stark mit der Tragödie von
unerreichbaren Daseinsweisen zu tun. Kritisch beurteilen liesse es sich überhaupt nur vor dem
Hintergrund des real zunehmenden Wunsches, solch unerreichbare Zustände zu erlangen. Mein
Werk hat immer eine Perfektion angestrebt, die letztlich unerreichbar ist. Dennoch ging dieses
tragische Suchen ständig weiter. (1987), S. 56
Ich habe gemacht, was die Beatles gemacht hätten, wenn sie Plastiken gemacht hätten.
Niemand hat je gesagt, die Musik der Beatles habe kein hohes Niveau, aber sie gefiel dem
Massenpublikum. Das ist es, was ich möchte. (1990), S. 84
Ich bin für die Rückkehr zum Gegenständlichen und dafür, dass der Künstler wieder die Verantwortung
für Manipulation und Verführung übernimmt: Kunst muss eine ebenso grosse politische
Wirkung haben wie die Unterhaltungsindustrie, der Film, die Pop-Musik und die Werbung. (1990),
S. 118
Anfang der Achtzigerjahre achtete ich immer auf meine Verantwortung fürs Objekt, aber Mitte der
Achtzigerjahre wurde mir dann klar, dass mein wahres Interesse dem Betrachter, dem Individuum
gilt. (2005), S. 98
In Banality schaute ich auf Massenbilder und auf meine Umgebung. Für Ushering in Banality etwa
sah ich mir eine Postkarte mit einem Kind an, das ein Schwein vor sich hertreibt. Für mich hatte
das etwas Autobiografisches, da ich ja aus Pennsylvania stamme. Es war mir egal, ob die Leute
das Werk mochten oder es akzeptierten, aber ich hatte tatsächlich das Gefühl, dass Gott auf
meiner Seite sei. Ebendieses Glaubensgefühl kommt als Struktur innerhalb der ganzen Banality-
Ausstellung zum Tragen. (2003), S. 89
Mit den Arbeiten für Banality traf ich erstmals den Kern meiner Aussage. Alles hier ist Metapher für
die kulturelle Schuld und Scham des Betrachters. Kunst kann schrecklich diskriminierend sein.
Man kann sie benutzen, um einen Menschen aufzubauen und ihm bei der Selbstverwirklichung zu
helfen, aber auch um ihn zu erniedrigen und ihm Chancen zu verstellen. Genau zwischen diesen
beiden Extremen steht man mit seiner persönlichen Kulturgeschichte. Die Werke sind Teil meiner
eigenen Geschichte, aber jedermanns kultureller Hintergrund ist vollkommen, er kann nur genau
so sein, wie er ist – absolut vollkommen. Das machte Banality deutlich. (2002–07), S. 110

Die Banality-Ausstellung beschäftigte mich gedanklich eine ganze Zeit lang. Ich schaute mir die
Ikonografie der Massen und verschiedene Materialien an und stellte fest, wie sehr sich diese
Materialien doch demokratisiert haben. Porzellan zum Beispiel war immer ein ausgesprochen
fürstliches Material, nur für Könige und die Aristokratie bestimmt. […] Und heute […] ist Porzellan
völlig demokratisch geworden. Jeder kann sich eine kleine Figurine kaufen. (2003), S. 100
Ich benutze das Barock, um der Öffentlichkeit zu zeigen, dass wir uns im Bereich des Spirituellen,
des Ewigen, befinden. Die Kirche benutzt das Barock, um zu manipulieren und zu verführen, gibt
der Öffentlichkeit als Gegenleistung dafür jedoch eine spirituelle Erfahrung. (1990), S. 112
Als Künstler bin ich bestrebt archetypische Bilder zu schaffen und manchmal haben diese archetypischen
Bilder etwas Ikonisches an sich. Ich glaube, etwas, das ikonisch ist, muss auch irgendwie
chamäleonartig sein, in dem Sinne, dass es dem Betrachter viele Interpretationsmöglichkeiten
lässt. Für die eine Generation mag es diese Bedeutung haben, für eine zweite eine völlig andere,
aber solange die Leute überhaupt in der Lage sind, eine Bedeutung darin zu entdecken, kann es
überleben. Bei Objekten wie dem Balloon Dog [von 1994–2000] geht es genau darum. Man schaut
ihn an und denkt vielleicht an einen Kindergeburtstag und er sieht aus wie ein Readymade. Natürlich
ist er von seinen Ausmassen her sehr viel grösser als ein wirklicher Ballon. Man könnte auch
an ein Trojanisches Pferd denken. Obwohl er ja ein »Ballonhund« ist, wirkt er doch ausgesprochen
pferdeartig. […] Ein weiterer Aspekt bei diesem Werk betrifft die spiegelnde Oberfläche und das
wiederum hat mit unseren Gedanken, Sehnsüchten und Wünschen zu tun. (2003), S. 131
Wenn ich ein Kunstwerk mache, versuche ich, dem Betrachter durch die handwerkliche Qualität
ein Gefühl des Vertrauens zu vermitteln. Ich will auf keinen Fall, dass jemand ein Bild oder eine
Skulptur anschaut und dabei sein Vertrauen in das Werk verliert. (2000), S. 134
Meine Arbeiten sind sehr »Pop«. Immer wenn ich mir Pop Art anschaue, hat es etwas von einer
kleinen Explosion, sehr aufregend. Ich hoffe, dass auch meine Arbeiten diese Art von Verjüngung
bewirken, dass man jedesmal, wenn man sie anschaut, ein Gefühl von »Pop« verspürt. (1996)
S. 144
Für mich hat Celebration nicht speziell mit Kindheit zu tun. Ich glaube, dass es zeitlose Bilder sind,
dass sie archetypisch sind. Sie stehen zu bestimmten Seiten der Kindheit in Beziehung. Ein Kind,
das diese Werke sieht, könnte davon gefesselt werden. Aber es handelt sich eben um Dinge, die –
hoff entlich – für die Leute im allgemeinen wichtig sind. Sie befassen sich mit Aspekten, an die der
Betrachter in bezug auf seine eigene Kindheit und seine Erinnerung zurückdenken kann. (1996)
S. 158
Ich bevorzuge wohltuende Dinge im Leben. Wäre ich eine Pflanze, würde ich Sonnenlicht bekommen
wollen und würde Wasser erhalten wollen […], würde es nicht mögen, nicht genug Wasser zu
bekommen oder in eine schlechte Umgebung gestellt zu werden. Der Grund, weshalb ich Archetypen
so sehr liebe, ist, dass sie aus irgendeinem Grunde vollkommen quer durch alle Kulturen
miteinander kommunizieren. Ich mag Archetypen, weil sie den Menschen helfen zu überleben.
Also sind sie wohltuend. (1996), S. 152

Veranstaltungen zur Ausstellung
Jeff Koons
Jeff Koons Lecture
Sonntag, 13. Mai 2012, 11.30 – 13.00 Uhr
Der amerikanische Künstler Jeff Koons spricht im Rahmen der Ausstellung über seine Kunst.
Vortrag in englischer Sprache.
Museumseintritt im Veranstaltungsticket inbegriffen. Tickets online oder an der Museumskasse
erhältlich. Ausverkauft.
Jeff Koons Kinder Workshop
Sonntag, 13. Mai 2012, 16.00 – 17.00 Uhr
Workshop für Kinder von 6 bis 10 Jahren, vom Künstler konzipiert.
Preis: CHF 10.– inkl. Material.
Anmeldung erforderlich unter: Tel. +41 (0)61 645 97 20, fuehrungen@fondationbeyeler.ch
Platzzahl limitiert.
Jeff Koons am Abend
Freitag, 1. Juni; 6. Juli; 3. August 2012, 18.00 – 21.00 Uhr
Reduzierte Eintrittspreise und Gratiseintritt für Besucher bis 25 Jahre
Detailprogramm unter: http://www.fondationbeyeler.ch/informationen/agenda
Künstlergespräch mit Jeff Koons
Donnerstag, 14. Juni 2012, 17.00 – 18.00 Uhr
Im Rahmen der Art | 43 | Basel spricht die Kuratorin Theodora Vischer mit Jeff Koons persönlich über
seine Kunst und die aktuelle Ausstellung.
Gespräch in englischer Sprache.
Museumseintritt im Veranstaltungsticket inbegriffen. Tickets online oder an der Museumskasse
erhältlich. Platzzahl limitiert.
Familientag Jeff Koons
Sonntag, 24. Juni 2012, 10.00 – 18.00 Uhr
Neben Kurzführungen und einem Museumsspiel laden verschiedene Workshops im Park zum
Experimentieren ein. Das spezielle Programm sowie der Eintritt sind für Besucher bis 25 Jahre
kostenlos.
Detailprogramm unter: http://www.fondationbeyeler.ch/informationen/agenda
Kunst als Ideenreservoir
Donnerstag, 23. August 2012, 19.30 – 21.00 Uhr
Podiumsgespräch mit Künstlern und Werbern in Zusammenarbeit mit dem Art Directors Club Schweiz.
Museumseintritt im Veranstaltungsticket inbegriffen.
Kunstvermittlung
Öffentliche Führungen und Veranstaltungen
Tägliches Programm auf http://www.fondationbeyeler.ch/informationen/agenda
Private Führungen für Gruppen
Information und Anmeldung: Tel. +41 (0)61 645 97 20, fuehrungen@fondationbeyeler.ch
Angebot für Schulen
Information und Anmeldung auf www.fondationbeyeler.ch/Ausstellungen/Kunstvermittlung
Online–Ticketing für Eintritte und Veranstaltungen unter www.fondationbeyeler.ch
Oder Vorverkauf direkt an der Museumskasse

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