Querstand Nr. 13 Jg. 10 SS 2005 - Querstand - Zeitschrift für junge ...

ISNN Mitteilungen des DVSM e.V. Heft 13 Jg. 10 SS 05 

Dossier 

Wanderer zwischen Welten – der Musikkritiker 

Kolumne 

„Kaum mehr als Barbarei“: Berliner Musikwissenschaft 

am Limit 

ISSN 1861-3055 

Nachschlag 

Berichte über die DVSM-Symposien in Bonn, 

Hamburg und Bochum

Inhaltsverzeichnis 

Editorial ........................................................................................................................................................................................... 1 

DVSM AKTUELL 

„Musik und Krieg“ – Einladung zum 20. DVSM-Symposium 2005 in Tübingen ............................................................. 2 

Spielfeld Musik – „Musik im Spiel“: Bericht vom 19. DVSM-Symposium 2004 in Bonn ................................................ 4 

DVSM-Symposium 2006 in Deiner Stadt!? ............................................................................................................................... 23 

DOSSIER 

„Wanderer zwischen den Welten“ – Der Musikkritiker .......................................................................................................... 10 

NEUERSCHEINUNG 

„Form follows Function“ – Zwischen Musik, Form und Funktion ..................................................................................... 12 

KOLUMNE 

„Kaum mehr als Barbarei“ ........................................................................................................................................................... 13 

MUWI INTERNATIONAL 

„Kennst Du das Land, wo die Zitronen blüh’n?“ – Musikwissenschaft in Spanien .......................................................... 15 

Studienführer Musikwissenschaft ................................................................................................................................................ 18 

WWW-TIPP 

Online-Tutorial „Archive“ ............................................................................................................................................................ 28 

NACHSCHLAG 

Musik als Mobilar? „Form follow Function“ – Bericht vom 18. DVSM-Symposium in Hamburg ................................ 19 

Musiktheaterwissenschaft: eine interdisziplinäre Herausforderung? – Das 17. DVSM-Symposium in Bochum ......... 24 

Artikelserie über Musiktheaterwissenschaft – Online-Publikation der Bochumer Symposiumsbeiträge....................... 27 

Impressum ....................................................................................................................................................................................... 29 

Urheber, die nicht erreicht werden konnten, werden zwecks Rechtsabgeltung um Nachricht gebeten.

Editorial 

Nach fast dreijähriger Pause meldet sich der Querstand mit 

dieser Ausgabe im neuen Gewand und frischem inhaltlichen 

Konzept zurück im Ensemble der musikwissenschaftlichen 

Periodika. Der neue Querstand versteht sich nicht nur 

als Organ des DVSM e.V., sondern will vor allem die inhaltlichen 

Debatten innerhalb der jungen Musikwissenschaft 

spiegeln und mit streitbaren Impulsen befeuern. 

Neue Blickwinkel, unterschiedlichste Gedanken zur Musik 

und Musikforschung, vielfältigste Themen werden hier ihre 

Plattform finden. Dabei wählen wir Formen, die dem Gegenstand 

zur Breite verhelfen wollen. Ob rein betrachtend, 

abwägend, polemisch zugespitzt, ironisch überhöht: Der 

Querstand will nur eins in konstruktiver Weise beflügeln: 

das Nachdenken über Musik. 

Im Sinne einer lebendigen Debatte zählt der Querstand deshalb 

auf seine Leserinnen und Leser: Wortmeldungen, 

gleich über welchen Kommunikationskanal, sind nicht nur 

erwünscht, sondern vehement erhofft! 

Drei Jahre Veröffentlichungspause haben die Berichte über 

die jüngsten DVSM-Symposien der letzten Jahre zu einem 

regelrechten Berg anwachsen lassen: Bonn, Hamburg, Bochum 

waren die letzten Stationen, die in alter Kontinuität 

früherer Ausgaben hier dokumentiert werden sollen. Tübingen 

lädt Ende September zum 20jährigen Jubiläum ein! 

Die Restrukturierung des Verbands hinterlässt in diesem 

Jahr auch seine Spuren im Querstand; ob neue Mitglieder- 

Betreuung, diverse Webangebote oder Kontaktdaten – in 

dieser Ausgabe fassen wir alles Neue zusammen. Außerdem 

behält der Querstand besonders junge 

MusikwissenschaftlerInnen im Blick, zum Beispiel mit Tipps 

für hilfreiche Web-Tutorials oder der Reihe MuWi International. 

Der inhaltliche Schwerpunkt aber wird im Dossier, das in 

dieser Ausgabe aufgrund der Fülle der aufzuarbeitenden 

Verbandsthemen noch schmaler als geplant ausfällt, und in 

der Kolumne liegen. Das Dossier stellt als Forum den Ort 

dar, an dem durch inhaltlich breit gefächerte Statements 

und Aufsätze ein umfassendes Meinungsbild entstehen soll. 

Das neue Konzept klingt ehrgeizig vielfältig, ist ein Spagat 

zwischen Diskussion und umfassender Information. Aber 

vor allem zählt es idealistisch auf die vernehmbar (!) klingenden 

Stimmen im Ensemble der jungen Musikwissenschaft. 

Ganz herzlich möchte ich mich auch bei allen AutorInnen 

bedanken, die mit Engelsgeduld die Überarbeitung dieser 

ersten neu gestalteten Ausgabe ertragen haben. Nun ist es 

endlich soweit! In diesem Sinne wünsche ich eine anregende 

Lektüre, und freue mich auf reges Interesse und Dialog 

mit und unter den Leserinnen und Lesern. 

Lydia Grün 

Schriftleitung (querstand@dvsm.de) 

PS: Die Deutsche Bücherei hat uns gerade für Print und Online 

eine ISSN-Nummer vergeben (siehe Impressum S. 29)! 

EDITORIAL 

I

DVSM AKTUELL 

„Musik und Krieg“ 

Einladung zum 20. DVSM-Symposium 

Vom 28. September bis zum 1. Oktober 2005 findet am 

Institut für Musikwissenschaft der Eberhard-Karls-Universität 

Tübingen das 20. DVSM-Symposium statt. Studierende 

und junge ForscherInnen sind herzlich eingeladen, am 

Symposium „Musik und Krieg“ aktiv teilzunehmen! 

Krieg und Friedensschlüsse waren schon immer Gelegenheit 

für KomponistInnen, sich mit der Thematik Krieg 

künstlerisch auseinander zu setzen, das Kampfgeschehen 

klanglich darzustellen, zu kommentieren, möglicherweise 

direkt musikalisch einzugreifen und zum jeweiligen Anlass 

Werke beizusteuern. 

Musik genutzt bzw. missbraucht. Auf der anderen Seite ist 

aber auch eine gegenläufige Strömung zu beobachten, in 

der die negativen Seiten der feindlichen Auseinandersetzungen 

auf die Bevölkerung angesprochen werden. 

Die Auswirkungen der kriegerischen Handlungen machen 

sich unmittelbar in kriegsbedingten Besetzungsreduktionen 

und im bewussten Schweigen von KomponistInnen bemerkbar. 

Hinzu kommen direkt aus der Kriegssituation resultierende 

Formen der Musikausübung, wie zum Beispiel 

die KZ-Orchester während des Zweiten Weltkriegs. 

Kontakt: 

Annemarie Firme 

a.firme@dvsm.de 

Anschrift: 

DVSM e.V. 

c/o Institut für Musikwissenschaft, 

Fachschaft 

z.H. Annemarie Firme 

Schulberg 2 

D-72070 Tübingen 

URL: www.musik-undkrieg.de 

II 

Auf einer eher metaphorischen und allegorischen Ebene 

wird die Kriegsthematik in Madrigalen behandelt. Über den 

Bereich der Kunstmusik hinaus gehört auch militärische 

„Gebrauchsmusik“, wie etwa Janitscharenmusik, Trompetensignale, 

Hymnen, Schlachtengesänge und Militärmusik 

ebenfalls zum Thema „Musik und Krieg“. Nicht zuletzt im 

Genre der Filmmusik lassen sich aufschlussreich die Bezüge 

zwischen dargestelltem Krieg und der zugehörigen Musik 

untersuchen. 

Die unmittelbare Wirkung der Musik auf die Psyche des 

Menschen wurde in Kriegszeiten gezielt dazu eingesetzt, 

massenwirksame Propaganda zu betreiben und die eigenen 

Truppen moralisch zu unterstützen. Auch zur psychologischen 

Kriegsführung gegen den Feind wurde und wird 

Mit dem Thema „Musik und Krieg“ wollen die Tübinger 

OrganisatorInnen nicht ausschließlich MusikwissenschaftlerInnen 

ansprechen. Eingeladen sind ausdrücklich 

auch Studierende und junge ForscherInnen anderer Fächer, 

die sich mit dieser Thematik auseinander setzen, da die (auch

was den historischen Rahmen anbelangt) offen gehaltene 

Themenbeschreibung trotz der Beschränkung auf Musik 

im Titel sicher reichlich interdisziplinäre Anregungen etwa 

für TheologInnen, SoziologInnen, PsychologInnen, 

KunsthistorikerInnen, MedienwissenschaftlerInnen und 

PhilosophInnen bietet, die zur Vielfalt der Vorträge und 

Diskussionen beitragen und sich ihrerseits von der fächerübergreifenden 

Relevanz unserer Disziplin überzeugen können. 

Junge Studierende und ForscherInnen aller Fachrichtungen 

sind herzlich eingeladen, ihre wissenschaftlichen Arbeiten 

und Gedanken zum Thema „Musik und Krieg“ in 

Tübigen zu diskutieren! KünstlerInnen und Ensembles sind 

sehr willkommen das Programm des Symposiums durch 

ihr Wirken zu bereichern. 

Nähere Informationen finden sich auf der Kongress- 

Website http://www.musik-und-krieg.de/ und im 

Internetangebot des DVSM http://www.dvsm.de/. 

Weitere Details können direkt bei Annemarie Firme 

(Organisationsteam) erfragt werden: a.firme@dvsm.de 

oder 

DVSM e.V. 

c/o Institut für Musikwissenschaft, Fachschaft 

z.H. Annemarie Firme 

Schulberg 2 

D-72070 Tübingen 

Neue Bankverbindung des DVSM! 

Im Zuge der Reorganisation hat der DVSM nun ein neues 

Vereinskonto. Das Konto in München besteht nicht mehr! 

Dachverband der Studierenden der Musikwissenschaft 

Deutsche Bank, Berlin 

Kontonummer 43 58 79 2 

Bankleitzahl 100700 24 

IBAN DE18100700240435879200 

BIC/SWIFT-Code DEUTDEDBBER 

Wir freuen uns auf die Mitgliederbeiträge 2005 (zur Erinnerung 

ab 5,00 EUR) oder sonstige, auch projektbezogene 

Spenden! Alle Zuwendungen werden mit einer Spendenbescheinigung 

bestätigt und sind damit steuerlich absetzbar. 

Gerne kann uns auch eine Ermächtigung zum Einzug als 

Lastschrift ausgehändigt werden. Ein entsprechendes Formblatt 

kann als PDF von der DVSM-Homepage 

(www.dvsm.de/html/kontakt.html) herunter geladen werden. 

Bitte unterschreiben und dann postalisch an Lydia 

Grün, Christburger Str. 28, 10405 Berlin oder per Fax an 

030 - 44 32 4850 senden. 

Fragen zu Finanzen des DVSM, sei es administrativer Natur 

oder bezüglich Verwendungszwecken und projektbezogenen 

Spenden, beantwortet die Kassenwärtin (Lydia 

Grün) immer gerne unter finanzen@dvsm.de. 

DVSM AKTUELL 

III

DVSM AKTUELL 

Website: 

www.musik-im-spiel.de 

Der Tagungsbericht ist 

in Vorbereitung und erscheint 

im transcript 

Verlag. 

IV 

Spielfeld Musik 

„Musik im Spiel“ 

Das 19. Internationale Studentische Symposium des DVSM e.V. 

fand vom 29. September bis 2. Oktober 2004 am Musikwissenschaftlichen 

Seminar der Rheinischen Friedrich-Wilhelms-Universität Bonn 

statt. 

„Musik im Spiel“ lautete das übergreifende Thema des letzten 

DVSM-Symposiums in Bonn. Und „spielerisch frei“ 

hatten die OrganisatorInnen auch das Spektrum der Tagung 

angelegt. Durch die Wahl eines breiten Nenners eröffneten 

sie die Möglichkeit, sich thematisch nicht nur in 

den Grenzen der Musikwissenschaft aufzuhalten, diese auszuschöpfen, 

sondern auch darüber hinaus zu gehen. Die 

Rechnung der OrganisatorInnen ging auf: Die Beiträge umrissen 

einen vielfältigen „Spiel-“Raum: 23 ReferentInnen 

aus Deutschland, den USA, Großbritannien, Schweden und 

Spanien präsentierten ihre Forschungsergebnisse, in denen 

„Musik im Spiel“ war. Vertreten waren sowohl die „traditionelle“ 

Musikwissenschaft bspw. mit Analysen zum Musiktheater 

oder Ensemblemusik, die Medienwissenschaft mit 

Aspekten zu Musik in Computerspielen, Filmmusik, Sounddesign, 

Musikvideos etc., die Musikethnologie, die Musikpsychologie 

als auch die Musikpädagogik. 

„Vor-Spiel“ 

Eröffnet wurde das Symposium durch den neuen Rektor 

der Rheinischen Friedrich-Wilhelms-Universität Bonn, Prof. 

Dr. Matthias Winiger. Dieser zeigte sich begeistert sowohl 

von der Thematik, die in seinen Augen eine neue, zukunftsweisende 

Richtung der Musikwissenschaft symbolisiert, als 

auch von dem Engagement der Studierenden, die dieses 

internationale Symposium in Eigenregie – intensiv unterstützt 

vom Vorstand des Musikwissenschaftlichen Seminars 

– organisiert hatten. Dieser motivierenden Eröffnung folgten 

die Grußworte des Geschäftsführenden Direktors des 

Musikwissenschaftlichen Seminars, Prof. Dr. Erik Fischer, 

der Vorsitzenden des DVSM e.V., Simone Lahutta, und der 

Leitung des Organisationsteams, Annika Lindemann und 

Björn Müller. Die Bonner Musikwissenschafts-Studentin 

Stefanie Theisinger präsentierte zwischen den Grußworten 

Klavierwerke von Brahms, Beethoven und Debussy. 

Den Auftakt zu den Vorträgen machte PD Dr. Sebastian 

Klotz (Berlin) mit „Manier, Haltung, Konzept. Zur Archäologie 

musikalischer Spielwelten“. Klotz stellte dar, was vor 

dem eigentlichen Musizieren an Spielerischem stehen kann 

und widmete sich skurrilen Apparaten, wie 

Komponierkästchen, Würfelspielen, musikalischen 

Farbklavieren, Fantasiermaschinen in einem zeitlichen Bogen 

von Athanasius Kircher (17. Jh.) bis hin zu Johann 

Philipp Kirnberger (18. Jh.). 

Nach dem offiziellen Sektempfang wurde die Installation 

„GREEN“ von Peter J. Brown (London) und Barry L. 

Roshto (Bonn) eröffnet, die während des ganzen Symposiums 

zu besichtigen war. „GREEN“ ist eine audiovisuelle 

Installation, die mit den sich im Raum bewegenden Personen 

interagiert, indem einerseits die Bewegungen der Besucher 

durch eine Kamera aufgezeichnet und auf eine Leinwand 

projiziert und mit Standbildern und Animationen 

kombiniert wird. Auch die MIDI-Signale werden durch die 

Bewegung der Besucher im Raum hervorgerufen.

Musik und Spiel in den Medien 

Der erste Vortragsblock widmete sich in erster Linie dem 

Verhältnis Musik und Spiel in den neuen Medien. Barry 

Roshto (Bonn) präsentierte das Thema „Instruments, Tools 

and Toys – Kontrolle und Wahrnehmung jenseits des instrumentalen 

Paradigmas“. Roshto beschäftigte sich mit 

neueren Formen interaktiver Mediensysteme und stellte als 

Beispiele mehrere interaktive Music Games vor. So als ältestes 

Game Parappa, the Rapper (1997), in dem der Spieler 

einen Rap-Song konstruieren muss, wobei Qualitätsmerkmale, 

wie Komplexität des Rhythmmus’, melodische 

Vielfalt etc., während des Spielverlaufs bewertet werden. 

Mehr sportliche Leistung verlangte das Spiel Dance Dance 

Revolution (1998) dem Spieler ab, bei dem ein oder auch 

mehrere Personen auf einem Teppich mit den Füßen Buttons 

berühren und so die Musik „steuern“. 

Der nachfolgende Vortrag von Nicole Janku (Erlangen) 

„Von Filmmusik zu Sounddesign“ führte inhaltlich in bekanntere 

Gewässer. Janku stellte in ihrer Präsentation die 

Technik hinter der Filmmusik in den Vordergrund und 

vernachlässigte die Dramaturgie, die jedoch nach wie vor 

im Fokus der aktuellen Filmmusikforschung steht. Die drei 

verschiedenen Aspekte des Sound Design (Dialog, Musik 

und Geräusch/Atmosphäre) führte Janku anschaulich in 

den Filmen Modern Times, Der große Diktator und schließlich 

2001 vor. Weiterhin wurden die verschiedenen Sound-Techniken 

vorgestellt (Dolby, THX etc.) und deren Verzahnung 

mit Vertrieb und Marketing – gerade in Anbetracht der 

steigenden Konkurrenz durch das DVD-Format. 

Rebecca Sarholz (Bonn) widmete sich in ihrem Vortrag 

„Probleme der musikalischen Analyse innerhalb von Musikvideo-Analysen 

am Beispiel von Björk: Human Behaviour – 

Isobel – Bachelorette“ den alltäglichen Phänomenen der 

Medienwelt. Sie hinterfragte die gängigen Analysekonzepte 

und stellte ihnen ein Modell entgegen, das Musikvideos als 

Visualisierung von Musik versteht, also einen Hauptfaktor 

„Musik“ annimmt und darauf aufbauend die visuelle Ebene 

des Videos betrachtet. Dieser diskursiven These schloss 

sich die Frage nach den Eigenheiten des synästhetischen 

Effekts aus der Verknüpfung der Ebenen im Video an. 

Das Spiel von Musik 

Nach der Mittagspause ging es zunächst in zwei zeitgleichen 

Panels weiter. Während Andreas Engström (Stockholm) 

die experimentelle Szene der 1960er Jahre in Schweden 

vorstellte, schlug Sina Hirth (Tübingen) den Bogen zum 

Eröffnungsvortrag des Vortages, indem sie diverse „Musi- 

DVSM AKTUELL 

Der Tanz „in“ der Installation 

GREEN führte 

bei einigen Besuchern 

zu ekstatischen Zuständen... 

V

DVSM AKTUELL 

Nur Musik im Kopf 

beim Pausengespräch 

auf der Dachterasse. 

VI 

kalische Spielkarten“ beginnend im 15. Jahrhundert vorstellte. 

Paula Matthusen (New York) bezog in ihrem Beitrag 

„Musical Games and Emergent Behavior in Ensemble 

Music“ den spielerischen Umgang mit Musik auf die heutige 

Zeit und stellte eigene Werke, z.B. das Streichquartett In 

Memory of an Anthill vor, in dem verschiedene „Boxen“ innerhalb 

der einzelnen Stimmen kombiniert werden und so 

für die musikalische Fortentwicklung des Werkes sorgen. 

Verstärkt wird dieser „Spiel“-Aspekt aber noch während 

der Aufführung durch das Interagieren der einzelnen 

MusikerInnen miteinander. 

Im zweiten Panel präsentierte Elena Konstatinou (London) 

ihr Referat „Playing with mind, body, sight and sound: a 

new look at Skalkottas’ piano music“. Darin zeigte sie die 

spielerischen Aspekte in Nikos Skalkottas Klaviermusik auf 

und ging weiterhin auf das Spiel des Komponisten mit den 

mentalen, visuellen, technischen und auditiven Aspekten 

des Komponierens, Aufführens und Hörens der Musik ein. 

Im Anschluss präsentierte Stanislava Vajarova (London) ihre 

Forschung zu den Wechselwirkungen von Musik und Malerei, 

wobei sie sich auf Sir Isaac Newton bezog, der die 

sieben Grundfarben mit den sieben Tonlagen in Verbindung 

brachte. Vajarova schloss daraus, dass aus einer 

Synästhesie der beiden Künste, Musik innerlich Bilder entstehen 

lassen kann und umgekehrt Bilder zu Klang werden 

können. 

Joseph Tapa (Hamburg) und Helge Jansen (Köln) setzten 

mit ihren beiden Beiträgen den Schlusspunkt des ersten Vortragstages. 

Tapa beschäftigte sich in seinem Vortrag „RASA: 

Das Spiel mit den Emotionen“ mit der besonderen Ästhetik 

der indischen Kunstmusik, die sich vor allem aus der 

emotionalen Wirkung auf den Hörer und weniger aus theoretischen 

Konzepten des Komponierens oder Interpretierens 

ableitet. Helge Jansen ließ in seinen Vortrag „Swinging 

Matter – Sound, Form & Consciousness“ praktische Erfahrungen 

aus seiner Arbeit als DJ einfließen, die in ihm 

die Frage nach dem Zusammenhang von Klang, Körper 

und Bewusstsein auslöste. 

Musik im Kopf 

Der nächste Vormittag war der „Musik im Kopf“, also den 

mentalen Vorgängen beim Musizieren und Rezipieren, gewidmet. 

Clemens Wöllner (Halle/Saale) begann die Sektion 

mit dem Vortrag „Klavierspielen im Kopf: Bedeutung 

und Charakteristika des mentalen Übens“. Er stellte seine 

Studien zu Charakteristika mentalen Übens vor, v.a. im 

Vergleich zu Eigenarten des physischen Übens. Nach

Wöllner unterscheidet sich mentales Üben zwar in vielen 

Gesichtspunkten vom physischen Üben, sollte aber in der 

Musikpraxis und -pädagogik verstärkt einbezogen werden, 

da es die Leistung und die musikalische Vorstellungskraft 

des Musizierenden steigert, und somit die notwendige Zeit 

des physischen Übens verkürzt. Alexander Saier (Berlin) 

stellte im Anschluss seine Forschungen bezüglich der „Beeinflussung 

des musikalischen Improvisierens durch das 

rhythmische Element – Wie Rhythmus das musikalische 

Erleben über klangliche Netzwerke beeinflusst“ vor. Die 

Prämisse, dass der Mensch nicht alle Ebenen (Harmonie, 

Melodie, Rhythmus) gleichzeitig wahrnehmen und verarbeiten 

kann, zog nach Saier die Frage nach sich, welche 

dieser drei musikalischen Ebenen dominierend in der Wahrnehmung 

sei. Ergebnis von Saiers Studie ist, dass zumindest 

bei zeitlich sehr beschränkten Abschnitten der Rhythmus 

eine dominante Rolle einnimmt, wobei dies zusätzlich 

auch von der Art und Komplexität der rhythmischen Figuren 

abhängt. 

Im letzten Vortrag dieser Sektion von Verena Düren (Bonn) 

ging es konkret um die Wahrnehmung von Musik im Wandel 

der Musikrezeption aus Sicht der Wahrnehmungspsychologie. 

Anliegen der Referentin war dabei, die Unterschiede 

der Musikwahrnehmung der letzten 250 Jahre zu 

skizzieren und somit das Bewusstsein für die stattgefundene 

Entwicklung und deren Vor- und Nachteile zu schärfen. 

Musik im Spiel als Spiegel der Gesellschaft 

Carmen Garcia-Mallo (Barcelona) eröffnete am Nachmittag 

den Block, dessen gemeinsamer Nenner mit „Musik 

DVSM AKTUELL 

und Gesellschaft“ betitelt werden kann. Im Zentrum ihres 

Vortrags „German piano music reception in the Spanish 

bourgeoisie salons during the second half of the nineteenth 

century” stand vor allem die außergewöhnliche Bedeutung 

der Bourgeoisie-Salons für die Entwicklung der Musik im 

19. Jahrhundert in Spanien und daraus resultierende wichtige 

interkulturelle Beziehungen. 

Christian Lehmann (München) stellte seine Arbeit zum 

Thema „Sängerwettstreit und Gesangsduell“ vor. Ausgehend 

vom Sängerwettstreit als einem bekannten Modell der 

europäischen (Literatur-) Geschichte spannte Lehmann den 

Bogen von den gesellschaftlichen Riten der Naturvölker 

hin zu den heutigen Gebräuchen der abendländischen Kultur 

(bspw. Rap, Karaoke, Casting-Shows etc.) und setzte 

sich mit der Frage nach einer Evolution musikalischen Verhaltens 

– entsprechend der Evolutionstheorie nach Charles 

R. Darwin – auseinander. 

Ein zweigleisiges Panel gestaltete den späten Nachmittag: 

Dr. Bettina Schlüter und Stefan Werning (beide Bonn) boten 

einen Workshop zum Thema „Musik und Sound in 

Computerspielen“ an, in dem die Ergebnisse der bisherigen 

Vorträge aktiv vertieft wurden und alle ReferentInnen 

und ZuhörerInnen ihre Erfahrungen beisteuern konnten. 

Während der Gender-Aspekt in Christian Lehmanns Vortrag 

schon am Rande betrachtet wurde, so nahm er im Referat 

von Pei-Fang Frederika Tsai (Bonn) „Die ‚Abwesenheit’ 

von Frauen in Peter Eötvös’ Oper Drei Schwestern“ eine 

zentrale Rolle ein. In dieser Oper nach Anton Cechov kommen 

zwar, wie schon der Titel andeutet, Frauenrollen vor, 

jedoch werden diese mit Countertenören besetzt. Eötvös 

hat dafür selbst mögliche Erklärungen genannt, so z.B. die 

VII

DVSM AKTUELL 

Die Podiumsdiskussion 

als Schlusspunkt des 

Symposiums. 

VIII 

bessere Eignung der Countertenöre als so genannte Anti- 

Helden. Beendet wurde die Sektion von Jörn Handschke 

(Berlin), der sich mit der „Prophetie der Musik“, speziell 

der Popmusik, beschäftigt hat. Musik fungiere nicht mehr 

nur als Kunst, die sich in eine Gesellschaft integriere und 

diese bestenfalls beschreiben kann. Musik antizipiere stattdessen 

soziale, politische und ökonomische Formen einer 

zukünftigen Gesellschaft und fordere somit die Entwicklung 

eines neuen Modells der Beziehung zwischen Kultur 

und Gesellschaft. 

Als letzter Vortrag des Tages sprang kurzfristig Dr. Volkmar 

Kramarz (Bonn) zum Thema „Musik in Video- 

Games“ein. Er stellte heraus, dass in Japan und den USA 

die Musik in Videospielen eine ähnliche Rolle besitzt wie 

Filmmusik und mittlerweile sogar Sondtracks zu Video- 

Games produziert werden. Durch die Analyse von Warhawk 

und Max Payne zeigte Kramarz auf, welchen kompositorischen 

Eigenarten diese Musik, entgegen gängiger Klischees 

der angenommenen Gehaltlosigkeit, folgt. 

Letzter Spielzug 

Die Präsentation am letzten Tag „Open House – A 

Percussion“ von Sean Griffin (Torrance, CA) zeigte eines 

der Theaterprojekte des Referenten, das die Vorstellung vom 

eigenen „Zuhause“ erforscht. Der in Bonn vorgestellte erste 

Teil des Projekts beschäftigte sich mit der impliziten 

Gewalt von Kinder-Klatschspielen und Spielliedern. 

Simone Krüger (Sheffield) hielt unter dem Titel 

„Ethnomusicological participant-observation: fuelling 

creativity in world music education” den letzten Vortrag 

der Tagung. Krüger versuchte darin, eine Methodik der 

Musikethnologen – die Erklärung des menschlichen Musizierens 

aus einem anthropologischen Ansatz heraus – auf 

den heutigen Musikunterricht als eine (westliche) Institution 

der so genannten höheren Bildung zu übertragen. So 

untersuchte sie die Eigenarten der Lehre der Musikethnologie 

an westlichen Universitäten, um anschließend 

eine Studie vorzustellen, in der das Erleben von Weltmusik 

durch SchülerInnen im Musikunterricht betrachtet wurde. 

Nach einem gemeinsamen Mittagsbuffet bildete eine Podiumsdiskussion 

zum Thema „Neue Spielfelder/Spielregeln 

für die Musikwissenschaft?“ den Schlusspunkt des 19. Internationalen 

Studentischen Symposiums des DVSM e.V.. 

An der Diskussionsrunde nahmen teil: PD Dr. Bettina 

Schlüter (Universität Bonn), Roland Kaschube (Musikredakteur), 

Marc Mozart (Produzent und Songwriter), Alexander 

Riemenschneider (Student der Medien- und Musikwissenschaft 

an der Universität Bonn), Dr. Kerstin Schüssler 

(Chefdramaturgin des Aalto-Theaters Essen und 

Musikjournalistin) und als Moderator Christoph Bergerhausen 

(„Klangstation“). Auch an dieser Zusammensetzung 

konnte man sehen, wie breit gefächert die Musikwissen-

schaft heute ist und – was aufgrund der Biographien der 

TeilnehmerInnen nachvollziehbar war – wie vielseitig auch 

die Wege in oder zur Musik sind. 

Das 19. Symposium des DVSM e.V. in Bonn zeichnete sich 

durch seine Breite und Themenvielfalt aus, was auch vom 

Publikum begeistert aufgenommen wurde. Es wurde nicht 

nur gezeigt, wie vielfarbig das Fach ist, sondern auch, dass 

zumindest die NachwuchswissenschaftlerInnen durchaus 

in der Lage und gewillt sind, über den bisherigen Tellerrand 

der Musikwissenschaft hinauszuschauen, sowohl im 

Sinne von nationalen als auch von disziplininternen Grenzen. 

Dieser öffnende Ansatz schafft für die Musikwissenschaft 

neue Perspektiven, durch die sie sich allein die Chance 

erhält, hochschulpolitisch auf lange Sicht zu überleben. 

Daher muss dieser Ansatz weiterhin gepflegt und ausgebaut 

werden. 

Die Beiträge des Symposiums werden in einer Publikation, 

die zum nächsten DVSM-Symposium im Herbst 2005 erscheint, 

veröffentlicht. 

Nähere Informationen finden sich aber auch weiterhin auf 

der Tagungs-Homepage http://www.musik-im-spiel.de/. 

Verena Düren (meriadocbrandybock@gmx.de) 

Buchprojekt „Zarzuela“ 

MusikologIn mit Spanisch-Kenntnissen gesucht! 

Für die umfangreiche 

Recherchearbeit zum Buchprojekt 

„ZARZUELA. Das 

Spanische Singspiel vom 

Barock bis zur Gegenwarte“ 

wird Unterstützung gesucht. 

Spanische Texte sollen ins 

Deutsche übersetzt werden. 

Die Übersetzungen werden 

vergütet. 

Die Intention des Projekts ist es, das von der Musikwissenschaft 

vermeintlich zum Genre der Operette eingeordnete 

Gebiet der Zarzuela (Spanisches Singspiel) im deutschsprachigen 

Raum bekannter zu machen. Die letzte 

Veröffentlichung zum Thema des Schweizers Roger Mitlin 

stammt von 1965 und bedarf der Vervollständigung. Da 

von den über 2.000 Zarzuelas heute nur noch etwa 200 bis 

300 gespielt werden und viele noch nie veröffentlich worden 

sind, gibt es hier erhebliche Forschungsmöglichkeiten. 

Viele originale Handschriften befinden sich weit verstreut 

in Privatarchiven. 

Nähere Informationen sind direkt beim Projektinitiator 

Helmut Sengstmann per eMail zu erfragen: 

helmutdebaladrar@hotmail.com 

JOB 

IX


X 

„Wanderer zwischen den Welten“ 

Der Musikkritiker 

Rasant hat sich das Presse- und Zeitungswesen im letzten 

Jahrhundert gewandelt. Die Musikkritik blieb davon nicht 

unberührt, im Gegenteil: Feuilleton und Kulturberichterstattung 

wurden zu einem gewichtigen Teil des 

öffentlichen Diskurses und der musikalischen Rezeptionsgeschichte. 

Im Medienzeitalter wächst der Anteil der Musikkritik beständig, 

während jedoch ihr Gewicht gleichzeitig abnimmt. 

Diese historische Verbindung ist der Grund, warum das 

Metier der Musikkritik vornehmlich „journalistisch“ geprägt 

ist. Journalismus aber bedeutet: wache Aufmerksamkeit, 

Sinn für Aktualität und guter Überblick – zuallererst aber: 

„schreiben können“. Und das meistens schnell (mit hohem 

Termindruck), konzentriert (bei strikten Platzvorgaben) und 

natürlich immer kompetent und brillant. Das sind Attribute, 

die im akademischen Betrieb selten ausgebildet und gefördert 

werden. Hier kollidiert die Sprachkompetenz oft 

mit der Fachkompetenz. Trotzdem hat inzwischen die Zahl 

der MusikwissenschaftlerInnen in der Musikkritik mit den 

steigenden Studierendenzahlen erheblich zugenommen. 

Steinbruch des Wissens 

Tatsächlich liefert das Fach Musikwissenschaft (möglichst 

mit einem Abschluss) die besten Voraussetzungen dazu: 

Ein guter Überblick über die Musikgeschichte, umfassende 

Repertoirekenntnisse, Umgang mit Partituren und 

Recherchemedien sowie Kenntnisse über Ensembles, Interpreten, 

Aufführungen und Inszenierungen sind essentiell. 

Vertiefte Kenntnisse in einigen Bereichen wie zum Beispiel 

der historischen Aufführungspraxis Alter Musik mit 

ihren wichtigsten Problemen, über einflussreiche Regiekonzepte 

des Musiktheaters oder bedeutende 

Interpretationsschulen und Stationen der Aufführungsgeschichte 

im gängigen Konzertrepertoire sind immer nützlich; 

dass man gut hört, eine Selbstverständlichkeit. 

Vom Tellerwäscher zum Kritikerpapst 

Der „gewöhnliche“ Kritiker arbeitet für die Musikredaktionen 

der klassischen Printmedien (im Feuilleton von 

Tageszeitungen und in Fachmagazinen), des Rundfunks 

(Berichte, CD-Rezensionen, Interpretationsvergleiche und 

Features) und Fernsehens (Kulturmagazine). In allen Fällen 

wird man zunächst als freier Mitarbeiter einer Kulturredaktion 

beginnen. Die nächste Stufe ist der „feste Freie“ 

mit Pauschalvertrag, der unter Umständen auch als „Korrespondent“ 

tätig sein kann, das langfristige Ziel ist der 

Musikredakteur. 

Persönliche Kontakte sind für den Einstieg wichtig. Für 

Funk und TV empfiehlt sich ein Praktikum. Große Unterschiede 

gibt es zwischen Lokalblättern und den Feuilletons 

der großen überregionalen Zeitungen (wie FAZ, SZ, NZZ, 

Die Zeit oder Die Welt). Während bei ersteren die Lokalszene 

dominiert, muss man bei letzteren mit flexiblem Einsatz 

und Reisetätigkeit rechnen. Dazu gehören auch 

Kongress- und Festspielbesuche, Tourneeberichte oder Interviews. 

Deshalb erweist sich hier ein guter Überblick über die internationale 

Musikszene und neue Entwicklungen als besonders 

wichtig. Dafür wird man durch persönliche Kon-

takte zu den Künstlern, Managern und Institutionen belohnt 

– und die Möglichkeit, vielleicht etwas mitbewegen 

zu können. 

In allen Sparten zu Hause 

Obwohl sich in der redaktionellen Praxis eine gewisse Spezialisierung 

auf einzelne Musikbereiche ausgebildet hat (wie 

Konzert-, Opern-, Ballet-, Jazz- oder Popkritik) ist ein weiter 

Horizont nützlich. Denn der Anteil der Klassik an der 

Musikberichterstattung ist klein. Dazu kommt der komplexe 

Stilpluralismus unserer heutigen Musikkultur. Er reicht 

vom Crossover aller Genres bis zur historischen Spannweite 

zwischen Gregorianik, Early Music und experimenteller 

Avantgarde, von den ethnischen Idiomen der „Traditionellen 

Musik“ und ihrer Präsenz in der „Weltmusik“ bis 

zu Musical, Multimedia Performance und allen Arten von 

Popularmusik. Deren prominente Konzerte und Vertreter 

erhalten auch im Hochfeuilleton längst regelmäßige Rezensionen. 

Besondere Möglichkeiten ergeben sich im Bereich 

der Tonträger- und Musikvideo-Rezension für 

Phonozeitschriften und die regelmäßigen Schallplattenseiten 

überregionaler Blätter. Hier steht die Phonokritik 

im Mittelpunkt. Sie schließt auch technische Kriterien des 

Mediums mit ein (wie Klangqualität, Aufnahmeverfahren, 

etc.) sowie diskografische Angaben. Schwerpunkte liegen 

in der Vorstellung neuer Aufnahmen, im Interpretationsvergleich, 

der Aufführungsgeschichte oder speziellen Interpreten- 

oder Repertoireprofilen. 

Immer wichtiger wird auch der kulturpolitische Aspekt. In 

viele der größeren Rezensionen fließen zwangsläufig Beobachtungen 

und Kommentare über musikpolitische Entwicklungen 

oder Personalien mit ein. Ein aktuelles Beispiel 

ist der Opernstreit in Berlin. Aber oft werden auch die Probleme 

um die Nachfolge von Orchester- oder Opernchefs 

diskutiert, ebenso wie Konzepte von Konzertreihen oder 

Festspielen. Damit gewinnt das Debattenfeuilleton gegenüber 

dem reinen Rezensionsfeuilleton an Bedeutung. Dort 

scheint die Zeit der mächtigen Kritikerpäpste und furchtbaren 

Kunstrichter gottlob vorbei. Ein guter Kritiker profiliert 

sich nicht mit dogmatischen Kunsturteilen und ätzenden 

Verrissen, sondern durch Sachkompetenz, kluge 

Analyse, anschaulichen Bericht und interessante Information 

und – nach wie vor – einen überzeugenden Schreibstil. 

Leider fallen auf das interessante Metier momentan tiefe 

Schatten. Die aktuelle wirtschaftliche Krise der Medien 

macht sich drastisch mit Budgetkürzungen und Stellenabbau 

bemerkbar. Das trifft Redaktionen wie freie Mitarbeiter. 

Außerdem sind die Möglichkeiten des Schreibens eingeschränkt 

worden (Wegfall von Beilagen, Magazinen und 

Seiten, kürzerer Umfang der Beiträge etc.). Einige Alternativen 

wie etwa Internet-Projekte versprechen etwas Hoffnung, 

so wie die Gewissheit, dass die Medien ein wichtiges 

Forum bleiben werden. 

Klaus P. Richter 

Studium der Musikwissenschaft, Philosophie, Psychologie in 

München. Promotion 1980 über J.S. Bach. Schallplattenrezensent 

bei Fono Forum, Stereo. Autor mehrerer Bücher und Aufsätze über 

die Rezeptionsgeschichte älterer Musik. 


XI

NEUERSCHEINUNG 

Form Follows Function – Zwischen Musik, 

Form und Funktion 

Beiträge zum 18. Internationalen Symposium des 

DVSM e.V. in Hamburg im Oktober 2003 

XII 

Hrsg. von Till Knipper, Martin 

Kranz, Thomas Kühnrich, Carsten 

Neugebauer. 

Von Bockel Verlag, 

Hamburg 2005. 

392 S., kart.. 

ISBN 3-932696-59-X 

25,00 Euro 

Seit Anfang Mai ist der 

Band zum 18. Studentischen 

Symposium 2003 

form follows function – Zwischen 

Musik, Form und Funktion 

im Handel erhältlich. 

DVSM-Mitglieder erhalten beim direketen Bezug über den 

Von Bockel Verlag 50% Rabatt auf den Ladenpreis (25,00 

EUR) zuzügl. Versandkosten (http://www.bockelverlag.de). 

Auf seinem Jahreskongress im Oktober 2003 in Hamburg 

stellte der DVSM ein Motto des US-amerikanischen Architekten 

Louis H. Sullivan aus dem Jahre 1896 über die dreitägige 

Veranstaltung: „Form follows Function“. Der These 

folgend, dass „das Leben in seinem Ausdruck erkennbar 

ist“ und „die Form immer der Funktion folgt“, wurde die 

Einbindung von Musik in ihren mannigfaltigen funktionalen 

Zusammenhängen betrachtet – Musik auf der Ebene 

von RezipientInnen, KomponistInnen und InterpretInnen. 

Aus dem Inhalt: 

- Scherliess: Musik am Bauhaus oder: komponierte Bilder 

und gemalte Musik – zur Wechselbeziehung zwischen bildender 

Kunst und Musik um 1920. 

- Schoon: Musik am Bauhaus und am Black Mountain College: 

funktionale und interdisziplinäre Aspekte. 

- Herrmann: Natur oder Geschichte? Zum Status der Rede 

über Musik bei Hermann von Helmholtz. 

- Kessler: Der Subjektbegriff in der Musikpsychologie. 

- Graf: Entwicklungstendenzen des Netzwerkes NOTAM 

aus strukturationstheoretischer Perspektive. 

- Müllensiefen, Frieler: Messung melodischer Ähnlichkeit. 

- Lehmann: Musikalische Holocaust-Reflexion in Deutschland 

zu Beginn des 21. Jahrhunderts. 

- Kranz: Wem die Stunde schlägt. Die Madrider „Generation 

der Republik“ im spanischen Bürgerkrieg am Beispiel 

von Rodolfo Halffter (1900-1987). 

- Sporn: Ästhetische Eigenheit, ideologische Vereinnahmung 

und der Begriff des Politischen. Anmerkungen zum 

Problem der Behandlung von Instrumentalmusik der DDR. 

- Klemke: Die Rolle der DDR-Musikwissenschaftler in den 

fünfziger Jahren bei der Propagierung des sozialistischen 

Realismus. 

- Marx: Musikalische Gattungen im Spannungsfeld von 

Form und Funktion. 

- Pfleiderer: Groove Me. Populäre Musik und systematische 

Musikwissenschaft.

Kaum mehr als Barbarei 

Manche wünschen sich, es wäre anders gekommen. Fakt aber ist, 

dass Musikwissenschaft schon wieder viel mit Politik zu tun hat. 

Denn 15 Jahre nach der Wiedervereinigung kämpft die Disziplin 

hierzulande vielerorts ums nackte Überleben. 

Aktuelles Beispiel der gegenwärtig allerorts populären bildungspolitischen 

Kahlschläge sind die „Strukturreformen“ 

der Berliner Universitäten mit konkreten Auswirkungen 

auch auf die Musikwissenschaft. War die Berliner Situation 

mit der Musikethnologie an der Freien Universität, der 

Systematischen Musikwissenschaft an der Technischen Universität, 

den Schwerpunkten Musiksoziologie und 

Popularmusik an der Humboldt-Universität und Historischer 

Musikwissenschaft an allen drei Universitäten in 

Deutschland bisher einmalig, werden nach den „Strukturreformen“ 

von den einstmals acht Professuren nur noch 

drei erhalten bleiben. Die Studiengänge an der TU und FU 

werden dabei längerfristig ganz abgewickelt. 

Die einschneidenden Veränderungen in Berlin scheinen 

dramatisch. Denn zweifelsohne ist nicht nur der zahlenmäßige 

Schwund an Professuren bei gleich bleibenden, 

wenn nicht sogar steigenden Studierendenzahlen kaum 

aufzufangen, auch die bisher einmalige Breite des Studienangebots 

in allen Teildisziplinen des Faches scheint auf 

immer dahin. Hinzu kommt, dass die vorgenommenen Einsparungen 

selbst wirtschaftspolitisch kontraproduktiv, kurzsichtig 

und unüberlegt sind: Die Studierenden rechnen den 

PolitikerInnen jetzt schon vor, dass sich die Einsparungen 

auf eine Million Euro p.a. belaufen, während die 

MusikwissenschaftlerInnen an FU und TU allein der Stadt 

rund 13,8 Millionen Euro im Jahr einbringen. Schwer ist es 

wohl, Worte zu finden für politische und gesellschaftliche 

Umstände, in denen die Inkompetenz einer mehr oder weniger 

zufällig gewählten politischen „Elite“ die Zukunft 

einer ganzen Generation begabter junger Menschen zu zerstören 

im Stande ist. 

Dabei wünschen manche sich seit langem schon – zwar 

nicht finanziell, mit Blick auf die Ausrichtung der Curricula 

aber wohl – Berliner Verhältnisse auch andernorts, denn 

schließlich ist die Ausrichtung der Disziplin im deutschsprachigen 

Raum kaum irgendwo so zukunftsorientiert wie 

in Berlin. Gerade die in der Hauptstadt gepflegten Bereiche 

wie Musikethnologie, Sozialgeschichte, Filmmusik, 

Neue Musik, Gender-Theorie und populäre Musik sind an 

vielen anderen Instituten außerhalb der (aus heutiger Sicht 

ehemaligen?) Musikhauptstadt oftmals wenigstens unterrepräsentiert, 

wenn nicht gar vollkommen vernachlässigt. 

Vielmehr können sich manche des Eindrucks nicht verwehren, 

dass in Deutschland das eine oder andere Institut 

weiterhin tradierte Forschungsschwerpunkte wie Mittelalter 

und Philologie pflegt, ohne neuere Methoden oder Erweiterungen 

im Repertoire überhaupt zur Kenntnis zu nehmen 

und veränderte gesellschaftliche Realitäten sowie solche 

im heute wesentlich heterogeneren Corpus der Studierenden 

in den Strukturen der Curricula zu berücksichtigen. 

Fast, so scheint es jedenfalls, ist die deutschsprachige Musikwissenschaft 

vielerorts wissenschaftstheoretisch noch 

ganz im historistischen Denken (und der damit einherge- 

KOLUMNE 

XIII

KOLUMNE 

XIV 

henden Tendenz zur entsprechenden Kanonbildung) der 

Bismarckzeit verwurzelt. 

Freilich sind tradierte Methoden und die Vermittlung fundierter 

Kenntnisse im Bereich des klassischen Repertoires 

nicht aufzugeben. Trotzdem wäre die Erweiterung der Disziplin 

in Richtung der neueren Themen im deutschsprachigen 

Raum wohl nicht nur mit Blick auf die Interessenslage 

vieler Studierender anzustreben. Gerade das traditionell 

stark ausgeprägte Missverhältnis zwischen Neuer und Alter 

Musik in manchen Curricula ist aus heutiger Sicht wohl 

korrekturbedürftig. Denn auch hierin kommt eine übertriebene 

Vergangenheitsorientierung der Disziplin (wie sie im 

19. Jahrhundert durchaus üblich war) zum Tragen. Und 

schließlich sollte eine musikwissenschaftliche Ausbildung 

heute gerade die so oft vernachlässigte Auseinandersetzung 

mit dem zeitgenössischen Musikschaffen fördern. 

Unterrepräsentiert ist an vielen Instituten auch die Musikethnologie. 

Gerade im Zuge der vielbeschworenen 

Globalisierung erscheint dies als eine fundamentale Fehlentwicklung. 

Denn schließlich studieren an den meisten 

deutschsprachigen Universitäten heute im Normalfall junge 

Menschen aus allen Kontinenten der Welt. 

Deutlich wird bei alledem auf jeden Fall, dass nicht nur die 

politischen Rahmenbedingungen und die daraus resultierende 

chronische Unterfinanzierung der Universitäten dringend 

verbessert werden müssen, sondern auch, dass die 

Disziplin selbst (respektive die Struktur der Curricula) in 

vielerlei Hinsicht reformbedürftig ist. Unbestritten ist, dass 

gerade die zuletzt genannten Veränderungen nur längerfristig 

zu erwarten sind. Zu hoffen bleibt, dass wenigstens im 

Bereich der Hochschulpolitik die „Schöne Macht der Vernunft“ 

in naher Zukunft wieder einkehrt, denn schließlich 

gefährdet das momentan dominante politische Denken die 

Freiheit wissenschaftlicher und künstlerischer Arbeit im 

Ganzen. Musikwissenschaft und akademische Kultur in 

Deutschland bliebe damit nicht nur in Zukunft, sondern 

schon jetzt „kaum mehr als Barbarei“!? 

Reinhold Degenhart (082619606-0001@T-Online.de) 

Leserbriefe, Standpunkte und Debattenbeiträge können gerne direkt 

an den Autoren Reinhold Degenhart oder an die Querstand- 

Schriftleitung geschickt werden. 

Adresse geändert? 

Oder neue Telefonnummer? 

Im Rahmen der Reorganisation der Vereinsstrukturen haben 

wir die DVSM-Mitgliederkartei neu aufgebaut. 

Wer umgezogen ist, eine neue eMail-Adresse angelegt hat 

oder als passives Mitglied/Alumni im DVSM e.V. geführt 

werden möchte, der wende sich in allen diesen und ähnlichen 

Fragen bitte an: mitgliederbetreuung@dvsm.de. 

Ansprechpartnerin ist Annika Lindemann, stellv. DVSM- 

Geschäftsführerin.

Kennst Du das Land, wo die Zitronen 

blüh’n? 

Musikwissenschaft in Spanien 

Mit der Vorstellung des musikwissenschaftlichen Studiums in Spanien 

soll die Reihe von studentischen Erfahrungsberichten aus dem 

Ausland weiter fortgesetzt werden. Bisher wurde die musikologische 

Ausbildung in Großbritannien, den USA und Frankreich vorgestellt. 

Die Artikel finden sich u.a. online im Querstand-Archiv. 

Ein Musikologe als Pionier: Felipe Pedrell 

Felipe Pedrell (1841-1922) gilt als Begründer der spanischen 

Musikwissenschaft. Er lehrte Komposition in Madrid und 

Barcelona und prägte entscheidend die spanisch-nationale 

Schule. Komponisten und Musikwissenschaftler wie Isaac 

Albéniz (1860-1909), Enrique Granados (1867-1916), Manuel 

de Falla (1876-1946) und der spätere Schönbergfreund 

Robert(o) Gerhard (1896-1970) zählten zu seinen Schülern. 

Die erste spanische Gesamtausgabe von Tómas Luis 

de Victoria sowie musikethnologische Studien gehören 

außerdem zu den Verdiensten von Pedrell. Eine nennenswerte 

musikwissenschaftliche Szene bildete sich jedoch erst 

ab den 1990er Jahren in Spanien heraus. Bis dahin publizierte 

nur ein kleiner Kreis von Musikologen, Komponisten 

und Musikern biografische und musikwissenschaftliche 

Schriften. Insgesamt ist die Anzahl der 

Veröffentlichungen im Vergleich zum deutschsprachigen 

Raum bis heute gering. Detaillierte musikalische Analysen 

erscheinen erst seit wenigen Jahren. 

Als eigenständiger Studiengang wurde Musikwissenschaft 

erstmals Mitte der 1970er Jahre an den staatlichen Musikhochschulen 

(„Conservatorio Superior“) in Madrid, Murcia 


und Salamanca eingerichtet. Bis heute liegt dort der inhaltliche 

Schwerpunkt auf der Musik bis zum 18. Jahrhundert, 

mit besonderem Fokus auf der Musik des 15. und 16. Jahrhunderts. 

Dissertationen können jedoch nach dem vierjährigen 

Studium dort nicht geschrieben werden. Erst 1984 

wurde das Fach Musikwissenschaft („Historia y Ciencias 

de la Música“) an einigen staatlichen Universitäten eingerichtet: 

in Barcelona (Universidad Autónoma), Granada, 

Logroño, Madrid (Universidad Autónoma und 

Complutense), Oviedo, Salamanca und Valladolid. Das Studium 

ist auf zwei Jahre begrenzt und setzt den Abschluss 

eines beliebigen Grundstudiums („primer ciclo“) oder eine 

Ausbildung an einer Musikhochschule voraus. Zudem muss 

eine Aufnahmeprüfung abgelegt werden. Wird diese Hürde 

nicht genommen, so können Studierende (zumindest in 

Robert Gerhard, letzter 

Schüler von Felipe 

Pedrell, nannte sich ab 

1939 im englischen Exil 

Roberto. 

XV


XVI 

Salamanca) auch nach der Absolvierung zweier Extrakurse 

zugelassen werden. Für den Studienabschluss ist keine 

schriftliche Abschlussarbeit notwendig. Nur wer sich für 

eine Dissertation bewerben möchte, muss eine so genannte 

„Tesina“ einreichen, welche in Umfang und Inhalt der 

deutschen Magisterarbeit entspricht. 

Zwischen Pflicht und Kür 

Insgesamt umfassen die Kurse ein breites inhaltliches Spektrum. 

Die sich jährlich wiederholenden Pflichtkurse beinhalten 

fast ausschließlich „historische“ Themen. Die Wahlfächer 

(„Optativas“) lockern allerdings mit ihren 

überwiegend interdisziplinären und systematischen Inhalten 

das Lehrangebot auf. Der Unterricht findet im Klassenverband 

statt. In meiner Klasse zählte ich mit 22 Jahren zu 

den Jüngeren, obwohl das genau dem Normalalter des vierten 

Studienjahres entsprach. Für viele spanische Studierende 

ist es schwierig, sich den Lebensunterhalt neben dem 

Studium zu finanzieren. Die wenigen Studentenjobs werden 

mit einem Stundenlohn von ca. drei bis fünf Euro 

schlechter bezahlt als in Deutschland. 

Unterschiede zum deutschen System 

Im Vergleich zur deutschen Musikwissenschaft fallen einige 

Unterschiede auf: Prinzipiell gibt es keine Seminare in 

unserem Sinne, sondern nur Kurse zu allgemeinen Themen. 

Die Tiefe der inhaltlichen Spezialisierung oder ob der 

Kurs mehr einer Vorlesung oder einem Seminar gleicht, 

hängt sehr vom einzelnen Dozenten ab. Insgesamt ist das 

Studium auf eine breite Allgemeinbildung ausgerichtet, worunter 

zum Beispiel die Vermittlung von Techniken wissenschaftlichen 

Arbeitens leidet. Allerdings unterscheidet sich 

auch das Ausbildungsziel von dem der deutschsprachigen 

Musikwissenschaft: Die Mehrheit der spanischen Absolventen 

wollen Musik an weiterführenden Schulen (also Gymnasien 

etc.) unterrichten. Meine Erfahrung war, dass Eigeninitiative 

immer unterstützt und belohnt wird: Wer 

eigenen Fragestellungen nachgeht, kann mit viel Entgegenkommen 

und Hilfe rechnen. 

Unbestellte Forschungsfelder 

Bisher noch nicht musikwissenschaftlich erforscht, oft sogar 

komplett unbekannt, sind beispielsweise die Chorbücher 

von Kirchen und Klöstern. Normalerweise kann man die 

Bücher ohne größere Schwierigkeiten einsehen. Von wenigen 

Ausnahmen abgesehen, steht eine systematische Untersuchung 

der Musik in Spanien von 1800 bis 1900 noch 

aus. 1 Erst im 20. Jahrhundert konnten einige spanische Musiker 

wie Manuel de Falla, Robert(o) Gerhard, Cristóbal 

Halffter und Luis de Pablo oder Künstler wie Federico 

Garcia Lorca, Pablo Picasso, Joan Miró oder Salvador Dalí 

an den internationalen Ruhm früherer Kulturschaffender 

anknüpfen. Neben der Beschäftigung mit diesen zentralen 

Figuren, gibt es in der spanischen Musikwissenschaft bemerkenswert 

große Bemühungen, über lebende 

KomponistInnen zu publizieren. Jedoch wurden die spanischen 

Komponistinnen 2 dabei bisher kaum berücksichtigt. 

Seit kurzem beginnt die Erforschung der spanischen Exilmusik 

– schließlich flohen zahlreiche namhaften 

MusikerInnen und KomponistInnen zur Zeit des Franco- 

Regimes.

Die wichtigsten Institutionen zur Erforschung der Musik 

des vergangenen Jahrhunderts sind überwiegend in Madrid 

und in Bezug auf katalanische Komponisten in Barcelona 

angesiedelt. Der Großteil des spanischen Musiklebens 

konzentriert sich auf diese beiden Metropolen, wobei 

in Madrid insgesamt mehr Konzerte stattfinden. Barcelona 

mit seinem „Liceu“ ist hingegen das traditionelle Zentrum 

des Musiktheaters. Wichtigstes Nachschlagewerk für 

die Musik Spaniens ist ein spanischsprachiges Lexikon, 

dessen Artikel nur teilweise oder gekürzt Eingang fanden 

in die neue MGG: Sociedad General de Autores y Editores 

[=SGAE], Emilio Casares Rodicio (Hrsg.): Diccionario de la 

música española e hispanoamericana, Madrid 1999. In Deutschland 

wurde dieses Standardwerk bisher nur von wenigen 

Bibliotheken angeschafft. 

Unabhängig vom Studium an einer Universität werden Symposien 

und Workshops (zum Beispiel in Alcalá) 3 von internationalen 

Musikwissenschaftlern veranstaltet. Jeden zweiten 

Spätsommer richtet die „Sociedad Española de 

Musicología“ 4 einen mehrtägigen interdisziplinären 

Kongress mit zahlreichen Vorträgen und täglichen Konzerten 

an wechselnden Orten aus. 

Deutsch-spanische Verbindungen 

Neben vereinzelten Lehrangeboten, unter anderem von 

Eckhard Weber (Freie Universität Berlin), vertieft nur Rainer 

Kleinertz in Regensburg die Lehre über spanische 

Musik. Dennoch besteht eine intensive Verbindung zwischen 

spanischer und deutscher Musikwissenschaft: Viele 

spanische Professoren haben in Deutschland studiert, in 

Salamanca sind es allein drei. Die einzige, aus Deutschland 

stammende Professorin in Spanien lehrt meines Wissens 

nach in Granada: Prof. Christiane Heine. Ihr Forschungsschwerpunkt 

liegt auf der Musik der so genannten 1927er 

Generation. 

Till Knipper (tillit@gmx.de) 

Till Knipper studiert an der Universität Hamburg Historische und 

Systematische Musikwissenschaft sowie Philosophie. Über ein 

DAAD-Stipendium und ein bilaterales Gegenstipendiums des Spanischen 

Außenministeriums besuchte er im WS/SS 2001-02 die Staatliche 

Universität in Salamanca und belegte dort insbesondere Kurse 

zur Musik der Moderne und arbeitete in Madrid über Gerardo 

Gombau (1906-1971). Der Autor steht für Nachfragen zum Studium 

in Spanien gerne zur Verfügung. 

1 

Zusätzlich zu den zu Beginn erwähnten Komponisten, seien hier beispielhaft 

angeführt: Francisco Javier Moreno (1748-1836), José Pons (ca. 1768-1818), Manuel 

García (1775-1832), José Nonó (1776-1845), Mariano Ledesma (1779-1847), 

Ramon Carnicer (1789-1855), José Melchor Gomis (1791-1836), Juan Crisóstomo 

de Arriaga (1806-1826), Marcial del Adalid y Guerra (1826-1881), Cristóbal Oudrid 

(1828-1877), Eduardo Ocón Rivas (1833-1901), Teobaldo Power Lugo-Viña 

(1948-1884). 

2 

Rosa García Ascot (*1908), Maria Teresa Prieto (1908-1975), Matilde Salvador 

(*1918), Maria Luisa Ozaita (*1939), Maria Cruz Galatas (*1940), Esperanza Abad 

(*1941), Montserrat Bellés (1943-1998), María Rosa Calvo-Manzano (*1946), 

Teresa Catalan (*1951), María Escribiano (*1954), Marisa Manchado (*1956), 

Zulema de la Cruz (*1958), Consuelo Diez (*1958), Maria Angeles Belda (*1961), 

Carmen Verdú (*1962), Lidia Valero (*1964), Alicia Diaz de la Fuente (*1967), 

Pilar Jurado (*1968). 

3 

Siehe auch das Dozentenverzeichnis für Workshops an der Universidad de 

Alcalá http://www.musicalcala.com (08.07.2005). 

4 

Die Internetadresse der SEDEM lautet http://www.sedem.es/. Weitere Websites 

über die zeitgenössische Musik Spaniens: Iberoamerikanisches Werk- und 

Personenverzeichnis siehe http://www.havanacity.com/sgae/listaobras.asp 

(08.07.2005), ebenfalls Werkanalysen diverser zeitgenössischer Komponisten von 

Augustín Charles Soler http://www.agustincharles.com/analisis/analisis.html 

(08.07.2005). 


XVII

STUDIENFÜHRER 

Studienführer Musikwissenschaft 

Mitstreiter zur Aktualisierung gesucht! 

Seit mehreren Jahren bietet der Studienführer Musikwissenschaft 

die Möglichkeit, sich gezielt und detailliert über sämtliche 

musikwissenschaftlichen Institute in Deutschland zu 

informieren. Viele AbiturientInnen verschaffen sich auf diese 

Weise einen Überblick über die Breite des Lehrangebots. 

Ebenso schätzen Studierende insbesondere bei anstehenden 

Ortswechseln, vor allem nach der Zwischenprüfung, 

die hilfreichen Informationen des Studienführers. Darüber 

hinaus stellt der Studienführer eine gute Basis zur Vernetzung 

verschiedener Institute mit ähnlichen Profilen dar. Der 

Studienführer Musikwissenschaft ist ein wichtiger Bestandteil 

der Arbeit des DVSM. Das soll so bleiben. 

Inhalte im Einzelnen überprüft und bearbeitet werden müssen. 

Bitte meldet Euch per eMail unter studienfuehrer@dvsm.de, 

wenn Ihr mithelfen wollt, die Daten auf den neuesten Stand 

zu bringen. Vielen Dank! 

Clemens Wöllnerv(studienfuehrer@dvsm.de) 

Studienführer-Redaktion, DVSM-Schriftführer 

DVSM.DE im neuen Gewand! 

Unter der bekannten URL http://www.dvsm.de/ präsentieren 

wir stolz die neue Vereins-Website. Unsere Webmiss 

Mareike Röwekamp hat nicht nur in engagierter Feinarbeit 

den alten Inhalten ein neues Design gegeben und in HTML 

gegossen (Danke dafür!!!). Die DVSM-Website verfügt auch 

über neue Rubriken, bspw. Weiterbildung. 

Neue Online-Version 

des Studienführers erscheint 

unter 

www.studienfuehrer.dvsm.de 

XVIII 

Momentan befinden sich die Informationen zu den einzelnen 

musikwissenschaftlichen Instituten auf dem Stand von 

2001. Durch vielfältige Änderungen ist eine Aktualisierung 

der Daten dringend erforderlich, damit der Studienführer auch 

in Zukunft eine gute Informationsquelle bleibt. Dafür erbittet 

die Studienführer-Redaktion Eure Mithilfe: Nur wenn 

sich einige von Euch bereit finden, die Daten für bestimmte 

Institute zu aktualisieren, kann das Projekt Studienführer 

weiter bestehen. Außerdem könnt Ihr Euer jeweiliges Institut 

im Studienführer entsprechend darstellen, mit allen 

positiven oder auch verbesserungswürdigen Eigenschaften. 

Basierend auf den bisherigen Einträgen haben wir eine neue 

Struktur für die Vorstellung der Institute entwickelt, deren 

Die Projekt-Websites der DEMA, des Studienführers und 

des Querstands gehen oder sind schon unter folgenden 

Subdomains online: www.dema.dvsm.de, 

www.studienfuehrer.dvsm.de und www.querstand.dvsm.de.

Musik als Mobilar? 

“form follows function” 

Vom 2. bis 4. Oktober 2003 fand am Musikwissenschaftlichen Institut 

der Universität Hamburg das 18. Internationale Studentische 

Symposium des DVSM e.V. statt. 

Der amerikanische Architekt und Pionier des Hochhausbaus 

Louis H. Sullivan hat mit seinem Ausspruch 

„form follows function“ bereits 1896 die These vertreten, 

„dass das Leben in seinem Ausdruck erkennbar ist, dass 

die Form immer der Funktion folgt“ – ein aus der Bauhausästhetik 

entlehntes Programm. Aus diesem Satz 

zusammengefasst, galt der thematische Fokus des Hamburger 

Symposiums der Einbindung von Musik in mannigfaltige 

funktionelle Zusammenhänge. Dies umfasst nicht 

nur Musik und ihre Funktionen auf der Ebene der 

RezipientInnen, sondern auch aus Sicht der 

KomponistInnen und InterpretInnen. 

25 Referenten aus verschiedenen Ländern wie Finnland, 

Belgien, Österreich, Deutschland und den USA präsentierten 

größtenteils ihre Dissertationsprojekte und Magisterarbeiten. 

Sowohl die Vorträge als auch die abendlichen 

Konzertveranstaltungen erfreuten ein gemischtes Publikum 

aus Musikinteressierten, Studierenden, Komponisten und 

Lehrenden. 

Umrahmt wurde das Vortragsprogramm durch den Eröffnungsvortrag 

von Prof. Dr. Volker Scherliess (Lübeck), 

der auf die Wechselbeziehungen von Musik mit anderen 

Künsten am Bauhaus einging, und durch den abschließenden 

Vortrag Andreas Schoons (Hamburg), der der Frage 

nachging, inwieweit Musik am Bauhaus praktiziert und 

thematisiert wurde und warum keine eigene Musikwerkstatt 

existierte. 

In seinem eröffnenden Vortrag stellte Scherliess die Korrelationen 

zwischen bildender und klingender Kunst als eine 

zentrale Tendenz künstlerischen Schaffens der 1920er Jahre 

heraus. Als Beispiel für diese Annäherung nannte er unter 

anderem Kurt Schwitters’ Ursonate sowie einige Tonfilmstudien 

Oskar Fischingers. Als eine weitere charakteristische 

Eigenschaft der Kunst dieser Zeit bezeichnete Scherliess 

das „nicht mehr gegenständlich sein wollen“, den Hang zum 

Verlust einer direkten Bedeutung. Diese These illustrierte 

er mit Verweisen auf die Zwölftonmusik, den Kubismus in 

der Malerei und den Dadaismus. 

NACHSCHLAG 

Musik/-Möbel und 

Mensch: Vorbereitungen 

zum Jazz-Abend... 

XIX

NACHSCHLAG 

XX 

Musik und Hörer 

In der Vielfalt der folgenden Vortragsthemen spiegelt sich 

die Pluralität der derzeit in musikwissenschaftlicher Forschung 

angewandten Methoden wider. Im Themenbereich 

„Musik und Hörer“ kamen verschiedene empirische 

Forschungsansätze und musikpsychologische Themen zur 

Sprache. 

So stellte Annekatrin Kessler (Graz) den traditionellen 

Subjektbegriff der Musikpsychologie in Frage. Das Experiment 

als eine grundlegende Methode beruhe auf der Subjekt-Objekt-Dichotomie. 

Dadurch werde das „Phänomen 

Musik“ auf zu wenige Faktoren und das Subjekt auf einen 

Organismus reduziert, der letztlich nur reagieren kann. Der 

Umstand, dass das Subjekt die Möglichkeit der Wahl besitze, 

werde in diesem Modell nicht berücksichtigt. 

Daniel Müllensiefen und Klaus Frieler (Hamburg) präsentierten 

im Anschluss ihre Forschungsergebnisse zur „Funktion 

verschiedener musikalischer Parameter für die Wahrnehmung 

melodischer Ähnlichkeit“. Der Vortrag fügte sich 

an die vorherigen Erläuterungen über die Experimentsituation 

und deren Beurteilung thematisch nahtlos an und 

ermöglichte eine fokussierte Diskussion. 

Paul Riggenbach (Hamburg) brachte sein Erstaunen darüber 

zum Ausdruck, dass die Vorträge von Müllensiefen/ 

Frieler und Kessler von so unterschiedlichen Grundannahmen 

ausgingen und verwendete diese methodischen 

Überlegungen, um seinen eigenen Vortrag einzuleiten. In 

diesem präsentierte er die Ergebnisse einer offenen Befragung 

zum Thema „Funktionen von Musik in der modernen 

Industriegesellschaft“. Untersuchungsgegenstände 

waren die Produktion, Distribution, Struktur und Rezeption 

von Musik. Auf der Suche nach gemeinsamen Funktionen 

der Musik in den unterschiedlichen Dimensionen stellte 

er die Entfremdung als gemeinsamen Zug heraus, welche 

durch den Warencharakter der Musik bedingt sei. Als 

totale Projektionsfläche erlaube sie allerdings darüber hinaus 

die Entfremdung der Rezipienten von ihrer Umgebung. 

Riggenbach schloss mit einer Betrachtung der geschichtlichen 

Entwicklung: „Menschen haben besseren Zugang zu 

Musik – Musik hat besseren Zugang zu uns.“ 

Musik und Gesellschaft 

Riggenbachs Vortrag leitete von den musikpsychologischen 

Themen zum Bereich „Musik und Gesellschaft“ über, welcher 

mit seinen 13 Vorträgen den Schwerpunkt der Tagung 

bildete. Die Ethnomusikologie war hier ebenso vertreten 

wie mehrere Beiträge zur politischen Vergangenheit deutschen 

Musikschaffens. Weiterhin wurde die gegenwärtige 

gesellschaftliche und ökonomische Struktur von Musik 

beleuchtet. 

Lari Aaltonen (Tampere) hielt einen Vortrag über Feldstudien 

im „Kathmandu Valley“, für die er bis kurz vor der 

Tagung noch in Nordindien war. Aaltonen beschrieb die 

unterschiedlichen sozialen Rollen und Organisationsformen 

des Musiklebens in Indien, Nepal und Pakistan. Außerdem 

berichtete er Erfahrungen aus dem täglichen Umgang mit 

dortigen professionellen Musikern. 

Ildar Kharissov (Berlin) erfreute die Zuhörer mit einigen 

von ihm selbst vorgetragenen wolgatatarischen Liedern, 

anhand deren er ebenfalls Ergebnisse seiner Feldforschung 

präsentierte. Den Schwerpunkt in Kharissovs Ausführungen 

bildeten die Zusammenhänge von Strukturmomenten

der untersuchten Stücke und sozial vermittelten Klassifizierungen 

derselben. Es folgte eine große Zahl von Vorträgen, 

deren Themen in den Bereich deutscher 

Vergangenheitsbewältigung zu zählen sind. Den Anfang 

machte Mathias Lehmann (Hamburg) unter der Überschrift 

„Der Holocaust, die Musik und das 21. Jahrhundert“: Er 

untersuchte Kompositionen, die den Holocaust 

thematisieren und klassifizierte die Thematisierung als entweder 

explizit oder implizit. Unter der impliziten Weise sei 

eine „Entkonkretisierung“, eine „entpolitisierende 

Erinnerungsform“ zu verstehen. Als Beispiel für eine solche 

Komposition nannte er Karlheinz Stockhausens Gesang 

der Jünglinge im Feuerofen. Demgegenüber stellte Lehmann 

Arnold Schönbergs A Survivor from Warsaw als ein Werk 

mit expliziter Thematisierung des Holocaust dar. 

Mit den Distributionsformen von Musik im Spannungsfeld 

zwischen Major Labels und individuellen 

Vermarktungsformen setzte sich Sabine Vogt (Berlin) auseinander. 

Die Majors bezeichnete sie als „konzerngebundene 

Wertschöpfungsketten“, während zum Beispiel ein DJ 

als eigenkreativer Produzent zu sehen sei. Vogt erläuterte 

die mikroökonomische Organisation der DJ-Kultur mit 

ihren Klubs und bezeichnete deren Funktion als 

„Rekontextualisierung“, als individuelle Heimat für die jeweilige 

Musik. 

Bebilderungsreich wurde dem Auditorium von Christopher 

Gangl (Graz) ein relativ unbekanntes Gebiet der Musikwissenschaft, 

die Makulaturforschung, vorgestellt. Gezeigt 

wurde, wie mittelalterliche Chorbücher und Folianten seinerzeit 

hergestellt und nun mit denselben Verfahrensweisen 

restauriert werden. Durch die damalige Papierknappheit 

wurden oft bereits beschriebene Seiten wiederverwendet, 

weshalb bei der Restaurierung von Zeit zu Zeit bisher unbekannte, 

leidlich erhaltene Schriften und Noten zu Tage 

kommen, deren Herkunft zu ermitteln versucht wird. 

Jörn Handschke (Berlin) ging „ostinaten Prinzipien in Klang 

und sozialer Gemeinschaft“ nach. Das Phänomen „Pop“ 

bezeichnete er als sich wechselseitig umstrukturierende 

Prozessualität. Alle Klanggemeinschaften besäßen ein „ohrenfälliges 

Kopplungsprinzip“, welches als 

Synchronisationsvorgabe diene. Handschke beschrieb Pop 

als eine solche klangvermittelte Gemeinschaft, eine Synthese 

aus „Ich“ und „Wir“, in die Individuen auf der Suche 

nach eigener Zeiterfahrung eintreten. Eine beherrschende 

Rolle spiele die „Chronokratie“, der „Rhythmus des Wirklichen“, 

welcher dem jeweiligen sozialen Raum seine Metrik 

gebe. 

NACHSCHLAG 

Die Kaffeepause als 

Form musikwissenschaftlicher 

Kommunikation... 

XXI

NACHSCHLAG 

In aller Form bereiten 

die damaligen DVSM- 

Vorsitzenden, Angelika 

Meißner und Simone 

Lahutta, die Abschlusssitzung 

in der vorbildlich 

organisierten Tagungs- 

Caféteria vor... 

XXII 

Musik und Struktur 

Im dritten Block „Musik und Struktur“ wurden Fragen zu 

musikalischen Gattungen, Strukturen von spezifischen Werken 

sowie methodologische Aspekte der Analyse diskutiert. 

Die erste Konnotation Wolfgang Marx’ (Dublin) zum Titel 

des Symposiums war, dass der Begriff „Form“ im Bereich 

der Musik eher etwas mit Gattungen als mit Funktionen 

von Musik zu tun habe. Betrachtungen der Form seien Betrachtungen 

der Struktur, und je individueller die Formen 

und Strukturen werden, desto unwichtiger würden Gattungen. 

Letztere beschrieb Marx als Klassifikationsschemata, 

welche die Erwartung bei der Rezeption leiten. Diese Erwartung 

werde jedoch nie ganz durch Erfahrung überschrieben. 

Markus Gärtner (Wilhelmshaven) ging der Motivation nach, 

die Franz Liszt dazu bewegte, einigen seiner Werke Programme 

hinzuzufügen. Laut Gärtner wollte Liszt, dem Kreativität 

als göttliche Eingebung galt, die Ergebnisse dieser 

Eingebung einer breiteren Masse zugänglich machen, um 

diese moralisch zu erheben. Die Programme sollten demnach 

die Musik zum Transport bestimmter Gefühlszustände 

funktionalisieren, welche prozessual aufeinander folgen und 

in der Apotheose gipfeln. 

Ein weiteres Mal wurde Schönbergs A survivor from Warsaw 

von der US-Amerikanerin Amy Lynn Wlodarski (Rochester/ 

New York) thematisiert. Sie untersuchte die kompositionstechnische 

Anlage des Stücks unter Einbeziehung von 

Schönbergs eigenen Äußerungen und dessen Vokabular. So 

spielen laut Wlodarski die Begriffe „Erkennen“ und „Wiedererkennen“ 

eine wichtige Rolle, welche die auf Englisch 

Referierende in der deutschen Form aussprach. Musikalisch 

werde „Erkennen“ und „Wiedererkennen“ durch Wiederholung 

von Fragmenten des „Gedankens“ bewerkstelligt. 

Anhand ihrer Analyse zeigte Wlodarski die musikalische 

Unterdrückung des „Gedankens“ als Symbol für einen 

Erinnerungs- beziehungsweise Gedächtnisprozess. 

Martin Pfleiderer (Hamburg) stellte am Phänomen des 

„Groove“ exemplarisch mögliche Forschungsansätze der 

systematischen Musikwissenschaft dar, wobei als „systematisch“ 

in diesem Kontext der Zusammenhang der verschiedenen 

interdisziplinären Ansätze zu verstehen sei. Als Dimensionen 

des Begriffs „Groove“ nannte er Struktur, 

Bedeutung, Emotion und sozialen Kontext. Wenig erforscht 

sei in diesem Zusammenhang vor allem die Wahrnehmung 

rhythmischer Spannungen. 

Im abschließenden Vortrag der Tagung ging Andreas 

Schoon noch einmal direkt auf das Bauhaus ein. Als der 

Bauhaus-Kunst insgesamt zukommende Eigenschaft be-

zeichnete Schoon ihre Entstehung unter dem Vorzeichen 

der Funktionalität. Vereinigende Prinzipien seien hier 

Synästhesie, das Verschwimmen von Zeit und Raum sowie 

das der Abstraktion. Eine Bauhaus-Musik müsste, so 

Schoon, avantgardistisch, aber dennoch eine für jedermann 

gedachte sein. In der auf den Vortrag folgenden Diskussion 

wurde lebhaft spekuliert, wie eine solche Musik denn 

klingen könne, welches die klanglichen Entsprechungen zu 

allgemeinen Formen wie Dreieck, Quadrat und Kreis sein 

könnten. 

Es erwies sich dennoch, dass das Diktum „form follows 

function“ nicht nur auf Mobiliar, sondern auf annähernd 

alle berührten Themenbereiche übertragbar ist – sogar auf 

die Universität selbst. Auch deren Umstrukturierung im 

Zuge der Einführung des Bachelor-/Master-Systems, die 

Zusammenlegung von Fachbereichen und die Streichung 

von kleinen Fächern wurde thematisiert. Ob die Form der 

Universität jedoch bisher strikt ihrer Funktion folgte oder 

in Zukunft folgen wird, blieb selbst durch den Vizepräsidenten 

der Universität Hamburg Prof. Dr. Holger Fischer 

unbeantwortet. 

Der Symposiumsbericht mit einem Großteil der Beiträge 

ist bereits im von Bockel Verlag 2005 erschienen. 

Carsten Neubauer (carmaneu@gmx.de) 

DVSM-News direkt und hochaktuell 

Einfach und unkompliziert mit der eigenen eMail-Adresse 

in die DVSM-Mailinglist eintragen: 

http://www.dvsm.de/html/mailingliste.html 

DVSM-Symposium 2006 in Deiner Stadt!? 

Für das 21. Internationale Studentische Symposium des DVSM e.V. 

suchen wir Euch, ein engagiertes Team, das das Symposium in seiner 

Stadt/an seinem Institut ausrichten möchte! 

Wir, der Dachverband der Studierenden der Musikwissenschaft 

e.V., initiieren als studentischer Verband seit 1994 

jährlich ein internationales studentisches Symposium – von 

und für Studierende und Nachwuchswissen-schaftlerInnen. 

Unsere Symposien... 

...sind international und interdisziplinär ausgerichtet. 

...werden inhaltlich von ca. 15-20 studentischen Referent- 

Innen aus dem In- und Ausland gestaltet. 

...werden von durchschn. 120 TeilnehmerInnen besucht. 

...dauern im Schnitt 2-3 Tage. 

...wurden bisher vom Bundesministerium für Bildung und 

Forschung (BMBF) gefördert. 

...und deren Teams werden vom DVSM e.V. gecoached und 

unterstützt. 

Für nähere, unverbindliche Informationen besucht uns im 

Internet unter www.dvsm.de oder schickt eine eMail an 

vorstand@dvsm.de. Euer grobes Veranstaltungskonzept mit 

Themenvorschlag sendet bitte bis zum 18.09.2005 an den 

Vorstand des: 

DVSM e.V. 

c/o Musikwissenschaftliches Seminar 

Adenauerallee 4-6 

D-53113 Bonn 

DVSM AKTUELL 

Wir freuen uns, Euch 

und Eure Ideen kennen 

zu lernen! 

Für Fragen wendet 

Euch direkt an den Vorstand: 

vorstand@dvsm.de. 

XXIII

NACHSCHLAG 

XXIV 

Musiktheaterwissenschaft 

Eine interdisziplinäre Herausforderung? 

17. Internationales Studentisches Symposium des DVSM e.V. am 

Institut für Musikwissenschaft der Ruhr-Universität Bochum, 2. bis 

5. Oktober 2002. 

Verharrt die Musiktheaterwissenschaft in ihren internen 

fachlichen Strukturen oder nimmt sie den mittlerweile geforderten 

und notwendigen Blick über den eigenen Tellerrand 

als qualitativen Anspruch ernst? Die Realität dieser 

musikwissenschaftlichen Disziplin wollten die 

OrganisatorInnen des 17. DVSM-Symposiums diskutieren 

und erhielten neben einer eindeutigen Zustimmung zum 

Bedarf von Interdisziplinarität höchst unterschiedliche Beispiele 

ihrer Anwendung auf Sujets der Musiktheaterwissenschaft. 

Das Symposium eröffnete mit seinem 

Diskussionsstil, vor allem aber durch die präsentierten 

Forschungsansätze jungen MusikwissenschaftlerInnen sowohl 

hochschulpolitische, als auch inhaltliche Perspektiven. 

Werke im Fokus 

Die Beiträge des ersten Teils des Symposiums konnten thematisch 

fast übergreifend unter dem Motto „Werkanalyse 

in der Musiktheaterwissenschaft“ gefasst werden: 

Ulrike Anton (Wien) verfocht in ihrem Vortrag „Viktor 

Ullmann, Der Kaiser von Atlantis“ die These, Inszenierungen 

des im KZ Theresienstadt entstandenen Werkes seien nicht 

ausschließlich in den Zusammenhang des Nationalsozialismus 

zu stellen. Das Sujet der Oper greife vielmehr die zentrale 

Frage nach dem Sinn des Lebens auf. Jedoch stehe 

einer solchen weitergreifenden Interpretation, die – vor allem 

auch medial vermittelte – „Promotion“ des Kaisers als 

sogenanntes KZ-Stück entgegen. In die Erforschung und 

Beurteilung Ullmanns Schaffen sei auch der Kontext der 

Steiner’schen Lehre mit einzubeziehen, was bisher, so Ulrike 

Anton, von künstlerischer als auch von wissenschaftlicher 

Seite kaum berücksichtigt werde. 

Kristina Wille (Hamburg) stellte in ihrem Vortrag „Das 

Lehrstück Der Neinsager von Reiner Bredemeyer als Beispiel 

eines musikalisch-theatralischen Typus’ politisch engagierter 

Kunst“ den Neinsager als komplementäres Nachfolgewerk 

zum Jasager von Kurt Weill vor. Die politisch motivierte 

Gattung der Lehrstücke rückt den Umgang mit lang 

tradierten Bräuchen, ihren Bezug zum Kollektiv und die 

Reaktion des Individuums thematisch in den Vordergrund. 

Kristina Wille hob vor allem das generelle Defizit der musikwissenschaftlichen 

Forschung in der Beschäftigung mit 

Werken nach 1945 hervor. Lehrstücke würden, wenn überhaupt, 

eher von der Theaterpädagogik wahrgenommen. Die 

Musik(theater)wissenschaft berücksichtige dagegen in ihrem 

Forschungskanon gerade nicht aktuelle Bezüge, die 

beispielsweise die beiden Werke Der Jasager und Der Neinsager 

durchaus transportieren. Im anschließenden Gespräch 

wurde im Auditorium die Frage nach der Aktualität der 

musiktheatralischen Form des Lehrstücks kontrovers diskutiert. 

Ist ein übergreifender gesellschaftlicher Kontext, 

vergleichbar dem der Weimarer Republik, gegeben, oder 

eignet sich das Lehrstück heute eher für praxisorientiertere 

pädagogische Zwecke? 

Die Folgen der gesteigerten Rezeption von Strindbergs 

Texten, welche vor allem durch die Zeitschrift „Die Fak-

kel“ in den Kreis um Arnold Schönberg getragen wurden, 

beschrieb Florian Heesch (Köln) in seinem Beitrag. Er bezeichnete 

Strindberg als „denkerisches Vorbild“ für Schönberg, 

wobei der Komponist die Elemente des Mystischen 

und Halluzinatorischen konkret in seinem musiktheatralischen 

Werk Erwartung im Vergleich zu Strindbergs 

Vorlage Traumspiel noch verstärkt hervor hob. Heesch betonte 

aber, dass das Strindberg’sche Konzept für Szene und 

Text von Schönberg nicht nur übernommen, sondern darüber 

hinaus noch erweitert wurde – um Strindbergs Intention 

gemäß zu versuchen, das sogenannte Unbewusste darzustellen. 

Christine Siegert (Hannover) sprach in ihrem Vortrag über 

„Die Oper in der Toskana in der zweiten Hälfte des 18. 

Jahrhunderts – Zur Verbreitung der Gattung auf dem Lande“. 

Obwohl sich die Recherche aufgrund der spezifischen 

Quellenlage laut Siegert schwierig gestalte, zeichnete sie 

anhand von Presseberichten ein sehr detailliertes Bild der 

Spielplankonzeption der kleineren italienischen Gemeinden 

nach. Zudem berichtete sie über die Theater- und 

Kulturpolitik der toskanischen Fürsten, die sich mit 

Stattgebung oder Ablehnung von Bühnengenehmigungen 

zwischen wirtschaftlichem Wachstum einer Region oder der 

Verhinderung der damals empfundenen „moralischen 

Verlotterung“ (durch die Anwesenheit der Künstlertruppen) 

entscheiden mussten. 

Interdisziplinarität und Methodik 

Im zweiten Teil der Tagung wurden Vorträge präsentiert, 

die sich unter dem gemeinsamen Nenner 

„Interdisziplinarität und Methodik der Musiktheaterwissenschaft“ 

fassen lassen. So berichtete Karin Stöck (Halle/Saale) 

in ihrem Vortrag – „Das Phänomen Szenische 

Kammermusik im Schnittpunkt von Musik- und Theaterwissenschaft“ 

– über die Bildung des Arbeitsbegriffs „szenische 

Kammermusik“ in der DDR. Als ein Beispiel von 

bewusst gestalteter Theatralität von Musik und deren latent 

vorhandener politischen Aussage führte sie Missa nigra 

von Friedrich Schenker an (UA 1978 in Leipzig). Missa nigra 

sprengt bewusst die Grenzen der Gattung und bewegt sich 

in Richtung eines szenischen Werkes. Die Form der Schwarzen 

Messe wird hier als Protestform (aus aktuellem Anlass 

zum Bau der Neutronenbombe) genutzt. Karin Stöck präsentierte 

so einen spezifischen Fall, für dessen Erfassung 

die Methoden der Musiktheaterwissenschaft einen gewissen 

Grad an Heterogenität aufweisen müssen, um die Ganzheit 

eines Werkes in der Analyse angemessen zu berücksichtigen. 

Tatjana Böhme-Mehner (Leipzig) hielt einen Vortrag über 

„Niklas Luhmanns systemtheoretischen Ansatz – Eine 

Chance für die Opernforschung?“, in dem sie die Potenziale 

des Systembegriffs für Kunst/Musik vor allem in dessen 

Teilaspekt „Kommunikation“ sah. 

Kordula Knaus (Graz) formulierte die aktuelle Aufgabe der 

Musiktheaterwissenschaft als Darstellung von Zusammenhängen 

zwischen szenischem Geschehen und seinem unweigerlich 

existenten intellektuellen Überbau. Regietheater 

sei Spiegel der Zeit, indem es nach immer neuen Ausdrucksformen 

und dazugehörigen theoretischen Konzepten suche. 

Als Beispiel in ihrem Vortrag „Musikwissenschaftliche 

Forschungsansätze in fremdem Terrain – Musiktheater als 

‚Regietheater’“ nannte Kordula Knaus u.a. eine Interpreta- 

NACHSCHLAG 

XXV

NACHSCHLAG 

XXVI 

tion der Götterdämmerung von Ruth Berghaus 1987 in Frankfurt 

a. M., in der feministische Ansätze zur Lösung der Personen- 

und Systemkonflikte gewählt wurden. Zwei unterschiedliche 

Frauentypen in Wagners Werk konnte Knaus 

so in ihrer Analyse herausstellen: die meist mystisch verhaftete 

Femme fatale und den gutbürgerlichen Frauentypus. 

Dorit Schleissing (Berlin) thematisierte in ihrem 

Vortrag „Produktionsdramaturgie als Beispiel angewandter 

Musikwissenschaft und interdisziplinären Arbeitens“ weniger 

die wissenschaftliche Nachbetrachtung, sondern mehr 

die vorbereitende Arbeit für eine szenische Interpretation. 

Am Beispiel von Béatrice et Bénedicte (Hector Berlioz) stellte 

sie die volle Bandbreite der dramaturgischen Arbeit in Abhängigkeit 

zur Musikwissenschaft dar. 

Annika Lindemann (Bonn) präsentierte in ihrem Vortrag 

das virtuelles Opernprojekt Virtopera von Eberhard 

Schoener. Sie schilderte nicht nur die Funktionsweise der 

Internet-Oper, deren Aufführung von insgesamt vier Akten 

sich auf verschiedene Orte und einen mehrtägigen Zeitraum 

erstreckte, sondern stellte vor allem viele Problempunkte 

der Konzeption dieses auf Interaktion mit dem 

Publikum im World Wide Web ausgelegten Werkes zur Diskussion. 

Matthias Hornschuh (Köln) leitete anschließend einen 

Workshop zum Thema „Film – Musik? Das ‚besondere 

Verschwinden der Musik’ in Filmtheorie und -praxis“, der 

plastisch vor Augen führte, welche Potenziale in der wissenschaftlichen 

Betrachtung von Filmmusik liegen. Wird 

Filmmusik von der Musikwissenschaft bisher eher als Zugabe 

zum Film, zum visuellen Produkt betrachtet, so zeigte 

Matthias Hornschuh eindrucksvoll, wie Kino mit den Worten 

von Tom Tykwer „die Hochzeit von Musik, Ton und 

Bild“ sein kann. Ästhetische, psychologische, 

wahrnehmungstheoretische, aber auch wirtschaftliche 

Aspekte rückte Hornschuh in seinem mit Beispielen reich 

gespickten Vortrag in den Mittelpunkt. 

Musical als Schlusspunkt 

Der dritte Schwerpunkt des Symposiums war der 

Interdisziplinarität im besonderen Bezug zum Musical gewidmet. 

Frédéric Döhl (Berlin) beschrieb „Die multikulturelle Anlage 

der West Side Story“ und untersuchte deren Elemente 

wie Choreografie, Dramaturgie, Musik und Text im Hinblick 

auf interdisziplinäre Fragestellungen. 

Astrid Demand-Schnitzer (Hamburg) hielt einen Vortrag 

zur Frage „Welche Verbindung besteht zwischen der deutschen 

Musicalszene und der Musik- bzw. Theaterwissenschaft?“. 

Im Gegensatz zu Oper und Theater stehe 

bei der Musical-Produktion in erster Linie der Faktor Wirtschaftlichkeit 

im Vordergrund. Ein weiterer Unterschied 

ergebe sich durch die Rezeptionshaltung des Publikums. 

Musical werde als Erlebnisangebot wahrgenommen und 

eben nicht als Faktor der sogenannten kulturellen Bildung. 

Neben den Vorträgen diskutierten die TagungsteilnehmerInnen 

mehrfach über die Situation der 

Musik(theater)wissenschaft vor allem in deutschsprachigen 

Ländern. So standen besonders die Einführung der 

Bachelor/Master-Studienabschlüsse und deren Vor- und 

Nachteile in Bezug auf eine eigenständige Musikwissenschaft 

auf der Tagesordnung. Auf der Vollversammlung

des DVSM e.V. konnten dann die Diskussionsergebnisse 

zu einer Resolution des Verbandes bezüglich der neuen 

Abschlüsse Bachelor und Master zusammengefasst werden. 

Ausgewählte Vorträge erscheinen als Essays in der 

Frankfurter Zeitschrift für Musikwissenschaft (weitere Informationen 

siehe unten). 

Lydia Grün (querstand@dvsm.de) 

Artikelserie über Musiktheaterwissenschaft 

Beiträge des Bochumer Symposiums 2002 als 

Online-Publikation in der FZMw 

In loser Folge veröffentlicht die Frankfurter Zeitschrift für 

Musikwissenschaft (FZMw) die Beiträge des Bochumer 

DVSM-Symposiums. Zum ersten Mal in der mittlerweile 

fast 20jährigen Tradition der studentischen Tagungen werden 

Beiträge der ReferentInnen in Form einer Online-Publikation 

herausgegeben. Zu diesem Vorgehen hat sich das 

Bochumer Organisationsteam entschlossen, da das Medium 

Internet dem interessierten Leser ein zeit- und ortsunabhängiges 

Angebot der Artikel verschafft: Jeder Text kann 

kostenlos heruntergeladen werden, entweder direkt auf der 

FZMw-Website (http://www.fzmw.de/) oder aber im PDF- 

Format zum Lesen und Ausdrucken im Offline-Modus. 

Spezielle Fachfragen zu den einzelnen Artikeln können direkt 

und unkompliziert via eMail mit den AutorInnen selbst 

geklärt werden. 

Im Zentrum der Bochumer Tagung „Musiktheaterwissenschaft 

– eine interdisziplinäre Herausforderung?“ 

stand die Kernfrage um die akademische Realität der 

Musiktheaterwissenschaft. Aus allen Bereichen des Musiktheaters 

kamen im Oktober 2002 WissenschaftlerInnen und 

PraktikerInnen in Bochum zusammen und beleuchteten die 

Facetten des Musiktheaters mit vielfältigen Beiträgen und 

lebhaften Diskussionen (siehe ausführlicher Bericht und 

Themen der Vorträge S. 24). Durch die unterschiedlichen 

Ansätze und Herangehensweisen konnte ein umfassendes 

Panorama der deutschsprachigen Musiktheater-Landschaft 

gezeichnet werden, was zum Fazit der Tagung führte: Interdisziplinäres 

Arbeiten hat sich seit den 1960er Jahren in 

der Musiktheaterwissenschaft etabliert und geht heute über 

den Status einer bloßen Worthülse weit hinaus, was die Beiträge 

der jungen WissenschaftlerInnen eindrucksvoll zeigen. 

In der FZMw sind bisher folgende Beiträge erschienen: 

- Kordula Knaus, „Musikwissenschaftliche Forschungsansätze 

auf fremdem Terrain: Musiktheater als ‚Regietheater’“. 

- Christine Siegert, „Oper in der Toskana in der zweiten 

Hälfte des 18. Jahrhunderts: Zur Verbreitung der Gattung 

auf dem Lande“. 

- Kristina Wille, „Das Lehrstück Der Neinsager von Reiner 

Bredemeyer als Beispiel eines musikalisch-theatralischen 

Typus’ politisch engagierter Kunst“ (geplant). 

Mirjam Probst 

NACHSCHLAG 

Frankfurter Zeitschrift für 

Musikwissenschaft 

hrsg. von A. Förger, C. 

Gresser, W. Krebs u.a. 

ISSN 1438-857X. 

Erscheint seit 1997. 

http://www.fzmw.de/ 

XXVII

WWW-TIPP 

Online-Tutorial „Archive“ 

www.lehre.historicum.net/architutorial 

Ein Schleier der gelüftet 

wird...Die Phantasie-Figur 

Archivarius Lindhorst 

von E.T.A. 

Hoffmann steht noch 

für ein romantisiertes 

Berufsbild des Archivars 

(Holzschnitt von Hermann 

Burkhardt). 

XXVIII 

Die Gebrauchsanleitung für Archive von Martin Burkhardt nimmt jedem 

Anfänger die Berührungsangst vor vermeintlich staubigen Abgründen 

und ergänzt gleichzeitig das Wissen jedes Archiv-Erfahrenen 

um praktische Hinweise. 

Als praktischer Leitfaden für den Einstieg in die Quellenrecherche 

versteht sich das Online-Tutorial „Archive“, das 

unter der URL www.lehre.historicum.net/architutorial zu 

finden ist. Das Tutorial wendet sich vor allem an junge Semester, 

Studienanfänger und Archivunkundige und erklärt 

das Archivwesen in Deutschland von der Pieke auf. Aber 

auch Fortgeschrittene finden in der Gebrauchsanleitung 

viele praktische Hinweise, um ihr Wissen über Archivrecherche 

zu vervollkommnen. Ein Klick ins Tutorial lohnt 

sich also für jeden, besonders auch für Lehrende, die ihren 

StudentInnen einen praxisorientierten Überblick bieten 

wollen! Das Archiv-Tutorial gliedert sich in sieben Kapitel 

und beginnt wie eine herkömmliche Gebrauchsanleitung 

mit einer groben Definition „Was ist ein Archiv?“. In einer 

locker-flüssigen Sprache erläutert der Autor, selbst Archivar, 

die Details, die für das Verständnis des Archivwesens 

in Deutschland notwendig sind, und definiert die wichtigsten 

Fachbegriffe. Die kurzen Abschnitte werden mit Abbildungen 

ergänzt, was den Textfluss entscheidend auflokkert 

und das Erläuterte plastisch für den Leser macht. Auch 

das zweite Kapitel zu Archivarten und -trägern zählt noch 

zum Grundwissen, das immer mit direktem praktischen 

Bezug mit vielen Beispielen vermittelt wird. Kapitel vier 

zeigt dem Leser den Weg „Von der Frage zur Quelle“ Schritt 

für Schritt auf und umschifft auch nicht die Schwierigkeiten 

einer Archivrecherche (bspw. die hohe erforderliche 

Frustrationstoleranz und das meist miserable Verhältnis 

zwischen Zeitaufwand und quantitativem Ertrag). Die beiden 

letzten Abschnitte des Online-Tutorials behandeln die 

Varianz der Archivquellen (vom Text bis zu musealen Gegenständen), 

die Frage der Nutzungsrechte und Sperrfristen. 

Im letzten Kapitel folgen als Service Hinweise auf 

weiterführende Lektüre und Links zu anderen Webseiten. 

Positiv auch: Der Autor ist für Rückfragen über eMail zu 

erreichen! Das Online-Tutorial von Martin Burkhardt besticht 

durch seine Praxisnähe, die flüssige Schreibe und das 

durch die vielen eingeflochtenen Beispiele leicht zu rezipierende 

Grundwissen rund um das Archivwesen. Es ist 

nicht nur jedem Archiv-Laien zu empfehlen! 

Lydia Grün (querstand@dvsm.de)

Impressum 

Herausgeber: 

Dachverband der Studierenden der Musikwissenschaft e.V. 

Schriftleitung: Lydia Grün (querstand@dvsm.de) 

Satz: Lydia Grün 

Druck: @business, Prenzlauer Allee 174, 10409 Berlin 

ISSN 1861-3055 Jahrgang 10, Heft 13, SS 2005 

Querstand online (ISSN 1861-3063): www.querstand.dvsm.de 

Der Querstand ist die Verbandszeitschrift des DVSM e.V. 

und erscheint im halbjährlichen Turnus in gedruckter Form 

als auch als Online-Publikation. Jedes Mitglied des DVSM 

e.V. erhält den Querstand kostenfrei per Post zugesandt. Die 

Mitgliedschaft im DVSM e.V. ist für einen geringen Jahresbeitrag 

von 5,00 € möglich. Sollte Ihnen Ihr Exemplar nicht 

per Post zugegangen sein, so bitten wir um Rückmeldung 

unter mitgliederbetreuung@dvsm.de. 

Dachverband der Studierenden der Musikwissenschaft e.V. 

c/o Rheinische Friedrich Wilhelm Universität 

Musikwissenschaftliches Seminar 


53113 Bonn 

Website: www.dvsm.de 

eMail: info@dvsm.de 

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bitte an folgende Adressen senden: 

Querstand 

c/o Lydia Grün 

Christburger Str. 28 

10405 Berlin 

Fon: +49 (0) 30 - 44 04 80 95 

Fax: +49 (0) 30 - 44 32 48 50 

eMail: querstand@dvsm.de

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Fax: 0228 / 737 464 

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...Freie Opernszene in Wien 

...20 Jahre DVSM-Symposien 

...Musik und Bildende Kunst: Olga Neuwirth

Querstand Nr. 13 Jg. 10 SS 2005 - Querstand - Zeitschrift für junge ...

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