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1311 Nr. 77
Kunstmagazin.de

Editorial
Text: Julika Nehb
Übergänge – oder, wie es im Kunstjargon heißt, Transformationen
– von einem Zustand in einen anderen bestimmen
das Leben ebenso wie die Kunst. Dort werden grundlegende
Veränderungen, die Künstler in soziopolitischen,
persönlichen oder kunsthistorischen Zusammenhängen
wahrnehmen, in entsprechenden Ausdrucksformen und
ungewohnten Perspektiven reflektiert – und weisen dabei
auf Vergangenes, Bestehendes und Zukünftiges.
Im Werk des venezolanisch-belgischen Künstlerpaares
Carla Arocha & Stéphane Schraenen tauchen immer
wieder verspiegelte Oberflächen auf, die ihr Umfeld absorbieren
und eine andauernde Verschiebung von Raumund
Selbstwahrnehmung provozieren. Genauso interessant
ist aber auch, welche ihrer Objekte nicht reflektieren
– und warum. In sorgsam choreografierten Ausstellungen
legen die beiden allerdings auch inhaltliche Bezüge
bloß, die weit über physische Wahrnehmungsfragen hinausgehen.
“What Now?” ist der quasi-programmatische
Titel ihrer aktuellen Schau in Berlin.
„Kein Stoff, kein Material, keine Technik vermag unser
sinnliches wie auch mentales Dasein so universell zu berühren
wie das Textile, und das gerade in einer Zeit, die
durch die zunehmende Virtualisierung immer unsinnlicher
zu werden droht.“ Mit diesen Worten leitet das
Kunstmuseum Wolfsburg die Ausstellung „Kunst und
Textil“ ein, die bis zum 2. März 2014 läuft. SEPIA, das Institut
für Textile Künste, erforscht die Behandlung des vom
Kunsthandwerk eingenommenen Materials und die unterschiedlichen,
kulturell vielfältig besetzten Techniken,
und wie diese ihren Weg in die zeitgenössische Kunst
finden. Unsere Autorin Steffi Weiss beschäftigt sich seit
geraumer Zeit mit dem Phänomen des Textilen in der
Kunst. Sie stellt die Arbeit des Instituts im Spannungsfeld
von Kunsthandwerk und freier Kunst vor und spannt dabei
einen Bogen von der Urzeit bis ins Jahr 2013, in dem
so viele Ausstellungen zum Textilen in der Kunst gezeigt
werden wie nie zuvor.
Translation: Brian Poole
Changes from one state to another—or “transformations,”
as they’re called in art jargon—hold sway over both
life and art. The fundamental changes, which artists perceive
in socio-political, personal or art-historical contexts,
are reflected in their corresponding expressive forms and
unusual perspectives, thus alluding to what has past, to
what remains, and to what will be in the future.
Mirrored surfaces appear again and again in the works
of the Venezuelan and Belgium artist-duo Carla Arocha
& Stéphane Schraenen, the surfaces absorbing their surroundings
and provoking a continual displacement of
spatial and self perception. Just as interesting are those
objects in their works that don’t reflect anything—and
why they don’t. In their carefully choreographed exhibitions,
both these aspects of their works are exposed, leading
to questions that extend well beyond mere physical
perception. “What Now?” is the quasi-programmatic title
of their current exhibition in Berlin.
“No fabric, no material, and no technique can touch our
sensual and mental existence as universally as the textiles
do—and this in an age that threatens to become less
and less sensual in the ever increasing wake of virtualisation.”
These are the words the Kunstmuseum in Wolfsburg
chose to introduce their exhibition of “Art & Textiles”—an
exhibition due to run until the 2nd of March
2014. SEPIA—The Institute for Textile Arts studies the
treatment of the materials used in craftworks and their
various culturally defined techniques, as well as how these
techniques find their way into contemporary art. Our
author Steffi Weiss has been interested in the phenomenon
of textiles in art for quite some time. She sees the
work of the Institute in the tension between craftwork
and fine art, thus tracing a path from prehistoric times to
the year 2013, when more exhibitions on textiles in art are
being shown than ever before.
Ihre KunST Magazin Redaktion
Your KunST Magazine Team
3

Inhalt
Content
Ausstellungsbesprechung: What Now? von Carla Arocha & Stéphane Schraenen
Review: What Now? by Carla Arocha & Stéphane Schraenen
Julika Nehb .......................................................................................................................................................................................... 6
Die Wiederentdeckung des Textilen. Was fasziniert Künstler heute an der Urtechnik?
Steffi Weiss .........................................................................................................................................................................................12
Büchervorstellungen
Book Reviews ......................................................................................................................................................................................16
Ausstellungshinweise
Gallery Announcements ................................................................................................................................................................ 22
Diesen Monat auf kunstmagazin.de
Announcements ...............................................................................................................................................................................38
Impressum
Imprint ................................................................................................................................................................................................38
Bildnachweise
Titelbild: Carla Arocha and Stéphane Schraenen: Memory I (Detail); 2013; Steel and glass mirror / Stahl und Spiegel; 135 x 300 x 165 cm
Courtesy: Galerie Isabella Czarnowska, Berlin © Pieter Huybrechts
VG Bild-Kunst Bonn, 2013 für: Anni Albers, Hans-Peter Adamski, Anna Blume, Bernhard Blume, Costantino Ciervo, Gregor Cürten, Federico Fellini,
Peter Freitag, Pieter Huybrechts, Ludwig Mies van der Rohe, Thomas Nyqvist, Manfred Schieber, Thomas Schütte, Chiharu Shiota, Andrea Stappert,
Mark Tobey, Herbert Zangs
4
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What Now?
Text: Julika Nehb
What Now? Das bleibt natürlich unbeantwortet. Die
Frage verweist nicht nur auf einen akuten Zustand von
Ratlosigkeit angesichts eines vergangenen Ereignisses
mit ungewissen Konsequenzen. What Now? impliziert
einen gedehnten Moment des Innehaltens, ist aber
auch als Aufforderung zu verstehen, sich zu beteiligen
und sich mit geschärfter körperlich-sinnlicher, intuitiver
und intellektueller Aufmerksamkeit durch die Ausstellungsräume
zu bewegen. Die abstrakten und abstrahierten
skulpturalen Objekte des venezolanisch-belgischen
Künstlerpaars Carla Arocha & Stéphane Schraenen, die
in der Galerie Isabella Czarnowska in Berlin zum ersten
Mal gezeigt werden, entfalten in einem poetischen Spiel
der Wahrnehmung gegensätzliche Eigenschaften: Materialität
steht Immaterialität, die physische Präsenz des
Gegenstands seiner geistigen Vorstellung gegenüber.
Ausgangspunkt ihrer Arbeiten sind oft, nicht immer,
Fotografien profaner, alltäglicher Gegenstände, deren
Funktionalität und Individualität während des künstlerischen
Transformationsprozesses soweit reduziert
wird, bis nur noch die ursprüngliche Idee vorhanden
ist. Bewusst unterdrücken Arocha & Schraenen künstlerische
Handschrift und individuellen Gestus durch die
Verwendung industrieller Herstellungsverfahren und
einer modularen bzw. seriellen Gestaltungsweise. Die
Objekte verführen den Betrachter mit weichen glänzenden
Oberflächen wie Stahl, Spiegel, Emaille: Ein nicht
zu unterschätzender Aspekt in der Arbeit von Arocha
& Schraenen ist die Vergegenwärtigung innerer Vorstellungen
von vollendeter Form, Reinheit und erfüllter
Leere, in der die begrifflich schwer fassbare Erfahrung
von Schönheit und Erhabenheit veranschaulicht wird.
Den Auftakt macht eine Tapete mit einer zarten abstrakten
Ornamentik, die so raffiniert installiert ist, dass sie
den Eindruck erweckt, der gesamte Ausstellungsraum
sei tapeziert. „Surrounded“ ist Weiß auf Weiß gedruckt
und bringt sich so beinahe selbst zum Verschwinden. Der
Betrachter muss schon genauer hinsehen und fühlt sich
prompt an Experimente zu physiologischen und psychologischen
Prozessen des Sehens erinnert. Solche visuellen
Erfahrungen in der Kunstbetrachtung kennt man
von Op-Art und Retinal-Art. Ihr Kern liegt bei Josef Albers
Lehre der Farbwirkung, die dem Ziel diente, uns die Bedingtheit
unserer Wahrnehmung vor Augen zu führen.
Translation: Judith Rosenthal
What Now? Naturally, that question remains unanswered.
It not only points to an acute state of perplexity
in view of a past occurrence with uncertain
consequences. What Now? also implies an extended
moment of pause for reflection, and at the same time
an invitation to understand, to get involved, and to
move through the exhibition rooms with heightened
physical-sensorial, intuitive and intellectual alertness.
In a poetic escapade of perception, the abstract and abstracted
sculptural objects of Carla Arocha & Stéphane
Schraenen being shown in the Gallery Isabella Czarnowska
in Berlin for the first time develop contradictory
qualities: materiality is juxtaposed with immateriality;
the object’s physical presence with its mental idea.
The point of departure for their works is often, not
always, photographs of mundane, everyday objects
whose functionality and individuality are reduced during
the artistic transformation process to the point
where only the original idea remains. Arocha & Schraenen
consciously suppress personal, individual gesture
by frequently using industrial production methods
and modular or serial systems. The objects lure the
viewer with soft, shiny surfaces such as steel, mirrors,
or enamel. An aspect of the work of Arocha & Schraenen
not to be underestimated is the ideation of inner
conceptions of consummate form, purity, and an
abounding emptiness which visualizes the experience
of beauty and sublimity otherwise so difficult to grasp.
Wallpaper with a delicate, abstract pattern forms
the prelude, so cleverly installed that the entire exhibition
room appears to be papered. “Surrounded”
is white printed on white, and thus nearly causes itself
to disappear. The viewer must take a closer look,
and experiments on physiological and psychological
sight processes promptly come to mind. Through
Op Art and Retinal Art, we are familiar with visual
experiences of this kind in the contemplation of art.
They can be traced back to Josef Albers’s theory of
the effect of colour, which served as a means of demonstrating
to us the contingency of our perception.
The airily and subtle artistic articulation emphasizing
emptiness and blank spaces continues in the steel
sculpture “Memory I”, whose shape is modelled on three
Die luftig-subtile künstlerische Artikulation, die Leere
und Leerstellen betont, setzt sich in der Stahlskulptur
„Memory I“ 1 fort, deren Gestalt drei einfachen Regalskeletten
nachempfunden ist. Diese stehen jedoch nicht
etwa an einer Wand, sondern liegen teils verbogen und
übereinander arrangiert auf dem Boden. Zwangsläufig
fragt man sich weshalb, tritt näher heran – und begegnet
zunächst sich selbst. Die Oberflächen von „Memory I“ sind
verspiegelt. Klassischerweise suggerieren Spiegel eine
Ausdehnung des Raumes; doch Arocha & Schraenen
destabilisieren den Raum und lassen ihn und alles, was
sich in der Oberfläche spiegelt, in den vielfach gebrochenen
Flächen der Skulptur verschwinden. Das Verlangen
des Betrachters, sich seiner selbst zu vergewissern, wird
durch die Gestalt des Objekts unterbunden. Spiegel tauchen
immer wieder im Werk von Arocha & Schraenen
auf. Damit setzen sie künstlerische Strategien aus den
späten 1960er-Jahren fort, als sich Spiegel zur Oberfläche
par excellence entwickelten. 2 Die Illusion von Leere
oder Transparenz des Spiegels steht in Kontrast zu seiner
massiven Materialität; „Memory I“ wirkt fast schwerelos.
1 Als Vorbild für die Arbeit diente eine Fotografie von drei deformierten
Regalen auf den Straßen New Yorks nach dem Hurrikan Sandy; das
Künstlerpaar hatte sich zu dieser Zeit dort aufgehalten.
2 „Mirror, Mirror. Then and Now“, Curated by Ann Stephen, ex. cat.,
publ. by Insitute of Modern Art, University of Sydney, 2010, S.5 ff. U.a.
Robert Morris, Joseph Kosuth, Ian Burn, Heinz Mack, Robert Smithson.
Carla Arocha and Stéphane Schraenen: Memory I, 2013, Steel and glass mirror / Stahl, Spiegel, 135 x 300 x 165 cm
Courtesy: Galerie Isabella Czarnowska, Berlin © Pieter Huybrechts
simple shelf structures. They do not stand against a wall,
however, but are arranged on the floor one on top of the
other, partially bent out of shape. Inevitably, we ask ourselves
why, move closer to the work, and encounter …
ourselves. The surfaces of “Memory I” 1 are mirrored. Mirrors
classically suggest an extension of space. Arocha &
Schraenen, however, destabilize space, and have it – and
everything reflected in the work’s exterior – disappear
in the multiply fractured surfaces of the sculpture. The
viewer’s desire to assure herself of himself is thwarted
by the object’s shape. Mirrors turn up again and again
in the Arocha & Schraenen oeuvre. With them, the duo
pursues artistic strategies of the late 1960s when mirrors
developed to become the surface par excellence. 2
The illusion of a mirror’s emptiness or transparency contrasts
with its massive materiality; “Memory I” makes
an almost weightless impression. Naturally, the work’s
title initially seems to allude to direct memory of the
kind experienced in the encounter with the second large
sculpture (“Memory II”): in a sense, the visual experience
seems to repeat itself in the exact duplicate of “Memory I”
– whose surfaces, however, are not mirrored but matt.
1 The work was modelled on a photograph of three contorted shelves lying
on the streets of New York after Hurricane Sandy; the two artists were in
the city at the time the hurricane struck.
2 Mirror, Mirror: Then and Now, curated by Ann Stephen, exh. cat. published
by Institute of Modern Art, University of Sydney, 2010, pp. 5ff. Artists such
as Robert Morris, Joseph Kosuth, Ian Burn, Heinz Mack or Robert Smithson.
6
7

Der Titel der Arbeit gemahnt natürlich zunächst an ein
unmittelbares Erinnern, wie es in der Begegnung der
zweiten großen Skulptur („Memory ii“) erfahrbar wird:
In gewisser Weise scheint sich das Seherlebnis in dem
exakten Duplikat von „Memory I“ zu wiederholen – dessen
Oberflächen allerdings nicht verspiegelt, sondern
matt sind. Doch der physiologische Prozess ist auch hier
nur die erste Stufe, evoziert der Titel schließlich auch
eine Kontemplation über die Qualität, die Vielschichtigkeit
und Unberechenbarkeit unserer Erinnerungen
– seien sie sozialgeschichtlich, kunsthistorisch, kollektiv
oder persönlich. Das Fragmentarische von Erinnerungen
wird durch die mehrteilige Arbeit „Up“ veranschaulicht,
welche selbst lediglich Fragment innerhalb der gesamten
Ausstellung bleibt: Fotografien von Raumecken
wurden in dreidimensionale Wandreliefs verwandelt,
die in ihrer Flächigkeit seltsam unentschlossen wirken.
Wiederholt thematisieren Arocha & Schraenen also,
welchen begrenzten Informationswert sowohl das reale
Ding wie auch dessen Repräsentation oder sprachliche
Formulierung im Einzelnen besitzt. Charakteristisch für
ihre Arbeit ist die Erweiterung dieses grundsätzlichen
Problems um die Dimensionen des mentalen Abbildes
und der emotionalen Verknüpfung, oder, anders ausgedrückt,
der Kategorie des „Unsichtbaren als einer Form
von Abwesenheit, die als solche zur Welt dazugehört.“ 3
3 Merleau-Ponty, Maurice: Das Sichtbare und das Unsichtbare,
Wilhelm Fink Verlag, München 2004,S. 281.
8
Carla Arocha and Stéphane Schraenen, Installation view / Installationsansicht
Courtesy: Galerie Isabella Czarnowska, Berlin © Pieter Huybrechts
Yet here again, the physiological process is only the first
stage, for ultimately the title evokes contemplation
on the quality, complexity, and unpredictability of our
memories – be they socio-historical, art-historical, collective,
or personal. The fragmentary quality of memories
is illustrated by the multipartite work “Up”, which
itself remains no more than a fragment within the
overall show: photographs of room corners have been
transformed into three-dimensional wall reliefs which
in their flatness make a strangely irresolute impression.
In other words, Arocha & Schraenen repeatedly address
themselves to the limited informational value of
both the real object and its representation or linguistic
formulation. Characteristic of their work is the expansion
of this fundamental problem by the dimensions
of the mental image and the emotional association,
or, put another way, the category of the “invisible as a
form of absence which belongs to the world as such”. 3
This is particularly evident in the work “The Box”. Here
a number of glass folding instructions for a simple
box allude to the (im)possibilities of various constructions
of reality. But what now? In the contradiction
that lies in the fact that nothing can ever be kept, hidden,
or protected in these unfinished boxes, and in
the defencelessness of the vitreous, reflecting surface,
we suddenly sense a fragile, almost tragic quality.
3 See Maurice Merleau-Ponty, Das Sichtbare und das Unsichtbare (Munich:
Wilhelm Fink Verlag, 2004), p. 281. English edition: The Visible and the
Invisible (Evanston: Northwestern University Press, 1995). (Sentence in text
translated from the German by J.R.)
Besonders sinnfällig wird dies in der Arbeit „The Box“.
Hier verweisen mehrere, genauestens aufeinandergestapelte,
gläserne Faltpläne einer einfachen Schachtel
auf die (Un-)Möglichkeiten verschiedener Wirklichkeitskonstruktionen:
Die Höhe der Glasplatten entspricht
dem gedachten Volumen der Schachtel in zusammengefaltetem
Zustand. Aber was nun? In dem Widerspruch,
dass in diesen unfertigen Schachteln nie etwas
aufbewahrt, versteckt, geschützt werden kann, und
in der Schutzlosigkeit der gläsernen, reflektierenden
Oberfläche wird plötzlich auch etwas sehr Fragiles, fast
Tragisches erfahrbar.
Die repetitiven geometrischen Grundstrukturen der
achtteilige Wandarbeit „Breath“ mögen formal Logik,
Klarheit und Objektivität anstreben; doch ist „Breath“
zugleich auch das einzige Werk in der Ausstellung, dem
eine zuvor lebende, tierische Materie zugrunde liegt.
Gegerbtes, eingefärbtes Leder findet sich bereits in zwei
früheren Werken; beide Male handelt es sich um abstrakte
Porträts. 4
Das Multiple „Framed“ bezieht sich auf 1000 Jahre
alte byzantinische Ikonen, von welchen heute nur
noch Fragmente der Rahmen erhalten sind. Ikonen
sind hochsymbolische Objekte, den Ostkirchen galten
sie als Vermittler zwischen Diesseits und Jenseits. Das
Abwesende – sowie die Trauer darum – erreicht in diesem
Werk seine wohl höchste Intensität: Schließlich
wird etwas gerahmt, was gar nicht da ist. Unter Berücksichtigung
des vergleichsweise profanen Materials
(Siebdruckverfahren auf emailliertem Plexiglas) und der
Platzierung in einem Raum, der eine sakrale Atmosphäre
hervorruft, lässt sich in der Abwesenheit des Inhalts
gar eine Sehnsucht nach transzendenten Werten lesen.
Durch eine präzise Choreografie verstärken Arocha &
Schraenen die Impulse der verschiedenen Werke in der
Anwesenheit des Betrachters. In der Ausstellung ruht
eine narrative Qualität, die im Betrachter eine Tiefenahnung
zum Klingen bringt und einen hinter den Erscheinungen
verborgenen, übergreifenden Zusammenhang
hervortreten lässt.
Carla Arocha and Stéphane Schraenen: Box (Detail), 2013, Glass, felt and
enameled pedestal / Glas, Filz und emaillierter Sockel, 66 x 117 x 105 cm
Courtesy: Galerie Isabella Czarnowska, Berlin © Pieter Huybrechts
4 „Chris“, 2006, ist dem US-Komiker Chris Farley gewidmet und an seinen
tragischen Drogentod angelehnt; „Gloria“, 2008, der Stummfilmschauspielerin
Gloria Swanson und ihrer ikonischen, dem Wahn verfallenen Rolle der Norma
Desmond in Billy Wilders „Sunset Boulevard“.
The repetitive basic geometric structures of the eightpart
wall work Breath may strive for formal logic, clarity
and objectivity, but at the same time Breath is the only
work in the exhibition based on previously living, animal
material. Tanned, dyed leather was already encountered
in two earlier works – abstract portraits in both cases. 4
The multiple Framed makes reference to thousand-yearold
Byzantine icons of which today only fragments of
the frames are extant. Icons are highly symbolic objects;
in the context of the Orthodox Church they were considered
intermediaries between this world and the hereafter.
It is in this work that the absence of a thing – and the
mourning of that absence – achieves its strongest intensity:
after all, a thing is framed which isn’t even there. In
view of the comparatively mundane material (silkscreen
on enamelled Plexiglas) and the placement in a room
that evokes a sacred atmosphere, the absence of content
can even be read as a longing for transcendental values.
Arocha & Schraenen employ a precise choreography
to reinforce the impulses of the various works in the
viewer’s presence. Within the exhibition there dwells
a narrative quality which strikes a deep chord of intuition
in the viewer and allows a hidden overall context to
emerge from behind the appearances.
4 “Chris”, 2006, is dedicated to the American comedian Chris Farley and is
modelled on his tragic drug death; “Gloria”, 2008 to the silent film actress
Gloria Swanson and her iconic role as an aging, deluded actress Norma
Desmond in Billy Wilder’s “Sunset Boulevard”.
9

Carla Arocha & Stéphane Schraenen: Framed, 2011, Silkscreen on enameled
Plexiglas / Siebdruck auf emailliertem Plexiglas, 29,5 x 24,5 cm
BeLa Edition, Courtesy: Galerie Isabella Czarnowska, Berlin © Pieter Huybrechts
Carla Arocha and Stéphane Schraenen: Up 1, 2013, Polyurethane and
acrylic / Polyurethane und Acryl, 120 x 80 x 18 cm
Courtesy: Galerie Isabella Czarnowska, Berlin © Pieter Huybrechts
CARLA AROCHA (*1961) wurde in Caracas, Venezuela,
geboren. Im Alter von 25 Jahren ging sie nach Chicago,
um von 1986 bis 1994 an der St. Xaver University, dem
School of Art Institute of Chicago und der University of
Illinois bildende Kunst zu studieren. 2006 begann die
Zusammenarbeit mit dem Belgier Stéphane Schraenen.
Carla Arocha lebt und arbeitet in Antwerpen, Belgien.
STÉPHANE SCHRAENEN (*1971) wurde in Antwerpen
geboren und lebt und arbeitet bis heute dort. Er studierte
zunächst Kommunikationswissenschaften am
Higher Institute for Communication Management of
the Province of Antwerp. 1996 wechselte er an die Royal
Academy of Fine Arts of Antwerp. Seit 2006 arbeitet er
gemeinsam mit Arocha als Künstlerpaar „Carla Arocha
& Stéphane Schraenen“.
CARLA AROCHA (*1961) was born in Caracas, Venezuela
in 1961. At the age of twenty-five she went to
Chicago, where between 1986 and 1994 she studied
visual arts at St Xavier University, the Art Institute of
Chicago, and the University of Illinois. Her collaboration
with the Belgian Stéphane Schraenen began in
2006. Carla Arocha lives and works in Antwerp, Belgium.
STÉPHANE SCHRAENEN (*1971) was born in 1971 in Antwerp,
Belgium, where he lives and works to this day. He
initially studied communications at the Higher Institute
for Communication Management of the Province of Antwerp.
In 1996 he transferred to the Koninklijke Academie
voor Schone Kunsten van Antwerpen (Antwerp Royal
Academy of Fine Arts). He and Arocha formed the artist
duo “Carla Arocha & Stéphane Schraenen” in 2006.
Galerie Isabella Czarnowska
Rudi-Dutschke-Straße 26, 10969 Berlin-Kreuzberg
bis 30.11.13, Di–Fr 11h–18h, Sa 11–16h
www.galerie-czarnowska.de
10

Lilly Reich und Ludwig Mies van der Rohe: Café Samt und Seide, 1927 (Rekonstruktion für das Kunstmuseum Wolfsburg), Foto: Steffi Weiss
Chiharu Shiota: Love Letters, 2013, Installation, Maße variabel, Courtesy ARNDT Berlin, Foto: Steffi Weiss
Die Wiederentdeckung des Textilen.
Was fasziniert Künstler heute an der Urtechnik?
tur, und noch weiter. Diesem Weg geht die Ausstellung
„Kunst & Textil – Stoff als Material und Idee in der Moderne
von Klimt bis heute“ nach, die aktuell im Kunstmuseum
Wolfsburg zu sehen ist. Kunst und Kunsthandwerk
werden in Gegenüberstellungen reflektiert;
zahlreiche Werke veranschaulichen aktuelle Beobachtungen
und Positionen zur historischen und aktuellen
Bedeutung des Textilen in der Kunst.
des Weiblichen in ihren textilen Arbeiten derart zu, dass
sie damit die Türen in die Museen aufstießen: Rosemarie
Trockels Strickbilder, Louise Bourgeois´ Riesenspinne
aus Eisen oder Mona Hatoums überraschende
Werke wie die zart schimmernde Kubus-Gardine, die
sich beim Nähertreten als Stacheldrahtinstallation entpuppt.
Diesen Frauenpositionen widmet das Kunstmuseum
Wolfsburg das Kapitel „Spiderwoman“.
Text: Steffi Weiss
Jahrtausende ist es her, dass die Menschen mit dem
Flechten von Behausungen und später mit dem Weben
von Kleidung begannen und sich durch diese Techniken
vom Naturzustand auf die Stufe der Kultur gehoben
haben. Die kulturelle Urverkettung und Ordnung der
Dinge geht dem Philosophen Hartmut Böhme zufolge
aus den textilen Techniken hervor. Ähnliches dachte
der Architekt Gottfried Semper, als er Weben und
Flechten als diejenigen Urtechniken bezeichnete, aus
der alle anderen Künste hervorgegangen sind. In der
Antike war das Weben noch der Malerei und Bildhauerei
gleichgestellt; bis zur Moderne dienten gewebte,
gewirkte oder gestickte textilkünstlerische Arbeiten
wie Vorhänge, Tapisserien und Teppiche der Ausschmückung
und Isolierung von Innenräumen oder als
Dekor von Kleidungsstücken. Figürliche Darstellungen
und das Ornament galten hier als die wesentlichen
Gestaltungs elemente. Mit der Industrialisierung löste
die Serienfertigung dann die handgefertigten Textilien
ab. Doch Gegenbewegungen ließen nicht lange auf sich
warten: Um die Jahrhundertwende erblühte in England
die Arts-and-Craft-Bewegung und in Westeuropa der
Jugendstil, 20 Jahre später entfaltete das Bauhaus in
Deutschland seine Wirkungskraft. Diese Entwicklungen
bewirkten, dass das Kunsthandwerk wieder an Bedeutung
gewann und im künstlerischen Ausdruck immer
weiter abstrahiert wurde.
Auch in der Gegenwart suchen bildende Künstler nach
Alternativen und Erweiterungsmöglichkeiten von Material
und Technik. Der Weg führt von der Tapisserie bis
zur Raumsinstallation und Textilkunst in der Architek-
Dass Textilkunst bisher wenig Beachtung fand, liegt
daran, dass die westliche Kunstgeschichte Kunsthandwerk
und freie Kunst bis heute getrennt voneinander
betrachtet. Doch seitdem das Bauhaus die
Abstraktion auch mit textilen Mitteln erprobte und
Künstler mit dem Material immer aufwendiger und
vielfältiger experimentierten, werden neue Dimensionen
erobert. International tauchen immer mehr
Biennalen (zum Beispiel in Kaunas, Litauen, 2013) und
Ausstellungen zu textilen Erscheinungsformen in der
Kunst auf – darunter führende Häuser wie das Stedelijk
Museum, das New Yorker Museum of Modern Art oder
die Kunsthalle in Bern. Dabei klebt die Vorstellung,
Weben, Nähen und Stricken sei „lediglich dekorative
Frauenkunst“, noch immer hartnäckig an der kulturgeschichtlichen
Sohle. In den Leitdiskursen der zeitgenössischen
Kunst ist die Textilkunst bisher nur stiefmütterlich
behandelt worden. Indessen spitzten jedoch
Künstlerinnen der vergangenen 30 Jahre das Klischee
Es überrascht nicht, dass das Handwerk im Zeitalter der
Digitalisierung wieder vermehrt an Bedeutung gewinnt.
Und auch in der Gegenwartskunst tritt gerade das
Textile als Material und Idee, als Textur und Netzstruktur,
wie eine greifbare Gegenwelt zum virtuellen Alltag
immer häufiger in Erscheinung. Von einem mit der
Bauhausbewegung vergleichbaren Trend oder gar einer
Renaissance des Textilen zu sprechen, wäre in der pluralistischen
Gegenwartskunst vielleicht übertrieben. Dennoch
verdient das Phänomen eine nähere Betrachtung:
Neben Wolfsburg widmen sich aktuell gleich mehrere
Gesamtausstellungen der textilen Kunst. Das Pariser
Musée d’Art Moderne de la Ville zeigt „Decorum“ und
die Neue Sammlung in München „Marokkanische Teppiche
und die Kunst der Moderne“. Beide Ausstellungen
richten den Fokus auf die Einflüsse der Avantgarde auf
die Textilkunst. Neubetrachtungen des Mediums Textil
vom Bauhaus bis heute zeigt das Städtische Museum
Abteiberg in Mönchengladbach mit dem Forschungs-
12
13

projekt „Textiles: Open Letters“. Die Kunsthalle Bielefeld
reiht sich mit der Ausstellung „To Open Eyes. Kunst und
Textil vom Bauhaus bis heute“ ein.
Diese Akkumulation führt nicht nur zur Frage, wohin
die Neubetrachtung des Textilen führt, sondern auch,
wo textile Techniken als Kunst gelehrt, erforscht und
gefördert werden. Es spricht wohl für sich, dass bisher
nur an einer einzigen Hochschule in Deutschland das
Orchideenfach „Textilkunst & Malerei“ studiert werden
kann. Professor Ulrich Reimkasten unterrichtet an der
Burg Giebichenstein Kunsthochschule in Halle/Saale
die traditionellen Techniken. Dabei spielt die Webkunst
eine zentrale und ideengebende Rolle: „Wichtig ist uns
ein Verständnis von Weberei als zivilisatorischer Faktor,
wie er sich aktuell in der prinzipiellen Verwandtschaft
von digitalen Funktionen bei Ketthoch- bzw. Ketttiefgängen
der Weberei und Nullen und Einsen der Informatik
zeigt“, heißt es im Studienangebot. Begleitet wird
das akademische Angebot seit einigen Jahren durch
das Institut für Textile Künste SEPIA, dessen vorrangige
Aufgabe darin besteht, das Textile als „neue Art von
Gebrauchskunst“ zu fördern. Dabei stehen Begriffe wie
„Textile Bilder“ oder „Gewebte Wand“ für Wunsch und Notwendigkeit
der Innovation einer großen Kunsttradition.
Auf der Suche nach der Bedeutung des Textilen in der
Kunst spannt die Wolfsburger Ausstellung den Bogen
sehr weit. Stofflichkeit wird zunächst ganz wörtlich
genommen: Dies zeigen Gemälde wie Vincent van
Goghs „Weber am Webstuhl“ oder Darstellungen von
Kleidung in Gemälden wie in Gustav Klimts „Marie
Henneberg“ und Edgar Degas´ „Die Büglerin“. Mit dem
Werk „Schweißtuch der Veronika“ von Philippe de
Champaigne wird sogar ein Ausflug ins Religiöse beziehungsweise
in die christliche Ikonografie unternommen.
Die kulturgeschichtliche Wende zum Beginn der
Moderne machen Arbeiten des Bauhauses sichtbar; das
Textile löst sich von der Wand und erobert den Raum. 1
ART TO GO !
EICHBLatt GALLERY, am Hamburger Platz-Weißensee
ART TO GO !
Eine Ausstellung der besonderen ART mit einer
interessanten Mischung aus Malerei, Zeichnung
und Skulpturen vieler Berliner Künstler.
Opening: 22.11., 19h
22.11.–20.12, Mi–Fr 16–19h, Sa 10–14h
EICHBLATT GALLERY – contemporary art
Am Hamburger Platz, Pistoriusstr. 100, 13086 Berlin-Weißensee
www.eichblatt.eu
Bemerkenswert sind dann aber vor allem die zeitgenössischen
Arbeiten. Die Installation „Love Letters“ der
japanischen Künstlerin Chiharu Shiota verwandelt den
Raum in eine Art begehbares Nest, das über und über
mit schwarzen Fäden durchzogen ist. Eingewebt in das
grobmaschige Netz hängen große computergeschriebene
Liebesbriefe. Sie locken den Besucher und fesseln
ihn mit verführerischen Worten. Zunehmend werden
im Ausstellungsparcours die Arbeiten multimedial. Sie
führen von der von Burak Arikan aufgezeigten Vernetzung
von kooperierenden Firmen auf einer Weltkarte
bis hinein ins World Wide Web. Peter Koglers begehbare
raumgreifende Netzweltinstallation, die auf der Binär-
1 So etwa mit der Rekonstruktion der Installation von Lilly Reich und Mies
van der Rohes „Café Samt und Seide“, das 1927 in der Berliner Funkhalle
als Repräsentationsstand der Deutschen Seidenwebereien anlässlich der
Messe „Die Mode der Dame“ gedient hatte und nun gleichzeitig zum Teil
der Ausstellungsarchitektur geworden ist. Siehe Abbildung Seite 12.
14 Bild linke Seite:
Digitaler Jacquardwebstuhl, Burg Giebichenstein, 2012, Foto: SEPIA
15

sprache basiert und amorphe netzartige Muster generiert,
ist eng mit dem Digitalen verstrickt. Sie ermöglicht
dem Betrachter sinnbildlich im Internet spazieren zu
gehen – und sich zugleich im scheinbar unendlichen
Feld des Textilen zu verlieren. Koglers Arbeit schließt den
Kreis insofern, als dass aus der Lochkartenweberei der
Binärcode hervorgegangen ist. Das Zusammenspiel von
Kunsthandwerk und Technik war Basis für die heutige
Programmiersprache, ohne die die moderne Welt nicht
mehr vorstellbar ist.
Die textile Stofflichkeit erscheint unerschöpflich und
crossmedial. Die Ausstellung zeigt, dass das Textile in einem
ungeheuren Facettenreichtum in der Kunst auftritt
und mit den gegenübergestellten Bildwerken ähnliche
bis vergleichbare Texturen in der Kunst der Moderne
zu finden sind. Die Bedeutung des Textilen erweist sich
hier als universell. Wenn in einer Zeit der zunehmenden
Virtualisierung das Stoffliche, das Materielle, das Textile
an Bedeutung gewinnt, weil wir davon umgeben und
umhüllt sind, dann kommt die Frage auf: Wie lässt sich
die Bedeutung des Textilen in der Kunst positionieren?
Hiermit setzt sich SEPIA auseinander. „Veränderte
Produktionsbedingungen führen zu veränderten Ansichten
von dem, was autonome Kunst, was angewandte
Kunst, was wahre Architektur ist und welche gesellschaftliche
Relevanz jeweils besteht“, so Ulrich Reimkasten.
Das Verständnis des Textilen in der Kunst ist
bei SEPIA eng verwoben mit der klassischen Tapisserie
beziehungsweise dem Gobelin und deren originären
Verbindungen zur Malerei. Deshalb ist einer der
Forschungsschwerpunkte die Frage nach dem Bildtypus
der Tapete: „Es ist ein Ideal unserer Kunstgattung, die
Wände eines Raumes oder ganzer Raumfluchten komplett
mit textilen Bildern, mit einer Bildtapete zu bekleiden.
Damit werden die üblichen Dimensionen des Einzelwerks
und Kunsthandelsobjektes überschritten und
man erreicht die 'Grenzbefestigungen zum Fürstlichen'
oder des Öffentlichen – und hier liegen vielleicht die
Übergänge zu den künftigen Möglichkeiten und zum
Begriff der Textilen bzw. Gewebten Wand.“ 2
Auch in der Ausstellung „Kunst & Textil“ spielt die
Architektur eine Rolle. Als Höhepunkt der Ausstellung
treffen die Tapisserie „La Broderie“ (1520) mit zwei
Wandteppichen von Gerhard Richter aufeinander und
ermöglichen einen direkten Vergleich traditioneller
Stickereien und Webtechniken mit modernen Mitteln
wie der Digitalfotografie. 3 Wie eng die moderne Welt
mit der Entwicklung der Textilverarbeitung zusammenhängt,
bringt der Architekturprofessor Emmanuel Petit
auf den Punkt: Seit den 1960er-Jahren verbinde „das
Leitmotiv textiler Webkunst die Vorstellung, die Struktur
selbst enthalte den Formencode für die Architektur“ 4 .
2 Professor Ulrich Reimkasten, Direktor von SEPIA – Institut für Textile
Künste e.V.: Tendenzen Textiler Künste, Grußwort, 2011
3 Denn Richter dienten als Ausgangspunkte jeweils vierfach gespiegelte
Digitalfotografien seinen abstrakten Gemäldes Nr. 724-4, 1990. Auf
textilem Untergrund (Leinwand) Gemaltes wird in das zeitgenössische
Medium der Digitalfotografie übersetzt und im nächsten Schritt durch
eine traditionelle Handarbeitstechnik ausgeführt. Vgl. Katalog „Kunst &
Textil“, Kunstmuseum Wolfsburg, Hatje Cantz, 2013, S. 271.
4 vgl. Emmanuel Petit: Architektur im Zeitalter freier Urheberschaft
– Textile Impulse seit den 60er-Jahren, Katalog „Kunst & Textil“,
Kunstmuseum Wolfsburg, Hatje Cantz, 2013, S. 80.
Der Architekt wird vom Urheber zum Geburtshelfer.
Christos Reichstagsverhüllung kann so in einem völlig
neuen Licht betrachtet werden, als er mit riesigen
Stoffbahnen das Bauwerk in eine monumentale Skulptur
verwandelte. SEPIA betont darüber hinaus jedoch
vor allem die Verbindung von künstlerischem mit
architektonischem Denken und sozialem Handeln.
Unter der Prämisse, dass Textilkunst architektonische
Räume schafft, werden vor allem anwendungsbezogene
künst lerische Praktiken aus Vergangenheit und Gegenwart
untersucht, um Aufschluss über das Potenzial für
denkbare Nutzungen und Reaktivierungen dieser vergessenen
Meisterschaft im öffentlichen Raum zu erhalten.
Derzeit arbeitet das Institut im Auftrag der Stiftung
Luthergedenkstätten Sachsen-Anhalt für das „Sterbe haus
Luther“ in Eisleben an einer Lösung in Form einer „Gewebten
Wand“. In ein überdimensionales Jacquardgewebe (30 x
2,26 m) wird ein zeitgenöss isches, abstrahiertes, narratives
Bildprogramm entwickelt.
Die aktuellen Erscheinungen zeigen, dass der gedachte
Graben zwischen Kunsthandwerk und freier Kunst immer
schmaler wird. Die nachgewiesene tiefe Faszination
für alles Gewebte, Gestrickte, Geflochtene könnte auf
eine nächste Entwicklungsstufe hinweisen, die sich jenseits
der virtuellen Welt abspielt.
Kunst & Textil, Stoff als Material und Idee in der Moderne
von Klimt bis heute
Kunstmuseum Wolfsburg
Hollerplatz 1, 38440 Wolfsburg
bis 2.3.2014
www.kunstmuseum-wolfsburg.de
SEPIA – Institut für Textile Künste
Neuwerk 11, 06108 Halle (Saale)
www.sepia-institut.eu
Zur Ausstellung erscheint der Katalog „Kunst & Textil.
Stoff als Idee und Material in der Moderne von Klimt bis
heute“, Hg. Kunstmuseum Wolfsburg, Hatje Cantz 2013.
Dt., ca. 400 S., ca. 500 farb. Abb., Leinen 45 €
ISBN: 978-3-7757-3626-8
Robert Filipski: Entwurf „Fensterlider“, Gewebeentwicklung, Jacquard und Drehergewebe, 2012, Foto: SEPIA/Juliane Sieber
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Haarige Kunst
Begleitend zur Ausstellung „Hair! Das Haar in der Kunst. Meisterwerke aus
der Sammlung Ludwig von der Antike bis heute" in der Ludwigsgalerie in
Oberhausen erscheint dieser reich bebilderte Katalog mit zahlreichen Texten.
Interessante Themen wie Haar und Religion, Haar und Kult sowie Haar und
Macht kommen hier zur Sprache. Die Beispiele reichen von Berninis Skulptur
der Metamorphosen und Ovid, in dessen Werken die Haarpracht der Nymphe
Daphne eine enorme Anziehungskraft auf den Gott Apoll ausübt, bis hin zur
Venusdarstellung von Andy Warhol, in der die rotblonden wehenden Haare
ebenfalls eine zentrale Rolle spielen.
Christine Voigt (Hg.): Hair! Das Haar in der Kunst! Meisterwerke aus der Sammlung
Ludwig von der Antike bis heute. Kerber Verlag, Bielefeld 2013. 264 S., 207 farb.,17 s/w-Abb.,
Hardcover, 39,95 €, ISBN: 978-3-86678-862-6
Zeitloses Reich aus Licht und Schatten
Friederike von Rauch ist von Räumen fasziniert. Mit großem ästhetischem
Gespür zeigt die Berliner Fotokünstlerin in ihrem aktuellen Band menschenleere
Schwarz-Weiß-Kompositionen aus Licht und Schatten, die in vielerlei
Hinsicht an abstrakte Malerei erinnern. Der Band, mit einem Beitrag von
Matthias Harder, präsentiert Werke, die zwischen 2009 und 2013 entstanden
sind. Von Rauch beschäftigt sich dabei weniger mit der Dokumentation von
Orten oder dem Wiedererkennungseffekt, sondern beweist eine verblüffende
Sensibilität auf der Suche nach unscheinbaren Details und experimentellen
Blickwinkeln, die Raum für Interpretation lassen und mit der konventionellen
Wahrnehmung des Betrachters spielen.
Friederike von Rauch: In Secret. Sieveking Verlag, 2013. Dt./engl., 108 S., 49 Abb., Hardcover,
59,90 €, ISBN: 978-3-944874-02-9
Von der Kunst umarmt
„Mode ist die einzige Möglichkeit, Kunst in lebenden Formen und im sozialen
Miteinander umzusetzen“, so Francis Bacon. Modedesigner wie Yves Saint
Laurent, Vivienne Westwood, Alexander McQueen oder Jean Paul Gaultier erschaffen
mit ihrer Kleidung kleine Kunstwerke und inszenieren ihre Kollektionen
als Kunstperformances. Aus der Zusammenarbeit von Künstlern wie Jeff
Koons und Designern wie Stella McCartney entstehen Sammlerstücke und
Ausstellungen zu Chanel, oder Viktor & Rolf zeigen einmal mehr, dass Mode
eine Kunstform sein kann. Ergänzt wird das Buch mit einem Vorwort der Stilikone
Daphne Guinness.
Mitchell Oakley Smith, Alison Kubler: Mode ist Kunst. Eine kreative Liaison.
Prestel Verlag, München 2013. Dt./engl., 320 Seiten, 250 Abb., Hardcover, 49,95 €
ISBN: 978-3-7913-4875-9
Das respektlose Medium
„Spontan, respektlos und persönlich – die Collage passt besser in unsere gegenwärtige
Zeit als beinah jede andere künstlerische Technik“, so der Verlag
Gestalten über diese großartige Überblickspublikation. Die Collage ist ein besonders
interessantes Medium, da sie sowohl Werke und Techniken der Kunst
zitiert als auch Abbildungen aus Wissenschaft und Erotika. Indem die Künstler
Papierfetzen kombinieren und abstrahieren, stellen sie ihre persönliche
Absicht klar heraus. Geprägt von Illustration, Malerei und Fotografie kann die
Collage sowohl abstrakt, konstruktivistisch, surrealistisch oder dadaistisch
geprägt sein.
Dennis Busch, Robert Klanten, Hendrik Hellige (Hg.): The Age of Collage.
Contemporary Collage in Modern Art. Gestalten Verlag, Berlin 2013. engl., 288 S., Hardcover,
39,90 €, ISBN: 978-3-89955-483-0
Mehrdimensionalität
Mirko Baselgias Neugier an den Prozessen in Natur und Gesellschaft treibt
ihn zu kühnen Transformationen. Der 1982 geborene Schweizer Künstler
zeigt erstaunliches Geschick bei der Wahl der Zusammensetzung und Verwendung
verschiedener Materialien. Die akkurate Verarbeitung verbindet er
mit Bezügen zu Architektur, Kunstgeschichte und Klassischer Musik. Seine
skulpturalen Arbeiten werfen gesellschaftspolitische Fragestellungen auf
und hinterfragen das Verhältnis des Werks zu seiner Umwelt. 2012 gewann
Baselgia den Kiefer-Hablitzel-Preis. Die monografische Publikation beinhaltet
eine umfassende Werkschau und ein Gespräch zwischen Stephan Kunz und
Mirko Baselgia.
Mirko Baselgia – Primum
Scheidegger & Spiess, 2013. Dt./engl., 96 S., 56 Abb., Hardcover, 34 €
ISBN: 978-3-85881-380-0
Rothkos tödlicher Konflikt
„Ein Bild lebt von seiner Gesellschaft, erst durch die Augen des Betrachters
wächst es und wird lebendig“ (Rothko). Als Mark Rothko sich am 25. Dezember
1970 das Leben nahm, war er längst ein international gefeierter Vertreter
der zeitgenössischen Kunst. Bereits 1960 hatte er im MoMA eine große
Retrospektive, die Nachfrage seiner Arbeiten war grenzenlos, die Preise stiegen
und stiegen. Doch der Kunstmarkt engte den zunehmend verzweifelten
Künstler ein: Insidergeschäfte, Vertragsfälschungen und Scheinverkäufe – der
kommerzielle Erfolg stürzte ihn in einen unaufhaltbaren Konflikt. Seldes ermöglicht
den Einblick in einen der größten Kunstmarktskandale: eine spannende
und erschreckende Darstellung der Machenschaften des Kunstmarktes
und seines Klientels des 20. Jahrhunderts.
Lee Seldes: Das Vermächtnis Mark Rothkos.
parthas Verlag, 2013. Dt., 528 S., Hardcover, 29,80 €, ISBN: 978-3-86601-710-8
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Subversiv, charmant und penibel
In seinen Arbeiten, die an Wimmelbilder erinnern, verbindet der italienische
Künstler Lorenzo Petrantoni Elemente aus Punk und dem viktorianischen
Zeitalter und kreiert verblüffend erhellende Collagen, die teilweise wie Kupferstiche
oder Zeitungsfetzen anmuten und gleichzeitig das aktuelle Weltgeschehen
kommentieren. „Timestory“ ist die erste umfassende Werkschau des
Illustrators und beinhaltet Arbeiten, die schon in der Newsweek, der New York
Times, der Washington Post, im Wallstreet Journal etc., veröffentlicht wurden.
Auch Kampagnenmotive für beispielsweise Coca-Cola, Nespresso, Burton
und Urban Outfitters sind enthalten. Der Italiener gilt als einer der begehrtesten
Grafikdesigner weltweit. Dieses Buch verrät warum.
Timestory – The Illustrative Collages of Lorenzo Petrantoni
Gestalten Verlag, 2013. Engl., 240 S., Hardcover, 39,90 €, ISBN: 978-3-89955-480-9
Reihe FAKSIMILE!
Das Künstlerbuch „Reisebuch Berlin-Thailand“ von Albrecht Genin (*1945 in
Oldenburg), ist eine gedruckte Ausgabe des Unikatbuches. Genin hat das alte
Sparbuch komplett übermalt, und so ergibt sich eine Erzählung in 15 Bildern.
Es ist eines der zahlreichen Malerbuch-Unikate Genins. Charakteristisch in
seiner Grafik und Malerei sind die bizarr-freundlichen scherenschnitt haften
Figuren, die auch in seinen Corten-Stahlskulpturen wieder auftauchen.
Dieses und weitere Künstlerbücher finden Sie auf der artbookberlin2013 vom
22.-24.11. in der kunstfabrik am Flutgraben und bis 31.12.2013 in der Galerie.
www.GalerieDietrich.de
Galerie Horst Dietrich (Hg.): Albrecht Genin: Reisebuch Berlin-Thailand 1989
Faksimile-Ausgabe des Unikat-Buches (übermaltes Sparbuch), 18 Farbseiten u.
Umschlag, ganzseitige Übermalungen, Verlag Galerie Horst Dietrich, Berlin 1990
Interkultureller Austausch
Anlässlich der 55. Internationalen Kunstausstellung La Biennale di Venezia
in Venedig hat die Direktorin des MMK in Frankfurt, Susanne Gaensheimer,
diesen Ausstellungskatalog herausgegeben. Nicht nur, dass Deutschland und
Frankreich in diesem Jahr ihre Pavillons getauscht haben, auch ist der deutsche
Beitrag sehr international: Der chinesische Konzeptkünstler und Regimekritiker
Ai Weiwei, der deutsch-französische Filmemacher Romuald Karmakar, der
südafrikanische Fotograf Santu Mofokeng und die indische Fotografin Dayanita
Singh zeigen ihre Werke. Ergänzt werden die Abbildungen mit Beiträgen von
elf internationalen Autoren.
Susanne Gaensheimer (Hg.): La Biennale di Venezia 2013, Deutscher Pavillon.
Ai Weiwei, Romuald Karmakar, Santu Mofokeng, Dayanita Singh.
Gestalten Verlag, Berlin 2013. Dt./engl./ frz., 240 S., Hardcover, 39,90 €, ISBN: 978-3-89955-500-4
Die Welt der Stoffe und Farben
Dieser neue Bildband fasziniert mit der unbeschreiblichen Schönheit und
dem Reichtum der Textilien. Über die Jahrhunderte hinweg wird kreatives
Schaffen und handwerkliches Geschick anhand von historischen und zeitgenössischen
Beispielen gezeigt. In über 1000 Bildern können dabei Formund
Farbvielfalt aus aller Welt und in all ihren Details bewundert werden.
Der Fokus ist zweigeteilt – in Handwerk und Kunst. Denn Textilien gehören
schon lange zu uns: als Kleidung und Schmuck, als Notwendigkeit und Luxus.
Aufgrund dessen können Textilien als eine allgegenwärtige Form von Kunst
beschrieben werden. Mary Schoeser gibt einen inhaltlich und thematisch gelungenen
Einblick in die Welt der Textilien.
Mary Schoeser: Textilien. Handwerk und Kunst
Dumont Verlag, Oktober 2013. Dt., 568 S., Hardcover, 78 €, ISBN: 978-3-8321-9471-0
Die größte Stadt der Welt
Das chinesische Chongqing ist mit 35 Millionen Einwohnern die größte Stadt
der Welt. Sie ist eine von sechs Großstädten, die der Fotokünstler Christian
Höhn in seinem aktuellen Bildband dokumentiert. Der Deutsche bereiste von
2006 bis 2012 China und besuchte außerdem die Städte Peking, Hongkong,
Shanghai, Shenzhen und Qingdao. Den fotografierten Großstadtkulissen
stellt er historische Stadtansichten gegenüber. Durch die Abwesenheit des
Menschen vermitteln die Arbeiten das Gefühl der anonymen Großstadt. Ein
Kurztext zu jeder Stadt ergänzt den Bildband.
Yan Xu-Lackner, Matthias Murko (Hg.): China Megacity. Fotografien von Christian Höhn.
Verlag für moderne Kunst, Nürnberg 2013. Dt./chines., 104 S., Hardcover, 34 €
ISBN: 978-3-86984-436-7
Der Totalkünstler
Timm Ulrichs’ Werk weist eine beeindruckende Spannbreite auf: performative
und multimediale Arbeiten über Skulpturen, Arbeiten mit Tieren und Pflanzen
bis hin zu Sprachwerken und Installationen. Seine Tautologien und doppeldeutigen
Anspielungen in Bild und Text sprühen vor Witz und hintergründiger Komik.
Die Idee des gattungsübergeifenden Schaffens früherer Avantgarden weiterführend,
bezeichnete er sich selbst als „Totalkünstler“ und „erstes lebendes
Kunstwerk“. Das originell gestaltete Buch gibt einen umfassenden Überblick
über Ulrichs’ Gesamtwerk seit den 1950er-Jahren. Zahlreiche bisher unpublizierte
Arbeiten bieten einen neuen und tiefen Einblick in seinen Kunst-Kosmos.
Amely Deiss, Tobias Hoffmann, Rasmus Kleine (Hg.), Stiftung für Konkrete Kunst und
Design Ingolstadt: Timm Ulrichs. Bilder-Finder – Bild-Erfinder, Kerber 2013. 288 S.,
192 farb., 64 S/W-Abb., Hardcover, 44 €, ISBN: 978-3-86678-799-5
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New York im Wandel
Ihm verdanken wir die ersten Ausstellungen von Cezanne, Picasso und
Brâncuşi in Amerika: dem Galeristen und Fotografen Alfred Stieglitz. Sein
Schaffen reicht von Stadtfotografie über Porträts der künstlerischen Elite
Amerikas bis hin zu seinem Spätwerk „Equivalents“ (Clouds). Stieglitz’ fotografische
Auseinandersetzung mit seiner Heimatstadt umfasst mehr als
vierzig Jahre. In dieser Zeit veränderte sich seine Beziehung zu New York und
mit ihr die Darstellungsweise, die Friderike Baum zum Fokus dieses Buches
macht. Besonders interessant ist dabei der stilistische Vergleich seiner zahlreichen
Aufnahmen New Yorks mit impressionistischen Gemälden sowie
dem Japonismus in van Goghs Bildern jener Zeit. Stieglitz galt als einer der
Wegbereiter für die Entwicklung der Fotografie als autonome Kunstform.
Friderike Baum: Stieglitz’ New York – Sein Bild der Stadt im Wandel.
parthas Verlag, Februar 2011. Dt., 140 S., 20 Abb., Hardcover, 14,90 €
ISBN: 978-3-86964-036-5
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Jay Gard: Torbogen, 2013, 1120 × 480 × 168 cm
Metall, Sperrholz, Acryllack, Schrauben, Klavierband
Courtesy: SEXAUER Gallery
Eröffnung der Galerie SEXAUER – Jay Gard
In einer ehemaligen Industriehalle in Berlin-Weißensee
an der Grenze zu Prenzlauer Berg eröffnet der Anwalt
und Kulturveranstalter Jan-Philipp Sexauer eine Galerie.
Zur Eröffnung ermöglicht Sexauer dem Objektkünstler
Jay Gard (*1984 in Halle) seine erste Einzelausstellung in
Berlin. Gezeigt wird u.a. die monumentale Installation
„Torbogen“, die sich diagonal durch die Ausstellungshalle
wölbt. Die Installation besteht aus 19 von Jay Gard
handgefertigten Sideboards derselben Bauart, inspiriert
von der Möbel-Serie „602“ des DDR-Designers Franz Ehrlich.
Zur Ausstellung erscheint ein Katalog.
Sexauer organisiert seit Jahren nicht öffentliche Veranstaltungen
in Künstlerkreisen wie z.B. Filmnächte und
die Künstlerschachturniere „Night of the Pawn“ sowie
Ausstellungen im In- und Ausland mit Künstlern wie
Norbert Schwontkowski, Gregor Hildebrandt, Norbert
Bisky, Jonathan Meese, Jonas Burgert, Robert Lucander,
Philip Grözinger, Herbert Volkmann, Uwe Henneken
u.v.m.
Marco Flierl: Traumturm, Bronze, 1992
Unikat, Höhe 84 cm
Deborah Sengl: Via Dolorosa, 2012
Präparat, Textil, Holz, lebensgroß
B 50! Marco Flierl
Die Ausstellung ist eine Retrospektive anlässlich des 50. Geburtstags des Berliner
Bildhauers und Kunstgießers Marco Flierl. Präsentiert werden ausgewählte zweiund
dreidimensionale Arbeiten aus den letzten Jahrzehnten: Zeichnungen, Pastelle,
Druckgrafik, Klein- bis Großplastik im Skulpturenhof sowie Masken und neue
noch nicht gezeigte Arbeiten des Künstlers.
Galerie Kunstgießerei Flierl
Friesickestr. 17, 13086 Berlin-Weißensee
Opening: 15.11., 18h mit Umtrunk & Film über Marco Flierl, 16.11.–3.1.14, Mo/Di/Do 10–18h
Mi u. Fr 10–16h and by appt.
Begleitprogramm zur Ausstellung unter: www.kunstgiesserei-flierl.de
Deborah Sengl – Via Dolorosa
Ausgangspunkt der Arbeit „Via Dolorosa“ sind die 14 Stationen des Kreuzwegs Jesu
Christi. In dieser Serie sehen wir jedoch nicht den Sohn Gottes, sondern ein Huhn als
Märtyrer. Was blasphemisch wirkt, ist jedoch keine Kritik am christlichen Glauben,
sondern thematisiert das Tierleid in der Nahrungsproduktion und deren zweifelhafte
Methoden. Je satter die Menschen, desto stärker scheinen ihre Seelen zu hungern.
Galerie Deschler
Auguststr. 61, 10117 Berlin-Mitte
Opening: 29.11., 19–21h, 30.11.13–25.1.14, Di–Sa 12–18h
www.deschler-berlin.de
Elsi Giauque: Éléments textiles dans l’espace, 1970/72
Kunstsammlung der Stadt Biel
Foto: Achim Kukulies
SEXAUER Gallery
Streustr. 90, 13086 Berlin-Weißensee
bis 14.12., Di–Fr 15–20h, Sa 13–18h
www.sexauer.eu
Textiles – Open Letter. Abstraktionen, Textilien, Kunst
Mithilfe des Ariadnefadens fand Theseus den Weg aus
dem Labyrinth. Obwohl das Textile seit Ewigkeiten eng
mit der Kunstgeschichte verbunden ist, fand es bisher
kaum Beachtung. Ausgehend vom Prinzip der gewebten
Struktur und dem Faden als organische Linie setzt
das Museum Abteiberg nun historische Werke und Arbeiten
einer jüngeren Generation in Dialog zueinander.
Anhand von Skulpturen und Wandbehängen zeigt die
Ausstellung, wie die Geschichte des Minimalismus und
der Konzeptkunst vom Textilen beeinflusst wurde.
Serge Alain Nitegeka: The Tunnel VIII
ifa-Galerie Berlin, 2013
Schöne Grüße Thomas Schütte
Installationsansicht, © Thomas Schütte
Foto: Bernd Borchardt
Kulturtransfers#7
Das Projekt „The Space between us“ befasst sich mit den trans-afrikanischen,
transkulturellen und transkontinentalen Verstrickungen, die bis nach Deutschland
reichen. Im Zentrum stehen künstlerische Positionen, die an theoretische kritische
Diskurse anknüpfen und auf diese Weise auch die Geschichte der Beziehungen
und deren Resonanzen sichtbar machen. Die gezeigten Arbeiten stellen diese Beziehungen
zur Diskussion und loten sie aus.
ifa-Galerie Berlin
Linienstr. 139/140, 10115 Berlin-Mitte
bis 22.12., Di–So 14–19h
Schöne Grüße Thomas Schütte
Thomas Schütte gilt als einer der bedeutendsten Bildhauer Deutschlands. Neben
dem bildhauerischen Werk umfasst sein Œuvre zahlreiche Druckgrafiken, die mit
über 200 Arbeiten den Schwerpunkt der Ausstellung bilden. Daneben werden einige
Skulpturen und Papierarbeiten gezeigt. Der zeitliche Bogen der ausgestellten Werke,
die alle Teil der Olbricht Collection sind, reicht von den 80er-Jahren bis ins Jahr 2013.
me Collectors Room
Auguststr. 68, 10117 Berlin-Mitte
bis 23.3.14, Di–So 12–18h
www.me-berlin.com
Costantino Ciervo – Try Again
In der Ausstellung werden neue Videoskulpturen und eine Installation gezeigt.
Costantino Ciervo thematisiert und kritisiert in den Arbeiten subtil und mit hintergründiger
Ironie gesellschaftspolitische und philosophische Themen und Fragestellungen
aus Wirtschaft, Politik, Technologie und Kommunikation. Im Zentrum
stehen Begriffe wie Wettbewerb, Kontrolle, Macht und Freiheit.
Städtisches Museum Abteiberg
Abteistr. 27, 41061 Mönchengladbach
bis 10.11., Di–Fr 11–17h, Sa–So 11–18h
www.museum-abteiberg.de
Costantino Ciervo: Try Again, 2013
Videoskulptur
museum FLUXUS+
Schiffbauergasse 4f, 14467 Potsdam
Opening: 30.11. 17 h, 31.11.–26.1.14, Mi–So 13-18h
www.fluxus-plus.de
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Generation i.2 – Ästhetik des Digitalen im 21. Jahrhundert
Die weltweite Vernetzung schafft neue globale ästhetische
Tendenzen: Das ist die These dieser Ausstellung,
die zwölf internationale Kunstpositionen aus fünf Kontinenten
präsentiert, die mit Werken in den Bereichen
Malerei, Zeichnung, Fotografie, Installation und Videokunst
zum Verständnis dieses Ansatzes beitragen. So
wird eine Zwischenbilanz der markantesten Tendenzen
zeitgenössischer Kunst gezogen, deren Werke in Form
der neuen Sprachen der digitalen Medien, den sozialen
Netzkulturen und den Vernetzungsprozessen beeinflusst
sind.
Herbert Zangs: Baguettetütenbuch
© S. Cremer-Bermbach, Bonn
Zangs at Grass’s. Structural Formations
Herbert Zangs and Günter Grass
The exhibition presents four artistic decades of the German
artist Herbert Zangs (1924-2003), an acquaintance
of Günter Grass. They studied at the Academy of Fine Arts
in Düsseldorf and both earned their living at the “Csikos”,
the club where Grass performed as a musician. The echoes
of this friendship can be found in Günter Grass’s prose.
The title refers to the painting style of Herbert Lankes
– Zangs’s alter ego portrayed in the “Tin drum” – and is
relevant to the abstract expressionist works which Zangs
created in the 50’s. The exhibition was organised with a
support of the Consulate-General of Germany in Gdansk.
Christopher Baker: Murmur Study, 2009–2012
Installation, Live-Twitter-Visualisierung und Archiv © Rik Sferra
Edith-Russ-Haus für Medienkunst
Katharinenstr. 23, 26121 Oldenburg (Old.)
Opening: 14.11., 19h, 15.11.–16.2.14, Di–Fr, 14–18h, Sa/So, 11–18h
www.edith-russ-haus.de
Günter Grass Gallery in Gdansk
Szeroka 34/35, 36, 37, Grobla I ½
bis 12.1.14, Di-Mi 11–17h, Do-So 11–19h
www.ggm.gda.pl
Pit Kroke: Lenz, Stahlskulptur, 600 x 300 x 300 cm
am Besselpark/Montage
Pit Kroke – Sam Grigorian
Anfang der 1990er-Jahre machte der in Sardinien und
Berlin lebende Künstler Pit Kroke mit seinem Berliner
„Stadtzeichen-Projekt“, ausgestellt u.a. im Alten Museum,
nachhaltig auf sich aufmerksam. Der Künstler präsentiert
in seiner Ausstellung Skulpturen und vor allem
seine beachtlichen frühen skripturalen Zeichnungen
aus den 1980er-Jahren. Zusammen mit den Décollagen
und Malereien des in Berlin lebenden armenischen
Künstlers Sam Grigorian verspricht auch diese neue
Doppelausstellung zu einem besonderen Erlebnis zu
werden.
Galerie Tammen & Partner
Hedemannstr. 14, Ecke Friedrichstr., 10969 Berlin-Mitte
Opening: 29.11. 19–22h, 30.11.13–18.1.14, Di–Sa 12–18h
bis 16. 11. Detlef Waschkau/Persis Eisenbeis
Susanna Hertrich: Chrono Shredder, 2011
Automat
Von Tagebuch bis weblog
Tägliche Strategien in der Gegenwartskunst
Das Tagebuch ist als autobiografische Aufzeichnung
durch Subjektivität und Chronologie gekennzeichnet.
Seit den 1960er-Jahren entwickeln Künstler in verschiedenen
Medien tägliche Strategien – von schriftlichen Notaten
und vermeintlich authentischen Ego-Dokumenten
über fiktive Inszenierungen und serielle Malerei bis hin zu
fotografischen und filmischen Visual Diaries. Die Ausstellung
spannt den Bogen von klassischen Positionen wie
On Kawaras „Date Paintings“ bis hin zur künstlerischen
Auseinandersetzung mit der aktuellsten Form des Tagebuchs,
dem weblog.
Städtische Galerie Bietigheim-Bissingen
Hauptstr. 60–64, 74321 Bietigheim-Bissingen
bis 6.1.14, Di–Fr 14–18h, Do bis 20h, Sa/So 11–18h Eintritt frei
www.bietigheim-bissingen.de
Betwixt and Between
Incontri – Zeitgenössische italienische Kunst
Toshihiko Mitsuya: Anoymous relatives – guide, 2012
Aluminum, 420 x 250 x 120 cm
Betwixt and Between zeigt Arbeiten der japanischen
Künstler Toshihiko Mitsuya und Takahiro Ueda, welche
die Wahrnehmung des Betrachters durch Parallelwelten
führen. Zuerst begegnet er Mitsuyas lebensgroßer Aluminiumskulptur
eines Wächters zu Pferd. Das leichte Material
konterkariert die mächtige Präsenz des archaischen
Reiters, worauf ein Machtkampf um Präsenz und Durchlass
entsteht. Verstärkt wird das Duell durch Reflexionen
der Oberfläche. Danach folgt Uedas technische Installation,
die nach Radiowellen vom Wettersatelliten NOaa
aus dem sonnensynchronen Orbit sucht und die Daten
zu einer energetischen Klangperformance umwandelt.
Ueda überführt das Material zu Sound- und Bildkollagen.
TS art projects
Oranienburger Str. 45, 2. OG, 10117 Berlin-Mitte
Opening: 1.11., 19h, 2.11.–14.12., Di–Sa 13–18h and by appt.
0151 - 22 94 66 38, www.tsartprojects.com
Giulio Paolini: L’altra figura, 1984
Gips, Holz, ca. 184 x 250 x 190 cm
Bereits seit den 1980er-Jahren sammeln Peter Schaufler
und Christiane Schaufler-Münch italienische Kunst – von
der Arte-Povera- über die Transavanguardia-Bewegung
bis hin zu weniger bekannten Einzelpositionen. Nun
wird eine umfassende Auswahl aus ihrer Sammlung
präsentiert. Dabei treten die Werke von mehr als 30 italienischen
Künstlern, u. a. von Piero Manzoni, Ettore Spalletti
und Ketty Tagliatti, in einen spannenden Dialog mit Arbeiten
europäischer und amerikanischer Zeitgenossen
wie etwa Donald Judd, Jonathan Monk und Günther
Uecker. Die Schau nimmt historische und fiktive, visuelle
und thematische Begegnungen in den Fokus.
SCHAUWERK Sindelfingen
Eschenbrünnlestr. 15/1, 71065 Sindelfingen
bis 14.9.14, Sa/So 11–17h, Di u. Do 15–16.30h (Führung)
www.schauwerk-sindelfingen.de
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The Age Of Collage
– 30 Positionen zeitgenössischer Collage
Die knapp hundert Jahre alte Technik der Collage passt
perfekt in die heutige Zeit. Visuelles Material wird
vom Künstler gesammelt, kombiniert und so abstrahiert,
dass die persönliche Absicht klar hervortritt. Das
Ausgangsmaterial spiegelt den visuellen Speicher der
Menschheit, denn die Collage zitiert gerne Arbeiten
und Techniken der Kunst sowie wissenschaftliche Abbildungen
oder Versatzstücke aus der Popkultur und
Erotika. Diese Bandbreite – und ihre Respektlosigkeit –
macht die Collage interessant und bietet Raum für eine
Vielzahl unterschiedlicher künstlerischer Positionen.
Künstlerliste (Auswahl): Ashkan Honarvar, Beni Bischof,
Brandi Strickland, Charles Wilkin, Dennis Busch, Eva
Eun-Sil Han, John Vincent Aranda, Jose Romussi, Julia
Busch, Katrien de Blauwer, Kerstin Stephan, Luis Dourado,
Matthieu Bourel, Nathaniel Whitcomb, Nils Karsten,
Noa Giniger, Rodrigo Torres, Virginia Echeverria, Sergei
Sviatchenko.
Andreas Slominski
Foto: Andrea Stappert
Andreas Slominski
Anlässlich der Verleihung des Hannah-Höch-Preises
2013 durch die Kulturverwaltung des Landes Berlin an
Andreas Slominski findet im Neuen Berliner Kunstverein
eine Einzelausstellung statt. Das Werk von Andreas
Slominski zeichnet sich durch eine besondere Genrevielfalt
aus, das konzeptuelle, skulpturale und performative
Ansätze miteinander vereint. Die Ausstellung wird von
einem umfangreichen Diskursprogramm begleitet.
n.b.k. Showroom: Young Brazilian Artists
Neuer Berliner Kunstverein (n.b.k.)
Chausseestr. 128/129, 10115 Berlin-Mitte
Opening: 29.11., 19h, 30.11.13–26.1.14, Di–So 12–18h, Do 12–20h
www.nbk.org
ARTE POSTALE
Bilderbriefe, Künstlerpostkarten, Mail Art
Charles Wilkin: Fleeting At Best, 2013
Collage on paper, 8" x 11" inches
Henrique Oliveira: The origin of the third world, 2010
Installationsansicht der 29. Bienal de São Paulo
© Courtesy the artist
Gestalten Space
Sophie-Gips-Höfe, Sophienstr. 21, 10178 Berlin-Mitte
Opening: 14.11., 18h, 15.11.13–5.1.14, Mi–Mo 12–20h
www.news.gestalten.com/space
Brasiliana – Installationen von 1960 bis heute
Anlässlich des Ehrengastauftritts von Brasilien auf der
Frankfurter Buchmesse verwandeln acht raumgreifende
Arbeiten die SCHirn KunSTHALLE in einen Parcours intensiv
erlebbarer, sensueller Räume und Installationen,
in die der Betrachter partizipatorisch unmittelbar eingebunden
wird. Anhand von Installationen der späten
1960er-Jahre bis hin zu jüngsten künstlerischen Positionen
demonstriert die Ausstellung das spezifisch brasilianische
Moment einer „Kunst der Erfahrung“.
Die Ausstellung vereint heute als klassisch geltende
Positionen von Hélio Oiticica und Neville D’Almeida,
Lygia Clark, Tunga sowie Cildo Meireles mit Arbeiten der
jüngeren Generation von Ernesto Neto, Maria Nepomuceno,
Henrique Oliveira sowie Dias & Riedweg und
schreibt somit die Geschichte der künstlerischen Installation
Brasiliens bis in die Gegenwart fort.
Zur Ausstellung erscheint ein Katalog
(ISBN 978-3-86335-419-0).
H. R. Fricker/Büro für künstlerische Umtriebe auf dem Land, Trogen/Schweiz
an Guillermo Deisler, Halle/DDR, 1.11.1989, Angstlos Glasnost
Kuvert mit Künstlermarken und Stempeldruck, 11,5 x 22,0 cm
Guillermo-Deisler-Sammlung, Akademie der Künste, Berlin
© H. R. Fricker
Die Akademie der Künste Berlin zeigt mit ARTE POStaLE
Künstlerpost aus den hauseigenen Archiven, der Akademie-Kunstsammlung
sowie der Sammlung Staeck.
Neben Briefen und Karten u. a. von George Grosz, Max
Pechstein und Else Lasker-Schüler wie auch von Mail-Artisten
wie Ray Johnson, Robert Rehfeldt und Clemente
Padín werden auch Korrespondenzen von Joseph Beuys,
Diter Rot oder Hanne Darboven mit Klaus Staeck präsentiert.
Akademie der Künste
Pariser Platz 4, 10117 Berlin-Mitte
Bis 8.12., Di–So 11–19h
www.adk.de
Jörn Grothkopp – Präsenz
Grothkopps Gemälde verdichten ihre oft fotografischen
Vorlagen auf das Essenzielle. Der flächige Malstil verstärkt
die Metamorphose von Realismus zum Artifiziellen:
In den glatten Oberflächen erscheinen die dargestellten
Szenen wie durch eine Fensterscheibe. Das
innere Wesen der Porträtierten bleibt geheimnisvoll
und undurchschaubar. Die Gesichter verwandeln sich
von konkreten Personen zu Chiffren und Gleichnissen.
SCHIRN KUNSTHALLE FRANKFURT
Römerberg, 60311 Frankfurt
bis 5.1.14, Di u. Fr–So 10–19h, Mi–Do 10–22h
WWW.SCHirn.DE
Jörn Grothkopp: „Mila 5“, Berlin 2013
Öl auf Leinwand, 140 x 110 cm
Galerie Deschler
Auguststr. 61, 10117 Berlin-Mitte
Opening 15.11., 19–21h, 15.11.13–25.1.14, Di–Sa 12–18h
www.deschler-berlin.de
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Corinna von der Groeben: shifts, (3_of_22)
Fotografie, 801 x 1200, 2013
Corinna von der Groeben – Ateliereinblicke 2013
Corinna von der Groeben arbeitet mit dem Medium der
Fotografie. In Serien setzt sie sich mit (meist urbanen)
Räumen auseinander, die von Menschen bewusst oder
unbewusst gestaltet und verändert wurden. Darin sind
die Menschen selbst oftmals selbst gar nicht sichtbar;
dennoch entdeckt man in den Fotografien irgendwie
deren Anwesenheit und Spuren. In jüngster Zeit entstanden
Arbeiten, die sich ihnen direkt zuwenden wie
beispielsweise ihre Porträtserie, für die sie Personen aus
New York in Berufskleidung fotografierte.
EnBW Showroom Berlin
Schiffbauerdamm 1, 10117 Berlin-Mitte
19.11.13–31.1.14, Mo–Fr 11–19h, Sa 11–16h, Eintritt frei
www.enbw.com/kunst
M. Alhaj: Palästinenserin schützt sich
vor Tränengas, Foto © Mohammad Alhaj
Courtesy a|e GALEriE
Reihe/Städteporträts/4/ Bethlehem, Jenin, Ramallah
Nach den Großstädten Istanbul, Kairo, Damaskus stehen kleinere Städte Palästinas
im Brennpunkt. Deena Mustafa Arqawi, Mohammad Alhaj, Majdi Hadid
porträtieren das Alltagsleben in konfliktreichen Situationen. Manfred Friedrich
und Michael Lüder ergänzen das Bild durch hervorragende Momentaufnahmen.
Die Ausstellung wird durch Kurzfilme aus Palästina bereichert.
a|e GALERIE
Hermann-Elflein-Str. 18, im Eingang zum Luisenforum, 14467 Potsdam
Opening: 8.11., 19h, 9.11.–7.12.13, Mi–Fr 15–19h, Sa 12–16h, and by appt.
am 31. 10.13 ist geschlossen, www.ae-galerie.de
Die Stille des Krieges – Fotografien von Stephan Hallmann aus Libyen
Ruhe ausstrahlende, menschenleere Bilder von Ruinen und Trümmerlandschaften
oder zerborstene Mauern und zerfetzte Metallmasten entwickeln ihre eigene
Ästhetik. Unser vermeintlich „gesundes Empfinden“ wird auf den Kopf
gestellt. Während seiner Arbeit als Fernsehjournalist (ZDF) fotografiert Stephan
Hallmann nun bereits seit 40 Jahren. Die Fotografien der durch den Bürgerkrieg
zerstörten Städte Misrata und Sirte entstanden 2011.
Die schillernde Kunstwelt einer Filmlegende
Federico Fellini (1920–1993), der Regisseur weltbekannter
Filme wie „La Strada“ (1954), „La dolce vita“ (1960) und
„8 ½“ (1963) gilt als Filmlegende. In seinen Filmen treffen
verschiedene künstlerische Ausdrucksformen aufeinander:
Literatur, Musik, Tanz, Zeichnung und Malerei.
Aus Anlass des zwanzigsten Todestages Fellinis widmet
das Ludwig Museum in Kooperation mit der Fondation
Fellini (Sion, Schweiz) dem großen Filmemacher die Ausstellung
„Fellini und die Künste“, die diese Verbindungen
im künstlerischen Schaffen Fellinis aufzeigt.
Stephan Hallmann: Stille des Krieges, 2011
Fotodruck auf Alubond, 80 x 100 cm
Eva Nordal: Die Entdeckung des Handys, 2013
120 x 155 cm, Öl/Textil auf Baumwolle
FreshEggsGallery
Auguststr. 86, 10177 Berlin-Mitte
Opening: 1.11. 18–22h, 2.11.–26.11., Di–Sa 11–19h, www.fresheggs.de
Eva Nordal – Die Entdeckung des Handys – Malerei
In Eva Nordals Bildern werden Menschen gezeigt, wie sie eben sind. Sie kommentiert
nicht, sie bewertet nicht, jede moralisierende Kritik liegt ihr fern. Sie setzt
einfach die individuelle Lebensfreude der Menschen in Szene. Die Gewänder der
Figuren auf ihren Bildern sind aus echten Textilien. Nordal wagt es, Stoffe in ihre
Malerei zu applizieren, und das gelingt ihr überraschend gut.
Galerie ICON Berlin
Veteranenstr. 22, 10119 Berlin-Mitte
Opening: 18.10., 19h, 18.10.–29.11., Mi–Fr 14–19h, Sa 13–18h
www.galerie-icon.de
Giulietta Masina in La Strada (1954)
© Fondation Fellini Suisse
Ludwig Museum
Danziger Freiheit 1, 56068 Koblenz
27.10.13–19.01.14, Di–Sa 10.30h–17h, So 11–18h
www.ludwigmuseum.org
Helmut Newton: Paris-Berlin.
Exhibition Grand Palais 2012 / Greg Gorman: Men
Mark Tobey: Between East and West
Mark Tobey (1890–1976), ein Pionier des abstrakten Expressionismus, verbindet
in seinen Werken die Bildtraditionen und Techniken von Okzident und Orient. Seine
Werke, die sich durch die virtuose Beherrschung zahlreicher Techniken und die
Vielstimmigkeit ihrer Bildsprache auszeichnen, gewinnen ihre abstrakte Qualität
durch Tobeys intensive Beschäftigung mit ostasiatischer Kunst und Spiritualität.
Die Helmut Newton Stiftung feiert ihr zehnjähriges Bestehen:
Sie wurde im Herbst 2003 von Newton persönlich
gegründet. Seither werden regelmäßig wechselnde
Ausstellungen präsentiert und an Museen weltweit ausgeliehen,
etwa 2012 nach Paris ins Grand Palais. Diese
Übersichtspräsentation kehrt nun nach Berlin zurück. Sie
vereint alle wichtigen Werkgruppen Newtons; insgesamt
sind es mehr als 200 Schwarz-Weiß- und Farbfotografien
unterschiedlicher Formate, teilweise als Vintage Prints.
Auf Einladung von June Newton stellt der amerikanische
Porträtfotograf Greg Gorman eine Werkgruppe von Männerakten
aus, die zwischen 1988 und 2012 entstanden sind.
Mark Tobey: Animal in Motion, 1959
Tempera auf Karton, 21 x 34 cm
Courtesy Moeller Fine Art Berlin – New York
Moeller Fine Art
Tempelhofer Ufer 11, 10963 Berlin-Kreuzberg
bis 25.1.14, Mo–Fr 11–18h, Sa 12–17h and by appt.
www.moellerfineart.com
Olga Tobreluts – Neue Mythologie
In der Ausstellung werden Fotografie und Malerei von Olga Tobreluts (*1970)
präsentiert, deren Werk eng verbunden ist mit der Neoakademismus-Strömung,
die vor rund 20 Jahren in St. Petersburg aufkam. Die Darstellungen bewegen
sich im Spannungsfeld zwischen postmoderner Ironie und der Ästhetik
klassischer Meisterwerke. Tobreluts war eine der ersten Künstlerinnen, die mit
Multimedia und computeranimierten Bildern arbeitete.
Helmut Newton: Rue Aubriot, Paris 1975
Helmut Newton Stiftung, Museum für Fotografie
Jebensstr. 2, 10623 Berlin-Charlottenburg
Opening: 31.10., 1.11.13–18.5.14
Di–So 10–18h, Do 10–20h, www.helmutnewton.com
Olga Tobreluts: Phaeton, 2011
Öl auf Leinwand, 95 x 134 cm
Galerie pop/off/art moskau-berlin
Mommsenstr. 35, 10629 Berlin-Charlottenburg
bis 7.12., Di–Fr 10–19h, Sa 11–15h and by appt., www.popoffart.de
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Peter Saul: Untitled, Pencil and ink on paper
dimensions written in pencil, 10 1/2 x 10 inches
© Courtesy VW (VeneKlasen/Werner)
Berlin and Mary Boone Gallery, New York
Peter Saul – Holy Moly
Seit den frühen 1960er-Jahren hat der Maler Peter Saul
ein Werk geschaffen, das frech und kritisch sowohl
kunsthistorische als auch politische Themen aufgreift.
Seine comichaften Bilder, die gespickt sind mit groteskem
Humor und meist aufgeladen mit beißender Ironie,
entziehen sich gängigen Zuschreibungen und sind heute
aktueller denn je. Als erste Institution in Deutschland
präsentiert die Städtische Galerie Wolfsburg eine Auswahl
an Zeichnungen des Künstlers von 1960 bis heute.
Peter Saul wurde 1934 in San Francisco geboren. Er lebt
und arbeitet in New York.
Städtische Galerie Wolfsburg
Schlossstr. 8, 38448 Wolfsburg
Opening: 10.11., 11h, 11.11.13–16.3.14, Di 13–20h, Mi–Fr 10–17h
Sa 13–18h, So 11–18h
www.staedtische-galerie-wolfsburg.de
Alke Brinkmann, Gregor Cürten, Peter Freitag
Gregor Cürten verarbeitet in seiner Malerei Motive der
eigenen Kindheit und die für ihn wichtigen Persönlichkeiten
aus Literatur, Kunst und Philosophie des 20. Jahrhunderts.
Die Gemälde von Alke Brinkmann sind eine Hommage
an die Frauen, die in der von Männern bestimmten
Kunstgeschichte ausgebeutet und ignoriert wurden.
Peter Freitag verwendet vielfältiges Bildmaterial aus der
Werbung und komponiert daraus neue Bilder mittels Collagieren,
Cut-Out-Technik, Bleistift, Klebeband und anderen
Applikationen.
H. Spohler: Tomatenrispen in Middenmeer
Niederlande, 2010, 109 x 133 cm, Pigmentprint
kaschiert auf Aludibond, © Henrik Spohler
Tamara Ebert: Der Wind frischt auf, 2013
Mischtechnik auf Papier, 60 x 80 cm
M. Kippenberger: o.T. (Boden-Installation für
Claudia Skoda, Detail), 1976, © Estate of
Martin Kippenberger, Galerie Gisela Capitain,
Cologne / Courtesy Sammlung HGN
Henrik Spohler: The Third Day
Spohlers Projekt zeigt gigantische Monokulturen unter freiem Himmel in den
USA, Rumänien, Deutschland oder unter Glas und Plastik in den Niederlanden
und Spanien. Innenansichten von Forschungsinstitutionen geben Einblicke in
jene Orte, an denen immer neue Zuchtlinien entstehen. Orte, wo der Mensch
sich zum Schöpfer erhebt, wenn er Gentechnik einsetzt, um den Pflanzen noch
profitablere Eigenschaften zu geben.
Alfred Ehrhardt Stiftung
Auguststr. 75, 10117 Berlin-Mitte
bis 22.12., Di–So 11–18h, Do bis 21h, www.alfred-ehrhardt-stiftung.de
Zugluft – 2. Akt
Im zweiten und letzten Teil der Ausstellungsreihe zeigen zwölf Künstlerinnen
aus den Bereichen Performance, Kostüm, Schauspiel, Malerei, Zeichnung,
Tapisserie, Installation und Literatur den Wechsel zwischen Ruhe und Sturm,
von Veränderung und Bewegung zum Phänomen der Zugluft.
GEDOK GALERIE Berlin
Motzstr. 59, 10777 Berlin-Schöneberg, Ausstellungsreihe in zwei Akten
Opening: 2.11., 14h, im Rahmen des „Schöneberger Art Galerierundgangs“, 15h Kunstauktion
3.11. 16h Lesung & Performance, 2. Akt: 2.11.–8.12., Do–So 14–18h
www.GEDOK-berlin.de
Martin Kippenberger – Catwalk
Martin Kippenberger (1953–1997) war einer der vielseitigsten Künstler seiner
Generation. Sein Werk umfasst Malerei, Skulptur, Installation, Grafik und Fotografie.
Ein fotografisches Hauptwerk aus der Frühzeit steht im Mittelpunkt der
Ausstellung: die Boden-Installation für das Atelier der Berliner Modeschöpferin
Claudia Skoda. Erstmals wird die wichtige Rolle der Fotografie im Frühwerk Kippenbergers
veranschaulicht.
Kunsthalle HGN
Karl Wüstefeld Weg, 37115 Duderstadt
26.10.–26.1.14, Sa/ So 11–18h, Eintritt frei, www.kunsthallehgn.de
Alke Brinkmann: Lee Krasner II, 2006
Öl auf Leinwand, 220 x 190 cm
Juliane Ebner: Höhere Dichte, 2010
© Juliane Ebner
Deutsche Wohnen AG – GEHAG Forum
Mecklenburgische Str. 57, 14197 Berlin-Wilmersdorf
bis 20.11., Mo–Fr 9–19h
www.deutsche-wohnen.com
Juliane Ebner – Parallelverschiebung
Die Berliner Künstlerin Juliane Ebner versteht Zeichnung
als ein Medium der Montage. Ob in Stop-Motion-
Filmen oder Plexiglasbildern: In der Überlagerung vieler
Zeichnungsschichten entstehen Vexierbilder, in denen
alltägliche Situationen und historische Personen, konkrete
geschichtliche Verweise und allgemeine Tier- und
Landschaftsdarstellungen zu fiktiven Geschichten verschmelzen.
Im Mittelpunkt der Ausstellung stehen zwei
Berliner Themen, die nur auf den ersten Blick keine Gemeinsamkeiten
zu haben scheinen: der Fall der Mauer
und die Büste der Nofretete.
Mauer-Mahnmal im Marie-Elisabeth-Lüders-Haus
Zugang über die Spree-Uferpromenade
Schiffbauerdamm, 10117 Berlin-Mitte
Opening: 23.10. 18h, 24.10.13–30.1.14, Di–So 11–17h, Eintritt frei
www.mauer-mahnmal.de
Philipp Hennevogl: Paradies, 2012, Linolschnitt
Druck 100 x 130 cm, Papier 130 x 150 cm
Hermann Max Pechstein: Schrei am Meer, 1919
Öl auf Leinwand, 121, 3 x 91,6 cm
(Schätzpreis: 800.000 bis 1.200.000 €)
Philipp Hennevogl – Paradies
Die Galerie präsentiert neue großformatige Linolschnitte von Philipp Hennevogl.
Darüber hinaus wird erstmalig im Rahmen einer Einzelausstellung eine
neue Werkgruppe von mehrfarbigen Linolschnitten gezeigt. Diese Arbeiten,
die durch Reduktionstechnik entstehen, imponieren durch ihre ungewöhnliche
Tiefe und Räumlichkeit.
Galerie Hunchentoot
Choriner Str. 8, 10119 Berlin-Mitte
Opening: 25.10., 19–22h, 26.10.–9.11., Di–Fr 16–19h, Sa 10–18h
www.galerie-hunchentoot.de
Zum Ersten, zum Zweiten und zum Dritten – Herbstauktionen bei Ketterer Kunst
Während sich Liebhaber Alter Meister und Kunst des 19. Jahrhunderts am 22.11.
auf Werke von Dürer und Goya freuen dürfen, wartet die Klassische Moderne
am 6.12. u.a. mit hochkarätigen Losen von Max Pechstein auf. Zum zehnjährigen
Bestehen der Auktion Seitenwege der dt. Avantgarde erscheint ein Sonderkatalog.
Am 7.12. glänzen die Kunst nach 1945 und die Zeitgenössische Kunst
mit Arbeiten von Künstlern wie Georg Baselitz, Karl Otto Götz, Anselm Reyle
und Daniel Richter.
Vorbesichtigungen in Hamburg, Frankfurt, Düsseldorf, Berlin und München.
Details unter www.kettererkunst.de/kunst
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Saul Leiter: Works 1949-1960 Fotografie und Zeichnungen
H. P. Adamski – Route 66
Erstmalig werden Arbeiten des Fotografen und Malers
Saul Leiter in Berlin präsentiert. Die Ausstellung mit
frühen Farbfotografien, Schwarz-Weiß-Fotografien und
Aquarellzeichnungen zeigt die Bandbreite seines Schaffens.
Saul Leiter gilt mittlerweile als unumstrittener Pionier
der künstlerischen Farbfotografie. Er versteht es wie
kein anderer, die flüchtigen, alltäglichen Momente des
New Yorker Straßenlebens scheinbar im Vorübergehen
festzuhalten und ihnen eine neue, eigene Dimension zu
geben. Die Ausstellung ist in Zusammenarbeit mit „Fifty
One Fine Art Photography“ entstanden.
Die Ausstellung präsentiert die 2013 gemalte Scherenschnitt-Serie
„Flugschatten“, kombiniert mit kleinen
Zeichnungen auf asiatischen Totenhemden aus Papier.
Die erotischen Zeichnungen zeigen eine vollkommen
andere Perspektive von Adamskis Werk. Die Themen
Scherenschnitt und Erotik ziehen sich wie ein roter Faden
durch das Werk des Künstlers, dem konzeptuellsten
und im positiven Sinn auch sprödesten Maler der ehemaligen
Kölner Künstlergruppe „Mülheimer Freiheit“.
Ergänzend zeigen die Kunstsammlung Chemnitz und
das Kunstforum Oktogon der HfBK Dresden weitere
Werkgruppen des in Berlin lebenden Künstlers.
Saul Leiter: Package, ca. 1960
Chromogenic Print, printed later, 50 x 40 cm
© Saul Leiter
Galerie Springer Berlin
Fasanenstr. 13, 10623 Berlin-Charlottenburg
bis. 30.11., Di–Fr 12–18h, Sa 12–15h
www.galeriespringer.de
H. P. Adamski: Flugschatten, 2013
Acryl auf Nessel, 125 x 140 cm
© H. P. Adamski, Berlin
MORGEN CONTEMPORARY
Ackerstr. 162, 10115 Berlin-Mitte
Opening: 24.10., 19–22h, 25.10.– 16.11., Di–Sa 12–18h
www.morgen-contemporary.com
Robert Fry
Inge Krause – Within you Without you
Robert Fry: Body Builders Study 1, 2013
Acryl und Öl auf Leinwand, 150 x 120 cm
Im Zentrum der Gemälde und Radierungen des britischen
Künstlers Robert Fry (*1980) steht häufig der
nackte männliche Körper. Fry bleibt jedoch nicht in der
Reflexion über das eigene Geschlecht verhaftet, sondern
hebt das Thema auf eine Meta-Ebene: Geschlechterbeziehungen
und das spannungsgeladene Verhältnis des
Einzelnen zu seinem Gegenüber werden untersucht. So
wird beispielsweise das Thema Männlichkeit in seiner
neuen Serie „Related“ weiterentwickelt: Eine Reihe von
Gemälden befasst sich mit der unausweichlichen Komplexität
der Vater-Sohn-Beziehung und beleuchtet und
dekonstruiert physische und emotionale Subtilitäten
dieser besonderen Verbindung.
Galerie Kornfeld
Fasanenstr. 26, 10719 Berlin-Charlottenburg
bis 16.11., Di–Sa 11–18h
www.galeriekornfeld.com
Inge Krause: ohne Titel, 2013
Pastellpuder auf d-c-fix Velours auf Alu-Dibond, 18,5 x 26 cm
Courtesy Galerie Mathias Güntner © Inge Krause, Hamburg 2013
Inge Krause, Preisträgerin 2013 des von der Stiftung
Kunstfonds vergebenen „HAP-Grieshaber-Preis der VG
Bild-Kunst“, spannt in ihren Werken einen Bogen von
gegenstandsloser, auf fein nuancierten Farbverläufen
beruhender Malerei über kosmische Motive bis hin zu
Zeichnungen, die tagesaktuelle Medienbilder aufgreifen.
Ihr zentrales Thema ist das Sehen und dessen Grenzen,
das im Spannungsfeld von Bildraum und spiegelnd
zurückweisender Oberfläche ihrer Arbeiten auftaucht
und sich in der Fenstergestaltung fortsetzt.
Deutscher Künstlerbund – Projektraum
Rosenthaler Str. 11, 10119 Berlin-Mitte
bis 13.12., Di–Fr 14–18h, and by appt.
www.deutscher-kuenstlerbund.de
Gabriele Schlesselmann – An jenem Tag war alles möglich
2003.10.16 – Blick zurück nach vorn
Gabriele Schlesselmann (*1958) thematisiert in ihren Ölbildern
die Rhythmen unseres Lebens: Verdichtung und
Entzerrung der Zeit, Verzögerung bis in den Stillstand,
Flucht. Die Ausstellung umfasst Werke der vergangenen
drei Jahre.
Blick zurück – auf Arbeiten von Künstlern aus Einzelausstellungen
über die Spanne von zehn Jahren. Nach
vorn – mit aktuellen Arbeiten der Künstler: F.-M. Banier,
I. Baumgarten, A. Bittersohl, D. Blum, I. Dahl, R. Finke,
A. Futter, M. Götze, D. Graf, H.R. Gratz, A. Güdel, P. Herrmann,
O. Hörl, A. Jauss, J. Knubben, N. Koliusis, K. Linder,
A. Lörincz, B. Mattiebe, C. Nägele, B. Walz, B. Petrovsky, H.
Scheib, S. Taras, M. Tirler, P. Turturiello, J. Kromke, S. Kross,
M. Nixdorf, D. Salewski, H. Schenkel, Smash137, W. Starkenburg,
M.F. Strieder, V. Witte. Im Studio 57A: A. Lörincz.
Gabriele Schlesselmann: Ambivalenz (Detail), 2013
Tinte, Öl auf Leinwand, 20 x 100 cm
Galerie LUX Berlin
Südwestkorso 11a, 12161 Berlin-Friedenau
Opening: 7.11., 18–21h, 8.11–21.12., Mi–Fr 13–19h, Sa 10–14h
www.galerie-lux-berlin.de
Anna Bittersohl: Deflexion, 2012, Öl auf Leinwand, 170 x 220 cm
Galerie ABTART
Rembrandtstr. 18, 70567 Stuttgart
Opening: 15.11., 19.30h, 16.11.–20.12., Di–Fr 14–19h, Sa 10–13h
0711 - 63 34 30 20, www.abtart.com
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Faces & Cities – Luigi Christopher Veggetti Kanku
ULTRA BRAUN & FOREVER JUNG
In der Ausstellung werden die intimen Porträts und
vibrierenden Stadtlandschaften des afrikanischen Malers
Luigi Christopher Veggetti Kanku (*1979, Kinshasa,
Zaire) präsentiert. Veggetti Kanku greift Beobachtungen
aus dem Alltag auf und porträtiert Straßen sowie Menschen.
Das Individuum erscheint in den Bildern in seiner
Einzigartigkeit und steht stellvertretend für die Gesellschaft.
Emotionen, Einsamkeit und wiederum das Zusammensein
sind die Essenz seiner Bilder. Der Künstler
lebt und arbeitet in Italien.
Der Showdown beginnt. Die Heroes Benedikt Braun
aus Weimar und Marc Jung aus Erfurt geben sich die
Ehre. Ihre Arbeiten können unterschiedlicher nicht sein
– doch treffen sie sich in Körperlichkeit, Direktheit und
inhaltlicher Brisanz.
Luigi Christopher Veggetti Kanku: o.T., 2013
Öl und Acryl, 150 x 150 cm
de freo gallery
Auguststr. 85, 10117 Berlin-Mitte
Opening: 9.11. 15–20h, 10.11.–7.12., Di–Fr 13.30–18h, Sa 12.30–17. 30h
and by appt. 0151 - 55 37 25 30
www.defreogallery.com
Marc Jung: Drohneninspekteur Mr. Wüstenfuchs, 2013
mixed media on canvas, 60 x 50 cm
Galerie | Kunsthaus Erfurt
Michaelisstr. 34, 99084 Erfurt
Opening: 8.11., 20h, 12.11.13–9.1.14, Di–Fr 12–18h
www.kunsthaus-erfurt.de
Gustav Klimt: Johanna Staude (unvollendet), 1917/18
© Belvedere, Wien
Wien – Berlin
Kunst zweier Metropolen. Von Schiele bis Grosz
Die Berlinische Galerie und die Österreichische Galerie
Belvedere präsentieren in einer Sonderausstellung erstmals
gemeinsam zentrale Werke der Wiener und Berliner
Moderne. Das Spektrum reicht von den Secessionen
beider Städte über den Expressionismus bis hin zur
Neuen Sachlichkeit. Die Ausstellung zeigt mit rund 200
Exponaten Meisterwerke beider Sammlungen. Bedeutende
nationale und internationale Leihgaben geben einen
umfassenden Einblick in den intensiven Austausch,
der die beiden Metropolen zu Beginn des 20. Jahrhunderts
miteinander verband.
Berlinische Galerie
Alte Jakobstr. 124–128, 10969 Berlin-Kreuzberg
bis 27.1.14, Mi–Mo 10–18h, Eintritt: 10 €, erm. 7 €
Multimediaguide u. App zur Ausstellung, www.berlinischegalerie.de
Thomas Nyqvist: Untitled (cave), 2013
Öl auf Leinwand, 198 x 300 cm
Thomas Nyqvist – Paintings
In seiner Kunst stellt Thomas Nyqvist die Frage: Welche
Bedeutung haben Marginalien und Ruinen für die Lebenswelt
des Menschen? Der Ausgangspunkt für sein
Werk ist der Abriss von Industriegebäuden in seiner
Heimatstadt Helsinki. Er gestaltet diese Gebäude wie
gefundene Ruinen, der Abriss und seine Mechanismen
werden ausgelassen. Was bleibt ist ein Objekt, das sich
der Kategorie Ruine zuordnet. Nyqvists Hintergrund im
abstrakten Expressionismus wird in den Ruinemotiven
deutlich, bei welchen es sich sowohl in Hinsicht auf den
Inhalt als auf die Form um einen Kampf zwischen Bau
und Zerstörung, Ordnung und Chaos handelt.
Galerie Toolbox
Novalisstr. 7, 10115 Berlin-Mitte
Opening: 1.11. 18h, 2.11.–23.11., Di–Sa 12–18h
www.galerietoolbox.com
Scheitern – Many ways to fail
Smoke & Mirrors
Jeder weiß: Scheitern ist schmerzhaft, aber alltäglich.
Trotzdem sind Erfahrungen des Scheiterns in der westlichen
Welt oftmals negativ behaftet und kratzen am
Selbstbewusstsein. Wie wird das Thema in der Kunst
behandelt? Anna und Bernhard Blume, Marcel Broodthaers,
Miklos Gaál, Claas Gutsche, Eckart Hahn, Mike
Kelley, Lars Ramberg und Natascha Stellmach zeigen
Werke unter der Prämisse „Scheitern als Chance und als
Lebensgefühl“: Missgeschicke und Tiefschläge werden
in Kreativität umgewandelt, mit Humor hingenommen
oder für einen befreienden Neustart genutzt.
Die Ausstellung „Smoke & Mirrors“ nähert sich mittels
der Medien Fotografie und Film in vier künstlerischen
Positionen dem Phänomen der Zeit als Illusion. Gemeinsam
ist den Arbeiten die spezielle Sicht der Künstler, die
das Kontinuum der Zeitachse zu durchbrechen scheinen,
um zwischen Narration und Fiktion zu oszillieren.
Ausstellende Künstler: Frank Bartsch, Nathalie Grenzhaeuser,
Dagmar Tränkle, Mathias Völcker.
Anna und Bernhard Blume: Mondrian Kaputt, 2004
Courtesy Buchmann Galerie, Wagner + Partner and the artist
Galerie Wagner+Partner
Strausberger Platz 8, 10243 Berlin-Mitte
Opening: 22.11., 19h, 22.11.–18.1.14, Di–Sa 13–18h
www.galerie-wagner-partner.com
Dagmar Tränkle: Heilandskirche III, 2013
Chromira-Print, 105 x 85 cm
CIAT – Contemporary Institute for Art & Thought
Zossenerstr. 34, Berlin-Kreuzberg
Opening: 2.11., 19h, 8. u. 9.11., 16–19h or by appt.
Finissage: 15.11., 19h
0178 - 1494336, 0177 - 6436153
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Doppelausstellung
Moki und Vakki: Vergessene Orte
4. Kunstauktion zugunsten der Telefonseelsorge
Moki: o. T., 2011
Acryl auf Holz, 18 x 15 cm
Vakki: Videostill
aus Meshing Things
2010–2013, multi video, 5 min.
Die auf Holz gemalten Acrylbilder der deutschen Künstlerin
Moki beleuchten innere Zufluchtsorte hinter Masken,
zeigen aber auch schutzbietende Behausungen
aller Art. Die Bilder bestechen durch die Reduzierung der
Farbpalette auf Brauntöne, die verschiedenste Holzmuster
nachahmen.
Quietschbunt und poppig verbreiten die Videos der koreanischen
Medienkünstlerin Vakki gute Laune. Die sich
virusartig ausbreitenden Muster und darin collagierten
Werbebilder aus den 1980er-Jahren wirken fremdartig
und vertraut zugleich.
Galerie Bergwasser
Grolmanstr. 16/16A, 10623 Berlin-Charlottenburg
Opening: 8.11., 18h, 9.11.–18.1.14, Di–Fr 10–18h, Sa 11–16h and by appt.
www.galerie-bergwasser.de
Die Auktion zugunsten der Telefonseelsorge ist eine
Institution unter den Benefiz-Kunstauktionen in Berlin.
Der Erlös des Abends fließt auch in diesem Jahr in
die psychologische Betreuung und Weiterbildung der
ehrenamtlich tätigen Mitarbeiter der Berliner Telefonseelsorge.
Auch dieses Mal sollen dringend notwendige
Fortbildungen in der Suizidpräventionsarbeit – Projekt:
„Jugend perspektivlos“ – durchgeführt werden.
Die Benefiz-Auktion lebt vom Engagement zahlreicher
GaleristInnen und KünstlerInnen, die ihre Werke dankenswerterweise
als Spende einliefern. Sie wird getragen
von einer Vielzahl an Kooperations- und Medienpartnern,
die alle auf verschiedene Weise einen Beitrag
zum Gelingen leisten. Und sie wird zu einem Erfolg
durch Käuferinnen und Käufer, die die angebotenen
Werke schätzen und gleichzeitig etwas Gutes mit ihrem
Kauf bewirken wollen.
Als Mitglied der Schirmherrschaft möchte ich Sie herzlich
bitten, sich an der Auktion aktiv zu beteiligen!
Jennifer Becker
Herausgeberin KunST Magazin
Teilnehmende Künstler: Andreas Amrhein, Angelika
Arendt, Inna Artemova, Elvira Bach, Nora Mona
Bach, Gleb Bas, Hannah Becher, Matthias Beckmann,
Josephine Behlke, Anna Borowy, Pola Brändle, Angela
Bröhan, Patrick Cierpka, Gregor Cürten, Mara Diener,
Klaus Fußmann, Andreas Fux, Hans Gaba, Axel Geis,
Albrecht Genin, Lupe Godoy, Viktoria Graf, Oliver Gröne,
Claas Gutsche, Silke K. Hahn, Detlev Halfa, Manfred
Hamm, Andreas Herrmann, Tina Heuter, Thomas Hillig,
Marco Alexandro Ippoliti, Clara Joris, Claudia Kallscheuer,
Ruprecht von Kaufmann, Rinetta Klinger, Seth Koen,
Jakob Kupfer, Willem Julius Müller, Gero Neumeister,
Regina Nieke, Ev Pommer, Barbara Quandt, Friederike
von Rauch, Marco Reichert, Jens-Ole Remmers, Jakob
Roepke, Felix Schneeweiß, Katharina Schnitzler, Florian
Schulz, Daniel Schüßler, Michael Schuster, Tor Seidel,
Tanja Selzer, Anja Sieber, Johanna Silbermann, Ulrike
Stolte, David Streets, Lars Teichmann, Jürgen Tenz,
Ekkehard Tischendorf, Dieter Tyspe, Iva Vacheva, Dietrich
Walther, Detlef Waschkau, Susanne Wehr, Julius Weiland,
Carsten Weitzmann, Andrea Wilks, Stephen Wilks,
Wolfgang Zandt, Majla Zeneli.
Auktionskatalog zum Download und weitere
Informationen auf www.telefonseelsorge-berlin.de
Stilles Leben – Grenzenlos
Vorbesichtigung der Werke:
mianki.Gallery
Kalckreuthstr. 15, 10777 Berlin-Schöneberg
Opening: 31.10., 19–24h, 1.11.–9.11., Di–Fr 15–19h, Sa 11–16h
www.mianki.com
Auktion:
Berlinische Galerie
Alte Jakobstr. 124–128, 10969 Berlin-Kreuzberg
Di, 12.11., 19h
Vorbesichtigung ab 16h
Manfred Schieber: Tulpen, Orchideen, Disteln, 2013
80 x 50 cm, Tempera-, Acryl- und Ölfarben auf MDF-Platte
Die Galerie ROOT am Savignyplatz zeigt eine Ausstellung
mit informellen Acryllackarbeiten von Margit Buß
und Stillleben von Manfred Schieber.
Margit Buß: o.T., 2013, Acryllack auf Leinwand, 130 x 100 cm
Galerie ROOT am Savignyplatz
Carmerstr. 11, 10623 Berlin-Charlottenburg
Opening: 21.11., 19h, 22.11.13–5.1.14, Di–Sa 14–19h and by appt.
Finissage: 5.1.14, 12–17h, Tel.: 030 - 28506074, www.galerie-root.de
Lars Teichmann, Neon Ruler, 2013, Acryl und Lack auf Leinwand
Courtesy: Feldbusch Wiesener, Foto: kein&apel
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Diesen Monat auf www.kunst-magazin.de
4. November 2013
Aktuelle Ausschreibungen
Stipendien, Künstlerresidenzen oder Kreativ-Wettbewerbe
für den Kunst- und Kulturbereich gibt es wie
Sand am Meer. Unsere monatliche Übersicht aktueller
Ausschreibungen zeigt die Deadlines für die kommenden
Monate.
11. November 2013
Wer Kunst liebt, darf Kunst hassen!
Kunst wird heutzutage konsumiert wie Fast Food – und
ebenso schnell wieder vergessen. Nicole Zepter hat mit
„Kunst hassen. Eine enttäuschte Liebe“ ein bissiges
Pamphlet über den Kunstbetrieb geschrieben.
Anni Albers, Wandbehang Nr. 81, 1925
Die Neue Sammlung – The International Design Museum Munich
© Foto: Archiv Die Neue Sammlung
18. November 2013
To Open Eyes. Kunst und Textil vom Bauhaus bis heute
Mit Blick auf die Industriegeschichte der Stadt zeigt die
Kunsthalle Bielefeld eine Ausstellung zum Textilen in
der Kunst. Ein spezieller Fokus der Ausstellung gilt der
Bauhauskünstlerin Benita Koch-Otte. Auch gezeigt werden
Arbeiten von Anni Albers, Blinky Palermo, Sigmar
Polke und Olaf Nicolai.
Impressum | Imprint
KUNST Magazin / KUNST Verlag, Berlin
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Tel.: 030 - 61 20 23 24 und 030 - 43 92 58 29
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Herausgeberin: Jennifer Becker (v. i. S. d. P.)
Chefredaktion: Julika Nehb
Redaktion & Texte: Friederike Biebl, Natascha Kirchner,
Anna Knüpfing, Agathe Power, Steffi Weiss, Ralf Sommer
Übersetzungen: Brian Poole, Judith Rosenthal
Lektorat: Sina Gesell
Gestaltung: Anna Reemts
Onlineredaktion: Julia Schmitz
Webdesign: Marius Bruns, www.robinson-cursor.de
Druck: Druckerei Conrad GmbH, www.druckereiconrad.de
Distribution: DHL GoGreen – wir versenden klimaneutral,
Deutsche Post Pressevertrieb
Erscheinungsweise: 40 000 Exemplare, 10-mal im Jahr,
Doppel ausgaben: Juli/August und Dezember/Januar
Es gelten die Mediadaten 2013.1
Alle Ausstellungshinweise im KUNST Magazin sind für
Galerien, Museen und Ausstellungshäuser kostenpflichtig.
Eine tagesaktuelle Übersicht zu allen Veranstaltungen im
KUNST Kontext in Deutschland finden Sie im Kalender auf
www.kunstmagazin.de
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