Anlage Jurybegründungen - RIS

Anlage
Jurybegründungen
Einzelprojektförderung für freie Theatergruppen
Die Bairishe Geisha/Judith Huber: „Pornokabarett“
Wieder einmal erfindet sich die Bayerische Geisha neu: Inspiriert durch ein Arbeitsstipendium der
Landeshauptstadt München zum Thema Schamanismus begeben sich Judith Huber und Eva Löbau
diesmal auf Erkundungsreise in die unheimliche Wirklichkeit der Striptease-(Un-)Kultur. Ort
des Geschehens ist das kuriose „Cabaret Eve“ in der Nähe des Hauptbahnhofs, wo seit Jahrzehnten
im immer gleichen Ambiente weibliche Körper einem vorwiegend männlichen Publikum zur
Schau gestellt werden.
Den verborgenen Ritualen und Codes, aber auch der komischen Dimension des Ausziehens und
Begaffens, der Maskerade der Weiblichkeit wollen die beiden Bairishen Geishas aus einem ethnologischen
Blickwinkel auf die Spur kommen: sie erzählen dem Publikum die Geschichte des Cabarets,
seiner Akteurinnen und ihrer männlichen Zuschauer in Liedern, Sketchen und Choreographien.
Die Jury ist gespannt auf die Auseinandersetzung des Künstlerinnen-Duos mit dem Münchner
Rotlichtmilieu und spricht sich für eine Förderung in Höhe 40.000 € für dieses verheißungsvolle
Projekt aus.
Holger Dreissig: „23. Stunde : Verwaltungsperformance : Tapetentür“
Seit 1992 hat Holger Dreissig mit seinen Verwaltungsperformances und mit der JEANSGRUPPE
die Münchner Theater- und Performancelandschaft bereichert. Bei der Performance handelt es
sich um einen 24-teiligen Zyklus von der 1. Stunde bis zur 24. Stunde. Es sind die Alternativen, die
Möglichkeiten neben den Möglichkeiten, die Umwege des Erzählens, die Dreissig als collagiert bespieltes
„Bühnengemälde“ immer wieder gekonnt und überraschend umsetzt. Die Wurzeln seiner
Theaterprojekte finden sich in der Bildenden Kunst. „Verwaltungsperformance“ beschäftigt sich mit
Formzwängen, in die unser Leben gepresst ist (gesellschaftliche Regeln, kultureller Kontext, Logik,
Sprachgebrauch, Tabus, Mode etc.) und begibt sich auf die Suche nach allem, was sich der Verwaltung
entzieht (z. B. unmittelbare Körperlichkeit, Wahn, Tod, Traum, Schmutz und ekstatische
Zustände).
Bei dem aktuellen Projektantrag für die 23. Stunde ist „Tapetentür“ das Thema. Verwaltungsperformance
ist wieder Science Fiction, utopisch, dystopisch. Hier knüpft die 23. Stunde an die Zeitreise
an. Das Vorbereitetsein auf den Ernstfall will Holger Dreissig mit dem Rüstzeug des Geistigen in
seinem Theater umsetzen. Auf seine Art will Dreissig nicht die Zeit anhalten, sondern in der Zeit
reisen, Zukunft erfinden. Die „Tapetentür“, die keine Tür sein will, sondern sich als Teil der Wand
verkleidet, ist Bild für das Rätsel dahinter. Die Zuschauer sind, mit weißen Schutzanzügen uniformiert,
in Methylblaunebel gehüllt und erwarten das „visionäre Vehikel“, das aus dem Nebel auftaucht.
Mit acht Darstellern und Darstellerinnen will Holger Dreissig die “Tapetentür“ 10 Tage ins i-
camp bringen. Die Jury möchte mit Holger Dreissig hinter die „Tapetentür“ schauen und empfiehlt,
dem Antrag zuzustimmen und das Projekt mit 45.000 € zu fördern
Ruth Geiersberger: Projekt: „Sososososo – Andachtsübungen“
Angeregt durch einen – mit Hilfe eines Arbeitsstipendiums der Landeshauptstadt München ermöglichten
– Aufenthalt in Japan und einer Begegnung mit der Autorin Yoko Ogawa wird Ruth Geiersberger
das Münchner Publikum auf behutsame und zugleich raffinierte Weise zu Andachtsübungen
im öffentlichen Raum entführen und verführen.

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Ausgangspunkt ist die Staatliche Münzsammlung in der Residenzstraße. Drei Wochen lang
errichtet die Münchner Performerin dort ein temporäres Büro. Von dort aus wird sie – zusammen
mit einem Team von Musikern und Performern – in der Münzsammlung selbst sowie an
verschiedenen Orten der näheren Umgebung sieben prägende Situationen und Momente
der Stille schaffen: der scheinbar so vertraute und flüchtige Alltag soll mit einem Stempel des
Außer- und Ungewöhnlichen versehen werden.
Mit ihren auf den ersten Blick unspektakulären kleinen Szenarien hat Ruth Geiersberger, die
große Meisterin der kleinen Form, schon oftmals ihr besonderes Talent unter Beweis gestellt,
theatrale Momente geschickt mit sozialen Interventionen zu verknüpfen. Ihre Kunst konzentriert
sich auf die Verzauberung des Banalen, das Schaffen kleiner Inseln der Ruhe inmitten
der Hektik der Großstadt, das Aufblitzen des Persönlichen und Privaten in der anonymen Zufallsbegegnung.
Daher befürwortet die Jury eine Förderung dieses Projekts mit 33.500 €.
Fake[to]Pretend GbR/Tobias Ginsburg: „Neuland. Eine radikale Revue“
Tobias Ginsburg und Fake[to]Pretend begeben sich auf die Suche nach Utopien. In einer
journalistisch ausgerichteten Recherchephase suchen sie Orte, an denen das Herz links
schlägt. Und finden sie: in einer autonomen Kommune, einer antiimperialistischen Altpunkband,
der Ortsgruppe der MLPD in Bad Tölz. Inspiration für diese Recherche war das kontrovers
diskutierte politische Essay „Der kommende Aufstand“ eines unbekannten Autors oder
Autorenkollektivs namens „unsichtbares Komitee“, das eine Gesellschaft von selbstverwalteten
lokalen und ökonomischen Organisationen proklamiert. Einen ganz ähnlichen utopischen
Gedanken fand Ginsburg in Theodor Herzls Roman „Altneuland“ von 1902, in dem der Begründer
des politischen Zionismus die Errichtung eines freien, sozialen, multiethnischen und
genossenschaftlich statt staatlich organisierten Gemeinwesens in Palästina durch die „neue
Gesellschaft“ fiktionalisiert. Die Existenz des Staates Israel oder wie man zu ihm steht, ist
aber spätestens seit den späten Sechzigern eine Gretchenfrage der deutschen Linken.
Das Filmmaterial über linke Utopien wird dem dokumentarischen Ansatz der Gruppe folgend
gemeinsam mit den Schauspielern ausgewertet, es wird einem Reenactment der Figuren auf
der Bühne gegenübergestellt und mit Textstellen aus Herzls Roman gebrochen bzw. gegengeschnitten,
um immer wieder auch die Frage nach dem heiklen deutsch-israelischen Verhältnis
aufzuwerfen. Für ihre Darstellung bedienen sich Fake[to]Pretend unterschiedlicher
Theaterformen: das Brecht’sche Lehrstück, ein theatrales Tribunal, Kipphardt’sche Analogszenen
oder ein Arbeiterchor bestimmen das dramatische Geschehen. Die Suche nach einer
lebbaren Utopie innerhalb dieser Theorien bestimmt den Abend und soll zumindest auf der
Bühne ein neues Neuland entstehen lassen. Die Jury ist überzeugt vom theatralen und gesellschaftspolitischen
Potential dieses Ansatzes und empfiehlt daher eine Förderung in Höhe
von 30.000 €.
Hunger & Seide/Jochen Strodthoff: „Freundschaft“
Mit dem einen knappen Wort „Freundschaft“ bezeichnet die Performancegruppe Hunger &
Seide pointiert ihr neues Projekt, hinter dem vielschichtige Überlegungen stehen. Da unsere
Gesellschaft in verschiedenste Gruppierungen parzelliert ist, die meist in keiner Beziehung
zueinander stehen, existiert ein gemeinsames Ganzes nur als Denkmodell. In der Realität
ist die Gesellschaft zersplittert, das Individuum verunsichert, in verschiedene Identitäten zerrissen.
Zwar eröffnet sich für den Einzelnen eine Vielfalt an Wahlmöglichkeiten, aber er fühlt
sich irritiert, nie aufgehoben und nirgendwo vollkommen zugehörig. Wir befinden uns – so
die Formulierung von Hunger & Seide – in einem „Splitterkosmos“.

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Demgegenüber geht die Theatergruppe auf den Mikrokosmos zurück, setzt an der Wurzel
der Gesellschaft an, der Beziehung der Menschen zueinander und sucht nach einem Modell
des Miteinanders: das ist für sie die Freundschaft. Freundschaft untersteht keiner Gesetzesregel,
unterliegt aber Ritualen, die sie bindet und zusammenhält. So werden drei real existierende
Freundschaften befragt, in den Mittelpunkt des neuen Projektes gestellt und als Gegensatz
zu „Freundschaften“ in sozialen Netzwerken positioniert.
Der Topos Freundschaft ist ein seit der griechisch römischen Antike tradierter Topos, aber
aktuell für uns heute und ganz besonders signifikant für die Forschungsarbeit der
Performancegruppe Hunger & Seide. Ihr letztes hoch brisantes Projekt „Prepper“, das die
Performer im Januar 2013 in der Muffathalle zeigten, beschäftigte sich mit dem Gegenteil:
dem Egoismus der Einzelnen, die sich bis aufs Messer bekämpfen, gerade in einer
Katastrophe, in der das Gegenteil gefordert wäre – Solidarität, Zueinanderhalten,
Freundschaft. So ist dieses zukünftige Projekt im Sinn eines künstlerisch gesellschaftlichen
„Kosmos“ der Gruppe eine konsequent logische Folge innerhalb der spannenden,
überzeugenden Theaterarbeit von Hunger & Seide. Die Jury befürwortet daher eine
Förderung in Höhe von 43.000 €.
Berkan Karpat: „11 koranische Installationen zum Thema Lobpreisung (Dhikr) in aller
Weisheit“
Berkan Karpat inszeniert seit 1998 in München und mittlerweile weltweit großformatigopulente
multimediale Installationen im genau bestimmten urbanen Kontext. Er nennt seine
Arbeiten „szenische Topografien“ als poetische Überlagerung der kartografischen Skizzierung
von Wirklichkeit und Fiktion. Bei seinen Projekten entstehen unterschiedlichste audiovisuelle
Perspektiven und Projektionen. Erleben und Teilnehmen, Beobachten und Reflektieren
machen die Performance jeweils zu einem Erlebnis, das die determinierende Theatersituation
von Bühne und Zuschauerraum weit hinter sich lässt. Berkan Karpat, 1965 in Istanbul
geboren, lebt seit seinem zweiten Lebensjahr in München. In seinen Werken verbindet er –
das ist kennzeichnend für seine Arbeiten – den östlichen Kulturhintergrund mit westlichen
Rationalismen. In diesem Sinn bewegen sich seine künstlerischen Performances und Installationen
zwischen Mystik und Wissenschaft, Poesie und Historie. Für das Projekt „Die Weitung
– 11 koranische Installationen“ will Karpat den Koran als Manifest der Ästhetik, wie er
jahrhundertelang verstanden wurde, wieder aufleben lassen. Reflektiert wird über die veränderte
Rezeption der Schrift. In Zusammenarbeit mit den Rifai-Derwischhorden wird eine
neue darstellende Form für die Vortragskunst erarbeitet. Zentrales Element für die Installation
ist Wasser, das als Reflexionsmedium für die Rezitative dient. Eine aufwendige Klanginstallation
überträgt die Töne bis zu einer Distanz von 7 Kilometern und versetzt Stahlplatten,
die Teil der Installation sind, in Schwingungen. Die den Installationen zugrunde liegenden
Themen sind: Lobpreisung (Dhikr) in aller Weisheit – 1.0 Dhikr im Wasser – 1.8 Haben wir
nicht die Brust geweitet – 1.11 Bringt mir die schönste Blume.
Die Jury erwartet eine starke poetisch-theatrale Installation und empfiehlt, das Projekt mit
50.000 € zu fördern.
Stefan Kastner: „Germania 2 – Paradiso“
In Stefan Kastners letztem Projekt „Germania 1 – Dinkelhofen“ ging es um die bayerische
Heimat und die ganze Welt, um den Müttergesangsverein und Adorno, um Kaiserin Theodora
und Langhans, um Cohn-Bendit und das Irrenhaus, um den weltkulturwahnsinnigen Bürgermeister
von Dinkelhofen, um Byzanz, Göttinnen und Tanzlehrer. Musik, Schauspiel und

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Choreographie verband der Autor, Regisseur und Darsteller Stefan Kastner zu einem bezaubernden
surreal-poetischen Geflecht. Die Kritikerin Sabine Leucht schrieb in der SZ, „Vernetzungskunst“
sei das „Alleinstellungsmerkmal“ Kastners. Die Grundlage für diese Kunst ist die
Ausbildung Stefan Kastners zu einem professionellen Opernsänger, einem Beruf, den er
auch heute noch ausübt.
Konsequent entwickelt er in seinem neuen Projekt „Germania 2 – Paradiso“ das Paradies
des Opernbetriebs weiter - mit Leidenschaft und Liebe geleitet von Direktor Bachmaier.
Bachmeier ist zugleich Besitzer des Tabledance-Clubs „Paradiso“, in dem die „ausrangierten
Damen“ des musiktheatralen Fachs untergebracht und von der Mutter des Intendanten - „einer
Bekanntheit der Münchner Maximilianstraße“ - umsorgt werden. Opernarien aus „Aida“,
Tenorgesänge wie Donizettis schmelzendes „Una furtiva lagrima“ durchziehen Opernhaus
und Stadt – „Oper für alle“ – ; und inmitten der Intendantenträume Bachmaiers von einer
neuen Oper sitzen Hans Werner Henze und Ingeborg Bachmann in der Fußgängerzone –
mit sehnsuchtsvollem Blick nach Süden – Italien, Italien, Italien. Aber noch sind sie in
Deutschland....
Mit großer Neugier und Spannung erwartet die Jury das humorvoll-musiktheatrale Kompositum,
das paradiesisch-verwickelte Vernetzungskunstwerk von Stefan Kastner mit einem herausragenden
musikalisch-schauspielerischen Ensemble. Die Jury empfiehlt eine Förderung
in Höhe von 43.000 €.
Bülent Kullukcu: „Die Robotermärchen“
Das Kollektiv um Anton Kaun, Dominik Obalski und Bülent Kullukcu hat bereits bei drei interdisziplinären
Theaterinstallationen zusammengearbeitet. Dabei haben die Künstler, die in
den Bereichen Musik, Bildende und Videokunst und Regie zu Hause sind, tatsächlich eine
ganz eigene Theatersprache kreiert, die fast gänzlich ohne Darsteller auskommt. Vordergründig
kindliche Modelllandschaften und Plastikfiguren dienen als Austragungsorte von
Krieg und Gewalt. Sie werden mit der Handkamera gefilmt und groß projiziert. Denn das ist
ihr Thema: Wie die Gewalt in die Welt kommt. Ursachen und Gründe hierfür sehen sie - wie
ihre Vorbilder Karl Kraus oder Elias Canetti - im immer wiederkehrenden Übel des Nationalismus.
In ihrer neuen Arbeit „Robotermärchen“ nach Stanislaw Lem erforschen sie, wie „solche
nationalen Tendenzen entstehen und sich mit größter Radikalität und Zustimmung behaupten
können.“ Die Menschen in einer von Kaun-Kullukcu-Obalski imaginierten Zukunft kommen
ohne Kontakte zueinander aus, lernen und existieren nur noch mittels Nanochips, die
man mit der Luft einatmet, und ähneln eher Robotern als Menschen. In Lems „Robotermärchen“
leben die Roboter, die Menschen allerdings kommen nur noch als hässliche Bleichlinge
vor. Die Technisierung ist beinahe vollendet. Die Theaterabende des Kollektivs sind Ausflüge
in ein Multimedialabor, in dem künstliche Stimmen, Projektionen, Industrie- und Kriegslärm
sowie Musik live gespielt, gefilmt und gesampelt werden. Das Publikum sieht den Herstellern
bei der Verfertigung ihres multimedialen Science-Fiction-Theaters zu. Die Jury empfiehlt
für dieses im besten Sinne moderne Theaterprojekt eine Förderung von 28.000 €.
ORPHEUS GbR/Martina Veh: „STYX orfeo's past now“
Hinter der Produktionsfirma "Orpheus GbR", die das Projekt "STYX orfeo´s past now" herausbringen
möchte, stehen die Namen Martina Veh, Christopher Robson und Alexander
Strauch, drei Künstler, die in der freien Münchner Musik- und Theaterszene nicht vorgestellt
werden müssen. Neu an diesem Projekt ist von den Machern aber die Behandlung der verschiedenen
Zeit – Raum – Ebenen, die in die „alte“ Geschichte von Orpheus und Eurydice

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eingezogen werden: ein alter Orpheus, der als Museumswärter in einer Asservatenkammer
unserer kulturellen Wurzeln auf seine bevorstehende Verrentung wartet; Ausstellungsstücke,
deren letzte Aufgabe es ist, von der zu Ende gehenden Zeit eines verdämmernden
Humanismus zu künden und die es immer noch nicht geschafft haben, die ihnen gemäße
Plätze in ihrer Ausstellung zu finden; eine Frau namens „Eurydice“, deren pure Anwesenheit
die Hörwelt von Orpheus (= die Musik Monteverdis) mit Klängen Neuer Musik überschneidet
und somit die Erinnerung eines alten Mannes zum Verschwinden zu bringen droht. Damit
wird gleichzeitig der Museumsraum als Gefäß für Vergangenes ad absurdum geführt.
Das Projekt soll eine permanente Raum-, Vergangenheit-, Gegenwart-, Zukunft-, Privatheit-
Öffentlichkeit-, Hör- und Sehgewohnheiten durcheinanderwirbelnde Grenzüberschreitung
werden. Die künstlerischen Verfahren geben sich die Künstler/innen selbst in die Hand (z. B.
über die Instrumentierung). Geichzeitig soll – ähnlich einem physikalischen Feldversuch –
mit musiktheatralischem Handwerkszeug über das Verhältnis von privaten Erinnerungsfähigkeiten
in Abhängigkeit von weltweit öffentlichen Kommunikationsherausforderungen geforscht
werden. Die Jury empfiehlt daher eine Förderung von 42.000 €.
Helga Pogatschar: „Leben + Tod von Nora Gomringer“
Die Komponistin Helga Pogatschar will ein surreales Vexierspiel-Musiktheater schaffen, für
das die bekannte Schriftstellerin Nora-Eugenie Gomringer ihre eigene Vita bis hin zu ihrem
Tod schreibt. Drei Frauen (Gesang / Tanz / Schauspiel) auf der Bühne in verschiedenen Lebensabschnitten
zeichnen das Leben der "Nora Gomringer" nach, denken es gleichzeitig
vorweg und setzen diesem vorgegebenen Lebensentwurf ihren eigenen Widerstand entgegen.
Dabei setzt Helga Pogatschar mit ihrer Komposition ganz auf die Formen "Kunstlied"
und "Kammermusik", die von futuristischen und dokumentarischen Soundlandschaften ergänzt
werden. Das ist nach Meinung der Jury eine förderungswürdige, weil konsequente
Weiterentwicklung des kompositorischen Schaffens von Helga Pogatschar, die mit ihren
Streichquartetten in MYSTERY und ABTEILUNG 13 eindrücklich unter Beweis gestellt hat,
wie viel künstlerisches Potential gerade in den kleinen musikalischen Formen für die große
Form Musiktheater zu entdecken ist.
Ein Projekt, das nicht nur ein inhaltliches Vexierspiel zu werden verspricht, sondern auch absolute
Musik und Formen des Musiktheaters in andere, in neue Beziehungen bringen und so
der gängigen ästhetischen Praxis des zeitgenössischen Musiktheaters einen wichtigen Impuls
geben kann. Die Jury empfiehlt daher eine Förderung in Höhe von 48.000 €.
Sommertag GbR/Waltraud Lehner: „Sommertag“
Der Komponist Nikolaus Brass, die Regisseurin Waltraud Lehner und die Kostümbildnerin
Katherina Kopp haben sich zu einem Dreierteam zusammengeschlossen, um in dem Musiktheaterprojekt
„Sommertag" Sprache, Musik und Bilderwelten in integraler Weise zu verbinden.
Grundlage für „Sommertag" ist das gleichnamige Stück von Jon Fosse, dessen karge,
aber rhythmisch reiche Sprache idealen Raum zur Musikalisierung bietet. Das Geschehen
entwickelt sich gleichsam aus der „Musik" des Textes an der Schnittstelle zwischen Musiktheater
und Klanginstallation. Alle Akteure greifen über die Hervorbringung von Musik hinaus
in den szenischen Ablauf ein und agieren interaktiv miteinander und mit dem Zuschauer, der
auf diese Weise Teil des Prozesses wird. In einem „integralen" Raum, in dem Zuschauerraum
und Bühne nicht getrennt sind, geht es um Lebenszeit, um eine theatrale Umsetzung
in Echtzeit.

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Dieses Konzept ist so spannend und überzeugend, dass gleich zwei Festivals außerhalb
Münchens zugesagt haben, Folgeaufführungen zu realisieren. Die Zusammenarbeit mit
renommierten Musiker/innen spricht dafür, dass eine Umsetzung des Projektes auf einem
sehr hohem Niveau zu erwarten ist. Daher befürwortet die Jury die Förderung des Projekts
„Sommertag" mit einem Betrag von 55.000 €.
Testset GbR/Gesche Piening: „Kunst von glücklichen Künstlern"
Testset, das sind die Schauspielerin und Regisseurin Gesche Piening und der Medienkünstler
und Designer Ralph Drechsel. Mit ihrem einigermaßen provokanten Projekt „Kunst von
glücklichen Künstlern“ möchten sie den Standortvorteil der Stadt München dadurch signifikant
erhöhen, dass ihre Gruppe Testset der Stadt ihre kreativen Ressourcen zur Verfügung
stellt, und zwar durch saubere, man könnte auch sagen, faire Kunst. Dabei folgen sie dem
Denkansatz, dass – analog zur artgerechten Hühnerhaltung – ein glücklicher, weil von ökonomischen
Zwängen befreiter Künstler, mehr oder bessere Eier legt, in diesem Fall die bessere
Kunst erzeugt. Dafür benötigt er wiederum Zeit, die ihm die Stadt in Form einer Förderung
schenkt.
In 15 Testsets wollen sie diese Hypothese unter Beweis stellen und der Stadt eine Rendite in
Form von Kunstgenuss bzw. gehobener Freizeitgestaltung auszahlen. Rendite wird in der
Regel von einer Firma erwirtschaftet, also verpacken sie ihr Projekt in eine Firmengründung,
die vor den Augen der Öffentlichkeit stattfinden soll, zum Beispiel in Form einer öffentlichen
Bilanzierung, einer Pressekonferenz im World-Wide-Web, einem Investorenstammtisch, einem
Geschäftsbericht, einer offiziellen Labeleröffnung oder einem Hörbuch. Der Projektantrag
spielt intelligent mit den Stereotypen von Marketing und Verkauf, experimentiert mit der
Selbstreflexion von Künstlern, stellt sie in den ihnen sonst fremden Zusammenhang mit
Mehrwerterzeugung und behauptet: „Unser Ziel ist die absolute Bereicherung“. Die Jury ist
neugierig auf die dramaturgische und performative Umsetzung dieses Experiments und befürwortet
eine Förderung mit 30.000 €.
Theater FischundPlastik/Eos Schopohl: „Wellen - eine Suche nach dem verlorenen
Ich“
Eos Schopohl und ihr Theater FischundPlastik erkunden seit vielen Jahren fremde Spielorte.
Ihr Thema ist die kulturelle Identität von Menschen. In zahlreichen Projekten hat Eos
Schopohl mit einem bewährten Team seit 1993 transnationale Projekte mit internationalen
Darstellern auf die Bühne gestellt und dabei einen klugen Umgang mit literarischen und dramatischen
Texten bewiesen. In ihrem neuen Projekt wird sie mit zwölf Schauspielern verschiedener
Sprachen und Nationen die literarischen Figuren aus Virgina Woolfs „Wellen“ mit
den Schicksalen und Identitäten von Menschen aus den Kolonien verknüpfen, die Großbritannien
vor dem Zusammenbruch des britischen Empires beherrschte. Damit sollen die
Spätfolgen der Kolonisation aufgezeigt werden: Viele Menschen fliehen aus diesen Gebieten,
in denen heute Krieg oder Armut herrscht, in die erste Welt. Sie erleiden einen Bruch in
ihrer Biografie, da sie ihren gesellschaftlichen Status verlieren und nicht mehr als Individuen
wahrgenommen werden. In einer Art Überblendungstechnik legt Eos Schopohl die tatsächlichen
Biografien der Darsteller über die der Romanfiguren, spiegelt das Vertraute im Fremden
und betont die Schnittmengen der verschiedenen Charaktere. Mit der leerstehenden
Kantine der Bayernkaserne hat die Regisseurin einen Spielort gewählt, der die gesellschaftliche
Brisanz des Themas zum Tragen bringt, sind dort doch Asylbewerber untergebracht. Die
Jury ist gespannt auf eine intelligente und auch literarisch anspruchsvolle Auseinanderset-

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zung mit dem hochaktuellen Thema Fremdsein und Migration und befürwortet eine Förderung
in Höhe von 50.000 €.
Jörg Witte: „Fast ein bisschen Frühling“
In "Fast ein bisschen Frühling" (eine wahre Geschichte nach dem gleichnamigen Roman von
Alex Capus) wird die Geschichte von zwei Männern - Kurt Sandweg und Waldemar Velte -
erzählt, die sich zu Beginn des Dritten Reiches auf den Weg nach Indien machen, um ein
besseres Leben zu finden. Da sie mittellos sind, begehen sie kurz nach Beginn ihrer Reise
ihren ersten Bankraub und erschießen zwei Bankangestellte. Ab jetzt sind sie auf der Flucht.
In Basel verliebt sich Waldemar in die Schallplattenverkäuferin Dorly, die von den beiden lebensfrohen
Männern bezaubert ist. Die Beiden versuchen, in Basel das notwendige Geld
durch weitere Banküberfälle zu erbeuten. Sieben Menschen verlieren ihr Leben. Am Ende erschießen
die beiden Männer sich selbst. So weit eine normale "Bonnie and Clyde" – Geschichte.
Das Besondere dieses Abends entsteht jedoch durch die Festlegung der Perspektive,
aus der die Geschichte erzählt wird: Dorlys Sehnsucht nach Glück, das nie geborene
Kind von Dorly, Waldemar als Baby-Puppe und gleichzeitig eine permanente "Was wäre gewesen,
wenn ..." Variante. Die Geschichte wird vor den Augen der Zuschauer verhandelt. Es
gibt kein Gericht, keinen Richter, die Form ist trotzdem die der Verhandlung, der Verhandlung
der Figuren und der Beteiligten untereinander.
Konsequent wird dadurch die weitere Besetzung entwickelt: Dorly wird gespielt von einer
Performerin, die sich selbst zum Geschehen verhalten kann. Die beiden Männer sind Puppen,
die sich beschweren, Falsches von sich erzählen können und versuchen, sich in ein
besseres Licht zu stellen. Der Puppenspieler, der sie führt, kann aus- und einsteigen, die
Puppen teilhaben lassen an der Geschichte, sie vorantreiben oder anhalten und natürlich
sich auch selbst äußern. Alle - auch die Musikerin - spielen mit-, aber auch gegeneinander;
sie versuchen die Zuschauer, die einer Verhandlung beiwohnen, auf ihre Seite zu bringen,
sie nach ihrer Meinung zu befragen, sie zu ihren Komplizen zu machen.
Die vorgesehene Besetzungsstruktur lässt außergewöhnliche Möglichkeiten vielschichtiger
Figureninteraktionen zu, die direkt zu der eigentlichen Frage dieser Produktion führt: was
dürfen, was müssen, was können wir riskieren, um in unserer Gesellschaft individuelles
Glück zumindest partiell zu verwirklichen. Die Jury empfiehlt eine Förderung von 27.000 €.
Debütförderung
CADAM/Dominik Müller: „Germania - Next Topmodel (AT)“
Auf der Grundlage der Fernsehserie „Germany’s Next Top Model (GNTM)“ von Heidi Klum
wollen sich Dominik Müller und Anna Wieczorek als künstlerische Projektleiter mit der Geschichte
des deutschen Frauenbilds auseinandersetzen – von „Germania“ bis zum weiblichen
Topmodel heute. Das Projekt macht sich auf die performative Suche nach Posen und
Bewegungen, die typisch sind für deutsche Frauenbilder, untersucht ihre leitmotivische Funktion
seit dem 19. Jahrhundert, bis zu heutigen Model- und Sexposen in Werbung, Film, Fernsehen
und Printmedien. (Die neuerlich begonnene „Sexismus“- Debatte qualifiziert das Projekt
geradezu als top-aktuell.) Gezeigt werden Film- und Fernsehbeispiele, historische und
aktuelle Quellen in Form von Textpassagen, Videoausschnitten, Musikeinspielungen und verschiedenen
O-Tonfolgen. Im Mittelpunkt soll ein Performer stehen, der sich mit diesen Rollenbildern
im Kontext und den ihnen zugeordneten Bewegungen und Posen auseinandersetzt
und mit seinem Performerkörper in einen multimedialen Dialog tritt. Die Projektleiter/innen
wollen zudem ein wissenschaftlich-theoretisches Begleitprogramm in Diskussionen mit
Gendertheoretiker/innen, Theater- und Medienwissenchaftler/innen erstellen. Die ästhetische

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Umsetzung ihrer Ideen ist allerdings noch offen, sie befinden sich auf der Suche nach einem
speziellen Performer, „einer Art von Körperlichkeit auf der Bühne, wie es sie in München
bislang selten zu sehen gab“. Die Jury befürwortet – nach einem Pilotprojekt im Bereich Tanz
– die Vergabe einer Debütförderung im Bereich Theater an CADAM in Höhe von 12.000 €.
Arbeits- und Fortbildungsstipendiien
Emre Akal und Tunay Önder: Forschungsprojekt „Wörterayntoff“
Tunay Önder, gebürtige Münchnerin mit türkisch-tscherkessischem Migrationshintergrund, ist
freischaffende Soziologin und Ethnologin. Sie studierte in Istanbul und Heidelberg und arbeitet
seit 2009 als Bloggerin, Regieassistentin und Projektleiterin für zahlreiche Dokumentarprojekte
in der Freien Szene und an den Münchner Kammerspielen, wie zum Beispiel „Gleis
11“ von Christine Umpfenbach. Sie leitete dort auch die Redaktion für den Stadtatlas „südliches
Bahnhofsviertel München“. Der Schwerpunkt ihrer Arbeit liegt auf dem Thema Migration.
Emre Akal ist gebürtiger Münchner mit türkisch-griechischem, albanisch-georgischem,
sefardischem Hintergrund. Er ist Autor zahlreicher Theaterstücke, Schauspieler und Regisseur.
Als Autor und Regisseur der Performance „Die Schafspelzratten. Eine migrantische Live-Studie“
im Import-Export erhielt er im Jahr 2012 eine Debütförderung der Landeshaupstadt
München im Bereich Theater.
Beide Künstler stellen als Dokumentaristen gemeinsam den Antrag auf ein Stipendium für
eine Recherche zu neuen zweisprachigen Wortzusammensetzungen und -neuschöpfungen,
die sie in einem Wortatlas zusammenführen und präsentieren wollen, den sie mit Witz “Wörterayntoff“
nennen, was so viel bedeutet wie „Wörtereintopf“. Schon in dieser Sprachneuschöpfung
lässt sich der Reichtum erkennen, der in der Vielfalt und Originalität gegenwärtiger
Sprach- und Sprechwelten in Deutschland vorhanden ist. Sie wollen auf die Suche gehen,
recherchieren, Wörter sammeln für ihren „Wörterayntoff“ wie „schutudgart“ – Stuttgart
oder „doycland“ – Deutschland und andere mehr, um ihn später als wundersame Originalitäts-
und Qualitätsschöpfung in Form einer Installation und multimedialen Inszenierung vorzustellen.
Über die originäre Idee dieser neuen Art von Sprachforschung, die den Zusammenstoß
verschiedener Kulturen nicht negativ als Clash zeigt, sondern mit Humor und Esprit
die positiven Seiten eines interkulturellen Miteinanders darstellt, hat sich die Jury gefreut und
empfiehlt die Vergabe eines Arbeitsstipendiums in Höhe von 4.000 €.
Institut für Glücksfindung/Stefanie Fleckenstein: Veröffentlichung der
„Forschungsberichte“
Das Kollektiv '“Institut für Glücksfindung“, das basierend auf einer Idee von Peter Kroher im
Jahr 2010 von Michael Bischoff und Florian von Hoermann initiiert wurde, bewegt sich auf
dem Grat der darstellenden und bildenden Kunst. Seither bereicherte das Institut die Münchner
Theaterszene mit Interventionen und Performances. Das Institut forscht interdisziplinär
auf der Suche nach einem Arbeits- und Darstellungsstil. Bei dem 2010 geförderten Projekt
#EINS und der Wiederaufnahme und Erweiterung mit #ANDERTHALB wurde der Zuschauer
in einer kaleidoskopischen Raum- und Charakterencollage auf der teils erschütternde, teils
versöhnliche Glückssuche mitgenommen. Philosophisches Denken und individuelles Empfinden
setzen die Kontraste, aus denen die Collage entsteht, die ein facettenreiches Gebilde
aufbaut. Bei dem gefördertem Projekt #SIEBEN.SIEBEN ging das Kollektiv im Rahmen einer
Feldforschung auf die Suche nach „Widerständen“ im Stadtraum. Bei dem Antrag auf ein Arbeitsstipendium
sollen die bisherigen Projekte des „Instituts für Glücksfindung“ in einer Publikation
zusammengefasst, hinterfragt und präsentiert werden. Das Thema ist das Ausloten

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der Spannweite von Archiv und Performance. Der Bericht soll aus Essays und Interviews
zusammengesetzt werden, d. h. aus Material, das auf der Forschungsreise des Instituts
gesammelt wurde. Das „Institut für Glücksfindung“ nutzt bewusst mit seiner
Namensgestaltung eine Anleihe aus der Wissenschaft. Es geht aber hier um künstlerischassoziative
Forschung. Die Jury ist von der kollektiven Kraft des Instituts überzeugt und sieht
die gewählte Form der künstlerischen Dokumentation als ein, für das Arbeitsstipendium
geeignetes Format an.
Christina Ruf: Recherche „Performance-Reihe ABCC11“
Seit fast zwanzig Jahren entwirft Christina Ruf theatrale Projekte, die sich im Dialog mit dem
Privaten und dem Öffentlichen unseres städtischen Zusammenlebens befassen. Forschungsobjekt
sind akustisch-visuelle, real-virtuelle Räume. Sie werden Bühne und Kulisse.
In der Vorbereitung der Performance-Reihe „ABCC11“ will Christina Ruf sich mit gemeinschaftlichen
Wohnformen beschäftigen. Sie sucht sich dazu zwei prototypische Architekturexperimente
aus - die „Unité d' Habitation“ in Marseille und das Dominikanerkloster „La Tourette“
bei Lyon von Le Corbusier. Christina Ruf will teilhaben am alltäglichen Leben an den
beiden Orten - heute und jetzt. Sie will Interviews führen und diese dokumentieren. Die
Künstlerin will die ursprünglichen architektonischen Utopien reflektieren und den Bezug zum
heutigen Lebensalltag der beiden Häuser bringen. Ihr Vorhaben befasst sich mit der
„Dis/Harmonie“ der ursprünglich utopisch gedachten, gemeinschaftlichen Wohnformen. Die
Jury spricht sich dafür aus, diese künstlerisch-soziologische Recherche von Christina Ruf mit
einem Arbeitsstipendium zu fördern.
Optionsförderung für freie Tanzgruppen
Micha Purucker
Micha Purucker greift mit seinen künstlerischen Vorhaben aktiv in den kulturellen Definitionsprozess
ein, wenn er in seinem neuen Projekt "un.lock(pilot)/"after dark(grossform)" die Einordnung
von Tanz als einem blossen, weiteren Zeichensystem in den Kunstkanon in Frage
stellt und die Einzigartigkeit der Kommunikation von und mit Körpern in den Fokus rückt. Dieser
künstlerische Ansatz setzt sich in "topologie(pilot)"/"archival beach(grossform)" fort:
Tanz(geschichte) wird hier nicht verwaltend, technisch-wissenschaftlich dem allgemeinen
kulturellen Überbau untergeordnet, sondern es geht darum, das Spezifikum von "Erlebbarkeit"
in je einer Zeit im Wortsinn herauszuarbeiten. Konsequenterweise wird Micha Purucker
als Verstetigung der Einzelvorhaben und seines künstlerischen Grundansatzes mit dem permanenten,
explizit nichtmusealen Projekt "c.a.b.a.n.e" eine Plattform für zukunftsorientierte
Fragestellungen in den (Stadt-)Raum stellen. Die Jury ist der Überzeugung, dass Micha Purucker
mit den beschriebenen Projekten wesentliche Schritte zur Fortentwicklung und Einordnung
der Tanzkunst einleiten wird und spricht sich deshalb ein weiteres Mal für die Gewährung
einer Optionsförderung in Höhe von 65.000 € aus.
Anna Konjetzky
Mit ihren präzise gearbeiteten Produktionen, die an der Schnittstelle zu und in Auseinandersetzung
mit anderen Künsten, vornehmlich der Bildenden Kunst und der Musik entstehen,
erforscht die Choreographin Anna Konjetzky die Wechselwirkungen von Körper und Raum
und deren Wahrnehmung. Mit immer wieder neuen Raumanordnungen und Zuschauerkonstellationen
belebt sie seit Jahren nicht nur die Münchner Tanzszene. In den nächsten Jahren
wird Anna Konjetzky dieses Grundthema erweitern, auch in der Anzahl der beteiligten

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Tänzer. Ihre vielseitigen und detaillierten Pläne für 2013 bis 2015 sehen internationale Residenzen,
Gastspiele und Kooperationen vor. International bedeutet bei der Künstlerin vor allem
eine interkulturelle Forschungsreise und Arbeitsweise, die eine Auseinandersetzung mit
Körper-und Kunstkonzepten beinhaltet. Aus diesem Grund wird Anna Konjetzky 2013 zunächst
ein Projekt mit 6 europäischen und 6 vietnamesischen Tänzern realisieren, das sowohl
in München als auch in Hanoi, in Kooperation mit Hanoi National Opera and Ballet, erarbeitet
und gezeigt werden soll. Ausgehend von Momenten mit „spezieller Intensität, Spannung
und Atmosphäre“, wie man sie erlebt, kurz vor oder nach einem Ereignis, soll in On the
edge ein Chor von 12 Tänzern auf einer Schräge frontal zum Publikum mittels einer abstrakten
Komposition aus kleinen Kommunikationsgesten und Bewegungen ein Flirren, auch von
Assoziationen, entstehen lassen. Die von den Tänzern erzeugten Töne, wie z. B. Atmen, und
der vorhandene Raumklang werden in einer Soundinstallation verstärkt. Mit dem ebenfalls
für 2013 geplanten Projekt Cadavre Exquis werden Fragen der Identität im Informationszeitalter
aufgegriffen und in Anlehnung an das surrealistische, kollektive Zeichenverfahren des
„Cadavre Exquis“ in enger Zusammenarbeit mit einem Komponisten im Klangdom, visuell
und akustisch in durchaus zeitgenössischer technischer Umsetzung, mit einer Tänzerin realisiert.
2014 wird die Choreografin bei der Festivalinitiative global city local city mit einem Beitrag
vertreten sein. Zudem ist mit zeitgleichzeitgleich ein Projekt geplant, das hinterfragt, inwieweit
der Zuschauer heute noch für eine Live-Tanz-Veranstaltung notwendig ist, und das in
Anlehnung an die beim Fußball üblichen Phantomspiele den herkömmlichen Bühnenraum
erweitern wird. Mit zwei weiteren Projekten wird das Jahr 2015 bestritten: ein Musik-Tanztheater
für 14 Tänzer und 6 Musiker in Zusammenarbeit mit der Komponistin Laura Konjetzky
greift die historische „Tanzwut“ auf und verrückt die Perspektive von Zuschauern und Tänzern.
Daneben ist ein Tanztheaterstück für Kinder in Kooperation mit dem Theater Marburg
geplant. Die Jury vertraut der Energie und professionellen Konsequenz der Künstlerin und
spricht sich daher für eine Optionsförderung in Höhe von 60 000 € aus.
Einzelprojektförderung für freie Tanzgruppen
Sebastian Blasius: „Erasing Café M“
Der Choreograph, Regisseur und Theaterwissenschaftler Sebastian Blasius wird in diesem
Jahr die prominente Inszenierung "Café Müller" von Pina Bausch rekonstruieren, um in der
Konfrontation mit dem Vergangenen dem gegenwärtigen Verständnis neue Blickwinkel aufzuzeigen
und es aus den archivarischen und musealen Prozessen zu entrücken. Sebastian
Blasius hat bereits in seinen früheren Produktionen ein innovatives und detailgenaues Arbeitsresultat
geschaffen, das den Zuschauer durch den spezifischen Umgang mit Text-,
Raum- und Klangbearbeitung in ein besonderes Rezeptionserlebnis stellt. Auf diese Weise
bricht Sebastian Blasius Wahrnehmungsprozesse auf: Bei diesem Vorhaben zielt die Begegnung
mit dem Fremden, im Diskurs um das schon Bekannte, auf die Erweiterung des eigenen
Selbstverständnisses, was der Komplexität unserer Zeit als eine Art Antwortvorschlag
entgegengestellt wird. Nachdem Sebastian Blasius im Jahre 2012 für sein Projekt "Woyzeck
überschreiben" eine Debütförderung erhalten hatte und mit dem Ergebnis dieser Arbeit eine
deutliche Spur eigensinnigen Zugangs zu historischen Stoffen und deren "Reenactment" in
München hinterließ, empfiehlt die Jury, sein diesjähriges Projekt "Erasing Café M" mit einem
Betrag in Höhe von 25.000 € zu fördern.
Stefan Dreher: „Dancing Days“
Der Tänzer und Choreograf Stefan Dreher hat in den vergangenen Jahren mit einer Reihe
von Arbeiten hoher künstlerischer Substanz die Münchner Tanzszene bereichert. Zuletzt

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setzte er sich in dem vom Kulturreferat geförderten Projekt „Tanzschrift“ produktiv mit dem
komplexen Problem der Tanznotation auseinander, was zu verschiedenen Arbeiten an teilweise
ungewöhnlichen Aufführungsorten führte. Mit „Dancing Days“ schlägt Stefan Dreher
nun das Projekt eines 24-stündigen Tanzmarathons vor, der – anknüpfend an die amerikanische
Tradition solcher Veranstaltungen seit den 20er Jahren – das Spektakuläre und Exzessive
dieses Formats befragt und in Verbindung mit Bezug auf minimal music und livestream
ein choreografisches Konzept dafür entwickelt. Stefan Drehers Arbeit zeichnet sich durch
große Sensibilität, Musikalität, künstlerische Relevanz und Experimentierfreude aus. Die Jury
empfiehlt daher eine Förderung des Projekts „Dancing Days“ mit einem Betrag in Höhe von
40.000 €.
Stephan Herwig: „Editorial bareback“
Als Tänzer (u. a. für Micha Purucker und Sabine Glenz) hat Stephan Herwig die Münchener
freie Tanzszene seit langem mitgeprägt; als Choreograf emanzipiert er sich in den letzten
Jahren zusehends. Seine Themenwahl war, nicht nur für einen noch jungen Künstler, immer
ungewöhnlich und ambitioniert. Auch in der Realisierung orientierte er sich nie an stilistischen
Klischees. Stephan Herwig verfügt über ein auffallend gutes Gespür sowohl für den
Raum (und seine durch Licht variablen Dimensionen) als auch bei der Auswahl seiner Tänzer.
Das Gesamtbild behält er, obwohl er in seinen Produktionen selbst tanzt, immer im
Auge. Zwischen „Alien“ (2007) und „In This Very Moment“ (2012) bildete sich sein Stil heraus.
Stephan Herwig wurde der Raum-Atmosphäriker. Man erwartet von ihm keine thematische
Psychologie, keine Konkretion, was schon Stücktitel wie „Calabi Yau“ (2009) oder „Somewhere“
(2010) unterstreichen. Mit dem aktuellen Projektantrag „Editorial bareback“ verlässt
er diesen Weg. Zum ersten Mal will er sich einem konkreten kulturpolitischen Thema
zuwenden. Gibt es eine schwule Ästhetik? Einen schwulen Blick? Es ist lange her, dass
schwule Ikonen – Derek Jarman, Rainer Werner Fassbinder, Andy Warhol u. a. – die Kunst
geprägt haben. Die Zeiten haben sich geändert, und die einst erkämpfte Freizügigkeit bedroht
ein politischer und gesellschaftlicher Rollback.
Die Jury hält diese Thematik für sehr aktuell und unterstützt es gerne, dass sich Stephan
Herwig auf für ihn neues künstlerisches und methodisches Terrain begeben möchte. Aus diesem
Grund empfiehlt die Jury die Aufnahme von Stephan Herwigs „Editorial bareback“ zur
Förderung in Höhe von 40.000 €.
Richard Siegal: „Bewegung und Klang“
Im Mittelpunkt der Arbeit des Tänzers und Choreographen Richard Siegal steht seit langem
die interdisziplinäre Erprobung neuer Formen des zeitgenössischen Tanzes. 2005 gründete
er die Plattform The Bakery (Berlin und Paris) und realisierte seither Projekte auch mittels
der von ihm entwickelten if/then-Methode, die Choreografien an logische Gleichungen aus
Naturwissenschaft und Informatik anbindet. Vielfach ausgezeichnet – u. a. mit dem deutschen
Theaterpreis Der Faust 2010 in der Sparte Darstellerische Leistung Tanz – hat Siegal
in den letzten Jahren, auch durch die Optionsförderung des Kulturreferats 2010-2012, eine
Reihe international aufsehenerregender Produktionen in München realisieren können, so
©oPirates (2010), CivicMimic (2011) und zuletzt Black Swan beim Festival für zeitgenössischen
Tanz Dance2012. Für sein neues Projekt Bewegung und Klang knüpft Richard Siegal
an frühere Arbeiten mit Musikern an und plant eine Zusammenarbeit mit dem renommierten
Asasello Quartett. Dabei interagieren und kooperieren Musik und Choreographie und entwickeln
gemeinsam einen Dialog, der die herkömmlichen Rezeptionsweisen von Tanz und Musik
aufzubrechen und zu erweitern verspricht. Die Jury empfiehlt eine Förderung des Projektes
„Bewegung und Klang“ mit einem Beitrag in Höhe von 40.000 €.