Erstausgabe Csernilive Architektur/Raum/Kunst Martin Cserni, Oktober

live 01 / 2012
Karl Karner, 493x493 aus Samtkasten, Bronze, 2012, 155 x 155 x 220 cm, Sammlung Martin Cserni
inFOrmeL meets natUre:
KarL Karners aKtUeLLe sKULPtUren
FLORIAN STEININGER
Karl Karners aktuelle skulpturale Arbeiten aus der
Samtkasten-Serie changieren zwischen gestischer
Spur im Arbeitsprozess und Formenrelikten, die die
Natur selbst hervorgebracht hat. „Informel meets
Nature“. Ausgangsprodukt ist im Wasser gezogenes
Wachs, das im gehärteten Zustand in Bronze
gegossen wird. Intention und Führung des Künstlers
bei der Arbeit stehen Zufall und natürlichen
Gesetzmäßigkeiten in der Formwerdung entgegen.
Man wird unwillkürlich an die Bleigussrituale zu Silvester
erinnert: amorphe, formale Konstellationen
für allerhand Assoziationsspielraum: Geisterschiffe,
Korallenriffe, Kristallwelten, fantastisch apokalyptische
Landschaften. Trotz festem Zustand scheint
alles in Bewegung, in permanenter Mutation. Eine
Ursuppe von Leben und Vergehen. Bei Nahsicht
verwandelt sich die Oberfläche in eine monströse
Karstlandschaft, in die wir uns verkriechen. Andere
Stellen werden weich wie Haut oder falten sich wie
Gewänder, dann wieder gebrochen durch das Spitze
von Weinstockreben, Nägeln oder Geweihresten.
Ein ständiges Wechselspiel von Bedeutungs- bzw.
Gegenstandsträgern und autonomer Materialqualität
der Skulptur tritt in Kraft. Informelle Spuren des Arbeitsvorgangs
als Materie versus Abguss der Natur.
Schon Lorenzo Ghiberti, Pionier der Portalplastik im
Quattrocento hat sich neben seinen hohen Künsten
der Abbildung von Figur und Wirklichkeit direkt der
Natur bedient, indem er echte Pflanzen und Tiere –
wie etwa Eidechsen – in Bronze abgegossen und
in die Bordüre der skulptierten Paradiespforte am
Baptisterium in Florenz integrierte. Karner eignet
sich Realität durch Bronzeabgüsse von Weinreben,
Geweihen, Perlen, Ästen, Nägeln oder Fingergliedern
an und ergänzt sie zu den sonst informell, organischen
Mutationen seiner Bronzeskulpturen. Durch
die einheitliche Fassung und Patina entsteht ein
homogenes ästhetisches Gefüge.
Die Gesamterscheinung der Skulptur wirkt durchwegs
abstrakt, als Resultat einer Wucherung, eines
Wachstums, dessen nächste Analogien wir in der
Natur selbst finden, zum Beispiel in der Form eines
Korallenriffs. Dennoch sei auf den schöpferischen
Einfluss des Künstlers verwiesen, dessen Handschrift
sich materiell zur Skulptur verdichtet: ein bildhauerischer
Zugang, der sich dem klassischen Begriff
widersetzt. Das Werkmaterial in der konventionellen
Bildhauerei fungiert als Mittel zum figurativ-skulpturalen
Zweck; der Bildhauer formt und modelliert,
um zum idealen Abbild zu gelangen. Prozessuale
Spuren werden zugunsten des Oberflächenfinishs
vermieden. Die Wiedergabe der Wirklichkeit steht
im Zentrum, von der Antike bis zum Klassizismus.
Erst mit Rodin verraten die Oberflächen von Bronze,
Gips und Stein die Handschrift der Arbeit und bieten
einen impressionistischen Reiz ähnlich wie die
flimmernden Farbflecken auf Monets Heuhaufenbilder.
Giacomettis zerklüftete Porträts bilden den
Zenit der handmodellierten figurativen Skulptur in
der Moderne, mit Fingerprints des Autors übersät.
Karners nähere Verwandte sind aber die Protagonisten
der informellen Plastik nach 1945 als
skulpturale Bewegung zum Action Painting. Dynamik,
Spur und Abstraktion verfestigten sich in
den geradezu gezeichneten Schmiedeeisenplastiken
von David Smith, oder auch in den zerklüftet
heterogenen Gewächsen von Oswald Oberhuber.
Magret Rowell brachte dieses Phänomen folgenderweise
auf den Punkt: „Das vordringliche Ziel
war es, den Willen und die Geste des Künstlers
als eine physische, fast automatisch reagierende
Handschrift einzusetzen und einer rohen, unspezifischen,
ursprünglichen Energie plastische Gestalt
zu verleihen.“ Natürlich ist die Malerei und
Zeichnung in jener Umsetzung von Energie direkter,
da der Pinselstrich oder der dünnflüssig
getropfte Lack (bei Pollock) die Bewegung des
Künstlers als Spur unmittelbar übersetzt. Eisen,
Gips oder Bronze sind hingegen aufgrund ihrer
Steifigkeit stets ein Widerstand für Spontanität
und Direktheit in der Expression. Karner hingegen
vermag es, im Wasserbad die Materie fließen zu
lassen, die Bewegungen direkt in gehärtete Form
zu fassen, ohne allzu sehr seine expressive Fährte
zu markieren.
Neben der ungegenständlich prozessualen Note
spielt das Kombinatorische, die Assemblage
eine große Rolle. Alltagsgegenstände und Naturformen
werden selbstverständlich integriert,
wodurch ein spannungsreicher Stil- und Motivrealismus
entsteht. Karner ist nicht an ein ausschließliches
Entweder-Oder gebunden, sondern
er sampelt mit der Skulptur. Trotzdem bleibt die
Gesamterscheinung durch die samtig schwarze
Haut einheitlich, ganz im Unterschied etwa zu
den Objekten aus zahlreich Gefundenem in der
Kunst des Dadaismus oder Nouveau Realism,
die sich in anarchischer Weise von akademisch
oder bereits etablierten Kunstrichtungen distanzieren.
Die Verbindung von Kunst und Leben ist
bei Karner nicht nur in der materiellen Erscheinungsform
seiner Skulpturen erkennbar, sondern
er erweitert seinen Kunstbegriff durch das Installative
und Performative; so platziert er seine
dreidimensionalen Arbeiten auf der Bühne, als
Teil der Choreografie, die er mit seiner Künstlerkollegin
Linda Samaraweerova inszeniert bzw.
aktiv daran teilnimmt. Die Offenheit, die Vernetzung
und komplexe Vielschichtigkeit der aktuellen
Plastik steht somit symptomatisch für Karners
erweiterten Kunstbegriff.
Karl Karner, Foto: Atelier Karner
Karl Karner
Geboren in Feldbach/Steiermark, Österreich 1973,
lebt und arbeitet in Wien und in der Steiermark.
Ausbildung: Seit 2007 Studium an der Akademie
der bildenden Künste in Wien, Klasse Heimo
Zobernig.
Ausstellungen (Auswahl in Österreich): Galerie
Artepari Graz, Stift Admont, Lentos Museum/Linz
- Triennale 01, Galerie Dana Charkasi/Wien, Neue
Galerie Graz/Graz, Vienna Artfair/Wien, Galerie
Lendl/Graz, breathless/Wien.
(Auswahl Ausland): Colombo Biennale Sri Lanka,
United Artist Club Baku, 4. International Beijing
Biennale 2010, Rezan Has Museum an der Kadir
Has Universität/Istanbul, Kohán György Képtár/
Ungarn, MCC „Old Pallouriotissa Market“/
Zypern, Centar savremene umjetnosti Crne Gore
/Montenegro, Galeria Umjetnina/Kroatien, Arco/
Madrid, Art Brüssel, Österreichisches Kulturforum,
Prag/CZ
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