KUNSTINVESTOR AUSGABE JÄNNER 2017

Rückblick auf das Auktionsjahr 2016 

Rekordauktionen und die Kunst des Erfolgs 

Die Fotografien des Malers Alfons Walde 

Kunstgenuss in der Galerie Gugging 

Babette Mangolte in der Kunsthalle Wien 

JÄNNER 2017

KUNST.INVESTOR Editorial 

Liebe Leserinnen 

und Leser!.. 

Heute halten Sie die erste Ausgabe des Magazins 

KUNSTINVESTOR im Jahr 2017 in „Händen“. 

Innovativ, exklusiv und stets mit dem richtigen Riecher 

für aktuelle Entwicklungen informieren wir Sie rund um 

alle wichtigen Themen, die nationalen und 

internationalen Kunstmärkte betreffend. Kunst ist ein 

interessantes Portfolio und unbestritten die schönste 

Beimischung für Ihr Investment- inspirierend, nicht 

allein in ideeller Hinsicht. Besonders in Zeiten, da 

Bullen auf sich warten lassen und Renditen an der 

Nulllinie kratzen, etablieren sich Kunstwerke als stabile, 

vor allem aber als rentable Assets. Eine Tatsache, der 

sich selbst hartgesottene Aktionäre nicht entziehen 

können. Außenseiter der Kunstgeschichte profitieren 

davon nicht substanziell in Kunst interessiert zu sein, 

weil die zeitlichen Intervalle von einer Aktienbaisse zur 

nächsten immer wieder kürzer werden- wäre auch zu 

erwarten, dass die persönliche Entscheidung dieser 

Käufer weniger zählt. Wie schade. Und wie 

bezeichnend. Viele Sammler scheinen in Bilder wie in 

Aktien zu investieren. Käufer haben eben nicht nur 

wieder viel Geld, sie kultivieren auch einen sehr 

selektiven Blick. Mehr noch: Dieser Boom ist noch 

lange nicht an seine Grenzen gestoßen. Bilder, 

Antiquitäten und andere Sammelobjekte nehmen im 

Rahmen der Veranstaltungen einen immer höheren 

Stellenwert ein. Dies bestätigen die hervorragenden 

Ergebnisse der Auktionshäuser. Weil es bei allen 

Dingen des Lebens immer auf den richtigen Mix 

ankommt, wollen wir Sie nicht nur mit fundierten 

Hintergrundberichten, präzise recherchierten Topstorys, 

wichtigen Nachrichten und aktuellen Interviews 

begeistern. Lesen Sie die aktuelle Ausgabe 

KUNSTINVESTOR, wo Sie sich ein aktuelles Bild über 

den Kunst- & Geldmarkt verschaffen können- eine 

wirklich gute Investition. 

Viel Spaß wünscht Ihnen 

Michael Ruben Minassian 

IMPRESSUM: Medieneigentümer, Chefredakteur & Herausgeber: Michael Ruben Minassian. Mail: 

michael.minassian@kunstinvestor.at , Telefon: +43 1/ 236 53.1312 Verlagsadresse: MN Online & Content GmbH, 

1110 Wien, Brehmstrasse 10/4.OG, Geschäftsführung: Markus Bauer, ATU 65091955, FN 330453k, Tel: +43 1/ 91920- 

9045 DW, Fax: + 43 1/29 81 298, Website:www.kunstinvestor.at, Cover-Foto: Auktionshaus Kinsky ©, Arik Brauer, 

Turm aus gebrannter Erde, 1963, Öl auf Sperrholz mit Acrylgrund, Zuschlag netto: 150.000,Kaufpreis brutto: € 189.000

KUNST.INVESTOR News 

„handWERK“ 

Tradiertes Können in der digitalen Welt 

MAK-Ausstellungsansicht, 2016 © MAK/Georg Mayer 

Mit der Ausstellung handWERK. Tradiertes Können in 

der digitalen Welt stößt das MAK eine Reflexion zur 

Bedeutung und Wertschätzung des Handwerks als 

wesentlicher Bestandteil der materiellen Kultur und der 

kulturellen Identität an. In sechs Kapiteln spannt die 

umfassende MAK-Schau den Bogen von der 

Geschichte zu aktuellen europäischen Perspektiven, 

beleuchtet das ressourcenschonende Potenzial des 

Handwerks, zeigt Schnittstellen zu digitalen 

Technologien auf und präsentiert meisterliche 

Werkstücke aus verschiedenen Sparten. Aktuell fallen 

die Begriffe „Handwerk“ und „handmade“ in der 

Werbung und in Lifestyle- Medien mit inflationärer 

Frequenz. Das „Maker Movement“ und die Do-it- 

Yourself- Bewegung sind enorm erfolgreich und 

schaffen einen weltweiten Hype. Global agierende 

Luxus-Labels setzen das Handwerk gezielt als 

Qualitäts- und Distinktionsmerkmal ein. Demgegenüber 

steht die Realität lokal agierender HandwerkerInnen, 

die um Anerkennung und eine gerechte Bezahlung 

kämpfen. Das einleitende Ausstellungkapitel 

„Geschichte & Gegenwart“ widmet sich verschiedenen 

Aspekten rund ums Handwerk, dessen Status immer 

wieder zwischen hohem und geringem Ansehen 

wechselte. Von Hephaistos, dem Gott der Schmiede, 

über die Enzyklopädie von Denis Diderot (erschienen 

zwischen 1751 und 1772) bis hin zum Chanel-Outfit der 

Metiers d’Art Collection 2014/15 illustrieren die 

Exponate diskursiv die gesellschaftliche Anerkennung 

des Handwerks über die Jahrhunderte. Schon Diderot 

veröffentlichte eine wortgewaltige Verteidigung des 

Handwerks in der Encyclopédie: „Der Dichter, der 

Philosoph, der Redner, der Minister, der Krieger, der 

Held liefen nackt herum und hätten kein Brot, wenn 

nicht jener Handwerker wäre, den sie zum Gegenstand 

ihrer schrecklichen Verachtung machten“. Historische 

Zunftgegenstände und persönliche Objekte der 

Habsburger belegen später eine außerordentliche 

Wertschätzung des Handwerks bis ins 20. Jahrhundert. 

Auch den Neuinterpretationen des Verhältnisses von 

HandwerkerInnen und EntwerferInnen durch zentrale 

Bewegungen wie Arts & Crafts, Wiener Werkstätte, 

Werkbund und Bauhaus als Reaktion auf die 

fundamentale Krise des Handwerks in Folge der 

industriellen Revolution widmet sich dieses Kapitel. 

Unter dem Titel „Perspektiven“ präsentiert das zweite 

Kapitel der Ausstellung europäische Initiativen und 

Institutionen, die neue Möglichkeiten im Dialog 

zwischen Handwerk und Design und in den Bereichen 

Ausbildung und Marketing eröffnen.


MAK-Ausstellungsansicht, 2016, handWERK. Les Compagnons du Devoir, Tour Eiffel [Eiffelturm], 2015 © MAK/Georg Mayer 

Vorgestellt werden unter anderem das Crafts Council, 

das sich der Förderung des britischen Kunsthandwerks 

weltweit widmet, der Werkraum Bregenzerwald in 

Österreich mit dem Wettbewerb „Handwerk + Form 

2015“ sowie die Compagnons du Devoir aus 

Frankreich, deren Ausbildungssystem Elemente der 

Walz beinhaltet und deren AbsolventInnen 45 Länder 

weltweit offen stehen. Die in Deutschland und der 

Schweiz beheimateten Akademien für Gestaltung 

widmen sich intensiv und erfolgreich der 

gestalterischen Weiterbildung junger HandwerkerInnen. 

Mannigfaltige Materialproben und 95 Werkzeuge zeigt 

das Kapitel „Material & Werkzeug“. Die einzigartigen 

Werkzeuge, darunter Strickeisen, Schusterahle, 

Zuckerscheren, Wetzeisen, Hack- und Winzermesser, 

Teigräder, Zwickzangen und Goldschmiedehämmer, 

größtenteils aus dem 16. und 17. Jahrhundert, 

stammen aus der 1930 vom MAK erworbenen 

Sammlung Albert Figdor. Eine begehbare Installation 

bietet den BesucherInnen die Möglichkeit, 

unterschiedliche Proben natürlicher Materialien wie 

Stoffe, Leder, Holz, Metall und Keramik anzufassen und 

haptisch zu erfahren. In einer „Live-Werkstatt“, dem 

vierten Kapitel der Ausstellung, zeigen insgesamt 

20HandwerkerInnen vor Publikum täglich ihr Können. 

Abgedeckt wird ein breites Spektrum an Disziplinen: 

von SchusterInnen, TapeziererInnen, HutmacherInnen, 

WeberInnen, TischlerInnen und Koffermachern über 

einen Geigenbauer und einen Kunstspengler bis hin zu 

einer Dirndlschneiderin. Der Zeitplan der Live- 

Präsentationen wird in der Ausstellung und unter 

MAK.at einsehbar sein. Das fünfte Kapitel der 

Ausstellung „Qualität & Exzellenz“ stellt historische 

Objekte der MAK-Sammlung aktuellen handwerklichen 

Produkten aus 16 europäischen Ländern gegenüber. 

Gezeigt werden insgesamt 160 Exponate – Möbel, 

Tapeten, Fliesen, Teppiche, Bekleidung, Hüte, 

Handschuhe, Gläser, Besteck und Geschirr – von 50 

HandwerkerInnen, darunter viele preisgekrönte 

MeisterInnen. Dem bedeutenden Faktor 

„Nachhaltigkeit“ widmet sich das abschließende Kapitel 

der Ausstellung. Hier werden die Themenfelder 

„Produktbiografien“, „Erbstücke“ und„Reparieren“ 

vorgestellt. Um die BesucherInnen als KonsumentInnen 

für die Biografie von Produkten zu sensibilisieren, 

werden fünf handwerklich gefertigte Wiener Produkte 

präsentiert und alle damit verbundenen Informationen 

zu Material und Herstellung offengelegt. Dazu gehören 

Eheringe aus fairem Gold aus der Werkstatt Alexander 

Skrein und die Porzellanserie RAW, die von Sandra 

Haischberger aus recycelter Porzellanmasse hergestellt 

wird. [MAK, Ausstellungsdauer bis 9. April 2017 – Foto: 

© Mak ]


Steinbergkogel, 1930er-1940er Jahre © Alfons Walde / Bildrecht 2016 

ALFONS WALDE - WINTERTRÄUME 

Die Fotografien des Malers Alfons Walde (1891–1958) 

aus dem Nachlass des Künstlers, die über Jahrzehnte 

unbeachtet in einer Kiste schlummerten, wurden im 

Dezember 2014 erstmals im Fotomuseum WestLicht 

gezeigt. Zur diesjährigen Wintersaison präsentiert die 

Galerie OstLicht in der Leica Galerie Wien eine 

Auswahl von Aufnahmen aus dieser spektakulären 

Entdeckung. Der weltberühmte Landschaftsmaler 

Walde entpuppt sich darin auch als Meister der 

Fotografie – mit Fokus auf den weiblichen Akt. Seine 

Inszenierungen reichen von klassischen Posen aus der 

kunsthistorischen Tradition bis hin zu erotisch 

aufgeladenen, teils pornografischen Szenen. 

Während seine Schwarz-Weiß-Fotografien in den 

frühen 20er Jahren noch an Egon Schiele und Koloman 

Moser erinnern, ist ab den 1930ern seine Rolle als 

Vorreiter der Farbfotografie bemerkenswert. Walde 

benutzte seine Leica mit dem gerade erfundenen 

Farbfilm und fertigte Diapositive an, die in ihrer 

malerischen Anmutung faszinieren. Neben dem 

erotischen Werk entstanden Landschafts-, Porträt- und 

Architekturaufnahmen. Die Fotografien dienten dem 

Künstler auch als Anregung und Vorlage für seine 

Malerei. [Leica Galerie Wien, Ausstellungsdauer bis 8. 

April 2017 – Foto: © Galerie OstLicht, Leica Galerie]


Luis Trenker c. 1945 © Alfons Walde / Bildrecht 2016


Xenia, April 1932 © Alfons Walde / Bildrecht 2016 

Akt c. 1940 © Alfons Walde / Bildrecht 2016

KUNST.INVESTOR Dorotheum 

Mercedes Benz 300 SL, 1958, erzielter Preis € 1.067.000 

REKORDAUKTIONEN IM DOROTHEUM 

Rückblick auf das Auktionsjahr 2016 

Das Jahr 2016 lief hervorragend für das Dorotheum, 

dem größten Auktionshaus im deutschsprachigen Raum. 

- bestes Jahr für Gemälde Alter Meister in der Geschichte des Hauses 

- Juni: bestes Auktionsergebnis für Zeitgenossen in der Geschichte des Hauses 

- November: bestes Auktionsergebnis für „Klassische Moderne“ 

in der Geschichte des Hauses 

- bestes Einzel- und Gesamtergebnis für „Klassische Fahrzeuge“ 

in der Geschichte des Hauses 

Millionenpreise 

€ 1.200.000: "Die Geburt Christi“ von Hans Memling Werkstatt 

€ 1.067.000: 1958 Mercedes-Benz 300 SL 

€ 1.022.500: „Baptême des masques“ von James Ensor 

€ 1.022.500: „Fleurs“ von Marc Chagall 

Insgesamt vier Mal konnten Millionenpreise erzielt 

werden. An der Spitze mit 1,2 Millionen Euro steht „Die 

Geburt Christi“ von Hans Memling Werkstatt. Für 

1.067.000 Euro wechselte im Herbst der rote 

Mercedes-Benz 300 SL aus 1958 den Besitzer. Gleich 

zwei Millionenpreise, jeweils 1.022.500 Euro, fielen auf 

die Sparte „Klassische Moderne“, für ein neu 

entdecktes Figurenbild „Baptême des masques“ des 

belgischen Einzelgängers James Ensor sowie für ein 

Blumenbouquet von Marc Chagall aus dem Jahre 1924.


Josef Engelhart (Wien 1864 - 1941) eine von neun Werkzeichnungen 

für das Fries der Weltausstellung in St. Louis 1904 ca. 48 x 143 cm 

erzielter Preis insgesamt € 582.400 

Kolo Moser (1868 Wien 1918) Muffkette, Geschenk von Gustav Klimt 

an Emilie Flöge, Entwurf 1906, Ausführung Wiener Werkstätte, Silber 

erzielter Preis € 198.200 

Rekorde: Neben vielen Spitzenergebnissen konnten 

auch 2016 in vielen Sparten Weltrekordpreise erzielt 

werden. Bei der zeitgenössischen Kunst bedeuteten 

161.600 Euro für die „Kompozicija no. 12“ von Julije 

Knifer den höchsten Auktionspreis für den kroatischen 

Künstler, bereits im Mai wurde das beste Knifer- 

Ergebnis mit 137.200 Euro erzielt. Weltrekorde 

verzeichnete man auch für Werke von Rudolfo Aricò 

und Emilio Scanavino. Insgesamt gab es starke 

Auftritte für italienische Kunst, allen voran Lucio 

Fontana, dessen blaues Monochrom mit dem Schlitz in 

eine andere Dimension, „Concetto spaziale, Attese“, 

735.000 Euro erlöste. Einen Auktionsrekord von 

234.800 Euro setzte es auch für ein Werk von Carla 

Accardi. 

Die österreichische Kunst mischte vorne mit Weltrekordpreise 

erzielte man bei der „Klassischen 

Moderne“ für Bilder des Secessionisten Josef 

Engelhart. Neun seiner nahezu lebensgroßen, für die 

Weltausstellung 1904 in St. Louis angefertigten 

Sagenfigur-Werkzeichnungen („Merlinsage“) kamen auf 

sensationelle 582.400 Euro, dem Vielfachen des 

Schätzwertes. Bei der Auktion von Gemälden des 19. 

Jahrhunderts war mit 50.000 Euro auch das Stillleben 

von Franz Xaver Gruber, dem sogenannten 

„Distlgruber“, der bis dato höchste Auktionspreis für ein 

Bild des Künstlers. 

Unter den weiteren Weltrekorden beim 19. Jahrhundert: 

125.000 Euro, für ein Gemälde von Henri Camille 

Danger, für „Die Klavierspielerin“ von Ulisse Caputo (€ 

100.000) sowie für „Maria im verschlossenen Garten“ 

von Johann Evangelist Scheffer von Leonhardshoff. 

Pietro Galters „Eingang des Canal Grande“ war mit 

112.500 Euro ebenfalls Weltrekord wie das 

Prunkstillleben von Francois Halert bei den Alten 

Meistern (€ 247.000).


Spitzenpreise: Kunst der italienischen wie deutschen 

Nachkriegsmoderne mobilisierte auch 2016 die Bieter – 

sie entschieden sich etwa für Werke von Tano Festa, 

Paolo Scheggi, Enrico Castellani, Giuseppe Uncini und 

für Günter Uecker, Adolf Luther, Gerhard Richter und 

Ulf Wilding. Bei der internationalen Kunst war ein 

Frauenporträt des US-Künstlers Tom Wesselmann 

besonders begehrt („Nancy Scribble“, € 350.508), 

ebenso die bronzene „Badende“ von Fernando Botero 

(€ 344.600). Bei der Klassischen Moderne ließ ein 

Paradebild des Futurismus, „Valori Plastici“, von 

Giacomo Balla mit 320.000 Euro aufhorchen. 234.800 

Euro brachte eine Landschaft mit drei Bäumen“ des 

deutschen Expressionisten Otto Mueller. Kunst aus 

Österreich stand auch 2016 im Dorotheum hoch im 

Kurs: Franz West und Maria Lassnig markierten 

Spitzenpreise bei der Gegenwartskunst, Bei der 

Moderne erreichte ein Venedig-Motiv von Carl Moll 

hervorragende 176.670 Euro, Alfons Waldes „Einsamer 

Berghof“ war nicht unter 344.600 Euro zu haben. 

Bestes Jahr für Alte Meister: Starke Präsenz zeigte 

naturgemäß die italienische Kunst im Bereich der Alten 

Meister, die das erfolgreichste Jahr in der Geschichte 

des Hauses verbuchen konnten. Neben Hans Memling 

Wiener Werkstätte: Josef Hoffmann dominierte auch 

die Jugendstilauktion des Dorotheum im Dezember 

2016. Viele Objekte dieses Universalkünstlers und 

Aushängeschildes österreichischer Kunst erfreuten sich 

großen Interesses. Sensationelle 149.900 Euro, ein 

Mehrfaches ihres Schätzwertes, erzielte die streng 

geometrische, von der Wiener Werkstätte produzierte 

silberne Teekanne von 1905. In der Frühjahrsauktion 

Werkstatt brillierte eine Neuentdeckung von Jacopo 

Tintoretto. Das Schlachtenbild mit der Kampfszene 

Davids gegen Goliath, als Hauptwerk des 

venezianischen Manierismus-Meisters erstmals 

zuordenbar, erreichte 907.500 Euro. Im 500. Todesjahr 

von Hieronymus Bosch, dem Urvater der Surrealisten, 

offerierte das Dorotheum das Gemälde „Die Hölle“, 

angefertigt von einem Nachfolger des Malers. 527.600 

Euro war das Motiv von dem „Garten der Lüste“ im 

Prado einem Sammler wert. Mit 868.733 Euro 

reüssierte „Das Urteil des Paris“, eine Neuentdeckung 

von Peter Paul Rubens Werkstatt. Ebenfalls eine 

Neuentdeckung war das für die frühe Werkphase von 

Guido Reni bedeutende Gemälde „Der kreuztragende 

Christus“, das für 491.000 Euro den Besitzer wechselte. 

Das aus süddeutschem Privatbesitz stammende Bild 

„Heilige Familie mit der Heiligen Anna“ von Huybrecht 

Bueckeleer erreichte hervorragende € 430.742. 

Stilgebend: Bei der Design-Auktion blieben sechs 

"Kodu-Stühle", Franz West, Entwurf 1999, mit 106.250 

Euro an der Spitze der Verkäufe, ebenfalls eine von 

Josef Hoffmann für das Sanatorium Purkersdorf 

entworfene Sitzbank (€ 94.255). 

machte die silberne Muffkette von Kolo Moser Furore. 

Sie war einst ein Geschenk von Gustav Klimt an seine 

Freundin und Muse Emilie Flöge gewesen (€ 198.200). 

Schneeball-Effekt: Ein Paar aus dem 19. Jahrhundert 

stammende Pracht-Deckelvasen mit Schneeballblüten 

von Meißen, gefertigt nach dem historischen Modell 

von Johann Joachim Kändler, waren einem 

Porzellanliebhaber sensationelle 247.000 Euro wert.


Hans Memling Werkstatt (um 1435 - 1949), Die Geburt Christi, Öl/Holz, 99,2 x 72,5 cm, erzielter Preis € 1.200.000 

Gedenkjahr: Im Kaiser-Franz-Joseph-Gedenkjahr 2016 

ersteigerte ein Kaiserhaus-Liebhaber das Reiseservice 

des Monarchen für 68.750 Euro. 

Reinhold Hofstätter: Großen Gefallen fanden 

internationale Interessenten an den originellen Interieurs 

und historischen Einzelstücken, die im September 

im Dorotheum Wien weit über ihren Schätzwerten 

versteigert wurden. Die rund 400 angebotenen 

Gemälde und Antiquitäten stammten aus der 

Privatsammlung des legendären Wiener Kunsthändlers 

Reinhold Hofstätter (1927 – 2013), der damit seinen 

Sommerwohnsitz Schloss Schwallenbach in der 

Wachau (Niederösterreich) ausstattete. Ferdinand 

Georg Waldmüllers Gemälde „Der Abschied“ erreichte 

dabei 203.411 Euro. 

Strahlend: Die seit Jahren starke Nachfrage nach 

Juwelen setzte sich auch 2016 fort. Hohe 

Ansteigerungen erfuhren vor allem Schmuckstücke mit 

großen Steinen, vorzugsweise Diamanten, und 

Erzeugnisse bekannter Marken wie etwa Bulgari. Die 

mit 130 Lots bestückte Auktion mit kinetischem 

Schmuck des deutschen Goldschmieds und ZERO- 

Künstlers Friedrich Becker bewies, dass man auch mit 

zeitgenössischen Arbeiten international reüssiert. (Foto: 

© Dorotheum)


Maria Lassnig (Kappel, Kärnten 1919 - 2014 Wien) Ohne Titel (Berge) 1955, Öl auf Hartfaserplatte, 

35 x 49,5 cm erzielter Preis € 137.200 

Millionen Preis im Dorotheum – 1.022.500 Euro 

für Marc Chagalls Blumenstrauß 

Nach einem intensiven Bieterkampf am Telefon stand 

schlussendlich der vierte Millionenpreis in diesem Jahr 

für das Dorotheum fest: Marc Chagalls Ölbild „Fleurs“ 

(Blumen), das Titellos des Auktionskataloges 

„Klassische Moderne“ erreichte am 23. November 2016 

ausgezeichnete 1.022.500 Euro. Das marktfrische 

Gemälde dieses Meisters der Moderne verfügt über 

eine hervorragende Provenienz und stammt aus 1924, 

der Zeit nach der Übersiedlung Chagalls von Russland 

nach Paris. Der Blumenstrauß war eines der der 

Lieblingsmotive Chagalls, Ausdruck der Lebensfreude. 

Weitere Spitzenpreise gab es etwa für das dynamischfuturistische 

Bild von Giacomo Balla („Valori Plastici“, € 

320.200) oder für Francis Picabias unbetitelte 

Tuschzeichnung von 1932 (€ 234.800). Die österreichische 

Kunst mischte vorne mit: Weltrekordpreise 

konnten für Bilder des Sezessionsten Josef Engelhart 

erzielt werden. Neun seiner nahezu lebensgroßen, für 

die Weltausstellung 1904 in St. Louis angefertigten 

Sagenfigur-Werkzeichnungen („Merlinsage“) kamen auf 

sensationelle 582.400 Euro, dem Vielfachen des 

Schätzwertes. Carl Molls Venedig-Ansicht „Santa Maria 

della Salute“ war einem Kunstsammler 176.670 Euro 

wert. Hohe Ansteigerungen und eine hohe 

Verkaufsquote dominierten auch den weiteren 

Auktionsverlauf: Enrico Castellanis „Superficie Bianca“ 

von 1987 reüssierte bei 320.200 Euro. Heiß begehrt 

war Tano Festas „Rosso Nero n. 44“, das mit 295.800 

Euro die Erwartungen weit übertraf. Lucio Fontanas 

„Concetto spaziale, Teatrino“ von 1964 erreichte 

259.200 Euro und die Gebote für Paolo Scheggis 

„Intersuperficie curva dall´azzurro“, 1966, kletterten auf 

204.300 Euro. Weltrekorde gab es unter anderem für 

Werke von Rudolfo Aricò und Emilio Scanavino. Bei 

den Werken deutscher Künstler brillierten Arbeiten von 

Günter Uecker, Adolf Luther, Gerhard Richter und 

Ludwig Wilding. Von den österreichischen Künstlern 

besonders geschätzt war eine kleinformatige frühe 

Ölmalerei von Maria Lassnig mit dem Rekordpreis von 

137.200 Euro. (Foto: © Dorotheum)


Marc Chagall (1887 - 1985) Fleurs, 1924, Öl/Leinwand, 72 x 57 cm erzielter Preis € 1.022.500


Giacomo Balla (1871 - 1958) Valori plastici, ca. 1929, Tempera auf Leinwand, 

77 x 77 cm erzielter Preis € 320.200 

Julije Knifer (Osijek 1924-2004 Paris), Kompozicija No. 12, 1969, Acryl auf Leinwand, 

85 x 110 cm erzielter Preis € 161.600 Weltrekordpreis


Enrico Castellani (Castelmassa, Rovigo 1930 geb.), Superficie Bianca, 1987, 

Acryl auf Leinwand, 100 x 100 cm erzielter Preis € 320.200 

Tano Festa (Rom 1938 - 1987) Rosso Nero, 1961, Email, Tempera, Holz, 

Papier auf Leinwand, 150,5 x 170 cm erzielter Preis € 295.800


Jacopo Tintoretto (1519-1594) Die Schlacht zwischen den Philistern und den Israeliten 

Öl auf Leinwand, 146 x 230,7 cm erzielter Preis € 907.500 

Mehr als 900.000 Euro für Tintoretto-Neuentdeckung 

Eine der besten Altmeister-Auktionen im Dorotheum 

Eine spektakuläre Neuentdeckung stand im Mittelpunkt 

der Auktion mit Gemälden Alten Meister im Oktober 

2016 und wurde als solche mit einem Spitzenpreis 

honoriert. Jacopo Tintorettos Schlachtenbild mit der 

Kampfszene Davids gegen Goliath, als Hauptwerk des 

venezianischen Manierismus-Meisters erstmals 

zuordenbar, erreichte 907.500 Euro. Das Bild, dessen 

faszinierende Entstehung Röntgenanalysen 

offenbarten, überzeugt u. a. durch seinen 

hochmodernen Bildaufbau – Nicht umsonst gilt 

Tintoretto als einer der Begründer moderner Malerei. Im 

500. Todesjahr von Hieronymus Bosch, dem Urvater 

der Surrealisten, offerierte das Dorotheum das 

Gemälde „Die Hölle“, angefertigt von einem Nachfolger 

des Malers. 527.600 Euro war das Motiv des rechten 

Altarflügels von „Garten der Lüste“ des Prado einem 

Sammler wert. Unter den weiteren Spitzenpreisen: 

430.742 Euro für eine Hafenszene von Jan Brueghel I., 

320.200 Euro für Giuseppe Bernardo Bisons Venedig- 

Vedute „Der Canal Grande und die Rialtobrücke“. Weit 

über den Schätzwerten wurden Jusepe Riberas 

„Heiliger Hieronymus“ sowie „Magdalena bei der 

Kommunion“ von Alessandro Turchi zugeschlagen (€ 

308.000, € 234.800). Auf 377.253 Euro, mehr als das 

Dreifache des Schätzwertes, kam das der 

Niederländischen Schule zuordenbare Bild „Die Heilige 

Familie mit Papagei“. (Foto: © Dorotheum)


Hieronymus Bosch Nachfolger, Die Hölle, Öl auf Holz, 124 x 97,5 cm 

erzielter Preis € 527.600


Leon Schulman Gaspard (Vitebsk 1882-1964 Taos) "La Fin de la Kermesse", Öl/Leinwand/Karton, 28 x 46,5 cm 

erzielter Preis € 173.800 

HERBST-AUKTIONSWOCHE DER SUPERLATIVE 

Weltrekorde und Spitzenpreise im Dorotheum 

Eine Woche der Superlativen im Dorotheum: Hohe 

Ansteigerungen und Weltrekorde kennzeichneten die 

Auktion von Gemälden des 19. Jahrhunderts im 

Oktober 2016. Einen Spitzenpreis mit 173.800 Euro 

erzielte der Maler Leon Schulman Gaspard mit seinem 

Lieblingsmotiv, dem Kirchtag „La Fin de la Kermesse“. 

125.000 Euro, den höchsten Preis für ein Gemälde des 

in Rom tätigen Franzosen Henri Camille Danger erzielte 

das Auktionshaus mit dem dramatischen Großformat 

„Aimez-vous les uns les autres" oder „La transgression 

du commandement", einer Anklage gegen den Verstoß 

des Gebots „Liebe deinen Nächsten“. Weitere 

Weltrekorde gab es für einen Italiener in Paris, Ulisse 

Caputo („Die Klavierspielerin“, € 100.000) und für ein 

Raffael nachempfundenes Bild der „Maria im 

verschlossenen Garten“ von Johann Evangelist 

Scheffer von Leonhardshoff, auch „Raffaelino“ genannt. 

Mit 50.000 Euro war auch auch das Stillleben von 

Franz Xaver Gruber, dem so genannten „Distlgruber“, 

der bis dato höchste Auktionspreis für ein Bild des 

Künstlers. Diamanten, Farbsteine und internationale 

Namen stehen bei den Juwelen ganz oben in der Gunst 

der Sammler – dies bestätigte die Auktion am 20. 

Oktober. Ein 5,44 karätiger Diamantanhänger in bester 

Qualität wurde auf 210.400 Euro gesteigert, ein Bulgari- 

Ring mit einem „Fancy“-Diamant auf 87.500 Euro. Ein 

Paar Meissen-Pracht-Deckelvasen mit Vogelkäfig und 

Schneeballblüten markierten mit 247.700 Euro den 

Spitzenpreis bei der Auktion „Porzellan und Glas“ am 

19. Oktober 2016. Jacopo Tintorettos Schlachtenbild 

mit der Kampfszene Davids gegen Goliath, eine 

Neuentdeckung, stand am 18. Oktober 2016 mit 

hervorragenden 907.500 Euro im Mittelpunkt der 

Altmeister-Auktion, eine der besten des Hauses. 

Insgesamt war es die bis dato beste Dorotheum-Herbst- 

Auktionswoche mit Alten Meistern und Gemälden des 

19. Jahrhunderts. (Foto: © Dorotheum)


Henri Camille Danger (Paris 1857-1940 Fondettes) "Aimez-vous les unes les autres" ou "La transgression 

du commandement" Öl / Leinwand, 157 x 217 cm, erzielter Preis € 125.000 

Ulisse Caputo (Salerno 1857 - 1929 Venedig) Die Klavierspielerin 

Öl / Leinwand, 116 x 148 cm, erzielter Preis € 100.000 - Weltrekordpreis


Foto: © Dorotheum 

Hervorragende Auktion von zeitgenössischem 

Schmuck im Dorotheum Wien 

„Friedrich Becker – Gold, Edelstahl, Kinetik“ 

Das bewies am im November 2016 die höchst 

erfolgreiche Auktion im Wiener Dorotheum mit 130 

Arbeiten des deutschen Goldschmieds Friedrich 

Becker. Seine Schmuckstücke sind nicht einfach 

Schmuck, sondern vielmehr Kunstobjekte. Dorotheum- 

Juwelenexpertin Astrid Fialka-Herics über die 

Ergebnisse: „Es zeigte sich mit dieser Auktion, dass ein 

international arrivierter Künstler auch internationales 

Publikum anzieht und damit Spitzenpreise erzielt 

werden konnten. Insbesondere der kinetische Schmuck 

– also der sich durch das Tragen selbständig in 

Bewegung setzende –, als deren Erfinder Friedrich 

Becker gilt, erhielt Ansteigerungen von einem 

Vielfachen des oberen Schätzwertes“. So erreichte der 

kinetische Zweifingerbrillantring aus Weißgold 

ausgezeichnete 18.750 Euro, der um 1970 entstandene 

kinetische Turmalin Hämatitring 16.250 Euro oder die 

kinetischen Ohrgehänge aus Weißgold 11.250 Euro. 

Das Titellos des Kataloges (Kinetischer Zweifingerring, 

1987) war in dieser insgesamt hervorragenden Auktion 

mit 13.750 Euro erfolgreich. Foto: © Dorotheum


Friedrich Becker Kinetischer Zweifingerbrillantring 

Erzielter Preis 13.750,- Euro 

Friedrich Becker Kinetischer Zweifingerbrillantring 

Erzielter Preis 18.750,- Euro 

Friedrich BeckerTurmalinring1970 

Erzielter Preis 16.250,- Euro

KUNST.INVESTOR Auktionshaus ‚im Kinsky‘ 

Richard Gerstl, Obstgarten (Kleines Gartenbild), Sommer 1907, Öl auf Leinwand; 35 × 34 cm, 1907 

Zuschlag netto: € 530.000, Kaufpreis brutto: €667.800 

2016 im Kinsky - Die Kunst des Erfolgs 

Das Jahr 2016 endete mit dem bisher besten Ergebnis 

für das Auktionshaus im Kinsky! Es festigt damit einmal 

mehr seine Stellung als eines der bedeutenden 

Auktionshäuser Europas und bestätigt seine 

entscheidende Rolle für die Wertschätzung 

österreichischer Malerei und Kunst über die Grenzen 

des Landes hinaus. Rund 28 Mio € konnten mit über 

3.000 verkauften Objekten erzielt werden. Die großen 

Nachlass-Auktionen der Wiener Galerie Contact von 

Helga Vavrousek und der Sammlung Carl-Anton 

Goëss-Saurau und seiner Frau Marie, geb. Mayr- 

Melnhof brachten sensationelle Ergebnisse mit 

erwarteten und überraschenden Steigerungen des 

ursprünglichen Schätzpreises. Spitzenpreise und 

Weltrekorde wurden für Gemälde des Barockmalers 

Martin Johann Schmidt, für Hans Makart und Olga 

Wisinger-Florian, für Richard Gerstl und Koloman 

Moser, Josef Floch und Norbertine Bresslern-Roth 

sowie für Hans Bischoffshausen und Maria Lassnig 

geboten. Objekte der seltenen Kunst des 

Steinbockhorns aus dem Salzburger Raum setzten 

neue Preisstandards, genauso wie die spezielle 

Gattung des Formglases und die faszinierende Kunst 

der gotischen Skulptur. Der Wiener Jugendstil – von 

Beginn an Schwerpunkt des Hauses – punktete mit 

Schmuckstücken von Josef Hoffmann und einem in 

seiner minimalistischen Eleganz überzeugenden 

Ensemble von Blumenvasen und Tafelaufsatz sowie 

einer fein gearbeiteten Schmuckschale von Carl Otto 

Czeschka. Die Kunst des Erfolgs basiert im Kinsky auf 

dem Gespür für Qualität, genauer Untersuchung und 

Expertise, auf ein unbedingtes Engagement und der 

Begeisterung für die unerschöpfliche Fülle 

künstlerischer Kreativität.


Hans Bischoffshausen, Dissolution d'un Champ D'Energie, 

1960/61, Spachtelmasse auf Kunstharzplatte; Zuschlag ntto: € 

100.000, Kaufpreis btto: € 126.000 

Alfons Walde, Tiroler Bergdorf (Auracher Kirchl), 1938 

Öl auf Karton; 59,5 × 42,5 cm, Zuschlag ntto: € 260.000 

Kaufpreis btto: €327.600 

Kolo Moser, Stiefmütterchen mit Blumentöpfen, um 1910, Öl auf Leinwand 

50 × 100,5 cm, Zuschlag netto: € 270.000, Kaufpreis brutto: € 340.200


Yves Klein, Sieg der Samothrake, 1962, Harz, Pigment, synthetisches Bindemittel auf Gips 

auf Stein montiert H. 48 cm, Zuschlag netto: € 110.000, Kaufpreis brutto: € 138.600


Triumph für die 

österreichische Moderne 

im Kinsky 

Josef Floch, Kat. Nr. 278, Mutter mit Kind, 1927/28, Öl auf Leinwand, 

110 x 75 cm, verkauft um: € 277.200 

Die letzte Auktion 2016 wurde im Kinsky zu einer 

kraftvollen Präsentation der österreichischen Kunst, 

ergänzt und bereichert mit ausgewählten internationalen 

Beispielen. Dieses Angebot überzeugte 

einmal mehr Sammler der jungen Moderne, die in den 

ersten Jahrzehnten des 20. Jhd. Werke von größter 

Kraft, Leidenschaft und Innovation hervorgebracht hat. 

Gleich drei neue Rekordpreise weltweit konnten für 

Josef Floch, für den früh verstorbenen Kärntner 

Expressionisten Sebastian Isepp und für die heuer in 

Graz mit einer großen Retrospektive geehrten 

Norbertine Bresslern-Roth erzielt werden. Egon Schiele 

und Josef Floch überschritten die €200.000 Marke, 

gleich sieben Werke erzielten spielend über € 100.000. 

Josef Floch: In diesem malerischen Hauptwerk aus den 

1920er Jahren erweist sich Floch als überzeugender 

Vertreter einer internationalen Moderne. Einflüsse von 

Modigliani, Lipchitz, Picasso verbinden sich mit dem 

barocken Farberbe Österreichs und einer subtilen wie 

tiefgründigen Ikonographie. Eine Qualität, die mit einem 

neuen absoluten Spitzenpreis für den Maler gewürdigt 

wurde (Zuschlag € 220.000).


Egon Schiele, Kat. Nr. 208, Frauenakt, 1914, Bleistift auf Papie 

48 x 31,7 cm, verkauft um: € 327.600 

Egon Schiele: Der straff gespannte Akt eines knienden 

Mädchens, übersät mit kantigen Strichen, die – 

entstanden 1914 – an Wundnähte erinnern, konnte den 

Startpreis um fast die Hälfte auf € 260.000 verdoppeln. 

Ein kanadischer Sammler sicherte sich dieses 

besondere Blatt. 

Georg Tappert, Kat. Nr. 241, Mädchen am Tisch, 1913, Öl auf Leinwand, 

109,5 x 91,5 cm; verkauft um: € 214.200 

Georg Tappert: Mit einem niederen Schätzpreis von € 

35.000 war das Bietergefecht für das ungemein 

kraftvolle Gemälde von Tapperts Lieblingsmodell Betty 

vorprogrammiert. Werke dieses eigenständigen und 

umtriebigen deutschen Expressionisten par excellence 

sind selten am Markt und dann umso begehrter. Mit 

einem Zuschlag von €170.000 sicherte sich ein 

internationaler Sammler das Meisterwerk. Foto: 

Auktionshaus ‚im Kinsky‘


Norbertine Bresslern Roth, Kat. Nr. 362, Einsames Floß, 1958, Öl auf Jute 

100 x 100 cm; verkauft um: € 207.900 

Norbertine Bresslern-Roth: Ein schwarzer Panther, auf 

einem Ast lauernd über ein einsam dahingleitendes 

Floss, ein Thema voll Schönheit, Kraft und Spannung 

konnte nicht ohne Wirkung sein. Zwei hartnäckige 

Sammler kämpften sich letztlich bis auf € 165.000 

hinauf: Ein neuer Rekordpreis für diese bedeutende 

Grazer Malerin, einmal mehr im Kinsky erzielt. 

Sebastian Isepp, Kat. Nr. 242, Flussufer im Rauhfrost, 1909/10, Öl auf Leinwand 

110 x 125 cm; verkauft um: € 195.300 

Sebastian Isepp: Aus der Sammlung von Gertrude 

Zuckerkandl-Stekel gelangte dieses Gemälde aus 

Frankreich wieder auf dem Markt. Ein Highlight der 

Auktion, denn Gemälde dieses begnadeten aber früh 

verstorbenen Malers aus dem legendären „Nötscher 

Kreis“ in Kärnten sind extrem selten, ein Gemälde 

dieser Größe und Qualität überhaupt einzigartig. Kein 

Wunder aber dennoch bemerkenswert war das große 

Interesse, das den Preis bis auf € 155.000 steigerte!


Ernst Ludwig Kirchner, Kat. Nr. 222, Nackte Frau und Mädchen, um 1925, Aquarell 

Kreide auf Papier, 49,8 x 33,9 cm; verkauft um: € 195.300


Maria Lassnig, o. T., 1994-1996, Öl auf Leinwand, 100 x 125 cm, 

verkauft um: € 378.000 

Maria Lassnig, Herbstbild (Herbst) oder Aus dem Rahmen 

drücken, 1983, Öl auf Leinwand; verkauft um: € 378.000 

Ernst Ludwig Kirchner: 1925 in seiner Davoser 

Wahlheimat vollendete der bedeutende deutsche 

Expressionist der ersten Stunde dieses sehr lyrische, 

wie kraftvolle Aquarell. Die vielschichtige Ikonographie 

des Bildes wird in eine Symphonie von Farben 

eingebettet und kehrt nun nach einigem Bieterwechsel 

bis € 150.000 in die Schweiz zurück. Weitere 

Topergebnisse erzielten Franz Sedlacek, Blumenstück, 

1922, Kat. Nr. 272 (€ 150.000 /KP € 189.000), Egon 

Schieles zauberhaftes Mädchenaquarell, Kat. Nr. 175, 

(€ 175.000 /KP € 220.500) und Carl Molls Wald am 

Orthof am Semmering, Kat. Nr. 299 (€ 105.000 / KP € 

132.300). Das Herbstbild oder das auch mit Aus dem 

Rahmen drücken bezeichnete Bild von Maria Lassnig, 

Highlight der Sammlung von Dieter und Barbara Ronte, 

sowie ihre verspielte wie verschlüsselte Porträtsequenz 

aus der Serie Malflüsse erzielten jeweils € 300.000/ KP 

€ 378.000, heftig umworben von internationalen und 

österreichischen Bietern, die sich am Ende den 

Zuschlag sicherten. Ein fantastisches Ergebnis fuhren 

auch die Phantastischen Realisten ein: Arik Brauers 

Turm verdiente sich zweifellos seinen neuen 

Rekordpreis von € 150.000/ KP € 189.000 und geht wie 

Ernst Fuchs Der heilige Johannes auf Patmos für stolze 

€ 100.000 / KP € 126.000 in die USA. Knapp einen 

neuen Rekordpreis wurde auch dem Gemälde 

Materialschlachten von Hans Bischoffshausen mit € 

90.000 / KP € 113.400 zugestanden, was einmal mehr 

die wachsende Anerkennung dieses bedeutenden 

Kärntner Künstlers bestätigt. Max Weilers sich in den 

Himmel reckende Samen und Baumvariationen von 

1973 fand mit € 80.000/ € 100.800 einen neuen Käufer. 

Foto: Auktionshaus ‚im Kinsky‘


Olga Wisinger-Florians- erzielter Preis € 190.000 (KP € 239.400) 

Anton Romako, erzielter Preis € 75.000/ KP € 94.500


Hans Makart, erzielter Preis 130.000 (KP € 163.800)


Josef Hoffmann, Kat. Nr. 23-25: Paar Blumenvasen und Tafelaufsatz, Wiener Werkstätte 1906, Silber, verkauft um: € 176.400 

Im Glanz der WW 

Kunstauktion, Jugendstil 

Mit einem seltenen Angebot von Mosaiken von Leopold 

Forstner aus dem Umkreis der Wiener Werkstätte 

begann die Auktion bereits vielversprechend, fand 

seinen Höhepunkt mit Silberarbeiten von Josef 

Hoffmann und Carl Otto Czeschka und verführte mit so 

Josef Hoffmann: Zu einer Trilogie von Eleganz und 

Schönheit verwandelte sich die zunächst einzeln 

ausgerufenen zwei Vasen und ein Tafelaufsatz: der 

Letztbieter sicherte sich alle drei für eine 

Gesamtsumme von € 140.000. 

Carl Otto Czeschka: Diese feinst gearbeitete 

Schmuckschale des Designers Carl Otto Czeschka 

begeisterte so sehr, dass sich sein Anfangswert 

verdreifachte: um € 30.000 geht dieses besondere 

Stück nun nach Brüssel. 

seltenen Objekten wie der aus Marmorpapier 

gestalteten Kassette von Koloman Moser. Das rege 

Interesse aus dem Ausland bestätigte die internationale 

Bedeutung dieser einzigartigen Kunstepoche 

österreichischen Kunsthandwerks und Designs. 

Koloman Moser: Diese Kassette mit 16 kleinen 

Schachtelchen zur Aufbewahrung von Perlen ist ein 

einzigartiges Exemplar, bei dem sich die Farben des 

selbst entworfenen Marmorpapiers dank dem 

Lichtschutz erhalten haben. Die Vielfalt und zeitlose 

Modernität der Gestaltung ist faszinierend und ließ 

Sammler bis zu € 16.000 um das gute Stück wetteifern. 

Foto: Auktionshaus ‚im Kinsky‘.


Carl Otto Czeschka, Kat. Nr. 19: Schmuckschale, Wiener Werkstätte, um 1907, 

Silber, H 6,6 cm, verkauft um € 37.800 

Koloman Moser, Kat. Nr. 41: Kassette aus Marmorpapier, Wiener Werkstätte, 

um 1905, Karton, Marmorpapier, 30,5 x 30,5 cm, verkauft um € 20.160


Martin Johann Schmidt, gen. Kremser Schmidt, erzielter Preis € 380.000 ( KP € 478.800) 

Gute Ernte – Erfolgs-Auktion im Kinsky 

Die Sammlung von Carl Anton Goess-Saurau und seiner Frau Marie geb. Mayr-Melnhof erzielte im Auktionshaus im 

Kinsky ein sensationelles Ergebnis! Die 350 Objekte bei den Antiquitäten und die 85 Gemälde und Graphiken brachten 

in Summe ein Ergebnis von rund € 1,4 Mio und damit eine vielfache Steigerung der sehr günstig angesetzten 

Schätzpreise! 

Die HIGHLIGHTS der Nachlass-Auktion 

GEMÄLDESAMMLUNG: Martin Johann Schmidt, gen. 

Kremser Schmidt, Familienbildnis: Dieses persönliche 

Dokument des österreichischen Barockgenies wurden 

nach intensivem Bieten für den sensationellen Preis 

von € 380.000 ( KP € 478.800) zugeschlagen! Ein 

absoluter Rekord für diesen bedeutenden Maler! Die 

ehemalige Dauerleihgabe an das Belvedere gelangt 

nun in die Fürstlichen Sammlungen des Lichtenstein 

Museum Wien! 

ANTIQUITÄTEN: Steinbockhorn-Sammlung: Ein Verkauf 

von 100% und Rekordpreise für die 80 exquisiten 

Kunstobjekte waren das sensationelle Ergebnis eines 

vollen Saales und ambitionierter Sammler aus 

Österreich und Deutschland. Insgesamt wurde für die 

Steinbockhorn-Sammlung ein Ergebnis von rund € 

325.000 / KP € 409.000 erzielt! Besonders erfreulich, 

dass bedeutende Stücke, wie die beiden „Höfischen 

Deckelpokale“ (je € 48.000/ KP € 60.480), in die 

Sammlung das Salzburger Dommuseum gelangen! Ein 

erfreulicher kulturpolitischer Zug, durch den diese 

einzigartige Kunstproduktion in Zukunft der 

Öffentlichkeit zur Verfügung stehen kann!


Paar großer Ingwer-Töpfe: € 35.000 (KP € 44.100) 

ANTIQUITÄTEN, 18. Oktober 2016: Highlights der 

Antiquitäten waren die drei bedeutenden Konvolute aus 

Schloss Hernstein in Niederösterreich: Jedes wurde bis 

aus € 32.000/ KP € 40.320 hinaufgesteigert, das komplett 

erhaltene Tafelbesteck konnte die Bundesmobilienverwaltung, 

also das Hofmobiliendepot in Wien erwerben, 

das Glas- und das Tafelservice gehen an österreichische 

Privatsammler. 

Hl. Sebastian, Tirol um 1520: € 50.000 (KP € 63.000) 

ANTIQUITÄTENBILDER 19. JAHRHUNDERT, 19. 

Oktober 2016: Bei den Bildern des 19. Jahrhunderts 

punktete Hans Makarts sinnliche Allegorie der Liebe mit 

einem Zuschlag von € 130.000 (KP € 163.800)! Olga 

Wisinger-Florians Gloxinien im Glashaus, das Ergebnis 

eines Regentages im ehemaligen Glashaus in 

Grafenegg, triumphierte mit einem Zuschlag von 

€190.000 (KP € 239.400)! Und das süße Mädchen von 

Anton Romako war dem neuen Bieter fraglos € 75.000/ 

KP € 94.500 wert. In Summe wurde bei beiden Tagen 

ein Meistbot exkl. Aufgeld von € 3,9 Mio erzielt. (Foto: 

© Kinsky)

KUNST.INVESTOR Ressler Kunstauktionen 

Maria Lassnig, Bügeleisen, Öl auf Leinwand 

65 x 75 cm, Rufpreis: 70.000 Euro 

Frauen in die Kunst! 

Künstlerinnen sind am Kunstmarkt stark unterrepräsentiert 

Ressler Kunst Auktionen veranstaltet am 23. Jänner 

2017 erstmals eine Auktion, in der ausschließlich die 

Werke von Künstlerinnen präsentiert werden. 

Angeboten werden mehr als hundert Kunstobjekte mit 

einem Gesamt-Ausrufpreis von € 800.000. Bei der 

Auktion können aber nicht nur Werke etablierter 

Künstlerinnen wie Maria Lassnig, Valie Export, Martha 

Jungwirth, Xenia Hausner, Eva Schlegel und Elke 

Krystufek ersteigert werden, sondern auch Werke von 

Malerinnen und Bildhauerinnen, die bisher nicht so sehr 

im Fokus der öffentlichen Aufmerksamkeit standen. 

Bis zum Ende des 19. Jahrhundert waren Frauen von 

jeder akademischen Ausbildung, auch der 

künstlerischen, ausgeschlossen. Noch weit hinein ins 

20. Jahrhundert durften Frauen an den Veranstaltungen 

der Kunstakademien zur Aktmalerei nicht teilnehmen – 

und waren damit von einer Voraussetzung für 

wesentliche Bereiche der Malerei ausgesperrt. Es ist 

kein Zufall, dass Künstlerinnen wie Tina Blau, Marie 

Egner und Olga Wiesinger-Florian Blumen und 

Landschaften malten, während ihren männlichen 

Kollegen alle Wege offen standen. Noch 1918 konnte 

man in einem Gutachten der Münchner Akademie 

lesen, dass „freie Komposition und monumentale 

Aufgaben der Veranlagung der Frau weniger 

entsprechen“. Und der berühmte Kunsthistoriker und 

Schiele-Biograf Arthur Roessler schrieb: „Von Frauen 

mit der Spachtel maurermäßig derb hingestrichene 

Bilder sind mir und den meisten Männern ein Gräuel.“ 

Selbst als sich die Gleichstellung der Frau auf allen 

Gebieten durchzusetzen begann, wurden Frauen noch 

immer auf „harmlose“ Gebiete der Malerei abgedrängt. 

Dann kamen die Nazis und mit ihnen ein Frauenbild, 

das eine ernsthafte Arbeit als bildende Künstlerin 

überhaupt ausschloss. Die geschlechtsspezifische 

Unterdrückung von Künstlerinnen ging nach 1945 

fröhlich weiter und lässt sich in unsäglichen 

Kommentaren von Kunstkritikern nachvollziehen.


Diese Einschränkung und Missachtung ist bis heute 

nicht völlig ausgeräumt. In den Galerien, den nationalen 

wie internationalen Rankings sind Künstlerinnen 

deshalb deutlich in der Minderheit – obwohl mittlerweile 

die Mehrzahl der Galerien von Frauen geleitet wird. Bei 

Artfacts, wo die Ausstellungsintensität von Künstlerinnen 

und Künstlern weltweit beobachtet und 

gemessen wird, sind unter den Top 100 nur 12 Frauen 

– darunter immerhin als Valie Export. Das Trend 

Kunstranking 2016 weist einen Frauenanteil von 30 % 

auf – die meisten auf den hinteren Rängen. Und beim 

GEWINN Kunstbarometer waren es gar nur 22 %. Es 

dauerte bis 1980, ehe die erste Professorin an eine 

Kunstuniversität (und zwar im gesamten deutschen 

Sprachraum) berufen wurde: Es war Maria Lassnig. 

Und bis dahin war die Bereitschaft der ausnahmslos 

männlichen Professoren, Frauen als Schüler 

aufzunehmen, enden wollend. Mittlerweile beginnt sich 

freilich die Überzeugung durchzusetzen, kann. Und da 

haben Künstlerinnen gute Karten. Die Bilder von Maria 

Lassnig etwa erzielten mittlerweile international die mit 

Abstand höchsten Preise unter den österreichischen 

Künstlern nach 1945. (Bei der Art Basel wurde eines 

ihrer Bilder um sagenhafte 1,2 Millionen verkauft.) Und 

Museen in aller Welt reißen sich um Ausstellungen mit 

ihren Werken. Die mit dem Goldenen Löwen von 

Venedig für ihr Lebenswerk ausgezeichnete Maria 

Lassnig war weltweit eine der ersten Künstlerinnen, die 

weibliche Positionen in der Kunstwelt und in der 

Gesellschaft reflektierten und den Einfluss des 

weiblichen Körpers auf Lebensentwurf und Biographie 

einer Künstlerin drastisch und offen darstellten. Ihre 

Körperbewusstseinsbilder, im Grunde Selbstporträts, 

erzeugen, angereichert mit surrealen Elementen, eine 

eigenartige und ganz spezifische Schwebe zwischen 

Nähe und Fremdheit. Valie Export wurde lange Zeit für 

ihre Radikalität kritisiert, mittlerweile gilt sie als Ikone 

des Feminismus und Pionierin im Bereich Medienkunst. 

Die bedeutendsten Museen der Welt haben 

Werkblöcke von VALIE EXPORT erworben, darunter 

das Centre Pompidou in Paris, das Museum of Modern 

Art in New York und die Tate Modern in London. Sie ist 

unbestritten eine der bedeutendsten Künstlerinnen der 

Welt. Martha Jungwirth wird gerade wiederentdeckt – 

endlich! Mit Franz Ringel, Peter Pongratz, Wolfgang 

Herzig, Robert Zeppel-Sperl und Kurt Kocherscheidt 

stellte sie 1968 ihre Bilder in der legendären, von Otto 

Breicha initiierten Secessions-Ausstellung mit dem Titel 

„Wirklichkeiten“ aus. Die Gruppe reklamierte gegenüber 

dem damals international dominierenden Informel eine 

gesellschaftsrelevantere, realistische Malerei. Elke 

Krystufek untersucht in ihren Zeichnungen und 

Malereien sowie in Installationen, Performances und in 

den visuellen Medien wie Video und Fotografie die 

Phänomene Macht, Verfügbarkeit, Kommunikation, 

Diskriminierung, Sex, Gewalt, Schönheit, Freizeit und 

Popkultur. Und Eva Schlegel steht – neben ihrer 

gesellschaftspolitischen Kritik – für die Auseinandersetzung 

mit der Materie und ihren Möglichkeiten. Die 

Künstlerin untersucht die körperliche Beschaffenheit 

der von ihr verwendeten Materialien ebenso wie deren 

immaterielle Seite, die sich in Deutungen oder 

Konnotationen verschlüsselt. Da trifft sie sich mit Xenia 

Hausner, die bei einem Interview im „Standard“ sagte: 

„Ich will hinter die Oberfläche sehen. Die ganze Palette 

der menschlichen Abgründe. Ich komme darauf, wie 

jemand ist, und je länger ich hinsehe, desto mehr 

Aspekte finde ich. Ich schaue mich zu Tode.“ Neben 

diesen „Stars“ der heimischen – und längst auch 

internationalen – Kunstszene bietet die Auktion Werke 

von Florentina Pakosta, Deborah Sengl, Zenita Komad, 

Adi Rosenblum, Barbara Mungenast, Seva Chkoutova, 

Bianca Regl, Johanna Kandl, Hildegard Joos und vielen 

anderen Künstlerinnen, die bereits weit über die 

Grenzen unseres Landes hinaus Aufmerksamkeit 

erregen und auf dem Sprung zum internationalen 

Durchbruch stehen. Und nicht zuletzt werden auch 

Werke von international etablierten Künstlerinnen 

offeriert, wie Louise Bourgeois und Rebecca Horn. 

Foto: © Ressler Kunst Auktionen


Elke Krystufek, tiger lily, Acryl und Glitter auf getupfter Leinwand 

170 x 129,5 cm 1998 Rufpreis: 15.000 Euro 

Deborah Sengl, Logo Heroes (USA), Acryl auf Leinwand 

150 x 120 cm 2007, Rufpreis: 7.000 Euro


Martha Jungwirth, Ohne Titel, Öl auf Leinwand 

100 x 70,5 cm 1993, Rufpreis: 8.000 Euro 

Maria Lassnig, Korkenziehermann (Tod) 

Öl auf Leinwand 205 x 134,5 cm 1986-1987, Rufpreis: 160.000 Euro

KUNST.INVESTOR Galerie Gugging 

Oswald Tschirtner und Johann Hauser 

„... mit strich und farbe“ 

Oswald Tschirtner & Johann Hauser, zwei Gugging-Künstler, wie sie unterschiedlicher nicht sein konnten: der eine der 

ruhige Meister der einzelnen, dünnen Linie; der andere der Emotionale, der das Papier mit knalligen Farben füllte: 

Oswald Tschirtner und Johann Hauser. Zwei Freunde, die ein halbes Leben miteinander verbrachten und sich einander 

stilistisch in keiner Weise beeinflussten. Das Sprichwort „Gegensätze ziehen sich an" könnte hier zum Tragen kommen, 

denn sowohl im Leben wie auch in der Kunst ist bei Tschirtner und Hauser so etwas wie eine sich ergänzende 

Harmonie, die wohltuend anregend ist, spürbar. Die Werke von Johann Hauser und Oswald Tschirtner zählen zu den 

Klassikern der Art Brut und kaum eine Ausstellung und Sammlung, die sich umfassender der Art Brut widmet, kommt 

ohne ihre Werke aus. 

Oswald Tschirtner: wurde von Dr. Leo Navratil(*) zum 

Zeichnen ermuntert und konnte sein Talent zeigen. 

Navratil gab ihm Vorlagen, die als Inspirationen für 

Tschirtners frühe Werke dienten, welche der Künstler 

aber in seiner individuellen Zeichensprache übersetzte 

und zu Eigenem machte. Seine Kopffüßler wurden in 

den folgenden Jahrzehnten weltbekannt. Einfach, klar 

und geschlechtslos gezeichnet, mit Feder und Tusche, 

die er auch gegen den Strich verwendete, wobei die 

Feder laut quietschte. In den siebziger Jahren des 

vorigen Jahrhunderts ausschließlich auf kleinen 

Papieren arbeitend, bewies der Künstler in den 

achtziger Jahren, dass er von der Postkartengröße 

jederzeit bis zu haushohen Formaten oder auf großen 

Leinwänden zu schwarzen Edding-Stiften wechseln 

konnte. Neben den grandiosen Menschendarstellungen 

zeigte Oswald Tschirtner auch den Hang zur 

Konzentration der Bildthemen auf das absolut 

Wichtigste. Oft reichte ein einzelner Strich für das 

ganze Werk. 

Johann Hauser: arbeitete ganz anders als sein 

Kollege Oswald Tschirtner. Aus Bratislava nach 

Niederösterreich in Kriegszeiten zwangsumgesiedelt 

begann er 1959 in Gugging spontan zu zeichnen. Dr. 

Navratil ermunterte auch ihn und brachte ihm Vorlagen. 

Bereits in den ersten Künstlerjahren bis Mitte der 

Sechziger zeigte Hauser seine Themen, die er später 

noch weiterentwickelte. Seine absolute Vorliebe galt 

dem Abbild der Frau, das von anfänglich „keuschen“ 

bekleideten Damen zu wild-erotischen Darstellungen 

führte. Die vierzackigen Sterne wurden zum Symbol 

des Hauses der Künstler in Gugging, wo er gemeinsam 

mit Oswald Tschirtner seit den 80er Jahren lebte. 

Neben den für ihn typischen Motiven Stern, Schlange, 

Herz und Mond entwickelte er nach 1989 eine neue 

Farbigkeit in großen Formaten, wie er es vorher nie 

gemacht hatte. Die kräftigen Farben strahlen direkt vom 

Papier zum Betrachter. Auch das umfangreiche 

druckgrafischen Werk beider Künstler hat große 

Bedeutung erlangt. Die Radiernadel konnte den feinen 

Strich Tschirtners perfekt übersetzen und Hauser 

übertrug die emotionale Art des Blei- oder 

Farbstiftstrichs durch Druck und Intensität des Stichels 

auf die Kupferplatte. [Galerie Gugging, Vernissage: 

Mittwoch, 30. November 2016, 19:00 Uhr, 

Ausstellungsdauer: 1. Dezember 2016 bis 8. Februar 

2017 – Foto: Galerie Gugging 

(*)Leo Navratil (* 3. Juli 1921 in Türnitz; † 18. September 2006 in Wien) war ein österreichischer Psychiater. Seit 1946 war Leo 

Navratil an der Landesnervenheilanstalt Maria Gugging bei Klosterneuburg in Niederösterreich Psychiater und seit 1956 Primar am 

dortigen Klinikum.


Johann Hauser, 1994, Hubschrauber, Bleistift, Farbstifte, 44 x 62,5 cm, © Privatstiftung - Künstler aus Gugging 

Oswald Tschirtner, 1991, Menschen, Edding auf Leinwand, 200 x 160 cm, Courtesy Galerie Gugging


Oswald Tschirtner, 1989, Ein Zirkuszelt, Tusche, 21 x 14,8 cm, Courtesy Galerie Gugging


Johann Hauser, undatiert, Frau mit Haube und Zöpfen, Ätzradierung, koloriert, 20,7 x 15,2 cm, © Privatstiftung - Künstler aus Gugging

KUNST.INVESTOR Kunsthalle Wien 

Ausstellungsansicht: Babette Mangolte. I = Eye, Kunsthalle Wien 2016, Foto: Stephan Wyckoff 

Babette Mangolte. I = Eye 

Babette Mangolte ist eine ikonische Figur des 

internationalen Experimentalfilms. Seit Dezember 

präsentiert sie in der Kunsthalle Wien ihre erste 

Einzelausstellung in Österreich. Mangoltes Interesse 

galt zunächst der Performance und dabei insbesondere 

der Dokumentation der Kunst-, Tanz- und 

Theaterszene der 1970er Jahre. Ab Ende der 1970er 

Jahre konzentrierte sie sich auf das urbane Feld und 

die ausgedehnten Landschaften der Westküste der 

USA. I = Eye zeigt zahlreiche Film- und Fotoarbeiten 

von Mangolte, darunter auch jüngst entstandene 

Projekte, die einen neuen Blick auf die mediale 

Transkription und Historisierung der Performancekunst 

werfen. Sie alle verbindet eine einzigartige visuelle 

Form, die Einflüsse des Stummfilms, des 

amerikanischen Experimentalfilms und der 

feministischen Filmtheorie aufgreift und daraus einen 

singulären Stil entwickelt. In Anlehnung an Mangoltes 

elementares Interesse an der Inszenierung der 

subjektiven Kamera ist die Ausstellung in der 

Kunsthalle Wien experimentell angelegt und macht sich 

Raum und Zeit als Medien zu eigen. Den Mittelpunkt 

der Mise-en-scéne von I = Eye bilden Filmsequenzen, 

die von akustischen Interventionen unterbrochen, auf 

vier separate Leinwände projiziert werden. So entsteht 

eine immersive Installation als cineastisches wie 

choreographisches Erlebnis. I = Eye vermittelt 

Mangoltes Beschäftigung mit der Wahrnehmung von 

Performance und der Auseinandersetzung mit deren 

medialer Spezifizität, sowie die Art und Weise, wie sich 

das Ich der Performer/innen auf der Bühne in die 

ihrerseits subjektive Kamerasicht einschreibt. Die 

Ausstellung spannt einen großen Bogen, angefangen 

bei Werken, die sich dem frühen Kino und dem 

Experimentalfilm widmen, bis hin zu Dokumentarfotografien


Babette Mangolte, The Camera: Je or La Camera: I (Still), 1977, 16mm, 88 min., © Babette Mangolte, Courtesy die Künstlerin und 

BROADWAY 1602 UPTOWN & HARLEM, New York


Ausstellungsansicht: Babette Mangolte. I = Eye, Kunsthalle Wien 2016, Foto: Stephan Wyckoff 

Ausstellungsansicht: Babette Mangolte. I = Eye, Kunsthalle Wien 2016, Foto: Stephan Wyckoff


der Theater-, Tanz- und Performanceszene im New 

York der 1970er Jahre. Darüber hinaus werden zwei 

überarbeitete historische ortsspezifische Installationen, 

sowie aktuelle Projekte gezeigt. Dreizehn Filme, sowie 

Standbilder aus diesen Werken vermitteln einen breit 

angelegten Einblick in Babette Mangoltes filmische 

Praxis. Ihre Experimentalfilme brechen mit 

Sehgewohnheiten und untergraben die aus dem 

klassischen Kino bekannte Identifikation mit den 

Schauspielern. Diese Herangehensweise wird 

besonders deutlich in The Camera: Je or La Camera: I, 

einem ihrer ersten Filme. Der fotografische Blick wird 

hier auf die Menschen und auf New York – die Stadt in 

der Mangolte lebt – filmisch übertragen. Die 

verwendete subjektive Kamera vermittelt einen 

konkreten Eindruck von der Beziehung zwischen der 

Person hinter der Kamera und ihrem Motiv, also 

zwischen Filmerin und Gefilmtem. In ihren 

Installationen entwickelt Mangolte anhand spezieller 

Präsentationsformen neue Möglichkeiten „der 

Betrachtung dessen, was Betrachten heißt“. In der 

Kunsthalle Wien zeigt sie auch eine neue Version der 

Installation Touching mit einer Auswahl von Bildern aus 

ihrem Archiv historischer Theater- und 

Performancefotografien. Diese interaktive Arbeit lädt 

dazu ein, die Ausdrucke auf dem Tisch zu berühren 

und umzuordnen, ein Bild in verschiedenen Größen zu 

vergleichen und es auf den Kontaktabzügen zu 

betrachten. Weiters zeigt die Ausstellung die 

bahnbrechenden Fotos, die die Künstlerin 1973 von 

Trisha Browns Performancestück Roof Piece gemacht 

hat, sowie einige aus historischen Fotografien 

zusammengesetzte Diptychen, die Mangoltes Interesse 

an einer Neubewertung der Geschichte und einer 

Hinterfragung der Zeit belegen. Babette Mangolte (US- 

Amerikanerin, *1941 in Frankreich) entdeckte 1960 mit 

der Nouvelle Vague das Kino für sich. 1964 wurde sie 

als erste Frau in die von Louis Lumière gegründete 

„École Nationale de la Photographie et de la 

Cinématographie“ aufgenommen. Ihr Interesse an 

experimentellen Werken führt sie 1970 auf eine Reise 

in die USA und in die New Yorker Filmszene, wo sie mit 

Tanz, Performance und Theater vertraut und Teil der 

vitalen Kunstszene wurde. Auf die Frage, welche Filme 

den größten Einfluss auf sie hatten, nennt sie Dziga 

Vertovs Der Mann mit der Kamera (1929) und Michael 

Snows Wavelength (1967): „Diese beiden Filme haben 

buchstäblich mein Leben verändert. Wegen des ersten 

wollte ich Kamerafrau werden, und der Wunsch, den 

zweiten zu sehen, führte mich nach New York, wo ich 

mich niederließ und später meine Filme machte.“ 

Babette Mangolte war die Kamerafrau für Chantal 

Akermans Jeanne Dielman (1975) und News From 

Home (1976), wie auch für Yvonne Rainers Lives of 

Performers (1972) und Film about a Woman who… 

(1973). Über ihre Zusammenarbeit mit Chantal 

Akerman sagt Mangolte: „In den 70ern Feministin zu 

sein bedeutete nicht ‚Wir sind Frauen! Wir sind hier!‘ zu 

rufen. Vielmehr ging es uns darum zu zeigen, dass die 

Perspektive der Frau sich von der des Mannes 

unterscheidet. Als Frauen wollten wir andere 

Geschichten schreiben als die, die die jungen Männer 

unserer Generation interessierten, wie zum Beispiel die 

Nouvelle Vague Filmemacher, die Buddy-Filme und 

Krimis der Hollywood-Ära vor einer Pariser Kulisse 

nacherzählten.“ 1975 vollendet Mangolte ihren ersten 

Film What Maisie Knew, der im selben Jahr beim 

Toulon Filmfestival mit dem „Prix de la Lumière“ 

ausgezeichnet wurde. Danach entstanden weitere 

wichtige Filme wie The Camera: Je or La Camera: I 

(1977), The Cold Eye (1980), The Sky on Location 

(1982), Visible Cities (1991) und Four Pieces by Morris 

(1993). Einer ihrer jüngsten Filme ist Seven Easy 

Pieces (2007), eine Dokumentation über Marina 

Abramovićs Neuinszenierung bedeutender Werke aus 

den 1970er Jahren im New Yorker Guggenheim 

Museum. Über ihr künstlerisches Werk hinaus ist 

Babette Mangolte als renommierte Essayistin bekannt. 

Sie veröffentlichte zahlreiche Texte, die ihre 

fotografische Praxis der Dokumentation von 

Performances analysieren. [Kunsthalle Wie. 

Ausstellungsdauer bis 12. Februar 2017]

KUNST.INVESTOR MAK 

Josef Hoffmann, Kriegsgläser, farbloses Glas, Emaildekor, vor 1916 Ausführung: 

Johann Oertel Nový Bor (Haida, CZ), für die Wiener Werkstätte © MAK 

Das Glas der Architekten - Wien 1900–1937 

Die Schau zeigt großteils Objekte aus der MAK-Sammlung Glas und Keramik, die ihre internationale Bedeutung 

insbesondere dem Reichtum an Glasarbeiten um die Jahrhundertwende und dem herausragenden Bestand an 

Jugendstil-Gläsern verdankt. Das MAK präsentiert die Schau in räumlicher und zeitlicher Nähe zur Ausstellung 

GLÄSER DER EMPIRE- UND BIEDERMEIERZEIT. Aus der Sammlung des MAK und der Glassammlung Christian 

Kuhn (MAK-Ausstellungshalle, 1. Februar – 17. April 2017) und lenkt damit parallel zu handWERK. Tradiertes Können 

in der digitalen Welt (MAK-Ausstellungshalle, 14. Dezember 2016 – 9. April 2017) den Fokus auf Glas als einen 

wesentlichen Werkstoff für Kunsthandwerk und Design in den verschiedensten Epochen. Glas galt in der Architektur der 

Wiener Moderne als besonders geeignetes Material, um neue Formen, Oberflächen und spezielle Effekte zu erzielen. 

Eine Gruppe junger Architekten – Studenten der Wiener Akademie der bildenden Künste unter Otto Wagner, der 

Kunstgewerbeschule und der Technischen Universität – entwickelte ein besonderes Interesse an der Formgebung von 

Glas. Der Kontakt mit in Wien etablierten Glasmanufakturen wie E. Bakalowits & Söhne und J. & L. Lobmeyr sowie mit 

Reformkunst-bewegungen wie der Vereinigung Bildender Künstler Österreichs – Wiener Secession, der Wiener 

Werkstätte oder dem Österreichischen Werkbund sicherte die Realisierung radikal neuer Formkonzepte durch 

Produzenten wie Johann Loetz Witwe. Heute weltbekannte Protagonisten der Wiener Moderne wie Josef Hoffmann 

(1870–1956), Koloman Moser (1868–1918), Joseph Maria Olbrich (1867–1908), Leopold Bauer (1872–1938), Otto 

Prutscher (1880–1949), Oskar Strnad (1879–1935), Oswald Haerdtl (1899–1959) und Adolf Loos (1870–1933) 

lancierten bahnbrechend neue Entwürfe für Zier- und Gebrauchsglas.

KUNST.INVESTOR MAK 

Josef Hoffmann, Becher, formgeblasen v.l.n.r.: gelbes Glas, 1923; violettes Glas, 1922 Ausführung: 

Böhmische Manufaktur für die Wiener Werkstätte © MAK 

Im Sinne der Reform des Unterrichts an der Wiener 

Kunstgewerbeschule und entsprechend dem von der 

Wiener Werkstätte vertretenen Credo einer 

gleichberechtigten Zusammenarbeit von Entwerfer und 

ausführendem Handwerker, arbeiteten die Architekten 

nicht nur am Entwurf, sondern auch in den Glashütten 

vor den Glasöfen. Mit dieser Nähe zur Fertigung, die 

Otto Wagner und Adolf Loos in ihrer neuen Definition 

der Rolle des Architekten propagierten, schöpften sie 

die Möglichkeiten des Mediums Glas bestmöglich aus. 

Dabei bedienten sie sich innovativer Material- und 

Gestaltungsmethoden, die in den von der Wiener 

Kunstgewerbeschule in den Zentren der böhmischen 

Glasindustrie betriebenen Fachschulen in Steinschönau 

und Haida vorangetrieben wurden. Wiener Kunstglas 

nach Architektenentwurf wurde zu einem fixen 

Bestandteil und einem Markenzeichen in den wichtigen 

Reformkunstausstellungen, von der VIII. Secessionsausstellung 

in Wien 1900 über die Werkbundausstellung 

in Köln 1914 bis zur Exposition internationale 

des Arts décoratifs et industriels modernes in Paris 

1925, sowie im Sortiment der Wiener Werkstätte. Die 

Glasarbeiten in der Ausstellung werden um Entwürfe 

von Architekten der Wiener Moderne ergänzt sowie um 

Fotografien, die damalige Ausstellungen dokumentieren 

und so die außergewöhnliche Wirkung, die diese 

radikal modernen Objekte auf die Öffentlichkeit hatten, 

nachvollziehbar machen. Zeitgenössische Literatur und 

Kritiken verdeutlichen die Tragweite des Interesses der 

österreichischen Modernisten an Glas. Das Glas der 

Architekten. Wien 1900–1937 ist nach der Ausstellung I 

SANTILLANA (Präsentiert von Le Stanze del Vetro und 

der Fondazione Giorgio Cini, MAK-Schausammlung 

Gegenwartskunst. Ausstellungsdauer bis 8. Februar 

2015- die zweite Kooperation des MAK mit LE STANZE 

DEL VETRO. (Foto: © MAK)

KUNST.INVESTOR Sammlung Friedrichshof 

Foto: © Maximilian Anelli-Monti 

Ahu Dural – „She sees Nothing“ 

Ahu Dural (*1984, Berlin) verwandelt in ihrer 

Ausstellung „She Sees Nothing“ den Stadtraum der 

Sammlung Friedrichshof in eine raumgreifende 

Installation. Ausgangspunkt in ihrer ersten 

institutionellen Einzelausstellung in Wien ist die 

Fortsetzung des von der Künstlerin aus ihrer 

Diplompräsentation aufgegriffenen Zitats eines 

Textfragments Beatriz Colominas, (das gleichzeitig 

auch den Titel der Ausstellung darstellt) – 

„Remarkably, she is facing the wall. She Is almost an 

attachement to the wall. She sees nothing“. Neue 

feministische Genealogien und kunstgeschichtliche Re- 

Kontextualisierungen kommen dabei zum Tragen. 

Dabei werden die Parameter der Arbeitsweise und 

Beschäftigungs- sowie Inspirationspunkte der 

Künstlerin sehr schnell klar: Raum – Akteurinnen – 

Zeichnung. In den Arbeiten Durals spielt 

Raumwahrnehmung in der Ausstellungskonzeption, 

sowie das Zeichnen als Notwendigkeit produktiven 

Tuns eine große Rolle. So wie sie den Raum vom 

Papier auf den eigentlichen Ausstellungsraum holt, 

wechseln ihre Arbeiten in der Präsentation den Zustand 

von zweidimensionaler Zeichnung zu Objektfront, so 

wie auch umgekehrt Skulpturen im Raum für die 

Künstlerin als Grafik funktionieren können. Sie stellt das 

reziproke Moment des Abarbeitens und der 

hybridhaften Grafik einem dritten Moment gegenüber, 

das diese drei Parameter widerspiegeln soll. Kuratiert 

von Marie Oucherif. [Sammlung Friedrichshof, 

Ausstellungsdauer bis 16. Februar .2017 – Foto: © 

Sammlung Friedrichshof]

KUNST.INVESTOR 21er Haus 

Franz West, Extroversion, 2000-2011, © Verein Archiv Franz West, Foto: Stefan Altenburger 

Franz West – ARTISTCLUB 

Franz West (*1947, Wien - 2012), einer der 

international bedeutendsten zeitgenössischen Künstler, 

steht für einen offenen Werkbegriff. In seinem 

Kunstschaffen spielt die Partizipation des Betrachters 

und die Kollaboration mit anderen Künstlern eine 

wichtige Rolle. Das Verhältnis zwischen dem Künstler, 

der künstlerischen Arbeit und dem Rezipienten werden 

von ihm radikal hinterfragt. West führte ein subversives, 

oftmals auch humorvolles Spiel mit der Autorschaft und 

der Autonomie des Kunstwerks. Die Schau folgt Wests 

Auffassung von Kunst als partizipatorischem Akt und 

seinem Interesse an Gegenüberstellungen verschiedener 

künstlerischer Standpunkte in kollaborativen 

Prozessen. Wests enorm einflussreiche Adaptives 

[Passstücke], frühe skulpturale Arbeiten ab 1974, 

sollten als erweiternde Stützen, Prothesen oder 

Gewächse an den Körper angelegt werden. Auch seine 

späteren Arbeiten, darunter seine Sitz- und Möbelstücke 

sowie die grellbunten Aluminiumskulpturen, 

luden zu Partizipation und Interaktion ein. Im Laufe 

seines Lebens schuf West aus der Kombination von 

Arbeiten aus verschiedenen Schaffensphasen, oft auch 

unter Einbeziehung von Werken anderer Künstlerinnen 

und Künstlern, immer wieder neue Lesarten. Der 

bislang umfassendste Fokus auf diesen wichtigen und 

innovativen Aspekt innerhalb der künstlerischen Praxis 

von Franz West unterstreicht dessen singuläre Stellung 

in der gegenwärtigen Kunstproduktion. [21er Haus. 

Ausstellungsdauer bis 23. April 2017 – Foto: © 21er 

Haus] 

Kooperationskünstlerinnen und –Künstler: Bizhan Bassiri, Elisabetta Benassi, Songül Boyraz, Jean-Marc Bustamante, Plamen 

Dejanov & Svetlana Heger, Mathis Esterhazy, Marina Faust, Marco Fedele di Catrano, Urs Fischer, Herbert Flois, Gelatin, Douglas 

Gordon, Heiri Häfliger, Richard Hoeck, Peter Höll, Franz Kapfer, Mike Kelley, Leopold Kessler, Roland Kollnitz, Anita Leisz, Sarah 

Lucas, Otto Muehl, Albert Oehlen, Michelangelo Pistoletto, Rudolf Polanszky, Andreas Reiter Raabe, Anselm Reyle, Tamuna 

Sirbiladze, Josh Smith, Johann Szenizcei, Octavian Trauttmansdorff, Zlatan Vukosavljevic, Hans Weigand, Erwin Wurm, Heimo 

Zobern

KUNST.INVESTOR Belvedere 

Tina Blau, Aus den Tuilerien – Grauer Tag, 1883 © Belvedere, Wien 

Tina Blau - Meisterwerke im Fokus 

Einhundert Jahre nach ihrem Tod ehrt das Belvedere 

die Malerin Tina Blau mit einer Ausstellung im Rahmen 

der Reihe Meisterwerke im Fokus. Die Ausstellung zeigt 

Hauptwerke aus allen Phasen von Tina Blaus Laufbahn 

neben bisher kaum bekannten Werken, die im Zuge der 

Recherchen zum neuen Werkverzeichnis der Künstlerin 

wiedergefunden werden konnten. Die 1845 als Tochter 

eines jüdischen Arztes geborene Wienerin ist zu den 

erfolgreichsten Landschaftsmalerinnen ihrer Zeit zu 

zählen. Schon als 15-Jährige erhielt sie privaten 

Malunterricht, mit 16 unternahm sie ihre erste 

Studienreise nach Siebenbürgen. Nach ihrer 

Studienzeit in Wien und München war sie ab 1870 

maßgeblich an der Entwicklung des sogenannten 

„österreichischen Stimmungsimpressionismus“ beteiligt. 

Ausgedehnte Aufenthalte in Ungarn, Holland, Italien, 

Deutschland, Frankreich und der Schweiz erschlossen 

ihr die aktuellsten Anregungen der europäischen 

Malerei ebenso wie die unzähligen Motive, an denen 

sie ihr Können schulte. So ergibt sich das Bild einer 

erstaunlich modern denkenden Malerin, die nicht nur 

als Mitbegründerin und Lehrerin der Kunstschule für 

Frauen und Mädchen, sondern vor allem als mutige 

und unabhängige Persönlichkeit eine enorme 

Vorbildwirkung für die nächsten Generationen junger 

Künstlerinnen entfaltete. [Belvedere. Ausstellungsdauer 

bis 09.April 2017 – Foto: © Belvedere]

KUNST.INVESTOR Kunsthaus Bregenz 

Rachel Rose, Everything and More, 2015 Filmstill, © Courtesy of Rachel Rose, Pilar Corrias Gallery, 

London und Gavin Brown's enterprise, New York 

Rachel Rose 

Rachel Rose (*1986, New York) ist der Shootingstar der 

gegenwärtigen US-amerikanischen Kunstszene. 

Ausgangs-punkt für ihre präzisen Videos ist ein 

konkreter räumlicher Bezug, eine Reverenz an 

modernes oder zeitgenössisches Bauen. Die 

Beschäftigung mit Architektur wird zu einem fluidalen 

Erleben. So ließ sie sich von dem berühmten 1949 

gebauten Glass House von Philip Johnson in New 

Canaan, Connecticut, inspirieren oder in einer ihrer 

jüngsten Arbeiten, die im Neubau des Whitney Museum 

of American Art in New York zu sehen war, von den 

Erleb-nissen eines Astronauten, der im Weltraum 

spazieren geht. In A Minute Ago (2014) spiegelt sich 

Licht auf einem Gemälde von Nicolas Poussin. Dieses 

Gemälde hängt im Glass House, wo Rose den 

Architekten des Gebäudes als dunstigen Schatten 

wiederauferstehen lässt und seinen Spuren auf einer 

seiner Führungen durch das Haus folgt. In diesem 

Video, wie auch in anderen Werken Roses, wird Zeit 

gedehnt, um scheinbar disparate Ereignisse, hier einen 

Hagelsturm und das Haus, miteinander zu verbinden. In 

Palisades in Palisades (2014) befindet sich eine junge 

Frau in einem oberhalb einer vulkanischen Felswand 

über dem Hudson River angelegten Park aus dem 19. 

Jahrhundert. Dies war der Ort, an dem im 

Amerikanischen Revolutionskrieg viele Soldaten 

starben. An genau diesem Platz steht nun die junge 

Frau. Unterschiedliche Geschichten und Zeiten greifen 

ineinander und überlagern sich. Es ist eine romantische 

Reminiszenz an Caspar David Friedrich, die dennoch 

politisch geladen ist, während der Trompe-l’œil-Schnitt 

den physischen Aspekt betont. Durch all ihre Werke 

zieht sich eine elegische Suche nach Bedeutung, wobei 

Rose unter anderem sinnliche Ansätze verfolgt. Aus 

diesem Grund ist der Videoschnitt ihr wichtigstes 

gestalterisches Mittel. Rachel Rose ist die jüngste 

Künstlerin, die jemals in das Kunsthaus Bregenz 

eingeladen wurde. Doch ihre Wahl ist nicht 

unbegründet. Nicht nur das Whitney Museum, New 

York, die Serpentine Gallery, London, das Museo 

Serralves in Porto, das Castello di Rivoli in Turin oder 

die Biennale in São Paulo feiern sie. Bregenz ist für ihre 

Kunst ein ideales Umfeld: Ort und Geschichte, 

Architektur und Natur, Sein und Sehen am See bieten 

die für ihr Werk maßgebliche Inspiration. Speziell für 

ihre Ausstellung im Kunsthaus Bregenz arbeitet Rachel 

Rose mit dem New Yorker Architekturbüro MOS 

zusammen, die die USA neben anderen auf der 

Architekturbiennale 2016 in Venedig vertreten haben. 

[Kunsthaus Bregenz. Ausstellungsdauer: 4. Februar 

2017 bis 17. April 2017 – Foto: © Kunsthaus Bregenz]

Grand Piano 214VC 

Klängliche Brillanz in seiner elegantesten Form 

Basierend auf dem großen Erfolg des Bösendorfer Konzertflügels 280VC 

Vienna Concert , der für großes Aufsehen auf vielen namhaften Bühnen 

sorgte, präsentiert Bösendorfer nun auch die einzigartigen Qualitäten der 

VC Technologie auf 2.14 Metern Länge. Würde man ausschließlich dem 

hörbaren Klangeindruck folgen, so überrascht dieser Flügel so manchen 

größeren Konzertflügel mit Bösendorfer Strahlkraft. Atemberaubende Dynamik, 

schier unbegrenzte Klangfarben und strahlende Brillanz: der neue 214VC 

verkörpert das musikalische Erbe Bösendorfer in zeitgemäßer Perfektion. Ein 

Klangerlebnis purer Emotion.

KUNST.INVESTOR Buchtipp 

Michael Schultz 

(Un)zensiert 

Edition Braus 

629 Seiten 

48,00 € 

ISBN 978-3-86228-155-8 

(Un)zensiert - die Bekenntnisse über Kunst, Künstler. Über Gott. Den Islam. Über Sex, Fußball und die Tragödien 

unserer Zeit. Zusammengestellt in Tagesbriefen, die als Daily News vier Jahre lang einen ausgewählten Kreis von 

Empfängern erreichte. Von montags bis freitags, Woche für Woche, Jahr für Jahr. Dazu gehörte viel Durchhaltevermögen, 

aber auch Verzicht. Auf Alkohol am Abend und Zärtlichkeit am Morgen. Immer on duty. Geschrieben von, 

erschienen in der Edition Braus.


Alfred Zellinger 

Flash Poetry 

Karl Kraus: Die letzten Tage in 100 tweets 

Arnold Schönberg im Café Museum 

Doktor Faustus in London 

James Joyce in Triest 

Unsere Zeit bedarf schneller Kommunikation, ihre Kunst sollte dabei vorangehen. Postings, Slams, Jazz Slams – die 

Zeiteinheiten werden immer kürzer; alles lässt sich heute twittern, sogar "Die letzten Tage der Menschheit" und wie 

Kraus auch Joyce, ein neuer Faust oder Börsenstrategien – wofür in diesem Buch der Beweis angetreten wird. Das 

neue Jahrtausend begann mit der 5-Minuten-Regel für Poetry Slams ebenso wie für die Pitches von Start-ups und 

beschleunigte indessen zum "Elevator Pitch": 30 Sekunden, die Dauer einer Aufzugsfahrt. Alfred Zellinger beschleunigt 

seine Prosa, rhythmisch und minimalistisch, in Blitzlichtern fragmentiert zur "Flash Poetry", zu interpretieren wie ein 

Blues oder eine Ballade – vom Elevator-Pitch zur Minimal Prose. Karl Kraus: Die letzten Tage in 100 tweets / Arnold 

Schönberg im Café Museum / Giacomo Casanova auf dem Wiener Graben / Doktor Faustus in London / James Joyce 

in Triest /City Boys /Droge-Leben / BörsenBeben 

Alfred Zellinger, geb. 1945, lebt als Schriftsteller in Wien und Gmunden. Während seiner, wie er es nennt, "40 Jahre im 

Auge des Kapitalismus" arbeitete er für Konzerne wie Unilever und Procter & Gamble, für die englische Werbeagentur 

Masius, war Marketingleiter bei Philips, Professor an der Kunstuniversität Linz; Werbechef und Bankdirektor der 

BAWAG-PSK und CEO von Bösendorfer 

edition pen Bd. 45 

12,5 x 20,5 cm | Broschur 

© 2016 Löcker Verlag 

Ca. 200 Seiten | € 19,80 

ISBN 978-3-85409-816-4


Otto Hans Ressler 

Soshana 

Als Susanne Schüller, wie Soshana eigentlich hieß, elf Jahre alt war, musste sie mit ihrer Familie aus Österreich 

flüchten. Über Paris und London gelangte sie nach New York. Sie war siebzehn, als sie die Schule verließ und mit 

ihrem Lebensgefährten, dem Maler und Bildhauer Beys Afroyim, durch Amerika zog und mit Porträts prominenter 

Emigranten erste Lorbeeren als Künstlerin erwarb. In New York verkehrte sie mit den (damals noch unbekannten, 

mittlerweile weltberühmten) Künstlern des Abstrakten Expressionismus und der Pop Art. Sie ging nach Paris und 

schloss Freundschaft mit Constantin Brancusi, Frantisek Kupka, Yves Klein, Jean Paul Sartre und vor allem mit Alberto 

Giacometti. 1953 lud Pablo Picasso sie nach Vallauris ein, die beiden hatten eine kurze, heftige Affäre, aus der 

Soshana floh, weil sie befürchtete, von Picasso völlig vereinnahmt und erdrückt zu werden. Sie bereiste, längst eine 

etablierte Künstlerin, die ganze Welt. 1999 hatte sie ihre letzte große Ausstellung im Musée Matisse in Nizza. Soshana 

starb im Dezember 2015 in Wien. 

„Wie in meinen letzten Büchern habe ich Soshanas Lebensgeschichte aus der Sicht der Künstlerin aufgezeichnet. 

Dabei konnte ich mich auf tausende Tagebuchseiten stützen, die sich in der Österreichischen Nationalbibliothek 

befinden. Trotzdem ist Soshana keine Biografie, sondern ein Künstlerroman.“ Otto Hans Ressler 

Edition Va Bene (Verlag) 2016 

Buch | Hardcover 

Preis: 21,90 Euro 

304 Seiten 

ISBN 978-3-85167-302-9


Adolf Krischanitz 

Das Inventar ist das 

Ergebnis der Inventur 

Basierend auf den Entwürfen für zahlreiche Gebäude aus den Bereichen Kultur, Wohnen, Gewerbe, Bildung etc. hat 

Adolf Krischanitz Innenausstattungen entworfen, die sich mit wenigen Ausnahmen jeweils aus den laufenden 

Bauaufgaben entwickelt haben. Die im Zuge der architektonischen Arbeit entstandenen Interieurs sind in der Regel 

nicht nur Sessel, Tisch, Liege und Lichtobjekte, sondern sind konstitutiver Teil des räumlichen Aufbaus und der Gestion 

des integralen architektonischen Raumes. Alles in allem liefert er durch sein Werk einen bemerkenswerten Beitrag zu 

einem wichtigen Aspekt der jüngeren österreichischen Architekturgeschichte. Die Entwicklung dieser Arbeiten ist 

anfänglich durch historisierende postmoderne Tendenzen gekennzeichnet, um schließlich in radikalere direkte 

Versuche zur Anknüpfung an die inzwischen fast verloren gegangene Entwurfstradition des regionalspezifischen 

Ausstattungshandwerks in Wien zu münden. Außerdem werden Kooperationen mit anderen Architekten (Otto 

Kapfinger, Hermann Czech), mit Künstlern (Oskar Putz, Gilbert Bretterbauer, Helmut Federle, Gerwald Rockenschaub) 

gesucht und zu spezifischen Entwurfsergebnissen gebracht, die sich jenseits aller modischen Tendenzen trotz oder 

gerade wegen ihrer zeithältigen Materialität heute wie zeitlos gerieren. 

Adolf Krischanitz, * 1946 in Schwarzach / Pongau gründete 1970, gegen Ende seines Studiums an der Technischen 

Universität Wien, zusammen mit Angela Hareiter und Otto Kapfinger die Architektengruppe Missing Link. 1979 zählte 

er zu den Begründern der Zeitschrift UmBau der Österreichischen Gesellschaft für Architektur und übernahm 1982 den 

Vorsitz dieser Gesellschaft. Als Mitglied und schließlich Präsident der Wiener Secession (1991–1995) verantwortete er 

die Gestaltung und Organisation zahlreicher Ausstellungen zeitgenössischerKunst. Als Gastprofessor war er 1989 an 

der Technischen Universität München sowie an den Sommerakademien in Karlsruhe (1990), Neapel (1994/95) und 

Wien (1996) tätig. 1992–2011 war er Professor für Stadterneuerung und Entwerfen an der Universität der Künste 

Berlin. Seit 1979 arbeitet Krischanitz als freischaffender Architekt mit Ateliers in Wien und Zürich. 

Herausgeber: Edelbert Köb 

Texte: Sebastian Hackenschmidt, Otto Kapfinger, Adolf Krischanitz und Marcel Meili 

ALBUM VERLAG, Wien 2016- Auflage: 1.000 Stück 

224 Seiten, 210 x 260 mm, Preis: 46,- Euro 

ISBN: 978-3-85164-196-7


Heinz Adamek 

„KUNSTAKKORDE – diagonal“ 

Essays zu Kunst, Architektur Literatur und 

Gesellschaft 

Heinz P. Adamek stellt mit diesem Essay-Band beispielhaft „Kunstschritte vom 19. ins 21. Jahrhundert“ vor: Er 

beleuchtet Persönlichkeiten aus bildender und angewandter Kunst, Architektur, Literatur, Theater und Film. Als 

vormaliger Universitätsdirektor der Universität für angewandte Kunst Wien gewährt er in Beiträgen über Hermann 

Heller, Anton Kenner, Bertold Löffler, Otto Niedermoser, Michael Powolny, Grete Rader-Soulek, Elli Rolf und Heinrich 

von Tessenow - durchwegs prägenden Gestalten der „Angewandten“ - profunde Einblicke in deren Schaffen, anderseits 

gilt sein Engagement als jahrelangem Initiator bzw. Kurator von Ausstellungen dem Oeuvre Giovanni Segantinis ebenso 

wie Arbeiten internationaler Künstler der Gegenwart zum Thema Rezeption des Werkes von Gustav Klimt. Sein 

Interesse für das Fin de Siècle und die frühe Moderne drückt sich auch in der Stückwahl für die Theateraufführungen 

des Wiener European Studies Program der Central University of Iowa aus, für die der Autor als Dramaturg und 

Regisseur eineinhalb Jahrzehnte verantwortlich zeichnete. Nicht zuletzt durchleuchtet der Arthur Schnitzler-Kenner 

Adamek in zwei Essays wenig bekannte Seiten des prominenten Dichters. 

Heinz Adamek 

„KUNSTAKKORDE – diagonal“ 

250 Seiten, 107 Abbildungen 

Hardcover, Schutzumschlag 

Preis 30,- Euro 

Verlag Böhlau Wien, Köln, Weimar 

ISBN 978-3-205-20250-9

KUNST.INVESTOR 

Genusskunst 

Aux Gazelles – Savoir Vivre in Wien 

Le Restaurant, Le Club, Le Design 

Mit "mehr Funktion und weniger Folklore" ist das 

gemeinsam entwickelte Design-Konzept von Christine 

Ruckendorfer und Architekt Alberto Bach perfekt 

definiert. Bach zeichnet mit seinem Büro Albertoni für 

viele internationale Prestigebauten verantwortlich und 

hält Nichts von unnötigem Chi Chi, lauten Farben und 

orientalischen Klischees. Beide wollten dem Aux 

Gazelles mehr Spielraum und Bewegung geben. Das 

Licht wird durch die Neugestaltung tief in den Raum 

geholt. Auch die Séparées wurden neu interpretiert. 

"Ich wollte zwei unterschiedliche, elegante Welten 

kreieren, das Restaurant mit dem großzügigen 

Gastgarten ist eine helle frische Sommerwelt von 

großer Klarheit", erklärt Bach. "Verbindend dazu finden 

sich Designelemente, die klar und schwungvoll sind, mit 

klassisch marokkanischen Elementen." Eine 

Formsprache, die in Abwandlungen immer wieder zum 

Einsatz kommt. Ruckendorfer Für Ruckendorfer ist das 

Ergebnis "ein zeitgemäßes Lokal auf internationalem 

Niveau, ohne folkloristisch zu sein." Auf 2000 

Quadratmeter wird "Savoir Vivre in Wien" geboten: 

Essen, Trinken, Tanzen, Verwöhnen, Entspannen & 

Genießen. Neue Features, wie "Lunch Bazaar", 

"Signature Drinks", "After Work-Shower" und anderes 

mehr erwarten den Gast. "Orient Light" nennt sich das 

frische Food-Konzept, vielfältig, spannend und ideal für 

die heißen Sommermonate in der City. Im "Lunch 

Bazaar" werden mittags feine Variationen in Form von 

libanesischen Mezze-Gerichten und marokkanischen 

Vorspeisen das Aux in Form eines All You Can Eat- 

Buffets angeboten. Abends können diese auch à la 

Carte bestellt werden. Als Mittagsmenü gibt es 

Rindsbrochettes mit gratinierten Zucchini, Lammköfte 

im Tomaten-Zimtfonds mit Dijon Senf und gegrillte 

Calamari & Garnelen mit Spargel-Fenchel-Salat. 

Abends kommt regional-österreichisches zum Einsatz, 

wie bei der Tajine mit Mariazeller Saibling, knusprigem 

Rinderprosciutto und Granatapfel, einem zarten 

Kalbsgulasch, Couscous und Kichererbsen. Vegetarier 

werden mit Gemüse-Tajine oder gebackenen Kartoffeln 

mit Arganöl, Koriander mit Limetten-Sauerrahmdip 

verwöhnt.

KUNST.INVESTOR Genusskunst 

Wüstentee on the Rocks meets Bloody Mary 

Eine schöne Bar braucht exzellente Drinks! Daher hat 

sich das Aux Gazelles-Team gleich mehrere feine 

Signature-Drinks überlegt. So wird der berühmte 

marokkanische Minztee, an dem bereits Winston 

Churchill im La Mamounia schlürfte, im Sommer "on the 

rocks" serviert. Zum Feierabend gibt es eine 

alkoholische Version des Traditionsgetränks aus der 

Sahara, gemixt mit Gin. Oder ein Gimlet, das berühmt, 

berüchtigte Getränk der Britischen Navy, favorisiert von 

Ernest Hemingway und bekannt aus den Philip 

Marlowe-Krimis. Apropos Hemingway: Zu Beginn einer 

heißen Bar-Nacht darf ein perfekter Bloody Mary nicht 

fehlen. Dieser Klassiker wird im Aux Gazelles nach 

einer klandestinen Rezeptur eines jamaikanischen 

Barmans gemixt. 

After Work-Shower 

Raus aus dem Job und rein in den Feierabend! Doch 

wo bitte, machen Mann und Frau sich nach einem 

anstrengenden Arbeitstag frisch und fein? Nicht jeder 

wohnt im City-Loft um die Ecke. Hammam und Salon 

de Beauté schaffen Abhilfe. Für 15,- Euro können sich 

Aux Gazelles-Gäste von 17 bis 20 Uhr duschen, 

entspannen und für den Abend zu Recht machen. Im 

Preis inkludiert sind: Handtuch, Erfrischungsgetränk 

(hausgemachte Limonaden und Eistees). 

Verwöhnprogramm für Body & Soul 

Eine alte Hammam-Tradition besagt: Politik, Geld und 

Sorgen bleiben draußen! Insofern sind Hammam & 

Salon de Beauté nicht gerade der geeignete Ort für das 

nächste Business Meeting, wohl aber um sich von Kopf 

bis Fuß verwöhnen zu lassen und zu entspannen. Auf 

500 Quadratmetern befinden sich ein klassisches 

Dampfbad, Behandlungs- und 

Entspannungsräumlichkeiten in bester Orient-Manier. 

Hammamcis verwöhnen mit Waschungen, Peelings, 

wohlriechenden Salben und einer Haarwäsche – falls 

gewünscht. Mehr Info unter www.auxgazelles.at

KUNSTINVESTOR AUSGABE JÄNNER 2017

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