KUNSTINVESTOR AUSGABE DEZEMBER 2017

Zum Ersten, zum Zweiten, zum Dritten!
Dezember Auktionen in Wien
Die Kraft des Alters- Navratils Künstlergästebuch
The Polaroid Project- "nothing left to lose..."
DEZEMBER 2017

KUNST.INVESTOR Editorial
Kunst als globale
Ersatzwährung
von hohem Prestige
Ein Jahr geht zu Ende, und sagen wir- es war ein gutes
Jahr- Anlass zur Freude… oder!? Doch die vorliegende
Ausgabe ist kein Jahresrückblick und Wirtschaftsreport.
Heute halten Sie die aktuelle Ausgabe des e-Magazins
KUNSTINVESTOR in „Händen“. Innovativ, exklusiv und
stets mit dem richtigen Riecher für aktuelle Entwicklungen
informieren wir Sie rund um alle wichtigen
Themen, die nationalen und internationalen Kunstmärkte
betreffend. Kunst ist ein interessantes Portfolio
und unbestritten die schönste Beimischung für Ihr
Investment- inspirierend, nicht allein in ideeller Hinsicht.
Besonders in Zeiten, da Bullen auf sich warten lassen
und Renditen an der Nulllinie kratzen, etablieren sich
Kunstwerke als stabile, vor allem aber als rentable
Assets. Eine Tatsache, der sich selbst hartgesottene
Aktionäre nicht entziehen können. Außenseiter der
Kunstgeschichte profitieren davon nicht substanziell in
Kunst interessiert zu sein, weil die zeitlichen Intervalle
von einer Aktienbaisse zur nächsten immer wieder
kürzer werden- wäre auch zu erwarten, dass die
persönliche Entscheidung dieser Käufer weniger zählt.
Wie schade. Und wie bezeichnend. Viele Sammler
scheinen in Bilder wie in Aktien zu investieren. Käufer
haben eben nicht nur wieder viel Geld, sie kultivieren
auch einen sehr selektiven Blick. Mehr noch: Dieser
Boom ist noch lange nicht an seine Grenzen gestoßen.
Bilder, Antiquitäten und andere Sammelobjekte
nehmen im Rahmen der Veranstaltungen einen immer
höheren Stellenwert ein. Dies bestätigen die hervorragenden
Ergebnisse der Auktionshäuser.
Weil es bei allen Dingen des Lebens immer auf den
richtigen Mix ankommt, wollen wir Sie nicht nur mit
fundierten Hintergrundberichten, präzise recherchierten
Topstorys sonder auch mit wichtigen Nachrichten begeistern.
Viel Spaß wünscht Ihnen
Michael Ruben Minassian
IMPRESSUM: Medieneigentümer, Chefredakteur & Herausgeber: Michael Ruben Minassian,
Mail: michael.minassian@kunstinvestor.at , Telefon: +43 1/ 236 53.1312 Verlagsadresse: MN Online & Content GmbH,
1110 Wien, Brehmstrasse 10/4.OG, Geschäftsführung: Markus Bauer, ATU 65091955, FN 330453k, Tel: +43 1/ 91920- 9045 DW,
Fax: +43 1/2981298, Website:www.kunstinvestor.at, Cover-Foto: © Auktionshaus ‚im Kinsky‘, Bruno Zach, „Girl with a Cigarette“,
um 1925, Schätzpreis € 20.000 - € 40.000

KUNST.INVESTOR Kommentar – Otto Hans Ressler
Kunst bedeutet Veränderung
‚… und das ist, was die Kunst für uns tut‘
Foto: © Ressler Kunst Auktionen
Die Aufgabe der Kunst ist Veränderung. Kunst ist dazu
da, alternative Vorstellungen von Realität zu entwickeln
und damit neue Wirklichkeiten zu erschaffen; sie dient
dazu, Wahrnehmungsmuster – und damit Denkmuster
– und damit Handlungsmuster – zu verändern. Ihre
Aufgabe ist es, Fragen zu stellen, ja infrage zu stellen.
Kunstwerke werden, hat Leonardo da Vinci einmal
gesagt, nicht mit dem Pinsel, sondern mit dem Kopf
gemalt. Und deshalb ist die Kunstgeschichte eine
Abfolge von Weiterentwicklungen, Traditionsbrüchen,
Stiländerungen – und damit Revolutionen unserer
Sehgewohnheiten. Jedes Mal, wenn es zu einer
solchen Veränderung kommt, brechen heiße Debatten
aus, regieren Missverständnisse. Aber am Ende setzt
sich das Neue meist durch. Denn in Wahrheit
produziert die Kunst keine Bilder, sie produziert Ideen,
Haltungen, Perspektiven – und mithilfe der Bilder
werden diese Ideen und Haltungen und Perspektiven in
die Herzen und Hirne von Menschen verpflanzt. „Der
Mensch, das Augenwesen, braucht das Bild.“ Leonardo
da Vinci hat das gesagt: Sehen ist Glauben. Das hat
nichts mit bornierter Ungläubigkeit oder müder Skepsis
zu tun. Oft würden wir nur zu gerne glauben, uns von
der Freude und dem Optimismus derer, die –
vermeintlich – etwas gesehen haben, anstecken
lassen. Aber wir müssen es selbst sehen! Wir sind
darauf konditioniert, nur zu glauben, was wir mit
eigenen Augen wahrgenommen haben. Die Augen sind
unsere wichtigsten Sinnesorgane. Wir vertrauen auf
das, was sie uns zeigen. Wir glauben, was wir sehen.
Wer sieht, sieht ein, sagte einst Kokoschka. Nur was
wir sehen, erleben wir nicht mehr als Fiktion, sondern
als Wahrheit: Jetzt erst wissen wir es wirklich. Ohne
Bilder gibt es keine Möglichkeit, diese Einsicht zu
gewinnen. Denn Bilder sind Botschaften. Sie verfügen
zwar über keine Worte; aber sie bedürfen der Worte
auch nicht. Bilder sind Botschaften, die verbal gar nicht
mitteilbar wären. Auch der intellektuellen Auseinandersetzung
über Bilder sind damit Grenzen gesetzt. Wenn
Josef Albers, einer der ganz Großen des letzten
Jahrhunderts, erklärt hat, man sehe die Kunst gar nicht
an, sondern die Kunst sehe einen an, dann meinte er
damit, dass es an uns liege, an unserer Aufnahmebereitschaft,
an unserer intuitiven Empfänglichkeit, ob
und was wir bei der Betrachtung eines Kunstwerks
entdecken und empfinden. Erleben, Empfinden,
Erfahren, das kann uns niemand abnehmen. Kein
anderer Mensch kann Maßstab dafür sein, was ein Bild
für uns bedeutet; welche Gedanken es in uns
hervorruft; welche Gefühle es in uns weckt; woran es
uns erinnert. Die von der Kunstwissenschaft entwickelte
Bildbeschreibung ist nur ein (unzureich-ender) Versuch,
uns bei dieser Begegnung zu begleiten. Und selbst,
wenn man sämtliche Theorien über einen Künstler,
über einen Stil, über ein Werk gelesen hätte, genügte
das nicht. Denn sie alle teilen die Erinnerungen nicht,
die nur wir selbst haben; sie wissen nichts von den
Gefühlen, die nur wir selbst empfinden.

KUNST.INVESTOR Kommentar – Otto Hans Ressler
All das Wissen über Kunst und Künstler hat gegenüber
der eigenen Fähigkeit, zu sehen und damit etwas zu
entdecken, etwas zu erfahren, den uneinholbaren
Nachteil, nur über Worte zu verfügen. Und Worte
genügen nicht. Worte reichen nicht aus, wenn es um
Bilder geht. Denn was ist Kunst? Es gibt unendlich viele
Antworten auf diese Frage. Aber die eine, richtige,
gültige Antwort gibt es nicht. Es kann sie gar nicht
geben. Die Frage ist falsch gestellt. Und zwar nicht nur,
weil die Kunst selbst die Antwort in die Irre führt,
sondern weil uns die Antwort möglicherweise gar nicht
weiter brächte. Wir irren, wenn wir glauben, dass es
darauf ankomme zu wissen, was Kunst ist; wir
verbinden damit die völlig falsche Erwartung, wir
könnten Kunst verstehen, wenn wir wüssten, was sie
ist. Denn es sind eine Fülle von Dingen, die die Kunst
ausmachen: Es sind die Motive, die dargestellt werden,
der Stoff, der Inhalt, die Botschaft, die zum Ausdruck
gebracht werden soll. Es sind die Farben und Formen,
alles, was im Kunstwerk Gestalt erhält. Es ist der
Künstler mit seiner Biografie, und wir selbst mit unserer
Biografie, wenn wir ein Kunstobjekt betrachten. Es ist
die Zeit, in der und aus der heraus wir es tun. Es sind
die wirtschaftlichen, sozialen, politischen, religiösen,
kulturellen Bedingungen, unter denen Kunst entsteht –
und gesehen wird. Es ist das Wissen, das wir über
Kunst entwickelt haben, es sind die Kunstgeschichte
und die Kunsttheorien. Aber so bedeutsam all dies ist:
Ist es auch bedeutsam für die Kunst selbst? Hängt die
Wirkung eines Kunstwerks wirklich davon ab, was wir
darüber wissen? Muss man, um anders zu fragen,
wissen, wie man atmet, um Luft zu bekommen? Denn
man kann die Motive, die dargestellt werden, die
Botschaft, die zum Ausdruck gebracht wird, man kann
die Farben und Formen, den Künstler und seine
Geschichte, ja sogar uns selbst und unsere eigene
Geschichte, die wirtschaftlichen, sozialen, kulturellen,
religiösen und politischen Bedingungen einer Zeit, man
kann die Kunstgeschichte und die Kunsttheorien
verstehen – und dennoch keine Ahnung haben, was
Kunst bedeutet. Denn die Motive, der Stoff, der Inhalt,
die Botschaft, die Farben, die Formen, der Künstler,
seine Biographie, unsere Biographie, die Zeit und die
Zeiten davor, die Kunstgeschichte und die
Kunsttheorien, all das ist nicht das Wesen der Kunst.
All das erklärt nicht, weshalb die Kunst die Kraft besitzt,
die Sichtweise auf eine Gesellschaft – und damit die
Sichtweise dieser Gesellschaft, und damit die
Gesellschaft selbst – zu verändern. All das erklärt nicht
ihr subversives Potential, Wissenschaft, Pädagogik,
Medizin, Ökologie, Wirtschaft, kurz alle Optionen des
Denkens und Handelns der Menschheit, zu verändern.
Es erklärt nicht die unbezwingbare, befreiende Kraft der
Kunst. Um Kunst erfahren und erleben zu können,
müssen wir sie gar nicht verstehen. Denn Kunst zu
erfahren, Kunst zu erleben, das steckt in uns. Jeder
Mensch ist ein Künstler, hat Joseph Beuys einmal
gesagt. Wir alle tragen das Künstlerische in uns – in der
Art, wie wir die Welt wahrnehmen. Wir sind nicht nur
befähigt, Kunst zu produzieren; mehr noch sind wir zur
Wahrnehmung befähigt; zu einer Art der Wahrnehmung,
die künstlerisch ist. Niemand könnte sonst
das Künstlerische einer Gestaltung erleben. Nicht die
Antwort auf die Frage „Was ist Kunst?“ ist wichtig.
Wichtig ist eine ganz andere Frage. Und die Antwort
darauf gibt die Kunst selbst – und zwar dadurch, wie sie
ist! Die Kunst ist die Antwort auf Frage nach der Kunst.
Es geht darum, und nur darum, wie etwas gestaltet
wurde, wie es uns anspricht, wie es uns erscheint, wie
es für uns zugänglich wird. Es geht darum, wie etwas
durch ein Kunstwerk zu einem Wert für uns wird. Wir
sind zu dieser Wahrnehmung befähigt. Es ist eine
künstlerische Fähigkeit, wie wir Gegenstände, unsere
Umwelt, andere Menschen reflektieren. Wir tun das
ununterbrochen, wir ziehen ununterbrochen unsere
Schlüsse. Gäbe es diese Befähigung zur
Wahrnehmung nicht, gäbe es auch keinen Grund, über
die Gegenstände und unsere Umwelt und andere
Menschen nachzudenken.

KUNST.INVESTOR Kommentar – Otto Hans Ressler
Natürlich wäre die Welt auch ohne Kunst vorstellbar.
Wir können das Was der Kunst auch außerhalb der
Kunst finden. Es braucht sie nicht, um die Motive, die
Stoffe, die Inhalte, die Botschaften zu vermitteln. Ginge
es bei der Kunst nur um das, was sie mitteilt, um das,
was sie uns an Erkenntnissen bringt, wäre der Aufwand
mit dem Kunstwerk einigermaßen übertrieben. Da wäre
es einfacher und besser, die Künstler würden sich
hinsetzen und sagen, was sie zu sagen haben.Aber es
geht um das Wie! Es geht um die Art und Weise, wie
etwas gestaltet wurde, denn nur dadurch können wir
wahrnehmen, worum es geht. Wir können den Sinn nur
erfassen durch unsere Sinne – das ermöglicht Kunst!
Dass wir einen Sinn nur erfassen können durch unsere
Sinne, hat Folgen nicht nur für das Verstehen der Welt,
sondern ebenso für unsere Fähigkeit zur Wahrnehmung.
Indem Kunst zu den Sinnen spricht,
entwickelt sie unsere Fähigkeit, das Wie im Sinnlichen
bewusst zu erleben. Kunst macht uns das Wie unseres
Wahrnehmens bewusst. „Kunst macht sichtbar“, hat
Paul Klee dieses Phänomen einmal erklärt. Das Wie
der Kunst, die Art und Weise der Kunst, das
Künstlerische der Kunst, macht sichtbar, wie wir sehen.
Wir werden uns bewusst, dass unsere Sinne nicht allein
Empfangsgeräte für Informationen, für unser Denken
sind. Kunst hilft uns, unsere Sinne zu entfalten. In der
Kunst liegt die Möglichkeit, Wahrnehmen bewusst als
produktive Tätigkeit zu erleben und zu entwickeln. Im
Gegensatz zum logischen Denken behandeln wir das
Wahrnehmen allzu oft wie ein Stiefkind. Wenn wir
wahrnehmen, nehmen wir in der Regel nicht wahr, wie
das geschieht. Wenn wir etwas sehen, verschwenden
wir keinen Gedanken an das Auge, das sieht. Kunst
macht uns bewusst, dass Wahrnehmen etwas
Wichtiges ist, etwas Sinnliches, etwas, das alles
verändern kann; denn durch die Kunst wird der Akt der
Wahrnehmung reflektiert, und das heißt letztlich: dass
wir schärfer, genauer, weiter, tiefer, konkreter,
komplexer, lebendiger empfinden. Kunst wirkt durch die
Sinne für die Sinne. Kunst gestaltet Wahrnehmung.
Warum das so wichtig ist, wurde in einer Szene aus
dem Film „Der Klub der toten Dichter“ auf den Punkt
gebracht. Der Film handelt von einer Abschlussklasse
an einem amerikanischen Internat; sein Held ist ein
Lehrer für englische Literatur, der seinen Schülern zu
vermitteln versucht, dass es die Aufgabe jedes
Menschen sei, etwas zum Leben beizutragen, das nur
er beitragen kann. Mr. Keating fordert seine Schüler zu
selbständigem Handeln auf, zu freiem Denken, dazu,
die Welt immer wieder aus neuen Blickwinkeln zu
betrachten. Sie sollen sich mehr zutrauen, ausloten, wo
ihre Möglichkeiten liegen – und ihre Chancen nützen.
Er will seinen Schülern nicht nur die Welt der Poesie
und der schönen Dinge des Lebens nahe bringen; er
macht ihnen klar, dass Kunst und Poesie die Schlüssel
sind, um herauszufinden, was in jedem von ihnen
steckt, wozu jeder von ihnen fähig ist, worin der Sinn
ihres Lebens besteht. Poesie und Kunst seien nichts,
das man lernen und wiederholen müsse; denn ein
Gedicht sei nicht ein gelungenes Versmaß, nicht eine
an bestimmte Regeln gebundene Vermittlung eines
Inhalts, einer Geschichte: Man müsse sie mit dem
Herzen nachvollziehen, man müsse sie in sich
entdecken, man müsse sie leben, erleben. Man müsse
sie zu einem Instrument für sich selbst machen; zu
einem Instrument, mit dem man Gefühle ausdrücken
und vermitteln könne. „Wir lesen und schreiben
Gedichte nicht zum Spaß. Wir lesen und schreiben
Gedichte, weil wir zur Spezies Mensch zählen. Und die
Spezies Mensch ist von Leidenschaft erfüllt. Medizin,
Jura, Technik sind notwendig. Aber Poesie, Schönheit,
Romantik, Liebe sind die Freuden unseres Lebens.“ Er
zitiert den amerikanischen Dichter Walt Whitman: „Die
immer wiederkehrenden Fragen: Wozu bin ich da?
Wozu nützt dieses Leben?“ Und seine Antwort: „Damit
du hier bist. Damit das Leben nicht zu Ende geht. Damit
das Spiel des Lebens weiter besteht und du deinen
Vers dazu beitragen kannst.“ Das ist, was die Kunst für
uns tut.

KUNST.INVESTOR News
Kulturhügel Advent
Das Art Brut Center
Gugging feiert Advent
Foto: © Gugging
Das Art Brut Center Gugging hat am 3. Dezember 2017
ein vorweihnachtliches Angebot aus Workshops, Musik
und Führungen für die ganze Familie zusammengestellt.
James Moores Gospelworkshops sind voller
Emotion und Spaß. Am Nachmittag schließen sich die
TeilnehmerInnen zu einem Chor zusammen, der die
vorher einstudierten Gospels präsentiert. Ein krönender
Abschluss der diesjährigen "galerie gugging special
edition“-Konzertreihe und eine wunderbare Gelegenheit
sich aktiv auf die besinnliche Adventzeit einzustimmen.
Am Sonntag, den 3. Dezember geht ein einzigartiger
Gospel-Workshop samt großem Abschlusskonzert
unter der Leitung des amerikanischen Komponisten,
Dirigenten, Sängers, Stimmbildners, Chor- &
Ensembleleiters Dr. James E. Moore in der Villa
Gugging über die Bühne. Glitzer, Glanz und Pockerl
stehen bereit für diejenigen, die Lust haben, ihren
eigenen Adventkranz zu binden oder Weihnachtskarten
zu gestalten. Die grenzenlose Kreativität der Gugginger
Künstler ist in Museum und Galerie Gugging zu
bewundern; Nina Ansperger führt durch die aktuelle
Ausstellung zu Johann Garber und Karl Vondal und in
der Galerie Gugging können die BesucherInnen beim
„Schaffensdrang von „birdman & Jens Mohr“ zusehen.
Lesungen für Kinder und Erwachsene, ein traditionelles
Sandmandala, gestreut von tibetischen Mönchen und
vieles mehr stehen auf dem Programm. Die Mischung
aus Kunst, Kreativität und der Stimmung dieses
besonderen Ortes im Wienerwald machen den
Gugginger Advent zu einem der schönsten Ereignisse
der Vorweihnachtszeit.

KUNST.INVESTOR News
GREGOR HILTNER, ÖL UND ACRYL AUF LEINWAND
„Something Abstract Comes this way“
Gregor Hiltner
Berlin- Something abstract comes this way heißt
Gregor Hiltners jüngstes Kontingent an Tafelbildern, ein
Titel ein Titel, der an ein Zitat aus Shakespeares Drama
Macbeth angelehnt ist: 'Something wicked this way
comes'. Scheinbar aus dem Nichts entsteht ein
Universum aus dem raffinierten Zusammenspiel von
Regeln und Zufall. Ein Universum auf der Suche nach
seiner eigenen Bedeutung, vielleicht der Sinn unseres
Daseins, so Gregor Hiltner. Die Regeln, die den Zufall
in ein System zwingen, nennt er altmodisch
Kompositionslehre. Gregor Hiltners Leidenschaft galt
immer schon der Malerei. Sie pendelt zwischen den
Antagonismen wie dem Festen, streng
Architektonischen und dem Informel, oder auch
zwischen dem Narrativen, zum Teil sogar Figurativen
und dem Abstrakten. Sein Werk lebt von mannigfacher
Veränderung in immer neuen Zyklen. Seine ureigene
Handschrift bleibt dabei unverkennbar. Seine Werke
erinnern an ein kreatives Chaos, gepaart mit
geografischen Elementen. Die Spannung in abstrakten
Arbeiten besteht darin, dass jeder Betrachter
unterschiedliche Dinge darin sieht, dem
Interpretationsspielraum eines jeden sind keine
Grenzen gesetzt. Inspiriert sind seine großformatigen
Leinwandarbeiten von der lyrischen Abstraktion, eine
Stilrichtung, die Ende der 40er Jahre in Europa aufkam.
Gregor Hiltner wurde 1950 in Nürnberg geboren und
studierte an der Akademie für Bildende Künste
München. (Foto: © Galerie Michael Schultz Berlin)

KUNST.INVESTOR News
„Fragmented Fugures“
Andy Denzle
ANDY DENZLER. BILLLIE-JEAN, 2017, ÖL AUF LEINWAND
Berlin-In seiner vierten Berliner Einzelausstellung in
der Berliner Galerie von Michael Schultz zeigt der
Schweizer Künstler Andy Denzler einen neuen
Überblick auf das, was seine Malweise
bekanntgemacht hat: gebrochene Figurendarstellungen,
die sich dem fokussierten Blick zu großen
Teilen entziehen, weil sie optisch ver-zogen sind. Andy
Denzler bedient sich in seiner Malerei einer
signifikanten und unverwechselbaren Verzieh-Technik.
Er gestaltet die skizzenhafte Anlage des Gemäldes mit
grobem Pinselstrich komplett alla prima und unterzieht
die Leinwand dann am Ende des eigentlichen
Malprozesses einer konsequenten Oberflächenbehandlung.
Durch das Verziehen der Farbe in meist
horizontale Schlieren wird das eigentliche Motiv erst
zum Vorschein gebracht. Bereits vor dem Vorgang des
Verwischens plant der Künstler höchst detailliert die
Entstellung und dann die optische Wiederauferstehung
des Werkes. Wie in einem optischen Zeitraffer belebt
der Künstler die Oberfläche mit Spachtel und Rakel –
so erschafft er Bewegung und gleichzeitiges Innehalten
unserer Augen, wenn das Bild zu ‚ruckeln‘ scheint.
Denzlers Malerei spürt den Widersprüchen zwischen
Schein und Sein nach, fragt nach Wahrheit und
Täuschung. Er arbeitet mit den Bildstörungen der
modernen Welt und läßt uns bei jedem Blick auf seine
materialintensiven, sensiblen Sujets spüren, dass
Sender und Empfänger auch in heutigen WLAN-Welten
noch immer bestimmte Frequenzen gemeinsam haben
müssen, um einander verstehen zu können. Andy
Denzler wurde 1965 in Zürich geboren, wo er auch
heute lebt und arbeitet. (Foto: © Galerie Michael
Schultz Berlin)

KUNST.INVESTOR News
Foto: Albertina © Robert Frank "14th Street White Tower – New York City, 1948"
Robert Frank
Die Albertina zeigt ausgewählte Werkgruppen, die
Robert Franks künstlerischen Werdegang
nachzeichnen: Von seinen frühen, auf Reisen in Europa
entstandenen Fotografien über The Americans bis hin
zu seinen späten introspektiven Oeuvre werden
zentrale Aspekte seines Werks beleuchtet. Robert
Franks zwischen 1955 und 1957 aufgenommene
Werkgruppe The Americans schrieb Fotogeschichte:
Während eines Road Trips durch die USA
aufgenommen, beleuchtet Frank in grimmigen schwarzweiß
Bildern den „American way of life“ der
Nachkriegszeit, den er als von Rassismus, Gewalt und
Konsumkultur geprägt zeigt. Seine Fotos entsprechen
damit nicht dem Selbstbild der USA, das gleichnamige
Buch kann zunächst nur in Europa veröffentlicht
werden. Mit The Americans gelingt Robert Frank eine
der einflussreichsten Foto-Arbeiten der Nachkriegszeit,
die die Street-Photography nachhaltig erneuerte.
[Albertina, Dauer bis 21. Jänner 2018 – Foto ©
Albertina]

KUNST.INVESTOR News
An Eames Celebration
Vitra Design Museum
Charles und Ray Eames, © Eames Office LLC, Fotomontage: Boros, Berlin
Weil am Rhein/Basel- Charles und Ray Eames zählen
zu den bedeutendsten Designern des 20. Jahrhunderts.
Mit ihren Möbeln, Filmen, Büchern,
Ausstellungen und Medieninstallationen beeinflussten
sie Generationen von Gestaltern und prägen auch
heute noch unsere Alltagskultur. Kein anderer
Designername steht so sehr für technische Perfektion
und Zeitlosigkeit, aber auch für die spielerische Start-
Up-Kultur der amerikanischen Westküste, die die
Eames’ maßgeblich prägten. Bis zum 25. Februar
2018 präsentiert das Vitra Design Museum unter dem
Titel »An Eames Celebration« parallel vier Ausstellungen,
die das Werk des legendären Designerpaares
so umfassend wie nie zuvor vorstellen. Im Zentrum des
Ausstellungsparcours steht die große Retrospektive
»Charles & Ray Eames. The Power of Design«, die im
Hauptgebäude des Vitra Design Museums gezeigt
wird. Im Feuerwehrhaus wird unter dem Titel »Ideas
and Information. Die Eames-Filme« eine Auswahl der
über 100 Filme der Eames’ präsentiert, während in der
Vitra Design Museum Gallery die Ausstellung »Play
Parade. Eine Eames- Ausstellung für Kinder« dazu
einlädt, die vielen Spielobjekte des Designerpaares zu
entdecken und auszuprobieren. Im Vitra Schaudepot
wiederum ist die Ausstellung »Kazam! Die Möbelexperimente
von Charles & Ray Eames« zu sehen.
Pünktlich zum 110. Geburtstag von Charles Eames
wird auch die Sammlung des Eames Office in ihrer
ganzen Breite vorgestellt. Diese befindet sich seit 1988
im Vitra Design Museum und umfasst sämtliche
Prototypen und Entwicklungsmodelle der Eames’.
(Foto: © Vitra Design Museum)

KUNST.INVESTOR News
Victor Hugo, Champignon, 1850 © Maisons de Victor Hugo, Paris/Guernesey
Victor Hugo
Der schwarze Romantiker
Der Schriftsteller Victor Hugo (1802–1885),
Gallionsfigur der französischen Romantik und Homo
Politicus schlechthin, wurde schon zu Lebzeiten zu
einer eigenen Institution. Die emotionale Kraft, die
seinen Jahrhundertromanen wie Der Glöckner von
Notre Dame (1831) und Les Misérables (1862)
innewohnt, fesselt bis heute eine weltweite Leserschaft.
Der visionäre Schriftsteller frönte jahrzehntelang auch
einer malerischen Passion. Mit Darstellungen von
skurrilen Randexistenzen zollte er Francisco de Goya
Tribut. Mit märchenhaft-düsteren Darstellungen von
Kathedralen und Schlössern beschwor er die Geister
einer Vergangenheit herauf, deren kostbare Relikte er
gefährdet glaubte. Victor Hugos Freizügigkeit im
Umgang mit Malmitteln war dabei schier grenzenlos: In
Sepia klecksend, fallweise unter Verwendung
unkonventioneller Materialien wie Kaffeesatz oder
Staub, ließ er oft das Zufallsprinzip walten, woraus
Bilder des Erahnten, der vagen Möglichkeiten
resultierten. In der umfangreichen Schau im Grafischen
Kabinett des Leopold Museums werden rund 80 Blätter
von Victor Hugo den Werken seiner vormodernen
Vorgänger wie Alexander Cozens und William Turner
gegenübergestellt. Gleichzeitig wird das Doppeltalent
Hugo unter Berücksichtigung der fruchtbaren
Verbindungen zu den Persönlichkeiten aus den
Bereichen Literatur und Kunst in den Kontext eines
bewegten Zeitalters eingebettet. [Foto © Leopold
Museum. Dauer bis Jänner 2018]

KUNST.INVESTOR News
„Ästhetik der Veränderung“
150 Jahre Universität für angewandte Kunst Wien
Oskar Kokoschka, Rock für Lilith Lang,
Entwurf, 1907/08 Fondation Oskar Kokoschka
Bildrecht, Wien, 2016 Foto © Wolfgang Günzel
Anlässlich des 150-jährigen Bestehens der Universität
für angewandte Kunst Wien taucht die Großausstellung
„Ästhetik der Veränderung“. 150 Jahre Universität für
angewandte Kunst Wien (15. Dezember 2017 – 15.
April 2018) in den Kosmos einer der traditionsreichsten
und gleichzeitig visionärsten kulturellen Hochschulen
Österreichs ein. In zwei Ausstellungsteilen nähert sich
die Jubiläumsschau, eine Kooperation der Universität
für angewandte Kunst Wien und des MAK, der
historisch gewachsenen Position der Angewandten als
führendes Kompetenzzentrum für künstlerische und
wissenschaftliche Bildung und Forschung: Rund 400
Exponate eröffnen in der unteren MAK-
Ausstellungshalle Einblicke in die unzähligen Highlights
ihrer 150-jährigen Geschichte. Spekulativ und mitunter
provokant skizzieren zeitgenössische Positionen in der
oberen MAK-Ausstellungshalle die Zukunft von Kunst
und Bildung vor dem Hintergrund gesellschaftlicher und
technologischer Umbrüche.
Multiperspektivische Annäherung an 150 Jahre „Die
Angewandte“: Am 21. September 1867 legte Kaiser
Franz Joseph in einem formlosen Schreiben den
Grundstein für eine neue, an das ehemalige k. k.
Österreichische Museum für Kunst und Industrie (heute
MAK) angeschlossene Lehrinstitution. Bereits am 1.
Oktober 1868 wurde der Unterricht an der damaligen k.
k. Kunstgewerbeschule aufgenommen, zunächst noch
in einem Hoftrakt des Palais Brenner in der Währinger
Straße. 1877 wechselte die Schule in das von Heinrich
von Ferstel neu errichtete Haus am Stubenring, direkt
neben dem Museum. Im Jahr 2018 wird die
Angewandte zusätzlich zwei große, neu adaptierte
Gebäude in unmittelbarer Nähe der Ringstraße
beziehen. Tausende Biografien aus Kunst, Architektur
und Design sind mittlerweile durch Lehre oder Studium
mit der Angewandten verbunden. Die AbsolventInnen
bilden eine Mischung aus Stars der Kunst-, Architekturund
Designgeschichte – von Gustav Klimt über Oskar
Kokoschka bis Maria Lassnig, von Josef Frank über
Margarete Schütte-Lihotzky bis Hans Hollein – und
Namen, die einer größeren Öffentlichkeit bisher
unbekannt waren. Viele der hervorgegangenen
KünstlerInnen wurden bisher kaum beleuchtet, da sie
entweder keine marktorientierte künstlerische Karriere
aufnahmen oder in die Lehre bzw. eine andere
Funktion wechselten. (Foto: MAK)

KUNST.INVESTOR News
Foto: © Petra von Kazinyan
Abstracts
Petra von Kazinyan
Die Wiener Ho Gallery zeigt die abstrakten Arbeiten der
Malerin und Philosophin Petra von Kazinyan,
entstanden in den vergangenen Monaten und eine
klare eigene Bildsprache aufweisend, die von der
Künstlerin aus dem Automatismuszufälliger,
absichtsloser Pinselbewegungen heraus entwickelt
wurde - ausgehend vom Prinzip der Störung, dem
Unbekannten, das den Funken der Poesie entzündet;
analog zum Farbauftrag auf die Leinwand, deren
Tabula Rasa-Zustand durch jeden Pinselstrich, jedes
Hinzufügen von Farbe aufgehoben wird. Entstanden
sind plastisch-liquide Strukturen mit einer traumartigen
DANN: „Grenzen und Wahrnehmungsebenen verschwimmen,
sukzessive löst sich das individuelle
Gedächtnis im kollektiven auf.“

KUNST.INVESTOR News
Hubert Schmaliy , kleines Stadtbild, 1989 - © Hubert Schmalix
collected #7 im tresor
Die Institution des Museums, aber auch Bibliotheken,
Kinos oder Theater dienen Michel Foucault als
Beispiele für sein Konzept des „espace autre“ – des
anderen Raums. Dieser „andere“, heterotopische Raum
verfügt über ihm eigene Regeln, reflektiert
gesellschaftliche Bedingungen und führt voneinander
unabhängige örtliche und zeitliche Ebenen zusammen.
Das Museum als Heterotopie, in der „[...] die wirklichen
Plätze der Kultur gleichzeitig repräsentiert, bestritten
und gewendet [werden]“ versammelt also Werke, die
sich außerhalb der ihnen eigenen Zeit befinden und
lässt auf diese Weise die Realisierung von Utopien zu.
In der siebten Ausgabe des Ausstellungsformats
„collected“, das ausgewählte Werke aus der UniCredit
Bank Austria Kunstsammlung präsentiert, treffen
Gemälde und Fotografien, Installationen und Bücher
aufeinander, die durch Inszenierung des Realen oder
das Zeigen von Utopien (Bild-)räume konstruieren und
durch das Schaffen dieser „anderen Räume“ ein
kritisches Betrachten und Befragen realer Orte
ermöglichen. Die Ausstellung setzt ein Vexierspiel aus
Utopie und Realität der Bildräume, Medien und letztlich
des Museums als Heterotopie selbst in Gang. In der
von Veronika Rudorfer kuratierten Ausstellung sind bis
21. Jänner 2018 Werke von Svenja Deininger, Alois
Mosbacher, Gregor Pirker, Lois Renner, Hans Schabus,
Eva Schlegel, Hubert Schmalix und Gerold Tagwerker
zu sehen. (Foto: © Bank Austria Kunstforum)

KUNST.INVESTOR News
David Shrigley, ‘Life Model II’, 2016, Courtesy David Shrigley, Stephen Friedman Gallery, London,
Anton Kern Gallery, New York, Galleri Nicolai Wallner, Copenhagen, and BQ, Berlin, © David Shrigley
Christine Hill, Small Business Model, 2012, Foto: Achim Kukulies, Düsseldorf
Installationsansicht Museum Morsbroich, Leverkusen

KUNST.INVESTOR News
Duett mit Künstler_in
Partizipation als
künstlerisches Prinzip
Rirkrit Tiravanija, untitled 2015 (MORGEN IST DIE FRAGE), 2015
Courtesy der Künstler und neugerriemschneider, Foto: Lisa Rastl
Im Zentrum der Ausstellung „Duett mit Künstler_in“ im
21er Haus steht das Publikum und seine Rolle beim
Entstehen eines Kunstwerks. Historische und aktuelle
Positionen zeigen, wie Künstlerinnen und Künstler
Menschen aktivieren und zur Handlung auffordern.
Kunst als wesentlichen Teil des Lebens zu denken, an
dem „alle“ teilhaben können, ist nicht nur grundlegend
für das Kunstverständnis des 20. und 21.
Jahrhunderts, sondern gehört zu den fundamental
demokratischen Werten unserer Gesellschaft. „Duett
mit Künstler_in“ etabliert das Museum als zentralen Ort
der Partizipation und zeigt über 20 internationale
künstlerische Positionen, die Interaktion, Kooperation
und bisweilen auch Kollaboration einfordern. Die
Ausstellung thematisiert und fordert die aktive
Mitarbeit der Besucher_innen und regt zu einer
kritischen und schöpferischen Haltung an. In
manchen Situationen lösen die Betrachter_innen
eines Werkes eine künstlerische Handlung aus oder
werden selbst zum Kunstobjekt. So können von
bestimmten Arbeiten evozierte Vorstellungen
genauso zum Kunstwerk werden, wie das Ausführen
von Handlungsanweisungen oder die Kollaboration mit
anderen. Die Ausstellungssituation öffnet die Institution
Museum, indem sie soziales Handeln einfordert und
Raum für Begegnungen schafft. [21er Haus, Kuratiert
von Axel Köhne, Dauer von 27. September 2017 bis 4.
Februar 2018 – Foto ©21er Haus]

KUNST.INVESTOR News
Auguste Kronheim
Begleiterscheinungen
Auguste Kronheim, Selbstporträt (Detail), 1970, NORDICO
Das Nordico Stadtmuseum Linz widmet Auguste
Kronheim eine große Retrospektive, präsentiert werden
die Originalzeichnungen und Holzschnittserien aus
mehr als 50 Schaffensjahren. Auguste Kronheim (geb.
in Amsterdam) übersiedelte bereits in ihrer Kindheit
nach Oberösterreich. Nach dem Besuch der grafischen
Abteilung der Linzer Bundesgewerbeschule bei Paul
Ikrath vertiefte sie ihre Studien zum Holzschnitt bei
Hanns Kobinger. Von 1964 bis 1966 lebte die junge
Frau mit ihren Kindern auf einer kleinen irischen Insel.
Sie hielt dort das von Traditi- onen und Mythen
geprägte Leben in ihren Werken fest. 1970 übersiedelte
Kronheim nach Wien, wo sie an sozialkritischen
Holzschnittzyklen arbeitete. Unter dem Titel Hell wie der
lichte Tag etwa entstanden Holzschnitte, die sich mit
den Wünschen und Träumen einer Fließbandarbeiterin
in einer Leuchtmittelfabrik befassen. In der
Serie Begleiterscheinungen schildert die Künstlerin
drastische Ereignisse, wie sie zu ihrer Zeit in den
Mühlviertler Dörfern vorkamen. Ab den 1980er Jahren
verlagerte Kronheim ihren Fokus vermehrt auf
Zeichnungen und Aquarelle mit naturhaften Sujets und
Selbstporträts. In der Ausstellung werden mehr als 220
Holzschnitte und 30 Zeichnungen präsentiert. (Foto:
Nordico)

KUNST.INVESTOR Auktionshaus ‚im Kinsky‘
Foto: Auktionshaus ‚im Kinsky‘
120. Kinsky-Kunstauktionen
Auktionstage Klassische Moderne – Jugendstil
und Zeitgenössische Kunst - 5. bis 6. Dezember 2017
Es sind klingende Namen wie Oskar Kokoschka, Egon
Schiele, Werner Berg, Herbert Boeckl, die das
Auktionshaus ‚im Kinsky‘ vom 5. – 6. Dezember 2017
zum Abschluss eines sehr erfolgreichen Jahres
anbieten kann. Die Highlights der Auktion klassische
Moderne führt das Aquarell eines Mädchens von Oskar
Kokoschka aus dem Jahr 1907 an, das sich über
Jahrzehnte in Privatbesitz befand. In der gleichen
Technik aber auch Japanpapier malte Emil Noldein den
1930er Jahren einen „Mohn und Sonnenhut“,
exemplarisch für diese meisterhafte und neuartige
Handhabung dieses Malens mit Wasser und Farbe.
Gleich vier Zeichnungen von Gustav Klimt, ein frühes
Ölbild von Egon Schiele und von Carl Moll sowie ein
Hauptwerk vom Mitbegründer der Secession, Josef
Engelhart,setzen die Liste fort. Großes Interesse
verdient auch die „Winternacht“ von Werner Berg mit
seiner unglaublich suggestiven Bildkraft oder die mit
viel Vehemenz und Leidenschaft gemalte Ansicht aus
dem „Steinbruch bei Töschling“ von Herbert Boeckl.
Farbkräftige Stillleben von Gerhild Diesner rezipieren
die französische Malerei der Moderne und leiten wie die
grandiose „Karyatide“ in Bronze von Fritz Wotruba in
die Kunst der Avantgarde nach 1945 über.
Zeitgenössische Kunst bietet wie immer ein breites
Spektrum. Besondere Erwähnung verdient eine
Sammlung von „Bild-Dichtungen“ von Günther Brus,
darunter der 10er Zyklus „Nabelstromdelta“ von 1997.
Der anhaltenden Nachfrage für Werke der international
gefragten österreichischen Malerin Maria Lassnig
kommt das Angebot eines Doppelbildnisses der
„Messnerleute“ aus dem Jahr 1999, sowie das
ungewöhnliche Porträt einer guten Freundin der Malerin
vor der Skyline von New York entgegen.

KUNST.INVESTOR Auktionshaus ‚im Kinsky‘
Emil Nolde, Mohn und Sonnenhut, 1930er Jahre, Schätzpreis: 70.000 - 140.000 €

KUNST.INVESTOR Auktionshaus ‚im Kinsky‘
Zeitgenössische Kunst bietet wie immer ein breites
Spektrum. Besondere Erwähnung verdient eine
Sammlung von „Bild-Dichtungen“ von Günther Brus,
darunter der 10er Zyklus „Nabelstromdelta“ von 1997.
Der anhaltenden Nachfrage für Werke der international
gefragten österreichischen Malerin Maria Lassnig
kommt das Angebot eines Doppelbildnisses der
„Messnerleute“ aus dem Jahr 1999, sowie das
ungewöhnliche Porträt einer guten Freundin der Malerin
vor der Skyline von New York entgegen. Mit der für die
Malerin so typischen überaus prägnanten, abgehakten
und vielfarbigen Strichführung erfährt die Darstellung
des jungen Paares, wie die im Dirndl gekleidete
mondäne Dame, eine feinfühlige wie dynamische
Charakterisierung. Die Bildhauerei wird dieses Mal von
einer besonderen Figur des spanischen Bildhauers
Baltasar Loboangeführt,der in Paris ab 1940 mit
Picasso, Brancusi und Jean Arp befreundet war. Unter
deren Einfluss perfektionierte Bobo die Kunst der
reduzierten, aber perfekt modellierten Form, wie es die
Figur eines sitzenden Mädchens in weißem Marmor im
Auktionsangebot exemplarisch vorführt. Fremd wie auf
ganz eigene Art vertraut erscheinen die Bildfindungen
des Kärntner Ausnahmekünstlers Bruno Gironcoli. Wie
eine „fliegende Untertasse“ erscheint einer seiner
letzten Skulpturen in Aluminiumguss, bei der
Naturähnliche bewegte Formen in einen irritierenden
Kontrast zur technoiden, die Dynamik einfrierenden
Ausführung gesetzt werden. Einen eigenen
Schwerpunkt legt die Sparte Jugendstil & Design.
Dieses Mal auf das Glas des böhmischen
Unternehmens Johann Lötz Witwe in Klostermühlen,
dasu.a auch für die Weltausstellung von 1900 in Paris
spezielle Exemplare geliefert hat. Zeitgleich zur Auktion
wird eine neue Publikation über diese Weltausstellungsobjekte
vom im Kinsky-Experten und Geschäftsführer
Ernst Ploil präsentiert. Eine Freude für
Liebhaber des Wiener Jugendstil stellt das Angebot an
gleich fünf großen makellosen Keramikskulpturen von
Michael Powolnyaus einer deutschen Privatsammlung
dar. Neben vier Varianten seiner beliebten
Jahreszeitenputti bietet der große „Afrikaner“ eine
weitere seltene Attraktion. Skulpturen von Demeter
Chiparus und Bruno Zach präsentieren die Kunst des
internationalen Art Déco.
(Foto: Auktionshaus ‚im Kinsky‘)

KUNST.INVESTOR Auktionshaus ‚im Kinsky‘
Oskar Kokoschka, Mädchenakt mit umgehängtem Mantel , 1907, Bleistift, Aquarell auf Papier ,
45,4 x 31,6 cm, Schätzpreis € 100.000 – 200.000

KUNST.INVESTOR Auktionshaus ‚im Kinsky‘
Carl Moll, Interieur mit Blumenstrauß, vor 1905, Öl auf Leinwand, 45 x 42 cm, Schätzpreis: 35.000 - 70.000 €

KUNST.INVESTOR Auktionshaus ‚im Kinsky‘
Maria Lassnig, Blick auf New York aus dem Atelier der Künstlerin, 1976
Öl auf Leinwand; gerahmt, 110 x 124 cm, Schätzpreis: 120.000 - 240.000 €

KUNST.INVESTOR Auktionshaus ‚im Kinsky‘
Josef Engelhart, Der Windhund, 1891, Öl auf Leinwand, 111 x 130 cm, Schätzpreis: 50.000 - 100.000 €

KUNST.INVESTOR Auktionshaus ‚im Kinsky‘
Baltasar Lobo (1910 – 1993), Jeunefilleassise, mains croisées, 1976, Weißer Marmor
aus Mijas, Spanien; Unikat, Schätzpreis 62 x 35 x 28 cm, Schätzpreis € 50.000 – 100.000
Franz Hofstötter, Vase, Johann Lötz Witwe,
Klostermühle, 1899, H. 17,3 cm

KUNST.INVESTOR Auktionshaus ‚im Kinsky‘
Topergebnisse in de
119. Kinsky-Kunstauktion
Auferstandener, um 1400 Lindenholz, H. 142 cm verkauft um € 30.200
Triumph des Kunsthandwerks, Glas, Keramik und
ein Narwalzahn
Die Sammlung war vom Feinsten: Formglas aus der
Glashütte von Kramsach in Tirol in den schillerndsten
Farben von Grün über Blau bis hin zum Bernstein und
in den typischen Formen der Nabel-, Warzen- und
Noppenflaschen bot ein selten qualitätvolles Angebot
und lieferte ein eindrucksvolles Ergebnis von rund €
180.000 (Kaufpreis € 220.000)! Spitzenlose waren wie
erwartet der makellose Krautstrunk aus dem 16. Jhd.
(MB € 17.000/ KP €21.400), eine seltene
bernsteinfarbene Nabelflasche (MB €18.000/ KP
22.700), sowie eine herrlich facettenreiche
bernsteinfarbene Wabenflasche (MB € 14.000/ KP €
17.600). Großen Seltenheitswert bot auch die
Sammlung an Keramikkrügen des 16. Jhd. aus dem
süddeutschen Raum, aus der berühmten Werkstatt von
Paul Preuning in Nürnberg sowie die sogenannten
Habaner-Krüge aus der heutigen Slowakei des 17.
Jhd.! Top-Zuschläge von € 8.000 bis € 19.000 zollten
diesem bemerkenswerten Kunsthandwerk den
verdienten Respekt.Ebenso erkannt und geschätzt
wurde die Qualität gotischer und barocker Skulptur. Die
aus Lindenholz fein gearbeitete Rundplastik eines
Auferstandenen mit originaler Fassung, aus Tirol um
1400 datiert, wurde auf € 24.000 (KP € 30.200)
gesteigert; die Madonna auf der Mondsichel, eine
Meisterarbeit aus der Werkstatt Hans Spindler in
Oberösterreich erzielte € 20.000 (KP € 25.200). Den
Schätzpreis verdoppeln konnte auch ein „Großer
Narwalzahn“ mit € 20.000 / KP € 25.200, der nicht nur
wegen seiner Makellosigkeit begeisterte sondern wohl
auch wegen seiner kulturhistorischen Besonderheit:
Stellt er doch eine Erinnerung an die Polarexpedition
von 1872 auf der SMS Admiral Tegetthoff dar.

KUNST.INVESTOR Auktionshaus ‚im Kinsky‘
Habaner Achtkantflasche Slowakei, datiert 1668 Fayence,
H. 23,5 cm verkauft um € 24.000
Krautstrunk, Deutsch, 16. Jahrhundert hellgrünes Glas;
H. 10,4 cm verkauft um € 21.400

KUNST.INVESTOR Auktionshaus ‚im Kinsky‘
Franz von Defregger Auf dem Schulweg, 1890, Öl auf Leinwand, 65 × 50 cm verkauft um € 56.700
Topergebnisse für Sonnenlicht und Kinderlächeln,
Gemälde 19. & 20. Jahrhundert – Alte Meister
Die Leichtigkeit seiner Malerei, sein so wunderbares
Einfangen von Licht, Farben, Atmosphäre sind einmalig
und unvergleichlich: Rudolf von Alts Aquarelle gehören
zu den Meisterwerken europäischer Malerei und sind
nach wie vor von Sammlern sehr begehrt. Gleich vier
große Aquarelle konnten in der Auktion des 19.
Jahrhunderts angeboten werden und alle lockten
spielend über den unteren Schätzpreis hinaus: der
frühe, nämlich 1835 genommene Blick in den
Innenraum des Petersdomes in Rom wurde mit €
21.000 /KP €26.500 zugeschlagen, für die Erinnerung
an die nicht mehr existente Villa Hügel mit ihren
fantastischen türkischen Salon musste der jetzige
Besitzer aber bis € 38.000 / KP € 47.880 warten. Noch
weiter zogen erwartungsgemäß die prachtvollen
Landschaften und Architekturen: der Blick von der
Torre del Mangia in Siena erzielte €40.000 /KP €
50.400 , der Hof des Dogenpalastes in Venedig gar
€55.000 /KP € 69.300!

KUNST.INVESTOR Auktionshaus ‚im Kinsky‘
Franz von Defregger Auf dem Schulweg, 1890, Öl auf Leinwand,
65 × 50 cm verkauft um € 56.700
Norbertine Bresslern-Roth Ruhende Hirsche, 1944 Öl auf Jute,
120 x 140 cm verkauft um € 201.600

KUNST.INVESTOR Dorotheum
Wegbereiter der Moderne
Josef-Hoffmann-Arbeiten bei
Jugendstil-Auktion im Dorotheum Wien
Josef Hoffmann, Kaviaraufsatz, Wiener Werkstätte, 1909, Silber,
Schätzwert € 20.000 - 40.000
Drei Objekte der kommenden Jugendstil-Auktion am 4.
Dezember 2017 zeigen beispielhaft, wie Josef
Hoffmann seinen unverkennbaren und gleichzeitig
vielfältigen Weg in seinem Kunstschaffen fand. In die
Jahre 1904/1905 datiert, wird eine Oberskanne
angeboten, die sich – typisch für den Stil der Wiener
Werkstätte in dieser Zeit – durch Geometrie und
Strenge auszeichnet (Schätzwert € 30.000 – 50.000).
Von der puren Geometrie wendet sich der Künstler
rund um die Zeit der Wiener Kunstschau 1908 ab –
seine Objekte werden dekorativer und floraler. So zu
sehen in dem in der Auktion angebotenen
Kaviaraufsatz aus dem Jahr 1909, der mit dem
sogenannten gebuckelten Efeudekor die neue Tendenz
trefflich illustriert (€ 20.000 – 40.000). Mit zwei
Silberaufsätzen, entworfen vor 1925, erweist Josef
Hoffmann seinem verstorbenen Kollegen Dagobert
Peche Anerkennung. Er übernimmt stilistische
Elemente von Peches Kunst und führt sie weiter,
beispielhaft die beiden in der Auktion angebotenen
Tafelaufsätze (€ 30.000 – 60.000). Josef Hoffmann war
es auch, der eine rund 18 cm hohe Vase der britischösterreichischen
Künstlerin Lucie Rie-Gomperz als
Gastgeschenk in die USA brachte. Er gab sie einer
Familie, die von 1925 bis 1937 in Chicago lebte und zu
vielen Künstlern ein freundschaftliches Verhältnis
pflegte. Auf dem Erbweg jener Familie in die Auktion
kommt diese um 1930 entstandene Keramik der
Künstlerin, die in Wien bei Michael Powolny an der
Kunstgewerbeschule studiert hatte und mit ihren
Arbeiten Weltruhm erlangte (€ 9.000 – 15.000). Adolf
Loos arbeitete immer wieder mit lokalen
Produktionsfirmen zusammen, so auch beim
achtbeinigen Schreibtisch aus Nussholz, einem der
prächtigsten Exemplare der Auktion. Die 1853
gegründete Wiener Möbelfirma Friedrich Otto Schmidt,
Hersteller von Wohnungseinrichtungen nach Entwürfen
oder antiken Vorbildern, führte Loos‘ Entwurf aus (€
25.000 – 40.000). Weitere Top-Objekte der Auktion
stammen u. a. von Marcel Kammerer, Otto Prutscher,
Karl Hagenauer, Demetre Chiparus, Henry van de
Velde und Gustave Serrurier-Bovy. (Foto: ©
Dorotheum)

KUNST.INVESTOR Dorotheum
Josef Hoffmann, Oberskanne, Teil eines Tee- und Kaffeeservices, Wiener Werkstätte, 1904/05, Silber,
Ebenholz, Schätzwert € 30.000 - 50.000
Josef Hoffmann, zwei Silberaufsätze mit Henkeln, Wiener Werkstätte, vor 1925, Schätzwert € 30.000 - 60.000

KUNST.INVESTOR Dorotheum
Funkelnde Wertanlagen
Dorotheum-Auktionen mit exklusiven
Diamanten und Farbsteinen - 14.
Dezmber 2017
Bulgari-Ring, Trombino, mit unbehandeltem Saphir, ca. 5 ct., Platin 950, Brillante
und Diamanten, zus. ca. 3 ct., Arbeit um 1937, Schätzwert € 45.000 - 65.000
Diamanten haben Saison: Als Schmuckstück und für
Anleger. Die Auktionsergebnisse im Dorotheum zeigen
in den letzten Jahren einen starken Aufwärtstrend für
Hochkarätiges. An die Spitze der Ergebnisse reihte sich
ein 26,95 ct. Brillant-Solitärring für 596.300 Euro. Der
23. November und der 14. Dezember 2017 stehen
wieder ganz im Zeichen von exklusiven Diamanten und
Farbsteinen. „Begehrt sind Brillantsolitäre und
unbehandelte Farbsteine, sowie Diamanten in
natürlicher Farbe“, so Astrid Fialka-Herics, Leiterin der
Juwelen-Abteilung. "Ein Brillantring mit einem
unbehandelten Kaschmir-Saphir wurde zum Beispiel
auf 515.400 Euro hochgesteigert, 320.200 Euro brachte
ein 16,98 ct. Brillant-Solitärring „Fancy yellow Natural
Color. „Alle angebotenen Diamanten und Farbsteine
werden von Dorotheum-ExpertInnen im hauseigenen,
bestausgestatteten Labor gemmologisch untersucht,
die Qualität wird bestimmt und vorhandene Gutachten
werden auf Echtheit geprüft. Unter Einbeziehung aller
Faktoren - wie zum Beispiel Qualität, Verarbeitung,
bisheriger Auktionsergebnisse unter Berücksichtigung
des internationalen Marktes - wird ein Rufpreis bzw. ein
Schätzwert für die Auktion bestimmt“, so die Expertin.
Knapp 2 Millionen Euro beträgt der Schätzwert für die
kommende Auktion am 14. Dezember 2017. Mehr als
400 exklusive Schmuckstücke stehen zur Auswahl.
(Foto: Dorotheum)

KUNST.INVESTOR Dorotheum
Brillantsolitär-Ring, 6,24 ct., Auktion 23. November 2017
Schätzwert € 95.000 - 150.000
Diamantring mit unbehandeltem Burma Rubin, ca. 4,93 ct., Gold 750,
und Brillanten, zusammen ca. 3 ct. Gübelin Edelstein Report liegt bei
Schätzwert € 30.000 - 40.000
Altschliffbrillant Solitär Ring, ca. 5 ct., Weißgold
Rufpreis € 26.000

KUNST.INVESTOR Dorotheum
Martin Kippenberger (1953 - 1997) Ohne Titel, Öl auf Leinwand, 120 x 120 cm, erzielter Preis € 430.742
Starke Zeitgenossen
Hohe Preise für CoBrA-Gruppe, Kippenberger, Scheggi im Dorotheum
Zeichen für einen starken Kunstmarkt: Nach dem Top-
Preis von 2,3 Mio. Euro für eine Zeichnung von Egon
Schiele verbuchte man im Dorotheum auch am zweiten
Tag der Auktionswoche, am 22. November 2017,
hervorragende Verkäufe. Bei der Auktion
„Zeitgenössische Kunst“ konnten die generell im
Dorotheum erfolgreichen Werke von Künstlern wie
Paolo Scheggi, Georg Baselitz oder Heinz Mack
Bestpreise erzielen (€ 405.600, € 247.000, € 247.000).
Arbeiten der avantgardistischen CoBrA-Gruppe der
1960er Jahre waren stark nachgefragt, darunter Asger
Jorns expressives Ölbild „Brokigt brak – Patchy
quarrel“, mit 466.600 Euro der höchste Zuschlag des
Abends. Ein – im weitesten Sinne als Selbstbildnis zu
deutendes – unbetiteltes Gemälde von Martin
Kippenberger erreichte mit 430.742 Euro einen Preis
über den Erwartungen. Bei den Österreichern
überzeugten vor allem Bilder von Maria Lassnig und
Arnulf Rainer. (Foto: Dorotheum)

KUNST.INVESTOR Dorotheum
Egon Schieles Zeichnung „Liegende Frau“ erzielte bei der Moderne-Auktion im Dorotheum am 21. November 2017 sensationelle 2.345.000
Euro. Ein Bieter im überfüllten Auktionssaal setzte sich gegen einige Telefonbieter durch. Dieser herausragende Preis ist das höchste
Auktionsergebnis in Österreich in diesem Jahr.

KUNST.INVESTOR Dorotheum
Georg Baselitz (geb. Deutschbaselitz, Sachsen, 1938) Kleines Feuer, 2003, signiert, datiert, betitelt, G. Baselitz, 24. VII. 03 Kleines Feuer, Öl
auf Leinwand, 200 x 130 cm, erzielter Preis € 247.000

KUNST.INVESTOR Dorotheum
Asger Jorn (Vejrum, Struer, 1914–1973 Aarhus), Brokigt brak-Patchy quarrel, 1964, signiert und datiert Jorn 64, rückseitig signiert, datiert,
betitelt und mit Gotland bezeichnet, Öl auf Leinwand, 140 x 103,5 cm, erzielter Preis € 466.600

KUNST.INVESTOR Dorotheum
Maria Lassnig (1919 - 2014) Innerhalb und Außerhalb der Leinwand I, 1984/85, Öl auf Leinwand, 120 x 100 cm, erzielter Preis € 295.800

KUNST.INVESTOR Dorotheum
Paolo Scheggi (1940 - 1971) Zone riflesse, 1964, blaue Acrylfarbe auf drei übereinander gelegten Leinwänden, 100,5 x 100 x 70 cm, erzielter
Preis € 405.600

KUNST.INVESTOR Dorotheum
Rinaldo Giudici (1853 - 1921) Ankunft des Besuches, signiert Rinaldo Giudici, Öl auf Leinwand, 95 x 140 cm,
erzielter Preis € 137.200 (Weltrekord)
Ankunft eines Weltrekords
Top-Preis für Venedig-Bild von Rinaldo Giudici und starke
österreichische Kunst bei der Auktion Gemälde des 19. Jahrhunderts
Die Mode ist heute zwar anders, aber das Venedig-
Motiv einer „Ankunft eines Besuchs“ mit einer Gondel
sieht noch so aus: Bei Rinaldo Giudicis gleichnamigem
Großformat läuteten am 19. Oktober 2017 bei der
Dorotheum-Auktion mit Gemälden des 19.
Jahrhunderts erst bei 137.200 Euro die
Auktionsglocken – das ist mit Abstand Weltrekord für
ein Werk dieses Künstlers. Einen weiteren Weltrekord
mit 75.000 Euro gab es für eine Küstenlandschaft des
österreichisch-kroatischen Malers Menci Clement
Crncic. Weit über den Erwartungen wurden drei seltene
Gemälde von Nicolae Grigorescu zugeschlagen, dem
Wegbereiter der rumänischen Moderne. Für die „Die
Spinnerin“ etwa legte ein Kunstenthusiast 173.800 Euro
aus. Eine weitere Dame, diesmal aus der italienischen
Oberschicht, in Öl von Salonmaler Vittorio Matteo
Corcos meisterhaft in Szene gesetzt, ließ mit 186.000
Euro aufhorchen. Von der österreichischen Kunst
reüssierten vor allem Werke von Ferdinand Georg
Waldmüller („Die Kranzljungfer“, € 247.000), Markus
Pernhart, Jacob Alt, Friedrich Gauermann, Franz Xaver
Kosler, Tina Blau und Olga Wisinger-Florian.
Foto: © Dorotheum

KUNST.INVESTOR Dorotheum
Vittorio Matteo Corcos (1859 - 1933) Porträt von Diane de la Bouchère,
1903, Öl auf Leinand, 225 x 148 cm, erzielter Preis € 186.000
Nicolae Grigorescu (1838 - 1907) Die Spinnerin, signiert,
Öl auf Leinwand, 51 x 42 cm, erzielter Preis € 173.800

KUNST.INVESTOR Dorotheum
Stars und Neuentdeckungen
Top-Preise für Alte Meister bei
Auktion im Dorotheum
Giovanni Paolo Castelli, Lo Spadino (1659 - ca. 1730), Allegorie des Frühlings,
des Sommers, des Herbstes und des Winters, Öl auf Leinwand, je 131 x 94 cm
erzielter Preis (für 4) € 430.742
Alte Meister haben immer Saison. Das bewies einmal
mehr die Auktion im Dorotheum am 17. Oktober 2017,
wo im vollen Auktionssaal und bei reger Bietertätigkeit
ausgezeichnete Gemälde die Besitzer wechselten.
Seine bemerkenswerte Geschichte und die Tatsache,
dass sich das Bild des Florentiner Malers Felice
Ficherelli jahrhundertelang in Familienbesitz befand,
wurde honoriert: Sensationelle 350.508 Euro legte ein
Kunstenthusiast für „Die Heilige Praxedis“ aus. Es soll
den Malergiganten Jan Vermeer so tief beeindruckt
haben, dass er, wie Dorotheum-Nachforschungen
ergaben, diese Version kopierte. Die von Giovanni
Paolo Castelli („Lo Spadino“) umgesetzte
präsurrealistische, mit Früchten und Pflanzen
dargestellte Allegorie-Serie der vier Jahreszeiten
erreichte insgesamt 430.742 Euro. Simon Vouets Bild
eines hochrangigen Offiziers wurde für hervorragende
295.800 Euro von einem internationalen Museum
erworben. Weit über den Erwartungen, mit 137.200
Euro, wurde eine Neuentdeckung zugeschlagen:
Guercinos in Öl auf Kupfer gemalte Skizze zum
Gemälde „Der auferstandene Christus erscheint der
Jungfrau Maria“. Sehr hohe Ansteigerungen, die erst
bei 186.000 Euro endeten, gab es auch für „Adam und
Eva“, flämische Schule des 17. Jahrhunderts. Unter
den weiteren Höhepunkten: Jusepe de Riberas Bildnis
des Philosophen Heraklit, Salomon van Ruysdaels
„Flussmündung an einem befestigten Uferwall“ (jeweils
€ 222.600), die Sebastian Vrancx zugeschriebene
„Winterlandschaft mit Karnevalsszene vor der
Kipdorppoort-Bastei in Antwerpen“ und Venedig-
Ansicht von Giuseppe Bernadino Bison (je € 161.600).
Foto: © Dorotheum

KUNST.INVESTOR Dorotheum
Felice Ficherelli (1603 - 1660) Die heilige Praxedis, Öl auf
Leinwand, 115 x 90 cm, erzielter Preis € 350.508
Simon Vouet (1590 - 1649) Porträt eines Gentleman mit seinem Hund,
Öl auf Leinwand, 199,2 x 114,5 cm, erzielter Preis € 295.800

KUNST.INVESTOR Dorotheum
1961 Alfa Romeo Giulietta Sprint Zagato € 350.200 - 1952 Mercedes-Benz 300 S Cabriolet € 563.000 - 1973 BMW 3.0 CSL € 210.200
Top-Umsatz und hohe Quote
Großer Erfolg für die Dorotheum-Auktion „Klassische Fahrzeuge“
Mit einem Umsatz von 4,3 Millionen Euro und einer
Verkaufsrate von 95 Prozent geriet die am 21. Oktober
2017 im Rahmen der Classic Expo Salzburg
abgehaltene Dorotheum-Auktion „Klassische
Fahrzeuge“ zu einem großen Erfolg. Spitzenlos des
Abends war das 1952 Mercedes-Benz 300 S Cabriolet,
das sich ein Oldtimer-Fan für 563.000 Euro sicherte.
Das charmante Aushängeschild der Auktion, der
knallrote Alfa Romeo Giulietta Sprint Zagato, wechselte
für 350.200 Euro den Besitzer. Porsche war in dieser
Auktion gut vertreten, darunter ein richtiges Rennauto,
der schnellste frühe 911er im historischen Motorsport,
Ex-Armin Zumtobel, Ex-Walter Röhrl. Das Gefährt aus
dem Jahre 1965 erzielte hervorragende 165.400 Euro.
Mit 148.600 Euro war der 1960 produzierte Mercedes-
Benz 190 SL einer der Verkäufe im Spitzenfeld. Die
höchsten Ansteigerungen gab es für ein Juwel der
Klassischen Fahrzeuge: Bei 9.000 Euro Rufpreis
kletterten die Gebote für den Volkswagen Käfer „Ultima
Edicion“ (2003) - mit nur 28,1 km am Tacho – auf
42.550 Euro. Mit dieser Auktion konnte der
Umsatzrekord vom Vorjahr eingestellt werden.
Insgesamt ist das Jahr 2017 das bis dato beste bei den
Klassischen Fahrzeugen. (Foto: © Dorotheum)

KUNST.INVESTOR Dorotheum
1952 Mercedes-Benz 300 S Cabriolet, erzielter Preis € 563.000
1961 Alfa Romeo Giulietta Sprint Zagato, erzielter Preis € 350.200

KUNST.INVESTOR Lehner Kunstauktionen
Dieter Roth, Übermalte Postkarte, 1971, Zuschlagspreis: € 2.976,--
Zum Ersten, zum Zweiten, zum Dritten
Erfolgreiche 14. Versteigerung der Lehner Kunstauktionen
Am 16. November 2017 fand die 14. Versteigerung der
Lehner Kunstauktionen statt. Begeisterte Bieter
erfreuten sich an zahlreichen hochqualitativen Werken.
Großen Anklang fanden die übermalten
Blumenstillleben von Dieter Roth (Zuschlagspreise: je €
3.224,--) und auch die Attraktion der übermalten
Postkarten (Zuschlagspreise: € 2.976,--, € 2.108,--, €
2.356,--, € 2.480,--, bei einem jeweiligen Rufpreis von €
1.500,--) die Roths Europa-Korrespondenz in seiner
Zeit in den USA zeigen, lösten spannende Bieterduelle
aus. Schlussendlich werden die Werke eine
amerikanische und eine britische Privatsammlung
bereichern. Das Ölgemälde, betitelt „Arbeit, 2002“, von
Christian Ludwig Attersee (Zuschlagspreis: € 14.168,--),
das Bild „Ohne Titel, 11.09.2013“ von Jakob Gasteiger
(Zuschlagspreis € 4.508,--) und Robert Hammerstiels
„Interieur mit zwei Nachrichten, 2016“ (Zuschlagspreis:
€ 7.728,--) sind nur einige der Werke dessen Wert sich
auch die Bieter bewusst waren. Somit hat nach einigen
spannenden Bieterkämpfen nun der Nachverkauf der
Auktion begonnen. In diesem sind noch ein paar
Raritäten zu ergattern. (Foto: Lehner Kunstauktionen)

KUNST.INVESTOR Lehner Kunstauktionen
Attersee, Arbeit, 2002, Zuschlagspreis: € 14.168,--

KUNST.INVESTOR Lehner Kunstauktionen
Robert Hammerstiel, Interieur mit zwei Nachrichten, 2016, Zuschlagspreis: € 7.728,--
Jakob Gasteiger, Ohne Titel, Zuschlagspreis € 4.508,--

KUNST.INVESTOR Lehner Kunstauktionen
Dieter Roth, Übermaltes Blumenstillleben, Zuschlagspreis: je € 3.224,--

KUNST.INVESTOR Galerie Gugging
Arthur Hagen Reck, 1974, Schrift: Herrn Dr. Navratil..., Farbstift Johann Scheiböck, Henst, 1970, Bleistift,
Farbstift, Rudolf Limberger, Ohne Titel, undatiert, Farbstift Preis: 13% USt 15.820 €

KUNST.INVESTOR Galerie Gugging
Navratils Künstlergästebuch
Johann Hauser, Hase, 1971, Bleistift Johann Hauser, Hase, 1976, Bleistift
Johann Hauser, Hase, 1970, Bleistift, Farbstift Johann Hauser, Hase, 1977,
Bleistift, Farbstift Preis: 13% USt 13.560 €
DDr. Leo Navratil, Gründer des Gugginger Zentrums für
Kunst-Psychotherapie, war ein unermüdlicher Förderer
der heute als Vertreter der Art Brut weltberühmten
Künstler. Mit vielen verband ihn auch eine sehr
persönliche Beziehung. Davon zeugt sein „Gästebuch“
aus den 60er und 70er Jahren, dessen Ursprung ein
altes Kunstbuch war. In diesem einzigartigen und
authentischen Dokument verewigten sich zahlreiche
Gugginger Künstler wie Johann Hauser, August Walla,
Oswald Tschirtner oder Rudolf Limberger, aber auch
Zeitgenössische Künstler auf Besuch, wie Alfred
Hrdlicka, Franz Ringel oder Arnulf Rainer, die zu
Besuch kamen, hinterließen darin Zeichnungen, Texte
oder Widmungen. Einige zeichneten wiederholt und
immer wieder auf derselben Seite oft im Abstand von
mehreren Jahren hinein, wie etwa Johann Hauser bei
seinen „Hasen“. 1970 fand in der „Galerie nächst St.
Stephan“ die erste Ausstellung der Gugginger Künstler
statt, die ein großer Erfolg wurde. Viele Interessierte
kamen, Bilder wurden verkauft und Navratil begann
seine „Patienten-Künstler“ unermüdlich zu fördern.
Unter anderem begann er ein Kunstbuch mit
eingeklebten, farbigen Abbildungen als Zeichenvorlage
für die Künstler aus Gugging, wie etwa Johann Hauser
oder Oswald Tschirtner, zu verwenden. In Anlehnung
an die Ausstellung und den Katalog "Navratils Künstler-
Gästebuch.!", die im Jahre 2015 im Museum Gugging
stattfand, ist es bis 14. Februar 2018 auch in der
Galerie Gugging zu sehen. (Foto: Galerie Gugging)

KUNST.INVESTOR Galerie Gugging
Franz Kamlander, Frau, undatiert, Farbstift Erich Zittra, Hasen, undatiert, Bleistift, Farbstifte Rudolf Limberger,
Ohne Titel, undatiert, Farbstift Preis: 13% USt 8.700 €

KUNST.INVESTOR Galerie Gugging
August Walla, Guggingerbach, undatiert, Bleistift Preis: 13% USt 13.560 €

KUNST.INVESTOR Galerie Gugging
Ferdinand Kauer, Frau, undatiert, Wachskreide Rudolf Limberger, Ohne Titel, undatiert, Farbstift Preis: 13% USt 2.830 €

KUNST.INVESTOR Galerie Gugging
Johann Hauser, Frau, 1971, Bleistift Preis: 13% USt 28.250 €

KUNST.INVESTOR WestLicht
The Polaroid Project
© Ellen Carey, Pulls (CMY) 1997, Courtesy Jayne H. Baum Gallery, NYC,
NY and M+B Gallery, LA, CA / The Polaroid Collection
Polaroid! Die Marke ist längst zum universellen Mythos
geworden. Sie hat Gebrauchsweisen initiiert, die – ein
Blick auf Instagram genügt – die Alltagsfotografie noch
heute beeinflussen. An der Schnittstelle von Kunst und
Technologie zeigt die Ausstellung das Phänomen
Polaroid zum ersten Mal in seiner gesamten Breite.
Herausragende Künstlerinnen und Künstler – von Ansel
Adams bis Andy Warhol – haben im Medium der
Sofortbildfotografie neue Wege beschritten und die
Ästhetik einer Ära geprägt. Ihren einzigartigen Werken
stellt The Polaroid Project mit Kameramodellen,
Konzepten und Prototypen jene innovative Technik an
die Seite, die diese visuelle Revolution überhaupt erst
ermöglichte. Wien – dank der Initiative von Peter Coeln
seit 2010 die neue Heimat der International Polaroid
Collection – ist die erste Station der Ausstellung in
Europa. Präsentiert werden rund 200 Polaroids von
knapp 100 Fotografinnen und Fotografen, von den
Anfangstagen der Corporation bis heute, mit einem
Schwerpunkt auf der zweiten Hälfte des 20.
Jahrhunderts. Neben diesen Unikaten in den
charakteristischen Formaten – vom bekannten SX-70
Schnappschuss mit seinem weißen Rahmen (8,8x10,7
cm) bis zum faszinierend detailreichen 20x24 Inch
Großformat (50x60 cm) – demonstriert der Fokus auf
die Technik der Sofortbildfotografie, dass die Kreativität
von Unternehmensgründer Edwin Land und seinem
Team derjenigen der Kunstschaffenden in nichts
nachstand. Bevor die Firma in den 1990er-Jahren den
Anschluss an die digitale Entwicklung verpasste, war
Polaroid ein Synonym für visionäre Technologie,
vergleichbar nur mit dem Status von Apple zum Beginn
des neuen Jahrtausends. Nicht von ungefähr zählte
Steve Jobs zu den größten Bewunderern von Land und
seinen Erfindungen. Das Phänomen Polaroid ist, auch
als analoger und einzigartiger Gegenentwurf zur Masse
digitaler Bilder, gerade in der jüngeren Generation
populärer denn je. Eine Traditionsmarke wie Leica hat
erst kürzlich ihre erste Sofortbildkamera auf den Markt
gebracht. Und The Impossible Project, das nach der
Pleite von Polaroid das Sofortbildverfahren
wiederbelebte, firmiert – mit neuen Filmen und einer
neuen Kamera im Gepäck – inzwischen unter dem
legendären Namen in frischem Gewand: Polaroid
Originals.

KUNST.INVESTOR WestLicht
Auke Bergsma Woman Walking 1981 Polaroid SX-70 Time Zero © Auke Bergsma, Courtesy Fotosammlung OstLicht

KUNST.INVESTOR WestLicht
Polaroid selbst arbeitete von seiner Gründung an eng
mit Fotografinnen und Fotografen zusammen. Zu den
frühesten Beratern von Edwin Land gehörte kein
Geringerer als Ansel Adams, Übervater der
amerikanischen Landschaftsfotografie. Im sogenannten
Artist Support Program stellte die Corporation sowohl
arrivierten Größen als auch unbekannten Talenten der
Kunst- und Fotoszene Filmmaterial und Kameras zur
Verfügung und erhielt im Gegenzug nicht nur Feedback
zu ihren Produkten, sondern auch ausgewählte Werke
für die Sammlung. Für Künstlerinnen und Künstler
boten die Erfindungen aus dem Hause Land eine
Spielwiese, die sie auf ihre je eigene Art und Weise
nutzten und damit der Fotografie neue Impulse
verliehen. In den Arbeiten spiegeln sich die
unterschiedlichen künstlerischen Temperamente, aber
auch die Charakteristika von Material und Technik: Das
Studiosetting der massiven 20x24 Kamera lud zur
Inszenierung aufwendiger Stillleben und zu akribischen
Porträtsitzungen ein, der Objektcharakter der SX-70
Polaroids stiftete zu Collagen und Übermalungen an,
und das handliche 4x5 Format und der Polacolor Film
eigneten sich hervorragend für Ausschnitte aus dem
Alltag. Die sofortige Verfügbarkeit der Aufnahme –
obwohl nach heutigen, digitalen Maßstäben „sofort“ in
Zeiten von Polaroid ein durchaus dehnbarer Begriff war
– übte eine gewaltige Faszination auf Kunstschaffende
aus. Sie erlaubte etwa den spontanen Austausch mit
den Modellen und ein Höchstmaß an Kontrolle über
den Arbeitsprozess, der buchstäblich und direkt in den
eigenen Händen lag. Dieser Austausch zwischen der
Kunst und dem Unternehmen bildete die Grundlage der
spektakulären Polaroid Collection, mit Standorten in
Cambridge, USA, und Amsterdam. The Polaroid Project
vereint erstmals in einer Ausstellung den
amerikanischen mit dem europäischen Teil der
Sammlung, der sogenannten International Polaroid
Collection, die 2010, nach dem Bankrott der
Corporation durch den Einsatz von Peter Coeln und
WestLicht vor dem Ausverkauf gerettet werden konnte
und seitdem in Wien beheimatet ist. Mit zusätzlichen
Leihgaben von den Künstlern und Künstlerinnen selbst
und deren Nachlässen zeigt die Ausstellung auf den
internationalen Stationen ihrer Tournee das Phänomen
Polaroid an der Schnittstelle von Kunst und
Technologie erstmals in seiner gesamten Breite. Mit
Polaroids von Nobuyoshi Araki, Sibylle Bergemann,
Anna & Bernhard Blume, Guy Bourdin, Ellen Carey,
Helen Chadwick, Chuck Close, Marie Cosindas,
Barbara Crane, Philip- Lorca diCorcia, Joan
Fontcuberta, Toto Frima, Luigi Ghirri, Richard Hamilton,
Robert Heinecken, Gottfried Helnwein, Jan Hnizdo,
David Hockney, Barbara Kasten, David Levinthal, Ulrich
Mack, Robert Mapplethorpe, James Nitsch, Robert
Rauschenberg, Lucas Samaras, Fazal Sheikh, William
Wegman, Erwin Wurm u. v. a. The Polaroid Project ist
eine Koproduktion von WestLicht. Schauplatz für
Fotografie, Wien, mit OstLicht. Galerie für Fotografie,
Wien, dem MIT Museum, Cambridge, Massachusetts
und der Foundation for the Exhibition of Photography,
Minneapolis / New York / Paris / Lausanne; kuratiert
von Deborah G. Douglas, William A. Ewing, Barbara P.
Hitchcock, Rebekka Reuter und Gary Van Zante. [Foto:
WestLicht. Dauer bis 25 Februar 2018]

KUNST.INVESTOR WestLicht
Andy Warhol Andy Sneezing 1978 Polaroid SX-70 © The Andy Warhol Foundation for the Visual Arts Inc.
VBK Wien 2017, Courtesy Fotosammlung OstLicht

KUNST.INVESTOR WestLicht
Gottfried Helnwein Untitled 1987 Polaroid 20x24 Polacolor © DACS 2017, Courtesy Fotosammlung OstLicht

KUNST.INVESTOR WestLicht
Dennis Hopper Los Angeles, Back Alley 1987 Polaroid SX-70 © Dennis Hopper, Courtesy The Hopper Art Trust

KUNST.INVESTOR Kunstverein baden
… nothing left to lose …
Veronika Burger, Cornelia Mittendorfer, zweintopf
C.Mittendorfer ©
In Form re/konstruierter Filmsets und Bühnen bildet die
räumliche Inszenierung für die Grundlage Veronika
Burgers künstlerischen Arbeit. Analysiert wird in
Fotografien, Performances und Video-Installation das
Spannungsverhältnis zwischen Schein und Wirklichkeit,
zwischen filmischer Fiktion und Realität. Die
Instrumente filmischer und historischer Inszenierung
werden in Burgers künstlerischen Arbeit neu in Szene
gesetzt. Indem sie das Augenmerk auf die OFF-
Momente künstlerischer Produktion legt, werden
Arbeits- und Produktionsbedingungen sichtbar. Hierfür
rücken Berufsgruppen, die mit und an die Filmindustrie
gekoppelt sind, in den Mittelpunkt. Die Einschreibung in
maßgebliche Kunstinstitutionen des 20./21.
Jahrhunderts sowie die Konstruktion von Karriere und
Ruhm und die Herstellung von (Fake-) Dokumenten,
wie Ausstellungsplakaten, Fanposter, Einladungskarten
und die Inszenierung von Aus-stellungsaufbauten und
Bühnenräumen, sind wesent-liche Bestandteile meiner
künstlerischen Praxis. Unter verschiedenen
Autor_innenschaften kreiert die Künstlerin Platzhalter
für Positionen, die in der hegemonischen
Kunstgeschichtsschreibung unsichtbar bleiben, und
zelebriert eine Do-It-Yourself Kunsthistorie als
künstlerisches Modell, das frei zur Kopie und
Aneignung aufruft. Der Lebenslauf an sich wird zur
Performancebühne: eine kontinuierliche Baustelle der
Selbstoptimierung, welche die kulturell-ökonomischen
Bereiche von Film und Performancekunst genauer
untersucht. Im Mittelpunkt Veronika Burgers Arbeit
steht das Performative, mit oder ohne physischer
Anwesenheit des eigenen Körpers. Ihre performative
Praxis arbeitet medienübergreifend mit Video,
Performance, Skulptur, Fotografie und Installation.
Stets ist sie Startpunkt für Reflexion und Herangehensweise
an das spezifische Medium.
Cornelia Mittendorfers Arbeiten kreisen um die Themen
Wahrnehmung, Fremdheit, Lebensspuren, Erinnerung.
In den Bereichen Lebensspuren und Erinnerung
arbeitet sie mit teilweise lang angelegten Recherchen.
Der interdisziplinäre Ansatz mancher Arbeiten
entspringt ihrem Bestreben, Kunst mit dem „wirklichen“
Leben in Verbindung zu bringen. Nichts ist so
aufregend wie das Leben selbst. Bei dieser Form von
research-based-art soll der Blick nicht nur
zurückwendet und die Konstruktion von Erinnerung
abgehandelt werden. Ein wichtiges Element ist ihr,
dabei die Verbindung zur Gegenwart (wieder)herzustellen.
Sie glaubt, dass das Verflechten von
verschiedenen Bedeutungen und zeitlichen Ebenen
den Prozess des Erinnerns erweitert.

KUNST.INVESTOR Kunstverein baden
„zweintopf“ Projektbild © Veronika Burger, Video Still aus 'songs of fortune', 2015
Erinnerung allein betrifft nur die Vergangenheit.
Cornelia Mittendorfer will eine Bedingung für ein
konstantes Hin- und Herpendeln zwischen
Vergangenheit und Gegenwart schaffen. Wie der
Philosoph Karl Jaspers sagte: “Wir sind, was wir
erinnern”. Sicher beeinflusste der frühe Tod der Mutter
der Künstlerin ihre Entscheidungen sehr. Die
Vergangenheit mit der Gegenwart auszusöhnen könnte
in gewisser Weise ein Weg sein, den Tod zu
bewältigen. Es kommt Cornelia Mittendorfer auf die
Gleichrangigkeit unterschiedlicher Methoden an beim
Versuch, das Phänomen Leben zu erfassen: nur so
können wir uns in unserer komplexen Verfasstheit, der
„condition humaine“ begreifen. Deshalb arbeitet sie mit
unterschiedlichen Medien und unterschiedlichen
Ansätzen. Das hat auch seinen Grund in eigener
Erfahrung mit einer anderen Disziplin, der
Rechtwissenschaft. Auch diese anderen Disziplinen
schauen auf den gleichen Untersuchungsgegenstand:
das Leben, wenn auch mit unterschiedlichen Methoden.
In zweintopfs neokonzeptueller Kunst hilft ihm (dem
Glück) aber wieder das Reale auf die Sprünge. Aus der
Rolle des unreinen Konterparts einer vorab geklärten
Idee entlassen, steht das auf volle Lautstärke gedrehte
Umgebungsgeräusch in Konfrontation zur konkreten
Äußerung einer Idee. Es gackert, bellt und wiehert.
Gerade weil das Reale wieder bleiben darf, wie und
was es ist, eröffnet es seinem Verstehen – zumindest
für den Moment eines rasch heilenden Eingriffs – neue
Perspektiven. Und auch die alte Werkmächtigkeit kehrt
in ironisierter Form zurück. Als wollte sie nur vorläufig
und probehalber in Erscheinung treten, arbeitet sie sich
an vorgefertigter Massenware ab, verdreht deren
ursprünglichen Pläne. zweintopfs Würfel setzen sich
nicht mehr aus minimalistisch weißen, stabilen und
jedenfalls scharfkantigen Stücken zusammen, bevor sie
Flora und Fauna übergeben werden, als Monumente
wehmütiger Formelhaftigkeit und eigener Unzlänglichkeit.
Geometrisch komplexere Gebilde
formieren sich aus Partyzeltstangen und werden, bei
aller Fragilität, einer feindseligen Welt ausgesetzt, bis
zur völligen Erschöpfung, wenn sie nicht gar das weit
edlere, beständigere Material der Werkübermacht Il
Divinos immediatamente zu spüren bekommen. Die
Wiedergewinnung menschlicher Werkmächtigkeit durch
zweintopf ist eine ironische Reprise bürgerlicher
Tugend, zeugt Ausdrucksformen, an die sich das alte
Glücksversprechen nicht mehr so einfach hängen kann.
Interventionistische Logik und Billigmaterial machen es
temporär. In seiner stets präzise komponierten und
obendrein poetischen Dokumentation erfährt es aber
eine nostalgisch anmutende Reminiszenz. [Kunstverein
Baden, Dauer bis 21. Jänner 2018- Foto© ]

KUNST.INVESTOR Belvedere
Aleah Chapin, The Last Droplets Of The Day, 2015. Foto: Martin Url
© Aleah Chapin, Courtesy of Flowers Gallery London and New York, Sammlung Klöcker, Bad Homburg v. d. Höhe.
Die Kraft des Alters
Kein Lebensabschnitt ist in unserer Gesellschaft mit
derart kontroversiellen Zuschreibungen besetzt wie
das Alter. Während einerseits die Werbeindustrie
neue verheißungsvolle Begriffe wie Woopies, Best
Agers oder Medioren für die anwachsende
Käuferschicht jenseits der 65 findet, sind Personen
schon ab 50 auf dem Arbeitsmarkt nicht mehr
vermittelbar. Die Filmindustrie zeigt uns rüstige
Junggebliebene, die Kosmetikindustrie unterstützt den
vorherrschenden Jugendkult mit unzähligen Anti-
Aging-Produkten. Künstlerinnen und Künstler haben in
diesem Diskurs rund um das Alter oft Gegenentwürfe
zum gängigen Modell. In Die Kraft des Alters werden
zahlreiche historische und aktuelle künstlerische
Zugänge rund um das Thema Alter gezeigt. Bis 4.
März 2018 ist im Unteren Belvedere die erste
medienübergreifende Ausstellung zu dieser
hochaktuellen Thematik zu sehen. Stella Rollig,
Generaldirektorin des Belvedere: „Es ist eine der
großen Fragen unserer Zeit, wie wir mit dem
Älterwerden umgehen, zumal die Lebenserwartung
deutlich zunimmt. Statt Wertschätzung für das Alter
besteht reale Diskriminierung und Ausgrenzung. Die
Ausstellung im Belvedere zeigt Bilder des Alters, die
Stärke, Schönheit und Freude vermitteln: die Kraft der
späten Jahre.“ Man müsse schon sehr lange leben, „um
jung zu werden”, meinte Pablo Picasso, der in seinen
letzten beiden Lebensjahren an die 200 Werke schuf
und mit 91 Jahren starb. Picasso ist nur einer von 105
Künstlerinnen und Künstlern, deren insgesamt 174
Werke in der aktuellen Ausstellung des Belvedere zu
sehen sind. Sie alle stellen sich den drängenden
Fragen, die das Alter(n) in unserer Gesellschaft
aufwirft. Denn Alter ist nicht nur ein biologischer
Prozess, sondern auch eine kulturelle Konstruktion. Es
wird gegenwärtig nicht als natürlicher
Lebensabschnitt wie Kindheit, Jugend und
Erwachsenenalter erfasst. Begriffe wie „Anti-Aging“
beschreiben das Altern als etwas Pathologisches, das
therapiert werden muss. In unserem aktuell
vorherrschenden, defizitären Altersmodell werden alte
Menschen weitgehend marginalisiert. Dabei trifft das
„Doing-aging“ Frauen ungleich härter als Männer.

KUNST.INVESTOR Belvedere
Joyce Tenneson, Christine Lee, 2002 - © Joyce Tenneson

KUNST.INVESTOR Belvedere
Maria Lassnig, Schmetterling, 1975, Eigentum der Artothek des Bundes, Dauerleihgabe im Belvedere, Wien, © Maria Lassnig Stiftung

KUNST.INVESTOR Belvedere
Alex Katz, Red Sweater, 1999, Sammlung Klöcker, Bad Homburg v.d.Höhe, Foto: Martin Url/© Bildrecht, Wien, 2017
Gemäß einem seit Jahrhunderten gültigen
Schönheitsideal werden sie immer noch vorrangig
nach ihrer Jugendlichkeit beurteilt, schneller als alt
wahrgenommen und früher aus der öffentlichen
Wahrnehmung gefiltert. Kuratorin Sabine Fellner stellt
die Frage: „Braucht unsere Gesellschaft Nachhilfe
darin, wie man den letzten Lebensabschnitt bewältigt,
und wenn ja, warum? Fehlen etwa die richtigen Leitund
Vorbilder? Hat die Kunst neue, „Alter-native“
Entwürfe anzubieten?“ Die Zukunftsforschung
entwickelt längst eine neue Sicht auf das Alter. Statt die
„Vergreisung“ der Gesellschaft zu beklagen, fordert
sie eine Neudefinition der Lebensphasen und eine
„Altersbejahung“, die die Vorteile der zunehmenden
Lebenserwartung aufzeigt. Ebenso haben
Kunstschaffende eine alternative Sicht auf den letzten
Lebensabschnitt und illustrieren, dass Alter tatsächlich
auch für Erfahrung, Lebensweisheit, Macht,
Kontemplation, Würde, Lebenslust, Triumph über
gesellschaftliche Konventionen und Produktivität
steht. So entwickelte Maria Lassnig ihre Malerei bis zu
ihrem Tod im Alter von 95 Jahren beständig weiter und
Künstler_innen wie Arnulf Rainer, Daniel Spoerri, Joan
Semmel oder Margot Pilz sind jenseits der Achtzig
ungebrochen produktiv. In der vorliegenden
Ausstellung werden überlieferte Traditionen der
Darstellung auf Geschlechterrollen und
Rollenzuweisungen überprüft. Gegenwärtige Diskurse
werden spezifischen Bildern des Alter(n)s der letzten
rund hundert Jahre gegenübergestellt. Anhand von
sechs Themenkomplexen – Ewige Jugend/stolzes
Alter, Vergänglichkeit, Einsamkeit/Verbundenheit, neue
Freiheit, Muße und Erinnerung – werden neue
Perspektiven auf das Alter gezeigt. Jenseits von
Altersverklärung und Alterspessimismus gelingt es
Künstler_innen, Chancen wie auch Grenzen des
Alterns realistisch differenziert wahrzunehmen, und
jene Qualitäten herauszufiltern, die speziell das Alter
besitzt. Mittels unterschiedlicher künstlerischer Medien
veranschaulichen sie kritisch, einfühlsam, aber auch mit
Ironie, Witz und Humor, wie das Alter in all seinen
Facetten auf wertschätzende Weise in unser Leben
integriert und wie Solidarität und Verbundenheit
zwischen den Generationen gelebt werden kann. Die
mit internationalen Positionen zusammengestellte
Schau präsentiert neben zahlreichen Werken aus der
eigenen Belvedere Sammlung hochkarätige Leihgaben
aus in- und ausländischen Museen und Sammlungen.
(Foto: Belvedere)

KUNST.INVESTOR Belvedere
Eric Fischl, Frailty is a Moment of Self Reflection, 1996- © Eric Fischl, Foto: © Dorothy Zeidman

KUNST.INVESTOR Belvedere
Heidi Harsieber, x-ray, 2001 - © Bildrecht, Wien, 2017

KUNST.INVESTOR Kunsthalle Wien
FAQ, Le Dictateur, 2016, Foto: Kunsthalle Wien 2017
Publishing as an Artistic
Toolbox: 1989–2017
Offprint London in der Tate Modern, La Art Book Fair im
MOCA in Los Angeles, Editionale in Köln, MIA Miami
international Art Fair, NY Art Book Fair – in den letzten
Jahren haben internationale Kunstbuchmessen
genauso zugenommen wie die Kunstbuch-
Sammlungen in den Museen zeitgenössischer Kunst.
Inspiriert davon und als Gegenposition zur
allgegenwärtigen Digitalisierung, zu eBooks und
eReadern, widmet die Kunsthalle Wien dem Kunstbuch
bzw. von Künstler/innen herausgegebenen und
gestalteten Zeitschriften eine umfangreiche
Ausstellung. Welche Rolle spielen Kunstbücher heute?
Wie haben sich Künstler/innen das Publizieren für ihre
spezifische Praxis zu eigen gemacht? Und wie hat sich
die Wahrnehmung von Kunstbüchern verändert? Das
Ausstellungsprojekt Publishing as an Artistic Toolbox:
1989–2017 zielt darauf ab, die Potenziale des
Publizierens – in Form von Büchern, Zeitschriften,
Journalen, künstlerischen Interventionen oder Websites
– als Medium und Kontext zu erforschen, in dem
Information distribuiert und Kunst produziert wird. Seit
den 1960er Jahren ist das Veröffentlichen von Büchern
zu einem beliebten künstlerischen Experimentierfeld
geworden. Es hat sich zudem als alternativer Raum
eines uneingeschränkten individuellen oder kollektiven
Diskurses etabliert. Statt das Augenmerk auf die bereits
historisierte und erforschte Periode der 1960er und
1970er Jahre zu richten, vermittelt die Ausstellung, wie
eine junge Generation von Künstler/innen das Verlegen
als produktives Werkzeug in ihre eigene Praxis
integriert. Der Schwerpunkt liegt auf der Zeit von 1989
bis 2017, wobei 1989 als symbolisches Datum
verstanden wird, das die Umstellung vom Analogen
zum Digitalen markiert, gilt 1989 doch als das
Geburtsjahr des World Wide Web. Auf politischer
Ebene wird die Zäsur durch den Fall der Berliner Mauer
markiert.

KUNST.INVESTOR Kunsthalle Wien
Le Dictateur, 2006/2016, Foto: Kunsthalle Wien 2017
West Studio, Foto: Nathan Murell - Foto: Kunsthalle Wien 2017

KUNST.INVESTOR Kunsthalle Wien
Publishing as an Artistic Toolbox: 1989–2017 entfaltet
sich in einem Zusammenspiel von elf verschiedenen
Sektionen, die sich sowohl im Ausstellen materieller
Exponate als auch in einem Off-Site-Projekt und einer
Vielzahl von Veranstaltungen manifestieren: So wurden
für einen Bereich der Ausstellung Künstler/innen, in
deren Werk das Publizieren eine bedeutende Rolle
spielt, eingeladen, Titel zu nennen, die ihre
Wahrnehmung von Büchern sowie ihre künstlerische
Praxis beeinflusst haben. In den Erklärungen zur
jeweiligen Auswahl finden sich so intime Passagen wie
die von Michael Dean, der über das Collins Mini Gem
English Dictionary von 1989, das als Promo-Giveaway
Waschpulverboxen beigelegt war, meinte: „Ganze
Nachmittage verbrachte ich damit, an den Seifenduftgeschwängerten
Seiten zu schnüffeln … dieses
Lexikon war das einzige Stück Literatur, das ich in die
Finger kriegen konnte. Eine ganze Scheiß-Ewigkeit
lang.“ Martin Beck wiederum führt Die Passion nach
G.H. (aus Clarice Lispector, The Complete Stories, New
Directions, New York 2015) an und erklärt „…
verwirrend und auf seltsame Weise faszinierend –
tatsächlich berauschend. Ich markierte Phrasen, Sätze
und Passagen und verwendete einen Auszug in einem
zeitschriftenartigen Kunstwerk, an dem ich damals
arbeitete.“
Und Nathalie Du Pasquier hebt in allen genannten
Publikationen die Parallelen bzw. spannenden
Abweichungen zwischen dem Präsentieren von Kunst
im Ausstellungsraum und zwischen zwei Buchdeckeln
hervor. Die Bibliothek als Medium sowie als Porträt
einer Persönlichkeit wird in einer kleinen, temporär
zugänglichen Satelliten-Ausstellung thematisiert: Franz
West hatte seine Bibliothek im Wiener Studio in selbst
gebauten Regalen untergebracht. Die dort
gesammelten Bücher dienten in vielen Fällen auch als
Notizbücher. Für die Ausstellung wurde eine Gruppe
von Künstler/innen eingeladen, eines dieser Bücher zu
wählen und – ganz im West‘schen Sinne – diesem eine
künstlerische Intervention hinzuzufügen. Ein vom
Sammler/Verleger Gregorio Magnani kuratierter
Buchladen ist ebenso Teil der Ausstellung wie eine vom
Kunstbuch-Sammler Christoph Schifferli ko-kuratierte
Sektion, die sich der Geschichte künstlerischer
Interventionen in Zeitschriften und Zeitungen widmet.
Denn neben dem Kunstbuch sind auch die von
Künstler/innen herausgegebenen Zeitschriften für das
Thema relevant. Hat doch die Zeitschrift als wichtiges
Instrumentarium künstlerischer Produktion bereits eine
lange Tradition. Die Autorin und Journalistin Filipa
Ramos lädt vor Ort zur Diskussion mit Verleger/ innen
von Zeitschriften, die ihren Arbeitsbereich auf das
Verlegen von Büchern erweitert haben. In einem
separaten Bereich der Ausstellung stellt Filipa Ramos
Projekte vor, die zwischen Druck und Digitalität
oszillieren und Mischformen zwischen Kunstbuch und
kuratorischem Experiment darstellen. Publishing as an
Artistic Toolbox: 1989–2017 verwandelt den
Ausstellungsraum nicht in eine Bibliothek, einen
Lesesaal oder eine begehbare Enzyklopädie, sondern
versteht sich als räumlicher Index, der die
Besucher/innen einlädt, die ausgestellten Materialien in
der Ausstellung zu erleben. [Kunsthalle Wien. Dauer:
8.11 - 28/1 2018]

KUNST.INVESTOR Kunsthalle Wien
THE THING Quarterly Issue 24, 2014, Foto: Kunsthalle Wien 2017
THE THING Quarterly Issue 28, 2015, Foto: Kunsthalle Wien 2017

KUNST.INVESTOR Kunsthalle Wien
Florian Hecker
Halluzination, Perspektive, Synthese
© Foto: J. Phipps
Florian Hecker ist Künstler, der mit synthetischen
Sounds akustische Erfahrungsräume schafft und den
Hörprozess des Betrachters als Material einsetzt. Seine
computergenerierten, räumlichen Kompositionen
dramatisieren Fragestellungen der Psychoakustik,
objektiv-physikalischer Reize und deren individueller,
psychischer wie physischer Wirkung. Mehr-Kanal-
Installationen entfalten eine skulpturale Präsenz, die die
Vorstellung einer kohärenten, kontinuierlichen Welt aus
identifizierbaren Koordinaten und Bezugspunkten ins
Wanken geraten lässt. Der Ausstellungsraum der
Kunsthalle Wien präsentiert sich im Rahmen von
Halluzination, Perspektive, Synthese als pointiert
ausgeleuchtete, auf ihre Architektur reduzierte Halle.
Sie ist Aufführungsort, Resonanzraum und Bühne für
Klangereignisse, die sich einer sprachlichen Beschreibung
und Kategorisierung entziehen. Größten
Raum nimmt Resynthese FAVN ein, eine umfangreiche
Weiterentwicklung von FAVN, das 2016 in der Alten
Oper in Frankfurt präsentiert wurde. FAVN, eine
Abstraktion zum Komplex der Psychophysik des späten
19. Jahrhunderts sowie Debussys Prélude à l’aprèsmidi
d’un faune, das seinerseits eine musikalische
Auseinandersetzung mit Stéphane Mallarmés Gedicht
L’après-midi d’un faune ist, bilden die Ausgangssituation
zu Resynthese FAVN. Resynthese FAVN ist
das Resultat einer minutiösen, computergesteuerten
Analyse, Umformung und anschließenden Resynthese
von Heckers ursprünglicher Arbeit. Bereits Mallarmés
Dichtung, aber auch Debussys Komposition spüren der
unscharfen Grenze von Realität und Imagination,
sensorischer Empfindung und halluziniertem Ereignis
nach. Resynthese FAVN schreibt diese Ambivalenz fort
und zwingt die Hörer/innen über einen algorithmisch
gesteuerten Prozess der Klangerzeugung zu einer
Auseinandersetzung mit der eigenen Wahrnehmung
akustischer Realität. Während der Ausstellung sind im
Laufe eines jeden Tages acht verschiedene Versionen
zu hören – graduelle, sich immer mehr kristallisierende
Ausführungen der Arbeit. Signifikant ist die
konzeptuelle Zuspitzung der von Debussy verdichteten
Tendenzen des ausgehenden 19. Jahrhunderts:
Quantifizierung der Sinne, pointierter Einsatz von
Timbre und Klangfarbe. Inmitten einer reduzierten
Bühnensituation präsentiert sich der komplexe Sound
als etwas, das sich auf keine bekannte Quelle
zurückführen lässt. Letztlich realisiert unsere auditive
Wahrnehmung die Klänge als sensorische Objekte mit
unterschiedlicher Verortung. Damit problematisiert
Resynthese FAVN auch den Begriff einer singulären
oder in sich geschlossenen Perzeption. Ähnlich verhält
es sich in zwei weiteren Arbeiten, die in kleineren
Räumen präsentiert werden. Affordance (2013)
widersetzt sich mit seinen ansteigenden Arpeggios,
verzerrten Glissandos, gänzlich statischen Tönen und
Eruptionen von Noise jeder Erwartung, die aus dem
zuvor Gehörten resultiert. Es basiert in seiner
vollständig synthetischen Qualität buchstäblich auf „unerhörten“
Sounds und begründet damit eine
musikalische Ontologie, die kein Hörprozess vollständig
erkunden kann. Auch bei dem zweiten, für
Halluzination, Perspektive, Synthese entstandenen und
auf einem hoch formalisierten Stimmsystem
basierenden Werk steht die Frage, welche Intensitäten
bestimmte akustische Verhältnisskalen bei dem sie
empfangenden Zuhörer auslösen, im Zentrum.
[Kunsthalle Wien. Dauer von 17. November 2017 bis
14. Jänner 2018 - Foto © Kunsthalle Wien]

KUNST.INVESTOR Kunsthalle Wien
Florian Hecker, 3 Channel Chronics (Performance), Push & Pull, Mumok, Wien, 12. Oktober 2010,
Processed Performance Still, Original Photography © Manuel Gorkiewicz, 2010
Florian Hecker, FAVN Alte Oper Frankfurt, Foto: © Alte Oper Frankfurt, Norbert Miguletz, 2016,
Copyright der Künstler, Courtesy Sadie Coles HQ, London

UNST.INVESTOR Albertina
Raffael
Porträt des Bindo Altoviti, ca. 1514-1515, Öl auf Holz
Raffael bildet mit Leonardo da Vinci und Michelangelo
das große Dreigestirn der Renaissance. Mit seinen
weltberühmten Zeichnungen zählt der jung verstorbene
Meister darüber hinaus zu den größten Zeichnern der
Kunstgeschichte. In diesem Herbst würdigt die
Albertina Raffael mit 150 Gemälden und Zeichnungen
eine groß angelegte Ausstellung. Ausgehend von den
bedeutenden Beständen der Albertina und ergänzt um
die schönsten und wichtigsten Zeichnungen
bedeutender Museen wie den Uffizien, der Royal
Collection der britischen Königin, dem British Museum,
dem Louvre, den Vatikanischen Museen und dem
Ashmolean Museum in Oxford stellt die monografische
Schau das Denken und die Konzeption Raffaels ins
Zentrum: Sie reicht von den ersten spontanen
Ideenskizzen, virtuose Detailstudien, über Kompositionsstudien
bis zu den ausgeführten Gemälden. Ob
als Maler und Architekt in Florenz und Rom oder im
Auftrag von Päpsten und Fürsten – Raffael ist ein
wahres Universalgenie der Hochrenaissance, stets auf
der Suche nach dem Equilibrium zwischen Naturnachahmung
und Idealität. Die Ausstellung zeigt mit
rund 130 Zeichnungen und 18 Gemälden sämtliche
bedeutende Projekte des Künstlers: Von der frühen
umbrischen Periode (bis 1504) über die Jahre des
Florenz-Aufenthaltes (1504/1505–1508) bis hin zur
römischen Zeit (1508/1509–1520) sind beeindruckende
Werke aus allen Schaffensphasen zu sehen.
Doch nicht nur Raffael steht diesen Herbst in der
Albertina im Fokus, auch einem der größten
niederländischen Künstler des 16. Jahrhunderts ist
parallel eine umfangreiche Ausstellung gewidmet:
Pieter Bruegel. Mit zwei großen Meistern der
Kunstgeschichte stehen sich zwei völlig verschiedene
Weltbilder gegenüber. Die Albertina bietet die
Gelegenheit, den ästhetischen Idealismus Raffaels mit
dem schonungslosen Realismus des Moralisten zu
erleben. [Albertina. Dauer bis 7. Jänner 2018]
Foto © Albertina

KUNST.INVESTOR Albertina
Raffael, Madonna dell’Impannata, 1511, Öl auf Holz
© Galleria Palatina, Palazzo Pitti, Uffizi, Florenz: Opificio delle Pietre Dure, Florenz

KUNST.INVESTOR MAK
Thomas Bayrle
Wenn etwas zu lang ist –
mach es länger
MAK-Ausstellungsansicht, 2017, Foto: © MAK/Georg Mayer
Überdimensional! Eine aus unzähligen iPhones
bestehende „Superform“ – iPhone meets Japan (2017)
– in der MAK-Säulenhalle ist die zentrale Arbeit und
zugleich der Auftakt der ersten in Österreich gezeigten
institutionellen Einzelausstellung des deutschen
Zeichners, Grafikers, Malers und Bildhauers Thomas
Bayrle (* 1937), der am 7. November 2017 seinen 80.
Geburtstag feiert. Unter dem Titel Wenn etwas zu lang
ist – mach es länger, nach einem Zitat des Architekten
Eero Saarinen (1910–1961), entwickelt Bayrle, der sich
mit zeitaktuellen Medien auseinandersetzt, eine
Erzählung zur Interaktion zwischen Kommunikationsdesign,
Individuum und Gesellschaft. Im Rahmen der
Ausstellung beleuchtet Bayrle die MAK-Sammlung am
Beispiel von Objekten, die die konzeptuelle
Vorbildersammlung der 1863 als k. k. Österreichisches
Museum für Kunst und Industrie gegründeten Institution
prägen. Mit grafischen, skulpturalen, malerischen,
textilen wie installativen Arbeiten verwebt er mehrere
Räume – MAK-Säulenhalle, MAK DESIGN LABOR,
MAK GALERIE und MAK- Schausammlung
Gegenwartskunst – zur Projektionsfläche für seine
Interpretation von „Social Fabric“, soziale
Verflechtungen, die er an die Kunst des Webens
anlehnt. Weben, Vernetzen, Wiederholungen und das
Prinzip des Seriellen sind bestimmende Momente in
Bayrles Œuvre. Vor seinem Studium der Gebrauchsund
Druckgrafik selbst zum Musterzeichner und Weber
ausgebildet, überträgt er die Faszination für
Maschinelles konsequent in seine künstlerische
Produktion. Mit Metaphern des Fär- bens, Webens und
Programmierens untersucht er die Ambivalenz von
Kunst, Hand- werk, Industrie und lässt
kaleidoskopartige Formen – Ornamente der Masse
entstehen. Beeinflusst von Op-Art (Victor Vasarely,
1906–1997) und Pop-Art (Andy Warhol, 1928–1987),
verband Bayrle als einer der Ersten manuelle
Techniken mit computergenerierter Kunst des digitalen
Zeitalters. Themen für seine Grafiken, Fotografien,
Collagen und Objekte bezieht er aus der All- tagskultur
und politischen Kontexten. Seine legendären
„Superformen“ – Collagen aus einer unendlichen
Anzahl von Miniaturbildern – ergeben im
Zusammenspiel ihrer Einzelteile einen Mikro- und
Makrokosmos. Durch die Vervielfältigung von „Zellen“,
Bildern und ornamentalen Formen analoger wie
digitaler Dimension können seine Arbeiten als
Statements zu Masse und Massenproduktion gelesen
werden, so der Künstler. Mit Bayrles Projekt wird das
MAK zum Schauplatz einer neu aufgenommenen
Interaktion zwischen Kunst und Handwerk, KünstlerIn
und WeberIn. (Foto © MAK)

KUNST.INVESTOR MAK
MAK-Ausstellungsansicht, 2017, Foto: © MAK/Georg Mayer
MAK-Ausstellungsansicht, 2017, Foto: © MAK/Georg Mayer

KUNST.INVESTOR MAK
Grafik: Benjamin Buchegger, Atelier: Beton Mai Frische, Auftraggeber: Hochschule für Grafik und Buchkunst Leipzig
Druck: Onlineprinters GmbH, Neustadt a. d. Aisch, Drucktechnik: Offsetdruck Österreich, © Benjamin Buchegger/100 Beste Plakate e. V.

KUNST.INVESTOR MAK
Grafik: Cybu Richli, Atelier: C2F, Echo Orgelfestival 2016 (aus einer Serie von zwei Plakaten), Auftraggeber: ECHO-Orgelfestival, Luzern
Druck: DRUCKLABOR AG, Wettingen, Drucktechnik: Digitaldruck Schweiz, © C2F/100 Beste Plakate e. V.
100 BESTE PLAKATE 16
Deutschland-Österreich-Schweiz
Zeitgenössisches Plakatdesign hat deutlich mehr zu
bieten, als Inhalte publikumswirksam für öffentliche
Werbeflächen zu illustrieren. Wie avanciert
konsumentenorientierte Gestaltung aussehen kann und
wie viel Spielraum für subtilen Humor und versteckte
Kritik grafische Umsetzungen am Plakat bieten,
stellt100 BESTE PLAKATE 16. Deutschland Österreich
Schweiz auch 2017 unter Beweis. Mit der Ausstellung
des beliebten Grafikdesignwettbewerbs, der heuer mit 2
116 Plakaten von 632 EinreicherInnen einen
Beteiligungs-Rekord verzeichnet, liefert das MAK
wieder einen Querschnitt der aktuellen Trends und
Codes des Grafikdesigns Hundert heterogene Sujets
und EinreicherInnen – vom studentischen Projekt bis
zur Auftragsarbeit etablierter GrafikdesignerInnen und
Agenturen – stehen sich als gleichwertige Gewinner
gegenüber. Die von einer international renommierten
Fachjury prämierten Plakate und Plakatserien gehen
auch heuer als Neuzugänge in die MAK-Sammlung ein.
Nach Ländern gliedern sich die Gewinner in 52 Projekte
aus der Schweiz, 46 aus Deutschland und – trotz
abermaliger Steigerung der EinreicherInnen – nur zwei
aus Österreich. Juryvorsitzender Alain Le Quernec
resümiert: „Die Talente, die eine neue Ästhetik
durchsetzen, indem sie Jahr um Jahr wieder
ausgewählt werden, entwickeln sich ihrerseits zu
Vertretern einer neuen Form der Klassik. Neue Trends
kennen keine Grenzen, jede Generation schuldet es
sich selbst, die Normen der Vorgängergeneration zu
sprengen, neue Codes zu erfinden, sich mit dem Bruch
zu identifizieren – selbst wenn diese Revolutionen mit
Abstand betrachtet letztlich nur Entwicklungen sind.“
Die Palette der hundert prämierten Projekte reicht von
vorrangiger Produktwerbung bis zur Affiche mit
pointiertem Witz oder politischem Hintergrund. Teils
überraschen unkonventionelle grafische
Lösungsansätze mit ihrer Interpretation klassischer
Sujets. Bildflächen werden zu Crossovers, in denen
historische Bildwelten zitiert, neu interpretiert und somit
erlebbar gemacht werden.

KUNST.INVESTOR MAK
Grafik: Wolfgang Ortner, Thomas Steiner, Sarah Oos, Atelier: OrtnerSchinko, Daedelus, The Future Sound (Serie von zwei Plakaten)
Auftraggeber: Kulturverein Stadtwerkstatt, Linz, Druck: Onlineprinters GmbH, Neustadt a. d. Aisch Österreich
© OrtnerSchinko/100 Beste Plakate e. V.

KUNST.INVESTOR MAK
Grafik: Vinzent Britz, "Brexit", Auftraggeber: Eigenauftrag, Druck: Centralstation Druck + Kopie GmbH, Berlin
Drucktechnik: Digitaldruck, Deutschland, © Vinzent Britz/100 Beste Plakate e. V.
Neben der großen stilistischen Vielfalt, die die
Ausstellung auch dieses Jahr wieder charakterisiert,
sind heuer einige GewinnerInnen zu verzeichnen, die
mit ihren hochqualitativen Einreichungen an Erfolge der
Vorjahre anknüpfen konnten. Unter den beiden
Siegerprojekten aus Österreich findet sich ein im
Wettbewerb schon bekanntes Gesicht: bereits zum
dritten Mal konnte Benjamin Buchegger vom Atelier
Beton (Wien, Salzburg, Leipzig) die Fachjury
überzeugen. Buchegger, der an der Hochschule für
Grafik und Buchkunst in Leipzig studiert, hat für sein
Plakat Mai Frische – getreu dem titelgebenden Motto –
eine erfrischend bunte Farbgestaltung gewählt. Die
dabei verwendeten kontrastierenden Farben der
Typografie – Gelb, Blau und Rot – überschneiden sich
und verlaufen ineinander. Ein alternatives Motto für
dieses Plakat könnte daher auch „Vorsicht, frisch
gestrichen!“ lauten. Das Linzer Studio OrtnerSchinko
hat mit seinen Plakaten für den Kulturverein
Stadtwerkstatt eine Serie von zwei
Konzertankündigungen für The Future Sound
geschaffen. Die beiden in Schwarz und Weiß
gehaltenen Plakate erinnern in ihrer Aufmachung an die
Covergestaltung von Magazinen. Der Name des Top
Acts des Abends wird durch Silbentrennung
beziehungsweise Silbenvertauschung typografisch so
gesetzt, dass der Schriftzug gegen unsere
Lesegewohnheit erscheint. Beinahe zu einer Tradition
geworden sind die in den letzten Jahren mehrmals
prämierten Plakate der – laut Eigendefinition –
„hochkreativen Denkzellen“ Rocket & Wink für die
Getränkemarke fritz-kola. Der cartoonhafte Witz ihrer
Plakate ist irritierend, aber dennoch allgemein
verständlich. Ihr in kindlicher Manier gesetzter Duktus
ist mit subtilem Humor durchsetzt, Produkt und
Zielgruppe finden sich in harmonischem Einklang. Dass
ein politisch motiviertes Plakat kaum Gestaltungsmittel
benötigt, stellt das Plakat Brexit von Vinzent Britz unter
Beweis. Er stellt die Farbe Blau, die an die EU-Flagge
erinnert, aus der britischen Flagge einfach frei und gibt
somit ein eindeutiges politisch motiviertes Statement
ab, das leicht dechiffriert werden kann. Im Rahmen
einer Ausstellungstournee wird die Schau an insgesamt
sieben Orten in Deutschland, Österreich und der
Schweiz gezeigt. [MAK. Ausstellungsdauer: 18.
Oktober 2017 – 25. Februar 2018 – Foto © MAK]

KUNST.INVESTOR Genusskunst

KUNST.INVESTOR Genusskunst
Julius Meinl am Graben
Genuss auf allen Ebenen - Speisen vom Feinsten
bei Julius Meinl am Graben
Genuss ist in erster Linie eine Lebenseinstellung, die
vor allem die unabdingbare Bereitschaft dazu und
natürlich auch die entsprechende Muße erfordert – dies
verkörpert Julius Meinl am Graben wie wohl kaum ein
anderes österreichisches Unternehmen als Österreichs
erste Adresse für Gourmets und Genießer. Hier
versteht man Genuss als eine Art Gesamtkunstwerk für
alle Sinne, dazu gehören Gaumenfreuden ebenso wie
eine stimmungsvolle Atmosphäre, die passende
akustische Untermalung und angeregte Gespräche. In
den gastronomischen Outlets werden Ihnen bei Julius
Meinl am Graben hierzu mannigfaltige Möglichkeiten
geboten. Überzeugen Sie sich in Meinl’s Restaurant
von einer internationalen, höchst innovativen
Luxusküche mit unvergleichlich schönem Blick auf
Graben und Kohlmarkt! Begeben Sie sich unter der
Führung unserer Sommeliers auf eine spannende
Weinreise in Meinl’s Weinbar oder erleben Sie
unvergleichlichen Kaffeegenuss in Form einer
anregenden Melange im beliebten Meinl Café. „Wählen
Sie aus“ – hier wird jeder Genusswunsch mit Kompetenz
und kulinarischem Know-how ermöglicht!
Meinls Restaurant: Von Anbeginn vermochte das
Restaurant mit der schönsten Aussicht Wiens,
Gourmets aus dem In- und Ausland mit seiner
spannenden Küche, seinem unprätentiösen und
charmanten Service und seiner wunderbaren Weinkarte
zu begeistern. Hier werden von früh bis spät
durchgehend kulinarische Köstlichkeiten und luxuriöse
Gaumenfreuden in einer stilvollen und doch legeren
Atmosphäre angeboten. Am Morgen bieten eine
Vielzahl an Frühstücksvarianten den idealen Start in
den Tag, mittags verwöhnen wir Sie mit einem
exquisiten und doch raschen Business-Lunch, am
Nachmittag verlocken Wiener Kaffee- und
Teespezialitäten und die süßen Köstlichkeiten aus
unserer hauseigenen Patisserie und am Abend findet
der Tag bei einem leichten Dinner oder einem
exzellenten Menü zu einem hervorragenden Glas Wein
einen gelungenen Ausklang. Meinls Restaurant kann
selbstverständlich für Weihnachtsfeiern und besondere
Anlässe auch exklusiv gebucht werden.

KUNST.INVESTOR Genusskunst

KUNST.INVESTOR Genusskunst
Die Küche begeistert durch einen individuellen Stil, der
mediterran geprägt ist und sich der Saisonalität und
Hochwertigkeit der Grundprodukte verpflichtet. Das an
Vielfalt und Frische unüberbietbare Sortiment von
Julius Meinl am Graben tut sein Übriges, um zu einer
internationalen Küche zu inspirieren, die von einer
beispiellosen Authentizität und Leichtigkeit
gekennzeichnet ist und getrost auf Firlefanz und Pomp
verzichten kann. Als unabdingbar für die kulinarische
Performance erweist sich das distinguierte, umsichtige
Service, das auch den anspruchsvollsten Gast
verwöhnt. Der außerordentliche Ruf des Restaurants
liegt sicherlich auch in der Weinkarte begründet, die mit
ihren über 750 Weinpositionen und einem Angebot an
Bränden, das sich wie das „Who is Who“ der
heimischen Top-Destillerie liest, für jeden Gang die
perfekte Begleitung bereithält.
Meinls Weinbar: Weinkenner und all jene, die es
werden wollen, schätzen die stimmungsvolle
Atmosphäre, das atemberaubende Sortiment und die
exzellente Weinberatung von Seiten des Weinbar
Teams. Die Umfangreiche Weinkarte umfasst nicht nur
etwa 30 offene Weine aus Österreich und dem
Ausland, sondern ebenso verschiedene Schaumweine,
Süßweine und Portweine, die das Angebot abrunden.
Außerdem können Sie noch aus ca. 2000
verschiedenen Weinen aus aller Welt und etwa 20
unterschiedlichen Champagner wählen und diese
gegen einen 10%igen Bedienungsaufschlag
(Mindestaufschlag € 3,00) flaschenweise genießen.
Neben zahlreichen internationalen Raritäten, die bis ins
Jahr 1961 zurückreichen, sind es vor allem die
österreichischen Raritätenweine, welche Sie auf einer
eigens kreierten Raritätenkarte finden, die Meinls
Weinbar für Weinkenner einzigartig machen. Egal ob
Sie einen gereiften Weißwein oder einen Rotwein aus
den Spitzenjahrgängen wie 1999, 2000 oder 2003
suchen. Hier werden Sie fündig. Auch der kleine
Hunger lässt sich in Meinls Weinbar stillen: neben
einem täglich wechselnden Mittagsmenü werden auf
der Speisekarte auch klassische Spezialitäten wie
Antipasti-Variationen, Beef Tartar, Roastbeef oder
Räucherlachs angeboten. Wer den Weingenuss
zuhause bevorzugt und seinen Einkauf nicht zu den
Geschäftszeiten von Meinl am Graben erledigen kann,
hat hier in Meinls Weinbar bis zur mitternächtlichen
Sperrstunde die Gelegenheit, aus dem Top-Angebot
unter fachkundiger Beratung auszuwählen und zu
Handelspreisen einzukaufen. Außerdem bieten die
Räumlichkeiten von Meinls Weinbar, die natürlich auch
exklusiv buchbar sind, das ideale Ambiente für Ihre
Weihnachtsfeier, eine Geburtstagsparty, Hochzeitsoder
Firmenfeier.
Meinls Café: Das "Meinls Cafe" mit angeschlossenem
Gastgarten auf dem Kohlmarkt zählt mittlerweile zu den
beliebtesten Innenstadttreffs, denn hier wird die
Altwiener Kunst des Kaffeekochens zelebriert. Auf der
Kaffeekarte finden sich an die 35 Rezepturen: von der
klassischen Melange über Kapuziner, Einspänner und
Kaffee verkehrt bis hin zum Mazagran. Das "Meinls
Café"-Team begeistert seine Kunden kontinuierlich mit
neuen Kreationen der braunen Bohne; Mandorlino (mit
Mandelmilch verfeinerter kalter Espresso), Melange
Orangina, die kongeniale Verbindung von Großem
Braunen und Orangenlikör und Greco haben schon
zahlreiche Anhänger gefunden. Die Mitarbeiter stehen
vor Ort mit Rat und Tat bei der Auswahl des
gewünschten Kaffees zur Seite und geben Einblick in
die faszinierende Welt des beliebten Genussmittels. Ein
einladendes Angebot an Kipferln & Croissants und
Tartes aus der hauseigenen Patisserie verspricht zu
jeder Kaffeespezialität die passende Begleitung. Somit
garantiert ein Besuch im "Meinls Café" aufgrund der
fachkundigen Beratung und exzellentem Service
uneingeschränkten Kaffeegenuss in klassisch-stilvoller
Atmosphäre.

KUNST.INVESTOR Genusskunst
Aux Gazelles – Savoir Vivre in Wien
Le Restaurant, Le Club, Le Design
Mit "mehr Funktion und weniger Folklore" ist das gemeinsam entwickelte Design-Konzept von Christine Ruckendorfer
und Architekt Alberto Bach perfekt definiert. Bach zeichnet mit seinem Büro Albertoni für viele internationale
Prestigebauten verantwortlich und hält Nichts von unnötigem Chi Chi, lauten Farben und orientalischen Klischees.
Beide wollten dem Aux Gazelles mehr Spielraum und Bewegung geben. Das Licht wird durch die Neugestaltung tief in
den Raum geholt. Auch die Séparées wurden neu interpretiert. "Ich wollte zwei unterschiedliche, elegante Welten
kreieren, das Restaurant mit dem großzügigen Gastgarten ist eine helle frische Sommerwelt von großer Klarheit",
erklärt Bach. "Verbindend dazu finden sich Designelemente, die klar und schwungvoll sind, mit klassisch
marokkanischen Elementen." Eine Formsprache, die in Abwandlungen immer wieder zum Einsatz kommt. Ruckendorfer
Für Ruckendorfer ist das Ergebnis "ein zeitgemäßes Lokal auf internationalem Niveau, ohne folkloristisch zu sein." Auf
2000 Quadratmeter wird "Savoir Vivre in Wien" geboten: Essen, Trinken, Tanzen, Verwöhnen, Entspannen &
Genießen. Neue Features, wie "Lunch Bazaar", "Signature Drinks", "After Work-Shower" und anderes mehr erwarten
den Gast. "Orient Light" nennt sich das frische Food-Konzept, vielfältig, spannend und ideal für die heißen
Sommermonate in der City. Im "Lunch Bazaar" werden mittags feine Variationen in Form von libanesischen Mezze-
Gerichten und marokkanischen Vorspeisen das Aux in Form eines All You Can Eat-Buffets angeboten. Abends können
diese auch à la Carte bestellt werden. Als Mittagsmenü gibt es Rindsbrochettes mit gratinierten Zucchini, Lammköfte im
Tomaten-Zimtfonds mit Dijon Senf und gegrillte Calamari & Garnelen mit Spargel-Fenchel-Salat. Abends kommt
regional-österreichisches zum Einsatz, wie bei der Tajine mit Mariazeller Saibling, knusprigem Rinderprosciutto und
Granatapfel, einem zarten Kalbsgulasch, Couscous und Kichererbsen. Vegetarier werden mit Gemüse-Tajine oder
gebackenen Kartoffeln mit Arganöl, Koriander mit Limetten-Sauerrahmdip verwöhnt.

KUNST.INVESTOR Genusskunst
Wüstentee on the Rocks meets Bloody Mary
Eine schöne Bar braucht exzellente Drinks! Daher hat sich das Aux Gazelles-Team gleich mehrere feine Signature-
Drinks überlegt. So wird der berühmte marokkanische Minztee, an dem bereits Winston Churchill im La Mamounia
schlürfte, im Sommer "on the rocks" serviert. Zum Feierabend gibt es eine alkoholische Version des Traditionsgetränks
aus der Sahara, gemixt mit Gin. Oder ein Gimlet, das berühmt, berüchtigte Getränk der Britischen Navy, favorisiert von
Ernest Hemingway und bekannt aus den Philip Marlowe-Krimis. Apropos Hemingway: Zu Beginn einer heißen Bar-
Nacht darf ein perfekter Bloody Mary nicht fehlen. Dieser Klassiker wird im Aux Gazelles nach einer klandestinen
Rezeptur eines jamaikanischen Barmans gemixt.
After Work-Shower
Raus aus dem Job und rein in den Feierabend! Doch wo bitte, machen Mann und Frau sich nach einem anstrengenden
Arbeitstag frisch und fein? Nicht jeder wohnt im City-Loft um die Ecke. Hammam und Salon de Beauté schaffen Abhilfe.
Für 15,- Euro können sich Aux Gazelles-Gäste von 17 bis 20 Uhr duschen, entspannen und für den Abend zu Recht
machen. Im Preis inkludiert sind: Handtuch, Erfrischungsgetränk (hausgemachte Limonaden und Eistees).
Verwöhnprogramm für Body & Soul
Eine alte Hammam-Tradition besagt: Politik, Geld und Sorgen bleiben draußen! Insofern sind Hammam & Salon de
Beauté nicht gerade der geeignete Ort für das nächste Business Meeting, wohl aber um sich von Kopf bis Fuß
verwöhnen zu lassen und zu entspannen. Auf 500 Quadratmetern befinden sich ein klassisches Dampfbad,
Behandlungs- und Entspannungsräumlich-keiten in bester Orient-Manier. Hammamcis verwöhnen mit Waschungen,
Peelings, wohlriechenden Salben und einer Haarwäsche – falls gewünscht. Mehr Info unter www.auxgazelles.at

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Alfred Zellinger
DOKTOR FAUSTUS IN LONDON
BANKER, OLIGARCH
Ein Faust dieser Zeit als Prometheus der Moderne - zwischen den Themen Globalisierung, virtuelle Ökonomie,
Demagogie und künstliche Intelligenz.
I DOKTOR FAUSTUS IN LONDON: Doktor Faustus,
Mann des Geldes, angesehener Banker, strebt nach
Erfolg, den er von Bilanz zu Bilanz zu übertreffen sucht.
Doch Bank und Vermögen sind verspielt, er denkt an
Selbstmord. Da naht Rettung: der Börsentrader
Mephisto, aus dem Schattenreich der Schattenbanken,
ein Mann von zweifelhaftem Ruf, schlägt ihm einen
Deal vor: Mit Hilfe ungedeckter Leerverkäufe soll
Fausts Vermögen auferstehen.
II DOKTOR FAUSTUS OLIGARCH: Nach dem Drama
mit Margret, dem Zusammenbruch seiner Börsenspekulation
und einem Aufenthalt im Gefängnis ist
Faust motiviert zu neuen Taten. McKinsey entsendet
ihn als Konsulent, Mephisto ist sein Assistent. Mit
finanziellen Tricks bewahren sie einen Konzern vor
dem Niedergang und einen Pleitestaat vor der Pleite.
Seine große Liebe, Helena, die schönste Frau der
Antike in Gestalt des Londoner Escort-Girls Bea,
verlässt ihn, als ihr gemeinsamer Sohn Euphorion
stirbt. Worauf Faust sich auf sein „Weltprojekt“
konzentriert: eine neue Gesellschaft „auf freiem Grund
mit freiem Volke“. Er stirbt, hochbetagt, als
schwerreicher Oligarch; die Entelechie, das Streben
selbst, bleibt bis zuletzt sein „höchstes Glück“. Beide
Teile jeweil als Slam und als Drama.
345 Seiten
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Hans Hornyik
„Ein Kunstverein in Baden –
vom Gestern ins Morgen“
Hundert Jahre Kunstverein
Zum Thema Kunst in Baden wurde viel geschrieben.
Musik, Theater, Literatur prägten das kulturelle Leben
im 19. Jahrhundert. Die Namen von Mozart, Beethoven,
Lanner, Strauß zieren Gedenktafeln und
Erinnerungskultur. Während Mozarts Bezug zu Baden
maßlos überschätzt wird, war die Stadt Beethovens
Lieblingskurort, wo er viele Sommer nach Heilung für
seine zahlreichen Krankheiten suchte.…“
Inhaltsverzeichnis: 7 Ein Kunstverein in Baden – vom
Gestern ins Morgen- Hans Hornyik, 13 Kurze
Anmerkungen zu den Ritualen der Kunst- Alexandra
Schantl, 17 Die Blüte der Kunstvereine im 19.
Jahrhundert- Cornelia König, 29 Die Gründungszeit des
Kunstvereins- Regina Hadraba, 41 Die temporäre
Vereinigung des Kunstsinns- Wolfgang Müller-Funk, 49
100 Jahre Kunstverein Baden- Leo Hemetsberger, 57
Artists in Residence- Hartwig Knack, 65 Künstler des
Kunstvereins Baden, 148 Galerieprogramm 1995 –
2016, 156 Biografien.
Auszug aus „Ein Kunstverein in Baden – vom Gestern
ins Morgen, Hundert Jahre Kunstverein“: Das ist
eigentlich eine Spätgeburt. In den Jahren ab 1793
begann der steile Aufstieg der kaiserlichen Kurstadt.
Wiener Adel und Großbürgertum entdeckten die hohe
Lebensqualität Badens und ab 1842, dem Jahr des
Anschlusses an die Südbahn, reihte sich Villa an Villa
der Reichen und Schönen. Diese Entwicklung
verwandelte die Kleinstadt in ein gründerzeitliches
Arkadien mit großzügigen Parkanlagen, Alleen und
allen urbanen Annehmlichkeiten, die den „Weltkurort“
zur einer der führenden Fremdenverkehrsdestinationen
der k. k. Monarchie machte. Vor diesem Hintergrund
erscheint die Gründung des Kunstvereins im Jahr 1915
als späte Geburt.
Hans Hornyik
„Ein Kunstverein in Baden-vom Gestern ins Morgen“
160 Seiten, Größe: 240 x 290 mm
Gebunden, Leineneinband
Preis: € 18,00
Verlag Kunstverein Baden