Vorschau Scheidegger & Spiess Fruehjahr 2020

Scheidegger & Spiess

Kunst I Fotografie I Architektur

Frühjahr 2020

Wichtige Neuerscheinungen 2019

Matisse – Metamorphosen

Herausgegeben vom

Kunsthaus Zürich

In Zusammenarbeit mit dem

Musée Matisse, Nizza

Broschur

232 Seiten, 169 farbige und

37 sw Abbildungen

22 × 27 cm

978-3-85881-650-4 Deutsch

978-3-85881-836-2 Englisch

978-3-85881-840-9 Französisch

sFr. 49.– | € 48.–

Erstmals veranschaulicht dieses Buch Verwandlungen, Parallelen,

und Rückkoppelungen zwischen dem plastischen und

dem malerischen und zeichnerischen Werk von Henri Matisse

(1869–1954). In Verbindung mit seinen unterschiedlichen lnspirationsquellen

– Aktaufnahmen, afrikanische und antike

Vorbilder – sowie Fotografien, die den Künstler als Bildhauer

zeigen, entsteht so ein faszinierendes Bild der bisher weniger

bekannten Seite des französischen Meisters.

ISBN 978-3-85881-650-4

ISBN 978-3-85881-836-2

ISBN 978-3-85881-840-9

Deutsch Englisch Französisch

9 783858 816504

9 783858 818362

9 783858 818409

Marke Bauhaus 1919–2019

Der Sieg der ikonischen Form

über den Gebrauch

Nicht Funktion und Gebrauch zeichnen das Bauhaus aus,

sondern Symbolik. Bauhaus-Gründer Walter Gropius zielte

von Anfang an und erfolgreich darauf, aus dem Bauhaus eine

Marke zu entwickeln. Es hat ikonische Bildzeichen und einen

Stil kreiert, der weder funktional noch sozial ist, aber visuell

prägnant. Dieses Buch bietet erstmals einen fundierten Überblick

dieser prominenten Markenbildung und -verwendung.

Philipp Oswalt

Broschur

336 Seiten, 488 farbige und 330 sw

Abbildungen

20 × 28 cm

978-3-85881-620-7 Deutsch

978-3-85881-856-0 Englisch

sFr. 39.– | € 38.–

ISBN 978-3-85881-620-7

Deutsch

ISBN 978-3-85881-856-0

Englisch

9 783858 816207

9 783858 818560

Design from the Alps

1920–2020

Tirol Südtirol Trentino

Herausgegeben von Claudio Larcher,

Massimo Martignoni und

Ursula Schnitzer

In Zusammenarbeit mit Kunst Meran

Gebunden


39 sw Abbildungen

23 × 29 cm

978-3-85881-649-8

Deutsch / Englisch / Italienisch

sFr. ISBN 978-3-85881-649-8 49.– | € 48.–

Die erste umfassende Darstellung von Produktion und Kultur

modernen Designs in dieser grenzübergreifenden dynamischen

Region des Alpenraums. Sie reicht von den Experimenten

eines Fortunato Depero im Secondo Futurismo über

Pioniere wie Gino Pollini in der Zwischenkriegszeit und

berühmte Designer wie Lois Welzenbacher, Clemens Holzmeister

und Ettore Sottsass bis in die unmittelbare Gegenwart.

Reich illustriert spürt es den zahlreichen Akteurinnen und

Akteuren dieser heterogenen und doch kollektiv starken Szene

nach.

9 783858 816498

Gestaltet von Weiersmüller

Bosshard Grüninger WBG,

Lisa Greuter

Leinenband

ca. 128 Seiten, ca. 206 farbige

und sw Fotografien

18 × 24 cm

978-3-85881-675-7 Deutsch

ca. sFr. 39.– | € 38.–

Eine intellektuelle Autobiografie

des bedeutenden Schweizer

Architekten Marcel Meili, die zum

Nachdenken über eigene familiäre

und Mentalitäts-Prägungen anregt

Eine Kultur- und Sozialgeschichte

des Engadins mit ungewohnter

Perspektive

Erscheint im März 2020

ISBN 978-3-85881-675-7

9 783858 816757

Intellektuelle

Autobiografie und

Reflexion über die

Entwicklung

des Engadins im

20. Jahrhundert:

ein faszinierendes

Buch!

Marcel Meili

Steiners Postauto

Eine Bildgeschichte

Steiners Postauto ist eine Kultur-, Mentalitäts- und Sozialgeschichte des Engadins. Recherchiert

und geschrieben hat sie der bekannte, 2019 verstorbene Schweizer Architekt

Marcel Meili. Ausgangspunkt ist ein Originalabzug der Auf nahme Postauto ob Silvaplana

des legendären Fotografen Albert Steiner, die Meili seinem 92-jährigen Vater

geschenkt hatte. Damit verband er die Recherche und das Sinnieren über die Veränderung

des Blicks, der Wahrnehmung, der Verkehrsinfrastruktur, des sozialen Raums

und des Freizeit- und Alpentourismus der Region, in der seine Eltern eine zweite Heimat

gefunden hatten.

So entstand eine höchst anregende, sehr persönlich gehaltene Betrachtung über

das Hochtal Engadin und seine Entwicklung angesichts von Tourismus und verkehrskultureller

Erschliessung im 20. Jahrhundert. Zugleich ist Steiners Postauto auch eine

Art intellektuelle Autobiografie Marcel Meilis, in der dieser über seine eigenen familiären

und Mentalitäts-Prägungen nachdenkt.

Wir verlegen dieses Buch, das Meili 2007 nur als Privatdruck für seine Eltern und einen

engen Freundeskreis publiziert hatte, zum ersten Todestag Marcel Meilis im März 2020.

Marcel Meili (1953–2019) war einer der wichtigsten Architekten der

Schweiz und einer der Wortführer im architektonischen und urbanen

Diskurs des Landes.


Herbst 2019 3

“The furniture is to serve as a simplified set

for different performances. Figure 1 shows

a chair, its sides made up of two frames

joined by two hinges that are also attached

to the seat. The chair can be folded when

required; the sides fold in and the seat lifts

up against the back of the chair. When

folded the chair is flat, making it easy to

transport when the theatre is on tour and

when there are a number of chairs on stage,

usually a small stage, they can be folded

and stored in the wings, thus saving space.

Figures 4 and 5 show possible combinations

for the folding chair: a sofa, carriage seat,

etc. If required, the shape of the chair can

be changed or given a particular style; a

canvas cover can be sewn to fit the chair,

and then painted in a particular style to give

it a different appearance or character, as

shown in Figure 2. Figures 6 and 7 show

stool covers painted in a variety of ways.

Figure 8 shows the transformation of the

table into an orator’s podium. The table is

made in the same way as the chair, with two

side frames that fold inwards, and crosswise

folding frames fixed with loops on the upper

horizontal bars of the main frame of the

table. The crosswise hinged frames assume

the position shown by the dotted lines when

the table is required, whilst when the podium

is required, they assume the position

indicated in the drawing (a bar fastening on

one side). The table top is made separately.

In order to climb up to the podium there is

a small set of steps attached at one side of

the table.” 59

Museum of history of the city of Sochi.

(MOMus, Thessaloniki).

Schusev State Museum of Architecture.

The complex consisted of 3 separate

buildings: a 6-storey building

with residential individual “cells” for

one person, a 7-storey building with

2-3 room apartments for families and

a communal unit with the laundry

room, gym and public canteen. On

the roofs of the 1st and 2nd buildings,

connected by a bridge-crossing,

it was planned to place the solariums

and playschool.

Schusev State Museum of Architecture.

Suprematism I arkhitektura.

(Suprematism and Architecture). 2007.

Schusev State Museum of

Architecture collection.

PROPAGANDA FURNITURE

Khleba Kommunizma

(Breads of Communism).

The furniture set Breads of Communim

was created for Mikhail Kalinin

housing commune in the city of

Smolensk by Igor Krestovsky, the

prominent sculptor and professor at

the Academy of Fine Arts in Leningrad

(now Saint-Petersburg). The creation

of housing commune was a unique

architectural and social movement

in the Soviet Union of the 1920s -

1930s, which displayed a new fashion

of collective living, propagated by

French philosopher Charles Fourier.

The apartments of the Mikhail Kalinin

housing commune in Smolensk were

assigned to department officers of

the Academy of Agriculture, which

determined the title of the furniture

group as Khleba Kommunizma (Breads

of Communism). The furniture

created for the public areas of

communal houses are almost totally

lost, thus the set of furniture Khleba

Kommunizma is considered to be the

only full surviving set of such interiors.

Private collection

HOUSING COMMUNES

by Elizaveta Likhacheva

&

“ COMMUNA 33 ” — a

compact multifuctional flat

by Studio Bazi.

Zone of the living room.

Museum of Modern Art – Costakis

collection (MOMus, Thessaloniki).

State Museum of Architecture collection.

Arkhitektura SSSR (Architecture of

USSR) Magazine No. 11. 1976.

The oak block contains kitchen, hidden

behind folding doors and a wardrobe

with washing machine and cleaning

storage. A curtain embedded in this

block separates the bedroom and

bathroom from the living zone making

them more cosy and private.

A round window in the small

bathroom gives a view to the street

making it more open.

Built-in wardrobe, integrated

From the book of Selim Khan-

Magomedov Suprematism i arkhitektura.

(Suprematism and Architecture). 2007.

State Museum of Architecture collection.

TASS photographic archive.

were developing. It valued the “supremacy of pure artistic

feeling” over the visual depiction of objects. Constructivists

such as Nikolai Suetin and a number of other industrial

artists borrowed little from Suprematism’s theory, but

they adapted its visual motifs in their furniture projects:

its characteristic patterns, simple geometry of forms and

spatial organization. Occasionally this resulted in rather

basic interpretations of Suprematism in simple household

objects, such as decorative furniture covers made of fabrics

whose patterns were based on Suprematist paintings.

Futurism, with its origins in Italy, Cubism (mostly its

painting and sculpture) and other artistic currents of the

early 20th century also had considerable influence on the

formation of Constructivism.

In 1925, members of the creative association LEF (Left

Front of the Arts) set up the official creative organization

of Constructivists, OSA (Organization of Modern Architects);

its members included Alexander Rodchenko, Varvara

Stepanova, Kazimir Malevich, the Vesnin brothers,

Ivan Leonidov, Moisei Ginzburg, and others. OSA members

developed a functional design method based on the

scientific analysis of how structures worked. 6

The stellar roll-call of OSA members and the uniqueness

of the projects developed under its banner guaranteed

OSA an important role in the development of Soviet and

international design. The ideas of these avant-garde artists

influenced art throughout the 20th century, and their

importance continues today.

1920 is generally regarded as the year when the first advocates

of Constructivism began their search for new art

forms. Central to the movement was the idea of abandoning

the “metaphysical essence of idealistic aesthet-

LYUBOV POPOVA.

Fabric Design Sketch. Ca. 1923–1924.

Museum of Modern Art – Costakis collection

11

by their immediate purpose, with no element performing a purely decorative

function. The planners worked with the form of the object as though it were

a mechanism to serve the user.

One may conclude that furniture projects became more utilitarian as planners

moved further away from the realm of art; their expressive qualities came to

depend more on the construction and technical connection between their

parts than on either their aesthetic correlation or their colour and tonal combinations.

Therefore, it makes sense to reflect on the work of the avant-garde figures through

both the prism of art and function. In this context, art should be understood as the

sphere of experiment, the search for new forms, with no utilitarian goals at its foundation,

whereas function is always about the utilitarian, the serial and the mass.

Large Coffee Pot. 1923.

Painting on porcelain according to

the design project of Nikolai Suetin.

State Porcelain Factory, Petrograd.

42

1. FURNITURE AS ART

The artist-planners who designed furniture and interiors

in the 1920s had more artistic skill than technical

mastery. In their works, utilitarian purpose and functional

development were superseded by experiments

with form and the search for the new.

Nikolai Suetin, a student of Kazimir Malevich, is known

primarily as an outstanding master of artistic porcelain,

but his interests as an artist extended much further. He

developed his own language of design, notable for its focus

on the correlation of shapes and on the harmony of

tone and colour among them. Suetin looked for forms and

new solutions for his furniture projects; in his drawings

and draughts, he solved issues more closely related to art

than to engineering and construction. His sketches reference

the Suprematist works and sculptural architectonics

of his teacher Malevich. Interestingly, the coffin in which

Malevich was buried in 1935 was made after drawings

by Suetin; it took the form of a Suprematist architecton.

Unlike many students and teachers at VKhUTEMAS–

VKhUTEIN, who concentrated on the interaction of form

and function in the object, Suetin pursued a more formal

and decorative approach in his projects.

Alexander Rodchenko, one of the masters of the Soviet

avant-garde, is known above all for his photography and

graphic accomplishments. His work had a huge impact on

the formation of new ideas in art and design, but his pivotal

role in Soviet furniture design is much less well known.

Working with Varvara Stepanova, Rodchenko carried out

a ground-breaking experiment with the creation of expressionist

stage sets for the Meyerhold Theatre production

of Tarelkin’s Death. The play was the third in a trilogy

NIKOLAI SUETIN.

Project of an armchair. 1927.

43

ics”. 7 The Constructivists were determined to give all art

by Alexander Sukhovo-Kobylin. Written in 1869, it made

a material purpose and they set themselves the following

a mockery of tsarist bureaucracy and became an iconic

tasks: the destruction of abstract and old forms of art and

production when staged by Vsevolod Meyerhold in 1922.

the development of a rational structure of the artwork.

Theatrical stage props constitute a completely separate

Their programme, written by Alexei Gan, was presented

sphere of furniture design. Because they are designed as

on 1 April 1921 at the plenary session of the GINKhUK

part of the set for a particular performance, their form

50 51

86 87

\

\

Communa 33 flat. Kitchen unit.

85

KONSTANTIN MELNIKOV

and V. KUROCHKIN.

Gosplan garage in Moscow (1934-1936).

Photograph late 1930s.

74

Communa 33 flat.

Zone of the living room. 83

Communa 33 flat. Bedroom.

86

different piece, with different visual characteristics; but the person who sits on

it still uses it as a chair—in other words, still uses it for its designated purpose.

A comparison of these two projects, which were created in the same year,

shows that a number of different concepts coexisted and interacted with one

another in furniture design of the 1920s. On the one hand, both Suetin and

Morozov emphasized the construction of the object, but on the other, they

used different techniques to the same end. In the case of Suetin’s suite, for-

Communa 33 flat.

84

View on the stairs.

mal function matters—that is, the various parts of the object are held together

by their colour and shape, which are determined by their function,

but their proportions are based more on the compositional-decorative idea

than on constructive need. On the contrary, with Morozov’s table construction

takes precedence over form: the transforming structure is dictated by

its technical requirements and consists of many constructional intricacies.

The concepts behind these two projects can be seen as the two poles of Soviet

furniture design of the 1920s to the beginning of the 1930s, and it was by

oscillating between the two that the search for new furniture forms would

continue: from Suprematism’s expressionist approach to object design to

Constructivism and Rationalism.

MIKHAIL BARSHCH, IGNATY MILINIS,

VLADIMIR VLADIMIROV, MIKHAIL

SINYAVSKY, ALEXANDER PASTERNAK, S.

V. ORLOVSKY, LYUBOV SLAVINA.

Project of the housing commune on Gogolevsky

Boulevard in Moscow (1929-1931).

75

Communa 33 flat.

87

under the stairs.

114 115

122 123

\

EL LISSITZKY (Lazar Lisitsky).

The “combination furniture”. 1929. From

the book of Selim Khan-Magomedov

102

also be effectively adapted for everyday life, whereby

individual objects in different combinations performed

various functions. El Lissitzky’s “combination furniture”,

for example, was derived from a similar conceptual

approach, as were different furniture projects by various

designers of the 1930s right through to the 1980s.

I. Lobov’s model for a cabinet-display case for displaying

and keeping books and illustrated magazines and brochures

fits into the categories of both furniture and exhibition

equipment. The Red Niva magazine supplement

again published a detailed description of this piece:

The club cabinet-cum-display case is mostly intended

for books. The upper part of the cabinet comprises four

shelves designed to hold 200 books. The double doors are

to be used for the display of photographs or photo-montages,

which can be inserted on two different planes on

both sides of the doors. The first is attached with hinges to

the body, while the second is inserted in slots into the first:

MOISEI GINZBURG,

IGNATY MILINIS.

Residential house on

Novinsky Boulevard in

Moscow (Narkomfin House,

1928-1930). Architectural

Model of N. A. Yunusov, 1988.

103

Vom Konstruktivismus über

Art déco zurück zu Avantgarde

und Bauhaus: Das sowjetische

Design wandelte sich im Takt

der Zeit

136

137

VLADIMIR MESHCHERIN.

Sketch of an armchair for

the twin-hulled catamaran

hydroplane Express

(OSGA-25). 1937

180

S. AIRAPETOV, V. UTKIN, K.

SHEKHOYAN, S. TIKHOMIROV, O.

VELIKORETSKY.

Interior of the Berezka store in Moscow.

Photograph by Mikhail Churakov, 1962.

276

for the hydroplane had different forms: some were very

dynamic in appearance, their frames made from curved

lines of tubular metal that seemed to bend as it rose along

the seat and its back, simultaneously creating a feeling of

Twin-hulled catamaran hydroplane

Express (OSGA-25). Exterior and

Interior. Sochi, 1930s.

182

safety and security. 25

are smooth and the suspended tables of the sideboard, with their expressive

ceiling fastenings, resemble the natural organic forms of plants. The

table-top is suspended on a cylindrical rod fixed to a point on the floor and

attached to the ceiling; this allows for a significant increase in the usable area

of the cabin and facilitates the easy movement of passengers and the rearrangement

of the seats. The look of the fittings is complemented by the shiny

material used for the wide cylindrical supports and table-tops. The chairs

During the construction of the watercraft, limited serial

production was set up for individual elements—chairs,

tables, windows, and the stylish hooks and handles inspired

by the teardrop shape of the vessel’s own aerodynamic

silhouette. To create these elements, a volumetric

method of moulding from metal or plastic was used, a

production technique not yet widely used in the field of

transportation.

The hydroplane ran the passenger line between Yalta

VLADIMIR MESHCHERIN.

Sketches of interiors for the twinhulled

catamaran hydroplane

Express (OSGA-25). Sochi. 1937.

181

and Sevastopol in the Crimea, and also made regular

trips on the high-speed line from Sochi to Sukhumi on

the Black Sea. It could carry up to 150 passengers at a

speed of 80 km/hour.26 It was destroyed in 1941, during

the German occupation of Odessa.

The furniture of the 1930s made far greater use of the

expressive characteristics of metal, responding both to

fashion and developments in industry, while Western Art

Deco used a great many glass and metallic elements. In

the decade, mass-production furniture developed very

slowly; production was more often undertaken as limited

quantity serial orders or as single items.

A. ANISIMOV, A. KONSTANTINOV, M.

BASKAEV, M. KUTSEVOL, N. ORLOVA.

Interior of Aelita cafe at Oruzheiny Lane in

Moscow. Photograph by Alexey Alexandrov, 1961.

277

220 221

306 307

\

ALEXANDER SHIPKOV.

Interior project of t

wo-level apartment.

303

tion, which had been such a feature of the tapered-leg

furniture of the 1950s and ’60s, completely disappeared.

As part of its developing international relations, the Soviet

Union in the 1970s began to export an array of goods

to socialist bloc countries and Western Europe (Zenit

cameras, various wrist watches such as the Glory, Flight,

Ray and Rocket, VEF radios, Zil refrigerators, Moskva

and Lada cars). Furniture, however, was not suited to the

export market—on the contrary, it was imported in large

quantities from the countries of Eastern Europe.

A landmark event was the foundation in 1987, on the initiative

of Yuri Solovyev, of the Union of Designers. The

A set of new upholstered

furniture. Estonian SSR Tallinn

Research and Production

Furniture Association

“Standard”. Photograph by Endel

Tarkpea, 1976.

304

taboo, which had lasted so many years, against the very

word “design”, was finally lifted. Designers were now given

the opportunity to open their own studios and to work

the hours they wanted. 29 This undoubtedly encouraged

greater freedom of expression, despite the Union of Designers’

position as a State organization under the auspices

of Gosplan. By the end of the 1980s, there were around

IGOR KRESTOVSKY.

Sketches for Khleba Kommunizma (Breads

of Communism) furniture set. 1937.

187

eighty individual studios in the USSR. The inauguration

of the Union of Designers had little direct effect on furniture

production in the USSR, but it was undoubtedly very

significant in a broader sense, because it stimulated the

growth of individual project designs that were not aimed

226 227

334 335

Vorworte von Kristina Krasnyanskaya,

Elizaveta Likhacheva und

Christina Lodder

Gestaltet von Sabine Hahn

Gebunden


171 sw Abbildungen

24 × 30 cm

978-3-85881-846-1 Englisch

sFr. 99.– | € 77.–

Erscheint im Januar 2020

ISBN 978-3-85881-846-1

Erster umfassender Überblick zu

sowjetischer Innenarchitektur und

sowjetischem Möbeldesign aus

sieben Jahrzehnten, basierend auf

umfangreicher Forschung in erst

seit Kurzem zugänglichen Archiven

Reich illustriert, überwiegend mit

bisher noch nie veröffentlichten

Bildern und Dokumenten

Ein Referenzwerk und eine wertvolle

Quelle für Wissenschaftler,

Händler, Sammler und Designliebhaber

9 783858 818461

Kristina Krasnyanskaya, Alexander Semenov

Soviet Design

From Constructivism to Modernism. 1920–1980

Sowjetisches Design wird häufig als massiv, unergonomisch und uniform bewertet. Ab

den 1920er-Jahren und hinter dem Eisernen Vorhang entwickelten sich jedoch etliche

Stile, die diesem Bild widersprechen und deren zum Teil schwierige Beziehungen zum

Regime in diesem Buch aufgerollt werden. Sie reichen vom Konstruktivismus, Rationalismus

und Suprematismus über den sozialistischen Klassizismus hin zum sowjetischen

Art déco der 1930er-Jahre, das vor 1946 vom Austausch mit ausländischen Architekten

und Künstlern profitierte. Nach dem für die Massen produzierten modernistischen

und funktionalen Mobiliar der 1950er-Jahre kehrten bald Einflüsse der frühen Avantgarde

und des Bauhauses in das sowjetische Design zurück. Der Niedergang des Regimes

schliesslich führte zu visionären Arbeiten einer neuen Designergeneration.

Erstmals bietet dieses Buch, basierend auf Material aus erst seit Kurzem zugänglichen

Archiven und mit einer Vielzahl an bisher unveröffentlichten Dokumenten, einen umfassenden

Einblick in die innenarchitektonischen Leistungen zwischen revolutionärer

Avantgarde und sozialistischem Modernismus.

Kristina Krasnyanskaya ist Kunsthistorikerin und Gründerin der Heritage

Gallery in Moskau. Sie kuratierte 2015 die Ausstellung Soviet Design:

From Constructivism to Modernism: 1920s–1960s in Zusammenarbeit

mit dem Moskauer Schtschussew-Museum für Architektur.

Alexander Semenov ist Experte für sowjetisches Design und wissenschaftlicher

Mitarbeiter an der Staatlichen Stieglitz-Akademie für angewandte

Kunst und Design in St. Petersburg. Er hat zahlreich zu Mobiliar und

Innenarchitektur aus der Sowjetzeit publiziert.


Frühjahr 2020 5

Burri komplett:

Erstmals wird sein

gesamtes Werk zusammengeführt,

mit zahl reichen

bisher unveröffentlichten

Arbeiten

Herausgegeben von Mélanie

Bétrisey und Marc Donnadieu

Mit Beiträgen von Mélanie Bétrisey,

Daniel Bischof, Clara Bouveresse,

Marc Donnadieu, Julie Enckell

Julliard, Werner Jeker, Hans-Michael

Koetzle und Bernard Plossu


Musée de l’Elysée, Lausanne

Gestaltet von Studio Marie Lusa

Gebunden

ca. 240 Seiten, ca. 220 farbige und

60 sw Abbildungen

21 × 27 cm

978-3-85881-661-0 Deutsch

978-3-85881-845-4 Englisch

ca. sFr. 49.– | € 48.–

René Burri ist einer der bedeutendsten

Fotoreporter des

20. Jahrhunderts

Neue, sehr persönliche Monografie

über den berühmten Schweizer

Fotografen René Burri

Zeigt neben bekannten Bildern

reichhaltiges bisher unveröffentlichtes

Material aus Burris Nachlass

Präsentiert u.a. Burris eigene

Entwürfe für Buchgestaltungen,

Ausstellungsprojekte, Reisetagebücher,

Collagen und Aquarelle

Erscheint zur Ausstellung

René Burri, Explosions of Sight

im Musée de l’Elysée, Lausanne

(29. Januar bis 3. Mai 2020)

Erscheint im Februar 2020

ISBN 978-3-85881-661-0

Deutsch

9 783858 816610

ISBN 978-3-85881-845-4

Englisch

9 783858 818454

Die französische Ausgabe erscheint bei

Éditions Noir sur Blanc, Lausanne

René Burri – Explosion des Sehens

Der Schweizer Fotograf René Burri (1933–2014) war dort, wo Geschichte stattfand.

Seit 1955 Mitglied von Magnum Photos, fotografierte er in Südostasien und im Mittleren

Osten und dokumentierte den Vietnamkrieg in den 1960er-Jahren, den Sechstagekrieg

(1967) und den Jom-Kippur-Krieg (1973). Reisen führten ihn nach Japan

und China, durch Europa, Nord- und Südamerika. Sein aussergewöhnliches Gespür

für Menschen, deren Persönlichkeiten und Lebensumstände ermöglichten es ihm, Berühmtheiten

ebenso wie gewöhnliche Leute zu porträtieren.

Das Musée de l’Elysée in Lausanne beherbergt die Fondation René Burri, die 2013 zur

Bewahrung und Erschliessung seines Archivs gegründet wurde. Anlässlich einer Ausstellung

im Frühjahr 2020 erscheint das Buch, das aus dieser einzigartigen Quelle

schöpft. Zum ersten Mal überhaupt führt es Burris bekanntes fotografisches Werk

zusammen mit bisher unveröffentlichten Dokumenten, Ausstellungsprojekten, Reisetagebüchern,

Zeichnungen und Aquarellen, Buchentwürfen sowie anekdotischen Erinnerungen

seiner Wegbegleiter.

Mélanie Bétrisey ist Asssistenzkuratorin am Musée de l’Elysée

in Lausanne und betreut dort das Archiv René Burri.

Marc Donnadieu ist Chefkurator des Musée de l’Elysée in Lausanne.


Frühjahr 2020 7

Eine Autodidaktin entwickelt

ihre eigene Position:

Aenne Biermanns moderner

Bildstil brachte Laienkunst

und Avantgarde zusammen

Herausgegeben von

Simone Förster und Thomas Seelig

Mit Beiträgen von Simone Förster,

Olivier Lugon, Stefanie Odenthal,

Rainer Stamm, Katharina Täschner

und Anna Volz

In Zusammenarbeit mit der Stiftung

Ann und Jürgen Wilde, Pinakothek

der Moderne, München und dem

Museum Folkwang Essen

Gestaltet von Nicola Reiter

Broschur


Abbildungen

21 × 27 cm

978-3-85881-673-3 Deutsch

ca. sFr. 39.– | € 38.–


ISBN 978-3-85881-673-3

Aenne Biermann zählt zu den bedeutendsten

Fotografinnen

Deutschlands der Vorkriegszeit und

der europäischen Fotogeschichte

Die umfassende Monografie

präsentiert bislang kaum bekannte

historische Bildpublikationen und

neu entdeckte Archiv materialien

Zeigt das Werk Aenne Biermanns

als ein Beispiel für Moderneströmungen

jenseits der Zentren

der Avantgarde

Thematisiert das Selbstverständnis

bürgerlicher Frauen in Bezug

auf künstlerische Produktion und

individuelle Entwicklungen

Erscheint zur Ausstellung Aenne

Biermann. Vertrautheit mit den

Dingen im Museum Folkwang

Essen (20. Februar bis 1. Juni 2020)

9 783858 816733

Aenne Biermann

Fotografin

Aenne Biermann (1898–1933) zählt zu den festen Grössen der Fotografie der 1920erund

1930er-Jahre. Im Gegensatz zu Fotografenkolleginnen wie Florence Henri, Germaine

Krull oder Lucia Moholy erfuhr sie weder eine künstlerische Ausbildung noch

verkehrte sie in den Avantgardekreisen der Grossstadtzentren – und obwohl sie nur

wenige Jahre fotografierte, entwickelte Biermann einen eigenen, signifikant modernen

Bildstil, der sie innerhalb kürzester Zeit als Vertreterin der zeitgenössischen Avantgardefotografie

etablierte. Sie richtete ihre Kamera auf Pflanzen, Dinge, Menschen und

Alltagssituationen. Mittels klarer Strukturen, präziser Kompositionen mit Licht und

Kontrast sowie enger Bildausschnitte entlockte sie den Motiven ihres persönlichen

Umfelds eine besondere Poesie und vermittelte, wie sie 1930 schrieb, eine «Vertrautheit

mit den Dingen».

Die Monografie präsentiert das Werk Aenne Biermanns als ein Beispiel für Moderneströmungen

jenseits der Zentren der Avantgarde und thematisiert die Verflechtungen

von Laienkunst und Avantgardefotografie in den 1920er-Jahren wie auch das Selbstverständnis

bürgerlicher Frauen in Bezug auf künstlerische Produktion und individuelle

Entwicklungen.

Simone Förster ist Kuratorin der Stiftung Ann und Jürgen Wilde,

Pinakothek der Moderne, München.

Thomas Seelig ist Leiter der Fotografischen Sammlung am

Museum Folkwang Essen.


Frühjahr 2020 9

20 21

62 63

96 97

100 101

26 27

76 77

110 111

SOHO, MANHATTAN 5/20/1981

MANHATTAN 5/20/1981

VERMONT 5/30/1981

VERMONT 5/30/1981

ROCKPOINT PARK, LAKE ERIE 6/10/1981

PORT DOVER 6/11/1981

FAST FOOD, ST. LOUIS 6/15/1981

FAST FOOD, ST. LOUIS 6/15/1981

Fotografische

Experimentierlust: Simone

Kappelers Amerika-Roadtrip

als Akt der Befreiung

ELK CITY, OKLAHOMA 6/23/1981



TRAIL DRIVE IN THEATRE, AMARILLO, TEXAS 6/24/1981

WHITE SANDS 6/28/1981

ALAMOGORDO 6/28/1981

Fotografien von Simone Kappeler

Mit einem Text von Peter Pfrunder

In Zusammenarbeit mit Codax

Publisher, Verlagsplattform für

Fotokunst

Gestaltet von Markus Bosshard

und Jürg Trösch

Gebunden


und sw Abbildungen

24 × 34 cm

978-3-85881-679-5

Deutsch / Englisch

ca. sFr. 69.– | € 68.–

Erstmalige Publikation von

Simone Kappelers Amerika-Bildern

von 1981

Dokumentiert die Wiederbegegnung

der Fotografin mit ihrer

eigenen Sicht auf Amerika von 1981

Simone Kappeler zählt zu den

profiliertesten Foto-Künstlerinnen

der Schweiz


ISBN 978-3-85881-679-5

9 783858 816795

Simone Kappeler – America 1981

Ende der 1970er-Jahre rebelliert die Jugend in Zürich, eine ganze Generation sucht

das «Neue». Die Fotografin Simone Kappeler lässt 1981 die helvetische Enge hinter

sich und bricht zu einem Roadtrip nach Amerika auf: die Autoreise als Akt der Befreiung.

Im Gepäck hat sie neben einer Hasselblad und einer Kleinbildkamera auch eine

Polaroidkamera, mit der sie spontan und unbeschwert fotografieren kann. Auf der

Reise ergänzt sie die Ausrüstung durch viele Billigkameras. Schnappschussartige Bilder

entstehen, skizzenhaft und beiläufig, unbefangen, direkt und hemmungslos. Was

zählt, ist der Augenblick, das unmittelbare und sinnliche Erlebnis, das Lied der Sehnsucht

nach Freiheit und Unabhängigkeit.

Erst 35 Jahre später beginnt Kappeler, das ganze Material zu sichten und neu zu interpretieren.

Die für dieses Buch getroffene Bildauswahl und die Komposition der rund

250 wiedergegebenen Bilder offenbaren trotz Experimentierfreude eine konsistente

Haltung und künstlerische Handschrift. Kappelers Blick auf Amerika von 1981 hat

bis heute nichts von seiner Frische verloren.

Simone Kappeler, geboren 1952, bildete sich nach einem Universitätsstudium

von 1975 bis 1979 an der Schule für Gestaltung in Zürich (heute Zürcher

Hochschule der Künste ZHdK) zur Fotografin aus. Sie lebt und arbeitet als

freischaffende Künstlerin in Zürich.

Peter Pfrunder ist Direktor der Fotostiftung Schweiz in Winterthur.


Frühjahr 2020 11

Ein Jahrhundert Elefantentradition

im Schweizer National-Circus Knie

Herausgegeben von Franco Knie

und Kurt Müller

Mit einem Geleitwort von Franco

Knie, einem Vorwort von Stephan

Hering-Hagenbeck und Texten

von Kurt Müller

In Zusammenarbeit mit Knies

Kinderzoo, Rapperswil-Jona

Gestaltet von Bonbon

Broschur


sw Ab bildungen

17 × 23 cm

978-3-85881-677-1 Deutsch

ca. sFr. 49.– | € 48.–


ISBN 978-3-85881-677-1

Für Generationen gehörten die

Knie-Elefanten und ihre Auftritte

in der Manege und ihre Märsche

durch Städte und Städtchen der

Schweiz fest zum Jahresablauf

Das Buch lässt nostalgische Zirkus-

Erinnerungen unzähliger Schweizerinnen

und Schweizer aufleben und

veranschaulicht die Entwicklung hin

zu einer zeitgemässen Elefantenhaltung

Elefantenhaltung und -zucht sowie

das Engagement für den Schutz

wildlebender Elefanten des

Circus Knie geniesst in Fachkreisen

grosse Anerkennung

Die Haltung von Wildtieren in Zoos

und Zirkussen ist gleichzeitig ein

weitherum zunehmend kontrovers

diskutiertes Thema

9 783858 816771

100 Jahre Knie-Elefanten

Geschichte und Perspektiven der Elefantenhaltung in Wort und Bild

Die Elefantenauftritte des 1919 gegründeten Schweizer National-Circus Knie gehören

zu manch einer Kindheitserinnerung. Seit seinen Anfängen sind die Dickhäuter fester

Bestandteil des Showrepertoires. Mit der Entscheidung von 2015, die Elefanten aus dem

Programm zu nehmen und sie stattdessen in den grosszügigen Elefantenpark Himmapan

in Knies Kinderzoo, Rapperswil-Jona zu integrieren, ging eine Ära zu Ende.

Das sorgfältig gestaltete Buch zum Jubiläum zelebriert noch einmal die Elefantentradition

im Circus Knie und lässt so all die nostalgischen Erinnerungen aufleben. In historischen

Bildern, bunten Zirkusplakaten, Seiten aus den Programmheften und Fotoporträts

der Elefanten und Tierlehrer wird die Geschichte der Elefanten von 1920 bis 2020 und

damit die Geschichte dieses weit bekannten Generationenbetriebs erzählt. Das Buch

wirft derweil auch einen Blick in die Zukunft: Textbeiträge informieren über die heutige,

zeitgemässe und möglichst artgerechte Elefantenhaltung und das damit verbundene

Thema Elefantenschutz.

Kurt Müller ist Kurator für den Zirkuszoo und Knies Kinderzoo

in Rapperswil-Jona.


Frühjahr 2020 13

Alles fährt Ski:

Das Postkarten buch illustriert

auf heitere Weise die rasante

Entwicklung des Skisports seit

den 1950er-Jahren

Weiterhin lieferbar:

Schöne Berge

978-3-85881-585-9

Deutsch

sFr. 24.– | € 24.–

ISBN 978-3-85881-585-9

Kerbhölzer, Knochenschlitten,

Kuhherden

978-3-85881-501-9

Deutsch

ISBN 978-3-85881-501-9

sFr. 24.– | € 24.–

Bikini in den Bergen

978-3-85881-481-4

Deutsch

sFr. 24.– | € 24.–

ISBN 978-3-85881-481-4

9 783858 815859

9 783858 815019

9 783858 814814

Herausgegeben vom

Alpinen Museum der Schweiz

Mit Beiträgen von Beat Hächler,

Sepp Odermatt, Christian Rohr

und Stefan Hächler

Gestaltet von 2xGoldstein

40 farbige und sw Postkarten

zum Heraustrennen und Textheft

mit 24 Seiten zusammen in Festeinband

12,5 × 16,5 cm

978-3-85881-668-9 Deutsch

ca. sFr. 24.– | € 24.–

40 heitere und zum Nachdenken

anregende Bilder aus sieben Jahrzehnten

Skikultur auf Postkarten

zum Heraustrennen und Verschicken

Mit vier Begleittexten, die den

rasanten Aufstieg des Skifahrens

als Freizeitbeschäftigung nachzeichnen

Erscheint zur Ausstellung Fundbüro

für Erinnerungen. Nr. 1: Skikultur

im Alpinen Museum der

Schweiz (16. Februar 2020 bis

14. Februar 2021)


ISBN 978-3-85881-668-9

9 783858 816689

Schnee von gestern

Fundstücke zur Skikultur. Ein Postkartenbuch

Was verbindet man mehr mit der Schweiz als Ski! Dieser Tatsache widmet sich der

nunmehr vierte Band der beliebten Postkartenbücher, herausgegeben vom Alpinen

Museum der Schweiz. Ganz nach der Devise «Alles fährt Ski» bietet Schnee von gestern

auf 40 Bildern und anhand von drei Begleittexten einen vielfältigen Einblick in

die Sammlung des Museums, die zahlreiche Objekte rund um das Thema Ski sowie

Fotografien aus dem Fotoarchiv der Kunstanstalt Brügger, Meiringen (1878–1994),

umfasst. Die Kunstanstalt war auf Werbe- und Auftragsfotografie in den Bereichen

Tourismus, Hotellerie und Gastronomie spezialisiert und dokumentiert mit ihren Fotografien

die rasante Entwicklung der Ski-Freizeitkultur von ihren Anfängen bis zu ihrer

Etablierung als Breitensport ab den 1950er-Jahren.

Beat Hächler ist seit 2011 Direktor des Alpinen Museums in Bern.

Stefan Hächler ist seit 2010 Sammlungskurator im Alpinen Museum der

Schweiz.

Sepp Odermatt ist Ski-Kommentator beim Schweizer Fernsehen SRF und

Direktor a. i. von Seilbahnen Schweiz.

Christian Rohr ist Professor für Umwelt- und Klimageschichte am Historischen

Institut der Universität Bern sowie Mitglied des Oeschger Centre

for Climate Change Research in Bern.


Frühjahr 2020 15

Künstlerische und

wissenschaftliche

Antworten auf

existenzielle globale

Herausforderungen

Mit Beiträgen von Nadine

Olonetzky, Gabriela Schaepman-

Strub, Konrad Steffen, Thomas

Stocker und Benedikt Wechsler

Gestaltet von HübnerBraun

Broschur

272 Seiten, ca. 137 farbige

und sw Abbildungen

24 × 32 cm

978-3-85881-665-8

Deutsch / Englisch / Grönländisch

ca. sFr. 65.– | € 58.–

Erscheint ISBN 978-3-85881-665-8 im Januar 2020

9 783858 816658

Eine künstlerische Reflexion über

den Klimawandel am Beispiel der

rasch abschmelzenden Gletscher

in den Alpen und auf Grönland

Texte renommierter Wissenschaftler

vermitteln den gegenwärtigen

Stand der Klima- und

Gletscherforschung in einer für

Laien zugänglichen Sprache

Beleuchtet aktuelle künstlerische

Bewegungen im Kontext der

globalen Klimadebatte

Erscheint zu den Ausstellungen

Martin Stützle und Fridolin Walcher

– Des Gletschers Kern im Kunsthaus

Glarus (12. Januar bis 1. März

2020) und Grönland 1912 im

Landesmuseum Zürich (6. Februar

bis 13. April 2020)

Martin Stützle, Fridolin Walcher

The Glacier’s Essence

Grönland – Glarus: Kunst, Klima, Wissenschaft

Die Gletscher in den Alpen und auf Grönland schmelzen seit Jahrzehnten. Die globale

Erwärmung beschleunigt ihren Schwund in alarmierendem Ausmass. Der Schweizer

Geophysiker Alfred de Quervain (1879–1927) vermass als Erster den Glarner Claridengletscher

und führte 1909 und 1912 bedeutende Forschungsexpeditionen nach

Grönland durch.

Glarus und Grönland: Der Künstler Martin Stützle und der Fotograf Fridolin Walcher

machten die Glarner Gletscher zum Thema ihrer Werke und begleiteten im Mai 2018

Schweizer Umweltwissenschaftler auf einer neuen Grönlandexpedition. Ihre Fotografien,

Radierungen und Performances entstanden vor dem Hintergrund wissenschaftlicher

Fakten, sprechen jedoch die Sinne und Gefühle direkt an.

The Glacier’s Essence präsentiert die Essenz von Gletscherkernbohrung und Kunst

und nimmt de Quervains Faden auf: Im Anschluss an ein Vorwort von Benedikt

Wechsler, Schweizer Diplomat und Mitinitiator der Expedition von 2018, geben die

Geografin und Evolutionsbiologin Gabriela Schaepman-Strub, der Glaziologe Konrad

Steffen und der Klima- und Umweltphysiker Thomas Stocker Einblick in den neusten

Stand ihrer Forschung. Die Kunstpublizistin Nadine Olonetzky beleuchtet Martin

Stützles und Fridolin Walchers Arbeiten und die aktuelle Bewegung der Klimakunst.

Martin Stützle bildete sich an der Schule für Gestaltung Bern aus und hat

eine Lehre als Steinmetz absolviert. Er lebt und arbeitet als freischaffender

Künstler in Ennenda im Kanton Glarus.

Fridolin Walcher ist als freiberuflicher Fotograf tätig. Er lebt in Nidfurn,

Kanton Glarus.


Frühjahr 2020 17

Pres.

No.23

Pres.

No.26

Pres.

No.79

Pres.

No.70

Pres.

No.79

Pres.

No.128

Pres.

No.23

Pres.

No.61

p. 372

threatened

p. 123

figthing

p. 400

with

p. 196

in

p. 414

with

p. 200

in

p. 419

with

p. 179

in

p. 79

being

p. 404

with

p. 359

talking

20

86

Pres.

No.98

Pres.

No.148

Pres.

No.153

Pres.

No.129

Pres.

No.142

Pres.

No.151

Pres.

No.79

Pres.

No.87

Pres.

No.93

p. 227

in

p. 360

talking

p. 239

in

p. 310

reading

p. 158

greeting

p. 218

in

p. 427

working

p. 111

drinking

p. 260

looking

p. 200

in

p. 358

talking

p. 54

as

21

87

Pres.

No.2

Pres.

No.5

Pres.

No.7

Pres.

No.117

Pres.

No.19

Pres.

No.24

Pres.

No.39

Pres.

No.56

74

Pres.

No.11

Pres.

No.12

Pres.

No.22

Pres.

No.26

Pres.

No.29

Pres.

No.30

Pres.

No.31

Pres.

No.25

Pres.

No.61

Pres.

No.117

Pres.

No.97

Pres.

No.98

Pres.

No.109

Pres.

No.113

Pres.

No.120

Pres.

No.148

Pres.

No.153

Pres.

No.39

Pres.

No.47

Pres.

No.49

Pres.

No.50

Pres.

No.53

Pres.

No.55

Pres.

No.67

Pres.

No.158

75

[scene] III.III

with a weapon

p. 325

screaming

[scene] III.IV

with a lightsaber

an alien

[scene] III.V

p. 124

fleeing

a helicopter

the nuclear

briefcase

Part A The Alien [type three]

[scene] III.VII

bed with her husband

to her husband

[scene] III.VIII

the Oval Office

talking to her staff

p. 245

incredulous

files

foreign politicians

a video conference

on a computer

alcohol

Part A The Alien [type three]

Part B behind their desk in the Oval Office, talking to the staff

Part B behind their desk in the Oval Office, talking to the staff

[scene] III.VI

a meeting

the officer who is

carrying the nuclear briefcase

a bunker

briefed

confidencial files

to an inmate

[scene] III.IX

at a spaceship

a lab

[scene] III.X

to a highranking

officer

a hologram

Part B drinking water

Part B drinking milk drinking through a straw

Part B bloodied

Part B bloodied

115

114

Part B getting out of Air Force One

Part B getting out of Air Force One

Von keiner realen öffentlichen

Figur gibt es mehr fiktionale

Repräsentationen als vom

amerikanischen Präsidenten

139

138

Part B injured

Part B injured

Part B in a helicopter

Part B in a floating fridge in a helicopter

247

246

197

196

Herausgegeben von

Ludovic Balland und Julia Blume

Mit einem Essay von Teresa Rudolf

In Zusammenarbeit mit dem Institut

für Buchkunst der HGB Leipzig

Gestaltet von Lea Michel

Broschur


Ab bildungen

16,5 × 23 cm

978-3-85881-858-4 Englisch

ca. sFr. 39.– | € 38.–

Ein visuelles Kompendium von

sechs fiktionalen Typologien des

US-Präsidenten in 241 Kategorien

der Darstellung

Ein höchst origineller Zugang zum

einstmals mächtigsten und immer

noch faszinierendsten öffentlichen

Amt der Welt und seiner fiktionalen

Darstellung

Ein Führer durch mehr als fünfzig

Jahre Film- und TV-Geschichte aus

spezieller Perspektive

Erscheint im April 2020

ISBN 978-3-85881-858-4

9 783858 818584

Lea Michel

The President of the United States

of America in Motion Pictures, Series,

and TV Movies

164 Presidents in 1881 Illustrations Sorted in 241 Categories

Lea Michels Buch richtet seinen Fokus auf die in der modernen westlichen Filmgeschichte

wohl am häufigsten dargestellte Figur: den amerikanischen Präsidenten. An insgesamt

164 verschiedenen fiktiven Präsidenten und Präsidentinnen (erstmals 1964 in

Kisses for my President) aus Filmen und Serien wie Dr. Strangelove, Independence

Day oder House of Cards dekliniert das Bildkompendium das Handlungsspektrum

der ehemals wichtigsten Person der Welt – händeschüttelnd, hinter oder vor dem Tisch

im Oval Office, aus der Limousine ein- oder aussteigend, im Bademantel.

Sechs Präsidenten-Typologien – Father & Husband, Villain, Alien, Clown, Hero, Lover

– in 241 Unterkategorien, wie «shaking hands», «looking shocked at a screen» oder «in

a video conference with a terrorist», führen das Repetitive, bisweilen Absurde in den

Handlungen der (Bildschirm-)Präsidentinnen und -Präsidenten vor und hinterfragen – in

der Amtszeit eines Präsidenten, der massiv von der medialen Vermarktung für seine

Popularisierung Gebrauch macht – die gegenseitige Beziehung von Fiktion und Realität.

Lea Michel studierte Grafikdesign an der Hochschule für Grafik und

Buchkunst Leipzig. Aktuell ist sie Unterrichts- und Leitungsassistentin an

der ZHdK und ist als selbstständige Grafikerin in Zürich sowie als Teil

des Studio HOMI tätig.


Frühjahr 2020 19

Radikale Positionen:

35 aufstrebende internationale

Fotografinnen

und Fotografen im Fokus

Herausgegeben von Lydia Dorner

und Pauline Martin

Mit einem Vorwort von

Tatyana Franck und Beiträgen von

Lydia Dorner und Pauline Martin


Musée de l’Elysée, Lausanne

Gestaltet von Camille Sauthier

Gebunden


Abbildungen

22 × 30 cm

978-3-85881-857-7

Englisch / Französisch

ca. sFr. 59.– | € 58.–

Analysiert Tendenzen und aktuelle

Themen der zeitgenössischen

Fotografie weltweit

Brennende gesellschaftliche Fragen

wie Umweltschutz, Gleichstellung,

digitale Herausforderung und

wirtschaftliche Existenzsicherung

bilden sich auch im Schaffen junger

Künstlerinnen und Künstler ab

Erscheint zur gleichnamigen Ausstellung

im Musée de l’Elysée,

Lausanne (27. Mai bis 6. September

2020)

Erscheint im Mai 2020

ISBN 978-3-85881-857-7

9 783858 818577

reGeneration 4

The Challenges of Photography and its Museum for Tomorrow

Nach den drei Ausgaben von 2005, 2010 und 2015 untersucht reGeneration 4 des

Musée de l’Elysée in Lausanne die Tendenzen fotografischer Produktionen der letzten

fünf Jahre und stellt Perspektiven in der Fotografie in Aussicht. Vorgestellt werden

Arbeiten von insgesamt 35 internationalen aufstrebenden Künstlerinnen und Künstlern.

Gleichzeitig befragte das Museum die ehemaligen reGeneration-Fotografinnen

und -Foto grafen zu ihren individuellen künstlerischen Entwicklungen. Umweltschutz,

Gleichstellung, digitale Herausforderung und wirtschaftliche Existenzsicherung: Diese

vier Themenkomplexe beschäftigen sie inhaltlich und in ihrer Praxis besonders.

Buch und Ausstellung präsentieren und vertiefen die Einblicke und stellen sie den Arbeiten

der für reGeneration 4 ausgewählten Fotografen gegenüber. Neben einer umfassenden

Einleitung konzentrieren sich kurze Texte auf die zahlreich abgebildeten Fotografien

der vierten reGeneration-Ausgabe.

Pauline Martin ist leitende Ausstellungskuratorin am Musée de l’Elysée,

Lausanne.

Lydia Dorner ist Assistenzkuratorin am Musée de l’Elysée, Lausanne.


Frühjahr 2020 21

Tis DVD is for private viewing only and it is protected by copyright. A

Architektur

der Unendlichkeit

Architecture

of Infinity

A Film by Christoph Schaub


l rights reserved. Public performances, broadcastings are prohibited.

ihn ausüben. Diese ziehen ihn an Kapelle öffnet er eine Schwellensituation.

Er spricht von Räumen,

und interessieren ihn emotional, weil

sie ihn persönlich ansprechen. die uns Schutz geben und gleichzeitig

ein Gefühl von Weite schaffen.

Der Mensch, der eine Kirche

betritt, will zur Ruhe kommen. Seine So entstehe eine Entgrenzung, eine

Stimmungen sollten ausschwingen Ahnung für das Endlose. Zumthors

und dann von der Atmosphäre des kleines Gotteshaus entspricht seiner

Raums aufgefangen werden. Der Vorstellung von einem meditati-

Besucher sucht zunächst sich selbst, ven Raum, in dem man auf sich selber

seine Geschichte, seine Stimmungen

und seine Fragen. Die Erweckung Der andere Raum ist das grosse

zurückgeworfen wird.

der eigenen Erfahrung ist die Voraussetzung

für jegliches Tasten und auf dem Ruinenfeld der alten Pfarr-

Kolumba Museum in Köln. Es steht

Ringen über sich hinaus.

kirche zur heiligen Kolumba, ein Ort,

Das Schweigen ist der Anfang beladener mit Geschichte. Zumthor

des Fragens, die Leere ihr Grund. bringt sie zum Sprechen mit einer

In sie hinein schwingt alles Bewegte hohen Überdachung. Er inszeniert sie

und Gesehene aus. Auch die Zeit sehr emotional, die Rekonstruktion

verlangsamt und dehnt sich hier. des Bauwerks in einem eigenen

Im Schweigen taucht der Mensch Licht. In Gottes Licht? In mystischem

in seinen Grund ein und sucht Licht?

Stand im «ewigen Jetzt». Der leere, Das Nebeneinander von beidem,

sakrale Raum gewährt hier – mitten Mystik und Fragen, ist der Kern aller

in derart gefüllter Zeit – Einkehr und Energien für das Leben – und bleibt

Halt. Er legt den Weg aus, auf dem doch in den Gewissheiten schwankend.

Im ständigen Wechsel von Fra-

sich die Frage als Sein entfaltet. Es ist

die Frage als Frage. Auch sie gehört ge und Antwort, eingespannt zwischen

Wissen und Glauben, dauernd

wie das Schweigen fundamental zum

menschlichen Leben selbst. Nur gebrochen im Zweifel, konturiert

wenn der Mensch sich selber fraglich der Mensch die innere Evidenz des

wird, wenn er in sich hineinblickt Letzten, sucht sie in gefüllter Einkehr,

im Schweigen und in wortlosen

und sich von sich selbst erlöst, kann

er sich verstehen: an seinem Ort Fragen wach zu halten. Doch findet

in Raum und Zeit, in der Frage nach er zu solchen Atmosphären?

sich selbst und in der nach seiner Schon leuchten im Film die

Freiheit. Der Mensch stellt Fragen, weissen Wände der Kirche Santa

ohne sie auszusprechen. Er kann Maria in Marco de Canaveses im

sie nicht umgehen, denn sein Leben Norden Portugals auf. Sie stammt

selbst ist die Frage.

von Alvaro Siza Vieira. Aus dem

Die Räume solcher Fragen werden

im Film geöffnet. Peter Zumthor klare Begrenzung aufzulösen

Off hört man, wie sich der Raum als

öffnet gleich zwei, die Feldkapelle scheint. Versucht der Architekt hier

und das Kolumba Museum. Mit der das Unendliche spürbar zu machen?

Er spricht in seiner Muttersprache in sich ruhender Figuren von Hans

von den Erinnerungen an seine Kindheit,

von seiner katholischen Ernamisiert

von einem «Architekten

Josephsohn. Geballte Statik, dyziehung,

der Sonntagsmesse mit der der Zeit», vom Jazz-Schlagzeuger

Familie, der prägend geheimnisvollen

Kirche in Matosinhos, seinem die Wände tanzen, erregt den Raum,

Jojo Mayer. Seine Performance lässt

Geburtsort.

emotionalisiert die Skulpturen,

Was ihn als Kind faszinierte, überführt das Sehen der Augen in

waren die hohen Fester seiner massloses Staunen und in Farben,

Heimatkirche. Später trat zu den die man nur ganz persönlich sehen

eigenen Fragen etwas Neues hinzu, kann.

die eigene Gestaltung. Sie führte Dieser Film konzentriert seine

zu den weissen Kirchen, die das Werk Bilder nicht auf die Dokumentation

bestimmen sollten, die offenen von Architektur, sondern offenbart

Plätze und die Innenräume mit ihren seine Räume als schwebende Visualisierungen

von Atmosphären. In

geradezu schwebenden Wänden.

Andere Wege ist Peter Märkli sehr mattem, fast schon verlöschendem

oder eben erst aufgehendem

gegangen. Schon vor seinen Reisen

von Burgund an den Atlantik entdeckte

er die romanischen Kirchen Tiefenschärfe und feinsten Nuancen.

Licht zeigen sie sich im Ganzen, in

in der Saintonge, ihre Geschichte Was Christoph Schaub in seinem

und Masse und Grammatik; ihr Sein Film erzählt und was er untersucht,

in der Zeit, vom Aufriss zum ständigen

Weiterbau bis zur Umkehr – entdecken neue Räume, innere Bil-

das bringen seine Bilder ans Licht, sie

in Einbruch, Ruinen, Brocken und der. Sie überführt die persönliche Erregung

von Architekten, Künstlern

Sand. Erde zu Erde, Asche zu Asche.

Doch was er im Sinn hatte – der und Musikern zu freien Assoziationen.

Weg über Proportionen zum Rhythmus,

vom Bauen mit Steinen zu Nachdenklichkeit. Alles Erleben wird

So eröffnen sie Blicke für eine tiefe

den Tönen und Gesetzen der Musik! so gewissermassen spiegelnd wie

Die eigene Grammatik der Architektur

führte ihn auf seinen eigenen trachters überführt, ins Erinnern wie

spielerisch in die Eigenwelt des Be-

Weg von der Archaik ins Innere der ins Fantasieren, ins Errichten seiner

Welt, ins Jetzt und Heute.

eigenen Binnen welt. Damit sind Architektur,

Kunst, Musik und Tanz bei

Wir erfahren, wie dieser Architekt

mit seinem Projekt von einer ihrer eigenen Sache angekommen:

Zeit in die andere wandert. Das Ergebnis

ist keine Kirche, es ist ein Raum, den auf sich selbst zu verweisen

das Sehen umzukehren, den Sehen-

in dem Kunst ausgestellt wird. Aber und eigene, masslos sakrale Räume

es ist auch kein Museum. Es ist einfach

ein Raum, virtuos verzweigt –

zu öffnen.

eigens entstanden für die dauerhafte

Präsentation vieler

Speaking

Spaces.

Christoph

Schaubs

Architecture

of Infinity

Friedhelm Mennekes

Friedhelm Mennekes is a Catholic

theologian, priest, and art expert.

He has written numerous books

on questions of religion and art.

Artists like Eduardo Chillida (1924–

2002) distinguish between geometric

spaces and artistic spaces. Te

latter is the very thing that we as

humans need in order to envision and

discover ourselves. Each of us has

to design, construct, and furnish this

space for ourselves. To begin with,

this artistic space is a site where

certain things appear: the volumes,

the walls, and the objects that demarcate

the space. Between and

within these elements is emptiness.

Te formal purpose of the space

is revealed by the activity of people,

that is, by their intentional interaction

with it.

Sacred space differs from this

kind of artistic space—it is a hallowed

site of reflection. I would like

to mention three of its dimensions

in terms of the functions of the space:

it ‘carries us away’, it gathers, and

it excites. Human beings need these

kinds of sites—ones that offer a

chance to escape the acoustic and

visual noise of everyday life—and

enter a space where silence reigns

and where it is possible to truly listen

and to experience one’s inner reality.

In this space, we can retreat within

ourselves, in silent contemplation,

and distance ourselves from the

outside world.

In his new film about sacred

spaces, Christoph Schaub uses a

broad definition of architecture.

Above all, he seeks to understand

sacred spaces in terms of their

effect, focussing his attention on

the fascination that churches

inspire in him. Tey appeal to him

and interest him on an emotional

level because they speak to him and the Kolumba museum. With the

personally.

Feldkapelle, he opens up a liminal

Tose who enter a church are space. He speaks of spaces that offer

seeking a state of peace. Tey want us protection and yet also create a

their emotions to settle and be feeling of expansiveness. Boundaries

absorbed by the atmosphere of the begin to dissolve and we gain a

space. At first, visitors seek themselves,

their story, their moods, and house of God reflects his vision of

sense of the infinite. Zumthor’s small

their questions. Te awakening a meditative space in which we are

of one’s own experience is the precondition

for any attempt—desper-

Te other space is the large

left alone with ourselves.

ate or tentative—to reach beyond Kolumba museum in Cologne, which

the self.

stands on the site of the ruins of

Silence is where questioning the old St. Columba parish church—

begins; emptiness its foundation. a site rich in history. With its high

All emotion, all that we have seen ceilings, Zumthor gives voice to this

enters into it and draws to a halt. history, which he stages in a very

Even time slows down and begins to emotive manner, positioning the reconstruction

of the building in its

stretch in this space. Enveloped

by silence, we immerse ourselves in own light. In God’s light? In a mystical

our foundations and seek a place light?

in the ‘eternal present’. Te empty, Te juxtaposition of both mysticism

and questioning is the core of

sacred space grants reflection and

relief—in the midst of such densely all of life’s energies—and yet its

packed time. It lays out the path certainties are always fluctuating.

on which the question unfurls as existence.

It is the question qua ques-

question and answer, caught between

Constantly alternating between

tion. Like silence, it too belongs fundamentally

to human life itself. by doubt, the human being traces

knowledge and faith, forever broken

It is only when we begin to question the inner evidence of finitude, seeks

ourselves, when we glimpse inside to keep it alive in active contemplation,

in silence, and in wordless

ourselves and release ourselves from

ourselves that we can truly understand

ourselves: our position within to such an atmosphere?

questions. But can we find our way

time and space, the question of

In the film, the white walls of the

who we are and what makes us free. Church of Santa Maria in Marco de

As humans, we pose questions without

uttering them aloud. We cannot light up. Te church is the work of

Canaveses in the north of Portugal

avoid them, because our life itself is Alvaro Siza Vieira. In the voiceover,

the question.

we hear how the space seems to

Te film opens up the spaces for dissolve as a clear boundary. Is the

such questions. Peter Zumthor architect trying to make the in finite

opens two of them: the Feldkapelle tangible? He speaks in his native

Eine filmische Reise durch Zeit

und Raum: Christoph Schaub

erkundet mit der Kamera das

Wesen der Spiritualität in der

Architektur

Jojo Mayer

Musiker, Schlagzeuger / Musician, drummer,

New York, USA

Cristina

Iglesias

Künstlerin /Artist,Madrid, ES

James Turrell

Künstler /Artist, Flagstaff, USA

Peter Märkli

Architekt /Architect, Zürich, CH

Geboren 1963. Ein in New York lebender

Schweizer Schlagzeuger, der

unter anderem mit Jazzgrössen wie

Dizzy Gillespie, Nina Simone und

John Zorn arbeitete. Hat seine eigene

Band «NERVE».

Born in 1963. A Swiss drummer residing

in New York, who has worked

with jazz greats such as Dizzy Gillespie,

Nina Simone and John Zorn.

He has his own band called “NERVE”.

Geboren 1956. Eine spanische Installationskünstlerin

und Bildhauerin,

die in Torrelodones, Madrid lebt

und arbeitet. Sie arbeitet mit vielen

Materialien, darunter Stahl, Wasser,

Glas, Bronze, Bambus, Stroh.

Born in 1956. A Spanish installation

artist and sculptor, who lives and

works in Torrelodones, Madrid. Her

work is comprised of a variety

of materials, including steel, water,

glass, bronze, bamboo and straw.

Geboren 1943. Der wichtigste amerikanischer

Land-Art- und Licht-

Künstler. Er setzt sich in seinem reichen

Schaffen hauptsächlich mit

dem Verhältnis von Raum und Licht

auseinander.

Born in 1943. Te most prominent

Land Art and Light artist in the

U.S. His rich body of work predominantly

deals with the relationship

between space and light.

Geboren 1953. Studium an der ETH

Zürich. Von 2002–2015 bekleidet er

eine Professur an der ETH Zürich.

Seit 2013 Visiting Professor an der

MARCH School of Architecture in

Moskau. Er führt sein eigenes Büro

in Zürich.

Born in 1953. Studied at the ETH in

Zurich. From 2002-20015, he worked

as a professor at the ETH Zurich.

Since 2013, Visiting Professor at the

MARCH School of Architecture in

Moscow. He runs his own architectural

firm in Zurich.

Gestaltet von Hi – Visuelle

Gestaltung (Megi Zumstein)

DVD mit Begleitbuch in Festeinband

Film in Originalfassung mit

Untertiteln Deutsch, Englisch

und Französisch

total 85 Min., farbig

Begleitbuch mit Text Deutsch

und Englisch, ca. 24 Seiten

14 × 19,5 cm

978-3-85881-916-1

sFr. 39.– | € 39.–

Ein neuer thematischer Film über

Architektur des renommierten

Schweizer Regisseurs Christoph

Schaub

Mit den Architekten Peter Zumthor,

Peter Märkli und Álvaro Siza Vieira,

dem Musiker Jojo Mayer und den

Kunstschaffenden James Turrell

und Cristina Iglesias

Das Begleitbuch bietet einen Text

des Theologen und Kunstsachverständigen

Friedhelm Mennekes SJ

sowie ein Interview mit Christoph

Schaub

Lieferbar

ISBN 978-3-85881-916-1

9 783858 819161

Architektur der Unendlichkeit

Die Magie sakraler Räume. Ein Film von Christoph Schaub

Zeitlichkeit wohnt jedem Ding und Wesen inne und transzendiert, je nach Anschauung,

ins Unendliche. Wie kann ein solches Phänomen in Bilder übersetzt werden? In

seinem Film setzt Christoph Schaub in einer persönlichen Reise durch Zeit und Raum

bei seiner Kindheit an, als seine Faszination für sakrale Bauwerke und sein Staunen

über Anfang und Ende begannen. Gemeinsam mit den Architekten Peter Zumthor,

Peter Märkli und Álvaro Siza Vieira, den Kunstschaffenden James Turrell und Cristina

Iglesias und dem Schlagzeugvirtuosen Jojo Mayer ergründet Schaub die Magie

sakraler Räume, deren Definition hier weit über kirchliche Bauten hinausgeht.

Architektur der Unendlichkeit sucht Spiritualität in Bau- und bildender Kunst, aber

auch in der Natur und hebt sie über Denkgrenzen hinaus. Eine leicht schwebende

Kamera lässt uns eintauchen in traumwandlerische Bilder, nimmt uns mit auf eine

(be-)sinnliche Reise in räumliche Weiten, führt unseren Blick in die Unendlichkeit des

Sternenhimmels und in die Tiefe des Meeres.

Christoph Schaub, geboren 1958, ist einer der wichtigsten Schweizer

Filmregisseure. Zu seinen bekanntesten Werken zählen der Spielfilm

Giulias Verschwinden (2009) und seine Dokumentarfilme zum Thema

Architektur wie Peter Zumthor spricht über seine Arbeit (2017) oder

Bird’s Nest – Herzog & de Meuron in China (2008).


Frühjahr 2020 23

Herausgegeben von Giuliana Altea

und Antonella Camarda

Mit Beiträgen von Richard

Ingersoll und Marida Talamona


Museo Nivola, Orani

Gestaltet von Studio Incipit,

Mailand

Untersucht die Freundschaft

zwischen dem italienischen Künstler

Costantino Nivola und Le Corbusier

Fördert das Verständnis der

Entwicklung von Le Corbusiers

bildnerischem Schaffen und

dessen Ein fluss auf die Rezeption

seines architektonischen Werks

in Amerika

Gebunden


25 sw Abbildungen

22 × 28 cm

978-3-85881-848-5 Englisch

978-3-85881-853-9 Italienisch

ca. sFr. 39.– | € 38.–


ISBN 978-3-85881-848-5

Englisch

9 783858 818485

ISBN 978-3-85881-853-9

Italienisch

9 783858 818539

Le Corbusier

Lessons in Modernism

Eine Freundschaft

trägt Früchte: Der

sardische Künstler

Costantino Nivola

trug eine stattliche

Sammlung an

Werken seines

Freundes

Le Corbusier

zusammen

Le Corbusier und Costantino Nivola lernten sich 1946 in New York kennen, wo der

aus Sardinien stammende Plastiker seit 1939 im Exil lebte. Le Corbusier arbeitete zu

der Zeit zusammen mit einem Team rund um den Brasilianer Oscar Niemeyer am

Projekt für das UNO-Hauptquartier. Aus der Begegnung entstand eine lebenslange

Freundschaft zwischen dem Architekten und dem Künstler, in deren Verlauf Nivola

eine Sammlung von 300 Zeichnungen, sechs Gemälden und sechs Skulpturen Le Corbusiers

zusammentrug.

Dieses Buch erläutert die Geschichte der Sammlung und deren Bedeutung. Es fördert

damit ein besseres Verständnis für die Entwicklung von Le Corbusiers bildnerischem

Schaffen und für dessen Einfluss auf die Rezeption seines architektonischen Werks in

Amerika.

Giuliana Altea ist Professorin für zeitgenössische Kunstgeschichte an der

Universität in Sassari und Präsidentin der Fondazione Nivola in Orani,

Sardinien.

Antonella Camarda forscht über Kunstgeschichte an der Universität in

Sassari und ist Direktorin des Museo Nivola in Orani, Sardinien.


Frühjahr 2020 24

Herausgegeben vom

Kunsthaus Zürich

Mit einem Essay von

Casimiro Di Crescenzo


Broschur


und 50 sw Abbildungen

17 × 23,5 cm

978-3-85881-672-6 Deutsch

ca. sFr. 25.– | € 25.–


ISBN 978-3-85881-672-6

9 783858 816726

Stellt die am wenigsten bekannte

Figur der Künstlerfamilie Giacometti

ins Zentrum

Zeigt Ottilia und ihren Sohn Silvio

Giacometti im Spiegel ausgewählter

Werke von Giovanni und

Alberto Giacometti

Erscheint zur gleichnamigen

Ausstellung im Kunsthaus Zürich

(7. Februar bis 3. Mai 2020)

Die unbekannte

Schwester:

Ottilia Giacometti

in Gemälden, Zeichnungen

und Skulpturen

von ihrem

Vater Giovanni und

ihrem Bruder

Alberto verewigt

Ottilia Giacometti – Ein Porträt

Werke von Giovanni und Alberto Giacometti

Ottilia Giacometti, Schwester von Alberto, Diego und Bruno Giacometti, ist die am

wenigsten bekannte Figur der Künstlerfamilie. Fast dreissig Jahre nach der der gemeinsamen

Mutter Annetta gewidmeten Ausstellung La mamma a Stampa rückt das

Kunsthaus Zürich nun Ottilia in den Fokus, die bereits mit 33 Jahren bei der Geburt

ihres Sohnes Silvio 1937 verstarb.

In rund 70 Gemälden, Zeichnungen und Skulpturen des Vaters Giovanni und des ältesten

Bruders Alberto Giacometti skizzieren Ausstellung und Buch ein facettenreiches

Porträt Ottilias als Kind, Jugendliche und junge Frau. Diesen Werken werden Bildnisse

Silvios zur Seite gestellt, die zwischen 1937 und 1944 von Alberto Giacometti angefertigt

wurden. Ergänzt wird die Bilderschau durch einen Essay des Giacometti-Experten

Casimiro Di Cres cenzo und eine Auswahl unveröffentlichter Dokumente.

Casimiro Di Crescenzo ist freischaffender Kunsthistoriker und lebt in

Venedig.


Frühjahr 2020 25

Equilibre: Mit diesem Bild

definierte sich die grosse

Avantgardistin Sophie

Taeuber-Arp als Malerin

Weiterhin lieferbar:

Sophie Tauber-Arp

Heute ist Morgen

978-3-85881-432-6 Deutsch

978-3-85881-757-0 Englisch

sFr. 59.– | € 58.–

Herausgegeben von Angelika

Affentranger-Kirchrath

Gestaltet von Arturo Andreani

Gebunden


Abbildungen

21,5 × 25 cm

978-3-85881-662-7

Deutsch / Englisch

ca. sFr. 29.– | € 29.–

Eine fundierte Studie zu diesem

Schlüsselwerk im Schaffen Sophie

Taeuber-Arps, einer der wichtigsten

Künstlerinnen der abstrakten

Moderne

Die Reihe Schlüsselwerke der

Schweizer Kunst findet nach einer

Pause nun bei Scheidegger &

Spiess ihre Fortsetzung

Erscheint ISBN 978-3-85881-662-7 im Februar 2020

9 783858 816627

Walburga Krupp

Sophie Taeuber-Arp – Equilibre

Schlüsselwerke der Schweizer Kunst

Die Allround-Künstlerin Sophie Taeuber-Arp (1889–1943), für die der Begriff des Gesamtkunstwerks

gelebte Realität war, begann ihre künstlerische Laufbahn mit textilen

Gestaltungen, Perlarbeiten und Holzobjekten, bevor sie sich ganz der Malerei zuwandte.

Das kleinformatige Gemälde Equilibre (1931) steht symbolhaft am Beginn

dieser neuen Phase und verweist zugleich auf Vergangenes und Künftiges. Mit diesem

Werk löste sich Taeuber-Arp von ihrer bildhaften Formensprache mit abstrakt-figurativen

Elementen und einer reichen Farbigkeit. In der Folge entwickelte sie in der Konzentration

auf Rechteck, Quadrat und Kreis und dezidiert gesetzte Farben ein vielfältiges

Werk in Malerei, Relief und Zeichnung.

Im vorliegenden Band geht Walburga Krupp auf die Schlüsselrolle dieses Werks ein.

Sie zeigt anhand einer fundierten Studie auf, inwiefern Equilibre nicht nur auf den

Bildcharakter früherer Arbeiten verweist, sondern darüber hinaus auch einen Ausblick

auf die künstlerischen Themen der Folgejahre birgt.

Walburga Krupp war lange Jahre Kuratorin der Stiftung Hans Arp und

Sophie Taeuber-Arp e.V. in Rolandseck. Sie ist Mitherausgeberin der

2020 erscheinenden Briefedition Sophie Taeuber-Arps und Co-Kuratorin

der grossen Retrospektive der Künstlerin, die im Herbst 2020 im New

Yorker MoMA gezeigt wird, mit weiteren Stationen im Kunstmuseum

Basel und in der Tate Modern, London.


Frühjahr 2020 27

Rüschegg: Wendepunkt in

Motivik und künstlerischen

Verfahren im Schaffen

des grossen Fotorealisten

Gestaltet von Arturo Andreani

Gebunden


Abbildungen

21,5 × 25 cm

978-3-85881-663-4

Deutsch / Englisch

ca. sFr. 29.– | € 29.–

Erscheint

ISBN 978-3-85881-663-4

im Februar 2020

9 783858 816634

Eine fundierte Studie zu diesem

Schlüsselwerk im Schaffen Franz

Gertschs

Franz Gertsch ist einer der wichtigsten

Schweizer Künstler der Gegenwart

und weltweit stark beachteter

Vertreter des Fotorealismus

Die Reihe Schlüsselwerke der

Schweizer Kunst findet nach einer

Pause bei Scheidegger & Spiess

ihre Fortsetzung

Erscheint pünktlich zum 90. Geburtstag

des Künstlers

Erscheint zur Ausstellung

Franz Gertsch: Die Siebziger im

Museum Franz Gertsch in Burgdorf

(21. März bis 16. August 2020) und

im LENTOS Museum in Linz (2. Oktober

2020 bis 10. Januar 2021)

Angelika Affentranger-Kirchrath

Franz Gertsch – Rüschegg

Schlüsselwerke der Schweizer Kunst

Rüschegg ist das erste Landschaftsmotiv, das der 1930 geborene Schweizer Künstler

Franz Gertsch im Holzschnittverfahren ausgeführt hat. Nicht nur deswegen nimmt es

eine Schlüsselrolle in seinem Schaffen ein. Nach seinem Umzug ins Bernische Schwarzenburgerland

1978 dauert es noch zehn Jahre, bis sich die neue ländliche Umgebung

in seiner Kunst niederschlägt und er mit Rüschegg beginnt. Als Panoptikum von Franz

Gertschs ganz eigener Naturvorstellung vereint dieses Schlüsselwerk somit bereits

Vergangenes und noch Bevorstehendes innerhalb seines künstlerischen Schaffens.

In diesem Band setzt sich Angelika Affentranger-Kirchrath ausführlich mit der besonderen

Rolle von Rüschegg auseinander und zeigt auf, inwiefern sich darin frühere

Arbeiten Gertschs widerspiegeln und zeitgleich bereits später entstandene Gemälde

antizipiert werden. Das Buch gründet unter anderem auf einem persönlichen Gespräch

zwischen dem Künstler und der Autorin.

Angelika Affentranger-Kirchrath lebt und arbeitet in Zürich als freie

Autorin, Kunstpublizistin und Kuratorin. Sie ist die Verfasserin der Werkmonografie

Franz Gertsch – Die Magie des Realen, die 2004 im Benteli

Verlag erschienen ist, und Kuratorin der Franz-Gertsch-Ausstellungen in

Burgdorf und Linz.


Frühjahr 2020 29

Herausgegeben von

Ralph Gentner und Markus Jakob

Mit Beiträgen von Markus Jakob,

Ulrich Loock, Yorick Ringeisen und

Dieter Schnell

Fotografien von Thomas Telley

und Adrian Scheidegger

Gestaltet von Sofie’s

Ein neuer Blick auf die bemerkenswerte

moderne Architektur der

Stadt Bern, jenseits der weltbekannten

Altstadt

Der erste Überblick über die

Wohnbauten der frühen Moderne

in Bern

Schliesst eine Lücke in der Literatur

über die Berner Architektur

Broschur



16,5 × 24 cm

978-3-85881-635-1 Deutsch

ca. sFr. 29.– | € 29.–


ISBN 978-3-85881-635-1

9 783858 816351

Ein Spaziergang

durch Bern ausserhalb

der berühmten

Altstadt: Das erste

Kompendium zur

Architektur der

1930er-Jahre in

den Berner Aussenquartieren

Bern modern

Berner Wohnbauten der 1930er Jahre in den Quartieren

Seit den späten 1920er-Jahren hielt eine zurückhaltende Moderne Einzug in den Berner

Städtebau. Es entstanden Wohnhäuser, die einen Auftritt haben, ohne aufdringlich

zu wirken. Sie strahlen eine gewisse Noblesse, auch eine Urbanität aus, die nach 1940

verloren ging. Diese Architektur spielt im Stadtbild eine wichtige Rolle, wurde indessen

noch nie genau untersucht. Der vor Langem ausgewanderte Berner Autor Markus

Jakob spürt den über dreissig Häusern spazierend nach, im Breitenrain, im Kirchenfeld,

im Mattenhof, in der Länggasse und anderswo. Die Fotografen Thomas Telley

und Adrian Scheidegger begleiten ihn mit unkonventionellen Aufnahmen. Das Buch

wirft einen so liebevollen wie kritischen Blick auf die heutige Gestalt der Stadt. Als

Kompendium der Wohnbauten der 1930er-Jahre ergänzt es die vorhandenen Dokumentationen

über bekanntere Zeugnisse der Moderne in Bern, wie etwa Bauten von

Otto Salvisberg oder Hans Brechbühler, die hier nur gestreift werden. Die Autoren

tragen zu diesem vielschichtigen Bild der Berner Stadtteile bei, die authentische, charakterreiche

Quartiere sind. Versucht wird nicht zuletzt, daraus auch Lehren und

Perspektiven für die stadtplanerische Zukunft zu ziehen.

Ralph Gentner, Architekt und Partner im Büro Atelier 5 in Bern. Herausgeber

mehrerer Bücher über das Atelier 5 sowie des Bands Café du Commerce über

das bekannte Berner Bohème-Restaurant.

Markus Jakob, freier Autor, publiziert seit 1972 in zahlreichen Zeitungen

und Zeitschriften, lebt seit 1984 in Barcelona. Autor und Co-Autor mehrerer

Bücher über Bern und Barcelona, oft mit dem Schwerpunkt Architektur.


Frühjahr 2020 30

Herausgegeben vom

Kunsthaus Zürich

In Zusammenarbeit mit der

Einfachen Gesellschaft Kunsthaus-

Erweiterung

Veranschaulicht die bauliche

Entwicklung des Kunsthaus Zürich

Erzählt höchst anschaulich die

Architekturgeschichte des bald

grössten Schweizer Kunstmuseums

Gestaltet von Stefan Hunziker

Corti, Büro4

Broschur


sw Abbildungen sowie Pläne

19,2 × 23 cm

978-3-85881-676-4 Deutsch

978-3-85881-859-1 Englisch

978-3-85881-860-7 Französisch

sFr. 19.– | € 19.–


ISBN 978-3-85881-676-4

Deutsch

9 783858 816764

ISBN 978-3-85881-859-1

Englisch

Die spannende

Entwicklung des

Kunsthaus Zürich

und seiner Vorläufer

in den letzten

170 Jahren

9 783858 818591

ISBN 978-3-85881-860-7

Französisch

9 783858 818607

Benedikt Loderer

Die Baugeschichte des Kunsthaus Zürich

1910–2020

Mit der Eröffnung des Erweiterungsbaus des Kunsthaus Zürich, entworfen von David

Chipperfield Architects Berlin, wird das Kunsthaus Zürich zum grössten Kunstmuseum

der Schweiz. Bevor das Haus 2021 bezogen wird, blickt das Kunsthaus in diesem Buch

nun auf die wechselvolle Geschichte der Liegenschaften zurück, die in Zürich seit

Mitte des 19. Jahrhunderts als Kunsthäuser dienten.

In chronologischen Kapiteln erzählt der Schweizer Architekturkritiker Benedikt Loderer

die verschiedenen Etappen, bis das Kunsthaus 1910 am Heimplatz heimisch wurde, in

einem Bau des berühmten Architekten Karl Moser. Seither wurde das Kunsthaus

mehrfach ergänzt, und es gab zahlreiche Versuche zur visionären Gross-Erweiterung,

bis das Kunsthaus mit dem Chipperfield-Bau nun endlich im 21. Jahrhundert Massstäbe

setzen kann. Höchst anschaulich erzählt und mit vielen Bildern und neugezeichneten

Plänen der verschiedenen Erweiterungsetappen seit 1910.

Benedikt Loderer ist Mitgründer und war 25 Jahre lang Mitherausgeber

der Architekturzeitschrift Hochparterre. Zudem ist er seit Jahrzehnten

unter seinem Nom de guerre «Stadtwanderer» einer der bekanntesten

Architektur- und Urbanismuskritiker der Schweiz.


Frühjahr 2020 31

Mehr als nur Gestein:

Kalk ist auf vielfältige Weise

eine Grundlage der Bündner

Baukultur und prägt das

Handwerk bis heute

Herausgegeben von Myriam Gallo

und Christof Rösch


Fundaziun NAIRS

Mit Beiträgen von Nott Caviezel,

Ulrich Fritz, Myriam Gallo, Anne

Krauter Kellein, Raimund Rodewald,

Christof Rösch, George

Steinmann und Carlo Vagnières

Eine vielschichtige Auseinandersetzung

mit Kalkgestein als natürlicher

Ressource und Baumaterial

sowie als ästhetischem Gegenstand

Beleuchtet die Verwendung von

Kalk aus historischer, kultureller,

ästhetischer und ökologischer

Perspektive

Gestaltet von PIN (Samuel Bänziger,

Rosario Florio und Larissa Kasper)

Gebunden

106 Seiten, 116 farbige und 12 sw

Abbildungen

24,5 × 32,5 cm

978-3-85881-671-9 Deutsch

sFr. 39.– | € 38.–


ISBN 978-3-85881-671-9

9 783858 816719

Chalchera – Kalk in Transformation

Natur, Handwerk und Kunst

ausgehend von einem historischen Kalkofen im Engadin

Ein historischer Kalkofen im Unterengadin bildet den Ausgangspunkt dieses Projekts

der Fundaziun NAIRS, das sich auf vielfältige Weise dem Kalkgestein als natürlicher

Ressource, Baumaterial und ästhetischem Gegenstand nähert.

Der mit dem Ofen gewonnene Brandkalk bildet historisch eine wichtige Grundlage

der Baukultur Graubündens. Handwerk ist immer auch eine Kulturtechnik – das bilden

die Beiträge dieses Buchs ab. Neben der Geschichte des Kalkbrennens und der

Rolle des Kalks innerhalb der Baugeschichte gehen die Texte auf weitere Anwendungen

ein, etwa als Haarfärbemittel in der Antike oder als Desinfektionsmittel, sowie

auf die heutige Verwendung in der Industrie und das Verhältnis von Mensch und Kalk.

Ein Gespräch mit dem Künstler George Steinmann verortet die Bedeutung des Gesteins

in der Debatte um Ökologie. Die kraftvolle Bildserie Intangible von Myriam

Gallo schliesslich bildet die vielschichtige Natur im Farb- und Bewegungsspektrum

des Kalkgesteins, von berstend zu erstarrt, ab.

Myriam Gallo ist Kunstschaffende und hatte 2017 das Atelierstipendium

an der Fundaziun NAIRS inne. Seit 2017 ist sie für die Kuration und Programmation

des Berner Off-Space Sattelkammer hauptverantwortlich.

Christof Rösch ist Direktor und künstlerischer Leiter der Fundaziun

NAIRS. 2017 wurde er mit dem Bündner Anerkennungspreis für seine

Arbeit als Architekt und Künstler sowie als Miterfinder und Leiter der

Fundaziun NAIRS gewürdigt.


Frühjahr 2020 33

Gestaltet von Teo Schifferli

Broschur

132 Seiten, 130 farbige


18 × 23 cm

978-3-85881-664-1 Deutsch

sFr. 39.– | € 38.–


ISBN 978-3-85881-664-1

Erste umfassende und reich illustrierte

Studie zum zeichnerischen

Werk Varlins

Macht das breite Spektrum von

Varlins Schaffen als Zeichner

deutlich, das Skizzen, Studien,

Karikaturen, Servietten- und Briefzeichnungen,

Lithografien, Pinselzeichnungen

und Collagen umfasst

Reflektiert am Beispiel Varlins das

Medium Zeichnung allgemein

9 783858 816641

Wo und wann

immer Varlin unterwegs

ist, zeichnet

er Menschen: blitzschnell,

überaus

pointiert und

schonungslos

Ulrich Binder

Varlin als Zeichner

Varlin, 1900 in Zürich als Willy Guggenheim geboren und 1977 im bündnerischen

Bondo verstorben, hat sich vor allem als Maler und Porträtist bekannter Persönlichkeiten

wie Max Frisch, Friedrich Dürrenmatt oder Ernst Scheidegger und Hulda

Zumsteg einen Namen gemacht. Sein zeichnerisches Schaffen hingegen blieb bisher

weitgehend unbekannt.

Skizzenbücher waren Varlins ständige Begleiter, in denen er seine Eindrücke festhielt

und Bildkompositionen, Ausschnitte oder ungewöhnliche Blickwinkel erprobte. In

den frühen Jahren entstanden akademische Studien und Aktzeichnungen, später sind

es visuelle Satiren und Impressionen seiner Reisen, die sich in unzähligen Reisejournalen

niederschlugen.

Begleitet von zahlreichen Farbabbildungen nähern sich Ulrich Binders Texte dem grafischen

Werk Varlins über dessen künstlerische Mittel, die von Feder und Kohle über

Kugel- und Faserschreiber bis zu Servietten oder Kunstkatalogen als Träger seiner

Zeichnungen reichen.

Ulrich Binder ist seit 2007 Dozent und wissenschaftlicher Mitarbeiter

an der Zürcher Hochschule der Künste. Als freier Autor und Kurator ist

er mitverantwortlich für zahlreiche Ausstellungen und Publikationen.


Frühjahr 2020 34

Herausgegeben von Christoph

Vögele

Mit Beiträgen von Robin Byland,

Isabelle Messerli und Christoph

Vögele


Kunst museum Solothurn

Gestaltet von Guido Widmer,

Zürich

Gebunden


Ab bildungen

22 × 28 cm

978-3-85881-660-3 Deutsch

sFr. 49.– | € 48.–

Lieferbar

ISBN 978-3-85881-660-3

9 783858 816603

Erste Publikation zu Albert Ankers

Zeichnungen und Aquarellen seit

1989

Vertiefende thematische Essays

zu Ankers Werdegang und zeichnerischem

Werk

Albert Anker zählt zu den bekanntesten

und beliebtesten Schweizer

Künstlern des 19. Jahrhunderts

Erschienen zur gleichnamigen Ausstellung

im Graphischen Kabinett

des Kunstmuseum Solothurn (bis

16. Februar 2020)

Kaum öffentlich zu

sehen: Albert Anker

als Zeichner und

Aquarellmaler

Albert Anker

Zeichnungen und Aquarelle

Albert Anker (1831–1910) ist einer der bekanntesten Schweizer Maler überhaupt. Seine

Ölgemälde mit Porträts und Szenen des Volkslebens sind in zahlreichen Museen

permanent ausgestellt. Deutlich weniger bekannt ist dagegen sein Schaffen auf Papier,

dem nun erstmals eine Übersichtsausstellung gewidmet wird. Bei den Zeichnungen in

Bleistift, Kohle und Tusche sowie den Aquarellen handelt es sich nicht nur um virtuose,

rasche Skizzen und stimmungsvolle Impressionen, sondern auch um detailliert

ausgearbeitete Blätter. Darunter finden sich zum Beispiel die Illustrations-Studien zur

1894 bis 1902 erschienenen Ausgabe der Werke Jeremias Gotthelfs.

Die neue Monografie umfasst Albert Ankers ganzen Schaffensraum von den präzisen

Zeichnungen des klassizistischen Frühwerks bis zu malerischen Arbeiten in Tusche

und Wasserfarbe, denen er sich in seinen letzten Jahren fast ausschliesslich widmete.

Aquarelle mit stimmungsvollen Landschaften dokumentieren seine verschiedenen

Reisen, Studienblätter seine Tätigkeit als Illustrator und Fayence-Maler. Qualitativ

hochstehende eigenständige Blätter zeigen ihn als meisterhaften Zeichner von Menschen

und deren Lebensraum.

Christoph Vögele ist Kunsthistoriker und seit 1998 Konservator des

Kunstmuseums Solothurn. Autor zahlreicher Publikationen und Kurator

vieler Ausstellungen zur Schweizer Gegenwartskunst.


Frühjahr 2020 35

Herausgegeben von

Thomas Schmutz

Mit Beiträgen von Thomas

Schmutz und Hans-Peter Wittwer

Gestaltet von Bonbon

Broschur


Ab bildungen

20 × 26 cm

978-3-85881-666-5 Deutsch

ca. sFr. 29.– | € 29.–


ISBN 978-3-85881-666-5

9 783858 816665

Sorgfältig gestaltetes, eigenständiges

Buch, das die Wahlverwandtschaft

der beiden Künstler

zum ersten Mal erfahrbar macht


im Kunsthaus Interlaken

(4. März bis 10. Mai 2020)

Sorgfalt, Beharrlichkeit

und eine tiefe

Verbundenheit:

Peter Somm und

Adolf Dietrich im

überraschenden

Dialog zweier eigenständiger

Künstlerpersönlichkeiten

Peter Somm und Adolf Dietrich:

Eine Wahlverwandtschaft

Der 1940 geborene Schweizer Künstler Peter Somm ist von den Arbeiten des aus dem

Thurgau stammenden Malers Adolf Dietrich (1877–1957) bereits seit seiner Jugendzeit

in der Ostschweiz zutiefst fasziniert. Diese Anziehung spiegelt sich in seinen abstrakten

und konstruktivistischen Werken wider: Ein sorgfältiger, beinah meditativ ausgeführter

Bildaufbau und die Beharrlichkeit in der Umsetzung verbindet die beiden

Künstler in ihrem Schaffen. Sie haben den gleichen Pulsschlag.

Das Buch gibt Einblick in diese besondere Wahlverwandtschaft, indem es Schlüsselwerke

der beiden Künstler gegenüberstellt und somit die tiefe Verbundenheit, die ihrem

Schaffen zugrunde liegt, nachzeichnet. Peter Somm und Adolf Dietrich: Eine

Wahlverwandtschaft enthüllt erstmals diesen künstlerischen Dialog und dokumentiert

in prägnanter Weise das Schaffen Adolf Dietrichs – Hauptvertreter der Naiven Malerei

sowie der Neuen Sachlichkeit –, dessen Stil die Arbeiten von Peter Somm so nachhaltig

geprägt hat.

Thomas Schmutz ist Kunsthistoriker, Kurator und Provenienzforscher.

Bis 2018 war er als Kurator und stellvertretender Direktor am Aargauer

Kunsthaus tätig.


Frühjahr 2020 36

Herausgegeben vom

Kunsthaus Zürich

Mit Beiträgen von Jonas Beyer,

Michael Matile u.a.

Gestaltet von Lena Huber

Broschur


Abbildungen

17 × 23,5 cm

978-3-85881-678-8 Deutsch

sFr. 25.– | € 25.–

Präsentiert bislang kaum bekannte

Zeichnungen wichtiger italienischer

Meister der Renaissance und

des Barock

Referenzwerk zu italienischen

Altmeisterzeichnungen in der

Sammlung des Kunsthaus Zürich

Erscheint zur gleichnamigen

Ausstellung im Kunsthaus Zürich

(31. Januar bis 26. April 2020)


ISBN 978-3-85881-678-8

9 783858 816788

Virtuosität

auf Papier:

Zeichenkünste von

Raffael bis Guercino

Die Poesie der Linie

Italienische Meisterzeichnungen

Die Sammlung von italienischen Altmeisterzeichnungen am Kunsthaus Zürich ist ein

bislang ungehobener Schatz. Einige der prominentesten Künstler zwischen Renaissance

und Barock, darunter Raffael, Palma Vecchio und Correggio, sind im Bestand

der Grafischen Sammlung mit exquisiten Zeichnungen vertreten. Erstmals wurde nun

eine breitere Auswahl von Blättern einer eingehenden Untersuchung unterzogen. Der

daraus hervorgegangene Band versteht sich ebenso als künftiges Referenzwerk für

diesen Teil des Museumsbestands wie auch als Begleitbuch der gleichnamigen Ausstellung

im Kunsthaus Zürich. Das Projekt entstand in Kooperation mit dem Kunsthistorischen

Institut der Universität Zürich.

Jonas Beyer ist seit Januar 2018 Kurator an der Grafischen Sammlung im

Kunsthaus Zürich. Zuvor war er als wissenschaftlicher Mitarbeiter und

Ausstellungskurator an der Hamburger Kunsthalle tätig.

Michael Matile ist seit April 2018 Dozent am Kunsthistorischen Institut

der Universität Zürich. Zuvor war er langjährig als Konservator und

Ausstellungskurator an der Graphischen Sammlung ETH Zürich tätig.


Frühjahr 2020 37

Herausgegeben von Roland Scotti

Mit Beiträgen von Stefania

Pitscheider und Roland Scotti


Heinrich Gebert Kulturstiftung

Appenzell – Kunstmuseum Appenzell

/ Kunsthalle Ziegelhütte

Zeigt neue Arbeiten der Schweizer

Textil-Künstlerin Nesa Gschwend


in der Kunsthalle Ziegelhütte

Appenzell (bis 15. März 2020)


Gebunden


Abbildungen

19,5 × 25 cm

978-3-85881-674-0

Deutsch / Englisch

ca. sFr. 35.– | € 29.–


ISBN 978-3-85881-674-0

9 783858 816740

Tradition und

Avantgarde:

Nesa Gschwend

schafft mit ihren

Arbeiten ein

zeitloses Abbild der

condition humaine

Nesa Gschwend – Memories of Textiles

Die 1959 in St. Gallen gebore Künstlerin Nesa Gschwend verbindet in ihrem Werk

handwerkliche Traditionen wie Sticken, Nähen und Knüpfen mit avantgardistischen

und performativen Techniken des Kunstschaffens. Sie gehört zu den profiliertesten

Künstlerinnen der Schweiz, die in ihrem Werk Individualität und Gemeinschaft reflektiert

und aktiv gestaltet. In ihren Arbeiten Human oder den Relations verarbeitet

Gschwend autobiografisch aufgeladene Materialien wie Haare oder Kleidungsstücke,

die ihrer eigenen Familie entstammen. Sie verflicht damit das Materielle mit der geistigen

Substanz der Erinnerungen, überführt das subjektive in das kollektive Gedächtnis.

Das Kollektiv ist auch essenzieller Bestandteil ihrer Arbeit Living Fabrics, einer

textilen Installation, die aus partizipativen Performances mit Personen aus verschiedenen

sozialen Schichten und Nationen entstanden ist. Aus dem Zusammenspiel von

Künstlerin und Mitwirkenden haben sich vielgestaltige Objekte entwickelt – Sinnbilder

für die Notwendigkeit des Miteinanders.

Roland Scotti, Kurator und Geschäftsführer der Heinrich Gebert Kulturstiftung

Appenzell (Kunstmuseum Appenzell/Kunsthalle Ziegelhütte).

Zahlreiche Publikationen zur Kunst der klassischen Avantgarde, zur

Kunst der 1960er-Jahre, zur zeitgenössischen Malerei und zur Geschichte

der Fotografie.


Frühjahr 2020 38

Herausgegeben von Dorothee

Messmer, Katja Herlach und Claire

Hoffmann

Mit Beiträgen von Damian Christinger,

Basil Fahrländer, Sabine

Fellner, Katja Herlach, Claire Hoffmann,

Susanna Koeberle, Déborah

Laks, Dorothee Messmer, Stefanie

Steinmann und Nives Widauer

Eine Retrospektive des drei

Jahrzehnte umfassenden Schaffens

der bedeutenden Schweizer

Gegenwartskünstlerin

Ihre Werke und kollaborativen

Projekte sind regelmässig in internationalen

Einzel- und Gruppenausstellungen

zu sehen


Kunstmuseum Olten und dem

Centre culturel suisse. Paris

Gestaltet von Emanuel Tschumi

Gebunden



21 × 27 cm

978-3-85881-659-7

Deutsch / Englisch

sFr. 49.– | € 48.–

Lieferbar

ISBN 978-3-85881-659-7

Streifzug durch

stimmungsvolle

Arrangements:

Nives Widauer lädt

in die Villa Nix

und präsentiert ihre

Installationen

und Werke

9 783858 816597

Nives Widauer

VILLA NIX

Nives Widauer: VILLA NIX bietet einen Überblick des drei Jahrzehnte umfassenden

Schaffens dieser wichtigen Protagonistin der Schweizer Gegenwartskunst. Wie der

Titel schon anklingen lässt, hat Widauer mit der Villa Nix ein imaginäres Heim für

ihre Kunst erschaffen. Anspielend auf ihren Künstlernamen – Nix und Nives sind

Variationen des lateinischen Begriffs für Schnee – lässt das Buch die Leserinnen und

Leser in die Vorstellungswelten der Künstlerin eintauchen und ihre Installationen und

Werke erkunden. In den Räumen, die dem Buch sein Gerüst verleihen, hat Widauer

ausgewählte Werke zu stimmungsvollen Arrangements zusammengestellt. So wird

jedes dieser Buch-Zimmer zu einem Ort der Erinnerung, mit den ihm spezifischen

historischen und kulturellen Konnotationen. Einleitende Texte und Gespräche reflektieren

den Charakter der Räume und die ihnen innewohnende Kunst.

Dorothee Messmer ist Direktorin des Kunstmuseum Olten.

Katja Herlach ist Kuratorin und stellvertretende Direktorin

am Kunstmuseum Olten.

Claire Hoffmann ist Kuratorin für visuelle Künste, Design

und Architektur am Centre culturel suisse in Paris.


Frühjahr 2020 39

Herausgegeben von Richard

Overstreet und Neil Zukerman

Mit Beiträgen von Richard

Overstreet, Peter Webb und Neil

Zukerman


Mailand

2 Bände in Schuber, gebunden

Total ca. 672 Seiten,

ca. 1160 farbige Abbildungen

24 × 30 cm

978-3-85881-843-0 Englisch

ca. sFr. 380.– | € 350.–

Das massgebende Referenzwerk

zu Leonor Fini, der bedeutenden

Protagonistin des Surrealismus

Bietet das erste komplette Werkverzeichnis

ihrer Ölgemälde

Mit einer prägnanten, aktualisierten

Biografie Finis des Kunsthistorikers

Peter Webb sowie einer umfassenden

Bibliografie

Erscheint im April 2020

ISBN 978-3-85881-843-0

9 783858 818430

Die Selbstbestimmte:

Das Werkverzeichnis

der Ölgemälde

von Leonor Fini

Leonor Fini

Catalogue Raisonné of the Oil Paintings

Leonor Fini (1907–1996) war eine aussergewöhnliche Persönlichkeit in der Kunstszene

des 20. Jahrhunderts. Obwohl sie 1936 an der berühmten Ausstellung Fantastic Art,

Dada and Surrealism im Museum of Modern Art in New York teilnahm und mit

Künstlern wie Max Ernst, Georges Bataille und Jean Cocteau befreundet war, liess sie

sich nie von der surrealistischen Bewegung vereinnahmen. Sie legte viel Wert auf ihre

Unabhängigkeit, bildete sich selbst weiter und war bekannt für ihren provokativen Stil

und ihre Eleganz. Fini war neben ihrer Tätigkeit als Malerin auch eine leidenschaftliche

Illustratorin, Autorin und Designerin für Theater, Ballett, Oper und Kino.

Dieser reich illustrierte Catalogue raisonné zeigt mehr als 1100 Ölgemälde der Künstlerin

und wird ergänzt durch Beiträge der Fini-Experten Richard Overstreet und Neil

Zukerman sowie eine aktualisierte Biografie Finis des britischen Kunsthistorikers

Peter Webb.

Richard Overstreet ist Künstler und Kunsthistoriker. 1998 gründete er

das Leonor-Fini-Archiv in Paris.

Neil Zukerman führt in New York die CFM Gallery. Er hat sich auf das

Werk Leonor Finis spezialisiert und ist Autor mehrerer Bücher über sie.

Peter Webb ist Kunsthistoriker und hat umfassend zu Kunst und Künstlern

des 20. Jahrhunderts publiziert. Er lehrte am Coventry College of Art sowie

am Hornsey College of Art und an der Middlesex University in London.


Frühjahr 2020 40

Herausgegeben von

Antonella Camarda

Mit einem Gespräch

mit Lawrence Weiner


Museo Nivola, Orani


Mailand

Broschur


Abbildungen

16 × 22 cm

978-3-85881-847-8

Englisch / Italienisch

ca. sFr. 39.– | € 38.–


ISBN 978-3-85881-847-8

9 783858 818478

Lawrence Weiner ist ein Pionier

der Konzeptkunst

Präsentiert eine sprachbasierte

Installation Lawrence Weiners im

Museo Nivola in Orani, Sardinien

Mit einem Interview mit dem

Künstler über sein Schaffen

Sprache vermittelt

Assoziationen:

Lawrence Weiners

konzeptionelle Arbeit

eröffnet weite

Interpretationsräume

Lawrence Weiner

Attached by Ebb and Flow

Lawrence Weiner, geboren 1942 in New York, ist eine Schlüsselfigur der frühen Konzeptkunst,

dessen Werk sich durch die Verwendung von Sprache als künstlerisches

Medium auszeichnet. Seine Installation Attached by Ebb and Flow im Ausstellungspavillon

des Museo Nivola in Orani auf Sardinien verweist auf die Gezeiten und steht

in Beziehung zur Erfahrung von Exil und Umsiedlung des sardischen Künstlers Costantino

Nivola wie auch zur aktuellen Flüchtlingskrise im Mittelmeer. Auf Wände

appliziert, stehen sich Übersetzungen des Werktitels aus dem Englischen ins Italienische

und in das lokale Sardu gegenüber. Die unterschiedlichen Wörter und Satzgefüge

eröffnen mannigfache Lese- und Interpretationsmöglichkeiten – basierend auf den

kulturell und geografisch verschiedenen Assoziationen, die an die Sprachen geknüpft

sind.

Antonella Camarda forscht über Kunstgeschichte an der Universität in

Sassari und ist Direktorin des Museo Nivola in Orani, Sardinien.


Frühjahr 2020 41

14

12

Keep your nose to the

grindstone

Carole painting

Grande Catalina, 1981

Chrysalis - Detail, 2017

15

13

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96

97

4

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70

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JPG

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Moggi photo of

Carole Feuerman

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5

47

71

Carole A.

FEUERMAN

Fifty Years of Looking Good


(both too numerous to count), the selection aims at decisions made by

Feuerman that, in this friend’s opinion, are revealing of her committed,

deliberate and self-confident way of thinking. Few artists are so closely

identified with their own works as this courageous modern sculptor.

1. In November 1975, Feuerman received a coveted

commission to design a cover for National Lampoon

magazine

Famous for its attention-grabbing covers, the avant-garde Lampoon

knew Feuerman’s designs for record covers and rock concert publicity,

including the Rolling Stones. Since the theme was “Work,” she

illustrated the saying, “Keep your nose to the grindstone.” But rather

than a painting in her usual style, she changed her technique entirely.

The Lampoon cover is a close-up photograph of her first ever lifecast

of a model’s face, realistically painted with spurts of blood. The

graphic impact is exciting, even terrifying. Her willingness to take

such a risk was typical of her fearlessness.

2. The story of Catalina began on a beach in 1977

When Carole Feuerman turned to sculpture in 1978, she took Hyperrealism in a

new direction: she got personal. Photorealism, the term used for paintings, had

made its debut in the 1960s as an off-shoot of Pop Art. Richard Estes’ paintings

of subway cars and Duane Hanson’s sculpture of a supermarket housewife in

curlers were overt satires of junk-food culture. There was an implicit irony in the

idea of a handmade art vaunting the objectivity of photographs. Born in 1945,

Feuerman was a full generation behind Duane Hanson (1925–1996) and a few

years younger than John De Andrea (born 1941), the two sculptors with whom

she ultimately came to comprise the leading trio of American Hyperrealists. Although

Hanson and De Andrea were important 1960s precedents for her realism,

Feuerman’s sculptures reflected her deeper affinity with the sympathetic narratives

of the monochromatic statues by George Segal (1924–2000).

She chose the name of Catalina, because islands represent isolation from

other lands. “When a swimmer submerges into the water they escape the stresses

of the outside world, and they emerge cleansed and invigorated.” The water beads

up on the swimmer’s glowing arms and shoulders, yet Catalina is not about the

Elegante, verträumte Schwimmerinnen:

Carole A. Feuermans lebensechte Figuren begegnen

uns als präzise gefasste Momentaufnahmen


John T. Spike

In August of 1977, a young, talented illustrator sat down on Jones Beach, Long

Island, to do some thinking. At thirty-two years old, Carole Feuerman was ten

years into an award-winning career as a commercial artist in New York City.

Married and divorced, with three children, she was working day and night to

keep all the pieces together. Now she was also contemplating a major change.

Could she leave illustration behind and begin a new career in the arts, as an independent

sculptor of her own ideas?

Sitting on the beach, she saw a swimmer emerging from the sea, waterdrops

streaming down her face. “She looked proud, like she had just accomplished

something great. With goggles, hair slicked back, I saw her step out of

herself and come into a new reality. Then I figured out how to do it. That woman

gave me the idea to make my first swimmer sculpture, Snorkel.” Three years

later, she made a second swimmer, this time sparing the snorkeling props, and

focusing her attention on the young woman’s radiant, glistening face. She gave

the sculpture the name of an island, Catalina.

Fifty Years of Looking Good is the fourth substantial book about Feuerman’s

career, which has been on a continuous upward trajectory for decades now,

as these copious pages will attest. Her childhood propensity towards art, family

history, schooling, success as an illustrator, and first two decades in sculpture were

admirably described in an essay by Eleanor Munro in her first book, Feuerman

Sculptures, 1999 (2nd rev. ed., 2010). Through the years, Feuerman’s work has

also received attentive interpretations by leading critics such as Robert Kuspit,

John Yau, Peter Frank, David S. Rubin, Stephen C. Foster, Edward Rubin, not to

mention the present writer.

After fifty years it seems right to single out a few “defining moments” in the

career of this important living artist. These moments mostly take place over years:

indeed the last, no. 7 in this list, is still underway. Rather than exhibitions or sales

Herausgegeben von John T. Spike

Mit Beiträgen von

Claudia Moscovici und John Yau

Gestaltet von Evelina Laviano

Gebunden

192 Seiten, 120 farbige Abbildungen

24 × 30 cm

978-3-85881-844-7 Englisch

sFr. 65.– | € 58.–

Die bisher umfangreichste

Monografie über die wichtige

amerikanische Künstlerin

Carole A. Feuerman

Reich illustrierter Überblick des

fünf Jahrzehnte umfassenden

Schaffens mit über 200 Werken

Feuerman ist eine massgebende

Pionierin des Hyperrealismus

in der Plastik


ISBN 9783858818447

9 783858 818447

Carole A. Feuerman


Carole A. Feuerman gehört mit Duane Hanson und John De Andrea zu den amerikanischen

Protagonisten der hyperrealistischen Plastik. Die 1945 geborene Künstlerin

absolvierte ihre Ausbildung in New York und Philadelphia und begann ihre bildnerische

Karriere als Illustratorin, bevor sie sich in den 1970er-Jahren erfolgreich der

Skulptur zuwandte. Ihr Werk wurde in zahlreichen Einzel- und Gruppenausstellungen

in Galerien, Museen und an Kunstmessen in Amerika, Europa und Asien gezeigt.

Während fünf Jahrzehnten hat Feuerman lebensechte, vornehmlich weibliche Figuren

geschaffen, die uns als erstarrte Momentaufnahmen begegnen. Im Gegensatz zum

historisch aufgeladenen Motiv der Badenden ist bei Feuermans Schwimmerinnen nicht

der Körper Inhalt der Betrachtung. Er dient vielmehr als Ausdrucksmittel und Formwerdung

eines Geisteszustands.

Dieses Buch ist der bisher umfangreichste Überblick zu Feuermans Œuvre. Reich bebildert,

zeigt es die Virtuosität der Künstlerin und die Vielfalt an Materialien und

Medien, derer sie sich bedient.

John T. Spike ist ein amerikanischer Kunsthistoriker. Er lebt und arbeitet

in Italien als Kurator, Autor und Dozent sowie als Kritiker zeitgenössischer

Kunst.


Frühjahr 2020 43

Herausgegeben von Gitte Ørskou

Mit Beiträgen von Brooke

Lynn McGowan und Gitte Ørskou


Mailand

Erste umfassende Monografie zum

bedeutenden dänischen Künstler

Michael Kvium

Bietet einen Überblick seines

gesamten Werks in Malerei, Zeichnung,

Druckgrafik und Skulptur

Gebunden

ca. 304 Seiten, 296 farbige und

8 sw Ab bildungen

24 × 30 cm

978-3-85881-849-2 Englisch

ca. sFr. 85.– | € 77.–

Erscheint ISBN 978-3-85881-849-2 im Februar 2020

9 783858 818492

Eine sonderbare

Maskerade: Michael

Kvium zeigt die

Abgründe des

Menschen und der

westlichen Kultur

Michael Kvium

A Retrospective

Das vielfältige Werk des 1955 geborenen dänischen Künstlers Michael Kvium umfasst

Malerei, Druckgrafik, Zeichnung und Aquarell, Skulptur wie auch Performance und

Bühnenbilder. Seine Arbeiten, welche die Abgründe der westlichen Kultur zur Schau

stellen, erinnern zuweilen an Comicstrips oder Fortführungen barocker Gemälde.

Groteske Gestalten, die teilweise als Selbstporträts gelesen werden können, gehören zu

den Hauptmotiven Kviums. Der Künstler präsentiert uns ihre fragilen Körper in unmittelbarer

Nähe, stellt sie ins Rampenlicht seiner Arbeiten. Festgehalten in einem

pastosen Farbauftrag, ziehen die närrischen Wesen den Blick auf sich und wecken

zugleich Ekelgefühle.

Diese erste umfangreiche Monografie bildet die gesamte Karriere Kviums seit den

1980er-Jahren ab und zeigt seine zahlreichen Werkstränge, von den frühen Experimenten

bis zur Kritik an der gegenwärtigen westlichen Gesellschaft.

Gitte Ørskou ist eine dänische Kunsthistorikerin und Direktorin des Moderna

Museet in Stockholm.


Frühjahr 2020 44

Herausgegeben von

Nicole Schweizer

Mit Beiträgen von Robert Ireland,

Agathe Jarczyk und Geneviève

Loup


Musée cantonal des Beaux-Arts

Lausanne

Gestaltet von Adeline Mollard

Broschur


und sw Abbildungen

20 × 26 cm

978-3-85881-855-3

Englisch / Französisch

ca. sFr. 39.– | € 38.–

Erscheint im Juni 2020

ISBN 978-3-85881-855-3

Jean Otth

Works 1964–2013

Erste umfassende Monografie zum

Gesamtwerk von Jean Otth

Jean Otth war ein bedeutender

Wegbereiter der Videokunst in der

Schweiz

Erscheint zur Ausstellung Jean Otth.

Les espaces de projection im

Musée cantonal des Beaux-Arts,

Lausanne (19. Juni bis 13. September

2020)

9 783858 818553

Jean Otth (1940–2013), ein Pionier der Videokunst in der Schweiz, begann Ende der 1960er-

Jahre die visuellen Möglichkeiten der neuen Technologien zu nutzen: Dias als projizierte und

entmaterialisierte Bilder, das Fernsehen und seine Sprache, die bewegliche Natur des Videos. Es

sind stets Fragen der Repräsentation selbst – oder ihre Abwesenheit –, die im Mittelpunkt

seiner Studien stehen. Neue Technologien und klassische Referenzen der Kunstgeschichte treten

in seinen Werken in ein Wechselspiel und verknüpfen Tradition und Mythos mit modernen

visuellen Experimenten.

Diese reich bebilderte Monografie präsentiert erstmals Jean Otths fotografisches, videografisches

und zeichnerisches Œuvre.

Herausgegeben vom Musée

cantonal des Beaux-Arts Lausanne

Mit Beiträgen von Bernard Fibicher,

Catherine Lepdor, Camille Lévêque-

Claudet, Laurence Schmidlin,

Nicole Schweizer und Camille

de Alencastro

Gestaltet von Simone Farner und

Naima Schalcher

Gebunden


Abbildungen

16,5 × 23 cm

978-3-85881-851-5 Französisch

978-3-85881-850-8 Englisch

sFr. 29.– | € 29.–


ISBN 978-3-85881-851-5

Französisch

Musée cantonal des Beaux-Arts Lausanne –

Guide de la collection

Ein Handbuch zur bemerkenswerten

Sammlung des MCBA in Lausanne

Offenbart neue Einblicke in die

Geschichte des Museums und

seiner bedeutenden Bestände

Zum Blättern und Stöbern für

Zuhause oder im direkten Kontakt

mit den Werken beim Besuch im

Museum

9 783858 818515

ISBN 978-3-85881-850-8

Englisch

9 783858 818508

Dieser Sammlungsführer lädt dazu ein, die Sammlung des Musée cantonal des Beaux-Arts

Lausanne (MCBA) – 1841 gegründet und seit Oktober 2019 im markanten Neubau der Architekten

Barozzi Veiga beheimatet – zu entdecken. Die beeindruckenden Bestände des Museums

umfassen vielfältige nationale wie internationale Kunstwerke vom 14. Jahrhundert bis in die

heutige Zeit.

Das Handbuch bietet zu jeder der 212 Werkpräsentationen einen konzisen Kommentar zur

Entstehungs- sowie Rezeptionsgeschichte. Diese Präsentationen werden von einem ausführlichen

Essay der Chefkuratorin Catherine Lepdor begleitet, die den Weg des MCBA zu dieser

bedeutsamen Sammlung von ihren Anfängen bis heute nachzeichnet.


Frühjahr 2020 45

Strukturen und Dynamiken

im Werk dieser Schlüsselfigur

der Performance-Kunst

Psychoanalytikerin trifft

Marina Abramović

Künstlerin trifft Jeannette Fischer

978-3-85881-546-0 Deutsch

978-3-85881-794-5 Englisch

sFr. 19.– | € 19.–

Eine herausragende Kunstsammlerin

im Dialog

Der innere Spiegel

Gespräche mit der Kunstsammlerin

Ursula Hauser

978-3-85881-631-3 Deutsch

sFr. 39.– | € 38.–

Kunstproduktion und Aktivismus im

Schatten der schweren Krankheit

United by AIDS

An Anthology on Art in Response to

HIV / AIDS

978-3-85881-839-3 Englisch

sFr. 49.– | € 48.–

Aus dem Leben einer Kastanie:

Felix Studinkas gezeichnetes

Baum-Tagebuch

Chestnut Journal

978-3-85881-628-3 Deutsch / Englisch

sFr. 49.– | € 48.–

E-Book

978-3-85881-917-8 PDF

978-3-85881-918-5 EPUB

sFr. 9.90 | € 9.–

Reliefs und monumentale Skulpturen:

Das erste Buch zu Hans Arps Werken

im Zusammenhang mit Architektur

Public Arp

Hans Arp – Architekturbezogene

Arbeiten

978-3-85881-652-8 Deutsch

sFr. 39.– | € 38.–

Peter Zumthor im Gespräch mit

Mari Lending über Geschichte, Zeit,

Ort und Erinnerung in seinem Werk

Die Geschichte in den Dingen

978-3-85881-558-3 Deutsch

978-3-85881-805-8 Englisch

978-3-85881-812-6 Französisch

sFr. 29.– | € 29.–

Christoph Schaubs grossartige

filmische Collage über Peter Zumthor,

sein Schaffen und seine Inspirationen

Peter Zumthor spricht

über seine Arbeit

Eine biografische Collage

978-3-85881-914-7 Deutsch

978-3-85881-915-4 Englisch

sFr. 39.– | € 39.–

Ausgewählte Bauten von

Ruch & Partner Architekten, die mit

ihren Interventionen in historischen

Engadiner Häusern bekannt wurden

Close-up – Ruch & Partner

Architekten 1994–2018

978-3-85881-553-8 Deutsch

978-3-85881-797-6 Englisch

sFr. 150.– | € 140.–


Backlist 46

Die Neuausgabe einer massgeblichen

Monografie über Max Bill

Max Bill: ohne Anfang, ohne Ende


sFr. 49.– | € 48.–

Die globale Ausstrahlung dieser Ikone

der europäischen Moderne

Bauhaus Imaginista

Die globale Rezeption bis heute

978-3-85881-623-8 Deutsch

sFr. 65.– | € 58.–

Raffinierte Techniken und grosse

Künstler: ein vertiefter Einblick in die

Welt der Druckgrafik

Kleines Handbuch der Druckgrafik

978-3-85881-638-2 Deutsch

978-3-85881-832-4 Französisch

sFr. 29.– | € 29.–

Eine Einführung in Schaffen, Wirkung

und Nachlass des bedeutenden

Kunsthistorikerpaars

Die Welt der Giedions

Sigfried Giedion und Carola

Giedion-Welcker im Dialog

978-3-85881-610-8 Deutsch

978-3-85881-819-5 Englisch

sFr. 99.– | € 97.–

Tomas Wüthrichs einmaliger Einblick in

das Leben der Penan

Doomed Paradise

Die letzten Penan im Regenwald

von Borneo


sFr. 49.– | € 48.–

Von Verführung und Vergänglichkeit:

Anna Halm Schudels Blumenbilder

Blossom


sFr. 59.– | € 48.–

Mit Liebe zum Detail: Die Rück führung

von Le Corbusiers letztem Bauwerk in

den Originalzustand

Pavillon Le Corbusier Zürich

Restaurierung eines

Architektur-Juwels

978-3-85881-493-7 Deutsch

978-3-85881-852-2 Englisch

sFr. 39.– | € 38.–

Jetzt komplett: die massgebliche

Monografie über die herausragende

Avantgarde-Designerin

Charlotte Perriand

Complete Works

978-3-85881-746-4 Volume 1

978-3-85881-747-1 Volume 2

978-3-85881-748-8 Volume 3

978-3-85881-778-5 Volume 4

Englisch

sFr. 120.– | € 120.– pro Band


Backlist 47


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Der Verlag Scheidegger & Spiess

wird vom Bundesamt für Kultur mit

einem Strukturbeitrag für die Jahre

2016–2020 unterstützt.

Stand Januar 2020

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bleiben Änderungen und Irrtum vorbehalten.

Umschlagbild: Inneneinrichtung an der All-Union

Competition for the Best Model Furniture for

Residential and Public Buildings

© All-Union Ausstellungskatalog, 1972.

Aus dem Buch: Soviet Design. From Constructivism

to Modernism. 1920–1980, siehe S. 5.

Jan Groover, Photographer

Laboratory of Forms

Herausgegeben von Tatyana Franck

In Zusammenarbeit mit dem Musée de l’Elysée, Lausanne

Gebunden

192 Seiten, 130 farbige und 15 sw Abbildungen

21 × 27 cm

978-3-85881-838-6 Englisch

sFr. ISBN 978-3-85881-838-6 49.– | € 48.–

9 783858 818386

Erstmals betrachtet eine umfassende Monografie das gesamte

Schaffen der Künstlerin Jan Groover (1943–2012), von den

Anfängen als Autodidaktin in den USA bis zu ihren späten

Jahren Frankreich. Es zeigt ihre eigene ästhetische Haltung,

die von den frühen fotografischen Experimenten über die im

Studio sorgfältig komponierten Stillleben bis zum erneuten

Experimentieren mit alten Fototechniken wie Platindruck

und mit Grossformatkameras des frühen 20. Jahrhunderts

zum Ausdruck kommt.

Vorschau Scheidegger & Spiess Fruehjahr 2020

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