Vorschau Scheidegger & Spiess Herbst 2023

Scheidegger & Spiess 

Kunst I Fotografie I Architektur 

Herbst 2023

Wichtige Neuerscheinungen Frühjahr 2023 

Herausgegeben von Ludovica 

Introini und Francesca Bernasconi 

Gebunden 

184 Seiten, 102 farbige 

Abbildungen 

21 × 24 cm 

978-3-03942-129-9 Deutsch 

978-3-03942-130-5 Englisch 

sFr. 49.– | € 48.– 

ISBN 9783039421299 

Deutsch 

9 783039 421299 

ISBN 9783039421305 

Englisch 

9 783039 421305 

Werner Bischof 

Unseen Colour 

Werner Bischof (1916–1954) ist berühmt für seine eindrücklichen 

Schwarzweiss-Fotografien. Kaum bekannt sind dagegen 

seine frühen Farbaufnahmen, entstanden in den ersten Jahren 

nach seiner Ausbildung an der Zürcher Kunstgewerbeschule. 

102 dieser kürzlich restaurierten Bilder werden in diesem 

Buch erstmals publiziert. Sie lassen bereits die feinfühlige Ästhetik 

erkennen, die das gesamte Schaffen des Zürcher Magnum-Fotografen 

prägt. 

Stadtwerdung im Zeitraffer 

Die Fotografische Langzeitbeobachtung Schlieren 

2005–2020 zeigt, wie sich das Schweizer Mittelland 

entwickelt 

Dieses zweibändige Buch dokumentiert eine einzigartige und international 

viel beachtete Langzeitstudie der Siedlungsentwicklung 

in der Schweiz. Über 15 Jahre wurde fotografisch untersucht, 

wie Bautätigkeit und urbane Entwicklung den Charakter 

einer typischen Schweizer Vorortsgemeinde im Agglomerationsgürtel 

der Stadt Zürich verändern, die in den Jahren 2005–2020 

von 13 000 auf 20 000 Einwohnende wuchs. 

Herausgegeben von Meret Wandeler, 

Ulrich Görlich und Caspar Schärer 

Broschur in Schuber 


Abbildungen 

22,5 × 30 cm 

978-3-03942-139-8 Deutsch 

978-3-03942-140-4 Englisch 

sFr. 79.– | € 77.– 

ISBN 9783039421398 

Deutsch 

9 783039 421398 

ISBN 9783039421404 

Englisch 

9 783039 421404 

Herausgegeben vom 

Kunsthaus Zürich 

Broschur 

168 Seiten, 145 farbige und 

5 sw Abbildungen 

21,5 × 26 cm 

978-3-03942-123-7 Deutsch 

sFr. 39.– | € 38.– 

ISBN 978-3-03942-123-7 

9 783039 421237 

Füssli 

Mode – Fetisch – Fantasie 

Johann Heinrich Füssli (1741–1825) spaltete mit dem betont 

sensationslüsternen Charakter seiner Kunst die öffentliche 

Meinung seiner Zeit. Dieses Buch bietet Gelegenheit, den 

Zeichner Füssli in seiner aufregendsten Form zu entdecken. 

Seine zutiefst ambivalente Darstellung ermächtigter Weiblichkeit 

ist hochaktuell in unserer Zeit intensiver Auseinandersetzung 

mit den Überschneidungen von Kunst, Geschlecht, Sexualität 

und Macht. 

Marguerite Saegesser 

American Monotypes 

In den USA gelangte Marguerite Saegesser (1922–2011) zu 

künstlerischem Ruhm, in der Schweiz jedoch gilt es, die Künstlerin 

und ihr vielseitiges Schaffen erst noch zu entdecken. 

Dieses Buch beleuchtet ihr Werk mit einem besonderen Fokus 

auf das für sie zentrale Medium der Monotypie und darauf, 

wie Saegesser im San Francisco der späten 1970er-Jahre ihre 

künstlerische Bestimmung fand. 

Herausgegeben von Helen Hirsch 

Broschur 



20 × 27 cm 

978-3-03942-133-6 

Deutsch / Englisch 

sFr. ISBN 9783039421336 39.– | € 38.– 

9 783039 421336

Wolfgang Beltracchi 

Die Wiederkehr des Salvator Mundi 

Der Maler und legendäre Kunstfälscher Wolfgang Beltracchi hat ein neues 

künstlerisches Kapitel aufgeschlagen. Schwerpunkt ist eine umfangreiche Serie 

von Bildern, die als digitale Kunstwerke in den Verkauf gebracht wurden. Ihr 

Ausgangspunkt ist das Leonardo da Vinci zugeschriebene Gemälde Salvator 

Mundi. Unter dem Titel The Greats hat Beltracchi mehrere Hundert Fassungen 

davon in den unterschiedlichsten Stilen gemalt, von der Renaissance über 

den Kubismus bis zu Pop-Art und Manga. Ein faszinierendes Vexierspiel mit 

dem umstrittenen Gemälde und seiner Symbolik. 

Der grossformatige Band verbindet Einblicke in Beltracchis Atelier des bekannten 

Schweizer Fotografen Alberto Venzago mit einer Dokumentation 

von The Greats sowie mit Texten prominenter Autorinnen und Autoren, 

darunter der Philosoph Peter Sloterdijk, der Literaturwissenschaftler Hans 

Ulich Gumbrecht und die Stern-Starreporterin Ulrike Posche. 

Herausgegeben von Alberto Venzago 

Gebunden 

212 Seiten, 143 farbige und 33 sw Abbildungen 

24 × 32,5 cm 

978-3-03942-138-1 Deutsch 

978-3-03942-142-8 Englisch 

ISBN 9783039421381 

Deutsch 

ISBN 9783039421428 

Englisch 

sFr. 49.– | € 48.– 

9 783039 421381 

9 783039 421428 

Petra Hagen Hodgson 

Gebaute Beziehungen 

Max Frisch und Franz Bruno Frisch – Zwei Architekten 

im Kontext ihrer Zeit 

Max Frisch (1911–1991) hat als Schriftsteller Weltruhm erlangt. Dass er auch 

Architekt war, ist viel weniger bekannt, obwohl er auch in dieser Disziplin 

deutliche Spuren hinterlassen hat, mit einigen Bauten und als kritischer, 

scharfzüngiger Geist, dessen Ansichten bis heute in den städtebaulichen und 

gesellschaftsarchitektonischen Diskurs einfliessen. Zu Unrecht völlig unbekannt 

ist heute Max’ Vater Franz Bruno Frisch (1871–1932), ebenfalls Architekt, 

dessen gebautes Werk deutlich grösser ist und dessen erhalten gebliebene 

Gebäude oftmals unter Denkmalschutz stehen. 

Dieses Buch schliesst diese Lücken. Es beleuchtet unter dem Aspekt der Beziehungen 

das architektonische Denken und Schaffen von Vater und Sohn 

Frisch und betrachtet auch Pa rallelen von Architektur und Literatur in Max 

Frischs Werk. 

Gebunden 

ca. 496 Seiten, 320 farbige und 80 sw Abbildungen 

24 × 32,5 cm 

978-3-03942-128-2 Deutsch 

ISBN 9783039421282 

sFr. 49.– | € 48.– 

Erscheint im September 2023 

9 783039 421282 


Herbst 2023 3

Poetisch, radikal und ironisch – Hannah Höchs Montagen 

und die visuelle Kultur der Moderne

Herausgegeben von Martin 

Waldmeier und Nina Zimmer 

Mit Beiträgen von Kristin 

Makholm, Martin Waldmeier, 

Nina Zimmer u. a. 

Gestaltet von Bonbon, Zürich 

In Zusammenarbeit mit dem 

Zentrum Paul Klee, Bern 

Broschur 

ca. 192 Seiten, 150 farbige 

und sw Abbildungen 

17 × 23 cm 

978-3-03942-171-8 Deutsch 

978-3-03942-172-5 Englisch 

ca. sFr. 39.– | € 38.– 

Erscheint im November 2023 

ISBN 9783039421718 

ISBN 9783039421725 

Erste umfassende Betrachtung von 

Höchs Montagen im Kontext des 

Films 

Beleuchtet erstmals die Pionierleistung 

Hannah Höchs, die sich 

als erste Künstlerin mit der 

«Bilderflut» des Industriezeitalters 

auseinandersetzte 

Die gut 150 Abbildungen zeigen 

neben Montagen von Hannah 

Höch auch zahlreiche Grafiken und 

Dokumente aus dem Nachlass der 

Künstlerin sowie Filmstills 

Textcollage zur Geschichte der 

Montage mit Ausschnitten von 

Hannah Höch, László Moholy-Nagy, 

Hans Richter, Raoul Hausmann, 

Kurt Schwitters, Sergej Eisenstein, 

Dsiga Wertow, Walter Ruttmann, 

Theo von Doesburg u. a. 

Deutsch 

9 783039 421718 

Englisch 

9 783039 421725 

Erscheint anlässlich der Ausstellung 

Hannah Höch. Montierte Welten 

im Zentrum Paul Klee, Bern 

(10. November 2023 bis 25. Februar 

2024) 

Hannah Höch. Montierte Welten 

Sie bewegte sich zwischen den Welten – als Redaktionsmitarbeiterin bei einem grossen 

Zeitschriftenverlag und als einzige Frau, die sich in der Berliner Dada-Szene behaupten 

konnte. Hannah Höch (1889–1978) brach in den 1920er-Jahren mit Darstellungsund 

Sehgewohnheiten: Ihre Werke zerlegten eine Welt, die von der Katastrophe des 

Ersten Weltkriegs und der Konsumkultur gezeichnet war, und setzten sie auf revolutionäre, 

poetische und oft auch ironische Weise neu zusammen. Höch blieb ihren künstlerischen 

Mitteln und ihrer poetisch-radikalen, zwischen Gesellschaftsbeobachtung 

und Traumwelt schillernden Imagination aber auch nach Ende des Zweiten Weltkriegs 

treu. Schere und Klebstoff waren die Waffen ihrer Kunst der Montage, als deren Miterfinderin 

sie gilt. 

Schnitt und Montage wiederum prägten auch den Film als damals junges Medium, 

das Höchs Schaffen immens beeinflusste: Sie verstand Montagen als statische Filme. 

Dieses reich illustrierte und kundig kommentierte Buch geht erstmals Höchs Faszination 

für den Film und die Bildkultur des modernen Industriezeitalters nach und zeigt, 

wie sich die Montage im Spannungsfeld von künstlerischem Experiment, kommerzieller 

Verwertung und politischer Vereinnahmung entwickelte. Abgerundet wird der Band 

durch eine Textmontage zur Montage: Zu Wort kommen Filmschaffende und Künstler, 

u. a. Dsiga Wertow, Sergej Eisenstein, László Moholy-Nagy, Raoul Hausmann und 

Kurt Schwitters. 

Martin Waldmeier ist Kurator am Zentrum Paul Klee, Bern. 

Nina Zimmer ist seit 2016 Direktorin des Kunstmuseum Bern 

und des Zentrum Paul Klee, Bern. 



Schwierige Anfänge, Kämpfe und 

Triumphe, Ankunft im Schweizer 

Kunstestablishment: die Geschichte 

der Zürcher Konkreten 

Skandal 

«Popanz Bill?» Rekonstruktion eines Streitfalls 

140 

141 

166 

167 

Ein Bill-Katalog, der ohne Bills Text 

erscheint, ein Bill-Antipode, der im 

Zorn die eigenen Bilder zerstört, und 

Proteste gegen Bills «Geschmacksdiktatur» 

markieren 1970 den 

Höhepunkt im Showdown zwischen 

konkreter und figurativer Kunst. 

Von Dora Imhof 

Am 29. November 1970 

betrat der Maler Varlin das Helmhaus in 

Zürich. Wie jedes Jahr um diese Zeit hatte 

an der Limmat gerade die Weihnachtsausstellung 

eröffnet. Varlin war darin mit drei 

Gemälden vertreten. Zu sehen waren sein 

Porträt von Leida Feldpausch, der Inhaberin 

des gleichnamigen Modehauses, ein Bildnis 

des früheren Zürcher Stadtpräsidenten Emil 

Landolt sowie eines des Friedensaktivisten 

Max Daetwyler. Doch war Varlin nicht nach 

Feiern zumute. Im Gegenteil: Er schlitzte die 

Leinwand seiner Bildnisse von Feldpausch 

und Landolt mit einer Rasierklinge auf. Nur 

das Gemälde des Pazifisten Daetwyler liess 

er intakt. 

Der Vorfall im Helmhaus ist als Zürcher 

Kunstskandal in die Annalen eingegangen. 

Varlins Tat, bei der er sich an der Hand 

verletzte hatte und blutend heimkehrte, 

erscheint bizarr: Welcher Künstler bei Sinnen 

beschädigt mutwillig seine eigenen Werke? 

Doch betrachtet man die näheren Umstände, 

wird sein Handeln nachvollziehbar. 

Und dann geht es um mehr als einen 

Akt der Zerstörung oder eine Lokalposse. 

Bei Varlins Sachbeschädigung in eigener 

Sache und den Debatten, die auf sie folgten, 

geht es um grundsätzliche Auffassungen 

von Kunst, von ihrer Rolle in der Gesellschaft, 

um Modernität, Verantwortung – und nicht 

zuletzt um Macht. Der Mächtige ist hier 

Max Bill. Er steht im Helmhaus quasi hinter 

den Bildern, gegen ihn richtete sich Varlins 

Zorn. 

Es war bereits die dritte Weihnachtsausstellung, 

bei der Max Bill den Juryvorsitz 

innehatte, und er war ihr Kurator. 1968 hatte 

er eine Ausstellung zur abstrakten Kunst 

zusammengestellt; 1969 folgte Konkrete 

und Phantastische Kunstrichtungen. Darin 

präsentierte Bill beide Malereitendenzen 

nebeneinander. 1970 war die Schau ganz 

der figurativen Malerei gewidmet. Dass der 

Konkrete Max Bill ihr eine eigene Ausstellung 

ausrichtete, könnte als grosszügige Geste 

interpretiert werden. Wäre da nicht sein Vorwort 

gewesen. 1969 hatte Bill in der Katalogeinleitung 

die beiden Kunstrichtungen noch 

ziemlich neutral beschrieben. 1970 verschärfte 

sich sein Ton: Figurative Kunst sei rückwärtsgewandt, 

selbstzufrieden und provinziell. Und 

er stellte ältere sowie jüngere Künstlerinnen 

und Künstler gleichermassen in den Senkel: 

«Von ihnen [der älteren Generation] hatte 

sicher niemand erwartet, dass sie ihr bewährtes, 

die Tradition hochhaltendes Schaffen in 

neue Bahnen lenken würden. Erstaunlich 

jedoch ist es, dass die junge Generation 

diese, an einer noch heilen Welt orientierte 

Kunst übernimmt, ohne sie mit den Elementen 

der Gegenwart zu konfrontieren. Es fehlt fast 

jede Andeutung auf die spezifischen Merkmale 

unserer Zeit, die Welt der Wissenschaft, 

der Technik, des Bauens, des Verkehrs.» 1 

Namentlich erwähnt wurde neben einer 

Skulptur von Alfred Huber auch ein Gemälde 

Varlins. Bills harscher Kommentar: «Das 

Portrait des Friedensapostels Max Daetwyler 

Streitschrift 

Unendliche Schleife des reinen Ausdrucks 

Martin Heller, damaliger Direktor des 

Zürcher Museums für Gestaltung, 

Postern und Industrieprodukten. Sie hat den 

Retter der Landesausstellung Expo 0.2 

Schweizer Lebensraum durchwirkt, hat sich 

und Kulturunternehmer, rechnete 1995 

die Wände der Grossraumbüros in Banken 

mit den Konkreten ab. Seine Polemik und Versicherungen ebenso erobert wie den 

war Höhepunkt einer Kritik, die mit den Versandhandel, die Stuben der Aufgeklärten 

68ern einsetzte. Beispielhaft steht sein und die Regale der Warenhäuser mit Geschmack. 

Aus dem Nichts geformt bzw. aus 

Text für eine spezifisch zürcherische 

Abneigung, die härter, eleganter und der Endlosigkeit des mathematischen Raums 

böser nie formuliert wurde und zur 

ins Leben gerufen, ist die Konkrete Kunst 

Wirkungsgeschichte gehört. 

das mittlerweile mehrheitsfähigste Projekt der 

Schweizer Kunstgeschichte. [...] 3 

Natürlich war dem nicht immer so. Auch 

diese Laufbahn hat einmal anfangen müssen. 

«[E]benso wie die klaren, sauberen musikalischen 

Formen dem Hörenden angenehm 

sind, dem Wissenden in ihrem Aufbau Freude 

bereiten, sollen die reinen, klaren Formen und 

Farben den Betrachter optisch erfreuen […]», 

schrieb Bill im Katalog zur Ausstellung Zeit- 

Von Martin Heller 

probleme in der Schweizer Malerei und Plastik. 4 

Sein Wunsch darf als werbende Rhetorik 

einem Publikum gegenüber gelesen werden, 

Das Projekt 

das für das geistige Anliegen solcher Konkretion 

noch nicht reif schien und deshalb einer 

Die Schweiz, so lesen wir in der einschlägigen 

Literatur sinngemäss, sei das Land der artis - harmlos griffigeren, irgendwie sinnlicheren 

tischen Individualistinnen und Eigen brötler. Sinngebung bedurfte. Zumal Sache und Begriff 

(Harald Szeemanns selbstlos eigen willige und auch in der Fachwelt Verwirrung stifteten. Zur 

hartnäckige Arbeit am Mythos der Individuellen Ausstellung der «Allianz. Vereinigung moderner 

Mythologien nährt diese Interpretation durch Schweizer Künstler» – Bill hatte hier im Katalogpassende 

Manifeste in Ausstellungsform. 1 ) vorwort kategorisch zwischen «konkreter» und 

Darüber hinaus aber, so lesen wir weiter, «abstrakter» Kunst unterschieden – monierte 

habe unser Land der internationalen Kunst ein Kritiker: «Von was ist blosse Form und 

ein einzigartiges Geschenk gemacht: die Farbenauftrag noch Abstraktion? […] Keine 

Konkrete Kunst. Oder familiärer: die Kunst der noch so ‹konkrete Gestaltung› wird mehr als 

Zürcher Konkreten. 

ein Artisten-Schnickschnack sein, wenn sie 

Was ist damit gemeint? Entlastet durch bloss zerebrale Konstruktion ist […]» 

allerlei gewichtige und kompetente Definitions- Der übliche Vorwurf konservativer Verstocktheit 

trifft hier nicht. Dafür ist das 

versuche 2 erlaube ich mir einen zumindest für 

die folgenden Überlegungen dienlichen Misstrauen zu präzise. Der Konkreten Kunst 

Vorschlag: Die Kunst der Zürcher Konkreten wird ihre reduktionistische Rationalität vorbis 

ins dritte oder vierte Glied ist jene Kunst, gehalten, ihre perfekt anonymisierte Machart, 

die es verstanden hat, ihr ästhetisches ihre egoistische Kälte und Künstlichkeit, die 

Programm samt Ideologie zum potenziellen vom gelebten Leben nichts wissen will. Knapp 

Reduit aller werden zu lassen, die da unsicher sechzig Jahre später schildert Erwin Leiser 

sind und beladen. Oder kürzer: Diese Kunst als Filmemacher und Freund im Blick rundum 

ist ein sicherer Wert. 

positivere Erfahrungen. Fast wörtlich bestätigt 

Materialisiert hat sie sich seit den dreissiger seine Causerie die einstige frohe Botschaft. 

Jahren in einem kontinuierlichen Strom von Bill erfreue «sich und sein Publikum, indem er 

Gemälden, Skulpturen, Serigrafien, Multiples, das nach präzisen Strukturen geordnete 

Mark Divo & Sonja Vectomov: Nie wieder Max Bill, 20x25cm. Foto auf Alu. Sammlung Haemmerli

Herausgegeben von Thomas 

Haemmerli und Brigitte Ulmer 

Mit Beiträgen von John M. Armleder, 

Christoph Doswald, Peter Fischli, 

Vera Hausdorff, Ewa Hess, Dora 

Imhof, Jörg Scheller, Juri Steiner, 

Wolfgang Ullrich, Willi Wottreng 

u. a. 

Gestaltet von Adrian Hablützel, 

Zürich 

Gebunden 


und 30 sw Abbildungen 

22,4 × 28 cm 

978-3-03942-163-3 Deutsch 

978-3-03942-164-0 Englisch 

ca. sFr. 49.– | € 48.– 

Erscheint im Oktober 2023 

ISBN 9783039421633 

ISBN 9783039421640 

Die erste Überblicksdarstellung 

über die legendäre Kunstbewegung 

der Zürcher Konkreten 

Präsentiert die wichtigsten Werke 

der beteiligten Künstlerinnen und 

Künstler 

Beleuchtet die Verbindungslinien 

der Zürcher Konkreten zum 

Bauhaus, zu den Kunsttheorien 

Theo van Doesburgs, Johannes 

Ittens oder Piet Mondrians sowie 

zu Mathematik und Musik 

Zeichnet die Durchsetzungskämpfe 

der Zürcher Avantgarde der 

1930er- und 1940er-Jahre im Klima 

des Antimodernismus der Geistigen 

Landesverteidigung nach 

Zeigt teilweise erstmals publiziertes, 

reichhaltiges Fotomaterial aus 

Archiven 

Deutsch 

Englisch 

9 783039 421633 

9 783039 421640 

Kreis! Quadrat! Progress! 

Zürichs konkrete Avantgarde. Max Bill, Camille Graeser, Richard 

Paul Lohse, Verena Loewensberg und ihr Umfeld. 

Sie wurden geschmäht, verlacht und ignoriert. Heute gelten die Zürcher Konkreten – 

neben Dada – als wichtigste Kunstströmung, die aus der Schweiz kam. Kreis! Quadrat! 

Progress! erzählt die Geschichte dieser Avantgardebewegung, die im Bauhaus 

wurzelt, die Formensprache der Kunst erneuerte, Design und Architektur prägte und 

sich auch politisch positionierte. Nachgezeichnet werden ihre Verbindungen zu Heroen 

der konstruktiv-konkreten Kunst wie Johannes Itten, Piet Mondrian, Sophie Taeuber-Arp, 

Theo van Doesburg und Georges Vantongerloo sowie die Prägungen durch 

Grafik und Reklame, Jazzmusik und Tanz sowie durch Farbtheorie und Mathematik. 

Die vier grossen Zürcher Max Bill, Camille Graeser, Verena Loewensberg und Richard 

Paul Lohse – mehr eine zusammengewürfelte Gruppe als eine verschworene 

Gemeinschaft – standen im Zentrum eines Milieus, das mit Kritikern, Institutionen 

und Behörden rang. Angereichert mit Anekdoten der letzten Zeitzeugen lotet das Buch 

ein Zürich aus, in dem man in Bohème-Cafés die Welt erörterte, sich in Jazzclubs 

treiben und am legendären Künstlermaskenball gehen liess und dann mit Schaffenskraft 

und Sendungsbewusstsein doch noch Ruhm erlangte und künstlerische Triumphe 

feierte. So beleuchtet der reich bebilderte Band die Erfolge der 1960er-Jahre, die zuweilen 

äusserst heftigen Streitereien der Gruppe in den 1970er-Jahren und die Auseinandersetzungen 

über das Formschöne. 

Thomas Haemmerli lebt und arbeitet von Zürich aus als Dokfilmer, 

Journalist und Autor. 

Brigitte Ulmer ist Historikerin. Sie lebt und arbeitet in Zürich und 

London als Kulturjournalistin und Autorin. 



28 Route du Simplon, Kaltwassergallerie 

sich das Kräfteverhältnis zwischen Mensch und Pass 

um; allerdings verloren auch zwei Arbeiter dabei ihr 

Leben. Doch zum ersten Mal hatte der Mensch die Mittel, 

das Herzstück des Berges zu erobern und ihm seine 

Route aufzuzwingen. Das berühmte «Urnerloch» – 64 

Meter lang, 2 Meter breit und 2,50 Meter hoch – erlaubte 

es, sich endgültig von der zu schmalen und wartungsaufwändigen 

Twärrenbrücke abzuwenden. Zwar 

stellte sie nach wie vor eine beachtliche Neuerung dar, 

aber der Maultierpfad an den steilen Hängen war veraltet. 

Zwischen 1827 und 1830 entwarf der Schweizer 

Ingenieur Francesco Meschini (1762-1840) die Pläne 

für eine moderne Strasse durch die Schöllenenschlucht 

unterhalb des Urnerlochs. Er baute eine neue, breitere 

und höhere Teufelsbrücke sowie einen zwischen der 

Brücke und Göschenen in den Felsen gehauenen Fahrweg. 

Zudem liess er den Hospental-Weg, der sich zwischen 

den Felsblöcken bis zur Passhöhe schlängelt und 

die Tremola-Strasse am Südhang ausbauen. Letztere ist 

zu Recht legendär, überwindet sie doch auf einer Länge 

von vier Kilometern in 24 Haarnadelkurven – von denen 

jede einen Namen trägt und von bis zu acht Meter hohen 

Mauern abgestützt wird – insgesamt 300 Höhenmeter. 

Dank der Herkulesarbeit konnte das senkrechte Fundament 

der in den engsten Kurven gerade einmal sieben 

Meter breiten Fahrbahn – und damit auch die Sicherheit 

der auf ihr verkehrenden Gespanne – gewährleistet werden. 

Die Chaussee verdankt ihre Festigkeit und Langlebigkeit 

dem bis heute erhaltenen Granitpflaster. 

Dank der neuen Infrastrukturen konnten im Sommer 

ein täglicher Postkutschendienst und im Winter ein regelmässiger 

Postschlittendienst betrieben werden. Mit 

dem Durchbruch der Axenstrasse im Jahr 1865 war 

die Erschliessung des Gotthards von Norden her abgeschlossen. 

Bei diesen gigantischen Arbeiten wurde 

für die Baslerstrasse ein Weg durch den Felsen entlang 

des Vierwaldstättersees gebahnt. Im gleichen Jahrzehnt 

wurden auch die Furka- und die Oberalpstrasse modernisiert. 

Dadurch entwickelte sich der Gotthard nicht nur 

zu einem Kreuzungspunkt der Schweiz, sondern ganz 

Europas. Ab 1870 überquerten bis zur Eröffnung des 

Eisenbahntunnels jährlich etwa 70’000 Passagiere und 

20’000 Tonnen Güter den Pass. Legt man die Anzahl 

Überfahrten und die national und international wesentliche 

Transit-Art als Kriterien zugrunde, so bildete dieser 

kurze Zeitabschnitt vor der Moderne die Glanzzeit 

der Alpenpässe. 

Von 1860-1880 spielten Pässe die Rolle, die sie seit Urzeiten 

gespielt hatten, in einem neuen Ausmass und sie 

liessen im kollektiven Gedächtnis der Schweizer eine 

regelrechte Pässe-Kultur entstehen. Doch wie oft folgt 

der Niedergang kurz nach dem Höhepunkt. 

Die 1850er-Jahre markieren eine Wende in der Geschichte 

Europas. Nach dem «Frühling der Völker» 

(1848) hält der Wirtschaftsliberalismus allmählich Einzug. 

Die industrielle Revolution ist in vollem Schwung, 

wird aber dadurch gehemmt, dass der Eisenbahnverkehr 

erst ansatzweise entwickelt ist. Der Schienentransport 

wird in ganz Europa zu einer Priorität, um beispielsweise 

Kohle und Stahl in die aufstrebenden Wirtschaftszentren 

zu befördern. 

Bereits zu Beginn des Jahrzehnts zeigt sich für alle die 

deutliche Notwendigkeit einer alpenquerenden Eisenbahnverbindung. 

Das erste Projekt über den Gotthard 

wird ab 1851 realisiert. Die Passstrassen werden zwar 

weiter modernisiert, doch weitsichtige Planer halten 

sie grundsätzlich bereits für veraltet, weil sie nur von 

Pferdewagen befahren werden können. Alfred Escher 

(1819-1882) hatte dies deutlicher erkannt als alle anderen: 

Langsam aber sicher baute er das «System Escher» 

auf, das wichtige Ämter und Funktionen, Politik und 

Wirtschaft zusammenschloss. Mit der Bohrung des ersten 

alpenquerenden Eisenbahntunnels unter dem Gotthardpass 

verwirklichte er zudem eine alpenquerende 

Verbindung – die Gotthardbahn war in der Folge die 

erste wintersichere Verbindung durch die Schweizer 

Alpen. 

Alfred Escher, ein Angehöriger des Zürcher Grossbürgertums, 

war zunächst ein herausragender Politiker auf 

Kantons- und Bundesebene. Sein Projekt geht über die 

Errichtung einer Eisenbahnlinie hinaus. Er beabsichtigte, 

diese Mammutarbeiten als Faktor für die wirtschaftliche 

und technische Entwicklung der Schweiz zu nutzen. 

Tatsächlich wies die Schweiz einen grossen Nachholbedarf 

auf. Escher war Mitbegründer der Schweizerischen 

Kreditanstalt und der ersten Versicherungsgesellschaft 

von landesweiter Bedeutung (spätere Swiss Life). Er 

nahm persönlich die Präsidentschaft und die Aufsicht 

über beide Institutionen wahr. 1857 wurden in Frankreich 

die Tunnelbauarbeiten am Mont Cenis in Angriff 

genommen. Escher erkannte, dass der Schweizer Tunnel 

östlich davon verlaufen und zunächst Deutschland 

mit Italien verbinden musste. Er hatte massgeblichen 

Anteil an der Gründung der Eidgenössischen Technischen 

Hochschule Zürich, heute kurz ETH Zürich. Er 

leitete die grösste Eisenbahngesellschaft des Landes und 

gründete die Vereinigten Schweizerbahnen, die sämtli- 

29 

36 TCS-Ausfahrt bei Gletsch, unterhalb der Furka-Passhöhe Furkapass, Rhonegletscher 

37 

Maison des Cantonniers et des Douanes - Stelvio Pass, Italien 

Die Schweizer Alpenpässe: 

Verbindungswege, Orte der 

Begegnung und zentraler 

Teil der nationalen Identität 

Premiers flocons - Oberalppass (GR) 

189 

En compagnie de Cairns - San Bernardino-Pass (GR) 

San Bernardino - San Bernardino-Pass (GR) 

Sieg über den Pass: 

Alfred Escher und sein Werk 

Mémorial au conflit 1914-1918 - Umbrailpass (GR) 

193 

6 Vue sur le Grimsel avec Finsteraarhorn (4274 m) - Furkapass (VS) 

87 

Piz Bernina mit Biancograt - Bernina Passstrasse (GR) 

109

Herausgegeben und mit Fotografien 

von Richard von Tscharner 

Mit Beiträgen von Anton 

Affentranger, Daniel Lätsch 

und Frédéric Möri. Vorwort 

von Doris Leuthard, Nachwort 

von Richard von Tscharner 

Gestaltet von Bernard Stackelberg, 

Sixty Six Communication Design, 

Carouge 

Gebunden 

ca. 272 Seiten, 40 farbige und 


32 × 32 cm 

978-3-03942-156-5 Deutsch 

978-3-03942-162-6 Englisch 

ca. sFr. 79.– | € 77.– 

Ein Buch für alle, die sich für die 

faszinierende Geschichte und 

Gegenwart der Schweizer Alpenpässe 

begeistern 

Attraktiver Bildband mit neu aufgenommenen, 

grossformatigen, 

schwarz-weissen und farbigen 

Landschaftsfotografien sowie 

historischen Aufnahmen und 

Landkarten 

Mit Texten zur Kultur-, Militär-, 

Wirtschafts- und Sozialgeschichte 

der Alpenpässe 

Vorwort von Alt-Bundesrätin Doris 

Leuthard, vormalige Vorsteherin 

des Eidgenössischen Departements 

für Umwelt, Verkehr, Energie 

und Kommunikation (UVEK) 


Die französische Ausgabe 

erscheint bei Infolio éditions, 

Gollion 

ISBN 9783039421565 

ISBN 9783039421626 

Deutsch 

Englisch 

9 783039 421565 

9 783039 421626 

Land der Pässe 

Eine Zeitreise in die heutige Schweiz 

Lange waren die Alpen eine fast unüberwindbare Hürde auf dem Weg vom Norden in 

den Süden oder umgekehrt. Zuerst führten schmale Saumpfade über die Berge, dann 

auch römische Fahrwege, später zunehmend befestigte Strassen und seit dem 19. Jahrhundert 

die Eisenbahnen mit imposanten Brücken und Tunneln. Heute machen 120 

gut ausgebaute Alpenübergänge oder -durchstiche die Schweiz zum wichtigsten Transitgebiet 

Europas. Ohne diese Passagen wäre die Schweiz ein anderes Land: gesellschaftlich, 

kulturell, wirtschaftlich und militärisch. 

Land der Pässe zeigt mit 80 grossformatigen Bildern des Fotografen Richard von 

Tscharner die Kühnheit und Schönheit der Alpenübergänge, ihrer Bauten und Landschaften. 

Rund 30 historische Aufnahmen vermitteln die pionierhafte Anstrengung 

und den Mut früherer Generationen, das Alpenmassiv zu überwinden und zu einem 

Begegnungsraum zwischen Norden und Süden zu verbinden. Frédéric Möri, Kunstund 

Kulturhistoriker und Philosoph, zeichnet die Geschichte der Schweizer Alpenpässe 

nach und führt ihre Bedeutung für die Identität der Schweiz vor Augen. Daniel 

Lätsch, Brigadier a.D. der Schweizer Armee, erläutert ihre strategische Rolle. Und 

Anton Affentranger, vormals CEO des Baukonzerns Implenia, beschreibt die Vision, 

die der Neuen Alpentransversalen (NEAT) mit den Eisenbahn-Basistunneln durch 

Gotthard und Lötschberg vorausgeht: Die Zukunft des Transits liegt im tiefen Untergrund 

des Alpenraums. 

Richard von Tscharner, 1947 in Bern geboren, ist Ökonom und seit 2007 

als selbstständiger Fotograf mit Schwerpunkt Landschaftsfotografie tätig. 

Er lebt in Dubai und Buchillon. 



Zum 100. Geburtstag: 

Neue Blicke auf einen 

aussergewöhnlichen 

Schweizer Fotografen

Herausgegeben von der Stiftung 

Ernst Scheidegger-Archiv 

Mit Beiträgen von Tobia Bezzola, 

Alessa Widmer und Helen Grob 

sowie einem Vorwort von Philippe 

Büttner 

Gestaltet von Clemens Widmer, 

Zürich 

Gebunden 

ca. 196 Seiten, 150 sw Abbildungen 

24 × 30 cm 

978-3-03942-173-2 Deutsch 

978-3-03942-178-7 Englisch 

ca. sFr. 59.– | € 58.– 


Die italienische Ausgabe erscheint 

bei Edizioni Casagrande, Bellinzona 

ISBN 9783039421732 

Deutsch 

ISBN 9783039421787 

Englisch 

100. Geburtstag des bedeutenden 

Schweizer Fotografen Ernst 

Scheidegger am 30. November 

2023 

Ernst Scheidegger zählt zu den 

wichtigsten Schweizer Fotografen 

des 20. Jahrhunderts und ist 

berühmt insbesondere für seine 

Aufnahmen von Künstlern wie 

Alberto Giacometti, Joan Miró 

oder Hans Arp 

Das Buch stellt erstmals das 

praktisch unbekannte Frühwerk 

Scheideggers mit zahlreichen 

bislang nie publizierten Aufnahmen 

vor 

Die Texte bieten einen frischen Blick 

auf Scheidegger als Fotografen und 

eine Neubewertung seines Œuvres 

Erscheint anlässlich der Ausstellungen 

Ernst Scheidegger. Fotograf 

im Kunsthaus Zürich (27. Oktober 

2023 bis 21. Januar 2024) und im 

MASI Lugano (2024) 

9 783039 421732 

9 783039 421787 

Ernst Scheidegger 

Fotograf 

Ernst Scheidegger (1923–2016) war einer der bedeutendsten Schweizer Fotografen des 

20. Jahrhunderts. Seine fotografischen Künstlerporträts machten ihn international 

bekannt. Insbesondere die Aufnahmen von Alberto Giacometti im Pariser Atelier oder 

im Bergell prägen bis heute unser Bild dieses Künstlers. 

Anlässlich des 100. Geburtstags von Ernst Scheidegger, dem Gründer unseres Verlags, 

am 30. November 2023 und begleitend zu Ausstellungen im Kunsthaus Zürich und im 

MASI Lugano erscheint das Buch Ernst Scheidegger. Fotograf. Es basiert auf einer 

umfangreichen Aufarbeitung seines fotografischen Nachlasses und wirft einen frischen 

und zeitgenössischen Blick auf dieses vielschichtige Werk. Eine konzise Auswahl 

ikonischer und weniger bekannter Aufnahmen bildet Scheideggers Porträt- und 

Künstlerfotografie ab. 

Zudem aber lädt das Buch zur Entdeckung von Scheideggers bisher wenig publiziertem 

Frühwerk ein und nimmt damit eine Neubewertung seines Schaffens vor. Texte von 

Tobia Bezzola, Direktor des MASI Lugano, der Fotohistorikerin Alessa Widmer und 

von Helen Grob, der langjährigen Lebensgefährtin Ernst Scheideggers, zeichnen dessen 

Werdegang und sein fotografisches Selbstverständnis nach. Eine Biografie und Kurztexte 

zu ausgewählten Aufnahmen runden diesen fotoaffin gestalteten Bildband ab. 



Stimmen 

Interview S. 105 

Roman Winiger 

Roman Winiger 

102 103 

222 

106 107 

223 

Name Nachname 

Teil 1 

Stimmen 

Interview S. 165 

Lina Friedli 

Der Vorschlag 

224 Fabienne Morand 

225 

32 33 

184 185 

«Als Uhrmacher 

weiss ich: 

Zeit zu haben, 

ist so wertvoll.» 

Was bereitet Ihnen Sorgen, 

wenn Sie die Welt und 

die Schweiz betrachten? 

Uff – das ist keine Frage, die ich besonders 

mag (lacht). Ich bin ein positiver 

Mensch und beklage mich ungern. 

Müsste ich trotzdem etwas nennen, 

würde ich sagen, dass es uns heute 

schwerfällt, anderen Menschen zuzuhören: 

Unsere Kommunikationsmittel 

sind zwar so fortschrittlich wie noch 

nie, doch wir haben Mühe, uns richtig 

auf jemanden einzulassen. 

Fühlen Sie sich als Landwirtin 

gut vertreten in der 

nationalen Politik? 

Darauf gebe ich die schweizerischste 

aller Antworten: Ja und nein. Einerseits 

sind unsere Politikerinnen und 

Politiker sehr nahbar, man kann sie 

problemlos ansprechen, sogar einen 

Bundesrat – ich glaube, das ist nirgendwo 

sonst möglich. Andererseits 

leben die gewählten Damen und Herren 

aber manchmal in einer Blase und 

blenden gewisse Realitäten aus. Wobei 

man als Bürgerin oder Bürger ja jederzeit 

gegensteuern könnte. Und ich 

glaube, da liegt das grössere Problem: 

Man beklagt sich über die Politik, aber 

man tut selbst nichts. Die Sitzungen 

der Legislative in den Gemeinden 

sind zum Beispiel öffentlich. So kann 

jeder Bürger direkt an der Entscheidungsfindung 

teilnehmen und wenn 

er oder sie nicht einverstanden ist, 

stehen verschiedene demokratische 

Instrumente wie Petitionen oder Referenden 

zur Verfügung. Doch leider 

werden diese nur selten genutzt. 

Wenn Sie etwas ändern 

könnten, was wäre das? 

Ich würde den lokalen Konsum fördern: 

Kaufe ich das Mehl aus der 

Nachbarschaft, unterstütze ich damit 

das lokale Gewerbe bis hin zum 

Grafiker, der die Etiketten designt hat. 

Nehme ich aber ein Mehl aus dem 

Ausland, fliesst die ganze Wertschöpfung 

ab. Ein anderes Thema ist, dass 

die Leute den Bezug zu den Nahrungsmitteln 

verloren haben. Jeder Schüler 

sollte mindestens einmal einen Bauernhof 

besuchen und sehen, wie 

Früchte und Gemüse wachsen, wie 

man Getreide mahlt und aus dem 

Fabienne 

Morand 

39, Saint-Prex (VD), Landwirtin, ledig. Sie hat 2021 den 

elterlichen Bauernhof übernommen mit Pflanzenbau, 

einer Pferdepension und ein paar Nutztieren, ausserdem 

hat sie den Hof für Schulbesuche und private Anlässe 

geöffnet. 

Mehl das Brot backt. Diese banalen 

Dinge sind vielen Menschen nicht 

mehr geläufig. 

Gehen Sie eigentlich immer 

abstimmen? 

Immer! Aber ich lege von Zeit zu Zeit 

leer ein, meistens weil ich das Thema 

relevant finde, aber die Vorlage 

schlecht. Ich finde, die leere Stimme 

sollte mehr Gewicht bekommen: 

Wenn ein gewisser Prozentsatz leer 

einlegt, sollte die Politik gezwungen 

sein, neue Vorschläge zu entwickeln. 

Sie leben und arbeiten im 

unmittelbaren Austausch mit 

der Natur. Wie sehr beschäftigt 

Sie der Klimawandel? 

Wir spüren ihn natürlich schon und 

ich leugne seine Existenz nicht, aber 

er macht mich nicht malade: Ich tue 

mein Bestes, um selbst ein nachhaltiges 

Leben zu führen, aber ich kann die 

Entscheidungen von anderen und das 

Wetter nicht beeinflussen. Also lerne 

ich, mich an das neue Klima anzupassen 

und damit umzugehen. 

Wo ist die Schweiz am 

schönsten? 

An unseren Seen. Das kann am magischen 

Blausee sein, am Lac de Joux 

bei Sonnenuntergang oder am Genfersee 

mit den Alpen im Hintergrund. 

Die Mitglieder sollen für ihre Arbeit mit einem Honorar entschädigt 

werden. Dieses soll nicht zu hoch sein und insbesondere 

keine Anreize setzen, aus rein finanziellen Gründen 

mitzuwirken. Die Vergütung soll andererseits sicherstellen, 

dass Bürgerinnen und Bürger aus niedrigeren Einkommensschichten 

sich nicht aus finanziellen Gründen gezwungen 

sehen, auf eine Teilnahme zu verzichten. Der Zukunftsrat soll 

durch seine dienstälteren Mitglieder geleitet werden, wobei 

die Leitung alle zwei Jahre von der dritten Kammer selbst 

bestimmt wird. 

Das Know-how im Zukunftsrat 

Die Mitglieder müssen zudem auf das Fachwissen 

von Expertinnen und Experten zurückgreifen können, 

wenn sie inhaltliche Fragen zu einem Thema haben. Ähnlich 

wie die Mitglieder sollen auch die Expertinnen und Experten 

in einem zweistufigen Verfahren ermittelt werden, damit alle 

wissenschaftlichen Perspektiven angemessen vertreten 

sind. Die Expertinnen und Experten führen die Mitglieder des 

Zukunftsrates inhaltlich in die Themen ein oder treffen für sie 

Abklärungen. Der Expertinnen- und Experten-Pool soll Mitglieder 

unterstützen, die wenig Vorwissen zu einem Thema 

besitzen oder wenig Zeit hatten sich einzulesen. Auch gewählte 

Parlamentarierinnen und Parlamentarier können üblicherweise 

auf ein solches Expertisen-Angebot zurückgreifen. 

Vorschlag eines Strategiestabs 

für die Schweiz 

er Strategiestab soll mit konsistent 

wissenschaftlicher Politikberatung 

der Meinungs- und Entscheidungsbildung 

des Zukunftsrats zu hoher Qualität 

verhelfen. Im Zentrum stehen die langfristige 

gesellschaftliche Entwicklung und der nachhaltige 

Umgang mit den uns zur Verfügung 

stehenden Lebensgrundlagen aus Umwelt, 

D 

Bildung, Gesundheit, solidarischem intergenerationellen 

Zusammenleben und Versorgungssicherheit. 

Das Gremium leistet wissenschaftliche 

Politikberatung, informiert über 

die neusten Forschungsergebnisse und führt 

öffentliche Review-Prozesse durch, die eine 

Einbindung aller interessierten Kreise ermöglichen. 

Der Strategiestab hat eine breit abgestützte 

und vielfältige Expertise zu repräsentieren. 

Die vertretenen Disziplinen umfassen 

demzufolge Natur-, Sozial- und Ingenieurwissenschaften 

in spezifischen Bereichen wie z. 

B. Physik, Medizin, Ökonomie, Politikwissen- 

schaften und Recht. Das Gremium soll offen dem Bundesrat zur Wahl vorgeschlagen werden. 

Über die Besetzung der verbleibenden 

sein gegenüber Beiträgen aus allen Bereichen 

von Wirtschaft und Gesellschaft. 

Mandate soll das Los entscheiden. Um eine 

Der Strategiestab ist administrativ hochrangige Vertretung der Forschung im 

bei der Bundeskanzlei angegliedert, die ihm Strategiestab sicherzustellen, sind die Institutionen, 

die dem Rat ihre Forschenden «leih- 

ein Sekretariat zur Verfügung stellt und die Finanzierung 

regelt. Der Strategiestab ist verpflichtet, 

Aufträge des Volksrats zu bearbeigen. 

Zudem sind die Förderinstitutionen wie 

weise» zur Verfügung stellen, zu entschäditen 

und dem Rat darüber Bericht zu erstatten. der Schweizerische Nationalfonds, die Berufungskommissionen 

und Evaluationsgremien 

Allenfalls kann er seitens der Verwaltung weitere 

Forschungsfragen entgegennehmen an den Hochschulen sowie die Entscheidungsgremien 

der Forschungspreise ange- 

und bearbeiten, ist aber dazu nicht verpflichtet. 

Das Sekretariat verfügt über ein Budget, halten, die Leistungen im Rahmen des Strategierats 

ausdrücklich zu würdigen und als 

das die Ausführung von Forschungsprojekten 

erlaubt. 

wichtige Auszeichnung einer wissenschaftlichen 

Laufbahn zu bewerten. 

Zur Sicherung der wissenschaftlichen 

Qualität im Gremium wird den Universitäten 

und Fachhochschulen der Schweiz ein abhängigkeit und Vielfalt zu gewährleisten, ist 

Schliesslich zur Amtsdauer: Um Un- 

Vorschlagsrecht für die Wahl der sieben oder die Amtsdauer von Vornherein zu beschränken. 

Auch muss sie gestaffelt sein, das heisst, 

neun Mitglieder im Strategiestab eingeräumt. 

Die Kandidaturen werden von der Bundeskanzlei 

gesammelt. Sie bestimmt einen Kern längerung der Amtsdauer einzelner Mitglie- 

dass in einer ersten Phase die einmalige Ver- 

von vier Kandidatinnen und Kandidaten, die der zu erlauben ist. 

Die Repräsentativität des Zukunftsrates 

Mit dem Zukunftsrat als dritter Kammer der 

Schweizerischen Bundesversammlung soll die deliberative 

Demokratie auch hierzulande institutionell verankert werden. 

In der Schweizer Politik ist man in der Regel nicht besonders 

enthusiastisch gegenüber Veränderung. Oft wird gegenüber 

deliberativen Diskussions- und Entscheidungsformen eingewendet, 

dass besonders das Los-Verfahren willkürlich 

und nicht demokratisch sei. 18 Das Gegenteil ist der Fall: Das 

Losverfahren hat den Vorteil, dass die Bevölkerung in ihrer 

ganzen Vielfalt abgebildet wird – also nicht bloss die Verfügbaren, 

Jovialen oder allseits Beliebten. 

Das Los ist blind gegenüber Geschlecht, Einkommen, 

Alter, Charisma, Ausbildungsstatus oder Herkunft. 

Alle haben dieselbe Chance auf politische Teilhabe. Das macht 

das Los im Vergleich zu Wahlen demokratischer. Das Losverfahren 

könnte die über Wahlen funktionierende Repräsentation 

sinnvoll ergänzen und demokratisieren, denn es folgt 

einer anderen Auswahllogik als der übliche demokratische 

Prozess mit seiner Personalisierung von Standpunkten. 

Auch das Lobbyieren der Partikularinteressen 

wird durch das Los erschwert. Die Mitglieder des Zukunftsrates 

tauschen gleichberechtigt Meinungen und Argumente 

aus und wägen diese ab – stets mit dem Ziel, einen mehrheits- 

Wie können Parlamentarierinnen und 

Parlamentarier dazu gebracht werden, 

ihre Verantwortung wahrzunehmen? 

konzentrieren und auf die Frage, wie 

wir dafür einen gemeinsamen Nenner 

finden. Ein Bürger:innenrat mit 

lobbyunabhängigen Menschen wäre 

bestimmt ein guter Anfang und könnte 

mich der «institutionellen Politik» 

näherbringen. 

Sie selbst leben in La Chauxde-Fonds, 

wo Anfang des 

20. Jahrhunderts mehr als die 

Hälfte der weltweit verkauften 

Uhren produziert wurde. 

Hat sich die Stadt von der 

schweren Uhrenkrise der 

1970er-Jahre erholt? 

Diese Uhrenkrise liegt weit hinter anderen 

Krisen zurück, es wurde viel renoviert 

und in den öffentlichen Raum 

investiert. Als ich 1994 hierherkam, 

war die Stadt in meinen Augen grau, 

und viele wollten nur noch weg von 

hier. Jetzt ist es wieder the place to be, 

auf jeden Fall für jene, die hier arbeiten 

können und mit den hohen Steuern 

klarkommen. Wir dürfen uns noch 

glücklich schätzen, dass Wohnraum 

einfach verfügbar und günstig ist. Die 

Spekulation hält aber auch hier Einzug. 

Was ist das grosse Plus 

der Stadt? 

Allein durch die geringe Grösse gibt es 

hier automatisch die erwähnte nachbarschaftliche 

Infrastruktur, alles ist 

in Gehdistanz. Und weil der Kostendruck 

geringer ist als in Ballungszentren, 

lassen sich auch einfacher Projekte 

realisieren. Ich selbst habe beispielsweise 

das Open-Souce-Projekt 

openmovement für Uhrwerke aufgebaut. 

Und auch die lokale, ökologische 

Brauerei La Comète, wo wir die 

gebrauchten Flaschen waschen und 

beim Transport aufs Auto verzichten. 

Sie haben keine Kinder. Ärgern 

Sie sich manchmal, dass Sie 

Familien mitfinanzieren 

müssen und sehen Sie die Solidarität 

der Kinderlosen gar 

zunehmend in Frage gestellt? 

Ich finde Kinder wichtig und es gibt 

viele in meinem Umfeld. Auch wenn 

mich die Eltern und ihr Getue oft nerven, 

bin ich gerne mit ihnen solidarisch. 

Zudem sollten wir den Kindern 

in der Städteplanung viel mehr Platz 

einräumen. Ob generell die Solidarität 

der Kinderlosen mit den Eltern 

oder Familien bröckelt, kann ich nicht 

beurteilen. Aber ich bin überzeugt: 

Auch hier sollten wir daran denken, 

was die Gesellschaft lebendig macht 

und den Zusammenhalt fördert. 

«Wut ist das falsche 

Wort, Unverständnis 

trifft es besser.»

Herausgegeben von Sonia 

I. Seneviratne, Laura Zimmermann, 

Markus Notter und Andreas 

Spillmann 

Fotografien von Patricia Grabowicz 

und Ludovic Balland 

Gestaltet von Ludovic Balland 

Typography Cabinet, Basel 

Broschur mit Schutzumschlag 


Abbildungen 

23 × 31 cm 

978-3-03942-167-1 Deutsch 

Präsentiert einen konkreten Vorschlag, 

wie die Schweizer 

Bevölkerung besser in die Parlamentspolitik 

involviert werden 

kann 

Gut zu lesender Essay und ein 

Dutzend Exkurse von anerkannten 

Expertinnen und Experten 

Interviews zum Thema mit rund 

30 Schweizerinnen und Schweizern 

aus allen Regionen und Berufsgruppen 

ca. sFr. 29.– | € 29.– 

Erscheint ISBN 9783039421671 im August 2023 

9 783039 421671 

Klima Krise 

Warum die Schweiz einen Zukunftsrat als dritte 

Parlamentskammer braucht 

Wie kann die Schweizer Verfassung verändert werden, damit die Klimakrise von der 

Politik ernst genommen wird? Diese Frage stellte Rolf Fehlbaum, Begründer des Vitra 

Campus und des Vitra Design Museums, sich selbst sowie einer Gruppe von Wissenschaftlern 

aus unterschiedlichen Disziplinen. In diesem Buch diskutieren sie gemeinsam, 

ob eine neue Institution sich verfassungsrechtlich verankern liesse, um ein langfristiges 

Politikhandeln zur Bewältigung der Herausforderungen des 21. Jahrhunderts zu fördern. 

Zu den Beteiligten gehören die Klimawissenschaftlerin Sonia I. Seneviratne, der 

Ressourcenökonom Lucas Bretschger, die Juristen Charlotte Sieber-Gasser und Klaus 

Mathis, der Politologe Wolf Linder und der Politiker und Staatsrechtler Markus Notter. 

Zu Wort kommen in eindrücklichen Bild- und Textstrecken zudem 30 Schweizer 

Stimmberechtigte von Basel bis Lugano, von Genf bis Diepoldsau. Sie geben Auskunft 

zu den Fragen, wie sie den Klimawandel erleben, was sie sich für die Schweiz wünschen 

würden und ob sie sich im Parlament repräsentiert fühlen. So ist – losgelöst von 

polarisierenden Parteien – eine Momentaufnahme zum politischen Denken stimmberechtigter 

Schweizerinnen und Schweizer mit ganz unterschiedlichen Ausbildungsabschlüssen 

und verschiedenen Alters entstanden. 

Sonia I. Seneviratne ist Professorin für Land-Klima-Dynamik an der ETH Zürich. 

Laura Zimmermann ist eine Schweizer Politaktivistin und ehemalige Co-Präsidentin der Operation Libero. 

Markus Notter ist Präsident des Europa Instituts der Universität Zürich. Von 1996 bis 2011 war er 

Regierungsrat des Kantons Zürich und stand der Direktion der Justiz und des Innern vor. 

Andreas Spillmann leitete von 2006 bis 2021 das Schweizerische Nationalmuseum. 



Erstmals veröffentlicht: 

Die wichtigsten Briefe 

des weltberühmten Künstlers 

an seine Familie

Herausgegeben von 

Casimiro Di Crescenzo 

Übersetzt von Annette Kopetzki 

Gestaltet von Barbara Solari, 

Bellinzona 

In Zusammenarbeit mit der 

Alberto Giacometti-Stiftung, 

Zürich 

Broschur 



14,7 × 22 cm 

978-3-03942-168-8 Deutsch 

978-3-03942-169-5 Englisch 

ca. sFr. 39.– | € 38.– 

Erstmalige Veröffentlichung der 

wichtigsten Briefe von Alberto 

Giacometti an seine Eltern 

Enthält auch die bislang ebenfalls 

unveröffentlichten Antwortschreiben 

der Eltern 

Bringt faszinierende Einblicke in 

die persönliche Entwicklung 

und das künstlerische Ringen des 

weltberühmten Künstlers und 

erweckt die Pariser Kunstszene 

der 1920er- und 1930er-Jahre zum 

Leben 

Illustriert mit Brief-Faksimiles, 

Abbildungen von diskutierten 

Werken und Fotografien aus der 

Zeit 




ISBN 9783039421688 

ISBN 9783039421695 

Deutsch 

Englisch 

9 783039 421688 

9 783039 421695 

Alberto Giacometti – Briefe an die Familie 

Die Zeit vergeht zu schnell 

Mehr als 1000 Briefe umfasst der Briefwechsel zwischen Alberto Giacometti (1901– 

1966) und seinen Eltern, dem Maler Giovanni und der Mutter Annetta Giacometti- 

Stampa, die zeitlebens eine zentrale Bezugsperson für ihn blieb. Einmal pro Woche, 

manchmal sogar öfter, schrieb Alberto an die Eltern im Bergell und hielt sie so auf 

dem Laufenden über alle wichtigen Entwicklungen. Diese Routine behielt er sein Leben 

lang unverändert bei, auch als zunächst in Maloja und viele Jahre später in Stampa 

ein Telefon installiert wurde. 

Die in diesem Band erstmals publizierten Auszüge dieser Korrespondenz zeigen faszinierende 

Einblicke in die enge Beziehung und den mannigfaltigen Austausch über 

zentrale Schaffens- und Lebensfragen. Zur Sprache kommen Alberto Giacomettis 

Ausbildungszeit in der Schweiz und seine ersten Jahre in Paris – die Zeit an der Kunstakademie, 

die Begegnung mit der Avantgarde, der Anschluss an die surrealistische 

Bewegung wie auch die Abkehr von ihr sowie die Suche nach einer neuen Figuration 

in den Jahren 1935 bis 1946. So ermöglichen diese privaten Korrespondenzen neue 

Erkenntnisse über die Entwicklung und die Lebensumstände eines weltbekannten 

Künstlers. 

Casimiro Di Crescenzo ist freischaffender Kunsthistoriker sowie Kurator 

und Spezialist für die Kunst Alberto Giacomettis. 



Schon in jungen Jahren war 

sich Alberto Giacometti 

seiner Rolle als Künstler 

bewusst

Herausgegeben von Stephan Kunz 

und Paul Müller 

Mit Beiträgen von Casimiro di 

Crescenzo, Philippe Büttner, 

Christian Klemm, Stephan Kunz 

und Paul Müller 

Gestaltet von Peter Zimmermann, 

Zürich, und Vaclav Pozarek, Bern 


Bündner Kunstmuseum Chur 

Broschur 



21 × 28 cm 

978-3-03942-176-3 Deutsch 

Die erste umfassende Darstellung 

von Alberto Giacomettis früher 

Schaffenszeit 

Ermöglicht neue Einblicke in 

den engen künstlerischen 

Austausch mit seinem Vater 

Giovanni Giacometti 

Zeigt die malerische und zeichnerische 

Ausprägung des Frühwerks 

und die Hinwendung zur plastischen 

Gestaltung 


Alberto Giacometti. Porträt 

des Künstlers als junger Mann im 

Bündner Kunstmuseum Chur 

(19. August bis 19. November 2023) 

ca. sFr. 49.– | € 48.– 


9 783039 421763 

Alberto Giacometti. Porträt 

des Künstlers als junger Mann 

Das Bündner Kunstmuseum widmet Alberto Giacometti (1901–1966) im Herbst 2023 

eine Ausstellung, die sich ganz auf dessen frühe Schaffensphase und die künstlerische 

Entwicklung bis in seine ersten Jahre in Paris konzentriert. Wie die Ausstellung zeigt 

auch dieses Buch auf, woran sich der junge Giacometti in seiner Entwicklung orientierte, 

wie eng er zusammen mit dem Vater Giovanni arbeitete und wie er sich allmählich 

von ihm löste. Zu sehen ist aber auch, wie der später weltberühmte Künstler sein 

persönliches Umfeld zeichnete und malte und erste Plastiken schuf. 

Nicht zuletzt beginnt in dieser Zeit auch eine intensive Auseinandersetzung mit Werken 

früherer Meister und mit der Kunstgeschichte, und Giacometti wird sich seiner 

Rolle als Künstler bewusst. Das setzt mit Werken des 12-Jährigen ein und zieht sich bis 

in die reiche Schaffensphase seiner ersten Pariser Jahre, als er sich mit kubistischen 

Bildwelten beschäftigte und 1925 eine erste Ausstellung realisierte. So ermöglicht dieser 

Band neue Perspektiven und spannende Einblicke in die prägende frühe Entwicklung 

dieser künstlerischen Ausnahmepersönlichkeit. 

Stephan Kunz ist seit 2011 künstlerischer Direktor des Bündner Kunstmuseums 

Chur. Davor war er langjähriger Kurator und stellvertretender 

Direktor des Aargauer Kunsthauses, Aarau. 

Paul Müller arbeitete seit 1981 am Schweizerischen Institut für Kunstwissenschaft 

SIK-ISEA. 1984–1995 zudem freier Mitarbeiter der Liechtensteinischen 

Staatlichen Kunstsammlung, Vaduz. 



Hans Arp, Sophie Taeuber-Arp und Max 

Bill – drei grosse Persönlichkeiten der 

europäischen Avantgarde im Austausch

Herausgegeben von Jakob Bill, 

Stefanie Gschwend und Simona 

Martinoli 

Mit Beiträgen von Jakob Bill, 

Isabelle Ewig und Walburga Krupp. 

Vorwort von Stefanie Gschwend 

und Simona Martinoli 

Gestaltet von Sabine Hahn, Berlin 


Kunstmuseum Appenzell und 

der Fondazione Marguerite Arp, 

Locarno 

Gebunden 



ca. 22 × 26 cm 

978-3-03942-165-7 Deutsch 

ca. sFr. 49.– | € 48.– 

Porträtiert die Freundschaft und 

den gegenseitigen Austausch 

von Max Bill, Sophie Taeuber-Arp 

und Hans Arp, dreier zentraler 

Kunstschaffender der europäischen 

Avantgarde 

Legt besonderes Augenmerk auf 

die Kooperationen der drei mit 

Künstlergruppen und ihre Publikationen 

in Künstlerzeitschriften 

Präsentiert zahlreiche hier erstmals 

publizierte Materialien und neue 

Forschungsergebnisse 

Begleitet die Ausstellung 

Allianzen – Arp. Taueber-Arp. Bill 

im Kunstmuseum Appenzell 

(29. Oktober 2023 bis 25. Februar 

2024) und in der Fondazione 

Marguerite Arp in Locarno (April 

bis Oktober 2024) 

Erscheint ISBN 9783039421657 im Oktober 2023 

9 783039 421657 

Allianzen 

Arp. Taeuber-Arp. Bill 

Max Bill ist noch ein Schüler, als 1925 zwei seiner Arbeiten in der Exposition internationale 

des arts décoratifs in Paris ausgestellt werden, auf Einladung von Sophie 

Taeuber-Arp. 1933, wieder in Paris, tritt der junge Architekt und Künstler einer Vereinigung 

bei, der auch Taeuber-Arp und ihr Mann Hans Arp angehören: der Abstraction- 

Création. Es ist der Beginn einer fruchtbaren Zusammenarbeit und einer lebenslangen 

Freundschaft. Kollektiv hat man in der Vereinigung, der u. a. auch Wassily Kandinsky, 

Piet Mondrian und Georges Vantongerloo angehören, die Abkehr von allem Figürlichen 

beschlossen, veranstaltet Ausstellungen, gibt einen Almanach heraus. Theorien 

werden aufgestellt, Methoden erprobt. 

Auch nach Auflösung von Abstraction-Création bleiben Bill, Arp und Taeuber-Arp 

einander verbunden, zum einen durch die Schweizer Gruppe «Allianz», zum anderen 

durch die Zeitschrift Plastique/Plastic, die den transatlantischen Austausch der konstruktiven 

Avantgarde fördern soll, in Zeiten, da zahllose Kunstschaffende Europa 

bereits den Rücken gekehrt haben. 

Unter Einbeziehung vieler erstmals publizierter Materialien beleuchtet dieser Band die 

künstlerische und intellektuelle Präsenz von Arp, Taeuber-Arp und Bill in bedeutenden 

Künstlergruppen und Zeitschriften der 1930er- und 1940er-Jahre, das Entstehen 

kollektiver Kommunikationsformen, zukunftsweisender Ideen und Kunstwerke. 

Jakob Bill, Archäologe und Künstler, ist der Sohn von Max und Binia Bill 

und Präsident der Max, Binia + Jakob Bill Stiftung. 

Stefanie Gschwend, Kunsthistorikerin, ist seit November 2022 Direktorin 

des Kunstmuseum Appenzell und der Kunsthalle Ziegelhütte. 

Simona Martinoli, Kunsthistorikerin, ist Kuratorin der Fondazione 

Marguerite Arp in Locarno und Dozentin an der Accademia 

di architettura, Università della Svizzera italiana, in Mendrisio. 



Markus Raetz dreidimensional: die Objekte und Mobiles 

Weiterhin lieferbar: 

Markus Raetz 

Das plastische Werk. 

Catalogue raisonné 

978-3-03942-134-3 Deutsch 

ISBN 9783039421343 

sFr. 250.– | € 250.– 

Markus Raetz. 

Die Druckgraphik 1951–2013 

978-3-85881-410-4 

Deutsch / Englisch / Französisch 

sFr. ISBN 978-3-85881-410-4 150.– | € 150.– 

9 783039 421343 

9 783858 814104

Herausgegeben vom Kunstmuseum 

Bern, Stephan Kunz und Nina 

Zimmer 

Mit Texten von Stephan Kunz und 

Didier Semin und Fotografien von 

Alexander Jaquemet 

Gestaltet von Thomas Rhyner, 

Zürich / Wien 

Broschur 


Abbildungen 

20 × 27 cm 

978-3-03942-152-7 

Deutsch / Französisch 

ca. sFr. 39.– | € 38.– 

Erscheint ISBN 9783039421527 im September 2023 

Markus Raetz zählt zu den wichtigsten 

Schweizer Gegenwartskünstlern, 

und sein Werk findet weit 

über die Schweiz hinaus grosse 

Beachtung 

Ein Grossteil der dreidimensionalen 

Objekte und Mobiles von Markus 

Raetz wurde bislang kaum öffentlich 

gezeigt und nur wenig publiziert 

Das Buch würdigt diesen Teil des 

Werks von Markus Raetz erstmals 

umfassend, illustriert mit bislang 

unveröffentlichten Aufnahmen aus 

dem Atelier des Künstlers 

Erscheint anlässlich der Retrospektive 

MARKUS RAETZ. oui non si no 

yes no im Kunstmuseum Bern 

(8. September 2023 bis 25. Februar 

2024) 

9 783039 421527 

Markus Raetz 

Atelier 

Markus Raetz (1941–2020) gilt als einer der bedeutendsten Vertreter der Schweizer 

Gegenwartskunst, dessen Schaffen auch in Deutschland und Österreich grosse Beachtung 

findet. Sein vielgestaltiges Werk umfasst rund 1500 Skulpturen, Installationen 

und Objekte, die uns spielerisch bewusst machen, dass die Wahrnehmung der Welt 

vom Standpunkt der Betrachtung abhängt. 

Das Kunstmuseum Bern widmet dem Künstler im Spätsommer 2023 die grosse Retrospektive 

MARKUS RAETZ. oui non si no yes no. Im Zentrum der Ausstellung wie 

auch des dazu erscheinenden Buches Markus Raetz. Atelier stehen die bislang nur 

vereinzelt ausgestellten Objekte und Mobiles, die nun erstmals in grösserem Umfang 

präsentiert und im Gesamtzusammenhang gewürdigt werden. 

Essays des Ausstellungskurators Stephan Kunz und des französischen Kunsthistorikers 

und Kurators Didier Semin werden begleitet von Bildern des Schweizer Fotografen 

Alexander Jaquemet. Allesamt im Atelier Markus Raetz, aufgenommen, geben sie 

einen unmittelbaren Einblick in dessen verschiedene Arbeitszusammenhänge. 

Stephan Kunz ist seit 2011 künstlerischer Direktor des Bündner Kunstmuseums 

Chur und Kurator der Ausstellung MARKUS RAETZ. oui 

non si no yes no im Kunstmuseum Bern. 

Nina Zimmer ist seit 2016 Direktorin des Kunstmuseums Bern und des 

Zentrum Paul Klee, Bern. 

Didier Semin lehrte 1999–2020 als Professor für Kunstgeschichte an der 

École Nationale Supérieure des Beaux-arts in Paris. Davor war er 1991– 

1998 Konservator für zeitgenössische Kunst am Centre Pompidou in Paris. 

Alexander Jaquemet lebt und arbeitet als freischaffender Fotograf in 

Erlach am Bielersee. 



Der Werkkatalog des Schweizer Künstlerpaars 

Sabina Lang und Daniel Baumann im Modellformat

Herausgegeben vom Zeughaus 

Teufen, Lilia und David Glanzmann 

Mit Beiträgen von Jacqueline 

Burckhardt, Meret Ernst 

sowie Lilia und David Glanzmann 

Gestaltet von Norm, Zürich 

Broschur 



16 × 24 cm 

978-3-03942-166-4 


Ein ungewöhnlicher Werkkatalog 

des bekannten Schweizer Künstlerduos 

Lang / Baumann 

Präsentiert erstmals alle Modelle, 

die Lang / Baumann für die gemeinsamen 

Projekte seit 1992 gefertigt 

haben 

Zeigt auch Modelle zu Arbeiten, 

die nie ausgeführt wurden 


Lang / Baumann – 92 Modelle im 

Zeughaus Teufen AR (bis Oktober 

2023) 

ca. sFr. 29.– | € 29.– 

Erscheint ISBN 9783039421664 im Juli 2023 

9 783039 421664 

Models 

Lang / Baumann im Kleinstformat 

Sabina Lang und Daniel Baumann arbeiten seit 1990 zusammen und bilden das bekannte 

Schweizer Künstlerduo Lang / Baumann. Ihr Werk umfasst Installationen, 

Skulpturen, Wand- oder Bodenmalereien und architektonische Interventionen. Dieses 

Buch zeigt erstmals alle in den 33 Jahren ihres Wirkens gefertigten Modelle für die 

künstlerischen Arbeiten. Es bildet so einen Werkkatalog über ihr Gesamtschaffen 

anhand dieser Miniaturen und zeigt auch Projekte, die nie über das Modellstadium 

hinaus entwickelt wurden. 

Wofür ein Modell gebaut wird, ist entscheidend: Soll etwas dreidimensional skizziert, 

überprüft oder präsentiert werden? Lang / Baumann arbeiten mit drei Typen. Das 

Ideenmodell ist schnell gefertigt, fragil und manifestiert einen Gedanken. Anhand des 

Arbeitsmodells werden formale oder technische Details überprüft. Das Präsentationsmodell 

schliesslich entsteht erst nach Abschluss des Entwurfsprozesses, zeigt das Ergebnis 

und ist meist aufwendig gebaut. 

Essays zur Ikonografie im Werk von Lang / Baumann und über das Spielerische im 

Modellbau begleiten die rund 100 Abbildungen. Ein Gespräch mit Sabina Lang und 

Daniel Baumann rundet das Buch ab. 

Lilia und David Glanzmann leiten gemeinsam das Museum Zeughaus 

Teufen. Das Museum realisiert jährlich drei bis vier Wechselausstellungen 

und beherbergt im Dachgeschoss die historische Sammlung der Teufner 

Holzbau-Pioniere Grubenmann. 



Die Schweizer Eisenbahnen 

ab 1965: eine fotografische 

Dokumentation 

Weiterhin lieferbar in der Reihe Bilderwelten sind u. a.: 

Swissair Luftbilder 

Das Luftbildarchiv der Swissair 

978-3-85881-429-6 


sFr. 59.– | € 58.– 

ISBN 9783858814296 

Die Welt im Taschenformat 

Die Postkartensammlung 

Adolf Feller 

978-3-85881-339-8 


ISBN 9783858813398 

sFr. 59.– | € 58.– 

Fotomosaik Schweiz 

Das Archiv der Pressebildagentur 

Comet Photo AG 

978-3-85881-465-4 


ISBN 9783858814654 

sFr. 59.– | € 58.– 

9 783858 814296 

9 783858 813398 

9 783858 814654

Bilderwelten. Fotografien aus dem 

Bildarchiv der ETH-Bibliothek, 

Band 8 


Michael Gasser und Nicole Graf 

Gestaltet von Claudio 

Barandun, Zürich 

Gebunden 



20 × 26 cm 

978-3-03942-153-4 Deutsch 

ca. sFr. 59.– | € 58.– 

Präsentiert rund 200 Fotografien 

von Bahnbauten und Schienenfahrzeugen 

der Schweizer 

Eisenbahnen, mit Schwerpunkt 

auf dem Zeitraum 1965–1980 

Würdigt das fotografische Schaffen 

des Schweizer Architekturhistorikers 

und Industriearchäologen 

Hans-Peter Bärtschi (1950–2022) 

Bietet einen fundierten Einstieg in 

den mehr als 250 000 dokumentarische 

Aufnahmen umfassenden 

Fotobestand von Hans-Peter 

Bärtschi im Bildarchiv der ETH-Bibliothek 

in Zürich 


9 783039 421534 

Thomas Eichenberger 

Eisenbahnbilder – Eisenbahnbild 

Das Fotoarchiv von Hans-Peter Bärtschi und der Stiftung Industriekultur 

Der Architekturhistoriker Hans-Peter Bärtschi (1950–2022) hat als Pionier der Industriearchäologie 

und Autor zahlreicher Bücher und Zeitschriftenartikel grosse Bekanntheit 

erlangt. Zeitlebens setzte er sich beharrlich für den Erhalt von Kulturgütern 

ein, die Zeugnis der Schweizer Industriegeschichte ablegen, wozu insbesondere auch 

Bahnbauten und Schienenfahrzeuge zählen. Als Mitbegründer der Stiftung Industriekultur 

baute er ein Archiv von grossteils selbst aufgenommenen Fotografien auf, das 

mehr als 250 000 Bilder umfasst und heute vom Bildarchiv der ETH-Bibliothek in 

Zürich betreut und zugänglich gemacht wird. 

Eisenbahnbilder – Eisenbahnbild präsentiert eine reiche Auswahl an Aufnahmen aus 

dem frühen Fotoschaffen Bärtschis. Die Aufnahmen dokumentieren den grossen Umbruch 

im Schweizer Eisenbahnwesen ab Mitte der 1960er-Jahre. Der Fotograf Bärtschi 

eiferte dabei keineswegs der üblichen Hochglanzmanier einschlägiger Eisenbahnbücher 

nach. Sein scharfer analytischer Blick, der seinen Bildern ein hohes Mass an Authentizität 

verleiht, wird stets durch etwas Wehmut gemildert, mit der er etwa die 

Werksdampflokomotiven von damals führenden Schweizer Industriebetrieben oder 

die Veteranen auf Schweizer Schienen ablichtete. 

Thomas Eichenberger ist Historiker und als wissenschaftlicher Mitarbeiter 

am Institut für Kartografie und Geoinformation der ETH Zürich tätig. 

Michael Gasser ist Leiter der Sammlungen und Archive der 

ETH-Bibliothek in Zürich. 

Nicole Graf ist Leiterin des Bildarchivs der ETH-Bibliothek in Zürich. 



108 109 

16 17 

Abgeschieden wohnen sie in 

Buchstabhausen an der Küste des 

Semantik, eines grossen Sprachozeans. 

Ein kleines Bächlein namens 

Duden fliesst durch ihren Ort und 

versorgt sie mit den nötigen 

Regelialien. 

92 93 

98 99 

46 47 





32 33 

Abgeschieden wohnen sie in 





versorgt sie mit den nötigen 

Regelialien. 

90 91 

50 51 

Textildruck 

in Glarus 

Gespräch von 

Bettina Giersberg mit 

Druckerin Ines Marti 

in Mitödi 2022 

Weit hinten, hinter den Wortbergen, fern der Länder Vokalien 

und Konsonantien leben die Blindtexte. Abgeschieden 

wohnen sie in Buchstabhausen an der Küste des Semantik, 

eines grossen Sprachozeans. Ein kleines Bächlein namens 

Duden fliesst durch ihren Ort und versorgt sie mit den 

nötigen Regelialien. Es ist ein paradiesmatisches Land, in 

dem einem gebratene Satzteile in den Mund fliegen. Nicht 

einmal von der allmächtigen Interpunktion werden die 

Blindtexte beherrscht – ein geradezu unorthographisches 

Leben. Eines Tages aber beschloss eine kleine Zeile Blindtext, 

ihr Name war Lorem Ipsum, hinaus zu gehen in die 

weite Grammatik. Der grosse Oxmox riet ihr davon ab, da 

es dort wimmele von bösen Kommata, wilden Fragezeichen 

und hinterhältigen Semikoli, doch das Blindtextchen liess 

sich nicht beirren. Es packte seine sieben Versalien, schob 

sich sein Initial in den Gürtel und machte sich auf den Weg. 

Der grosse Oxmox riet ihr davon ab, da es dort wimmele 

von bösen Kommata, wilden Fragezeichen, hinterhältigen 

Semikoli, doch das Blindtextchen liess sich nicht beirren. 

Es packte seine sieben Versalien, schob sich sein Initial in 

den Gürtel und machte sich auf den Weg. 

Der grosse Oxmox riet ihr davon ab, da es dort wimmele von 

bösen Kommata, wilden Fragezeichen und hinterhältigen 

Semikoli, doch das Blindtextchen liess sich nicht beirren. Es 

packte seine sieben Versalien. 

BG: Weit hinten, hinter den Wortbergen, fern der 

Länder Vokalien und Konsonantien leben die Blindtexte? 

IM: Abgeschieden wohnen sie in Buchstabhausen an 

der Küste des Semantik, eines grossen Sprach ozeans. Ein 

kleines Bächlein namens Duden fliesst durch ihren Ort und 

versorgt sie mit den nötigen Regelialien. Es ist ein paradiesmatisches 

Land, in dem einem gebratene Satzteile in den 

Mund fliegen. 

BG: Nicht einmal von der allmächtigen Interpunktion 

werden die Blindtexte beherrscht – ein geradezu unorthographisches 

Leben? 

IM: Eines Tages aber beschloss eine kleine Zeile Blindtext, 





sich nicht beirren. Es packte seine sieben Versalien. 

BG: Weit hinten, hinter den Wortbergen, fern 

der Länder Vokalien und Konsonantien die Blindtexte? 

IM: Abgeschieden wohnen sie in Buchstabhausen 

an der Küste des Semantik, eines grossen Sprach ozeans. 

Ein kleines Bächlein namens Duden fliesst durch ihren Ort 

und versorgt sie mit den nötigen Regelialien. Es ist ein 

paradiesmatisches Land, in dem einem gebratene Satzteile 

in den Mund fliegen. 



Leben? 






sich nicht beirren. Es packte seine sieben Versalien. 



Leben? 




es dort hältigen Semikoli, doch das Blindtextchen liess sich 

Weit hinten, hinter den Wortbergen, 

fern der Länder Vokalien und Konsonantien 

leben die Blindtexte. 

Abgeschieden wohnen sie in Buchstabhausen 

an der Küste des Semantik, 

eines grossen Sprach ozeans. Ein 

kleines Bächlein namens Duden 

fliesst durch ihren Ort und versorgt 

sie mit den nötigen Regelialien. Weit 

hinten, hinter den Wortbergen, fern 

der Länder Vokalien und Konsonantien 


Abgeschieden wohnen. 

Prächtige Luxusstoffe für Modehäuser wie Yves Saint Laurent, 

Chanel und Ungaro – aus Mitlödi im Schweizer Kanton Glarus 

Farbenspiel 

Weit hinten, hinter den Wortbergen, fern der Länder Vokalien 

und Konsonantien leben die Blindtexte. Abgeschieden 

wohnen sie in Buchstabhausen an der Küste des Semantik, 

eines grossen Sprachozeans. Ein kleines Bächlein namens 

Duden fliesst durch ihren Ort und versorgt sie mit den 

nötigen Regelialien. Es ist ein paradiesmatisches Land, in 

dem einem ge bratene Satzteile in den Mund fliegen. 

Nicht einmal von der allmächtigen Interpunktion 


Leben. Eines Tages aber beschloss eine kleine 

Zeile Blindtext, ihr Name war Lorem Ipsum, hinaus zu gehen 

in die weite Grammatik. Der grosse Oxmox riet ihr davon 

ab. Nicht einmal von der allmächtigen Interpunktion 


Leben. Eines Tages aber beschloss eine 

kleine Zeile Blindtext, ihr Name war Lorem Ipsum, hinaus 

zu gehen in die weite Grammatik. Der grosse Oxmox. 

Zwischentitel Blindtext 

Titel Zwischentitel 









sie mit den nötigen Regelialien. Weit 

hinten, hinter den Wortbergen, fern 

der Länder Vokalien und Kon hinten, 

hinter den Wortbergen, fern der 

Länder Vokalien und Kon sonantien 


Zwischentitel Blindtext 

Titel Zwischentitel 









sie mit den nötigen Regelialien.

Herausgegeben vom 

Museum des Landes Glarus 

Mit Beiträgen von Bettina 

Giersberg 

Fotografien von Volker Kreidler 

Gestaltet von Angela Reinhard / 

raumprodukt, Zürich 

Broschur 



21 × 27 cm 

978-3-03942-174-9 Deutsch 

ca. sFr. 25.– | € 25.– 

Erscheint ISBN 9783039421749 im September 2023 

Bedruckte Stoffe aus Mitlödi im 

Schweizer Kanton Glarus wurden 

von den 1960er-Jahren bis 2000 

von grossen Pariser Modehäusern 

wie Yves Saint Laurent, Chanel, 

Ungaro oder Givenchy verwendet 

Erstmals lässt dieses Buch die 

zweite grosse Zeit des Textildrucks 

im Glarnerland Revue passieren 

Zeigt bislang unveröffentlichte 

Abbildungen von Stoffen, 

Textilentwürfen und Archivalien 

sowie eigens angefertigte, 

neue Aufnahmen des bekannten 

Berliner Fotografen Volker Kreidler 

Begleitet die Ausstellung Fantastische 

Jahre. Haute-Couture-Stoffe 

aus Mitlödi im Museum des Landes 

Glarus in Näfels (Freulerpalast, bis 

15. Oktober 2023) 

9 783039 421749 

Fantastische Jahre 

Haute-Couture-Stoffe aus Mitlödi 

Im Gedächtnis der Schweiz wird die Geschichte des Glarner Textildrucks vor allem 

mit seiner Blüte im 19. Jahrhundert verbunden. Dieses reich illustrierte Buch zeigt nun 

in höchst lebendiger Weise, dass das tradierte Bild trügt: Zwischen 1960 und 2000 

erlebte die damalige Seidendruckerei Mitloedi AG im Kanton Glarus erneut fantastische 

Jahre. In einer Zeit, in der viele Schweizer Textildruckereien ihre Produktion 

einstellten, wurden im Glarner Dorf Mitlödi viele Tausend Meter feinster Stoffe für 

die internationalen Haute-Couture- und Prêt-à-porter-Häuser bedruckt. Modehäuser 

wie Yves Saint Laurent, Chanel, Ungaro oder Givenchy statteten über viele Jahre ihre 

Sommer- und Winterkollektionen mit Stoffen aus Mitlödi aus. 

Aktuelle Aufnahmen des bekannten Berliner Fotografen Volker Kreidler zeigen die 

Produktionshallen und Gebäude der dortigen Textildruckerei und spannen einen 

künstlerischen Bogen von den 1960er-Jahren in die Gegenwart. Dies bildet den Rahmen 

für die abgebildeten Textilien, für Stoffentwürfe und Laufstegfotos. Die hier erstmals 

publizierten Stoffe, Kleider und Foulards stammen aus der Sammlung des Museums 

des Landes Glarus und aus dem Betriebsarchiv der Seidendruckerei Mitloedi AG 

(heute Altra Management AG Textile) und aus Privatsammlungen. Kultur-, sozial- und 

designgeschichtliche Zusammenhänge werden durch prägnante Texte und ein Zeitzeuginneninterview 

vermittelt. 

Bettina Giersberg ist Historikerin und erforscht seit vielen Jahren die 

Schweizer Textilgeschichte. Seit 2017 leitet sie das Museum des Landes 

Glarus in Näfels. 

Volker Kreidler ist Fotograf und dokumentiert seit den 1990er-Jahren die 

Industriekultur im deutschsprachigen Raum. Seine künstlerischen Arbeiten 

beschäftigen sich mit topografischen Wandlungen in Osteuropa. 



Eine lebendige Architekturerfahrung in Fotografien 

und literarischen Momentaufnahmen 

Zeigt folgende Bauten von Aebi & Vincent: 

Lotissement Choiseul Parc, Versoix GE 

Lotissement Grand-Saconnex II, Le Grand-Saconnex GE 

Wohnüberbauung Troinex, Chemin dottrens, 1276 Troinex GE 

Umbau und Neubau Berghaus Niesen, Niesen Kulm, Mülenen BE 

Maison les Grèves, Corcelles-près-Concise VD 

Neubau, Umbau und Sanierung, Verwaltungszentrum Guisanplatz, Bern 

Umbau und Sanierung Parlamentsgebäude, Bern 

Um- und Neubau Jugendherberge, Bern 

Masterplan Gemeinde, Naters VS 

Ersatzneubauten Mehrfamilienhäuser Schulhausstrasse, Zollikofen BE 

Neubau Wohnüberbauung Areal Wendelsee, Oberhofen am Thunersee BE 

Logements CIA Pinchat, Carouge GE 

Neubau und Umbau Mehrfamilienhaus Bernstrasse, Herzogenbuchsee BE 

Haus Cuno-Amiet Strasse, Herzogenbuchsee BE 

Wohnüberbauung Hertenbrünnen, Schliern bei Köniz BE 

Umbau und Sanierung Schulheim Rossfeld, Bern 

Wohnüberbauung Flo + Fleur, Thomasweg, Liebefeld BE 

Städtebauliches Gesamtkonzept Bernapark, Kartonfabrik, Deisswil BE 

Erneuerung Stadttheater, Langenthal BE 

Umbau und Ersatzneubau Pflegezentrum Tilia Elfenau, Bern 

Umbau Casinoplatz 2, Asino il bar, Bern 

Umbau Restaurant Bubenbergplatz, Bern 

Ersatzneubau Hotel Astoria, Zieglerstrasse, Bern 

Gesamtsanierung Hauptbahnhof Zürich Südtrakt, Zürich

Mit Fotografien von Alexander 

Jaquemet und Adrian Scheidegger 

sowie Texten von Gianna Molinari 

Gestaltet von sofies 

Kommunikationsdesign, Zürich 

Gebunden 


Abbildungen 

34 × 24 cm 

978-3-03942-160-2 Deutsch 

978-3-03942-161-9 Englisch 

ca. sFr. 59.– | € 58.– 


ISBN 9783039421602 

ISBN 9783039421619 

Aebi & Vincent Architekten in Bern 

und Genf haben sich mit Wohnbauten 

sowie Umbauten und 

Gesamtsanierungen bedeutender 

öffentlicher Gebäude in Bern und 

Zürich einen Namen gemacht 

Das Buch bietet eine ungewöhnliche 

literarisch-fotografische Auseinandersetzung 

mit den Bauten 

von Aebi & Vincent Architekten 

Zeigt erstmals Aufnahmen des von 

Aebi & Vincent Architekten umgebauten 

Südtrakts des Zürcher 

Hauptbahnhofs 

Deutsch 

Englisch 

9 783039 421602 

9 783039 421619 

Von hier aus 

Eine fotografisch-literarische Begegnung mit Bauten 

von Aebi & Vincent Architekten 

Seit mehr als 25 Jahren führen Bernhard Aebi und Pascal Vincent ihr gemeinsames 

Architekturbüro in Bern und Genf. Neben mehreren grösseren Wohnbauprojekten in 

den Kantonen Bern, Fribourg und Wallis zählen der Umbau des Parlamentsgebäudes 

in Bern, die Gesamtsanierung des Berner Sitzes der Schweizerischen Nationalbank 

und des Südtrakts des Zürcher Hauptbahnhofs zu den prominentesten Werken von 

Aebi & Vincent Architekten. 

Die Fotografen Adrian Scheidegger und Alexander Jaquemet, beide langjährige Wegbegleiter 

der Architekten, haben eine Auswahl von deren Bauten in ihrer Alltäglichkeit 

fotografisch festgehalten. Die Aufnahmen zeigen, wie sich die von Aebi & Vincent 

Architekten geschaffenen Räume und Flächen allmählich und selbstverständlich in 

das sie umgebende Umfeld eingliedern. 

Die Schriftstellerin Gianna Molinari hat die Fotografen auf ihren Spaziergängen zu 

diesen Bauten begleitet. Ihre literarischen Momentaufnahmen ergänzen die fotografischen 

Zeugnisse und regen unsere Fantasie an, so dass ganz persönliche Bilder des 

Innenlebens der Gebäude und ihrer Nutzerinnen und Bewohner entstehen. 

Alexander Jaquemet lebt und arbeitet als freischaffender Fotograf in Erlach 

am Bielersee. Bekannt ist er insbesondere für seine schwarz-weissen 

Landschaftsaufnahmen. 

Adrian Scheidegger lebt und arbeitet in Bern als freischaffender Künstler 

und Fotograf und als künstlerischer Berater für Farb- und Materialkonzepte 

von Aebi & Vincent Architekten. 

Gianna Molinari lebt und arbeitet als Schriftstellerin in Zürich. Ihr erster 

Roman Hier ist noch alles möglich (2018) war für den Deutschen und für 

den Schweizer Buchpreis nominiert, ihr neues Buch Hinter der Hecke die 

Welt erscheint im September 2023. 



76 

22 

ouvertes (Bekanntmachung. Sechs offene Briefe, Kat. 7) in ihrer Gestaltung sowie 

aufgrund des Titels an die Lettres ouvertes an. Das Werk wird unter dem Namen der 

Section des Figures (Sektion der Figuren) publiziert, die wiederum identisch ist 

mit der Ausstellung Der Adler vom Oligozän bis heute, die 1972 in der Städtischen 

Kunsthalle Düsseldorf stattfindet 70 Auf jedem der sechs Blätter ist die Darstellung 

eines Adlers zu sehen, wobei diese verschiedenen Kontexten entnommen sind. So 

werden archäologische Funde früherer Jahrtausende neben Abbildungen gezeigt, 

die aus Zeitschriften oder Comics stammen könnten. Unter diesem jeweils mittig 

platzierten Bildfeld fügt Broodthaers auf jedem Blatt einen Satz ein. Auf den ersten 

fünf Druckgrafiken 

D’AUTEUR), 

beginnt dieser mit: «Jede Ähnlichkeit 

1974 

der Abteilung Adler mit 

solchen in Museen aller Art […]». Ergänzt wird: «ist zufällig», «ist rein formal», «ist 

unbeabsichtigt», «existiert nur in der Einbildung» und «ist ein Ergebnis der Zivilisation». 

Auf dem sechsten Blatt steht abschliessend: «Die Direktion lehnt jede Verantwortung 

ab.» Es verdeutlicht sich erneut Broodthaers’ Spiel mit festen Strukturen. 

Er hinterfragt, warum Ähnlichkeiten zwischen dem, was er als Museum zeigt, 

und den realen Museen zu erkennen sind, ohne dabei eine Antwort zu geben. Damit 

stellt er die elementare Frage, was Museen überhaupt ausmacht und regt dazu an, 

etablierte institutionelle Gefüge kritisch zu beleuchten. 

Dem geht auch die bereits erwähnte Ausstellung Der Adler vom Oligozän bis 

heute nach. Broodthaers präsentiert hier mehr als 300 Adler – darunter Museumsobjekte, 

Werbung, Wappen, Ortsschilder und Cartoons. 71 Die Exponate gehören 

unterschiedlichen Epochen, Kulturen und Anwendungsbereichen an und werden 

scheinbar willkürlich, ohne eine erkennbare hierarchische Struktur angeordnet. 72 

Jedes Ausstellungsstück, ungeachtet seiner Herkunft, Datierung oder materiellen 

Beschaffenheit, versieht Broodthaers mit dem Vermerk «Dies ist kein Kunstwerk». 

Damit referiert er sowohl auf René Magritte als auch auf Duchamp, wie auch ihre 

Hervorhebung im ersten Band des die Ausstellung begleitenden Katalogs verdeutlicht. 

73 Ort und Form der Präsentation sind es, die bei Duchamp jedes beliebige 

Objekt zu einem Kunstwerk machen – und nicht die spezifischen Qualitäten des 

Gegenstands. Broodthaers’ Vorgehen erfolgt genau umgekehrt, indem er den Exponaten 

der Düsseldorfer Ausstellung explizit den Status als Kunstwerk abspricht. 74 

Neben dem Verweis auf Duchamp ist die Nähe zu Magritte und dessen Werk La 

Trahison des images (Abb. 5) zentral für das Verständnis der Section des Figures. 

Magritte führt mit seiner Darstellung einer Pfeife, die er mit dem Zusatz «Dies ist 

keine Pfeife» versieht, die verschiedenen Realitätsebenen von Bild und Abbild vor. 

Broodthaers transferiert diesen Gedanken in seiner Ausstellung. Indem er seinen 

Exponaten den Vermerk «Dies ist kein Kunstwerk» hinzufügt, weist er im übertragenen 

Sinne darauf hin, dass diese zwar Kunst repräsentieren, selbst aber nicht 

Kunst sind. 75 

In seinem enzyklopädischen Eintrag, der im zweiten Band des Düsseldorfer 

Katalogs abgedruckt wird, beschreibt auch Jürgen Harten, dass durch die Präsentation 

und Anordnung der Gegenstände die Verbindung zu ihrer ursprünglichen Bedeutung 

verloren geht, wodurch sie zu «Abbilder[n] von Dingen» werden. 76 So ist 

das Thema der Ausstellung Der Adler vom Oligozän bis heute nicht etwa, wie ihr 

Titel vermuten lässt, der Adler, sondern die musealisierende Tätigkeit, die sich in 

der Anordnung rechts: und Institutionalisierung «à compte der d’auteur». 

Exponate zeigt. 77 Letztlich führt das 

Vorgehen Broodthaers’ zu einer Hinterfragung der Institution Museum sowie der 

Rahmenbedingungen von Kunst: Wie werden Werke präsentiert? Warum werden 

LA SOURIS ÉCRIT RAT (À COMPTE 

La souris écrit rat (à compte d’auteur) (Die 

Maus schreibt Ratte [auf Kosten des Autors]) 

zeigt unten rechts zwei Arme und Hände, die 

die Form einer Katze imitieren. Links oben 

erscheint als daraus resultierendes Schattenspiel 

die Figur einer Katze, die detaillierter 

ausgeführt ist. Die Abbildung der Hände 

sowie der Katze übernimmt Broodthaers aus 

dem 1880 publizierten Buch Les Silhouettes 

à la main von R. Théo. 205 Broodthaers fügt 

dieser Darstellung druckgrafisch oben mittig 

den Titel «La souris écrit rat» hinzu. Darüber 

hinaus versieht er die Katze per Hand 

mit Schnurrhaaren und kommentiert unten 

Doch wer ist hier der Autor, scheint 

Broodthaers zu fragen. Bild und Abbild, Hände 

und Schattenwurf, entsprechen sich nicht, 

da der Schatten ausführlicher ist als das, 

was die Hände zu formen vermögen. Zudem 

lässt die Hinzufügung der Schnurrhaare die 

Katze lebendiger und eigenständig erscheinen. 

206 Hildebrand-Schat beschreibt diese 

Broodthaers greift damit die spielerische 

Idee auf, die hinter der Seite aus Théos Buch 

steckt: Diese zeigt eine Beschäftigung, eine 

Abb. 5 René Magritte, La Trahison des images, 1929, 

Öl auf Leinwand, 60,3 × 81,1 cm, Creditline 

Form des Zeitvertreibs, die ohne jegliche materielle 

Mittel auskommt. Der Künstler lässt 

die Grafikedition zu einem Gedankenspiel 

werden. 

sie so angeordnet, wie sie angeordnet werden? Und kann durch die Sammlung oder 

Präsentation in einem Museum jeder beliebige Gegenstand zu einem Kunstwerk 

werden? 

Neben diesen Überlegungen drängt sich die Frage auf, warum Broodthaers ausgerechnet 

die Figur des Adlers als Ausgangspunkt seiner Reflexion der Institution 

Museum wählt. Auch in den Grafikeditionen kommt das Motiv häufig vor. Es ist auf 

Avis. Six Lettres ouvertes (Kat. 7), Lettre ouverte (Offener Brief, Kat. 14), Correspondance 

– Briefwechsel (Kat. 13) und Atlas (Kat. 25), aber auch auf der Rückseite des 

Umschlags von Musée d’Art Moderne à vendre – pour cause de faillite (Museum 

für Moderne Kunst zu verkaufen – wegen Bankrotts, Kat. 5) sowie auf den Goldbarren 

des Werks Museum – Museum (Kat. 9) zu entdecken. Eine Erklärung können 

mit dem Motiv verknüpfte Assoziationen liefern. So wurde der Adler gerade 

im 19. Jahrhundert häufig im Kontext staatlicher oder militärischer Macht sich 

neu gründender Nationen verwendet. Diese Staatsgründungen zogen wiederum 

Einrichtungen nationaler Institutionen nach sich, zu denen unter anderem auch 

Museen zu zählen sind. 78 Im Kontext der Ausstellung Der Adler vom Oligozän bis 

heute enthebt Broodthaers schliesslich die Figur der mit ihr verbundenen Macht. 

Bereits Michael Oppitz bemerkt im zweiten Band des zugehörigen Ausstellungskatalogs: 

«Eine merkwürdige Doppelwirkung: indem Broodthaers keinem der 

LES ANIMAUX Beziehung DE LA als FERME, logischen 1974 Bruch. 207 Letztlich 

sind verschiede ne Autorschaften möglich: Der 

Mensch, der mit seinen Händen das Bild der 

Der Offsetdruck Katze Les Animaux formt, de la ferme der Künstler, Kunst tritt damit der in unmittelbare die Schnurrhaare 

Interaktion 

mit ihren Betrachter:innen. Gleichzeitig 

zeigt auf zwei Blättern verschiedene Rinderrassen. 

Das linke, als «Tableau 

hinzufügt, 

A» bezeichnete 

Théo, 

handelt es 

aus 

sich um 

dessen 

einen Appell, Informationen 

und althergebrachte Strukturen zu 

Buch die 

Blatt reiht Kühe, das rechte, mit «Tableau B» 

betitelte, Stiere in je fünf Zeilen auf. Unter hinterfragen und ihnen mit einem kritischen 

Darstellung stammt, «M. B.», der das Blatt 

den einzelnen in Seitenansicht dargestellten Blick entgegenzutreten. 210 

Rindern ist jeweils eine Automarke vermerkt, 

beispielsweise 

signiert, 

«BMW», «Fiat» 

oder 

oder «Volkswagen». 

Auf beiden Druckgrafiken ist der Titel 

gar die Maus, die laut Titel «auf 

Les Animaux Kosten de la ferme des oben mittig Autors» in Ma- 

schreibt. 

juskeln platziert. Der Zusatz «Enseignement 

agricole» lässt vermuten, dass Broodthaers 

sich hier einer bereits existierenden Quelle 

bedient. Der Hinweis «Neuauflage von Marcel 

Broodthaers», den der Künstler ganz unten 

anfügt, verdeutlicht dies. 

Der Verweis auf den landwirtschaftlichen 

Unterricht verdeutlicht den didaktischen Kontext, 

dem die Darstellungen der Rinder entnommen 

zu sein scheinen. Broodthaers spielt 

dadurch mit den Sehgewohnheiten seines 

Publikums, das ähnliche Abbildungen möglicherweise 

aus der Schule kennt. Gleichzeitig 

fügt er ein ironisches Moment ein, indem 

das Dargestellte nicht mit der Beschreibung, 

den Automarken, übereinstimmt. Spielerisch 

kann nach Analogien zwischen Auto und Rind 

gesucht werden. Vergleichbar ist dies mit 

Objektschildern in Ausstellungen Broodthaers’, 

die in die Irre führen. 208 Die eigentlich zur 

Orientierung der Betrachter:innen gedachten 

Informationen stellen dabei keinen Inhalt 

bereit. Bezeichnendes und Bezeichnetes stimmen 

nicht überein. 209 Letztlich lenkt Broodthaers 

durch seine irreführende Beschreibung 

den Blick auf das Wesentliche: Was genau ist 

zu sehen? 

Kat. 20 Marcel Broodthaers, La souris écrit rat (à compte d’auteur), 1974 

Hochdruck in Schwarz und Feder in Rot auf Papier, Blattmass: 76,3 × 56,8 cm, Kunsthaus Zürich, 

Grafische Sammlung, Geschenk des Migros-Genossenschaftsbunds, 1982, Inv. Gr.1982/0043 

23 

77 

78 

Kat. 21 Marcel Broodthaers, Les Animaux de la ferme, 1974 

2 Blatt, Offsetdruck in Farbe auf Schoeller-Parole-Karton, Blattmass: je 82 × 60,2 cm, 

Kunsthaus Zürich, Grafische Sammlung, Geschenk des Migros-Genossenschaftsbunds, 1982, 

Inv. Gr.1982/0045 

79 

KATALOG 

MIT TEXTEN VON SIMONE GEHR 

Abb. 7 Angelika Platen, Marcel Broodthaers, Düsseldorf 1972 

Schwarz-Weiss-Fotografie 

Marcel Broodthaers und 

seine Auseinandersetzung 

mit der Institution Museum 

MARCEL BROODTHAERS – 

DIE GRAFIKEDITIONEN IM KONTEXT 

SEINES MUSÉE D’ART MODERNE 

MUSÉE – MUSEUM, 1972 

12 

Simone Gehr 

Welches ist überhaupt die Rolle […] eines Museums? 

Sammeln, Bewahren, Erforschen, Ausstellen und Vermitteln – so definiert die 

am 24. August 2022 verabschiedete neue Museumsdefinition des Internationalen 

Museumsrats ICOM die Kernaufgaben der Institution. Darüber hinaus werden Inklusion, 

Teilhabe und Nachhaltigkeit als zentrale Aspekte der Museumsarbeit verankert. 

1 Vor diesem Hintergrund wird deutlich, dass in Bezug auf die Definition 

des Begriffs Museum Diskussionsbedarf besteht. Ein Blick in die Geschichte zeigt, 

dass sich die Vorstellungen, die mit dem Wort verbunden werden, über die Jahrhunderte 

hinweg veränderten und auch heute noch einem steten Wandel unterworfen 

sind. Die griechische Etymologie versteht das «museion» als Musensitz im 

Sinne eines häufig mit einer Lehrstätte verbundenen Altars, wohingegen die lateinische 

Wortherkunft auf die gelehrte Beschäftigung zurückgeht. Erst im Lauf der Zeit 

entwickelte sich die Bedeutung des Museums als ein Ort, an dem eine Sammlung 

untergebracht wird. In Johann Heinrich Zedlers Großem Universal-Lexicon zeichnet 

sich noch 1739 ein Definitionsspektrum vom Musentempel über die Kunst- und 

Antiquitätenkammer bis hin zur Studierstube ab. Eine entscheidende Veränderung 

ist in deutschsprachigen Lexika ab etwa 1900 feststellbar, als diese den Begriff Museum 

nicht mehr in seiner ursprünglichen Bedeutungsvielfalt abbilden, sondern 

damit eine öffentlich präsentierte Sammlung beschreiben. 2 Dass auch diese Auslegung 

nicht abschliessend und für alle Zeiten gültig ist, zeigt die von Fachpersonen 

aus der ganzen Welt erarbeitete ICOM-Definition aus dem Jahr 2022. 

Nicht nur der Begriff Museum bietet Anlass zur Diskussion. Auch an die heute 

damit verbundene Institution wurden im Lauf ihrer Geschichte immer wieder Fragen 

zu ihren Aufgaben sowie ihrer Verankerung innerhalb einer Gesellschaft herangetragen. 

Eine der wohl zentralsten Auseinandersetzungen mit dem Museum ist in 

den 1960er- und 1970er-Jahren im Zuge der Institutionskritik anzusetzen. 3 Von der 

damit einhergehenden breiten Debatte zeugt beispielsweise der 1970 erschienene 

Band Das Museum der Zukunft, der aktuelle und zukünftige Herausforderungen 

aus verschiedenen Perspektiven beleuchtet. 4 Auch aktuell wird die Diskussion um 

die Institution weitergeführt und fortwährend aktualisiert. Dies zeigt unter anderem 

der Umstand, dass 2020 ein zweiter Band der Publikation erschien. 5 Im einleitenden 

Text dieser Publikation wird auf einen Künstler hingewiesen, 6 der nicht 

nur die Diskussion um die Institution zum Bestandteil seines Schaffens machte, 

sondern der auch heute noch relevante Fragen zum Museum, aber auch zum damit 

verbundenen Kunstbetrieb aufwarf: Marcel Broodthaers. 

Abb. 3 Angelika Platen, Marcel Broodthaers, Prospect 68, 1968 

Mat./Technik, Masse, Creditline 

13 

60 

Der zweiteilige Offsetdruck Musée – Museum 

zeigt auf beiden Blättern den identischen 

Grund- und Aufriss der Räumlichkeiten in der 

Rue de la Pépinière 30 in Brüssel. An dieser 

Adresse, dem Wohnhaus des Künstlers, ist 

für ein Jahr lang, vom 27. September 1968 

bis zum 27. September 1969, die Section XIXe 

Siècle, die erste Inszenierung des Musée d’Art 

Moderne Broodthaers’, zu sehen. Wie auch 

der feingliedrige Plan offenbart, zeigt Broodthaers 

anlässlich dieser Sektion Verpackungsmaterial 

für Kunst, Transportkisten, die sich 

an den Wänden stapeln, und Post karten, 

die hauptsächlich französische Kunst des 

19. Jahrhunderts repräsentieren. Fünf dieser 

kleinformatigen Reproduktionen integriert 

Broodthaers auch in die zweiteilige Druckgrafik: 

Auf dem linken Blatt fügt er Ingres’ 

Le Grande Odalisque (1814, Louvre, Paris) 

und Le Bain turc (1862, Louvre, Paris) sowie 

Courbets Les Dormeuses (1866, Petit 

Palais, Paris) ein. Auf der rechten Grafik sind 

Ingres’ Portrait du violoniste Paganini (1819, 

Louvre, Paris) und Portrait de Mme Victor 

Baltard (1836, Privatbesitz) als Kunstpostkarten 

auf dem Blatt angebracht. 

Den zweisprachigen Titel Musée – 

Museum, den Broodthaers auf beiden Grafiken 

unten rechts angibt, druckt er seitenverkehrt. 

Dies ist wohl eine Anspielung auf 

den französisch- und flämischsprachige 

Schriftzug «Musée – Museum», der während 

der ersten Sektion am Fenster seines fiktive 

Museums zu sehen ist. Nur von innen kann 

er richtig herum gelesen werden. 180 Dieses 

Moment der Spiegelung kann wiederum als 

Referenz auf Broodthaers’ Museum gedeutet 

werden, das wie ein Spiegel agiert, den der 

Künstler der Wirklichkeit vorhält, um ihre 

Konstruiertheit aufzudecken. Beispielsweise 

bemerkt Frank Maes, dass, wenn man Broodthaers’ 

Werke in einem Museum präsentiert, 

diese der Institution einen Spiegel vorhalten 

und so eine poetisch-kritische Reflexion über 

ihre Aktivitäten anbieten. 181 

Ebendiese Betonung der Reflexion zeigt sich 

auch in den Leerformen, die Broodthaers 

auf der Druckgrafik abbildet: das fiktiv 

Museum, die Verpackungskisten, die Reproduktionen. 

Diese Leerformen dienen dem 

Künstler dazu, die Institution Museum zu 

hinterfragen. 182 Die Reflexion geschieht dabei 

fortwährend. Broodthaers setzt sich nicht 

nur zum Zeitpunkt des Entstehens seines 

Museumsprojekts und der damit verbundenen 

ersten Sektion damit auseinander. Beispielsweise 

entsteht die Druckgrafik, die die Section 

XIXe Siècle von 1968 aufleben lässt, im Jahr 

1972, als der Künstler das fiktive Museum 

auf der documenta 5 schliesst. Und auch 

nach diesem Ende des Musée d’Art Moderne 

schwingen damit verbundene Überlegungen 

weiterhin in seinem Schaffen mit: So bildet 

etwa die Salle blanche (Weisser Raum, 1975, 

Centre Pompidou, Paris) den Wohnraum 

in der Rue de la Pépinière 30 erneut ab – nun 

gänzlich ohne Einrichtung, als tatsächliche 

Leerform. 183 

Kat. 12 

Marcel Broodthaers, Musée – Museum, 2 Blatt, Offsetdruck in Schwarz auf Papier, 

eingefügt 2 beziehungsweise 3 Postkarten, Blattmass: je 50,5 × 75 cm, Kunsthaus Zürich, 

Grafische Sammlung, Geschenk des Migros-Genossenschaftsbunds, 1982, Inv. Gr.1982/0036 

61

Herausgegeben vom Kunsthaus 

Zürich 

Mit einem Beitrag von Simone 

Gehr sowie Gesprächen mit Maria 

Gilissen Broodthaers und Marcel 

Broodthaers 

Gestaltet von Lena Huber, Zürich 

Broschur 



17 × 23,5 cm 

978-3-03942-159-6 Deutsch 

sFr. 25.– | € 25.– 

Erscheint ISBN 9783039421596 im Juni 2023 

Eine aktuelle Auseinandersetzung 

mit der Rolle des Museums als 

Kulturort für die Gesellschaft und 

das künstlerische Leben 

Mit einem neuen Interview mit 

Marcel Broodthaers’ Witwe Maria 

Gilissen sowie Auszügen aus einem 

historischen Gespräch mit Marcel 

Broodthaers selber 

Marcel Broodthaers zählt zu den 

eigenwilligsten Figuren in der 

Kunst des 20. Jahrhunderts und 

hinterfragte die Rolle von Museen 

bereits vor fünfzig Jahren 


Marcel Broodthaers. Museum 

im Kunsthaus Zürich (30. Juni bis 


9 783039 421596 

Marcel Broodthaers. Museum 

Die Grafikeditionen im Kontext seines Musée d’Art Moderne 

«Welches ist überhaupt die Rolle dessen, was das künstlerische Leben in einer Gesellschaft 

repräsentiert – nämlich eines Museums?» Dieser Frage Marcel Broodthaers’ 

und seiner Auseinandersetzung mit dem Thema Museum gehen eine Ausstellung im 

Kunsthaus Zürich und das dazu erscheinende Buch nach. 

Marcel Broodthaers (1924–1976), eine der eigenwilligsten Figuren der Kunst des 20. 

Jahrhunderts, war zunächst Dichter, bevor er sich im Alter von 40 Jahren als Autodidakt 

der bildenden Kunst zuwandte. Am wohl intensivsten beschäftigte er sich als 

Künstler mit der Institution Museum, ausgelöst durch die Proteste der 1968er-Bewegung. 

Seine grafischen Editionen – als Begriff von ihm weit gefasst und neben Druckgrafik 

auch Film, Fotografien und Installationen einschliessend – spiegeln seine Überlegungen 

zum Museum bestens wider. 

Die der Ausstellung und dem Buch zugrunde liegende Recherche brachte wichtige neue 

Erkenntnisse zu Broodthaers’ Schaffen allgemein und zu seinen Werken in der Sammlung 

des Kunsthaus Zürich hervor, die mit diesem Band nun allgemein zugänglich 

werden. 

Simone Gehr ist seit 2020 wissenschaftliche Mitarbeiterin an der 

Grafischen Sammlung im Kunsthaus Zürich. 



Gestaltet von Katrina Wiedner, 

Wien 

Gebunden 

204 Seiten 

11 × 21 cm 

978-3-03942-145-9 Deutsch 

978-3-03942-146-6 Englisch 

ca. sFr. 29.– | € 29.– 

Erscheint im Juni 2023 

ISBN 9783039421459 

Deutsch 

ISBN 9783039421466 

Englisch 

Eine höchst originelle, persönliche 

Reflexion über die Malerei 

als künstlerischer Ausdruck im 

21. Jahrhundert 

Ein unterhaltsamer Ausflug in die 

Welt der Kunst und zum Kern der 

Tätigkeit des Malens 


Rachel Lumsden—The Blazing 

Hot Moment und andere Funkensprünge 

im Kunstmuseum Thurgau, 

Warth (2. Juli bis 17. Dezember 


9 783039 421459 

9 783039 421466 

Rachel Lumsden 

Ritt auf der Wildsau 

Manifest für die Malerei 

Ein flammendes 

Bekenntnis zur 

figurativen Malerei 

Das Werk der britisch-schweizerischen Künstlerin Rachel Lumsden besteht hauptsächlich 

aus grossformatigen figurativen Gemälden, die sich durch atmosphärisch 

dichte Bildräume auszeichnen. Lumsdens Bildsprache konzentriert sich auf der Leinwand 

durch einen virtuosen Umgang mit der Farbe und evoziert visuelle Erzählungen, 

die den Betrachtenden unerwartet nahekommen und doch nicht völlig fassbar sind. 

In ihrem Buch Ritt auf der Wildsau lädt Lumsden den Leser auf einen unterhaltsamen 

Ausflug in die schillernde Welt der Kunst und zum Kern der Tätigkeit des Malens ein. 

Unterwegs dorthin lernen wir einige der mächtigen und eigenwilligen Türhüter der 

Kunst kennen, wundern uns über ihre eingefahrenen Geschlechterrollen und entdecken, 

was figurative Malerei zu einer Form der Quantenphysik mit Sexappeal macht. 

Lumsdens Essay ist Manifest und Bestandsaufnahme des Kunstbetriebs zugleich. Vor 

allem ist er aber ein flammendes Bekenntnis zur Malerei. 

Rachel Lumsden, geboren 1968 in Newcastle-upon-Tyne, lebt und arbeitet 

seit 2002 in der Schweiz. Sie bildete sich an der Nottingham Trent 

University und den Royal Academy Schools in London künstlerisch aus 

und unterrichtete 2007–2019 an der Hochschule Luzern – Design & 

Kunst. 



Herausgegeben von Julia Künzi 

und Johanna Vieli 

Gestaltet von Nora Halpern, Zürich 

Broschur 



21 × 29,7 cm 

978-3-03942-170-1 Deutsch 

ca. sFr. 25.– | € 25.– 

Erscheint ISBN 9783039421701 im November 2023 

Jubiläumsbuch der Stiftung Binz39, 

einer bedeutenden, international 

ausstrahlenden Institution für Gegenwartskunst 

in Zürich 

Zeichnet das breite internationale 

Netzwerk nach, das die Stiftung 

Binz39 seit den 1980er-Jahren gespannt 

hat 

115 Originalbeiträge von Schweizer 

und internationalen Künstlerinnen 

und Künstlern in Bild und Text 

Ideen und Visionen zum Thema 

Raum aus der Sicht von Kunstschaffenden 

9 783039 421701 

Im Sturz durch Raum und Zeit 

40 Jahre Stiftung Binz39 

Gedanken, Ideen 

und Visionen 

zum Raum als 

künstlerische 

Dimension 

Seit 40 Jahren stellt die von Henry F. Levi initiierte Stiftung Binz39 in Zürich Künstlerinnen 

und Künstlern Atelierräume und Stipendien zur Verfügung. Binz39 betreibt 

einen Ausstellungsraum in der Zürcher Innenstadt und organisiert internationale Austauschprogramme. 

Durch dieses langjährige Engagement entstand ein weitläufiges 

Netzwerk, das über Europa hinaus bis nach Indien und in die USA reicht: Ein Kunst- 

Kosmos mit einer lokalen Verankerung, rückgebunden an spezifische Räume in Zürich. 

Dieses Jubiläumsbuch widmet sich dem inoffiziellen Motto der Stiftung: «Kunst 

braucht Raum und Raum braucht Kunst». In rund 120 Beiträgen ehemaliger und gegenwärtiger 

Stipendiaten und Stipendiatinnen werden Gedanken, Ideen und Visionen 

zum Thema «Raum» versammelt. Zusammen mit einem Text der Autorin und Wissenschaftlerin 

Sophia Roxane Rohwetter sowie dem Vorwort der Herausgeberinnen 

dient das Buch sowohl als Verzeichnis über 40 Jahre Kunst-Engagement wie auch als 

Zeitdokument und eröffnet so vielfältige Perspektiven auf Raum als künstlerische 

Dimension. 

Julia Künzi und Johanna Vieli sind Kunsthistorikerinnen und 

Kuratorinnen. Beide leben in Zürich. Julia Künzi ist seit 2022 

Kuratorin der Stiftung Binz39. 



Die Töpferscheibe, 

auf der die Welt gedeutet wird, 

ruhte an diesem Morgen 

96 

97 

The potter’s wheel, 

plied to read the world, 

was at rest this morning 

Bild und Wort im vielschichtigen Dialog: der Künstler 

Uwe Wittwer und der Lyriker Jürg Halter 

Karpfen schwimmen 

zwischen Kiefern, 

träumen – wachen 

20 

21 

Carp are swimming 

among conifers 

dreaming—waking 

Eine Schale, ein Krug und eine Vase, 

stehen im langen Schatten 

eines Brennofens. Es knackst! 

102 

103 

A ball, a pitcher, and a vase, 

stand in the long shadow 

of a kiln. Crackling!


Mirjam Fischer 

Englische Übersetzung von 

Catherine Schelbert 

Gestaltet von Martina Brassel, 

Zürich 

Broschur 

176 Seiten, 46 Duplex-Abbildungen 

12 × 19 cm 

978-3-03942-132-9 


sFr. 29.– | € 29.– 

Bereits lieferbar, noch nicht 

angekündigt 

ISBN 9783039421329 

Arbeiten auf Papier des Künstlers 

Uwe Wittwer und Gedichte 

des Schriftstellers und Künstlers 

Jürg Halter in einem vielschichtigen 

Dialog 

Geht in poetisch-malerischer Weise 

Fragen nach dem Eigenen im 

Fremden, Menschlichkeit und Unmenschlichkeit 

sowie dem Tröstenden 

in der Kunst nach 

Jürg Halter zählt zu den bekanntesten 

Schweizer Autoren der Gegenwart 


Das imaginäre Haus: Uwe Wittwer, 

Aiko Watanabe, Jürg Halter im 

Gewerbemuseum Winterthur 

(9. Juni bis 22. Oktober 2023) 

9 783039 421329 

Jürg Halter, Uwe Wittwer 

Verlassenes Boot treibt Richtung Mond 

Verlassenes Boot treibt Richtung Mond lässt Arbeiten auf Papier (Inkjet-Prints) des 

Künstlers Uwe Wittwer und Gedichte des Schriftstellers und Künstlers Jürg Halter in 

einen vielschichtigen Dialog treten. Inspiriert vom legendären Spielfilm Ugetsu Monogatari 

(Erzählungen unter dem Regenmond, 1953) des japanischen Regisseurs Kenji 

Mizoguchi, wollen die beiden im Kopf der Betrachterinnen und Leser einen neuen, 

imaginären Film auslösen. Dabei handelt es sich nicht um eine geschlossene Erzählung, 

sondern um ein subtiles Spiel mit Andeutungen, Fragmenten, Kommentaren und Weitererzählungen. 

Manche von Wittwers Bildern geben sich anschaulich, andere verweigern 

sich der direkten Verständlichkeit. Ebenso verhält es sich mit Halters kurzen 

Gedichten: Einige sind eindeutig und schlicht, manche sind mehrdeutig und entziehen 

sich dem unmittelbaren Zugang. 

Das Buch geht in poetisch-malerischer Weise Fragen nach wie «Was ist das Eigene im 

Fremden?», «Wann schlägt Menschlichkeit in Unmenschlichkeit um?» oder «Ist in der 

Kunst Trost zu finden?». 

Uwe Wittwer, geboren 1954, lebt und arbeitet in Zürich. Für sein künstlerisches 

Schaffen verwendet er die Techniken Aquarell, Ölmalerei, Inkjet- 

Print und Video. Zahlreiche Ausstellungen in der Schweiz und im Ausland. 

Jürg Halter, geboren 1980, lebt und arbeitet in Bern als Schriftsteller, 

Spoken Word Artist und Künstler. Er zählt zu den bekanntesten Schweizer 

Autoren seiner Generation und hat zahlreiche Bücher, Theaterstücke 

und Musikalben veröffentlicht. 



9 Exemplarische Auskünfte hierzu bietet die Studie „The new artist“ von 

31 Was Bleibt 

wertvoll gilt und daher sorgfältig dokumentiert werden sollte. Hingegen 

drückt sich im konträren bilderstürmerischen Charakter der Moderne 

eine eher instrumentelle Vorstellung von Kunst aus. Ihr zufolge entfaltet 

ein künstlerisches Werk seine grösstmögliche Wirkung zum Zeitpunkt 

seiner Entstehung, bezogen auf einen bestimmten Gebrauch, eine 

spezifische Gesellschaft. Danach verliert es an Strahlkraft, wird im 

extremen Fall zu einem stumpfen Instrument, höchstens noch tauglich 

als historisches Zeitzeugnis. 

4 Ein Blick in die Kunst- und Kulturgeschichte des 20. Jahrhunderts zeigt 

jedoch, dass die Aggression gegenüber der Kunst vor allem der Vorgängergeneration 

meist rhetorischer (und partieller) Natur ist. Es geht 

weniger um physische Zerstörung als darum, sich von ihr abzusetzen 

(oder alternativ, sie sich einzuverleiben). Einen Konvergenzpunkt bildet 

die von der schon kurz vorgestellten Rezeptionsästhetik formulierte 

Annahme, dass ein Kunstwerk für künftige Generationen interessant 

bleiben kann, sofern sie neue Anknüpfungspunkte für sich findet. 

Polemisch zugespitzt: Wenn es die Mona Lisa nicht gäbe, würden wir 

sie wohl kaum vermissen. Ihre heutige Berühmtheit hat in mancherlei 

Hinsicht weniger mit dem „Werk an sich“ zu tun als zunächst mit seiner 

Mystifizierung unter anderem durch Künstler wie Marcel Duchamp, in 

der Folge mit der Stilisierung ihres Urhebers Leonardo da Vinci zum 

Exponenten einer idealisierten Renaissancekultur. Hinzu kommen die 

Mechanismen der gegenwärtigen Aufmerksamkeitsökonomie, die sich 

inzwischen verselbständigt haben. 

Der Wunsch, sich in die Geschichte einzuschreiben, spielt für 

Kunstschaffende nach wie vor eine wichtige Rolle 11 . In der Nachlass- 

Johannes Hedinger (2017). Auf die Frage, was von ihrer Kunst über ihren 

Tod hinaus Bestand haben solle, antworteten 65%: „einige Werke“ und 

45%: „Werke in öffentlichen Sammlungen“ sowie immerhin fast 30% 

„Ein Platz in der Kunstgeschichte“. (Mehrfachnennungen waren möglich). 

Download: https://thenewartist.net 

13 Was Bleibt 

14 Was Bleibt 15 Was Bleibt 

sich hinzuträumen schienen wie rätselhafte Überbleibsel einer früheren 

Zivilisation. 

Zum Zeitpunkt dieses ersten Augenscheins im Atelier wusste ich 

noch nicht, dass die drei Obelisken von Peter Storrer für mich bald zu 

Torhütern auf meinem bald regelmässigen Weg in den Ateliertrakt der 

Roten Fabrik werden sollten. Dort galt es eine Art Endmoräne abzutragen: 

Storrers Erbmasse. 

2 „Erbmasse“: Im kühl juristischen Begriff schwingen negative Assoziationen 

mit. Eine „Masse“ ist etwas Unförmiges, Unstrukturiertes. 

Zugleich erscheint mir dieser Begriff seiner Spannweite wegen passend. 

Denn er spielt auf das genetische Erbmaterial ebenso an wie 

auf das materielle und immaterielle Erbe einer Person, ihr Vermächtnis. 

Dazu zählen neben dem sozialen Umfeld die Kontexte, die sie geprägt 

haben. In der folgenden Auseinandersetzung mit dem Nachlass Peter 

Storrers geht es vor allem um diese Kontexte, nicht um ein detailliertes 

oder gar vollständiges Inventar. 

Das Atelier gehörte inzwischen der Stadt. Doch nach Storrers 

Tod musste zunächst die Erbangelegenheit geregelt werden. Peter 

Storrer (1928-2016) hatte sein Atelier während rund vierzig Jahren 

benutzt. Direkte Nachfahren hatte er keine. Als gesetzmässige Erben 

wurden vier entferntere Verwandte ausfindig gemacht. Sie schlugen 

das Erbe aus verschiedenen Gründen aus: hohes Alter, Respekt vor 

der Aufgabe. 

Für die Stadt Zürich stand zunächst im Vordergrund, den 

Atelierraum bald wieder vermieten zu können. Es handelte sich um 

eines ihrer grössten und besten Ateliers. Oberlicht, Blick auf den See 

und die Alpen, wunderbar geeignet für Malerei, Bildhauerei, raumgreifende 

Werke und Ideen. Unter normalen Umständen wäre nun ein 

Auftrag zur Räumung an einen Entrümpelungsdienst gegangen. Doch 

im vorliegenden Fall gab es gute Gründe dafür, den Inhalt des Ateliers 

durch die Kulturabteilung zu übernehmen, um ihn genauer prüfen und 

auswerten zu können. So befanden sich im Atelier etliche Kunstwerke 

von Peter Storrer wie auch teilweise vorsortierte Dokumente zu 

seinem Schaffen 2 . Zugleich galt es zu bedenken, dass Storrers Werk, 

gemessen an seiner eher lokalen künstlerischen Ausstrahlung, in den 

Kunstsammlungen von Stadt und Kanton Zürich schon gut vertreten 

war. Die Übernahme kompletter Künstler*innennachlässe gehört nicht 

zu ihrem Auftrag. 

Daher waren weitere gute Argumente für die Übernahme willkommen. 

Aus dem knappen Inventar des Notariats ging unter anderem 

hervor, dass sich im Atelier auch Dokumente von Peter Storrers 

Vater Willy Storrer befinden sollten. Dieser hatte in den 1920er Jahren 

die Zeitschrift „Individualität“ und den bis heute existierenden anthroposophischen 

Verlag Freies Geistesleben gegründet. Angeblich 

sollte dieser Nachlass auch Briefe von Robert Walser, Hermann Hesse, 

Oskar Schlemmer und anderen kulturhistorisch bedeutenden Persönlichkeiten 

enthalten. Sie würden durch die Übernahme für die Öffentlichkeit 

erhalten werden können. 

Ausgerechnet die Briefe Robert Walsers (abgesehen von ein, 

zwei eher unbedeutenden Schreiben) und Schlemmer waren jedoch 

nicht aufzufinden. Von letzteren waren nur schlechte Fotokopien und 

Hinweise auf einen Verkauf vorhanden. Hingegen tauchte ein ganzer 

kulturgeschichtlicher Zusammenhang auf, der sich als mindestens so 

interessant erwies wie einzelne Handschriften-Trophäen. Dieser Konnex 

umfasst neben dem Künstler Peter Storrer sowie seinem künstlerischen 

Umfeld auch seine Herkunftsfamilie: seinen Vater Willy Storrer 

und weitere bemerkenswerte Persönlichkeiten, insbesondere seine 

Mutter Florianna Storrer-Madelung und deren Vater, den dänischstämmigen 

Schriftsteller, Übersetzer und Kulturpublizisten Aage Madelung. 

Dieser ungewöhnliche familiäre Hintergrund barg etliche Überraschungen. 

So fand sich beispielsweise ein Konvolut von mehr als 

vierzig bisher unbekannten Briefen der Schriftstellerin und Fotografin 

Annemarie Schwarzenbach an Florianna Storrer-Madelung. Die beiden 

Frauen waren sich wenige Jahre vor Schwarzenbachs Tod nähergekommen. 

Peter Storrer wiederum hatte ab den 1950er Jahren etliche 

Freundschaften in den damaligen Künstlerkreisen gepflegt, unter anderem 

mit André Thomkins. Von diesem fanden sich zahlreiche als kleine 

Kunstwerke gestaltete Briefe im Atelier. Soviel zunächst zur materiellen 

„Erbmasse“. 

3 Die Räumung des Künstlerateliers von Peter Storrer führte zu einer 

besonderen Art der Begegnung mit dem Künstler und den faszinierenden 

Persönlichkeiten aus seinem Umfeld – und dies in Form von unzähligen 

Gegenständen und Dokumenten, die plötzlich den Charakter von 

Indizien annahmen. Selbst wenn man zur Person, deren Nachlass man 

auflöst, keinerlei persönliche Verbindungen hat, gerät man unmerklich in 

den Sog einer fremden Lebensgeschichte und damit in ein Verhältnis 

zum Verstorbenen. Man bemerkt dies erst, wenn es schon passiert ist. 

Der posthume Dialog mit den materiellen Hinterlassenschaften 

und einigen Verstorbenen, namentlich Familienangehörigen von Peter 

Storrer, kann nichts anderes sein als ein von mir geführter Geister-Dialog. 

Der nachfolgende Bericht will keinen objektiven Blick auf Storrers 

„Erbmasse“ vorspiegeln, da er diesen nicht bieten kann. Sein Angelpunkt 

ist bewusst meine subjektive Perspektive. Bereichert wird sie 

punktuell durch Gespräche mit einigen noch lebenden Zeitgenossen, 

die ihn persönlich kannten. Die Beobachtungen, die ich während der 

nicht wenigen Besuche im Atelier machen konnte, haben mich dabei 

ebenso wie manche Fundstücke sowie die erwähnten Gespräche nicht 

zuletzt dazu angeregt, über die stark gewandelten Bedingungen der 

künstlerischen Existenz in den letzten Jahrzehnten nachzudenken. 

Mein eigenes Verhältnis zur Kunst und genereller zu den Dingen 

ist hier also der Filter der Wahrnehmung und Ausgangspunkt einer 

2 Diese Dokumente, darunter Künstlerbriefwechsel und Fotografien, 

konnten grösstenteils vom Kunstarchiv des SIK-ISEA Zürich 

übernommen werden. Einzelne Bestände (namentlich Konvolute 

mit Zeichnungen) haben in erster Linie die Kunstsammlung der 

Stadt Zürich sowie die Graphische Sammlung der Zentralbibliothek 

Zürich übernommen. 

Kunstnachlässe: Herausforderung 

und grossartige Chance zur 

Entdeckung unbekannter Universen 

21 Was Bleibt 

35 Was Bleibt 

Der Kunstnachlass 

als Herausforderung 

Mapping the Studio – 

Mythos Künstleratelier 

1 Die Räumung des Ateliers von Peter Storrer und die damit verbundenen 

Herausforderungen interessierten mich auch aus der Perspektive der 

Kulturförderung. Für diese sind Kunstnachlässe ein ausgesprochen 

anspruchsvolles, mit vielen Erwartungen, Ansprüchen und auch Emotionen 

verbundenes Thema. Anfragen, die solche Nachlässe betreffen, 

gehören längst zum Alltag der Kunstförderung. Manchmal nehmen sie 

polemische Dimensionen an. In Zürich lautet die entsprechende Chiffre 

«Hagenholz». Sie steht für die städtische Müllverbrennungsanlage 

und wird als drohende Endstation genannt, wenn es darum geht, die 

Aufmerksamkeit auf bedrohte Kunstnachlässe zu richten. Im Kern geht 

es um Verteilkämpfe, wie sie sich rund um öffentliche Mittel abspielen. 

Das Anliegen der Kreise, die die Sicherung von Kunstnachlässen als 

öffentlichen Auftrag verstanden wissen wollen, lässt sich zunächst 

gut nachvollziehen. Denn es weist auf kulturpolitische und kulturphilosophische 

Fragen und Widersprüche hin – und vor allem auf einige 

Besonderheiten der Kunstökonomie 5 . 

Kurz gesagt, ist der Kunstbetrieb spätestens seit dem 19. Jahrhundert 

zunehmend durch eine explodierende Zahl von künstlerisch 

tätigen Individuen geprägt. Sie und ihre schon allein mengenmässig 

zunehmende, aber auch stilistisch immer diversere Produktion prägen 

das zunehmende Wechselspiel von Angebot und Nachfrage auf 

einem sich erweiternden Markt. Auch auf Käuferseite treten regelmässig 

neue Akteure auf. Die zuvor dominierende Abhängigkeit von den 

Aufträgen feudaler oder kirchlicher Kreise tritt in den Hintergrund (oder 

wird wenigstens zum Teil von staatlichen Institutionen übernommen). 

Selbst die einst strengen Kontroll- und Juryfunktionen der zunächst 

königlichen, später staatlichen Kunstakademien wird immer häufiger 

1 Storrer zählte zu den Künstlern, die ihr Atelier bewusst vor fremden 

Blicken schützen. Doch kaum waren die Fenster in Storrers Atelier, die 

sich so lange hinter schweren Rollläden verborgen hatten, zum Lüften 

geöffnet, reckten sich neugierige Köpfe hinein. Ältere Künstlerinnen 

und Künstler aus der Roten Fabrik, die Storrer noch gekannt hatten 

und denen er offenbar nie Zugang gewährt hatte, wollten unbedingt 

einen Blick in seinen Raum erhaschen. 

Je weniger zugänglich ein Atelier ist, desto mehr Legenden 

ranken sich darum. Dass Peter Storrer sein Atelier als Rückzugsraum 

wichtig gewesen war, hatte mir schon mein erster Besuch dort klar 

gemacht. Die Sorgfalt, mit der er es eingerichtet hatte, sprach dafür, 

selbst wenn die Ordnung schliesslich aus den Fugen geraten war. Es 

musste ihm ein Studiolo vorgeschwebt haben. Ein Hieronymus-Gehäuse, 

in dem er auch ruhen, nachdenken, notfalls sogar übernachten, 

handwerklich arbeiten, lesen, musizieren konnte. 

Wie soll man mit einem solchen Atelier, mit einer Fülle, die Züge 

einer theatralischen Inszenierung trägt, angemessen umgehen? Man 

kann hier nur Fehler machen. Mit ein Grund dafür ist der Kultstatus, 

den Ateliers im 20. Jahrhundert erreicht haben. Sie sind Pilgerorte für 

Kunstfans, werden insbesondere von den Medien als geheimnisvolle 

Maschinenräume der Kreativität dargestellt. Mit der Geschichte der 

Stilisierung des Ateliers zu einem mythisch aufgeladenen Raum liesse 

sich ein substantielles Unterkapitel der modernen Kunstgeschichte 

schreiben. Üppiges Material hierzu liefert das Textgenre des Atelierbesuchs 

durch gewogene Zeitzeugen, das parallel zur modernen Kunst 

entstanden ist. Klassiker des Genres sind hier etwa Jean Genets Text 

«L’Atelier d’Alberto Giacometti» (zusammen mit Ernst Scheideggers 

Fotografien des Pariser Ateliers von Giacometti 1958/1963 erschienen) 

5 Exemplarisch: Pierre-Michel Menger, Le travail créateur, Paris 2009. 

oder David Sylvesters legendäre Gespräche mit Francis Bacon.

Gestaltet von so+ba, Zürich/Tokio 

Broschur 


Abbildungen 

14 × 20 cm 

978-3-03942-150-3 Deutsch 

ca. sFr. 35.– | € 35.– 


9 783039 421503 

Beleuchtet das aktuelle Thema 

Kunstnachlässe in persönlicher und 

unkonventioneller Weise 

Geht grundsätzlichen Fragestellungen 

nach dem Umgang mit 

Kunstnachlässen und damit verbundenen 

kulturphilosophischen 

und -politischen Implikationen 

nach 

Bietet neue Einblicke in die jüngere 

Kunst- und Kulturgeschichte 

Zürichs durch Auszüge aus bisher 

unbekannten Briefen u.a. der 

Schriftstellerin Annemarie 

Schwarzenbach und des Künstlers 

André Thomkins 

Barbara Basting 

Storrers Erbmasse 

Herausforderung Kunstnachlass – ein Lehrstück 

Während fast vierzig Jahren belegte der Künstler Peter Storrer (1928–2016) ein von 

der Stadt Zürich vermietetes Atelier in der Roten Fabrik, einer heute als Kulturzentrum 

genutzten ehemaligen Seidenweberei am Ufer des Zürichsees. Nach Storrers Tod 

übernahm die Stadt seinen kompletten Nachlass aus dem Atelier, und Barbara Basting, 

Leiterin Ressort Bildende Kunst in der Kulturabteilung der Stadt Zürich, wurde mit 

dessen Auflösung betraut. Ausgehend von ihren Entdeckungen und Begegnungen im 

Rahmen dieser Aufgabe, geht sie in dem Buch grundsätzlichen Fragen zum Umgang 

mit Kunstnachlässen und den damit verbundenen kulturphilosophischen und -politischen 

Implikationen nach. In unkonventioneller, essayistischer Weise schildert sie ihre 

Begegnung mit den Hinterlassenschaften Storrers und dem Vermächtnis seiner literarisch-künstlerischen 

Familie. 

Die Auflösung des Storrer-Ateliers erweist sich zudem als faszinierende Expedition in 

die jüngere Kunst- und Kulturgeschichte Zürichs. Zum Vorschein kamen bisher unbekannte 

Briefe u.a. der Schriftstellerin Annemarie Schwarzenbach und des Künstlers 

André Thomkins, die im Buch auszugsweise wiedergegeben werden. Auszüge aus der 

Korrespondenz Storrers mit dem Kunstvermittler Serge Stauffer und Gespräche mit 

seinen Künstlerfreunden und Weggefährtinnen Rosina Kuhn, Luigi Archetti und Pietro 

Mattioli runden den Band ab. 

Barbara Basting leitet seit 2013 das Ressort Bildende Kunst in der Abteilung 

Kultur des Präsidialdepartements der Stadt Zürich. Davor war sie 

viele Jahre als Kulturjournalistin tätig und hat zu Kunst- und Kulturthemen 

publiziert. 



Kat. 121 

Kat. 531.1 SIK:2008270001:1/4 

Kat. 448 Abb. 1 

Kat. 448 

SIK:1811300019 

1 Archives de l’atelier Gaudin, Reg. GC, E 1951. Siehe Luneau 2006, DC-DOM, 

Dossier CHAN-122, S. 557, Cv 817. 

2 Archives de l’atelier Gaudin, Reg. GC, A 100, A 101, A 102, A 105. Siehe Luneau 

2006, DC-DOM, Dossier CHAN-122, S. 557, Cv 817. 

3 Siehe Wollasch 1969, S. 331, 336. Zur Ikonografie des heiligen Heinrich siehe 

Stintzi 1990. 

4 Siehe De Savignac 2016, Kat. 3. 

5 Zum Antependium siehe Basel 2019 / 2020, S. 234–251. 

6 Hartmann 1981 a, Nr. 389, 426. 

PROVENIENZ: Langhaus der Église Saint-Honoré-d’Eylau (église nouvelle), 

Paris 

LITERATUR: Luneau 2006, DC-DOM, Dossier CHAN-122, Cv 817 (Saint 

Henri) | De Savignac 2016, Kat. 3 (Saint Henri) 

Kat. 531.2 SIK:2008270001:2/4 

Giacometti_Lay_Katalog_Buch_Band-1.indb 492 30.03.23 15:15 

PROVENIENZ (anonymisiert): Privatbesitz, ab 2020 | Privatbesitz, 2004- 

2020 | Privatbesitz, bis 2004 | Privatbesitz | Privatbesitz 

LITERATUR: Giacometti Werkverzeichnis, S. [107] (Am Fenster, 1942) | 

Zendralli 1943a, S. 179 (Alla finestra, 1942) | Hartmann 1981, Nr. 2018 (Am 

Fenster, 1942) / 2626 Zeichen 

Abb. 1 Walter Dräyer, Blick durch das Fenster von Augsto Giacomettis Atelier, 1942/1943, 

Fotografie, SIK-ISEA, Schweizerisches Kunstarchiv, Zürich, HNA 207.15 

SIK_AugustoGiacometti_Layoutkonzept-1_FINAL_221130 2.indd 28 01.12.22 10:48 


1 «Freida et Giacometti, Sainte Catherine d’Alexandrie discutant avec des 

sages, 1,30 × 0,54»; Archives de l’atelier Gaudin, Reg. GC, E 1968. Siehe Luneau 


2 Archives de l’atelier Gaudin, Reg. GC, A 100, A 101, A 102, A 105. Siehe Luneau 


3 Zur Ikonografie siehe Assion 1990. 

Kat. 451 

PROVENIENZ: Langhaus der Église Saint-Honoré-d’Eylau (église nouvelle), 

Paris 

LITERATUR: Luneau 2006, DC-DOM, Dossier CHAN-122, Cv 814 (Sainte 

Catherine) | De Savignac 2016, Kat. 19 

SIK:1811300020 

Kat. 531.3 SIK:2008270001:3/4 


Kat. 451 

1 Siehe Zendralli 1943a, S. 138. Da kein Katalog publiziert wird und trotz Recherchen 

in Rheinfelden keine Liste mit den ausgestellten Werken ausfindig 

gemacht werden kann, ist für die allermeisten Exponate leider kein Ausstellungsnachweis 

zu verzeichnen. 

2 «Ich bereitete Blumen vor und habe begonnen, sie zu malen. So hatte ich nie 

eine freie Minute. Die Stunden und Tage vergehen.» Brief von Augusto Giacometti 

in Zürich an Arnoldo M. Zendralli in Chur, 29.4.1942; zitiert nach Zendralli 

1943a, S. 142. 

3 Siehe Biografie, S. {xx}. 

4 Piet Mondrian, Rote Amaryllis auf blauem Hintergrund, 1909/1910, Aquarell 

auf Papier, 49,2 × 31,5 cm, Privatsammlung; siehe Riehen 2005, Kat. 105, 

S. 83, Farbabb. 

PROVENIENZ (anonymisiert): Auktionshaus Hans Widmer, St. Gallen, 

Lot 44, 5.11.2010 | Privatbesitz 

LITERATUR: Giacometti Werkverzeichnis, S. [107] (Amarillis, 1942) | Zendralli 

1943a, S. 179 (Amaryllis, 1942) | Hartmann 1981, Nr. 2019 (Amaryllis, 

1942) | Giacometti 2022, Bd. 2, S. 247 (Amaryllis) 

AUSSTELLUNGEN: Rheinfelden 1942, ohne Ausst.-Kat. | Zürich 1942b, 

Kat. 47 (Amarillis) / 2834 Zeichen 

SIK_AugustoGiacometti_Layoutkonzept-1_FINAL_221130 2.indd 29 01.12.22 10:48 

R 

Saint Henri 

(drittes Fenster, Südseite) 

Entwurf 1900, Ausführung 1902 | Farbgläser, Schwarzlotmalerei, 

Bleiruten | 190 × 87 cm | bez. auf Band unterhalb der 

Szene: «OFFERT PAR M{hochgestellt}ME{hochgestellt/} ED. 

TOURREIL»; Kartusche: «SAINT HENRI EMPEREUR / 972 

VISITE LE MON{hochgestellt}RE{hochgestellt/} DE CLUNY + 

1024» | Langhaus der Église Saint-Honoré-d’Eylau (église 

nouvelle), Paris | Entwurf in Zusammenarbeit mit Raphaël 

Freida; Ausführung: Atelier Félix Gaudin, Paris 

Die zentrale Darstellung mit dem heiligen Heinrich beruht auf 

einem Entwurf von Augusto Giacometti. 1 Raphaël Freida (1877– 

1942) steuert vier Entwürfe zu den Bordüren und zum unteren, 

ornamentalen Feld des Fensters bei. Die Stiftung des Fensters 

reicht ins Jahr 1899 zurück. Vor dem 17. November 1902 ist das 

Glasgemälde eingebaut worden. 2 

Das Mittelfeld zeigt Kaiser Heinrich II., der auf den Stufen 

vor dem Altar niederkniet. Er hält den Reichsapfel in den 

Händen; die zweite Insignie, die Krone, liegt auf der obersten 

Stufe vor dem Altar. Der Zeremonie wohnt ein Bischof bei. Der 

Kirchenraum öffnet sich nach hinten in einem fein profilierten 

dreiteiligen Fenster, mit einem in Blautönen gehaltenen Blumenornament. 

Gemäss Titulus im unteren Bildfeld handelt es 

sich bei der dargestellten Szene um den Besuch von Heinrich 

II. im Kloster von Cluny im Spätsommer 1022. Die Szene bezieht 

sich somit auf die Kronenschenkung an das Kloster, die in der 

Heinrichs-Vita überliefert ist. 3 Die goldene Tafel vor dem Altar 

ist mit dem sogenannten Basler Antependium, das Heinrich II. 

anlässlich der Weihe des Basler Münsters 1019 gestiftet haben 

soll, verglichen worden. 4 Dieses Meisterwerk mittelalterlicher 

Goldschmiedekunst wird seit 1852 im Pariser Musée de Cluny, 

heute Musée national du Moyen Âge, präsentiert. 5 Giacometti 

sind die Sammlungsbestände des Museums bekannt gewesen. 

Davon zeugen seine um 1900 geschaffenen Pastelle mit Abstraktionen 

nach Glasfenstern im Musée Cluny. 6 ME 

Sainte Catherine 

(drittes Fenster, Nordseite) 



Szene: «OFFERT PAR M{hochgestellt}ME{hochgestellt/} ED. 

TOURREIL»; Kartusche: «SAINTE CATHERINE / CONFOND 

LES PHILOSOPHES / PAIENS D’ALEXANDRIA / 307 – + 327» | 

Langhaus der Église Saint-Honoré-d’Eylau (église nouvelle), 

Paris | Entwurf in Zusammenarbeit mit Raphaël Freida; 

Ausführung: Atelier Félix Gaudin, Paris 

Das Archiv Gaudin vermerkt einen gemeinsam von Augusto 

Giacometti und Raphaël Freida (1877–1942) geschaffenen Entwurf 

für die mittlere Szene des Fensters. 1 Zu den Ornamenten 

sind Zeichnungen von Freida überliefert. Das Fenster ist vor 

1901 gestiftet und vor dem 17. November 1902 eingesetzt worden. 

2 

Das Glasgemälde gibt Katharina in der Disputation mit 

drei Philosophen wieder. 3 Die streng ins Profil gerückte Märtyrerin 

und die Gelehrten sind in antikisierende Gewänder gehüllt. 

Die weissen, lilienartigen Blumen können als Attribut der 

Heiligen gelesen werden. Die Steinbank, deren Rillen an Triglyphen 

erinnern, die schlichten Blattkapitelle sowie der Fluss, 

die Sphinx und die Pyramiden dienen der zeitlichen und geografischen 

Verortung der Szene. ME 

Sainte Geneviève 

(viertes Fenster, Nordseite) 



Szene: «OFFERT PAR M{hochgestellt}R{hochgestellt/} ED. 

TOURREIL»; Kartusche: «SAINTE GENEVIEVE / SECOURT LES 

HABITANTS / DE PARIS PENDANT LA FAMINE / 423 – + 512» | 

Langhaus der Église Saint-Honoré-d’Eylau (église nouvelle), 

Paris | Entwurf in Zusammenarbeit mit Raphaël Freida; 

Ausführung: Atelier Félix Gaudin, Paris 

Für den Entwurf des Mittelbilds zeichnen Augusto Giacometti 

und Raphaël Freida (1877–1942) verantwortlich. 1 Die ornamentale 

Ausgestaltung basiert wie bei Kat. 531. 1, Kat. 531. 2 und 

Kat. 531. 4 auf Entwürfen von Freida. Das Fenster ist vor 1901 

gestiftet und vor dem 17. November 1902 eingesetzt worden. 2 

Die figürliche Darstellung ist der Geneviève (Genoveva), 

der Schutzpatronin der Stadt Paris gewidmet. 3 Die Jungfrau 

verteilt Nahrung an Hungernde. Alle drei Figuren sind ins Profil 

gerückt. 4 Die Szene spielt sich am Flussufer vor den Toren 

von Paris ab. Über der mit Umfassungsmauer und Türmen bewehrten 

Stadt thront das Pantheon. Ursprünglich als Kirche 

der Abtei Sainte-Geneviève von 1764 bis 1790 erbaut, wird der 

Kirchenbau, der als Grablege der Patronin und von Mitgliedern 

der merowingischen Königsfamilie gedient hat, in der Franzö- 

492 

493 

Kat. 153 

Der umfassende Werkkatalog 

Frühmesse 

zum Schaffen eines herausragenden 

Schweizer Künstlers 

Kat. 153 SIK:1808160011 

1920 | Öl auf Leinwand | 88 × 127 cm | monogr. und dat. u. l. 

(türkis): «a. g. 1920». Rückseite: sig. und bez. auf Leinwand: 

«AUGUSTO GIACOMETTI / „Frühmesse“ (Unterstrich)» | 

Bündner Kunstmuseum Chur, Inv. 10059. 000. 2008. Depositum: 

Privatbesitz 

Die Komposition baut auf Rot- und Blautönen auf, die in einem 

Gesamtkomposition hat, beansprucht im Wesentlichen den 

oberen rechten Bereich. Im Gegensatz zum amorphen Auftrag 

des Rot setzt Giacometti das Blau vereinzelt als prägnante, vertikale 

Akzente ein. Kreisförmige Gebilde scheinen subtil als 

eine weitere geometrische Struktur in der Komposition auf. 

Über die Bildfläche verteilte orange- und türkisfarbene Flecke 

leuchten fluoreszierend. 

Bei dem von Augusto Giacometti als Frühmesse betitelten 

Gemälde fehlen im Unterschied zur vorbereitenden Studie 

(Abb. 1) 1 und zu weiteren Werken vergleichbarer Themen (Kat. 170, 

Kat. 415) Bezüge zum Gegenständlichen. Die Farbe wird zum 

grellen Kontrast zum dunklen Grund stehen. Das reich abgestufte 

Rot schiebt sich in einer dichten Abfolge wolkenähnlicher 

Gebilde von links oben diagonal über die Bildfläche. Das bennebel, der sich vom tiefdunklen Grund abhebt, knüpft an 

primären Faktor der Gestaltung. Der kräftig leuchtende Far- 

grell aufscheinende Blau, das einen geringeren Anteil an der die wenige Jahre zuvor entstandene Sommernacht (Kat. 123) an. 

188 


daraufhin, dass die dort ausgeführte Bemalung sich deutlich les ist also stark beschädigt worden. In der Halle wurden ‹Soldatenschule› 

abgehalten! Merkwürdig ist, dass die Stadtver- 

von der übrigen Arbeit abhebe: «Durch strichelnde Freskoauftrag 

spielt der weisse Putzgrund mit und macht die Malerei waltung zu diesem Treiben nichts sagte. Ein Artikel in der NZZ, 

luftig und leicht.» 13 

der zur Vorsicht mahnte, hatte nichts genützt. Und dabei hatte 

Das Werk muss mehrmals restauriert werden. Bereits im die Ausmalung der Halle eine schöne Summe Geld gekostet. 

September 1926 mahnt der Vorsteher des Bauwesens das Personal 

zu grösster Vorsicht. 14 Der allgemeine Umgang der Halle, gekostet hat.» 15 Ein Jahr nach Giacomettis Tod wird Scartezzi- 

Nachträglich bedaure ich, dass das Ganze nicht dreimal mehr 

die während des Zweiten Weltkrieges als Abstellraum herhalten 

muss, enerviert den Künstler. «Man muss die Malerei im auftragt. 16 In den 1980er-Jahren und im Jahr 2000 wird das 

ni mit der Restaurierung der stark abgewetzten Fresken be- 

Amtshaus I als verloren betrachten», schreibt er in seinen Blät- 

Werk erneut saniert, die vorerst letzte Renovation findet 2019 

17 DF 

tern der Erinnerungen. «Während des Krieges war sozusagen statt. 

Amaryllis 

das ganze Amtshaus I, weil der Polizeiposten dort ist, verbarrikadiert 

und mit Stacheldrahtballen umsäumt […]. In der Halle 

«a. g.». Rückseite: sig., dat. und bez. auf Leinwand: «AUGUSTO 

1 Trog 19421922 | Öl auf Leinwand (Zitat); | 150 Poeschel × 113 cm | monogr. 1922a, u. r. (beige): S. 78–80. Zur Kirche in Küblis siehe 

werden eine kleine, weiss blühende Topfpflanze sowie ein Kat. 541:01–Kat. GIACOMETTI / 1942. 541:03. 

/ „Amaryllis“ (Unterstrich)» 

Am wurden FensterKisten eingelagert, Velos, grünlichblauer Rettungsringe, Bucheinband als farblicher wieder Kontrast gegenübergestellt. 

Sowohl auf dem Gesims als auch auf dem Rah- 

Im Vorfeld der Ausstellung vom Mai 1942 im Kurpark in Rhein- 

Kisten 2 Gaetanos Pläne werden mit einigen Abänderungen vermutlich von Johann 

menwerk des Fensters zeichnen sich gelbe und ockerfarbene 

felden, die er zusammen mit dem Bildhauer Jakob Probst 

1942 und | Öl auf wieder Leinwand | 96 Rettungsringe, × 101 cm | monogr. u. r. (beige): alles an die Fresken angelehnt! Al- 

Bernhard Stumpf, Schüler von Baumeister David Morf (1700–1773), realisiert. 

Lichtreflexe ab. Der Ausblick in südlicher Richtung präsentiert 

(1880–1966) bestreitet und die er mit der stattlichen Anzahl von 

«a. g.». Rückseite: sig., dat. und bez. auf Leinwand: «AUGUSTO 

sich in einem kühlen Farbakkord. Die Dachlandschaft wird von 

33 Gemälden beschickt, 1 schreibt Giacometti in einem Brief: 

GIACOMETTI / 1942. / "Am Fenster" (Unterstrich)» | Privatbesitz 

Blau und Violett dominiert. Der Zürichsee und die Hügelketten 

«Ho preparato fiori e mi son messo di dipingere. Cosi non ho 

der Albisregion unter dem hohen Himmel sind in kühlen Grün- 

più trovato un momento di libertà. Le ore e i giorni passano.» 2 

und Blautönen gehalten. Die Spiegelung der Dächer im geöffneten 

Fensterflügel bildet eine farbliche Verklammerung zwi- 

japanischen Kirschblüten (Kat. 452) auch dieses grossformati- 

In diesem Zusammenhang entsteht neben dem Gemälde mit 

Nach dem Werk Aussicht aus meinem Atelier (Kat. 443) greift 

Giacometti wenige Monate später das Thema im vorliegenden 

schen Aussen- und Innenraum. Die äussere Fensterlaibung 

ge Stillleben. Merkwürdig, dass Giacometti nur zweimal die 

Gemälde nochmals auf. Obschon im Titel dieses Gemäldes der 

vereint Farbtonalitäten der beiden Räume. Das Gemälde besticht 

im Vergleich zu anderen Innenraumdarstellungen Giacogung 

symbolisiert, malt: beide Male in den Jahren, als er sich 

Amaryllis, die Stolz und Schönheit, Freundschaft und Zunei- 

Bezug zu seinem Zürcher Atelier an der Rämistrasse 5 fehlt, 

lässt sich der Standort über historische Atelieraufnahmen und 

mettis durch die Leuchtkraft der im Sonnenlicht erstrahlenden 

über 41 

in der Klinik Hirslanden behandeln lassen muss. 3 Bei der zweiten 

Darstellung dieser Pflanze handelt es sich sogar um das 

den Vergleich mit Kat. 478 zweifelsfrei identifizieren (Abb. 1). 

Farben und durch deren Kontrast. ME 

Im Unterschied zu Kat. 443 wird nicht der freie Ausblick durch 

allerletzte Bild des Künstlers (Kat. 508). Im Vergleich mit der 

das geöffnete Fenster, sondern der Blick durch das Sprossenfenster 

wiedergegeben. Giacometti präsentiert das Atelierfens- 

Siehe auch Text vor Kat. 375. 

Interpretation der Amaryllis durch Piet Mondrian (1872–1944), 

die vor blauem, monochromem Grund ihre Energie wie das 

ter in perspektivischer Verkürzung. Fenster, Laibung und Gesims 

werden von der Bildgrenze beschnitten. Einer flüchtig 

Licht eines Leuchtturms verbreitet, 4 ist Giacomettis Darstellung 

geradezu illustrativ, wenn er dem kleinen Topf, aus dem 

gemachten Fotografie vergleichbar wird ein vermeintlich willkürlicher 

Ausschnitt präsentiert. Das Rahmenwerk und die 

die Amaryllis hochsteigt, eine blaue Tasse mit Unterteller (siehe 

Kat. 401) und ein Körbchen mit bunten Ostereiern an die 

Sprossen des Fensters etablieren eine Gitterstruktur. Im Innern 

SIK_AugustoGiacometti_Layoutkonzept-1_FINAL_221130 2.indd 41 Seite stellt, das in einem Gemälde vom Vorjahr das Hauptmotiv 

01.12.22 10:48 

des Raumes dominieren abgesehen vom Weiss des Fensters 

abgibt (Kat. 447). BS 

und des Vorhangs am rechten Bildrand warme Farbtöne. Eine 

Zierpflanze mit gelben Blütenblättern setzt einen Akzent. Ihr 

Siehe auch die Texte vor Kat. 62 und vor Kat. 162. 

28 

29 

Kat. 184 

F 


Kat. 184 SIK:1808160008 

Ponte di Rialto 

1925 | Öl auf Leinwand | 138 × 134,5 cm | monogr. und dat. u. r. 

(rot): «a. g. / 1925» | Privatbesitz 

Von allen Städten, die Giacometti im Laufe seines Lebens besucht, 

hält er sich am häufigsten in Venedig auf. Zum ersten 

Mal kommt er 1913 in die Lagunenstadt. Während der 1920 er- 

Jahre fährt er fast alljährlich dorthin, und später reist er als 

Mitglied der Eidgenössischen Kunstkommission (EKK) in offizieller 

Mission wiederholt nach Venedig. Umso erstaunlicher 

ist es, dass er mit insgesamt fünf Gemälden verhältnismässig 

wenige Ansichten dieser Stadt malt. 1 Dazu gehört die Darstellung 

der berühmten Rialtobrücke, die nach jahrzehntelanger 

Planung und einem Wettbewerb, an dem sich Architekten wie 

Michelangelo (1475–1564), Andrea Palladio (1508–1580) und 

Jacopo Sansovino (1486–1570) beteiligen, schliesslich von 1588 

213 

met er sich noch 1934 der Lektüre des Buchs Die Wunderwelt freimaurerische Praktiken und auf das Deckengemälde mit der 

der Sterne von James Hopwood Jeans (1877–1946). 13 

Darstellung von Sternen in der Zürcher Loge Modestia cum 

Im Zusammenhang mit der Ausstellung Mystical Landscapes: 

Masterpieces from Monet, van Gogh and more von der gleichzeitige Hinweis auf die kreisförmigen Abstraktionen 

Libertate bezogen haben. Dies ist unwahrscheinlich, während 

2016 / 2017 in Toronto und in Paris, an der das vorliegende Werk von Hilma af Klint (1862–1944), Wassily Kandinsky (1866–1944), 

vertreten ist, wird vermutet, Giacometti könnte sich dabei auf František Kupka (1871–1957) und Wenzel Hablik zutreffender 


155 

Marco Giacometti 

Augusto Giacometti 

In einem förmlichen 

Farbentaumel. Die Biografie 

978-3-03942-077-3 

sFr. 

ISBN 978-3-03942-077-3 

99.– | € 85.– 

Augusto Giacometti 

Wege zur Abstraktion 

978-3-03942-052-0 

sFr. 49.– | € 48.– 

ISBN 978-3-03942-052-0 

Caroline Kesser 

Immer nur das Paradies 

Augusto Giacometti – Die 

Tagebücher 1932–1937 

978-3-85881-684-9 

sFr. 

ISBN 978-3-85881-684-9 

49.– | € 48.– 

9 783039 420773 

9 783039 420520 

9 783858 816849 

Kat. 64 

Kat. 64 SIK:22620 

Gelbe Dotterblumen 

um 1911 | Öl auf Leinwand | 39 × 43 cm | Rückseite: bez. auf 

Rahmen: «Gelbe Dotterblumen» | Privatbesitz 

An der Authentizität des weder signierten noch monogrammierten 

Gemäldes ist aufgrund der Provenienz und der

Herausgegeben von Michael Egli 

und Tabea Schindler 

Mit Beiträgen von Michael Egli, 

Denise Frey, Beat Stutzer, 

Karoline Beltinger, Francesco 

Caruso, Silja Meyer, Alessandra 

Vichi und Stéphanie Vuillemenot 

Gestaltet von Katarina Lang und 

Frank Hyde-Antwi, Zürich 

Eine Publikation des Schweizerischen 

Instituts für Kunstwissenschaft 

SIK-ISEA (Œuvrekataloge Schweizer 

Künstler und Künstlerinnen 31) 

2 Bände, gebunden in Schuber 

Total ca. 1000 Seiten, 900 farbige 


24 × 29,5 cm 

978-3-03942-175-6 Deutsch 

Das Referenzwerk zum künstlerischen 

Schaffen des Schweizer 

Malers Augusto Giacometti 

Vollständiges Werkverzeichnis 

der 560 Gemälde, Wandbilder 

und Glasgemälde 

Wissenschaftliche Texte analysieren 

Augusto Giacomettis Stellung 

im kulturgeschichtlichen Kontext, 

seine Rolle als Kulturpolitiker, 

seine Auftragskunst, die farbtheoretischen 

Überlegungen sowie 

die unterschiedlichen historischen 

Versuche seiner künstlerischen 

Einordnung 

ca. sFr. 250.– | € 250.– 


9 783039 421756 

Augusto Giacometti. Catalogue raisonné 

Gemälde, Wandgemälde, Mosaike und Glasgemälde 

Augusto Giacometti (1877–1947) zählt zu den herausragenden Schweizer Malern in 

der Nachfolge des Jugendstils und des Symbolismus und gilt als Wegbereiter der Abstraktion. 

Die ab 1899 geschaffenen abstrakten Pastelle sowie die ungegenständlichen 

Gemälde – die Chromatischen Fantasien von 1910 bis 1917 – brachten Giacometti 

nach seinem Tod den Ruf eines «Pioniers der abstrakten Malerei» ein. 

Das vom Schweizerischen Institut für Kunstwissenschaft SIK-ISEA akribisch erarbeitete 

Werkverzeichnis der rund 560 Gemälde, Wandbilder, Mosaike und Glasgemälde 

präsentiert Augusto Giacomettis Schaffen in zwei reich illustrierten Bänden. Die einzelnen 

Werke werden kommentiert und in einem wissenschaftlichen Apparat technisch 

und rezeptionsgeschichtlich detailliert dokumentiert. In Essays werden Giacomettis 

Stellung im kulturgeschichtlichen Kontext sowie Fragen zu seiner Auftragskunst und 

zu seiner Rolle als Kulturpolitiker beleuchtet. Weitere Beiträge legen den Akzent auf 

die farbtheoretischen Überlegungen des Künstlers im Kontext zeitgenössischer Lehrauffassungen 

und Praxis sowie auf konservatorische Fragestellungen. Schliesslich 

werden auch die historischen Versuche einer künstlerischen Einordnung Augusto 

Giacomettis aus unterschiedlichen Perspektiven kritisch betrachtet. 

Michael Egli ist Kunsthistoriker und seit 1997 als wissenschaftlicher Mitarbeiter am Schweizerischen Institut 

für Kunstwissenschaft SIK-ISEA in Zürich tätig. Seit 2019 hat er die Co-Leitung des Projekts Augusto 

Giacometti. Catalogue raisonné inne. 

Denise Frey ist Kunsthistorikerin und seit 2010 als wissenschaftliche Mitarbeiterin am Schweizerischen 

Institut für Kunstwissenschaft SIK-ISEA in Zürich tätig. 

Beat Stutzer ist Kunsthistoriker und war 1982–2011 Direktor des Bündner Kunstmuseums Chur sowie 1998– 

2016 Konservator des Segantini Museums St. Moritz. Seit 2011 führt er das Büro K&K – Kunst und Kommunikation 

in Luzern und ist als freischaffender Autor und Kurator tätig. 



Eine faszinierende Reise durch 

sechs Jahrhunderte 

Kunstgeschichte: herausragende 

Blätter aus der Graphischen 

Sammlung ETH Zürich

Herausgegeben von Arianna 

Quaglio, Linda Schädler und 

Patrizia Keller 

Mit einem Essay von Linda 

Schädler 

Gestaltet von Granit 

communication, design, 

Zürich / Meran 

Broschur 


Abbildungen 

24 × 28 cm 

978-3-03942-154-1 Deutsch 

978-3-03942-155-8 Englisch 

ca. sFr. 49.– | € 48.– 

Ein grossformatiges, aufwendig 

gestaltetes und reich illustriertes 

Porträt der Graphischen Sammlung 

ETH Zürich 

Zeigt rund 300 Werke der Sammlung 

aus sechs Jahrhunderten und 

bietet Wissenswertes über Kunst 

auf Papier und die Graphische 

Sammlung ETH Zürich als Institution 

Beleuchtet den Sammlungsbestand 

aus heutiger Perspektive 


Von Albrecht Dürer bis Andy 

Warhol. Highlights aus der Graphischen 

Sammlung ETH Zürich im 

MASI Lugano (10. September 2023 

bis 7. Januar 2024) 




ISBN 9783039421541 

ISBN 9783039421558 

Deutsch 

Englisch 

9 783039 421541 

9 783039 421558 

Von Albrecht Dürer bis Andy Warhol 

Highlights aus der Graphischen Sammlung ETH Zürich 

Ob Alte Meister oder junge Schweizer Kunst, ob gedruckt oder gezeichnet: Die Graphische 

Sammlung ETH Zürich zählt mit rund 160 000 Werken auf Papier zu den 

grössten und bedeutendsten Sammlungen ihrer Art in der Schweiz wie auch im internationalen 

Vergleich. Klingende Namen wie Albrecht Dürer, Maria Sibylla Merian, 

Rembrandt van Rijn oder Pablo Picasso finden sich neben Grössen wie Louise Bourgeois, 

Miriam Cahn, Fischli/Weiss, Urs Lüthi und Shirana Shahbazi. 1867 als klassische 

Studiensammlung gegründet, bietet sie heute für interessierte Laien wie für die 

Wissenschaft zahlreiche Anknüpfungspunkte und regt einen Austausch zwischen der 

ETH und einer breiten Öffentlichkeit an. 

Dieses reich illustrierte Buch lädt ein zu einer Reise durch sechs Jahrhunderte Kunstgeschichte 

anhand von rund 300 herausragenden Blättern aus dieser Sammlung. Ein 

einführender Essay zur Entstehung und Entwicklung der Sammlung und rund 40 

Kurztexte zu ausgewählten Werken begleiten die Abbildungen. Abgerundet wird der 

Band durch persönliche Äusserungen von zeitgenössischen Künstlerinnen und Künstlern 

sowie Forschenden aus verschiedenen Disziplinen, die Bedeutung und Aktualität 

des Sammlungsbestandes bezeugen und kommentieren. 

Arianna Quaglio ist Kunsthistorikerin und Junior Curator am MASI 

Lugano. 

Linda Schädler ist Kunsthistorikerin und Leiterin der Graphischen 

Sammlung ETH Zürich. 

Patrizia Keller ist freischaffende Kunsthistorikerin und Kuratorin an 

der Kunsthalle Arbon. 



Mit Beiträgen von Zsuzsanna 

Gahse, Patricia Bieder und 

Gerhard Mack 

Gestaltet von Urs Stuber und 

Susanna Entress, Frauenfeld 

Gebunden 


Abbildungen 

24 × 30 cm 

978-3-03942-151-0 Deutsch 

ca. sFr. 49.– | € 48.– 


Die bisher umfassendste Monografie 

zum Schaffen des Schweizer 

Künstlers Conrad Steiner bietet 

faszinierende Einblicke in seine 

Arbeitswelt 

Zeigt Werke der vergangenen 

zehn Jahre, darunter zahlreiche 

bisher nicht publizierte Arbeiten 

Mit Texten der vielfach ausgezeichneten 

Schriftstellerin Zsuzsanna 

Gahse, der Kunsthistorikerin 

Patricia Bieder und des Publizisten 

Gerhard Mack 

9 783039 421510 

Conrad Steiner – Warten, was 

der Regen sagt 

Malerei komplex 

orchestriert: 

neue Werke von 

Conrad Steiner 

Die grossformatigen Malereien des Schweizer Künstlers Conrad Steiner zeigen mäandernde 

Wellen aus schillernden Farblinien. Erst bei genauerem Hinschauen werden 

landschaftliche, figurative oder architektonische Formen erkennbar. Immer wieder 

neu erprobt Steiner die Möglichkeiten der Farbsetzung auf der Leinwand. Ausgangspunkt 

sind dabei Grundstrukturen, die er mit selbst konstruierten, bis zu 150 cm 

breiten Pinseln auf die Leinwand zieht und in einem langwierigen Prozess erweitert. 

Dabei ist das Performative und Prozesshafte Teil der Entstehung, aber auch Teil des 

finalen Werkes. 

Im Zentrum dieses Buches steht eine seit 2019 entstandene Werkserie Steiners. Drei 

sehr unterschiedliche Essays begleiten die grosszügig abgebildeten Malereien. Text und 

Bild treffen in besonderer Form zusammen, und die Frage wird gestellt, wie sich Malerei 

und Sprache zueinander verhalten. Gemeinsam mit Abbildungen von Arbeiten aus 

früheren Jahren bietet der Band den bislang umfassendsten Überblick zu Steiners 

Schaffen und erlaubt einen aktuellen und differenzierten Einblick in seine Arbeitsweise. 

Conrad Steiner, geboren 1957 in Schaffhausen, erwarb seine künstlerische Ausbildung 1981–1985 an der Schule 

für Gestaltung in Zürich und 1985–1986 an der Akademie der bildenden Künste in Wien. Seine Werke werden 

regelmässig in der Schweiz ausgestellt, u.a. im Museum zu Allerheiligen Schaffhausen und im Kunstmuseum 

Thurgau. 

Zsuzsanna Gahse ist Schriftstellerin und literarische Übersetzerin und wurde für ihr Werk mit zahlreichen 

Preisen ausgezeichnet, u.a. mit dem Schweizer Grand Prix Literatur 2019. 

Patricia Bieder ist Kunsthistorikerin und als wissenschaftliche Mitarbeiterin am Schweizerischen Institut für 

Kunstwissenschaft SIK-ISEA sowie als freischaffende Publizistin tätig. 

Gerhard Mack war 2002–2021 Redaktor für Kunst und Architektur bei der NZZ am Sonntag und ist Autor 

und Herausgeber zahlreicher Bücher. 



Herausgegeben von Beat Stutzer 

Mit Beiträgen von Françoise 

Jaunin, Rainer Michael Mason, 

Seraina Peer, Beat Stutzer und 

Karine Tissot 

Gestaltet von Benoît Chevallier, 

Genf 

Gebunden 


Abbildungen 

21,5 × 28 cm 

978-3-03942-148-0 

Deutsch / Französisch / 

Rätoromanisch 

Erste umfassende Monografie 

über die Schweizer Künstlerin 

Ladina Gaudenz 

Stellt Gaudenz’ imposantes Œuvre 

voller malerischer Finesse, Poesie 

und Empathie vor 

Verdeutlicht, wie Gaudenz’ Schaffen 

von den Polen Peripherie 

(Engadin) und Zentrum (Stadt Genf) 

geprägt wird 

sFr. 49.– | € 48.– 

Bereits lieferbar, noch nicht 

angekündigt 

ISBN 9783039421480 

9 783039 421480 

Ladina Gaudenz 

La face cachée de l’instant 

Das Verhältnis des 

Menschen zu Natur 

und Technologie: 

Themen der 

Künstlerin Ladina 

Gaudenz 

Seit Beginn ihres künstlerischen Schaffens setzt sich die 1962 in Scuol geborene und 

heute in Genf lebende und arbeitende Ladina Gaudenz mit dem engen und zugleich 

fragilen Verhältnis auseinander, in welchem der Mensch zu Natur, Umwelt und Technologie 

steht. In ihren Arbeiten lotet sie die verschiedenen Facetten und Zustände dieser 

Beziehung – von der paradiesischen Schönheit bis zur apokalyptischen Vision – mit 

überzeugenden gestalterischen Mitteln aus und lässt uns eintauchen in sinnliche, 

atmosphärisch dichte Malereien. Die Grenzen zwischen individueller Erinnerung, 

Traditionsbezug und gesellschaftlichem Engagement bleiben dabei fliessend. 

Diese Monografie stellt erstmals umfassend ihr künstlerisches Schaffen aus mehr als 

drei Jahrzehnten vor, das neben der im Zentrum stehenden Malerei auch Zeichnungen, 

Wandgemälde und Installationen beinhaltet. Bild und Text dokumentieren und 

erläutern Ladina Gaudenz’ verschiedene Werkperioden. Fünf Essays erörtern ihre 

thematische Entwicklung, unterschiedlichen künstlerischen Techniken, öffentlichen 

Präsentationen sowie die Rezeption ihres Gesamtwerks und ordnen es in den Kontext 

der zeitgenössischen Schweizer Kunst ein. 

Françoise Jaunin lebt und arbeitet als Kunstkritikerin, Kulturjournalistin und Autorin in Lausanne. 

Rainer Michael Mason lebt und arbeitet in Genf als Kunsthistoriker und Spezialist für Druckgrafik. 

Seraina Peer ist Kunsthistorikerin mit Spezialisierung in Curatorial Studies und Museologie. 

Beat Stutzer führt in Luzern das Büro K&K – Kunst und Kommunikation und ist als freischaffender 

Autor und Kurator tätig. 

Karine Tissot ist Kunsthistorikerin und leitet die kulturellen Aktivitäten des Centre hospitalier 

universitaire vaudois CHUV in Lausanne. 



Fig. 47 

Magdalena Abakanowicz travaillant 

sur Abakan jaune, Varsovie, 1967-1968 

Fig. 48 

Tournage du documentaire Abakany, 1969 

Łeba, côte de la mer Baltique, Pologne 

Fig. 49 

Abakan noir en trois parties, 1972 

Musée central des textiles de Łódź 

84 85 

Je cherche mon propre espace. 

Magdalena Abakanowicz 

Sculpter lespace 

Lorsque nous examinons les deux premières décennies de l’œuvre 

de Magdalena Abakanowicz (1960-1980), nous découvrons un ferment 

créatif, une force capable de transcender le cadre traditionnel 

des disciplines artistiques. Il s’agit de la période la plus avant-gardiste 

du parcours de l’artiste, mais aussi de la moins étudiée. L’attitude 

d’Abakanowicz elle-même n’est pas ici sans importance, tant 

elle rechignait par la suite à revenir vers ses premiers travaux. 

Cette période extrêmement passionnante permet d’avoir une vision 

plus large, de pénétrer dans l’espace des problèmes artistiques 

complexes, de ses dépendances et de ses connexions. 

Magdalena Abakanowicz a été façonnée par la dure réalité de 

la guerre, mais aussi par les difficiles années d’après-guerre, 

une période de pauvreté, d’effondrement de valeurs, de questionnements 

de l’humanisme et de la foi en l’homme. De plus, 

l’époque communiste interrogeait le rôle de l’art. Le quotidien 

de nombreux artistes était, comme pour elle, de trouver de 

nouvelles voies d’expression – chacun à sa manière et à la mesure 

de sa sensibilité. Magdalena Abakanowicz cherchait son 

propre espace. 

62 63 

Préface 

Quel meilleur choix que Magdalena Abakanowicz (1930-2017) pour 

inaugurer, sur le site de Plateforme 10, notre première collaboration 

avec le Musée cantonal des Beaux-Arts ? En effet, les premiers succès 

de l’artiste hors de sa Pologne natale sont intimement liés à l’histoire 

lausannoise des années 1960 ; c’est à Lausanne, lors des Biennales 

internationales de la tapisserie (1962-1995), que son œuvre novateur 

et inclassable sera découvert par le monde de l’art et que sa carrière 

internationale sera lancée. 

Nombreuses sont les empreintes laissées dans notre région par 

Abakanowicz. Accueillie à Lausanne dès 1962 et soutenue pendant 

vingt-cinq ans par la galerie Alice Pauli, l’artiste est entrée 

dans de nombreuses collections privées et publiques, régionales 

et nationales. C’est ainsi que, grâce à de généreuses donations, 

dont celles d’Alice Pauli elle-même et celle des collectionneurs et 

mécènes Pierre et Marguerite Magnenat, notre Fondation compte 

aujourd’hui dans ses réserves cinquante œuvres de la créatrice, 

ce qui constitue le fonds le plus riche hors de Pologne. 

Les détails, parfois intimes, de cette page d’histoire lausannoise 

n’ont jamais été publiés en français. Magali Junet, conservatrice 

de la Fondation Toms Pauli, les révèle aujourd’hui dans le présent 

ouvrage. Marta Kowalewska, conservatrice en chef du Musée 

central des textiles de Łódź, retrace pour sa part la formation, les 

influences et la carrière de l’artiste dans une Pologne à l’époque 

derrière le rideau de fer. 

Die fruchtbare 

Beziehung zwischen 

Künstlerin und Stadt: 

Magdalena 

Abakanowicz und 

Lausanne 

6 7 

Fig. 7 

Magdalena Abakanowicz Metamorphizm, 

Musée central des textiles de Łódź, 2018 

Rectangle avec ouverture ronde, 1973 

→ N° 35 

Fig. 9 

M. Abakanowicz, C. Bolle, A. Kierzkowska, 

J. Owidzka, D. Voïta (de gauche à droite) 

1 re Biennale de la tapisserie de Lausanne, 

1962, visite à Romainmôtier 

Fig. 8 

Magdalena Abakanowicz Metamorphizm, 

Musée central des textiles de Łódź, 2018 

Abakan étroit et Abakan 29, 1967-1968 

→ N° 18, → N° 21 

Fig. 10 

1 re Biennale de la tapisserie 

de Lausanne, 1962 

Tapisseries de J. Owidzka, 

M. Abakanowicz et W. Sadley 

22 23

Herausgegeben von der Fondation 

Toms Pauli, Magali Junet und 

Giselle Eberhard Cotton 

Mit Beiträgen von Ann Coxon, 

Mary Jane Jacob, Marta 

Kowalewska, Magali Junet und 

Giselle Eberhard Cotton 

Gestaltet von Camille Sauthier, 

Lausanne 

Broschur 



17 × 23,5 cm 

978-3-85881-891-1 Französisch 

sFr. 39.– | € 38.– 

Erstes Buch in französischer Sprache 

seit 2004 zum Schaffen 

von Magdalena Abakanowicz 

(1930–2017), einer der international 

wichtigsten Textilkünstlerinnen 

Beleuchtet insbesondere die erste 

Schaffensphase von Abakanowicz 

bis 1985, für die ihre Aufenthalte in 

Lausanne und die Teilnahmen an 

der dortigen Biennale der Tapisserie 

von grosser Bedeutung waren 


Magdalena Abakanowicz: 

Territoires textiles im MCBA in 

Lausanne (23. Juni bis 24. September 



9 783858 818911 

Magdalena Abakanowicz à Lausanne 

Als Vorreiterin der Bewegung der Nouvelle tapisserie revolutionierte die polnische 

Künstlerin Magdalena Abakanowicz (1930–2017) in den 1960er-Jahren die Praxis des 

Webens und hob diese in den Rang eines skulpturalen Ausdrucks. Abakanowicz nutzte 

die Möglichkeiten organischer Fasern wie Wolle, Sisal oder Leinen als lebendiges, 

formbares Material, um ihre auf der Beobachtung der Natur und des Menschen gründende 

künstlerische Vision umzusetzen. Ihre spektakulären und monumentalen gewebten 

Wand- und Raumarbeiten prägten mehrere Ausgaben der Biennale der Tapisserie, 

die zwischen 1962 und 1995 in Lausanne stattfanden, und machten sie international 

bekannt. 

Dieses Buch beleuchtet, welch entscheidende Rolle die Stadt Lausanne am Beginn 

der internationalen Karriere und für die künstlerischen Forschungen von Magdalena 

Abakanowicz gespielt hat. Ihre Überlegungen und kreativen Wege werden den Orten 

und Begegnungen in Lausanne und der übrigen Schweiz gegenübergestellt: die Biennale 

der Tapisserie und die Galerie Alice Pauli, Kunstförderinnen und Sammler, Kunsthistoriker 

und Freundinnen. 

Die Fondation Toms Pauli ist mit dem Erhalt der Sammlungen alter und 

moderner Textilkunst im Besitz des Kantons Waadt betraut, deren Bestände 

sie in der Schweiz und international im Rahmen von Ausstellungen 

der Öffentlichkeit zugänglich macht. 

Magali Junet ist Kunsthistorikerin und seit 2011 Kuratorin der Fondation 

Toms Pauli. 

Giselle Eberhard Cotton ist Kunsthistorikerin und Gründungsdirektorin 

der Fondation Toms Pauli. 



Hüter der Stille: eine Annäherung an 

Bäume und Wälder in der Kunst 

Zeigt Werke u. a. von: 

Alexandre Calame 

Paul Cézanne 

Jean-Baptiste Camille Corot 

Gustave Doré 

Albrecht Dürer 

Valérie Favre 

Ferdinand Hodler 

Barthélemy Menn 

Rembrandt Harmenszoon van Rijn 

Paul Signac 

Victor Surbek 

Félix Vallotton 

Uwe Wittwer 

Robert Zünd

Herausgegeben von Nathalie 

Chaix und Laura Salvadori 

Gestaltet von Dimitri Jeannottat, 

Biel/Bienne 


Musée Jenisch Vevey 

Gebunden 


Abbildungen 

14,5 × 21 cm 

978-3-85881-892-8 Französisch 

ca. sFr. 35.– | € 35.– 

Ein inspirierender, visuell-poetischer 

Spaziergang zu Bäumen und 

Wäldern in der Kunst 

Künstlerische Darstellungen von 

Bäumen aus dem 16. bis 21. Jahrhundert 

werden von eigens für das 

Buch verfassten Gedichten von 

Lyrikerinnen und Lyrikern aus der 

Westschweiz begleitet 

Erscheint begleitend zur Ausstellung 

Gardiens du silence: 

évocation poétique des arbres im 

Musée Jenisch Vevey (21. Juni bis 



9 783858 818928 

Gardiens du silence 

Evocation poétique des arbres 

Bäume und Wälder werden oft als Hüter der Stille, Wächter der Menschheit und wunderbare 

Vertreter der Pflanzenwelt gesehen. Warum faszinieren uns Bäume so sehr? 

Wie haben Künstler sie in der Vergangenheit dargestellt? Und wie bilden Künstlerinnen 

sie heute ab? 

Gardiens du silence wirft einen ungewöhnlichen Blick auf diese unverzichtbaren Geschöpfe 

der Natur. Künstlerische Darstellungen aus sechs Jahrhunderten – Malerei, 

Zeichnungen, Druckgrafik, Skulpturen und Fotografien – bringen ihre Schönheit zum 

Ausdruck. Die Abbildungen werden begleitet von eigens für eine Ausstellung im Musée 

Jenisch Vevey und für dieses Buch verfassten Gedichten aus den Federn von Julien 

Burri, Sylviane Dupuis, Claire Genoux, Niklaus Manuel Güdel, Bruno Pellegrino, 

Thierry Raboud und Mary-Laure Zoss. So entsteht eine Art visuell-poetischer Spaziergang, 

der uns den Wald als Spiegel, Zufluchtsort und als Quelle nahezu unbegrenzter 

materieller und metaphorischer Inspiration erleben lässt. 

Nathalie Chaix ist Kunsthistorikerin und seit 2019 Direktorin des Musée 

Jenisch Vevey. 

Laura Salvadori ist Assistenzkuratorin für Fine Arts im Musée Jenisch 

Vevey. 



Herausgegeben von Bénédicte 

De Donker 

Mit Beiträgen von Konrad Bitterli, 

Bénédicte De Donker, Lola Lorant, 

Florian Steiniger, Erhan Tamur und 

Reto Thüring 

Gestaltet von Camille Sauthier, 

Lausanne 

Gebunden 


Abbildungen 

21 × 30 cm 

978-3-03942-180-0 

Deutsch / Französisch 

ca. sFr. 49.– | € 48.– 


ISBN 9783039421800 

Erstes neues Buch über das Schaffen 

des türkisch-amerikanischen 

Künstlers Burhan Doğançay 

(1929–2013) seit zehn Jahren 

Burhan Doğançays Werk findet 

international grosse Beachtung 

und ist in den Sammlungen 

bedeutender Museen vertreten, 

darunter das Kunstmuseum Basel, 

Museum Folkwang (Essen), 

Sprengel Museum (Hannover), 

Kunsthalle Mannheim, Pinakothek 

der Moderne (München), Museum 

der Moderne (Salzburg), Staatsgalerie 

Stuttgart, Albertina und 

mumok (Wien) 


Burhan Doğançay. Walls of Israel 

im Musée d’art et d’histoire Genève 

(23. September 2023 bis 11. Februar 

2024) 

9 783039 421800 

Burhan Doğançay 

Walls of Israel 

Mauern und Wände 

als urbane 

Projektionsfläche: 

die Bilder von 

Burhan Doğançay 

Mit seinem Umzug nach New York in den 1960er-Jahren entwickelte der in Istanbul 

geborene Künstler Burhan Doğançay (1929–2013) eine grosse Faszination für die visuelle 

Ästhetik von Mauern und Wänden in Städten. Ihn interessierte die Erkundung des 

öffentlichen Raums und dessen Bedeutung als urbaner Verhandlungsort sozialer, politischer 

und gleichzeitig auch künstlerischer Normen. Er skizzierte und fotografierte 

kontinuierlich Mauern, Wände und Türen und übertrug die festgehaltenen Motive als 

Gemälde auf die Leinwand. Seine fotografischen Zeugnisse hat der Künstler im Werkkomplex 

Walls of the World zusammengefasst: Ein einmaliges Archiv, das rund 30 000 

Aufnahmen aus 114 Ländern umfasst. 

Dieses Buch präsentiert die Gemälde und Fotografien der Serie Walls of Israel, die 

Doğançay 1975 nach einer Israel-Reise geschaffen hat. Die Bilder – wie die Wände 

selbst – sind Resultat übereinandergelegter Schichten und Techniken. Sie widerspiegeln 

durch die Verwendung unterschiedlicher Mal- und Collagetechniken die zeitliche 

Dimension dieser Flächen mit den darauf akkumulierten Kritzeleien, Postern, Papierfetzen 

und Graffiti. Kurze Essays betrachten Doğançays Faszination für die Mauer als 

urbane Projektionsfläche und seine Arbeitsweise aus Fotografie und Skizze als Grundlage 

für sein grafisches und gemaltes Werk. 

Bénédicte De Donker ist Kuratorin für Druckgrafik am Musée d’art 

et d’histoire Genève. 



Herausgegeben von David Khalat 

Mit Beiträgen von Dirk Dobke, 

Anne Drouglazet & Margaux 

Honegger, Claudia Gaggetta & 

Carole Haensler, Valérie 

Hashimoto, Laura D’Incau, 

David Khalat, Claudine Metzger 

und Bernard Vienat 

Gestaltet von Bruno Margreth, 

Zürich 

Gebunden 


Abbildungen 

20 × 27 cm 

978-3-03942-149-7 

Deutsch / Englisch / 

Französisch / Italienisch 

ca. sFr. 49.– | € 48.– 

Ein aktueller Überblick über die 

zeitgenössische druckgrafische 

Produktion der Schweiz 

Mit Texten zu grundlegenden 

Fragen kollaborativer Kunstpraxis, 

zum Sammeln von Kunst, zu ihrer 

politischen Komponente und zur 

Deklaration von Originalität 

Die Edition VFO ist der wichtigste 

Editionsverlag für Druckgrafik in 

der Schweiz und feiert 2023 

das 75-jährige Jubiläum seines 

Bestehens 

Begleitet die Ausstellungen Print 

is a Battlefield im Museo Civico 

Villa dei Cedri, Bellinzona (bis 

20. August 2023), und Ein Unikat 

in Serie im Kunsthaus Grenchen 

(10. September 2023 bis 28. Januar 

2024) 


9 783039 421497 

Print Art Now 

Edition VFO 1948–2023 

Die Edition VFO: 

75 Jahre Kunst 

für alle 

Zeigt Werke u. a. von: 

John M. Armleder 

Walead Beshty 

Julian Charrière 

Valérie Favre 

Sylvie Fleury 

Pia Fries 

Louisa Gagliardi 

Bethan Huws 

Zilla Leutenegger 

Renée Levi 

Shahryar Nashat 

Uriel Orlow 

Karin Sander 

Shirana Shahbazi 

Not Vital 

Im Jahre 1948 wurde der Verein für Originalgraphik und damit die Edition VFO in 

Zürich gegründet. Seither engagiert sich die gemeinnützige Kunstinstitution als Verlag 

für Druckgrafik in der Verbreitung zeitgenössischer Kunst zu erschwinglichen Preisen. 

Heute ist die Edition VFO der grösste der wenigen verbliebenen Editionsverlage der 

Schweiz. 

Dieses Buch versammelt drei Ausstellungen rund um die Themen Serialität, Mediendiskurs 

und Unikatcharakter, die 2023 im Musée Jenisch Vevey, Museo Civico Villa 

dei Cedri Bellinzona und im Kunsthaus Grenchen gezeigt werden. Die in dem Band 

enthaltenen Werke zeigen auf, wie sich Druck als künstlerisches Medium laufend weiterentwickelt 

und gleichwertig neben Malerei, Fotografie, Skulptur oder Video funktioniert. 

Print Art Now bietet zudem einen aktuellen Überblick über die druckgrafische Produktion 

in der Schweiz und verdeutlicht ihre Relevanz in der zeitgenössischen Kunstpraxis. 

David Khalat ist Kurator und Kultursoziologe und seit 2018 Direktor der 

Edition VFO. Davor war er in der Schweiz und in Deutschland für 

verschiedene Galerien und Künstler sowie im Kulturjournalismus tätig. 



Herausgegeben vom Bundesamt 

für Kultur BAK 

Mit Beiträgen von Florence Grivel, 

Nathalie Herschdorfer, Anna 

Niederhäuser, Francesca Picchi 

und Jacques Poget 

Gestaltet von Ard.works, 

Lausanne / London 

3 Hefte in Box 

total ca. 132 Seiten, 66 farbige 


22,5 × 31 cm 

978-3-03942-157-2 

Deutsch / Englisch / 

Französisch / Italienisch 

Porträtiert die Preisträgerinnen 

und Preisträger des Schweizer 

Grand Prix Design 2023 

Schweizer Design und Schweizer 

Gestalterinnen und Gestalter geniessen 

weltweit hohe Anerkennung 

Die Bände der Publikationsreihe 

zum Schweizer Grand Prix Design 

bilden eine stetig wachsende 

Sammlung illustrierter Porträts von 

Gestalterinnen und Gestaltern in 

der Schweiz 

ca. sFr. 35.– | € 35.– 


9 783039 421572 

Schweizer Grand Prix Design 2023 

Etienne Delessert, Eleonore Peduzzi Riva, Chantal Prod’Hom 

Die Preisträgerinnen 

und Preisträger des 

Schweizer Grand 

Prix Design 2023 

Etienne Delessert, 1941 in Lausanne geboren und heute in Lakeville (Connecticut) lebend 

und arbeitend, wurde in Paris und New York für seine Werbekampagnen und 

Plakate und später für Illustrationen, Animationsfilme und Bilder bekannt. Er hat 

mehr als 80 Bücher illustriert, die weltweite Erfolge wurden. 

Eleonore Peduzzi Riva, geboren 1936 in Basel, arbeitete als Designerin für bedeutende 

Hersteller wie Cassina und Artemide. Das Modulsofa DS-600 von 1972, einer ihrer 

bekanntesten Entwürfe für De Sede (zusammen mit Ueli Berger, Heinz Ulrich und 

Klaus Vogt), ist Ausdruck ihres Bestrebens, den Menschen die Mittel zur Gestaltung 

des eigenen Lebensumfeldes an die Hand zu geben. 

Chantal Prod’Hom, 1957 in Lausanne geboren, gründete in den 1990er-Jahren die 

Asher-Edelman-Stiftung, wo sie visionäre Ausstellungen mit noch wenig bekannten 

Künstlerinnen und Künstlern zeigte, und bereiste die Welt auf der Suche nach Designtalenten 

für Benettons Fabrica. 2000–2022 leitete sie das Musée cantonal de design et 

d’arts appliqués contemporains (mudac) in Lausanne. Durch ihr unermüdliches Engagement 

für Design fördert und prägt sie dessen öffentliche Wahrnehmung massgeblich. 

2023 würdigt das Bundesamt für Kultur das Schaffen der drei mit dem Schweizer 

Grand Prix Design. Dieses Buch stellt sie durch je einen konzisen Text und ein Gespräch 

sowie eine Kurzbiografie vor, jeweils illustriert durch eine Bildstrecke mit zum 

Teil bisher unveröffentlichten Abbildungen aus ihren Archiven. 

Das Bundesamt für Kultur ist Teil des Eidgenössischen Departements des 

Innern. Ihm obliegt die Förderung des Schweizer Kulturschaffens in den 

Feldern Literatur, Film, darstellende und bildende Kunst und Design sowie 

die Pflege des schweizerischen Kulturerbes. 



Herausgegeben von Simon Baur 

Gestaltet von Philipp Möckli und 

Anna Landvik / Début Début, Basel 

Gebunden 


Abbildungen 

21 × 15 cm 

978-3-03942-158-9 Deutsch 

ca. sFr. 32.– | € 32.– 


Ein inspirierendes, sorgfältig gestaltetes 

und hochwertig materialisiertes 

Buch über die hochalpine 

Landschaft um den Berninapass 

Künstlerisch-literarische Einblicke 

in die Bernina-Region 

Visualisiert Stein- und Gletscherwelten 

der kargen Landschaft über 

der Waldgrenze in künstlerischen 

Fotografien und Grafitzeichnungen 

Mit kurzen Textbeiträgen bekannter 

Autorinnen und Autoren aus unterschiedlichen 

Disziplinen 

9 783039 421589 

Die Hochgebirgslandschaft 

am Berninapass mit anderen 

Augen erkunden 

Silvia Buol 

Lago Bianco, Morteratsch, Bernina 

Bilder, Texte, Wetterwechsel 


Die Schweizer Künstlerin Silvia Buol, 1954 in Chur geboren, beschäftigt sich als Tanzperformerin 

und Künstlerin mit dem Vermessen von Räumen, der Körperlichkeit von 

Landschaften und dem Verschieben von Blickachsen. In Silvia Buol – Lago Bianco, 

Morteratsch, Bernina tastet sie mit Fotografien und Zeichnungen unterschiedliche 

Strukturen an Berghängen, Gletschern, am Himmel und in Seen ab. Es gelingt ihr so, 

die Dimensionen anders zu denken, wodurch Zusammenhänge deutlicher werden und 

Verborgenes sichtbarer wird. 

Zudem hat sie die Tänzerin Paola Gianoli, die Philosophin Ulla Schmid, die Kunsthistorikerin 

Nicole Seeberger, die Schriftstellerin Leta Semadeni, die Tanzphilosophin 

Katja Vaghi und den Kunsthistoriker Simon Baur eingeladen, sich in kurzen Texten 

ihren Arbeiten anzunähern. 

Dieses Buch befasst sich mit dem Schauen und dem Innehalten, genauso wie mit Bewegungen 

in den Bergen, mit eigenen wie auch mit jenen des Windes, des Wassers und 

der Gletscher. Entstanden ist eine kleine Trouvaille, geheimnisvoll wie ein Bergkristall, 

die man jeder Wanderin und jedem Wanderer als inspirierenden Proviant ins Gepäck 

wünscht. 

Silvia Buol – Von kurzen und 

langen Wegen 

Impulse heiteren Vergnügens 

978-3-03942-099-5 Deutsch 

sFr. ISBN 978-3-03942-099-5 49.– | € 48.– 

Simon Baur und Silvia Buol entwickeln seit 1996 Projekte und Bücher. 

Zusammen haben sie die Stadtführer Der Reiz des Nebensächlichen 

(für Basel) und Beiläufig Wesentliches in Venedig herausgegeben, die 

bei Park Books erschienen sind. 

9 783039 420995 



Herausgegeben von Bruna 

Casagrande, Nathalie Noorlander, 

Fabiana Senkpiel und Celia Sidler 

Gestaltet von Camillo Paravicini, 

Basel 

Gebunden 

ca. 160 Seiten, 80 farbige und 

sw Abbildungen 

16 × 23 cm 

978-3-03942-177-0 Deutsch 

ca. sFr. 39.– | € 38.– 


Untersucht und analysiert die Bedeutung 

von Lebensmitteln als 

Material für künstlerische Arbeiten 

Diskutiert berühmte und im Rahmen 

eines künstlerischen Forschungsprojekts 

entstandene Installationen 

mit Lebensmitteln von Dieter Roth, 

Félix González-Torres, Luciano 

Fabro, Víctor Grippo, Karin Borer 

und Celia & Nathalie Sidler 

Essays zu konservatorisch-restauratorischen, 

kunstwissenschaftlichen 

sowie performativ-praktischen 

Methoden des Umgangs mit 

Lebens mitteln in der Kunst 

9 783039 421770 

Hier klebt noch Zucker dran 

Lebensmittel in der Gegenwartskunst – Materialität und 

multisensorische Erfahrung 

Denn alle Kunst 

will Ewigkeit? 

Lebensmittel in 

künstlerischen 

Arbeiten 

Als künstlerisches Material scheinen sie nicht sonderlich geeignet, Vergänglichkeit ist 

ihr Prinzip. Und doch kommen Lebensmittel seit den 1950er-Jahren vermehrt zum 

Einsatz in installativen und performativen Werken, die nicht nur gesehen, sondern 

auch gerochen, gefühlt, geschmeckt werden können. Aber mit welchen Methoden 

lassen sich diese Arbeiten vor dem Verschwinden retten? Sollen sie überhaupt gerettet 

werden? Und wenn ja, wie lässt sich zugleich ihre konstitutive Wandelbarkeit bewahren, 

ihre multisensorische Dimension? Welche symbolischen, politischen, gesellschaftlichen 

Aspekte von Lebensmitteln kommen in ihnen zum Tragen? Und welche Rolle 

spielt Zeugenschaft bei ihrer Bedeutungskonstitution? 

Diesen Fragen widmen sich im Miteinander von Kunstwissenschaft, Konservierung- 

Restaurierung, Kunst und künstlerischer Forschung die Autorinnen dieses Sammelbands, 

entstanden im Rahmen eines Forschungsprojekts am Institut Praktiken und 

Theorien der Künste an der Hochschule der Künste Bern. Und die Vielfältigkeit des 

Untersuchungsgegenstands und der Herangehensweisen bildet sich auch in diesem 

Buch ab, das verschiedene Druckverfahren und Materialitäten von Papier vereint. Ein 

sinnliches Ereignis also – auf vielen Ebenen. 

Bruna Casagrande ist Restauratorin für zeitgenössische Kunst und 

wissenschaftliche Mitarbeiterin an der Hochschule der Künste Bern. 

Fabiana Senkpiel ist Kunstwissenschaftlerin und wissenschaftliche 

Mitarbeiterin an der Hochschule der Künste Bern. 

Nathalie Noorlander und Celia Sidler bilden zusammen das Künstlerinnenduo 

Celia & Nathalie Sidler. Daneben sind sie beide als künstlerischwissenschaftliche 

Mitarbeiterinnen an der Hochschule der Künste Bern 

tätig. 




Andrew Wallace 

Mit Beiträgen von Nancy G. Heller, 

Denise Lassaw und Marin R. Sullivan 

Gestaltet von Antonio Alcalá / 

Studio A, Alexandria, Virginia 

In Zusammenarbeit mit dem Figge 

Art Museum in Davenport, Iowa 

Gebunden 



24 × 28 cm 

978-3-85881-890-4 Englisch 

Erstes Buch über die Schmuckobjekte 

des amerikanischen 

Künstlers Ibram Lassaw (1919–2003) 

Bietet eine umfassende Einführung 

in diesen weniger bekannten Teil 

des Werks von Lassaw, einer der 

bedeutendsten Vertreter des 

Abstrakten Expressionismus in 

Amerika 

Lassaws tragbare Skulpturen sind 

inspiriert durch breit gefächerte 

Quellen wie beispielsweise 

Zen-Buddhismus, Kosmologie und 

Quantenphysik 

ca. sFr. 39.– | € 38.– 


9 783858 818904 

Quanta of Space 

The Bosom Sculpture of Ibram Lassaw 

Tragbare Skulpturen: 

Die Schmuckobjekte 

von Ibram Lassaw 

(1913–2003) 

Ibram Lassaw (1913–2003) gilt als bahnbrechender Vertreter des Abstrakten Expressionismus 

in Amerika und ist berühmt für filigrane Metallskulpturen, die den Tiefen 

des Ozeans oder fernen Galaxien entsprungen sein könnten. Weniger bekannt sind 

seine Schmuckobjekte, die er selbst als «Bosom Sculptures» bezeichnete. Inspiriert 

durch umfangreiche Lektüre zu so unterschiedlichen Themen wie Zen-Buddhismus, 

Kosmologie und Quantenphysik schuf er zwischen 1951 und den späten 1990er-Jahren 

eine Reihe solch tragbarer Skulpturen. Geschweisst und geschmiedet – zum Teil unter 

Verwendung ungewöhnlicher Materialkombinationen, neuartiger Techniken, Farben 

und Formen – erinnern sie mit kunstvollen biomorphen Ranken und miteinander verbundenen 

Clustern an so verschiedene Dinge wie Seeanemonen oder galaktische Nebel. 

Dieses Buch zeigt 37 «Bosom Sculptures» sowie neun Skulpturen, die Lassaw zwischen 

1938 und 1996 schuf, in Originalgrösse. Essays von Nancy G. Heller, emeritierte 

Professorin der University of the Arts in Philadelphia, Denise Lassaw, Tochter, 

Mitarbeiterin und Archivarin des Künstlers, und Marin R. Sullivan, Kunsthistorikerin, 

Kuratorin und Autorin, beleuchten Aspekte seines Lebens und Werks, seiner Zeit 

sowie die dynamischen Kräfte, die den Künstler inspirierten. 

Andrew Wallace ist Director of Collections and Exhibitions des Figge Art 

Museum in Davenport, Iowa. 



Kunst 

Die Malerin Caroline Bachmann: 

Gewinnerin des Schweizer Grand Prix 

Kunst / Prix Meret Oppenheim 2022 

Caroline Bachmann 

978-3-85881-886-7 

Englisch / Französisch 

sFr. 49.– | € 48.– 

Rüschegg: Wendepunkt in Motivik 

und künstlerischen Verfahren im 

Schaffen des grossen Fotorealisten 

Angelika Affentranger-Kirchrath 

Franz Gertsch – Rüschegg 

Schlüsselwerke der Schweizer Kunst 

978-3-85881-663-4 


sFr. 29.– | € 29.– 

Die bewegte Geschichte des 

ikonischen Alpen-Triptychons 

Werden – Sein – Vergehen 

Juerg Albrecht 

Giovanni Segantini. 

La Vita – La Natura – La Morte 


978-3-03942-072-8 


sFr. 39.– | € 38.– 

Eine bisher unzureichend beachtete 

Vertreterin der Konkreten Kunst 

in der Schweiz wiederentdeckt 

Hedi Mertens 

Logik der Intuition 

978-3-03942-131-2 

Deutsch / Italienisch 

sFr. 49.– | € 48.– 

Das vielseitige, immer wieder 

überraschende Frühwerk des 

Künstlers HR Giger 

HR Giger 

The Oeuvre Before Alien 1961–1976 

978-3-03942-136-7 Englisch 

sFr. 49.– | € 48.– 

Erscheint im Juli 2023 

Isabelle Cornaros Schaffen 

verdeutlicht, wie sehr unsere 

Wahrnehmung von Kulturen 

konditioniert wird 

Isabelle Cornaro 

Part of the work is about that, the 

fascination with the material and 

the aversion to it 

978-3-85881-871-3 


sFr. 15.– | € 15.– 

Mit den Holzschnitten fand der 

Schweizer Expressionist Hermann 

Scherer zu seiner gänzlich eigenen 

Ausdrucksweise 

Kerben und Kanten 

Hermann Scherers Holzschnitte 

978-3-03942-078-0 Deutsch 

sFr. 39.– | € 38.– 

Latifa Echakhch betrachtet vor dem 

Hintergrund ihrer neueren 

künstlerischen Praxis die Bedeutung 

des Zuhörens, von Rhythmen und 

Klangräumen 

Latifa Echakhch 

Now I can shut my eyes and I hear 

the entire space 

978-3-85881-872-0 


sFr. 15.– | € 15.– 


BACKLIST 54

Kunst 

Die Künstlerbrüder Léopold und 

Aurèle Robert: eine zeitgemässe 

Würdigung romantischer Malerei 

Léopold et Aurèle Robert 

Ô Saisons … 

978-3-85881-887-4 Französisch 

sFr. 49.– | € 48.– 

Vibrierende Metropole und 

beschauliche Schweiz: 

Lill Tschudis modernistische 

Linolschnitte 

Lill Tschudi 

Die Faszination des modernen 

Linolschnitts 1930–1950 

978-3-03942-057-5 


sFr. 39.– | € 38.– 

Eine Schlüsselfigur der europäischen 

Moderne und weltweit vernetzter 

Universalkünstler 

Max Bill Global 

Ein Künstler als Brückenbauer 

978-3-85881-697-9 Deutsch 

978-3-85881-877-5 Englisch 

sFr. 49.– | € 48.– 

Die Neuausgabe einer massgeblichen 

Monografie über Max Bill 

Max Bill: ohne Anfang, ohne Ende 

978-3-85881-578-1 


sFr. 49.– | € 48.– 

Einblick ins Innerste: 

Meret Oppenheims Album 

und Autobiografie 

Meret Oppenheim – Mein Album 

Das autobiografische Album 

«Von der Kindheit bis 1943» und ihre 

handgeschriebene Biografie 

978-3-03942-093-3 


sFr. 49.– | € 48.– 

Meret Oppenheims Briefwechsel mit 

den Eltern, dem Ehemann, 

Künstlerfreunden und Kuratoren 

Meret Oppenheim – Worte nicht in 

giftige Buchstaben einwickeln 

Das autobiografische Album 

«Von der Kindheit bis 1943» und 

unveröffentlichte Briefwechsel 

978-3-85881-475-3 Deutsch 

sFr. 69.– | € 68.– 

Neue Sichtweisen auf Leben und 

Werk der grossartigen Künstlerin 

Simon Baur 

Meret Oppenheim Geheimnisse 

Eine Reise durch Leben und Werk 

978-3-03942-046-9 Deutsch 

978-3-03942-063-6 Englisch 

sFr. 39.– | € 38.– 

Der Beginn einer neuen Schaffensphase: 

Paul Klees Studien zur 

polyphonen Malerei 

Oskar Bätschmann 

Paul Klee – Ad Parnassum 


978-3-03942-011-7 


sFr. 29.– | € 29.– 


BACKLIST 55

Kunst 

Eine ausserordentliche Sammlung 

von Zeichnungen, Aquarellen und 

Druckgrafik Paul Klees 

Paul Klee 

Die Sammlung Sylvie und Jorge Helft 

978-3-03942-106-0 Deutsch 

978-3-03942-107-7 Englisch 

sFr. 49.– | € 48.– 

Emotionale Ausnahmebegabung – 

und genialer Kunstfälscher 

Jeannette Fischer 

Psychoanalytikerin trifft Helene 

und Wolfgang Beltracchi 

Künstlerpaar trifft Jeannette Fischer 

978-3-03942-070-4 Deutsch 

978-3-03942-071-1 Englisch 

sFr. 25.– | € 19.– 

Strukturen und Dynamiken im 

Schaffen dieser Protagonistin 

der Performance-Kunst 

Jeannette Fischer 

Psychoanalytikerin trifft Marina 

A b r a m o v i ć 

Künstlerin trifft Jeannette Fischer 

978-3-85881-546-0 Deutsch 

978-3-85881-794-5 Englisch 

sFr. 19.– | € 19.– 

Eine Entdeckung: Das erste Buch 

über eine beeindruckende Künstlerin 

Sophie Schaeppi 

Eine Künstlerin zwischen Winterthur 

und Paris 

978-3-03942-141-1 Deutsch 

sFr. 49.– | € 48.– 

Erscheint im Juli 2023 

Equilibre: Mit diesem Bild definierte 

sich die grosse Avantgardistin Sophie 

Taeuber-Arp als Malerin 

Walburga Krupp 

Sophie Taeuber-Arp – Equilibre 


978-3-85881-662-7 


sFr. 29.– | € 29.– 

Silvie Defraoui über ihre ersten 

Begegnungen mit der Kunst und 

den «Médias mixtes» und wie sich 

Erinnerungen endlos überlagern 

Silvie Defraoui 

A work is never created alone, but 

in conversation with the world 

978-3-85881-873-7 


sFr. 15.– | € 15.– 

Das Schaffen von Silvie Defraoui: eine 

künstlerische Auseinandersetzung 

mit einer konsequent ungewissen 

Zukunft 

Le tremblement des certitudes 

Silvie Defraoui 

978-3-03942-127-5 


sFr. 35.– | € 35.– 

Ein illustriertes Lesebuch zur 

hoch aktuellen Frage nach 

der Geschichte unserer Museen 

mit ihren Sammlungen 

nicht-westlicher Kulturen 

Wege der Kunst 

Wie die Objekte ins Museum 

kommen 

978-3-03942-096-4 Deutsch 

978-3-03942-097-1 Englisch 

sFr. 39.– | € 38.– 


BACKLIST 56

Fotografie 

Die massgebende Monografie über 

die grosse Avantgarde-Fotografin, 

ausgezeichnet mit dem Deutschen 

Fotobuchpreis 20/21 in Gold 

Aenne Biermann 

Fotografin 

978-3-85881-673-3 Deutsch 

sFr. 39.– | € 38.– 

Der stete Wandel von Landschaften 

und Städten in neuen Fotografien von 

Georg Aerni 

Georg Aerni – Silent Transition 

Neue Arbeiten 

978-3-03942-074-2 


sFr. 49.– | € 48.– 

Deutscher Fotobuchpreis 

Preisträger 

Von Engwang im Thurgau nach 

Hollywood: Fotograf und 

Kurzfilmpionier Ernst A. Heiniger 

Good Morning, World! 

Fotografien und Filme von 

Ernst A. Heiniger 

978-3-03942-006-3 Deutsch 

sFr. 49.– | € 48.– 

Ein einzigartiger visueller Streifzug 

durch die fantastische Welt des 

Künstlers HR Giger 

HR Giger by Camille Vivier 

978-3-03942-116-9 


sFr. 99.– | € 97.– 

Deutscher Fotobuchpreis 

Preisträger 

Eine spannungsreiche fotografische 

Interpretation von Le Corbusiers 

sakraler Bauikone 

Le Corbusier Ronchamp 

Siegrun Appelt 

978-3-85881-695-5 


sFr. 39.– | € 38.– 

Fotografie ohne Kamera: ein 

faszinierendes Langzeit-Projekt 

von Françoise und Daniel Cartier 

The Never Taken Images 

Photographic Paper Archive 

1880–1990 

978-3-03942-091-9 


sFr. 49.– | € 48.– 

Optimismus und Lebensfreude einer 

Epoche gesellschaftlichen Wandels 

Peter Knapp – Mon temps 

978-3-03942-100-8 Deutsch 

sFr. 49.– | € 48.– 

Zwischen Sensation und Routine: 

Erzählungen eines Pressefotografen 

und die Geschichte einer traditionsreichen 

Illustrierten der Schweiz 

Siegfried Kuhn 

Pressefotograf 1959–1995 

978-3-03942-041-4 Deutsch 

sFr. 49.– | € 48.– 


BACKLIST 57

Architektur / Design 

Die heitere Produktewelt des Atelier 

Zanolli in Zürich 

Atelier Zanolli 

Stoffe, Mode, Kunsthandwerk. 

1905–1939 

978-3-03942-081-0 Deutsch 

978-3-03942-082-7 Englisch 

sFr. 49.– | € 48.– 

Baukultur der Nachkriegszeit: 

Das Büro Danzeisen + Voser 

schrieb mit seinen Bauten ein 

Stück Architekturgeschichte der 

Ostschweiz 

Katrin Eberhard 

Danzeisen + Voser 

Bauten und Projekte 1950–1986 

978-3-85881-667-2 Deutsch 

sFr. 65.– | € 58.– 

Peter Zumthor erkundet im Gespräch, 

was seinem Gegenüber und ihm 

selbst am Herzen liegt 

Dear to Me 

Peter Zumthor im Gespräch 

978-3-03942-009-4 Deutsch 

978-3-03942-010-0 Englisch 

sFr. 160.– | € 150.– 

Kirchen, Wohnbauten, Büros und 

Schulhäuser: Der Architekt 

Ernest Brantschen hinterliess ein 

vielfältiges Werk mit einer 

prägnanten gestalterischen 

Handschrift 

Gregory Grämiger 

Ernest Brantschen 

Bauten und Projekte 

978-3-85881-670-2 Deutsch 

sFr. 65.– | € 58.– 

Alle Aufsätze eines bedeutenden 

Architekturtheoretikers über eine 

zentrale Figur der Architekturmoderne 

Bruno Reichlin 

Le Corbusier. Von der eleganten 

Lösung zum offenen Werk 

978-3-85881-669-6 Deutsch 

978-3-85881-854-6 Französisch 

sFr. 49.– | € 48.– 

Architekt und kultureller Wegbereiter: 

der Basler Max Alioth (1930–2010) 

Max Alioth 

Architekt Zeichner Wegbereiter 

978-3-03942-089-6 


sFr. 39.– | € 38.– 

Die grossartige filmische Collage 

über Peter Zumthor, sein 

Schaffen und seine Inspirationen 

Peter Zumthor spricht über 

seine Arbeit 

Eine biografische Collage 

978-3-85881-914-7 Deutsch 

978-3-85881-915-4 Englisch 

sFr. 39.– | € 39.– 

Berg, Stein, Wasser: Die Therme Vals, 

Peter Zumthors Schlüsselwerk, 

in einer kongenial schön gestalteten 

Monografie 

Peter Zumthor Therme Vals 

978-3-85881-181-3 Deutsch 

978-3-85881-704-4 Englisch 

sFr. 98.– | € 97.– 


BACKLIST 58

Kulturgeschichte 

Chlorwasser und Sicht in die Berge: 

Postkartenbuch mit Swimmingpools 

in Schweizer Hotels 

Bikini in den Bergen 

Badefotografie der Kunstanstalt 

Brügger Meiringen. 

Ein Postkartenbuch 

978-3-85881-481-4 Deutsch 

sFr. 24.– | € 24.– 

Wortmeldungen und Bildwelten des 

Kurators, Kulturunternehmers 

und Autors aus vier Jahrzehnten 

Martin Heller 

Für alle! 

Texte und Bilder zum 

Ernst des Lebens 

978-3-03942-048-3 Deutsch 

sFr. 49.– | € 48.– 

Wälder: Inspiration für Kunstwerke, 

Natur- und Kulturräume und heiss 

umkämpft als Rohstoffquelle und 

Agrarlandressource 

Im Wald 

Eine Kulturgeschichte 

978-3-03942-061-2 Deutsch 

sFr. 35.– | € 35.– 

Ein kurzweiliger Streifzug durch das 

Reich der Maschinen und Apparate 

Gottfried Hattinger 

Maschinenbuch 

Eine Sammlung zur Kultur- und 

Kunstgeschichte der Apparate 

978-3-03942-029-2 Deutsch 

sFr. 45.– | € 38.– 

Protokolle über Leben und Tod: 

Das unvollendete letzte Filmprojekt 

Peter Liechtis (1951–2014) 

Peter Liechti – Dedications 

978-3-85881-500-2 Deutsch 

978-3-85881-776-1 Englisch 

sFr. 39.– | € 38.– 

Peter Liechti: eine Ausnahmeerscheinung 

des europäischen Films 

Peter Liechti 

Personal Cinema 

978-3-03942-080-3 Deutsch 

sFr. 39.– | € 38.– 

Eine formvollendete Hommage an 

die Kronenhalle Bar in Zürich, 

mitsamt Rezepten berühmt 

gewordener Cocktails 

Sans Pareil 

Die Kronenhalle Bar 

978-3-03942-117-6 Deutsch 

sFr. 35.– | € 35.– 

Eine intellektuelle Autobiografie und 

Reflexion über die Entwicklung des 

Engadins im 20. Jahrhundert des 

Schweizer Architekten 

Marcel Meili 

Steiners Postauto 

Eine Bildgeschichte 

978-3-85881-675-7 Deutsch 

sFr. 39.– | € 38.– 


BACKLIST 59


Niederdorfstrasse 54 

8001 Zürich 

Tel. +41 (0)44 262 16 62 

www.scheidegger-spiess.ch 

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Scheidegger & Spiess ist Mitglied 

von SWIPS, Swiss Independent Publishers 

Auslieferungen 

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Jessica Reitz 

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Cotheniusstrasse 4 

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Tel. 030 4473 2180 

Fax 030 4473 2181 

reitz@buchart.org 

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Deutschland 

Tel. +49 931 174 05 

Fax +49 931 174 10 

klein@vertreterbuero-wuerzburg.de 

Der Verlag Scheidegger & Spiess 

wird vom Bundesamt für Kultur mit 

einem Strukturbeitrag für die Jahre 

2021–2024 unterstützt. 

Stand Mai 2023 

Die angegebenen Franken-Preise sind unverbindliche 

Preisempfehlungen für die Schweiz inklusive MwSt. – 

Die angege benen Euro-Preise sind gebundene 

Ladenpreise für Deutschland inklusive MwSt. und 

unverbind liche Preisempfehlungen für Österreich. 

Für Preise, Beschreibungen und Erscheinungstermine 

bleiben Änderungen und Irrtum vorbehalten. 

Umschlagbild: Kinder in der Tschechoslowakei, um 

1946 © 2023 Stiftung Ernst Scheidegger-Archiv, 

Zürich. Aus dem Buch Ernst Scheidegger. Fotograf 

(siehe Seiten 10 / 11). 

Kamele im Kuhstall, Shrimps 

im Swimmingpool 

Einblicke in eine neue Schweizer Landwirtschaft 

Text von Alice Britschgi, Fotografien von Claudia Schildknecht 

Broschur 

208 Seiten, 68 farbige Abbildungen 

16 × 24 cm 

978-3-03942-047-6 Deutsch 

sFr. 35.– | € 35.– 

ISBN 9783039420476 

9 783039 420476 

Lamas auf Berggipfeln, Kamele im Schnee, Shrimps im voralpinen 

Hügelland – die Schweizer Landwirtschaft ist im Wandel, in 

vielen Nischen blüht das Neue. Claudia Schildknecht und Alice 

Britschgi haben experimentierfreudige Bäuerinnen und Bauern in 

der Schweiz begleitet und beobachtet, wie sie mit ungewohnten 

Tierarten und veränderten Methoden das traditionelle bäuerische 

Wirtschaften erweitern. Ein originelles, erfrischendes Buch, das 

zeigt, wie scheinbar grösste Selbstverständlichkeiten völlig neu 

gedacht werden können.

Vorschau Scheidegger & Spiess Herbst 2023

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