Peer_to_Peer_Magzin#1

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to 

Peer 

#1 

Akademie 

Dokumentation

Vorab 

Inhalt 

Gemeinsam mit der Claussen-Simon-Stiftung hat der Dachverband 

freie darstellende Künste ein neues Weiterbildungsangebot für 

Hamburger Akteur*innen der freien darstellenden Künste auf den 

Weg gebracht. 

Eine Woche Neues lernen, das Fachwissen und die professionellen 

Erfahrungen in einem interdisziplinären, kollegialen Umfeld weitergeben 

und als multiperspektivische Lerngruppe gemeinsam arbeiten: 

Die Peer-to-Peer-Akademie bringt unterschiedliche ästhetische 

und fachliche Ansätze sowie verschiedene Stände bei den 

Arbeitsbiografien zusammen. 

Vom 30. November bis 4. Dezember 2020 haben sich insgesamt 9 

Künstler*innen in zwei festen Gruppe getroffen. Jede*r hat einen 

Tag gestaltet, an dem sie*er den anderen etwas beigebracht, etwas 

vorgestellt, mit ihnen an einer Idee gearbeitet oder an einem 

Thema geforscht hat. 

Diese Dokumentation bündelt die Workshops und teilt das geballte 

Erfahrungswissen mit anderen Akteur*innen der Szene. 

Unser Dank geht an die Teilnehmenden der Akademie! Toll, dass 

Ihr Euch auf das neue Format mit so viel Energie eingelassen habt. 

Natürlich geht unser besonderer Dank an die Claussen-Simon-Stiftung, 

die die Pilotphase der Peer-to-Peer-Akademie möglich gemacht 

hat. 

Gruppe I 

Ron Zimmering: Verhandlungs-ABC S.6 

Joël Vuik: Singen, Atmen, Leben! S.12 

Jonas Feller: Anstiftung zu und Gestaltung von Gesprächen über Kunst S.16 

Susanne Reifenrath: Hybride Erzählweisen in den (freien) darstellenden Künsten S.24 

Jasmine Fan: Eine Filmsprache für Tanz und Theater im Livestream S.28 

Gruppe II 

Heike Bröckerhoff: Dramaturgisches Feedback S.34 

Ruby Behrmann: Beerdigungsrituale S.42 

Anja Zihlmann: Das Modell als Experimentierraum S.48 

Patricia Carolin Mai: HAMONIM - Warm Up S.54 

2 3

uppe I 

Jonas Feller 

Jasmine Fan 

Ron Zimmering 

Susanne Reifenrath 

Joël Vuik 

4 5

Ron Zimmering 

Verhandlungs-ABC 

Wir glauben an eine gerechte Welt. Wir hoffen, die Vorgesetzten werden schon erkennen, 

was sie an uns haben und wir bekommen, was wir verdienen. Oft gilt allerdings: 

„Du bekommst nicht das, was du verdienst, sondern das, was du verhandelst.“ Das 

folgende Handlungs-ABC ist eine Sammlung an Ideen, wie Du in Zukunft besser verhandeln 

kannst: 

ANKERN 

Die erste Zahl, die auf dem Tisch liegt, beeinfusst das Denken, für alles was kommt. Starte mit einer 

möglichst hohen Zahl. Die Faustregel für das erste Angebot lautet: kurz vor der Unverschämtheit. 

Wichtig ist, einen Grund dafür anzugeben und Offenheit zu zeigen, nicht „friß oder stirb“. Oder setz 

eine Zahl in den Raum, ohne zu sagen, dass Du sie willst: „Meine Kolleg*innen raten mir, nicht unter … 

zu gehen.“ Noch ein Tipp: Eine schiefe Zahl wirkt wie eine Begründung. 

ATMOSPHÄRE 

Die Situation bestimmt den Preis. Es kommt oft nicht auf Dein Verhandlungsgeschick an, 

sondern auf die Atmosphäre. Sorge dafür, dass es eine positive Gesprächsatmosphäre gibt. 

BESTE ALTERNATIVE 

Frage Dich, was Deine beste Alternative ist, wenn Du die Verhandlung platzen läßt. Je besser Deine 

Alternative ist, desto weniger abhängig bist Du von den Verhandlungspartnern. Kümmere Dich vor 

einer Verhandlung um alternative Optionen und versuche diese Alternativen zu erhöhen. Versuche 

auch die Alternativen Deines Gegenübers herauszufinden und lass Dich in einer Verhandlung dahingehend 

nicht bluffen. 

BEZIEHUNG AUFBAUEN 

Es gibt kaum eine Verhandlung, die keine Chancen für die Zukunft bereithält. Nimm Dein Gegenüber 

als Individuum wahr und baue eine Beziehung auf. Du kannst niemanden überzeugen, der Dich nicht 

mag. Vermeide daher Drohungen, Beleidigungen, Unterbrechungen, Sarkasmus. Es geht nicht darum 

den anderen zu täuschen. Eine gute Beziehung verbessert das Klima und ist für beide Seiten ebenso 

angenehm wie vorteilhaft. 

EMOTIONEN 

Nichts verleiht einem mehr Überlegenheit, als unter allen Umständen ruhig und gelassen zu bleiben. 

Negative Emotionen sind der Feind effektiver Verhandlungen. Wenn die Emotionen überkochen, ist 

es Menschen wichtiger, anderen zu schaden, als ihre eigenen Ziele zu verfolgen. Negative Emotionen 

sind wie Lawinen. Je weiter sie rollt, desto größer wird sie. Versuch sie so schnell wie möglich zu 

stoppen. 

EINSCHÜCHTERUNG VERSTEHEN 

Lass dich nicht einschüchtern. Versierte Verhandlungspartner*innen versuchen, die Wahrnehmung von 

Macht zu ihren Gunsten zu verschieben. Wenn Du dieses Manöver durchschaust und korrigierst, wirst 

Du Dein Gegenüber verblüffen und Deine eigene Macht erhöhen. 

ENTSCHULDIGEN 

Kinder kennen die Wirkung einer Entschuldigung. Eine Entschuldigung ist der einzige Weg eine Sache 

abschließend zu klären. Je schneller eine Entschuldigung geäußert wird, desto besser. Die Entschuldigung 

ist größer, wenn Du persönlich Verantwortung übernimmst. 

FLINCH 

Mach möglichst nicht das erste Angebot und lass den anderen kommen. Zeige dann kein Pokerface 

sondern reagiere mit einem Flinch. Ein Flinch ist das körperliche Zusammenzucken, wenn Du von 

Deinem Gegenüber das erste Angebot hörst. Es ist ein Nonverbaler-Ausdruck wie Lachen, Augenbraue 

hochziehen o.ä., der Dein Erstaunen darüber ausdrückt. Setz direkt nach dem Flinch Deinen Gegenanker 

und wiederhole nicht die genannte Zahl: „Ich finde … plausibel, weil...“. Rechne mit einem 

Flinch bei Deinem Gegenüber. 

GEGENREAKTION 

Bei Kommunikation ist es nicht so wie in der Physik, wo auf eine Reaktion eine Gegenreaktion folgt. 

Wir haben die Wahl. Wenn Dich Dein Gegenüber angreift, deute den Angriff um: von einem Angriff 

auf Dich als Person zu einem Angriff auf das Problem. Wenn Du wütend bist, reagiere nicht. Mach 

etwas völlig anderes: Ergreife Partei für ihn. Z.B.: „Sie haben vollkommen Recht, an Ihrer Stelle würde 

ich mich genauso ärgern.“ 

GEMEINSAMKEITEN 

Es sind Gemeinsamkeiten, deretwegen wir uns sympathisch sind. Erfolgreiche Verhandler*innen zeigen 

viermal häufiger Gemeinsamkeiten. Statt bei 99% Einigkeit sofort über das 1% Uneinigkeit zu diskutieren, 

solltest Du Dich sogar bei 99% Uneinigkeit auf das 1% Einigkeit konzentrieren. 

GOLDENE MOMENT 

Entwickle ein Auge dafür, wann Deine Macht am größten ist. Nutze z.B. den goldenen Moment zwischen 

der Zusage des Auftraggebenden / des*der Arbeitgeber*in und Deiner Annahme, hier ist die 

Macht am größten. 

INVOLVIEREN 

In dem Du Beteiligte nicht in den Entscheidungsprozess involvierst, schaffst Du Dir Gegner. Informiere 

Deine Mitstreiter über geplante Entscheidungen. Frage den anderen um Rat; die Verhandlungspartner 

werden überrascht sein und sich geschmeichelt fühlen. „Was soll ich meinem Team sagen, wenn 

ich Ihr Angebot annehme?“ Oder „Sie kennen sich ja da am besten aus. Wozu würden Sie mir jetzt 

raten?“ Das Um-Rat-Fragen ist eine der effektivsten Methoden, eine Verhandlung zu beeinfussen. 

KNAPPHEITSEFFEKT 

Wettbewerb erhöht den Wert eines Verhandlungsgegenstandes. Wir wollen Dinge, die begrenzt verfügbar 

sind, und die andere wollen. Deine Macht steigt, sobald Dein Verhandlungsgegenstand rar 

erscheint. Das kann auch auf einfache Weise geschehen: „Ich weiß auch nicht, aber dieses Bild hat 

eben eine besondere Bedeutung für mich.“ 

6 7

Ron Zimmering 


LETZTE INSTANZ 

Nicht die letzte Instanz zu sein, die das finale „Okay“ gibt, kann Deine Macht erhöhen. 

Wenn Du nicht weiterkommst, sag z.B. „Da muss ich noch mal Rücksprache 

mit meinem Team halten“. Dann: „Mein Team meint, branchenüblich wäre...“. Oder: 

„Meine Kolleg*innen raten mir nicht unter ... zu gehen.“ 

LUNCHEON-TECHNIK 

Essen erzeugt ein positives gemeinschaftsstiftendes Gefühl. Wenn Du die Möglichkeit 

hast, mit Deinen Verhandlungspartner*innen zu speisen, dann nimm diese 

unbedingt wahr. Sorge dafür, dass es zu jeder Verhandlung etwas zu Essen & zu 

Trinken gibt. 

MACHT NICHT UNNÖTIG VERRINGERN 

Zeige kein besonderes Interesse für ein Option, um Deine Machtposition nicht unnötig 

zu schwächen. Gib nicht Preis, wenn Du wenig Macht hast. Schreibe nicht „Verhandlungsbasis“ 

hinter deinen Preis. 

MACHT VERSTEHEN 

Macht ist die Essenz des gesamten Verhandlungsprozesses. Macht ist abhängig von Situation. Macht 

existiert nur, wenn der*die andere sich einschüchtern lässt. Es ist eine Illusion zu glauben, der*die andere 

hat die Macht. Macht ist nicht objektiv, Macht ist subjektiv. Macht ist nur in unserem Kopf. Die 

Quelle der Macht bist Du. Mach Dir vor einer Verhandlung Deine Macht bewusst. 

RAPPORT 

Bevor Du startest, miss erst einmal die emotionale Temperatur im Raum. Starte mit einer Plauderei 

über Dinge, die fast jeden interessieren und niemandem wehtun. Menschen, die sich mögen, passen 

sich in der Kommunikation aneinander an. Stell Dich auf Deine Gesprächspartner*innen ein, ohne sie 

nachzuäffen. Die Kunst des Smalltalk besteht darin, unter den üblichen Höfichkeiten schnell Dinge zu 

finden, die beide tatsächlich interessieren. 

SELBSTWERT 

Wenn Du an Deinen eigenen Wert nicht glaubst, wirst du ihn nicht verhandeln können. Beantworte 

für Dich die Frage: Bist du Dir das, was Du verhandelst, selber wert? Wie kannst Du Dich selbst davon 

überzeugen, dass Du Dir das wert bist, was Du verhandelst? 

VERBAL-JUDO 

Reagiere auf Verbal-Attacken mit der sachlichen Frage: „Wie meinen Sie das konkret?“ Es zwingt 

Dein Gegenüber seine Position zu versachlichen und zu konkretisieren. 

VERSTÄNDNIS ZEIGEN 

Gib dem*der anderen zu verstehen, dass Du seine*ihre Ideen nachempfinden kannst. Wenn Du Verständnis 

für seine*ihre Position zeigst, wird ihm*ihr klar, dass es unterschiedliche Perspektiven gibt. Du 

kannst den*die andere*n verstehen und dennoch eisern an Deinen Forderungen festhalten. 

VERTRAUEN & GLAUBWÜRDIGKEIT 

Ein*e erfolgreiche*r Verhandler*in ist stets darauf bedacht, ehrlich und korrekt zu sein. Der Ruf der*s 

Verhandlers*in ist buchstäblich Gold wert. Wenn man das Vertrauen in Dich verliert, kommt Dir das 

teuer zu stehen. Kommuniziere offen und transparent. Beantworte jede gestellte Frage. Ausweichen 

beschädigt Deine Glaubwürdigkeit. Gib Persönliches von Dir preis. Wir vertrauen Menschen, die gern 

etwas von sich preisgeben. 

VORBEREITUNG 

Recherchiere, welche Preisspanne für Deine Leitung üblich ist. Frag Kolleg*innen und erkundige dich 

nach Richtwerten. Liste auf, was es neben dem Honorar alles zu verhandeln gibt. Berechne Deinen 

Tagessatz, Stundensatz und Aufwand. Vergleiche das Angebot mit dem, was Du bisher für ähnliche 

Jobs bekommen hast. Wäge Deinen Aufwand und Mehrwert ab. 

WERTSCHÄTZUNG 

Wenn Du jemanden seinen Status abspricht, fühlt er sich gedemütigt und reagiert oft unklug. Finde 

heraus, was das besondere Talent Deines Gegenübers ist. Jemanden zu respektieren bedeutet weder, 

ihn zu mögen, noch mit ihm einer Meinung zu sein. Wenn Du die Macht Deines Gegenübers schätzt, 

wird er keine Freude mehr daran haben, sie auszuüben. 

WIN-WIN STATT KOMPROMISS 

Kompromisse sind oft die schlechtesten Lösungen, da sie eine lose-lose Situation sind. Versuche eine 

Win-Win-Lösung zu finden. Fokussiere Dich auf Deine Interessen statt auf Deine Positionen. Vergiss 

die Position und schau dahinter. Frage Dich: Warum willst Du das, was Du willst? Was kannst Du mir 

geben, was für Dich billig ist und für mich wertvoll? 

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Ron Zimmering 


ZEITDRUCK 

Wer unter Zeitrdruck steht, hat weniger Macht. Lass den*die andere*n nichts von Deinem Zeitdruck 

wissen. Versuche zeitliche Verpfichtungen des*der anderen herauszufinden. Am Ende einer Frist ist 

die Chance hoch, dass Dein Gegenüber das Angebot annimmt. Sage nicht „Kommen Sie einfach auf 

mich zurück, wenn Sie können“, sondern setz stets eine Frist. Umgekehrt gilt: Lass Dich nicht unter 

Druck setzen. 

ZIELE SETZEN 

Setze Dir vor einer Verhandlung konkrete Ziele. Je klarer die Ziele, desto mehr erreichst Du. Schreibe 

Deine Ziele auf. Wenn wir vom Ziel überzeugt sind, sind wir in einer Verhandlung überzeugender. 

Definiere für Dich ein Minimum, Maximum und einen Mittelwert. Setze das Ziel nicht zu tief. Je optimistischer 

das Ziel, desto besser schneiden wir ab. Ein Ziel soll ehrgeizig sein, aber auch realistisch. 

Fokussiere Dich in der Verhandlung auf den Zielpreis, sonst wird das Minimum zur Richtschnur. Widerstehe 

dem Drang, Deine Ziele zu senken, wenn Du nicht gleich Erfolg hast. Passe Dein Ziel erst an, 

wenn Du neue entscheidende Informationen erhältst. 

Ron Zimmering 

Geboren 1984, studierte Ron Zimmering Schauspiel an der Hochschule 

für Musik und Theater Leipzig und später Regie an der Theaterakademie 

Hamburg. Zimmering war Stipendiat im Programm stART.up der 

Claussen-Simon-Stiftung. Er inszeniert u.a. am Deutschen Schauspielhaus 

Hamburg, am Saarländischen Staatstheater, am Theater Heidelberg, 

am Theater Osnabrück und auf Kampnagel. Als Künstlerischer 

Leiter initiierte Ron Zimmering u.a. das monatlichen Serienformat 

»HEIMATEN« und zuletzt das großangelegte Spektakel »HAMBURGER 

MENETEKEL« am Deutschen Schauspielhaus Hamburg. Er ist Dozent an 

der Hochschule für Musik und Theater Hamburg. 

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Joël Vuik 

Singen, Atmen, Leben! 

Wie kann ich durch Singen eine bessere Atemkapazität 

bekommen? 

Singen und Atmen kann Krankheiten wie Parkinson und Depression verbessern und die allgemeine Lebensqualität 

erhöhen (Elizabeth Stegemöller, 2018). Wenn man das weiß, würde man doch nie wieder 

aufhören zu singen? Vielleicht liegt auch eher die Scheu beim Anfangen als beim Weitermachen. Zum 

Singen gehört das Atmen, die volle Lungen, sie sind die inneren Flügel des Körpers. Über Atem zu reden 

fühlt sich aber sehr kontraintuitiv an, wir atmen ohne drüber nachzudenken. Genauso wie wir mit unseren 

Augen blinzeln, wie wir träumen und wie wir verdauen. Trotzdem ist es wichtig, dass wir das Atmen 

– und zwar das richtige Atmen – lernen. Wie atmet man denn eigentlich „richtig“? Nun, genau wie beim 

Singen, beim Sport und bei fast allen anderen Aktivitäten im Leben: durch Üben! 

ÜBUNG 

Öffnung in den Rücken 

» Steh‘ mit dem Rücken an der Wand, ohne Hohlkreuz 

» Atme dreimal normal ein und aus 

» Spür‘ bei jeder normalen Einatmung die Wand 

» Atme dreimal tief ein und aus 

» Mach‘ während des tiefen Atmens die Rücken fett und breit, als ob man 

sich von der Wand wegdrücken kann 

Freiheit in der Kehle 

» Atme ein durch die Nase 

» Atme ruhig, aber lang aus auf F (fffffff) 

» Atme wieder ein durch die Nase 

» Atme aus auf S (sssssss) 

» Spür beim S, ob es so frei ist wie beim F 

» Wiederhole das gleiche, aber dann mit Stimme 

» Z (zzzzzz) 

» V (vvvvv) 

Kombiniere 

» Mach die beide Übungen gleichzeitig 

Es ist wichtig, die Muskeln zu entdecken die wir beim Aktivieren der Lungenbewegung 

brauchen und sie zu benutzen. 

Bei solchen Übungen ist es wichtig professionell beraten zu werden, um abzusichern, 

dass die Übung richtig gemacht wird. 

Indem man die Muskeln kennengelernt hat und sie aktiviert sind, fängt das Trainieren an. Jetzt soll die 

Ausdauer trainiert werden. Wieviel Luft braucht man eigentlich, um eine lange Phrase zu sprechen oder 

zu singen? Eigentlich gar nicht so viel, wichtiger ist es, ordentlich zu steuern. Dafür gibt es eine sehr hilfreiche 

Übung. 

ÜBUNG 

Langes Atmen 

» Atme gleichmäßig über vier Schlägen ein 

» Zähl laut bis zum 12 

» Nach 12, atme vier Schläge aus 

» Wiederhole das Ganze, aber nimm einen Schlag Einatmen 

raus, und kleb ihn am Ende der Übung beim Ausatmen ran. 

» Das sieht ungefähr so aus: 

4 ein – 12 Zählen – 4 aus 





Nicht übersteuern, immer auf den Kreislauf achten 

Achtung! Es gibt auch Atmen, das nicht gesund ist. 

Over breathing/Überatmen: Zu viel oder zu voll 

Shallow breathing/Flache Atmung: Zu hoch oder zu wenig 

Holding the breath/Atem festhalten: die Kehle schließen, um Luft zu steuern 

“Some doors only open from the inside, breath is a way of accessing that door.” 

(Strom, 2015) 

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Joël Vuik 

Singen, Atmen, Leben! 

Lernen, richtig zu atmen, ist nicht nur hilfreich, um ruhig zu werden, sondern auch 

wichtig, um zu entschleunigen. Wir leben in einer Zeit und Gesellschaft, die stark vom 

Digitalen beherrscht ist, was an sich nicht verkehrt ist. Eigentlich müssten wir überglücklich 

sein, wir haben ein Handy in der Hosentasche, das uns fast alle Informationen 

der Welt in wenigen Sekunden aufrufen kann, was Entertainment bietet und vieles mehr. Leider sind 

wir aber nicht glücklich. 

Singing is good for you! 

https://www.youtube.com/watch?v=Poq8-Bh_ESM 

eine intimere Beziehung zur Gesellschaft und Freund*innen pflegen. 

Wir sind durch die Technik unfassbar vernetzt 

und mit einander verbunden, aber trotzdem 

sind viele unglücklich und fühlen sich alleine. 

Auch dies ist ein kontraintuitives Phänomen. Auf 

der tiefere Ebene sind wir nämlich unverbunden 

und weit voneinander entfernt. Die WHO (World 

Health Organisation) hat 2015 angegeben, dass 

weltweit in 2020, Depressionen und Angst die 

Nummer eins der Behinderungen sein werden. 

Nun sind wir in 2020 und leben auch noch in 

einer Pandemie. Atmen, Singen und Entschleunigen 

helfen gegen diese, mittlerweile alltäglichen, 

Beeinträchtigungen. Durch Atmen und Singen 

lernt man sich auf neue Weise kennen, man wird 

intimer mit sich selbst und kann somit wieder 

Wenn Menschen, die nicht als Sänger*innen ausgebildet sind, gefragt werden etwas vorzusingen, kommt 

es oft sofort zu einer Scheu und Angst. „Fear: Fight or Flight mode.“ (Kampf- oder Flugmodus) In gefährlichen 

Situationen ist das manchmal hilfreich, aber beim Singen ist das kontraproduktiv. Die Muskeln, 

die sich eigentlich entspannen sollen, um eine optimale Luftbewegung darzustellen, sind sofort 

verkrampft und werden gegensteuern. 

„Ich kann aber gar nicht singen, was kann man tun?“ Sehr viel, einfach anfangen. Hier ein kleiner Kanon, 

den jeder lernen kann, alleine, mit Freunden und zusammen singen kann. 

„Ich kann keine Noten lesen…!“ 

Kein Problem! Folge dem Link 

https://www.joelvuik.com/singen 

Diese Übung kann alleine, zur zweit oder mit ganz vielen gesungen werden. Je nachdem 

wie groß die Herausforderung sein soll. 

Diese Übungen helfen nicht nur beim Kennenlernen des eigenen Körpers, sondern 

auch beim Sprechen und bei der Selbstsicherheit. Wenn man weiß, wie es funktioniert und man sich 

drauf verlassen kann, verschwindet die Scheu und Angst. 

ZUM SCHLUSS 

Ohne Muskeln könnten wir uns nicht bewegen, nicht 

atmen, nicht leben, also eigentlich nichts. Durch 

Wiederholung und Üben, trainieren wir die Muskeln, 

sich an gute Sachen zu erinnern. Nicht nur das Gehirn 

speichert die Erinnerungen, sondern auch die 

Muskeln. 

Corona ist ein Virus, das die Lungen angreift. Wenn 

die Lungen schon krank oder schwach sind, ist 

Corona umso gefährlicher. Deshalb halte ich es für 

sehr wichtig, durch richtiges Atmen und Spaß beim 

Singen, die Kraft und Qualität des Lebens positiv 

zu fördern, sodass wir uns auf diese Weise auch ein 

bisschen gegen solche Krankheiten schützen können. 

https://www.youtube.com/watch?v=OT8AdwV0Vkw 

Ein kleines Beispiel, dass die Musik eine wahnsinnige Kraft in Bezug auf die Erinnerungen hat: Marta Cinta 

González Saldaña, eine Ballerina mit Alzheimer hört das Schwanenmeer – eine Musik, zu der sie als 

junge Frau getanzt hat, und lebt total auf. 

Joël Vuik 

Der Countertenor wurde 1987 in Moordrecht (NL) geboren. Seine musikalische Laufbahn 

begann mit ersten Gesangauftritten in der Schule und in der Kirche in seinem Heimatort. 

Ab 2012 studierte er Gesang an der Hochschule Codarts (Rotterdam) bei der Mezzosopranistin 

Carolyn Watkinson, später bei der Sopranistin Charlotte Riedijk. Nach der Bachelor- 

Graduierung 2016 erwarb er 2018 den Master of Music mit Bestnote bei Prof Jörn Dopfer 

und in 2019 erfolgreich den Konzertexamen-Abschluss bestanden an der Hochschule für 

Musik und Theater Hamburg (HfMT). Er besuchte Meisterkurse bei u.a. Roberta Alexander, 

Don Marrazzo, Margreet Honig, Michael Chance, Daniel Taylor und Philippe Jaroussky. Joël 

Vuik ist Preisträger diverser Wettbewerbe und erhielt verschiedene Stipendien. Im November 

2017 spielte Joël die Rolle des Nerone aus der Oper Poppea von Monteverdi in der 

Opera Stabile. Von Februar bis April 2018 spielte er die Rolle des Orlando in Vivaldis Oper 

Orlando Furioso und im Oktober 2020 die Rolle des Ruggiero in Handels Alcina am Allee- 

Theater Hamburg. In 2020 hatte Vuik eine Gastrolle an der Niederländischen Staatsoper 

in der Oper Ritratto von Willem Jeths. Joël Vuig war Stipendiat im Programm stART.up der 

Claussen-Simon-Stiftung. www.joelvuik.com 

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Jonas Feller 

Anstiftung zu und Gestaltung von Gesprächen über Kunst 

A: Jonas, nenne fünf Dinge, die du getan 

hast, um dich davor zu drücken, 

diese Dokumentation zu schreiben. 

B: Einen ausgiebigen Spaziergang. 

A: EINS! 

B: Mehrfach die Mails gecheckt. 

A: ZWEI! 

B: Parkourvideos auf YouTube geschaut. 

A: DREI! 

B: Den Geschirrspüler ausgeräumt. 

A: VIER! 

B: Es auf den nächsten Tag verschoben und lieber Feierabend gemacht. 

A: FÜNF! FÜNF DINGE! 

FORMAT: 5 Dinge 

Wie funktioniert‘s? Steht gemeinsam im Kreis. Eine Person beginnt und fordert eine Person neben sich 

auf fünf Dinge zu einem beliebigen Thema zu nennen. Sie folgt dabei der Sprachformel „Nenne mir 

fünf Dinge, die…“ und kann das Thema selbst wählen. Nach jeder Antwort rufen alle gemeinsam laut die 

entsprechende Zahl und enden nach der fünften Antwort mit „FÜNF. FÜNF DINGE!“. Die Person, die die 

Antworten gegeben hat, fordert nun die nächste Person auf, fünf Dinge zu einem anderen beliebigen 

Thema zu nennen. Das Prozedere wird fortgesetzt, bis alle dran waren. 

Wofür? Das Format eignet sich als Einstieg bei kleineren Gruppen. Das Format hat ein gewisses Tempo, 

alle stehen und rufen laut gemeinsam die Zahlen. Vorrangiges Ziel ist die Aktivierung der Teilnehmenden 

(jede Person kommt einmal zu Wort), die gesammelten Punkte können jedoch anschließend aufgegriffen 

und als Aufhänger für das weitere Gespräch genutzt werden. Je nach Thema, das besprochen 

werden soll, kann dies bereits in der 5-Dinge-Sammlung etabliert werden (z.B. „Nenne mir fünf Dinge, die 

dir aus der Aufführung in Erinnerung geblieben sind.“). 

Das informelle Gespräch über Kunst und künstlerische Produkte ist ein normaler Bestandteil des Alltags 

von Künstler*innen – ob an der Bar, in der Raucher*innenecke, dem Foyer oder am Küchentisch. 

Doch auch formatierte und institutionalisierte Gespräche finden statt. Die Palette an Bezeichnungen 

für solche Gespräche ist dabei weit: Publikumsgespräch, Künstler*innengespräch, Q&A, Kritikgespräch, 

Feedbackgespräch, Fachgespräch, Nachgespräch, Nachbereitung, usw. All diese Bezeichnungen verraten 

etwas darüber, wie dort vermutlich gesprochen wird und vor allem wer dabei am Gespräch beteiligt ist 

bzw. im Fokus steht – auch wenn die Bezeichnungen in der Praxis dann doch deutlich verwaschener und 

nicht selten synonym verwendet werden. Und nicht zuletzt gibt es das Gespräch als künstlerische Praxis, 

also als integralen Bestandteil künstlerischer Produktionen im Unterschied zu lediglich nachgelagerten 

Gesprächen. 

Für diesen Beitrag wird ein weites Begriffsverständnis von „Gespräch“ verwendet. Gemeint ist der ergebnisoffene 

und gemeinsame Austausch untereinander. Das beschränkt sich nicht nur auf verbal-sprachliche, 

sondern auch schriftliche oder non-verbale Formen. 

EINLADUNG ZUM SELBSTVERSUCH, BEVOR IHR WEITERLEST 

Stellt euch einen Wecker auf zehn Minuten und erzählt Euch selbst von Euren Erfahrungen mit Gesprächen 

über Kunst. Nutzt die zehn Minuten voll aus. Es ist vollkommen in Ordnung, wenn Ihr zwischendurch 

einige Minuten gar nichts sagt. Wenn ihr wollt, könnt ihr diesen Selbstversuch auch mit einer anderen 

Person gemeinsam durchführen – beachtet dazu die Formatbeschreibung im Kasten. 

FORMAT: Rücksitz 

Wie funktioniert‘s? Setzt euch mit einer anderen Person Rücken an Rücken. Entscheidet wer von euch 

beginnt. Eine Person hat nun zehn Minuten, um über ein vorher gesetztes Thema (z.B. eine gemeinsam 

erlebte Aufführung) zu sprechen. Die andere Person hört lediglich zu, antwortet nicht und stellt 

auch keine Fragen. Nach zehn Minuten ist die andere Person dran und darf nun ihrerseits zehn Minuten 

sprechen. Pausen und Stille sind in Ordnung. Dreht euch anschließend zueinander und nehmt euch noch 

einmal zehn Minuten, um gemeinsam zu sprechen. Notiert 2-3 Fragen, die ihr gern weiter diskutieren 

würdet. Trefft euch mit den anderen Paaren in der Großgruppe und stellt euch gegenseitig eure Fragen 

vor. 

Wofür? Das Format eignet sich als Einstieg in das Gespräch über Aufführungen. Sich zehn Minuten Zeit 

nehmen, um die eigene/n Sicht, Fragen und Gedanken zu formulieren schafft eine Grundlage für ein 

Gespräch miteinander. Gedanken können sich im Sprechen ordnen, Emotionen – seien sie euphorisch 

oder ablehnend – können rausgelassen werden, um anschließend in sachliche Kritik, Fragen und Thesen 

gebracht zu werden. Die in den Paaren gesammelten Fragen machen die Wichtigkeit der Themen, über 

die gesprochen werden sollte, sichtbar und können als Ausgangspunkt für das Gespräch als Großgruppe 

dienen. 

Formatierte und institutionalisierte Gespräche sind oft hierarchisch strukturiert (das fängt bereits bei 

der Sitzordnung an) und bauen auf unterschiedliche Weise Hemmungen auf anstatt tatsächlich in einen 

Austausch untereinander und mit allen Gesprächsbeteiligten zu kommen. Treffen unterschiedliche Personenkreise 

aufeinander, bestehen in der Regel auch unterschiedliche Interessen an dem Gespräch. Oft 

steht dabei das Publikum auf der einen und die Künstler*innen auf der anderen Seite. Um es für beide 

Seiten zu einem produktiven Gespräch zu machen, lässt sich mit folgendem Mindset arbeiten: 

1. VERTRAUEN IN DIE KUNST 

Kein Gespräch ist dafür da eine Aufführung zu retten. Es geht also nicht darum, dass Künstler*innen 

ihre Arbeit erklären, sondern vielmehr mit allen darüber zu sprechen, was die Aufführung ausgelöst hat 

(auch wenn dies Unverständnis, Langeweile o.Ä. ist). Im Umkehrschluss bedeutet dies, dass die Künstler*innen 

mit ihrer Aufführung den Aufschlag für einen Dialog bereits getan haben. Sie haben durch ihre 

Aufführung Stellung bezogen und sich angreifbar gemacht. Nun ist es am Publikum darauf zu reagieren, 

selbst Stellung zu beziehen und sich seinerseits angreifbar zu machen, d.h. zu formulieren was die Aufführung 

bei ihnen ausgelöst hat. 

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Jonas Feller 


2. VERTRAUEN IN DAS PUBLIKUM 

Das Publikum hat beim Besuch der Aufführung eine Aufführungserfahrung gemacht und hat ein Interesse, 

sich darüber auszutauschen. Aufgabe eines Gesprächsformats ist es, den Raum zu geben das Erlebte 

nachwirken zu lassen und Gesprächsanlässe zu bieten, um das Erlebte miteinander zu teilen, zu diskutieren 

und zu reflektieren und dabei vor allem die Hemmungen abzubauen über inhaltliche und ästhetische 

Fragen zu sprechen bzw. überhaupt selbst sprechen zu wollen. Es gilt die Prozessualität des Denkens 

und Sprechens zu fokussieren und eine Atmosphäre zu schaffen, in der es kein richtig oder falsch 

gibt, sondern alle als Expert*innen ihrer eigenen, subjektiven Aufführungserfahrung sprechen können. 

Für beide Seiten bedeutet dies, gewohnte Haltungen und vermutlich auch die eigene Komfortzone zu 

verlassen: Für das Publikum, sich deutlich aktiver einzubringen und selbst Stellung zu beziehen; Für die 

Künstler*innen, sich zurückzunehmen mit Erklärungsversuchen und sich der Kritik auszusetzen. Dass dies 

keine unangenehme, sondern eine bereichernde und lustvolle Erfahrung sein kann, beginnt damit, das 

eben Geschriebene positiv umzudeuten: Das Publikum wird in seiner eigenen Erfahrung ernst genommen 

und seine Meinungen, Sichtweisen und Fragen als relevant eingestuft; die Künstler*innen gewinnen einen 

detaillierten Einblick, was ihre Kunst transportiert und damit ein wertvolles Feedback. 

Für die Gestaltung von Gesprächen jeglicher Art, die unterschiedliche Gruppen – die in sich wiederum 

heterogen sind – miteinander ins Gespräch zu bringen, alle Beteiligten zu aktivieren und zur Mitsprache 

zu ermächtigen bietet sich ein doppelter 3-Schritt an: 

1. Erinnern & Beschreiben 1. Einzeln / Paar 

2. Fragen & Thesen ableiten / sammeln 2. Kleingruppe 

3. Diskussion / Bewertung 3. Großgruppe 

Beide Teile beziehen sich auf den zeitlichen Verlauf eines Gesprächs, sind also als Reihenfolge zu verstehen. 

In einem Gesprächsformat müssen sie nicht zwangsläufig parallel laufen noch müssen immer alle 

drei Schritte vorkommen. Alle hier vorgestellten Formate basieren auf diesem doppelten 3-Schritt. 

FORMAT: Das unbeschriebene Blatt 

Wie funktioniert‘s? Die Teilnehmenden bilden Paare und erhalten pro Person ein weißes Blatt Din A4 

Papier. Sie sind aufgefordert aus dem Blatt jeweils einzeln eine Skulptur zu formen, die den Nachklang 

der eigenen Aufführungserfahrungen einfängt. Es gibt keine weiteren Materialien aber mit dem Blatt ist 

alles erlaubt (reißen, falten, knüllen, etc.). Nach ca. 5 Minuten werden die TN aufgefordert ihre Skulptur 

mit der ihres*r Partners*in zu tauschen. Im Modus eines*r Kunstkritikers*in ist es nun ihre*seine Aufgabe 

die Skulptur des Gegenübers zu interpretieren. Dabei trägt die Skulptur den Titel der gemeinsam erlebten 

Aufführung. Nach wenigen Minuten kann eigenständig gewechselt werden und die zweite Person ist 

an der Reihe die Skulptur der anderen zu interpretieren. Die TN werden anschließend aufgefordert ihre 

Skulpturen zu einem Objekt zusammenzufügen oder zueinander zu arrangieren und an einem beliebigen 

Ort im Raum zu platzieren. Gemeinsam geben sie der so entstandenen Skulptur einen neuen Titel - sie 

erhalten dafür ein weiteres Papier und einen Stift. Alle werden eingeladen sich in einem offenen Rundgang 

frei im Raum zu bewegen und die Skulpturen der anderen TN zu entdecken und miteinander unmoderiert 

und informell ins Gespräch zu kommen. Es gibt keinen gesetzten Endpunkt. 

Wofür? Das Format bietet eine vorerst non-verbale Ausdrucks- und Reflexionsmöglichkeit. Es unterstützt 

die Freude an und den Mut zur persönlichen Interpretation von Aufführungserlebnissen. Es entsteht ein 

schöpferisch-aktiver Austausch. Das Format eignet sich unter anderem dafür, in einem belebten Raum 

wie beispielsweise einem Foyer stattzufinden, parallel zu generell dort stattfindende Aktivitäten. 

FORMAT: Telefonierspaziergang mit Skizze 

Wie funktioniert‘s? Die Teilnehmenden schicken eine SMS an eine zentrale Telefonnummer. Sie bekommen 

per SMS eine Telefonnummer zugelost und werden aufgefordert, sich allein auf einen Spaziergang 

zu begeben und nach ca. 5 Minuten die zugeloste Nummer anzurufen. Die Teilnehmenden spazieren für 

20-30 Minuten mit einer fremden Person am Hörer umher und tauschen sich über die Aufführung aus. 

Es bietet sich an, den TN mit der ersten SMS zusätzlich 2-3 Impulsfragen mitzugeben, um das Gespräch 

in Gang zu bringen. Im Anschluss an den Spaziergang werden die TN per SMS aufgefordert eine Skizze 

des eigenen Wegs anzufertigen und diese mit Fragen, Gedanken und Assoziationen des Gesprächs zu 

versehen. 

Die Zulosung kann je nach Gruppengröße recht aufwendig sein. Eine Möglichkeit ist, dass die Gruppe 

zweigeteilt wird, die eine Hälfte ihre Telefonnummer auf Zettel schreibt und diese gemischt an die 

andere Hälfte der Gruppe verteilt werden. Die Impulsfragen und Aufforderung Skizzen anzufertigen 

müssen dann im Vorfeld passieren, da es keine zentrale Stelle mit allen Telefonnummern gibt. 

Wofür? Der Austausch mit einer (noch) fremden Person hat gerade durch die Reduzierung auf die Stimme 

eine große Intimität. Zugleich schafft die Distanz des Telefongespräch Sicherheit. Das Format eignet 

sich insbesondere für Aufführungen die Themen verhandeln, die schambehaftet, tabuisiert sind oder 

potentiell stark persönlichen Bezug zu der Lebensrealität des Publikums haben. Die Skizzen können zurück 

zu einem gemeinsamen Ort getragen werden und könnten dort sogar als Grundlage für ein gemeinsames 

Großgespräch dienen. Ebenso kann das Format aber auch für den Heimweg konzipiert werden, 

die Skizzen können abfotografiert, oder per Post an die Künstler*innen geschickt werden. 

Wie die verschiedenen Gesprächsbezeichnungen zu Beginn dieses Beitrags schon zeigen, gibt es diverse 

Parameter, die beeinflussen wie ein Gesprächsformat am sinnvollsten für einen spezifischen Anlass 

gestaltet werden kann. Die folgende Checkliste umfasst Fragen, deren Beantwortung bei der Gestaltung 

einer Gesprächssituation helfen kann. 

FRAGEN AN DIE RAHMENBEDINGUNGEN DES FORMATS 

A) Gegenstand 

» Welche der folgenden Punkte stehen bereits fest, welche sind noch frei gestaltbar? 

» Worüber wird gesprochen? 

B) Teilnehmende / Anwesende 

» Wer nimmt am Format teil, wer ist darüber hinaus mit im Raum? 

» Welches Alter haben die Teilnehmenden/Anwesenden? 

18 19

Jonas Feller 


» Wie viele sind es? 

» Background / Zusammensetzung: Aus welchem Kontext kommen die Teilnehmenden? 

Kennen sie sich? Handelt es sich um eine homogene oder eine heterogene Gruppe? 

» Motivation: Wie kommen sie dazu, am Format teilzunehmen? 

» Interesse: Welche (Erkenntnis-)Interessen bestehen von Seiten der Teilnehmenden? 

C) Raum und Zeit 

» Wo findet das Format statt? 

» Wann findet das Format (im Verhältnis zur Aufführung) statt? 

» Wie lang dauert das Format? 

D) Spezialteilnehmer*in: Moderation / Gesprächsleitung 

» In welchem Verhältnis steht sie zu den anderen Teilnehmenden? 

» Was ist ihr (Erkenntnis-)Interesse am Format? 

FRAGEN AN DIE AUSGESTALTUNG / DURCHFÜHRUNG DES FORMATS 

A) Zielstellung / Ausrichtung 

B) Ablauf 

» Welche Interessen sind im Raum? Was soll das Format erfüllen? 

» Gruppendynamisch: Wie soll die Gruppe im Verlauf des Gesprächs organisiert werden? 

(Einzel-, Paar-, Kleingruppen-, Großgruppengespräch) 

» Inhaltlich: Welche Inhalte sollen (in welcher Abfolge) behandelt werden? 

» Formal: Welche Formate sollen (in welcher Abfolge) Anwendung finden? 

C) Material / Ort 

D) Regeln 

» Welche Anforderungen an den Ort gibt es? 

» Welches Material wird benötigt? 

» Nach welchen Regeln wird das Sprechen organisiert? 

» Welche Funktion kommt dabei einer Moderation zu? 

E) Dokumentation 

F) Vermittlung 

» Soll etwas dokumentiert werden? 

» Wie geschieht diese Dokumentation? 

» Was geschieht mit der Dokumentation im Nachhinein? 

» Wie wird zum Format eingeladen? Wie wird es angekündigt? 

» Wie vermittelt sich das Format (sein Ablauf, seine Regeln, usw.) an die Teilnehmenden? 

GESPRÄCHSTOOL: Perspektivierung 

Wie funktioniert‘s? Für einzelne Gesprächssegmente kann die Sprachformel „Aus der Perspektive von…“ 

/ „Aus der Perspektive einer Person, die …“ eingeführt werden. Sie eignet sich auch als generelles Angebot, 

das alle Teilnehmenden jederzeit nutzen können, aber nicht müssen. 

Wofür? Äußerungen und Kritik bekommen einen Kontext und werden nachvollziehbarer (z.B. „Als Person, 

die sich im Berufsalltag viel mit dem Thema Gender beschäftigt hat, war mir die Auseinandersetzung zu 

oberflächlich.“). 

GESPRÄCHSTOOL: Melderegeln 

Wie funktioniert‘s? Wer etwas sagen möchte meldet sich mit einem Finger. Gibt es bereits eine Meldung, 

meldet sich die zweite Person mit zwei Fingern, die dritte mit drei usw. Ist ein Redebeitrag beendet kann 

die Person, die sich mit einem Finger meldet direkt mit ihrem Redebeitrag anschließen, alle weiteren, die 

sich melden klappen einen ihrer Finger ein (wer sich zuvor mit zwei Fingern gemeldet hat, meldet sich 

nun mit einem, wer sich mit drei gemeldet hat, nun nur noch mit zwei, usw.). Um direkt auf einen Redebeitrag 

zu reagieren, kann sich eine Person mit beiden Zeigefingern melden („direkt dazu“). Sie schiebt 

sich damit regulär vor die nächste Meldung. Wichtig: Auf ein „direkt dazu“ kann nicht mit einem „direkt 

dazu“ reagiert werden. Nach einer „direkt dazu“-Meldung kehrt die Reihenfolge zu der Person, die sich 

mit einem Finger meldet zurück. 

Wofür? Eine Gruppe organisiert sich selbst. Es braucht keine Moderation und aufgrund klarer Regeln zugleich 

auch niemanden, der*die das Gespräch anführt/die Initiative ergreift. Alle haben gleichermaßen 

die Verantwortung für das gemeinsame Gespräch. Insbesondere die „direkt dazu“ Meldemöglichkeit 

bietet Vielredner*innen die Möglichkeit sich dennoch viel Raum zu nehmen und sollte daher mit Bedacht 

verwendet oder überhaupt zur Option gestellt werden. Je nach Gruppengröße und Gesprächsanlass 

bietet sich auch die Begrenzung der möglichen Meldereihenlänge (auf z.B. max. 5 Meldungen) an. 

GESPRÄCHSTOOL: Zustimmung ausdrücken 

Wie funktioniert‘s? Wer dem Redebeitrag einer anderen Person zustimmt oder das gleiche sagen wollte, 

kann dies durch Gebärdenapplaus ausdrücken oder „+1“ sagen. Zweiteres kann entweder reingerufen 

oder zu Beginn eines eigenen Redebeitrags („+1 zu XY“) gesagt werden. 

Wofür? „+1“ eignet sich besonders für schriftlichen, Gebärdenapplaus für verbal-sprachlichen Austausch, 

weil die sprechende Person nicht unterbrochen wird. Zustimmung wird sichtbar und quantifizierbar. 

Es wird sichtbar/hörbar wie wichtig ein bestimmter Punkt innerhalb der Gruppe ist ohne, dass alle 

diesen Punkt einzeln nennen müssen. Dadurch werden Wiederholungen von bereits Gesagtem verhindert 

und die inhaltliche Relevanz über sprachlichen Ausdruck oder Position der sprechenden Person gestellt. 

Ein unsicher vorgetragener Eindruck eines*r Jugendlichen kann für die Gruppe inhaltlich durchaus relevanter 

sein als ein eloquenter, fachsprachlicher Redebeitrag eines*r Intendant*in. 

20 21

Jonas Feller 


Es hat sich als Strategie bewährt, bestehende Gesprächssituationen zu adaptieren und sich dabei zu 

fragen, wo und wie Menschen in ihrem Alltag Gespräche führen bzw. welche Gesprächspraxen so bekannt 

sind, dass Menschen an sie anknüpfen können ohne, dass diese Teil ihres Alltags sein müssen. Das 

Gespräch am Telefon, mit Sitznachbar*innen beim Essen, im Auto mit Mitfahrenden aber auch formalere 

Gesprächssituationen wie in einem Beichtstuhl bieten Material für die Gestaltung von Gesprächsformaten. 

Im pandemischen Alltag mit digitalen Begegnungsformen stellt sich die Frage nach Gesprächsformaten 

neu. Doch auch wenn andere Formate als bei analogen Zusammentreffen nötig sind, ist der oben vorgestellte 

3-Schritt auch im Digitalen eine anwendbare Grundlage für die Gesprächsgestaltung. 

Für alle, die sich weiter mit (Nach-)Gesprächsmethoden befassen möchten und Interesse 

an mehr konkreten Formaten haben: „Zwischen Bühne und Publikum. Vermittlungsformate 

für die freien darstellenden Künste“, Handbuch des Performing Arts Programm 

Berlin, frei verfügbar und downloadbar. 

Jonas Feller 

ist freischaffender Theatermacher, Dramaturg und Kulturvermittler. 

Er erarbeitet partizipative und interdisziplinäre Projekte an den 

Schnittstellen von Theater, Hörspiel-Installation, Gaming und sozialer 

Interaktion. In Theorie und Praxis forscht er an Spielstrukturen und 

Regelsystemen in den Künsten. Er ist Gründungsmitglied der Geheimen 

Dramaturgischen Gesellschaft (GDG), einer Gruppe professioneller 

Gesprächsanstifter*innen. Die GDG arbeitet auf Theaterfestivals und 

Arbeitstreffen, initiiert Gespräche über Aufführungen, Theater im Allgemeinen 

und die Bedingungen und Strukturen für die Produktion und 

Präsentation von (darstellender) Kunst; beobachtet Festivals und ihre 

Strukturen; organisiert und moderiert Diskussionen und Workshops für 

die Nachbereitung von Aufführungen und Nachgesprächsmethoden. 

Sie beobachtet, analysiert und gestaltet Gesprächs- und Festivalarchitekturen. 

www.geheimedramaturgischegesellschaft.de 

22 23


Hybride Erzählungsweisen in den (freien) darstellenden Künsten 

Tell me and I forget. 

Show me and I remember. 

Involve me and I understand. 

Give me a platform and I will contribute. 

Konfuzius, Benjamin Franklin oder Carl Orff 

Der erste Tag beginnt mit einem hybriden Mini-Experiment: Vier Teilnehmer*innen betreten den Seminar 

- Raum. Mehrere Stühle stehen verstreut herum. Auf einem Tisch ein Tablet, darauf ist ein digitaler 

Konferenzraum geöffnet und zu sehen ist das schon so vertraut gewordene Bild: Ein anderer Innenraum 

- dort wartet die Workshop-Leiterin des heutigen Tages, ich. Außerdem liegen auf dem Tisch unterschiedliche 

Materialien bereit: Post-its, Stifte, Augenbinden, Äpfel, Kekse. 

Ich erkläre den Teilnehmer*innen, dass ich heute nicht persönlich da sein kann, um meinen Workshop 

abzuhalten und wir uns leider mit dieser digitalen Lösung behelfen müssen. Dann bitte ich die Teilnehmer*innen 

die Stühle in einen Kreis zu stellen, das Tablet auf einem bestimmten Stuhl zu platzieren, sich 

jeweils einen Block Post-its, einen Stift, eine Augenbinde und einen Apfel oder Keks zu nehmen und 

selbst auf den anderen Stühlen Platz zu nehmen, die Utensilien vor sich griffbereit auf dem Boden. Dann 

bitte ich sie, die Augenbinden aufzusetzen. Wir beginnen mit einer kleinen Entspannungsübung – Konzentration 

auf den Atem, mehrere tiefe Atemzüge, ein-aus-ein-aus. 

Dann bitte ich die Teilnehmer*innen noch einmal den Weg von ihrem Startpunkt an diesem Morgen bis 

zu ihrer Ankunft am Seminarort zu rekapitulieren. Was habe sie wahrgenommen? Ist ihnen irgendetwas 

besonders im Gedächtnis geblieben? Gibt es ein Bild, ein Gefühl oder einen Gedanken zu dieser Erinnerung? 

Ich bitte sie mit immer noch verbundenen Augen den oder die Begriffe auf einen Post-it zu 

schreiben: Die Teilnehmerinnen schreiben ohne zu sehen: erstaunt-beeindruckt, Kopfsteinpflaster unter 

dem Rad, gemütlich-kalt, Stress. 

Ich begleite sie weiter mit meiner Stimme und bitte sie, die gedankliche Reise minutiös fortzusetzen und 

sich möglichst genau an jede Handlung zu erinnern, die sie ausgeführt haben, um an diesen Ort zu gelangen. 

Während der gesamten Zeit des Experiments sitze ich keine 5 Meter von ihnen entfernt in einem angrenzenden 

Büro und bin mit der ebenfalls geöffneten Konferenz App auf meinem Handy mit den Teilnehmerinnen 

im Kontakt. Während sie mit verbundenen Augen gedanklich ihren Weg zum Seminarraum 

rekonstruieren, gebe ich ihnen weiter Anweisungen. Kurz bevor ich die „Reise“ für beendet erkläre und 

sie bitte, ein zweites Mal gedanklich den Seminarraum betreten, komme ich sehr leise herein und setze 

mich auf den Stuhl, auf dem bisher das Tablet gestanden hat. Ich beende das Experiment mit dem Satz: 

„Ihr könnt die Augenbinden jetzt abnehmen“ und wir sehen uns eine Weile an - überrascht und schweigend. 

So endet dieser kurze praktische Exkurs zum Thema des Workshop: Was sind überhaupt hybride 

Erzählweisen und wie können wir sie für die (freien) darstellenden Künste nutzbar machen? Im weiteren 

beschreibe ich einige Teilaspekte dieser Frage, die wir in unserer gemeinsamen Zeit beleuchtet haben. 

Seit Beginn der Pandemie beschäftigt viele Künstlerinnen die Frage, wie wir unserer stark um physische 

Co-Präsenz zentrierten Arbeit neue digitale Dimensionen hinzufügen können, ohne den Kern des künstlerischen 

Ausdrucks zu verlieren. 

Auch für die Mitglieder der Gruppe Meyer&Kowski, deren Teil ich bin, wurde schnell deutlich, dass wir 

unsere sehr immersive Arbeitsweise nicht „mal eben so“ in eine digitale Form überführen können. Viele 

Fragen tauchten auf, die wir noch nicht hinreichend beantworten konnten: Technische, inhaltliche, 

praktische. Also machten wir uns auf die Suche nach Antworten. Durch eine Förderung aus dem Reload-Programm 

der Bundeskulturstiftung bekamen wir die Möglichkeit tiefer in die Materie des digitalen 

Produzieren einzutauchen und die Arbeit von Menschen zu studieren, die sich schon seit langer Zeit mit 

dem für uns neuen Gebiet auseinandergesetzt hatten. So stießen wir u.a. auf Christiane Hütter, Künstlerin 

und Psychologin, die sich mit digitalen worldbuilding-Formaten beschäftigt und dabei einen Schwerpunkt 

auf Interaktivität legt. Sie formulierte im Herbst 2020 in ihrem Aufsatz „Theater der Gegenwart: 

Strategiemaschine am Weltübergang“ ein „Manifest für das Theater der Gegenwart“. Einige Kernpunkte 

daraus möchte ich hier exemplarisch aufgereifen – sie liefern eine Definition des Begriffs „hybrid“, werfen 

Schlaglichter auf das Potential dieser Präsentationsform und bieten Handlungsvorschläge, wie auch 

nach dem Ende der Pandemie und des damit verbundenen Lockdows eine um digitale Dimensionen erweiterte 

Kunst-Produktion aussehen kann und soll. 

„Publikum wird konsequent hybrid (im physischen Raum und remote zugeschaltet) gedacht. Formate und 

Interaktionsformen werden dementsprechend entwickelt.“ 

„Hybride Räume haben das Potenzial, diskriminierungsfrei genutzt zu werden, wenn sie gut designt und 

moderiert sind.“ 

„Eingesetzte Technologien orientieren sich an dem, was für welches Publikum gebraucht wird. Dabei 

geht es vor allen Dingen darum, technologische Hürden niedrig zu halten. Hier nimmt sich das Theater 

24 25


Hybride Erzählungsweisen in den (freien) darstellenden Künsten 

der Gegenwart Zeit, Alternativen auszuprobieren und die beste auszuwählen oder aber in Neuentwicklung 

zu gehen. Benutzer*innenfreundlichkeit und «user centered design» ist die oberste Prämisse.“ 

Aber was genau sind hybride Formate konkret? Welche Beispiele aus der Praxis kennen wir? Welche Erfahrungen 

haben wir als Produzierende und Rezipierende mit digitaler Produktion bisher gemacht? Welche 

unter Pandemie-Bedingungen entstandene angepasste Formate der physischer Co-Präsenz, erfüllen 

im weitesten Sinne den Tatbestand des „hybriden“? 

EINE UNVOLLSTÄNDIGE LISTE HYBRIDER PRÄSENTATIONSFORMATE 

• AUDIOFÜHRUNGEN MIT SZENEN IM ÖFFENTLICHEN RAUM 

• SHOPWINDOWS ZU KUNSTFLÄCHEN/LIVE GESTREAMT MIT CHATS 

• ANALOGER/WERBEFLÄCHEN ZU KUNSTFLÄCHEN: U-BAHNSCREENS FÜR VIDEO ART 

• ZOOM/JITSI-TOUREN DURCH ATELIERS UND PROJEKTRÄUME 

• AVATAR-FÜHRUNGEN DURCH REALE KUNSTRÄUME 

• TELEFON HOTLINE 

• INSTAGRAM-AUDIENCE STORIES 

• TELEGRAM-GAMES 

• DIGITALE SCHNITZELJAGD/GEO CHACHING 

TO BE CONTINUED….. 

Natürlich gehen die Überlegungen noch viel weiter und ich möchte zum vertiefenden Verständnis hier 

auf die Publikation „Netztheater Positionen, Praxis, Produktionen“ der Heinrich Böll Stiftung verweisen, 

die hier kostenlos herunter zu laden ist. 


machte zunächst eine Schauspielausbildung und arbeitete an verschiedenen 

Theatern, bevor sie 1999 in Hamburg ein Studium der Theaterregie 

aufnahm. Seit 2003 arbeitet sie als freie Regisseurin und Dramaturgin 

unter anderem in Zürich, Berlin und Hamburg und erfand 2008 

gemeinsam mit Marc von Henning das Label Meyer&Kowski, unter dem 

sie seither regelmäßig freie Produktionen in Hamburg und bundesweit 

realisiert. Sie arbeitet aber auch in anderen Konstellationen mit, zuletzt 

von Januar 2020 bis März als Dramaturgin bei der Produktion „Die 

Stadt bin ich“ für das inklusive Theaterensemble MEINE DAMEN UND 

HERREN auf Kampnagel in Hamburg. Sie war bis Ende 2017 erste Vorsitzende 

des Dachverbands freie darstellende Künste Hamburg und bis 

Mitte 2018 Mitglied des Vorstands des BFDK sowie des Theaterbeirats 

für Projektförderung des Niedersächsischen Ministeriums für Wissenschaft 

und Kultur. Außerdem war sie Mentorin im Flausen+ Programm 

und unterrichtet regelmäßig am Studiengang Regie der Hochschule für 

Musik und Theater in Hamburg. 

26 27

Jasmine Fan 

Eine Filmsprache für Tanz und Theater im Livestream 

Diese Überlegungen sollen dazu dienen, über das Entwicklungspotenzial des Mediums 

Livestream nachzudenken, das ich gerne zwischen Bühne und Film ansiedeln möchte. 

Was ist der Unterschied zwischen Tanz im Film und Tanz im Theater? Zunächst das Verhältnis von Zuschauenden, 

Darstellenden und dargestellter Realität. Dieser Unterschied hängt mit den räumlichen 

Dimensionen zusammen, die diese beiden Medien nutzen. Die Filmkunst spielt auf der zweidimensionalen 

Leinwand, während das Theater den dreidimensionalen realen Raum braucht. Durch die physische 

Anwesenheit der Darstellenden entsteht eine unmittelbare Beziehung der Zuschauer*innen zur Aura 

der Performance, die momentabhängig ist und bei jeder Aufführung anders ausfällt. Die Dynamik dieser 

Beziehung zwischen Darsteller*innen und Zuschauer*innen spielt eine zentrale Rolle in der Livesituation 

und beeinflusst das Ergebnis einer Aufführung. Ob die Zuschauer gelangweilt sind oder die Energie der 

Darsteller*innen auf sie überspringt, entscheidet wesentlich darüber, ob eine Aufführung gelingt oder 

nicht. Dazu wird sie auch jedes Mal anders ausfallen. 

Dieser lebendige Kontakt von Zuschauer*innen und Darsteller*innen und den direkten unmittelbaren 

Energieaustausch gibt es im Kino nicht. Die Filmkunst, die sich seit 1888 entwickelt hat, funktioniert anders. 

Real spielt sie auf der zweidimensionalen Fläche der Leinwand, man könnte aber sagen, dass ein 

Film mehrdimensional erlebt wird. Und paradoxerweise empfinden wir die technisch vermittelte Realität 

des Films unmittelbarer als die unmittelbare Anwesenheit einer Handlung auf dem Theater. 

Diese Unmittelbarkeit hängt damit zusammen, dass der Film unseren Blick führt oder ihn uns sogar vorgibt. 

Dies geschieht durch die Kamera, wir erleben das Filmgeschehen mit dem Auge der Kamera, das 

diverse Transformationsprozesse mit sich führt. Zwei Elemente prägen das „Sehen“ der Kamera: der 

Ausschnitt oder die Perspektive und die Bewegung oder die Zeit, ein zentrales Element der Filmkunst. 

Tarkowskij schreibt dazu: „In einem bestimmten Sinne könnte man sie (die Filmkunst) als ein Modellieren 

der Zeit bezeichnen.“ 

In Bezug auf die Wirkung der Aufnahmeperspektive möchte ich an die erste Filmvorführung im 19. Jh. 

erinnern. An den Film von Auguste Lumière, „Die Ankunft des Zuges“. Er dauerte nur 30 Sekunden und 

zeigte die in der Sonne glänzenden Schienen und einen aus der Tiefe herannahenden Zug, direkt auf die 

Kamera zufahrend. Je näher der Zug kam, desto mehr Panik verbreitete sich unter den noch unerfahrenen 

Zuschauer*innen, bis sie aus dem Saal stürmten. Hätte Lumière eine andere Perspektive als die 

Frontansicht gewählt, wäre vermutlich keine Panik entstanden. 

Zur Analyse der Wirkungsweise unterschiedlicher Perspektiven und deren Auswirkung auf unsere Gefühle 

hatte ich am 04.12.2020 mit einigen Kolleg*innen ein Experiment durchgeführt. 

Wir waren fünf Personen und jeder bekam nach einem Zufallsprinzip eine Aufgabe zugeteilt, wie er*sie 

die anderen Personen beobachten sollte. Manchmal standen alle bis auf eine Person, die auf dem 

Boden lag, manchmal lagen alle auf dem Boden, bis auf eine Person in aufrechter Position. So haben 

wir verschiedene Varianten durchgespielt und jedes Mal sollte jeder seine*ihne Gefühle bei den unterschiedlichen 

Positionen auf einem Zettel notieren und an seinen*ihre Nachbar*in weiterreichen. Waren 

die Gefühle ähnlich, sollten die Arme gehoben werden, im anderen Fall gesenkt werden oder waagerecht 

gehalten werden. 

Am Ende gab es fast mehr als 75 % Übereinstimmung, wie man sich in der jeweiligen Postion fühlte. Das 

heißt, die Position, von der aus man beobachtet, beeinflusst unsere Gefühle und damit die Information, 

die wir bekommen. Auch in der Filmsprache baut die Kamera unterschiedliche Stimmungen auf durch die 

Wahl der Perspektive oder des Blickwinkels. 

EINIGE BEISPIELE 

Informationsquelle: www.youtube.com/watch?v=IiyBo-qLDeM&t=1515s 

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Jasmine Fan 

Eine Filmsprache für Tanz und Theater im Livestream 

Mit einem weiteren Experiment hatten wir im Rahmen eines Spiels die manipulativen Möglichkeiten der 

Kamera in einem Livestream untersucht. 

Mitwirkende waren: Ron Zimmering, Susanne Reifenrath, Joel Vuik und Jonas Feller. 

Video : IMG_0331 

ZUSAMMENFASSUNG 

Seit der Coronapandemie nutzen viele Theater und Künstler*innen die digitalen Medien als Plattform, 

zunächst als Ausweichmöglichkeit, dann zunehmend als eigenständige Form innerhalb ihrer Arbeit. Aus 

meiner Beobachtung heraus stellt sich in der aktuellen Situation die Frage nach den neuen Produktionsbedingungen 

und der neuen Rolle der Zuschauenden. Dann stellt sich die Frage, ob sich in diesem 

Übertragungsprozess vom Livegeschehen in einen Livestream Walter Benjamins Untersuchungen in Bezug 

auf den Begriff des Originals in der bildenden Kunst auch auf die digitale „Abbildung“ einer Tanzperformance 

anwenden lassen. Bleibt bei einem Livestream die Bühnenfassung erhalten oder geht etwas 

Wesentliches verloren? Oder kann vielleicht der Livestream ein neues eigenständiges Format entwickeln, 

in dem die Kameraperspektive als zentrales Mittel eingesetzt wird, um eine neue oder erweiterte Geschichte 

zu erzählen und so auch eine neue Sprache in der Livestream-Welt entstehen kann, jenseits 

des einfachen Dokumentierens eines Bühnengeschehens? 

Video : IMG_0332 

Jasmine Fan 

geboren in Taiwan, absolvierte den Bachelor in Tanz und Film an der 

Nationalen Kunstuniversität Taiwan. 2012 zog es sie für ihren Master- 

Studiengang nach Hamburg an die HFBK. Sie schloss ihr Studium 2017 

mit dem Tanzfilm „A Walk in Mermaid’s Shoes“ ab. Seit 2019/20 wird 

ihre Arbeit von der Claussen-Simon-Stiftung gefördert. 

Jasmine Fan ist die Gründerin und Kuratorin des TANZAHOi-Festivals, 

das in Kooperation mit Hochschulsport Hamburg jährlich Workshops und 

Austauschmöglichkeiten für internationale Tänzer und Choreographen 

anbietet. Ihr Tanzstück „OHNEZWEI“ wurde 2019 im Hamburger LICHT- 

HOF Theater, beim Alps Move Festival in Südtirol und Vierundeinzig in 

Innsbruck aufgeführt. 2020 hat Fan in Dittmern Strand ihr Forschungsprojekt 

„Zero of Order“ realisiert und mit den Einwohnern des Dorfs 

geteilt. Das Projekt wurde im Rahmen des „GLOBAL VILLAGE VENTURES“ 

Programms vom Fonds Darstellende Künste e.V. gefördert. 

Ihr aktuelles Tanzstück „Mudra“, behandelt die Rolle von Handgesten 

im Tanz bis zu den HongKong Protesten. Es wird im LICHTHOF Theater 

gezeigt. 

30 31

uppe II 

Heike Bröckerhoff 

Ruby Behrmann 

Patricia Carolin Mai 

Anja Zihlmann 

32 33


Dramaturgisches Feedback - kollektive Feedback-Methoden 

ERFAHRUNGEN MIT FEEDBACK (Austausch) 

Bereits benutzte Methoden: DasARTS Methode, 5 Finger Methode, Carmen-Thomas-Fenster 

Themen: 

» Vertrauen, intimes Setting, Spaß 

» kritisches Feedback, das Unangenehmes auslöst (das angenehm Unangenehme) 

» sich Zeit nehmen 

» Bewertung vs. Support 

» beim Bühnenbild oft funktional, technisch - wird es benutzt? als Kriterium 

» vor dem Feedback fragen: Was brauchst du? 

» Kritikgespräche vs. Dramaturgie-Stammtisch 

SINN UND NUTZEN VON FEEDBACK 

» soll der Künstler*in helfen, sich / ihre Arbeit weiterzuentwickeln 

» Feedback hilft zu artikulieren „was da ist“, „was fehlt oder nicht da 

ist“, „was da sein könnte“ 

» verschiedene Methoden, je nachdem vom wem und wofür man es 

braucht... 

» Übersetzungsprozess, in Gang gesetzt durch sinnliche und sensorische 

Erfahrung 

» Feedback ist eine Provokation oder eine Art der Bestätigung, aber es 

kann auch zu Standardisierung, (Selbst-)Optimierung und Kommodifizierung 

der künstlerischen Arbeit führen 

Notizen 

Intro: es gibt diverse Formen 

von Feedback, also Reaktionen 

auf das, was wir sehen 

und erleben als Öffentlichkeit 

oder Afterlife von Performances 

Dramaturgin als ambivalente 

Position oft mit Feedback - 

Geberin gleichgesetzt 

> Feedback ist für mich eher 

ein Prozess, etwas, das nicht 

eine Person macht, sondern 

das zwischen allen Beteiligten 

eines künstlerischen 

Prozesses stattfindet 

vlt.: Verantwortung, Situationen 

dafür zu schaffen... diese 

Kommunikation lebendig 

zu halten und zu gestalten 

Criticism is directed at the 

past and sets definitions, categories 

and judgements. 

Productive feedback 

proposes viewpoints and is 

future oriented, opening up 

possibilities for development. 

(Georg Weinand) 

» entscheiden, von wem möchte ich Feedback: eine Person, die meine 

Arbeit kennt und eine Person als Outside Eye, die nichts weiß 

» mindestens zwei Personen, die Feedback geben, um Geschmack auszubügeln 

(aber keine zu große Runde) 

» das Setting und den Körper vorbereiten, was essen oder trinken 

» kurze Pause nach der Präsentation, wenn man von der Bühne kommt, 

selbst auf der Bühne ist 

» Moderator*in/Facilitator, nicht direkt angesprochen werden durch das 

Feedback, Time- und Gate-Keeper 

» nach Möglichkeit jemand, die*der dokumentiert, mitschreibt, aufnimmt 

(und selbst notieren) 

» also auch: Notizblock, Aufnahmegerät, Batterien fürs Aufnahmegerät 

» „laid back“ Haltung 

» (wie) zuhören: auf welche Kommunikationsebenen kann ich achten? 

Inhalt, emotionaler Zustand, innere Bewegtheit, Gestik der Feedback 

Geber*innen 

» „ihr müsst eure Arbeit nicht verteidigen“ 

» nehmt es nicht persönlich 

» selektieren 

» bin ich gerade bereit für Feedback? von wem möchte ich Feedback? 

Was sind meine Fragen? 

» und Unsicherheiten? 

» Funktion für die eigene Arbeit 

» (Selbst)bewusstsein, Standing: ich weiß, wo ich stehe und was ich gerade 

brauche + ich weiß, was ich noch nicht weiß... 

» wie verdaue ich das Feedback: mit wem bespreche ich es, wie dokumentiere 

ich?, Notizen abgleichen, Wie filtere ich? 

Notizen 

Wie können Feedbackmethoden 

die Kommunikation 

im Team unterstützen? 

Kann Feedback als kollektiver 

Prozess Formen von Gemeinschaft 

herstellen? 

WAS BRAUCHT IHR, UM FEEDBACK ANZUNEHMEN? 

» Offenheit, die eigene Arbeit zu verändern 

» ein Rahmen: bevor jemand kommt, persönliche Ordnung, wissen wozu 

man Feedback will 

» Zeit für Gespräche, nicht nur zwischen Tür und Angel 

» ein Teil der Arbeit muss schon da sein, einige Entscheidungen müssen 

schon getroffen sein, die können getestet werden 

» Vertrauen 

» vorbereitet zu sein, aber angstfrei, unfertiges zu zeigen 

» in der Arbeit mit Amateur:innen, wie bereitet man die Menschen auf 

das Feedback vor? 

ÜBUNGEN 

> Elevator speech: 1 min 

Was zeichnet dich als Künstlerin aus? 

Wie beschreibst du deine künstlerische Position? 

Was ist dein künstlerisches Credo / Leitsatz? 

> Künstlerische Biographie: 3min 

Was waren die markanten, entscheidenden Momente deiner künstlerischen 

Entwicklung? 

>>>>> Selbst-Marketing Strategien, 

die hier eingesetzt eher 

dazu nutzen können, sich 

selbst bewusst zu machen: 

wo stehe ich, wo will ich hin 

< siehe Standing, Selbstbewusstsein 

Präsentation der eigenen 

Arbeitsweise und Parcours ist 

Teil von einigen Feedbackmethoden, 

um die gezeigte 

Arbeit zu kontextualisieren 

34 35



WAS BRAUCHT ES UM FEEDBACK ZU GEBEN? 

» Ist mein Feedback gewünscht? Ist eine entspannte, vertrauensvolle 

Atmosphäre da? 

» Was ist gerade meine Motivation, (auf diese Art und Weise) zu feedbacken? 

» Selbstkritik, was ist meine Position und aus welcher Perspektive gebe 

ich Feedback? Bin ich mit dem (politischen, ästhetischen, ...) Fundament 

der künstlerischen Arbeit einverstanden? 

» Wie gebe ich Feedback: Verstärkend oder kritisch ? Beobachtend oder 

deutend ? 

» auf keinen Fall persönlich werden 

Notizen 

METHODEN / FORMATE FÜR KOLLEKTIVES FEEDBACK 

CHAIN REACTION (von Emma Tricard): 

Jede Person muss ein Element (eine Idee, einen Satz, ein Wort) aus dem 

vorhergegangenen Feedback übernehmen und weiterführen. 

> basiert auf Beschreibungen 

FIRST REACTION (Nik Haffner, Boyan Manchev) ca. 10 min 

1. die Zuschauer*innen haben eine Minute, um Wörter aufzuschreiben, die 

sie mit der Arbeit verbinden 

Notizen 

> Feedbackmethode für 

Workshop Modellbau 

> man kommt in einen gemeinsamen 

Reflektionsprozess, 

triggert sich gegenseitig, 

hat aber die Möglichkeit 

sich zu den Perspektiven der 

anderen zu positionieren 

> man muss zuhören bevor 

man das eigene Feedback 

formuliert 

» klar markieren: ich fühle, sehe, denke, höre... 

» auf die Fragen der Künstler:in eingehen 

» Sandwich: Positiv - Kritisch - Positiv 

» „was funktioniert/what works...“ muss mindestens erklärt werden und 

setzt voraus, dass es ein geteiltes Verständnis gibt wofür etwas (eine 

Szene, ein Text, Bewegungsfolge) funktioniert 

» Vorschläge machen: Wenn du ... willst, dann .... oder .... oder .... 

» gemeinsam spekulieren: wie kann die Arbeit verstanden werden? 

2. die Worte werden vorgelesen 

3. jede Zuschauer*in kann nachfragen, wenn Wörter nicht verstanden 

wurden, weiterer Erklärung bedürfen, sie nicht übereinstimmen 

4. Die Künstler*in kann selbst nachfragen 

TITLE GAME ca. 6 - 8 min 

Reihum nennt jede beteiligte Person einen Titel für die Arbeit. 

> die Künstler:in bekommt 

ein gutes Gefühl für die 

Wirkung ihrer Arbeit, Attribute, 

die sich häufen, mögliche 

Interpretationen 

» Check: Ist das wirklich wahr, was ich da gerade sagen will? 

FRAMING 

Die Situation entscheidet darüber, was gesagt und was gehört wird. Versuch 

eine Situation herzustellen, in der es nicht um persönliche Beziehungen, 

Meinungen, Machtstrukturen, einfach nur Kritik, Konkurrenz oder 

Höflichkeit geht. 

STRATEGIEN 

» Rollentausch kann helfen, Kunst von Macher*in zu trennen 

» die Künstler:in hält sich raus, hört nur zu 

» Diese Fragen können helfen, um dem Feedback einen Fokus zu geben: 

Was bewegt dich dazu, diese Arbeit zu machen? Wo stehst Du in Bezug 

zu dieser Motivation? Was soll das Publikum erleben, was wünscht du 

dir da? Was könnten nicht-beabsichtigte Konsequenzen deiner Arbeit 

sein? Was sind deine kompositorischen Prinzipien, Methoden? Wo stehst 

du gerade in deinem Prozess? Welche Frage/n begleitet/n dich durch 

den Prozess? Welche Antworten auf diese Fragen gibt es schon? Was 

wurde schon gedacht/bearbeitet? Was muss weitergedacht oder reformuliert 

werden? 

Viele der Methoden vermeiden 

Diskussionen: 

Ist das wünschenswert? 

Wie bereite ich mich und 

die Person/en die Feedback 

geben vor? 

Welche Feedbackmethode 

wähle ich aus? Wie und wonach 

wähle ich die geeignete 

Feedbackmethoden für 

ein Setting aus? (Rahmung: 

in einem künstlerischen 

Prozess - mit dem Team, mit 

diversen Zuschauer*innen, 

in einem Publikumsgespräch, 

im Vermittlungsbereich - mit 

Kindern - Jugendlichen - jungen 

Erwachsenen) 

Everybody’s Toolbox: IMPERSONATION GAME ca. 30 - 45 min 

Why? The objective of this game is to expand the understanding of your 

own work through listening to other people speaking about it from the 

position of having made it themselves (they are impersonating you). They 

defend, explain, care for and question what the work in focus is about. 

When played as an aftertalk, the game also functions as an encounter 

between audience members; they can confront their own perception of 

the work with that of other spectators, rather than verifying their perception 

with the intentions of the author. 

The author functions as a facilitator as well as enjoying constructive 

feedback. 

How? You show a work to the people you would like to impersonate you 

(people you would like to expand notions of your work). 

You can show it live or on video, but it should be a presentation of the 

work itself. After the showing you set up an after talk where you, the person 

who made the work is the interviewer, interviewing at least 3 persons 

who try to impersonate you. 

http://everybodystoolbox.net/index. 

php?title=IMPERSONA- 

TION_GAME 

> eher spielerisch, Versuch, 

gemeinsam die Essenz der 

Arbeit herauszuschälen 

> Ruby bereitet Fragen zu 

ihrem Konzept für eine 

Festival vor, die sie uns im 

Anschluss stellt. 

Wir verkörpern das Performance 

Kollektiv 

Studio Studio in der Vorbereitung 

auf das Festival 

> generiert Ideen, sehr 

produktiv, man bemerkt, 

was man schon weiß und 

was nicht, welche Infos aus 

dem Konzept hervorgehen, 

welche nicht, 

„was da ist, was fehlt, was 

noch kommen kann“ 

> gemeinsam spekulieren 

36 37



MAPPING 

After watching the performance the audience is invited to enter into 

a silent drawing practice in response to the work they have seen. The 

drawings are then all displayed and then a tour of the arranged drawings 

is initiated. The audience discusses what they see and simultaneously 

shares their initial intentions of the drawing itself. In addition the artists 

were present and had the possibility to ask the audience questions for 

further clarifications. 

Share an existing image that relates to work 

Give descriptive feedback, “I saw...” // i remember... + repeat a movement 

or word from the presentation 

Emotions: Something in me felt like... 

Taking notes and embody the presentation/dance/scene 

CARMEN-THOMAS-FENSTER 

Man zeichnet ein Quadrat mit 4 Feldern auf. (Positiv, Negativ, Beobachtungen, 

Fragen) 

In den ersten beiden Felder beschreibt man, was man gesehen, gefühlt 

und erlebt hat ohne Wertung. In den letzten beiden Feldern kann man 

durch die Art der Fragen und der Beobachtung die Beschreibungen in 

den ersten beiden Feldern etwas persönlicher färben. Wichtig ist, dass in 

jedem Fenster gleich viele Punkte stehen sollen. 

FÜNF-FINGER-METHODE 

https://www.lmz-bw.de/medien-und-bildung/medienwissen/medienbildung/definitionen-von-medienkompetenz-und-methoden/methoden/ 

feedback-hand/ 

Daumen: Das war super. 

Zeigefinger: Das könnte man besser machen. 

Mittelfinger: Das hat mir nicht gefallen./Das war zentral. 

Ringfinger: Das nehme ich mit. 

Kleiner Finger: Das kam zu kurz. 

4-SCHRITTE IN DER KOMMUNIKATION NACH ROSENBERG 

Ein „einfacher“ Vierschritt für eine kooperative Kommunikation: 

A. Was ich (bezogen auf das Thema bzw. die Situation XY) beobachtet 

habe... 

B. Welche Wirkung dies auf mich hatte. 

Notizen 

> Was sind nicht-diskursive 

Formen von Feedback? 

> Feedback 

durch das Publikum? 

> Wie kann Feedback selbst 

künstlerisches Material produzieren? 

> körperliche Reaktionen als 

Feedback? 

> Brauchen wir unsere 

Emotionen beim Feedback 

geben? 

Wie können wir sie als solche 

markieren? 

> für Künstler:innen, desselben 

Metiers 

In welchem zeitlichen Abstand 

können Feedbackmethoden 

eingesetzt werden? 

„Meine Frage an die Feedbackmethoden 

ist, inwiefern 

dadurch zum Teil ein freier, 

gemeinsamer künstlerischer 

Austausch eingeschränkt 

wird, in dem man sich gegenseitig 

befruchtet. Es entsteht 

zwar schneller Output für 

die Person, die Feedback 

bekommt, jedoch genieße ich 

z.B. auch manchmal, dass 

aus zeitintensiven Runden 

neue Themen und Fragen 

hervorgehen, die in so einem 

strukturierten Format so 

nicht aufgetaucht wären. 

Kurzum: Inwiefern engen die 

Methoden ein oder schaffen 

grade durch die Struktur eine 

Freiheit?“ 

> Welche Feedbackmethoden 

eignen sich für Team- 

Prozesse (Kommunikations-, 

Strukturprozesse) ? 

C. Welche Bedürfnisse ich bezogen auf die Situation XY habe... 

D. Welchen konkreten Wunsch ich an mein Gegenüber habe... 

DAS ARTS FEEDBACK METHODE 

Presentation/Work-in-Progress/Performance 

Audience Venting in pairs (the person receiving is not there) 

1) The presenter’s question 

2) Affirmative feedback: what works for me is... 

no compliments, no judgement, no likes/dislikes 

plus one 

3) Perspective Feedback 

As ... (a dramaturge, an audience member, a feminist, a stage designer, 

a critic, an activist, a curator, as a dog...) I need.... 

4) Open Questions 

feedbackers pose questions which cannot be answered with a „yes“ 

or a „no“. 

the presenter doesn‘t answer these questions 

+ Open Discussion about one of the questions 

5) Concept Reflection 

on small post-it papers, feedbackers write some concepts which for 

them relate to the presentation 

the presenter hangs these on an A3 sheet of paper, closer by or fur - 

ther away from the word ‚work‘. hereby s*he demonstrates the hierarchy 

of importance: which concepts, according to his own view, relate 

to the piece, which don‘t? 

The maker/facilitator chooses a concept and starts speaking about 

the work including this word (on the post-it), keep repeating „....“ 

(concept) is involved in my work because..... + the author of the concept 

provides hints, not answers - first one that is close, then medium 

distance, then furthest away 

6) Gossip* 

artist sitting with her back to the feedbackers, they speak of them in 

the third person, feedbackers freely gossip about the presentation, 

artist can take notes 

7) Tips: 

References, technical tools, practical tricks, related work 

8) Personal letter: 

write a letter in silence, personal or emotional associations, confidential 

communication, artists read the letters later 

Notizen 

> für den Ausbildungskontext 

entwickelt, gemeinsam mit 

Karim Bennamar: 

https://www.karimbenammar.com/en/ 

> was funktioniert wird viel 

zu oft, relativ gedankenlos, 

eingesetzt, um Gespräche 

abzukürzen, funktioniert 

aber nur, wenn wirklich alle 

wissen in welchen Kontext/ 

Rahmen/System etwas funktioniert 

> innerhalb dieser Methode 

kommt es dann zu Aussagen 

wie „für mich funktioniert 

das Kostüm“ (aber warum 

genau und was daran fehlt 

an Informationen) 

vielleicht ist es also doch 

nur eine Art Ersatz für „ich 

mag...“ 

Wie könnten Feedbackmethoden 

helfen die oft 

knappe Zeit für Rückmeldungen 

zu strukturieren und 

zielgerichtet zu nutzen? 

> der Titel *Gossip ist etwas 

unglücklich und birgt die 

Gefahr, dass nun alle drauflos 

tratschen. Nutzt man 

es allerdings als eher freie 

Sprechform, in der Feedback 

formloser, informeller 

und ausführlicher gegeben 

werden kann, kann es sehr 

produktiv sein und auch zu 

Momenten von Austausch 

und Diskussion führen 

38 39



Ausführliche Beschreibung und Film über die Methode: 

Notizen 

https://www.atd.ahk.nl/en/ 

theatre-programmes/dastheatre/feedback-method/ 

LABORATORY ON FEEDBACK in Rahmen von Lifelong Burning, Uferstudios 

Berlin 

Teil 1: https://issuu.com/hztberlin/docs/feedback_lab_report_berlin_ 

jan_2014 

Teil 2: https://www.uferstudios.com/assets/Uploads/Feedback-LAB-documentation-onlineVersion.pdf 

Teil 3: https://issuu.com/hztberlin/docs/feedback3_all 

Text: THREE TYRANNIES OF FEEDBACK, Diego Agulló 

„Feedback is everywhere. In a feedback culture, feedback is important 

not only in order to become more efficient and fulfilled at work but also 

to understand the impact that this work produces in others. Feedback 

belongs to the logic of exchange (feeding back is paying back), the 

economy of feedback expects something in return. Feedback is good 

for business, it is supposedly a technique for improving and fostering the 

growth of teams and companies. Audiences must engage as much as workers 

do and their performance has been industrialised to such an extent 

that love, passion and dedication are now talked about in terms of hard 

work. Everybody is engaged in feedback culture.“ 

> Hintergründe, weitere Fragen 

und Methoden 

The Tyranny of Positive Feedback 

The Tyranny of Immediate 

Response 

The Tyranny of Discourse 

in: http://www.lifelongburning.eu/fileadmin/files/ 

feedbacklab3_responses.pdf 


arbeitet als Tanzdramaturgin, Autorin und Radiomacherin in Deutschland und 

Frankreich. In ihrer künstlerischen Arbeit verbindet sie dokumentarische Ansätze 

mit Fiktion, Interviewtechniken und Theorie. Gemeinsam mit Juliana Oliveira produziert 

sie die monatliche Radiosendung – PLATEAU im FSK mit Diskursprogramm 

über die freien darstellenden Künste in Hamburg. 

40 41

Ruby Behrmann 

Beerdigungsrituale 

Ruby Behrmann befindet sich derzeit am Anfang einer Recherche zum Thema Beerdigungsrituale 

und der Finanzierung dieser Rituale. Im Mai 2021 soll in Zusammenarbeit 

mit einer Bestatterin in Köln eine interaktive Performance entstehen. Im Januar 2021 

beginnt die intensive Recherche, in der Ruby Behrmann und ihr Team verschiedene Bestattungsinstitute 

besucht, Interviews mit alten Menschen, aber auch z.B. Altenpfleger*innen, 

u. Baumbestatter*innen, Pfarrer*innen,Trauerredner*innen und Sargbauer*innen 

führt. Sie sammelt interessante Geschichten, Anekdoten und Statistiken, um diese 

in ihrem folgenden Stück künstlerisch zu transformieren. 

Der Workshop innerhalb der Peer to Peer Academy diente dazu mit anderen Künstlerinnen 

über das Thema in ein Gespräch zu kommen und unterschiedliche Formate auszuprobieren. 

WAS KENNEN WIR FÜR FORMEN VON BESTATTUNG? 

- Friedhofbestattung 

- Urne od. Sarg 

- Seebestattung 

- Friedwald 

- Luftbestattung ( Asche wird aus einem Flugzeug verteilt) 

- Mausoleum 

- Hinduistische Bestattung in Indien in dem heiligen Fluss Ganges 

- in Israel gibt es seit 1996 mehrstöckige „Grabhäuser“, die wie Parkhäuser aussehen 

PERSÖNLICHE ERINNERUNGEN UND GEDANKEN ZUM THEMA 

- ein verregneter Tag im April: als der Sarg in das Grab sank, kam die Sonne heraus 

- Sterbende ordnen an, wer zur Beerdigung kommen darf 

- was hat es für Auswirkungen, wenn der Verstorbene Atheist war, die Bestattung jedoch christlich stattfindet? 

- schöner Friedhof, schönes Wetter, viele Kerzen, viele Sonnenblumen, ein riesiger stiller Chor 

- wann ist Trauer legitim? Wann darf man weinen? Wer darf trauern? 

- Schweigen als Teil von Trauer und Beerdigung 

- was sagt man als Angehöriger, wenn man eine Rede hält? 

- was ist das Gemeinsame an Beerdigung? Der Leichenschmaus mit süßem Kuchen als Erlösung und der 

letzte zukunftsweisende Teil der Beerdigung 

- was passiert wenn Rituale durchbrochen werden? 

AUFGABE 

Wie stelle ich mir meine eigene Beerdigung vor? Gedankenexperiment: Am Tag eurer Beerdigung wird 

eine Video abgespielt, in dem ihr zu den Trauernden sprecht - was würdet ihr sagen? 

WAS KENNEN WIR FÜR EINZELNE BAUSTEINE EINER BESTATTUNG? 

- vorab: Traueranzeige/Trauerkarte (meistens in schwarz-weiß) 

- bestimmter Kleidungskodex bei der Beerdigung 

- Kränze mit Abschiedsgruß auf Schleifenband 

- Trauerrede 

- gemeinschaftlich singen oder Musik hören 

- 4 Sargträger (Männer) tragen den Sarg zum Grab, hinter ihnen der Trauerzug 

- einzeln an das Grab herantreten und Erde und oder Blumen ins Grab werfen als letzte Geste des Abschieds 

- Beileidsbekundung: Händegruß „mein Beileid“ an die Familie 

- Leichenschmaus 

- in Russland werden Fotos mit dem aufgebahrten Verstorbenen gemacht als Erinnerung oder für Angehörige 

und Freunde, die nicht zur Beerdigung kommen konnten 

https://www.youtube.com/ 

watch?v=vmV9BQjhGhg 

42 43

Ruby Behrmann 


Liebe Freundinnen, liebe Freunde, liebe Familie, 

ich bin’s..., der Anlass, aus dem ihr hier seid. Eigentlich stehe ich nicht so gern im Mittelpunkt, aber so ist 

das jetzt nun mal, damit müssen wir leben. Also ihr müsst damit leben, ich ja nicht mehr. 

Oh Gott, so schnell geht das mit dem Galgenhumor. Tut mir Leid. Mich beruhigt gerade sehr, dass ihr 

jetzt zusammen seid. Jetzt, wenn ihr das hört, dieses Jetzt ist nicht mehr meine Zeitlichkeit. Und trotzdem 

ist meine Stimme jetzt bei Euch. Und in meinem Jetzt, wenn ich zu Euch spreche, seid ihr bei mir. 

Und wenn auch nur in dieser Asynchronität, in der ich für Euch spreche und ihr mich hört, sind wir - jetzt 

- zusammen. 

Früher dachte ich, der schönste Abschied wäre es, an einem nebligen Tag aufs Meer hinauszuwaten und 

nach und nach zu verschwinden. Loszuziehen von diesem Ort aus, an dem ich immer glücklich war. Also 

stellt Euch einfach vor, ich stehe mit den Füßen im Wasser, lächle Euch an. Ihr winkt mir zu. Wir schauen 

uns noch einmal in die Augen. Dann drehe ich mich um und gehe langsam los, in Richtung Horizont. 

Danke, dass Ihr Teil meines Lebens ward. Und wenn Ihr mich braucht, werdet Ihr mich finden. 

Ich werde da sein. Immer. 

Liebe Familie, liebe Freundinnen und Freunde und liebe alle, die mich sonst so kannten und heute hier 

versammelt sind. 

Schön, dass ihr zu meiner Beerdigung gekommen seid. 

Ich habe jetzt 100 schöne Jahre auf diesem Planeten verbracht und da war es wirklich an der Zeit 

diese Welt zu verlassen. Mein Leben war voller inspirierender Momente und ich kann mit Freude zurückblicken 

und sagen: „Ja, es war ein gutes Leben“. Ich habe alles erreicht, was ich mir gewünscht habe. 

Z.B. gründete ich zusammen mit einer Kollegin ein Theaterhaus, welches heute berühmt für den solidarischen 

Austausch unter Künstler*innen ist. Ich bin so froh, dass ich miterleben durfte, wie die Klimakrise 

gestoppt werden konnte und wir alle gemeinsam fürsorglicher mit der Erde umgehen. 

Liebe alle: Ich weiß es ist traurig heute hier zu sein. Aber ich bin wirklich sehr alt geworden und hatte 

einfach keine Lust mehr zu leben. 

Liebe Familie und Freunde: Ihr seid die besten. Danke, dass ihr mich auf meinem Weg begleitet und 

durch eure Ideen und Fürsorge mein Leben bereichert habt. Ich hab euch lieb. 

Bevor ich euch raus zu meinem Grab entlasse, möchte ich mich noch mal ganz herzlich bei allen bedanken, 

dass ihr hier mit mir zusammen seid. So wie ihr mich kennt, habe ich mich natürlich um den 

Leichenschmaus gekümmert. Ihr dürft euch freuen! 

Macht es gut. 

Alles Liebe, 

x 

AUFGABE 

Jede bringt einen Gegenstand mit, der ihr etwas bedeutet. Nacheinander wird der jeweilige Gegenstand 

vorgestellt. Reihum sucht sich jede einen Gegenstand plus Geschichte aus und inszeniert dazu ein Ritual, 

indem das Objekt geehrt wird. Im Anschluss gibt es eine Reflexionsrunde. 

Patricia: So ganz generell ist mir aufgefallen, was die Einführung alleine ausmacht. Die sprachliche Einführung. 

Welche Information bekomme ich, bevor ich in einen Raum hineingehe, und wie werde ich 

eingeleitet. Also wie werde ich eingeführt in dieses Ritual und alles was gesagt wird bekommt eine 

unglaubliche Bedeutung. Und mir ist auch noch aufgefallen, dass ich das auch ein bisschen anders 

verstanden habe, aber ich fand es sehr schön wie ihr das gemacht habt, weil ihr das explizit benannt 

habt: Von wem ist dieser Gegenstand und in wiefern lobpreisen wir den? Gedenken wir dem? Erinnern 

wir den? Vergessen wir den? Das ist so simpel, aber so stark diese Ansprache zu haben. 

Heike: Ich habe eigentlich versucht so wenig wie möglich mit Sprache zu arbeiten. Ich hatte eigentlich 

eher das Bedürfnis etwas total Stilles zu machen. Was nicht so sprachlich auflädt, nicht so in ein 

Reden über kommt. Ich hab auch beim Machen gemerkt, wie schwierig das eigentlich ist, und wie es 

eigentlich nur funktionieren kann, wenn alle genau wissen, was sie zu tun haben. Ansonsten braucht 

es für so unbekannte Rituale eine Guidance. Und dann ist mir aber auch aufgefallen, dass eigentlich, 

wenn man Rituale vollzieht, alle dieses Ritual kennen. Die meisten Leute wissen, wie das abläuft. 

Und man muss es nicht erklären beim Machen. In der Kirche stehen ja auch plötzlich alle auf, es gibt 

ein kleines Zeichen und die Leute kennen den Weg so selbstverständlich und es wird so einfach über 

eine körperliche Praxis von Generation zu Generation weitergegeben. Aber wenn man so etwas neues 

herstellen will, muss man es vielmehr leiten. Auch sprachlich glaube ich. 

Anja: Ich hab ja nicht alles angeleitet, aber ihr habt sofort alle meine Bewegungen kopiert. Wenn ich 

z.B. meine Hände vor meinen Bauch gehalten habe. Und das fand ich z.B. super spannend, weil das 

macht auch ein Gefühl von Ritual, das man kopiert und das es normal ist zu kopieren. Z.B. auch bei 

dir, Ruby, bei dem Lied, wo wir zusammen singen, obwohl wir das Lied gar nicht kennen. Indem das 

wir etwas vormachen und alle machen das nach und es ist völlig selbstverständlich so. 

Patricia: Ich merke auch, dass das Wort dann doch gar nicht so wichtig ist, sondern vielmehr die Geste. 

Also das Übermitteln von Geste und Bewegung eigentlich sehr stark funktioniert, wenn man weiß wer 

diejenige ist, die das Ritual durchführt. Würden das drei Leute gleichzeitig machen, wäre es auch 

wieder was anderes als eine Person, der man folgt. Das war für mich so stark, als du die Vulva mit dem 

Ring hingehalten hast und ich hatte noch vorher die Geste von Ruby mit dem Geben und Nehmen im 

Kopf und dann habe ich mich gefragt „soll ich das nehmen?“. 

Ruby: Das war jetzt ja auch alles so schnell und ich hab gemerkt, dass man dem dann auch immer folgen 

will. Man macht das dann auch so und will auch nichts falsch machen. Was mir auch noch mal 

beim Machen aufgefallen ist, dass der Raum, also das Setting, für mich eigentlich das ausschlaggebende 

ist. Also wo findet das statt? Was für ein Licht? Was für eine Location? Was für eine Musik? 

Wie sind die Leute angezogen? Wie groß ist der Raum? Das quasi das Setting das Ritual rahmt und 

auch den Weg des Rituals bestimmt. Bei mir, dass der Raum so groß war und gehallt hat, die Lichter 

von oben, dass das schon allein einen so reingezogen hat, dass man mitmacht. Wenn das in irgendeinem 

Büroraum stattgefunden hätte, hätte es ganz anders funktioniert oder nicht funktioniert. 

Patricia: Daran angeschlossen habe ich noch mal an die Formen zurückgedacht, die wir angewandt 

haben. Von Halbkreis zu Kreis und bei dir eigentlich dieser Weg, den ich so entscheidend fand und 

ich mich lustigerweise daran erinnert habe, dass wir ja gar nicht wussten wie du gehst. Während des 

Singens hast du auf einmal angefangen dich zu bewegen und dann wussten wir, aha okay, wir laufen 

jetzt im Raum. Und dann sind wir wie im Gänsemarsch alle hinter dir her gelaufen. Und dann sind wir 

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Ruby Behrmann 


diese Treppe hoch. Da ist mir auch noch mal aufgefallen, als ich unten an der Treppe stand und auf 

ein mal so etwas goldenes, glitzerndes sah und nur deshalb wusste ich: ah, das ist noch nicht vorbei. 

Weil da oben würde sonst nichts goldenes und glitzerndes sein. Markierungen, die man bedenkt und 

vorher setzt. 

Anja: Und ich finde auch die Geräusche und der Sound sind sehr relevant, also das war bei Patty. Das 

Wasser kochen, was ein so einstimmt auf das Ritual, bei Heike die Musik, die total gepasst hat auch 

mit den Bewegungen. Und bei Ruby hat es auch mit Musik gestartet. Über das Hören nimmt man einen 

Raum ganz anders wahr bzw. er wird anders gefüllt. 

Ruby: Was ich so gemerkt habe, ist, man muss erst mal diesen Pathos überwinden, um zu einem Ritual 

zu kommen, das frei von „esoterischen“, pathetischen Formen ist. Das man zu einem anderen Ritual 

kommen kann, rein künstlerisch. Ich hab bei uns allen gemerkt, man ist in so etwas drin und man will 

etwas erzeugen und das ist auch das erste was man mit Ritualen verbindet. Eine Gemeinschaft, in die 

man reinkommt. Ich hab mich gefragt, was gibt es noch für Formen, die das nicht so im Kern haben, 

aber trotzdem ein Ritual sind? Wenn man eine halbe Stunde Zeit hat, was macht man dann? Das ist 

der erste Zugang. 

Heike: Zeit ist auf jeden Fall eine wichtige Komponente bei einem Ritual. Was ich angedacht habe, das 

ging eher in so etwas Tranceartiges rein, das ist auch eher etwas, was ich ganz stark mit Ritualen verbinde. 

Ein anderer Körperzustand, wo ein Körper durchgeht oder auch mehrere Körper gemeinsam 

durchgehen. Das kann man in 8 Minuten gar nicht machen. Also ich wüsste gar nicht wie. Da muss 

man sehr extrem ansetzen. Eigentlich auch dieser Eingang ins Ritual, also diese Vorbereitung des 

Rituals, dann dieser Prozess selbst und dann ist mir auch aufgefallen, dass dieses Ende so wichtig ist. 

Wie schließt man das ab? 

Ruby: Ja, bei einem Begräbnis wirft man dann als Abschluss etwas in das Grab. 

Anja: Eigentlich haben alle im Raum ganz klar markiert, wo sind die Plätze, die wir einnehmen können. Es 

gab ein Tisch mit vier Seiten, Ruby hat die drei Stühle bereit gestellt, Heike hat die Papiere auf den 

Boden gelegt, ich hab das mit den Kerzen versucht. Also auch diese Einleitung vom Ritual „kommt her 

und sucht euch den Platz, aber es ist ganz klar wo die sind“. Auch immer die Bühne vorne oder in der 

Mitte. 

Heike: Durch Corona ist das auch noch mal extremer, weil ich musste dafür Verantwortung einnehmen 

wo ihr euch hinsetzt, dass ihr die Masken kurz abnehmen könnt. 

Ruby: Ein Ritual anzuleiten hat für mich etwas total verspieltes. Eine Abfolge von Abhandlungen. 

Heike: Mantraartige Wiederholungen. 

Patricia: Das gemeinsame Bewegen. Ich fand es alleine schon total schön wie viel Zeit wir uns genommen 

haben diesen Ring zu schieben und dann auch gemeinsam diesen Ring zu schieben. Mal gucken, 

ob sie bis zur Lampe geht, aber nicht an die Lampe ran. Und dann waren wir auch so im gleichen 

Takt. Das ist so schön, dass man das einfach unausgesprochen macht und dann ist es auch nicht 

albern, sondern bekommt eine Tiefe. Durch das gemeinsame machen, bekommt das eine Wirklichkeit 

und dann stellt man das auch nicht in Frage. 

Ruby: Aber man muss es erst annehmen. Man muss erst mal alles bejahen und sagen: Ich begebe mich 

da jetzt rein. Wenn ich das von Anfang an ironisch sehe und mich nicht reingeben kann, dann wird es 

für die ganze Gruppe schwierig dieses Ritual durchzuführen. 

Anja: Ja annehmen und respektieren. Wir machen jetzt dieses Ritual und nehmen die Erfahrung ernst. 

Ich fand auch Rubys Kostüm hat so gut gepasst. Dieses Sakrale mit der Kopfbedeckung. Eine ganz 

klare Ritualleiterin. Und bei dir Heike war ich sofort auch bei so Trance Ritualen von Frauen. Das 

macht auch das Kopftuch - ich weiß gar nicht woher dieses Bild kommt – aber das war so super stimmig 

und ich war sofort bei der Großmutter und bei Ruby und den Generationen, die immer wieder das 

gleiche tun. 

Heike: Also die Symbolik, die da eigentlich so drin steckt oder? Was man mit Ritualen für eine Art Symbolik 

produziert. 

Ruby Behrmann 

Ruby Behrmann ist als Regisseurin spezialisiert auf ortsbezogene, partizipative 

Formate. Ihre Performances und Installationen arbeiten mit 

der Schnittstelle von Theater und Alltag. Sie schaffen Räume, in die 

das Publikum eintritt und mit denen es interagieren kann – um Situationen 

zu erleben, statt sie nur zu beobachten. Behrmann studierte Angewandte 

Theaterwissenschaft in Gießen. Mit Behrmann/Koch/Mielich 

entwickelt sie ortsspezifische Performances (zuletzt Damengedeck 

2.0 - Ein Rundgang in die Zukunft, 2020, Köln). Für das dreijährige 

Filmprojekt „Studio Vogelsberg“ im Rahmen der FLUX-Residenz, arbeitet 

Behrmann als Studio Studio mit der Videokünstlerin Julia Novacek 

und der Szenografin Evamaria Müller zusammen (2019 - 2021). Ihre 

Arbeiten wurden unter anderem an folgenden Orten gezeigt: HAU 

Berlin, Mousonturm Frankfurt, Theater am Turm Marburg, zeitraumexit 

Mannheim, Schwankhalle Bremen,Palais de la Porte Dorée Paris, 

zeitzeugfestival Bochum, Stadttheater Gießen, MADE.Festival Hessen, 

Sommerblut Festival Köln. 

46 47

Anja Zihlmann 

Das Modell als Experimentierraum 

Das Modell bietet die Möglichkeit verschiedene Raumanordnungen, Materialproben 

und Lichtstimmungen im Testaufbau auszuprobieren und so einen Raum, seine Bedingungen 

und Möglichkeiten auszutesten. Das Arbeiten und Konzeptionieren am Modell 

ist eine physische und sinnliche Arbeit. Mann kann sich so dem tatsächlichen Raum annähern, 

Modellteile relativ schnell umbauen, umstellen, verwerfen und neue Elemente 

einführen. So können verschieden Ansätze, Anordnungen und Raumkonzepte ausprobiert 

werden. Ein wichtiges Tool hierzu ist auch die Kamera. Mit den Fotos können die 

verschieden Entwürfe und Anordnungen verglichen werden. Hier ist wichtig die Fotos so 

zu machen, dass sie den verschiedenen Blickwinkeln des Publikums entsprechen, damit 

wir sehen, wie der Raum dann auch in der Realität wirkt. 

Für den Workshop habe ich alle Teilnehmerinnen gebeten ein Bild oder ein Material 

mitzubringen welches sie interessiert oder inspiriert. In Bezug zu diesen Materialien und 

Bildern hat dann jede Teilnehmerin in 3.5 h einen Raum entworfen. Für die Modellbesprechung 

am Ende des Workshops haben wir verschiedenen Feedbackmethoden (vgl. 

S. 34ff.) ausprobiert, um über die Räume zu sprechen. 

MODELL I 

Buchcover von Donna Haraway „Cyborg Manifesto“, Malerei von Lynn Randolph 

Interesse und Inspiration 

Raumtiefe, die Atmosphäre des Lichts, die Verbindung der technischen Elementen mit 

dem Landschaftsbild, die Spitzen, dreieckige Berge 

Modellbesprechung 

Feedbackmethode: TITLE GAME 

Hanging in the Dark 

Der Malstrom 

Ice Ice Ice Baby 

Drei Mal Glitzer 

Deep Blue Eyes 

Der Berg der vom Himmel kam 

Blue Baby Blue 

Von Landschaften 

Verschollen 

Was ist Oben 

Die Reise der Ente 

Zu kalt zum F,ühlen 

To Cold To Feel 

Nur die Spitze des Eisbergs 

Landschaft ohne Grün 

Beyond the Sun 

Schwanenmeer 

Weiten 

Fliegt Mehr 

Electric Sea 

Horizonte 

Reise ans Ende der Welt 

Distanzen 

I‘ve been here before 

nach Oben und ganz Weit weg 

Trauma und Fauna 

Sehnsuchtsorte 

Einsam auf dem Meer zu treiben 

Orkan 

Swan Lake 

Die Maschine die die Eisberge baut 

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Anja Zihlmann 


MODELL II 

Sargasum Algen 


Feedbackmethode: CHAIN REACTION 


die Algen schwimmen oben auf und reichen bis in weite Tiefen hinab, eine Verbindung 

mit der Geschichte, Dinge die sich ablagern, in den Algen bleiben Dinge hängen, verwoben, 

wachsen. Die Algen schaffen und zerstören Lebensraum. 

» begehbare Installation 

» die Installation hat viel Wärme 

» die Wärme wird vor allem durch den Boden ausgestrahlt, in Verbindung mit dem goldenen 

gefalteten Papier 

» aufgegriffen in den Pflanzen, da sind auch Goldstücke dran 

» die Goldstücke, diese goldenen geknitterten Flächen stehen im Kontrast zu den 

Pflanzen, zu diesen organischen Materialien 

» wobei das Geknitterte, das Gefaltete als Struktur, die nicht sofort einsehbar ist, sich 

in den Algen, Berankung, dem Verflochtenen und Verwobenen wiederfindet. 

» es hat etwas Geheimnisvolles, als ob man sich da drin Verstecken kann, was auch 

zu diesem Glaskasten passt, der so was zwar durchsichtiges hat, man sich darin aber 

auch verstecken könnte und gleichzeitig in Kombination mit diesen Pflanzen, die 

auch so‘n bisschen vertrocknet aussehen, so was sargartiges hat, was auch an der 

Größe liegt 

» für mich sind die Pflanzen nicht so vertrocknet, für mich leben diese Pflanzen schon 

auch. Ich hab auch das Gefühl das sich die Pflanzen weiter ausbreiten könnten. 

Und das Aquarium, das Glas verschwindet für mich so‘n bisschen, weil die Pflanzen 

so mächtig sind im Vordergrund und viel Raum einnehmen, und das Aquarium ist so‘n 

bisschen verloren in diesem großen Raum, vielleicht muss es näher zusammen 

» oder die Pflanze da noch mehr reinrankt, also noch mehr Teil des Aquariums ist 

» aber über den Boden ist das Aquarium schon mit den Pflanzen verbunden, vielleicht 

kann man diese Verbindung noch stärken 

» wobei die Verbindung der beiden zueinander sich verändert je nach Blickrichtung 

oder je nach dem ob das zukünftige Publikum geführt wird oder eben als Installation 

selber wechseln und wandern darf, um den Raum zu erkunden 

» ich musste auch an Moos denken, von wegen ausbreiten und Moos also inwiefern das 

rankende, was sonst unten ist, jetzt aber oben ist so ein verdrehter Raum, oder in wie 

fern kann dieses Moos was sonst eher liegt jetzt hängen. Ich finde diese Umkehr von 

Oben und Unten spannend 

50 51

Anja Zihlmann 


MODELL III 

Reflektierende Materialien 

ANMERKUNGEN 

Arbeiten mit Raum 

wie können wir im Produktionsprozess während den Proben und auf der Bühne gemeinsam 

am Raum arbeiten und über Raum sprechen? 

» Plattformen wie z.B. Trello nutzen, wo jedes Gewerk seine Fortschritte präsentiert 

und so die Teammitglieder*innen mehr Einblick in die verschiedenen Prozesse erhalten. 

» In Proben und Nachbesprechungen klare Zeiten für Raum und Requisiten Feedback 

einplanen. 

» Auf den Proben Zeit für die Einführung von neuen (Proben-)Bühnenteile und Requisiten 

durch die*den Bühnenbildner*in einplanen. 

» Einzelne Proben gemeinsam mit der*dem Bühnenbildner*in vorbereiten 

Anja Zihlmann 


Reflexionen im Raum, die Bewegung von Reflexionen 


Feedbackmethode: FIRST REACTION 

Gletscher, Schmerz, Friedhof auf dem Mond, Outer Space, Glitzer, Leben ohne Sonne, 

Glätte, Luxus, Kräfte, Glatt vs. Spitz, fließen, Garten, Spalier stehen, Vibration, Kühle, 

Felder und Flächen, Festvorhang, Gefängnis 

Anja Zihlmanns Arbeiten erstrecken sich von raumübergreifenden, intermedialen 

Skulpturen bis hin zu installativ- interaktiven Bühnenräumen. 

Ihre Räume regen das Publikum an, ungewohnte Perspektiven einzunehmen 

und sich mit den eigenen Erwartungen und Blickpunkten auseinanderzusetzen. 

Sie realisierte künstlerische Arbeiten wie: SPIEGELFRAG- 

MENTE (2016), ENTROPIE (2017), und ISOMERIE (2018). 

2018 war sie Teil des Ausstattungsteams für die theatrale Ausstellung HEI- 

NER WEILAND. MIR FEHLT ES AN NICHTS im Museum der Arbeit, Hamburg. 

2019 war sie Stipendiatin des FjT am sechsten Schweizer Theatertreffen 

und arbeitet mit Hanna Lenz für das Projekt WITCHES von Ursina Tossi auf 

Kampnagel. Sie realisierte 2020 mit dem CHICKS* freies Performancekollektiv 

am Staatstheater Hannover das Projekt WHAT THE FUCK. 

Im Dezember 2020 zeigte sie in einer Einzelausstellung ihre Arbeit PRO- 

TOTYP 1.3 Unterstützt durch den Hilfsfonds »Kunst kennt keinen Shutdown« 

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HAMONIM – Warm Up 

Im Rahmen der Peer-to-Peer-Akademie im Dezember 2020 stellt Patricia Carolin Mai 

das HAMONIM-WarmUp aus ihrer Forschung über „Praktiken der Gemeinschaft“ vor. 

Die Shiatsu-Streich-Praxis in 13 Positionen, unterstützt den Körper gleichmäßig von 

innen nach außen aufzuwärmen, sich wahrzunehmen und den Geräuschen und Rhythmen 

des eigenen Atems sowie der Hände zu lauschen. Manchmal bietet sich dabei 

vielleicht erstmals am Tag die Möglichkeit sich die Frage zu stellen: Wie geht es mir 

gerade? und zugleich „alles was gerade nicht nötig ist“ abzustreifen. Shiatsu (übersetzt 

Fingerdruck) basiert auf dem Konzept der Meridiane und fokussiert darauf, das 

Qi (den Energiefluss) im Körper anzuregen. Dabei streichen beide Hände in stetiger 

Abfolge entlang der Meridianbahnen über den Körper. 

HAMONIM (hebräisch für „was die Masse bewegt“) ist eine Produktion von Patricia Carolin 

Mai und der dritte Teil der Tanztrilogie Körper in Extremzuständen. In der Probenund 

Recherchephase bewegten sich 70 Hamburger*innen zwischen 17 und 83 Jahren 

durch zahlreiche Bilder der Menschheitsgeschichte, untersuchten Schutzmechanismen 

von Gemeinschaft und setzten sich den Rhythmen von Masse aus. So entstand eine 

Bühnengemeinschaft, die die Parameter von Zusammensein seziert und eine kritische 

Haltung zur Masse praktiziert. 

1. RUMPF 

Die Bewegung beginnt am Schulterblatt und endet am diagonal gegenüberliegenden Hüftknochen. Die 

rechte und linke Seite werden jeweils im Wechsel ausgestrichen. 

2. BAUCHRAUM / ZENTRUM 

Die Bewegung wird mit beiden Händen zugleich ausgeführt. Eine Hand beginnt am Bauch, die andere 

beginnt am Rücken. Die Bewegung führt jeweils um den Bauchgürtel herum soweit die Hände um den 

Bauch herumgreifen können - und auf demselben Weg wieder zurück. 

HINWEISE ZUR DURCHFÜHRUNG DER SHIATSU-STREICH-PRAXIS 

» Wiederhole den Streichvorgang in jeder Übung bis zu 30xMal 

» Mindestens eine Hand ist während der gesamten Übung immer im Kontakt zum Körper. Finde dein persönliches 

Tempo beim Ausstreichen 

» Wähle deinen persönlichen Streichdruck / Fingerdruck 

» Höre deiner Atmung zu & konzentriere dich auf das Ausatmen 

» Du kannst deine Körperposition jederzeit variieren (Sitzen, Stehen, Gehen oder Liegen) 

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3. BEINRÜCKSEITEN 

Die Position wird im Stehen ausgeführt. Der Rumpf ist vorgebeugt und der Kopf hängt locker in Richtung 

Boden. Die Bewegung wird mit beiden Händen zugleich ausgeführt. Sie beginnt an der Achillesferse 

und streicht an der Beinrückseite über den Po bis zum unteren Rücken und auf demselben Weg wieder 

zurück. 

5. UNTERER RÜCKEN 

Die Bewegung wird mit beiden Händen zugleich ausgeführt. Sie beginnt am unteren Rücken (rechts und 

links neben der Wirbelsäule) und führt hinauf in Richtung Schulterblätter und wieder zurück zum unteren 

Rücken. 

4. BEINKREIS 

Die Bewegung wird mit beiden Händen zugleich ausgeführt und beschreibt einen Kreis. Die linke Hand 

streicht dabei über das linke Bein und die rechte Hand über das rechte Bein. Die Bewegung beschreibt 

dabei einen Kreis der am unteren Rücken beginnt dann über die Außenseiten der Beine bis zu den Füßen 

führt und auf der Innenseite wieder zurückgeführt wird, bevor es vom unteren Bauch über die Flanken 

zurück zum unteren Rücken geht. 

6. ARM RECHTS / ARM LINKS 

Die Bewegung beschreibt einen Kreis. Beginnend an der Schulter streicht die Hand an der Außenseite 

des Arms bis zur Hand und an der Innenseite des Arms zurück zur Schulter. 

Nach der gewählten Anzahl an Wiederholungen (z. B. 30x) wird der Arm gewechselt. 

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7. RAUTE 

Die Position wird im Sitzen mit aneinandergelegten Fußflächen und mit beiden Händen zugleich ausgeführt. 

Die Bewegung beginnt mit beiden Händen am unteren Rücken und führt über Beinaußenseiten bis 

zu den Füßen und denselben Weg zurück. 

9. FUSS / SPANN 

Die beiden Handflächen streichen zugleich in schneller Abfolge auf und ab über den Fuß Spann. 

8. FUSSSOHLE 

Die Füße werden leicht geöffnet und beide Hände streichen zugleich in schneller Abfolge auf und ab 

über die Fußunterseiten. 

10. WADEN 

Die Position wird im Stehen ausgeführt. Der Rumpf ist vorgebeugt und der Kopf hängt locker in Richtung 

Der Oberkörper ruht entspannt auf den Oberschenkeln. Der Kopf hängt locker in Richtung Boden. Die 

Knie sind leicht gebeugt. Die Hände streichen über die Waden auf und ab. 

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10. ARMKREIS 

Die Bewegung beschreibt einen Kreis an der Innenseite der Arme über den Brustkorb über den anderen 

Arm bis zur Ausgangsposition. Die Bewegung beginnt am Handgelenk und streicht von dort an der Innenseite 

in Richtung Schulter, von dort bis zur Mitte des Brustkorbs. Dort angekommen, erfolgt ein „Tausch“ 

der streichenden Hand: Die andere Hand beginnt am Brustkorb und streicht von dort über die Innenseite 

des zweiten Armes in Richtung Handinnenfläche der anderen Hand. Beide Hände treffen sich vorne und 

der Kreis kann erneut am Handgelenk in Richtung Körper beginnen. Nach der Hälfte der Wiederholungen 

wird die Richtung gewechselt. 

11. WASCHUNG 

Die Waschung wird mit beiden Händen zugleich ausgeführt. Sie beginnt im Nacken und streicht von 

hinten über den Hinterkopf und über das Gesicht bis zum Brustkorb. Dort teilen sich die Hände. Die 

rechte Hand streicht an der reichten Körperseite an der Brust vorbei zum Bauch, die linke Hand an der 

linken Körperseite an der Brust vorbei. Vom Bauch streichen die Hände an der jeweiligen Oberschenkelinnenseite 

bis zu den Füßen und an der Beinaußenseite zurück zum unteren Rücken. Von dort gehen die 

Hände über die Seiten hoch zurück zum Nacken und der Kreis beginnt erneut. Beide Hände haben dabei 

die gesamte Zeit Kontakt zum Körper. 

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13. WASCHUNG 

siehe 12. – die Bewegung wird im Stehen ausgeführt 


Patricia Carolin Mai lebt seit 2013 in Hamburg und produziert als Tänzerin und 

Choreographin Bühnenstücke mit Produktionsstandort auf Kampnagel Hamburg, 

am K3 – Zentrum für Choreographie, am Ringlokschuppen Mülheim an der Ruhr, 

sowie am LOFFT - Das Theater Leipzig. Sie erhielt ihre Ausbildung am Königlichen 

Konservatorium Antwerpen und der SNDO Amsterdam. Zudem studierte sie den 

Masterstudiengang Performance Studies an der Universität Hamburg. Sie war Stipendiatin 

im Programm stART.up der Claussen-Simon-Stiftung. 

Im Fokus ihrer choreographischen Arbeit steht die Untersuchung des Körpers als 

zentralem Speicher von Erinnerungen. 2016-2019 entwickelte sie ihre Trilogie über 

„Körper in Extremzuständen“ mit den Stücken Ready to Snap (2016), BALAGAN 

BODY (2018) und HAMONIM (2019). 2020 erforscht sie in dem zwölfmonatigen 

solistischen Selbstexperiment KONTROL die Grenzen ihrer körperlichen Leistungsfähigkeit 

und Transformation. Sie hinterfragt dabei kulturelle Normierungen von 

Körper und Geschlecht. Ihre Produktionen touren national und international auf 

Festivals u.a. Israel, Italien, Belgien, Rumänien und Korea. 2019 choreographierte 

sie im Auftrag der Ninety9 Art Company in Seoul das Stück GAL-GAL über die 

Selbstermächtigung von Frauen in der koreanischen Gesellschaft. 

Als Tanzvermittlerin unterrichtet sie regelmäßig am K3 | Tanzplan Hamburg (Leitung 

des generationsübergreifenden Tanzclubs ALL*IN), am TuT Hannover, in der 

Bewegungswissenschaft am Hochschulsport Hamburg sowie in TUSCH-Projekten 

u.a. am LICHTHOF Theater, Ernst-Deutsch-Theater und Jungen Schauspielhaus. 

Für die folgenden drei Jahre (2020-2023) hat Patricia Carolin Mai die Konzeptionsförderung 

der Stadt Hamburg erhalten und setzt mit INTEAM ihre Arbeit am 

K3 | Tanzplan Hamburg zum Thema Praktiken der Gemeinschaft fort. 

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Impressum 

Peer-to-Peer-Akademie #1 // 20. 11. bis 4. 12. 2020 

Texte und Fotos: Ron Zimmering, Joël Vuig, Jonas Feller, Susanne Reifenrath, Jasmine Fan, Heike Bröckerhoff, Ruby Behrmann, 

Anja Zihlmann, Patricia Carolin Mai 

Gestaltung+Satz: Ulrike Steffel // Netzwerkbüro DfdK 

ViSdP: Kaja Jakstat, Ulrike Steffel // Netzwerkbüro DfdK // Wartenau 16 // 22089 Hamburg // www.dfdk.de

Peer_to_Peer_Magzin#1

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