Campus Magazin Filmakademie Baden-Württemberg 22/23

CAMPUS MAGAZIN
FILMAKADEMIE BADEN-WÜRTTEMBERG
ZWEIUND
ZWANZIG
DREIUND
ZWANZIG

CAMPUS MAP
Die technischen Bereiche der Filmakademie
stellen die technische Infrastruktur für
Verwaltung, Lehre und Produktion sicher.
IT-OfficeNet
Kino
Mobile Technik (Rental)
Studios
Videoschnitt
Werkstatt Szenenbild
TECHNIK
Im Bereich der Verwaltung umfassen die
Zuständigkeiten u.a. das Studierenden-
Management, das Finanz- und
Rechnungswesen, den Jahresabschluss,
Controlling, Risikomanagement,
Beschaffungen, Rechtsfragen, die Stellen-,
Personalplanung und Personalentwicklung
sowie die Allgemeine Verwaltung
und Betriebsorganisation.
Allg. Verwaltung
Bibliothek
Castingbüro
Finanz- & Rechnungswesen
Kfm. Verwaltung
Personal & Honorare
Studienreferat
Verwaltung Lehre
VERWALTUNG
Das Ausbildungsangebot spiegelt die ganze Bandbreite
der Themen der Medienbranche wider, von Drehbuch,
Regie und Kamera bis zu Animation, Szenenbild
und Montage, von Produktion, Filmmusik und
Sounddesign bis zu Motion Design und Interaktive
Medien, verteilt auf 3 Studiengänge:
Film und Medien
Filmmusik und Sounddesign
Produktion
Workshops für Externe:
Filmschauspiel
Im Filmschauspielworkshop und dem englischsprachigen
International Screen Acting Workshop können
junge Schauspieltalente 8 Wochen lang ihre klassische
Ausbildung um das Fach Filmschauspiel erweitern.
Unter gezielter Anleitung der dozierenden Branchenprofis
werden Unterrichts inhalte in theoretischen
und praktischen Übungen vermittelt.
AKADEMIE
FÜR DARSTELLENDE
KUNST
Die benachbarte ADK bereitet Studierende
umfassend – und deutschlandweit in der
Kombination einmalig – auf Berufe für die Bühne
und den Film vor. Die interdisziplinäre, praxis- und
projektorientierte Ausbildung erfolgt in jahrgangs-
ATELIER
LUDWIGSBURG-PARIS
und studiengangsübergreifender Zusammenarbeit
Das Atelier Ludwigsburg-Paris ist eine von der EU geförderte
zwischen Regie, Dramaturgie, Schauspiel und
einjährige Weiterbildung für angehende Filmproduzent*innen
Bühnen- und Kostümbild.
und Verleiher*innen mit entsprechendem Vorstudium.
Es ist eine inhaltlich autonome Einrichtung unter dem Dach
der Filmakademie.
ALUMNI-NETZWERK
FÖRDERVEREIN
ASTA
GLEICHSTELL
Das Alumni-Netzwerk sorgt für einen
Der Förderverein der Filmakademie Baden-
Der Allgemeine Studierendenausschuss wird
Die Filmakademie setzt sic
regelmäßigen Kontakt und Austausch mit den Ab-
Württemberg e.V. wurde 1993 gegründet und
zu Beginn jedes Studienjahres unmittelbar von
verfassungsrechtlich gebo
solventinnen und Absolventen der Filmakademie,
hat inzwischen über 400 Mitglieder. Er ist als
der Studierendenschaft gewählt. Er vertritt
von Frauen und Männern
etwa durch die Pflege der Alumni-Homepage, das
gemeinnütziger Verein steuerlich anerkannt
die Belange der Studierenden innerhalb und
Beseitigung bestehender N
Versenden von Newslettern, die Organisation von
und entsprechend seiner Satzung auf die
außerhalb der Filmakademie und nimmt beratende
Die Beauftragten für Chan
Veranstaltungen und die Weiterleitung von
Leistungsförderung ausgerichtet.
und unterstützende Aufgaben im Dienste der
unterstützen Frauen und M
Jobangeboten.
Studierendenschaft der Filmakademie wahr.
Förderung, Beseitigung vo
Fragen der Vereinbarkeit v
sowie der Vereinbarkeit vo

Zudem werden folgende
Diplomaufbaustudiengänge angeboten:
Animation /
Animation & Effects Producer
Animation / Technical Director
Fernsehjournalismus
Filmmusik
Filmton / Sounddesign
Interaktive Medien
Motion Design
Szenenbild
LEHRE
Das Animationsinstitut ist Teil der
Filmakademie, es verfügt zugleich in vielen
Bereichen über eigene organisatorische
Strukturen.
Lehre
Forschung & Entwicklung
Management
Technik
Stabsstellen
ANIMATIONSINSTITUT
Die FMX ist eine weltweit einflussreiche
Fachkonferenz, in deren Zentrum die
Entwicklung und Trends in Design, Technologie
und Business von Animationsfilmen, visuellen
Effekten, interaktiven und immersiven Medien
stehen.
FMX
GESCHÄFTSFÜHRUNG
Die Geschäftsführung ist im Bereich der Lehre u.a. zuständig
für die Konzeption, Planung und Umsetzung der Lehre,
die Akquisition der Lehrenden, Studienkoordinator*innen und
Projektbetreuer*innen, Drittmittelproduktionen, die Entwicklung
des Medienstandortes für Alumni und Existenzgründungen
sowie die Zusammenarbeit mit regionalen und überregionalen
Sendern und Produktionsfirmen.
STABSSTELLEN
Die Stabsstellen sind der
Geschäftsführung direkt zugeordnet.
UNG
h für die
tene Chancengleichheit
ein und wirkt auf die
achteile für Frauen hin.
cengleichheit beraten und
änner bei beruflicher
n Benachteiligung und
on Beruf und Familie
n Beruf und Pflege.
INTERNATIONALES BÜRO
Das Internationale Büro organisiert Mobilitäten
in Form von Exkursionen und Gaststudien
an Partnerinstitutionen im Ausland. In
seiner englischsprachigen International
Class kommen jährlich 24 Incomings im
Sommersemester zusammen. Die Mission
des Internationalen Büros besteht darin, allen
Studierenden der Filmakademie im Verlauf
ihres Studiums eine Auslandserfahrung zu
ermöglichen.
Assistenz des Direktors
Controlling
Drittmittel
Festivals
Justiziar
Presse- & Öffentlichkeitsarbeit
Referent des Direktors
Stipendien / Pitchings
Studienleitung /
Transmedia Koordination
Vertrieb & Lizenzen

EDITORIAL
Aesha Balasem in TALA´VISION

Auszug aus dem
Elfenbeinturm
In dieser aktuellen Ausgabe des Campus Magazins gibt
es sehr viel Erfreuliches zu vermelden: So hat z.B. unser
Animationsinstitut in diesem Jahr sein 20-jähriges
Bestehen gefeiert und in dieser Zeit eine einzigartige Erfolgsgeschichte
geschrieben. Und mit dem beeindruckenden
Kurzspielfilm TALA´VISION ging im Oktober
2021 bereits zum siebten Mal der Student Oscar® nach
Ludwigsburg. Die Filmakademie Baden-Württemberg ist
damit - zusammen mit der englischen NFTS (National
Film and Television School) - die erfolgreichste internationale
Filmhochschule in der Geschichte der Student
Academy Awards.
Aber es gibt draußen in der Welt aktuell eben auch dies:
Verschärfung der Klimakrise mit Extremwetter; der Ukraine-Krieg
und seine Folgen; Kostensteigerungen in
vielen Lebensbereichen; demagogische Kräfte finden
weltweit immer mehr Zulauf; der Supreme Court in den
USA vollzieht gerade mit seinen Urteilen eine Art erzkonservativen
juristischen Staatsstreich; und Corona ist
ja auch noch da…
Klar ist angesichts der aktuellen geopolitischen Entwicklungen
aber auch, dass es sich heutzutage keine Hochschule
mehr leisten kann, in einem kreativen Elfenbeinturm
ihr Dasein zu fristen. Wir müssen uns zwangsläufig
alle auch den Themen und Herausforderungen abseits
des Curriculums stellen und versuchen, all dies unter einen
Hut zu bringen. Oder vielmehr müssen diese Themen
Teil der Lehre werden, sie lassen sich nicht mehr
davon trennen. Deshalb entwickeln wir für unsere Akademie
gerade z.B. eine umfangreiche Strategie, um ein
nachhaltiges Handeln in der Filmherstellung, in Lehre
und Verwaltung für die nächsten Jahre sicherzustellen.
Vielleicht ist das auch ein gangbarer Weg inmitten einer
krisengeschüttelten Welt, nicht wie das Kaninchen auf
die Schlange zu starren oder versucht zu sein, den Kopf
in den Sand zu stecken. Überlassen wir das Feld nicht
den ewig Gestrigen! Lasst uns unsere Energien bündeln,
um eine lebenswerte Zukunft aktiv mitzugestalten!
Ich wünsche Euch/Ihnen eine spannende Lektüre!
Herzlich
Prof. Thomas Schadt
Direktor der Filmakademie Baden-Württemberg
Es ist nicht leicht, in diesen Tagen optimistisch in die
Zukunft zu blicken und sich auf die täglichen Aufgaben
an der Filmakademie zu konzentrieren. Dennoch gibt es
auch hier wie immer keinen Stillstand. So haben wir
z.B. wichtige strukturelle Änderungen im Grundstudium
vorgenommen und treiben die Internationalisierung
der FABW weiter voran (weshalb Teile dieses Magazins
auch in englischer Sprache verfasst sind). Und mit Prof.
Ludger Engels, dem neuen Leiter unserer Nachbarhochschule,
der Akademie für Darstellende Kunst, bin ich in
sehr guten Gesprächen über einen Ausbau der Synergien
in Lehre und Praxis.
3

INHALT
3
30
82
EDITORIAL
Prof. Thomas Schadt,
Direktor der Filmakademie
Baden-Württemberg
20 JAHRE
ANIMATIONSINSTITUT
DAS ATELIER
LUDWIGSBURG-PARIS
6
SPOTLIGHT:
"LASST UNS MITEINANDER
SPRECHEN"
von Prof. Thomas Schadt
90
12
74
INTERNATIONAL NETWORKS
CAMPUS LUDWIGSBURG
STECKBRIEF: DREHBUCH
24
EIN ÜBERBLICK ÜBER DAS
STUDIUM AN DER
FILMAKADEMIE
75
STECKBRIEF: EXECUTIVE &
LINE PRODUCING
76
INTERVIEW: YEAR ONE –
EIN JAHR EXECUTIVE & LINE
PRODUCING AN DER FABW
98
ALUMNI IM FOKUS:
KATRIN SCHWEIGER
4
28
STECKBRIEF:
BILDGESTALTUNG/KAMERA
29
STECKBRIEF:
DOKUMENTARFILM
80
STECKBRIEF:
FERNSEHJOURNALISMUS
81
STECKBRIEF:
FILMGESTALTUNG 1
102
STECKBRIEF: FILMMUSIK
103
STECKBRIEF:
FILMTON/SOUNDDESIGN

104
122
138
ALUMNI IM FOKUS:
CHRISTOPH PELLANDER
STECKBRIEF: PRODUKTION
123
STECKBRIEF: SZENENBILD
139
STECKBRIEF:
REGIE 2
ANIMATION
STECKBRIEF:
SZENISCHER FILM
110
SPOTLIGHT:
'TALA´VISION' – JOURNEY TO
THE OSCARS
(Murad Abu Eisheh)
124
FABW INSIDE: MEET THE STAFF
MARIKA KÖPF
140
EDITION FABW
142
116
STECKBRIEF:
MONTAGE/SCHNITT
117
STECKBRIEF: MOTION DESIGN
130
STECKBRIEF:REGIE 2
SZENISCHER FILM -
DOKUMENTARFILM -
WERBEFILM
131
STECKBRIEF: WERBEFILM
143
STECKBRIEF: FILMSCHAUSPIEL
118
STECKBRIEF:
SERIEN PRODUCING
144
DOZIERENDE IM PORTRÄT:
ED CANTÙ
132
AUFTRAGSPRODUKTIONEN
DREHBERICHT:
FILM HEISST KAMPF
(Lotta Pommerien)
146
FÖRDERVEREIN
CALIGARI PREIS
5

SPOTLIGHT:
Lasst uns
miteinander
sprechen
Text von Thomas Schadt, Februar 2022
Foto: Nick Ut / AP
6

An der Filmakademie halte ich seit vielen Jahren
zu Beginn des Studienjahres ein Seminar
zum Thema „Bilder lesen“. Anhand exemplarischer
Fotografien werden Bildsprachen analysiert
und Möglichkeiten bzw. Wirkungen visueller Dramaturgien
hinterfragt. Zu den gezeigten Bildern gehört
auch eine Fotografie des vietnamesischen Fotografen
Nick Ut. Zwölf Bildreporter beobachten am 8. Juni
1972 von einer Landstraße aus einen Napalm-Angriff
der US-Streitkräfte auf das südvietnamesische Dorf
Trang Bang, in dem sich angeblich nordvietnamesische
Soldaten verschanzt hatten. Unvorhergesehen
kommt den Fotografen eine Gruppe südvietnamesischer
Soldaten und fliehender Dorfbewohner*innen
entgegen, unter ihnen vor allem Kinder. Sofort augenfällig
ist das Mädchen Kim Phúg, das schreiend, mit
ausgebreiteten Armen und völlig nackt direkt auf die
Fotografen zuläuft. Nick Uts reaktionsschnelle, analoge
Fotografie der Situation schafft es bereits am Folgetag
auf die Titelseite der New York Post, später erhält
er für seinen dramatischen Schnappschuss den Pulitzer
Preis. Das Foto ist bis heute in seiner zutiefst authentischen
Kollision von kindlicher Unschuld und
Nacktheit mit militärischer Gewalt eine Ikone der
Kriegsfotografie und war in den USA Mitauslöser für
die beginnenden Massenproteste gegen Amerikas Vietnamkrieg.
Auch die Studierenden (er)kennen dieses Bild, es ist
in ihrem visuellen Gedächtnis abgespeichert, obwohl
die meisten nicht wissen, warum das so ist und wie
sie die Fotografie inhaltlich und historisch einordnen
sollen. Der Diskurs im Seminar hat seit jeher die Aufgabe,
genau das zu erhellen. Doch während sich in
früheren Jahren darüber eine Diskussion entspann,
an deren Ende alle darüber einig waren, dass Krieg
niemals ein Mittel zur Lösung politischer Konflikte
sein darf, geht der Diskurs zu diesem Foto heute in
eine andere Richtung. Sei das Bild, so einzelne Teilnehmende,
nicht in erster Linie sexistisch, zumal es
von einem Mann fotografiert wurde? Andere stellen
in den Raum, ob es sich hierbei nicht um eine (nach)
gestellte, inszenierte Szene handeln könnte? Auch
werden Stimmen laut, die zukünftig vor dem Betrachten
solch gewalttätiger und sexistischer Bild-Inhalte
eine „Triggerwarnung“ fordern, weil sie oder andere
sonst womöglich durch das unvorbereitete Ansehen
retraumatisiert werden könnten. Einer fordert vehement,
dass solche Seminare eine psychologische Begleitung
bräuchten und die Akademie eine ärztliche
Versorgung vor Ort zu gewährleisten habe, falls eine
akute Retraumatisierung dies erfordere.
Der Tonfall Einzelner wird bei meiner Aufforderung,
das Bild doch zuerst einmal historisch einzuordnen,
durchaus aggressiv. Und während die große Mehrheit
der Studierenden schweigt, wird dem Diskursleiter
von den Wortführer*innen höflich, aber bestimmt
nahegelegt, die typische Weltsicht und Macht weißer
männlicher Bourgeoisie zu vertreten. Ich fühle mich
in diesem Moment unverstanden und habe trotz meiner
ganzen Lebens- und Lehrerfahrung spontan keine
Idee, wie eine weitere Verhärtung und Destruktion
der Debatte zu verhindern sei. Von Ratlosigkeit
geplagt, könnte man geneigt sein, die Diskussion an
dieser Stelle abzubrechen und alle mit einem Paukenschlag
nach Hause zu schicken.
Als Jahrgang 1957 wurde ich in den 1960er und 1970er
Jahren sozialisiert. Abwechselnd bei meinen Eltern,
Großeltern und dann wieder bei meiner Mutter aufgewachsen,
bin ich früh sowohl mit den Moralvorstellungen
des 19. Jahrhunderts als auch mit dem Bestreben
von Kultur und Kunst der sechziger Jahre des
20. Jahrhunderts konfrontiert worden, diese Moralvorstellungen
radikal zu durchbrechen. Im Haus meiner
Großeltern lebte auch meine Urgroßmutter, eine
stolze alte Frau, 1876 geboren. Als ich sechs oder
sieben Jahre alt war, hat sie ihre Tochter, also meine
Großmutter, geboren 1902, unvermittelt ins Gesicht
geschlagen, als sie sie zusammen mit ihrem Mann, geboren
1900, eines morgens zufällig nackt im Bad entdeckte.
Aus ihrer Sicht war das, was sie sah, ein nicht
zu duldender Tabubruch. Über dieses Ereignis wurde
nie mehr gesprochen, so wie grundsätzlich niemand
in diesem zutiefst verschwiegenen und erzkonservativen
Haus jemals ein Wort zum Thema Nacktheit, Sexualität
oder Gewalt in den Mund nahm, obwohl dies
alles, wie ich später erfuhr, allgegenwärtig war. Auch
aus diesem Grund holte mich meine Mutter, als ich
dreizehn war, zu sich zurück. Von unserem Vater früh
verlassen, war sie allein auf sich gestellt und arbeitete
in einem Geschäft, das teure Designermöbel verkaufte.
Ihr Umfeld war geprägt von Künstler*innen und
einer durchaus wohlhabenden und kulturell aufgeschlossenen
Kundschaft. Sie selbst empfand sich, wie
viele damals, als „progressiv“, „modern“ und „aufgeklärt“.
Dennoch war sie, Jahrgang 1932, auf Grund ihrer
eigenen Geschichte weder imstande, mit uns über
ihre schrecklichen Kriegserlebnisse zu sprechen, noch
war sie bereit, uns in irgendeiner Art eine sexuelle
7

SPOTLIGHT:
Aufklärung zukommen zu lassen.
Unvergessen ist mir der Auftritt des auf „Freak Out“
gestylten Vertreters eines großen Designstudios, der
anlässlich einer Möbelvernissage bei Sekt und Häppchen
eine neue Couchgarnitur vorstellte. „Diese“, so
sagte er wörtlich, „können Sie entspannt auch als Ihre
ganz persönliche Wichswiese nutzen“. Ein aufgeschlossenes,
ja anerkennendes Raunen ging durch
das progressive Publikum, und fortan bemerkte ich
immer mehr Menschen um mich herum, die Wörter
wie ficken, wichsen oder vögeln aussprachen oder
aussprechen wollten, als handele es sich um frische
Brötchen, Butter und Marmelade. Um uns einen Eindruck
davon zu verschaffen, was mit diesen Wörtern
tatsächlich gemeint sein könnte, schlichen sich meine
drei Jahre ältere Schwester und ich eines Tages ohne
Wissen unserer Mutter ins Kino. Gezeigt wurde „Afternoon“
von Andy Warhol aus dem Jahr 1965. Wir
gierten nach dem Film, allein weil das Gerücht umging,
darin wäre ein erigierter Penis zu sehen. Hungrig
nach deutlich Sichtbarem, waren wir entsprechend
enttäuscht, als dieser gar nicht zu erkennen
war. Sexuelle Aufklärung bedeutete in unserem Fall,
den sehr mühsamen Weg zur Erkenntnis selbst gehen
zu müssen.
Etwa zur gleichen Zeit lotste mein damaliger Geschichtslehrer
unsere Klasse mit der Ankündigung
in ein kleines Kino, uns dort einen lehrreichen Film
über die NS-Zeit zu zeigen. Konfrontiert wurden wir
dann völlig unvorbereitet mit den Aufnahmen der
US-Armee, die sie bei der Öffnung des KZs in Dachau
machten. Geschockt von ausgemergelten, zu Bergen
getürmten Leichen und Überlebenden, die buchstäblich
nur noch aus Haut und Knochen bestanden, liefen
wir danach angeekelt, ja schreiend auseinander,
einige Mitschüler*innen mussten sich übergeben. Keiner
von uns hatte zuvor solche Bilder gesehen, wir
waren mit dem Gezeigten komplett überfordert und
haben unseren Geschichtslehrer dafür gehasst. Es war
ein emotionaler Schock. Erst sehr viel später habe ich
verstanden, dass er dies tat, weil er kein anderes Mittel
mehr sah, unsere stoische Ignoranz diesem Thema
gegenüber zu durchbrechen.
Vielleicht erklären diese Beispiele meine frühe Sehnsucht,
zu Themen wie Sexualität und Gewalt eine Art
Aufklärung zu erfahren. Und da ich diese weder zuhause
noch in der Schule bekam, fand ich für mich
einen anderen Ort für diese Sehnsucht: das Kino. Bis
heute prägen mich Filme der Siebziger Jahre: „The
Deer Hunter / Die durch die Hölle gehen“ von Michael
Cimino (1978) mit der Darstellung eines Russischen
Roulettes mit zwei Kugeln als Befreiung aus
einem Vietcong-Gefängnis, mit Robert de Niro in einer
der Hauptrollen, hat mich beim ersten Ansehen
in seiner Gewalttätigkeit derart in die Knie gezwungen,
dass ich den Film in voller Länge an zehn Tagen
hintereinander im Kino durchlebt habe; „Aguirre,
der Zorn Gottes“ von Werner Herzog (1972) faszinierte
mich, weil Klaus Kinski seine eigene wahnhaft narzisstische
Persönlichkeitsstörung weitaus besser darstellt
als die seiner Figur Lope de Aguirre; „Clockwork
Orange“ von Stanley Kubrick (1972) verstörte mich auf
Grund der eruptiven Gewaltexzesse Jugendlicher (damals
mein Alter) bis hin zu einer schwer zu ertragenden
Vergewaltigungsszene; „Der letzte Tango in Paris“
von Bernardo Bertolucci (1972), der vor allem durch
die drastische Darstellung eines Analverkehrs zwischen
Marlon Brando und Maria Schneider meine Generation
dazu zwang, nicht nur so zu tun, als wäre
man progressiv, aufgeklärt und modern, sondern tatsächlich
über Dinge nachzudenken und zu sprechen,
über die selbst in den Siebzigern noch das Tabu des
Schweigens gelegt war; „Die 120 Tage von Sodom“ von
Pier Paolo Pasolini (1975): Die offene Darstellung von
Vergewaltigung, Folter und Mord durch italienische
Faschisten im von deutschen Nazis besetzten Norditalien
erlebte ich wie eine wahrhaftige Kreuzigung. Die
Vielleicht erklären diese Beispiele meine frühe
Sehnsucht, zu Themen wie Sexualität und Gewalt
eine Art Aufklärung zu erfahren.
8

Bilder fliegen unablässig und unablässig
wiederholt durch den virtuellen Raum.
Handlungen und Bilder dieses Films verfolgen mich
bis heute, sie legen, wie auch die anderen Filme, für
mich Zeugnis von den Untiefen der menschlichen
Existenz ab.
Für mich und viele meiner Generation waren diese
Filme eine dringend notwendige Wachrüttelung, uns
endlich den zweifellos vorhandenen – auch den eigenen,
bis dahin konsequent veschwiegenen – Abgründen
menschlicher Fantasie und Wirklichkeit zu stellen.
In meiner durchweg analogen Sozialisation ohne
jede Form von Digitalisierung, Handy, Internet (oder
nicht einmal von VHS-Kassetten), nehmen sie in dieser
Hinsicht eine Schlüsselfunktion ein. Denn schon
das Konsumieren dieser Filme war in der Regel ein
einmaliger, auch aufwändiger Vorgang, der sich nur
dann wiederholen ließ, wenn ich ein zweites oder
drittes Mal mit einer gezahlten Eintrittskarte den Kinosaal
betrat.
Heute werden diese Filme, wie auch die Fotografie
von Nick Ut, ganz anders wahrgenommen, bis hin zu
Forderungen, sie aus eingangs beschriebenen Gründen
komplett aus dem filmgeschichtlichen Kanon zu
entfernen. Die um die Jahrtausendwende einsetzende
Digitalisierung hat, neben anderen gesellschaftlichen
Veränderungen, meiner Überzeugung nach daran einen
entscheidenden Anteil.
Am 11.September 2001 war ich in Kanada. Am Ufer
des Saint Lawrence River wartete ich auf die Fähre.
Ich ging in das Wartehäuschen, um Kaffee zu holen.
Als ich den Raum betrat, lief hinten in einer Ecke ein
Fernseher. Es war vollkommen still, der Ton war abgestellt.
Weil ich die Bilder nicht richtig erkennen
konnte, ging ich auf den Fernseher zu, bis ich die
rauchenden Türme des World Trade Center in New
York erkannte. Neben mir stand ein Pärchen, das fassungslos
auf die Szene starrte. Während ich noch
gar nicht verstand, was eigentlich passiert war, wurden
aus unterschiedlichen Kameraperspektiven die
Einschläge der beiden Flugzeuge in die Hochhäuser
ununterbrochen wiederholt. Bis ich das Geschehene
verstanden hatte, hatte ich das Aufprallen der Flugzeuge
schon mehr als ein Dutzend Mal gesehen bzw.
sehen müssen. Denn magisch angezogen vom Unfassbaren,
wurde ich, ob ich das nun wollte oder nicht,
mit immer denselben Bildern bombardiert. Erst war
es ein unglaublich harter Schlag ins Gesicht, dann
wurde ich betäubt und danach drang etwas ganz tief
in mich ein, ohne dass ich auch nur den Hauch einer
Chance zur Gegenwehr besaß. Es war eine Vergewaltigung.
Es war ein Gefühl, als ob die schrecklichen
Flugzeugexplosionen nicht Sekunden, sondern Stunden
dauern würden. Ich wurde derart in diese Dramaturgie
hineingezogen, dass die „Fernsehzeit“ zu Echtzeit
und die Echtzeit zu Stillstand wurde. Nein, diese
Bilder und ihre nicht enden wollende hundert- und
tausendfache digitale Wiederholung habe ich nicht
gewollt. Und dennoch haben sie in aller Brutalität von
mir Besitz ergriffen.
Die Enttabuisierung unserer Welt hat durch die Digitalisierung
längst stattgefunden. Und der Gewinner
dieser Digitalisierung heißt „Bewegtbild“. Ist ein
Bewegtbild in der Welt, ist es fast ausgeschlossen, es
überall und endgültig wieder verschwinden zu lassen.
Bilder fliegen unablässig und unablässig wiederholt
durch den virtuellen Raum. Dabei gilt: je abstoßender,
desto attraktiver. Denn wer will sich schon einen Sonnenuntergang
ansehen, wenn gleich nebenan ein Killer
live auf Menschen schießt. Selbst in unserer privaten
Kommunikation haben Bewegtbilder mittlerweile
mehr zu „sagen“ als das Wort. Wir nutzen die manipulative
Kraft von Bildern, um uns ganz ohne Worte
zu gefallen. Wir nutzen sie aber auch, um andere
fertigzumachen, zu bashen, zu mobben oder in einen
kriminellen Hinterhalt zu locken. Die amerikanische
Kulturkritikerin Susan Sontag hat schon vor 45 Jahren
in ihren „Essays über Fotografie“ zurecht von einem
„Kameragewehr“ gesprochen, das in der Lage ist, im
weitesten Sinne einen anderen zu töten, oder etwas
9

SPOTLIGHT
harmloser ausgedrückt: ihn seiner Seele zu berauben.
Und das zu einer Zeit, in der es noch gar keine Digitalisierung
gab. Heute besitzen wir alle ein Kameragewehr.
Oder besser ein Kameramaschinengewehr, dessen Besitzer*innen
es mitunter geradezu lustvoll nutzen, um
gezielt Fake News zu verbreiten, um mit strategischer
(Bild-)Desinformation Macht zu zementieren und im
Extremfall mit medial inszenierten Rechtfertigungsszenarien
ganz reale Kriege loszutreten. Seit der Erfindung
der Fotografie waren tatsächliche Kriege immer
auch Bilderkriege, deren propagandistische Kontextualisierungen
einen kriegsentscheidenden Faktor
darstellten. Politische Entscheidungen werden heute
maßgeblich auch von fotografischen Bildern beeinflusst,
von Bildbotschaften, deren Entstehungsprozesse
oft nicht dargelegt oder einfach erfunden werden.
Die akute Einschlagswucht ihrer bewusst gewählten
und zudem digital bearbeiteten Ausschnitte führen
die Konsumierenden in die Irre und manipulieren
sie emotional, bevor sie eine eigene, reflektierte
Deutung dieser Bilder auch nur versuchen können.
Mein Vertrauen in die „Echtheit“ von medialen Bildern
ist durch die Möglichkeiten der Digitalisierung
in erschreckender Weise verlorengegangen. Wer kann
mir heute noch mit Gewissheit sagen, wie „unbearbeitet“
oder „bearbeitet“ ein Bild daherkommt? Ob Fotografien
und ihnen zugeordnete Texte tatsächlich zusammengehören
oder der Zusammenhang durch eine
entsprechende Bildunterschrift nur suggeriert wird,
um eine möglichst dramatische Wirkung zu erzielen?
Um so notwendiger wäre die intellektuelle Durchdringung
der Macht von Bildern. Doch die Studierenden,
die jedes Jahr zu uns kommen, können zwar
Wörter lesen, manche von ihnen auch Noten – das
haben sie in der Schule gelernt. Aber Bilder lesen, das
kennen und können sie nicht, das haben sie in der
Schule nämlich nicht gelernt. Sie können Bilder betrachten,
beschreiben oder mit ihrem Talent welche
erzeugen. Aber das Bilderlesen im Sinne einer Hinterfragung
und Analyse bezüglich Dramaturgie und Haltung
ist ihnen weitgehend fremd. An Stelle einer notwendigen
Medienbildung, so erscheint es mir, wurde
diese durch und durch digitalisierte Generation in
dieser Hinsicht sich selbst überlassen – und damit einer
Art Vereinsamung und Orientierungslosigkeit in
einer allgegenwärtigen Verfügbarkeit aller nur möglichen
(Bild-)Inhalte dieser Welt. Alle Antworten scheinen
damit einhergehend verfügbar, bevor überhaupt
erste Fragen gestellt werden (können). Und wenn junge
Erwachsene anfangen, dies zu realisieren und zu reflektieren,
wird schnell die Sehnsucht geäußert, diese
ständige Penetration einzugrenzen, auszubremsen,
zu reinigen und nicht zuletzt mit verbindlichen Regeln
für den Konsum zu versehen. Meine Generation
war dagegen darauf aus, geltende Regeln zu durchbrechen,
sich zu befreien vom zensierten Denken sowie
der verklemmten Verschwiegenheit der 1950er Jahre.
Einen Rückfall in Zeiten geltender Berufsverbote oder
gar Denkverbote, womöglich bis hin zu einer neuen
Debatte über Begriffe wie „Entartete Kunst“, darf es
nie wieder geben! Ganz im Gegenteil, die durch das
Grundgesetz festgeschriebene Freiheit der Kunst, die
ganz wesentlicher Baustein meiner eigenen Sozialisierung
wie auch vieler Nachkriegsgenerationen war,
muss unantastbar bleiben!
Nein, ich habe die Studierenden an dem eingangs erwähnten
abgebrochenen Punkt der Diskussion nicht
nach Hause geschickt, sondern 15 Minuten an die frische
Luft. Ich hatte mich entschieden, nicht dem unmittelbaren
Gefühl einer erlebten Enttäuschung zu
folgen, sondern der Notwendigkeit, gerade in solch
zugespitzten Konflikten das Gespräch fortzusetzen.
Studierende führen mitunter sehr emotionale
Streitgespräche. Gut so! Sie teilen uns damit auch
mit, dass sie auf ihre Fragen noch keine oder nur
unbefriedigende Antworten haben.
10

Jede Generation hat das Recht auf ihren
eigenen Filmkanon. Deshalb basiert eine
sinnstiftende Diskurskultur zunächst auf
bedingungslosem, gegenseitigem Respekt.
Studierende führen mitunter sehr emotionale Streitgespräche.
Gut so! Sie teilen uns damit auch mit, dass
sie auf ihre Fragen noch keine oder nur unbefriedigende
Antworten haben. Diese Diskurse gilt es abzubilden,
auszuhalten und so anzulegen, dass Studierende
sich darin entwickeln können. Wir müssen ihre
Einwände, Ansichten, ihre Angriffslust und vor allem
ihr Schweigen ernstnehmen. Wir müssen ihnen zuhören,
ohne dabei zu verschweigen, woher wir, die älteren
Erwachsenen, kommen. In den gegenwärtigen
Debatten habe ich gelernt, wie wichtig es für mich
ist, die Filme, mit denen ich groß geworden bin, nicht
zu verleugnen. Obwohl sie unbestritten gewalttätig,
sexistisch und nahezu ausschließlich von Männern
dominiert sind. Jede Generation hat das Recht auf ihren
eigenen Filmkanon. Deshalb basiert eine sinnstiftende
Diskurskultur zunächst auf bedingungslosem,
gegenseitigem Respekt. Dazu gehört erstens, sich gegenseitig
nicht vorzuwerfen, warum wer wann welche
Filme gesehen hat. Und zweitens der Mut und
Wille der Diskutierenden, das persönlich Erlebte in
den Diskurs bewusst einzubringen und sich nicht
hinter programmatischen Ideologien zu verstecken.
Das bedarf nicht zuletzt einer vorurteilsfreien und
klugen Moderation der Debatten; einer Gesprächsführung,
die dazu motiviert, Persönliches auszusprechen
und die einfordert, das Gegenüber ausreden zu lassen
bzw. ihr und ihm zuzuhören.
In der hitzig geführten Diskussion in meinem Seminar
ging es nach der Pause um die Sehnsucht, angstfrei
sprechen zu können. Um geschützte Räume, in
denen das möglich sein sollte. So kamen wir auf Ängste
zu sprechen. Ängste aller Art, Angst als eine endlose
Liste unterschiedlicher Ängste. Angst als Triebfeder
menschlichen Handelns, als Geschäftsmodell der Medien
und so weiter. Wir waren uns darin einig, dass
unausgesprochene Ängste der beste Nährboden für
Destruktion, auch für destruktiv endende Gespräche
sind, oder auch der Grund, gar nicht (mehr) miteinander
zu sprechen. Also erzählten wir uns von unseren
Ängsten, bevor sich unsere Aufmerksamkeit erneut
der Fotografie des fliehenden südvietnamesischen
Mädchens von Nick Ut zuwandte. Die Perspektive auf
das Bild öffnete sich. Nicht mehr der vermeintliche
gewalttätige Sexismus eines männlichen Fotografen
stand jetzt im Vordergrund, sondern die Frage, wer
eigentlich mehr Angst hat: das fliehende Mädchen
oder die es Betrachtenden 50 Jahre später. Dies ermutigte
mich, Susan Sontag aus ihrem Buch „Über Fotografie“
zu zitieren: „Menschen fotografieren heißt,
ihnen Gewalt anzutun, indem man sie sieht, wie sie
sich selbst niemals sehen, indem man etwas von ihnen
erfährt, was sie selbst nie erfahren; es verwandelt
Menschen in Objekte, die man symbolisch besitzen
kann. Wie die Kamera eine Sublimierung des Gewehrs
ist, so ist das Abfotografieren eines anderen ein sublimierter
Mord – ein sanfter, einem traurigen und verängstigten
Zeitalter angemessener Mord.“ Zweifellos
leben wir weiterhin in diesem verängstigten Zeitalter,
mehr denn je. Denn nicht nur das einmalige „Abfotografieren“
selbst erweist sich heute als gewalttätiger
Akt, sondern eben auch das sich millionenfach wiederholende
Betrachten einer allumfassend abfotografierten
und digitalisierten Welt. Diese erscheint – so
mein Bild von ihr – leider oft realistischer als die tatsächliche
Welt, in der wir leben.
11

CAMPUS LUDWIGSBURG
ZWEIUND
ZWANZIG
DREIUND
ZWANZIG
über erstklassige personelle und technische Ausstattung,
weitreichende internationale Vernetzung und herausragende
Künstler*innen und Praktiker*innen als Lehrende.
WO ZU BEGINN DER 1990ER JAHRE VER-
LASSENE KASERNENHÖFE UND PARK-
PLATZBRACHEN DAS BILD BEHERRSCHTEN, IST
EIN EINZIGARTIGES AUSBILDUNGSZENTRUM
FÜR THEATER, FILM, SERIE UND IMMERSIVE
MEDIEN GEWACHSEN.
Die Filmakademie Baden-Württemberg mit ihrem Animationsinstitut,
das Atelier Ludwigsburg-Paris und die
Akademie für Darstellende Kunst tragen durch die Spitzenstellung,
die sie in ihren jeweiligen Bereichen einnehmen,
dazu bei, dass hier im fachspezifischen sowie
im interdisziplinären Raum auf höchstem Niveau gearbeitet
wird.
Dieses inspirierende Neben- und Miteinander bringt einen
interdisziplinären Geist mit sich, der Grenzüberschreitungen
zwischen Erzählformen, Genres und Technologien
enorm befördert. Die Möglichkeiten umfassen
Theater, Film, Animation, neueste digitale Produktionstechniken,
transmediale Formate und vieles mehr in einer
räumlichen Nähe, die in der europäischen Hochschullandschaft
ihresgleichen sucht.
Ein gemeinsames Credo der Institutionen besteht in der
starken Projektorientierung des Studiums. Die Studierenden
finden neben der Inspiration somit auch die Ressourcen
für ihre Vorhaben und sorgen mit ihren vielfältigen
und ambitionierten Projekten für ein pulsierendes
Campusleben.
Ein zentrales Merkmal des Ludwigsburger Campus liegt
in der Autonomie der vier ansässigen Ausbildungsstätten
in der Gestaltung ihrer Studieninhalte, während
sie zugleich auf zahlreichen Ebenen miteinander verwoben
sind. Jede Institution verfügt in ihrem Bereich
Der Ludwigsburger Campus bleibt so ein wichtiger Knotenpunkt
für Studierende und Dozierende, Alumni und
auch für alle interessierten Ludwigsburger Bürger*innen,
u.a. mit »Montags an der ADK«, dem Treffpunkt »Campus
International« und der Filmreihe »Open House«.
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ERÖFFNUNGSWOCHE 19. – 23.09.2022
19.09.2022
FESTLICHE ERÖFFNUNG
ADK UND FILMAKADEMIE
11.00 – 13.00 UHR
BEGRÜSSUNG DURCH:
PROF. THOMAS SCHADT
PROF. LUDGER ENGELS
ERÖFFNUNGSGAST: PROF. DR. ULRIKE GROOS
ORT: VERANSTALTUNG LIVE
BÜHNE ADK FÜR ALLE STUDIERENDEN UND MIT-
ARBEITER*INNEN VON FABW, ANIMATIONSINSTI-
TUT UND ADK.
.
PROF. DR. ULRIKE GROOS studierte in Würzburg,
New York und Münster Kunstgeschichte, Musikwissenschaft
und Ethnologie. Von 2002–2009 leitete sie die
Kunsthalle Düsseldorf. Dort realisierte sie Ausstellungen
wie »Zurück zum Beton. Die Anfänge von Punk und
New Wave in Deutschland 1977–82« (2002), »Palermo«
(2007) und »Sonic Youth etc.: Sensational Fix« (2009).
2010 kuratierte sie die »11. Triennale für Kleinplastik« in
Fellbach. Von 2001 bis 2006 lehrte sie an der Hochschule
für Gestaltung und Kunst in Zürich.
Seit 2010 leitet Groos das Kunstmuseum Stuttgart. Zu
den Höhepunkten des Ausstellungsprogramms zählen
die Retrospektive zu Michael Majerus und die Schau
zum 10-jährigen Jubiläum des Museums »I Got Rhythm.
Kunst und Jazz seit 1920«. Sie war und ist Mitglied zahlreicher
Gremien, u.a. im Beirat Bildende Kunst/Ausstellungen
des Goethe-Instituts, in der Ankaufskommission
des Bundes, als Jurorin im Fachbeirat Allgemeine
Projektförderung der Kulturstiftung des Bundes und in
der Jury der Villa Massimo für Bildende Kunst. Zudem
ist sie Mitglied des Kuratoriums der Kunststiftung Baden-Württemberg
sowie der Kunstkommission QUI-
VID für Kunst am Bau und Kunst im öffentlichen Raum
München und im Stiftungsrat der Camille Graeser Stiftung
an.
SPEED DATING
14.30 – 16.00 UHR
ORT: WIESE AKADEMIEHOF
Alle Erstsemester treffen sich auf der Wiese, welche die
Akademie für Darstellende Kunst und die Filmakademie
miteinander verbindet. In einem Speed Dating kommen
alle zum ersten Mal direkt miteinander in Kontakt.
© Gerald Ulmann
Prof. Dr. Ulrike Groos
13

CAMPUS LUDWIGSBURG
14

AUFTAKT NACH MASS
15.30 – 17.00 UHR
ORT: ALBRECHT ADE STUDIO
Ein Campus, vier Institutionen: Die Akademie für Darstellende
Kunst, die Filmakademie, das Animationsinstitut
und das Atelier Ludwigsburg-Paris. Im Rahmen der
Veranstaltung »Auftakt nach Maß« stellen die Akademieleiter*innen
den Studierenden des ersten Semesters
den Campus vor, stehen für erste Fragen zur Verfügung
und übergeben anschließend an die AStA-Vertreter*innen.
PATENTREFFEN
AB 17.00 UHR
ORT: ALBRECHT ADE STUDIO
Studierende des zweiten Studienjahres der FABW stellen
sich den Erstsemstern der FABW als Patinnen und
Paten vor.
20.09.2022
SEMINAR KOMMUNIKATIONS-
WEGE AN DER FABW /
HOW TO AKA
09.30 – 11.30 UHR
ORT: ALBRECHT ADE STUDIO
20. – 23.09.2022
WORKSHOP MIT TINKERTANK
JASMIN MERTIKAT, FLORIAN GRETH,
JOHANNES MAY SOWIE WEITERE GÄSTE ALS
IMPULSGEBER*INNEN
20.09.2022, AB 13.00 UHR
21. – 23.09.2022, AB 09.30 UHR
ORT: GELÄNDE UND RÄUMLICHKEITEN DER
FILMAKADEMIE UND DER ADK
ADK und Filmakademie eröffnen das Studienjahr wie
auch das Sommersemester mit gemeinsamen Workshops
und Veranstaltungen zu aktuellen und virulenten Themen
der Zeit. Neben Tinkertank (2021) waren hierfür
bisher u.a. das Zentrum für Politische Schönheit (2019:
»Widerstand - Künstlerische Strategien - persönliche
Verantwortung«) und Rimini-Protokoll (2020: »Mind
the Gap«) eingeladen.
Die Eröffnungswoche des Studienjahrs 2022/23 gestaltet
Tinkertank. Die Eröffnung des Sommersemesters ist
in Planung.
„DE-CONSTRUCT CULTURE?“
TINKERTANK (WWW.TINKERTANK.DE)
ist ein mobiles und stationäres Kreativlabor, das als Initiative
der lnteractive Media Foundation (www.interactivemedia-foundation.com)
2013 ins Leben gerufen wurde
- mit dem Ziel, Menschen zu kreativen und selbstorganisierten
Prozessen der Lösungsfindung zu befähigen
und das im Kontext von Technologie, Handwerk, Kultur,
Wissenschaft und Digitalisierung. Tinkertank veranstaltet
neben Workshops und Sommercamps für Kinder
und Jugendliche auch Kreativseminare für und mit
Partnern aus Kunst, Kultur und Wirtschaft. Alumni der
ADK und FABW sind Gründungs- und Teammitglieder
von Tinkertank.
Die lnteractive Media Foundation vereint eine umfassende
Expertise in den Bereichen Konzept, Storytelling,
Theater, Film, Digitales und Produktion. Die Teams experimentieren
mit zeitgemäßen Formaten und Ausdrucksformen,
um gesellschaftlich relevante Themen aus
Kunst, Technik, Gesundheit und Ökologie publikumswirksam
umzusetzen.
15

CAMPUS LUDWIGSBURG
04.11.2022 / 21.04.2023
CAMPUSABENDE /
OPEN STAGE
17.00 – 21.00 UHR
Um die bestehenden Netzwerke zu verstärken und das
Potenzial des Campus weiter auszubauen, finden pro Semester
zwei Campusabende statt. Das Programm dieser
Veranstaltungen stellen die Studierenden gemeinsam
mit den AStAs der ADK und der FABW zusammen. Zeitgleich
finden keine Lehrveranstaltungen statt.
So entsteht Raum für ungezwungene Begegnungen, den
Austausch von Gedanken, Visionen, Projektideen und
-vorstellungen, die Möglichkeit, Neues oder Gemeinsames
entstehen zu lassen: Raum zur Ausweitung des kreativen
Felds zu einem Campus der vielfältigen Möglichkeiten.
Weitere Informationen und Termine siehe www.adk-bw.de und
www.filmakademie.de.
16

CAMPUS IM AUSTAUSCH
GEMEINSAME LEHRANGEBOTE VON ADK UND
FILMAKADEMIE
Die Campus-Idee findet ihre konkrete Umsetzung in
der Gestaltung der Lehrpläne, welche die wechselseitige
Teilnahme an den Lehrveranstaltungen vorsehen.
FILMAKADEMIE-STUDIERENDE KÖNNEN AN DER
ADK AN FOLGENDEN LEHRVERANSTALTUNGEN
TEILNEHMEN:
ALLE STUDIERENDE DER ADK AN:
• Filmgeschichte und -theorie (Nataša von Kopp,
Maurice Fitzpatrick, Prof. Dr. Marcus Stiglegger,
Lioba Schlösser, PD Dr. habil. Andreas Rauscher)
• Verschiedene Seminare zu Film- und Mediengeschichte
(Teil 1 und Teil 2)
• Theorie-Montag (Lektürekurs Gegenwart & Theatergeschichte
/ Ästhetik / Poetologie / Theatergeschichte)
• Machtstrukturen in Kultur, Wissenschaften und Gendergerechtigkeit,
Diversität und Gleichstellung • Methodik
des digitalen Theaters • Vergleichende Mediendramaturgie
• Autor*innen im Fokus • Grundlagen Regie
(Raum und Bühne / Raum und Klang / Kurzprojekte mit
der ABK – Akademie für Bildende Kunst, Stuttgart) •
Grundlagen Schauspiel • Sprechen für Regisseur*innen •
Praxismodule • Szenisches Arbeiten mit Kai Wessel •
Meisner-Technik und Schauspiel-Workshop mit Kai
Wessel • Nomadische Recherche / Adaptionen-Workshop
ADK-STUDIERENDE KÖNNEN AN DER FILMAKA-
DEMIE TEILNEHMEN WIE FOLGT:
REGIESTUDIERENDE AN:
• Filmgestaltung 2 (FG 2 ADK): Einführungswochen
und Szenischer Film (ein Semester)
SCHAUSPIELSTUDIERENDE AM:
• Inszenierungsworkshop
Details zu den Seminaren siehe ADK: www.adk-bw.de
Filmakademie: Online-Kalender
Interessierte werden gebeten, sich vorab bei Angela Staudt / Studienbüro
ADK (angela.staudt@adk-bw.de) oder Juliane Voigtländer
/ Studienleitung (studienleitung@filmakademie.de) anzumelden.
KURZGESCHICHTENBAND »IN DER SCHWEBE«
(TERMIN IN PLANUNG)
Premiere des neuen, sechsten Kurzgeschichtenbands der
Edition FABW zum Thema »In der Schwebe« mit Lesung
ausgewählter Beiträge von FABW und ADK mit anschließendem
Get-Together.
Erneut haben Studierende und Alumni von FABW und
ADK Kurzgeschichten zu einem vorgegebenen Thema
eingereicht.
Bisher erschienen in der Edition FABW, herausgegeben
von Michael Achilles unter der Schirmherrschaft von
Philipp Keel (Diogenes):
»Knapp daneben« (2021), » Sommer« (2020), » Krieg –
Vater aller Dinge« (2019), »Neid« (2018) und »Schlussstriche«
(2017).
17

CAMPUS LUDWIGSBURG
04.11.2022 / 09.12.2022 /
27.01.2023 / 21.04.2023 /
26.05.2023
AKA-PITCHINGS
FREITAGS JEWEILS AB 10.00 UHR
ORT: ALBRECHT ADE STUDIO, BÜHNE ADK
Kurzfristige Ankündigung per E-Mail durch die Studienleitungen
Die AKA-Pitchings dienen der Teamfindung und geben
einen Überblick über aktuelle Themen und Arbeiten. Die
im Fünf-Minuten-Takt gepitchten Projekte reichen u.a.
von performativen Installationen bis zu Theaterstücken
oder Festivals, vom Werbe-, Dokumentar-, Animations-
bis zum Theaterfilm, von Games bis zu szenischen Filmen.
Die AKA-Pitchings schaffen ein Bewusstsein für
die künstlerische Bandbreite und das kreative Spektrum
der Projekte, die an der Akademie für Darstellende
Kunst, der Filmakademie und ihrem Animationsinstitut
entstehen.
Die Teilnahme an allen fünf Pitchings ist für Studierende
der Filmakademie und ihres Animationsinstituts Pflicht.
Die Teilnahme ist für Studierende der ADK einmal im
Studienverlauf Pflicht. Ansonsten ist die Teilnahme erwünscht,
insofern kein anderer Unterricht betroffen ist.
TERMINE UND THEMEN
NACH ANSAGE
THEORIE-MONTAGE
Theoretische Grundlagen sind auch an besonders praxisbezogenen
Ausbildungsstätten die Basis jeglicher konstruktiver
Auseinandersetzung und Ausgangspunkt für
künstlerische Behauptungen und Handschriften.
So bietet die ADK mit einem festen Theoriemontag für
die Studierenden verschiedener Ausbildungsrichtungen
Grundlagen- und Übersichtsseminare aus den Bereichen
Ästhetik / Philosophie, Theater-, Film- und Literaturgeschichte
an.
Die Studierenden des gesamten Campus haben die Möglichkeit,
gemeinsam Grundlagen-, Übersichtsvorlesungen
und Übungen zu besuchen, die dann in einzelnen
Blockseminaren weiter vertieft werden. Die gemeinsame
Ausbildung dient dazu, sich eine gemeinsame Sprache
und Wissensbasis anzueignen, die dem Diskurs auf
dem Campus zugutekommen soll.
Aufgrund der begrenzten Plätze bitten wir Interessierte,
sich vorab bei Angela Staudt / Studienbüro ADK
(studienbuero@adk-bw.de) anzumelden.
Aktive Teilnahme am Pitch kann bis zwei Tage vorher angemeldet
werden. (pitch@filmakademie.de)
Organisation: Andrea Macos
18

TERMINE NACH ANSAGE
NOMADISCHE RECHERCHE
Die »Nomadische Recherche« ist ein studiengangübergreifendes
Projekt unter der spezifischen Anleitung
transdisziplinär arbeitender Künstler*innen. Ziel ist es,
spartenübergreifend künstlerische Formate, Interventionen
und Probetechniken zu erforschen. 2023 ist die
»Nomadische Recherche« als Kooperation mit den Schillertagen
des Nationaltheaters Mannheim geplant.
2021 fand die »Nomadische Recherche« im ehemaligen
Franck-Areal statt - als transdisziplinäres Projekt
der ADK und des Animationsinstituts der Filmakademie
und als Veranstaltung im Rahmen von NEULAND, einem
gemeinsamen Projekt der Stadt Ludwigsburg und
der Wüstenrot Stiftung. 18 Studierende (Regie, Dramaturgie,
Schauspiel) der ADK erarbeiteten in Zusammenarbeit
mit 11 Studierenden der Filmakademie und ihres
Animationsinstituts (Motion Design, Interaktive Medien)
performative Projekte für das Areal der ehemaligen
Zichorien-Rösterei.
19

CAMPUS LUDWIGSBURG
CAMPUS VERNETZT
HOCHSCHULKOOPERATION MIT DER PÄDAGOGI-
SCHEN HOCHSCHULE (PH) IM WS 2022/23
Im Rahmen des Masterstudiengangs »Kulturelle Bildung«
setzen die ADK und die FABW die
Zusammenarbeit mit der PH Ludwigsburg fort.
PH-STUDENT*INNEN KÖNNEN AN FOLGENDEN
VERANSTALTUNGEN TEILNEHMEN:
ADK
THEATERGESCHICHTE:
BEGINN 26.09.2022
MONTAGS (14.45 – 16.15 UHR)
ETHISCHE FILMWAHRNEHMUNG
Im Rahmen der Zusammenarbeit der PH Ludwigsburg
und der FABW wird die Reihe ETHISCHE FILMWAHR-
NEHMUNG angeboten. Abwechselnd finden Workshops,
Panels und Seminare an der FABW und an der
PH statt.
Die Termine und Orte werden per E-Mail angekündigt.
AUFTAKT: KINO CALIGARI, FABW
20.10.2022 (17.00 – 19.30 UHR)
Anmeldung und weitere Informationen jeweils per E-Mail an:
studienleitung@filmakademie.de (für Veranstaltungen an der
FABW) und thomas.wilke@ph-ludwigsburg.de (für Veranstaltungen
an der PH)
INTERNATIONALES POLITISCHES THEATER:
TERMINE IN PLANUNG
FREITAGS (09.00 – 13.30 UHR)
SAMSTAGS (17.00 – 21.00 UHR)
STUDIERENDE VON FABW UND ADK KÖNNEN
AN FOLGENDEN LEHRVERANSTALTUNGEN DER
PH TEILNEHMEN:
Anmeldung per E-Mail an studienbuero@adk-bw.de
Details zu den Seminaren siehe auch: www.adk-bw.de
FABW
20. – 21.09.2022
PROF. DR. MARCUS STIGLEGGER: CLAIRE DENIS
22. – 23.09.2022
MAURICE FITZPATRICK: INGMAR BERGMAN
26. – 27.09.2022
NATAŠA VON KOPP: HELDINNEN MIT SCHWERT
18. – 19.11.2022
LIOBA SCHLÖSSER: QUEER CINEMA HISTORY
10. – 11.02.2023
DR. ANDREAS RAUSCHER: SPIEL / FILM –
KONVERGENZEN ZWISCHEN LEINWAND UND
BILDSCHIRM
VORLESUNGSZEITRAUM:
18.10.2022 – 04.02.2023
SOZIOLOGIE DER LEBENSALTER
DIENSTAGS (10.15 – 11.45 UHR)
Anmeldung und weitere Informationen per E-Mail an: hartunggriemberg@ph-ludwigsburg.de
THEORIEN DER MEDIENBILDUNG
DONNERSTAGS (10.15 – 11.45 UHR)
FILMBILDUNG
DIENSTAGS (14.15 – 15.45 UHR)
Anmeldung und weitere Informationen per E-Mail an: thomas.
wilke@ph-ludwigsburg.de
Die Veranstaltungen im Sommersemester werden von den Studienbüros
bekanntgegeben.
20

CAMPUS FÜR LUDWIGSBURG
26.09.2022 / 14.11.2022 /
19.12.2022 / 16.01.2023 /
27.02.2023
»MONTAGS AN DER ADK«
TREFFPUNKT CAMPUS
INTERNATIONAL
RAUM FÜR INTERKULTURELLE BEGEGNUNGEN
Eine Initiative der Student*innen der Filmakademie und
ihres Animationsinstituts und der ADK.
AUSSICHTEN. EINSICHTEN. GESPRÄCHE.
JEWEILS 20.00 UHR
Als öffentliches Nachdenken über aktuelle Debatten und
Diskurse verstehen sich die Abende mit hochrangigen
Künstler*'innen, Wissenschaftler*innen oder Expert*innen.
Die Reihe wird im Wintersemester fortgesetzt. Den
Auftakt macht Sivan Ben Yishai (Autorin und Theaterregisseurin)
am 26.09.2022.
Alle Informationen zu den weiteren Gästen unter
www.adk-bw.de.
An ausgewählten Terminen pro Semester werden die
ADK und die Filmakademie zu einem Ort der Begegnung
und des Kennenlernens unterschiedlicher Kulturen und
Künstler*innen. Verschiedene Veranstaltungsformen –
Vorträge, Diskussionen, Musik und Get-Together – bieten
die Gelegenheit, sich auszutauschen und Netzwerke
weiter zu verknüpfen. Der einzigartige, kreative Campus
und die internationale Ausrichtung der Institutionen
bieten mit dem »Treffpunkt Campus International«
insbesondere für internationale Studierende einen Raum
für interkulturelle Begegnungen. In enger Abstimmung
mit der Internationalen Fachschaft und den AStAs der
FABW und der ADK setzt sich der »Treffpunkt Campus
International« für eine stärkere Integration und bessere
Kommunikation auf dem Campus und darüber hinaus
ein: Er versteht sich als Einladung an alle Menschen, die
sich für einen internationalen kulturellen und künstlerischen
Austausch interessieren.
21

CAMPUS LUDWIGSBURG
DER OFFENE CAMPUS
EIN KREATIVES, VIELFÄLTIGES LABOR
Studien- und Semesterarbeiten der Studierenden laden
dazu ein, den kreativen Nachwuchs in seiner Entwicklung
zu entdecken und zu begleiten: Öffentliche filmische
Semesterpräsentationen, 10 bis 15 Werkstattinszenierungen
aus dem »Labor« der ADK-Studierenden,
Bachelorarbeiten und Inszenierungen der zweimal jährlich
stattfindenden Themenmodule. Zum Ende eines
Studienjahres findet alle zwei Jahre das von den Studierenden
ausgerichtete internationale, junge Theaterfestival
»FURORE« statt. Da 2022 an der ADK das bundesweite
Schauspielschultreffen stattfand, ist »FURORE«
für 2023 geplant.
Der offene Campus mit ca. 60 öffentlichen Veranstaltungsabenden
gewährt Einblicke in ein kreatives, vielfältiges
interdisziplinäres Labor.
Aktuelle Veranstaltungen werden über die Websites der
Akademien bekanntgemacht.
22

23

IN ZAHLEN
500
STUDIERENDE
300
DOZIERENDE
130
ANGESTELLTE
HANDWERK,
THEORIE UND PRAXIS
PROJEKTARBEIT
IM TEAM
FREIHEIT ZUR
ENTWICKLUNG DER
EIGENEN KREATIVEN
HANDSCHRIFT
ENGE ZUSAMMENARBEIT
MIT DER FILM- UND
MEDIENBRANCHE
24

EIN ÜBERBLICK ÜBER DAS STUDIUM
AN DER FILMAKADEMIE BADEN-WÜRTTEMBERG
DAS STUDIUM IST STARK PRAXISORIEN-
TIERT UND STELLT DAS PRINZIP „LEAR-
NING BY DOING” IN DEN VORDERGRUND.
VON BEGINN AN ERARBEITEN DIE STUDIE-
RENDEN ALLER GEWERKE IHRE FILME GE-
MEINSAM. SO ENTSTEHEN JÄHRLICH ÜBER
250 FILME ALLER GENRES UND FORMATE.
• die Förderung der Freiheit zur Entwicklung der eigenen
kreativen Handschrift
Betreut und unterrichtet werden die etwa 500 STUDIE-
RENDEN von über 300 HOCHKARÄTIGEN FACHLEU-
TEN aus der Film- und Medienbranche und über 130
Angestellten der Filmakademie.
Das Ausbildungsangebot spiegelt die ganze thematische
Bandbreite der Medienbranche wider, von Drehbuch,
Regie und Kamera bis hin zu Animation, Szenenbild und
Montage, von Produktion, Filmmusik und Sounddesign
bis zu Motion Design und Interaktive Medien.
Neben den klassischen Erzählformen für Film und Fernsehen
bereichern Social Media, partizipative Performances,
immersives Entertainment, Games und weitere neue
Formen des Geschichtenerzählens die Branche, verändern
Berufsbilder und lassen neue Formate und Ertragsmodelle
entstehen. Studienanfänger*innen erwarten zurecht,
dass ihre Hochschule sie auf diese sich ständig
verändernde Realität bestmöglich vorbereitet. Die Antwort
der Filmakademie Baden-Württemberg auf diese
Herausforderung liegt in einer umfassenden Ausbildung,
die von Anfang an auch Kenntnisse außerhalb des
eigenen Studienschwerpunktes vermittelt.
Sie folgt dem Credo, Studierenden mit dem ganzen
Spektrum ihrer Talente, Schwerpunkte und Ambitionen
größtmögliche Spielräume zur Entwicklung einer individuellen,
künstlerischen Identität zu eröffnen.
AN DER FILMAKADEMIE ERWARTET
DIE STUDIERENDEN:
600-700 Bewerber*innen konkurrieren jährlich um etwa
100 Studienplätze in den folgenden Studiengängen:
GRUNDSTÄNDIG WERDEN ANGEBOTEN:
• FILM UND MEDIEN
• FILMMUSIK UND SOUNDDESIGN
• PRODUKTION
ALS DIPLOMAUFBAUSTUDIENGÄNGE
WERDEN ANGEBOTEN:
• ANIMATION / ANIMATION &
EFFECTS PRODUCING
• ANIMATION / TECHNICAL DIRECTING
• FERNSEHJOURNALISMUS
• FILMMUSIK
• FILMTON / SOUNDDESIGN
• INTERAKTIVE MEDIEN
• MOTION DESIGN
• SZENENBILD
Die Studienzeit richtet sich danach, ob Studierende im
Grundstudium beginnen, den Quereinstieg wählen oder
im Diplomaufbaustudiengang studieren. Im Vollstudium
(Grund- plus Projektstudium) beträgt die durchschnittliche
Studienzeit 8 Semester plus 1 Diplomsemester.
• eine Ausbildung, die praktisches Filmemachen und
Theorie kombiniert
• Projektarbeit im Team
Der Quereinstieg ist der direkte Einstieg in das Hauptstudium
(Projektstudium) mit Bachelor oder Vordiplom
und dauert in der Regel 4 Semester plus 1 Diplomsemester.
• die Möglichkeit, Kontakte zu knüpfen, die bis in den
Markt reichen und wegweisend für spätere Jobs sein
können, weil die Filmakademie eng mit der Filmund
Medienbranche zusammenarbeitet
Das Studium im Diplomaufbaustudiengang mit Nachweis
eines abgeschlossenen Studiums in einer artverwandten
Disziplin dauert in der Regel ebenfalls 4 Semester
plus 1 Diplomsemester.
25

IN ZAHLEN 21
INTERNATIONALE
PARTNER-
INSTITUTIONEN
53
OUTGOINGS
DIPLOM-
AUFBAUSTUDIENGÄNGE:
Animation / Animation & Effects Producing
Animation / Technical Directing
Fernsehjournalismus
Filmmusik
Filmton / Sounddesign
Interaktive Medien
Motion Design
Szenenbild
21
INCOMINGS
GRUND- UND
PROJEKTSTUDIUM:
Film und Medien
Produktion
Filmmusik und Sounddesign
100
STUDIENPLÄTZE
600-700
BEWERBER*INNEN
JÄHRLICH
26

Jedes Jahr begrüßt die Filmakademie Studierende von etwa
20 Partnerinstitutionen aus aller Welt bei sich. Sie
bereichern den Campus mit eigenen Projekten und partizipieren
im Rahmen der Internationalen Klasse am Unterricht.
Studierende der Filmakademie haben ebenfalls die Möglichkeit,
an Partnerhochschulen im Ausland zu studieren.
Für Interessierte sind detaillierte Informationen über
den Studienverlauf auf der Homepage der Filmakademie
www.filmakademie.de im Bereich Studienverlauf erhältlich.
INTERDISZIPLINÄRE VERANSTALTUNGEN
Neben einer fundierten handwerklichen Ausbildung im
jeweiligen Studienfach sowie der Verbesserung der eigenen
Fertigkeiten durch die Mitarbeit an vielfältigen
studentischen Produktionen der Filmakademie spielt
auch die Ausbildung eines breit gefächerten Verständnisses
für medienbezogene Prozesse und Diskurse eine
wichtige Rolle. Der berühmte „Blick über den Tellerrand“
bzw. die Erweiterung des eigenen Horizonts ist
an der Filmakademie keine „Kür“, sondern ein essenzieller
Bestandteil der künstlerischen Entwicklung, die
durch ein vielfältiges Angebot an Lehrveranstaltungen
gefördert wird.
In interdisziplinären Kursen und Seminarreihen werden
Inhalte wie „Green Shooting“, „Green Storytelling“, Genderdiversität
oder der Weg in die berufliche Selbständigkeit
näher beleuchtet.
Während im Grundstudium verschiedene Seminare zur
Film- und Mediengeschichte Teil des Pflichtunterrichts
sind, wählen Studierende der Diplomaufbaustudiengänge
oder des Quereinstiegs aus einem Angebot an jährlich
wechselnden Filmgeschichts- und Filmtheorie-Seminaren
aus, die stets die individuelle Auseinandersetzung
mit einer Themenstellung beinhalten und in Form einer
Hausarbeit oder eines Referats abgeschlossen werden.
OPEN HOUSE
OPEN HOUSE ist der Titel einer Lehrveranstaltungsreihe,
die in der Regel zwei Mal pro Semester im Kino Caligari
in Kooperation mit Kinokult Programmkinos stattfindet.
In dieser Reihe präsentieren – in der Regel mittwochabends
ab 17.00 Uhr – ehemalige Studierende der
Filmakademie oder aktuelle Gastlehrende ihre neuen
Projekte aus unterschiedlichen Bereichen und berichten
im Anschluss an das Screening in einem Werkgespräch
u.a. über die Entstehung und Hintergründe des
Films, gefolgt von einem Q&A. Hier wird es auch sehr
begrüßt, wenn Teammitglieder aus verschiedensten Gewerken
anwesend sind (Regie, VFX, Kamera, Szenenbild
etc.) und von ihren Erfahrungen berichten.
OPEN HOUSE verbindet die Analyse aktueller Medienproduktionen
mit der Vernetzung von Studierenden,
Alumni und Lehrenden bewusst gewerkeübergreifend.
Die kritische und diskursive Auseinandersetzung mit aktuellen
Medienproduktionen ist ein wichtiger Bestandteil
des Lehr- und Bildungsauftrags der Filmakademie.
Sofern es sich bei den eingeladenen Gästen um Alumni
der Filmakademie handelt, trägt die OPEN HOUSE-Veranstaltung
den Untertitel THERE AND BACK AGAIN
– ALUMNI STELLEN SICH VOR. Dies betont noch
einmal die besondere Bedeutung eines aktiven Studierenden-Alumni-Netzwerks.
27

STECKBRIEF
BILDGESTALTUNG/KAMERA
1
STUDIENKOORDINATION UND
PROJEKTBETREUUNG
Roland Mönch
Christine Montigel
2
LEITENDE DOZIERENDE
Prof. Kay Gauditz
Prof. Thomas Merker
3
WIE VIELE STUDIERENDE
PRO STUDIENJAHR?
6-8 Studentinnen und Studenten
4
WAS SOLLTEN BEWERBER*INNEN
MITBRINGEN?
Kreativität und Neugier auf neue
Erzählformen – soziale Kompetenz,
Teamfähigkeit, Zuverlässigkeit,
Empathie, Resilienz – Lust
auf Gestaltung – Lust auf das
Studium an der Filmakademie in
Ludwigsburg.
5
WARUM IST DIE FILMAKADEMIE
DER IDEALE ORT FÜR EIN
STUDIUM?
Interdisziplinäres,
praxisorientiertes Studium.
Lehre der künstlerischen und
organisatorischen Kameraarbeit
– national und international
erfahrene Dozierende / Directors
of Photography vermitteln
Studieninhalte auf professionellem
Standard und darüber hinaus.
6
WAS LERNEN
DIE STUDIERENDEN HIER?
Die Kunst der Bildgestaltung
und die Praxis der Kameraarbeit
– Teamarbeit und Teamführung –
alle Voraussetzungen, um in eine
erfolgreiche DoP-Karriere starten
zu können.
“Cinematography is more than just
making pretty pictures.” Mario Tosi
7
ONE COOL FACT ABOUT...
Learning by doing – nationale und
internationale Vernetzung
8
MOTTO
“The director leads the actors,
the cinematographer directs the
audience.” Conrad Hall
28

DOKUMENTARFILM
1
STUDIENKOORDINATION
Thorsten Schütte
2
PROJEKTBETREUUNG
Greda Sieber, Peter Kuczinski
3
LEITENDE DOZIERENDE
Prof. Heidi Specogna
4
WIE VIELE STUDIERENDE
PRO STUDIENJAHR?
Ca. 6 Studierende
5
WAS SOLLTEN BEWERBER*INNEN
MITBRINGEN?
Lust auf das Unbekannte, kritisches
Denkvermögen, Geduld, Neugierde,
Teamfähigkeit, Kreativität,
Experimentierfreude
6
WARUM IST DIE FILMAKADEMIE
DER IDEALE ORT FÜR EIN
STUDIUM?
Praxisnahes Lernen und Arbeiten,
versierte Dozent*innen und
Referent*innen, Arbeiten im
Team, ausgezeichnete technische
Ausstattung, große künstlerische
Freiheit, gutes Netzwerk/Kontakte
zum Markt, intensiver Austausch
mit den anderen Fachrichtungen,
internationales Netzwerk und
Austauschmöglichkeiten, Exkursionen
u.a. zum DOCUMENTARY
CAMPUS, zum DOK Filmfestival
Leipzig und zur CPH:DOX
Kopenhagen
7
WAS LERNEN
DIE STUDIERENDEN HIER?
Mit eigenen Ideen und verantwortlicher
Haltung gegenüber
Menschen und Tatsachen Realität
kreativ zu gestalten, formatoffenes
Arbeiten, Recherche- und
Interviewtechniken, gestalterische
und inhaltliche Bandbreite in
Stoffentwicklung und Dramaturgie,
Arbeiten im Team, eigenes
kreatives Potenzial ausschöpfen,
mehr über sich selbst…
8
MYTH BUSTING:
WAS LERNT MAN HIER NICHT?
Die Verbreitung von Fake News
9
ONE COOL FACT ABOUT...
Das dokumentarische Arbeiten
unterscheidet sich von anderen
medialen Formen dadurch, dass
es – je nach Sujet und finanzieller
Situation – sowohl das Ein-/
Zwei-Personen-Team geben kann,
in dem verschiedene Berufsbereiche
in Personalunion ausgeübt
werden, als auch das große
Filmteam, wie beim Dokudrama,
das dem Spielfilm durchaus
vergleichbar ist. Alles ist möglich!
10
MOTTO
Die Ausformulierung einer
künstlerischen Handschrift beginnt
im Kopf !
29

30

ANIMATIONSINSTITUT GRUSSWORT
WHERE IS YOUR SOUL?
Anima (lat./ female: the spirit, the soul, the ghost)
So, what is the spirit? What is the soul? Who is the ghost? As Animationsinstitut
includes the word «anima» in its name, we should elaborate on
these questions.
And this can be tricky. Because it is easy to answer the question «Where is your
nose?», but it is not so easy to answer the question «Where is your soul?». When we are
talking about the spirit, the soul and the ghost, we are heading towards the invisible world.
To craft this invisible world was and is the main task and the main duty for the students
at the institute, I think.
To address the complex issues related to the invisible world to the students, three terms
have always been important to me: Relevance, intensity and originality.
What is relevant? Everything we feel something for. That seems to be the most important
thing: To be able to feel something. To be ready to share these feelings. We have to be able
to cry, otherwise we won’t be able to make our audiences
cry. And only if we are able to cry, we will be able to laugh,
so we can make our audiences laugh. Most of all, we have
to force ourselves to think in order to prepare the ground
for our audiences to continue the thinking.
What is intense? To be involved. Not to get bored. So, how
can we take this chunk of coal and press it in a way it turns
out to be a diamond? A lasting diamond. This has to be discussed
individually, as ideas are individual, but here are a
few simple guidelines: Keep it as short as possible. Don’t
forget the sound. Leave space for the audiences. And learn
to craft the silence.
What is original? Basically everything that evokes an
«Ooooh!» or an «Aaaaah!» How can we achieve this? First
of all: Don’t bullshit yourself. Second: Don’t bullshit the audience.
Third: Try to be specific. What makes your world,
your spirits, your souls and your ghosts different from all
the others? That is perhaps the most difficult task.
Writing down these words is easy. Being devoted to them is tough. That is why the one
sentence that stands above all the madness of creating animated projects, is: The person is
more important than the project. We should never forget this.
Prof. Andreas Hykade is the Head of the study specialization Animation Directing at the Filmakademie
Baden-Wuerttemberg's Animationsinstitut. The text is taken from the book 20 YEARS – 20 PROJECTS that was
published on the occasion of the instutute´s 20 th birthday. Further information on the anniversary publication and
celebrations are available on the following pages and on: www.animationsinstitut.de/20y20p.
Prof. Andreas Hykade ist Leiter der Studienvertiefung Animation Directing des Animationsinstituts der
Filmakademie Baden-Württemberg. Der Text stammt aus dem Buch 20 YEARS – 20 PROJECTS, das zum 20.
Jubiläum der Gründung des Instituts erschienen ist. Weitere Information zu Festschrift und Jubiläum gibt es auf den
folgenden Seiten sowie auf www.animationsinstitut.de/20y20p.
31

ANIMATIONSINSTITUT 20 JAHRE
20 Jahre Animationsinstitut
VOR 20 JAHREN WURDE DAS ANIMA-
TIONSINSTITUT ALS TEIL DER FILM-
AKADEMIE BADEN-WÜRTTEMBERG
GEGRÜNDET. ANIMATION UND VISUELLE
EFFEKTE (VFX) ERLANGTEN DAMIT END-
GÜLTIG EINEN HOHEN STELLENWERT IN
DER AUSBILDUNG IN LUDWIGSBURG – EINE
WEGWEISENDE ENTSCHEIDUNG, DIE VOR-
BILD FÜR VIELE ANDERE FILMSCHULEN EU-
ROPAS WURDE. DAS JUBILÄUM IST BEREITS
GEBÜHREND GEFEIERT WORDEN. DOCH
AUCH WÄHREND DES STUDIENJAHRS 22/23
BLICKEN WEITERE EVENTS UND FORMATE
AUF DIE GESCHICHTE, ABSOLVENT*INNEN
UND LEGENDÄRE PROJEKTE DES INSTITUTS.
JAZZ ORGIE. Zudem erzählen im Campus Magazin zwei
langjährige Mitarbeitende in Interviews von der erstaunlichen
Entwicklung des Instituts. Dazu gibt es einen Artikel
über vier Absolventinnen des Animationsinstituts,
die seit 2012 Kinder in aller Welt mit Animationsserien
verzaubern. Am Beginn ihrer Erfolgsgeschichte stand
eine Kooperation der Filmakademie mit dem Südwestrundfunk.
Die Geburtstagsparty für das Animationsinstitut stieg
am 15. Juli 2022. Viele Absolvent*innen der vergangenen
20 Jahre sowie Studierende, Mitarbeitende und Weggefährt*innen
des Instituts kamen zum Feiern auf dem
Campus zusammen. Im Rahmen der sogenannten Birthday
Reception, dem offiziellen Festakt mit Live-Show im
Albrecht Ade Studio, wurde auch erstmals die zum Jubiläum
erschienene Festschrift 20 YEARS – 20 PROJECTS
vorgestellt. In der limitierten Publikation schreiben einige
Absolvent*innen Essays über 20 „ikonische Projekte“,
die am Animationsinstitut entstanden sind. Sei es zu mit
Preisen überhäuften Filmen wie BUNNIES, THE PRE-
SENT oder THE BEAUT Y, zu berühmten Forschungsarbeiten
wie den Meilenstein auf dem Weg zum „digital
human“ EINSTEIN oder zur Konferenz FMX – es sind
mitunter große Liebeserklärungen an das Animationsinstitut
und besondere Perspektiven auf die dort vermittelte
Animations- und VFX-Kunst entstanden.
Auf den folgenden Seiten sind 3 der Essays aus der Festschrift
zu lesen: Michael Bohnenstingl schreibt über 366
TAGE von Johannes Schiehsl, Julian Jungel über das
Game PERFECT WOMAN von Lea Schönfelder, und
Anna Henckel-Donnersmarck zu Irina Rubinas Projekt
Szenen vom Festakt am 15. Juli 2022 (linke Seite),
32
20 Projekte aus 20 Jahren Animationsinstitut (rechte Seite)

WWW.FMX.DE
APRIL 24 - 27
GERMANY
STUTTGART,
WORLDS
CREATING
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ANIMATIONSINSTITUT 20 JAHRE
Darüber hinaus gibt es im Jubiläumsjahr noch die
Liveshow-Reihe 20Y20P @ ANIMATION STAGE. Hier
treffen sich die Essayist*innen der Festschrift, um vor
Publikum über ihre jeweiligen Projekte zu sprechen. Die
namensgebende ANIMATION STAGE ist zugleich eine
Online-Event-Plattform, die für die ganze Animationsinstitut-Community
eine Bühne sein wird, sowie ein Hub
zum Netzwerken für Absovent*innen, Studierende, Dozierende,
Mitarbeitende und alle Freund*innen und Fans
des Instituts. Nach der Sommerpause werden auf der
ANIMATION STAGE unterschiedliche Events stattfinden
und über das Jahr weitere Angebote sowie Studieninfotage
und Online-Programme für Studieninteressierte
abrufbar sein.
Wer Lust hat, kann die Birthday Reception online
abrufen.
Für mehr Infos schaut vorbei auf
www.animationsinstitut.de/20y20p.
Auf der ANIMATION STAGE
finden Liveshows
und Online-Events statt
Bei der Birthday Reception wurde erstmals die Festschrift 20 YEARS – 20 PROJECTS präsentiert
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History
1980 – 1990
Prof. Albrecht Ade establishes an animation class at the
Academy of Fine Arts Stuttgart.
1982
The Stuttgart International Festival of Animated Film
(ITFS) is founded.
1991
Filmakademie Baden-Wuerttemberg (FABW) is founded
in Ludwigsburg with animation/CGI as an essential part
of the educational provision.
1994
The first German Film and Media Exchange (FMX) takes
place in Stuttgart.
2002
Prof. Thomas Haegele becomes the founding director
of the Institute of Animation, Visual Effects and Digital
Postproduction at FABW, with the study areas Animation,
Visual Effects, Content Creation and the newly
founded Technical Directing programme. Since then, the
institute has been responsible for training the Filmakademie’s
animation and effects students and for the digital
postproduction of student projects at FABW. The German
Film and Media Exchange is renamed FMX, which becomes
an international event organised by the institute.
The Research and Development department, led by Prof.
Volker Helzle, is founded at the institute.
2003
The short film ROCKS (DAS RAD, Heidi Wittlinger,
Chris Stenner, Arvid Uibel) is nominated for an Academy
Award in the Best Animated Short category.
2008
The Interactive Media field of study, established by Inga
von Staden, is integrated into the institute, building a
bridge between the institute and the other departments
of the Filmakademie. The study specialisation Animation/Effects
Producing is founded. The first edition of
the EU-funded programme Animation Sans Frontières
takes place, a collaborative project between the Animationsinstitut,
the Animation Workshop in Viborg, GOBE-
LINS l’école de l’image in Paris and the Moholy-Nagy
University of Art and Design in Budapest.
2009
The Animationsinstitut becomes part of the newly
founded Animation Media Cluster Region Stuttgart
AMCRS, a network initiated by the MFG Baden-
Württemberg, with members from the animation,
games, VFX and other media sectors, as well as universities
and academies.
2015
Prof. Andreas Hykade becomes head of the Animationsinstitut.
The subject of Intellectual Property is integrated
into the institute’s curriculum.
2020
The financing of the strategy paper «Filmakademie
2030» allows the Animationsinstitut to establish the specialisation
Character Animation and to expand its international
activities.
2022
Since 1992, the Animationsinstitut’s productions have received
more than 1.000 international awards, making it
one of the most renowned institutes of its kind in the
world. In the summer of 2022, the Animationsinstitut
celebrates its 20th anniversary.
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20Y
20P
36

ANIMATIONSINSTITUT 20 YEARS – 20 PROJECTS
366 Tage – Johannes Schiehsl
The Animated Rhythm of Reality
ANIMATION AND ME, WE HAVE A
COMPLICATED RELATIONSHIP.
WE STARTED OUT LIKE CHILD-
HOOD FRIENDS, MYSTERIOUSLY
ATTRACTED TO EACH OTHER. THERE WAS
THIS UNSPOKEN AGREEMENT THAT: «YOU
AND I, WE SHOULD HANG OUT MORE!» SO
WE DID. AND IT WAS FUN. REFLECTING ON
IT NOW, I THINK IT WAS THE MEDIUM’S IN-
HERENT SUBSTANTIAL LEVEL OF CONTROL
THAT APPEALED TO ME. I WAS A WIMPY,
UNPOPULAR KID WITH A VIVID FANTASY,
LOW IN THE PECKING ORDER OF LIFE. BUT
WHEN DOODLING ON THE WHITE, EMPTY
PATCHES OF MY SCHOOLBOOKS, I SUD-
DENLY BECAME POWERFUL! A SOLE RULER
OVER REALITY! A GOD! I WAS ENABLED
TO MAKE THE IMPOSSIBLE POSSIBLE, THE
INVISIBLE VISIBLE, TURN THE INSIDE OUT.
I COULD CRUSH MY ENEMIES OR MAKE MY
ROMANTIC AMBITIONS COME TO LIFE!
In short: I was not too firmly rooted in reality. And
please excuse the generalisation, but I assume that many
of my colleagues share a similar origin story. My proof ?
Just think of the sado-masochistic nature of the animation
process: the average animator is totally fine indulging
in a process that reasonable people would consider
torture. Sitting alone in a dark room, at a desk, staring
into a screen, while endlessly redrawing the same characters
with only minute differences, for periods of time
that are so long that other people might have gone on
adventures, found love and/or given birth to their first
child in the meantime.
And to what end? A little piece of art that usually does
not last much longer than a terrible pop song. Again I
am generalising, but maybe if you are willing to do this
you might not be too interested in real life or comfortable
with real people.
So here is where my issue with my old pal animation
arises: if you let the above-mentioned introverted
userbase interact with a medium that promises unbound
« Just think of the sado-masochistic nature of the animation process:
the average animator is totally fine indulging in a process that
reasonable people would consider torture. »
37

ANIMATIONSINSTITUT 20 YEARS – 20 PROJECTS
freedom, it will often result in films with navel-gazey
and escapist tendencies – formally, as well as with regard
to the content. This impression crept up on me
when I started to attend animation film festivals. Go
see for yourself ! Questionable filmmaking everywhere!
Heaps of films getting lost in broad visual metaphors.
Films that are formally virtuous, but empty on the inside,
talking to no one but themselves. There is the obvious
and prevalent masturbatory use of digital technology!
Or films that seem to compete to find ever more
labour-intensive ways of production, while completely
losing sight of an engaging story.
tries to do his job, but soon realises that to truly care for
his patients would mean to go way beyond the requirements
and constraints of his official duties. There are
ailments of the body but the most insidious seems to be
this wound within his patients’ soul, incurable by bandages
or medicine: loneliness.
Our ambitious protagonist tries his best. He sits down
with the forgotten people, listens to their stories, plays
chess, and watches TV with them. But because his job
is not designed to sustain this level of care and because
he cannot withstand the avalanche of need alone, he is
doomed to fail. He cannot save everybody. Ultimately, he
« A director talking about his inner journey while
being a paramedic. That sounds kind of navel-gazey too. »
In this dominion of introversion, I was longing for films
that dive right into the human condition. Real stuff!
Real life! Films like little fragments of wisdom that I can
store on this tiny shelf in my heart and pull out whenever
life confronts me with difficult emotional conundrums.
This breed of films is rare in the world of independent
animation, so I am especially grateful that
366 TAGE (366 DAYS, 2011) exists.
In 366 TAGE, Austrian director Johannes Schiehsl remembers
his time in community service, working as a
paramedic. Our young protagonist in his bright red coat,
carrying the symbol of the red cross, is thrown into the
grey, monotone world of the people in need of an ambulance.
Guided by his meaty, closelipped instructor he
38
understands that the silent manner of his chunky supervisor
is by no means the indifference for which he
first mistook it, but instead a protective reaction against
getting lost in caring too much. For empathy is a limited
resource and therefore needs to be spent deliberately
and effectively. This leads us to the film’s conclusion,
in which the instructor shares his secret weapon, helping
him to manage the daily grind: do everything in the
rhythm of the Radetzky March!
Maybe you’re thinking: «A director talking about his
inner journey while being a paramedic. That sounds
kind of navel-gazey too.» You are raising a good point,
wise one. This subject matter could have been another
touchy-feely introspective extravaganza. But Schiehsl

tells his story clearly and approachably. He communicates
well and wants to be understood. The film is emotionally
rich, but none of its points are made in an abstract
way. Although taking a very personal point of
view, it even lends itself to be viewed through a political
lens: subtly, it talks about the hardships of working
in the care sector. Not enough time, not enough resources,
and a constant strain on your psyche, which can leave
permanent indentations on your character. More than a
decade later, this message resonates even more strongly
after the Covid pandemic taught us the importance of
such dedicated carers, who are vastly underpaid and often
underappreciated.
The film’s close relationship with reality is also evident
in its formal approach. While being far from photorealism,
the design of the characters is only slightly exaggerated
and simplified. They are puppets that inhabit
an almost naturalistic world. The camera is bound by
the laws of physics, the composition of the shots is calm,
the usage of light is restrained, and the movement of the
characters is entirely in the realm of anatomic possibilities.
In fact, the film is so «real» that you, being wise,
might ask:
«Why is it done in animation at all?»
And again, you seem to have a point. One could easily
reimagine this film in live-action, adapted shot by
shot and at first glance you would have different techniques,
but similar films. But remember what I told you
about the ridiculously labour-intensive process of making
animation? As painful and somewhat pathetic as it
can be (you know, being alone in a dark room at a desk
and all), it is also a process that demands exceptional
care. In live-action filmmaking you orchestrate performances,
you capture, arrange and edit. But because
Schiehsl chose animation, he had to digest his memories
artistically and intellectually and then reimagine them
through competent craftsmanship. Every point in a polygon
had to be placed in a way so that it would form the
mesh that makes our paramedic’s body. All the frames
had to be individually manipulated so that if you rapidly
flipped through them, they would play back the lifesaving
rhythm of CPR.
Animation seduces you to get lost in all its micro-decision-making.
To resist, you need extraordinary intention,
love and care. But if you ultimately prevail in this fight,
you add unmeasurable value to your subject matter. For
doing exactly that, for truly caring about their audience
and story, for sharing a valuable insight into the human
condition and ultimately for helping me mend my relationship
with my old friend animation, I want to thank
everybody involved in the making of 366 TAGE.
May you go on in the beat of the Radetzky March!
by Michael Bohnenstingl
MICHAEL BOHNENSTINGL is a writer & director
focusing on character-based storytelling in animation.
He paused his studies at the Animationsinstitut to work
on a television series at Studio Soi.
Michael graduated from the Filmakademie’s Animationsinstitut
in 2021 with his diploma film SLOUCH. He is
currently working on feature and serial storytelling formats.
39

ANIMATIONSINSTITUT 20 YEARS – 20 PROJECTS
JOHANNES SCHIEHSL studied Animation at the
Filmakademie’s Animationsinstitut from 2007 until 2011.
After graduating he was a founding member of the studio
Neuer Österreichischer Trickfilm (New Austrian
Animation). He was involved as a director in the TV
series HEXE LILLI (LILLY THE WITCH) and supported
the animated feature film FRITZI: EINE WENDE-
WUNDERGESCHICHTE (FRITZI: A REVOLUTIONARY
TALE) as a producer.
Johannes wrote and directed short films such as STAR
HUNTER and STRAIGHT AND CURVED, and worked as
a designer on successful VR and AR projects such as the
first VR ghost train in Vienna’s Prater and an interactive
tour of the Vienna National Library. He currently works
as an independent filmmaker and producer in Austria,
and is a member of the Austrian Film Academy and winner
of the Lower Austria Culture Prize.
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» Animation seduces you to get lost
in all its micro-decision-making. «
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ANIMATIONSINSTITUT 20 YEARS – 20 PROJECTS
Perfect Woman – Lea Schönfelder
The Female Move
IN ORDER TO WRITE ABOUT
PERFECT WOMAN (2014), I HAD A
CONVERSATION WITH THE AU-
THOR OF THE GAME. LEA SCHÖNFELDER
FOUNDED FEIN GAMES, A FEMALE-LED
GAMES STUDIO DEVELOPING GAMES FOR
WOMEN, WITH FRANZISKA ZEINER IN 2021.
JULIAN: Hello Lea, great to see you again!
LEA: Great to see you again too!
PERFECT WOMAN came out eight years ago. Looking
back now, what do you think is the best thing about it
and what should players take from your game?
Good question. The game is basically about «dancing» a
more or less perfect life story. The player has to give a
performance that is evaluated by the Kinect movement
sensor. The game is full of humour and slightly ironic,
and it’s easier and you have more fun if you lead a lessthan-perfect
life. I still find this key point important –
of asking «How perfect do you actually have to be?» And,
to be honest, I still find it a tough question, especially
when we are talking about women because it also has
to be possible to have a career and children. It would be
too easy to say «Yes, just choose one of the things, you
can’t have both».
I’m proud that this fundamental question is so tightly interlinked
with the game mechanics in PERFECT WOM-
AN. You feel this difficulty physically when you attempt
to be a perfect woman. The fact that the game is
still played at festivals or in venues such as Zentrum für
Kunst und Medien in Karlsruhe today shows its current
relevance.
And how «perfect» are you yourself today, as measured
on the PERFECT WOMAN scale?
Haha, it’s not so easy to say. I’d like to say that I’m not
perfect but I also know I’m not completely free of pressure.
So, for example, right now I’m completely exhausted
because the last six months have been very busy. Our
own company. We lived in London because my partner
also has career ambitions. The move back to Germany.
And with a small child. It was all far too much and I
think I need four days lying on the couch. But I mean,
you do what you can: at Fein Games, for example, we
have a 6-1⁄2-hour day in order to achieve a better worklife
balance. At the moment, we’re all working remotely
but I’m not sure whether that is more beneficial or detrimental
to mental health, probably a bit of both. It certainly
makes it possible for us all to organise our lives
with relative freedom. Of course, as a founder I still have
plenty of stress despite that – but also a lot of fun!
...and your first game is coming out next year, correct?
Yes, that’s right. We’ve been funded since mid-2021 and
have been able to hire a couple of people to make a vertical
slice. As a result, we found an investor. We’ve built
four levels and we’re just about to have our first soft
launch so that we can test in the «real world» – in the
Netherlands, in our case. So just starting small to see:
what do players like, at what points do they check out, is
it going down well at all?
I still find this key point important – of asking
‹How perfect do you actually have to be?›
42

Your current game is about three women of different
generations. I read somewhere that it’s a kind of interactive
novel?
That was our early concept. The game mechanics is a
hidden-object game. The narrative is very important to
us, and that’s also one of the areas in which we set ourselves
apart from our competition. We tell the stories
of three German women in Berlin: the first one lives
in the 1940s during the Nazi period, the second in the
1970s during the flower-power hippie movement, and
Putting oneself in someone else’s shoes
is an intellectual endeavour so I really
welcome it when men take on the roles
of the women in our games.
The contemporary woman is in her late thirties, lives in
Berlin and has a good job at an advertising agency. She is
free to do whatever she wants, but she lacks a sense of
meaning to her life. She doesn’t dare to quit her job to
realise her dream of becoming a performance artist. She
is a woman in whom we, and many people of our generation,
see something of ourselves reflected. And that not
only in Germany. Above all else, I think the last woman
shows how global everything has become, how similar
the people of our generation are – even when they live
in different cities. And that feeling of «you really can do
anything». But what is the right life really? It’s not just
people in Berlin who feel like that, but probably also
people in London or New York and other cities.
But at the same time it is a very western picture. In other
countries around the world, society is even tighter than
it was in Germany in the 1940s. Did you consider showing
other cultures too?
the third is of our generation. It’s all about individual
fulfilment and to what extent we are influenced by our
environments. It’s certainly a serious theme and one we
trust there is an audience for. We go further than pure
– let’s say, slightly frivolous – entertainment, which also
has its place of course. But we believe that there is also
a market for stories that go deeper. Another way we
set ourselves apart is our art style, which is more modern
and in my opinion fancier than much of what’s available
in the App Store right now. Of course, we now need
to validate that.
The first woman from the 1940s is very much trapped
in the social context and marries the German soldier;
the woman from the hippie generation rebels against
everything. What about the woman who lives in our
time?
Yes, that’s a very interesting issue you bring up. When
we talk about our current concept, it strikes me that I
sometimes feel almost ashamed of myself that we are
telling such a German story. But at the same time, I think
it is justified in the sense that these are the personal perspectives
of Franziska and myself that are being narrated
here. We were the ones who founded the studio, after
all. And these stories about the three German women are
personally inspired by our mothers and grandmothers.
But looking forward to the future, for the next game we
are seeking to appoint a new game director, a woman
from Afghanistan or Turkey or another cultural sphere
who can share her perspective. Here at Fein the focus is
on telling real and personal life stories, and representing
real women and real problems experienced by women.
As a man, I have to say that I can see myself in your current
game, just as I could in PERFECT WOMAN. In this
day and age, these themes are relevant to all genders, not
just women.
Yes, absolutely. That was the underlying idea for PER-
FECT WOMAN. If you tried to become the perfect
woman, the game became harder and harder, and it’s always
easier if you, how can I say, had unconventional
life goals. In life, it’s not enough for us these days to have
an amazing career. You also want to have a great family,
a great relationship and to have exciting holidays all the
time, and always be up to date with the news and so on.
Everyone is on a self-optimisation trip all the time and I
43

ANIMATIONSINSTITUT 20 YEARS – 20 PROJECTS
think you sometimes really have to ask yourself whether,
firstly, that’s possible and, secondly, whether it’s desirable.
And a lot of people crack under all the pressure:
they might post amazing pictures on Instagram but you
also know the reality is often not that nice.
I think it’s fascinating that you, as a man, also feel that
the game speaks to you. As a matter of fact, people often
ask us why we make games for women, why can’t men
play these games too. And I think this question also came
up with PERFECT WOMAN. The problems are not actually
typically female problems. And I’m always happy
when men say, as you did, that they too feel the games
are relevant to them.
But having said that, we are firmly committed to developing
games by women for women because it is, quite
simply, something special to have women in mind while
developing games. As a woman, when I watch films about
men, or play computer games about men, of course I also
feel they speak to me, but it’s a different kind of identification
when I see someone that is more like me.
Putting oneself in someone else’s shoes is an intellectual
endeavour so I really welcome it when men take
on the roles of the women in our games. Perhaps there
is no such thing as «male» or «female» problems per
se, but there are certainly experiences that women have
more often. For example, the woman in the 1940s who is
pushed into a certain role by her parents-in-law and her
own parents, by everyone basically, and who also allows
herself to be pushed. If men manage to put themselves in
these shoes, then I would take that as a success because
I believe this could also lead to a greater understanding
and ultimately also to new ways of thinking in society.
44

The women in your game show the reality of life for your
grandmother, your mother and yourself. What do you
want to see for your daughter?
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20P
I would like my daughter to be able to pursue her own
goals and to also have the freedom to actually achieve
them. Of course, she might also discover that perhaps
not all goals can be achieved. But I would like to see a society
that at least offers the same opportunity for everybody
to find happiness.
Dear Lea, many thanks for the wonderful conversation!
You’re welcome, it was my pleasure.
by Julian Jungel
LEA SCHÖNFELDER is co-founder of the Berlin-based
games studio Fein Games, which develops games by
women for women. She has international experience at
companies such as ustwo games, where she was awarded
a Bafta Breakthrough as Lead Game Designer for the
Apple Arcade title Assemble with Care.
Already during her studies, Lea was interested in the female
perspective in the once male-dominated medium
of games and she continues to contribute to the development
and opening of German games culture through
her work.
JULIAN JUNGEL runs the «Labor für Digitalität» at the
Ernst Busch Academy of Dramatic Arts in Berlin, where
they focus on the space in which storytelling, craftsmanship
and theatre meet digital technology. Together with
the M.A. «Spiel und Objekt», participatory theatre, mixed
reality games and other formats are created to question
social aspects, our life on planet earth and the roles of
humans and technology.
Julian also helped build Tinkertank, a non-profit initiative
aiming to revive creativity with the help of agile
technology. Tinkertank works with companies, cities and
incubators to find fun and inspiring ways to discuss the
context of technology, culture, science and digitalisation.
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20Y
20P
46

ANIMATIONSINSTITUT 20 YEARS – 20 PROJECTS
Jazz Orgie – Irina Rubina
A Dialogue of Circles and Lines
«WOULD YOU LIKE TO WRITE
SOMETHING ABOUT IRINA
RUBINA’S JAZZ ORGIE (2015)?»
I AM ASKED. «TAKE A LOOK AT IT, YOU’LL
LIKE IT! IT’S CLOSELY RELATED TO YOUR
BUSBY». BUSBY IS THE FILM I MADE IN THE
SECOND YEAR OF MY STUDIES. BACK THEN,
THE ANIMATIONSINSTITUT WAS CALLED
DIGITALE BILDGESTALTUNG (DIGITAL IM-
AGE CREATION) AND WAS NOT A SEPARATE
INSTITUTE. THE FILMAKADEMIE HAD ONLY
BEEN ESTABLISHED FIVE YEARS PREVIOUS-
LY AND WE WERE JUST GETTING USED TO
THE NEW «E-MAIL» COMMUNICATION TECH-
NOLOGY AND WERE LEARNING COMPUTER
SOFTWARE USING THICK MANUALS PRINT-
ED ON PAPER. YOUTUBE HAD NOT EVEN
BEEN INVENTED, THE INTERNET STILL DID
NOT HAVE IMAGES AND STUDENTS TAUGHT
ONE ANOTHER THE NEW TECHNOLOGIES.
«I’D LOVE TO,» I REPLIED.
While I am waiting for her reply, I watch my old film
BUSBY. BUSBY stands for Busby Berkeley, the Hollywood
choreographer who created monumental ornaments
from dancing female bodies. The film could just
as well have been called Karl – after Karl Blossfeldt, who
opened my eyes to the mathematical aspects of nature
and thereby made me appreciate how mathematics can
be perceived as beautiful.
«Even jazz honours its forebearers – the standard pieces
– varies and reinterprets them and ultimately frees itself
in improvisation,» is what goes through my head and:
«Jazz, or music in general is a sort of translation of mathematics.»
Perhaps Irina can say more about that.
«I started by studying Fine Art,» she explains, «but it
was not the right thing for me.» She was looking for
something pure at the time, for beauty that does not live
from discourse but is valid in itself and everywhere and
JAZZ ORGIE begins suddenly and is already over after
76 seconds. I have to smile. Black, white, orange, red and
yellow dance to drums, bass, trumpet and saxophone.
Yes, I like the film, I watch it on a continuous loop. The
music is simultaneously the sound and the image: swing
and pauses are animated precisely, illustration is avoided,
abstraction celebrated. Where I see in my mind’s
eye a lascivious hip swing coming down the stairs, the
squares of the chess board cross over one another. Areas
are painted in thick colour against black, lines drawn
as if with delicate chalk. Karl Valentin once said: «Art is
beautiful, but it’s a lot of work».
«Why paint by hand in the age of digital efficiency?»
I want to ask Irina. I send her an e-mail.
» Black,white, orange, red and yellow
dance to drums, bass, trumpet and
saxophone. «
47

ANIMATIONSINSTITUT 20 YEARS – 20 PROJECTS
perhaps can therefore only be found in abstraction. So
she turned – albeit only temporarily – to the study of
mathematics.
«How did you then move from mathematics to animation?»
I ask her. «Thanks to YouTube,» she replies. That’s
where she discovered the free, independently produced
animation. She was fascinated, found out more, went
to festivals, began to draw and experimented with cutout
animation techniques. Immersing oneself in work as
something that takes time is important to her and she is
not afraid of complex workflows. Mathematics continues
to play a big part for her, as a perfectionist. In JAZZ OR-
GIE, in particular, it helped her to compose a harmonious
whole from the various image elements and movements.
«Was there any room for improvisation, as the ‹Jazz› in
the title of the film suggests?» I wanted to know. «Improvisation
is always difficult in animation,» she says.
«But yes, I was responding to the music as I drew. The
film is a mixture of precise planning and occasional
moments of improvisation. The works of Lissitzky,
Malevich, Mondrian, Rodchenko, Schlemmer and Gabo,
but also of Regina Pessoa and Theodore Ushev were
important sources of inspiration for me.»
«Did you paint yourself ?»
«A little, sadly only a very little. The schedule was too
tight, there was too much to animate when we finally
decided, after a few detours, to work with painted elements.
I was very envious of our artists. I would have
loved to put the computer aside and pick up a paintbrush,»
she laughs. Instead, she set up a painting workshop
in a seminar room, where her fellow students were
invited to join in with the «painting therapy» and to
paint over the individual drawings that had been printed
out frame by frame.
«And how did it work with you and BUSBY, what was
the story behind its creation?» asks Irina in return.
«The starting point was a pragmatic one to begin with,»
I reply. I had taken Digitale Bildgestaltung in the second
year of my studies and now had one semester to learn a
software package of my choice. So I set myself the aim
of making a film that would not have been possible to
create using conventional, analogue means and instead
exploited the new opportunities that computer animation
brings. To avoid becoming bored with the process,
I decided to make «something involving dance» and because
collaborating with real dancers would have been
» She was looking for something pure at the time, for beauty that does not live from
discourse but is valid in itself and everywhere and perhaps can therefore only be
found in abstraction. «
48

too complicated, I made my hands dance. My intention
was to abstract those hands and free them from their
original function to such an extent that they are able to
follow an inner compulsion in their movements without
having to stick to a predefined choreography. I wanted
them to escape the narration and allow them to become
purely an ornament, for them simply «to be» without
having to fulfil a purpose.
«It was exactly the same for me!» says Irina. «I also wanted
to free myself from narration and classical character
animation, from all the squirrels and bunnies with their
typically exaggerated and all too familiar movements,
which did not correspond with my conception of creative
work. The movement into abstraction really helped
me. JAZZ ORGIE was a turning point for me and was
very important for my later work.»
In the course of the conversation, we realise there are
other parallels in our formations, which have never run
in straight lines: we both turned to documentary film
during our studies and then got involved in video projections
for the stage, musical performances and dance.
And thus, our circles expanded and the lines cross at
corners where we did not expect it.
by Anna Henckel-Donnersmarck
» I made my hands dance. «
IRINA RUBINA came into this world as a Muscovite,
and moved to Germany at the age of fifteen. Her serpentine
road to film included detours into free art in the
form of photography and mathematics studies – both
have given her lots of inspiration and stimulation for her
later work.
In 2011–2018 she studied animation and documentary
film at Filmakademie Baden-Wuerttemberg and
GOBELINS, l’école de l’image, where she created several
award-winning short films. She is currently finishing
the German equivalent of a PhD in practice in animation
directing at the Konrad Wolf Film University of
Babelsberg, and working on the debut film OSJA with
her company iraru.films. Partly abstract, partly narrative,
this work explores the question of the relationship
between a repressive state system, society and the Russian-Jewish
poet Osip Mandelstam, whose quiet resistance
brought him to a mass grave of Stalinist repression.
Apart from short films, Irina also produces and realises
hybrid and collaborative projects that explore the borderland
between animation, film, stage performances,
music and dance. She has worked with Ensemble Modern
and Ensemble Ascolta on audio-visual performances,
co-curates the music video programme for the Stuttgart
International Festival of Animated Film, is a mentor and
lecturer at various institutions, and has worked as an animator
on several projects.
49

ANIMATIONSINSTITUT 20 YEARS – 20 PROJECTS
ANNA HENCKEL-DONNERSMARCK was born in
Frankfurt am Main in 1973 and grew up in Indonesia,
Japan, England and Bavaria. She studied at Camberwell
College of Art and Design in London and received
her degree from Filmakademie Baden-Wuerttemberg in
2001, focusing on animation and documentary filmmaking.
Anna works with the moving image in various ways. She
creates video projections for theatre, opera, dance and
music concerts as well as video installations for exhibitions
and museums. She has been commissioned by
institutions such as the Bauhaus Archive Berlin, Kunsthalle
Karlsruhe, Deichtorhallen Hamburg, Hygiene
Museum Dresden, Grimmwelt Kassel, Humboldt Lab
Berlin, ECLAT Festival für Neue Musik, Strenesse, Hessnatur,
Schauspiel Köln, Oper Frankfurt, Staatsoper Berlin,
Komische Oper Berlin and Opernhaus Zürich.
She has collaborated with Constanza Macras/DorkyPark,
Mathilde Monnier, Dissidenten, The Wooster Group
NYC, Laurent Chetouane, Cordula Däuper, Clemens
Gadenstätter, Ensemble Modern, Invisible Playground,
The Berlin Philharmoniker and many others.
For 20 years, Anna has been active as a programmer
(Filmwinter Stuttgart, Kasseler Dokfest, Zebra Poetry
Film Festival, etc.), moderator (Pictoplasma, Stuttgart
International Festival of Animated Film, Buchmesse
Frankfurt, etc.), jury member (Szpilman Award, Milano
Film Festival, Regard Quebec, Tel Aviv Int. Student Film
Festival, Vienna Shorts, Tehran Int. Short Film Festival,
etc.) and panel participant (Fajr Film Festival Tehran,
Curtas Vila do Conde, UCLA, etc.). From 2007 to 2018,
she served as a member of the selection committee for
Berlinale Shorts.
Since 2019 she is the head of Berlinale Shorts, the international
competition for short films at the Berlin International
Film Festival. She teaches film theory and video
practice at various art schools.
20Y
20P
50

Auf der Geburtstagsparty des Animationsinstituts im Juli 2022
51

ANIMATIONSINSTITUT 20 JAHRE
„Jedes Jahr wird‘s wieder spannend, was der
neue Jahrgang am Institut so anstellt“
Institutsgründung waren wir eine kleine verschworene
Gruppe um Thomas Haegele, für die durch die Selbständigkeit
ganz neue Entwicklungen möglich waren.
Was war damals deine Rolle?
VIET NGUYEN ARBEITET SEIT 1998
AN DER FILMAKADEMIE. ZUM TEAM
DES ANIMATIONSINSTITUTS GEHÖRT
ER SEIT DESSEN GRÜNDUNG VOR ZWANZIG
JAHREN. DER SPEZIALIST FÜR ANWEN-
DUNGEN IM BEREICH ANIMATION UND VFX
SPRICHT ÜBER DIE „WILDEN“ ANFANGSJAH-
RE, DIE ATEMBERAUBENDE GESCHWINDIG-
KEIT TECHNISCHER ENTWICKLUNGEN UND
SEINE UNVERGESSLICHEN MOMENTE IN DER
GESCHICHTE DES INSTITUTS.
Bevor ich zur Filmakademie kam, arbeitete ich für den
Geschäftsbereich Motion Picture bei Kodak. Ich war Vertriebsingenieur
für das weltweit erste digitale Filmbearbeitungssystem
überhaupt. Das System hieß Cineon
– eine millionenteure Bearbeitungskette aus Laserfilmscanner,
Silicon Graphics Computer und Laserrückbelichter.
Leider hat Kodak später Cineon aus Kostengründen
eingestellt, als sich die digitale Bildbearbeitung
mit kleineren Systemen auf Personal Computern in der
Branche immer mehr durchsetzte. Da ich die Abteilung
und die Filmakademie bis dahin durch Cineon-Einführungen
und Präsentationen auf der FMX kannte und
schätzte, bewarb ich mich und kam quasi als Assistent
von Thomas Haegele in die Abteilung.
Lieber Viet, das Animationsinstitut wurde vor zwanzig
Jahren gegründet und du warst von Anfang an dabei.
Was kommt dir in den Sinn, wenn du an die ersten Jahre
des Instituts denkst?
Es war ein Aufbruch und zugleich eine Art Neustart, da
wir vorher als „Abteilung für digitale Bildgestaltung“ an
der Filmakademie bereits einen wichtigen Stellenwert
hatten. Auf diesem Fachgebiet war sie anderen Filmhochschulen
in Deutschland weit voraus. Als dann ein
eigenes Institut mitunter dafür gegründet wurde, gab es
mehr Stellen und Mittel, wodurch sich alles noch professioneller
entwickeln konnte. Wenn ich das mit heute
vergleiche, waren wir aber viel kleiner, insgesamt gerade
einmal 12 Leute. Zum Mittagessen gingen wir fast jeden
Tag zusammen in den „Engel“ und redeten lange über alles
mögliche. Das kann man sich heute mit unserer aktuellen
Größe und Struktur kaum mehr vorstellen. Zur
Viet zur Zeit der Gründung des Animationsinstituts
Und wie hat sich dein Job über die Jahre entwickelt?
Bis heute kümmere ich mich am Institut um Softwareanwendungen
im Bereich Animation und VFX. Der andere
Bereich, der sukzessive dazukam, waren Anwendungen
für uns Mitarbeitende für die Kommunikation,
Dokumentation, Kollaboration usw.
Thomas Haegele war es immer wichtig, dass wir uns als
Ausbildungsbetrieb nie nur auf ein System beschränken,
sondern dass für Studierende immer alle Möglichkeiten
und Neuerungen auf dem Feld der VFX und Animation
zugänglich sind. Über die Jahre hat sich da ein
52

Software-Fuhrpark von über hundert Anwendungen
angesammelt, den ich für das Institut verantworte und
auf dem neusten Stand halte. Und auch heute noch gilt,
wenn Studierende bestimmte Software für ihre Projekte
benötigen, versuchen wir sie zu besorgen und helfen
ihnen bei der Verwendung. Dabei arbeiten wir auch oft
mit der Research & Development-Abteilung des Instituts
zusammen.
Ich kann mir vorstellen, in Sachen Technologie hat sich
in den zwanzig Jahren einiges getan...
Allerdings! Datenkapazität, Netzwerkgeschwindigkeit
oder Rechenleistung der Systeme haben sich in der Zeit
verzigfacht. Völlig neue Technologien aus den Bereichen
Games, XR, KI eröffnen nie dagewesene Möglichkeiten.
Auch die Zugänglichkeit der Software und des Geräts ist
eine andere. Die Filmakademie war früher eine der wenigen
Schulen in Europa, die überhaupt die Ausstattung
und Infrastruktur für die VFX-Ausbildung hatte. Mittlerweile
gibt es viele Filmschulen, die das auch anbieten,
und sogar Autodidakt*innen können zuhause an ihren
PCs einen Großteil der Technik erlernen. Daher finde
ich es gut, dass das Animationsinstitut unter Andreas
Hykade seine USPs mit Character Animation und Intellectual
Property neu definiert hat.
Gibt es bestimmte Projekte, die dir besonders in Erinnerung
geblieben sind?
Da gab es immer wieder welche, bei denen ich bei der
VFX-Erstellung dachte: Wow, wie haben die das hingekriegt,
das ist sowas von High End! Oder auch, wenn
der künstlerische Look so gut gelungen ist, dass wir als
Zuschauende uns in einer völlig anderen Welt fühlen.
Oder Geschichten voller Erzählwitz und Tiefsinn, die zugleich
erheitern und berühren. So ein Projekt ist beispielsweise
DAS RAD (2003). Es war eines der ersten Projekte
hier, bei dem sich die Studierenden entschieden
haben, Stop-Trick komplett digital zu machen. Der Film
blieb mir nicht nur in Erinnerung, weil die Erzählkonstruktion
so genial ist und der Film eine Oscar-Nominierung
für die Filmakademie und das Institut einbrachte.
Sondern auch weil sich eines der Teammitglieder, Arvid
Uibel, während der Arbeit am Projekt das Leben nahm.
Das war ein Schock für uns alle. Die Hintergründe und
Motive dieser Verzweiflungstat sind sicher vielfältig. Sie
hat uns aber in jedem Fall in unserem Grundsatz bestärkt,
immer die Menschen in den Mittelpunkt und vor
die Projekte zu stellen.
Du hast in den zwanzig Jahren viele Studierende kommen
und gehen sehen. Sticht da jemand für dich besonders
heraus?
Nicht wirklich. Jede Generation an Studierenden ist besonders
und jedes Jahr wird es wieder spannend, was
der neue Jahrgang am Institut machen wird. Diese Abwechslung
mag ich an dem Job. Natürlich entstehen
auch persönliche Beziehungen, vor allem, wenn man gemeinsam
schwierige Situationen durchgemacht hat. Es
gibt auch einige, die nach ihrer Zeit am Institut berühmt
geworden sind. Wenn die mal wieder hier sind, ist es
aber wie früher, und wir verlieren uns in langen Gesprächen
über die alten Zeiten.
Was wünscht du dir für die Zukunft des Animationsinstituts?
Einer der schönsten Momente, an die ich mich erinnern
kann, ist, als meine Frau und ich unser erstes Kind bekommen
haben. Da haben die Studierenden für uns eine
Picknick-Sommer-Party am Neckar veranstaltet. Das
hat mich sehr berührt. Dass es so etwas nicht mehr gibt,
liegt natürlich daran, dass wir in den zwanzig Jahren immer
größer geworden sind und sich das Institut auch
immer mehr in einzelne Funktionsbereiche aufteilte.
Trotzdem würde ich mir wünschen, dass ein gewisses
Gemeinschafts- und Zusammengehörigkeitsgefühl, wie
es das in den Anfangsjahren gab, nicht aus den Augen
verloren wird. Unter den Studierenden wie den Mitarbeitenden.
Viet, wie ihn Andreas Hykade sieht
53

ANIMATIONSINSTITUT 20 JAHRE
„Eine größtmögliche kreative Freiheit
gewährleisten – das war immer das Anliegen
der Verwaltung“
Institut mit aufzubauen. Etwas Neues entwickeln hat
mir schon immer viel Freude gemacht. So ging das los.
Ein neues Institut dieser Art mit aufzubauen,
klingt nach einer interessanten Aufgabe...
HEIKE MOZÈR WAR SCHON MIT DA-
BEI, ALS DIE FILMAKADEMIE 1991
AUS DER TAUFE GEHOBEN WURDE.
ALS DAS ANIMATIONSINSTITUT 11 JAHRE
SPÄTER ENTSTAND, WURDE SIE DESSEN
KAUFMÄNNISCHE LEITERIN UND IST DIES
BIS HEUTE. DEM CAMPUS MAGAZIN HAT
SIE ERZÄHLT, WELCHE MEILENSTEINE DAS
INSTITUT ZU DEM MACHTEN, WAS ES HEUTE
IST, UND WAS SIE SICH FÜR SEINE ZUKUNFT
WÜNSCHT.
Liebe Heike, wie bist du eigentlich beim Animationsinstitut
gelandet?
Ich habe für die Filmakademie schon während ihren Anfängen
als freie Mitarbeiterin gearbeitet, als dort nur ein
paar Leute beschäftigt waren. Meine erste Aufgabe war,
den Status der Studierenden mit dem Studierendenwerk
zu klären. Dann habe ich das Studierendensekretariat sowie
das Finanz- und Rechnungswesen aufgebaut. Später
ging es darum, für die einzelnen filmischen Projekte
den administrativen Management-Part zu übernehmen
und sie wirtschaftlich etwa hinsichtlich der Beschaffung
zu planen. Außerdem organisierte ich die Filmfeste, die
es damals hier im Hof gab: ein Kurzfilm- und ein Langfilmfestival.
Als es 2001 hieß, da wird ein neues eigenständiges
Institut gegründet, sprachen mich der Institutsleiter
Thomas Haegele und das Ministerium an, ob
ich dort nicht anfangen möchte. Sie brauchten einerseits
jemanden, der sich bereits mit den Strukturen auskennt.
Andererseits jemanden, der oder die Interesse hatte, das
Ja, das stimmt. Am Anfang waren wir klein und agil. Es
gab vier künstlerisch-wissenschaftliche Assistent*innen
im technischen Bereich, die Postproduktion und neben
der Institutsleitung mich als kaufmännische Leitung sowie
eine Assistentin – das war’s. Insgesamt nur 12 Mitarbeitende.
Der Vibe zu Beginn war spannend. Wir hatten
an Mitteln einige Sondertöpfe zur Verfügung, weil wir
im technischen Filmbereich anderen Filmschulen einiges
voraushatten. Das gab uns viel Spielraum, technologische
Innovation zu ermöglichen. Eine wichtige Rolle
spielte damals schon die Konferenz FMX, die die Branche
versammelte. Wir hatten zudem eine enge Beziehung
zu den Studierenden. Es fühlte sich an wie eine Familie.
Wir fuhren etwa alle jedes Jahr zusammen nach
Annecy. Es war schon eine sehr coole Zeit damals (lacht).
Was waren für dich die wichtigsten Stationen in der
Geschichte des Animationsinstituts?
Wichtige Entwicklungsschritte geschahen, als zu VFX
und Animation weitere Bereiche wie Forschung & Entwicklung
oder Interaktive Medien nach und nach dazukamen.
Von 2002 an bis heute haben sich dadurch
die Personalstrukturen beinahe verdreifacht. Ein weiterer
Schritt ereignete sich etwa in den letzten drei Jahren,
in denen Thomas Haegele Institutsleiter war, also in der
ersten Hälfte der 2010er Jahre. Früher waren wir noch
eher für uns, doch mittlerweile ist Animation auch aus
anderen filmischen Gebieten kaum mehr wegzudenken.
Weil andere Filmarten öfter Animation und VFX in ihre
Arbeiten integrierten, wurde das Institut wieder mehr
ein Teil des Ganzen. Diese Entwicklung hat sich auch in
unseren Studierendenzahlen niedergeschlagen. Die FMX
vergrößerte sich ebenfalls. Auch die Filmakademie selbst
wuchs. Ebenso wurden eine verstärkte Schnittstelle zur
Filmakademie und die Entwicklung von gemeinsamen
Prozessen notwendig. Eine weitere wichtige Station war
54

der Wechsel der Institutsleiter im Jahr 2015, als Andreas
Hykade die Leitung übernahm. Thomas war sehr auf die
Technik spezialisiert. Andreas setzte stärker einen künstlerischen
Fokus. Diese Entwicklungen galt es für uns
auch im Administrativen abzubilden, was zuweilen eine
große Herausforderung darstellte.
Inwiefern?
Etwas, das sich mit der Größe verändert hat, sind die
Kommunikationsstrukturen. Im Management ist es
wichtig, die Zusammenhänge zu verstehen, damit ich
das, was die Kunst will, also die Studierenden oder die
Lehre, positiv umsetzen kann. Als Verwaltung sind wir
ja mit der Politik in Kontakt, müssen Strukturpapiere
verfassen und den Menschen in politischen Positionen
klar machen, dass das, was wir mit staatlichem Geld vorhaben,
etwas Sinnvolles ist. Dahingehend mussten wir
uns im Vergleich zu früher immer schneller neu erfinden.
Irgendwann hatte ich durch die Größe des Instituts
zu akzeptieren, dass ich nicht mehr alle Dinge verstehen
kann. Ich muss mich heute mehr auf das Expert*innenwissen
der Mitarbeitenden verlassen. Früher war das
auch nicht leicht, aber wir waren näher dran. Mittlerweile
ist alles komplexer, wenn man bedenkt, was Animation
so alles macht, von Filmen, Spielen bis zu VR-,
AR-, KI-Anwendungen und so weiter. Die Bandbreite ist
einfach größer geworden.
Was ist für dich das Besondere, welches das Institut
über die Jahre ausgezeichnet hat?
gegeben, alles zu versuchen, um Dinge zu ermöglichen.
Wir haben uns stets eine Begeisterungsfähigkeit bewahrt
und uns bemüht, neue Entwicklungen nie zu bürokratisch
zu sehen. Wir stellen einen kurzen Dienstweg sicher.
Wer hier etwas Bestimmtes braucht, weiß wohin.
Wir geben dann unser Bestes, es hinzubekommen. Wir
wollen den Studierenden des Animationsinstituts einen
geschützten Rahmen bieten, in dem sie ungehindert kreativ
sein und experimentieren können. Mit unseren Vorbereitungen,
etwa der notwendigen Technik und den Investitionsmitteln,
stellen wir so gut wie möglich sicher,
sie vor Hindernissen zu bewahren, die es für sie später
bei Projekten in der freien Wirtschaft geben kann.
Wenn man sieht, was dabei jedes Jahr an Arbeiten herauskommt,
können wir darauf auch wirklich stolz sein.
Was wünscht du dir für die Zukunft des Animationsinstituts?
Eigentlich, dass viele Umstände so bleiben, wie sie sind.
Dass uns die Politik etwa weiterhin keine künstlerischen
Vorgaben macht und z.B. alle zwei Jahre eine Oscar-
Nominierung verlangt. Die Zusammenarbeit mit dem
Land hat da immer super funktioniert und uns viel Freiraum
gegeben. Und dann noch, dass das erhalten bleibt,
was ich eben über die kreative Freiheit der Studierenden
gesagt habe. Dass die Administration in der Lage ist, dieses
System des Ermöglichens von Projekten weiterhin zu
schützen und zu stützen.
Das ist einerseits diese Lebendigkeit. Ich hatte nie das
Gefühl, ich mache jeden Tag dasselbe. Zudem hat es hier
von der Verwaltung aus gesehen immer eine Haltung
Heike auf einer FMX-Party in den 2000ern (vorne links)
Heike heute mit ihrem Team
55

ANIMATIONSINSTITUT 20 JAHRE
In jeder Episode von Julia Ockers ANIMA NIMALS erlebt ein Tier witzige und skurrile Abendteuer
Ein tierischer Erfolg
VIER ABSOLVENTINNEN DES
ANIMATIONSINSTITUTS VERZAU-
BERN SEIT 2012 KINDER IN ALLER
WELT MIT ANIMATIONSSERIEN. AM BEGINN
IHRER ERFOLGSGESCHICHTE STAND EINE
KOOPERATION DER FILMAKADEMIE MIT DEM
SÜDWESTRUNDFUNK, AUS DER DIE LEGEN-
DÄRE KIKA-VORSCHUL-REIHE ICH KENNE
EIN TIER HERVORGING. AUS DIESER PRO-
DUKTION ENTSTEHEN BIS HEUTE ERFOLG-
REICHE FOLGEFORMATE. IN DEM PROJEKT
VERDEUTLICHT SICH DER GEIST DER LEHRE
AM ANIMATIONSINSTITUT: DEN INDIVI-
DUELLEN, KÜNSTLERISCHEN STIL SEINER
STUDIERENDEN FÖRDERN UND FREIRÄUME
SCHAFFEN, IN DENEN ER SICH ENTFALTEN
KANN.
Würde man von der TV-Serie ICH KENNE EIN TIER
und ihren Spin-Offs alle Auszeichnungen und Länder, in
denen sie ausgestrahlt wurden, aufzählen, wäre die Liste
lang. Die Sendung für Vorschulkinder, die von 2012 bis
2019 für den Kinderkanal (KiKA) in vier Staffeln mit insgesamt
52 Episoden produziert worden ist, hat bis heute
eine riesige Fangemeinde mit hunderttausenden Klicks
auf YouTube.
Sie entstand aus einer Kooperation der Filmakademie
mit dem Südwestrundfunk (SWR) sowie der Stuttgarter
Produktionsfirma für Animation Studio Film Bilder. „Ich
hatte gerade eine Serie mit dem SWR fertiggestellt und
sprach mit Benjamin Manns, dem Kinderredakteur des
Senders, darüber, ob wir nicht mal mit Studierenden zusammenarbeiten
wollten“, erinnert sich der heutige Leiter
des Animationsinstituts, Andreas Hykade, an die Anfänge.
Zu dieser Zeit lief gerade die letzte Staffel seiner
Trickfilmserie TOM UND DAS ERDBEERMARMELA-
DENBROT MIT HONIG im Fernsehen.
Tiere für die Talente
des Animationsinstituts
Manns gefiel die Idee. Gemeinsam mit dem Trickfilmer,
der schon lange zum Team von Studio Film Bilder gehört,
arbeitete er ein Konzept für eine neue Kindershow
aus: In einem 10-minütigen Format namens ICH KENNE
EIN TIER beschreiben Kinder zunächst in einem Ratespiel
ein Tier. Ihre Beschreibungen werden mit animierten
Bildern untermalt, auch das Erraten geschieht mit
eingeblendeten Trickbildern. Ist klar, um welches Tier es
geht, kommt erst ein dokumentarischer Film über das
besagte Tier, gefolgt von einem spielerischen Trickfilm
mit dem Tier in der Hauptrolle.
56

Verzaubert Vorschulkinder in aller Welt: Angela Steffens MEINE SCHMUSEDECKE (PATCHWORK PALS)
Bei den Trickfilmclips kamen die Studierenden des Animationsinstituts
der Filmakademie ins Spiel. Absolvent*innen,
die kürzlich in Animation Directing ihr Diplom
gemacht hatten, konnten zu einem oder mehreren
der geplanten Tiere Figuren und Geschichten entwickeln,
unterstützt von Studierenden des Animationsinstituts.
„Das war eine tolle Chance“, erinnert sich Verena
Fels. „Es gab eine klare Idee, und wir waren relativ frei
in dem, was wir erzählen konnten.“
Fels realisierte für die Serie 2012 unter anderem einen
herzerwärmenden Film, in dem bei einem Gewitter eine
Schnecke mit Haus einer Artgenossin ohne Haus widerwillig
Unterschlupf gewährt. „Die Sendung war für
mich ein wichtiger Schritt“, sagt die gebürtige Biberacherin,
die heute in Ludwigsburg lebt. Bald nach der Arbeit
an ICH KENNE EIN TIER führte sie Regie beim Kinofilm
DER KLEINE RABE SOCKE 3 – SUCHE NACH
DEM VERLORENEN SCHATZ. Heute hat Verena Fels
eine eigene Produktionsfirma und ist als freie Regisseurin
tätig, zuletzt erschien ihr Kurzfilm TOBI UND DER
TURBOBUS.
Verena Fels’ Nashorn aus der SWR-Serie ICH KENNE EIN TIER

ANIMATIONSINSTITUT 20 JAHRE
Julia Ocker
Angela Steffen
Verena Fels
Elena Walf
Spin-Off MEINE SCHMUSE-
DECKE wird ein Welterfolg
Die Filme der Alumni in den ICH KENNE EIN TIER-Episoden
wurden schließlich alle sehr vielfältig und originell,
so wie die Stile und Charaktere der ehemaligen
Animationsstudierenden selbst. Vielleicht ist es gerade
diese künstlerische und inhaltliche Vielfalt, die die Serie
so erfolgreich werden ließ.
„Ich bekam drei Tiere: Biene, Fisch und Huhn, das war
cool“, blickt Animationsfilmerin Angela Steffen zurück.
Sie machte bereits 2009 ihr Diplom und arbeitete
schon bei der TOM-Serie bei Studio Film Bilder mit. „Dadurch
war ich bei der Konzeption von ICH KENNE EIN
TIER dabei“, erzählt die 42-jährige, die gemeinsam mit
Hykade auch das Intro, Outro und die Zwischeneinblendungen
der Serie gestaltete.
„Als ich bei Film Bilder mit der TOM-Serie anfing und
sah, wie durch so ein kreatives Projekt Arbeitsplätze für
Zeichner*innen wie mich geschaffen werden können,
dachte ich: Oh toll, das will ich auch machen!“, erklärt
Steffen, die aus Hamburg stammt und heute in Stuttgart
lebt. Sie sei dann so verrückt gewesen, die drei Filme für
die Serie gleich als ein eigenes Serienkonzept anzulegen.
„Das war viel mehr Arbeit, als das Budget hergab.“
Doch es hat sich gelohnt. Das Konzept ihrer drei Folgen
nannte sich MEINE SCHMUSEDECKE und setze
58
auf lustige Interaktionen von animierten Tieren als Flicken
auf einer Patchworkdecke. Das Konzept fand Studio
Film Bilder so überzeugend, dass sie es beim Cartoon
Forum vorstellten, einem wichtigen Pitching Event für
TV-Serien in Toulouse. Dort schlugen die britische BBC
und der Rundfunk Berlin Brandenburg (RBB) zu. MEINE
SCHMUSEDECKE wurde von Großbritannien aus unter
dem Namen PATCHWORK PALS ein Welterfolg und in
etliche Länder verkauft. 52 Folgen sind bisher produziert
worden, bis heute ist Angela Steffen Teil des Teams
von Studio Film Bilder.
Spin-Off Nummer 2:
ANIMANIMALS mit Grimme-
Preis und Emmy-Nominierung
Dort ist sie eine Kollegin von Julia Ocker, die 2012 von
der Filmakademie graduierte und durch ICH KENNE
EIN TIER zum Studio kam. „Film Bilder war mit seinem
Fokus auf individuelle künstlerische Regieprojekte
schon immer mein Ziel“, betont sie. In der ersten Staffel
animierte und schrieb Ocker mit der Kuh und dem Zebra
zwei Folgen, die urkomisch von ihren Flecken und
Streifen erzählen. „Die Filme kamen sehr gut an. Bei der
zweiten Staffel machte ich dann noch zwei und dachte:
Komm, jetzt fehlen nur noch 22 für eine Serie“, erzählt
Ocker lachend.

Tatsächlich entwickelte sie aus den Tier-Kurzfilmen
dann eine Vorschulserie für den KiKA, die sie ANIMA-
NIMALS nannte. Dafür bekam die Regisseurin 2019 den
Grimme-Preis verliehen und war im selben Jahr damit
für einen Emmy nominiert. Gerade ist die zweite Staffel
der ANIMANIMALS in der Mache. Im August veröffentlichte
die Regisseurin zudem einen Kurzfilm, der
ein eher ernsteres Thema behandelt. „Ich mache zur Abwechslung
gern auch etwas anderes als Kinderfilme“,
sagt die 38jährige, die aus Pforzheim stammt und in
Stuttgart lebt.
Spin-Off Nummer 3:
LENAS FARM bald im ZDF
Eine Studierende, mit der Ocker für die Zebra- und
Kuhfolge intensiv zusammenarbeite, war Elena Walf.
Auch sie arbeitet heute fest im Team von Studio Film
Bilder. „Während der Ausbildung am Animationsinstitut
war die Arbeit an ICH KENNE EIN TIER für mich eine
tolle Gelegenheit“, erinnert sich die 38-jährige. „Bei der
Serie habe ich gelernt, wie das alles abseits vom Studium
funktioniert“. Kurz nach ihrem Abschluss 2015 bekam
auch Walf die Gelegenheit, einen Film für die Serie als
Regisseurin zu drehen. Es geht in dem zauberhaft-humorvollen
Clip mit dem Titel BAT TIME um eine Fledermaus,
die auf einem Bauernhof lebt und nachts niemanden
zum Spielen findet.
Die Szenerie des Bauernhofs und seiner Tierwelt führten
wiederum zu einer Serienproduktion namens LENA’S
FARM, die das ZDF voraussichtlich 2023 ausstrahlen
wird. Gerade beginnt die Arbeit an den ersten Folgen.
Der Erfolg der Zusammenarbeit der Filmakademie mit
dem SWR dauert also bis heute an.
Andreas Hykade hofft bereits auf eine Neuauflage der
Zusammenarbeit: „Diesmal nicht im Bereich 2D-Animation,
sondern mit der Studienvertiefung VFX“, verrät
der Leiter des Animationsinstituts. Für ihn hat der
Erfolg mit dem Ansatz des Animationsinstituts zu tun,
seine Studierenden zur Entwicklung eines einzigartigen
künstlerischen Stils zu führen, zu Stoffen, denen das Potenzial
eines unverwechselbaren „Intellectual Property“
innewohnt. „Unsere Künstler*innen müssen das, was sie
tun, durchdringen. Sonst kommt nur Durchschnittsware
heraus“, sagt Andreas Hykade.
In der Tat zeugen bereits die Abschlussfilme der vier
Animationsfilmerinnen von einer hochwertigen Eigenständigkeit:
Verena Fels‘ Diplomfilm MOBILE etwa, der
kindliche Tierfiguren in einzigartig animierter Weise interagieren
ließ, war auf zahlreichen Festivals erfolgreich.
Gleich nach ihrem Abschluss veröffentlichte sie ein auf
dem Stoff basierendes Kinderbuch im Thienemann-Verlag.
Angela Steffens Diplomfilm LEBENSADER nahm
bereits den eigenen poetischen Stil vorweg, der mit der
SCHMUSEDECKE schließlich weltweit für Aufsehen
sorgte. Julia Ockers Abschlussprojekt KELLERKIND ist
ein ernsteres Stück, das aber bereits so mutig eigensinnig
erzählte wie die ANIMANIMALS.
Abschlussfilme bereits einzigartig
Elena Walfs zauberhafter Diplomfilm SOME THING, in
dem vier Berge die Hauptfiguren spielen, zeugt davon,
wie grenzenlos das Erzählen auf dem Feld der Animation
sein kann.
Bis heute sind alle vier Künstlerinnen dankbar für ihre
Ausbildung am Animationsinstitut der Filmakademie.
„Es war toll, dass man hier an mich geglaubt hat und ich
mich an solchen Projekten ausprobieren konnte“, betont
etwa Elena Walf, die auf dem Gebiet der Animation eine
Quereinsteigerin war. Sie stammt aus Moskau, wo sie vor
dem Studium in Ludwigsburg als Kinderbuchillustratorin
tätig war. Man darf also gespannt sein, welche einzigartigen
Stoffe künftig noch von Ludwigsburg aus die
Welt erobern werden.
Alle Folgen von ICH KENNE EIN TIER sind in der ARD
Mediathek zu sehen. MEINE SCHMUSEDECKE läuft auf
YouTube und ANIMANIMALS auf kika.de.
59

ANIMATIONSINSTITUT
LED-Wall-Set beim Set-Extension-Workshop 2021/22
60

61

ANIMATIONSINSTITUT
STUDIUM
STUDIENVERTIEFUNGEN
AM ANIMATIONSINSTITUT
→ ANIMATION
→ CHARACTER ANIMATION
Das Animationsinstitut der Filmakademie bildet dich
künstlerisch und technisch im Bereich Animation aus.
Ob Computeranimation, Zeichentrick, Stop Motion,
Echtzeit-Animation, Realfilm oder interaktive Anwendungen
– in einer technologisch hochwertigen Infrastruktur
hast du die Möglichkeit, alle relevanten Produktionstechniken
zu erlernen.
Ziel ist, deinen individuellen künstlerischen Stil zu entwickeln.
Dafür realisierst du eigene Projekte und bekommst
den Freiraum, zusammen mit anderen Studierenden
der Filmakademie vielseitig zu experimentieren.
Dabei betreuen dich hochqualifizierte Lehrende und du
triffst schon während des Studiums auf wichtige nationale
und internationale Player der Branche.
Innerhalb des Studienangebots Animation bietet dir das
Animationsinstitut der Filmakademie eine einzigartige
Ausbildung in Character Animation an. Du bekommst
umfassende Kenntnisse in diesem Spezialbereich mit all
seinen Facetten und schauspielerischen Herausforderungen.
Erlerne alle handwerklichen und stilistischen Skills, um
in Filmen oder Games mit klassischen wie modernen
Animationstechniken Charaktere zum Leben zu erwecken.
62

→ VISUAL EFFECTS
Mit Visual Effects (VFX) kennt dein Storytelling keine
Grenzen. Im VFX-Studium am Animationsinstitut wirst
du künstlerisch und technisch in der Umsetzung von
visuellen Effekten in Filmen, Games, Spots und anderen
Formaten ausgebildet. In unserer technologisch
hochwertigen Infrastruktur erlernst du alle relevanten
VFX-Produktionstechniken.
Während des VFX-Studiums realisierst du eigene Projekte
und bekommst den Freiraum, zusammen mit anderen
Studierenden der Filmakademie vielseitig zu experimentieren.
Du wirst dabei von praxiserfahrenen
Lehrenden betreut. Schon während des Studiums triffst
du außerdem wichtige nationale und internationale
Player der Branche.
→ ANIMATION/
EFFECTS PRODUCING
Lass bei dir alle Fäden zusammenlaufen: Als Producerin
oder Producer von Filmen oder Games bist du in jeder
Phase eines Projekts mit dabei, von der Idee bis zur
Vermarktung. Du machst die Umsetzung erst möglich!
Ob Animation, Games oder Effekte – im Aufbaustudiengang
Animation/Effects Producing lernst du, Projekte
in diesen Bereichen produktionstechnisch zu verwirklichen.
Betriebswirtschaftliche Inhalte aus der Film- und
Fernsehbranche ergänzen das Studium. So wirst du zum
Profi in Sachen Budget, Timing, Ressourcenmanagement,
Teamführung und Co. Neben diesen theoretischen
Grundlagen fokussierst du dich während deines Studiums
auf die praktische Arbeit und realisierst gemeinsam
mit anderen Studierenden Projekte.
63

ANIMATIONSINSTITUT STUDIUM
→ TECHNICAL DIRECTING
→ INTERAKTIVE MEDIEN
Setze als Technical Director mit Informatik-Background
neue Tech-Trends für die Film und Gamesbranche. Als
Technical Director bist du bei Produktionen von Filmen,
Games oder immersiven Medienprojekten die Schnittstelle
zwischen Kunst und Technologie. Du managst alle
technischen Aspekte.
Du setzt Animations- und VFX-Projekte um, forschst an
neuen Softwarelösungen und bekommst den Freiraum,
zusammen mit anderen Studierenden der Filmakademie
vielseitig zu experimentieren. Du programmierst beispielsweise
passende Softwarelösungen, automatisierst
Animations- und VFX-Abläufe oder legst Workflows
fest. Ein wichtiger Teil deines Studiums ist zudem eine
Forschungstätigkeit am Animationsinstitut.
In der Studienvertiefung Interaktive Medien lernst du,
Games, Apps, VR-Experiences, Medieninstallationen und
andere interaktive Erfahrungen zu konzipieren, planen
und realisieren. Dabei kannst du zwischen den Spezialisierungen
Transmedia/Games Director, Transmedia/Games
Artist oder Transmedia/Games Producer wählen.
Das Studium folgt dem Leitgedanken „Games & Beyond”.
Im Mittelpunkt steht das soziale wie spielerische Zusammenwirken
von Usern mit medialen Möglichkeiten.
Deiner Experimentierfreude sind hinsichtlich des Formats
keine Grenzen gesetzt. Ziel ist es, Ideen sowie deine
eigene künstlerische und technische Designsprache
zu entwickeln.
64

65

ANIMATIONSINSTITUT BEYOND STUDY
BEYOND STUDY
DAS ANIMATIONSINSTITUT
FÖRDERT ÜBER DAS STUDI-
UM HINAUS DEN AUSTAUSCH
ZWISCHEN STUDIERENDEN,
ALUMNI, LEHRENDEN UND
MITARBEITENDEN. DARAUS
RESULTIERT EINE LEBENDI-
GE COMMUNITY, DIE SICH
GEGENSEITIG UNTERSTÜTZT,
ETWA BEI DER VERNETZUNG,
TEAMFINDUNG, IDEEN- UND
PROJEKTENTWICKLUNG SOWIE
LOGIETRANSFER.
BEIM WISSENS- UND TECHNO-
ANIMATIONSINSTITUT-
COMMUNITY
20 Jahre nach der Gründung haben
insgesamt fast 500 Studierende
ihr Studium erfolgreich am Animationsinstitut
abgeschlossen. Diese
Absolvent*innen bilden ein kontinuierlich
wachsendes internationales
Alumni-Netzwerk. Die Gruppe
verbindet ein gemeinsames Interesse
an der Animation in all ihren Facetten
– von linearen bis nicht-linearen
Formaten – und zeichnet
sich durch eine professionelle und
kreative Vielfalt aus. Regelmäßige
Alumni-Treffen, der Filmakademie
Alumni Newsletter und persönliche
Profile im Alumni Portal
(www.filmakademie-alumni.de)
sowie
weitere Online- und Hybridangebote
bilden den Rahmen für dieses
dynamische Netzwerk.
ALUMNI-ARBEIT
Das Animationsinstitut vernetzt
seine Lehre und Forschung
mit der täglichen Praxis von
66
Animationsexpert*innen. Es gewährleistet
dadurch zahlreiche Möglichkeiten
der Zusammenarbeit für unterschiedlichste
Fachbereiche der
Branche. Dies geschieht durch Initiativen
und Kooperationen sowie einen
steten Austausch mit anderen
Institutionen und Firmen.
Dazu zählt derzeit etwa das Programm
ANIMATION SANS FRON-
TIÈRS (ASF), das sich europaweit an
junge Animationsschaffende richtet.
ASF bietet ihnen einen internationalen
Rahmen, erfolgreich Projekte
zu entwickeln oder daran mitzuarbeiten.
Zudem besteht eine Kooperation
zwischen MackNeXT und der
Filmakademie, in deren Rahmen gemeinsam
formatoffene Lehrveranstaltungen
ausgerichtet und der Aurea
Young Talent Award vergeben
werden. Darüber hinaus arbeitet die
Research & Development-Abteilung
des Instituts an zahlreichen nationalen
und internationalen Forschungsprojekten
in Zusammenarbeit mit
verschiedenen Akteur*innen der
Branche.
Ziel ist, Studierende bei ihrem Weg
in ihre berufliche Zukunft zu unterstützen
sowie Talente, IPs und Gründungsaktivitäten
bestmöglich zu fördern.
Auch über die Ausbildung
hinaus hilft das Animationsinstitut
seinen Absolvent*innen, Ziele und
Werte ihrer Arbeit zu erkennen und
sie erfolgreich weiterzuentwickeln.
FACES
In der Faces-Interviewreihe blicken
Studierende des Animationsinstituts
kurz nach ihren Diplomprüfungen
auf ihr Studium zurück.
Sie erzählen von den Projekten, die
sie gerade realisiert haben und welche
Herausforderungen sie dabei bewältigen
mussten. Ebenso blicken
sie in die Zukunft und sprechen darüber,
was sie nach dem Studium
planen. Das Videoformat startete
mit dem Diplomjahrgang 2021 und
wird mit dem Jahrgang 2022 fortgeführt.
Die Faces-Videos gibt’s unter
www.animationsinstitut.de/faces.
Die Community trifft sich
unter anderem auf der FMX
Mehr Infos unter www.animationsinstitut.de/beyondstudy

In der Faces -Interviewreihe blicken Studierende kurz nach ihren Diplomprüfungen auf ihr Studium zurück
Das Animationsinstitut vernetzt Animationsexpert*innen,…
…fördert Initi ativen und sorgt so für Kooperationen
Die Diplomand*innen des Jahrgangs 2022
67

ANIMATIONSINSTITUT
Alumni-Treffen auf der FMX 2022
68

69

ANIMATIONSINSTITUT
SECHS GRÜNDE
FÜR DAS STUDIUM AM
ANIMATIONSINSTITUT
DAS ANIMATIONSINSTITUT DER FILMAKADEMIE
BADEN-WÜRTTEMBERG BILDET AUF HÖCHSTEM NIVEAU
HERAUSRAGENDE TALENTE IN DEN BEREICHEN ANIMATION,
VISUAL EFFECTS, TECHNICAL DIRECTING, ANIMATION/EFFECTS
PRODUCING UND INTERAKTIVE MEDIEN AUS. AUSSERDEM
BETREIBT DAS INSTITUT EINE ABTEILUNG FORSCHUNG &
ENTWICKLUNG UND RICHTET INHALTLICH DIE INTERNATIONALE
FACHKONFERENZ FMX AUS.
1.
2.
3.
4.
5.
6.
GANZHEITLICHKEIT & SPEZIALISIERUNG
Wir vermitteln unseren Studierenden das Verständnis für die
ganz heitlichen Zusammenhänge des Mediums Animation und ermöglichen
ihnen darauf aufbauend eine schrittweise Spezialisierung.
PERSÖNLICHKEITSENTWICKLUNG
Wir ermutigen und bestärken unsere Studierenden beim Entdecken
und Entwickeln ihrer Originalität.
PROJEKT- UND TEAMARBEIT
Unsere Studierenden entwickeln und realisieren in Teamarbeit
Projekte von besonderer Qualität.
TECHNOLOGIEVORSPRUNG
Die enge Verzahnung mit nationalen und internationalen Forschungsprojekten
verschafft unseren Studierenden auch in technologischer Hinsicht
einen entscheidenden Vorsprung.
FÖRDERUNG & VERNETZUNG
Wir erleichtern unseren Studierenden und Alumni, in der Branche
anzukommen, ihre Rollen zu finden, sich zu vernetzen und ihre Talente
weiterzuentwickeln.
HEIMAT & INTERNATIONALITÄT
Das Animationsinstitut ist Homebase, die FMX Karrieresprungbrett
und Community -Treffpunkt für unsere Studierenden und Alumni.
70

ANIMATION
71

ANIMATIONSINSTITUT
72

DAS ANIMATIONSINSTITUT
LEITUNG ANIMATIONSINSTITUT
KOMMISSARISCHE LEITUNG
AB 1.10.2022
PROF. THOMAS SCHADT
KAUFMÄNNISCHE LEITUNG &
MANAGEMENT / VERTRETUNG
LEITUNG
HEIKE MOZÈR
TECHNISCHE LEITUNG
JOACHIM GENANNT
ASSISTENZ INSTITUTSLEITUNG
ANN-KATHRIN EGLSOER
LEHRE
STUDIUM
CONSTANZE BÜHNER
CLAUDIA BAUMGARTNER
DUNJA MEHLER
FREDERIK SCHELL
LINH LE
PROJEKTBETREUENDE
LISA FORELLI
STEFAN MICHEL
PHILIPP OBLÄNDER
ANDREAS ULMER
VALENTIN KEMMNER
BENEDIKT KAFFAI
FORSCHUNG & ENTWICKLUNG
PROF. VOLKER HELZLE
SIMON SPIELMANN
JONAS TROTTNOW
MANAGEMENT
FINANZEN
SELINA SCHMUTZ
MARCO NEUERT
PERSONAL
ANJA FELLERHOFF
BESCHAFFUNG
NATASÀ PREDOJEVIC
POSTPRODUKTION
MICHAEL SCHOTT
STEFAN BINGGESER
DENSEL SMITH
SUHAIL SALMANN
STABSTELLEN
PROJEKTKOORDINATION
ONLINE & MEDIENPRODUKTION
DR. ALEXANDER KREISCHE
PROJEKTMANAGEMENT
IT-ANWENDUNGEN
CHRISTIANE GEYER
FESTIVALKKOORDINATION
ANKE KLETSCH
INTERNATIONALISIERUNG
ALEXANDRA JOSHI
PRODUKTION
ANNA MATACZ
YANNICK PETZOLD
TALENTFÖRDERUNG &
AUFTRAGSARBEITEN
CHRISTIAN MÜLLER
LEITENDE LEHRENDE
PROF. ANDREAS HYKADE /
ANIMATION
ANNA BRINKSCHULTE /
INTERAKTIVE MEDIEN
PROF. LILIAN KLAGES /
ANIMATION/EFFECTS PRODUCING
PROF. VOLKER HELZLE /
TECHNICAL DIRECTING
KOMMUNIKATION
THERESA SEITZ
FRANZISKA ULLRICH
MATTHIAS JAKOBY
KIVELI PAPADOPOULOU
TECHNIK
IT
VIET NGUYEN
JOHN HOLTH
THOMAS DEL POPOLO
ELMAR WEINHOLD
WEITERE
INFORMATIONEN
ZUM ANIMATIONSINSTITUT
UNTER:
INSTAGRAM: @ANIMATIONSINSTITUT
WWW.FACEBOOK.COM/ANIMATIONSINSTITUT
YOUTUBE: FILMAKADMIE BADEN-WÜRTTEMBERG
WWW.LINKEDIN.COM/COMPANY/ANIMATIONSINSTITUT
WWW.ANIMATIONSINSTITUT.DE
INFO@ANIMATIONSINSTITUT.DE
TEL +49 7141 969 82800
73

STECKBRIEF
DREHBUCH
1
STUDIENKOORDINATION
Igor Dovgal
2
PROJEKTBETREUUNG
Liv Scharbatke
3
LEITENDE DOZIERENDE
Prof. Franziska Buch,
Alex Buresch
4
WIE VIELE STUDIERENDE
PRO STUDIENJAHR?
ca. 10
5
WAS SOLLTEN BEWERBER*INNEN
MITBRINGEN?
Mut, Selbstbewusstsein, Neugier,
Beobachtungsgabe, Teamfähigkeit.
6
WARUM IST DIE FILMAKADEMIE
DER IDEALE ORT FÜR EIN
STUDIUM?
Während des Studiums in Ludwigsburg
können sich die Studierenden
ganz aufs Wesentliche konzentrieren:
das Drehbuchschreiben.
7
WAS LERNEN
DIE STUDIERENDEN HIER?
Wir sehen das Drehbuchstudium
als eine Zeit des Erforschens und
Erlernens von handwerklichen
Grundlagen. Unsere Studierenden
haben die Möglichkeit zu experimentieren.
Gleichzeitig werden sie
aber auch mit den handwerklichen
Fähigkeiten ausgestattet, um an
einem sich ständig ändernden
Markt bestehen zu können.
8
MYTH BUSTING:
WAS LERNT MAN HIER NICHT?
Ten steps to successful
screenwriting.
9
ONE COOL FACT ABOUT...
Der aktuelle Markt ist breit und
dürstet nach guten Autor*innen.
10
MOTTO
Wer nichts erlebt, hat auch nichts
zu erzählen.
74

EXECUTIVE &
LINE PRODUCING
1
STUDIENKOORDINATION
Barbara Mattes,
Márk Szilágyi
2
LEITENDE DOZIERENDE
Felix Eisele
3
DOZIERENDE
Andreas Bareiss, Sophie Cocco,
Ben v. Doebeneck, Kirsten Frehse,
Tim Greve, Susa Kusche,
Laura Machutta, Jakob Neuhäusser,
u.v.a.
4
WIE VIELE STUDIERENDE
PRO STUDIENJAHR?
5-8 (inklusive
Quereinsteiger*innen)
5
WAS SOLLTEN BEWERBER*INNEN
MITBRINGEN?
Großes Interesse an der finanziellen,
unternehmerischen und
organisatorischen Leitung einer
Film- und Medienproduktion
6
WARUM IST DIE FILMAKADEMIE
DER IDEALE ORT FÜR EIN
STUDIUM?
Großes Netzwerk, Kontakt
zur Branche, zielgerichtete
Exkursionen und ein
ELP-Mentoring-Programm
7
WAS LERNEN
DIE STUDIERENDEN HIER?
Das Agieren als Schnittstelle
zwischen den kreativen,
wirtschaftlichen, organisatorischen
und rechtlichen Aspekten in der
Filmproduktion.
8
MYTH BUSTING:
WAS LERNT MAN HIER NICHT?
Belege mit Tesafilm aufzukleben.
9
ONE COOL FACT ABOUT...
Die Filmakademie ist die einzige
Filmhochschule Deutschlands,
die eine Spezialisierung im
Wahlpflichtfach Executive & Line
Producing anbietet.
10
MOTTO
„Filmemachen ist keine Operation
am offenen Herzen!“
75

INTERVIEW
Felix Eisele
Begüm Bakirci
76

Year One – ein Jahr Executive & Line Producing an der FABW
„EIN ALLGEMEINES INTERESSE AN DER WELT
IST IN DIESER BRANCHE UNABDINGBAR”
DOZENT FELIX EISELE UND STUDENTIN
BEGÜM BAKIRCI BERICHTEN ÜBER IHRE
ERFAHRUNGEN MIT DER STUDIENVERTIE-
FUNG EXECUTIVE & LINE PRODUCING (ELP)
SEIT DER EINFÜHRUNG DES PROGRAMMS IM
JAHR 2021. INNERHALB DES FABW-STUDI-
ENGANGS PRODUKTION SETZT DIE SPEZIA-
LISIERUNG EXECUTIVE & LINE PRODUCING
DEN SCHWERPUNKT AUF DIE FINANZIELLE,
UNTERNEHMERISCHE UND ORGANISATORI-
SCHE LEITUNG EINER FILM- UND MEDIEN-
PRODUKTION.
FELIX, letztes Jahr habt ihr das ELP-Programm auf die
Beine gestellt. Erzähl mal kurz, wie es zu dieser Entwicklung
kam.
Die Idee für diese neue Spezialisierung existierte eigentlich
schon fünf Jahre zuvor, und zwar unter dem sich abzeichnenden
Fachkräftemangel im Bereich der Ausführung
und Durchführung im Produktions-Markt. Damals
gab es schon die Vorstellung, das Angebot im dritten und
vierten Jahr zu installieren, um gerade den wirtschaftlichen
sowie strukturellen und herstellungstechnischen
Bereich mehr in den Fokus zu bringen. Und dann hat es
leider ein paar Jahre länger gedauert, bis alle Grundlagen
geschaffen waren.
Das Programm ist deutschlandweit einzigartig.
Was ist das Besondere an dieser Spezialisierung?
FELIX: Ja, die Spezialisierung gibt es in dieser Form nur
bei uns. Auf struktureller Ebene gibt es die Besonderheit
eines Quereinstiegs. Potenzielle Kandidat*innen, die ein
gewisses Grundwissen aus der Branche mitbringen, können
sich für einen Quereinstieg bewerben und darüber
direkt ins Projektstudium einsteigen, also ab dem dritten
von vier Jahren. Das sind dann vollwertige Produktionsstudierende
wie alle anderen P3- und P4-Studierenden,
die auch gleichwertig ein Diplom machen.
Inhaltlich ist die Besonderheit, dass wir uns auf die
Schnittstelle der Übersetzung zwischen Vision und Umsetzung
fokussieren und wirtschaftliche Aspekte sowie
rechtliche Belange miteinfließen lassen. Es ist ein bisschen
zweischneidig, weil die Theorie alleine nicht funktioniert
in diesem Segment. Es gehört sehr viel Praxiserfahrung
dazu. Natürlich muss man sich auch nach dem
Studium noch draußen auf dem Markt beweisen und
weitere Erfahrungen sammeln. Aber wir glauben, dass
die Studierenden nach Abschluss der Spezialisierung das
Rüstzeug haben, sich fest zu etablieren und erfolgreich
im Bereich Produktion arbeiten zu können.
BEGÜM, was macht für dich aus studentischer Sicht das
ELP-Programm besonders?
BEGÜM: Ich habe schon in Istanbul Film studiert und
dort gearbeitet, bevor ich an die Filmakademie gekommen
bin. Weil die klassischen Produktionsstudiengänge
nichts für mich waren und ich nicht schon wieder ein
Grundstudium machen wollte, habe ich speziell nach einem
Programm wie ELP gesucht. Also habe ich recherchiert,
immer mal wieder auf der Filmakademie-Seite
nachgeschaut und letztes Jahr kam ELP neu dazu. Wegen
der Möglichkeit des Quereinstiegs habe ich mich letztendlich
auch beworben.
Und was den Inhalt angeht, bin ich wirklich so zufrieden
und froh, weil ich hier gerade das lerne, was mir richtig
fehlt: Geschäftsführung, legale Aspekte bei der Produktion
und so weiter. Ich bin ja auch neu in Deutschland
und jedes Land hat verschiedene Regeln. Ich glaube, das
Studium bringt mir echt viel!
FELIX: Eine weitere Besonderheit bei uns ist, dass wir
ein eigenes Mentoring-Programm für den ELP-Studiengang
aufgebaut haben. Darin werden die Studierenden
von Professionals aus der Branche zwei Jahre lang begleitet.
BEGÜM: Ja, unsere Mentor*innen sprechen so offen
und ehrlich über die Industrie! Studierende haben
selten solche Gelegenheiten.
77

INTERVIEW
Ist das Mentoring-Programm nur für
Quereinsteiger*innen gedacht?
Quereinsteiger*innen. Begüm ist als Person aus einem
anderen filmischen Kulturkreis ein ganz tolles Beispiel.
FELIX: Das Mentoring ist für alle Produktions-Studierenden,
die Executive & Line Producing als Spezialisierung
gewählt haben, egal, ob aus dem Grundstudium
kommend oder als Quereinsteiger*innen. Es geht darum,
eine Brücke vom Filmakademie-Studium in die Branche
hineinzubauen, um einen realen praktischen Bezug zu
bekommen und frühestmöglich Zugang in die Branche
zu ermöglichen. Während meines Produktionsstudiums
an der Filmakademie hat mir eine Person gefehlt, der
ich alle möglichen Fragen hätte stellen können. Fragen
wie: „Ich habe ein Jobangebot und xy will wissen, was
ich verdienen möchte. Was sage ich?“ oder „Ich interessiere
mich für einen bestimmten Bereich in der Branche
und möchte in diese Richtung gehen. Wie ist der beste
Einstieg? Kannst du einen Kontakt herstellen?“
Wir achten sehr darauf, dass unsere Mentor*innen in
der Branche etabliert sind. Dadurch, dass sie gut vernetzt
sind, werden Wege deutlich verkürzt und die Möglichkeiten,
irgendwo reinzukommen, deutlich erhöht.
So unser Wunsch. Mein Eindruck ist, dass diese Verbindungen
überdurchschnittlich gut funktionieren.
BEGÜM: Ich kann das bestätigen. Aber es geht nicht nur
ums Vernetzen, es bringt mir schon sehr viel, wenn meine
Mentorin, die Produzentin Sophie Cocco, ihre Erfahrungen
mit mir teilt!
Warum sprecht ihr neben den Produktionsstudierenden
auch speziell die Gruppe der Quereinsteiger*innen an?
BEGÜM, wie ist dir der Einstieg als internationale Studentin
gelungen?
Oft werde ich gefragt, wie ich mich als internationale
Studentin hier an der „Aka“ zurechtfinde. Und ich muss
sagen, ich fühle mich ganz wohl. Das liegt aber vor allem
auch daran, dass ich Deutsch gelernt und die Sprachbarriere
durchbrochen habe. Es gibt zwar auch englischsprachige
Kurse an der FABW, aber es geht ja auch darum, Teil
der „Aka-Community“ zu werden – das würde ohne die
Landessprache wahrscheinlich nicht so gut funktionieren.
Zumal der Unterricht im ELP-Programm bisher, bis
auf wenige Ausnahmen, nur auf Deutsch angeboten wird.
FELIX, was bedeutet das für die Bestrebungen der
Filmakademie, sich noch mehr für den internationalen
Raum zu öffnen?
Der Unterricht im Projektstudium soll in Zukunft bilingual
bzw. auf Englisch stattfinden. Im besten Fall können
wir dann auch mehr englischsprachige Kurse im
Rahmen der ELP-Spezialisierung anbieten. Momentan
haben wir schon einige Dozierende aus USA und UK,
die ihren Unterricht auf Englisch halten. Auch unsere
deutschsprachigen Dozierenden nutzen in ihrem Unterricht
grundlegende englische Fachbegriffe. Mindestens
gute Englischkenntnisse sind meines Erachtens generell
eine wichtige Voraussetzung für den Beruf des/der Produzent*in.
FELIX: Wir sehen, dass es auf dem Markt an gut ausgebildeten
Nachwuchskräften, speziell auch in unserem
Bereich, mangelt. Das war für uns ein Grund, das Programm
zu öffnen. Mit der Spezialisierung schauen wir
insbesondere auf die „Umsetzung von Inhalten“ und
sprechen mit unserem exklusiven und international ausgerichteten
Curriculum und dem Mentoring-Programm
Menschen aus der Branche an, die in ihrer Karriere an
einem Punkt sind, den nächsten Schritt gehen zu wollen.
Die Möglichkeit, über ELP als gleichwertige Produktionsstudierende
in das Projektstudium an der Filmakademie
einzusteigen, Projekte verantwortlich zu produzieren
und nach zwei Jahren ein Diplom zu machen, ist
natürlich attraktiv.
Einen besonderen Mehrwert bekommt ELP durch
den internationalen filmischen Background einiger
Jetzt haben wir viel darüber gesprochen, was gut läuft.
Was meint ihr, hat noch Verbesserungsbedarf ?
FELIX: Sag du mal zuerst, Begüm, und sei ganz ehrlich!
BEGÜM: (lacht) Das erste ELP-Semester war wegen Covid
nicht optimal. Am Anfang hatten wir noch Präsenzunterricht,
was echt toll war. Die restliche Zeit ging alles
nur noch über Zoom. Und gerade, wenn es um Zahlen
geht und wir uns viele Excel-Tabellen anschauen müssen,
ist es sehr schwierig, sich zu fokussieren. Was ich an
der Aka generell sehr herausfordernd finde, ist zu produzieren
und gleichzeitig den Unterricht wahrzunehmen.
Die Zeit muss man richtig gut managen.
78

Normalität in Zeiten der Pandemie: Online-Unterricht in ELP
FELIX: Ich bin ja ganz froh, dass es inhaltlich keine größere
Kritik gab (lacht). Eine Sache, die wir auf jeden Fall
besser machen können, ist das Onboarding der neuen
Quereinsteiger*innen an der Aka zu Beginn des dritten
Jahres.
BEGÜM: Ja, es wäre ganz gut, am Anfang mehr Unterstützung
dabei zu bekommen, wie die Filmakademie
generell funktioniert oder wie man beispielsweise
mit dem elektronischen Projektordner arbeitet.
Letzte Frage: Was würdet ihr gerade Quereinsteiger*innen
raten, die im Bereich Produktion Fuß fassen wollen,
aber Zweifel haben, den Anforderungen gerecht zu
werden?
FELIX: Natürlich muss man einen gewissen Erfahrungswert
mitbringen, da man direkt ins dritte Studienjahr
einsteigt. Auf der Webseite der Filmakademie weisen
wir auf die Grundlagen hin, aber es ist keine Bedingung,
das alles zu wissen. Primär hängt es von der Extra-Energie,
dem Extra-Willen, dem Extra-Biss ab, sich selbst in
Bereiche einzuarbeiten und fehlendes Wissen aus dem
Grundstudium anzueignen. Wir gucken sehr auf Persönlichkeiten.
Es geht nicht nur darum, ein Kalkulationsprogramm
bedienen zu können. Interesse muss da sein,
aber nicht bloß an ELP, sondern auch daran, produzentische
Themen zu durchdringen. Und ein allgemeines
Interesse an der Welt ist in dieser Branche unabdingbar.
BEGÜM: Ich denke, man muss vor allem ehrlich mit
sich selbst sein. Zuerst würde ich mich fragen, was ich
kann und was ich vom Studium erwarte. Und, wie Felix
schon gesagt hat: Es ist wichtig, dass du schon etwas
in der Branche erlebt hast, damit du weißt, was du
willst. Mein Tipp für das Aufnahmegespräch: Zeige etwas
von deiner Persönlichkeit, denn man will dich als
Mensch verstehen.
Felix Eisele schloss 2005 sein Studium der Produktion
mit seinem für den Student Academy Award 2006
nominierten Kurzfilm DAS MASS DER DINGE an der
Filmakademie Baden-Württemberg ab. 2008 gründete er
als geschäftsführender Gesellschafter die Penrose Film
GmbH sowie die av medien penrose GmbH in Stuttgart.
Seit 2018 ist er Geschäftsführer und Executive Producer
der Missing Link Film GmbH. Seither hat Felix eine
Vielzahl an fiktionalen und dokumentarischen Filmen
als Produzent und Herstellungsleiter verantwortet. Als
Dozent arbeitet er seit 2009 an der FABW und leitet seit
2021 die Studienvertiefung Executive & Line Producing.
Begüm Bakirci studiert seit 2021 als Quereinsteigerin
in der ELP-Spezialisierung. Davor hat sie ihren
Bachelor of Arts in „Film & TV“ an der Mimar Sinan
Fine Arts University in Istanbul erworben sowie als 1st
Assistant Director und Junior Producer an zahlreichen
TV- und Web-Werbespots, Musikvideos und Filmen mitgearbeitet.
Das Gespräch führte Valentina Keller
79

STECKBRIEF
FERNSEHJOURNALISMUS
KULTUR – BILDUNG – WISSENSCHAFT
1
PROJEKTBETREUUNG
Konstantin Schenk
2
LEITENDE DOZIERENDE
Prof. Peter Arens
3
DOZIERENDE
Prof. Dr. Joachim A. Lang,
Katharina Wolff, Annette Heinrich
4
WIE VIELE STUDIERENDE
PRO STUDIENJAHR?
6 Studierende pro Jahrgang
5
WAS SOLLTEN BEWERBER*INNEN
MITBRINGEN?
Einen Bachelor in einem beliebigen
anderen Studienfach für den
Quereinstieg
Praktische Erfahrung bei
einem Sender und/oder einer
Produktionsfirma
6
WARUM IST DIE FILMAKADEMIE
DER IDEALE ORT FÜR EIN
STUDIUM?
Weil man lernt, wie man unsere
Welt für ein breites Publikum
begreifbar macht.
Und wir empfehlen unsere
Absolvent*innen bei Redaktionen
und Produktionsfirmen
7
WAS LERNEN
DIE STUDIERENDEN HIER?
Grundlagen der Bildgestaltung,
des O-Tons, der Montage, der
Recherche, des Textens - eben alles,
was einen guten journalistischen
Beitrag ausmacht.
8
MYTH BUSTING:
WAS LERNT MAN HIER NICHT?
Wir bilden nicht für aktuelle
Formate aus. Damit sind die
klassischen Nachrichtensendungen
gemeint („Tagesschau“, „heute“ etc.)
9
ONE COOL FACT ABOUT...
Student Oscar 2017 der Academy of
Motion Arts and Sciences für den
Film GALAMSEY
10
MOTTO
„Nicht nur die technische
Ausbildung ist von Bedeutung,
auch die geistige muss Beachtung
finden.“ Bertolt Brecht
80

FILMGESTALTUNG 1
1
PROJEKTBETREUUNG
Jai Wanigesinghe
2
LEITENDE DOZIERENDE
Nils Knoblich, Christa Pfafferott,
Maika Knoblich, Isabelle Stever,
David Spaeth
3
WIE VIELE STUDIERENDE
PRO STUDIENJAHR?
68
4
WAS SOLLTEN
DIE STUDIERENDEN MITBRINGEN?
Sie sollten Fragen an das Leben
mitbringen, oder Themen, die sie
bewegen sowie die Lust, einen ganz
eigenen, ungewöhnlichen, künstlerischen
Ausdruck dafür zu finden.
5
WARUM IST DIE FILMAKADEMIE
DER IDEALE ORT FÜR EIN
STUDIUM?
Die Filmgestaltung 1 bietet einen
einzigartigen Raum zur Persönlichkeitsentwicklung.
Ob im Team,
in der gemeinsamen Auseinandersetzung,
beim gestalterischen
Prozess und manchmal auch beim
Verzweifeln - man lernt sich selbst
auf vielen Ebenen neu kennen und
es erwächst das Vertrauen in die
eigene künstlerische Kraft.
6
WAS LERNEN
DIE STUDIERENDEN HIER?
In der Filmgestaltung 1 lernt man,
wie man „aus wenig viel macht“.
Die Begrenzung der Mittel, ob
zeitlich, finanziell oder technisch,
setzt erfrischende, kreative Kräfte
frei.
7
MYTH BUSTING:
WAS LERNT MAN HIER NICHT?
Man lernt hier nicht, Bewährtes
zu wiederholen, sondern Neues
zu wagen.
8
ONE COOL FACT ABOUT...
Zur FG1-Präsentation wollen alle!
9
MOTTO
No pressure! Bitte macht Euch
keinen Druck.
81

ATELIER LUDWIGSBURG-PARIS
Am Set von WÜRDENBEWAHRERIN
82

LEITUNG:
_PROF. GERHARD MEIXNER (FILMAKADEMIE)
_PROF. ROMAN PAUL (FILMAKADEMIE)
_CHRISTINE GHAZARIAN (LA FÉMIS)
PROGRAMMKOORDINATION:
_MAREIKE SCHMID
PROJEKTBETREUUNG:
_JULIAN BOGENFELD
ATELIER
LUDWIGSBURG-PARIS
SEIT DER GRÜNDUNG DES ATELIER LUD-
WIGSBURG-PARIS IM JAHR 2001 HABEN
BEREITS 21 JAHRGÄNGE DAS PROGRAMM
ERFOLGREICH ABSOLVIERT, IN DER BRAN-
CHE FUSS GEFASST, MIT IHREM SCHAFFEN
DIE EUROPÄISCHE FILMINDUSTRIE MASSG
GEBLICH GESTALTET UND GEPRÄGT UND
SIND ZU EINEM NETZWERK VON ÜBER 350
EHEMALIGEN AUS MEHR ALS 35 LÄNDERN
ZUSAMMENGEWACHSEN.
Junge Filmschaffende hauptsächlich aus Europa, aber
auch der ganzen Welt, mit dem Ziel, in der Produktion
oder im Verleih zu arbeiten, kommen jedes Jahr im Atelier
Ludwigsburg-Paris zusammen, um gemeinsam ein
Jahr mit intensivem Training in den Bereichen Stoffentwicklung,
Finanzierung, Produktion, Vertrieb und Marketing
zu verbringen.
INFO_BOX
Das Atelier wirkt als Pionier im Bereich
der ganzjährigen Postgraduierten-Ausbildung
in Vollzeit für Filmproduktion
und -verleih mit europäischer Ausrichtung.
Es entstand 2001 unter der Schirmherrschaft
der im Jahr 1999 gegründeten
Deutsch-Französischen Filmakademie auf
Initiative der deutschen und französischen
Regierungen. Das Ziel der Deutsch-Französischen
Filmakademie ist es, die filmische
Zusammenarbeit der beiden Länder zu
verbessern. Gefördert wird das Programm
auf deutscher Seite von der EU-Kommission
(Creative Europe, MEDIA) sowie vom
Ministerium für Wissenschaft, Forschung
und Kunst Baden-Württemberg, der Beauftragten
der Bundesregierung für Kultur
und Medien sowie dem Deutsch-Französischen
Jugendwerk.
Angeboten wird die in Europa einmalige Ausbildung
von zwei der führenden Filmschulen in Frankreich und
Deutschland: La Fémis in Paris und der Filmakademie
Baden-Württemberg.
Seit 2007 ist die angesehene National Film and Television
School (NFTS) in Beaconsfield bei London ein weiterer
wichtiger Kooperationspartner.
Das Atelier Ludwigsburg-Paris wurde 2001 zunächst als
Pilotprojekt von Prof. Dr. Peter Sehr und Prof. Jan Schütte
ins Leben gerufen, beide waren langjährige Leiter des
Programms auf deutscher Seite.
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ATELIER LUDWIGSBURG-PARIS
Dort steht das Atelier nun unter der Leitung der Filmproduzenten
Prof. Roman Paul und Prof. Gerhard Meixner
von Razor Film.
EXKLUSIVE WEITERBILDUNG:
MARKTVORTEIL FÜR ALUMNI DES PROGRAMMS
Das Atelier bietet für Postgraduierte mit bereits vorhandener
professioneller Erfahrung in der Filmbranche eine
praxisorientierte Spezialisierung. Besonders schätzen
die Teilnehmer*innen am Programm den Mix aus
praktischen und theoretischen Elementen: Der Unterricht
wird ausschließlich von erfahrenen Dozent*innen
aus der internationalen Film- und Medienbranche angeboten.
Der große Gewinn durch die Lehrenden aus
der Praxis ist, dass sie derzeitige Trends des Marktes
kennen und so aktuelles Knowhow vermitteln. Praxisorientierter
und besonders auf Fallstudien basierender
Unterricht sorgt dafür, dass verschiedene Märkte kennengelernt
werden. Durch die engen Kontakte innerhalb
der Gruppe zu anderen Teilnehmer*innen sowie Alumni
aus anderen Ländern und einer damit einhergehenden
Vertrauensbasis sind gemeinsame Projekte, vor allem im
Bereich Koproduktionen, fast der Regelfall.
Die jährlich maximal 18 Teilnehmer*innen erhalten zusätzlich
wichtige Einblicke in die Branche im Rahmen
von Exkursionen zu international renommierten Festivals
(Berlinale, Cannes, Clermont-Ferrand, Series Mania)
sowie Treffen mit Vertreter*innen von Fernsehsendern
und Förderinstitutionen (ARTE, SWR, EURIMAGES, FFA,
MBB, MEDIA u.a.). Auch die Besuche der wichtigsten europäischen
Film-Märkte (Berlinale Co-Production Market
und Cannes Marché du Film) vermitteln praxisnah
relevante Kenntnisse.
Viele Teilnehmer*innen haben vor dem Besuch des
Programms bereits Erfahrung in der Produktion gesammelt
und sind besonders motiviert, mehr über Verleih
und Vertrieb zu lernen. Auch deshalb kann das Praktikum
im Weltvertrieb oder Verleih – u.a. bei DCM, The
Match Factory und Beta Film in Deutschland, bei Memento,
Coproduction Office in Frankreich sowie Hanway,
Mister Smith und Artificial Eye in Großbritannien
– ein wichtiger Schritt in eine erfolgreiche professionelle
Zukunft sein.
Die vermittelten Inhalte führen langfristig dazu, dass die
Atelier-Alumni die Verbreitung des europäischen Films
in die Welt erfolgreich vorantreiben und darüber hinaus
dessen Wahrnehmung außerhalb Europas erhöhen.
Dazu tragen auch die internationalen Teilnehmer*innen
bei, die sich zwar professionell meist auf europäischem
Boden verorten, jedoch die beruflichen Beziehungen zu
ihrem Herkunftsland behalten.
Aufgrund der Relevanz des gesellschaftlichen Diskurses
und der vorherrschenden Missstände in der Branche
im Bereich Gender-Gerechtigkeit trägt das Atelier
– wie auch die Filmakademie allgemein – diesem Thema
in Lehre und Struktur Rechnung, etwa durch Workshops,
die Wissen zum Thema Gender explizit vermitteln.
Um insbesondere die zukünftigen Produzentinnen
und Verleiherinnen zu fördern, gibt es ein speziell auf
die Bedürfnisse weiblicher Teilnehmender zugeschnittenes
Mentoring. Auch bei der Auswahl von relevanten
Dozentinnen wird diese Thematik implizit berücksichtigt
und so durch Vorbilder Diskurse über Veränderungen
von Rollenbildern angestoßen.
CAMPUS FILMAKADEMIE UND NETZWERKE
Ein großes Plus ist die Situierung des Ateliers an der Filmakademie.
Diese eröffnet den Teilnehmer*innen nahezu
unbegrenzte Vernetzungs- und Entfaltungsmöglichkeiten
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Dreharbeiten zum Kurzfilm SONNENFINSTERNIS (1 KM À PIED)
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ATELIER LUDWIGSBURG-PARIS
Atelier-Filme DIE SCHEUE FREUDE AN DER ARBEIT, WÜRDENBEWAHRERIN, SONNENFINSTERNIS
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durch den gemeinsamen Campus mit den Studierenden
der Filmakademie, dem Animationsinstitut und der Akademie
für Darstellende Kunst Baden-Württemberg. Unbestritten
ist: Weit über die Teilnahme hinaus sind die
hier gewonnenen Kontakte wertvoll für das berufliche
Weiterkommen.
In der Lehre findet die Zusammenarbeit von Atelier
und Filmakademie in mehreren Bereichen statt: Nennenswert
ist hier vor allem das seit dem Wintersemester
2006 angebotene Wahlpflichtfach „International Producing“
für Produktionsstudierende der Filmakademie
(ab dem 3. Studienjahr) in Kooperation mit dem Atelier
Ludwigsburg-Paris.
Die Talente, die im Atelier ausgebildet werden, sind
die Zukunft der Branche – sie sind mehrheitlich direkt
nach dem Programmbesuch in interessanten Positionen
und/oder Unternehmen beschäftigt. Hierbei spielen die
im Atelier gebildeten Netzwerke eine erhebliche Rolle:
Nicht selten sind die Anbieter*innen von Praktika oder
Dozent*innen während des Weiterbildungsjahrs die zukünftigen
Arbeitgeber*innen. Es unterrichten auf deutscher
Seite etwa Kirsten Niehuus (Geschäftsführerin der
Filmförderung im Medienboard Berlin-Brandenburg),
Vanessa Henneman (Gründerin und Geschäftsführerin
von Henneman Agency), Jakob Claussen (Geschäftsführer
Claussen + Putz Filmproduktion), Jamila Wenske
(Produzentin und Co-Geschäftsführerin Achtung Panda!
Media GmbH), Marc Gabizon (Geschäftsführer Wild
Bunch Germany), Jan Mojto (Geschäftsführer EOS Entertainment
u. Beta Film), Peter Dinges (Vorstand der Filmförderungsanstalt),
Marie Noëlle (Autorin, Regisseurin
und Produzentin, Geschäftsführerin P’Artisanfilm), Rebekka
Garrido (Produzentin und Geschäftsführerin Manderley
Films) und Milada Kolberg (Head of Acquisitions
X Verleih AG).
für die Branche festgesetzten Mindeststandards zur grünen
Filmproduktion konnte sichergestellt werden, wofür
die Kurzfilme mit dem Label green.motion ausgezeichnet
wurden.
Als Pionier entstanden im Rahmen des Ateliers 2022 so
die ersten an der Filmakademie grün produzierten Kurzfilme
überhaupt. Das praktisch erlernte Wissen nehmen
die Kursteilnehmer*innen nach Abschluss des Weiterbildungsjahrs
mit, um es in die Branche weiterzutragen.
ATELIER NETWORK ist der Verein der ehemaligen
Atelier-Teilnehmer*innen, der ein aktives Netzwerk
von über 350 jungen europäischen und internationalen
Branchenvertreter*innen aufgebaut hat, das regelmäßig
zusammenkommt. Dieses Netzwerk ermöglicht den europaweiten
Austausch von Informationen, Erfahrungen,
Kontakten und Jobangeboten. Grenz überschreitende
GREEN PRODUCING
Als besonderes Anliegen hat sich das Atelier Ludwigsburg-Paris
der klimaneutralen Filmproduktion verschrieben
- sowohl in der Theorie als auch in der Praxis.
Seit dem Studienjahr 2019/2020 vermittelt der Produzent
und ausgebildete Green Consultant Fabian Linder
theoretisches Wissen, welches in individuellen Mentorings
mit konkretem Bezug auf die Kurzfilmprojekte
vertieft wird.
Im Studienjahr 2021/2022 wurden die Atelier-Kurzfilmprojekte
in Deutschland sowie in Frankreich erstmalig
in der gesamten Produktionsphase von ausgebildeten
Green Consultants betreut. Die Einhaltung der
Cocktail franco-allemand
Filmprojekte werden gemeinsam von Alumni entwickelt.
Die Vereinsmitglieder profitieren außerdem erheblich
von der Vernetzung innerhalb der Deutsch-Französischen
Filmakademie mit den Initiativen Minitraité,
Deutsch-Französisches Filmtreffen und ALP.
Der rote Faden und gleichzeitig ein weiterer praktischer
Strang, der sich durch das Weiterbildungsjahr zieht, ist
die Kurzfilmproduktion des Atelier Ludwigsburg-Paris.
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ATELIER LUDWIGSBURG-PARIS
Die Produktion einer Kurzfilmreihe, die in Kooperation
der beiden Hochschulen gemeinsam mit ARTE und
dem SWR als Koproduzenten hergestellt wird, ist seit 18
Jahren das zentrale Projekt im Curriculum des Ateliers.
Jährlich entstehen zu einem gemeinsamen Thema maximal
neun Kurzfilme, die die Teilnehmer*innen in binationalen
Producer*innen-Teams erarbeiten und über
das Jahr hinweg erfolgreich umsetzen. Die fertigen Filme
bereichern nicht nur das Portfolio der Atelier-Alumni,
sondern erreichen stets auch eine breite Öffentlichkeit,
indem sie nach den Premieren in Ludwigsburg und Paris
auf den Französischen Filmtagen Tübingen, dem Festival
Max Ophüls Preis in Saarbrücken und im Programm des
Fernsehsenders ARTE gezeigt werden.
Eine enge Zusammenarbeit mit Gewerken der Filmakademie
besteht dabei besonders im Bereich Drehbuch:
Schon seit 2006 schreiben Studierende der Drehbuchabteilung
die Bücher für diejenigen Atelier-Kurzfilme, die
in Ludwigsburg entstehen. Auch in den Bereichen Bildgestaltung/Kamera,
Montage/Schnitt, Szenenbild, Filmmusik,
Filmton/Sounddesign sowie anderen Gewerken
findet eine intensive Zusammenarbeit zwischen den
Filmakademie-Studierenden und den Atelier-Teilnehmenden
statt. Während die Studierenden vor allem
von der internationalen Atmosphäre im Team und u.a.
von der gesicherten Festival- und TV-Auswertung der
Kurzfilme profitieren, erweisen sich für die Atelier-Teilnehmer*innen
die fest etablierten Verbindungen der
Filmakademie-Studierenden an der Hochschule als besonders
gewinnbringend.
ATELIER ALS WEICHENSTELLER FÜR EINE
ERFOLGREICHERE PROFESSIONELLE ZUKUNFT
Jedes Jahr besteht großes Interesse an den Plätzen im
Weiterbildungsjahr: Ausgewählt wird aus zahlreichen
Bewerbungen im Mai/Juni für das kommende Studienjahr.
Im Studienjahr 2022/2023 sind acht verschiedene
Nationen vertreten. Für die Auswahl entscheidend sind
Kriterien wie Berufserfahrung, soziale/kommunikative
Fähigkeiten sowie eine größtmögliche Heterogenität
und Diversität, die unterschiedliche Blickwinkel garantieren
und neue Perspektiven in der Gruppe aufzeigen.
Bemerkenswert ist der sichtliche Anstieg der im Netzwerk
vertretenen Nationen seit der Öffnung 2014/2015
für internationale Kandidat*innen sowie der Einführung
der englischen Sprache als weitere Arbeitssprache. Zwar
liegt der Fokus weiterhin auf Deutschland und Frankreich,
es werden aber auch Teilnehmer*innen aufgenommen,
die Englisch beherrschen und Deutsch und/
oder Französisch lernen möchten. Neu unter den teilnehmenden
Nationen ist im Studienjahr 2022/2023
Südafrika.
Wir stellen fest, dass die bereits vor Programmbeginn erworbenen
beruflichen Erfahrungen der Kandidat*innen,
insbesondere im internationalen Kontext, zunehmend
relevanter werden. Meist fehlen aber noch entscheidende
Kenntnisse, um einen weiteren Karriereschritt
zu wagen – etwa in die Selbständigkeit. Hier bietet, laut
Aussagen der Alumni, das Atelier unersetzliche Informationen,
um sich weiterzuentwickeln. Darüber hinaus
ist die Expertise im Bereich internationale Koproduktionen
ein Alleinstellungsmerkmal in Zeiten von Globalisierung.
VON SCHRAUBEN UND VÖGELN
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KURSCHATTEN
POSITIVE EFFEKTE AUF DIE BRANCHE
Die Filmbranche wird durch die Ehemaligen des Programms
bereichert und die Wettbewerbsfähigkeit der
europäischen Filmindustrie verbessert: Dies erfolgt
durch die Vermittlung von Kenntnissen im Atelier, die
den Fokus auf aktuelle Entwicklungen und Trends in allen
Bereichen legen, besonders auch auf digitale Distributionswege
sowie Marketing. Die unternehmerische
und wirtschaftliche Seite des Business ist ebenso elementar
für die meisten Teilnehmer*innen: Viele stehen
an der Schwelle zur Gründung einer eigenen Produktionsfirma
– hier sind Workshops zu Firmengründungen
und alternativen Business-Modellen hilfreich. Auch
soziale Aspekte wie Konfliktmanagement, Teamführung
und ein Bewusstsein für die Gender-Thematik kommen
im Lehrplan nicht zu kurz. Die außergewöhnlich hohe
Beschäftigungsrate der Teilnehmer*innen nach Abschluss
des Programms bestätigt eindrucksvoll die Qualität
der vermittelten Kenntnisse und die Attraktivität
der Absolvent*innen für Arbeitgeber*innen in ganz Europa.
Eine permanente Evaluierung der Studieninhalte
garantiert die Vermittlung aktuellen Knowhows.
BEWERBUNG UND TEILNAHME
FÜR WEN? JUNGE FILMSCHAFFENDE –
BEWERBER*INNEN AUS ALLER WELT
Das Weiterbildungsjahr wendet sich an
angehende Produzent*innen und Verleiher*innen
aus Europa und der ganzen Welt
im Alter von bis zu 30 Jahren und bietet
eine vertiefende Ausbildung mit europäischer
Ausrichtung.
Absolvent*innen von Filmhochschulen
oder anderen relevanten Studiengängen
mit ersten Berufserfahrungen in der Filmwirtschaft
sind die Zielgruppe.
ERFORDERLICHE SPRACHKENNTNISSE
Sehr gute Englischkenntnisse; Deutschund
Französischkenntnisse sind von Vorteil.
WEITERE INFORMATIONEN AUF
DER WEBSITE DES
ATELIER LUDWIGSBURG-PARIS
www.atelier-ludwigsburg-paris.com
FOLGT UNS AUF FACEBOOK UND
INSTAGRAM UNTER
FB.ME/AtelierLudwigsburgParis
https://www.instagram.com/
atelierludwigsburgparis/
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INTERNATIONAL NETWORKS
ME
WE
PROBABLY THE WORLD’S SHORTEST
POEM, WAS SPONTANEOUSLY DELIVER-
ED BY HEAVYWEIGHT CHAMPION MUHAM-
MAD ALI, AT HARVARD UNIVERSITY ON
JUNE 4TH, 1975. WHILE ALI WAS HOLDING
HIS OPENING ADDRESS, STUDENTS IN THE
AUDIENCE DEMANDED: "ALI, GIVE US A
POEM!". HIS REPLY CAME IN THE FAMOUS
LINES:
ME
WE
Besen Dilek, student at the Animation Institute, is the creator
of the icon that signifies the spirit of ME/WE. Inspired by the
poem, she developed the key visual, beautifully expressing the
interconnection, as a contemporary echo and interpretation to
Muhammad Ali’s words, 47 years after he uttered them.
A poem consisting of two words, two lines, two syllables,
both of them equally stressed, like two punches. Reduced
to the essential, these simple words serve as no
less than a reflection on life itself. There is a ME, for
the individual, and there is a WE, for the collective. Neither
is it possible for the ME to exist without the collective,
nor can the WE exist without its constituting
individuals. Our life is based on this very interaction and
ambiguity: on being part of something bigger, and being
separated from this entity at the same time. We thought
that this great little poem would be a good motto for the
International Class.
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ICLA 2.0
THE INTERNATIONAL CLASS AT THE FILMAKA-
DEMIE IS A UNIQUE INTERDISCIPLINARY PRO-
GRAM WHICH HAS BEEN DESIGNED TO HOST
GUEST STUDENTS FROM ALL OF FABW’S PART-
NER INSTITUTIONS FOR THE DURATION OF ONE
SEMESTER. THROUGH THE UNIQUE MIX OF EACH
YEAR’S GROUP, IT HAS BECOME AN INCUBA-
TOR FOR FILM PROJECTS THAT ARE CROSSING
BOUNDARIES, AND FOR PERSONAL CONNEC-
TIONS WHICH ARE REACHING FAR BEYOND THE
DURATION OF THE SEMESTER ON CAMPUS. ICLA
2.0 IS ENTIRELY TAUGHT IN ENGLISH.
On Monday, April 4th, 23 international guest students
picked up their studies at the Filmakademie. They were
the first ones to attend the new edition of the International
Class – ICLA 2.0 – which ran until mid-August.
The course had undergone a thorough redesign since its
last edition under Covid-19 conditions in the Winter of
2020/2021. This last ICLA had consisted of 16 participants.
The class of 2022 shifted to the Spring term and
it grew in size, to 23 students from thirteen countries,
eleven of them non-European. Most of the participants
receive a Baden-Wuerttemberg STIPENDIUM, as well as
grants from the Federal Foreign Office, or funding from
various Goethe Institutes, and others.
Two of the ICLA students had fled from the war in Ukraine,
and one had to leave Russia in the face of the reigning
repressions there. Once more, the financial support
of the Baden-Wuerttemberg STIPENDIUM secured that
these three displaced students could be included in the
program on short notice.
The interdisciplinary curriculum of ICLA 2.0, which has
been curated by Valentina Boye, herself an alumna of
documentary directing at the Filmakademie, gives top
priority to networking and to content development. Encounters
with the academy’s regular students, and joint
project work are running through the curriculum like
a thread.
Participants have come up with ideas for films early on
in the semester and kept honing their projects throughout
the term. They have made alliances among the IC-
LA 2.0 and beyond, among the school’s regular students.
We hope that this development will help them to jointly
keep developing their ideas further. The International
Office at the Filmakademie is prepared to assist in
the process and to support co-productions between film
schools, widening the scope of stories to be told to a global
level, and widening the international dimension of
student exchange towards more global career perspectives
for all involved.
Guido Lukoschek, Head of International Office
At the Certificate Ceremony 2022
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INTERNATIONAL NETWORKS
Die International Class erobert den Schwarzwald
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Couchsurfing beim Black Forest Workshop
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INTERNATIONAL NETWORKS
PARTNER INSTITUTIONS – 2022/2023
• AFDA – THE SOUTH AFRICAN SCHOOL OF
MOTION PICTURE, LIVE RECORDING AND
LIVE PERFORMANCE, Johannesburg, South
Africa
• MAISHA FILM LAB, Kampala, Uganda
• MAHARASHTRA INSTITUTE OF TECHNOLO-
GY, Pune, India
• AFRINOLLY CREATIVE HUB, Lagos, Nigeria
• AL-QUDS UNIVERSITY, Ramallah, Israel/Palestine
• BEJING FILM ACADEMY, Bejing, China
• COLOMBO FILM & TELEVISION ACADEMY,
Colombo, Sri Lanka
• ÉCOLE NATIONALE SUPÉRIEURE LOUIS
LUMIÈRE, Paris, France
• FTII - FILM & TELEVISION INSTITUTE OF
INDIA, Pune, India
• FREE SZFE, Budapest, Hungary
• MOHOLY-NAGY UNIVERSITY OF ART AND
DESIGN, Budapest, Hungary
• MOPA COMPUTER GRAPHICS ANIMATION
SCHOOL, Arles, France
• NATIONAL FILM SCHOOL OF DENMARK,
Copenhagen, Denmark
• NFTS - NATIONAL FILM & TELEVISION
SCHOOL, Beaconsfield, UK
• NDU – NOTRE DAME UNIVERSITY, Beirut,
Lebanon
• THE ANIMATION WORKSHOP, VIA UNI-
VERSITY COLLEGE, Viborg, Denmark
• GOBELINS L’ÉCOLE DE L’IMAGE, Paris,
France
• INCINE, Quito, Equador
• KIBBUZIM COLLEGE, Tel Aviv, Israel
• KOREA NATIONAL UNIVERSITY OF ARTS,
SCHOOL OF FILM, TV & MULTIMEDIA,
Seoul, Republic of Korea
• LA FÉMIS, Paris, France
• TOKYO UNIVERSITY OF THE ARTS -
THE GRADUATE SCHOOL OF FILM AND
NEW MEDIA, Tokyo, Japan
• UCLA EXTENSION, Los Angeles, USA
• FUNDACIÓN UNIVERSIDAD DEL CINE,
Buenos Aires, Argentina
• UNIVERSIDAD DE VALPARAISO, Valparaiso,
Chile
• LINDENWOOD UNIVERSITY, St. Charles,
Missouri, USA
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ALUMNUS OF FABW’S
INTERNATIONAL CLASS COORDINATES
FILM SCHOOL IN NORTHERN SRI LANKA
BATHURSHAN GANESHALINGAM SPENT HIS
CHILDHOOD WATCHING TAMIL FILMS FROM
SOUTH INDIA. GIVEN THAT BESIDES GOING TO
SCHOOL AND SOME PRIVATE LESSONS IN THE
AFTERNOONS, THERE WAS NOTHING MUCH TO
DO, WATCHING FILMS BECAME A WELCOME
DISTRACTION FROM THE THREATENING SET-
TING OF CIVIL WAR THE COUNTRY FOUND
ITSELF IN AT THE TIME. YEARS LATER, HIS
EARLY PASSION FOR FILMS WAS REFLECTED IN
BATHURSHAN’S DECISION TO SKIP HIS IT STUD-
IES AT THE OPEN UNIVERSITY OF SRI LANKA
FOR A CAREER IN FILM, RISKING HIS PROS-
PECTS OF A SOLID INCOME. HIS PARENTS WERE
NOT AMUSED.
It was the country’s film festivals, such as the Colombo
International Film Festival, or the Short Film Screenings
at the Goethe Institute, that widened Bathurshan’s perspective
to international films and finally led to his successful
application at the Colombo Film and Television
Academy (CFTA) to study film sound and editing. At the
school, Singhal is the teaching language, which Bathurshan
had to learn quickly in order to follow the lectures
and seminars.
FILMAKADEMIE AS A SOURCE OF INSPIRATION
“When I received the nomination from CFTA to go to
Filmakademie as a guest student, I could hardly believe
it. I was so full of joy and in anticipation of the stay
there. My time in Ludwigsburg has been incredibly inspiring,
as I was not only able to learn from outstanding
lecturers, but I also got the chance to prove myself
as a sound recordist, which opened many new paths for
me. By supporting me with a grant, the German Federal
Ministry of Foreign Affairs has enabled me to embark
on this wonderful exchange. I am very grateful for that,”
Bathurshan says.
FIRST TAMIL FILM LIBRARY IN SRI LANKA
The foundation of the Balu Mahendra Film Library and
Learning Resource Center (named after the successful
Sri Lankan film director) in Kilinochchi in the North of
the country, also set the ground stone for a small, new
film school. The library and the seminar room serve as
a creative hub for youngsters who are trained in theoretical
lectures and seminars, and are working on practical
exercises with film equipment. There are some
800 books in the library by now, as well as more than
12.000 films in Tamil and in English. “In the first year,
we already received more than 100 applications for the
20 seats we can offer,” Bathurshan continues. “The call
for the third intake has just started. Besides our regular
curriculum, we are also offering short-term workshops.
Some of them, like camera or sound, are much
sought-after. We are also happy to report an ever-growing
community of supporters, numerous international
professionals among them, who deliver their training
online, via Zoom, during the pandemic.”
FABW ALUMNI SERVE AS MENTORS
Two of FABW’s alumni were among those who supported
the project as online mentors: Kumaran Herold, who
studied cinematography at the Filmakademie, is now
working as a DoP. His Tamil language skills came in
handy when he delivered the fundamentals of camera
work within his three-day cinematography workshop.
Although he was only present online, he instructed the
participants to engage in his active, hands-on program.
Julia Schlingmann completed her studies at FABW’s camera
department in 2013, and has been working as a freelance
DoP since then. In her seminar „Light in Documentary
Film,“ she taught students how to work effectively
and creatively in situations where there is only available
light. Her seminar is especially helpful to those who
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INTERNATIONAL NETWORKS
Hands-On Training at the Center
The Balu Mahendra Film Library
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have to work with a limited set of lighting equipment,
turning what seems to be a weakness into a strength.
SUPPORT BY THE GERMAN FILM COMMUNITY
When Bathurshan traveled back to Sri Lanka after successfully
completing the International Class in the spring
of 2021, he brought with him a trunk full of film equipment
such as cameras, tripods, and monitors which other
filmmakers from the region he is good friends with
had collected for him. It is these tools which serve as
the basic equipment of the film school in northern Sri
Lanka.
„We would love to win more international experts and
professionals to pass on their knowledge to us. Further,
we would need additional equipment, such as lighting
equipment and grip, to be able to offer more practical
workshops. Future perspectives for young people are
rather blurry in the crisis Sri Lanka is currently finding
itself in. Without electricity or gas, almost nothing
is working properly. While at the moment everything is
more about survival, I do hope that after overcoming the
crisis, we will be able to develop this small school into
an important film hub for our Tamil-speaking region,”
says Bathurshan.
Sujatha Dovgal, Project Manager International Office
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ALUMNI IM FOKUS
„Be easy
to work with“
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Im Gespräch mit Katrin Schweiger,
Absolventin Filmmusik & Sounddesign
BEVOR KATRIN SCHWEIGER 2013 IHR
DIPLOM IM STUDIENGANG „FILMMUSIK
& SOUNDDESIGN“ AN DER FILMAKADEMIE
BADEN-WÜRTTEMBERG ERHIELT, STUDIERTE
SIE MUSIK UND ENGLISCH AUF LEHRAMT
AN DER UNIVERSITÄT REGENSBURG. SIE
ERHIELT PRIVATUNTERRICHT IN KOMPOSI-
TION BEI RAINER BARTESCH UND GRAHAM
BUCKLAND UND NAHM 2016 AN DER
HOLLYWOOD MASTERCLASS „ARRANGING
FOR BIGBAND AND STRINGS IN POPMUSIC“
BEI CHRIS WALDEN TEIL.
Liebe Katrin, vielen Dank, dass du dir die Zeit nimmst und
für unser Campus Magazin einige Fragen beantwortest.
Das Salzburger Landestheater hat ja mit der Position einer
Hauskomponistin eine im deutschsprachigen Raum
unübliche Position geschaffen. Was ist denn deine Aufgabe
und wie sieht dein Arbeitsalltag aus?
Ja, die Stelle ist wunderbar breit angelegt, was ich sehr
liebe, da sie aus zwei Bereichen besteht. Zum einen darf
ich neue Stücke für das Landestheater komponieren: Aktuell
arbeite ich an dem Musical „Das fliegende Klassenzimmer“
von Erich Kästner und an der Schauspiel-Musik
zu „Die unendliche Geschichte“ von Michael Ende. Beide
Stücke werden im Januar bzw. Februar 2023 Premiere
haben. Ich durfte auch bereits vier Songs schreiben für
das Kinderstück „Pumuckl“, das im November 2022 auf
die Bühne kommt. Darüber hinaus gilt es, Stücke zu arrangieren,
zu orchestrieren und teilweise auch musikalisch
zu produzieren, wobei mir meine Musikproduktionsfähigkeiten,
die ich an der FABW erworben habe, sehr
nützlich sind. Auch die Fähigkeit, Musik im dramaturgischen
Kontext zu sehen und mich mit Regisseur*innen
über den Einsatz von Musik in den Theaterstücken zu unterhalten,
ist etwas, was ich quasi täglich brauche, denn
Theater ist ja nichts anderes als ein Film auf der Bühne.
Inzwischen arbeitet Katrin als Orchestratorin und Arrangeurin
für verschiedene Orchester und Komponist*innen
- u.a. für die Bayerischen Filmfoniker, für
Konstantin Wecker und für den deutschen Filmmusikpreisträger
Nikki Reiser – und sie ist Gastdozentin im
Bereich „Grundlagen der Filmmusik - Musik in Worte
fassen“ an der FABW. Darüber hinaus dirigiert sie verschiedene
Ensembles bei Konzerten und Studioaufnahmen
und tritt mit ihrem neuen deutsch-bayerischen
Popmusik-Programm als Sängerin und Pianistin auf.
Seit Januar 2022 ist sie Hauskomponistin und musikalische
Leiterin für Schauspiel und Musical am Salzburger
Landestheater.
Der zweite Teil meiner Arbeit ist die musikalische Leitungsstelle
im Bereich Schauspiel und Musical, sprich:
das Dirigieren. Ich durfte bereits das Musical „Peter Pan“
dirigieren, was mir sehr viel Spaß gemacht hat, denn
hier durfte ich mit großartigen Musiker*innen arbeiten,
was einem oft fehlt, wenn man nur im einsamen Kämmerlein
vor sich hin komponiert.
Mein Arbeitsalltag ist also jeden Tag anders. Es kann
sein, dass ich mit Darsteller*innen probe, auf der Bühne
oder im Proberaum, dass ich in meinem Studio komponiere,
produziere, arrangiere oder orchestriere, dass ich
Gespräche mit Regisseur*innen, Dramaturg*innen und
Choreograf*innen habe, und abends vielleicht eine Aufführung.
Es kam auch schon vor, dass ich kurzfristig als
Pianistin oder Sängerin auf und hinter der Bühne einspringen
musste.
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ALUMNI IM FOKUS
Wie bist du zu dieser Stelle gekommen?
Das verdanke ich einem geglückten Elevator-Pitch auf
der Musical-Konferenz letztes Jahr in Wunsiedel, wo
ich den Intendanten des Salzburger Landestheaters, Carl
Philip von Maldeghem, in einer kurzen „Raucher“-Pause
kennengelernt habe. Ich habe ihm meine Karte gegeben
und dann hat er mich zwei Tage später per E-Mail
kontaktiert und mich eigeladen, doch einmal vorbeizuschauen,
wenn ich in Salzburg bin. Also Ticket nach
Salzburg gebucht und ein Treffen mit dem Intendanten
vereinbart, bei dem wir uns eine Stunde sehr nett unterhalten
haben. Zu dem Zeitpunkt dachte ich noch, er
wollte mich vielleicht als externe Komponistin für ein
Projekt haben. Doch nach und nach kam heraus, dass
er eine neue Stelle plant und sich mich dafür vorstellen
könnte. Daraufhin habe ich einen Tag lang Probe gearbeitet,
was ein Bewerbungsgespräch mit dem Studienleiter
und musikalischen Leiter Wolfgang Götz beinhaltete,
ein Vordirigieren, das Leiten einer Probe mit einem Gesangssolisten
sowie dem Jugendchor. Ich habe die Stelle
noch am selbem Tag bekommen.
gehört auch ein Quäntchen Glück dazu, dass einem etwas
Gutes einfällt. Wenn das mal nicht der Fall ist, dann
gehe ich gerne raus in die Natur, am liebsten mit meinem
Hund. Beim Spazierengehen habe ich oft die besten
Einfälle.
Dein musikalisches Oeuvre ist breit gefächert: Deine
Werke reichen von Filmmusik, über Theatermusik und
Konzertmusik, bis hin zu Rock, Pop und Jazz. Oft verschmelzen
in deinen Kompositionen verschiedene musikalische
Genres. Woher kommen diese Vielfalt und
Wandlungsfähigkeit?
Ich stamme aus einer sehr musikalischen Familie, die
mich früh mit verschiedenen Musikrichtungen konfrontiert
hat, ohne dabei eine Richtung zu bevorzugen oder
als besser darzustellen. Mein Papa liebt Rock und Metal-Musik,
spielt Geige und ist Tenor-Solist bei uns im
Kirchenchor, in dem ich auch viele Jahre gesungen habe.
Meine Mama spielt Klavier, Akkordeon und Steirische
Harmonika und sie liebt französische Chansons. Meine
Schwester spielt Saxofon, Klavier und Posaune und
hat mir den Jazz nähergebracht. Das erste Musical, das
ich sehen durfte, war „Cats“ und die CD lief in meinem
Kinderzimmer zusammen mit „BravoHits“ und französischem
HipHop rauf und runter. Warum sich also auf eine
Farbe festlegen, wenn doch alle Farben wunderschön
sind und sich auch noch kombinieren lassen!
In einem Interview hast du mal gesagt, dass die Kompositionsarbeit
eine einsame Arbeit ist. Hat sich das mit
deinen Aufgaben in Salzburg geändert?
Live-Auftritt mit Oliver Thedieck
Haha,...ja, das habe ich oben bereits geschrieben. Durch
die Vielfältigkeit der Stelle hat sich das zum Glück ein
bisschen geändert.
Wie findest du Motive und Themen für deine Musikstücke
und woran arbeitest du im Moment?
Diese Woche schreibe ich an Musical-Songs für das
„Fliegende Klassenzimmer“. Hierfür gibt es Songtexte
vom wunderbaren Marco Dott, die mir als Inspiration
für die Melodien dienen. Und man bespricht gemeinsam,
welche Emotionen erzeugt werden sollen, in welche
musikalische Stilrichtung es gehen soll, schickt sich
eventuell sogar Songs hin und her, in welche Richtung
es gehen könnte. Und dann hilft mir mein musiktheoretisches
Wissen, um mit Hilfe von verschiedenen Akkorden
die erhofften Emotionen zu erzeugen. Natürlich
100
Du scheinst ein extrovertierter Mensch zu sein, der gern
mit anderen zusammen ist und gemeinsam an Projekten
arbeitet. An der FABW hast du ja zum Beispiel den
Filmakademie-Chor gegründet und geleitet. Kam dir hier
das an der FABW übliche Arbeiten im Team entgegen?
Ja, absolut. Wer nicht gut im Team arbeiten kann, sollte
besser Solokünstler*in werden! Der beste Rat, den ich je
bekommen habe, war: 1. Be easy to work with. 2. Be easy
to work with. 3. Be easy to work with.
Bei all deinen vielfältigen Interessen – du bist ja beispielsweise
auch ausgebildete Sängerin: Warum hast du

dich gerade für ein Filmmusik-Studium an der FABW
entschieden? Engt das den kreativen Output nicht ein?
Nein, ganz im Gegenteil! Das Filmmusik-Studium an
der Filmakademie war genau das Richtige für mich, da
man hier in sämtlichen musikalischen Richtungen ausgebildet
wird, von klassischen Orchesterklängen, über
elek tronische Musik, bis hin zu Jazz/Rock/Pop und allem,
was dazwischen liegt. Ich wollte nicht NUR Jazz
oder Klassik oder Pop studieren. Und man hat an der
FABW viel Raum für Experimente, so dass ich auch viel
mit meiner Stimme als Klangquelle experimentiert habe
und dies in viele meiner Kompositionen auch heute
noch einbaue.
Hast du ein musikalisches Vorbild, z.B. eine Filmmusikkomponistin
oder einen Filmmusikkomponisten?
Ja, viele! Aus jeder Musikrichtung mindestens eine Person.
Aber wenn wir über Filmmusik sprechen, dann stehen
bei mir Howard Shore und Rachel Portman ganz
oben auf der Liste.
Für deine symphonische Musik zum experimentellen
FABW-Diplomfilm XIAN-NU wurdest du für die „Beste
Musik in einem Kurzfilm“ beim Peer-Raben-Music-
Award 2013 nominiert. Was bedeuten dir Preise oder
Nominierungen? Meinst du, sie sind wichtig für ein berufliches
Fortkommen?
Preise und Nominierungen fühlen sich toll an. Sie bestärken
einen darin, dass das, was man tut, Qualität hat
und gefällt. Das hat meiner Künstler-Seele sehr gutgetan.
Es gab in meiner bisherigen Laufbahn immer wieder
Momente, wo ich an mir selbst gezweifelt habe, ob
ich gut genug bin für diesen Beruf, vor allem, wenn es finanziell
mal gerade nicht so gut lief. Dennoch sind Preise
nicht alles, aber sie lesen sich gut in einer Vita. Also
denke ich, dass sie durchaus helfen können für das berufliche
Fortkommen.
Wie hast du es geschafft, dich in der Branche zu etablieren?
Hat dir dein Studium an der FABW dabei geholfen?
Als meine Branche sehe ich die Musical-Branche. Nachdem
ich immer mehr von der Filmmusik-Branche abgekommen
bin, da ich hier leider nie richtig einen Fuß
in die Tür gebracht habe, hatte ich beschlossen, mir eine
Teilzeitstelle als Lehrkraft zu suchen und nur noch die
Musik zu schreiben, die ich wirklich schreiben will. Was
dabei herauskam, war ein großes Symphonic-Rock-Fantasy-Musical,
„Die Königin der Schatten“. Ich habe dann
Kontakt zu Musical-Sänger*innen gesucht, die mir die
Demos eingesungen haben, bin zu Musical-Konferenzen
gefahren, habe mich mit Musical-Fachmagazinen auf
den neuesten Stand gebracht, was in der Szene so abgeht,
habe meine Verlegerin vom LITAG Verlag kennengelernt,
habe kleinere Musical-Filmprojekte angestoßen
und so hat sich das Vitamin B dann nach und nach aufgebaut.
Arbeitest du momentan an einer Filmmusik-Komposition
und wenn ja, für welchen Film?
Nein. Derzeit arbeite ich nur an Musicals und Schauspiel.
Doch mit „Die unendliche Geschichte“ liegt mir
eine Filmmusik in den Ohren, die wir alle kennen und
lieben, und die es nicht zu kopieren gilt! Und obwohl es
eine Schauspiel-Produktion ist, fühlt sich die Arbeitsweise
sehr ähnlich an wie das Schreiben einer Filmmusik.
Hast du bereits mit Alumni oder Dozierenden der FABW
zusammengearbeitet?
Ich durfte mit dem Alumnus Ben Rudolf und seiner Firma
„Nau Hau“ zusammenarbeiten und wir haben ein
VR-Projekt gemacht, bei dem wir mit Edgar Allan Poe
und seinem Gedicht „Der Rabe“ durch seine gruselige
Villa laufen. Wir haben damit den Preis „BW goes mobile“
gewonnen. Kann man im Occulus Shop ansehen unter
„The Raven by E. A. Poe“.
Bitte vervollständige folgenden Satz: Die Filmakademie
war für mich ein Ort, …
…an dem ich mich, umringt von kreativen Gleichgesinnten,
austoben und an dem ich künstlerisch wachsen durfte.
Das Interview führte Fenja Schnizer
101

STECKBRIEF
FILMMUSIK
1
PROJEKTBETREUUNG
Andreas Fuchs
2
LEITENDE DOZIERENDE
Prof. Matthias Raue
3
WIE VIELE STUDIERENDE
PRO STUDIENJAHR?
Vier
4
WAS SOLLTEN BEWERBER*INNEN
MITBRINGEN?
Mindestens Bachelor oder Vor -
diplom in einem musikalischen
Studiengang
5
WARUM IST DIE FILMAKADEMIE
DER IDEALE ORT FÜR EIN
STUDIUM?
Der praktische Aspekt der
Ausbildung bietet Möglichkeiten,
die ihr nur hier findet: Orchesteraufnahmen
mit dem Filmorchester
Babelsberg, ein Orchesterworkshop,
Aufnahmen mit Small- und
Bigband und ein Tonstudio, in
dem ihr Musik aufnehmen könnt,
soviel ihr wollt. Außerdem ist der
Campus perfekt für Networking, da
eure Kommiliton*innen nach dem
Studium gute Jobs in der Filmwirtschaft
haben.
6
WAS LERNEN
DIE STUDIERENDEN HIER?
Ganz viel Learning by Doing – Ihr
macht von Anfang an Musik für
Filme. Die Theorie ist dabei immer
auch projektbezogen: Filmkomposition,
-dramaturgie, Harmonielehre,
TV-Scoring, Filmmusik-Orchestration,
Dirigat, Musikrecht,
Pop-Producing, künstlerische
Filmmusik-Praxis und vieles mehr.
7
MYTH BUSTING:
WAS LERNT MAN HIER NICHT?
Instrumental-Unterricht gibt es
bei uns nicht. Den hattet ihr in der
Regel auch in eurem vorangegangenen
Studium
8
ONE COOL FACT ABOUT...
Im Orchester-Workshop dürft ihr
selbst dirigieren.
9
MOTTO
Ausgezeichnete Filmmusik entsteht
durch gute Kommunikation und
Entwicklung einer persönlichen
Filmmusik-Sprache.
102

FILMTON/SOUNDDESIGN
1
STUDIENKOORDINATION
Florian Dittrich
2
PROJEKTBETREUUNG
Tobias Scherer
3
LEITENDE DOZIERENDE
Ed Cantù
4
WIE VIELE STUDIERENDE
PRO STUDIENJAHR?
Sieben
5
WAS SOLLTEN BEWERBER*INNEN
MITBRINGEN?
Passion für guten Sound,
technisches Verständnis, flüssigen
Umgang mit DAWs, Kenntnis der
verschiedenen Gewerke beim Film
6
WARUM IST DIE FILMAKADEMIE
DER IDEALE ORT FÜR EIN
STUDIUM?
Arbeitsumgebung, wie man sie
auch in der freien Wirtschaft
findet; die Möglichkeit, sich an
allen verschiedenen Genres zu
versuchen, wie: Animations-,
Dokumentar-, Spielfilm, Serienformate
etc.
7
WAS LERNEN
DIE STUDIERENDEN HIER?
- Den Entstehungsprozess der
verschiedenen Tonebenen
beim Film und darüber
hinaus (Game Audio)
-Das Arbeiten in einem
großen Filmteam
- Die wirtschaftlichen Faktoren
des Filmton-Business
- Sehr viel Praxis!
8
MYTH BUSTING:
WAS LERNT MAN HIER NICHT?
Schlafen, sich langweilen
9
ONE COOL FACT ABOUT...
Der Ton macht MINDESTENS 50%
des Films aus!
10
MOTTO
Hauptsache FETT! ;)
103

ALUMNI IM FOKUS
„Wir brauchen neue Geschichten aus anderen
Perspektiven und mit neuen kreativen Erzählformen.
Dafür ist der Nachwuchs der richtige Partner.“
ALL-IN
104

10 Fragen an Christoph Pellander
CHRISTOPH PELLANDER SCHLOSS 2007
SEIN DREHBUCH-STUDIUM AN DER
FILMAKADEMIE BADEN-WÜRTTEMBERG
AB. SEIT JULI 2019 IST ER LEITER REDAK-
TION UND PROGRAMM-MANAGEMENT DER
ARD DEGETO. IN DIESER FUNKTION IST ER
FÜR AUFTRAGS-, KOPRODUKTIONEN UND
DEN LIZENZEINKAUF DER ARD DEGETO IM
BEREICH FERNSEHEN UND KINO REDAKTI-
ONELL VERANTWORTLICH. ZUDEM LEITET
ER DIE PROGRAMMPLANUNGEN SOWIE DIE
PRESSESTELLE DER DEGETO.
konnte ich die letzte Phase des Studiums und den Job
sehr gut verbinden. In den zwei Jahren als junger Produzent
im Team von Greenskyfilms habe ich viel geschrieben
und entwickelt. Damals hatten es junge Filmemacher*innen
aber deutlich schwerer in der Akquise, da
weniger produziert wurde als heute und es auch weniger
Auftraggeber gab. Als der Anruf vom WDR kam, aber
nicht aufgrund eines Stoffangebots, sondern aufgrund
einer freien Stelle, wechselte ich wieder auf die Seite des
Senders. Nun arbeite ich schon seit mehr als 15 Jahren
für die ARD. Die Jahre in den Landesrundfunkanstalten
- vor allem beim NDR - waren immer enorm abwechslungsreich
und die Aufgaben bei der ARD Degeto machen
einfach großen Spaß.
Sicher gehen viele Skripte anderer Autor*innen durch
Deine Hände. Juckt es Dich manchmal in den Fingern,
mal wieder selbst ein Drehbuch zu schreiben? Oder
hast Du sogar noch den einen oder anderen Stoff in der
Schublade?
Davor arbeitete Christoph Pellander als Redakteur beim
NDR im Programmbereich Fiktion und Unterhaltung, in
den Abteilungen Film, Familie und Serie sowie Talk und
journalistische Unterhaltung. Zu seinen weiteren beruflichen
Stationen zählen Tätigkeiten als Redakteur für
die Fiktion beim WDR und BR sowie als Produzent/Producer
bei der Greenskyfilms GmbH und der Bavaria Film
GmbH.
Lieber Christoph, Du hast die Filmakademie mit einem
Diplom in Drehbuch verlassen, hast aber danach bald
den Weg in Richtung Produktion und Redaktion eingeschlagen.
Wie kam es zu dieser Ausrichtung?
Schon während des Studiums bekam ich die Anfrage
vom Bayerischen Rundfunk, in der Spielfilm-Redaktion
von Bettina Reitz in München zu arbeiten. Da auch meine
Diplom-Betreuerin Franziska Buch in München lebte,
Tatsächlich erreichen uns in der Degeto über 1.000
Stoff-Angebote im Jahr. Diese werden von uns in der
Redaktion alle gelesen und geprüft. Lesestoff gibt es also
ausreichend, aufgrund der Menge können wir aber
nur einen Bruchteil der Ideen umsetzen. Und ja, es juckt
mich immer wieder. Ich habe vor einigen Jahren begonnen,
nebenbei journalistisch im Pferdesport – also in
einem völlig anderen Metier - tätig zu sein. Ein kleiner
Ausgleich. Natürlich bleibt aber auch stets die Option,
Geschichten und Stoffe, die einen bewegen, anzustoßen
und so inhaltliche Impulse zu setzen. Ein aktuelles
Beispiel: Die Roman-Reihe „Lost in Fuseta“ von Holger
Karsten Schmidt, der ja auch „Ludwigsburger“ ist. Nach
der Lektüre war mir klar, dass Kommissar Leander Lost
auch auf die Bildschirme gehört. Die Verfilmung ist bereits
diesen Sommer im Ersten und in der ARD Mediathek
zu sehen.
Was reizt Dich besonders an Deiner Tätigkeit bei der
ARD Degeto?
Die ARD Degeto ist eine der wichtigsten Auftraggeberinnen
für fiktionale Produktionen in Deutschland.
Wir machen Kinofilme, Fernsehfilme, Reihen und Serien
für das Erste, die ARD Mediathek und die gesamte
ARD. So entstehen 82% aller Filme und Mehrteiler
105

ALUMNI IM FOKUS
ALL-IN
„Wir wollen und müssen vor allem über non-lineare
Formate neue Zuschauergruppen erreichen.“
im Ersten von oder mit Beteiligung der Degeto. Insofern
ist die Position des Redaktionsleiters natürlich so etwas
wie ein Traumjob: Wo sonst kann man fiktionale Formate
im Zusammenspiel mit Kreativen, Produzent*innen
und Redakteur*innen in dieser Form mitgestalten? Die
ARD Mediathek bietet nochmal ganz neue Möglichkeiten
für innovative Formate in unterschiedlichster Länge
und Machart – von der kürzlich erworbenen Short Comedy
wie z.B. ALL IN bis zur langlaufenden international
gefeierten Highend-Serie BABYLON BERLIN. Am
Ende sind es also die Bandbreite an Gestaltungsmöglichkeiten
und die Zusammenarbeit mit den besten Kreativen
vor und hinter der Kamera, die meinen Job so faszinierend
und interessant machen.
106

Die Filmakademie-Produktion ALL IN ist Teil einer aktuellen
Serienoffensive der Degeto in der ARD Mediathek,
die sich insbesondere an ein junges Publikum
wendet. Was qualifiziert ALL IN aus Deiner Sicht für
diese Reihe? Was macht die Serie aus?
Wir wollen und müssen vor allem über non-lineare Formate
neue Zuschauergruppen erreichen. Vor diesem
Hintergrund brauchen wir auch neue Geschichten aus
anderen Perspektiven und mit neuen kreativen Erzählformen.
Dafür ist der Nachwuchs der richtige Partner
– wie sich am Beispiel von ALL IN bestens gezeigt hat.
„Schnell, laut, unbequem, provokant, aber vor allem immer
lustig und echt“, so hatten Daniel Popat und Marco
Hülser ihr Projekt vorgestellt. Und dieses Versprechen
hält die Serie auch. Ein witziges Mumblecore, dessen
schräge Figuren einem durch ihre Unbekümmertheit
und Spontaneität schnell ans Herz wachsen. Hohes Tempo
und schwarzer Humor garantieren ungewöhnliche
Unterhaltung in der ARD Mediathek.
Die Mediathek spielt derzeit eine wichtige Rolle im Bemühen
der ARD, ein jüngeres Publikum anzusprechen.
Wie siehst Du das öffentlich-rechtliche Fernsehen derzeit
aufgestellt, vor allem mit Blick auf die Konkurrenz
durch Streaming-Dienste. Welche Entwicklungen prognostizierst
Du für die Zukunft?
Wir haben 2020 offiziell den Auftrag bekommen, auch
Programm für die Mediathek zu entwickeln und somit
jüngere Zielgruppen, die sich vom linearen Fernsehen
und der Prime Time verabschiedet haben, wieder auf
die Angebote der ARD aufmerksam zu machen. Ob diese
Offensive, die inzwischen ja für alle Sender im ARD-Verbund
gilt, rechtzeitig genug war, wird sich in den nächsten
Jahren herausstellen. Nie war der Wettbewerb so groß.
Inhaltlich sind wir auf einem guten Weg. Die Bandbreite
und die Formatvielfalt, die die ARD Mediathek anbietet,
ist letztendlich unschlagbar. Dies gilt es den jungen Zuschauer*innen
zu verdeutlichen. Wir müssen diese Zielgruppen
für uns gewinnen, indem wir sie nicht nur für
eine Serie, sondern dauerhaft für die Mediathek begeistern
können. Mit frischem Content, mit Genres, die sie
bei uns bislang nicht vermutet hätten und die sie sonst
nur von Streamern kennen. Deswegen produzieren wir
Serien wie ALL YOU NEED, HOW TO DAD oder aktuell
ASBEST und kaufen Lizenzen von Serien wie STATE
OF THE UNION und BEFOREIGNERS bzw. setzen verstärkt
auf internationale Koproduktionen. Eine davon ist
WISTING – eine achteilige norwegische Krimiserie, von
der wir bereits die zweite Staffel koproduziert haben.
Hast Du den Eindruck, dass durch gezielte Fake News
oder widersprüchliche Meldungen zum Ukraine-Krieg
viele Menschen aktuell ein hohes Bedürfnis an geprüften,
verlässlichen Informationen haben und die Öffentlich-Rechtlichen
somit wieder an Akzeptanz und Bedeutung
gewinnen?
Die öffentlich-rechtlichen Medien sind unerlässlicher
Teil unserer Demokratie. Ich finde den kritischen Diskurs
über den Auftrag des öffentlich-rechtlichen Rundfunks
wichtig und richtig – er ist eine Chance, den Beitrag
und die Bedeutung der Öffentlich-Rechtlichen
deutlich zu machen. Krisensituationen wie Corona und
der Krieg in der Ukraine zeigen, dass die Menschen der
Kompetenz und Seriosität der öffentlich-rechtlichen
Medien vertrauen. Mehr denn je. Auch im fiktionalen
Bereich habe ich den Eindruck, dass das Pendel klar in
unsere Richtung schlägt: Die Menschen schätzen es, dass
sie sowohl im linearen Programm der Öffentlich-Rechtlichen
als auch in den Mediatheken gut gemachte Unterhaltung
und Filme präsentiert bekommen, ohne dass
107

ALUMNI IM FOKUS
sie sich ihr Programm aus einem unübersichtlichen Angebot
der unterschiedlichsten und in der Summe äußerst
kostspieligen Streaming-Anbieter zusammensuchen
müssen. Nie habe ich so oft wie im letzten halben
Jahr gehört: Diese Serie war großartig. Habe ich bei der
ARD gar nicht vermutet. Das wurmt kurz, ist aber das
richtige Signal.
Themen wie Green Shooting werden immer wichtiger,
auch an der Filmakademie. Prüft ihr bei der ARD Degeto
Stoffe mittlerweile auch im Hinblick auf ihre nachhaltige
Umsetzbarkeit?
Als Mitglied des branchenweiten Arbeitskreises „Green
Shooting“ beauftragen wir als Degeto bereits heute immer
mehr Produktionen nach dessen Vorgaben für ökologische
Mindeststandards. Aktuell werden bereits 60%
unserer Erstsendeminuten ökologisch nachhaltig produziert.
Unser Ziel ist es hier, mit den Produktionsfirmen
diese Zahl weiter zu erhöhen und unsere Filme und Serien
auch weiter in Richtung Nachhaltigkeit zu optimieren.
Eine Auswahl von möglichen Stoffen erfolgt aktuell
aber nicht auf Basis einer ökologischen Nachhaltigkeit.
Als öffentlich-rechtliches Fernsehen bemühen wir uns
aber, Nachhaltigkeitsthemen auch in unseren Produktionen
abzubilden und so auch dem Bildungsauftrag als Teil
der pluralistischen Gesellschaft zu dienen.
Hast Du noch Kontakt zu ehemaligen Kommiliton*innen
aus Ludwigsburg? Und sprecht ihr gelegentlich noch
über die gemeinsame Zeit an der Filmakademie, wenn
ihr euch trefft?
Wie würdest Du die Erfahrung Deines Studiums an
der Filmakademie rückblickend zusammenfassen? Und
würdest Du Dich heute noch einmal für die FABW entscheiden?
In meiner aktuellen Funktion habe ich Berührungen
mit allen Filmhochschulen in Deutschland und wäre ich
heute Student, so fiele es mir schwer, mich für einen
Standort zu entscheiden, weil an allen Schulen großartig
gearbeitet wird. Damals habe ich mich nur an der Aka
beworben und hatte keinen Vergleich. Ich möchte die
Zeit aber niemals missen, weil ich neben Netzwerk und
Kontakten als Programm-Verantwortlicher auch heute
noch von den Erfahrungen aus Ludwigsburg vor allem
auch in den Gewerken Regie, Kamera und Schnitt profitiere.
Ich hätte mir damals einen größeren Schwerpunkt
auf „Serie“ gewünscht, die galt als verpönt. Das hat sich
erfreulicherweise stark verändert.
Zum Abschluss: Welche Filme haben Dich nachhaltig geprägt
und warum?
Da gibt es eine Reihe von Filmen, die mich geprägt haben
und auch Auslöser dafür waren, warum ich in diese
Branche wollte. Zwei davon sind sicher Miloš Formans
EINER FLOG ÜBERS KUCKUCKSNEST, der mich
heute noch so anfasst wie kaum ein Film, sowie DAS
SCHWEIGEN DER LÄMMER von Jonathan Demme,
bei dem Autor Ted Tally in meinen Augen das perfekte
Drehbuch gelungen ist. Beide Filme haben sicher mit dazu
beigetragen, dass ich selbst Geschichten und Charaktere
entwickeln und auf die Leinwand bringen möchte.
Natürlich, die Zeit an der "Aka" schweißt ja zusammen
und es sind genügend Geschichten in den vier Jahren
passiert, die auch heute noch für Lacher sorgen. Ich freue
mich immer, mit ehemaligen Kommiliton*innen (und
Mitbewohnern) zusammenarbeiten zu können und das
in verschiedensten Gewerken: Produktion, Drehbuch,
Regie, Kamera oder auch Schnitt. Über das gemeinsame
Studium ist man sich einfach vertraut. Ganz aktuell
arbeite ich z.B. eng mit Christian Schwochow in unserem
Nachwuchsprojekt für die ARD Mediathek, dem
Killerstories Series Award, wo er Teil der Jury ist und
auch als Pate an der Seite der Gewinner*innen für die
Degeto tätig ist. Genauso schön ist es, auch mit ehemals
Dozierenden zusammenzuarbeiten und Projekte zu gestalten.
Auch hier ist es immer ein freudiges Wiedersehen.
Das Interview führte Andreas Friedrich
108

KOMMISSAR WISTING
„Diese Serie war großartig.
Habe ich bei der ARD gar nicht vermutet.“
109

SPOTLIGHT
In 2021, TALA´VISION won the Student Oscar
(Gold Medal) for the best foreign film. It was
the seventh win for a movie produced at the
Filmakademie in Ludwigsburg, which makes
FABW the most successful film school in
this competition alongside NFTS in England.
Subsequently, TALA´VISION went on to
campaign for a regular Academy Award (Best
Live-Action Short) and made it to the shortlist.
Writer-director Murad Abu Eisheh looks back
on a remarkable journey.
110

The Oscars Journey
of the film TALA’VISION
111

SPOTLIGHT
AFTER ALMOST A FULL YEAR OF GET-
TING CONSTANT REJECTIONS FROM
FILM FESTIVALS TO SCREEN TALA’VISION,
WE GOT OUR PREMIER OPPORTUNITY AT
MAX OPHÜLS FILM FESTIVAL (MOP). MIXED
FEELINGS OVERCAME US, IT WAS HARD TO
STOMACH HAVING TO SCREEN OUR FILM IN
AN ONLINE FILM FESTIVAL EDITION (DUE TO
THE PANDEMIC), ESPECIALLY AFTER THREE
LONG YEARS OF MAKING IT. BUT ON THE
OTHER HAND, WE WERE EXTREMELY HAPPY
TO FINALLY HAVE THE OPPORTUNITY TO
SEND OUR BABY OUT INTO THE WORLD.
At MOP the film won the jury and the audience awards,
which triggered its unexpected journey to many national
and international film festivals. It felt surreal at the
beginning, it was more than any of us had expected this
film would achieve. Festival after festival, award after
award, audiences and juries alike fell in love with the
story of little Tala, a small child whose sole aspiration
was to live a somewhat normal childhood in extreme
circumstances. The film turned many heads in Germany,
yet it was still lacking a push on the international stage.
A while later, Filmakademie BW chose TALA’VISION
as its official submission for the Student Oscars competition.
But knowing that the school had already won a Student
Oscar the year before, it felt that chances were slim
for the same scenario to repeat itself.
112

A few months later, we received an e-mail from the
Academy of Motion Picture Arts and Sciences in LA, informing
us that TALA’VISION was officially competing
with 14 other outstanding films in the category Narrative
International. It was a shock for all of us, many
broke out in tears of disbelief. It was a true moment of
joy that felt like we were on top of the world. Little did
we know that this was only the beginning.
No campaigning was required during the voting period
of the Student Oscars. It took some long weeks until the
Academy voted on the 7 films which would get nominated.
To our joy, TALA’VISION was one of the finalists.
At this point, the true exposure of our film on the international
stage started to take shape. Due to the pandemic,
the Student Oscar race was conducted entirely online,
which created the feeling of it being merely fictional.
After some weeks of waiting, I was requested to do one
more interview. In the Zoom meeting, the president of
the Student Academy Awards and Iranian director Asghar
Farhadi surprised me. Farhadi expressed how much
he fell in love with TALA’VISION and especially with
its lead character, Tala, and that it was his pleasure to inform
me that the film has won the Student Oscar medal
in gold. After taking some time to digest the news, my
first realization was that this win was the first for an Arab
director in the fiction category in the history of the
Academy Awards. I was asked by the organizers to keep
the news a secret for two days, so that they could organize
a Zoom meeting to record the announcement of the
win to the team. It was a very rough task for me to keep
the news to myself and especially to keep it from the
team, but now they all have a wonderful recorded moment,
as a memory for a lifetime.
After winning the Student Oscar, TALA’VISION got officially
eligible for the 94th Academy Awards. The entire
team was aware that the chances of getting forward
in this competition are quite low. It was a completely
different turf for all of us. After an intense campaigning
period, the Academy voted and the shortlist was announced.
The team met in Ludwigsburg for the results
announcement. To our surprise, the film managed to
make it to the shortlist. A dream that every filmmaker
hopes to reach at least once in a lifetime. From this point
on, the intensity of the campaign only gets more extreme.
I was conducting between 7–12 interviews a day
for weeks, with many international media outlets. Unfortunately,
the film did not make it to the nominations.
Some disappointment was felt indeed, but mixed with
feelings of pride and accomplishment.
DoP Philip Henze and Murad on set.
113

SPOTLIGHT
DoP Philip Henze and Murad on set.
114

It all started out with a few pages of text written during
the first-year writing class at the Filmakademie
that then managed to get produced against all odds and
to tour festivals and reach audiences across our planet.
An accomplishment and a journey that showed us
who we are and our potential as a team and filmmakers.
by
Murad Abu Eisheh
Murad Abu Eisheh
Born in Jordan in 1992, Murad earned his bachelor degree
in Design and Visual Communications with a
focus on filmmaking from the German Jordanian University
in Jordan in 2014. During his studies, he spent
an exchange year at the University of Applied Sciences
Würzburg-Schweinfurt in Germany.
Following his graduation, he immersed himself deeper
in his filmmaking journey and directed several short
films focusing on human-driven stories out of the Arab
world. In 2016, Murad started studying directing at
Filmakademie Baden-Württemberg in Germany, where
he wrote and directed four short films up to 2022.
TALA´VISION
DIRECTOR, WRITER: Murad Abu Eisheh
DIRECTOR OF PHOTOGRAPHY: Philip Henze
PRODUCERS: Esther Busch, Philipp M. Raube,
Gabriel Waldvogel, Jude Kawaa
ANIMATION: Lukas Löffler (VFX Supervisor),
Josephine Roß (VFX Producer), Mario Bertsch
(Compositing), Pascal Schober (Compositing)
EDITOR: Quirin Grimm
SOUND AND SOUND DESIGN: Johann Meis
PRODUCTION DESIGN: Julian Knaack
COSTUME DESIGN: Farah Karouta
MUSIC: Nils Wrasse
COMMISSIONING EDITORS: Joachim Lang,
Katharina Kontny (SWR)
CO-PRODUCERS: Alaa Alasaad, Khaled Haddad
A production of Filmakademie Baden-Württemberg and
Tabi360 in Co-Production with Jordan Pioneers and
Südwestrundfunk SWR, with the support of the Jordan
Film Fund.
115

STECKBRIEF
MONTAGE/SCHNITT
1
STUDIENKOORDINATION
Silke Regele
2
PROJEKTBETREUUNG
Frank Uhlig
3
LEITENDE DOZIERENDE
Gisela Castronari-Jaensch
Carolin Biesenbach
4
WIE VIELE STUDIERENDE
PRO STUDIENJAHR?
6-8
5
WAS SOLLTEN BEWERBER*INNEN
MITBRINGEN?
Offenheit für viele verschiedene
Themen und Menschen, Experimentierfreude,
Neugier und viel
Sitzfleisch
6
WARUM IST DIE FILMAKADEMIE
DER IDEALE ORT FÜR EIN
STUDIUM?
Nirgendwo sonst hat man die
Chance, an so vielen unterschiedlichen
Projekten mit technischem
Equipment auf höchstem Niveau
und mit so vielen unterschiedlichen
Dozent*innen aus der
Branche zu arbeiten.
7
WAS LERNEN
DIE STUDIERENDEN HIER?
Bearbeitung kompletter Workflows
von der Projektvorbereitung bis
zur finalen Abnahme. Montagetheorie
und praktisches Schneiden.
Umgang mit allen Departments
und unterschiedlichsten Menschen.
8
MYTH BUSTING:
WAS LERNT MAN HIER NICHT?
Wie man sich langweilt.
9
ONE COOL FACT ABOUT...
Jedes Studienjahr warten über
100 studentische Projekte darauf,
montiert zu werden.
10
MOTTO
Ein narratives Spiel mit Raum und
Zeit.
116

Poster
FinalFinal
www.filmakademie.de/motiondesign
MOTION DESIGN
1
STUDIENKOORDINATION
Jürgen Klozenbücher
2
PROJEKTBETREUUNG
Jürgen Klozenbücher
3
LEITENDE DOZIERENDE
Prof. Dr. Heike Sperling
Alexander Hanowski
4
WIE VIELE STUDIERENDE
PRO STUDIENJAHR?
Fünf
5
WAS SOLLTEN BEWERBER*INNEN
MITBRINGEN?
Voraussetzung für die Bewerbung
Cyber
Cyber
T
ist ein abgeschlossenes Bachelorstudium
im Bereich Gestaltung und
Design
Motion
bzw.
Design
einem vergleichbaren
19/20
Studium.
6
WARUM IST DIE FILMAKADEMIE
DER IDEALE ORT FÜR EIN
STUDIUM?
Die Filmakademie bietet als einzige
Hochschule in Deutschland die
Möglichkeit, in einem hochkarätig
besetzten Netzwerk aus Lehrenden
und Studierenden Motion Design
zu studieren.
Die technische Ausstattung sowie
der Pool an Lehrenden sind auf
höchstem internationalem Niveau.
7
WAS LERNEN
DIE STUDIERENDEN HIER?
Natürlich in erster Linie Motion
Design und alles, was dazugehört -
von der Konzeption und Recherche
über die Kommunikation mit den
Auftraggeber*innen einschließlich
Präsentationstechniken bis hin
zur professionellen Umsetzung in
Teams aus Spezialist*innen. Transund
Interdisziplinarität bilden den
Kern des Motion-Design-Studiums
an der Filmakademie.
8
MYTH BUSTING:
WAS LERNT MAN HIER NICHT?
Rocket Science
9
ONE COOL FACT ABOUT...
Genau wie z.B. Filmmusik und
Sounddesign kooperieren wir
als Motion Designer*innen
mit allen anderen Abteilungen
der Filmakademie. So entsteht
schon während des Studiums
ein weitläufiges, profundes
Netzwerk, das den Studierenden
ihren Einstieg in das Berufsleben
bzw. die Unternehmensgründung
deutlich erleichtert. Ein weiteres
Highlight: Wir besuchen einmal im
Jahr nationale und internationale
Medienagenturen auf unserer
Exkursion in Metropolen wie
London, Amsterdam, Berlin und
Kopenhagen.
10
MOTTO
Motion Design löst Probleme!
1.
2.
3. Hardcore!
CyberCyber
– Immer weiter,
immer hyper!
117

DOZIERENDE IM PORTRÄT
„Wir sind nicht dafür da,
die Karre aus dem Dreck zu ziehen,
wenn sie schon drinsteckt.“
118

Ein Gespräch mit Ed Cantù –
Leitender Dozent im Studiengang
Filmton/Sounddesign
DER GEBÜRTIGE TEXANER UND WAHL-
BERLINER ED CANTÙ LIEBT DEN GUTEN
TON – SOWOHL ALS TONMEISTER ALS AUCH
ALS DOZENT IM BEREICH FILMTON/SOUND-
DESIGN AN DER FILMAKADEMIE BADEN-
WÜRTTEMBERG. SEIT 1999 BRINGT ER DORT
STUDIERENDEN NAHE, WIE WICHTIG DIE
GERÄUSCHKULISSE IST, DIE EINEN FILM UM-
GIBT. EINEN WESENTLICHEN EINFLUSS AUF
SEINE LEHRE HABEN EDS MUSIKALISCHE
BEGEGNUNGEN IN DEN FRÜHEN 1980ER
JAHREN GENOMMEN...
Seit 2017 leitest du auch die Abteilung?
Mehr oder weniger. Das ist dem tragischen Ableben
Gibbs Platens geschuldet. Der unsichtbare Leiter ist
aber Florian Dittrich (Studienkoordinator der Abteilung,
Anm. d. Red.), weil der 365 Tage im Jahr vor Ort
ist. Er ist eine Perle von Mitarbeiter, Kollege oder Leiter,
wenn man so will. Weil er alles koordiniert und sich
auch um die hochkarätigen Gastdozenten in unserem
Bereich kümmert – vom Foley Artist (Geräuschemacher,
Anm. d. Red.), Dialog Editor, Sounddesigner bis hin zum
Mischtonmeister. Außerdem hält er unsere Aufnahmestudios
und Digital Audio Workstations (DAW) stets auf
dem neuesten technischen Stand.
Und was hat dich gerade am Filmton so fasziniert, dass
du Tonmeister geworden bist?
Ed, erzähl doch mal kurz, welcher Weg dich an die
Filmakademie geführt hat.
Tatsächlich bin ich durch Empfehlung des Regisseurs
Adolf Winkelmann, mit dem ich bis dahin schon zwei
Fernseh-Mehrteiler und einen Kinofilm gedreht hatte,
an die Aka gekommen. Er kannte den FABW-Gründer
Albrecht Ade, der damals jemanden für den Ton gesucht
hat. Ich wurde zuerst für zwei Tage eingeladen,
nach Ludwigsburg zu kommen. Als ich wieder in Berlin
war, rief mich Herr Ade an und sagte: „Das ist so gut
angekommen bei den Studierenden. Wir hätten Sie gerne
mehr hier“. Also hat er mich nochmal zu einem Gespräch
eingeladen, bei dem er mich fragte, was ich von
einer Festanstellung halte. Ich wollte noch eine Nacht
darüber schlafen.
Als ich am nächsten Tag wieder in seinem Büro saß, habe
ich ihm gesagt: „Schauen Sie, ich glaube, es wird so
sein: Heute lieben Sie mich und die Studierenden finden
es toll, was ich zu vermitteln habe. Nächstes Jahr möglicherweise
auch noch und ich traue mir sogar zu, übernächstes
Jahr auch noch gut rüberzukommen. Aber irgendwann
geht mir das Latein aus, weil ich immer noch
das erzähle, was ich vorletztes und vorvorletztes Jahr erzählt
habe. Was halten Sie von folgender Idee? Ich mache
weiterhin meinen Beruf als Tonmeister am Set, den
ich sehr liebe, und erzähle den Studierenden immer
den allerneuesten Stand der Dinge, gebe somit aktuelles
Wissen weiter.“ Und das war beiderseits, glaube ich, die
richtige Entscheidung. Seitdem bin ich hier.
Ich habe eigentlich Filmregie studiert, ein paar Jahre
lang Dokumentarfilme gedreht und mich bei zwei von
drei Projekten, die mir sehr am Herzen lagen, unglaublich
über den schlechten Ton geärgert. Ich hatte gewisse
Vorkenntnisse durch eine, sagen wir mal, musikalische
Laufbahn in den frühen 80er Jahren in Berlin. Damals
habe ich in einem Loft in Kreuzberg gewohnt, mit zwei
anderen Jungs. Irgendwann klopfte es an der Tür und
ein gewisser Nick Cave stand davor. Völlig abgebrannt,
wirklich am Ende. Damals war er in der Band Birthday
Party, heute heißt sie ja Nick Cave and the Bad Seeds. Er
stand jedenfalls vor der Tür und sagte: „Ich komme auf
Empfehlung eines Freundes, kann ich eine Woche bei
euch pennen?“ Nick Cave blieb nicht eine Woche, sondern
ein Jahr.
In der Zeit habe ich mein erstes Drehbuch für einen szenischen
Film geschrieben, der nie realisiert wurde. Und
ich war auch schon ein bisschen angefressen von der
Filmemacherei im dokumentarischen Bereich. Finanziell
gesehen war es immer ein haarscharfes Vorbeischlittern
an der Selbstausbeutung. Nick Cave hat mich irgendwann
gefragt, ob ich nicht Bock hätte, mit ihm auf
Deutschlandtournee zu gehen. Damals hatte ich schon
Erfahrung als Tontechniker bei der Band Die Haut. Also
bin ich mit Nick Cave auf Tournee gegangen, habe die
Jungs im VW-Bus von A nach B gefahren, den Soundcheck
am Nachmittag gemacht und am Abend das Konzert
gemischt. Am nächsten Morgen war ich dafür zuständig,
sie einigermaßen menschlich zu kriegen und
Frühstück in sie hinein zu prügeln, um schnell wieder
on the road zu sein. Es war Wahnsinn, sprichwörtlich
Sex and Drugs and Rock ‚n‘ Roll.
119

DOZIERENDE IM PORTRÄT
Das alles und der Umstand, dass ich sieben Jahre lang
für einen Tonmeister aus der ehemaligen DDR gearbeitet
habe, hat mich peu à peu zum Ton geführt.
Das ist eine Reise, würde ich sagen!
(lacht) Es ist eine Reise, ja! Wir sprechen über Zeiten,
da ist man in eine Bar in der Nürnberger Straße in Berlin
gegangen, die hieß Dschungel. Und es war durchaus
nicht einmal, sondern zehn Mal der Fall, dass zu meiner
Rechten David Bowie und mir gegenüber Iggy Pop saßen
und später dann Leute von Depeche Mode und so weiter.
Wir waren eine große Community.
alle, wie wichtig der Ton ist beim Film. Ein wesentlich
mehr gehörter Mensch als ich, David Lynch, hat mal gesagt:
“Sound is fifty, sixty, seventy percent of a film, sometimes
more“. Und es ist wahr. Neben dem Visuellen
spielen die Geräusche, das Drumherum, eine entscheidende
Rolle. Viele Töne möchte ich größer machen,
möchte ich bewusst machen für den Zuschauer. Und solange
uns das gelingt, liefern wir, glaube ich, gute Arbeit
ab und tragen zur Wirkung eines Films bei. Jeder Film ist
so wichtig wie der nächste.
Du hast ja gerade davon gesprochen, was die Studierenden
von dir lernen können. Was kannst du im Umkehrschluss
von den Studierenden lernen?
Deine Faszination trägst du ja auch als Dozent an die
Studierenden weiter.
(lacht) Ich hoffe es sehr!
Was ist das Wichtigste, das sie bei dir lernen?
Motivation, Kommunikation, Teamarbeit. Was wir machen,
ist keine rein technische Arbeit. Unser Job besteht
aus 50 Prozent technischem Knowhow. Ich muss
schon wissen, wie ein Rekorder funktioniert, oder wie
man verkabelt und angelt. Aber die anderen 50 Prozent
sind psychologisch. Da geht es um Kommunikation. In
jeder Gruppe, ob 30, 60 oder 120 Leute, sind garantiert
ein oder zwei dabei, die ich nicht ignorieren kann. Wir
müssen lernen zusammenzuarbeiten, auch ohne Neurosen
und andere Befindlichkeiten, auf Augenhöhe und
mit Respekt für das Gegenüber.
Und das andere große Anliegen ist, tatsächlich eine Art
Passion zu entwickeln für jedes Projekt. Wir wissen
120
Super Frage. Alles, alles! Ich lerne Offenheit. Ich lerne
Menschlichkeit. Ich lerne auch, mich selbst zu reflektieren,
wie ich mal war, mit welchen Unsicherheiten
ich zu kämpfen hatte, welche Zweifel und welche noch
nicht festgefahrenen Ansichten ich hatte. Ich lerne ständig.
Es ist manchmal wirklich so, dass ich das Gefühl habe,
ich lerne mehr von den Studierenden als sie von mir.
Ich finde das toll. Es ist emotional immer wieder wahnsinnig
befriedigend und rührend sogar, mit welcher Offenheit
und mit welchem Vertrauen Leute auf mich zukommen.
Ich kann natürlich Erfahrung weitergeben, ich kann
technisches Knowhow weitergeben und eine gewisse Sicherheit
im Umgang mit anderen Menschen. Dafür erweitere
ich meinen Horizont. Den allerneuesten Hype
kriege ich durch die Studierenden mit, weil die natürlich
viel breiter aufgestellt sind als ich. Das sind ganz kostbare
kleine Geschenke, die man immer wieder bekommt.
Bleiben wir noch kurz an der AKA. In deinen 23 Jahren
Lehrtätigkeit hast du ja einiges miterlebt. Welches Ereignis
hat sich in dein Gedächtnis eingebrannt?
Eingebrannt hat sich für mich die Gründung der Ton-Abteilung.
Dieser kostspielige Bau eines Filmmischstudios
mit allem Drum und Dran, die spätere Aufrüstung zu
Dolby Atmos, die Filmmusikmischung, die DAWs hier
auf unserer Etage.
Und die eine oder andere „Ehrliche Wurst“ (das jährliche
Hoffest an der FABW, Anm. d. Red.) bleibt mir für
ewig in Erinnerung. Einfach zusammen zu sein, ein Bier
zu trinken, zu quatschen und auch mal über die Stränge
zu schlagen, gehört ja auch dazu.

Playback, Pro Tools am Set, und und und. Also 1.000 Sachen,
die man normalerweise am Set nicht auch noch
mit verwalten muss. Ich konnte mein Team erweitern,
es gab jede Menge laute Musik auf den Ohren und dabei
aber auch noch einen Handlungsstrang und Dialoge,
teilweise Laiendarsteller. Es war in jeder Beziehung herausfordernd,
aber cool!
Filmton-Seminar mit ukrainischen Foley Artists
Wenn wir jetzt mal auf dein Leben außerhalb des Dozentendaseins
schauen: Du hast schon bei einigen nationalen
und internationalen Kino- und Fernsehproduktionen
mitgewirkt. Was war in der Hinsicht dein bisher
größter Erfolg?
Erfolg misst man ja nach Preisen oder Auszeichnungen.
Ich habe zweimal den Deutschen Fernsehpreis gewonnen.
Für die Serie HOMELAND waren wir für den
Cinema Audio Society (CAS) Award nominiert, haben
ihn aber nicht bekommen. In Konkurrenz zu uns stand
GAME OF THRONES. Aber für die zweite Staffel DAS
BOOT habe ich eine Auszeichnung bekommen.
Auch für meinen eigenen Dokumentarfilm IDENTY
KID. Ich bin in den USA mit einem Stiefvater und einer
großen Lüge aufgewachsen. Im zarten Alter von 35 habe
ich dann einen Dokumentarfilm darüber gemacht, wie
ich meinen leiblichen Vater suche. Ein Jahr vor meiner
Ankunft bei ihm mit Kamera und Ton ist er aber leider
gestorben. Ich habe ihn nicht kennengelernt, aber der
Dreh war ein großes Ereignis.
An welchem Projekt arbeitest du aktuell?
Ich drehe gerade (als Tonmeister) die Science-Fiction-Serie
TENDER HEARTS. Futuristisch, philosophisch, mit
Happy End. Was will man mehr? Meine Energie, mein
Herz, meine Aufmerksamkeit stecken da drin und ich
hoffe, es bleibt noch eine Weile so (lacht).
Hast du eine neue Herausforderung bei diesem Projekt
entdeckt?
Letztes Jahr stand ich vor einer Herausforderung, als ich
die Hip-Hop-Serie ALMOST FLY gedreht habe. Musik
war schon immer mein Metier und auch Hip-Hop ist
mir nichts Unbekanntes. Technisch war es aber eine gewaltige
Herausforderung, weil ich mich quasi von heute
auf morgen auf voll digital eingestellt habe, um den
Anforderungen des Drehs gerecht zu werden. Multiples
Ich hätte jetzt noch eine letzte Frage und dann würde
ich dir nochmal kurz die Bühne überlassen, um etwas
zu ergänzen.
Sag nicht die Bühne überlassen, sonst fange ich an zu
singen.
Man munkelt ja, dass du eine Leidenschaft hast fürs Verkleiden.
Was steckt dahinter?
Ich war mal Schneewittchen, Putzfrau, Zauberer, Trump,
die Müllabfuhr. Aber ich bin kein Verkleidungsfetischist
und habe auch keine Perückensammlung zuhause (lacht).
Nur einmal im Jahr habe ich diese Leidenschaft beim ersten
Pitch des Jahres, da sind ja mehr oder weniger alle
versammelt. Meine kleinen Auftritte dienen einzig und
allein als Vehikel, um allen nochmal ins Bewusstsein zu
rufen, dass es uns Filmtonleute gibt. Alle wollen immer
nur das Bild sehen. Aber wir sind nicht dafür da, die Karre
aus dem Dreck zu ziehen, wenn sie schon drinsteckt.
Wir wollen am kreativen Entstehungsprozess aktiv teilnehmen,
direkt am Set, und nicht erst in der Postproduktion.
Das ist mein Versuch, irgendwie haften zu bleiben.
Ich warte schon auf meinen nächsten Auftritt…
Das Gespräch führte Valentina Keller
121

STECKBRIEF
PRODUKTION
1
STUDIENKOORDINATION
Tonyslav Tony Bozic
2
LEITENDE DOZIERENDE
Prof. Gloria Burkert
3
DOZIERENDE
Prof. Christian Rohde, Oliver
Dressnandt, Felix Eisele, Tobias
Pausinger, Julia Wagner
4
PROJEKTBETREUUNG
Wolfgang Kerber, Philipp Maurice
Raube, Thomas Siegle
5
WIE VIELE STUDIERENDE
PRO STUDIENJAHR?
Fünfzehn
6
WAS SOLLTEN BEWERBER*INNEN
MITBRINGEN?
Kreativität, Biss,
Interesse an der Welt.
7
WARUM IST DIE FILMAKADEMIE
DER IDEALE ORT FÜR EIN
STUDIUM?
Der Campus ermöglicht größtmöglichen
Fokus und das stärkste
Netzwerk.
8
WAS LERNEN
DIE STUDIERENDEN HIER?
Wie werde ich ein(e) starke Produzent*in
mit starker Persönlichkeit?
9
MYTH BUSTING:
WAS LERNT MAN HIER NICHT?
Rührei für 60 Personen zubereiten.
10
ONE COOL FACT ABOUT...
Den Studiengang Produktion
gibt es seit Gründung der
Filmakademie.
11
MOTTO
„Wer wenig denkt, der irrt viel.“
Leonardo da Vinci
122

REGIE 2 / ANIMATION
1
STUDIENKOORDINATION
Martin Schmidt & Verena Fels
2
PROJEKTBETREUUNG
Martin Schmidt & Verena Fels
3
LEITENDE DOZIERENDE
Martin Schmidt & Verena Fels
4
WIE VIELE STUDIERENDE
PRO STUDIENJAHR?
Maximal 8 pro Semester
5
WAS SOLLTEN DIE
STUDIERENDEN MITBRINGEN?
Die Studierenden der Regie 2
Animation haben Lust, sich auszuprobieren,
sind neugierig, ihren
eigenen Blickwinkel zu erweitern,
haben den Mut, Wagnisse einzugehen
und erkunden persönliche
Themen. Und nicht zu vergessen:
Sie haben Spaß an der Animation.
6
WARUM IST DIE FILMAKADEMIE
DER IDEALE ORT FÜR EIN
STUDIUM?
Im Zentrum der Regie 2 /
Animation steht die Gestaltung
eines eigenen Projektes. Innerhalb
von 32 Wochen haben die
Studierenden die Möglichkeit,
kurze Animationsfilme, Games
und Mixed-Media-Formate in
künstlerischer Eigenverantwortung
zu realisieren. Bei der Themenwahl
haben die Studierenden alle
Freiheiten ( je persönlicher, desto
besser).
7
WAS LERNEN
DIE STUDIERENDEN HIER?
Erstellen von und Arbeiten mit
dem Animatic. Die technischen
Ressourcen sind in der Regie 2 /
Animation sehr begrenzt. Man
muss seine eigenen künstlerischen
Umsetzungswege finden, was
wiederum ein Gewinn ist.
8
MYTH BUSTING:
WAS LERNT MAN HIER NICHT?
Arbeiten in einer technikorientierten
Produktionsumgebung.
9
ONE COOL FACT ABOUT...
Viele filmische Versuche, die
zunächst als gescheitert betrachtet
wurden, haben am Ende große
Erfolge gefeiert.
10
MOTTO
Das filmische Experiment steht im
Mittelpunkt.
123

FABW INSIDE: MEET THE STAFF
„Ich habe kein Netflix,
weil ich weiß, das würde
nicht gut ausgehen”
124

Ein Gespräch mit Marika Köpf
IM APRIL 2020 STIESS MARIKA KÖPF ALS
LEITERIN DES FINANZ- UND RECHNUNGS-
WESENS ZUM TEAM DER FILMAKADEMIE
BADEN-WÜRTTEMBERG. ZUM JANUAR 2022
HAT SIE DIE VERWALTUNGSLEITUNG ÜBER-
NOMMEN. EINEN WEITEN WEG MUSSTE SIE
DABEI GEOGRAFISCH NICHT ZURÜCKLEGEN:
VON 2007 BIS 2020 WAR SIE AN DER NUR
EINEN STEINWURF ENTFERNTEN AKADEMIE
FÜR DARSTELLENDE KUNST (ADK) TÄTIG,
EBENFALLS ALS VERWALTUNGSLEITERIN.
Liebe Marika, bring uns doch bitte mal kurz Deinen beruflichen
Werdegang bis zur ADK näher.
Tatsächlich habe ich hier in Ludwigsburg angefangen.
Mitte der 80er Jahre habe ich eine Ausbildung im gehobenen
Verwaltungsdienst an der Fachhochschule gemacht.
Das Ludwigsburg von heute ist mit jenem von
damals nicht zu vergleichen. In jener Zeit war Ludwigsburg
noch ein Ort, wo man dachte: Nichts wie weg hier!
Das Marstall Center war die Attraktion der Stadt. Straßencafés
so wie heute gab es z.B. gar nicht. Hinzu kam,
dass es sich eher um eine Pendler-Hochschule handelte.
Man lebte also nicht in Ludwigsburg, oder nur für
zwei Monate im Studierendenwohnheim und danach
war man ja wieder in den Ausbildungseinrichtungen.
Das war mein Einstieg ins Berufsleben.
Bist Du also Ur-Ludwigsburgerin?
Nein, ursprünglich komme ich aus dem Alb-Donau-
Kreis, aus einem kleinen Ort zwischen Ulm und Blaubeuren.
Aber ein Landeskind bin ich. Tatsächlich habe
ich immer an den Rändern von Baden-Württemberg gelebt:
bei Ulm, in Konstanz, eine Zeit in Mannheim. Nur
den Schritt über die Landesgrenze hinaus habe ich nie
gemacht. Mit Wohnen in Stuttgart und Arbeiten in Ludwigsburg
bin ich nun in der Mitte des Landes angekommen.
Und wie ging es nach der Fachhochschule weiter?
Anschließend bin ich nach Konstanz gegangen, habe
dort an der Universität Verwaltungswissenschaften studiert.
Von dort ging es dann ins klassische Berufsleben.
Meine erste Station war im Staatsministerium im
Europareferat. Danach bin ich zur MFG Medien- und
Filmgesellschaft gewechselt und hatte dort zum ersten
Mal einen beruflichen Bezug zum Film. Die MFG war die
neu gegründete Filmförderungseinrichtung des Landes,
mit den zwei Geschäftsbereichen Filmförderung und
Medienentwicklung. Dort war ich vier Jahre lang tätig,
damals noch im Friedrichsbau. Ich habe aufgehört, bevor
der Umzug ins Bosch Areal anstand. Den Umzug habe
ich also nicht mehr begleitet.
Von der MFG bin ich dann an die Volkshochschule in
Stuttgart gewechselt. Eine total bunte, umtriebige Einrichtung,
die natürlich alle möglichen Bereiche abdeckt.
Dort war ich sieben Jahre. Und dann gab es auf einmal
die Möglichkeit, wieder ins schöne Ludwigsburg zu
wechseln, durch die Gründung der ADK. Das war eine
Gelegenheit, wie man sie nur einmal im Leben bekommt:
Da wird eine Einrichtung nicht nur gegründet,
sie wird neu gebaut. Ich hatte also die Chance, von
Anfang an dabei zu sein, vom Baggerbiss für den Theaterturm
bis zum Anlegen der Wiese und der Aufnahme
des ersten Jahrgangs von Studierenden und, parallel dazu,
die internen Strukturen zu schaffen. Das ist schon etwas
sehr Besonderes. Deshalb habe ich auch nicht gezögert,
diese Aufgabe zu übernehmen. Zumal ich den
künstlerischen Bereich schon immer auch privat sehr
mochte und ich es außerordentlich spannend fand, ihn
von der Ausbildungsseite kennenzulernen.
Bis zum Einzug in die eigentlichen Gebäude hatte ich
mein erstes Büro ja sogar in der Filmakademie auf dieser
Etage samt einer E-Mail-Adresse, die dieselbe war wie
jetzt auch wieder.
Dann kanntest Du verschiedene Menschen und einige
Abläufe an der Filmakademie ja schon, zumal FABW und
ADK in verschiedenen Bereichen miteinander kooperieren.
Was hat Dich letztlich bewogen, den Schritt auf die
andere Seite des Akademiehofs zu wagen?
Bei der ADK war ich 13 Jahre. Das waren aufregende,
spannende Jahre. Nach so einer langen Zeit stellt sich
aber irgendwann die Frage: Mache ich das weiter oder
suche ich nochmal eine neue Herausforderung? Und
dann gab es die Möglichkeit, an die Filmakademie zu
wechseln. Natürlich habe ich überlegt. Du gibst ja etwas
Vertrautes auf und lässt dich auf was Neues ein. Aber es
war einfach der richtige Zeitpunkt, nochmal den Schritt
125

FABW INSIDE: MEET THE STAFF
in etwas Neues zu wagen. Und die Filmakademie war
mir ja auch nicht fremd. Es gab schon immer eine Zusammenarbeit.
Aber sie im Inneren kennenzulernen und
mitwirken zu können, sowie den Faden zum Film wieder
aufgreifen zu können, das finde ich großartig.
Gibt es Themen oder Herausforderungen an der FABW,
mit denen Du vorher nicht unbedingt gerechnet hattest?
Was nicht auf dem Plan stand, war mein Wechsel mitten
im Lockdown. Ich habe am 1. April angefangen und eine
geschlossene Filmakademie vorgefunden bzw. rundherum
war ja alles geschlossen. Das war schon nicht so
einfach. Was mir geholfen hat, war die Möglichkeit, ins
Büro kommen zu können. Das hat uns von vielen anderen
Einrichtungen unterschieden, die komplett die
Schotten dicht gemacht hatten. Wenn ich mir vorstelle,
ich wäre zuhause gesessen, an einem neuen Arbeitsplatz,
den ich nicht mal irgendwie erfühlen kann. Ich glaube,
das wäre ganz, ganz schlimm geworden. Als Folge der
Corona-Krise erlebe ich erst jetzt langsam den Echt-Betrieb,
nach über zwei Jahren. Es ist immer lustig, wenn
Kollegen kommen und sagen: „Na ja, so wie wir das immer
machen.“ Aber was ist wie immer? Das könnt ihr
euch gar nicht vorstellen. Jeder denkt: Sie ist doch schon
so lange da. Aber tatsächlich erlebe ich gewisse Abläufe
jetzt zum ersten Mal.
Einrichtung sowie ein hochmotiviertes Team – das alles
finde ich an der Filmakademie.
Wo siehst Du in Deinem Arbeitsbereich die größten Herausforderungen
für die FABW in den kommenden Jahren?
Die beiden letzten Jahre haben gezeigt, dass manche Herausforderungen
plötzlich auf einen zukommen und
fordern: Corona-Krise, gefolgt vom Ukraine-Krieg, und
jetzt stecken wir mitten in der Energiekrise. Das wird
vermutlich noch nicht alles gewesen sein. Diese Krisen
und gesellschaftlichen Herausforderungen treffen natürlich
auch uns hier an der FABW. Manche weniger stark
ausgeprägt, aber letztlich sind das Dinge von außen, denen
wir uns stellen müssen, teilweise in raschen, bis dato
nicht gekannten Reaktionszeiten. Insofern ist sicher
eine große Herausforderung, die vor uns liegt, mit den
Unsicherheiten unserer Zeit umzugehen.
Und von innen betrachtet wird der demografische Wandel
eine große Herausforderung. Wenn ich mir unsere
Personalstruktur ansehe, stehen wir vor einem Generationswechsel,
den wir rechtzeitig und mit Augenmaß zusammen
gestalten müssen. Da geht auch enormes Wissen,
das natürlich in keiner Akte steht. Das haben die
Menschen jahrelang gelebt. Das festzuhalten und weiterzutragen,
wird uns hier alle fordern.
Was macht für Dich den besonderen Reiz der Arbeit
an der Filmakademie aus?
Reizvoll sind für mich immer wieder die Menschen. Ich
arbeite gern mit Menschen, ich arbeite auch gern im
Ausbildungsbereich, wo man Menschen helfen kann, ihre
Träume zu erfüllen. Das finde ich etwas ganz Besonderes
und deshalb finde ich diese Einrichtung und diesen
Campus einfach großartig. Bei meiner Entscheidung für
den Weggang von der ADK war mir deshalb immer klar,
dass der nächste Job etwas mit Ausbildung, mit Kunst
zu tun haben muss. Ich könnte mir nicht mehr vorstellen,
in einer klassischen Verwaltung oder in einem industriellen
Betrieb zu arbeiten. Da geht einem doch das
Herz auf, wenn du die Korken knallen hörst nach den
Diplomprüfungen. Und dann siehst du die Erstsemester,
die ihre Filme im Kino zeigen und siehst sie vier oder
fünf Jahre später und welche Entwicklung sie genommen
haben. Das finde ich einfach schön und besonders,
die Studierenden in dieser Entwicklung unterstützen zu
können. Dazu gehören für mich auch eine gute Organisation
und Verwaltung als Basis einer erfolgreichen
126
Was die äußeren Einflüsse angeht, müssen wir erstmal
kurzfristig schauen, was der Herbst bringt. Gleichzeitig
müssen wir als Einrichtung aber auch immer langfristig
planen. Energie wird teurer, unsere Ausbildung ist
sehr energieintensiv. Was heißt das? Wie gehen wir damit
um? Stichwort Nachhaltigkeit. Das Thema liegt ja
auf dem Tisch. Genauso wie Chancengleichheit und Diversität.
In all diesen Bereichen ist die Filmakademie ja
schon aktiv und sogar oft einen Schritt voraus. Das wird
unser Ziel bleiben müssen, diese Dinge weiter voranzubringen.
Ich bin auch davon überzeugt, dass dadurch,
dass wir in einem jungen, kreativen Umfeld tätig sind,
die Themen auch von dort zu uns rüberkommen. Eine
große Umfrage unter den Studierenden hat z.B. ergeben,
dass das Thema Diversität sie umtreibt. Und dann ist das
irgendwann auch ein Verwaltungsthema – zum Glück.
Was ist denn deine Sicht der Dinge?
Ich versuche mich gerade daran zu gewöhnen und damit
umzugehen, dass wir viele Aspekte unseres persönlichen
Lebens nicht mehr steuern können. All das,
was in den letzten zwei Jahren passiert ist – Corona, der

Ukraine-Krieg und seine Auswirkungen, mit denen wir
jetzt zu kämpfen haben. Und natürlich der Klimawandel…
Ja, die Sicherheiten, die wir scheinbar vor drei Jahren
noch hatten, sind bis ins Mark erschüttert.
nicht. Ich brauche meine Trennung: Hier ist mein Arbeitsplatz,
dann gehe ich nach Hause. Zum Sport gehe
ich nach draußen und ins Kino gehe ich auch nach draußen.
Es ist einfach ein anderes Erlebnis. Andere Räume
bringen eine andere Wahrnehmung, das finde ich wichtig
und spannend.
Auch unsere bisherigen Gewohnheiten ändern sich
zwangsläufig. Es ist schon eine sehr herausfordernde
Zeit.
Und das gilt sowohl privat wie auch beruflich. Diese
Themen fordern einen ja auch privat heraus. Vorher
haben uns auch viele Themen gefordert: Brandschutz,
Arbeitssicherheit, Datenschutz, Compliance etc. Dafür
musstest du neue Strukturen aufbauen und du musstest
sie in deine Arbeit integrieren. Aber das hat uns ja nicht
so tief menschlich betroffen. Das waren bürokratische
Dinge. Das, was uns jetzt seit zweieinhalb Jahren betrifft,
das ist zum einen betrieblich, aber genauso gut privat relevant.
Das ist eine neue Situation, die es für uns alle anstrengender
macht.
Was war der letzte Film, den du im Kino gesehen hast?
Das kann ich dir genau sagen. Es war TOP GUN –
MAVERICK. Ich erinnere mich noch gut an die 80er
Jahre, als der erste Film rauskam. Als dann die Werbung
für den zweiten kam, war klar: Ich gucke mir diesen Maverick
an – 38 Jahre später. Und ich fand ihn okay. Ich
mochte auch den letzten SPIDER-MAN. Aber bei TOP
GUN denke ich, das ist halt noch ein „klassischer“ Film.
Bei SPIDER-MAN weißt du ja gar nicht mehr, welche
Bilder real sind und welche nicht. Auf der FMX habe
ich gehört, dass Tom Holland nicht ein einziges Mal diesen
Spider-Man-Anzug anhatte. Und bei Tom Cruise war
ich mir sicher, dass er seinen Pilotenanzug getragen hat
(lacht).
Kommen wir mal zu etwas Positivem: Was machst Du als
Ausgleich in Deiner Freizeit? Hast Du Hobbies?
Ich bewege mich gerne draußen, aktiv sein ist mein Ausgleich.
Im ersten Corona-Jahr habe ich zu gärtnern angefangen.
Mit mehreren Leuten teile ich mir einen Garten.
Diese Arbeit erdet im wahrsten Sinne des Wortes und es
ist eine riesengroße Freude, wenn der Wettlauf mit den
Schnecken gewonnen wird. Ich treffe mich gerne mit
Familie und Freunden, gehe gerne ins Theater und Kino
oder lese ein Buch. Und ich genieße die langen Sommerabende.
Wie nah ist Dir das Thema Film? Gehst Du oft ins Kino?
Oder betreibst Du zuhause Serien-Binge-Watching?
Ich bin ein Serien-Junkie. Deswegen habe ich auch kein
Netflix, weil ich weiß, das würde nicht gut ausgehen. Da
kenne ich mich zu gut. Ich kann auch nicht nur eine Serie
gucken. Ich bin ja noch ein Kind des linearen Fernsehens.
Da hattest du früher eine Folge von 45 Minuten
und dann kam die nächste eine Woche später. Mit CDs
oder DVDs fing es dann schon an, schwierig zu werden
(lacht). Also ja, ich gucke gerne Serien, auch Filme. Eine
große Leinwand im Kino ist schon ein Erlebnis. Und
dieser Trend, alles ins Zuhause zu verlegen, Home Office,
Home Entertainment, Home Sports – das bin ich
Hast Du einen absoluten Lieblingsfilm?
Ich glaube, jede Lebensphase hat so ihre Filme, die einen
irgendwie ansprechen. Mein Start ins Kinoleben
waren die STAR WARS-Filme in den Siebzigern und
Achtzigern, die mich bis jetzt begleiten. Ich kann diese
drei Filme einfach immer wieder gucken. Die neue
Trilogie finde ich auch okay. Die Episoden 1-3 sind mir
zu düster und verbissen, denen fehlt der Esprit. Mit
der mittleren Trilogie fing jedenfalls alles an. Ich würde
nicht unbedingt sagen, sie sind meine Lieblingsfilme,
aber sie haben einen besonderen Stellenwert.
Und dann kamen eben immer wieder Filme dazu, an
die ich mich gerne erinnere. Diese ganzen Musikfilme
wie FOOTLOOSE oder DIRTY DANCING, das war ja ein
neues Genre. Dann Anfang der Neunziger GRÜNE TO-
MATEN und THELMA UND LOUISE, die ich während
meines Auslandsaufenthalts in den USA gesehen habe.
Meine ersten Filme im Original. Weihnachten schaue ich
jedes Jahr IST DAS LEBEN NICHT SCHÖN, auch wenn
er zu schon fast unmenschlichen Zeiten spät nachts ausgestrahlt
wird. Insofern ist das der Film, den ich bisher
am häufigsten gesehen habe.
Das Gespräch führte Andreas Friedrich
127

Projekte aus Serien Producing:
RUHRPOTT DADDYS...
128

...und DIGITAL INVESTIGATIONS
129

STECKBRIEF
REGIE 2
SZENISCHER FILM - DOKUMENTARFILM
- WERBEFILM
1
STUDIENKOORDINATION
SZEN+DOK
Silke Harten-Preiss
STUDIENKOORDINATION
WER
Olivia Marten
2
PROJEKTBETREUUNG
SZEN+DOK
Silke Harten-Preiss
4
WIE VIELE STUDIERENDE
PRO STUDIENJAHR?
15-18
5
WAS SOLLTEN DIE
STUDIERENDEN MITBRINGEN?
Gestaltungswillen.
Neugierde.
Die Bereitschaft, die eigene
„Komfortzone“ zu verlassen und
Dinge neu zu sehen.
7
WAS LERNEN
DIE STUDIERENDEN HIER?
Das kreative Werkzeug, um die
eigene künstlerische Handschrift
zu entwickeln.
8
MYTH BUSTING:
WAS LERNT MAN HIER NICHT?
Eingefahrene, vermeintlich sichere
Erfolgsrezepte.
PROJEKTBETREUUNG
WER
Olivia Marten
3
LEITENDE DOZIERENDE
Szenischer Film:
Prof. Christian Wagner u.a.
Dokumentarfilm:
Prof. Michael Möller,
Andrea Roggon
Werbefilm: Michael Rösel u.a.
6
WARUM IST DIE FILMAKADEMIE
DER IDEALE ORT FÜR EIN
STUDIUM?
Weil die Filmakademie
Baden-Württemberg wie kaum eine
andere Filmhochschule Teamarbeit
als enge und gleichberechtigte
Zusammenarbeit aller Gewerke
fördert und fordert. Dies ist eine
wichtige Voraussetzung für den
späteren Erfolg im Berufsleben.
9
ONE COOL FACT ABOUT...
… Ludwigsburg: es ist nicht so
langweilig wie sein Ruf.
10
MOTTO
Augen auf und entdecken!
130

SERIEN PRODUCING
1
STUDIENKOORDINATION
Michael Rösel
2
PROJEKTBETREUUNG
Michael Rösel
3
LEITENDE DOZIERENDE
Prof. Joachim Kosack
Manuel Meimberg
4
WIE VIELE STUDIERENDE
PRO STUDIENJAHR?
4 Produktions-Studierende
+ X Drehbuch-Studierende
6
WARUM IST DIE FILMAKADEMIE
DER IDEALE ORT FÜR EIN
STUDIUM?
Wir sind bundesweit nach wie
vor die einzige Filmhochschule,
die nicht nur Serien konzipiert,
sondern auch produziert – zumindest
Pilotfilme oder Testimonials
davon.
7
WAS LERNEN
DIE STUDIERENDEN HIER?
Serien in einem Writers Room zu
konzipieren und den verantwortungsvollen
Umgang mit anderen
Kreativen – im besten Sinne:
Showrunning!
8
MYTH BUSTING:
WAS LERNT MAN HIER NICHT?
Kaffee kochen und Brötchen
schmieren.
9
ONE COOL FACT ABOUT...
Zwei unserer Absolvent*innen,
Tobias Gerginov und Charlotte
Groth, produzieren gerade die
Verfilmung des Bestsellers „Der
Schwarm“.
10
MOTTO
Teamwork
5
WAS SOLLTEN BEWERBER*INNEN
MITBRINGEN?
Drehbuch-Autor*innen: Lust auf
Geschichten. Lust auf Serien. Ein
Interesse am deutschen Serienmarkt,
der durch Streaming-Portale
gerade einen zweiten Frühling
erlebt.
Producer*innen: die Bereitschaft,
gemeinsam mit Drehbuch-Autor*innen
kreative Konzepte zu
entwickeln.
131

DREHBERICHT
„Film heißt Kampf”
von Lotta Pommerien
132

Über einen Dreh auf der Kanalinsel Guernsey in Zeiten einer Pandemie
DAS TITELGEBENDE ZITAT VON FILMAKA-
DEMIE-DIREKTOR THOMAS SCHADT
BESCHREIBT TREFFEND DIE FOLGENDEN
EREIGNISSE: ALLES BEGINNT IM DEZEM-
BER 2019, ALS ICH AN EINEM RUHIGEN
ABEND EINEN FILM MIT LEICHTEREM INHALT
SCHAUEN WILL. EIN BISSCHEN ROMANTIK,
ABER NICHTS, ÜBER DAS ICH MIR DANACH
DEN KOPF ZERBRECHEN MÜSSTE. NACH
ETWAS SUCHEN AUF DEN EINSCHLÄGIGEN
PLATTFORMEN ENTSCHEIDE ICH MICH FÜR
'DEINE JULIET'. EINE ENTSCHEIDUNG, DIE
MICH DIE NÄCHSTEN ZWEI JAHRE MEINE
NERVEN UND GEDULD KOSTEN WIRD.
In DEINE JULIET geht es um eine junge Autorin nach
dem Zweiten Weltkrieg, die von einem Buchclub auf
Guernsey erfährt. Dieser Buchclub hatte den Mitgliedern
schöne Stunden während der deutschen Besatzung
beschert. Von da an bin ich wie gefesselt:
1. Ich kenne weder die Insel Guernsey noch die anderen
Kanalinseln wie Jersey, Sark und Alderney.
2. Ich weiß nicht, dass diese Inseln zur englischen Krone
gehören, obwohl sie kurz vor Frankreich liegen.
3. Ich weiß nicht, dass die Inseln im Zweiten Weltkrieg
von der Wehrmacht besetzt wurden, um von dort England
anzugreifen. Und dabei zu „Hitlers Atlantikwall“
ausgebaut wurden.
Die nun folgende Recherche tiefer auszuführen, wäre
wohl nicht sonderlich spannend. Kurz gesagt: Ich finde
ein spannendes Thema, schreibe ein Exposé zu dem
Film, bekomme die Förderung der LBBW (ohne die ich
das Projekt längst hätte aufgeben müssen) und mache
mich im März 2020 auf den Weg nach Guernsey zu einer
Recherchereise. Bis dahin verläuft alles glatt. Bis dahin.
Dann bricht Covid aus.
15. März 2020: Ich stehe morgens um 6 Uhr an der Fähre
in St. Malo und die Grenzbeamtin bittet uns, nicht zu
fahren. Sie sei sich sicher, dass der Fährbetrieb bald eingestellt
werde. Und so kommt es auch. Wir fahren zum
Glück nicht, sondern machen uns wieder auf den Heimweg,
1300 km zurück nach Deutschland. Wir verschieben
den eigentlich für Mai 2020 geplanten Dreh. Monat
um Monat, bis in den Juli 2021.
Juli 2021: Die Welt ist bis dahin eine andere. Ich bin vollständig
geimpft, Hannah (meine Kamerafrau) und Bjarne
(„the Sound Guy“) jeweils einfach. Der elektronische
Projektordner ist genehmigt, ein Hygienekonzept entwickelt
und durchgesprochen. Ich stehe in regem Kontakt
mit dem Gesundheitsministerium auf Guernsey. Das
Problem: Deutschland hat eine Inzidenz unter 30, was
für die Einreise bedeutet, dass man einen PCR-Test machen
und sich dann selbst isolieren muss bis zum negativen
Ergebnis (Kategorie 2 in Guernseys System). Frankreich
aber, durch das wir zwangsläufig fahren müssen,
um nach St. Malo zur Fähre zu kommen, hat eine Inzidenz
über 30. Deshalb muss man sich eine Woche isolieren
und zu Beginn und am Ende zwei PCR-Tests machen
133

DREHBERICHT
(Kategorie 3). Nach viel Warteschleifenmusik und einigen
verlorenen Nerven bekomme ich eine E-Mail vom
Gesundheitsamt, dass wir als Transit gelten könnten,
wenn wir erst auf der Fähre unser Auto verlassen würden
und somit nur bis zum Erhalt des ersten PCR-Tests
in Quarantäne bleiben müssten. Ich buche also die Fähre
für den 28. Juli und ein Quarantänehotel auf Guernsey
(nicht alle Hotels bieten das an) für drei Tage.
Montag, 19. Juli 2021: Wir leihen die Technik aus.
Mittwoch, 21. Juli 2021: Ich zeige diese beim Zoll vor für
mein Carnet (Zolldokument, Anm. d. Red.).
Oben: Abfahrt in St. Malo
Unten: Warten auf die Freiheit
Donnerstag, 22. Juli 2021: Ich bekomme eine neue
E-Mail von Guernseys Gesundheitsamt. Die E-Mail, die
wir bekommen hatten, dass wir als Transit durch Frankreich
fahren dürfen, sei hinfällig. Die Inzidenz sei zu
hoch dort, sie könnten das nicht verantworten, wir bekämen
keine Ausnahmegenehmigung. Das zusätzliche
Problem: Frankreichs Inzidenz ist mittlerweile über 100
gestiegen, was neue Regeln für eine Einreise in ein anderes
Land bedeutet: zwei Wochen Selbstisolation (Kategorie
4). Am Telefon sagt man mir, dass diese neuen Regeln
wahrscheinlich am kommenden Freitag in Kraft treten
werden. Zwei Wochen Quarantäne würden das Aus für
das Projekt bedeuten, an dem ich anderthalb Jahre gearbeitet
habe.
Freitag, 23. Juli 2021: Ich erfahre: Frankreich ist doch
noch nicht hochgestuft worden, erst am Montag werde
Kategorie 4 gelten. Ich rufe Bjarne und Hannah an:
„Sonntag oder gar nicht, das heißt Samstagabend los.“
Also buche ich die Fähre für Sonntag, fülle Corona-Formulare
aus und bezahle PCR-Tests für unsere Einreise.
Das Problem ist nun noch das Hotel. Nicht alle Hotels
bieten Selbstisolation an und wir brauchen eins für eine
Woche. Außerdem ist auf Guernsey Ferienzeit und
viele Engländer sind dort (für sie gelten erstaunlicherweise
andere Einreisebestimmungen). Ich fange an, alle
Hotels durchzutelefonieren. Beim ca. fünften Hotel habe
ich Glück. Ja, sie hätten noch ein Zimmer für drei Personen
zur Selbstisolation frei.
Samstag, 24.Juli 2021: Mein Vater kommt früh mit dem
Auto, wir laden die Technik ein, ich packe irgendwann
zwischendrin noch meinen Koffer (in der Eile vergesse
ich meine Socken). Um 18 Uhr treffe ich mich mit den
134

anderen an der Aka. Wir sind uns unsicher, ob das Ganze
wirklich eine gute Idee ist. Was, wenn sie uns nach 10
Stunden Fahrt nicht reinlassen?
Aber wir fahren. Es ist eine stille Fahrt, von 3 bis 5 Uhr
schlafen wir auf einem Rastplatz hinter Paris.
Sonntag, 25. Juli 2021: Um 8 Uhr sind wir in St. Malo am
Fährenterminal. Ich gehe zum Zoll und lasse das Carnet
abstempeln (alle sind aus dem Häuschen, ein Carnet haben
sie schon lange nicht mehr gesehen). Um 11:30 Uhr
beginnt das Boarding. Wir geben der Frau am Schalter
unsere Fährdaten. Dann fragt sie nach den Impfnachweisen.
Hannah und Barne sind, wie erwähnt, zu dem Zeitpunkt
noch nicht vollständig geimpft.
“Dann könnt ihr nicht auf die Fähre,” sagt sie, “Ausreise
aus Frankreich nur bei vollständiger Impfung.”
“Aber wir haben Tests,” sage ich.
“Nur mit professionellem Grund darf man ausreisen.”
“Wir drehen einen Dokumentarfilm,” erwidere ich.
“Ob wir eine Bestätigung darüber haben?”
“Wir haben ein Carnet,” meine ich daraufhin.
Nach kurzer Diskussion akzeptieren sie das Carnet als
Bestätigung. Wir müssen uns dann noch als Fracht umbuchen
(wegen des Equipments) und 40€ mehr zahlen.
Als wir endlich vor der Fähre stehen, bin ich zittrig vor
Adrenalin. Wir fahren auf die Fähre und sitzen zwei angespannte
Stunden lang auf unseren Plätzen, dann legen
wir in Guernsey am Hafen an. Endlich, nach eineinhalb
Jahren, fahren wir auf die Insel. Die Einreise verläuft
problemlos und wir machen unsere PCR-Tests aus dem
Auto heraus.
Über diese Insel zu fahren, ist surreal. Die Straßen sind
unglaublich voll, überall sind Menschen. Wir kommen
am Hotel an, ich fülle die Kontaktdaten aus, Bjarne und
Hannah gehen aufs Zimmer. Wir bekommen Angst. Das
Zimmer ist sehr klein, wie sollen wir es da nur zu dritt
aushalten? Wir stapeln unser Gepäck, so gut es geht,
doch auf 12 m² zu dritt, Bad schon eingerechnet, bleibt
nicht viel Platz zum Leben. Wir wählen noch das Essen
für den Abend aus und dann geht sie los, unsere 7-Tage-Selbstisolation.
Oben: Quarantäne-Frühstück auf dem Zimmer
Unten: Bjarne sammelt atmosphärischen Ton
Sonntag, 25. Juli bis Samstag, 31. Juli 2021: Ich werde
oft gefragt, was wir gemacht haben in all den Tagen.
Als Erstes nur geschlafen, glaube ich. Unser Tag wurde
durch dreimaliges Klopfen an der Tür strukturiert,
immer dann, wenn neues Essen gebracht wurde. Dann
135

DREHBERICHT
"Es folgt eine sehr intensive Woche mit
teilweise 12-Stunden-Drehtagen..."
Die Sound-Library wird gefüllt
136

durften wir einmal kurz die Tür öffnen und ein Tablett
mit Essen reinholen. Das WLAN funktionierte nur ordentlich,
wenn man mit dem Laptop direkt an der Tür
saß. Wer von uns einen Zoom-Call hatte, durfte dort sitzen.
Ansonsten spielten wir viel, brachten uns gegenseitig
unsere filmischen Gewerke bei, bestaunten Zaubertricks
von Hannah und halfen Bjarne beim Befüllen
der Sound Library (Pro-Tipp: Kontaktmikro an Badezimmerlüftung
hängen, das klingt echt cool). Wir machten
Sportprogramme, malten und lasen. Wir zeigten uns unsere
bisherigen Filme und sprachen über unseren Dreh.
Ja, wir haben uns gut verstanden und ja, wir kennen uns
jetzt sehr gut.
Samstag, 31. Juli 2021: Wir machen endlich unseren
zweiten Test, genießen kurz die Freiheit draußen.
Sonntag, 1. August 2021: Früh rufe ich wieder beim Gesundheitsamt
an. “Ja” - unsere Ergebnisse sind da, sie
sind negativ, die Selbstisolation ist beendet. Ich tanze
ums Auto herum, als wir zum ersten Mal wieder draußen
sind. Es folgt eine sehr intensive Woche mit teilweise
12-Stunden-Drehtagen, mit vielen Eindrücken und
besonderen Begegnungen.
Freitag, 06. August 2021: Wir fahren zum Zoll, um das
Carnet vorzubesprechen und Hannah und Bjarne machen
wieder die für die Einreise nach Frankreich nötigen
PCR-Tests. Alles scheint glatt zu laufen, Sonntag
wollen wir abfahren.
nicht fahren. Wir müssen mit ansehen, wie das Schiff,
das uns erst nicht auf die Insel bringen wollte, jetzt ohne
uns aus dem Hafen fährt.
Unser Protagonist und seine Frau nehmen uns glücklicherweise
auf. Sie werden über die Zeit unsere Guernsey-Großeltern
(was sie aber nicht gerne hören, denn sie
fühlen sich noch nicht so alt).
Montag, 09. August 2021: Wir gehen zu Condor Freight
und zahlten 350€, um uns als Fracht buchen zu lassen.
Das ist mir zu dem Zeitpunkt egal. Auch die anderen Papiere,
die ich plötzlich brauche, wie z.B. ein Sicherheitspapier
aus Frankreich - ich schicke ihnen einfach meine
Kreditkartendetails. Das Prozedere mit den PCR-Tests
geht wieder los. Jedes Mal schlappe 70€ pro Test.
Mittwoch, 11. August 2021: Und dann stehen wir wieder
vor der Fähre und werden an Bord gelassen. Man reicht
uns wieder einen Stapel Papiere, den wir unbedingt ausfüllen
sollen, sonst würde uns Frankreich nicht reinlassen.
In Frankreich an der Grenze interessieren diese
Papiere niemanden. Dafür wollen sie aber die teuren
PCR-Tests nicht akzeptieren. Wir müssen zu einem Gebäude
fahren und neue Antigen-Tests machen (gratis!!).
Als diese negativ sind, dürfen wir endlich einreisen. Und
so geht diese verrücke Reise nach 10 Stunden Autofahrt
zu Ende.
Und zum guten Schluss haben sich dann doch alle Mühen
gelohnt, denn es ist tatsächlich ein Film dabei herausgekommen:
Sonntag, 08. August 2021: Früh an der Fähre angekommen,
finden wir niemanden vom Zoll, obwohl uns am
Freitag gesagt wurde, jemand werde für das Carnet vor
Ort sein. Wir beschließen, erst einmal einzuchecken
und dann eventuell nochmal zu fragen. Beim Check-in
kommt das Problem: Wir seien nicht als Fracht gebucht.
„Ja, aber in Frankreich konnten wir das einfach nachbuchen.“
„Nein, das ginge hier nicht. Wegen des Brexit müsse man
48 Stunden vor Abfahrt als Fracht gebucht werden.“
„Okay, ob wir dann einfach privat rüberfahren könnten?“
„Nein, wir seien ein VW Bus, wenn Frankreich das bemerkt,
dass wir Technik geladen haben, dann müsse
Condor 10.000 Pfund Strafe zahlen.“
Ich diskutiere lange mit ihnen, spreche sogar mit der
Chefin von Condor Ferries von Guernsey, lasse über
Kontakte die Border Control anrufen, aber sie lassen uns
IN CONCRETE – DAS ERBE DER DEUTSCHEN
BESATZUNG GUERNSEYS
REGIE, PRODUKTION, MONTAGE: Lotta Pommerien
BILDGESTALTUNG: Hannah Schwarzl
MUSIK: Hannes Britz
SET-TON: Bjarne Taurnier
SOUNDDESIGN: Bjarne Taurnier, Samuel Krupke
MISCHUNG: Stefan Erschig
FOLEY ARTIST: Jonathan Rösch
MOTION DESIGN: Rebecca Zahor
SPRECHERIN: Samira Najafian
Lotta Pommerien studiert im 4. Jahr des Projektstudiums im Studiengang
Fernsehjournalismus an der FABW
137

STECKBRIEF
SZENENBILD
1
PROJEKTBETREUUNG
Regine Witzig,
Steffen Staudenmaier
2
LEITENDE DOZIERENDE
Birgit Kniep-Gentis, Thomas
Stammer, Christian Strang
3
WIE VIELE STUDIERENDE
PRO STUDIENJAHR?
Vier
4
WAS SOLLTEN BEWERBER*INNEN
MITBRINGEN?
Gute Beobachtungsgabe /
Räumliches Vorstellungsvermögen /
Zeichnerisches Talent /
Wissen in Kunst und Kultur /
Imagination / Originalität
Handwerkliches und technisches
Verständnis/ Fähigkeit zur Teamarbeit
/ Kommunikation Motivation /
(Selbst-)Organisation große Portion
Enthusiasmus/ Führerschein
5
ZULASSUNGSVORAUSSETZUNGEN
B.A./M.A. in Innenarchitektur,
Architektur, Bühnenbild, Design
und Kunst oder angrenzenden
Fachgebieten, Praktische Erfahrung
im Art Department
6
WARUM IST DIE FILMAKADEMIE
DER IDEALE ORT FÜR EIN
STUDIUM?
Praxisorientiertes Arbeiten in
Zusammenarbeit mit allen Abteilungen
der Filmakademie /
VFX-Workshop in Kooperation
mit dem Animationsinstitut auf
neustem Stand der Technik /
Aussagekräftiges Portfolio mit
mindestens vier Projekten bis zum
Diplom / Individuelle Auswahl der
projektbetreuenden Dozierenden /
Enges Alumni-Netzwerk /
Familiäre Atmosphäre durch kleine
Jahrgänge /
Coaching-Angebote
7
WAS LERNEN
DIE STUDIERENDEN HIER?
Dramaturgisches Denkvermögen /
Erstellung visueller Konzepte /
Organisatorische Abläufe der
Filmproduktion / Budgetverantwortung
/ Durchsetzungs- und
Durchhaltevermögen /
Einblicke in aktuelle Filmprojekte
durch Profis der Branche
8
ONE COOL FACT ABOUT...
Verhältnis Anzahl der Studierenden
zu Dozierenden liegt bei 1:4
9
MOTTO
The World Is Not Enough
138

SZENISCHER FILM
1
STUDIENKOORDINATION
Thorsten Schütte
2
PROJEKTBETREUUNG
Peter Kuczinski
3
LEITENDE DOZIERENDE
Maren Ade, Prof. Nico Hofmann
4
WIE VIELE STUDIERENDE
PRO STUDIENJAHR?
6-8 Studierende
5
WAS SOLLTEN BEWERBER*INNEN
MITBRINGEN?
Neugierde, Teamfähigkeit,
Kreativität, Menschenkenntnis,
Offenheit und eine gesunde
Kompromissbereitschaft
6
WARUM IST DIE FILMAKADEMIE
DER IDEALE ORT FÜR EIN
STUDIUM?
Intensive Zusammenarbeit mit
allen Gewerken in allen Projektphasen,
praxisnahes Lernen und
Arbeiten, versierte Dozent*innen
und Referent*innen, Arbeiten im
Team, ausgezeichnete technische
Ausstattung, große künstlerische
Freiheit, gutes Netzwerk und
Kontakte zum Markt
7
WAS LERNEN
DIE STUDIERENDEN HIER?
Entwicklung kreativer und organisatorischer
Skills, Casting und
Zusammenarbeit mit Schauspieler*innen,
formatoffenes Arbeiten,
Recherche- und Interviewtechniken,
gestalterische und inhaltliche
Bandbreite in Stoffentwicklung
und Dramaturgie, Auflösung und
Schauspielführung, Inszenierung
von Körperlichkeit, Arbeiten im
Team, eigenes kreatives Potenzial
ausschöpfen, mehr über sich
selbst…
8
ONE COOL FACT ABOUT...
Regelmäßig finden gemeinsame
Workshops mit den Schauspielstudierenden
der Akademie
für Darstellende Kunst (ADK)
und Seminare mit international
renommierten Filmemacher*innen
statt.
9
MOTTO
Think out of the box!
139

EDITION FABW
140

EDITION
ZWEI NEUE PUBLIKATIONEN
IN DER EDITION FABW
Premiere von „KNAPP DANEBEN“ trifft voll ins Schwarze
AM ABEND DES 8. JUNI 2022 BEKAM
DIE SCHRIFTENREIHE EDITION FABW
WIEDER ZUWACHS – MIT DER PREMIERE
DES MITTLERWEILE FÜNFTEN KURZGE-
SCHICHTENBANDS 'KNAPP DANEBEN'.
IN GEMÜTLICHER ATMOSPHÄRE LASEN
SCHAUSPIEL-STUDIERENDE DER AKADEMIE
FÜR DARSTELLENDE KUNST (ADK) IM GUT
BESUCHTEN ALBRECHT ADE STUDIO DER
FILMAKADEMIE DREI GESCHICHTEN AUS
DEM BAND. FÜR DIE INSZENIERUNG SORGTE
FABW-STUDENTIN ALINA YKLYMOVA. ZUM
AUSKLANG GAB ES EIN GET-TOGETHER MIT
BUFFET UND GETRÄNKEN.
Freiheit und Selbstermächtigung junger Frauen vor
dem Hintergrund der Ruinen des 2. Weltkriegs lief erfolgreich
auf Festivals und feierte im Frühjahr seine
Kinopremiere. Das Drehbuch wurde u.a. mit dem Thomas
Strittmatter Preis der MFG Baden-Württemberg
ausgezeichnet.
Der Kurzgeschichtenband KNAPP DANEBEN wird –
wie seine Vorgänger SCHLUSS-STRICHE, NEID, KRIEG
und SOMMER – sowohl im klassischen Buchhandel als
auch online über Amazon zum Verkauf (12,00 €) angeboten.
Das Drehbuch TRÜMMERMÄDCHEN ist gegen eine
Schutzgebühr von 5 € am Empfang der Filmakademie
Baden-Württemberg erhältlich.
Die Publikation wird unterstützt durch die Wüstenrot
Stiftung und steht wie immer unter der Schirmherrschaft
von Philipp Keel (Verleger des Diogenes Verlags,
Künstler und Fotograf ). Der von Michael Achilles herausgegebene
Band versammelt 15 Kurzgeschichten von
Studierenden der FABW und der ADK. In ihren Erzählungen
bilden die Autorinnen und Autoren das „Danebenliegen“
in allen Schattierungen ab und machen
KNAPP DANEBEN zu einem Almanach des Wollens
und Scheiterns - mit Witz, Tragik und frischem Unterhaltungswert.
Und während die Fertigstellung von KNAPP DANEBEN
noch gefeiert wird, scharren die Autorinnen des sechsten
Kurzgeschichtenbandes bereits mit den Hufen: Studierende
und Alumni von FABW und ADK sind erneut
Charlotte Schumann ist schwanger, aber ihr geliebter, aus dem Zweiten
Weltkrieg heimgekehrter Ludwig will weder sie noch sein Kind.
Um ihn wieder für sich zu gewinnen und der drohenden Schande zu
entgehen, schreibt sie sich für den "Fräuleinkurs" der Schauspielerin
Gloria Deven ein. Auf der Straße heißt es, dass man dort lernt, wie
man jeden Mann erobert und an sich bindet. Doch Gloria weckt in
ihren Schülerinnen stattdessen die Sehnsucht nach etwas, das ihnen
aufgerufen, Erzählungen für den neuen Band einzurei-
zu lange schon verwehrt wird: Freiheit.
chen. Er wird den Titel IN DER SCHWEBE tragen und
voraussichtlich im Februar 2023 seine Premiere feiern.
Vor dem historischen Hintergrund des Wiederaufbaus im Deutschland
der Nachkriegszeit entfaltet sich eine ebenso dramatische
wie moderne Geschichte über den Kampf um Gleichberechtigung
zwischen Mann und Frau.
Der szenische Langfilm TRÜMMERMÄDCHEN – DIE GESCHICHTE
DER CHARLOTTE SCHUHMANN ist das FABW-Diplomprojekt von
Autor und Regisseur Oliver Kracht, den Producern Marco Grönwoldt
und Lennart Lenzing, von Szenenbildnerin Caroline Liem sowie den
Filmton-Studierenden Franziska Arndt, Olena Goncharenko, Jan
Lukas Mielke, Johannes Schelle und Max Kersten.
Der Film entstand als Zusammenarbeit zwischen der Filmakademie
Baden-Württemberg, der Akademie für Darstellende Kunst, dem Südwestrundfunk
SWR, der baden-württembergischen Filmförderung
MFG sowie der Produktionsfirma Simonsays.Pictures des Filmakade-
Gute Nachrichten gibt es aber auch von der zweiten
Publikationslinie der Edition FABW: Nach der Ver-
mie-Absolventen Simon Buchner.
öffentlichung des Drehbuchs zum Erfolgs-Debütfilm
Das Drehbuch gewann 2019 den Thomas Strittmatter Preis auf der
Berlinale und wurde 2021 mit dem Bild-Kunst-Förderpreis bei den
Hofer Filmtagen ausgezeichnet, wo TRÜMMERMÄDCHEN seine
SYSTEMSPRENGER von Filmakademie-Absolventin
Weltpremiere erlebte. Im März 2022 feierte der Film seinen Kinostart
im Verleih der UCM.ONE GmbH auf dem Label Artkeim.
Nora Fingscheidt im Jahr 2019 flattert die Publikation
TRÜMMERMÄDCHEN – DREHBUCH VON OLIVER KRACHT
DREHBUCH
VON OLIVER KRACHT
EDITION
eines weiteren Drehbuchs ins Haus: Frisch aus dem
TRÜMMERMÄDCHEN
Druck kommt das Skript von Oliver Kracht zu seinem
DIE GESCHICHTE
DER CHARLOTTE SCHUHMANN
Diplomfilm TRÜMMERMÄDCHEN. Der Film über die
141

STECKBRIEF
WERBEFILM
REGIE UND PRODUCING
1
STUDIENKOORDINATION
Olivia Marten
2
PROJEKTBETREUUNG
Christian Schega
3
LEITENDE DOZIERENDE
Prof. Martin Schmid
4
WIE VIELE STUDIERENDE
PRO STUDIENJAHR?
Ca. 3-4 Regie-Studierende
Ca. 3-4 Produktions-Studierende
5
WAS SOLLTEN BEWERBER*INNEN
MITBRINGEN?
Viel Film- und Werbefilminteresse
sowie den Mut, Neues auszuprobieren
und nicht dem Mainstream zu
folgen!
6
WARUM IST DIE FILMAKADEMIE
DER IDEALE ORT FÜR EIN
STUDIUM?
Die Filmakademie ist die einzige
Hochschule weltweit, die einen
solch spezifischen Studienschwerpunkt
für Werbefilm über einen
längeren Zeitraum anbietet.
Junge Auszubildende haben die
Möglichkeit, sich eine individuelle
Filmrolle mit großer Unterstützung
aus den Fachkreisen aufzubauen
und Kontakte zu den angesagtesten
Macher*innen der Branche zu
knüpfen.
7
WAS LERNEN
DIE STUDIERENDEN HIER?
Werbung ist das schnelllebigste
Geschäft. In kürzester Zeit sehr
viele Projekte umzusetzen und
dadurch extrem viele Kontakte
in allen Bereichen (Agentur,
Produktion, Postproduktion usw.)
zu sammeln.
8
MYTH BUSTING:
WAS LERNT MAN HIER NICHT?
Es gibt kein Rezept, um erfolgreich
zu werden. Jede/r muss ihren/
seinen eigenen Weg finden, sich
selbst dabei treu bleiben und nicht
den anderen und ihren Meinungen
folgen.
9
ONE COOL FACT ABOUT...
Es gibt i.d.R. keine bis wenige
Vorgaben für ein Produkt oder ein
Kund*innenbriefing. Die Studierenden
haben die freie Wahl, welche
Art von Filmen sie realisieren
und für welche Marke sie diese
umsetzen möchten (sog. Spec Spots
bzw. Spec Filme).
In diesem Studienbereich können
außerdem die meisten Festivalnominierungen
und -preise verbucht
werden.
10
MOTTO
Immer am Puls der Zeit durch
ständig sich ändernde Werbeformen,
Formate und durch deren
Veröffentlichung in und auf den
dafür vorgesehenen Medien und
Plattformen.
142

SCREEN ACTING WORKSHOPS:
FILMSCHAUSPIELWORKSHOP
INTERNATIONAL SCREEN ACTING WORKSHOP
1
STUDIENKOORDINATION
Jessica Layher
Volontärin: Olga Melnyk
2
LEITENDE DOZIERENDE
Prof. Christian Wagner
3
WIE VIELE STUDIERENDE
PRO STUDIENJAHR?
28-30 Schauspieler*innen
4
WAS SOLLTEN BEWERBER*INNEN
MITBRINGEN?
Schauspielausbildung, Fantasie,
Offenheit und gute Energie!
5
WARUM IST DIE FILMAKADEMIE
DER IDEALE ORT FÜR EIN
STUDIUM?
Der Workshop ist sowohl deutschsprachig
als auch auf Englisch
einzigartig und wird nur an der
Filmakademie Baden-Württemberg
angeboten. Mit der Länge unserer
Kurse ermöglichen wir einen
besonders intensiven und prozessorientierten
Arbeitsraum.
Die Mischung aus Praxis und
Theorie sowie die Begegnungen mit
Branchenprofis und angehenden
Regisseur*innen runden das
Programm ab.
6
WAS LERNEN
DIE STUDIERENDEN HIER?
Tipps und Tricks für das Schauspiel
vor der Kamera.
Und: Nachwuchsschauspiel meets
Nachwuchsfilmer*innen – hier ist
die Kontaktbörse ;-)
7
MYTH BUSTING:
WAS LERNT MAN HIER NICHT?
Die während des Workshops
gedrehten Szenen dürfen nicht
veröffentlicht werden. Es gibt also
KEIN Demomaterial.
8
ONE COOL FACT ABOUT...
Follow us on Instagram or on our
Blog website:
https://www.instagram.com/
screenacting_fabw/?hl=de
https://www.screenacting-fabw.de
9
MOTTO
Schon filmreif ?
143

AUFTRAGSPRODUKTIONEN
144

AUFTRAGSPRODUKTIONEN
DES DRITTMITTELBEREICHES
_YVES ALAIN LAMBERT,
HERSTELLUNGSLEITER DRITTMITTEL/
AUFTRAGSPRODUKTIONEN
TEL: +49 7141 969 82370
DRITTMITTEL@FILMAKADEMIE.DE
_CHRISTIAN MÜLLER,
HERSTELLUNGSLEITUNG DRITTMITTEL/
AUFTRAGSPRODUKTIONEN ANIMATIONSINSTITUT
TEL: +49 7141 969 82817
CHRISTIAN.MUELLER@FILMAKADEMIE.DE
Das eigene Tun ist der Schlüssel für den Erfolg. Konzeptwettbewerbe
bieten die Chance, sich auszuprobieren.
Mit welcher Strategie überzeuge ich den Auftraggeber
von meinen Ideen? Welche Haltung nehme ich dabei
ein? Ganz im Sinne der praxisorientierten Ausbildung
lernen die Beteiligten, bereits im Pitch unter realen Bedingungen
zu präsentieren.
Begleitet durch die Mitarbeiter*innen der FABW, übernehmen
Studierende Verantwortung für ein professionelles
Projekt. Verträge müssen erfüllt, Budgets und
Zeitpläne eingehalten werden. Mit anspruchsvollen Auftraggebern
werden Absprachen getroffen, die unbedingt
eingehalten werden müssen. Verbindlich und verlässlich
zu agieren, schafft Vertrauen. Doch wie kommuniziere
ich mit dem Marketingleiter, der Geschäftsführerin oder
einem Familienunternehmer? Warum sind diese Menschen
neugierig auf mich, auf meine Ideen abseits ausgetretener
Pfade? Andererseits: Welchen Zwängen unterliegen
meine Ansprechpersonen? Gibt es Grenzen für
meine Kreativität? Welche Rolle spielen Corporate-Identity-Vorgaben
und Marketing-Bibeln?
STUDIUM FINANZIEREN, ERFAHRUNGEN
SAMMELN, EXISTENZ AUFBAUEN
Auftragsproduktionen im Drittmittelbereich werden mit
erfahrenen Studierenden, mit Alumni und bevorzugt
mit Produktionsfirmen, die Absolventinnen und Absolventen
in der Region gegründet haben, realisiert. Auch
die Zusammenarbeit mit externen Firmen ist möglich.
STUDIERENDE
Diese Auftragsproduktionen der FABW ermöglichen
den Studierenden über die Projekte in der Lehre hinaus
wichtige Erfahrungen in der Praxis und bieten zudem
die Möglichkeit, sich den eigenen Lebensunterhalt
zu finanzieren.
ALUMNI
Da die Förderung der Absolventinnen und Absolventen
ein wichtiges Anliegen ist, unterstützt die FABW das eigene
Netzwerk und bildet so eine Brücke vom Studium
zur Berufswelt. Die Aufträge bieten jungen Produzentinnen
und Produzenten einen Startimpuls für eine spätere
betriebswirtschaftliche Existenzgrundlage. Nachfolgeprojekte
kann eine Produktionsfirma eigenständig ohne
die Filmakademie umsetzen.
EXTERNE FILMPRODUKTIONSFIRMEN
Auch wenn die Zusammenarbeit mit Studierenden und
Alumni im Vordergrund steht, so sind dennoch Kooperationen
mit externen Filmproduktionsfirmen möglich,
wenn Studierende oder Alumni dort in relevanter Rolle
eingebunden sind. Gewinnen Studierende oder Alumni,
die bei einer externen Produktionsfirma arbeiten, einen
Konzeptwettbewerb, so kann jene den Auftrag mit
der FABW zusammen umsetzen.
Fotos:
Projekt NEULAND in Kooperation mit der Wüstenrot Stiftung
145

FÖRDERVEREIN
Förderverein der Filmakademie Baden-Württemberg
CALIGARI-PREISE 2022:
FEIERLICHE VERLEIHUNG IM
ALBRECHT ADE STUDIO DER FABW
AM DIENSTAG, 12.04.22 FAND DIE
VERLEIHUNG DER CALIGARI-PREISE
DES FÖRDERVEREINS DER FABW IM GUT
BESUCHTEN ALBRECHT ADE STUDIO DER
FILMAKADEMIE STATT. 37 DRITTJAHRES-,
VIERTJAHRES- UND DIPLOMFILMPROJEKTE
KONKURRIERTEN UM ELF CALIGARI-
FÖRDERPREISE – ACHT DURCH UNTERNEH-
MEN GESTIFTETE PREISE UND DREI MITGLIE-
DERPREISE.
Alle Preise sind mit jeweils 5.000 Euro dotiert, die
zweckgebunden für die Umsetzung des ausgezeichneten
Filmprojekts verwendet werden müssen. Bisher wurden
annährend 1 Million Euro Fördersumme an studentische
Projekte der FABW ausgeschüttet.
In einem Interview mit Filmakademie-Direktor Prof.
Thomas Schadt, der auch als Moderator durch den Abend
führte, gab Chiara Fleischhacker anschließend Einblicke
in die Entwicklung ihres Projekts VENA, für das sie 2021
einen Caligari-Förderpreis und 2022 den Thomas-Strittmatter-Preis
erhalten hatte.
Danach ging es mit der Kategorie Dokumentarfilm weiter:
Moritz Schreiner (CEO Royal Film Company) übergab
einen Stifterpreis an das Projekt DIE VERURTEIL-
TEN VON MORIA von Jennifer Mallmann. Isabel Kurz
(Abteilungsdirektorin Vorstand und Pressesprecherin
der Kreissparkasse Ludwigsburg) überreichte den Caligari-Preis
der Stiftung Kunst, Kultur und Bildung der
Kreissparkasse Ludwigsburg sowie ein großes rotes Herz
an das Projekt NIEMANDSLAND von Esra Laske.
Die Vielfalt der Themen ist in diesem Jahr breit gestreut:
Auffällig ist, dass die Student*innen der Fachbereiche
Spielfilm, Dokumentarfilm, Fernsehjournalismus, Werbefilm,
Serienproduktion und Animation neben Umweltzerstörung,
Flucht und Entwurzelung auch sehr
stark Selbstfindung und Identifikation thematisieren.
Drei ehemalige Filmakademie-Studentinnen und Mitglieder
im Vorstand des Fördervereins überreichten die
ersten drei Preise in der Kategorie Animation:
Andrea Block (CEO und Producerin von LUXX Film)
übergab den ersten Mitgliederpreise an das Filmprojekt
SCRUBBY von Paul Vollet. Wiltrud Baier (Produktionsfirma
Böller & Brot) verlieh den Caligari-Preis der
Andreas Stihl AG & CO.KG an IT’S JUST A HOLE von
Bianca Scali. Im Anschluss zeichnete Sabine Willmann
(Film & Medien / do-q media) den Puppentrickfilm DET-
LEV von Ferdinand Ehrhardt mit dem zweiten Mitgliederpreis
aus.
In der Kategorie Szenischer Film verlieh Sebastian Mannl
(Bürgermeister für Mobilität, Sicherheit und Tiefbau der
Stadt Ludwigsburg) den Preis der Stadt Ludwigsburg für
DIE FARBE DER BÄUME an das Team um Maximilian
Köhler.
Die nächsten beiden Auszeichnungen wurden von Prof.
Thomas Schadt verliehen: Der Petra-Mosselman-Gedächtnispreis
der UFA-Fiction GmbH ging an das tragische
Kurzfilmmusical ICH BIN DER ARCHITEKT MEI-
NES LEBENS von Ares Ceylan, der Preis der Wüstenrot
Stiftung an den Coming-of-Age-Kurzfilm ARUNAS von
Julius Blum.
Wolfgang Kerber (Head of Production M.A.R.K. 13 –
COM GmbH & Co.KG und Vorstandsmitglied) verlieh
den dritten Mitgliederpreis an die multiperspektivische
Wedeking-Adaption FRÜHLINGSERWACHEN von Jana
Klingseisen.
Der Caligari-Preis des Ministeriums für Umwelt, Klima
und Energiewirtschaft Baden-Württemberg wurde vom
146

dienstältesten Vorstandsmitglied Friedrich Müller an das
Projekt NOT ON MY BEACH von Johanna Gräwinger
aus dem Studiengang Fernsehjournalismus verliehen.
Dietmar Ivasko (Organisationsdirektor Sparkassen-
Versicherung) übergab den Caligari-Preis der SV SparkassenVersicherung
an die historische Drama-Serie
TITANINNEN von Annika Mommsen.
Im Anschluss an die Preisverleihung gab es wieder
ausführlich Gelegenheit für die ausgezeichneten Student*innen,
Preisstifter*innen und Branchengäste zu einem
angeregten Austausch bei einem komplett biologischen,
nachhaltigen und regionalen Büffet.
Der Förderverein dankt allen Preisstifter*innen und seinen
über 200 Mitgliedern.
Ein besonderes Highlight des Abends waren die Beiträge
der Caligari-Band unter der Leitung von Andreas Fuchs
mit bekannten Motiven aus der Welt der Filmmusik.
Text: Sabine Willmann/Wiltrud Baier,
Vorstandsmitglieder des Fördervereins
der Filmakademie Baden-Württemberg, 14.4.2022
WER DIE CALIGARI-FÖRDERPREISE ALS PRIVAT-
PERSON ODER FIRMA UNTERSTÜTZEN MÖCHTE,
FINDET DEN MITGLIEDSANTRAG AUF DER WEBSITE
DER FILMAKADEMIE UNTER „FÖRDERVEREIN“.
147

FILMAKADEMIE BADEN-WÜRTTEMBERG GMBH
AKADEMIEHOF 10
D - 71638 LUDWIGSBURG
TEL: +49 7141 969 0
E-MAIL: INFO@FILMAKADEMIE.DE
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IMPRESSUM
Herausgegeben von der
Filmakademie Baden-Württemberg GmbH
Ludwigsburg
VERANTWORTLICH IM SINNE DES
PRESSEGESETZES
Prof. Thomas Schadt
REDAKTION
Andreas Friedrich, Fenja Schnizer
Bild- und Textredaktion Animationsinstitut:
Fabian Stetzler Textbüro / www.fabianstetzler.com
INTERVIEWS
Andreas Friedrich, Fenja Schnizer, Valentina Keller
Animationsinstitut: Fabian Stetzler,
Anna Henkel-Donnersmarck, Julian Jungel
GESTALTUNG
Kommunikationsdesign Heide Sorn-Daubner,
Stuttgart
DRUCK
Druckerei Raisch GmbH & Co. KG
TEXTE
Murad Abu Eisheh, Wiltrud Baier, Michael Bohnenstingl,
Sujatha Dovgal, Andreas Friedrich, Andreas
Hykade, Valentina Keller, Anne Christine Knoth,
Linda Krämer, Yves Alain Lambert, Guido Lukoschek,
Lotta Pommerien, Thomas Schadt, Mareike Schmid,
Fenja Schnizer, Fabian Stetzler, Juliane Voigtländer,
Dorothea Volke, Sabine Willmann
148
AUFLAGE
800
ID-Nr. 22123146

FOTONACHWEIS
Umschlag vorn: FABW / Philip Henze
Umschlag hinten: FABW / Fotograf: Simon Spielmann
S. 2: FABW / Philip Henze
S. 3: Porträt Thomas Schadt - FABW / Fotograf: Roland Mönch
S. 4: linke Spalte, Campus Ludwigsburg - FABW /
Fotografin: Catharina Clausen
S. 4: linke Spalte, Überblick über das Studium - Adobe Stock
S. 4: mittlere Spalte, Foto Felix Eisele - Alina Bader
S. 4: mittlere Spalte, Foto Begüm Bakirci - privat
S. 4: rechte Spalte, Atelier Ludwigsburg-Paris - Angelina Vernetti
S. 4: rechte Spalte, International Networks - FABW / Fotograf: Bathurshan
Ganeshalingam
S. 4: rechte Spalte, Foto Katrin Schweiger - Fotostudio Pietschmann
S. 4: rechte Spalte unten: FABW / Fotograf: Florian Dittrich
S. 5 linke Spalte, Foto Christoph Pellander - ARD Degeto / Dieter Schwer
S. 5: linke Spalte, TALA´VISION - FABW / Philip Henze
S. 5: linke Spalte, Foto Ed Cantù - FABW / Fotograf: Florian Dittrich
S. 5: mittlere Spalte, Foto Marika Köpf - FABW / Fotografin: Anja Fellerhoff
S. 5: mittlere Spalte, Drehbericht - privat
S. 5: rechte Spalte, Edition FABW - FABW / Fotograf: Zakarea Alsadi
S. 5: rechte Spalte, Auftragsproduktionen - Maite Bengsch
S. 6: Nick Ut / Associated Press
S. 12: FABW / Fotografin: Catharina Clausen
S. 13: Gerald Ulmann
S. 14: FABW / Fotografin: Catharina Clausen
S. 17 rechts: FABW / Fotograf: Zakarea Alsadi
S. 19: Maite Bengsch
S. 22: FABW / ADK
S. 23: FABW / Fotografin: Catharina Clausen
S. 24/26: Adobe Stock
S. 29: Tobias Winkel + Sina Diehl
S. 31: FABW / Fotografin: Dominique Brewing
S. 32: Foto oben und Mitte - FABW / Fotografin: Dominique Brewing
S. 32: Foto unten - Tobias Eckerlin
S. 34: Fotos oben und unten - FABW / Fotografin: Dominique Brewing
S. 39: privat
S. 40: privat
S. 45: privat
S. 49: Foto oben rechts - privat
S. 50: privat
S. 51: FABW / Fotografin: Dominique Brewing
S. 52: Foto linke Spalte - FABW / Fotografin: Anja Fellerhoff
S. 52: Foto rechte Spalte - privat
S. 53: Andreas Hykade
S. 54: FABW / Fotografin: Anja Fellerhoff
S. 55: Foto unten links - privat
S. 56-57: Studio Film Bilder
S. 58: Fotos oben - privat
S. 58: Foto unten - Studio Film Bilder
S. 59: Studio Film Bilder
S. 60-61: FABW / Fotografin: Dominique Brewing
S. 62: Fotos obere Reihe - FABW / Fotografin: Dominique Brewing
S. 63: Fotos rechte Spalte - FABW / Fotograf: Simon Spielmann
S. 64: Fotos linke Spalte + oben rechts - FABW / Fotograf: Simon Spielmann
S. 65: Foto unten - FABW / Fotografin: Dominique Brewing
S. 66: FABW / Fotograf: Mike Razniewski
S. 67: Mitte links - FABW / Fotografin: Dominique Brewing
S. 67: Mitte rechts - FABW / Fotografin: Anja Fellerhoff
S. 68-69: FABW / Fotograf: Mike Razniewski
S. 75: FABW / Fotograf: Simon Spielmann
S. 76: Porträt Felix Eisele - Alina Bader
S. 76: Porträt Begüm Bakirci - privat
S. 81: Jai Wanigesinghe
S. 83-84: ALP
S. 85: Angelina Vernetti
S. 86 oben: ALP / Anna Sauvage
S. 86 Mitte: ALP / Lisa Jilg
S. 86 unten: ALP / Hovig Hagopian
S. 87: Marie Rouge / Unifrance
S. 88: ALP / Holger Enck
S. 89: ALP / Sina Diehl
S. 90: Besen Dilek
S. 91: FABW / Fotografin: Dominique Brewing
S. 96: FABW / Fotograf: Bathurshan Ganeshalingam
S. 99: Petra Moda de Aguiar
S. 100-101: Fotostudio Pietschmann
S. 103: FABW / Fotograf: Florian Dittrich
S. 105: ARD Degeto / Dieter Schwer
S. 106-107: ARD Degeto / Keshet Tresor Fiction
S. 109: Fotos oben - ARD Degeto / Wisting Production A/S/
S. 109: Fotos unten - ARD Degeto
S. 110-113: FABW / Philip Henze
S. 114 oben: FABW / Philip Henze
S. 114 Mitte: privat
S. 114 unten: Online-Verleihung Student Oscar - Academy of Motion
Picture Arts and Sciences
S. 115 Fotos 1-3 oben: FABW / Philip Henze
S. 115 unten: Online-Verleihung Student Oscar - Academy of Motion
Picture Arts and Sciences
S. 117: Porträt Jürgen Klozenbücher, Heike Sperling, Alexander Hanowski -
Jörg Kahlhöfer
S. 118: FABW / Fotograf: Florian Dittrich
S. 120-121: FABW / Fotograf: Florian Dittrich
S. 124: FABW / Fotografin: Anja Fellerhoff
S. 131: Hugo Lenhardt
S. 133-136: privat
S. 140: FABW / Fotograf: Zakarea Alsadi
S. 144-145: Maite Bengsch
S. 147: FABW / Fotograf: Max Rechtsteiner
Weitere Fotos: Filmakademie Baden-Württemberg GmbH (FABW)
S. 63: Foto oben links - FABW / Fotografin: Dominique Brewing

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