Filmakademie Baden-Württemberg Campus Magazin 23/24

23
CAMPUS MAGAZIN(E)
FILMAKADEMIE BADEN-WÜRTTEMBERG
24

CAMPUS MAP
The technical departments of
the Filmakademie provide the technical
infrastructure for administration, teaching
and production.
Cinema
IT-OfficeNet
Mobile Technology (Rental)
Production Design Workshop
Sound Stages
Video Editing
TECHNICAL
DEPARTMENTS
In the area of administration,
responsibilities include student
management, finance and accounting,
annual financial statements, controlling,
risk management, procurement, legal
issues, job and personnel planning
and development, as well as general
administration and business organization.
Casting Office
Commercial Administration
Finance & Accounting
General Administration
Library & Video Library
Personnel & Fees
Registrar´s Office
Teaching Administration
ADMINISTRATION
The range of courses reflects the entire
spectrum of topics in the media industry,
from screenwriting, directing and
cinematography to animation, production
design and editing, from production, film
music and sound design to motion design
and interactive media, spread across 3 study
courses:
Film and Media
Film Music and Sound Design
Production
In addition, the following diploma
postgraduate courses are offered:
Animation / Animation &
Effects Producer
Animation / Technical Director
Film Journalism
Film Music
Film Sound / Sound Design
Interactive Media
Motion Design
Production Design
ACADEMY OF
PERFORMING ARTS
The neighbouring ADK prepares students
comprehensively – and uniquely in Germany –
for careers both on stage and in film. The
interdisciplinary, practice- and project-oriented
training takes place in cooperation between the
study courses directing, dramaturgy, acting, and
stage & costume design across all years and study
programmes.
ATELIER
LUDWIGSBURG-PARIS
The Atelier Ludwigsburg-Paris is an EU-funded one-year
further education programme for aspiring film producers and
distributors who have already successfully finished a study
course. It is an autonomous institution under the umbrella of
the Filmakademie.
ALUMNI NETWORK
The alumni network ensures regular contact
FRIENDS OF
THE FILMAKADEMIE
ASTA
The General Student Committee AStA is elected
GENDER E
The Filmakademie i
and exchange with Filmakademie graduates, for
The FABW promotional association
directly by the student body at the beginning of
constitutionally req
example by maintaining the alumni homepage,
(Förderverein der Filmakademie Baden-
each academic year. It represents the interests of
women and men an
sending out newsletters, organizing events
Württemberg e.V.) was founded in 1993 and
the students within and outside the Filmakademie
of existing disadvan
and forwarding offers for jobs, workshops or
now has over 400 members. It is recognized
and performs advisory and supportive tasks in the
Opportunities Offic
scholarships.
as a non-profit association for tax purposes
service of the student body of FABW.
and men in career a
and, in accordance with its statutes, focuses on
disadvantages and q
promoting exellence.
the reconciliation o

Workshops for external students:
Film Acting
In the Film Acting Workshop and the
English-language International Screen Acting
Workshop, young acting talents can expand
their classical training to include film acting
for 8 weeks. Teaching includes theoretical
and practical excercises under the guidance
of renowned industry professionals.
TEACHING
The Animationsinstitut is part of the
Filmakademie, but at the same time has its
own organizational structures in many areas.
Management
Research & Development
Staff Units
Teaching
Technical Deptartments
ANIMATIONSINSTITUT
FMX is a globally influential trade conference
that focuses on the development and trends in
the design, technology and business of animated
films, visual effects, interactive and immersive
media.
FMX
MANAGEMENT
In the area of teaching, the management is responsible, among
other things, for the conception, planning and implementation
of teaching, the acquisition of teaching staff, study coordinators
and project supervisors, commissioned productions, the
development of the Ludwigsburg/Stuttgart region as a media
location for alumni and start-ups, as well as cooperation with
regional and national broadcasters and production companies.
STAFF UNITS
The staff units are directly assigned to the management.
QUALITY
s committed to the
uired equal opportunities for
d works towards the elimination
tages for women. The Equal
ers advise and support women
dvancement, the elimination of
uestions of work-life balance and
f work and care.
INTERNATIONAL OFFICE
The International Office organizes mobilities
in the form of excursions and guest studies
at partner institutions abroad. Its Englishlanguage
International Class brings together
24 incoming students each year in the summer
semester. The mission of the International
Office is to enable all students of the
Filmakademie to have an experience abroad in
the course of their studies.
Assistant to the Director
Commissioned Productions
Controlling
Distribution & Licences
Diversity & Inclusion Strategy Coordinator
Festivals
Head of Studies
Legal Advisor
Scholarships / Pitchings
Sustainability Management and Special Tasks
University Communication

EDITORIAL
We Welcome
the World
to Ludwigsburg!
2

SEIT JUNI dieses Jahres hat das Animationsinstitut der Filmakademie einen neuen Leiter: Jan Pinkava.
SINCE JUNE of this year, the Filmakademie´s Animationsinstitut has a new director: Jan Pinkava.
Er bringt nicht nur einen Oscar® mit, sondern auch eine spannende Biografie. Geboren wurde er 1963 in
He brings with him not only an Oscar®, but also an exciting biography. He was born in 1963 in Prague
Prag in der ehemaligen Tschechoslowakei, verheiratet ist er seit 1994 mit einer Engländerin. Er hat in
in former Czechoslovakia and has been married to an Englishwoman since 1994. He has lived in Wales
Wales und den USA gelebt und in Hollywood und im Silicon Valley gearbeitet. Nun hat ihn sein beruflicher
and the USA and worked in Hollywood and Silicon Valley. Now his professional path has led him to
Weg nach Deutschland geführt. Mit seinem internationalen Background steht Jan Pinkava für genau die
Germany. With his international background, Jan Pinkava stands for exactly the cosmopolitan attitude
weltoffene Haltung, die wir an der Filmakademie Baden-Württemberg leben wollen.
we want to live at Filmakademie Baden-Württemberg.
Die Themen der Filme und Projekte, die in Ludwigsburg entstehen, umspannen
The themes of the films and projects made in Ludwigsburg span the entire
den gesamten Erdball. Die Drehorte tun es oft ebenso. Unseren Studierenden
globe. The film locations often do as well. We give our students the opportunity
eröffnen wir die Möglichkeit – nicht zuletzt durch Kooperationen mit zahlreichen
to gain valuable professional and cultural experience on an international level
Partnerhochschulen auf fünf Kontinenten – wertvolle berufliche und kulturelle
- not least through cooperation with numerous partner universities on five continents. And the firstyear
students who come to the academy campus every year in September often have similarly colourful
Erfahrungen auf internationalem Level zu sammeln. Und die Erstsemester, die sich Jahr für Jahr im
September auf dem Akademien-Campus einfinden, haben oft ähnlich bunte Biografien wie Jan Pinkava.
biographies as Jan Pinkava.
Daher ist es mir ein besonderes Bedürfnis und eine große Freude, alle neuen internationalen Studierenden
That is why it is particularly important to me and a great pleasure to welcome all the new
in Ludwigsburg zu begrüßen. Aber natürlich heiße ich auch alle anderen Neuankömmlinge willkommen,
international students to Ludwigsburg. But, of course, I also welcome all the other newcomers who
die unseren Campus in den kommenden Jahren mit ihren einzigartigen Persönlichkeiten bereichern
will enrich our campus in the coming years with their unique personalities, no matter what their
werden, ganz egal, welche Staatsangehörigkeit sie besitzen.
nationality.
Lasst uns gemeinsam kreativ sein, lasst uns gemeinsam wachsen, lasst uns Spaß haben. Aber stellen wir
Let us be creative together, let us grow together, let us have fun together. But let us also face together
uns auch gemeinsam den enormen globalen gesellschaftlichen Herausforderungen, die auf uns alle warten
the enormous global societal challenges that await us all and that we can only master as a global
und die wir nur als Weltgemeinschaft bewältigen können.
community.
Herzlich Sincerely
Prof. Thomas Schadt
Direktor der Filmakademie Baden-Württemberg
Managing Director of Filmakademie Baden-Württemberg
3

INHALT
2
EDITORIAL
Prof. Thomas Schadt:
“We Welcome the World to Ludwigsburg”
6
SPOTLIGHT
Dr. Jan Pinkava: What’s Your Story?
78
INTERNATIONALE NETZWERKE
86
DOZIERENDE IM PORTRÄT
Prof. Dr. Heike Sperling
98
DREHBERICHT
KAGE
12
ALUMNI IM FOKUS
Soleen Yusef
104
ALUMNI IM FOKUS
Sebastian Nozon
109
SPOTLIGHT: KLIMAKRISE
Im Gespräch mit Dr. Udo Engelhardt
116
EDITION FABW
Kurzgeschichtenband „In der Schwebe”
24
ANIMATIONSINSTITUT
44
JUBILÄUM
15 Jahre Interaktive Medien
120
INSIDE FABW - MEET THE STAFF
Lucca Veyhl
126
AUFTRAGSPRODUKTIONEN
51
SET EXTENSION WORKSHOP
58
DAS ATELIER LUDWIGSBURG-PARIS
66
ALUMNI IM FOKUS
Julian R. Wagner
132
FÖRDERVEREIN
Seit 30 Jahren im Einsatz für die Studierenden
4

CONTENTS
2
EDITORIAL
Prof. Thomas Schadt:
“We Welcome the World to Ludwigsburg”
9
SPOTLIGHT
Dr. Jan Pinkava: „What’s Your Story?
80
INTERNATIONAL NETWORKS
93
LECTURERS IN PORTRAIT
Prof. Dr. Heike Sperling
18
ALUMNI IN FOCUS
Soleen Yusef
24
ANIMATIONSINSTITUT
44
ANNIVERSARY
15 Years Interactive Media
102
SHOOTING REPORT
KAGE
107
ALUMNI IN FOCUS
Sebastian Nozon
52
SET EXTENSION WORKSHOP
112
SPOTLIGHT: CLIMATE CRISIS
A conversation with Dr. Udo Engelhardt
62
THE ATELIER LUDWIGSBURG-PARIS
72
ALUMNI IN FOCUS
Julian R. Wagner
119
EDITION FABW
Short Story Collection "In der Schwebe" (In Limbo)
123
INSIDE FABW - MEET THE STAFF
Lucca Veyhl
130
COMMISSIONED PRODUCTIONS
134
FRIENDS OF THE FILMAKADEMIE
Working for the Students for 30 Years
5

SPOTLIGHT
What’s
Your Story?
Jan Pinkava ist seit Sommer 2023 Leiter des Animationsinstituts.
Den folgenden Text schrieb er zur Begrüßung für das Campus Magazin.
6

WILLKOMMEN AM ANIMATIONSINSTITUT!
ERINNERST DU DICH NOCH, ALS DU
EIN KIND WARST UND DEINE MUT-
TER MIT DIR EIN BILDERBUCH AN-
GESCHAUT HAT, UND DU DACHTEST,
ALLES DARIN SEI WAHR UND VIELLEICHT
DAS WICHTIGSTE AUF DER WELT? ODER ALS
DEIN VATER DICH IN EINEN FILM MITNAHM
UND DU DICH IRGENDWIE IN DEN FILM
VERLIEBT HAST, SO DASS ES SOGAR JETZT
NOCH SZENEN AUS DEM FILM GIBT, DIE DU
NICHT VERGESSEN KANNST? UND WENN
DU SIE WIEDERSIEHST, KANNST DU IMMER
NOCH DIE AUFREGUNG, SPANNUNG, ANGST,
FREUDE UND ERLEICHTERUNG SPÜREN?
ODER DIE FERNSEHSENDUNG, VON DER DU
DACHTEST, SIE SEI NUR FÜR DICH GEMACHT
WORDEN, UND DU WOLLTEST DEINE FREUN-
DE AN DEINER LEIDENSCHAFT TEILHABEN
LASSEN? ODER VIELLEICHT DAS SPIEL,
DAS DICH SO IN SEINE WELT HINEINGEZO-
GEN HAT, DASS DU DICH FRAGST, WIE DU
GLÜCKSELIG BEIM ERFORSCHEN DIE ZEIT
VERGESSEN KONNTEST?
andere Art von Magie kann man auch diese erlernen.
Das ist einer der Gründe, eine Filmschule zu besuchen.
Diese Gedanken gingen mir durch den Kopf, als ich mir
die Präsentationen der Studierenden in der Diplomwoche
ansah. Ich hatte gerade als neuer Leiter des Animationsinstituts
angefangen und sah zu, wie die Diplomand*innen
ihre Arbeiten präsentierten und ihre Geschichten
über Ehrgeiz und Freundschaft, Machen und Lernen,
Enttäuschung und Erfolg erzählten. Ich war beeindruckt
von den technischen Fähigkeiten, dem künstlerischen
Talent, aber vor allem von der Dankbarkeit, die die Studierenden
für ihre Erfahrungen hier empfanden. Und
ich war bewegt von ihren Geschichten.
Wenn es dir so geht wie mir und du einen Moment innehältst
und ehrlich mit dir selbst bist, wirst du vielleicht
zustimmen, dass zumindest einige dieser Erfahrungen
untrennbar mit dir verbunden sind. Du bestehst nicht
nur aus Fleisch und Knochen und dem genetischen Erbgut,
das sich sogar auf die Art und Weise auswirkt, wie
du gestikulierst und deinen Kopf drehst. Nein, du trägst
auch Schichten um Schichten vermittelter Erfahrungen
in dir - was wir salopp als “Medien” oder “aufgezeichnete
Kultur” bezeichnen – die dich intellektuell, emotional
und moralisch geprägt haben. Diese Dinge gehören irgendwie
zu dir, wie deine eigene Haut.
Wir alle lieben diese Geschichte oder diese Sendung, in
der mit Nachdruck und Humor gesagt wird: “So ist das Leben
wirklich!” Absolut. So ist es. Wir alle sind froh, einen
Blick auf das Leben anderer werfen zu können, das durch
Karikatur, Metapher, Verdichtung und all die Methoden
der Erzählkunst anschaulicher und zugänglicher wird.
Die Fähigkeit von Geschichtenerzählern, uns in eine
andere Welt zu versetzen, ist wie Magie. Und wie jede
RATATOUILLE
Wenn man älter wird, denkt man vielleicht, dass einen
mit zunehmendem Alter diese kreativen Kunstwerke
nicht mehr so sehr berühren, dass sie einem nicht mehr
so viel bedeuten wie einst dem zartbesaiteten Kind. Wir
denken vielleicht, dass wir zu weise sind, um uns an etwas,
von dem wir wissen, dass es erfunden ist, uneingeschränkt
zu erfreuen! Vielleicht denken wir, dass unsere
Panzer uns vor Schicksalsschlägen schützen, doch wir
wollen die Wahrheit!
7

SPOTLIGHT
Mit zunehmender Lebenserfahrung zeigt sich jedoch,
dass all das stärker denn je zu uns zurückkommen kann
– während wir sich wiederholende Muster erkennen,
Kinder großziehen und Geliebte verabschieden.
Während seiner letzten Jahre konnte mein Großvater
kaum noch eine alte Geschichte erzählen oder ein altes
Lied singen, ohne dass seine Stimme brach und seine
Kehle sich zusammenzog, während sich seine Augen
mit Tränen füllten, bis er lächelte und schließlich anfing
zu lachen.
Wir sind einsame Geschöpfe, die in ihren eigenen Booten
auf der stürmischen See des Lebens treiben, aber wir
können uns gegenseitig zuwinken und uns daran erinnern,
dass das menschliche Dasein nicht unser persönlicher
Fluch oder persönliche Freude ist, sondern die
Erfahrung, die wir alle teilen. Indem wir unsere Erfahrungen,
unsere Gefühle, unsere Ängste und unsere
Freuden miteinander teilen, können wir uns zu unserer
Menschlichkeit bekennen. Und indem wir uns in anderen
wiedererkennen, fühlen wir uns weniger allein.
ÜBER JAN PINKAVA
Dr. Jan Pinkava arbeitet seit dreißig Jahren in der Animationsbranche
und gewann mit seinen Filmen zahlreiche
Preise. Während seiner Zeit beim Animationsstudio
Pixar erhielt er 1998 für seinen Kurzfilm GERI’S
GAME einen Oscar®. Als Creator und Co-Regisseur trug
Pinkava zudem maßgeblich zum Oscar®-Gewinn von
RATATOUILLE als bester abendfüllender Animationsfilm
2008 bei. Darüber hinaus war er Mitbegründer und
Creative Director von Google Spotlight Stories. Dort entwickelte
er neue Formen des interaktiven Geschichtenerzählens.
Seit Mitte 2023 ist Jan Pinkava Leiter des Animationsinstituts.
Wir können dies tun, indem wir spielen, singen, schreiben,
Filme machen und Geschichten erzählen. Und es
lohnt sich, das zu tun.
Wenn es nach den Präsentationen der Diplomwoche
geht, dann ist das etwas, worin die Absolvent*innen des
Animationsinstituts der Filmakademie Baden-Württemberg
ziemlich gut sind.
8

WELCOME TO THE ANIMATIONSINSTITUT!
DO YOU REMEMBER WHEN YOU WERE
A KID AND YOUR MOTHER READ YOU
A STORYBOOK, WITH PICTURES,
AND YOU THOUGHT IT WAS ALL
TRUE AND MAYBE THE MOST IMPORTANT
THING IN THE WORLD? OR WHEN YOUR DAD
TOOK YOU TO SEE A MOVIE AND SOME-
HOW YOU FELL IN LOVE WITH IT, SO THAT
EVEN NOW THERE ARE SCENES FROM THE
FILM THAT YOU CAN’T FORGET AND IF YOU
SEE THEM AGAIN YOU CAN STILL FEEL THE
EXCITEMENT, TENSION, FEAR, JOY, RELIEF?
OR THAT TV SHOW THAT YOU THOUGHT
HAD BEEN MADE JUST FOR YOU AND YOU
HAD A SPECIAL INSIDER UNDERSTANDING
THAT YOU WANTED TO SHARE WITH YOUR
FRIENDS? OR MAYBE THAT GAME THAT
SOMEHOW PULLED YOU INTO ITS WORLD
AND LEFT YOU WONDERING HOW YOU HAD
BEEN SO BLISSFULLY OBLIVIOUS TO TIME
PASSING WHILE YOU LOST YOURSELF EX-
PLORING?
These thoughts kept coming to me as I sat through the
students’ presentations in Diploma Week. I had just arrived
as the new head of the Animationsinstitut and
found myself watching the graduating class present their
work and tell their stories of ambition and friendship,
doing and learning, disappointment and success. I was
impressed by the technical skill, the artistic talent, but
most of all by the gratitude the students felt for their experience
here. And I was moved by their stories.
It’s easy to think that as you get older, those constructed
works of art don’t affect you as much, don’t mean as
much as they once did to the sensitive child. We might
think we are too wise to feel unalloyed delight in something
we know to be made up! Perhaps we think our armored
shells protect us from the “arrows of outrageous
fortune”, and we want the Truth!
It turns out that, as we accumulate life experience, as we
recognize more patterns and echoes in the world, as we
raise children and say goodbye to our loved ones, it can
all come back stronger than ever.
If you’re anything like me, and you pause for a moment
to be honest with yourself, you might agree that at least
some of those experiences are inseparable from who you
are. You are made not only of flesh and bone and the genetic
heritage that affects even the way you gesture and
turn your head, but you also carry in yourself layers and
layers of transferred experience - of what we blandly call
‘media’ or ‘recorded culture’ - that have shaped you intellectually,
emotionally, morally. These things somehow
belong to you, like your own skin.
We all love that story or that show which says, with authority,
with humor, “that’s how life really is!” So true. So
true. We are all glad to glimpse the lives of others, made
more vivid and accessible through caricature, metaphor,
heightened contrast, compressed time, and all the methods
of the storyteller’s art.
The ability of storytellers to transport us to another
world is like magic. And like every other kind of magic,
it is something you can learn. That’s one reason to go
to film school.
9

SPOTLIGHT
GERI’S GAME
By the time he reached his last decade, my grandfather
could hardly begin telling an old story, or singing an old
song, without his voice cracking and his throat tightening
as his eyes filled with tears, until he smiled and gave
up to laughter.
We are lonely creatures floating in our private boats on
life’s stormy sea, but we can wave at each other across
the waters and remind ourselves that the human condition
is not our own personal curse or joy, but the experience
we all share. By sharing our experience, our
feelings, our fears, our delights, we can admit to our humanity.
And in recognizing ourselves in others we can
feel a little less alone.
We can do this through playing, singing, writing, filmmaking,
storytelling. And it’s well worth doing.
If the Diploma Week presentations are anything to go by,
it’s what the graduates of the Animationsinstitut of the
Filmakademie Baden-Wuerttemberg are quite good at.
ABOUT JAN PINKAVA
Dr. Jan Pinkava has worked in the animation industry for
thirty years and won numerous awards with his films.
During his time at the animation studio Pixar, he won an
Oscar® for his short film GERI'S GAME in 1998. As creator
and co-director, Pinkava was also instrumental in
RATATOUILLE'S Oscar® win for the best animated feature
film in 2008. In addition, Pinkava was involved in
the creation of the innovative format Google Spotlight
Stories as co-founder and creative director. There, he developed
new forms of interactive storytelling. Since mid-
2023, Jan Pinkava is the Director of the Animationsinstitut.
10

In the summer of 2023, Jan Pinkava became the Director of the
Filmakademie’s Animationsinstitut. He wrote this welcoming note
for the Campus Magazine.
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ALUMNI IM FOKUS
„Der Zugang
zur Kunst
als Lebensform
sollte erleichtert
werden“
12

Ein Interview mit Soleen Yusef, Absolventin Regie / Szenischer Film (2016)
SOLEEN YUSEF WURDE 1987 IN DU-
HOK, IM KURDISCHEN TEIL DES IRAK
GEBOREN. IM ALTER VON NEUN JAHREN
FLÜCHTETE SIE MIT IHRER FAMILIE NACH
DEUTSCHLAND. NEBEN EINER GESANGS-
UND SCHAUSPIELAUSBILDUNG SOWIE EINER
AUSBILDUNG ZUR IHK-MODENÄHERIN
ARBEITETE SOLEEN ALS PRODUKTIONS-,
REGIE- UND VERTRIEBSASSISTENTIN BEI
DER FIRMA MÎTOSFILM. AB 2008 STUDIERTE
SIE AN DER FILMAKADEMIE BADEN-WÜRT-
TEMBERG SZENISCHE REGIE. WÄHREND
IHRES STUDIUMS ENTSTANDEN U.A. ZWEI
AUF MITSCHRIFTEN DES „SZ-MAGAZIN“
BASIERENDE DOKUMENTARFILME ÜBER DEN
NSU-PROZESS SOWIE IHR DRITTJAHRESFILM
TRATTORIA, DEN SIE AUF DER BERLINA-
LE PRÄSENTIEREN KONNTE. DER MIT DEM
FIRST STEPS AWARD AUSGEZEICHNETE
DIPLOMFILM HAUS OHNE DACH WAR ZU-
GLEICH IHR DEBÜT. SOLEEN ERHIELT EIN
DEUTSCHLANDSTIPENDIUM UND NAHM AN
DEM VON DER BADEN-WÜRTTEMBERG STIF-
TUNG GEFÖRDERTEN HOLLYWOOD WORK-
SHOP AN DER UCLA IN LOS ANGELES TEIL.
Nach ihrem Studium war sie für mehrere internationale
Serienproduktionen als Regisseurin tätig, u.a. für
das Hip-Hop Drama SKYLINES (Netflix), für die DDR-
Spionageserie DEUTSCHLAND 89 (Amazon Prime) sowie
für die Miniserie SAM – EIN SACHSE (Disney+).
Aktuell hat sie den Kinderfilm SIEGER SEIN abgedreht,
für den sie sowohl das Drehbuch geschrieben als auch
die Regie übernommen hat.
Hallo Soleen, schön, dass Du Zeit gefunden hast,
mit uns zu sprechen. In dem Film SIEGER SEIN
geht es um die elfjährige Mona, die mit ihrer kurdischen
Familie aus Syrien geflüchtet ist, nun auf
eine Schule in Berlin Wedding geht und die eine
begnadete Fußballspielerin ist. Ich habe gelesen,
dass dieser Film ein Herzensprojekt von Dir
war. Warum?
SIEGER SEIN ist ein sehr persönliches Projekt. Der Film
ist eine Hommage an meinen damaligen Grundschullehrer.
Als ich nach unserer Flucht aus dem Nordirak gerade
ein paar Monate in Deutschland war, wurde ich in
Berlin Wedding in einer Klasse mit hohem Migrationsanteil
aufgenommen. Einer der Lehrer dort war sehr politisch,
ein Anarcho und Sozialist, und er kannte sich mit
den Konflikten im Nordirak und der Kurdenproblematik
sehr gut aus. Nicht zuletzt deswegen habe ich mich von
ihm gesehen und verstanden gefühlt. Außerdem hatte
dieser Lehrer einen besonderen Fokus auf die Stärkung
von Mädchen. Er hatte gerade ein Mädchen-Fußballteam
ins Leben gerufen, dessen Trainer er war, und er hat
mich motiviert, dort mitzumachen. Für ihn war Fußball
eine Spielwiese, aber auch ein Schlüssel für Charakterentwicklung,
Empowerment und Selbstbewusstsein bei
gleichzeitiger Verbesserung der schulischen Leistungen.
Bis zu diesem Zeitpunkt kannte ich vor allem den Straßenfußball
- ich hatte mit meinem Bruder viel auf den
Straßen Kurdistans Fußball gespielt – aber das war meine
erste Berührung mit Teamsport.
Hat dich dein ehemaliger Lehrer auch bei der
Buchadaption beraten?
Er wusste, dass ich diesen Film gerade vorbereite und
hat die Drehbücher zu SIEGER SEIN gelesen. Er hat
mir hartes Feedback gegeben, aber auch sehr guten Input.
Er hatte sogar noch Fotoalben von damals, weil er
so stolz war auf seine erste Mädchenmannschaft.
Was wolltest du bei SIEGER SEIN dem Publikum
vermitteln?
Mir ging es vor allem darum, eine Fluchtgeschichte aus
Kinderperspektive zu erzählen: Gerade in meinem damaligen
Alter von 10 oder 11 Jahren bedeutet Flucht einen
großen Schmerz. Vor allem, wenn man bereits
Wurzeln geschlagen und seine frühe Kindheit in der
Heimat verbracht hat und sich dann in einer absolut
fremden Welt zurechtfinden muss. In einer Welt, in der
andere Regeln gelten und in der man erst mal fremd ist
– und auch unerwünscht.
Oft haben Deine Filme einen biografischen Bezug,
wie z.B. Dein Diplomfilm HAUS OHNE DACH,
der in und rund um Deine Geburtsstadt Duhok
in Kurdistan gedreht wurde. Ist das auch bei
SIEGER SEIN der Fall?
Die Story von SIEGER SEIN ist im Hier und Jetzt angesiedelt.
Obwohl es biografische Bezüge gibt und ich
13

ALUMNI IM FOKUS
meine eigene Geschichte adaptiert habe, ist der Film
kein dokumentarisches Werk. Er gehört in mein Lieblings-Genre:
das der Tragikomödie. Ich habe vieles überhöht
und komödiantisch überspitzt, weil ich denke, dass
man Schreckliches und Trauriges mit einer ehrlichen
Prise Humor besser vermitteln kann und auch das Publikum
einfacher einen Zugang bekommt. Der Umgang des
kurdischen Volks mit seiner Geschichte ist geprägt von
schwarzem, zynischem Humor. Das macht unsere Kultur
und unsere Mentalität aus und prägt natürlich auch meinen
eigenen Humor und meinen Umgang mit der Realität.
Hinzu kommt, dass es sich um einen Kinder- und
Jugendfilm handelt. Da möchte ich natürlich auch Hoffnung
schenken.
Zeit habe ich parallel fünf Serien gemacht, hatte aber immer
diese Sehnsucht nach einem Kinofilm, nach etwas,
das sich mehr Zeit nimmt und eine andere Tiefe hat.
Und wenn alles klappt, werden wir im März nächsten
Jahres mit SIEGER SEIN in den Kinos starten.
Wie schaust Du auf die aktuelle Lage des deutschen
Films, der sich ja mehr Diversität auf die
Fahnen geschrieben hat. Geht es für Dich in die
richtige Richtung oder ist das Ganze eher eine Art
„Woke Washing“?
Wie lief das Casting für den Film ab? Habt ihr
ausschließlich mit Laiendarsteller*innen gearbeitet?
Es war ein sehr langer, aber auch total schöner Prozess.
Angefangen haben wir Ende 2020 mit Suchaufrufen vor
allem in Fußball- und Kulturvereinen. Wichtig war mir
zu verstehen, wie sich das Leben von Kindern und Jugendlichen
heute anfühlt und was ihre aktuellen Probleme
sind. Ich glaube, dass Kinder eine andere Resilienz
haben und sich schneller anpassen können als Erwachsene.
Vielleicht werden sie deswegen oft mit ihren Traumata
übersehen. Deshalb wollte ich das Ganze als ein Sozialprojekt
behandeln. Alles sollte ineinandergreifen: Die
Aufarbeitung meiner eigenen Geschichte, das Sichtbarmachen
der Kinder, in denen ich mich wiederfinde, die
sich aber auch in mir widerspiegeln können. Das und
der Fußball als Klammer, sozusagen als Spielwiese für
das Leben. SIEGER SEIN ist ein Empowerment-Projekt
und ich hoffe, dass man beim Sehen des Films fühlen
wird, welche Kraft dahinter steckt. Eine Kraft, die nicht
nur vom Drehbuch und meiner eigenen persönlichen
Geschichte kommt, sondern aus allem schöpft: Dem Casting,
der Kamera, dem Ton, der Musik - aber vor allem
aus der Kraft dieser Kinder.
Ist SIEGER SEIN ein Kinospielfilm?
Ja, endlich mal wieder Kino! Dieser Film hat meine Seele
geheilt. 2017 habe ich angefangen und den Stoff drei Jahre
lang mit der DCM (Berliner Medienunternehmen, das
v.a. als Filmverleih und Filmproduktionsstudio fungiert,
Anm. d. Red.) und der Initiative „Der besondere Kinderfilm“
entwickelt. Bis alles komplett finanziert und der
Film abgedreht war, hat es fünf Jahre gedauert. In dieser
14
Ich glaube, inhaltlich ist die deutsche Filmlandschaft in
der Krise, weil wir immer noch nicht wissen, für wen
wir die Filme und Serien eigentlich machen. Der kommerzielle
Kinofilm visiert ganz bestimmte Zielgruppen
an. In der TV- Landschaft ist es nicht anders. Dort gehört
er in die Rubrik Krimi und im Kino in die der Romantic
Comedy oder nur Comedy. Dabei bleiben die deutschen
Filme erzählerisch nicht so nah am Publikum, sie unterfordern
es, stülpen ihm vorgekaute Inhalte über, die unterhalten,
aber nichts Neues, nichts Visionäres bieten.
Da wünsche ich mir den Anspruch anderer Länder, wie
zum Beispiel den Skandinaviens, Frankreichs oder auch
Koreas, das als Filmland ganz weit vorne ist im Moment.
In Deutschland sind die immer gleichen Erzählstimmen,
die immer gleichen Produzent*innen und Förderanstalten
gefragt und deswegen bewegt sich kaum etwas.
Wir benötigen einen Diskurs, in dem sich die Gesellschaft
wiederfinden kann. Deswegen ist die Diskussion
um Diversität sehr wichtig. Sie repräsentiert einen freien,
sehr weit gefassten Begriff voller Ideen, Visionen und

Utopien. Manche Filmemacher*innen eignen sich Diversität
nicht aus einem inneren Begreifen heraus an, sondern
weil sie für diverse Geschichten wesentlich mehr
Fördergelder bekommen. Allein deshalb werden die Diskurse
meiner Ansicht nach falsch geführt. Vor allem ist
aber die Umsetzung falsch, denn das Geld müsste in erster
Linie an die Produzent*innen gehen, die sich seit Jahren
und Jahrzehnten bemühen, wie man früher sagte,
Milieu-Geschichten zu erzählen.
Du bist auch an der Filmakademie als Dozentin
tätig. Hast du den Eindruck, dass die Studierenden
offener und selbstverständlicher mit dem
Thema Diversität umgehen?
Künftig möchte die FABW den Zugang zum Studium
vereinfachen, Hürden abbauen und verstärkt
junge Menschen aus unterschiedlichen gesellschaftlichen
Schichten und mit Abschlüssen
jenseits des Abiturs für ein Filmstudium begeistern.
Wie beurteilst Du aus Deiner persönlichen
Geschichte heraus diesen Ansatz?
Der Zugang sollte erleichtert werden, aber nicht nur der
Zugang zu einem Studium an der Filmakademie, sondern
der Zugang zum Künstler*innen-Dasein an sich, zur
Kunst als Lebensform sozusagen. Zugänge zu künstlerischen
Berufen schafft man sicher nicht nur durch einen
Die neue Generation macht sehr viel Hoffnung. Weil sie
mit dem Thema aufgewachsen ist, wendet sie sich ihm
mit einer besonderen Selbstverständlichkeit zu. Da waren
unsere Jahrgänge noch anders. In Deutschland fehlt
mir bisher die Leichtigkeit und Natürlichkeit im Umgang
mit dem Thema. Man will jetzt alles richtig machen,
und dadurch bekommt alles so eine Schwere. Der
Prozess ist anstrengend, weil vieles aufgearbeitet werden
muss. Es ist immer noch ein Kampf, obwohl es doch
Normalität sein sollte.
Stört es dich, wenn Du in Schubladen wie „Regisseurin
mit Migrationshintergrund“ gesteckt
wirst? Wie wirkt sich dieses Label auf Dein Schaffen
aus?
Ich habe kein Problem damit, weil es die Wahrheit ist.
Ich habe einen Migrationshintergrund, aber das ist nicht
meine Identität. Ich bin als Mensch ja komplexer und
habe viele andere Welten in mir. Mich stört nur, wenn
ich auf dieses „Label“ reduziert werde oder mir unterstellt
wird, dass ich diese Karriere gemacht habe, weil
ich Migrantin oder eine Frau bin. Bis heute sind sowohl
mein Migrationshintergrund als auch mein Frausein
eher Hürden in einer Gesellschaft, die immer noch sehr
patriarchal und diskriminierend aufgestellt ist. Ich habe
den größten Teil meines Lebens in Deutschland verbracht,
mit jährlichen Aufenthalten in Kurdistan. Ich
denke meistens auf Deutsch und vermutlich träume ich
auch auf Deutsch - aber ich fühle kurdisch. Deswegen
habe ich aber keine Identitätskrise und fühle auch keine
innere Zerrissenheit. Mir wurde allerdings immer suggeriert,
dass es nur das eine oder das andere geben kann.
Doch ich finde, jeder Mensch kann diverse Identitäten
in sich vereinen.
Mit Hauptdarsteller Malick Bauer
bei der Premiere von SAM - EIN SACHSE
einfacheren Weg der Bewerbung. Es muss weitergedacht
werden: Welchen Wert hat Kunst in der Gesellschaft, in
der Politik? Wie und wo wird Kunst vermittelt? In der
Grundschule oder wenn man in die Oberstufe kommt?
Die Nachfrage nach einem künstlerischen Studium wäre
wahrscheinlich da, aber ich glaube, die Personen, die
angesprochen werden sollen, stecken fest in einer Welt,
die wenig Berührungspunkte mit Kunst und Kultur bietet.
Wenn man ständig darüber nachdenken muss, wie
man seinen Lebensunterhalt bestreitet, braucht man eine
Mentorin, einen Mentor oder eine Begegnung im Leben,
die einen darauf aufmerksam macht, dass es noch
andere Formen gibt, auf Dinge zu schauen und sich damit
auseinanderzusetzen; die einem dabei helfen und dazu
ermutigen, die Welt ins Kreative zu ändern.
15

ALUMNI IM FOKUS
Politische Themen bilden einen Schwerpunkt
in Deinem künstlerischen Schaffen. Welche Geschichte
oder Botschaft möchtest zu zum Beispiel
mit SAM – EIN SACHSE transportieren?
Produzent und Creator Tyron Ricketts hatte 17 Jahre
lang vergeblich versucht, die wahre Geschichte von
‚Sam‘ Njankouo Meffire als SAM – EIN SACHSE bei
verschiedenen Sendern unterzubringen. Erst mit Beginn
der 2020er Jahre war klar: Jetzt interessiert man sich für
die Identitätssuche einer deutschen POC (Person of Colour)
als erstem schwarzen Polizisten in Ostdeutschland.
Seine Vita ist lokal verortet und global verständlich. Eine
deutsche Wende-Geschichte aus der Perspektive eines
Afrodeutschen, der in der DDR sozialisiert wurde und
ganz andere Erfahrungen mit der deutschen Geschichte
hat, sollte für ein breites Publikum verständlich aufbereitet
werden. Genau das fand ich so spannend, deutsche
Geschichte unter einem ganz anderen Blickwinkel
aufzuarbeiten. Wir kennen all diese Bilder des Mauerfalls
und des DDR-Regimes, aber Afrodeutsche kommen darin
kaum vor. Die Geschichte von Sam ist eine unglaubliche
Berg- und Talfahrt, die wie geschrieben scheint für
eine Serienerzählung. Der ganze Cast und die Crew waren
sehr divers besetzt, denn es ging nicht nur darum,
eine spannende Geschichte zu erzählen, sondern um Erfahrungen
von POCs in Deutschland. All das wurde in
die Serie integriert - das war ein großartiger Austausch.
Gerade Streamer können komplexe, universelle und damit
globalere Geschichten viel eher erzählen als die öffentlich-rechtlichen
Sender, die übrigens das Projekt immer
wieder abgelehnt hatten. Schließlich wurde SAM
– EIN SACHSE als erste aus Deutschland heraus produzierte
Original-Serie für Disney+ realisiert. Der Streamer
hat sich als großartiger Partner erwiesen und sich auf
ein Wagnis eingelassen, das so bisher noch nie filmisch
und seriell in Deutschland stattgefunden hat.
Kannst du bestätigen, dass man bei Streaming-
Anbietern mehr Freiraum hat in der Ausgestaltung
eines Projekts?
Aus meiner Erfahrung heraus gibt es andere Freiheiten,
weil die Ziele andere sind. Es geht Netflix, Disney & Co.
um die Ansprache einer globalen Schicht, die mit einer
gemeinsamen universellen Filmsprache erreicht werden
soll. Das ist bei einem Kinofilm natürlich ganz anders.
Da gibt es vor allem den klaren Wunsch nach einer
individuellen Stimme und persönlichen Erzählung.
Als 2014 die Dokumentarfilme über den NSU-Prozess
entstanden, bei denen Schauspieler*innen aus dem Originalprotokoll
der Gerichtsverhandlung zitieren, standest
du noch am Anfang Deines Studiums an der FABW. Wie
bist Du zu diesem Thema gekommen?
Nico Hofmann (CEO der Ufa und leitender Dozent an
der FABW, Anm. d. Red.) hatte mich Michael Ebert, dem
Chefredakteur des SZ-Magazins, für das Projekt vorgeschlagen.
Er meinte, wenn es jemand schafft, sich damit
auseinanderzusetzen, dann sei ich das (lacht). Ich hatte
kaum Zeit, ein Konzept auszuarbeiten. Ziel war, die Protokolle
des ersten Prozessjahres vor allem einem jüngeren
Publikum zugänglich zu machen, das weder die
„Süddeutsche Zeitung“ noch das „SZ-Magazin“ abonniert
hat. Da alles so schnell gehen musste, kamen wir auf
die Idee, diesen Prozess einfach als Lesung zu betrachten.
Unser dreiköpfiges Team hat mit zwei Schauspielerinnen
und zwei Schauspielern der ADK (Akademie für
Darstellende Kunst) gearbeitet, das Ganze mit der Kamera
beobachtet, ohne einzugreifen oder irgendeine Botschaft
zu transportieren. Die Protokolle sprachen schon
für sich. Wir haben auch den Schauspieler*innen gesagt,
dass sie sich weitestgehend zurückhalten sollen. So,
als ob sie Nachrichten vortragen. Es ging ausschließlich
um den Inhalt der Protokolle und um eine Archivierung
dieser Ereignisse. Man wollte der Öffentlichkeit begreiflich
machen, wie monströs das war, was 15 Jahre lang
in Deutschland stattgefunden hat. Dass sich mit dem
16

„Nationalsozialistischen Untergrund“ (NSU) eine neonazistische,
terroristische Vereinigung und Untergrundszene
gegründet hatte mit dem klaren Ziel, in Deutschland
Menschen mit Migrationshintergrund zu töten. Und zu
zeigen, wie die Politik, bzw. der Staat hier versagt hatte:
Zehn Morde, zwei Bombenanschläge, 15 Banküberfälle,
rechter Terror, das Versagen der Ermittler*innen, das
Leid der Opfer.
Dein Diplomfilm HAUS OHNE DACH entstand
in und rund um Deine Geburtsstadt Duhok in
Kurdistan zu einer Zeit, in der die Bedrohung
durch den IS immer mehr zunahm. Gab es Probleme,
die Verantwortlichen an der FABW von
Thema und Drehort zu überzeugen?
Bis 2015 war ich immer wieder in Kurdistan und konnte
aus erster Hand über die politische Lage dort berichten.
Damals war die Region, aus der ich stamme, eine
Art Safe Space, auch für das britische und amerikanische
Militär. Sie wurde immer autonomer und sicherer und
entwickelte sich auch wirtschaftlich weiter. Eigentlich
sind die Konflikte und Tragödien aufgekommen, als wir
kurz vor dem Dreh standen. Damals ist der IS im Nordirak
einmarschiert und das Projekt lag dann erst mal
auf Eis. Anderthalb Millionen Iraker*innen, aber auch
Kurd*innen und Syrer*innen sind aus anderen Städten
und Dörfern in meine Heimatstadt Duhok geflüchtet, eine
Grenzstadt zwischen der irakischen und der kurdischen
Region. Mich hat vor allem privat beschäftigt, dass
ein Teil meiner Familie in dem Kriegsgebiet lebte. Als es
dann irgendwann sicherer wurde, habe ich mich wieder
mit dem Drehbuch beschäftigt. Die hoffnungsvolle
Geschichte vom Zueinanderfinden einer Familie und
deren Aufarbeitung von Traumata, die ich eigentlich erzählen
wollte, wurde so traurigerweise zu einer Parabel.
Es gab an der „Aka“ viele Diskussionen darüber, ob dieser
Film gedreht werden kann, darf und soll. Natürlich
haben wir vorab über die politischen Umstände dort aufgeklärt
und niemand wurde gezwungen mitzumachen.
Mit einem stark verkleinerten Team, ähnlich wie bei einem
Dokumentarfilm-Dreh, haben wir das Projekt dann
doch noch in und um Duhok realisiert. Der Produzent
des Films, mein damaliger Mentor Mehmet Aktas, hatte
viel Erfahrung mit Dreharbeiten in der Region und
konnte uns als Team sehr gut schützen. Der kurdische
Geheimdienst hat uns ebenfalls unterstützt und konnte
unsere Sicherheit gewährleisten. Trotz Aufregung, Angst
und Druck fühlte sich in Duhok dann alles sehr friedvoll
an, auch weil die Menschen dort ihr Leben einfach weitergeführt
haben.
Wie hat Dich die Zeit an der FABW geprägt und
würdest Du ein Studium in Ludwigsburg weiterempfehlen?
Auf jeden Fall! Es war die beste Entscheidung, nicht in
Berlin zu bleiben. Meine sieben Jahre an der Filmakademie
waren sehr prägend. Ich habe mich vor allem
persönlich und charakterlich in dieser intensiven Zeit
weiterentwickelt. Ich konnte vieles durch meine Filme
verarbeiten. Das war mir am Anfang gar nicht so bewusst.
Und dann gab es natürlich dieses tolle Kollektiv
der vielen großartigen Kommiliton*innen und deren
Filme, die einen starken Einfluss auf mich hatten. Es ist
ein Mikrokosmos, der aber große Veränderungen hervorbringt.
Man ist stark auf sich selbst fokussiert und es
gibt kaum Ablenkung wie in großen Städten und deshalb
ist in Ludwigsburg und an der „Aka“ alles so intensiv.
Es geht schon an die Substanz, weil der Studienplan
voll ist und man vieles bewältigen muss. Aber
draußen in der Filmlandschaft sieht es nicht anders aus.
Deswegen ist das eine tolle Vorbereitung auf die harte
filmische Realität (lacht). Ich habe heute noch Kontakt
zu meinen Aka-Freunden, wie zum Beispiel Nora
Fingscheidt (Absolventin Regie/Szenischer Film, Anm. d.
Red.) oder Stephan Burchardt (Absolvent Bildgestaltung/
Kamera), mit dem ich seit 13 Jahren fast alle meine Filmund
Serienprojekte realisiere.
17

ALUMNI IN FOCUS
“Access to Art as a Way of Life
Should Be Facilitated”
An interview with Soleen Yusef, Graduate in Directing / Fiction Film (2016)
SOLEEN YUSEF WAS BORN IN 1987 IN
DUHOK, IN THE KURDISH PART OF
IRAQ. AT THE AGE OF NINE, SHE FLED TO
GERMANY WITH HER FAMILY. IN ADDITION
TO TRAINING AS A SINGER AND ACTRESS
AND AS A FASHION SEAMSTRESS, SOLEEN
WORKED AS A PRODUCTION, DIRECTOR
AND SALES ASSISTANT AT THE COMPANY
MÎTOSFILM. FROM 2008, SHE STUDIED
DIRECTION / FICTION FILM AT THE FILM-
AKADEMIE BADEN-WÜRTTEMBERG. DURING
HER STUDIES, SHE MADE, AMONG OTHERS,
TWO DOCUMENTARIES BASED ON TRAN-
SCRIPTS OF THE “SZ-MAGAZIN” ABOUT THE
NSU TRIAL AS WELL AS HER THIRD-YEAR
FILM TRATTORIA, WHICH SHE WAS ABLE
TO PRESENT AT THE BERLINALE. THE FIRST
STEPS AWARD-WINNING DIPLOMA FILM
HAUS OHNE DACH WAS ALSO HER DEBUT.
SOLEEN RECEIVED A GERMAN SCHOLAR-
SHIP AND TOOK PART IN THE HOLLYWOOD
WORKSHOP AT UCLA IN LOS ANGELES,
WHICH WAS FUNDED BY THE FOUNDATION
BADEN-WÜRTTEMBERG STIFTUNG.
After graduating, she worked as a director for several
international series productions, including the hiphop
drama SKYLINES (Netflix), the GDR spy series
DEUTSCHLAND 89 (Amazon Prime) and the miniseries
SAM - EIN SACHSE (Disney+). She is currently shooting
the children’s film SIEGER SEIN, for which she both
wrote the script and directed.
Hi Soleen, it’s great that you found time to talk
to us. The film SIEGER SEIN (being victorious) is
about 11-year-old Mona, who fled Syria with her
Kurdish family, now goes to a school in Berlin
Wedding and is a gifted football player. I read that
this film was a project close to your heart. Why?
SIEGER SEIN is a very personal project. The film is a
tribute to my primary school teacher at the time. When
I had just spent a few months in Germany after fleeing
from northern Iraq, I was accepted into a class with a
high percentage of migrants in Berlin Wedding. One of
the teachers there was very political, an anarchist and
socialist, and he knew a lot about the conflicts in northern
Iraq and the Kurdish problem. Not least because of
this, I felt recognized and understood by him. Also, this
teacher had a special focus on empowering girls. He had
just started a girls’ football team, of which he was the
coach, and he motivated me to join it. For him, football
was a playground, but also a key for character development,
empowerment and self-confidence while improving
school performance. Up until that point, I was mostly
familiar with street football – I had played a lot of
football on the streets of Kurdistan with my brother –
but this was my first exposure to team sports.
Did your former teacher also advise you on the
book adaptation?
He knew that I was preparing this film and read the
scripts for SIEGER SEIN. He gave me tough feedback but
also very good input. He even had photo albums from
back then because he was so proud of his first girls’ team.
18

What did you want to convey to the audience in
SIEGER SEIN?
My main concern was to tell a story of escape from a
child’s perspective: Especially at my age of 10 or 11 at the
time, escape means a lot of pain. Even more so when
you have already put down roots and spent your early
childhood in your home country and then have to
find your way in an absolutely foreign world. In a world
where different rules apply and where you are first of all
a stranger - and also unwanted.
Your films often have a biographical reference,
such as your diploma film HAUS OHNE DACH,
which was shot in and around your birthplace
Duhok in Kurdistan. Is that also the case with
SIEGER SEIN?
The story of SIEGER SEIN is set in the here and now.
Although there are biographical references and I have
adapted my own story, the film is not a documentary
work. It belongs to my favourite genre: tragicomedy. I
exaggerated a lot of things in a comedic way because I
think that terrible and sad things can be better conveyed
with an honest touch of humour and it is also easier for
the audience to access them. The way the Kurdish people
deal with their history is characterized by black, cynical
humour. That is what makes up our culture and our
mentality and naturally also shapes my own humour and
my way of dealing with reality. In addition, it is a film
for children and young people. So, of course I want to
give hope.
the film you will feel the power behind it. A power that
comes not only from the script and my own personal
story, but draws from everything: the casting, the cinematorgraphy,
the sound, the music - but above all from
the power of these children.
Is SIEGER SEIN a feature film for the big screen?
Yes, finally cinema! This film healed my soul. I started
in 2017 and spent three years developing the material
with DCM (a Berlin media company that primarily acts
as a film distributor and film production studio, editor’s
note) and the initiative “Der besondere Kinderfilm”. It
took five years until everything was completely financed
and the film was shot. During that time, I did five series
in parallel, but I always had this longing for a feature
film, for something that takes more time and has a different
depth. And if everything works out, we will start
in the cinemas with SIEGER SEIN in March next year.
How did the casting for the film go?
Did you work exclusively with amateur actors?
It was a very long, but also a really nice process. We
started at the end of 2020 with search calls, especially
in football and cultural clubs. It was important for me
to understand how the lives of children and young people
feel today and what their current problems are. I believe
that children have a special kind of resilience and
can adapt faster than adults. Maybe that’s why they are
often overlooked with their traumas. That’s why I wanted
to treat it as a social project. Everything should be intertwined:
Coming to terms with my own history, making
visible the children in whom I see myself, but who
can also be reflected in me. That and football as a bracket,
as a playground for life, so to speak. SIEGER SEIN is
an empowerment project and I hope that when you see
How do you view the current situation of
German film, which has taken up the cause of
more diversity? Do you think this is the right
approach or is the whole thing more of a kind of
“woke washing”?
19

ALUMNI IN FOCUS
I think, in terms of content, the German film landscape
is in crisis because we still don’t know for whom we are
actually making the films and series. Commercial cinema
films are aimed at very specific target groups. It
is no different in the TV landscape. There it belongs to
the category of crime thriller and in the cinema to romantic
comedy or just comedy. German films don’t stay
close to the audience in terms of storytelling, they underchallenge
them, they impose chewed-up content on
them that entertains but offers nothing new, nothing visionary.
I would like to see the standards of other countries,
such as Scandinavia, France or Korea, which is way
ahead as a film country at the moment. In Germany, the
same narrative voices, the same producers and funding
agencies are always in demand, and that’s why hardly anything
moves forward. We need a discourse in which society
can find itself. That’s why the discussion about diversity
is very important. It represents a free, very broad
concept full of ideas, visions and utopias. Some filmmakers
don’t appropriate diversity out of an inner understanding,
but because they get much more funding for
diverse stories. For that reason alone, I think the discourse
is wrong. Above all, the implementation is wrong,
because the money should primarily go to the producers
who have been trying for years and decades to tell
"milieu stories", as they used to be called.
career because I am a migrant or a woman. Until today,
both my migration background and my being a woman
are rather hurdles in a society that is still very patriarchal
and discriminatory. I have spent most of my life in
Germany, with annual stays in Kurdistan. I think mostly
in German and probably dream in German – but I feel
Kurdish. But I do not have an identity crisis because of
this and don’t feel any inner turmoil. However, it has always
been suggested to me that there can only be one or
the other. But I think that every person can combine different
identities.
Am Set von SAM - EIN SACHSE
You are also a lecturer at the Filmakademie. Do
you have the impression that the students are
dealing more openly and naturally with the
topic of diversity?
The new generation is very hopeful. Because they have
grown up with the topic, approaching it goes without
saying. Our generation was different. In Germany, I have
noticed a lack of lightness and natural ease in dealing
with the topic. Everybody wants to do everything right,
and that weighs everything down. The process is exhausting
because a lot of things have to be reviewed. It is
still a struggle, although it should be normality.
Does it bother you when you are pigeonholed as
a “director with a migration background”? How
does this label affect your work?
I don’t have a problem with it because it’s the truth. I
have a migration background, but that is not my identity.
I am more complex as a person and have many other
worlds in me. It only bothers me when I am reduced to
this “label” or when it is insinuated that I have made this
20
In the future, FABW would like to simplify access
to film studies, break down barriers and encourage
young people from different social backgrounds
and with qualifications beyond the
“Abitur” to study film. How do you judge this
approach from your personal history?
Access should be made easier, but not only access to
studying at the Filmakademie, but access to being an artist
in itself, to art as a way of life, so to speak. Access to
artistic professions is certainly not only created through
an easier way of applying. We have to think further:
What value does art have in society, in politics? How
and where is art taught? In primary school or when you
get to the upper school? The demand for artistic studies

would probably be there, but I think the people who
are to be addressed are stuck in a world that offers few
points of contact with art and culture. If you have to
constantly think about how to make a living, you need
a mentor or an encounter in life that makes you aware
that there are other ways of looking at things and engaging
with them; that help and encourage you to to make
the world more creative.
all these images of the fall of the Berlin Wall and the
GDR regime, but Afro-Germans hardly feature in them.
Sam’s story is an incredible rollercoaster ride that seems
scripted for a serial narrative. The whole cast and crew
was very diverse, because it wasn’t just about telling an
exciting story, but about Afro-German experiences. All
of that was integrated into the series – it was a great exchange.
Streamers in particular can tell complex, universal
and thus more global stories much sooner than the
public broadcasters, who, by the way, had repeatedly rejected
the project. In the end, SAM - EIN SACHSE was
the first original series produced out of Germany for Disney+.
The streamer proved to be a great partner and took
on a venture that had never been done before on film
and in series in Germany.
Can you confirm that with streaming providers
you have more freedom in the design of a project?
From my experience, there is a different kind of freedom
because the goals are different. Netflix, Disney &
Co. are all about appealing to a global target group that
is to be reached with a common universal film language.
Of course, it’s completely different with a feature film.
There is, above all, the clear desire for an individual
voice and personal narrative.
Soleen mit DoP Stephan Burchardt
Political issues are a focus of your artistic work.
What story or message do you want to convey
with SAM - EIN SACHSE (SAM – A SAXON),
for example?
Producer and creator Tyron Ricketts had tried in vain
for 17 years to get the true story of ‘Sam’ Njankouo Meffire
into various channels as SAM - EIN SACHSE. It
was not until the beginning of the 2020s that it became
clear: now people were interested in the search for identity
of a German POC (Person of Colour) as the first black
police officer in East Germany. His vita is locally based
but globally understandable. A German “Wende” story
from the perspective of an Afro-German who was socialized
in the GDR and has completely different experiences
with German history was to be prepared in a way
that is understandable for a broad audience. That’s exactly
what I found so exciting, to reappraise German history
from a completely different perspective. We know
Your diploma film HOUSE WITHOUT A ROOF
was made in and around your birthplace Duhok
in Kurdistan at a time when the threat from IS
was increasing. Did you have any problems convincing
those responsible at FABW of the importance
of the subject and the filming location?
Until 2015, I was in Kurdistan again and again and was
able to report first-hand on the political situation there.
At that time, the region I come from was a kind of safe
space, also for the British and American military. It became
more and more autonomous and secure and also
developed economically. Actually, the conflicts and tragedies
came up when we were about to shoot. At that
time, IS invaded northern Iraq and the project was put
on hold. One and a half million Iraqis, but also Kurds
and Syrians, fled from other towns and villages to my
hometown Duhok, a border town between the Iraqi and
Kurdish regions. I was mainly concerned privately that
part of my family lived in the war zone. When it became
safer at some point, I started working on the script
again. The hopeful story of a family coming together and
coming to terms with trauma, which I actually wanted
21

ALUMNI IN FOCUS
to tell, sadly became a parable. There were many discussions
at the “Aka” about whether this film can, may and
should be made. Of course, we explained the political
circumstances there in advance and no one was forced to
take part. With a much smaller team, similar to a documentary
film shoot, we finally realized the project in and
around Duhok. The producer of the film and my mentor
at the time, Mehmet Aktas, had a lot of experience with
filming in the region and was able to protect our team
very well. The Kurdish secret service also supported us
and was able to guarantee our safety. Despite the excitement,
fear and pressure, everything felt very peaceful in
Duhok, also because the people there simply went on
with their lives.
How did your time at FABW affect you and would
you recommend studying in Ludwigsburg?
Definitely! It was the best decision not to stay in Berlin.
My seven years at the Filmakademie were very formative.
I evolved a lot during this time, especially personally
and character-wise. I was able to process a lot
through my films. I wasn’t aware of that at the beginning.
And then, of course, there was this great collective
of many great fellow students and their films, which
had a great impact on me. It’s a microcosm, but one
that brings about great changes. You are very focused
on yourself and there are hardly any distractions like in
big cities, which is why everything is so intense in Ludwigsburg
and at the “Aka”. It really takes it out of you because
the curriculum is full and you have to cope with
a lot. But out in the film business it’s no different. That’s
why it’s a great preparation for the harsh reality of film
(laughs). I’m still in contact with my Aka friends, such as
Nora Fingscheidt (graduate in directing/fiction film, editor’s
note) or Stephan Burchardt (graduate in cinematography),
with whom I’ve realized almost all my film and
series projects for 13 years.
SIEGER SEIN: Besprechung und offizieller Drehstart
22

Am Set VON DEUTSCHLAND 89
23

ANIMATIONSINSTITUT
CANADA
NETHERLANDS
IN DER WELT ZU HAUSE –
INTERNATIONAL STUDIEREN
AT HOME IN THE WORLD –
AN INTERNATIONAL OUTLOOK
DREI STUDIERENDE DES
ANIMATIONSINSTITUTS UND
IHRE ERFAHRUNGEN IM
MOBILITY YEAR
Ins Ausland gehen, neue Eindrücke sammeln, eine andere
Hochschule besuchen. Für viele gehört ein Auslandssemester
zum absoluten Highlight ihres Studiums. Am
Animationsinstitut der Filmakademie Baden-Württemberg
ist das nicht anders: Es ist die perfekte Gelegenheit,
Kontakte in der Animationsindustrie zu knüpfen, sich
wertvolle Arbeitserfahrung zu holen oder einfach Inspiration
für das nächste Projekt zu sammeln. Auch Austauschprogramme
mit anderen hochkarätigen Schulen
sind innerhalb der sogenannten Student Mobility am
Animationsinstitut möglich.
Auf den nächsten Seiten zeigen wir, wie drei Studierende
ihre einjährige Pause vom Studium am Animationsinstitut
genutzt haben. Die Reise startet in den großen
Studios an der Westküste Kanadas, geht dann in der faszinierenden
Animationswelt Japans weiter und endet in
Amsterdam und Addis Abeba.
THREE STUDENTS OF THE
ANIMATIONSINSTITUT AND
THEIR EXPERIENCES DURING THE
MOBILITY YEAR
Studying in a foreign country, gathering new experiences,
visiting another university. For many, a semester
abroad is one of the absolute highlights during
their studies. This is no different at Filmakademie
Baden-Wuerttemberg’s Animationsinstitut: It is the perfect
opportunity to establish connections in the animation
industry, gain valuable work experience, or simply
gather inspiration for your next project. Exchange programmes
with other high-profile schools are also possible
within the Student Mobility programme at the
Animationsinstitut.
On the following pages, you can read how three students
used their one-year break from studies at the Animationsinstitut.
The journey begins in the major studios
on the Canadian West Coast, then continues in the
fascinating animation world of Japan, and culminates in
Amsterdam and Addis Ababa.
24

ETHIOPIA
JAPAN
STUDENT
MOBILITY
AM ANIMATIONSINSTITUT
Beratung über die Möglichkeiten zur Gestaltung des Mobilitätsjahres bekommen
Studierende bei der International Network Koordination des Animationsinstituts.
Hier weiß man beispielsweise, welche Austausch- oder Stipendien -
programme sich anbieten oder wie sich Kontakte zu spannenden Arbeit geber*innen
in aller Welt herstellen lassen.
Mehr Infos gibt’s unter
www.animationsinstitut.de/de/studium/internationales-studium
AT THE ANIMATIONSINSTITUT
Students receive advice on how to organize their mobility year at the International
Office of the Animationsinstitut. Here, for example, the staff can give an overview
of the various exchange or scholarship programmes and support the students on
how to build connections to exciting employers around the world.
For more information, see
www.animationsinstitut.de/en/studies/international-studies
25

ANIMATIONSINSTITUT
Vincent Maurer STUDIERT TECHNICAL DIRECTING (TD). WÄHREND SEINES
MOBILITÄTSJAHRES IN KANADA SAMMELTE ER NICHT NUR WERTVOLLE
BERUFLICHE ERFAHRUNGEN, SONDERN NUTZTE AUCH DIE ZEIT FÜR EINEN
ROADTRIP DURCH DAS LAND.
26

In der Welt zuhause – international studieren
BERGE, BÄREN UND
GROSSE STUDIOS
IRGENDWANN EINMAL NACH KANA-
DA ZIEHEN. MIT DIESEM GEDANKEN
SPIELT VINCENT MAURER SCHON
LÄNGER. FÜR PROFESSIONALS IM ANIMATI-
ON- UND VFX-BEREICH IST BESONDERS DIE
STADT VANCOUVER EINE WICHTIGE ADRES-
SE. NEBEN VIELEN KLEINEREN PLAYERN
SITZEN HIER BRANCHENGRÖSSEN WIE
SONY PICTURES IMAGEWORKS, INDUSTRIAL
LIGHT & MAGIC (ILM) UND ANIMAL LOGIC.
AUCH GENERELL VERFÜGEN DIE VANCOU-
VER FILM STUDIOS ÜBER DIE GRÖSSTEN
FILMPRODUKTIONSKAPAZITÄTEN DER WELT
AUSSERHALB VON LOS ANGELES.
„Vor der Entscheidung, dahin zu ziehen, wollte ich mir
Kanada mal angucken“, erzählt Vincent. Enttäuscht wurde
er nicht: „Es ist ein sehr schönes Land“, schwärmt er,
„Ich bin ein bisschen herumgereist, zum Beispiel durch
die Rocky Montains.“ Auch die Berglandschaften nahe
Vancouver seien beindruckend. „Dort habe ich sogar ein
paar Bären gesehen.“
Vincent hat am Animationsinstitut erst Animation studiert
und mittlerweile seinen Studienschwerpunkt in
den Technical-Directing-Kurs (TD) verlagert. Für seinen
Aufenthalt in Kanada machte er eine einjährige Pause
vom Studium. Dafür nutzte er nach Abschluss seines
dritten Studienjahrs die Möglichkeit der sogenannten
Student Mobility. Sie erlaubt Studierenden des Animationsinstituts,
ihr Studium für zwei Semester zu pausieren,
um berufliche Erfahrungen zu sammeln oder an
universitären Austauchprogrammen teilzunehmen. Viele
Studierende machen im Mobilitätsjahr beides.
AN GROSSEN PRODUKTIONEN
ARBEITEN UND SICH NEBENBEI IN
DIE SCHÖNHEIT DES LANDES VER-
LIEBEN
Neben den Reisen ging es Vincent in Kanada insbesondere
darum, sich bezüglich seiner künftigen beruflichen
Karriere zu orientieren. Um in die Welt der großen Studios
an der nordamerikanischen Westküste zu kommen,
war sein Startpunkt das Talentförderungsprogramm von
Sony Pictures Imageworks namens iCAD. Wer in der
iCAD-Bewerbung ein Talent in Computeranimation, Digital
Arts oder Informatik unter Beweis stellt, kann im
Rahmen von iCAD ein bezahltes Praktikum bei Sony Picture
Imageworks absolvieren, inklusive einer professionellen
Schulung durch die Firma.
Dank Vincents Vorerfahrung, die er unter anderem am
Animationsinstitut in diesen Bereichen sammeln konnte,
gelang ihm die Aufnahme in das Programm. Für zwei
Monate machte er ein Praktikum bei Sony. Hier arbeitete
Vincent in der Produktion des Animationsfilms
SPIDER-MAN: ACROSS THE UNIVERSE. Bei einer so
großen Animationsfilm-Produktion dabei zu sein, sei für
ihn eine sehr interessante Erfahrung gewesen. „Ich habe
als Lighting Artist mit der Software Katana Szenen ausgeleuchtet
und auch das Compositing für den Endshot
gemacht“, erzählt er.
Der Start in Vancouver fiel Vincent auch in sozialer Hinsicht
leicht, weil er durch das Animationsinstitut über
einige Kontakte in der Stadt verfügte. Zum Beispiel
Alumnus Dennis Müller, der einige Workshops am Animationsinstitut
hielt, an denen Vincent teilnahm. Heute
ist Dennis in Vancouver Senior Lighting TD (Sequence
Lead) bei ILM.
Dennis schlug Vincent nach dessen Praktikum bei Sony
vor, es auch bei ILM zu versuchen. Vincent bekam
dann tatsächlich dort einen Job im Virtual Production
Environment. Insbesondere durch den Set Extension
Workshop am Animationsinstitut begann Vincent früh,
sich als TD auf Virtual Production (VP) zu spezialisieren.
Eine Erfahrung, die man bei Stage Craft – so nennt ILM
seine VP-Studiotechnik – gut gebrauchen kann.
Bei der legendären VFX-Schmiede zu arbeiten, war immer
ein Traum für Vincent. Bei ILM arbeitete er an der
Serie PERCY JACKSON & THE OLYMPIANS, die auf
27

ANIMATIONSINSTITUT
einer Fantasy-Buchreihe basiert und 2024 auf Disney+
zu sehen sein soll.
Nach fünf Monaten bei ILM zog es ihn aber abermals zu
Sony, wo er wieder als Lighting Artist tätig war. Diesmal
nicht als Praktikant, sondern fest angestellt. Sowohl
Sony als auch ILM haben mit Vincent bereits Gespräche
geführt, bei denen sie ihn fragten, ob er sich nach
seinem Studium eine Tätigkeit in ihren Studios vorstellen
könne.
„Es kann durchaus sein, dass ich zurück nach Kanada gehe“,
sagt Vincent. Zunächst will er sich jedoch auf sein
Diplom konzentrieren. Voraussichtlich beendet er 2025
sein TD-Studium am Animationsinstitut. Nach seinen
Erfahrungen im Mobilitätsjahr scheint die Jobsuche danach
ein Kinderspiel zu werden.
At Home in the World – An International Outlook
MOUNTAINS, BEARS
AND BIG STUDIOS
VINCENT MAURER HAS BEEN CON-
TEMPLATING THE IDEA OF MOVING TO
CANADA FOR QUITE SOME TIME.
VANCOUVER IN PARTICULAR IS AN IMPOR-
TANT HUB FOR PROFESSIONALS IN THE
ANIMATION AND VFX INDUSTRY. MANY
SMALLER COMPANIES AS WELL AS INDUS-
TRY GIANTS LIKE SONY PICTURES IMAGE-
WORKS, INDUSTRIAL LIGHT & MAGIC (ILM)
AND ANIMAL LOGIC CALL THE CITY THEIR
HOME. OUTSIDE OF LOS ANGELES, THE
VANCOUVER FILM STUDIOS HAVE THE HIGH-
EST PRODUCTION CAPACITY WORLDWIDE.
“Before taking the final step and moving there, I wanted
to check out Canada first.” Vincent wasn't disappointed.
“It's a very beautiful country,” the TD student states. “I
traveled around a bit. For example, I went to the Rocky
Mountains.” The mountains near Vancouver impressed
him quite a bit as well. “I even saw a few bears there.”
TECHNICAL DIRECTING STUDENT
Vincent Maurer EMBARKED ON A RE-
MARKABLE JOURNEY TO CANADA DURING
HIS MOBILITY YEAR.
Vincent initially studied Animation at the Animationsinstitut,
but then gradually shifted his focus to the Technical
Directing specialization. To pursue his dream of living
in Canada, he decided to take a one-year break from
his studies, benefiting from the student mobility programme
after completing his third year at the Filmakademie.
This programme allows students to halt their
studies for two semesters, enabling them to gain professional
experience or participate in university exchange
28

29

ANIMATIONSINSTITUT
programmes. Vincent aimed to acquire valuable industry
experience while exploring the beauty of Canada.
WORKING ON BIG PRODUCTIONS
WHILE FALLING IN LOVE WITH THE
BEAUTY OF THE COUNTRY
Vincent's professional journey began at Sony Pictures
Imageworks, where he joined the prestigious iCAD (Imageworks
Cultivating Academic Development) talent development
programme. It offers paid internships and
professional training to individuals who show potential
in computer animation, digital arts or computer science.
Thanks to Vincent's prior experience and his background
as an Animationsinstitut student, he was accepted.
During his two-month stay at Sony, he worked as a
lighting artist and compositor in the production team
of the animated film SPIDER-MAN: ACROSS THE
SPIDER-VERSE. “Being part of such a significant animated
film production was an incredibly interesting experience
for me,” Vincent says.
Due to his connections from the Animationsinstitut,
the transition to Vancouver was quite smooth. Over the
years, numerous graduates from the institute have gone
to the VFX metropolis, including Dennis Müller, who
has worked as a lighting artist and compositor for Disney
and currently is a senior lighting TD (sequence lead)
at ILM. Encouraged by Dennis, Vincent applied for a TD
position at ILM and successfully secured a job in the virtual
production environment. His expertise in Technical
Directing played a crucial role in convincing the studio
of his skills.
Working at ILM, the legendary VFX studio, had always
been a dream for Vincent. “It almost feels a bit surreal
that it worked out so early in my career,” he says. At
ILM, Vincent contributed to the production of PERCY
JACKSON & THE OLYMPIANS, a show based on a fantasy
book series scheduled for release on Disney+ in
2024.
After he had spent five months at ILM, Vincent returned
to Sony – this time as a permanent employee for the remainder
of his mobility year, continuing his work as a
lighting artist. Both Sony and ILM have shown interest in
potentially hiring Vincent after he completes his studies.
“It may well be that I go back to Canada,” states Vincent.
But for now, he wants to focus on his diploma. He expects
to finish his TD degree at the Animationsinstitut
in 2025. If his experiences during his mobility year are
any indication, finding a job after his graduation looks
like a piece of cake.
30

Sylvia Jorde STUDIERT IM VIERTEN JAHR ANIMATION/EFFECTS PRODUCING. WÄHREND
IHRES MOBILITÄTSJAHRES ENTSCHIED SIE SICH, NACH JAPAN ZU REISEN, UM DORT IN
EINEM ANIMATIONSSTUDIO ZU ARBEITEN.
31

ANIMATIONSINSTITUT
In der Welt zuhause – international studieren
ALS DEUTSCHE PRODUCERIN
IM ANIME-STUDIO
GAMES, TECH-TRENDS, ANIME: ES
GIBT VIELE GRÜNDE, NACH JAPAN
ZU REISEN – INSBESONDERE, WENN
MAN AM ANIMATIONSINSTITUT
STUDIERT. FÜR DIE ANIMATION/EFFECTS
PRODUCING-STUDENTIN SYLVIA JORDE WAR
SCHNELL KLAR, DASS ES FÜR SIE IM MOBI-
LITÄTSJAHR NUR EINE OPTION GIBT.
Schon seit ihrer Kindheit interessiert sich Sylvia für japanische
Filme und Anime. Geprägt von Meisterwerken
wie PRINZESSIN MONONOKE, absolvierte Sylvia bereits
während ihres Bachelors der Wirtschaftswissenschaften
ein Auslandssemester in Osaka und besuchte
vorrangig Sprachkurse. Nach dieser Erfahrung hatte sie
Blut geleckt; Sylvia wollte nun herausfinden, wie es ist,
in Japan zu arbeiten. Über den Alumnus Ihabo Azzamo
kam dann der Kontakt zum Animationsstudio pH studio
zustande. Nach einem erfolgreichen Online-Vorstellungsgespräch
reiste sie im Juni 2022 nach Tokio, um
dort ihr dreimonatiges Praktikum zu beginnen.
HANDGEMACHTE ANIMATION
Bei pH studio arbeitete sie als Produktionsassistentin an
Werbeprojekten und sogar einem Anime. Neben ihren
Tätigkeiten in der Produktion schnupperte Sylvia aber
auch in andere Bereiche hinein: „Ich konnte viele verschiedene
Dinge ausprobieren. Zum Teil habe ich sogar
beim Cleanup und bei Animationskorrekturen mitgeholfen“.
Hierbei sei ihr ein großer Unterschied zur Arbeit in anderen
Ländern aufgefallen: „Ich fand es spannend, wie
viel tatsächlich noch traditionell frame-by-frame auf Papier
animiert wurde – und wie schnell und effizient die
Artists dabei sind!“ Dass diese Art der Animation noch
so präsent ist, liege wohl an den sogenannten „Veteranen“,
die bereits seit Jahrzehnten in der Branche arbeiten.
Sie seien das Animieren auf Papier gewöhnt und
sind so schnell, dass sie es gar nicht nötig haben, digital
zu animieren.
Als angehende Producerin stach für Sylvia außerdem die
Organisation innerhalb der Projektteams heraus. Während
sie am Animationsinstitut häufig die alleinige Verantwortung
für den Producing-Part eines Projekts übernimmt,
teilten sich Artists und auch die Regie solche
Aufgaben untereinander auf. Da die Teams teils sehr international
aufgestellt waren, arbeitete Sylvia außerdem
viel digital mit ihren Kollegen und Kolleginnen zusammen.
Sylvia entschloss sich nach ihrem Praktikum dazu, noch
länger in Japan zu bleiben und das Land zu bereisen. Sie
reiste zunächst nach Amagasaki und kam dort in einem
Sharehouse unter – einer Art großen WG. Neben dem
Fuji besuchte sie zum Beispiel den Berg Kōya-san, wo sie
in einem Tempel übernachtete. Aber vor allem waren es
die alltäglichen Gespräche in Kyoto, die Sylvia begeisterten:
„Es macht einfach Spaß, durch eine Stadt zu gehen
und sich mit Fremden zu unterhalten. So kommt man
dann auch mal in einen Keramikladen, in dem sich herausstellt,
dass die Ladenbesitzer in Ludwigsburg im Urlaub
waren.“
32

DREI ZEITZONEN, EIN VIDEOSPIEL
Parallel zu ihrem Auslandsaufenthalt arbeitete sie mit
ihren Kommiliton*innen in Deutschland am Videospiel
SYMBLINGS. Das ist ein 2D-Game, das Sylvia zusammen
mit anderen Studierenden des Animationsinstituts
entwickelt hat. Das Projekt entstand im dritten Studienjahr,
wo Studierende in Teams jeweils einen Film und
eine interaktive Anwendung produzieren, die im selben
Universum spielen. Sylvias Team kreierte die Welt zu
SYMBLINGS: In einem vergifteten Ödland, in dem Pilze
und Pflanzen verfeindet sind, sucht ein Mischwesen aus
Kastanie und Pilz nach der Rettung der Welt.
Mittlerweile hat das SYMBLINGS-Team eine eigene Firma
gegründet und auch schon eine Konzeptförderung
über 20.000 € von der Games BW Förderung erhalten.
Der Weg dorthin war für das Team nicht einfach, da neben
Sylvia auch noch andere Teammitglieder das Mobilitätsjahr
für einen Auslandsaufenthalt nutzten: „Wir befanden
uns am Ende in drei verschiedenen Zeitzonen,
was für unsere Termine natürlich nicht so toll war. Aber
wir haben es geschafft und ich bin dankbar und stolz,
dass wir kontinuierlich weitergearbeitet haben.“
Nach ihrem Kyoto-Aufenthalt ging es für Sylvia dann
auch wieder zurück nach Ludwigsburg. „Insgesamt habe
ich sehr viel darüber gelernt, wie man in Japan arbeitet.
Und auch persönlich habe ich mich sehr weiterentwickelt.“
Wiederkommen will Sylvia auf jeden Fall – im
Idealfall auf die Tokyo Game Show, um SYMBLINGS der
Weltöffentlichkeit zu präsentieren.
At Home in the World - An International Outlook
GERMAN PRODUCER
MEETS ANIME STUDIO
GAMES, TECH TRENDS, ANIME: THERE
ARE MANY REASONS TO TRAVEL TO
JAPAN – ESPECIALLY IF YOU STUDY
AT THE ANIMATIONSINSTITUT. ANIMATION/
EFFECTS PRODUCING STUDENT SYLVIA JORDE
KNEW IMMEDIATELY THAT THERE WAS ONLY
ONE COUNTRY SHE WANTED TO VISIT DURING
THE MOBILITY YEAR.
Since her childhood, Sylvia has been interested in Japanese
films and anime. Growing up watching masterpieces
such as PRINCESS MONONOKE, Sylvia took the
opportunity during her Bachelor's degree in business administration
to go to Osaka for a semester abroad. During
her stay, she primarily attended language courses.
After this first visit, she was hooked – now she wanted
to find out what it was like to work in Japan. Through
Sylvia Jorde IS A FOURTH YEAR ANIMA-
TION/EFFECTS PRODUCING STUDENT. DUR-
ING HER MOBILTY YEAR, SHE DECIDED TO
TRAVEL TO JAPAN TO WORK IN AN ANIMA-
TION STUDIO.
Animationsinstitut alumnus Ihabo Azzamo, Sylvia got in
contact with the animation studio pH studio. After a successful
online job interview, she travelled to Tokyo in
June 2022 to begin her three-month internship.
33

ANIMATIONSINSTITUT
Tokyo Shinjuku, Ghibli Museum, Shinjuku,
teamLab Borderless Mori Building (v. o. li. im Uhrzeigersinn).
34

HANDMADE ANIMATION
At pH studio, Sylvia worked as a production assistant
on advertising projects and even an anime. In addition
to her work in production, she also ventured into other
fields: "I was able to try out many different things. I even
helped out with cleanup and animation corrections."
Being part of a project team, she noticed a big difference
from work in other countries: "It was fascinating how
much was actually still animated traditionally frame-byframe
on paper – and how quickly and efficiently the
artists are doing it!" The fact that this type of animation
is still prevalent is most likely due to the so-called "veterans"
who have been working in the industry for decades.
They're used to animating on paper, Sylvia explains,
and they're so fast that there’s no need to animate digitally.
As a producer to-be, the organization of tasks within the
project teams also stood out to Sylvia. While she often
takes sole responsibility for the producing part of a project
at the Animationsinstitut, artists and directors split
such tasks among themselves at pH studio. Since some
of the teams were very international, Sylvia also often
worked digitally with her colleagues.
After her internship, Sylvia decided to stay a while
longer in Japan and travel around the country. She first
went to Amagasaki and lived there in a shared house. In
addition to Mount Fuji, she visited Mount Kōya, where
she spent a whole night sleeping in a temple. However,
living in Kyoto and having everyday conversations with
the locals excited Sylvia the most: "It's just fun to walk
through a city and talk to strangers. For example, I ended
up in a pottery shop where it turned out that the store
owners had been on vacation in Ludwigsburg."
team members were also going abroad during their mobility
year, things became increasingly more difficult:
"We ended up being in three different time zones, which
wasn’t great for our schedules, to say the least. But we
made it work, and I'm grateful and proud that we kept
pushing."
After her stay in Kyoto, it was time for Sylvia to head
back to Ludwigsburg. "Overall, I learned a lot about
working in Japan. But I also developed quite a bit on a
personal level." Sylvia definitely wants to come back –
ideally to the Tokyo Game Show to present SYMBLINGS
to the public.
ONE VIDEO GAME
THREE TIME ZONES
While staying abroad, Sylvia has also worked on the 2D
video game SYMBLINGS, together with her fellow students
in Germany. The project was created in the third
year of study, where various student teams each produce
a film and an interactive application which must be set
in the same universe. Sylvia's team came up with the
world of SYMBLINGS: In a poisoned wasteland where
mushrooms and plants are enemies, a hybrid creature
made of chestnut and mushroom seeks to save the world.
Recently, the SYMBLINGS team have founded their own
company and received a €20,000 concept grant from the
Games BW Promotional Programme. However, as other
Tokyo Game Show
35

ANIMATIONSINSTITUT
GROSSER AUFTRITT: Paul Golter ALS SPEAKER
AUF DER BLENDER CONFERENCE
36

In der Welt zuhause – international studieren
VOM ANIMATIONSINSTITUT NACH
AMSTERDAM – UND ZURÜCK
ICH KANN‘S IMMER NOCH KAUM
GLAUBEN. VERGANGENES JAHR HABE
ICH EINEN VORTRAG AUF DER BLEN-
DER CONFERENCE 2022 GEHALTEN!
ABER FANGEN WIR VON VORNE AN: MEIN
NAME IST PAUL GOLTER UND ICH STUDIERE
TECHNICAL DIRECTING (TD). DIESER ARTI-
KEL NIMMT EUCH MIT AUF MEINE REISE VON
MEINEM BÜROSTUHL IM ANIMATIONSINSTI-
TUT AUF DIE BÜHNE IN AMSTERDAM.
WIE ALLES BEGANN
Mein drittes Jahr am Animationsinstitut endete mit dem
Projekt FISH OR CHIPS, einer Intellectual Property (IP)
über das Leben von Möwen während des Corona-Lockdowns.
Ja, ihr habt richtig gelesen. Möwen während des
Lockdowns.
Im dritten Jahr am Animationsinstitut müssen Studierende
nämlich eine IP entwickeln, die zwei verschiedene
Formate umfasst: einen Film und ein interaktives Erlebnis
– in unserem Fall war letzteres ein Spiel. Das brachte
einige spannende Herausforderungen mit sich, etwa
die Frage nach einer klugen Handhabung von Daten, damit
diese für beide Formate verwendet werden können.
Unser Filmprojekt wurde letztlich in Form eines Instagram-Accounts
veröffentlicht, der über einen Zeitraum
von vier Wochen eine Geschichte erzählte. Die
Idee war, dass Möwen während des Lockdowns über Instagram
versuchen, Kontakt zu den Menschen aufzunehmen,
weil sie die Pommes so sehr vermissen. Im Spiel
erlebt man den Handlungsort Deep Fryton Beach dann
aus einer anderen Perspektive: Man muss die Baby-Möwen
vor dem Verhungern retten, indem man sie mit
Fish & Chips füttert.
WIE‘S WEITERGING
Nach dem dritten Jahr können Studierende am Animationsinstitut
ihr Studium ein Jahr lang pausieren, um
sich auf ihre persönliche Entwicklung zu konzentrieren.
Die meisten Studierenden machen entweder einen Austausch
mit einer anderen Hochschule oder sammeln Arbeitserfahrung
in einem Unternehmen. Ich habe mich
für letzteres entschieden.
Seit dem zweiten Jahr an der Filmakademie beschäftige
ich mich mit dem Bereich Pipeline und war seitdem
begeistert davon. Daher wusste ich, dass ich mich unbedingt
für einen Job als Pipeline Technical Director bewerben
wollte. Außerdem war und bin ich ein großer
Fan von Blender.
Blender ist eine 3D-Software, die vom Blender Institute
entwickelt wird, das sich im Herzen der Niederlande,
in Amsterdam, befindet. Neben dem Blender Institute
gibt es dort auch das Blender Studio, das „Open (Source)
Movies“ produziert. Diese Filme werden von der Blender-Community
finanziert. Im Gegenzug teilt das Blender
Studio die technischen Details zur Machart der Produktionen,
etwa die Assets, Produktionsdateien und
vieles mehr.
Ich habe mich im Blender Studio als Pipeline TD beworben
und glücklicherweise haben sie zu diesem Zeitpunkt
genau für diese Position jemanden gesucht. Vier
Wochen später war ich in Amsterdam und arbeitete mit
dem Team an der Produktion des Open Movies SPRITE
FRIGHT – einem zehnminütigen, vollständig in Blender
erstellten CG-Film mit einer sehr interessanten Wendung.
Ihr könnt euch den Film auf YouTube angucken.
Ihr solltet davor aber besser eure Kinder ins Bett bringen.
37

ANIMATIONSINSTITUT
Für die Produktion des Projekts habe ich verschiedene
Tools und Blender-Add-Ons entwickelt. Zum Beispiel
das Blender-Kitsu-Add-On, mit dem Artists direkt
in Blender mit Kitsu (einer Produktions-Tracking-Software)
interagieren können. Dadurch können sie etwa
problemlos Shot-Informationen updaten, Thumbnails
hochladen, Playblasts erstellen und vieles mehr.
Eine tolle Sache an der Arbeit bei Blender war, dass wir
ab und an unsere Arbeit mit der Community auf der
Website des Blender Studios teilen mussten. Daher kann
man viele Artikel lesen, die ich auf dem Blender Blog
(studio.blender.org/blog) geschrieben habe. Das war eine
sehr lehrreiche Erfahrung. Zum einen habe ich mir so
angewöhnt, meine Arbeit zu dokumentieren und gleichzeitig
zu reflektieren. Zum anderen kam ich dadurch mit
der Community in Kontakt und führte einige lebhafte
Diskussionen in den Kommentaren, was mir half, andere
Blender-Heads kennenzulernen.
Das Jahr in Amsterdam ging wie im Flug vorbei und bald
machte ich mich auf den Weg zurück nach Ludwigsburg,
um mein Studium fortzusetzen. Kurz nach meiner Rückkehr
kontaktierte mich Francesco Siddi (der COO von
Blender). Er fragte mich, ob ich mit ihm gemeinsam eine
Präsentation auf der Pipeline Conference halten wolle.
Die Präsentation sollte sich mit der Pipeline des Blender
Studios und den Vorteilen wie Herausforderungen
einer auf Blender basierenden Pipeline befassen.
und damit redaktionelle Informationen in allen Phasen
der Pipeline verwaltet und teilt. Zweitens, welche Tools
für den Review Workflow entwickelt wurden. Und drittens,
über die neue Iteration der Asset Pipeline.
HIER UND JETZT
Mittlerweile habe ich mit meinem Diplomprojekt begonnen,
an dem ich für den Rest meiner Studienzeit arbeiten
werde. Es ist großartig, ein weiteres Projekt vor
mir zu haben, mit dem ich experimentieren und mich
weiterentwickeln kann. Auch dieses neue Projekt wird
wieder als IP entwickelt. Es handelt sich um eine Zusammenarbeit
mit Beteiligten aus dem Studium Interaktive
Medien. Ähnlich wie im dritten Jahr werden wir einen
Film und ein Spiel machen. Nur diesmal haben wir
dafür doppelt so viel Zeit.
Ich möchte dabei eine Pipeline aufbauen, die auf USD
basiert. USD steht für Universal Scene Description. Das
ist ein Framework zum Austausch von 3D-Computergrafikdaten,
das von den Pixar Animation Studios entwickelt
und als Open Source veröffentlicht wurde. Ich bin
gespannt, wie wir sie in das Spiel integrieren können.
Das Game soll in der Unreal Engine 5 entwickelt werden.
Es gibt viel Neues zu lernen, mal sehen wie’s läuft!
ZWISCHENSTOPP ADDIS ABEBA
Obwohl die Präsentation nur online stattfand, war es
großartig für mich, all das, woran wir in diesem Jahr gearbeitet
hatten, zu teilen. Die Präsentation kam sehr gut
an und Francesco fand, es wäre eine gute Idee, sie noch
einmal auf der Blender Conference zu halten.
WAS (BISHER) AM ENDE GESCHAH
Nach seinem Aufenthalt in Amsterdam bekam Paul als
Blender-Experte eine Einladung der DW-Akademie der
Deutsche Welle. Sie buchte Paul als Dozent für einen
Animationsworkshop in Addis Abeba, der Hauptstadt
Äthiopiens. Dort unterrichtete er Anfänger*innen in den
Grundlagen der 3D-Animation mit einem Schwerpunkt
auf Blender.
Zurück zum Anfang: Ich stand also auf der Bühne und
hielt meinen ersten Konferenzvortrag. Ich erinnere
mich noch, wie nervös ich war. Aber ich bin sehr froh,
dass ich es durchgezogen habe. Ich hoffe, das wird in Zukunft
einfacher!
Die Präsentation selbst handelte wieder von der Pipeline
des Blender Studios und zeigte einige wichtige Tools
und Konzepte, die ich zusammen mit dem Blender-Team
während meiner Zeit in Amsterdam entwickelte. Ich
sprach hauptsächlich über drei Themen: Erstens, wie das
Blender Studio den Video Sequence Editor verwendet
38

39

ANIMATIONSINSTITUT
At Home in the World - An International Outlook
FROM THE ANIMATIONSINSTITUT
TO AMSTERDAM – AND BACK
Paul Golter IS MAKING HIS GRAND
ENTRANCE AT THE BLENDER CONFERENCE
I CAN STILL HARDLY BELIEVE IT:
LAST YEAR, I HAD MY FIRST EVER
CONFERENCE TALK AT THE BLENDER
CONFERENCE 2022! BUT LET’S START
FROM THE BEGINNING: MY NAME IS PAUL
GOLTER AND I‘M A STUDENT OF TECHNICAL
DIRECTING (TD). THIS ARTICLE WILL TAKE
YOU ON MY JOURNEY FROM SITTING ON MY
OFFICE CHAIR IN THE ANIMATIONSINSTITUT
TO STANDING ON A STAGE IN AMSTERDAM.
HOW IT BEGAN
My third year at the Animationsinstitut ended with the
project FISH OR CHIPS, which is an intellectual property
(IP) about the life of seagulls during the covid lockdown.
Yes, you read that right. Seagulls during the lockdown.
exchange with another school or gain some work experience
in a company. I decided for the latter.
In my second year at the Filmakademie, I got very much
into the realm of pipelines and I’ve been loving it ever
since. So, I knew that I wanted to apply for a pipeline
TD position. I also was, and still am, a big fan of Blender.
One requirement for the third year project at the Animationsinstitut
is to develop an IP that contains two different
formats, a film and an interactive experience – in our
case a game. This introduced us to a whole set of exciting
challenges, for example, how to smartly handle data so it
can be used for both formats.
Our film project was actually released as an Instagram
account that told the story over the course of four weeks.
The idea was that the seagulls try to reach out to the humans,
who are at home due to the lockdown, via Instagram
because they miss their chips so much. The game
offers you a different experience of the setting: Deep Fryton
Beach. Here, the task is saving baby seagulls from
starvation by feeding them fish and chips.
HOW IT CONTINUED
After their third years, students at the Animationsinstitut
get the opportunity to take a year off to focus on their
personal development. Most of the students either do an
Blender is a 3D Software that was developed by the
Blender Institute, which is located in the heart of the
Netherlands, at Amsterdam. As it happens, besides the
Blender Institute, there is also the Blender Studio which
produces open (source) movies. These movies are funded
by the Blender community and in return, the Blender
Studio shares valuable production knowledge such as
assets, production files, and much more.
I decided to apply as a pipeline TD and fortunately, they
needed someone to fill exactly that position. Four weeks
later, I was in Amsterdam and supporting the team on
the production of the open movie SPRITE FRIGHT,
which is a ten-minute long, full CG film completely
created in Blender. It has a very interesting twist and is
available on YouTube. But make sure to put your kids to
bed beforehand.
For the project, I developed various tools and Blender
add-ons. One example would be the Blender Kitsu addon,
which lets artists interact with Kitsu (a production
tracking software) directly inside Blender. So, the team
40

could easily update shot information from the edit, upload
thumbnails, playblasts, and do many other things.
Another great aspect of working at Blender was that,
from time to time, we had to share our work with the
community on the Blender Studio website. As a result,
a lot of articles that I wrote on different topics are now
on the Blender Blog (studio.blender.org/blog). This was
a very instructive experience. On the one hand, I developed
a good habit of actually documenting my work and
reflecting on it at the same time. On the other hand, it
also gave me the opportunity to engage with the community
and have some vivid discussions in the comments.
The additional benefit? It helped a great deal to
connect with fellow Blender heads.
The year in Amsterdam flew by in no-time and soon, I
was heading back to Ludwigsburg to continue my studies.
Shortly after my return, I was approached by Francesco
Siddi (COO of Blender) and he asked me if I wanted
to do a presentation with him at The Pipeline Conference.
The presentation would be about the pipeline of
the Blender Studio and the general advantages and challenges
of relying on a Blender centric pipeline.
Even though the presentation was online, it was still
great to actually share what we had been working on
that year. The presentation was received quite well and
Francesco thought it would be a good idea to deliver it
once more at the Blender Conference.
HOW IT ENDED (SO FAR)
Coming back to the beginning: I ended up on stage and
had my first conference talk in person. I still remember
how nervous I was but I‘m glad that I pulled through. I
hope it will get easier in the future! The presentation itself
was about the Blender Studio pipeline and showed
some key tools and concepts I had developed together
with the Blender team during my time in Amsterdam. It
covered three main topics: First, how the Blender Studio
used the Video Sequence Editor to manage and share editorial
information across all stages of the pipeline. Second,
what tools were developed to handle the review
workflow. And third, the new iteration of the Asset Pipeline.
RIGHT HERE, RIGHT NOW
Meanwhile, I’ve started my diploma project at the Animationsinstitut
on which I will be working for the remainder
of my studies. It’s great to have another educational
project to experiment and grow. This new project
will also be developed as an IP and is a collaboration
with the Interactive Media department. Similarly to the
third year project, we will make a film and a game. This
time, however, we will have twice as much time.
I want to build a Universal Scene Description (USD)
based pipeline. USD is a framework for the interchange
of 3D computer graphics data. It was developed by Pixar
Animation Studios and is open source. I‘m excited to
find out how we can integrate it within the game effectively.
The game will be realized in Unreal Engine 5. Lots
of new things to learn, let’s see how it goes!
TRANSIT IN ADDIS ABABA
After his stay in Amsterdam, Paul received an invitation
from the DW-Akademie of Deutsche Welle as a Blender
expert. They booked him as an instructor for an animation
workshop in Addis Ababa, the capital of Ethiopia.
There, he taught beginners the fundamentals of 3D animation
with a focus on Blender.
41

ANIMATIONSINSTITUT
42

ANIMATIONSINSTITUT
DIRECTOR ANIMATIONSINSTITUT /
LEITUNG ANIMATIONSINSTITUT
DR. JAN PINKAVA
EXECUTIVE ASSISTANT /
ASSISTENZ INSTITUTSLEITUNG
MELANIE KLEMENZ
STUDIES / LEHRE
STUDY COORDINATION / STUDIUM
CONSTANZE BÜHNER
CLAUDIA BAUMGARTNER
ANJA FELLERHOFF
COORDINATION INTERNATIONAL
NETWORK / INTERNATIONALI-
SIERUNG
ALEXANDRA JOSHI
PROJECT COORDINATION /
PROJEKTBETREUENDE
ANDREAS ULMER
ISABELLA BRAUN
VALENTIN KEMMNER
BENEDIKT KAFFAI
RESEARCH & DEVELOPMENT /
FORSCHUNG & ENTWICKLUNG
PROF. VOLKER HELZLE
SIMON SPIELMANN
JONAS TROTTNOW
DR. ALEXANDER KREISCHE
LISA FORELLI
EDUARD SCHÄFER
LESZEK PLICHTA
ALEXANDRU TUFIS-SCHWARTZ
SIMON HAAG
MANAGEMENT
TECHNOLOGY / TECHNIK
HEAD OF TECHNOLOGY /
TECHNISCHE LEITUNG
JOACHIM GENANNT
IT
VIET NGUYEN
JOHN HOLTH
THOMAS DEL POPOLO
POSTPRODUCTION /
POSTPRODUKTION
MICHAEL SCHOTT
STEFAN BINGGESER
DENSEL SMITH
SUHAIL SALMAN
STAFF POSITIONS /
STABSSTELLEN
PRODUCTION / PRODUKTION
ANNA MATACZ
YANNICK PETZOLD
HEAD OF 3RD PARTY PRODUCTIONS
& TALENT INITIATIVES / TALENT-
FÖRDERUNG & AUFTRAGSARBEITEN
CHRISTIAN MÜLLER
SENIOR LECTURERS / LEITENDE
DOZIERENDE
PROF. ANDREAS HYKADE /
ANIMATION
ANNA BRINKSCHULTE /
INTERACTIVE MEDIA
PROF. LILIAN KLAGES /
ANIMATION/EFFECTS PRODUCING
PROF. VOLKER HELZLE /
TECHNICAL DIRECTING
FINANCES / FINANZEN
NICOLE KÖPPE
SELINA SCHMUTZ
LEAH ASBURY
ADMINISTRATION & HR / PERSONAL
ANJA FELLERHOFF
ADMINISTRATION &
PROCUREMENT / BESCHAFFUNG
NATASÀ PREDOJEVIC
COMMUNICATION /
KOMMUNIKATION
THERESA SEITZ
CHRISTIANE ORTMANN
MATTHIAS JAKOBY
JULIA GRAF
PROJECT MANAGEMENT & MEDIA
PRODUCTION / PROJEKTKOORDI-
NATION & MEDIENPRODUKTION
DR. ALEXANDER KREISCHE
PROJECT MANAGEMENT IT
APPLICATIONS / PROJEKT-
MANAGEMENT IT-ANWENDUNGEN
CHRISTIANE GEYER
FESTIVAL COORDINATION /
FESTIVALKOORDINATION
ANKE KLETSCH
WEITERE INFORMATIONEN / MORE INFORMATION:
WWW.ANIMATIONSINSTITUT.DE
INFO@ANIMATIONSINSTITUT.DE
TEL +49 7141 969 82800
INSTAGRAM: @ANIMATIONSINSTITUT
LINKEDIN: ANIMATIONSINSTITUT
YOUTUBE: FILMAKADMIE BADEN-WÜRTTEMBERG
43

JUBILÄUM | ANNIVERSARY
44

FÜNFZEHN JAHRE
INTERAKTIVE MEDIEN
KAUM ZU GLAUBEN: BEREITS SEIT FÜNFZEHN JAHREN KANN MAN INTERAKTIVE MEDIEN
AN DER FILMAKADEMIE BADEN-WÜRTTEMBERG STUDIEREN. DER STUDIENSCHWERPUNKT
WAR UND IST DABEI EIN ECHTER GRENZGÄNGER: IRGENDWO ZWISCHEN ANALOG UND
DIGITAL, STETS AM PULS DER ZEIT UND FORMATOFFEN.
Die Bandbreite der studentischen Projekte ist entsprechend groß. Neben der Games- und App-Entwicklung gehören
auch atemberaubende Medieninstallationen zum Repertoire der Studierenden. Oder soll es doch lieber eine
VR-Erfahrung sein? Ein transmediales Serienprojekt? Oder schlichtweg ein Brettspiel? In fünfzehn Jahren alles
schon passiert! Letztlich standen vor allem immer zwei Dinge im Vordergrund: soziale spielerische Interaktion und
eine unermessliche Experimentierfreude.
Dieser Mut zum Ausprobieren, zum Kombinieren von Formaten, gepaart mit einer elementaren Neugierde, hat
viele Früchte getragen. Zahlreiche renommierte Awards konnten studentische Projekte bereits gewinnen, wie zum
Beispiel den deutschen Computerspielpreis. Gleichzeitig erhalten Studierende laufend Fördergelder für ihre visionären
Ideen, was ihnen unter anderem dabei hilft, eigene Firmen zu gründen.
In der Welt der interaktiven Medien hat sich technologisch in den letzten fünfzehn Jahren viel verändert, aber die
Ideen unserer Studierenden begeistern wie am ersten Tag. Interaktive Medien sind vielfältig. Und diese Vielfalt leben
unsere Studierenden, Alumni und Dozierenden. Das möchten wir auf der folgenden Seite abbilden.
In diesem Sinne: Auf mindestens fünfzehn weitere Jahre!
INTERACTIVE MEDIA CELEBRATES ITS
15TH ANNIVERSARY!
HARD TO BELIEVE: INTERACTIVE MEDIA HAS BEEN PART OF THE COURSE CATALOGUE AT
FILMAKADEMIE BADEN-WUERTTEMBERG FOR FIFTEEN YEARS NOW. THE STUDY COURSE
WAS AND STILL IS A MELTING POT OF CREATIVITY: SOMEWHERE BETWEEN ANALOGUE
AND DIGITAL, ALWAYS A FINGER ON THE PULSE OF THE TIMES AND OPEN TO A HUGE
VARIETY OF FORMATS.
Correspondingly, the range of student projects is enormous. In addition to games and apps, breath-taking media
installations are also part of the students' repertoire. Or how about a VR experience? A transmedia series?
Or simply a board game? It's all been done in these fifteen years! Ultimately though, the playful interaction of
people and the immeasurable joy of experimentation has always been at the centre of the programme.
This courage to try new things, as well as, the combination of formats coupled with a fundamental curiosity, has
yielded a great return. Student projects have already won numerous prestigious prizes, such as the German
Computer Game Award. At the same time, the students are constantly receiving funding for their visionary ideas,
which can help them, for example, to found their own companies.
In the world of Interactive Media, a lot has changed technologically in the last fifteen years, but our students' ideas
continue to inspire – as they did on day one. Interactive Media are diverse. And our students, graduates and
lecturers live this diversity. This is what we would like to show you on the following pages.
And so: here’s to the next 15 years!
45

JUBILÄUM | ANNIVERSARY
PROF. THOMAS SCHADT
Interaktive Medien an einer Filmhochschule?
Das sorgt bei Außenstehenden
immer wieder für Verwunderung.
Dabei gibt es kaum
einen besseren Ort als die Filmakademie,
um interaktive Erfahrungen
zu entwickeln.
Letztlich geht es darum, Geschichten
zu erzählen – ganz egal ob im
Kino oder auf der Konsole. Und hier
ist die Filmakademie ein Vorreiter.
Schließlich profitieren alle Studiengänge
von der Formatoffenheit
der interaktiven Medien. Erst durch
diesen interdisziplinären Austausch
können wegweisende Projekte entstehen,
die die Grenzen des linearen
Storytellings erweitern.
Herzlichen Glückwunsch!
You can study Interactive Media at a
film school? People continue wondering
about this. However, there is
no better place than the Filmakademie
to develop interactive experiences.
In the end, it’s all about telling a story
– no matter if it’s on the big cinema
screen or in a video game – and
Filmakademie Baden-Wuerttemberg
is a pioneer when it comes to that.
Ultimately, all our study courses
benefit from the versatility of Interactive
Media. The interdisciplinary
exchange fuels the creation of
game-changing projects that push
the limits of linear storytelling.
Congratulations!
46
DR. JAN PINKAVA
Vor der Erfindung des Films, vor
der Erfindung des Buchdrucks,
wurden Geschichten "interaktiv"
zwischen dem Geschichtenerzähler
und dem Publikum erzählt –
im Theater, im Festsaal, auf dem
Marktplatz, am Lagerfeuer. Moderne,
leicht zugängliche Technologien
geben uns nun die Möglichkeit,
auf neue Arten in Echtzeit mit dem
Publikum zu interagieren – durch
Games, Virtual oder Extended Reality,
interaktive Installationen...
und alle weiteren kreativen Ideen,
die am Animationsinstitut gemeinsam
mit Mitstudierenden entstehen
können!
Before the invention of film, before
the invention of the printed page,
stories were told ‘interactively’
between the storyteller and the
audience – in the theatre, in the
mead hall, at the marketplace,
around the camp fire. Accessible
new technologies now open the
possibility of realtime interaction
with the audience – through games,
virtual and augmented reality techniques,
interactive installations…
and anything you can invent with
your fellow students at the Animationsinstitut!
"Während meines Studiums konnte
ich mich richtig austoben: Ich
habe an animierten Kurzfilmen,
Gaming-Apps, PC-Spielen und so
etwas Verrücktem wie einem interaktiven
Sandkasten gebastelt.“
"During my studies, I was able to
really experiment: I tried my
hand at animated short films,
gaming apps, computer games, and
something crazy like an interactive
sandbox."
Dominik Schön, Alumnus | alumnus
„Durch das Studium habe ich gelernt,
wie man professionell produziert
und habe mein erstes Spiel auf
die Konsole gebracht.“
"Throughout my studies, I learned
how to produce professionally and
released my first game on console."
Lea Schönfelder, Alumna | alumna
"Während meines Studiums wurde
ich immer wieder mit neuen

Technologien und Formaten konfrontiert,
die es zu erproben galt. So
entstanden viele spannende Kollaborationen
mit anderen Studienvertiefungen!"
"I was constantly confronted with
new technologies and formats that
I needed to explore during my studies.
This resulted in many exciting
collaborations with other study
specializations!"
Annika Bauer, Alumna | alumna
„Mit Interaktive Medien verbinde
ich eine Zeit, in der ich von vielen
inspirierenden Persönlichkeiten
lernen durfte. Ich erinnere mich
an eine lebendige Feedback-Kultur,
gegenseitige Hilfsbereitschaft und
nächtliche Guitar-Hero-Konzerte!
Das Studium hat mir den Mut gegeben,
eine eigene Firma zu gründen.
Danke!“
"I associate Interactive Media with
a time when I was able to learn
from many inspiring personalities. I
remember a lively feedback culture,
a constant willingness to help each
other and late-night Guitar Hero
concerts! Studying here gave me the
courage to start my own company.
Thank you!"
Sebastian Hollstein, Alumnus | alumnus
„Herzlichen Glückwunsch, Interaktive
Medien! Unser neuartiges
Projekt CYBERCITY LOVESTORY
– ein Hybrid aus Film und VR-Game
– wurde nur durch euren einzigartigen
Studiengang ermöglicht.
Als gamebegeisterte Regiestudentin
fand ich hier meine kreative Heimat
und bin dankbar, dass ich mich bei
euch einschleichen durfte. Interaktivität
ermöglicht Menschen, tiefer
in Geschichten und Ereignisse
einzutauchen. Interaktion, spielerische
Freude und Neugier sind für
mich stets ein Gewinn – unabhängig
vom Kontext. Danke, dass ihr
mein Diplom und mein Herz bereichert
habt!“
"Congratulations, Interactive Media!
Our novel project CYBERCITY
LOVESTORY – a hybrid of film and
VR game – was only made possible
by your unique study specialization.
As a game-enthusiastic directing
student, I found my creative home
here and I’m grateful that I was
allowed to be a part of you. Interactivity
allows people to dive deeper
into stories and events. Interaction,
playful joy and curiosity are always
a benefit—regardless of context.
Thank you for enriching my studies
and my heart!"
Carly Schrader, Diplomandin Szenische Regie/
graduate Directing / Fiction Film
„Als Regie-Studentin der Interaktiven
Medien kann ich mich ausprobieren
und werde gleichzeitig in
meiner kreativen Entwicklung unterstützt.
Ich fühle mich als Künstlerin
gesehen und gefördert wie nie
zuvor und würde es wirklich jedem
ans Herz legen, hier zu studieren.“
“Being a student in Interactive
Media allows me to try new things
for myself while being supported as
I develop creatively. As an artist, I
feel seen and encouraged like never
before and would urge everyone to
come study here.”
Nina Weilbächer, Studentin / student
„Lieber IM-Studiengang, herzlichen
Glückwunsch zum 15. Geburtstag
– jetzt kommen die Teenager-
Jahre! Bei allen emotionalen Höhen
und Tiefen: bloß nicht aufgeben!
Denn wir brauchen mehr IM-Studierende,
die sich mit Storyworlds,
Installationen und Spaces, Games,
XR, Expanded Cinema und Kunst
auseinandersetzen, unbequeme
Fragen stellen und experimentierfreudig
sind!"
“Dear IM course: happy 15th birthday
– we’re in the teenage years
now! No matter what emotional
ups and downs may come, never
give up! We need more IM students
47

JUBILÄUM | ANNIVERSARY
who will work with storyworlds,
installations and spaces, games,
XR, expanded cinema and art, who
will ask inconvenient questions and
have a sense of adventure!”
Ricarda Saleh, Alumna / alumna
„Seit über zehn Jahren darf ich Projekte
der Studierenden von IM begleiten.
Diese zeichnen sich durch
Einfallsreichtum, Innovation und
sogar tief berührende Emotionen
aus. Als Hub für zukunftsweisende
Technologien und Erzählformen
steht für mich IM in Deutschland
ganz vorne an der Spitze.“
“For over ten years I’ve been
following the IM students’ projects.
They stand out through their ingenuity,
their innovation and even
their deeply touching emotions.
For me, IM is a forerunner in Germany
in terms of being a hub for
leading technologies and narrative
formats.”
Jörg Ihle, Dozent / lecturer
48
„Schon als ich angefangen habe,
für IM zu unterrichten, konnte ich
kaum glauben, was für große Talente
hier hervorgebracht werden. Ich
bin stolz darauf, zumindest einen
kleinen Beitrag dafür zu leisten. Der
Studiengang ist einer der besten auf
seinem Gebiet und ich würde sogar
meine Kinder zum Studieren herschicken.
Wirklich.“
“Since I started teaching IM, I still
can’t believe the talent they produce.
I’m proud to even be a small
part of this. IM is one of the best
programmes in its field and I would
even send my kids to study here.
Truly.“
Teut Weidemann, Dozent / lecturer
„Der kreative Vibe in diesem Studiengang
ist phänomenal. Ich glaube,
jeder, der dort landet, kann sich absolut
glücklich schätzen. IM hat
mich gefördert, gefordert und geprägt.“
“The creative vibe in this study programme
is phenomenal. I believe
everyone who gets in can consider
themselves totally lucky. IM has
supported, challenged and shaped
me.”
Jens Merkl, Alumnus und Dozent /
alumnus and lecturer
„Wow, fünfzehn Jahre jetzt schon
und doch noch immer brandaktuell.
Happy Birthday, Interaktive
Medien! Ich finde es wahnsinnig
spannend, wie IM zwei Welten zusammenbringt.
Von dem kreativen
Spirit zehre ich bis heute.“
“Wow, it’s been fifteen years already
and IM still is extremely relevant.
Happy birthday, Interactive Media!
I think it’s so exciting how IM combines
two worlds. The creative spirit
has been nourishing me to this day.”
Florian Mühlegg, Alumnus / alumnus
„Interaktive Medien zu studieren,
war das Härteste, aber auch das
Bereicherndste, was ich je gemacht
habe. Ich habe wahnsinnig viele
tolle Leute getroffen und innerhalb
weniger Jahre mehr über Gamesproduktion
gelernt, als ich es mir je
hätte erträumen können.“
“Studying Interactive Media was the
hardest but also most rewarding
thing I've ever done.
I met an insane amount of great
people and, in just a few years,
learned more about games production
than I could have imagined.
Julius Dorsel, Diplomand / graduate

„Fünfzehn Jahre IM – unglaublich.
Daran sieht man erst, wie alt
man selbst geworden ist. Ich durfte
die Studierenden von IM etwa
zehn Jahre lang als Projektbetreuer
begleiten und denke gerne zurück
an diesen kreativen Spielplatz und
die wundervollen Projekte, die hier
entstanden sind.
IM war für mich selbst die Geburtsstunde
dafür, den Inhalt eines medialen
Projektes getrennt vom linearen
oder interaktiven Erzählformat
zu sehen. Eine Erkenntnis, die ich
heute noch gerne bei eigenen Projekten
oder in der Lehre und im
Mentoring anwende. Alles Gute IM.
Auf die nächsten 150… äh fünfzehn
Jahre.“
“Fifteen years IM – incredible
Makes you realize how old you’ve
become. For about ten years, I had
the opportunity to support the students
as a project supervisor and
I fondly look back to this creative
playground and the wonderful projects
that came to be here.
For me, IM was the beginning of
looking at the content of a medial
project separately from its linear
or interactive narrative format. To
this day, I like to share this revelation
when working on my own projects
or while teaching and mentoring.
Wishing IM all the best for the
next 150… uh, fifteen years.”
Marc Lutz, Projektbetreuer und Dozent /
project coordinator and lecturer
"Ich freue mich sehr, Teil einer kreativen
Gesellschaft zu sein. Als Produktionsstudentin
der Interaktiven
Medien habe ich in nur einem
Jahr an drei interaktiven Projekten
gearbeitet. Das Animationsinstitut
hat sich im Laufe der Zeit zu
einem kreativen Hub entwickelt, in
dem interdisziplinäre Zusammenarbeit
und innovative Ideen im Bereich
der Interaktiven Medien gefördert
werden. Happy Jubiläum!
Möge das Animationsinstitut weiterhin
ideenreiche Produzenten
hervorbringen, die die Zukunft der
Interaktiven Medien gestalten werden.
Gemeinsam werden wir neue
Horizonte erkunden und die Grenzen
des Möglichen überschreiten."
“I’m so happy being part of a creative
community. As a producing
student in Interactive Media, I
worked on three interactive projects
in just one year. Over time,
the Animationsinstitut has developed
into a creative Hub that supports
interdisciplinary collaboration
and innovative ideas within Interactive
Media. Happy anniversary! May
the Animationsinstitut continue to
bring forth producers full of ideas,
who will shape the future of Interactive
Media. Together we will discover
new horizons and transcend
the limits of what’s possible.”
Nadiia Yunatska, Studentin / student
„Unser IM-Projekt im dritten Jahr
hat uns über verschiedene Studiengänge
hinweg zusammengebracht.
Und nun gründen wir mit
dem Spiel SYMBLINGS unser Games-Entwicklungsstudio.“
“It was our third-year IM project
that brought us, students from different
study programmes, together.
Now we’re founding our own game
development studio with the game
SYMBLINGS.”
Team SYMBLINGS
„Die Lehre interaktiver, audiovisueller
Medienformate gehört an
eine Filmhochschule, denn dort
wird sich mit der Tradition, Theorie
und Praxis des Geschichtenerzählens
auseinandergesetzt. Im
Gegenzug bereichern die interaktiven
Medien die Filmlehre durch
systemisches Denken sowie agile
Prozessgestaltung. Das Zusammenspiel
fördert Innovation auf inhaltlicher,
technischer und prozeduraler
Ebene in beiden Disziplinen.“
“The teaching of interactive, audiovisual
media formats belongs at a
film school because there, students
learn about the tradition, theory
and practical side of storytelling.
In return, interactive media enrich
49

JUBILÄUM | ANNIVERSARY
the teaching of film by adding a systemic
approach and agile process
design. This interaction furthers
innovation in terms of content, as
well as on the technical and procedural
levels in both disciplines.”
Inga von Staden, Gründerin von Interaktive
Medien / founder of Interactive Media
„Interaktive Medien lassen uns
nicht nur konsumieren, sondern
auch selbst teilnehmen. Das Ziel
des Studienschwerpunkts Interaktive
Medien war immer, die Grenzen
des Möglichen zu verschieben und
das finde ich ausgesprochen inspirierend.
So können wir ein breiteres
Spektrum an Erfahrungen machen,
als es bisher möglich war. Auf
die nächsten fünfzehn Jahre voller
Neugier und Erforschung.“
„Interactive Media not only allow us
to consume, but also to participate.
The goal of this course has always
been to move the limit of what’s
possible, which I find downright inspiring.
This is how we can make a
wider range of experiences than before.
Here’s to the next fifteen years
filled with curiosity and research.”
„Wir wollen die emotionale, experimentelle,
aufschlussreiche, ermutigende
und manchmal anstrengende
Reise der vergangenen fünfzehn
Jahre Interaktive Medien feiern.
Es ist wichtig zu hinterfragen, zurück-
und mit frischem Blick
nach vorn zu blicken. Der Studiengang
Interaktive Medien befindet
sich, wie das Medium und die
Branche, in einem stetigen Wandel
– in Bewegung, agil und iterativ.
Im Kern aber sich selbst treu:
Geschichten erlebbar machen!“
"We want to celebrate the emotional,
experimental, insightful, encouraging
and sometimes exhausting
journey of the past fifteen years of
Interactive Media.
It's important to question, to look
back, and to look forward with a
fresh perspective. Interactive Media,
like the medium, the industries,
is in a constant state of change –
moving, agile and iterative. But true
to itself at its core: making stories
come alive!"
Anna Katharina Brinkschulte, Alumna und
leitende Dozentin Interaktive Medien/
alumna and senior lecturer Interactive Media
Fabian Schaub,
Alumnus und Senior Lecturer für Games /
alumnus and senior lecturer for games
50

SET EXTENSION WORKSHOP
Next Level
SET EXTENSION
IN DER FILM- UND MEDIENWELT GEWIN-
NEN ON-SET-VIRTUAL-PRODUCTIONS (VP)
ZUNEHMEND AN BEDEUTUNG. BEI DER NEU-
ARTIGEN DREHMETHODE WERDEN DIGITALE
BILDERWELTEN UND VFX MIT REALEN DAR-
STELLENDEN NICHT MEHR HAUPTSÄCHLICH
IN DER POSTPRODUKTION KREIERT, SON-
DERN DIREKT BEI DER INSZENIERUNG AM
FILMSET. ERMÖGLICHT WIRD DIES DURCH
VIRTUELLE KULISSEN, DIE AUF HOCHAUF-
LÖSENDEN LED-WÄNDEN DARGESTELLT
WERDEN UND BEI SHOOTINGS MIT REALEN
SETS VERSCHMELZEN.
Diese Produktionsweise eignet sich zwar nicht für alle
filmische Vorhaben, sie birgt aber prinzipiell einige Vorteile:
Etwa spart hier Real Time Rendering im Vergleich
zum Offline Rendering Energieressourcen. Daneben sind
imposante filmische Inszenierungen,
für die zuvor aufwändige Setbauten
und Greenscreen-Erweiterungen
nötig waren, viel einfacher
umsetzbar. Auch vermeidet VP im
kreativen Prozess den Bruch zwischen
Postproduktion und Dreh,
denn die Kontrolle über die Gestaltung
der VFX läuft sichtbar
in Echtzeit ab. Ein weiteres Plus
der Technik ist die Virtualisierung
von Locations, durch die sich
ebenfalls Ressourcen wegen weniger
Crewreisen einsparen lassen.
Beim Durchbruch der Technologie
hatte die Research & Development
Abteilung (R&D) des Animationsinstituts
der Filmakademie
einen nicht unerheblichen Anteil. Sie unternahm beispielsweise
wichtige Forschungen in der Entwicklung
von Open-Source-Software für VP oder zur Optimierung
der Real-Time-Pipelines.
Auch bezüglich neuster Entwicklungen der Technik sind
die Forschenden der Filmakademie vorne mit dabei. Das
zeigt ihre Beteiligung an internationalen Forschungsprojekten
wie dem EU-geförderten Forschungs- und
Innovationsprogramm MAX-R (Mixed Augmented and
eXtended Reality Media Pipeline). Im Mittelpunkt des
Programms, für das sich führende europäische Medienunternehmen
mit Hochschulen zusammenschlossen,
steht die Weiterentwicklung der Produktionsmethoden
von Extended Reality (XR) Content.
Auch bei EMIL, dem European Media and Immersion
Lab, spielt das Knowhow der R&D in Sachen VP zum Teil
eine Rolle. EMIL ist ein Forschungsverbund mehrerer
Universitäten unter Beteiligung der Filmakademie, der
Innovationen auf dem Feld der „Virtual Augmented und
Mixed Reality Experiences, Applications und Services“
entwickelt und fördert.
Durch die Forschungstätigkeit der R&D fanden die Möglichkeiten
der virtuellen Produktion früh Eingang ins
Curriculum der Filmakademie. Schon seit 2020 steht
den Studierenden im Rahmen
des Set Extension Workshop
(SEW) ein LED-Wall-
Studio zur Verfügung. Also
nicht lange, nachdem die erste
Staffel von THE MANDO-
LORIAN (2019) als erste große
Produktion bewiesen hat,
was sich mit einem VP Environment
realisieren lässt.
Der SEW ist seit Längerem
Teil der Ausbildung an der
Filmakademie. Die daran
teilnehmenden Studierenden
kommen aus den Bereichen
Bildgestaltung/Kamera,
Szenenbild sowie Animation
und VFX. In dem Workshop
geht es darum, Techniken kennenzulernen, mit denen
Animationen und VFX mit Realfilmaufnahmen am
Set kombiniert werden. Insbesondere sollen die Gewerke
die Dynamik der Zusammenarbeit untereinander erproben.
51

SET EXTENSION WORKSHOP
SEW-NEUKONZEPTION:
WENIGER NARRATIV, MEHR
KNOWHOW
In den vergangenen Jahren lag beim SEW stets ein starker
Fokus auf der narrativen Komponente des filmischen
Ergebnisses des Workshops, wodurch auch viele
visuell beeindruckende Kurzfilme entstanden. Mitunter
wegen der zunehmenden Bedeutung von virtuellen
Produktionen wurde eine Neukonzeption des SEW beschlossen,
die ab dem Wintersemester 2023/24 zum ersten
Mal zur Anwendung kommt: Nunmehr wird noch
stärker die Vermittlung technischen Knowhows zum
vornehmlichen Ziel des Workshops und eher spielerisch
und experimentell der Umgang mit traditionellen und
neuen Technologien erprobt.
„Im Vordergrund des SEW steht, dass die Studierenden
das Handwerkszeug für künftige VFX-Dreharbeiten erlernen“,
unterstreicht Volker Helzle, Leiter der Abteilung
R&D, die den SEW in technologischer Hinsicht betreut.
„Wie bisher sollen dabei wertvolle Einstellungen,
Inhalte und Material für Bewerbungen entstehen, die
dann für die persönlichen Reels der Studierenden verwendet
werden können. Ein dezidiert filmisches Ergebnis
gibt es jedoch nicht mehr.“
Auch der neue Leiter des Workshops, Marc Angele, der
selbst an der Filmakademie studierte und sich noch gut
an die Erfahrungen des SEW als Teilnehmer erinnert,
begrüßt die Umstellung: „Die Industrie befindet sich im
Bereich Virtual Production derzeit noch in einer Experimentierphase,
in der man versucht herauszufinden,
wann sie Sinn macht und wann die traditionelle Technik
die bessere Lösung ist.“ Diese Einschätzungsfähigkeit
den Studierenden zu vermitteln, indem sie mit der Technologie
viel selbst ausprobieren, hält er für wichtiger als
den Fokus auf eine gut erzählte Geschichte. „Das heißt
aber nicht, dass dabei keine genialen Inhalte entstehen.“
IN THE REALM OF FILM AND MEDIA, THE
SIGNIFICANCE OF ON-SET VIRTUAL PRO-
DUCTIONS (VP) IS STEADILY GROWING. THIS
INNOVATIVE FILMING TECHNIQUE INVOL-
VES THE INTEGRATION OF DIGITAL VISUAL
LANDSCAPES AND VISUAL EFFECTS WITH
LIVE PERFORMERS, NO LONGER PRIMARILY
IN THE POST-PRODUCTION PHASE, BUT
RATHER DIRECTLY DURING THE STAGING
ON THE FILM SET. THIS IS MADE ACHIE-
VABLE THROUGH THE USE OF VIRTUAL
BACKGROUNDS, WHICH ARE DISPLAYED
ON HIGH-RESOLUTION LED SCREENS AND
SEAMLESSLY BLEND WITH PHYSICAL SETS
DURING SHOOTING.
While this production method may not be suitable for
all cinematic endeavours, it inherently offers several advantages:
For instance, Real Time Rendering employed
here conserves energy resources in comparison to offline
rendering. Furthermore, grand cinematic spectacles
that once necessitated elaborate set constructions
and greenscreen extensions become considerably more
feasible. Additionally, VP eliminates the discontinuity
between post-production and filming in the creative
process, as real-time control over the design of visual effects
is possible. Another benefit of this technique is the
virtualization of locations, which helps resource conservation
by reducing the need for extensive crew travel for
on-location shooting.
The breakthrough in adoption of this technology owes
a significant debt to the Research & Development division
(R&D) of the Filmakademie’s Animationsinstitut.
52

For instance, they undertook pivotal research in developing
open-source software for VP and optimizing real-time
pipelines. The researchers at the Filmakademie
are at the forefront of the latest technological advancements
through their participation in international research
projects such as the EU-funded MAX-R (Mixed
Augmented and eXtended Reality Media Pipeline) research
and innovation programme. This programme, a
collaboration between leading European media companies
and universities, focuses on advancing the production
methods of Extended Reality (XR) content.
The expertise of the R&D team
in VP also contributes to the activities
at EMIL, the European
Media and Immersion Lab.
EMIL is a collaborative research
initiative involving multiple
universities, including the Filmakademie,
dedicated to cultivating
innovations in the realm
of “Virtual Augmented and
Mixed Reality Experiences, Applications,
and Services“.
The research efforts of the R&D
team facilitated the early integration
of virtual production capabilities
into the curriculum of
the Filmakademie. Since 2020,
students have had access to an
LED wall studio as part of the Set Extension Workshop
(SEW). This development came not long after the first
season of THE MANDALORIAN (2019), which demonstrated
the immense potential achievable through a VP
environment.
The Set Extension Workshop (SEW) has long been an integral
component of the curriculum at the Filmakademie.
Participating students hail from diverse fields, including
cinematography, production design, animation,
and VFX. This workshop aims to introduce techniques
for seamlessly integrating animations and visual effects
with live-action footage on set. Significantly, the workshop
also fosters the exploration of collaborative dynamics
among these various disciplines.
NEW SEW CONCEPTION:
SHIFTING FOCUS FROM
NARRATIVE TO KNOWLEDGE
ENHANCEMENT
In recent years, the SEW has consistently placed a strong
emphasis on the narrative aspect of the workshop‘s cinematic
output, resulting in the creation of visually impressive
short films. However, driven in part by the
growing significance of virtual productions, a redesign
of the SEW has been undertaken, slated for implementation
starting in the winter semester
of 2023/24. Going forward,
the primary focus of the
workshop will be on imparting
technical expertise, while also
allowing students to playfully
and experimentally explore
the use of both traditional and
emerging technologies.
“As the foremost goal of SEW,
the students will acquire the
skills necessary for future VFX
filming,“ emphasizes Volker
Helzle, Head of R&D overseeing
the technological aspects of
SEW. “Similar to before, valuable
shots, content, and materials
will be created for portfolios
that students can incorporate into their personal
reels. However, there will no longer be a distinct cinematic
outcome.“
The new workshop facilitator, Marc Angele, who himself
studied at the Filmakademie and vividly recalls his
experiences as a participant in SEW, also welcomes the
change: “Currently, the industry is in an experimental
phase in the realm of Virtual Production, where one endeavours
to discern when it is meaningful and when traditional
techniques offer a superior solution.“ Giving
students the ability to assess situations, by allowing them
to extensively experiment with the technology, is more
valuable than solely emphasizing a completed narrative.
“However, this does not imply that exceptional content
won‘t emerge from this process.“
53

SET EXTENSION WORKSHOP
„POST-MADNESS
GILT‘S ZU VERMEIDEN.”
Der CG- und VFX-Supervisor Marc Angele leitet ab dem Wintersemester
2023/24 den Set Extension Workshop (SEW)
ER SCHLOSS SELBST ERST 2020 SEIN
STUDIUM AN DER FILMAKADEMIE AB.
MARCS DIPLOMFILM THE BEAUTY GEWANN
DAMALS NEBEN DEM SIGGRAPH AWARD
UND DEM AWARD DER VISUAL EFFECTS
SOCIETY AUCH DEN STUDENT ACADEMY
AWARD. SEITDEM ARBEITET ER AN EIGENEN
PROJEKTEN UND IST ERFOLGREICH ALS
FREELANCER FÜR DIE FILM- UND WERBE-
INDUSTRIE TÄTIG, DARUNTER OFT AUCH
ALS ON-SET-SUPERVISOR BEI VIRTUAL PRO-
DUCTIONS. MARC SPRACH MIT UNS ÜBER
DIE MÖGLICHKEITEN DER NEUEN TECHNO-
LOGIE UND ERZÄHLTE, WAS ER BEIM SEW
MIT DEN STUDIERENDEN VORHAT.
drehen das im LED-Studio.“ Aber dass manches nicht
funktionieren oder nicht gut aussehen wird, dass VP
nicht die eierlegende Wollmilchsau ist, die alle Probleme
löst, verstehen derzeit wenige. Vor allem in der Werbung
ist das so, bei Feature-Filmen weiß man meiner Erfahrung
nach oft schon besser Bescheid.
Ist die richtige Anwendung einer LED Set Extension
also eines der Ziele des Workshops?
Absolut, ich finde es wichtig, dass man die Limitationen
der VP-Technologie kennt und sie sauber und gut
plant. Es gibt in der Industrie meinem Eindruck nach
noch kaum Personal, das Virtual Productions gewerkeübergreifend
versteht und durchführen kann. Meine Erfahrung
von Drehs, die ich begleitet habe, ist, dass Regie
und Kamera dachten, jetzt können sie mit VP alles machen
und am Ende war richtig viel Retusche und Postwork
nötig.
Was ja überhaupt nicht die Idee des Ganzen ist.
Schließlich soll VP die Postproduktion verschlanken...
Lieber Marc, Virtual Production ist ja eine relativ
neue Technik. Wie ist dein Eindruck aus der
Industrie: Gibt es immer mehr Produktionen, die
damit arbeiten?
Momentan wird Virtual Production jedenfalls sehr
gehypt. Was cool ist, denn mit einem LED-Studio zu
drehen, ist ein unfassbar tolles Erlebnis und man kann
da unglaublich geile Sachen machen. Was allerdings wenig
gemacht wird, ist zu hinterfragen, wann und in welcher
Weise die Technik Sinn macht. Wenn irgendwas
fancy sein soll, heißt es derzeit schnell: „Ach komm, wir
54
Genau, man dreht damit gerade auch gerne, weil man
etwas Geld sparen möchte, indem man mehrere Sets
an einem Ort zusammenführen kann. Doch wenn alles
am Ende in eine Post-Madness ausartet, lohnt sich das
nicht. Bei der Technologie gilt es, sich vorab viele Gedanken
zu machen und Vorbereitungen zu treffen. Oft
werde ich gebucht und es heißt, „Hey, wir drehen Morgen,
kommst du ins LED-Studio?“ Und dann steh ich da
und es ist nichts geplant, es gibt weder Previs noch Techvis
– und das wird einfach nicht funktionieren. Ich habe
schon an Sets gearbeitet, an denen 100 Prozent des
LED-Contents später ersetzt werden mussten, weil das
Ergebnis nicht zufriedenstellend war.
Das sollen die Studierenden des SEW später besser
machen?

Es ist mir wichtig, dass man VP,
wie jede neue Technologie, differenziert
sieht und den Einsatzzweck
korrekt verwendet.
Das ist für mich das Hauptziel
des SEW. Die Studierenden sollen
am Ende des Workshops sagen
können: „Ah ja, das hat gut
funktioniert. So hat das geil
ausgesehen, so kann man’s verwenden.“
Dafür müssen sie beispielsweise
verstehen, wie man
ein Studio baut, um eine saubere
Integration zu generieren, welche
Kamerabewegungen Sinn
machen, mit was für Einstellungen man drehen kann
oder wie die Lichtdefizite der Technik oder die Problematik
mit dem Boden und der Decke zu lösen sind.
Klassische VFX-Technik spielt beim SEW aber
auch noch eine Rolle, oder?
Definitiv, es geht auch darum zu wissen, wann etwas
mit VP nicht so gut funktioniert und man es besser klassisch
macht, also mit Greenscreen oder normaler Set Extension.
Wir werden mit beidem arbeiten und experimentieren.
Wie wird dafür dieses Jahr
der Kurs aufgebaut sein?
Am Anfang haben wir Unterrichtsblöcke,
die wenig experimentell
und eher theoretisch
sind. Da geht es darum, sich das
Knowhow zu erarbeiten. Dann
gibt es die Drehtage im Studio,
wenn die LED-Wall aufgebaut
ist. Hier gilt es, Tests zu machen,
beispielsweise mit Kamera
und Licht. Im Grunde steht
beim neuen SEW ein spielerisches
Ausprobieren im Fokus,
sowohl mit Greenscreen als auch mit VP. Vieles machen
wir Hands-On, anhand von Beispielen, doch wenn die
Studierenden eigene Ideen hinsichtlich der Gestaltung
haben, sehr gerne, solange sich das bewerkstelligen lässt.
Es geht uns vor allem darum, dass die Studierenden alle
Problemstellungen, die auf einem Set auf sie später zukommen,
schon einmal gesehen haben.
„IT’S ESSENTIAL TO
STEER CLEAR OF POST-MADNESS.”
Starting from the winter semester of 2023/24, the CG and VFX supervisor
Marc Angele will help facilitate the Set Extension Workshop (SEW).
HAVING COMPLETED HIS OWN STUDIES
AT THE FILMAKADEMIE AS RECENTLY
AS 2020, MARC‘S DIPLOMA FILM, THE BEAU-
TY, NOT ONLY GARNERED THE SIGGRAPH
AWARD AND THE VISUAL EFFECTS SOCIETY
AWARD BUT ALSO RECEIVED THE STUDENT
ACADEMY AWARD. SINCE THEN, HE HAS
BEEN ACTIVELY ENGAGED IN HIS OWN
PROJECTS AND HAS ACHIEVED SUCCESS AS
A FREELANCE PROFESSIONAL WITHIN THE
FILM AND ADVERTISING INDUSTRY. THIS
OFTEN INCLUDES SERVING AS AN ON-SET
SUPERVISOR FOR VIRTUAL PRODUCTIONS.
MARC SHARED HIS INSIGHTS WITH US
CONCERNING THE POTENTIAL OF THE NEW
TECHNOLOGY AND ELABORATED ON HIS
PLANS FOR THE SEW STUDENTS.
Virtual Production is indeed a relatively new
technology. What's your impression from the industry?
Are there more and more productions
utilizing it?
55

SET EXTENSION WORKSHOP
Currently, Virtual Production is certainly generating
a lot of hype. Which is cool, because shooting in
an LED studio is an incredibly exciting experience, and
you can create some truly amazing things there. However,
what‘s often overlooked
is the need to question when
and how the technology makes
sense. Whenever something is
meant to be fancy, the immediate
response is, ‘Oh, let's shoot
it in the LED studio.’ But the
fact that some things might not
work or look good, that VP isn‘t
a one-size-fits-all solution that
solves all problems, is not well
understood by many at the moment. This is especially
true in advertising; in the case of feature films, in my experience,
there tends to be a better understanding.
Is the correct application of LED Set Extension
one of the goals of the workshop then?
Absolutely, I think it‘s important to be aware of the limitations
of VP technology and to plan it carefully. In the
industry, as far as I can tell, there are few people who
understand and can execute Virtual Productions across
various disciplines. Based on my experience from shoots
I‘ve been a part of, the director and cinematographer often
thought they could achieve anything with VP, but
in the end, a lot of retouching and post-work was necessary.
The students of the SEW are meant to do a better
job at this later on?
It's important to me that Virtual Production, like any
new technology, is seen in a nuanced
light, and that its applications
are used appropriately.
That's the main goal of the SEW
for me. By the end of the workshop,
the students should be
able to say, "Ah yes, that worked
well. It looked great, and this is
how it can be used." For this to
happen, they need to, for example,
understand how to set
up a studio to achieve seamless integration, know which
camera movements make sense, learn what kind of shots
are feasible, and grasp how to address the lighting limitations
of the technology, as well as the challenges posed
by the floor and ceiling.
But classic VFX techniques also play a role in the
SEW, right?
Absolutely, it's also about knowing when something
doesn’t work as well with VP and when it's better to do it
in a classic way, using greenscreen or traditional set extension.
We’ll be working and experimenting with both.
How will the course be structured for this purpose
this year?
Which is actually not the whole point of it. After
all, VP is meant to streamline the post-production
process...
Exactly, people are using it to shoot in order to save
money by creating multiple sets in one location. But if
everything ends up in a post-production mess, then it‘s
not worth it. With this technology, it‘s crucial to put a
lot of thought into it and make preparations beforehand.
Often, I get booked, and it's like, ‘Hey, we‘re shooting tomorrow,
are you coming to the LED studio?‘ And then I
arrive, and nothing is planned, there's no previs or techvis
– and that just won't work. I‘ve worked on sets where
100 percent of the LED content had to be replaced later
because the results were unsatisfactory.
At the beginning, we have instructional blocks that are
less experimental and more theoretical. The focus here
is on acquiring the necessary know-how. Then we have
the shooting days in the studio when the LED wall is
set up. During this time, the goal is to conduct tests,
such as with camera and lighting setups. Essentially, the
new SEW places emphasis on playful experimentation,
both with greenscreen and VP. We do a lot of hands-on
work, using examples, but we’re very open to students’
own ideas about design, as long as they are feasible. Our
main objective is to ensure that the students have encountered
all the challenges that they might face on a
set in the future.
56

Naturschutz
Mit eigenen Bienenvölkern setzen wir
uns nachhaltig für Artenschutz, blühende
Landschaften und unsere Umwelt im
Landkreis Ludwigsburg ein.
Weitere Infos zu unseren sozialen und
ökologischen Engagements finden Sie
online auf ksklb.de/mehralsgeld
INSTAGRAM: @ANIMATIONSINSTITUT
WWW.FACEBOOK.COM/ANIMATIONSINSTITUT
Weil’s um mehr
als Geld geht.
YOUTUBE: FILMAKADMIE BADEN-WÜRTTEMBERG
WWW.LINKEDIN.COM/COMPANY/ANIMATIONSINSTITUT
WEITERE
INFORMATIONEN
ZUM ANIMATIONSINSTITUT
UNTER:
WWW.ANIMATIONSINSTITUT.DE
INFO@ANIMATIONSINSTITUT.DE
TEL +49 7141 969 82800

ATELIER LUDWIGSBURG-PARIS
INFO-BOX
Am Set von BETTYS (oben)
und METEOR (unten).
Das Atelier versteht sich als Pionier im
Bereich der ganzjährigen Postgraduierten-Ausbildung
in Vollzeit für Filmproduktion
und -verleih mit europäischer
Ausrichtung. Es entstand 2001 unter der
Schirmherrschaft der im Jahr 1999
gegründeten Deutsch-Französischen
Filmakademie auf Initiative der deutschen
und französischen Regierungen.
Ziel war und ist es, die filmische Zusammenarbeit
der beiden Länder zu verbessern.
Gefördert wird das Programm auf
deutscher Seite von der EU-Kommission
(Creative Europe, MEDIA) sowie vom
Ministerium für Wissenschaft, Forschung
und Kunst Baden-Württemberg, der
Beauftragten der Bundesregierung für
Kultur und Medien sowie dem
Deutsch-Französischen Jugendwerk.
58

LEITUNG:
_PROF. GERHARD MEIXNER (FILMAKADEMIE)
_PROF. ROMAN PAUL (FILMAKADEMIE)
_PIERRE-YVES JOURDAIN (LA FÉMIS)
PROGRAMMKOORDINATION:
_DOROTHEE MARTIN
PROJEKTBETREUUNG:
_JULIAN BOGENFELD
ATELIER
LUDWIGSBURG-PARIS
SEIT DER GRÜNDUNG DES ATELIER LUD-
WIGSBURG-PARIS IM JAHR 2001 HABEN
BEREITS 22 JAHRGÄNGE DAS PROGRAMM
ERFOLGREICH ABGESCHLOSSEN. DIE AB-
SOLVENT*INNEN HABEN IN DER BRANCHE
FUSS GEFASST UND MIT IHREM KREATIVEN
SCHAFFEN DIE EUROPÄISCHE FILMINDU-
STRIE MASSGEBLICH MITGESTALTET UND
GEPRÄGT. SO IST EIN ENGES NETZWERK
ENTSTANDEN, DAS MEHR ALS 350 EHEMA-
LIGE AUS ÜBER 35 LÄNDERN MITEINANDER
VERBINDET.
Junge Filmschaffende hauptsächlich aus Europa, aber
auch der ganzen Welt, mit dem Ziel, in der Produktion
oder im Verleih zu arbeiten, kommen jedes Jahr im
Atelier Ludwigsburg-Paris zusammen, um gemeinsam
ein Jahr mit intensivem Training in den Bereichen Stoffentwicklung,
Finanzierung, Produktion, Vertrieb und
Marketing zu verbringen. Angeboten wird die in Europa
einmalige Ausbildung von zwei der führenden Filmhochschulen
in Frankreich und Deutschland: La Fémis
in Paris und der Filmakademie Baden-Württemberg.
Seit 2007 ist die angesehene National Film and Television
School (NFTS) in Beaconsfield bei London ein weiterer
wichtiger Kooperationspartner. Das Atelier Ludwigsburg-Paris
wurde 2001 zunächst als Pilotprojekt von
Prof. Dr. Peter Sehr und Prof. Jan Schütte ins Leben gerufen,
beide waren langjährige Leiter des Programms auf
deutscher Seite. Dort steht das Atelier nun unter der Leitung
der Filmproduzenten Prof. Roman Paul und Prof.
Gerhard Meixner von Razor Film.
EXKLUSIVE WEITERBILDUNG: MARKTVORTEIL
FÜR ALUMNI DES PROGRAMMS
Das Atelier bietet für Postgraduierte mit bereits vorhandener
professioneller Erfahrung in der Filmbranche eine
praxisorientierte Spezialisierung. Besonders schätzen
die Teilnehmer*innen am Programm den Mix aus
praktischen und theoretischen Elementen: Der Unterricht
wird ausschließlich von erfahrenen Dozent*innen
aus der internationalen Film- und Medienbranche angeboten.
Es unterrichten auf deutscher Seite etwa Vanessa
Henneman (Gründerin und Geschäftsführerin
von Henneman Agency), Jakob Claussen (Geschäftsführer
Claussen + Putz Filmproduktion), Peter Dinges (Vorstand
der Filmförderungsanstalt), Marie Noëlle (Autorin,
Regisseurin und Produzentin, Geschäftsführerin P’Artisanfilm),
Rebekka Garrido (Produzentin und Geschäftsführerin
Manderley Films) und Milada Kolberg (Head of
Acquisitions X Verleih AG). Der große Gewinn durch die
Lehrenden aus der Praxis ist, dass sie derzeitige Trends
des Marktes kennen und so aktuelles Knowhow vermitteln.
Durch die engen Kontakte innerhalb der Gruppe zu
ALP-Jahrgang 2022/23
59

ATELIER LUDWIGSBURG-PARIS
anderen Teilnehmer*innen sowie Alumni aus anderen
Ländern und einer damit einhergehenden Vertrauensbasis
sind gemeinsame Projekte, vor allem im Bereich Koproduktionen,
fast der Regelfall.
Die jährlich maximal 18 Teilnehmer*innen erhalten zusätzlich
wichtige Einblicke in die Branche im Rahmen
von Exkursionen zu international renommierten Festivals
(Berlinale, Cannes, Clermont-Ferrand, Series Mania)
sowie Treffen mit Vertreter*innen von Fernsehsendern
und Förderinstitutionen (ARTE, SWR, EURIMAGES, FFA,
MBB, MEDIA u.a.).
Viele Teilnehmer*innen haben vor dem Besuch des Programms
bereits Erfahrung in der Produktion gesammelt
und sind besonders motiviert, mehr über Verleih und
Vertrieb zu lernen. Auch deshalb kann das Praktikum
im Weltvertrieb oder Verleih – u.a. bei DCM, The Match
Factory und Beta Film in Deutschland, bei Memento, Coproduction
Office in Frankreich sowie Hanway, Mister
Smith und Artificial Eye in Großbritannien – ein wichtiger
Schritt in eine erfolgreiche professionelle Zukunft
sein.
Aufgrund der Relevanz des gesellschaftlichen Diskurses
und der vorherrschenden Missstände in der Branche
im Bereich Gender-Gerechtigkeit trägt das Atelier – wie
auch die Filmakademie allgemein – diesem Thema in
Lehre und Struktur Rechnung, etwa durch Workshops,
die Wissen zum Thema Gender explizit vermitteln. Um
insbesondere die zukünftigen Produzentinnen und Verleiherinnen
zu fördern, gibt es ein speziell auf die Bedürfnisse
von weiblichen Teilnehmenden zugeschnittenes
Mentoring. Auch bei der Auswahl von relevanten
Dozentinnen wird diese Thematik implizit berücksichtigt
und so durch Vorbilder Diskurse im Bereich Vereinbarkeit
und Veränderungen im Hinblick auf Rollenbilder
angestoßen.
CAMPUS FILMAKADEMIE UND NETZWERKE
Ein großes Plus ist die Verortung des Ateliers an der
Film akademie. Diese eröffnet den Teilnehmer*innen nahezu
unbegrenzte Vernetzungs- und Entfaltungsmöglichkeiten
durch den gemeinsamen Campus mit den Studierenden
der Filmakademie, dem Animationsinstitut
und der Akademie für Darstellende Kunst Baden-Württemberg.
Unbestritten ist: Weit über die Teilnahme hinaus
sind die hier gewonnenen Kontakte wertvoll für das
berufliche Weiterkommen.
ATELIER NETWORK ist der Verein der ehemaligen
Atelier-Teilnehmer*innen, der ein aktives Netzwerk
von über 350 jungen europäischen und internationalen
Branchenvertreter*innen aufgebaut hat, das
regelmäßig zusammenkommt. Dieses Netzwerk ermöglicht
den europaweiten Austausch von Informationen,
Erfahrungen, Kontakten und Jobangeboten. Grenzüberschreitende
Filmprojekte werden gemeinsam von
Alumni entwickelt. Die Vereinsmitglieder profitieren
außerdem erheblich von der Vernetzung innerhalb der
Deutsch-Französischen Filmakademie mit den Initiativen
Minitraité, Deutsch-Französisches Filmtreffen und
des Ateliers.
Der rote Faden und gleichzeitig ein weiterer praktischer
Strang, der sich durch das Weiterbildungsjahr zieht, ist
die Kurzfilmproduktion. Die Produktion einer Kurzfilmreihe,
die in Kooperation der beiden Hochschulen gemeinsam
mit ARTE und dem SWR als Koproduzenten
hergestellt wird, ist seit 18 Jahren das zentrale Projekt im
Curriculum des Ateliers. Jährlich entstehen zu einem gemeinsamen
Thema bis zu neun Kurzfilme, die die Teilnehmer*innen
in binationalen Producer*innen-Teams
erarbeiten und über das Jahr hinweg erfolgreich umsetzen.
Die fertigen Filme bereichern nicht nur das Portfolio
der Atelier-Alumni, sondern erreichen stets auch eine
breite Öffentlichkeit, indem sie nach den Premieren
in Ludwigsburg und Paris auf den Französischen Filmtagen
Tübingen, dem Festival Max Ophüls Preis in Saarbrücken
und im Programm des Fernsehsenders ARTE
gezeigt werden.
Eine enge Zusammenarbeit mit Gewerken der Filmakademie
besteht besonders im Bereich Drehbuch: Schon
seit 2006 schreiben Studierende der Drehbuchabteilung
die Bücher für die Atelier-Kurzfilme, die in Ludwigsburg
entstehen. Auch in den Bereichen Bildgestaltung/
Kamera, Montage/Schnitt, Szenenbild, Filmmusik, Filmton/Sounddesign
sowie anderen Gewerken findet eine
intensive Zusammenarbeit zwischen den Filmakademie-Studierenden
und den Atelier-Teilnehmenden statt.
Während die FABW-Studierenden vor allem von der internationalen
Atmosphäre im Team und u.a. von der gesicherten
Festival- und TV-Auswertung der Kurzfilme
profitieren, erweisen sich für die Atelier-Teilnehmer*innen
die fest etablierten Verbindungen der Filmakademie-Studierenden
an der Hochschule als besonders gewinnbringend.
60

POSITIVE EFFEKTE AUF DIE BRANCHE
Die Filmbranche wird durch die Ehemaligen des Programms
bereichert und die Wettbewerbsfähigkeit der
europäischen Filmindustrie verbessert: Dies erfolgt
durch die Vermittlung von Kenntnissen im Atelier, die
den Fokus auf aktuelle Entwicklungen und Trends in allen
Bereichen legen, besonders auch auf digitale Distributionswege
sowie Marketing. Die unternehmerische
und wirtschaftliche Seite des Business ist ebenso elementar
für die meisten Teilnehmer*innen: Viele stehen
an der Schwelle zur Gründung einer eigenen Produktionsfirma
– hier sind Workshops zu Firmengründungen
und alternativen Business-Modellen hilfreich. Auch
soziale Aspekte wie Konfliktmanagement, Teamführung
und ein Bewusstsein für die Gender-Thematik kommen
im Lehrplan nicht zu kurz. Die außergewöhnlich hohe
Beschäftigungsrate der Teilnehmer*innen nach Abschluss
des Programms bestätigt eindrucksvoll die Qualität
der vermittelten Kenntnisse und die Attraktivität
der Absolvent*innen für Arbeitgeber*innen in ganz Europa.
Eine permanente Evaluierung der Studieninhalte
garantiert die Vermittlung aktuellen Knowhows.
WEITERE INFORMATIONEN AUF
DER WEBSITE DES
ATELIER LUDWIGSBURG-PARIS
www.atelier-ludwigsburg-paris.com
BEWERBUNG UND TEILNAHME
FÜR WEN? JUNGE FILMSCHAFFENDE –
BEWERBER*INNEN AUS ALLER WELT
Das Weiterbildungsjahr wendet sich an
angehende Produzent*innen und Verleiher*innen
aus Europa und der ganzen
Welt im Alter von bis zu 30 Jahren und
bietet eine vertiefende Ausbildung mit
europäischer Ausrichtung. Absolvent*innen
von Filmhochschulen oder anderen
relevanten Studiengängen mit ersten Berufserfahrungen
in der Filmwirtschaft
sind die Zielgruppe.
ERFORDERLICHE SPRACHKENNTNISSE
Sehr gute Englischkenntnisse; Deutschund
Französischkenntnisse sind von Vorteil.
FOLGT UNS AUF FACEBOOK UND
INSTAGRAM UNTER
FB.ME/AtelierLudwigsburgParis
www.instagram.com/atelierludwigsburgparis/
Von oben: Setfoto LITTLE BOXES, Filmstills HUNGER
61

ATELIER LUDWIGSBURG-PARIS
INFO-BOX
The Atelier is a pioneer in the field
of full-time, year-round postgraduate
training for film production and
distribution with a European orientation.
It was founded in 2001 under
the auspices of the Franco-German
Film Academy, which was established
in 1999 on the initiative of the German
and French governments. Its
aim was and continues to be to improve
cinematic cooperation between
the two countries. On the German
side, the programme is funded
by the EU Commission (Creative Europe,
MEDIA) as well as by the Ministry
of Science, Research and the Arts
Baden-Württemberg, the Federal Government
Commissioner for Culture
and the Media and the Franco-German
Youth Office.
REVES PARTIS (oben), LITTLE BOXES (Mitte und unten)
62

PROGRAMME HEADS:
_PROF. GERHARD MEIXNER (FILMAKADEMIE)
_PROF. ROMAN PAUL (FILMAKADEMIE)
_PIERRE-YVES JOURDAIN (LA FÉMIS)
PROGRAMME COORDINATION:
_DOROTHEE MARTIN
PROJECT SUPERVISION:
_JULIAN BOGENFELD
and Filmakademie Baden-Württemberg. Since 2007, the
prestigious National Film and Television School (NFTS)
in Beaconsfield near London has been another important
cooperation partner. The Atelier Ludwigsburg-Paris
was initially established in 2001 as a pilot project by
Prof. Dr. Peter Sehr and Prof. Jan Schütte, both of whom
were directors of the programme on the German side for
many years. There, the Atelier is now under the direction
of film producers Prof. Roman Paul and Prof. Gerhard
Meixner of Razor Film.
ATELIER
LUDWIGSBURG-PARIS
SINCE THE FOUNDING OF THE ATELIER
LUDWIGSBURG-PARIS IN 2001, 22 CO-
HORTS HAVE SUCCESSFULLY COMPLETED
THE PROGRAMME, GAINED A FOOTHOLD
IN THE INDUSTRY, SIGNIFICANTLY SHAPED
THE EUROPEAN FILM INDUSTRY WITH THEIR
WORK. THEY HAVE ALSO GROWN TOGETH-
ER TO FORM A NETWORK OF OVER 350
ALUMNI FROM MORE THAN 35 COUNTRIES.
Young filmmakers, mainly from Europe but also from
all over the world, with the aim of working in production
or distribution, come together every year at the
Atelier Ludwigsburg-Paris to spend a year of intensive
training together in the areas of script development, financing,
production, sales, and marketing. The training,
unique in Europe, is offered by two of the leading
film schools in France and Germany: La Fémis in Paris
EXCLUSIVE FURTHER EDUCATION:
MARKET ADVANTAGE FOR ALUMNI OF
THE PROGRAMME
The Atelier offers a practice-oriented specialization for
postgraduates who already have professional experience
in the film industry. Participants in the programme particularly
appreciate the mix of practical and theoretical
elements: The classes are taught exclusively by experienced
lecturers from the international film and media
industry. On the German side, for example, Vanessa Henneman
(founder and managing director of Henneman
Agency), Jakob Claussen (managing director of Claussen
+ Putz Filmproduktion), Peter Dinges (board member of
the German Federal Film Board), Marie Noëlle (author,
director and producer, managing director of P’Artisanfilm),
Rebekka Garrido (producer and managing director
of Manderley Films) and Milada Kolberg (head of acquisitions
at X Verleih AG) are among the teachers. The
great benefit of having lecturers from the field is that
they know current trends in the market and thus impart
up-to-date know-how. Due to the close contacts within
the group to other participants as well as alumni from
other countries and the resulting basis of trust, joint projects,
especially in the area of co-productions, are almost
the norm.
Besuch des ALP bei Series Mania
63

ATELIER LUDWIGSBURG-PARIS
The maximum of 18 participants per year also gain important
insights into the industry through excursions to
internationally renowned festivals (Berlinale, Cannes,
Clermont-Ferrand, Series Mania) as well as meetings
with representatives of tv broadcasters and funding institutions
(ARTE, SWR, EURIMAGES, FFA, MBB, MEDIA
and others).
Many participants have already gained experience in
production before attending the programme and are particularly
motivated to learn more about distribution and
sales. This is another reason why the internship in world
sales or distribution - among others at DCM, The Match
Factory and Beta Film in Germany, at Memento, Coproduction
Office in France as well as Hanway, Mister Smith
and Artificial Eye in the UK - can be an important step
towards a successful professional future.
Due to the relevance of the social discourse and the prevailing
grievances in the industry in the area of gender
equality, the Atelier - as well as the Filmakademie
in general - takes this topic into account in its teaching
and structure, for example through workshops that explicitly
impart knowledge on the topic of gender. In order
to support future female producers and distributors
in particular, there is mentoring specifically tailored to
the needs of female participants. This topic is also implicitly
taken into account in the selection of relevant
female lecturers setting an example, thus triggering discourses
in the area of compatibility and changes with regard
to role models.
CAMPUS FILMAKADEMIE AND NETWORKS
A big plus is the location of the Atelier at the Filmakademie.
This opens up almost unlimited networking and
development opportunities for the participants through
the shared campus with the students of FABW, its Animationsinstitut
and the Academy for Performing Arts
Baden-Württemberg. It is undisputed that the contacts
made here are valuable for professional advancement far
beyond participation.
ATELIER NETWORK is the association of former Atelier
participants that has built up an active network of over
350 young European and international industry representatives
who meet regularly. This network facilitates
the Europe-wide exchange of information, experiences,
contacts and job offers. Cross-border film projects are
developed jointly by alumni. The association members
also benefit considerably from the networking within
64
the Franco-German Film Academy with the initiatives
Minitraité, Franco-German Film Meeting and the Atelier.
The common thread and at the same time another practical
strand running through the continuing education
year is short film production. The production of a short
film series, produced in cooperation between the two
film schools together with ARTE and SWR as co-producers,
has been the central project in the Atelier curriculum
for 18 years. Every year, up to nine short films
are produced on a common theme, which the participants
work on in bi-national producer teams and successfully
realize throughout the year. The finished films
not only enrich the portfolio of the Atelier alumni, but
also always reach a broad public by being shown, after
the premieres in Ludwigsburg and Paris, at the Festival
of French Films in Tübingen, the Max Ophüls Prize Festival
in Saarbrücken and in the programme of the ARTE
television channel.
There is close cooperation with several trades at the
Film akademie, especially in the field of screenwriting:
students from the screenwriting department have been
writing the screenplays for the Atelier short films produced
in Ludwigsburg since 2006. There is also intensive
cooperation between Filmakademie students and Atelier
participants in the areas of cinematography, editing,
production design, film music, film sound & sound design
and other trades. While the FABW students benefit
above all from the international atmosphere in the team
and, among other things, from the secured festival and
TV exploitation of the short films, for the Atelier participants
the firmly established connections of the Filmakademie
students at their school prove to be particularly
profitable.
POSITIVE EFFECTS ON THE INDUSTRY
The film industry is enriched by the alumni of the programme
and the competitiveness of the European film
industry is improved: this is done by imparting knowledge
in the Atelier that focuses on current developments
and trends in all areas, especially digital distribution
channels and marketing. The entrepreneurial and economic
side of business is also elementary for most participants:
Many are on the threshold of founding their
own production company - workshops on setting up
companies and alternative business models are helpful
here. Social aspects such as conflict management, team
leadership and gender awareness are also part of the curriculum.
The exceptionally high employment rate of

the participants after completing the programme impressively
confirms the quality of the knowledge imparted
and the attractiveness of the graduates for employers
throughout Europe. A permanent evaluation of
the study contents guarantees the transfer of up-to-date
know-how.
APPLICATION AND PARTICIPATION
FOR WHOM? YOUNG FILMMAKERS –
APPLICANTS FROM ALL OVER THE
WORLD
The advanced training year is aimed at future
producers and distributors from Europe
and all over the world aged up to
30 and offers in-depth training with a
European orientation. Graduates of film
schools or other relevant courses of study
with initial professional experience in the
film industry are the target group.
REQUIRED LANGUAGE SKILLS
Very good knowledge of English; knowledge
of German and French is an advantage.
FURTHER INFORMATION ON THE
WEBSITE OF THE ATELIER LUD-
WIGSBURG-PARIS
www.atelier-ludwigsburg-paris.com
FOLLOW US ON FACEBOOK AND IN-
STAGRAM AT
FB.ME/AtelierLudwigsburgParis
www.instagram.com/atelierludwigsburgparis/
Am Set von EN MOI (oben), Filmstill BETTYS (unten)
65

ALUMNI IM FOKUS
66

„Wer auf der Suche ist,
der kann nichts finden“
11 Fragen an Julian R. Wagner, Absolvent Szenenbild (2010)
SEINE KARRIERE BEGANN JULIAN R.
WAGNER IN DER FOTOGRAFIE. ES FOLG-
TE EIN DESIGNSTUDIUM AN DER LIBERA
UNIVERSITÁ DI BOLZANO IN ITALIEN UND
IM ANSCHLUSS EIN SZENENBILD-STUDIUM
AN DER FABW. DORT NAHM ER U.A. MIT
EINEM STIPENDIUM DER BADEN-WÜRTTEM-
BERG STIFTUNG AM HOLLYWOOD WORK-
SHOP LOS ANGELES AN DER UCLA TEIL.
weiter mit den Kinoproduktionen. Die Pausen dazwischen
habe ich mit Werbungen gefüllt. Das hat mir die
Freiheit gegeben, länger auf die für mich interessanten
Stoffe warten zu können.
DER SCHWARM ist mit 40 Millionen Euro Budget
eine große internationale Produktion und eine
der teuersten deutschen Serien. Wie bist Du zu
dem Projekt gekommen?
Nachdem er für sein Spielfilmdebüt COLOR OF THE
OCEAN den Förderpreis Deutscher Film für herausragende
künstlerische Leistungen gewonnen hatte, führte
Julians starkes Interesse an Science-Fiction und Fantasy
zur Mitarbeit bei dem SciFi-Drama TITAN - EVOLVE
OR DIE (Regie: Lennart Ruff ) und TIDES (Regie: Tim
Fehlbaum). Diese brachte ihm mehrere Auszeichnungen
ein, darunter den Deutschen Filmpreis 2021 für das beste
Szenenbild. Zu Julians Filmografie gehören auch die
apokalyptische Serie TRIBES OF EUROPA für Netflix
und die international erfolgreiche Serie DER SCHWARM
nach dem Roman von Frank Schätzing.
Lieber Julian, Du hast 2010 an der Filmakademie
Deinen Abschluss gemacht. Wie lief damals der
Übergang ins Berufsleben?
Der Übergang lief sehr fließend. Ich konnte schon an
der Filmakademie mit tollen Regisseuren zusammenarbeiten
und hatte das Glück, ein gutes Portfolio an Arbeiten
in der Hand zu haben. Aufgrund dessen hat mich
Stefan Schaller (FABW-Regie-Absolvent, Anm. d. Red.)
gefragt, ob ich mit ihm das Projekt FÜNF JAHRE LE-
BEN umsetzen will. Allerdings brauchte es noch etwas
Zeit für die Buchentwicklung und Finanzierung. Durch
diese Zusammenarbeit kam aber der Kontakt zu Maggie
Peren zustande, mit der ich in der Zwischenzeit den
Kinofilm DIE FARBE DES OZEANS drehen durfte. Bei
beiden Projekten war mit DoP Armin Franzen ein weiterer
Filmakademie-Absolvent dabei, dessen Bildsprache
mich immer wieder inspiriert. Ab da ging es stetig
Während den Dreharbeiten zu TRIBES OF EUROPA hat
mich Friedemann Goez von der INTAGLIO FILMS (Producer
und FABW-Absolvent, Anm. d. Red.) angerufen
und mich gefragt, ob ich daran interessiert wäre, den
SCHWARM zu verfilmen. Das erste Treffen fand dann
im Dezember 2019 statt. Ich hatte ein Portfolio mitgebracht
von TRIBES OF EUROPA. Denn da ging es zwar
um eine dystopische Zukunft, aber ich hatte Orte, die
im Skript standen, neu gedacht und interpretiert und
Locations immer wieder umfunktioniert, um daraus etwas
völlig anderes zu machen. Das war eine Arbeitsweise,
die dem Showrunner Frank Doelger sehr gut gefallen
hat. Dadurch hatten wir gleich einen gemeinsamen Ansatzpunkt
und haben schnell zusammengefunden.
Wie unterschied sich die Arbeit bei einem solchen
Großprojekt im Bereich Szenenbild von der an
kleineren Produktionen?
Jedes Projekt ist unterschiedlich und hat seine sehr individuelle
Herangehensweise. Für mich als Designer ist
zum Beispiel entscheidend, wann ich in ein Projekt einsteige.
Vielleicht liegt hier ein großer Unterschied zu einem
kleineren Kinofilm. Bei einer großen TV-Serie wie
DER SCHWARM fange ich sehr früh an. Ich war bereits
lange mit den Vorbereitungen beschäftigt, bevor die
Bücher fertig geschrieben und die Regisseur*innen an
Bord kamen. Das ist dann natürlich eine andere Herangehensweise.
Ein solches Projekt wie DER SCHWARM
hat auch eine politische Ebene. Es sind so viele Player
im Spiel, zwischen denen man vermitteln muss. Es
67

ALUMNI IM FOKUS
gibt mehrere Regisseur*innen, die zu unterschiedlichen
Zeitpunkten dazustoßen. Ich verbringe wesentlich mehr
Zeit mit Besprechungen oder Verhandlungen und halte
sehr viel mehr Fäden in der Hand. Deswegen fühle ich
mich dann manchmal zur Hälfte als Designer und zur
Hälfte als Politiker. Ich musste auch lernen, mehr abzugeben
und Teilbereiche zu delegieren und war häufiger
in der Situation, einen Kompromiss eingehen zu müssen.
Bei einem vergleichsweise kleineren Kinofilm entwickeln
wir als eine konzentrierte, kreative Einheit. Wir
bilden dann ein viel kleineres Team und arbeiten von
Beginn an sehr fokussiert zusammen und müssen auf
weniger äußere Einflüsse reagieren. Auch die Arbeit in
meinem eigenen Department ist familiärer und direkter.
Das gibt mir viele Freiheiten und die Möglichkeit, mich
auf Details zu konzentrieren.
unverwechselbare und markante Orte zu finden.
Denn der einzige Weg für mich, das überzeugend
zu realisieren, war, meine eigene subjektive Realität
von Kanada zu schaffen. Es ist vielleicht ein
Kanada, das man als Zuschauer*in so nicht kennt
oder erwartet, aber es ist in sich schlüssig und
deswegen glaubhaft. Trotz einiger Elemente, die
nicht stimmig sind. Wenn man mit diesem Ansatz
unterwegs ist, findet man sehr viele spannende
Orte, die man filmisch verwenden kann.
Du hast in einem Interview gesagt: „Für mich ist
Realität nur etwas, in dem ich Inspiration suche“.
Und auch den schönen Satz: „Wenn eine Szene in
einem Büro spielt, such nicht unbedingt nach einem
Büro!“ Was genau meinst Du damit?
Beide Aussagen sind an zwei Grundprinzipien angelehnt,
mit denen ich bislang an meine Projekte
herangehe. Das eine ist: Think out of the box!
Die gewohnten Pfade verlassen, anstatt nach dem
Bekannten im Neuen zu suchen. Hier gilt häufig:
Wer auf der Suche ist, der kann nichts finden.
Und ich glaube daran, dass Realität im Film
nichts Objektives ist, sondern immer etwas Subjektives.
Beides hat mir bislang geholfen, meinen
eigenen Ansatz zu finden. Ich reise sehr viel,
schaue mir Dinge in der Realität an und werde
dadurch inspiriert. Diese Beobachtungen würde
ich aber nicht eins zu eins verwenden, um filmische
Welten zu gestalten. Die Arbeit eines Designers
ist ja vor allem eine dramaturgische. Wir
müssen die Handlung und ihre Charaktere unterstützen.
Wir wollen einen Bogen spannen vom
Anfang bis zum Ende; oder bewusst die Wahrnehmung
im Verlauf der Handlung verändern.
Also versuche ich immer, meine eigene visuelle
Realität zu erschaffen, meine Vision oder Adaption
der tatsächlichen Realität. Ein Beispiel: Die
Szenen von DER SCHWARM, die in Kanada spielen,
sind in Italien entstanden. Ein reales Kanada
ist aber in Italien nicht zu finden, und wir
konnten den Dreh auch nicht nach Kanada verlegen.
Ich bin also lange durch Italien gereist, um
68
Apropos Locations: Einige Szenen von DER
SCHWARM, die um und in einem Leuchtturm
auf den Shetland Inseln spielen, habt ihr in Otranto
in Apulien entstehen lassen. Wie habt ihr
das angestellt, Süditalien wie Schottland aussehen
zu lassen?
Wenn wir uns ganz streng an der Realität festhalten
würden, dann hätten wir die Shetlands sicher nicht
im Süden Italiens gedreht. Wir wollten auch nicht jedes
Bild in der Postproduktion ergänzen oder übermalen.
Aber hier greift wieder der gleiche Ansatz. Die Grundprämisse
war: Wir würden gerne in Italien drehen. Meine
Aufgabe war zu überprüfen, ob das möglich ist. Können
wir hier alle Welten erschaffen, die wir brauchen?
Diese Reise führte mich durch fast ganz Italien. Das war
die zeit intensivste Locationsuche innerhalb eines Landes,
die ich jemals gemacht hatte. Zuerst habe ich relativ
weit im Norden nach kanadischen und norwegischen
Motiven gesucht. In einem Reisebericht habe ich dann
das Bild einer Kirche mit gotischen Elementen im Süden
Italiens gesehen. Es war mehr ein Bauchgefühl, aber
es hat sofort etwas in mir angesprochen. Also sind wir
dahingefahren und haben dort „unser Frankreich“ gefunden.
Je weiter wir dann in den Süden kamen, desto
karger wurde die Landschaft und sie war geprägt durch

die wir zwar organisch entwickelt, aber dann mit VFX
umgesetzt haben. Mir war wichtig, mit Jan frühzeitig zu
besprechen, ob das alles auch für ihn funktioniert. Die
Locations habe ich mir immer auch im Hinblick darauf
angeschaut, was eventuell in der digitalen Postproduktion
ergänzt oder verändert werden muss und habe
meine Vorstellungen dann zeitnah mit Jan abgestimmt.
Wie weit können wir in die Landschaft eingreifen? Können
wir die Bäume bis zum Strand einsetzen? Ist die Ergänzung
noch 2D, „2,5D“ oder brauchen wir bereits ein
3D-Element? Können wir Wasser ergänzen oder wird
das zu teuer? Wir waren immer in einem sehr guten
Austausch und haben auch in der Postproduktion eng
zusammengearbeitet.
Hast Du davon profitiert, dass es zur digitalen Setergänzung
an der FABW einen interdisziplinären
Workshop gibt?
steile Klippen. Die Wiesen wurden durch kleine Steinmauern
unterbrochen. Diese Elemente haben mich an
die Shetlands erinnert. Andere Elemente funktionierten
weniger gut. Die Vegetation war ganz anders, auch die
Architektur. Deshalb habe ich wieder nach etwas so Speziellem
gesucht, dass man gar nicht auf die Idee kommt,
dass es nicht die Shetlands sind. Der Leuchtturm war so
ein Fundstück. Auf einmal war ich überzeugt, dass Wagner
darin wohnen muss. Wagner wurde in der Geschichte
ja im Prinzip strafversetzt und an einen entlegenen
Teil der Erde geschickt, um dort Feldstudien zu betreiben.
Ich fand, dass der Leuchtturm ein wahnsinnig gutes
Sinnbild für jemanden ist, der an so einem einsamen Ort
praktisch eingeschlossen ist. Zum Glück fand die Idee
auch großen Anklang bei Frank Doelger, also haben wir
sie weiterverfolgt.
Wie genau sieht die Zusammenarbeit von klassischem
Szenenbild und dem VFX Supervisor aus?
Ich versuche sehr früh, eine Verbindung zum VFX Department
herzustellen. Der VFX Supervisor Jan Stoltz
war einer der ersten, mit denen ich beim SCHWARM
zusammengearbeitet habe. Für mich ist das ganz wichtig,
wenn ich eine Welt gestalte. Denn dabei spielt es erst
einmal keine Rolle, ob ich das über Bauten herstelle oder
über eine Location, die ich adaptiere, oder ob sie am
Computer umgesetzt wird. Das sind einfach verschiedene
Möglichkeiten, die ich zur Hand habe. Und natürlich
habe ich da meine präferierte Variante. Ich setze
am liebsten alles vor der Kamera um und versuche nur
dort VFX einzusetzen, wo es wirklich nötig ist. Aber solche
Welten brauchen sehr häufig Set Extensions, meist
als Compositing oder Matte Painting, um sie zu vervollständigen.
Ganz abgesehen von einer Kreatur wie die Yrr,
Ich hatte dazu schon früh einen sehr guten Zugang. Zum
einen, weil ich ursprünglich von der Fotografie komme
und ich mich damals schon mit den Möglichkeiten des
Compositing beschäftigt habe. Zum anderen aber auch,
weil an der Filmakademie das Animationsinstitut eine
eigene und wichtige Fachrichtung ist. Unabhängig von
den speziellen Workshops ist Animation hier immer ein
Thema. Und bei den meisten Projekten, die ich gemacht
habe, haben wir zumindest die Möglichkeiten erörtert.
Dabei konnte ich einiges lernen. Als ich dann rauskam
aus der Filmakademie, fühlte ich mich ausreichend gut
geschult und konnte meine Erfahrungen einbringen.
Das ist ein wichtiger Faktor, um mit anderen Gewerken
diskutieren zu können.
Du hast auch in dem oben erwähnten Interview
gesagt, dass die Regie zwar das letzte Wort
hat, Du bis dahin aber für Deine eigene Vision
kämpfst. Ist es schon mal passiert, dass Du diese
Vision im fertigen Film nicht wiedererkannt hast
und Du total enttäuscht warst?
Letztendlich bringt jeder seine eigenen Vorstellungen
ein, und ab einem gewissen Punkt findet man eine gemeinsame
Vision. Ich habe aber durchaus einige Enttäuschungen
erlebt. Film ist ein künstlerischer Prozess,
an dem viele beteiligt sind. Das ist das Schöne an diesem
Handwerk, führt aber häufig zu einem Ergebnis,
das nicht ganz der eigenen Vision entspricht. Wie weit
dies abweicht, sieht man meist erst nach dem Schnitt.
Man muss an einem bestimmten Moment loslassen. Im
69

ALUMNI IM FOKUS
Szenenbild beginnt dieser Prozess bereits beim Dreh.
Manchmal entwickelt sich dann ein Projekt auf Grund
verschiedener Faktoren in eine andere Richtung. Gerade
auch durch die Arbeit mit den Schauspieler*innen
kommt nochmal eine ganz neue Komponente ins Spiel.
Es gibt immer wieder Situationen, in denen man sich
denkt: Das hatten wir doch anders besprochen oder bereits
durch Concept Drawings und Storyboards bebildert.
Was ist mit der gemeinsamen Idee passiert? Ich kämpfe
tatsächlich sehr lange für die Vision, die ich im Kopf
habe. Das verstehe ich auch als meine Aufgabe: eine gestalterische
Haltung einzubringen und darauf zu achten,
dass sie konsequent durchgeführt wird. Dass ein
stringenter Look entsteht, der nicht ständig aufgebrochen
wird. Der DoP achtet ja auch darauf, dass Bildsprache
und Lichtkonzept konsequent durchgeführt werden.
Manchmal fliegen auch Elemente im Schnitt raus, die
einem sehr wichtig waren. Das ist der kleine Schmerz,
den man hin und wieder fühlt, das geht allen Gewerken
so. Aber dass diese gemeinsame Vision sich komplett
gedreht hat, habe ich noch nicht erlebt – oder ich
hab‘s verdrängt.
Hast Du Dich im Zuge von DER SCHWARM verstärkt
mit Themen wie Umweltschutz, Klimawandel
oder Nachhaltigkeit befasst?
Diese Themen begleiten mich schon sehr lange und stehen
nicht nur in meinen beruflichen Lebensumständen
immer wieder im Fokus. Beim SCHWARM war das Thema
Green Production zum ersten Mal eine verbindliche
Vorgabe. Das ist ein nicht immer einfaches Thema. Gerade
für mich als Designer hat das so manche Tücken. Wir
bekommen immer wieder gesagt: Könnt ihr das auch
recyceln? Können wir da nicht auf fertige Elemente zurückgreifen?
Aber wenn du bereits für einen Film ein
Raumschiff gestaltet hast, schraubst du das ja nicht einfach
wieder zusammen und verwendest es für einen anderen
Film nochmal. Ich will ja als Designer eine eigene
Welt kreieren, einen eigenen Look schaffen. Und da
will ich natürlich von vorne anfangen und möchte das
in allen Punkten gestalten. An dem Punkt wird es dann
schwierig. In der Materialwahl hat man schon mehr
Möglichkeiten. Beim SCHWARM haben wir sehr darauf
geachtet, dass die Materialien, die wir verwenden, zertifiziert
waren und möglichst kurze Transportwege haben.
Das macht es teurer und ist mit längeren Lieferzeiten
verbunden. Man muss dadurch ein bisschen anders planen
und arbeiten, und da hoffe ich immer auf das Verständnis
der Produktion. Man kann ja nicht einerseits
70
eine Green Production einfordern und dann nicht auf
die Umstände reagieren. Es ist nun mal teurer und zeitaufwändiger,
wenn man auf billige und umweltbelastende
Materialien verzichtet. Auch die ganzen Reisen waren
ein großes Thema. Wir haben sehr drauf geachtet,
dass wir das möglichst nachhaltig und klimaschonend
machen.
Wie würdest Du die Erfahrung Deines Studiums
an der Filmakademie rückblickend zusammenfassen?
Und würdest Du Dich heute noch einmal
für die FABW entscheiden?
Meine Erfahrung in Ludwigsburg war sehr gut und tatsächlich
auch so, wie ich es mir vorgestellt hatte. Ich
habe mir damals sehr genaue Gedanken darüber gemacht,
wo ich Film studieren will, und die Filmakademie
war ganz klar meine erste Wahl. Ich habe das Studium
als sehr kompakt empfunden. Es werden in kurzer
Zeit viele Projekte umgesetzt. Sehr fokussiert und mit einer
großen Liebe zur Bildsprache. Entsprechend haben
mir die Projekte viele Möglichkeiten gegeben, mich auszuprobieren.
Das war für mich der wichtigste Aspekt in
meiner Entscheidung. Mein erstes Studium war in Bozen,
in Italien, da gibt es auch nur diese eine Universität
und sonst kaum Ablenkung. Also studiert man halt sieben
Tage die Woche und lebt für seine Projekte. Das war
in Ludwigsburg genauso. Wir haben nichts anderes als
unsere Filme gemacht, deswegen haben wir auch so eine
tolle Gemeinschaft gebildet, die selbst außerhalb der
Akademie noch besteht. Ich habe noch viel Kontakt zu
anderen ehemaligen Studierenden, und bei fast jedem
Projekt arbeite ich mit mindestens einer Person von der
„Aka“ zusammen. Wir haben eben das gleiche erlebt und
durchlebt. Das empfand ich als sehr verbindend und
zielführend, und auch deswegen würde ich die Filmakademie
immer weiterempfehlen. Und wenn ich nochmal
studieren würde, würde ich wieder diese Wahl treffen.
Zum Abschluss: Welche Filme haben Dich nachhaltig
geprägt und warum?
Da müsste ich eigentlich nochmal drüber nachdenken.
Es gibt vermutlich nicht DIE drei Filme, die mich geprägt
haben. Jede Phase im Leben hat ihre eigenen Filme,
und manche haben einen stärkeren Einfluss als andere.
Es gibt aber Filme, an die ich mich erinnere, bei denen
ich mir zum ersten Mal darüber Gedanken darüber gemacht
habe, dass hier eine Welt erschaffen wurde. Das
war zunächst der erste Teil von STAR WARS (Episode

IV). Das kannte ich so vorher noch nicht, das war eine
völlig neue Entdeckung. Die Filme, die ich bis dahin gesehen
hatte, waren alle eher in der Realität verhaftetet.
Da habe ich zum ersten Mal drüber nachgedacht, dass
man das ja alles herstellen muss. Und das hatte mich fasziniert.
Etwas später sah ich BLADE RUNNER, der mich
nachhaltig geprägt hat. Für mich und sicher für viele andere
ist er immer noch eine Inspiration für Science-Fiction
und für eine dystopische Bildsprache. Und das ist
ja genau das Genre, das mich am meisten fasziniert. Geprägt
hat mich aber auch die FARBEN-Trilogie von Krzysztof
Kieslowski, weil ich es total spannend und inspirierend
fand, so konsequent in einem Farbkonzept von
Blau, Weiß und Rot zu denken. Ich bin ein großer Fan
von Farbkonzepten und kann mich darin komplett verlieren.
HOMEPAGE
HTTPS://JULIANWAGNER.COM/
ZDF MASTERCLASS CREATING CINEMA ZU
DER SCHWARM
HTTPS://WWW.ZDF.DE/KULTUR/MASTERCLASS/
MASTERCLASS-JULIANWAGNER-100.HTML
71

ALUMNI IN FOCUS
72

"Look for Something and
You Will Not Find Anything"
11 questions for Julian R. Wagner, Graduate in Production Design (2010)
Dear Julian, you graduated from FABW in 2010.
How was the transition to professional life back
then?
The transition was very smooth. I was able to work
with great directors at the Filmakademie and was lucky
enough to have a good portfolio of work in hand. Because
of this, Stefan Schaller (FABW directing graduate,
editor’s note) asked me if I wanted to realize the project
FIVE YEARS with him. However, it still needed some
time for book development and financing. Through this
collaboration, however, contact was made with Maggie
Peren, with whom I was able to shoot the feature film
THE COLOUR OF THE OCEAN in the meantime. Another
Filmakademie graduate, DoP Armin Franzen, was
involved in both projects and his visual language continues
to inspire me. From then on, the cinema productions
continued steadily. I filled the breaks in between with
commercials. That gave me the freedom to wait longer
for the material that was interesting to me.
JULIAN R. WAGNER BEGAN HIS CAREER
IN PHOTOGRAPHY. THIS WAS FOLLOWED
BY DESIGN STUDIES AT THE LIBERA UNI-
VERSITÁ DI BOLZANO IN ITALY AND THEN
BY PRODUCTION DESIGN STUDIES AT FABW.
THERE HE TOOK PART IN THE HOLLYWOOD
WORKSHOP LOS ANGELES AT UCLA WITH A
SCHOLARSHIP FROM THE BADEN-WÜRTTEM-
BERG FOUNDATION, AMONG OTHER THINGS.
After winning the German Film Promotion Prize for
outstanding artistic achievement for his feature film debut
COLOR OF THE OCEAN, Julian’s strong interest in
science fiction and fantasy led him to work on the scifi
drama TITAN - EVOLVE OR DIE (director: Lennart
Ruff ) and TIDES (director: Tim Fehlbaum). This earned
him several awards, including the 2021 German Film
Award for Best Production Design. Julian’s filmography
also includes the apocalyptic series TRIBES OF EUROPA
for Netflix and the internationally successful series THE
SWARM based on the novel by Frank Schätzing.
With a budget of 40 million euros, THE SWARM
is a major international production and one of
the most expensive German series. How did you
get involved in the project?
During the filming of TRIBES OF EUROPA, Friedemann
Goez from INTAGLIO FILMS (producer and FABW graduate,
editor’s note) called me and asked me if I would
be interested in filming THE SWARM. The first meeting
then took place in December 2019. I had brought
a portfolio with me from TRIBES OF EUROPA. Because
that was about a dystopian future, but I had reimagined
and reinterpreted places that were in the script
and kept repurposing locations to make something completely
different out of them. That was a way of working
that the showrunner Frank Doelger liked very much.
This gave us a common starting point right away and we
quickly found each other.
How did the work on such a large-scale project in
the area of production design differ from that on
smaller productions?
73

ALUMNI IN FOCUS
Every project is different and has its own very individual
approach. For me as a designer, for example, it’s crucial
at what point in time I enter a project. Maybe this is a big
difference to a smaller feature film. With a big TV series
like THE SWARM, I start very early. I was already busy
with the preparations long before the books were written
and the directors came on board. That’s a different
approach, of course. A project like THE SWARM also has
a political level. There are so many players involved that
you have to mediate between. There are several directors
who join at different times. I spend much more time in
meetings or negotiations and hold many more strings.
That’s why I sometimes feel half designer and half politician.
I also had to learn to hand over more and delegate
parts and was more often in the situation of having
to compromise. With a comparatively smaller feature
film, we develop things as a concentrated, creative unit.
We then form a much smaller team and work together
in a very focused way from the beginning and have to
react to fewer external influences. Working in my own
department is also more familiar and direct. That gives
me a lot of freedom and the opportunity to concentrate
on details.
You said in an interview: “For me, reality is only
something in which I look for inspiration”. And
also the beautiful phrase: “If a scene is set in an
office, don’t necessarily look for an office!” What
exactly do you mean by that?
Both statements are based on two basic principles with
which I have approached my projects so far. One is:
Think out of the box! Leave the familiar paths instead of
looking for the familiar in the new. Here it is often true
that if you are looking for something, you can’t find anything.
And I believe that reality in film is not something
objective, but always something subjective. Both principles
have helped me so far to find my own approach. I
travel a lot, look at things in reality and am inspired by
them. But I wouldn’t use these observations one-to-one
to design cinematic worlds. The work of a designer is
primarily a dramaturgical one. We have to support the
plot and its characters. We want to create an arc from
the beginning to the end; or consciously change the perception
in the course of the plot. So, I always try to create
my own visual reality, my vision or adaptation of the
actual reality. For example: the scenes of THE SWARM
that are set in Canada were created in Italy. But a real
Canada is not to be found in Italy, and we couldn’t move
the shoot to Canada either. Therefore, I travelled around
74
Italy for a long time to find distinctive and striking locations.
Because the only way for me to realize it convincingly
was to create my own subjective reality of Canada.
It may be a Canada that the viewer doesn’t know or expect,
but it is coherent and therefore believable. Despite
some elements that are not coherent. If you follow this
approach, you will find many exciting locations that you
can use in your film.
Speaking of locations: Some scenes of THE
SWARM, which take place around and in a lighthouse
on the Shetland Islands, were shot in
Otranto in Puglia. How did you manage to make
southern Italy look like Scotland?
If we were to stick strictly to reality, we certainly
wouldn’t have shot Shetland in the south of Italy. We
also didn’t want to add to or paint over every image in
post-production. But here the same approach applies
again. The basic premise was: we would like to shoot in
Italy. My task was to check whether that was possible.
Can we create all the worlds we need here? This journey
took me through almost all of Italy. It was the most
time-consuming location scouting I had ever done within
one country. First, I searched relatively far north for
Canadian and Norwegian motifs. Then, in a travel report,
I saw a picture of a church with Gothic elements
in the south of Italy. It was more a gut feeling, but it immediately
appealed to me. So, we went there and found
“our France”. The further south we went, the more barren
the landscape became and it was characterized by
steep cliffs. The meadows were interrupted by small
stone walls. These elements reminded me of the Shetlands.
Other elements worked less well. The vegetation
was quite different, also the architecture. So, again I was
looking for something so special that you wouldn’t even

think it wasn’t Shetland. The lighthouse was one such
find. Suddenly I was convinced that Wagner must live
in it. In the story, Wagner was basically punitively transferred
and sent to a remote part of the world to do field
research. I thought the lighthouse was an perfect symbol
for someone who is practically trapped in such a lonely
place. Luckily, the idea also resonated with Frank Doelger,
so we pursued it.
What exactly does the collaboration between
classic production design and the VFX supervisor
look like?
did, we at least discussed the possibilities. I was able to
learn a lot in the process. When I graduated from the Filmakademie,
I felt sufficiently well trained and was able
to contribute my experience. That is an important factor
in being able to discuss with other trades.
You also said in the interview mentioned above
that although the director has the final say, you
fight for your own vision until then. Has it ever
happened that you didn’t recognize this vision
in the finished film and you were totally disappointed?
I try to connect with the VFX department very early on.
The VFX supervisor Jan Stoltz was one of the first people
I worked with on THE SWARM. For me, that’s very important
when I’m designing a world. Because first of all
it doesn’t matter whether I create it through buildings or
through a location that I adapt or whether it is realized
on the computer. These are simply different possibilities
that I have at hand. And of course, I have my preferred
variant. I prefer to realize everything in front of the camera
and only try to use VFX where it is really necessary.
But such worlds very often need set extensions, mostly
as compositing or matte painting, to complete them. Not
to mention a creature like the Yrr, which we developed
organically but then implemented with VFX. It was important
for me to discuss with Jan early on whether it
would all work for him. I always looked at the locations
with a view to what might have to be added or changed
in digital post-production and then coordinated my ideas
with Jan in a timely manner. How far can we intervene
in the landscape? Can we use the trees all the way
to the beach? Is the addition still 2D, “2.5D” or do we
already need a 3D element? Can we add water or will
that be too expensive? We were always in a very good
exchange and also worked closely together in post-production.
Did you benefit from the fact that there is an interdisciplinary
workshop on digital set extensions
at FABW?
I had very good access to it early on. On the one hand,
because I originally come from photography and I was
already involved with the possibilities of compositing at
that time. On the other hand, because at FABW, Animation
with an own institute is a separate and important
discipline. Regardless of the special workshops, animation
is always a topic here. And in most of the projects I
In the end, everyone brings in their own ideas, and at a
certain point you find a common vision. But I have definitely
experienced some disappointments. Film is an artistic
process that involves many people. That’s the beauty
of the craft, but it often leads to a result that doesn’t
quite match one’s own vision. How far this deviates, you
usually only see after the editing. You have to let go at
a certain moment. In production design, this process already
begins during the shoot. Sometimes a project then
develops in a different direction due to various factors.
Especially when working with the actors, a whole new
component comes into play. There are always situations
in which you think to yourself: we had discussed this
differently or had already illustrated it with concept
drawings and storyboards. What happened to the common
idea? I actually fight for a long time for the vision
I have in my head. I also see that as my task: to bring in
a design attitude and to make sure that it is consistently
carried out. That a stringent look is created that is not
constantly broken up. The DoP also makes sure that the
visual language and the lighting concept are carried out
consistently. Sometimes elements that were very important
to you get cut out in the editing process. That’s the
little pain you feel now and then, it happens to all the
trades. But I have never experienced that this common
vision has completely turned around - or I have suppressed
such memories.
In the course of THE SWARM, have you become
increasingly involved with topics such as environmental
protection, climate change or sustainability?
These topics have been with me for a very long time and
are always in focus, not only in my professional life. At
THE SWARM, the topic of green production was a binding
requirement for the first time. This is not always
75

ALUMNI IN FOCUS
an easy topic. Especially for me as a designer, it has its
pitfalls. We are always being told: can you recycle this?
Can’t we use ready-made elements? But if you have already
designed a spaceship for a film, you don’t just
screw it back together and use it again for another film.
As a designer, I want to create my own world, my own
look. And of course, I want to start from scratch and design
it in all aspects. At that point it becomes difficult.
When it comes to the choice of materials, you have more
options. With THE SWARM, we made sure that the materials
we used were certified and had the shortest possible
transport routes. That makes it more expensive and
is associated with longer delivery times. This means that
you have to plan and work a little differently, and I always
hope that production understands this. You can’t
demand green production on the one hand and then
not react to the circumstances. It is more expensive and
time-consuming to do without cheap and environmentally
harmful materials. All the travelling was also a big
issue. We paid a lot of attention to making it as sustainable
and climate-friendly as possible.
Looking back, how would you sum up the
experience of your studies at the Filmakademie?
And would you choose FABW again today?
My experience in Ludwigsburg was very good and actually
what I had imagined. At the time, I thought very
carefully about where I wanted to study film, and the
Filmakademie was clearly my first choice. I found the
study programme to be very compact. A lot of projects
are realized in a short time. Very focused and with a
great love of visual language. Accordingly, the projects
gave me many opportunities to try things out. That was
the most important aspect in my decision. My first degree
was in Bolzano, Italy, where there is only one university
and hardly any other distractions. Consequently,
you study seven days a week and live for your projects.
It was the same in Ludwigsburg. We did nothing but
make our films, which is why we formed such a great
community that still exists even outside the academy.
I still have a lot of contact with other former students,
and in almost every project I work together with at least
one person from the “Aka”. We have experienced and
lived through the same things. I found that very bonding
and purposeful, and that’s also why I would always
recommend the Filmakademie. And if I were to study
again, I would make that choice again.
Finally: Which films have left a lasting
impression on you and why?
I would actually have to think about that again. There are
probably not THE three films that have left their mark
on me. Every phase in life has its own films, and some
have a stronger influence than others. But there are films
that I remember where I first thought about the fact that
a world was being created here. First of all, that was the
first part of STAR WARS (Episode IV). I hadn’t seen anything
like it before, it was a completely new discovery.
The films I had seen up to that point were all more rooted
in reality. That was the first time I thought about the
fact that you have to produce all that. And that fascinated
me. A little later I saw BLADE RUNNER, which left a
lasting impression on me. For me, and I’m sure for many
others, it is still an inspiration for science fiction and for
a dystopian visual language. And that is exactly the genre
that fascinates me the most. But I was also influenced
by the COLOURS trilogy by Krzysztof Kieslowski, because
I found it totally exciting and inspiring to think so
consistently in a colour concept of blue, white and red.
I’m a big fan of colour concepts and can completely lose
myself in them.
76

Filmstills DER SCHWARM (oben) und TIDES (unten)
77

INTERNATIONALE NETZWERKE
DIE 4 SÄULEN
DES MOBILITÄTSJAHRS
78

Nachhaltige Internationalisierung –
Start zum Wintersemeter 2023/2024
MOBILITÄTSJAHR UND
BILINGUALES PROJEKTSTUDIUM
INTERNATIONALITÄT SPIELT AN
DER FILMAKADEMIE TRADITIONELL
EINE GROSSE ROLLE. AUF DIE ER-
FOLGREICHEN KOMPONENTEN WIE
ATELIER LUDWIGSBURG-PARIS UND INTERNATI-
ONAL PRODUCING, DIE INTERNATIONALE AUS-
RICHTUNG DES ANIMATIONSINSTITUTS SOWIE
DIE KONTINUIERLICH GEWACHSENE ANZAHL
STUDENTISCHER MOBILITÄTEN UND AUSLANDS-
PRODUKTIONEN, FOLGT EIN WEITERER, KONSE-
QUENTER SCHRITT MIT DER EINFÜHRUNG DES
MOBILITÄTSJAHRES, DAS ZWISCHEN GRUND-
UND HAUPTSTUDIUM PLATZIERT IST.
Künftig soll es allen Studierenden eines Jahrgangs im
Anschluss an ihr zweites Studienjahr den Zugang zu einer
individuellen Auslands erfahrung eröffnen. In vier
Sparten können Studierende zwischen zahlreichen internationalen
Optionen wählen:
Auf das Mobilitätsjahr folgt das Projektstudium. Auch
hier gibt es große Veränderungen, denn erstmals sind
Deutschkenntnisse in den meisten Studienschwerpunkten
keine Zulassungsvoraussetzung mehr für den
Quereinstieg ins Projektstudium. Neu aufgenommene,
internationale Studierende treffen hier also auf grundständige
Studierende, die aus ihrem Mobilitätsjahr zurückkommen.
So wird das Projektstudium – ab dem
3. Studienjahr - von einer Dynamik geprägt sein, die
sich aus internationalen Themen und interkultureller
Zusammenarbeit ergeben wird. Studierende auf einem
derart weltoffenen Campus können gemeinsam an Filmen
von internationaler Relevanz arbeiten und sich dadurch
perfekt auf ein zunehmend globales Branchenumfeld
vorbereiten.
Guido Lukoschek
Leitung International Office
1. Bilateraler Austausch – Besuch einer
Partnerhochschule im Ausland
2. Travelling Without Moving - Teilnahme an der
International Class mit bis zu 24 internationalen
Gaststudierenden auf dem Campus der
Filmakademie
3. Jobs & Praktika mit internationaler Dimension
4. Free Mover – freie Gestaltung des Mobilitätsjahres
zu Recherchezwecken oder zu individueller Weiterbildung
79

INTERNATIONAL NETWORKS
Sustainable Internationalisation –
Start in Winter Semester 2023/2024:
MOBILITY YEAR AND BILINGUAL
PROJECT STUDIES
AN INTERNATIONAL APPROACH
HAS TRADITIONALLY PLAYED
A MAJOR ROLE AT THE FILMAKA-
DEMIE. SUCCESSFUL COMPONENTS
SUCH AS THE ATELIER LUDWIGSBURG-PARIS
AND INTERNATIONAL PRODUCING, THE IN-
TERNATIONAL ORIENTATION OF THE ANIMATI-
ONSINSTITUT AND THE CONTINUOUSLY GRO-
WING NUMBER OF STUDENT MOBILITIES AND
PRODUCTIONS ABROAD ARE FOLLOWED BY A
FURTHER, CONSISTENT STEP WITH THE INTRO-
DUCTION OF THE MOBILITY YEAR, WHICH IS
PLACED BETWEEN BASIC AND MAIN STUDIES.
In the future, it will open up access to an individual experience
abroad to all students following their second
year of study. Students can choose between numerous
international options in four divisions:
1. Bilateral Exchange - visiting a partner university abroad.
2. Travelling Without Moving - participation in the
International Class with up to 24 international guest
students on the campus of FABW
3. Jobs & Internships with an international dimension
4. Free Mover - free arrangement of the mobility year for
research purposes or individual further education
The mobility year is followed by the project studies. Here,
too, there are major changes, because for the first time,
German language skills are no longer a prerequisite for
admission to the Project Studies programme. Newly admitted
international students will thus meet undergraduate
students returning from their mobility year. So, the
project studies - from the 3rd year onwards - will be
characterized by a dynamic that will result from international
topics and intercultural cooperation. Students on
such a cosmopolitan campus can work together on films
of international relevance and thus prepare themselves
perfectly for an increasingly global industry environment.
Guido Lukoschek
Head of International Office
80

LISTE DER PARTNERINSTITUTIONEN IM BILDUNGSBEREICH 23/24
LIST OF EDUCATIONAL PARTNER INSTITUTIONS 23/24
• AFDA – THE SOUTH AFRICAN SCHOOL OF
MOTION PICTURE, LIVE RECORDING AND LIVE
PERFORMANCE, Cape Town and Johannesburg,
South Africa
• LA FÉMIS, Paris, France
• LINDENWOOD UNIVERSITY, St. Charles,
Missouri, USA
• AFRINOLLY CREATIVE HUB, Lagos, Nigeria
• AL-QUDS UNIVERSITY, Ramallah,
Israel/Palestine
• BEJING FILM ACADEMY, Bejing, China
• COLOMBO FILM & TELEVISION ACADEMY,
Colombo, Sri Lanka
• ÉCOLE NATIONALE SUPÉRIEURE LOUIS
LUMIÈRE, Paris, France
• ESAV – ÉCOLE SUPÉRIEURE DES ARTS
VISUELS, Marrakech, Morocco
• MOHOLY-NAGY UNIVERSITY OF ART AND DE-
SIGN, Budapest, Hungary
• MOPA COMPUTER GRAPHICS ANIMATION
SCHOOL, Arles, France
• MUCII PICTURES, Nairobi, Kenya
• NATIONAL FILM SCHOOL OF DENMARK,
Copenhagen, Denmark
• NFTS - NATIONAL FILM & TELEVISION
SCHOOL, Beaconsfield, UK
• NOSONA STUDIOS – Benin City, Edo State, Nigeria
• FTII - FILM & TELEVISION INSTITUTE
OF INDIA, Pune, India
• THE ANIMATION WORKSHOP, VIA UNIVERSITY
COLLEGE, Viborg, Denmark
• FREE SZFE, Budapest, Hungary
• GOBELINS L’ÉCOLE DE L’IMAGE, Paris, France
• TOKYO UNIVERSITY OF THE ARTS -
THE GRADUATE SCHOOL OF FILM AND
NEW MEDIA, Tokyo, Japan
• INCINE, Quito, Equador
• UCLA EXTENSION, Los Angeles, USA
• KIBBUZIM COLLEGE, Tel Aviv, Israel
• KOREA NATIONAL UNIVERSITY OF ARTS,
SCHOOL OF FILM, TV & MULTIMEDIA,
Seoul, Republic of Korea
• FUNDACIÓN UNIVERSIDAD DEL CINE,
Buenos Aires, Argentina
• UNIVERSIDAD DE VALPARAISO,
Valparaiso, Chile
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INTERNATIONAL NETWORKS
„Meine berufliche Erfahrung war
voller neuer kultureller Entdeckungen
und Vielfalt“
Ein Interview mit Maryam Fizza
MARYAM FIZZA IST MITGLIED DES
VOM IFA STUTTGART UNTERSTÜTZ-
TEN CCP (CROSS CULTURE PRO-
GRAM) FELLOWSHIP AUSTAUSCHS
UND WURDE AUSGEWÄHLT, UM IM MAI
2023 DAS FABW INTERNATIONAL OFFICE
ZU VERSTÄRKEN. ALS JUNGE BERUFSTÄ-
TIGE AUS ISLAMABAD IN PAKISTAN GIBT
SIE UNS EINBLICKE IN IHRE KARRIERE ALS
2D-KÜNSTLERIN UND IHRE ERSTE ZEIT IM
AUSLAND, IN DEUTSCHLAND.
Wie bist Du auf die Filmakademie gestoßen?
Kannst Du uns etwas über Deine Aufgaben hier
erzählen?
Ich wurde für das zweieinhalbmonatige ifa-Stipendium
ausgewählt, und das hat mich dazu gebracht, ein Praktikum
zu machen. Ein Teil meiner Aufgabe besteht darin,
das International Office bei der Organisation der International
Class zu unterstützen. Außerdem habe ich ein
paar Kurse am Animationsinstitut besucht und einigen
Erstsemestern bei ihren Filmprojekten geholfen.
Maryam, kannst Du uns sagen, wer du bist?
Und was Du machst?
Was die Kurse an der FABW betrifft, hattest Du
da irgendwelche Favoriten?
Maryam: Ich arbeite hauptsächlich im Bereich 2D- und
3D-Animationsgrafik. Ich habe meine Karriere im Jahr
2012 begonnen. Unter anderem habe ich bei der Kinder-Zeichentrickserie
BURKA AVENGER und im National
Incubation Centre gearbeitet, um verschiedenen
Startups beim Aufbau zu helfen. Derzeit arbeite ich als
3D-Artist und Senior Visual Architect und unterrichte
einen Kurs für visuelles Design an der AIR University.
Oh ja! Der Kurs Deutsche Filmgeschichte hat mir sehr
gut gefallen. Er war so aufschlussreich! Ich fand es toll
zu lernen, wie sich Filme hier im Laufe der Zeit entwickelt
haben und die unterschiedliche Herangehensweise
der Filmschaffenden an das deutsche Kino hat mich
sehr beeeindruckt. Es gab auch einen Kurs am Animationsinstitut
über ‘Facial Expressions in Maya’, der sehr
informativ war.
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Welche Erfahrungen hast Du hier als Ausländerin
gemacht, insbesondere aus einem so weit entfernten
und kulturell so unterschiedlichen Land
wie Pakistan?
Es ist sehr... sehr interessant! Ich war vorher noch nie
alleine irgendwo hingereist, also war es für mich definitiv
aufregend, diese Erfahrung zu machen. Ich wusste
kaum etwas über den Prozess der Einwanderung, und
da ich mit dem Flugzeug gereist bin, habe ich nie den
Sonnenuntergang gesehen und mich gefragt, warum der
Tag nie zu Ende geht! In Pakistan wird es um 19:00 Uhr
dunkel, aber hier scheint die Sonne nie unterzugehen.
Als ich das erste Mal hier ankam, fragte ich mich, wie
ich wohl schlafen würde, denn ich bin darauf programmiert,
nur im Dunkeln einzuschlafen. Auch das Wetter
ist zuhause so viel besser, es ist dort viel wärmer.
Aber es ist wirklich einfach, sich hier einzugewöhnen,
denn die Qualität des Essens und der Einrichtungen ist
so gut. Und ich bin einfach nur glücklich, weil ich mir
ein Fahrrad gekauft habe und jetzt überall damit hinfahren
kann!
Wer ist für Dich in Deinem Land ein berufliches
Vorbild?
Der erste Name, der mir in den Sinn kommt, ist Sharmeen
Obaid-Chinoy, deren Film A GIRL IN THE RIVER:
THE PRICE OF FORGIVENESS einen Oscar® gewonnen
hat. Zweitens der Sänger Haroon Rashid, der auch als
Schöpfer von BURKA AVENGER bekannt ist. Ich hatte
eine wirklich bemerkenswerte Zeit in diesem Team und
habe viel von ihm gelernt.
Was würdest Du den Menschen sagen, die versuchen,
in einem solchen Studien- und Berufsfeld
erfolgreich zu sein?
Aus meiner Situation betrachtet, glaube ich definitiv,
dass es viele sprachliche Unterschiede gibt und die
Kommunikation daher oft schwierig ist. Das Gute daran
ist, dass wir heute in einem Zeitalter der Technologie
leben, so dass niemand mehr durch seine Sprache
oder andere Grenzen eingeschränkt ist. Ich spreche
kein Deutsch, aber das stellt hier für mich kein Problem
dar. Allerdings ich muss gestehen, dass ich das Essen in
Pakistan sehr vermisse. Wir sind an scharfes Essen gewöhnt
und das scheint es hier nicht zu geben. (lacht)
Aber Spaß beiseite: Es gibt immer einen Weg, diese kleinen
Schlachten zu schlagen und weiterzukommen, und
das ist meine Botschaft.
Das Interview führte Riyaaz Roy
”My Professional Experience Was Full of
New Cultural Exploring and Diversity“
An Interview with Maryam Fizza
MARYAM FIZZA IS A MEMBER OF
THE CCP (CROSS CULTURE PRO-
GRAM) FELLOWSHIP EXCHANGE
SUPPORTED BY IFA STUTTGART
AND WAS SELECTED TO JOIN THE FABW INTER-
NATIONAL OFFICE IN MAY 2023. AS A YOUNG
PROFESSIONAL FROM ISLAMABAD/PAKISTAN,
SHE GIVES US INSIGHTS OF HER CAREER AS A
2D ARTIST AND HER VERY FIRST TIME ABROAD,
IN GERMANY.
Maryam, could you tell us who you are? And
what you do?
Maryam: I primarily work in 2D and 3D animation
graphics. I started my career in 2012. Among other
things, I worked in the kids’ animated TV Series BURKA
AVENGER and at the National Incubation Centre to help
different start-ups build themselves. Currently, I work
as a 3D artist and a senior visual architect and I teach a
course for Visual Design at AIR University.
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INTERNATIONAL NETWORKS
How did you come across the Filmakademie?
Could you tell us a bit about your role here?
I was selected for the ifa cross-culture fellowship for
two and a half months and that’s what led me to do
an internship. Part of my job is to help the international
Office here to arrange their International Class. I also
attended a few courses at the Animationsinstitut and
helped some first-year students with their film projects.
Regarding the courses at FABW, did you have any
favourites?
Oh yes! I really liked the German Film History class.
It was so insightful! I loved learning about how films
evolved here over time and how different filmmakers
approached German cinema. There was also a course at
the Animationsinstitut about ‘Facial Expressions in Maya’
which was very informative.
What would your message be to the people who
are trying to achieve some form of success in
such a field of study and profession?
In my situation for instance, I definitely believe there is
a lot of difference in language and hence, the communication
is often difficult. The good thing is that now is
a time and an age of technology, so no one is bound by
their language or any other limit. I don’t know German
but I don’t find it difficult here. But I must confess that
I am definitely missing the food I had in Pakistan. We
are used to spicy food and here that doesn’t seem to exist.
(laughs) But joking aside, there’s always a way to fight
these small battles and get ahead and that is what my
message would be.
The interview was conducted by Riyaaz Roy
What are your experiences here, being an international,
especially from a country as far away
and culturally different as Pakistan?
It is very... very interesting! I had never travelled anywhere
alone before, so it was definitely exciting for me
as I was going through this experience. I hardly knew
anything about immigration and as I was travelling via
plane, I never saw the sunset which made me wonder
why the day never ended! In Pakistan, we have darkness
by 7:00 pm but here, the sun never seems to set. The
first time I arrived here, I was wondering how I would
sleep as I am programmed to go to sleep only in the dark.
Also the weather is so much better back home, it’s way
warmer there. But it’s definitely so easy to adjust here
as the quality of food and facilities is so good. And I’m
just happy because I got myself a bike and now I ride it
everywhere!
In your country, who do you consider a role model,
acting as an example for you in your line of
work?
The first name which comes to my mind is Sharmeen
Obaid-Chinoy, her film A GIRL IN THE RIVER: THE
PRICE OF FORGIVENESS won an Oscar®. Secondly, Haroon
Rashid, who’s a singer but is also known for creating
BURKA AVENGER. I really had a remarkable time
working in the team and I learned a lot from him.
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DOZIERENDE IM PORTRÄT
FABW Motion Design Projekte: THE GLITTEST
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„Die größte Gefahr für Design
ist ein Ego“
Ein Gespräch mit Prof. Dr. Heike Sperling
Leitende Dozentin im Studiengang Motion Design
Dr. Sperling, die Ende der 1990er Jahre bei Bazon Brock
in Ästhetik promovierte, wurde mit ihren Motion-Design-Projekten
weltweit – u.a. vom Art Directors Club
Deutschland, der Broadcast Designer Association International,
dem Cannes Lions International Festival und
dem New York Festivals World’s Best Advertising Award
– ausgezeichnet.
Ihre Karriere begann Dr. Sperling bei RTL Television.
Anfang der 1990er war sie für die Entwicklung des On
Air Designs zum Sendestart des TV-Senders VOX verantwortlich.
Danach arbeitete sie als freiberufliche Produzentin,
Regisseurin und Creative Director in Deutschland
und den USA. 2002 entwickelte sie mit Chris
Rehberger von Double Standard das On Air Design des
Musiksenders VIVA PLUS und 2003 initiierte sie mit der
britischen Designlegende Peter Saville das Redesign des
WDR. Dr. Sperling produzierte auch Musikvideos, die
sich auf experimentelle und elektronische Musik konzentrierten.
SEIT 1998 LEITET PROF. DR. HEIKE
SPERLING AN DER FILMAKADEMIE
BADEN-WÜRTTEMBERG DEN AUFBAUSTU-
DIENGANG MOTION DESIGN. ALS KOMMU-
NIKATIONSEXPERTIN, KREATIVDIREKTORIN
UND PRODUZENTIN BERÄT SIE INSTITUTIO-
NEN, UNTERNEHMEN UND FREIE KONSTEL-
LATIONEN IM BEREICH KOMMUNIKATION
UND ÖFFENTLICHKEITSARBEIT. ZU IHREN
KUNDEN ZÄHLEN INTERNATIONALE
MEDIENUNTERNEHMEN WIE IBM, RTL
GROUP UND TELEKOM, ABER AUCH MEDIEN-
REFORMER WIE HOTWIRED SOWIE KULTUR-
KOLLEKTIVE UND GROSSE FESTIVALS WIE
DIE C/O POP UND DIE MONHEIM TRIENNALE.
2004 berief die Robert Schumann Hochschule Dr. Sperling
als Professorin für Digitale Bildmedien. Sie leitet an
der renommierten Düsseldorfer Musikhochschule den
Masterstudiengang Klang und Realität sowie den Studienschwerpunkt
Visual Music. 2015 wurde sie in den Beirat
des Center for Visual Music in Los Angeles, USA berufen
und 2022 in den Vorstand von ON - Neue Musik
Köln e.V. gewählt.
Liebe Heike, um den Begriff Motion Design ranken
sich immer noch einige Fragezeichen und
Mythen. Kläre uns doch bitte mal auf, was Motion
Design tatsächlich bedeutet.
Diese Fragezeichen existieren nicht nur an der Filmakademie,
bei Studierenden, Lehrenden und auch in der
Verwaltung, sondern ganz generell. In den Aufnahmegesprächen
stellen wir fest, dass die wenigsten Bewerber*innen
die Begriffe Motion Design oder Motion Graphics
kennen. Die suchen online eher nach „Gestaltung“,
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DOZIERENDE IM PORTRÄT
„Audiovisuelle Kommunikation“ oder „Design“. Und das,
obwohl Motion Design ein feststehender Begriff ist. Außerdem
erwarten viele dieses Studienfach nicht an einer
Filmhochschule. Selbst Menschen in den Designfakultäten
tun sich manchmal damit schwer. Dabei ist die
Erklärung ziemlich einfach: Motion Design ist Bild plus
Grafik plus Animation plus Sound. In dieser Mischung
kommen also verschiedene Gewerke zusammen. Einmal
das klassische Grafikdesign, wie man es zum Beispiel
von Postern kennt. Die Grafik wird dann animiert,
kommt in Bewegung. Dazu gesellen sich Sounddesign
und Musik, wir machen ja keine Stummfilme. Und ganz
oft kommt noch Live Action, also das bewegte Bild, hinzu.
Diese Mixtur ist dann Motion Graphics oder – wie
man in Deutschland eher sagt – Motion Design. Wenn
ich früher nach der Bedeutung des Begriffs gefragt wurde,
habe ich als Beispiel einfach die Vorspänne der James-
Bond-Filme genannt, dann war es sofort klar.
Aber ihr macht ja noch sehr viel mehr als solche
Vorspänne.
Ja, Motion Design kommt inzwischen fast überall vor.
Da wir jetzt alle permanent im Internet unterwegs sind,
gibt es kaum noch unbewegte Grafik. Das gilt selbst für
Flyer, die zu einem Vortrag oder einer Party einladen,
ob nun auf Facebook, Instagram oder TikTok. Auf einem
viel größeren Level gespiegelt findet man das z.B. bei der
aktuellen Tour von Beyoncé. Da war das gesamte Kölner
Fußballstadion mit silberner Folie ausgelegt und Motion
Design überall integriert. Auch die riesigen Stände der
internationalen Automobilausstellungen in Frankfurt
oder Detroit werden heutzutage mit bewegten Grafiken
und Sounddesign, mit Videowalls und Hunderten von
Lautsprechern bespielt. Eine Abteilung, mit der wir an
der Filmakademie sehr eng zusammenarbeiten, ist der
Studiengang Journalistischer Film, weil dort oft komplexe
Sachverhalte ohne viele Worte vermittelt werden
müssen. Gerade in der deutschen Sprache tun wir uns ja
oft schwer, komplizierte Dinge einfach zu erklären. Motion
Design hilft dabei, einen Überblick zu bekommen
und unterstützt die sprachliche Vermittlung. Ich könnte
jetzt noch ganz viele andere Einsatzgebiete nennen im
Fernsehen, im Netz oder auch im Kino.
Bei so einem vielfältigen Einsatzgebiet werden
Motion Designer*innen doch mit Sicherheit stark
nachgefragt im Markt?
Absolut. Umso bedauerlicher ist es, dass wir so wenige
Bewerbungen bekommen. Zumal so ein Postgraduiertenstudium
Motion Design gar nicht an anderen Hochschulen
in Deutschland angeboten wird. Eigentlich müssten
uns die Bewerber*innen die Türen einrennen. Ich sehe
für diese Flaute drei Gründe: Wie erwähnt, vermuten
viele diesen Studiengang nicht an der FABW, obwohl
sie das beste Habitat für uns ist. Eine Filmhochschule
bietet ein viel besseres Umfeld als eine Designfakultät,
weil wir hier direkt unsere Kollaborateur*innen und
auch unsere Kundschaft treffen. Allein die Zusammenarbeit
mit Sounddesign und Filmmusik gibt es an anderen
Hochschulen überhaupt nicht. Ein zweiter Grund ist,
dass viele Motion Designer*innen, gerade weil sie so begehrt
sind, direkt nach ihrem Bachelorabschluss in die
Wirtschaft gehen und sich selbständig machen, anstatt
noch ein Aufbaustudium abzuschließen. Und zum Dritten
fehlt im Augenblick, nicht nur an der FABW, noch eine
wirkliche Internationalisierung, dass wir Studierende
aus allen Kontinenten aufnehmen und zumindest zweisprachig,
also in jeder Hinsicht diverser werden.
JAZZ MANNHEIM
88

Dann dürfte der an der Filmakademie eingeschlagene
Weg einer konsequenten Internationalisierung
und eines bilingualen Curriculums ganz in
Deinem Sinne sein.
Ja, wobei ich einen Aspekt dabei sehr wesentlich finde.
Ich habe in Düsseldorf schon eine internationale Klasse
im Masterstudium. Dort sagen mir die Studierenden,
wie wichtig es ist, auch Deutsch im Unterricht zu haben,
weil sie hier Geld verdienen und auch Teil dieser
Gesellschaft werden wollen. In Berlin schaffen es native
speaker teilweise gar nicht mehr, Deutsch zu lernen, weil
alle Englisch mit ihnen sprechen. In Düsseldorf versuchen
wir deswegen, Zweisprachigkeit zu institutionalisieren.
Das ist aber super schwierig. Die meisten Prüfungsordnungen
geben das nicht her. Trotzdem wäre
das der richtige Weg. Die Motion-Design-Studierenden
kommen auch mit Englisch durch, sie arbeiten ohnehin
international und viel online. Aber das Deutsche ist
eben auch wichtig.
gemerkt, dass in dieser Woche Bekanntschaften oder sogar
Freundschaften entstehen und sie im Anschluss weiter
zusammenarbeiten. Ich habe auch gemerkt, dass es
dafür diese gemeinsamen Projekte braucht. Das ist im
Spielfilm, Dokumentarfilm oder der Serie genauso. Danach
haben wir Workshops mit Werbefilm, Szenenbild,
Montage/Schnitt oder Filmgestaltung etabliert, natürlich
auch mit Interaktive Medien. Motion Design führt ja beispielsweise
auch durch Computerspiele. Journalistischer
Film hatte ich schon genannt. Es gibt also etliche Abteilungen,
mit denen Motion Design seit vielen Jahren
zusammenarbeitet. Außerdem müssen alle drei Pflichtprojekte
pro Semester Kollaborationsprojekte sein. Da
sehe ich aktuell also keinen Ausbaubedarf. Außer vielleicht
mit der ADK. Da gäbe es natürlich ebenfalls Berührungspunkte,
wie z.B. interaktive Bühnenbilder. Bislang
kam aber noch keine Zusammenarbeit zustande.
Was beeindruckt Dich am meisten an Deinen
Studierenden?
Siehst Du Deine Studierenden gut in die Abläufe
und interdisziplinäre Zusammenarbeit an der
FABW integriert? Wo gäbe es für Dich noch Verbesserungsmöglichkeiten?
Ich bin jetzt schon 25 Jahre an der Filmakademie. Als
Manfred Becker und ich den Studiengang 1998 gegründet
haben, ähnelte er oft einer Art Blinddarm, wir wurden
nur bei "Bauchschmerzen" bemerkt. Die Studierenden
von Motion Design haben sich auch an ihre Rechner
zurückgezogen. Wir sind dann auf andere Gewerke zugegangen
und haben gemeinsame Veranstaltungen geplant.
Angefangen haben wir mit einwöchigen Workshops mit
Filmmusik und Sounddesign. Dabei habe ich schnell
Motion Design ist ein Studium auf allerhöchstem Niveau.
Wir verlangen viel von den Studierenden. Deshalb
sind es vor allem fünf Dinge, vor denen ich wirklich
großen Respekt habe. Zunächst einmal bewundere
ich ihre Geduld, mit den vielen künstlerischen Egos an
der Filmakademie umzugehen, die glauben, dass Ästhetik
Schönheit sei und Design Verpackung. Die MD-Studierenden
versuchen dann dieses Vorurteil durch ihre
Kommunikationsfähigkeit, Freundlichkeit und Intelligenz
zu heilen. Sie müssen jedes Mal wieder in Ruhe erklären,
was Motion Design ist. Das Zweite, was ich an
ihnen bewundere, ist ihre enorme Disziplin. Alexander
Hanowski und ich erwarten als die leitenden Dozent*innen,
dass sie drei Projekte pro Semester abgeben. Das
89

DOZIERENDE IM PORTRÄT
IN HER ARMS
heißt, sie kommen mit einem Portfolio von zwölf Arbeiten
plus Diplomprojekt in den Markt. Dann ihr riesiger
Mut, in all diese komplizierten Technologien zumindest
reinzuschauen. Außerdem ihre Innovationskraft und ihren
Forscher*innengeist, weil jedes Projekt neu sein und
auffallen muss. Als Letztes, und das ist wahrscheinlich
das Schwierigste, JAZZ MANNHEIM
dass sie eine Balance entwickeln zwischen
Dienstleistung und der eigenen künstlerischen
Entwicklung. Das ist ein krasser Spagat, für andere, für
ein anderes Projekt zu arbeiten, gleichzeitig aber eine
Innovation zu bringen als Künstlerin oder als Künstler.
Diese fünf Dinge bewundere ich sehr an den Studierenden
und dadurch kommen am Ende diese tollen Projekte
heraus.
Wie wird sich das Berufsbild Motion Design Deiner
Meinung nach in den nächsten Jahren entwickeln
und wo siehst Du die größten Herausforderungen
für die Ausbildung an der Filmakademie?
Ich glaube, für jede Motion Designerin und jeden Motion
Designer gibt es im Verlauf des Lebens eine natürliche
Entwicklung. Mein großes Vorbild ist Peter Saville.
Er hat u.a. das berühmte Cover des Albums „Unknown
Pleasures“ von New Order gestaltet und war der Art Director
von Factory Records in Manchester. Als ich auf
die 40 zuging, sagt er zu mir: Heike, du musst das eigentliche
Gestalten an die nächste Generation abgeben,
und du musst sehen, dass du aus dieser Schlacht rauskommst
auf den Hügel und die Übersicht gewinnst. Der
klassische Weg in diesem Berufsfeld führt über Stationen
vom Junior Designer zum Senior Designer, vom Junior
Art Director zum Senior Art Director, dann geht
es in die Junior Creative Direction und Senior Creative
Direction. Heute, mit 58, bin ich vorwiegend als Beraterin
tätig und kann auch große Projekte mit hohem
Budget überschauen. Je weiter ich mich entwickle, desto
mehr kann ich natürlich dann auch delegieren. Die aktuellen
Studierenden müssen erstmal unglaublich viele
Systeme, Technologien, Software oder Creative Coding
beherrschen oder zumindest ein Verständnis für die
Programmierung von dialogischen Echtzeit-Designsystemen
z.B. für Themenparks oder große Shows entwickeln.
Davor habe ich, wie gesagt, einen riesigen Respekt.
Bei aller Technologie und allen rasanten Entwicklungen
ist die Aufgabe von Motion Design – und von allen Arten
von Design, Gestaltung oder Grafik – aber immer
dieselbe, nämlich aufzufallen durch Unterscheidung. Im
Kern geht es also um Denken und Sprache und vor allen
Dingen um Kommunikation und Dialog. Deswegen
ist die größte Gefahr beim Design immer das eigene Ego
und dass ich mich nur um mich selbst drehe.
Wie genau bist Du zum Motion Design
gekommen?
Es gibt zwei ganz wichtige Momente, die mich zum Motion
Design gebracht haben. Der eine ist, dass MTV in
Deutschland 1987 auf Sendung ging. Da war ich noch im
Studium und wir wollten alle Musikvideos machen. Und
MTV hatte eben Motion Design, diese Hunderte von Logokennungen
in Bewegung. Das war etwas komplett Neues
in den 1980ern, und im Studium gab es niemanden, der
uns das hätte beibringen können, nicht mal im Ansatz.
Wir hatten noch nicht mal Computer an der Hochschule.
Ich wollte das unbedingt machen und habe dann 1989
bei RTL bei Manfred Becker in der Abteilung angefangen.
Der zweite Moment war drei Jahre später, also 1990, die
Einführung von Buzz TV bei MTV. Das hat mich buchstäblich
vom Hocker gehauen. Das waren kurze, gesampelte
Fernsehsendungen mit viel Motion Design, die sich
mit der Zukunft beschäftigten. Das war ja noch vor dem
Internet, aber das klingt in diesen Sendungen alles schon
an. Die private Fernsehindustrie ist zu dieser Zeit in
90

Deutschland explodiert. Mit 27 wurde ich bereits Kreativdirektorin
von VOX zum Sendestart. Buzz TV haben wir
damals als Referenz für den Look von VOX genommen.
Das Wichtigste in meinem Designerinnen leben ist also
MTV bzw. das neue Genre Musikfernsehen: Single-Länge,
drei bis vier Minuten, und diese Mischung aus Sound,
Musik, schnellem Schnitt, Editing-Rhythmus und
Graphics, die sich dazu bewegen, gemischt mit Live
Action. Das war für mich die Initialzündung.
Deine Biografie liest sich, als müsste ein Tag mindestens
48 Stunden haben. Wie bekommst Du all
Deine Aktivitäten unter einen Hut?
Ich merke selbst, dass ich ultraschnell bin, schon beim
Reden. Womit ich umgehen muss, ist, dass ich Flüchtigkeitsfehler
mache. Diese wahnsinnig hohe Geschwindigkeit
und dass ich viele Sachen nebeneinander mache, ist
fast eine Art Behinderung. Das führt dazu, dass ich immer
Leute brauche, die Sachen nochmal angucken. Hier
an der FABW könnte ich z.B. ohne Jürgen Klozenbücher,
Studienkoordination Motion Design, meinen Job nicht
vernünftig machen und ich empfinde tiefe Dankbarkeit
für diese Art Unterstützung. Deshalb habe ich eine große
Offenheit für Kritik, weil ich darauf angewiesen bin,
dass andere meine Flüchtigkeitsfehler korrigieren. Ich
erzeuge auch oft Gegenwehr bei Menschen, die vor meiner
„Pushiness“ zurückschrecken. Heute ist mir nicht
mehr so wichtig, was andere von mir denken und ich
vertraue mehr und mehr, je älter ich werde, meiner Inspiration.
Das Motto, das ich im Augenblick am liebsten
mag, ist: Love what loves you back! Also nicht an Türen
rütteln, die nicht aufgehen. Und ich brauche halt eine
Community, Leute, die spezialisiert sind. Ich bin eine
Generalistin, ich kann sehr viele Dinge, kann mich über
alles unterhalten, aber ich bin keine Expertin.
Wie würdest Du diesen Satz beenden?
Die Filmakademie ist für mich…
…wie schon erwähnt, das beste Habitat für Motion Design.
Wir sind nirgendwo besser aufgehoben. Ganz viele unserer
Ehemaligen haben zusammen Studios gegründet,
also direkt Gemeinschaften aufgebaut. Diese Gemeinschaft
und Kommunikation sind für mich der Schlüssel
sowohl für Motion Design als auch für die Filmakademie
im Ganzen.
HOMEPAGE:
HTTP://HEIKESPERLING.DE/LATEST-ADDITIONS/
91

LECTURERS IN PORTRAIT
DEJA-VU
92

”The Greatest Danger for Design
Is an Ego“
A conversation with Prof. Dr. Heike Sperling
Head lecturer in the Motion Design study course
Dr. Sperling, who received her doctorate in aesthetics
from Bazon Brock in the late 1990s, has received awards
for her motion design projects worldwide - including
from the Art Directors Club Germany, the Broadcast Designers
Association International, the Cannes Lions International
Festival and the New York Festivals World‘s
Best Advertising Award.
Dr. Sperling began her career at RTL Television. In the
early 1990s, she was responsible for the development of
the on-air design for the launch of the TV channel VOX.
She then worked as a freelance producer, director and
creative director in Germany and the USA. In 2002, she
developed the on-air design of the music channel VIVA
PLUS with Chris Rehberger of Double Standard, and in
2003 she initiated the redesign of WDR with the British
design legend Peter Saville. Dr Sperling also produced
music videos that focused on experimental and electronic
music.
PROF. DR. HEIKE SPERLING HAS BEEN
HEAD OF THE MOTION DESIGN POST-
GRADUATE COURSE AT FILMAKADEMIE
BADEN-WÜRTTEMBERG SINCE 1998. AS A
COMMUNICATION EXPERT, CREATIVE DIREC-
TOR AND PRODUCER, SHE ADVISES INSTI-
TUTIONS, COMPANIES AND INDEPENDENT
CONSTELLATIONS IN THE FIELD OF COM-
MUNICATION AND PUBLIC RELATIONS. HER
CLIENTS INCLUDE INTERNATIONAL MEDIA
COMPANIES SUCH AS IBM, RTL GROUP AND
TELEKOM, BUT ALSO MEDIA REFORMERS
SUCH AS HOTWIRED AS WELL AS CULTURAL
COLLECTIVES AND MAJOR FESTIVALS SUCH
AS C/O POP AND THE MONHEIM TRIENNALE.
In 2004, the Robert Schumann University appointed
Dr. Sperling as Professor of Digital Visual Media. She directs
the master‘s programme Sound and Reality and the
Visual Music major at the renowned Düsseldorf University
of Music. In 2015 she was appointed to the advisory
board of the Center for Visual Music in Los Angeles,
USA, and in 2022 she was elected to the board of ON -
Neue Musik Köln e.V.
Dear Heike, there are still some question marks
and myths surrounding the term motion design.
Please explain to us what motion design actually
means.
These question marks exist not only at the Filmakademie,
among students, teachers and also in the administration,
but quite generally. In the admissions interviews,
we find that very few applicants know the terms motion
design or motion graphics. They tend to search online
for „design“ or „audiovisual communication“. This
is despite the fact that motion design is an established
93

LECTURERS IN PORTRAIT
term. Moreover, many don‘t expect to find this subject at
a film school. Even people in design faculties sometimes
are astonished by this. Yet the explanation is quite simple:
motion design is image plus graphics plus animation
plus sound. So, in this mixture, different trades come together.
On the one hand, there is classic graphic design,
as we know it from posters, for example. The graphics
are then animated, set in motion. Then there is sound
design and music, because obviously we don‘t make silent
films. And very often live action, the moving image,
is added. This mixture is then called motion graphics
or - as they say in Germany - motion design. When people
used to ask me what the term meant, I would simply
give the opening credits of the James Bond films as
an example, and it was immediately clear.
But you do a lot more than just opening credits.
Yes, motion design is now almost everywhere. Since we
are all permanently on the Internet now, there are hardly
any still graphics. That even applies to flyers inviting
people to a lecture or a party, whether on Facebook,
Instagram or TikTok. Mirrored on a much larger level,
this can be found, for example, in Beyoncé‘s current tour.
The entire Cologne football stadium was covered with
silver foil and motion design was integrated everywhere.
Even the huge stands at the international motor shows
in Frankfurt or Detroit are nowadays covered with motion
graphics and sound design, with video walls and
hundreds of loudspeakers. One department with which
we work very closely at FABW is the Film Journalism
course, because complex issues often have to be conveyed
there without many words. Especially in the German
language, we often find it difficult to explain complicated
things in a simple way. Motion design helps to
get an overview and supports linguistic communication.
I could name many other areas of application on television,
on the Internet or in the cinema.
94
With such a wide range of applications, surely
motion designers are in great demand on the
market?
Absolutely. That makes it all the more regrettable that
we receive so few applications. Especially since such a
postgraduate programme in motion design is not offered
at other universities in Germany. Actually, the applicants
should be beating down our doors. I see three
reasons for this lull: As I mentioned, many people don‘t
think this course is offered at FABW, even though it is
the best habitat for us. A film school offers a much better
environment than a design faculty, because here we
meet our collaborators directly and also our clientele.
The collaboration with Sound Design and Film Music
alone does not exist at all at other universities. A second
reason is that many motion designers, precisely because
they are so sought-after, go straight into business
after their bachelor‘s degree and become self-employed
instead of completing a postgraduate degree. And thirdly,
what is missing at the moment, not only at FABW, is
a real internationalization, that we accept students from
all continents and become at least bilingual, i.e. more diverse
in every respect.
Then the path of consistent internationalization
and a bilingual curriculum taken at the Filmakademie
should be entirely in your interest.
Yes, although I think one aspect is very important. I already
have an international class in the Master‘s programme
in Düsseldorf. The students there tell me how
important it is to have German in class because they earn
money here and want to be part of this society. In Berlin,
native speakers sometimes no longer manage to learn
German because everyone speaks English with them. In
Düsseldorf, we are therefore trying to institutionalize bilingualism.
But that is super difficult. Most examination

egulations don‘t allow for it. Nevertheless, that would
be the right way. The motion design students can get by
with English, they work internationally and online a lot
anyway. But German is also important.
Do you see your students well integrated into the
processes and interdisciplinary cooperation at
FABW? Where would there still be room for improvement?
I‘ve been at the Filmakademie for 25 years now. When
Manfred Becker and I founded the study course in 1998,
it often resembled a kind of appendix, we were only noticed
when someone had a "tummy ache". The Motion
Design students also retreated to their computers. We
then approached other departments and planned joint
events. We started with one-week workshops with Film
Music and Sound Design. I quickly noticed that acquaintances
or even friendships were formed during this week
and that they continued to work together afterwards. I
also noticed that these joint projects are necessary. It‘s
the same in feature films, documentaries or series. Then
we established workshops with Advertising Film, Production
Design, Editing or Experimental Filmmaking,
and of course also with Interactive Media. Motion design
also leads through computer games, for example. I
already mentioned Film Journalism. So, there are quite
a few departments with which Motion Design has been
working for many years. In addition, all three compulsory
projects per semester have to be collaborative projects.
Therefore, I don‘t see any need for expansion at the
moment. Except perhaps with the ADK. Of course, there
would also be points of contact, such as interactive stage
designs. So far, however, no cooperation has come about.
What impresses you most about your students?
Motion Design is a course of study at the very highest
level. We demand a lot from the students. That‘s why
there are five things in particular that I really have a lot
of respect for. First of all, I admire their patience in dealing
with the many artistic egos at FABW who believe that
aesthetics is beauty and design is packaging. The MD students
then try to cure this prejudice with their communication
skills, kindness and intelligence. They have to
calmly explain what motion design is again and again.
The second thing I admire about them is their enormous
discipline. Alexander Hanowski and I, as the lead lecturers,
expect them to hand in three projects per semester.
That means they come to the market with a portfolio
of twelve works plus a diploma project. Then there‘s
their enormous courage to at least look into all these
complicated technologies. Also, I bow to their innovative
strength and their spirit of research, because every project
has to be new and stand out. Lastly, and this is probably
the most difficult thing, that they develop a balance
between service and their own artistic development. It‘s
a tough balancing act, working for others, for another
project, but at the same time bringing innovation as an
artist. These are five things that I admire a lot about our
students and that finally result in all these great projects.
How do you think the profession of motion design
will develop in the next few years and where
do you see the biggest challenges for training at
the Filmakacademie?
I believe that for every motion designer there is a natural
development in the course of life. My great role
model is Peter Saville. Among other things, he designed
the famous cover of the album „Unknown Pleasures“ by
New Order and was the art director of Factory Records
in Manchester. When I was approaching 40, he said to
me: Heike, you have to hand over the actual designing to
the next generation, and you have to see that you come
95

LECTURERS IN PORTRAIT
out of this battle onto the hill and win the overview. The
classic path in this professional field leads through stages
from junior designer to senior designer, from junior
art director to senior art director, then it goes to junior
creative direction and senior creative direction. Today, at
58, I work mainly as a consultant and can also oversee
large projects with a high budget. The more I develop,
the more I can delegate, of course. Current students first
have to master an incredible number of systems, technologies,
software or creative coding, or at least develop
an understanding of programming real-time dialogue
design systems for theme parks or large shows, for example.
I have a huge respect for that, as I said.
But despite all the technology and all the rapid developments,
the task of motion design - and of all kinds of design,
layout or graphics - is always the same, namely to
stand out through differentiation. In essence, it‘s about
thinking and language and, above all, about communication
and dialogue. That‘s why the biggest danger in
design is always one‘s own ego and that I only revolve
around myself.
How exactly did you get into motion design?
Your biography reads as if there must be at least
48 hours in a day. How do you manage all your
activities?
I self-consciously perceive that I‘m ultra-fast, even when
I‘m talking. What I have to deal with is that I make careless
mistakes. This insanely high speed and the fact that
I do many things at the same time is almost a kind of
handicap. As a result, I always need people to look at
things again. Here at FABW, for example, I could not
do my job properly without Jürgen Klozenbücher, Motion
Design Study Coordinator, and I feel deep gratitude
for this kind of support. That‘s why I have a great openness
to criticism, because I depend on others to correct
my careless mistakes. I also often provoke backlash from
people who shy away from my „pushiness“. Today I don‘t
care so much what others think of me and I trust my
inspiration more and more as I get older. The motto I
like best at the moment is: Love what loves you back!
So don‘t shake doors that won´t open. And I just need a
community, people who are specialists. I am a generalist,
I can do a lot of things, I can talk about everything, but
I am not an expert.
There are two very important moments that brought me
to motion design. One is that MTV went on air in Germany
in 1987. I was still a student and we all wanted
to make music videos. And MTV just had motion design,
these hundreds of logo identifiers in motion. That
was something completely new in the 1980s, and there
was no one at university who could have taught us that,
not even to begin with. We didn‘t even have computers
at the university. I really wanted to do it and in 1989 I
started working for RTL in Manfred Becker’s department.
The second moment was three years later, in 1990, when
Buzz TV was introduced at MTV. That literally blew my
mind. These were short, sampled television programmes
with a lot of motion design that dealt with the future.
That was before the internet, but it all resonated in those
programmes. The private television industry was exploding
in Germany at that time. At 27, I was already creative
director of VOX at the start of the broadcast. Back then,
we used Buzz TV as a reference for the look of VOX. So,
the most important thing in my designer life is MTV or
the new genre of music television: Single length, three
to four minutes, and this mixture of sound, music, fast
editing, editing rhythm and graphics that move with it,
mixed with live action. That was the initial spark for me.
How would you end this sentence?
The Filmakademie for me is...
...as I mentioned before, the best habitat for motion design.
There is no better place for us. A lot of our alumni
have founded studios together, so they have built communities
directly. That community and communication,
to me, are key to both motion design and FABW as a
whole.
HOMEPAGE:
HTTP://HEIKESPERLING.DE/LATEST-ADDITIONS/
96

STICK ABC
HSR TYPE
97

DREHBERICHT
SHOOTING REPORT
98

99

DREHBERICHT
KAGE
(Schatten)
IM JAHR 1935 PUBLIZIERTE DER JAPANI-
SCHE AUTOR EIJI YOSHIKAWA IN SEINEM
BUCH ÜBER DEN LEGENDÄREN SAMURAI
UND PHILOSOPHEN MIYAMOTO MUSASHI
DAS ZITAT: „ES IST LEICHT, EINEN ÄUSSE-
REN FEIND ZU VERNICHTEN, ABER UNMÖG-
LICH, EINEN INNEREN FEIND ZU BESIEGEN.˝
DIE GESCHICHTE DES VFX-DIPLOMFILMS
KAGE (JAPANISCH FÜR SCHATTEN) MACHT
SICH DIE PHILOSOPHIE UND TUGENDEN DER
SAMURAI ZU NUTZE, UM INNERE KONFLIK-
TE ALS BUCHSTÄBLICHEN KAMPF GEGEN
SICH SELBST ZU INSZENIEREN UND EINEN
MÖGLICHEN UMGANG MIT DIESEN ZU ILLUS-
TRIEREN. DIESE TUGENDEN WEISEN VIE-
LE PARALLELEN ZUM HEUTE BEKANNTEN
BUDŌ AUF, DER PHILOSOPHISCHEN KOMPO-
NENTE DER JAPANISCHEN KAMPFKÜNSTE.
Wir folgen dem jungen Samurai Taka, welcher auf einem
verlassenen mystischen Bergplateau inmitten seines in
Trümmern liegenden Trainingsorts vergeblich versucht,
mit maßlosem Training seinen inneren Konflikt beizulegen.
Dabei wird er – inspiriert vom Schattenarchetyp
der psychoanalytischen Theorie von Carl Gustav Jung
– in einen Kampf mit seinem eigenen Schatten verwickelt
und stellt fest, dass er diesen Kampf nicht gewinnen
kann.
Die Umsetzung dieses Films war eine große Herausforderung.
Wir mussten einen Samurai in einer fiktiven
Umgebung zeigen, einen asynchronen, dreidimensionalen
Schatten darstellen und eine metaphorische Geschichte
in weniger als vier Minuten erzählen. Glücklicherweise
hatten wir ein fantastisches Team von über
100 Menschen, darunter hochambitionierte Studierende
des Animationsinstituts und aus anderen Bereichen der
Filmakademie sowie erfahrene Branchenprofis, die diese
Herausforderung gemeinsam gemeistert haben.
Nachdem die Geschichte und die Kernpunkte festgelegt
waren, setzten Lee Huang (ein Mitglied der Stunt-
Crew von Jackie Chan) und sein Team die Kampfchoreografie
in einer ersten Previz um. Zusätzlich erhielten
wir in Online-Konferenzen wertvolle Anregungen aus
erster Hand von Ide Ryusetsu, einem japanischen Samurai-Großmeister,
der bereits für den Charakter Jin
Sakai im Video-Spiel GHOST OF TSUSHIMA als Motion-Capture-Darsteller
agiert hatte. Anschließend übernahm
der Kampfkünstler und Schauspieler Eskindir
Tesfay diese Grundlagen und finalisierte die Kampfchoreografie
zusammen mit den Darstellern Anon Mall (Samurai
Taka) und Bernhard Fuchs (Takas Schatten).
Wir mussten verschiedene VFX-Tests durchführen, einschließlich
der Gestaltung der fiktiven Bergplateau-Umgebung
und des dreidimensionalen Schattens. Eine
KI-gestützte Lösung half uns, die Schattensilhouette freizustellen
und später im Bild abzudunkeln. Um den Aufwand
zu reduzieren, musste das SFX-Maskendepartment
eine Möglichkeit finden, die Augen abzudecken. Denn
Kostüm und Maske sollten bereits eine möglichst dunkle
Grundlage bilden. Das Kostüm des Samurai Taka wurde
dabei nach umfangreicher Recherche der Kriegerbekleidung
der Sengoku-Periode in Japan (15./16. Jahrhundert)
nachempfunden und in aufwändiger Handarbeit gefertigt.
Die authentischen Samurai-Schwerter im Wert von
6.000 Euro wurden eigens für diesen Film von einer Katana-Schmiede
( japanisches Langschwert, Anm. d. Red.)
gefertigt. Für die Kampfszenen wurden aus Sicherheitsgründen
optisch identische Holzattrappen benutzt. Für
den Fall, dass ein Holzschwert zerbrechen sollte, wurden
gleich sechs Exemplare bereitgestellt, um den Drehablauf
durch notwendige Reparaturen nicht zu unterbrechen.
100

Blieb die Herausforderung der Drehlocation. Die Dojo-Ruine
wurde als Szenenbild vollständig nachgebildet
und auf Pfählen auf einen virtuellen Berg vor eine
Full-CG-Kulisse gesetzt.
der Ton, die Musik und das Grading ergänzt. Die VFX-
Szenen werden noch bis Dezember fertiggestellt, so dass
das Projekt bis Ende des Jahres beendet ist und im Jahr
2024 auf Festivals eingereicht werden kann.
Die CG-Umgebung wurde in Unreal Engine 5 (Tool zur
Echtzeit-3D-Erstellung für fotorealistische Visualisierungen
und immersive Erlebnisse, Anm. d. Red.) kreiert und
stellte die Grundlage für den Virtual-Production-Dreh
dar. Ende Januar folgte dann der erste Drehblock in Europas
größtem Virtual-Production-Studio, dem Hyperbowl
in Penzing, 50 Kilometer westlich von München.
In vier Tagen wurde die aufwändige Kulisse unter Hochdruck
auf- und, nach über 30 gedrehten Einstellungen,
wieder abgebaut. Dies verlangte von dem 50-köpfigen
Team ein hocheffizientes und konzentriertes Arbeiten.
Im LED-Studio drehten wir auch einen Übergang, in
welchem sich das Sonnenuntergangs-Bergpanorama verdunkelt
und die Umgebung um das Bergplateau sich in
eine vernebelte und kalte Landschaft verwandelt. Dabei
reduzierten der Einsatz der Virtual-Production-Technik
und der in-camera eingefangene Licht- und Umgebungswechsel
den VFX-Aufwand erheblich.
Als Regisseur bedanke ich mich bei dem gesamten
Team für den starken und professionellen Einsatz,
sowie beim Animationsinstitut und den Dozierenden
und Mentor*innen für die großartige Unterstützung,
welche die Realisierung dieser anspruchsvollen Kurzgeschichte
möglich gemacht haben.
von Matthias Schaudig
Wenige Tage später stand die nächste Hürde bevor: Das
unter Hochdruck abgebaute Set der Dojo-Ruine samt Boden
wurde von Penzing nach Ludwigsburg verfrachtet
und musste anschließend im Albrecht-Ade-Studio identisch
wiederaufgebaut werden. Dort wollten wir in einem
zweiten Drehblock die Kampfszenen-Handlung
innerhalb der verdunkelten Welt einfangen. Anfang Februar
fand dann der zweite Drehblock in Ludwigsburg
statt und die zuvor choreografierten und einstudierten
Kampfszenen wurden gedreht. Hierbei wurde die
Grund atmosphäre mit Hilfe von Nebel und Schaumpartikeln
geschaffen. Inspiriert von Anime-Inszenierungen,
kam auch Wirework (Special-Effects-Technik,
bei der Darsteller*innen z.B. bei Kampfszenen an Seilen
hängen und zu fliegen scheinen, Anm. d. Red.) zum
Einsatz. In einigen Szenen sollte es die Bewegungen der
Stunt-Performer über das natürliche Maß hinaus unterstützen.
Auch in diesem Drehblock gelang es, alle Szenen
trotz engem Zeitplan und komplexen Kampfchoreografien
unfallfrei abzudrehen. Ein besonderes Augenmerk
lag darauf, den zuvor im LED-Studio gedrehten Übergang
nahtlos mit passender Lichtstimmung und Atmosphäre
zu integrieren.
Nachdem der fordernde Dreh und die Schnittphase erfolgreich
abgeschlossen sind, werden im Herbst 2023
101

SHOOTING REPORT
KAGE
(Shadow)
IN 1935, JAPANESE AUTHOR EIJI
YOSHIKAWA PUBLISHED THE FOLLOWING
QUOTE IN HIS BOOK ABOUT THE LEGEND-
ARY SAMURAI AND PHILOSOPHER
MIYAMOTO MUSASHI: "IT IS EASY TO DE-
STROY AN EXTERNAL ENEMY, BUT IMPOSSI-
BLE TO DEFEAT AN INTERNAL ONE."
THE STORY OF THE VFX DIPLOMA FILM KAGE
(JAPANESE FOR SHADOW) MAKES USE OF
THE PHILOSOPHY AND VIRTUES OF THE
SAMURAI TO STAGE INNER CONFLICTS AS A
LITERAL BATTLE AGAINST ONESELF AND TO
ILLUSTRATE A POSSIBLE WAY OF DEALING
WITH THEM. THESE VIRTUES HAVE MANY
PARALLELS TO THE NOW FAMILIAR BUDŌ,
THE PHILOSOPHICAL COMPONENT OF THE
JAPANESE MARTIAL ARTS.
We follow the young samurai Taka who, on a deserted
mystical mountain plateau in the midst of his training
place lying in ruins, tries in vain to settle his inner conflict
with excessive training. Inspired by the shadow archetype
of Carl Gustav Jung‘s psychoanalytical theory, he
becomes embroiled in a battle with his own shadow and
discovers that he cannot win this battle.
The realization of this film was a great challenge. We
had to show a samurai in a fictional setting, depict an
asynchronous, three-dimensional shadow and tell a metaphorical
story in less than four minutes. Fortunately,
we had a fantastic team of over 100 people, including
highly ambitious students from the Animationsinstitut
and other areas of the Filmakademie, as well as experienced
industry professionals, who worked together to
overcome this challenge.
Once the story and key points were established, Lee
Huang (a member of Jackie Chan‘s stunt crew) and his
team implemented the fight choreography in a first
previz. In addition, we received valuable first-hand input
in online conferences from Ide Ryusetsu, a Japanese
samurai grandmaster who had already acted as a motion-capture
actor for the character Jin Sakai in the video
game GHOST OF TSUSHIMA. Afterwards, martial artist
and actor Eskindir Tesfay took over these basics and
finalized the fight choreography together with the actors
Anon Mall (Samurai Taka) and Bernhard Fuchs (Taka‘s
shadow).
We had to do various VFX tests, including the design
of the fictional mountain plateau environment and
the three-dimensional shadow. An AI-assisted solution
helped us to crop the shadow silhouette and darken it
later in the image. To reduce the effort, the SFX mask
department had to find a way to cover the eyes. This was
because the costume and mask already had to form as
dark a base as possible. After extensive research, the costume
of the samurai Taka was modelled on the warrior
clothing of the Sengoku period in Japan (15th/16th century)
and elaborately handcrafted. The authentic samurai
swords worth 6,000 euros were made especially for
this film by a katana smithy ( Japanese long sword, editor‘s
note). For the fight scenes, optically identical wooden
dummies were used for safety reasons. In the event
that a wooden sword should break, six copies were provided
so that shooting would not be interrupted by necessary
repairs.
The challenge of the filming location remained. The dojo
ruin was completely recreated as a set design and set
on stilts on a virtual mountain in front of a full CG backdrop.
The CG environment was created in Unreal Engine 5
(a tool for real-time 3D creation for photorealistic visualizations
and immersive experiences, editor‘s note)
and formed the basis for the virtual production shoot.
At the end of January, the first shooting block followed
102

in Europe‘s largest virtual production studio, the Hyperbowl
in Penzing, 50 kilometres west of Munich. In
four days, the elaborate set was built up under high pressure
and then, after over 30 shots had been filmed, taken
down again. This demanded highly efficient and concentrated
work from the 50-strong team, who quickly
got to grips with each other. In the LED studio we also
shot a transition in which the sunset mountain panorama
darkens and the surroundings around the mountain
plateau turn into a foggy and cold landscape. Here, the
use of virtual production technology and the in-camera
captured light and environment changes reduced the
VFX effort considerably.
A few days later we faced the next hurdle: The set of
the dojo ruin, which had been dismantled under high
pressure, including the floor, was shipped from Penzing
to Ludwigsburg and then had to be rebuilt identically
in the Albrecht-Ade sound stage. There we wanted to
capture the fight scene plot within the darkened world
in a second shooting block. At the beginning of February,
this second shooting block took place in Ludwigsburg
and the previously choreographed and rehearsed
fight scenes were shot. The basic atmosphere was created
with the help of fog and foam particles. Inspired
by anime productions, wirework (a special effects technique
in which actors hang from ropes and seem to fly
during fight scenes) was also used. In some scenes, it
was to support the movements of the stunt performers
beyond the natural level. In this shooting block, too, we
managed to shoot all the scenes without any accidents or
delay despite the tight schedule and complex fight choreographies.
Particular attention was paid to seamlessly
integrate the transition previously shot in the LED studio
with appropriate lighting and atmosphere.
Now that the demanding shooting and editing phase has
been successfully completed, the sound, music and grading
will be added in autumn 2023. The VFX scenes will
be completed by December so that the project is finished
by the end of the year and can be submitted to festivals
in 2024.
As the director, I would like to thank the entire team
for their strong and professional effort, as well as the
Animationsinstitut and the lecturers and mentors for
their great support, which made the realization of this
challenging short story possible.
by Matthias Schaudig
103

ALUMNI IM FOKUS
Ein Musikvideo
für die Lieblingsband
Sebastian Nozon, VFX Supervisor & Absolvent Animation (2011)
104

105

ALUMNI IM FOKUS
Mit der Chance, einen Clip für Knorkator zu kreieren,
wurde für Sebastian ein Traum wahr. Seit er Filmemacher
ist, wollte er für seine Lieblingsband unbedingt ein
Musikvideo drehen. Als er vierzig wurde und hörte, die
Band plane ein neues Album, sagte er zu sich: „Wenn du
es jetzt nicht machst, machst du es nie!“ Tatsächlich bekam
er direkt eine Antwort. Sänger Gero Ivers schrieb
ihm persönlich zurück. Sebastian konnte sein Glück
kaum fassen.
MIT EIGENER FIRMA VFX FÜR
BLOCKBUSTER UND SERIENHITS
SEBASTIAN NOZON MACHT VFX
FÜR BLOCKBUSTER WIE MATRIX
RESURRECTIONS UND SERIENHITS WIE
BABYLON BERLIN. DAS ABSOLUTE
HERZENSPROJEKT DES ANIMATIONS-
INSTITUT-ALUMNUS WAR JEDOCH SEIN
CLIP FÜR DIE KULTBAND KNORKATOR.
Deren Song IHR HABT GEWONNEN handelt von der
Vereinsamung, an der viele Menschen leiden, obwohl
im Zeitalter der sozialen Medien alle ständig miteinander
verbunden sein können. Zu dem Stück brachte die
Band ein Musikvideo mit imposanten Bildern heraus.
Sänger Gero Ivers ist hier etwa allein in einer Wohnung
zu sehen, die von einer verkabelten Maschinenwelt umschlossen
scheint. In anderen Szenen singt er gegen eine
riesige Wand aus Smartphones an, aus denen tausende
Gesichter blicken.
SCHEINWELT AUF SOCIAL MEDIA
„Die Stimmung des Videos steht für das Gefühl des resignierenden
Individuums, das einen aussichtslosen
Kampf gegen eine große Masse kämpft“, erklärt Regisseur
Sebastian Nozon. Natürlich sei das Internet eine
tolle Sache, erläutert Sebastian weiter, doch wenn man
damit nicht mündig umgehe, könne viel Schlechtes passieren.
„Es ist eine Scheinwelt, die immer das Optimum
darstellt. Wer versucht, sich damit zu messen, kann eigentlich
nur scheitern. Das wollte ich mit dem Video ein
Stück weit anprangern.“
Nach dem Diplom am Animationsinstitut, wo Sebastian
bis 2011 VFX studierte, ging er für ein gutes Jahr nach
Los Angeles. Hier arbeitete er unter anderem für die
Firma Ingenuity Engine, wo er etwa ein Musikvideo für
Eminem mitgestaltete. In Berlin wirkte er dann an größeren
Projekten mit, beispielsweise beim Film CLOUD
ATLAS. 2018 gründete er zusammen mit Florian Ast seine
eigene Firma namens InHouse VFX. Sie ist beispielsweise
mitverantwortlich für Visual Effects der Erfolgsserie
BABYLON BERLIN. Auch bei Filmen wie MATRIX
RESURRECTIONS oder GUNS AKIMBO mit Daniel
Radcliffe wirkte InHouse VFX schon mit. „Anfangs haben
wir vor allem Aufträge von deutschen Firmen bekommen,
zuletzt wurden die Anfragen aber internationaler,
beispielsweise von großen Netflix-Produktionen.“
KNORKATOR-VIDEO WIRD ZUM
HERZENSPROJEKT
Obwohl das Budget für das recht ambitionierte Knorkator-Video
nicht groß genug war, versuchte Sebastian alles
herauszuholen. „Der Dreh selbst war eine Art Familienprojekt:
Meine Eltern haben das Catering gemacht
und ich schleppte ein paar meiner eigenen Möbel ans
Set.“
Auch die Band selbst half mit. Sie rief etwa ihre Fancommunity
dazu auf, Videos von ihnen zu schicken, wie sie
den Chorpart des Songs singen. Besonders hebt Sebastian
die Arbeit von Tonio Freitag hervor, mit dem er schon
seit zwei Dekaden Filmprojekte umsetzt und auch gemeinsam
an der Filmakademie studiert hat. „Er hat die
virtuelle Welt mit den Bildschirmen gestaltet und alles
sehr präzise und toll hingekriegt“, schwärmt er.
Tonio ist freischaffender VFX- und Technical Artist und
auch als freier Dozent am Animationsinstitut tätig. „In
manchen Shots sind über 5.000 Smartphones zu sehen“,
erinnert sich Tonio. „So etwas zu machen, ohne dass eine
106

Wiederholung auffällt, ist eine Mischung aus kreativen
und technischen Problemlösungen, die mir liegt.“
„FILMAKADEMIE GROSSARTIGER
WEGBEREITER FÜR FILMSCHAFFEN-
DE IN ALLEN BEREICHEN˝
„Beim ersten Hören des Songs entstanden bei mir im
Kopf gleich die Bilder, die mehr oder weniger genauso in
der finalen Fassung des Videos zu sehen sind“, erinnert
sich Sebastian. „Mit der Umsetzung des Projekts ging’s
für mich quasi zurück zu den Wurzeln. Wie einst an der
Filmakademie gelernt, habe ich ein kleines Filmprojekt
von A bis Z selbst realisiert.“
Seine Ausbildung habe ihm sehr geholfen, das Video
verwirklichen zu können. „Die Filmakademie ist ein
großartiger Wegbereiter für Filmschaffende in allen Bereichen“,
unterstreicht Sebastian. „Du bekommst ein extrem
gutes Netzwerk und lernst alle Werkzeuge kennen.“
Das zahle sich aus. Er treffe bei seiner Arbeit immer wieder
auf Absolventinnen und Absolventen der ‚Aka‘. „Das
soll sich jetzt nicht arrogant anhören, aber wenn man
die irgendwo trifft, weiß man, dass die Sache gut laufen
wird. Wir sind einfach gut ausgebildet.“
A Music Video for the Favourite Band
Sebastian Nozon, VFX Supervisor & Graduate in Animation (2011)
SEBASTIAN NOZON CREATES VFX
FOR BLOCKBUSTERS SUCH AS MATRIX
RESURRECTIONS AND SUCCESSFUL SHOWS
LIKE BABYLON BERLIN. HOWEVER, A PAS-
SION PROJECT OF THE ANIMATIONSINSTI-
TUT ALUMNUS WAS HIS CLIP FOR THE CULT
BAND KNORKATOR.
Their song IHR HABT GEWONNEN (You Have Won) is
about the loneliness that many people suffer from, even
though, in the age of social media, everyone can constantly
be connected with each other. For the song, they
released a music video with impressive visuals. Singer
Gero Ivers is alone in an apartment surrounded by machines
and wires. In other scenes, he sings in front of a
huge wall of smartphones, which display thousands of
faces looking at him.
MAKE-BELIEVE ON SOCIAL MEDIA
“The mood of the video represents the feeling of the
resigned individual who is fighting a hopeless battle
against a large mass of people,” explains director Sebastian
Nozon. Of course, the internet is a great invention,
Sebastian asserts, but if you don‘t use it responsibly,
harm can be done. “It‘s a fake world that always depicts
the optimum. Anyone who tries to compare themselves
with these standards can only fail. I wanted to criticize
this to some extent with the video.”
With the chance to shoot a clip for Knorkator a dream
came true for Sebastian. Ever since he became a filmmaker,
he has wanted to shoot a music video for his alltime
favorite band.
When he turned 40 and heard that the band was planning
to release a new album, he told himself: “If you
don‘t do it now, you‘ll never do it!” So he got in touch
107

ALUMNI IN FOCUS
and he actually received a reply from singer Gero Ivers.
Sebastian could hardly believe his luck.
VFX FOR BLOCKBUSTERS AND
SUCCESSFUL TV SHOWS
After he had received his diploma from the Animationsinstitut—he
had been studying VFX there until 2011—
he spent a year in Los Angeles working for companies
such as Ingenuity Engine, where he helped to create a
music video for Eminem. Back in his hometown Berlin,
he was part of big productions like the film CLOUD
ATLAS.
In 2018, Sebastian founded his own company, InHouse
VFX, together with Florian Ast. They are, for example,
working on the VFX of the successful TV show
BABYLON BERLIN. InHouse VFX has also been involved
in films such as MATRIX RESURRECTIONS or
GUNS AKIMBO with Daniel Radcliffe. “Initially, we
mainly landed jobs from German companies, but recently
the inquiries have become more international, for
example from large Netflix productions.“
KNORKATOR VIDEO BECOMES A
PASSION PROJECT
Although the budget for the ambitious Knorkator video
was not big enough, Sebastian tried to get the most out
of it. “The shoot itself was kind of a family project: my
parents did the catering, and I brought some of my own
furniture to the set.”
The band also helped out. For example, they asked their
fan community to send in videos of themselves singing
the choir part of the song. Sebastian particularly
highlights the effort of Tonio Freitag, with whom he
has been realizing film projects for two decades already.
„He designed the virtual world with the screens and got
everything done very precisely and beautifully,“ he raves.
Tonio is a freelance VFX and technical artist and also
works as a freelance lecturer at the Animationsinstitut.
Sebastian and Tonio were classmates at the Filmakademie.
“In some shots, you can see over 5,000 smartphones,“
Tonio recalls. „To do something like that, without
noticing a repetition, is a task of overcoming creative
and technical problems that I am good at.“
"THE FILMAKADEMIE PAVES THE
WAY FOR FILMMAKERS IN ALL
AREAS˝
”The images that came to my mind when I first heard
the song have also made it into the final video,“ Sebastian
recalls. „It was like going back to my roots—to the
old days at the Filmakademie—when I learned how to
independently realize a small film project from A to Z.“
His training helped him a lot in producing the video.
”The Filmakademie paves the way for filmmakers in all
areas,“ emphasizes Sebastian. “You get an extremely good
network and learn to use all the tools.” This pays off. He
frequently meets “Aka” graduates while working. “This
isn’t supposed to sound arrogant, but when you meet
them somewhere, you know that things will go well. We
are simply well-trained.”
108

SPOTLIGHT: KLIMAKRISE
„Wir müssen uns endlich
klarmachen, dass Klimaschutz,
Natur- und Umweltschutz
gleichbedeutend sind mit
Menschenschutz“
Ein Gespräch mit Dr. Udo Engelhardt
AM 4. JULI 2023 HIELT
DER RENOMMIERTE
MEERESBIOLOGE UND KLI-
MAFOLGENFORSCHER DR.
UDO ENGELHARDT AN DER
FILMAKADEMIE BADEN-WÜRT-
TEMBERG EINEN ÖFFENTLI-
CHEN VORTRAG ZUM THEMA
„EINE WELT, EIN KLIMA UND
EINE (LETZTE) CHANCE –
WILLKOMMEN IM JAHRZEHNT
DER ENTSCHEIDUNG“. VER-
ANSTALTER WAREN DIE FABW
UND CAMPUS FOR FUTURE
LUDWIGSBURG. AM RANDE
DER VERANSTALTUNG KONN-
TEN WIR MIT IHM SPRECHEN.
Lieber Udo, was genau sind die
„klimatischen
Kipppunkte“,
auf die Du immer wieder zu
sprechen kommst?
Kipppunkte sind irreversible Angelegenheiten.
Wenn z.B. der gesamte
Eispanzer, der auf Grönland liegt,
abschmelzen würde, dann würde
allein dieses Volumen an Eis dafür
sorgen, dass der Meeresspiegel
weltweit um sechs bis sieben Meter
ansteigt. Das würde zwar viele Jahre
dauern, aber der Schmelzprozess
hat bereits in großem Maß begonnen.
Hinzu käme, dass der weiße
Panzer von Eis und Schnee dann
fehlen würde. Er sorgt dafür, dass
gerade in den Sommermonaten die
Sonnenenergie ins Weltall zurückreflektiert
und nicht bei uns in
der Atmosphäre eingelagert wird.
Allein dieser Faktor kann für 0,2-
0,3 Grad zusätzliche Erwärmung
sorgen.
Solche Prozesse hat es zwar früher
schon gegeben. Aber wir haben den
Turbo eingeschaltet, da kommt niemand
mehr hinterher. Die Erwärmung
und alle Mechanismen, die
wir gerade vorantreiben, laufen ungefähr
10-20 Mal so schnell ab wie
in der Vergangenheit. Das macht es
so schwer, sich an diesen Wandel
anzupassen.
Ein anderes Beispiel ist der Permafrost.
Durch die Erwärmung ist diese
obere gefrorene Bodenschicht in
der Arktis teilweise schon aufgetaut.
Durch den Sauerstoff dringt
Wasser in die tieferen Schichten
durch, und darunter liegt quasi purer
Kohlenstoff, fossile Überreste
von Millionen Jahre alten Wäldern.
Diese fangen jetzt an aufzutauen.
Auch dabei werden Methan, CO 2
und weitere klimaschädliche Gase
freigesetzt. Wenn dieser Schmelzprozess
zu weit fortgeschritten ist,
dann können wir ihn nicht mehr
aufhalten. Das gilt auch für Meeresströmungen
wie den Golfstrom, die
109

SPOTLIGHT: KLIMAKRISE
nicht mehr in die Richtung fließen
oder zum Erliegen kommen können.
All diese Dinge wären katastrophale
Kipppunkte im System.
Vielleicht noch nicht global, aber
zumindest regional haben all diese
Prozesse bereits begonnen. Das
ist ein wirklich krasses Warnsignal.
Innerhalb der nächsten Jahre
werden wir die 1,5 Grad Erwärmung
überschreiten, das steht
jetzt schon fest. Die meisten globalen
Kipppunkte liegen zwischen 1,5
und 2 Grad durchschnittlicher Erwärmung.
Wir kommen also in absehbarer
Zeit in diese Gefahrenzone.
Und wenn wir die Emissionen
nicht massiv runterfahren, dann
werden wir sie überschreiten, und
dann ist irgendwann der Ofen aus.
Dann können wir nur noch zuschauen,
wie das System sich immer
weiter in extreme Temperaturbereiche
fährt, an die Menschen
sich nicht anpassen können. Kipppunkte
sind also ein extrem wichtiges
Thema.
Wie konnte es dazu kommen,
dass das System so aus dem
Gleichgewicht geraten ist?
Am besten lässt sich das über das
Konzept des Kohlenstoffbudgets erklären:
Um unseren Planeten herum
gibt es einen geschlossenen
Kreislauf von Kohlenstoff und Wasser,
eine fixe Menge, die über Millionen
Jahre zwischen lebendigen
und toten Elementen in einem konstanten
Austausch war. Dieses verlässliche
Gesamtvolumen haben wir
verändert, indem wir über fossile
Verbrennung Kohlenstoff – Kohle,
Öl, Gas – aus dem Boden geholt
haben. Das alles belastet die Atmosphäre
zusätzlich, überfordert das
System und erschöpft das verfügbare
Kohlenstoffbudget. Über den
Zusammenhang zwischen diesen
110
vielen klimaschädlichen Gasen in
der Atmosphäre können wir die
Temperatur sehr präzise vorhersagen.
Das ist einfach nur angewandte
Physik. Daher wissen wir, dass
der Bereich bis zum Erreichen der
Kipppunkte bei ungefähr 1,5 Grad
liegt.
Für das Kohlenstoffbudget sind aber
nicht nur die Emissionen selbst zu
beachten, sondern auch natürliche
Speicher, die der Atmosphäre
wieder Kohlenstoff entziehen. Das
sind etwa Wälder, Moore oder Ozeane.
Alles, was Leben ist, speichert
Kohlenstoff. Da wir aber parallel zu
den Emissionen immer mehr Lebensräume
vernichten, zum Beispiel
Wälder weiter abholzen, landet
all das auf der negativen Seite
dieser Kohlenstoffgleichung. In Kanada
brennt gerade eine Rekordfläche.
In zwei Monaten sind bereits
über 4 Millionen Hektar Wald abgebrannt,
die nicht mehr als Kohlenstoffspeicher
zur Verfügung stehen.
Das heißt, wir nähern uns immer
schneller diesen Kippelementen.
Wir haben quasi keinen Stoff,
kein Budget mehr. Wir müssten also
JETZT maximal die Emissionen senken,
nicht erst in ein paar Jahren.
Die nächsten Jahre sind für uns daher
wirklich entscheidend.
Trotzdem gibt es offensichtlich
noch sehr viele Menschen
und Kräfte, die diese Fakten
negieren oder nicht davon
überzeugt sind. Was müsste
denn auf globalem Level passieren,
um das Schlimmste
noch abzuwenden?
Es muss ein Ruck durch unsere Gesellschaft
gehen. Wir müssen endlich
verstehen und akzeptieren, dass
der Klimawandel zu 100 Prozent
menschengemacht ist und dass die
Aussagen der Klimawissenschaft absolut
verlässlich sind. Wir bewegen
uns definitiv auf diese Kipppunkte
zu. Wenn man das nicht wahrhaben
möchte, ist das einfach nur eine
Verweigerung der Realität. Aber
als Menschheit können wir es uns
nicht leisten, diese Verweigerung
weiterzubetreiben. Aktuell gibt es
zusätzlich noch das Phänomen El
Niño im Pazifik. Das ist ein natürlicher
Zyklus, der aber auch wieder
verstärkt wird durch die klimaschädlichen
Gase. In den nächsten
12-18 Monaten werden wir extreme
Temperaturen in einer nicht geahnten
Dimension erleben. Die Ozeane
weisen weltweit Rekordtemperaturen
auf. Es war noch nie so viel
Energie in den Ozeanen. Das sorgt
für weitere Verdunstung und extreme
Regenfälle. Das moderate Klima
der letzten 10.000-12.000 Jahre ist
jetzt schon Schnee von gestern.
Gerade für Landwirtschaft und
Ackerbau brauchen wir verlässliche
Bedingungen, aber die lassen
wir gerade hinter uns. In Kanada
wird Öl aus sandigen Bodenschichten
gefördert. Dafür wurden riesige
Flächen vernichtet. Dadurch
wiederum wird eine gewaltige Trockenheit
ausgelöst. Die riesige Provinz
Alberta wird einen kompletten
Ernteausfall haben. Auch Kansas in
den USA wird einen Ernteverlust
von 50-70 Prozent haben. In China
wird es ähnlich sein. Die Extrembedingungen
in diesen großen
Kornkammern der Welt haben gravierende
Konsequenzen für unsere
Ernährung. Das ist umso dramatischer,
wenn man weiß, dass wir in
Deutschland auf 60 Prozent der Fläche
Nahrungsmittel anbauen, die
wir an Tiere verfüttern.
All diese Zerstörung hängt nachweislich
mit der fossilen Energieförderung
zusammen. Deshalb ist

ein sofortiger Ausstieg daraus so
dringend.
Dieses Thema ist so groß und
die Aussichten sind so trüb,
dass sich viele Menschen
überfordert fühlen und Zuflucht
bei populistischen oder
extremistischen Parteien suchen.
Hast Du die Sorge, dass
sich diese Entwicklung bei
fortschreitender Klimakrise
noch verstärken wird?
Natürlich, wenn wir keine wirklich
gute Klimakommunikation betreiben,
die den Leuten erklärt, was da
gerade passiert und welche unausweichlichen
Konsequenzen es jetzt
schon gibt. Die aber auch erklärt,
was man noch tun kann, um das
Ganze aufzufangen und Handlungsoptionen
für die Zukunft zu bewahren.
Es wäre fatal, wenn wir in der
Mitte der Gesellschaft ein kommunikatives
Vakuum lassen, das natürlich
von populistischen Vereinfachungen
gerne gefüllt wird. Das
würde den Klimaschutz immer weiter
ausbremsen. Was die Populisten
versprechen, ist nicht haltbar. Wir
haben auch keine zehn Jahre mehr,
um irgendwie Rahmenbedingungen
zu schaffen, wie manche behaupten.
Das ist an Naivität nicht zu überbieten.
Wer so argumentiert, der glaubt
auch, die Erde sei eine Scheibe. Wir
können es uns nicht leisten, dass in
der Politik derartig naiv, oder aber
böswillig argumentiert wird.
Wir müssen uns endlich klarmachen,
dass Klimaschutz, Naturschutz
und Umweltschutz gleichbedeutend
sind mit Menschenschutz.
Unsere Gesellschaft kann nur funktionieren,
wenn sie verlässliche Lebensgrundlagen
hat. Nur dann sind
wir stressfrei genug, um miteinander
kooperativ leben zu können.
Dauerstress kann eine Gesellschaft
nicht aushalten. Wir müssen also
in der Klimakommunikation konstruktiver
werden. Wir müssen die
Balance hinbekommen zwischen
dem Erklären krasser Wahrheiten
einerseits und dem Darstellen der
jetzt noch wirkungsvollen Maßnahmen
andererseits, die uns eine
Chance geben, das Klima auf dem
aktuellen Stand zumindest zu stabilisieren.
Siehst Du darin auch die Aufgabe
von Filmstudierenden?
Absolut. Jeder, der in der Lage ist,
ein kommunikatives Medium halbwegs
seriös zu bespielen, sollte es
jetzt als seine Aufgabe akzeptieren,
diese extreme Krise zu kommunizieren.
Und zwar so, dass man die
Dringlichkeit versteht, gleichzeitig
aber auch sagt: Ich übernehme Verantwortung
dafür. Ich weiß natürlich
auch, dass man das als Individuum
nicht leisten kann. Das geht
nur über gesamtgesellschaftliches
Zusammenkommen. Wir müssen
die Verantwortung auf viele Schultern
verteilen.
Du bist auch Teil von
Expert*innengremien. Hast
du den Eindruck, dass das
Problem von den Verantwortlichen
in Politik und Wirtschaft
verstanden wird? Gibt
es also Hoffnung, dass jetzt
entsprechend gehandelt wird?
Das ist leider eine sehr bunte Mischung.
Es gibt gute Leute in der Politik,
die verstehen, worum es geht.
Aber das ist leider eine Minderheit.
Ich habe schon erlebt, dass Politiker
eine Tagesordnung geändert haben
und nach ihrem eigenen Beitrag gegangen
sind, damit sie nicht mit Klimawissenschaft
konfrontiert werden.
Solche Vermeidungsstrategien sieht
man leider bei fast allen Parteien. Natürlich
wissen wir auch, wie manche
Medien manipuliert oder von Interessenverbänden
gelenkt werden.
Die Filmakademie könnte hier potenziell
eine große Wirkung entfalten.
Aber es muss die Bereitschaft da sein,
diese Verantwortung jetzt zu übernehmen
und alle verfügbaren Ressourcen
dafür zu nutzen. Dabei müssen
keine perfekten Produkte mit
drei- oder vierjähriger Herstellungszeit
herauskommen. Die Dringlichkeit
ist so hoch, dass wir das Thema
jetzt ständig bespielen müssen, mit
dieser Mischung aus Realität und Tatendrang.
Wir müssen selbst die Akzente
setzen und dürfen nicht reaktiv
sein. Wir müssen das Thema immer
wieder nach außen tragen und nicht
warten, bis die rechte Seite wieder etwas
veröffentlicht hat, an dem wir
uns dann abarbeiten. Wir müssen mit
der Wahrheit und der Realität selber
vorne weggehen. Ich hoffe sehr, dass
die Studierenden und auch die Lehrenden
an der Filmakademie diese
immens wichtige Aufgabe jetzt noch
wahrnehmen werden.
111

SPOTLIGHT: CLIMATE CRISIS
DR. UDO ENGELHARDT
DR. UDO ENGELHARDT
ist Meeresbiologe und seit mehr als
25 Jahren Klimafolgenforscher. Er
arbeitete zehn Jahre lang für die
Nationalparkverwaltung des Great
Barrier Reef in Australien, erforschte
die Auswirkungen der Korallenbleiche
und gründete das Arros Research
Centre auf den Seychellen.
Sein heutiger Schwerpunkt liegt verstärkt
auf der Analyse und Kommunikation
globaler Klimatrends und
Prognosen. Als Chief Scientist von
The Climate Task Force liefert er die
wissenschaftlichen Grundlagen zur
Umsetzung transformativer Maßnahmen
zur Einhaltung definierter
Klimaziele in Städten und Unternehmen,
wie z.B. der Erreichung
der Klimaneutralität
bis 2030. Seit 2021
fungiert er außerdem als
Botschafter für den Klimapakt
der Europäischen
Union (EU Climate Pact
Ambassador).
CAMPUS FOR FUTURE
LUDWIGSBURG
ist eine engagierte Gruppe von Studierenden
aus verschiedenen Hochschulen
in Ludwigsburg und allen, die eine
Verbindung zu Hochschulen haben. Ihr
Fokus liegt auf der Organisation von
Bildungsangeboten und der Auseinandersetzung
mit Themen rund um das
Hochschulleben. Zudem unterstützen sie
die Aktivitäten von Fridays for Future
Ludwigsburg. Als Teil der bundesweiten
Initiative Students for Future Deutschland
beteiligt sich die Gruppe an verschiedenen
Aktionen im ganzen Land.
Besonders hervorzuheben sind die beiden
großen Veranstaltungen „Public Climate
School“ (PCS), die zweimal jährlich
stattfindet, sowie „Ohne Kerosin Nach
Bayern“ (OKNB), die einmal im Jahr
durchgeführt wird.
is a marine biologist and has been a
climate impact researcher for more
than 25 years. He worked for the
National Park Service of the Great
Barrier Reef in Australia for ten
years, researched the effects of coral
bleaching and founded the Arros
Research Centre on the Seychelles.
Today, his focus is increasingly on
the analysis and communication
of global climate trends and forecasts.
As Chief Scientist of The Climate
Task Force, he provides the
scientific basis for implementing
transformative actions to meet defined
climate targets in cities and
businesses, such as achieving climate
neutrality by 2030.
Since 2021, he has also
served as the EU Climate
Pact Ambassador.
CAMPUS
FOR FUTURE
LUDWIGSBURG
is a dedicated group of
students from various
universities in Ludwigsburg and
anyone with a connection to higher
education. Their focus is on organizing
educational events and addressing
issues related to university
life. They also support the activities
of Fridays for Future Ludwigsburg.
As part of the nationwide initiative
Students for Future Germany, the
group participates in various actions
throughout the country. Particularly
noteworthy are the two major
events "Public Climate School“
(PCS), which takes place twice a
year, and „Ohne Kerosin Nach Bayern“
(OKNB), which is held once
a year and is to raise awareness of
climate-wrecking domestic flights.
112

“We must finally realize that
climate protection, nature
conservation and environmental
protection are synonymous with
the protection of humankind“
A conversation with Dr. Udo Engelhardt
ON 4 JULY 2023, THE
RENOWNED MARINE
BIOLOGIST AND CLIMATE
IMPACT RESEARCHER DR. UDO
ENGELHARDT GAVE A PUBLIC
LECTURE ON THE TOPIC "ONE
WORLD, ONE CLIMATE AND
ONE (LAST) CHANCE - WELCO-
ME TO THE DECADE OF DECI-
SION" AT THE FILMAKADEMIE
BADEN-WÜRTTEMBERG. THE
ORGANIZERS WERE FABW
AND CAMPUS FOR FUTURE
LUDWIGSBURG. WE WERE
ABLE TO TALK TO HIM BEFORE
THE EVENT.
Dear Udo, what exactly are
the „climatic tipping points“
you keep referring to?
Tipping points are irreversible matters.
If, for example, the entire ice
sheet that lies on Greenland were to
melt, then this volume of ice alone
would cause the sea level worldwide
to rise by six to seven metres.
That would take many years,
but the melting process has already
begun on a large scale. In addition,
the white armour of ice and snow
would then be missing. It ensures
that solar energy is reflected back
into space, especially in the summer
months, and is not stored in
our atmosphere. This factor alone
can cause 0.2-0.3 degrees of additional
warming.
It is true that such processes have
existed in the past. But we have
turned on the turbo, no one can
keep up. The warming and all the
mechanisms we are pushing right
now are going about 10-20 times
faster than in the past. That‘s what
makes it so hard to adapt to this
change.
Another example is permafrost.
Due to warming, this upper frozen
layer of soil in the Arctic has
already partially thawed. The oxygen
allows water to penetrate into
the deeper layers, and underneath
lies pure carbon, fossil remains of
forests millions of years old. These
are now beginning to thaw. Methane,
CO2 and other climate-damaging
gases are also released in the
process. When this melting process
has progressed too far, we can
no longer stop it. The same applies
to ocean currents like the Gulf
Stream, which can no longer flow
in the same direction or come to a
standstill. All these things would be
catastrophic tipping points in the
system.
Maybe not globally yet, but on a
regional level all these processes
have already started. This is a really
stark warning signal. Within the
next few years we will exceed 1.5
degrees of warming, that is already
certain. Most global tipping points
are between 1.5 and 2 degrees average
warming. So we will get into
that danger zone in the foreseeable
future. And if we don‘t massively
reduce emissions, we will exceed it,
and this will be a point of no return.
Then all we can do is watch the system
drive itself further and further
into extreme temperature ranges to
which humans cannot adapt. So tipping
points are an extremely important
issue.
How did the system get so out
of balance?
The best way to explain it is through
the concept of the carbon budget:
Around our planet there is a closed
cycle of carbon and water, a fixed
amount that has been in constant
exchange between living and dead
elements for millions of years. We
113

SPOTLIGHT: CLIMATE CRISIS
have changed this reliable total volume
by taking carbon - coal, oil, gas
- out of the ground via fossil combustion.
All of this puts additional
stress on the atmosphere, overburdens
the system and depletes
the available carbon budget. We can
predict the temperature very precisely
via the connection between
these many climate-damaging gases
in the atmosphere. This is simply
applied physics. That‘s how we
know that the range until the tipping
point is reached is about 1.5 degrees.
For the carbon budget, however, it is
not only the emissions themselves
that have to be taken into account,
but also natural reservoirs that remove
carbon from the atmosphere
again. These include forests, peatlands
and oceans. Everything that
is life stores carbon. But since we
are destroying more and more habitats
in parallel with emissions, for
example by continuing to cut down
forests, all this ends up on the negative
side of this carbon equation.
A record area is burning in Canada
right now. In two months, over
4 million hectares of forest have already
burned, no longer available
as carbon storage. That means we
are approaching these tipping elements
faster and faster. We have
virtually no more buffers, no more
budget. Therefore, we would have
to reduce emissions NOW at most,
not in a couple of years. This is why
the next few years are really crucial
for us.
Nevertheless, there are obviously
still a lot of people and
forces that negate these facts
or are not convinced of them.
What would have to happen
on a global level to avert the
worst?
114
Our society must wake itself up
with a jolt. We must finally understand
and accept that climate
change is 100 per cent human-made
and that the statements of climate
science are absolutely reliable. We
are definitely moving towards these
tipping points. Refusing to accept
that is simply denying reality. But
as humankind, we cannot afford
to continue this denial. Currently,
there is also the El Niño phenomenon
in the Pacific. This is a natural
cycle, but it is also amplified again
by the climate-damaging gases. In
the next 12-18 months we will experience
extreme temperatures on
an unimagined scale. The oceans
are showing record temperatures
worldwide. There has never been
so much energy in the oceans. This
will cause more evaporation and
extreme rainfall. The moderate climate
of the last 10,000-12,000 years
is already yesterday‘s news.
Especially for agriculture and farming,
we need reliable conditions,
but we are just leaving them behind.
In Canada, oil is extracted
from sandy soil layers. Huge areas
of land have been destroyed for this
purpose. This, in turn, is causing an
immense drought. The huge province
of Alberta will have a complete
crop failure this year. Kansas
in the USA will also have a crop loss
of 50-70 per cent. It will be similar
in China. The extreme conditions in
these great granaries of the world
have serious consequences for our
food. This is all the more dramatic
when you know that in Germany,
we grow food on 60 percent of the
land that we feed to animals.
All this destruction is verifiably
linked to fossil energy production.
That is why an immediate phaseout
of it is so urgent.
This issue is so big and the
outlook is so bleak that many
people feel overwhelmed and
seek refuge in populist or extremist
parties. Are you worried
that this trend will intensify
as the climate crisis
progresses?
Of course, if we don‘t have really
good climate communication that
explains to people what is happening
and what the inevitable consequences
are already. But it should
also explain what can still be done
to cushion the blow and preserve
options for action in the future.
It would be fatal if we left a communicative
vacuum in the middle
of society, which of course populist
simplifications like to fill. That
would slow down climate protection
more and more. What the populists
promise is not tenable. We
also don‘t have ten years left to
somehow create framework conditions,
as some claim. That is unparalleled
naivety. Those who argue in
this way might as well believe that
the earth is flat. We cannot afford

such naive or malicious arguments
in politics.
We must finally realize that climate
protection, nature conservation and
environmental protection are synonymous
with the protection of
humankind. Our society can only
function if it has reliable livelihoods.
Only then are we stress-free
enough to live cooperatively with
each other. A society cannot withstand
permanent stress. Therefore,
we have to become more constructive
in climate communication. We
have to strike a balance between explaining
blatant truths on the one
hand and presenting measures
that are still effective and give us a
chance to at least stabilize the climate
at the current level.
Do you see this communication
as the task of film students
as well?
Absolutely. Everyone who has a
half-decent command of a communicative
medium should now accept
it as their task to communicate this
extreme crisis. And they should do
so in such a way that they understand
the urgency, but at the same
time also say: I take responsibility
for this. Of course, I also know
that we cannot do this as individuals.
It can only be done by society as
a whole coming together. We have
to spread the responsibility onto as
many shoulders as possible.
Unfortunately, it‘s a very mixed bag.
There are good people in politics
who understand what is at stake.
But that is unfortunately a minority.
I‘ve seen politicians change an
agenda and leave a meeting after
their own input so that they don‘t
have to deal with climate science.
Sadly, you come across such avoidance
strategies in almost all parties.
Of course, we also know how some
media are manipulated or steered
by interest groups.
The Filmakademie could potentially
have a big impact here. But there
has to be a willingness to take on
this responsibility now and to use
all available resources to do so. It
doesn‘t have to be a perfect product
with a three- or four-year production
time. The urgency is so high
that we have to constantly address
the issue now, with this mixture
of reality and drive. We have to set
the accents ourselves. We have to
keep bringing the issue out into the
open and not wait until conservative
or right-wing groups have published
something again to which we
have to react. We have to go out in
front with the truth and reality ourselves.
I very much hope that the
students and also the teachers at the
Filmakademie will take up this immensely
important task now.
You are also part of expert
committees. Do you have the
impression that the problem
is understood by decision-makers
in politics and economics?
So is there any hope
that appropriate action will
be taken now?
115

EDITION FABW
116

NEUER KURZGESCHICHTENBAND
„IN DER SCHWEBE”
„In der Schwebe“ – das ist eine Zwischenzeit, in der Altes zu Ende geht,
Neues aber noch nicht begonnen hat.
POLITISCH, ABER AUCH ÖKOLOGISCH
UND GESELLSCHAFTLICH BEGEGNET
UNS DIESER ZUSTAND AKTUELL AN ALLEN
ECKEN UND ENDEN. STÄNDIG VERWENDETE
SCHLAGWORTE WIE „TRANSFORMATION“,
„ZEITENWENDE“ ODER „LETZTE GENERATI-
ON“ VERGEGENWÄRTIGEN UNS DIES. DER
ZUSTAND IST UNS ABER AUCH IM PRIVATEN
VERTRAUT: ER MARKIERT ÜBERGANGSZEI-
TEN, IN DENEN WIR ERSTAUNLICH HÄUFIG
„ENDLICH“, „FAST“ ODER „VIELLEICHT“
SAGEN UND IN DENEN WIR UNS IN EINER
SEELENLAGE BEFINDEN, DIE IRGENDWO
ZWISCHEN TRAUER UND HOFFNUNG ODER
ANGST UND EUPHORIE LIEGT; EBEN DAZWI-
SCHEN, IN DER SCHWEBE.
Da diese Phase eines Umbruchs künstlerisch jede Menge
Kraft entfalten kann, sei es im Politischen oder Privaten,
wählten wir für den inzwischen sechsten Kurzgeschichtenband
der Edition FABW das Thema „In der Schwebe“.
Und denjenigen Autorinnen und Autoren, die unserem
Aufruf zum Schreiben im letzten Jahr folgten und sich
in diese Schwebe begeben haben, ist es in ihren Kurzgeschichten
eindrucksvoll gelungen, den Zustand des „Dazwischen-Seins“
in vielfältigen Tönen zu beschreiben.
Wie eindrucksvoll, das konnten die zahlreichen Zuhörerinnen
und Zuhörer bei der Premiere des Kurzgeschichtenbands
„In der Schwebe“ am 24. April 2023 im Albrecht-Ade-Studio
der Filmakademie erleben: Die Lesung
von drei Kurzgeschichten aus dem Band durch Schauspiel-Studierende
der Akademie für Darstellende Kunst
nach einer Inszenierung von Filmakademie-Studentin
Alina Yklymova war ein voller Erfolg!
Und die Reise geht weiter. Mit freundlicher Unterstützung
der Wüstenrot Stiftung ist inzwischen der siebte
Kurzgeschichtenband der Edition FABW in Entwicklung.
Er trägt den Titel „Das ist es wert“ und soll den Autorinnen
und Autoren der FABW und der ADK eine zeitgemäße
Haltung und ein Statement abverlangen – in unserer
heutigen Welt der tausend Möglichkeiten, aber auch
der zunehmenden ökologischen Verantwortung, die wir
tragen. Die Veröffentlichung des neuen Bandes ist für
April 2024 geplant.
Michael Achilles, Herausgeber
117

EDITION FABW
118

EDITION
EDITION
NEW SHORT STORY COLLECTION
“IN DER SCHWEBE” (IN LIMBO)
“In limbo” - that is an interim period in which the old is coming to an end,
but the new has not yet begun.
POLITICALLY, BUT ALSO ECOLOGICALLY
AND SOCIALLY, WE ARE CURRENTLY
ENCOUNTERING THIS STATE OF AFFAIRS ON
EVERY CORNER. CONSTANTLY USED BUZ-
ZWORDS LIKE “TRANSFORMATION”, “TURN-
ING POINT IN HISTORY” OR “LAST GENER-
ATION” MAKE US AWARE OF THIS. BUT WE
ARE ALSO FAMILIAR WITH THIS CONDITION
IN OUR PRIVATE LIVES: IT MARKS TIMES OF
TRANSITION IN WHICH WE SAY “FINALLY”,
“ALMOST” OR “PERHAPS” WITH ASTONISH-
ING FREQUENCY AND IN WHICH WE FIND
OURSELVES IN A STATE OF MIND THAT
LIES SOMEWHERE BETWEEN SADNESS AND
HOPE OR FEAR AND EUPHORIA; JUST IN
BETWEEN, IN LIMBO.
students of the Academy of Performing Arts after a production
by Filmademie student Alina Yklymova was a
complete success!
And the journey continues. With the kind support of the
Wüstenrot Foundation, the seventh short story volume
of Edition FABW is now in development. This is entitled
“"It`s Worth It"” and is intended to challenge the authors
of FABW and ADK to take a contemporary stance and
make a statement - in today’s world of a thousand possibilities,
but also of the increasing ecological responsibility
we bear. The publication date of the new volume is
scheduled for April 2024.
Michael Achilles, Editor
Since this phase of upheaval can unfold a great deal of artistic
power, be it political or private, we chose the theme
“In limbo” for the sixth short story collection of Edition
FABW. And those authors who responded to our call to
write last year and entered this limbo have impressively
succeeded in describing the state of being “in-between”
in a variety of tones in their short stories. A large audience
could experience their accomplishments at the
premiere of the short story collection “In der Schwebe”
on 24 April 2023 in FABW´s Albrecht Ade Studio: The
reading of three short stories from the volume by acting
IN DER SCHWEBE – das ist eine Zwischenzeit,
in der Altes zu Ende geht, Neues aber noch nicht
begonnen hat. Zumeist geht dieser Zustand mit
großem Stress einher, sei es im Politischen oder
Privaten. Künstlerisch bietet diese Phase aber
reichlich schöpferische Kraft. Und dieses Potenzial
haben die Autorinnen und Autoren dieses sechsten
Kurzgeschichtenbands der FABW-Edition in ihren
Geschichten in allen Schattierungen voll ausgeschöpft.
Eine inspirierende Lektüre!
IN DER SCHWEBE – 15 GESCHICHTEN
15 GESCHICHTEN, IN DENEN
NICHT ALLES ENTSCHIEDEN IST.
In der
Schwebe
119

INSIDE FABW – MEET THE STAFF
„Unsere Studierenden haben
eine große Einflussmöglichkeit
auf die Gesellschaft und damit
auch Verantwortung."
120

Sieben Fragen an Lucca Veyhl
Diversity & Inclusion Strategy
Coordinator für 6 deutsche
Filmhochschulen an der FABW
LUCA VEYHL ABSOLVIERTE VON 2010
BIS 2014 ERFOLGREICH IHR BACHELOR-
STUDIUM IN LITERATUR-KUNST-MEDIEN
UND GENDER STUDIES AN DER UNIVERSI-
TÄT KONSTANZ. IM ANSCHLUSS VERTIEFTE
SIE IHRE AKADEMISCHE LAUFBAHN UND
ERWARB VON 2016 BIS 2019 IHREN MAS-
TERABSCHLUSS IN EMPIRISCHER KULTUR-
WISSENSCHAFT AN DER UNIVERSITÄT
TÜBINGEN.
Seit Oktober 2021 war sie in der Studienleitung an der
FABW aktiv, in der sie ihre Fachkenntnisse und Erfahrungen
gezielt einsetzen konnte. Ein Jahr später, im November
2022, wurde Lucca Mitarbeiterin in der Studienkoordination
des Animationsinstituts.
Seit Anfang Juli 2023 ist Lucca als Diversity & Inclusion
Strategy Coordinator an der FABW tätig. Im Rahmen
des Netflix-Projekts „Boosting the Next Generation:
Förderung von Vielfalt, Chancengleichheit und Inklusion
an Filmhochschulen“ ist sie gemeinsam mit Aida
Begović für die Umsetzung von Aktivitäten für mehr
Vielfalt, Gleichberechtigung und Inklusion an Filmhochschulen
zuständig. Dabei arbeiten die beiden nicht
nur für die FABW, sondern sie kümmern sich um insgesamt
sechs deutsche Filmhochschulen, die bereits 2018
eine Selbstverpflichtung zur Geschlechtergerechtigkeit
abgegeben haben.
Hallo Lucca, schön, dass du die Zeit gefunden
hast, mit uns zu sprechen. Im Auftrag von Netflix
unterstützt du gemeinsam mit Aida Begović
gemeinsam die sechs deutschen Filmhochschulen
dffb, Filmuniversität Babelsberg, HFF München,
ifs Köln, KHM Köln und FABW dabei, die Themen
Diversität, Chancengleichheit und Inklusion
in der Ausbildung zu integrieren. Wie kam es zu
dieser Zusammenarbeit?
Bereits 2018 haben sich die sechs Filmhochschulen zusammengeschlossen
und eine Selbstverpflichtung unter
dem Titel „Gemeinsam für Gendergerechtigkeit“
veröffentlicht. In dem Rahmen arbeiten die Filmhochschulen
bereits länger mit der MaLisa Stiftung zusammen,
die sich für die Überwindung von einschränkenden
Rollenbildern in den Medien einsetzt. 2021 kam
Netflix auf die MaLisa Stiftung zu mit der Idee, vielfältigeres
und inklusiveres Geschichtenerzählen bereits an
den Filmhochschulen zu fördern. Die MaLisa Stiftung
hat daraufhin vorgeschlagen, die sechs Hochschulen mit
der Finanzierung einer Koordinationsstelle zu unterstützen,
um den Austausch bzgl. Diversity, Equity and Inclusion
zu intensivieren und somit den Filmnachwuchs in
dem Bereich besser auszubilden. Die Position wird nun
im Tandem besetzt, ich hatte am 1.7. meinen Start und
Aida am 1.8. dieses Jahres.
Wie weit ist die FABW auf diesem Weg gekommen
und welche größeren oder kleineren Hürden
müssen die Hochschulen noch nehmen auf
dem Weg zu mehr Chancengleichheit?
Ich denke, an der FABW ist seit 2018 einiges passiert
und in Bewegung geraten, vor allem, was die Gleichstellung
von Frauen und Männern angeht. Wir haben zum
Beispiel eine Gleichstellungsbeauftragte für die Studierenden
und eine Beauftragte für Chancengleichheit für
die Mitarbeitenden. Die Geschäftsleitung hat gemeinsam
mit der Beauftragten für Chancengleichheit einen
Chancengleichheitsplan veröffentlicht, der auf unserer
Homepage zu finden ist. Darin sind konkrete Ziele für
mehr Gleichberechtigung zwischen Männern und Frauen
an unserer Hochschule sehr genau festgehalten. Wir
haben bereits einige Veranstaltungen, sowohl im Rahmen
der Lehre als auch für unsere Mitarbeitenden, angeboten,
die sich mit weiteren Diversitätsdimensionen
und Diskriminierungsformen auseinandersetzen. Aber
ich denke, eine große Aufgabe in den nächsten Jahren
sowohl für die FABW als auch die anderen Filmhochschulen
wird sein, die konkreten Selbstverpflichtungen
und Ziele, die im Bereich Förderung von Frauen bereits
unternommen wurden, zu erweitern. Außerdem
muss regelmäßig ausgewertet werden, welche Maßnahmen
und Programme funktionieren und welche nicht,
und diese müssen dementsprechend angepasst werden.
Hürden gibt es immer und überall: Fehlende Ressourcen
sind zum Beispiel oft ein Problem. Damit meine ich
nicht nur Geld, sondern auch personelle Ressourcen, die
nötig sind, um nachhaltige Veränderungen zu erzielen.
Bereits während des Studiums sollen die jungen
Filmemacher*innen die Fähigkeiten für ein
121

INSIDE FABW – MEET THE STAFF
vielfältigeres und inklusiveres Geschichtenerzählen
erlernen. Wie integriert ihr dieses Ziel in die
Lehre?
Bewerbungsprozess, die Kommunikation intern und extern,
Recruiting und Fortbildung von Mitarbeitenden
und – als letzten Bereich – Diversität und Kreativität.
Aktuell kann ich nur für die FABW sprechen, weil ich
die anderen Filmhochschulen noch nicht gut genug kenne.
Als ich Ende 2021 an die Filmakademie gekommen
bin, war ich für die Sonderreihe „Gender & Diversity in
Progress“ verantwortlich, die es seit 2018 gibt. Es handelte
sich um freiwillig belegbare interdisziplinäre Veranstaltungen,
zum Beispiel Vorträge, Panels oder Workshops,
die das Ziel haben, für Diversitätsthemen vor und
hinter der Kamera zu sensibilisieren. Ich finde das Angebot
klasse, aber die Platzierung war nicht gut. Es gibt
parallel so viel anderen verpflichtenden Unterricht. Zudem
sind alle Studierenden noch in ihren Projekten aktiv,
so dass für dieses Thema wenig Zeit bleibt.
Aktuell befinden wir uns daher in einem Umstrukturierungsprozess.
Die Veranstaltungen sollen größtenteils
in verpflichtenden Abteilungsunterricht überführt werden.
So erreichen wir neue Zielgruppen, die sich bisher
noch nicht mit den Themen auseinandergesetzt haben
und schaffen gleichzeitig passgenaue Angebote für unsere
Studierenden. Es sollen dennoch einzelne interdisziplinäre
Angebote bestehen bleiben, wie zum Beispiel
ein Tag zum Start des Studienjahres oder der Sommersemesterauftakt,
der nächstes Jahr vom International
Office gemeinsam mit Studierenden als „Palestinian
Cinema Days“ gestaltet wird.
Die Filmakademie befindet sich aktuell im Zertifizierungs-Prozess
des Diversity Audit „Vielfalt
gestalten“ des Stifterverbands. Was genau ist das?
Das Diversity Audit „Vielfalt gestalten“ des Stifterverbands
unterstützt und begleitet Hochschulen dabei, eine
spezifisch passende Diversitätsstrategie (weiter) zu
entwickeln. Das zweijährige Auditierungsverfahren besteht
aus internen Workshops, geleitet von unserer Auditorin
Dr. Isabell Lisberg-Haag, sowie dem Austausch
mit den anderen Hochschulen eines Jahrgangs (Kohorte)
in den sogenannten Diversity Foren. Dieser Austausch
ist sehr wertvoll, auch wenn die Hochschultypen
sehr unterschiedlich sind. Aber egal, ob technisch
oder künstlerisch ausgerichtet, ob groß oder klein –
oft haben wir doch ähnliche Ziele und ähnliche Hürden
beim Erreichen unserer Ziele. Wir haben uns an
der FABW aktuell auf vier Bereiche verständigt, die
wir in den kommenden Monaten und Jahren bearbeiten
möchten: Die Studienbewerber*innen und unseren
122
Gibt es Voraussetzungen, die eine Hochschule erfüllen
muss, um sich für die Teilnahme am Audit
zu bewerben?
Es müssen eine Bewerbung und ein Selbstreport abgegeben
werden. Außerdem kostet der Prozess Geld, und
zwar abhängig von der Größe der Hochschule. Eine weitere
wichtige Voraussetzung ist zudem, dass der Prozess
auch von einem Teil der Hochschulleitung aktiv durch
Teilnahme an den Workshops und Diversity Foren begleitet
wird.
Ein Ziel des Audits ist es, die Filmhochschulen
für eine breitere und diversere Gruppe talentierter
Kreativer zu öffnen. An welchem Punkt steht
für euch die FABW im Moment?
Ich denke, auch hier ist zwar schon einiges passiert, zum
Beispiel wird in unseren Aufnahmerunden zumindest
auch auf das Geschlechterverhältnis geachtet. Aber das
kann nur ein Anfang sein und wir haben noch viele gute
Ideen, wie wir unseren Auswahlprozess diversitätssensibler
gestalten können. Außerdem möchten wir auch
andere Zielgruppen vor dem eigentlichen Bewerbungsprozess
erreichen und zum Beispiel junge Menschen aus
chancenärmeren Familien motivieren, sich bei uns zu
bewerben. Auch hier haben wir viele verschiedene Ideen.
Übrigens, ein Hinweis für die FABW Community:
Wenn ihr Lust habt, euch an den Arbeitsgruppen
zu beteiligen oder Verbesserungsvorschläge und
Anmerkungen habt, könnt ihr gerne eine E-Mail an
diversity@filmakademie.de schreiben oder direkt auf
uns zukommen. Unsere Steuerungsgruppe, die diese
Vorschläge aufnimmt und bearbeitet, besteht neben mir
noch aus Ute Härter, David Steffen und Jai Wanigesinghe.
Trotz aller Bemühungen von Hochschulen,
öffentlichen Einrichtungen und der Politik: Man
hat den Eindruck, dass Teile der Gesellschaft dem
Thema Diversität zunehmend aggressiv-ablehnend
gegenüberstehen. Wie können wir dieser
Bewegung als FABW entgegentreten?
Das ist keine Frage, die ich so einfach beantworten
kann. Als zukünftige Film- und Medienschaffende haben

unsere Studierenden aber auf jeden Fall eine große
Einflussmöglichkeit auf die Gesellschaft und damit auch
Verantwortung. Wir wissen, wie prägend Medien für
Gesellschaft und Menschen sind. Repräsentation ist z.B.
wichtig und ich bin froh, dass mittlerweile viel mehr
hinterfragt wird, wer zum Beispiel in einem Film zu sehen
ist, wie Menschen dargestellt werden und wie ihre
Geschichten erzählt werden. Denn das prägt uns und
damit die Gesellschaft, in der wir leben, sowohl bewusst
als auch unterbewusst. Menschen in Deutschland sind
und leben sehr vielfältig und divers, das sollte sich auch
in unseren Produktionen abbilden, um überhaupt zukunftsfähig
zu sein. Aktuell stehen wir immer noch am
Anfang und viele soziale Gruppen werden auch im Jahr
2023 noch viel zu wenig oder häufig einseitig dargestellt.
Das kritisch zu hinterfragen und andere, neue Erzählweisen
aufzuzeigen, muss natürlich auch an den Filmhochschulen
gelehrt werden. Die Studierenden heutzutage
hinterfragen und fordern sehr viel, das finde ich gut
und ich freue mich, dies durch den Ausbau und die Verbesserung
von Diversitätsprogrammen und -maßnahmen
in den nächsten Jahren weiter unterstützen zu können.
Ich bin da optimistisch und sehe sehr viel Potenzial
zur Veränderung.
“Our Students
Have a Great
Opportunity to
Influence Society
and Therefore
also Bear Great
Responsibility”
LUCA VEYHL SUCCESSFULLY COMPLETED
HER BACHELOR‘S DEGREE IN LITERA-
TURE-ART-MEDIA AND GENDER STUDIES AT
THE UNIVERSITY OF KONSTANZ FROM 2010
TO 2014. SHE THEN DEEPENED HER ACADE-
MIC CAREER AND EARNED HER MASTER‘S
DEGREE IN EMPIRICAL CULTURAL STUDIES
AT THE UNIVERSITY OF TÜBINGEN FROM
2016 TO 2019.
Since October 2021, she has been active in study management
at FABW, where she was able to apply her expertise
and experience. One year later, in November
2022, Lucca became an employee in the study coordination
of the Animationsinstitut.
Seven questions to Lucca Veyhl
Diversity & Inclusion Strategy
Coordinator for 6 German film
schools at FABW
Since the beginning of July 2023, Lucca has been working
as Diversity & Inclusion Strategy Coordinator at
FABW. As part of the Netflix project „Boosting the Next
Generation: Promoting Diversity, Equality and Inclusion
at Film Schools“, she is responsible together with Aida
Begović for implementing activities for more diversity,
equality and inclusion at film schools. The two of them
not only work for FABW, but they also take care of a total
of six German film schools that have already made a voluntary
commitment to gender equality in 2018.
Hello Lucca, thank you for finding the time to
talk to us. On behalf of Netflix, you are working
with Aida Begović to support the six German film
schools dffb, Filmuniversität Babelsberg, HFF
123

INSIDE FABW – MEET THE STAFF
München, ifs Köln, KHM Köln and FABW in integrating
the topics of diversity, equal opportunities
and inclusion into their training. How did
this collaboration come about?
Already during their studies, young filmmakers
should learn the skills for more diverse and inclusive
storytelling. How do you integrate this
goal into your teaching?
Back in 2018, the six film schools joined forces and published
a voluntary commitment entitled „Together for
Gender Equity“. Within the framework, the film schools
have already been working together for some time with
the MaLisa Foundation, which works to overcome restrictive
role models in the media. In 2021, Netflix approached
the MaLisa Foundation with the idea of promoting
more diverse and inclusive storytelling already
at film schools. The MaLisa Foundation then proposed
to support the six universities by funding a coordinating
position to intensify the exchange on diversity, equality
and inclusion and thus better train the next generation
of filmmakers in this field. The position is now being
filled in tandem, I started on 1 July and Aida on 1
August this year.
How far has FABW come on this path and what
larger or smaller hurdles do the universities still
have to overcome on the way to more equal opportunities?
I think a lot has happened at FABW since 2018 and
things have started to move, especially when it comes to
gender equality. For example, we have an Equal Opportunities
Officer for students and one for the staff. The
management, together with the Equal Opportunities Officer,
has published an Equal Opportunities Plan, which
can be found on our homepage. In it, concrete goals for
more equality between men and women at our university
are laid down very precisely. We have already offered
some events, both in the context of teaching and for our
staff, which deal with further diversity dimensions and
forms of discrimination. But I think a big task in the
next few years for both FABW and the other film schools
will be to expand the concrete commitments and goals
that have already been undertaken in the area of promoting
women. In addition, it must be regularly evaluated
which measures and programmes work and which do
not, and these must be adapted accordingly. There are always
hurdles everywhere: lack of resources, for example,
is often a problem. By that I don‘t just mean money, but
also human resources, which are necessary to achieve
sustainable change.
124
Currently, I can only speak for FABW because I don‘t
know the other film schools well enough. When I came
to the Filmakademie at the end of 2021, I was responsible
for the special series „Gender & Diversity in Progress“,
which has been around since 2018. These were
voluntary interdisciplinary events, for example lectures,
panels or workshops, which aim to raise awareness of
diversity issues in front of and behind the camera. I
think the offer is great, but the placement was not good.
There are so many other compulsory classes in parallel.
In addition, all the students are still active in their projects,
so there is little time for this topic.
We are therefore currently in a restructuring process.
Most of the courses are to be converted into compulsory
departmental teaching. In this way, we will reach new
target groups who have not yet dealt with the topics and
at the same time create customized offers for our students.
Nevertheless, individual interdisciplinary offers
should remain, such as a day during the opening week of
the study year or the summer semester kick-off, which
next year will be organized by the International Office
together with students as “Palestinian Cinema Days”.
The Filmakademie is currently in the certification
process of the Stifterverband‘s (Donor´s Association)
Diversity Audit „Shaping Diversity“.
What exactly is that?
The Stifterverband‘s Diversity Audit „Shaping Diversity“
supports and accompanies universities in (further)
developing a specifically suitable diversity strategy. The
two-year auditing process consists of internal workshops,
led by our auditor Dr. Isabell Lisberg-Haag, as well
as exchanges with the other universities of a year (cohort)
in the so-called Diversity Forums. This exchange
is very valuable, even if the types of higher education
institutions are very different. But regardless of whether
they are technically or artistically oriented, large or
small – we often have similar goals and similar hurdles
in achieving our goals. At FABW, we have currently
agreed on four areas that we would like to work on in
the coming months and years: Applicants and our application
process, internal and external communication, recruiting
and training of staff and – the last area – diversity
and creativity.

Are there any requirements that a university
must fulfil in order to apply for participation in
the audit?
An application and a self-report must be submitted. The
process also costs money, depending on the size of the
university. Another important requirement is that the
process is also actively accompanied by part of the university
management through participation in the workshops
and diversity forums.
One of the goals of the audit is to open up film
schools to a broader and more diverse group of
talented creatives. Where do you see FABW at the
moment?
society we live in, both consciously and subconsciously.
People in Germany are and live very diverse and multi-faceted
lives, and this should also be reflected in our
productions in order to be at all sustainable. Currently,
we are still at the beginning and many social groups are
still portrayed far too little or often in a one-sided way
in 2023. Critically questioning this and showing other,
new ways of telling stories must of course also be taught
at film schools. Students today question and demand a
lot. I think that‘s good and I‘m happy to be able to support
this further by expanding and improving diversity
programmes and measures in the coming years. I am optimistic
about this and see a lot of potential for change.
I think some things have already happened here, too, for
example at least gender balance is also taken into account
in our admissions rounds. But that can only be
a start and we still have many good ideas on how we
can make our selection process more diversity-sensitive.
We would also like to reach other target groups before
the actual application process and, for example, motivate
young people from families with fewer opportunities to
apply to us. Here, too, we have many different ideas.
By the way, a note for the FABW community: If you feel
like participating in the working groups or have suggestions
for improvement and comments, you are welcome
to write an e-mail to diversity@filmakademie.de
or come to us directly. Our steering group, which accepts
and processes these suggestions, consists of Ute
Härter, David Steffen and Jai Wanigesinghe in addition
to myself.
Despite all the efforts of universities, public institutions
and politics: one has the impression
that parts of society are increasingly aggressively
hostile to the issue of diversity. How can we
counter this movement as FABW?
That is not a question I can answer so easily. As future
film and media professionals, however, our students
definitely have a great opportunity to influence society
and therefore also bear great responsibility. We know
how formative media are for society and people. Representation
is important, for example, and I‘m glad that
people are now questioning much more who is in a film,
for example, how people are portrayed and how their
stories are told. Because that shapes us and thus the
125

AUFTRAGSPRODUKTIONEN
COMMISSIONED PRODUCTIONS
126
Auftragsproduktionen: DIE STAATSTHEATER STUTTGART – KREUZBÜHNE

BOSCH – MAKE YOUR SOFTWARE
127

AUFTRAGSPRODUKTIONEN
AUFTRAGSPRODUKTIONEN
DES DRITTMITTELBEREICHES
_YVES ALAIN LAMBERT, HERSTELLUNGSLEITER
DRITTMITTEL/AUFTRAGSPRODUKTIONEN
TEL: +49 7141 969 82370
DRITTMITTEL@FILMAKADEMIE.DE
_CHRISTIAN MÜLLER, HERSTELLUNGSLEITUNG
DRITTMITTEL/AUFTRAGSPRODUKTIONEN UND
TALENTFÖRDERUNG, ANIMATIONSINSTITUT
TEL: +49 7141 969 82817
CHRISTIAN.MUELLER@FILMAKADEMIE.DE
STUDIUM FINANZIEREN, ERFAHRUNGEN
SAMMELN, EXISTENZ AUFBAUEN
Auftragsproduktionen im Drittmittelbereich werden mit
erfahrenen Studierenden, mit Alumni und bevorzugt
mit Produktionsfirmen, die Absolventinnen und Absolventen
in der Region gegründet haben, realisiert. Auch
die Zusammenarbeit mit externen Firmen ist möglich.
STUDIERENDE
Diese Auftragsproduktionen der FABW ermöglichen
den Studierenden über die Projekte in der Lehre hinaus
wichtige Erfahrungen in der Praxis und bieten zudem
die Möglichkeit, sich den eigenen Lebensunterhalt
zu finanzieren.
Das eigene Tun ist der Schlüssel für den Erfolg. Konzeptwettbewerbe
bieten die Chance, sich auszuprobieren.
Mit welcher Strategie überzeuge ich den Auftraggeber
von meinen Ideen? Welche Haltung nehme ich dabei
ein? Ganz im Sinne der praxisorientierten Ausbildung
lernen die Beteiligten, bereits im Pitch unter realen Bedingungen
zu präsentieren.
Begleitet durch die Mitarbeiter*innen der FABW, übernehmen
Studierende Verantwortung für ein professionelles
Projekt. Verträge müssen erfüllt, Budgets und
Zeitpläne berücksichtigt werden. Mit anspruchsvollen
Auftraggebern werden Absprachen getroffen, die unbedingt
eingehalten werden müssen. Verbindlich und
verlässlich zu agieren, schafft Vertrauen. Doch wie
kommuniziere ich mit dem Marketingleiter, der Geschäftsführerin
oder einem Familienunternehmer? Warum
sind diese Menschen neugierig auf mich, auf meine
Ideen abseits ausgetretener Pfade? Andererseits: Welchen
Zwängen unterliegen meine Ansprechpersonen?
Gibt es Grenzen für meine Kreativität? Welche Rolle
spielen Corporate-Identity-Vorgaben und Marketing-Bibeln?
ALUMNI
Da die Förderung der Absolventinnen und Absolventen
ein wichtiges Anliegen ist, unterstützt die FABW das eigene
Netzwerk und bildet so eine Brücke vom Studium
zur Berufswelt. Die Aufträge bieten jungen Produzentinnen
und Produzenten einen Startimpuls für eine spätere
betriebswirtschaftliche Existenzgrundlage. Nachfolgeprojekte
kann eine Produktionsfirma eigenständig ohne
die Filmakademie umsetzen.
EXTERNE FILMPRODUKTIONSFIRMEN
Auch wenn die Zusammenarbeit mit Studierenden und
Alumni im Vordergrund steht, so sind dennoch Kooperationen
mit externen Filmproduktionsfirmen möglich,
wenn Studierende oder Alumni dort in relevanter Rolle
eingebunden sind. Gewinnen Studierende oder Alumni,
die bei einer externen Produktionsfirma arbeiten, einen
Konzeptwettbewerb, so kann jene den Auftrag mit der
FABW zusammen umsetzen.
128

NEUES HEIM – DIE BAUGENOSSENSCHAFT
129

COMMISSIONED PRODUCTIONS
130
THE LINDAU SPIRIT

COMMISSIONED PRODUCTIONS OF THE
THIRD-PARTY FUNDS SECTOR
_YVES ALAIN LAMBERT, PRODUCTION MANAGER
THIRD-PARTY FUNDING/COMMISSIONED PRO-
DUCTIONS
TEL: +49 7141 969 82370
DRITTMITTEL@FILMAKADEMIE.DE
_CHRISTIAN MÜLLER, PRODUCTION MANAGER
THIRD-PARTY FUNDING/COMMISSIONED PRO-
DUCTIONS AND TALENT PROMOTION, ANIMATI-
ONSINSTITUT
TEL: +49 7141 969 82817
CHRISTIAN.MUELLER@FILMAKADEMIE.DE
my ideas off the beaten track? On the other hand, what
constraints are my contacts subject to? Are there limits
to my creativity? What role do corporate identity guidelines
and marketing bibles play?
ALUMNI
Since the promotion of graduates is an important concern,
FABW supports its own alumni network and thus
forms a bridge from studies to the professional world.
The commissions offer young producers a starting impulse
for a later business livelihood. Follow-up projects
can be realized by a production company independently
without the Filmakademie.
FINANCE YOUR STUDIES, GAIN EXPERIENCE,
BUILD A LIVELIHOOD
Commissioned productions in the Third-party Funding
sector are realized with experienced students, with
alumni and preferably with regional production companies
that were founded by gradutes of FABW. Cooperation
with external companies is also possible.
STUDENTS
These commissioned productions of FABW enable students
to gain important practical experience beyond the
projects that are part of their curriculum. They also offer
them the opportunity to finance their own living expenses.
EXTERNAL FILM PRODUCTION COMPANIES
Even if the focus is on cooperation with students and
alumni, cooperation with external film production companies
is still possible if students or alumni are involved
there in a relevant role. If students or alumni who work
for an external production company win a concept competition,
the company can realize the commission together
with FABW.
Doing your own work is the key to success. Concept competitions
offer the chance to try things out. What strategy
do I use to convince the client of my ideas? What attitude
do I adopt? In keeping with the practice-oriented
training, the participants learn how to present their ideas
under authentic business conditions during the pitch.
Accompanied by FABW staff, students assume responsibility
for a professional project. Contracts must be fulfilled,
budgets and schedules respected. Agreements are
made with demanding clients that must be adhered to
at all costs. Acting in a binding and reliable manner creates
trust. But how do I communicate with the marketing
manager, the managing director or a family entrepreneur?
Why are these people curious about me, about
131

FÖRDERVEREIN
Förderverein-Vorsitzender Jürgen Walter
132

Förderverein der Filmakademie Baden-Württemberg
SEIT 30 JAHREN IM EINSATZ
FÜR DIE STUDIERENDEN
DER FÖRDERVEREIN FEIERT 2023 SEIN
30-JÄHRIGES BESTEHEN. INZWISCHEN HAT ER
ÜBER 400 MITGLIEDER AUS DER MEDIEN-,
WERBE- UND KOMMUNIKATIONSBRANCHE.
HINZU KOMMEN FILMINTERESSIERTE PRIVAT-
LEUTE SOWIE STUDIERENDE, LEHRENDE UND
ALUMNI DER FILMAKADEMIE.
Der Förderverein ist als gemeinnütziger Verein steuerlich
anerkannt und entsprechend seiner Satzung auf die
Leistungsförderung ausgerichtet. Die Mitgliedsbeiträge
fließen direkt in die studentischen Filmproduktionen.
Der Förderverein übernimmt aber auch durch weitere
Initiativen gesellschaftliche Verantwortung. So fanden
unter seiner Federführung 2022 mehrere Benefizveranstaltungen
zugunsten der Opfer des russischen Angriffskrieges
auf die Ukraine statt.
• Stiftung Kunst, Kultur und Bildung der Kreissparkasse
Ludwigsburg
• SV SparkassenVersicherung Holding AG, Stuttgart
• UFA GmbH, Berlin
• Wüstenrot Stiftung, Ludwigsburg
• YTF Young Talent Foundation Berlin gGmbH
Studierende im 3. und 4. Studienjahr können Projekte in
der Entwicklungsphase aus verschiedenen Genres und
Studienschwerpunkten wie z.B. Szenischer Film, Dokumentarfilm,
Journalistischer Film, Serienproduktion
oder Animation einreichen. Die eingereichten Exposés,
Treatments oder Drehbücher werden von einer Fachjury
beurteilt, die im Anschluss die ausgezeichneten Projekte
bestimmt. Die Übergabe der Preise findet jährlich im
Rahmen einer festlichen Verleihung an der Filmakademie
Baden-Württemberg statt.
Das zentrale Instrument des Fördervereins zur Unterstützung
der Studierenden der FABW ist die jährliche Vergabe
der Caligari-Preise. In diesem Jahr fand der Wettbewerb
bereits zum 25. Mal statt. Mit den Auszeichnungen
sollen besonders ambitionierte und künstlerisch wertvolle
Studienprojekte eine Zusatzförderung erhalten, die
über die Standardbudgetierung der Filmakademie hinausgeht.
Die Caligari-Förderpreise sind eine wichtige
Unterstützung für junge Filmemacher*innen und bieten
ihnen die Möglichkeit, ihre Projekte zu verwirklichen
und sich in der Branche zu etablieren.
Wer die Caligari-Förderpreise als
Privatperson oder Firma unterstützen
möchte, findet den Mitgliedsantrag
auf der Website der Filmakademie:
Für Studierende der FABW ist die Mitgliedschaft für die
Zeit ihres Studiums und bis 1 Jahr nach dem Abschluss
kostenlos. Für Privatpersonen beträgt der Jahresbeitrag
60,00 EUR, für Startup-Unternehmen 175,00 EUR und
für etablierte Unternehmen 350,00 EUR.
Jeder „Caligari“ ist mit einem Preisgeld von 5.000 Euro
verbunden. Drei Preise werden direkt aus den Mitgliedsbeiträgen
der Fördervereinsmitglieder finanziert.
Alle weiteren Auszeichnungen werden von verschiedenen
Sponsoren und Förderern bereitgestellt. Im Jahr
2023 konnten insgesamt zwölf Trophäen überreicht werden.
Folgende Institutionen und Unternehmen haben einen
Preis gestiftet:
• Andreas Stihl AG & Co. KG, Waiblingen
• Ministerium für Umwelt,
Klima und Energiewirtschaft, Stuttgart
• royal film GmbH, Stuttgart
• Stadt Ludwigsburg
DER FÖRDERVEREIN DER FILMAKADEMIE
BADEN-WÜRTTEMBERG
VORSTAND
1. VORSITZ: Jürgen Walter
STELLVERTRETUNG: Wiltrud Baier, Andrea Block,
Matthias Drescher, Dr. Michael Hartmann,
Dirk Hibbeler, Wolfgang Kerber, Friedrich Müller,
Armin Schneider, Sabine Willmann
ASSISTENZ
Ute Puschmann
E-Mail: ute.puschmann(at)filmakademie.de
133

FRIENDS OF THE FILMAKADEMIE
BADEN-WÜRTTEMBERG
FABW Promotional Association
WORKING FOR THE STUDENTS FOR 30 YEARS
THE FRIENDS OF THE FILMAKADEMIE
BADEN-WÜRTTEMBERG (FÖRDER-
VEREIN) CELEBRATE THEIR 30TH ANNIVER-
SARY IN 2023. THE FABW PROMOTIONAL
ASSOCIATION NOW HAS OVER 400 MEM-
BERS FROM THE MEDIA, ADVERTISING AND
COMMUNICATIONS INDUSTRIES. IN ADDI-
TION, THERE ARE PRIVATE INDIVIDUAL FILM
AFFICIONADOS AS WELL AS STUDENTS,
TEACHERS AND ALUMNI OF THE
FILMAKADEMIE.
As a non-profit association, the Förderverein is recognised
for tax purposes and, in accordance with its statutes,
aims to promote excellence. The membership fees
flow directly into the student film productions. However,
the association also takes on social responsibility
through other initiatives. In 2022, for example, several
benefit events were held under its auspices to help the
victims of the Russian invasion of the Ukraine.
The central instrument of the Förderverein to support
the students of FABW is the annual awarding of the Caligari
Prizes. This year, the competition took place for the
25th time. The awards are intended to provide particularly
ambitious and artistically valuable student projects
with additional funding that goes beyond the standard
budgeting of the Filmakademie. The Caligari Awards are
an important support for young filmmakers and offer
them the opportunity to realize their projects and establish
themselves in the industry.
• City of Ludwigsburg
• Foundation for Art, Culture and Education of
Kreis sparkasse Ludwigsburg
• SV SparkassenVersicherung Holding AG, Stuttgart
• UFA GmbH, Berlin
• Wüstenrot Foundation, Ludwigsburg
• YTF Young Talent Foundation Berlin gGmbH
Students in their 3rd and 4th year of study can submit
projects in the development phase from various genres
and areas of study such as fiction film, documentary
film, film journalism, series production, or animation.
The submitted exposés, treatments, or screenplays
are judged by a jury of experts, who then select the winning
projects. The awards are presented annually at a
festive ceremony at Filmakademie Baden-Württemberg.
If you would like to support the Caligari
Prizes as a private person or company,
you can find the membership application
form on the Filmakademie’s website:
For students of FABW, membership is free for the duration
of their studies and until 1 year after graduation. For
private individuals the annual membership fee is 60.00
Euros, for start-up companies 175.00 Euros and for established
companies 350.00 Euros.
THE FRIENDS OF THE FILMAKADEMIE
BADEN-WÜRTTEMBERG
Each “Caligari” comes with prize money of 5,000 euros.
Three awards are financed directly from the membership
fees of the sponsoring association members. All
other awards are provided by various sponsors and supporters.
In 2023, a total of twelve trophies could be presented.
The following institutions and companies have
donated a prize:
• Andreas Stihl AG & Co. KG, Waiblingen
• Ministry for the Environment, Climate and Energy
Management, Stuttgart
• royal film GmbH, Stuttgart
BOARD OF DIRECTORS
1ST CHAIR: Jürgen Walter
DEPUTY CHAIRMEN: Wiltrud Baier, Andrea Block,
Matthias Drescher, Dr. Michael Hartmann, Dirk Hibbeler,
Wolfgang Kerber, Friedrich Müller, Armin Schneider,
Sabine Willmann
ASSISTANCE
Ute Puschmann
E-mail: ute.puschmann(at)filmakademie.de
134

135

FILMAKADEMIE BADEN-WÜRTTEMBERG GMBH
AKADEMIEHOF 10
D - 71638 LUDWIGSBURG
TEL: +49 7141 969 0
E-MAIL: INFO@FILMAKADEMIE.DE
WWW.FILMAKADEMIE.DE
filmakademiebw
filmakdemie_bw
Filmakademie Baden-Württemberg GmbH
@FilmakademieBW
filmakademiebw
IMPRESSUM / IMPRINT
HERAUSGEGEBEN VON DER / PUBLISHED BY
Filmakademie Baden-Württemberg GmbH
Ludwigsburg
VERANTWORTLICH IM SINNE DES PRESSERECHTS /
RESPONSIBLE ACCORDING TO THE GERMAN PRESS LAW
Prof. Thomas Schadt
REDAKTION / EDITORS
Andreas Friedrich, Fenja Schnizer
Bild- und Textredaktion /
Picture and Text Editor Animationsinstitut:
Fabian Stetzler Textbüro / www.fabianstetzler.com
INTERVIEWS
Andreas Friedrich, Fenja Schnizer;
Riyaaz Roy (International Networks)
Animationsinstitut: Fabian Stetzler
GESTALTUNG / LAYOUT + DESIGN
Kommunikationsdesign Heide Sorn-Daubner,
Stuttgart
DRUCK / PRINT
Ungeheuer + Ulmer KG GmbH + Co.,
Ludwigsburg
TEXTE / TEXTS
Michael Achilles, Andreas Friedrich, Anne Christine Knoth /
Dorothee Martin, Yves Alain Lambert, Guido Lukoschek,
Jan Pinkava, Thomas Schadt, Matthias Schaudig, Fenja Schnizer,
Fabian Stetzler
AUFLAGE / PRINT RUN
800
ID-Nr. 23150282
136

Filmakademie Baden-Württemberg GmbH | Akademiehof 10 | 71638 Ludwigsburg
WWW.FILMAKADEMIE.DE | WWW.ANIMATIONSINSTITUT.DE