Stagione #2 - Theater an der Wien

oper Im Dezember
im Himmel vereint
Initialzündung für das Genre oper: monteverdis L’Orfeo. Von Konrad Kuhn
als sich die mitglieder der Florentiner
Camerata, einem Kreis humanistisch gebildeter
adeliger, um 1600 mit dem verhältnis
von (deklamierter) sprache und
musik beschäftigten, war ihr ziel, die
antike Tragödie wieder zum Leben zu
erwecken. sie hatten also nichts weniger
im sinn als die entwicklung einer neuen
musikalischen Gattung. so blieben die
ersten versuche, Dramentexte mit musik
zu unterlegen, denn auch blutleer; man
muss Jacopo peris Euridice ebenso wie
Giulio Caccinis gleichnamiges Werk als
rein akademisches experiment bezeichnen.
erst als das mantuaner Gegenstück
zur Florentiner Camerata, die academia
degli invaghiti, den Komponisten Claudio
monteverdi (1567-1643), der im Dienste
der Fürsten von mantua stand, 1607 damit
beauftragte, anknüpfend an peri und
Caccini ein musikalisches orpheus-Drama
zu schaffen, entstand ein Werk, das man
nach 400 Jahren operngeschichte mit Fug
und recht als Initialzündung für das Genre
oper bezeichnen kann.
Dabei stellte auch monteverdi das primat
der sprache gegenüber der musik nicht
infrage. In der behandlung des monodischen
Gesangs, der damals gerade dabei
war, die zuvor alles beherrschende polyphonie
als neue stilrichtung abzulösen,
griff er jedoch auf die im (mehrstimmigen)
madrigal gebräuchliche Technik zurück,
einzelne begriffe als schlüsselworte mit
musikalischen mitteln affektiv aufzuladen.
so wird die musik in monteverdis L’Orfeo
nicht nur zur verstärkenden untermalung
eines im vordergrund stehenden Textes,
sondern zum mittel, diesen Text auszudeuten
und ihm dadurch eine neue ausdrucksebene
zu verleihen, die erst durch
das hinzutreten der musik entsteht. Die
dabei angewandten musikalischen Formen
sind vielfältig; Tanzsätze und strophenlieder
kommen ebenso vor wie immer
wiederkehrende, rein instrumentale zwischenspiele,
„ritornell“ oder „sinfonia“
genannt. Den größten Teil des Textes vertonte
monteverdi jedoch als rezitativ. und
hier erreicht der Komponist eine psychologische
Wahrhaftigkeit, die seinen Orfeo
bis heute zu einem der meisterwerke der
Gattung macht.
Die bandbreite der musikalisch zur Darstellung
kommenden Gefühlslagen der
protagonisten ist groß. emotionale extrembereiche
werden erkundet und in kontrastreichen
stimmungen von der musik
ausgemalt. Im zentrum steht der Titelheld:
von der Idylle des vollkommenen
Liebesglücks stürzt er unvermittelt in die
abgrundtiefe verzweiflung über die Nachricht
vom Tod der eben erst angetrauten
Geliebten euridice. orfeo bäumt sich
auf gegen diesen schicksalsschlag, den er
nicht bereit ist zu akzeptieren. er gerät
in lebensferne bereiche, die monteverdi
in seiner unterweltmusik suggestiv zum
Klingen bringt. und er endet, nachdem er
sich endgültig mit dem verlust euridices
John Mark Ainsley Mari Eriksmoen Ivor Bolton
abfinden muss, in totaler verlassenheit.
eine begegnung mit seinem vater apollo
weist ihm schließlich den Weg an jenen
ort, wo er wieder mit euridice vereint sein
darf: im himmel.
Ivor bolton, der vor zehn Jahren bereits
in münchen mit einem monteverdi-zyklus
große erfolge feiern konnte, erarbeitet mit
dem Freiburger barockorchester den neuen
Orfeo am Theater an der Wien. hinzu
treten das monteverdi Continuo ensemble,
das mit seiner reichen palette historischer
Continuo-Instrumente für eine differenzierte
ausgestaltung der rezitativischen
passagen sorgen wird, sowie der arnold
schoenberg Chor.
Die erlesene besetzung wird von John
mark ainsley angeführt, der die ungemein
anspruchsvolle partie des orfeo
seit Jahren im repertoire hat. In weiteren
hauptrollen sind mari eriksmoen, die bezaubernde
zerbinetta der letzten spielzeit,
als euridice, Katija Dragojević als messagiera
und speranza sowie in der rolle der
musica, die den prolog bestreitet, suzana
ograjensek als unterweltgöttin proserpina
und als Ninfa, phillip ens als Caronte
und pluto sowie mirko Guadagnini als
apollo zu erleben. Für die Inszenierung
zeichnen der regisseur Claus Guth und
der bühnen- und Kostümbildner Christian
schmidt verantwortlich, die am Theater an
der Wien zuletzt mit der szenischen version
von händels Messiah einen Triumph
feiern konnten.
oper Im Dezember
Reise ins Reich der Schatten
regisseur Claus Guth im Gespräch mit Dramaturg Konrad Kuhn zu monteverdis L’Orfeo.
Mit Claudio Monteverdis L’orfeo, uraufgeführt
1607 am Hof des Herzogs von Mantua,
beginnt die Entwicklungsgeschichte des Genres
Oper – nach weniger bedeutenden ersten
Versuchen – eigentlich erst richtig. Ein starker
Beginn! Was an Operntypischem steckt
schon im L’orfeo? Was fasziniert uns bis
heute an diesem Stück?
Wenn man sich mit monteverdis L’Orfeo
beschäftigt, ist es ein bisschen so, als ob
man sich, von etwas sehr weitgehend ausdifferenziertem
kommend, wieder zurück
gräbt zu den Wurzeln. Die einfachsten Wirkungsdynamiken
treten auf geradezu minimalistische
Weise zu Tage, so dass einem
klar wird, aus welchen musikdramaturgischen
elementen so ein stück im Grunde
zusammengesetzt ist. Ich empfinde es
als eine art ohrmuschel-reinigung, mich
damit zu beschäftigen. es ist frappierend,
wie wenig es braucht, um ungeheure emotionale
stimmungswechsel auszudrücken.
Wenn ich mich dabei selbst beobachte,
stelle ich fest, dass man den zuschauer
erst einmal dahin führen muss, das aufzunehmen.
Da unsere ohren durch unsere
hörgewohnheiten so voll sind mit eindrücken
und Tönen, muss man die sensation,
die in diesem minimalismus steckt, erst
einmal wahrnehmen lernen. erst nach einer
gewissen zeit der beschäftigung bin
ich ins staunen geraten; zu beginn ist
da einiges an mir vorbeigerauscht. Das
kommt vielleicht auch daher, weil ich mich
in der letzten zeit sehr viel mit strauss
und Wagner beschäftigt habe. abgesehen
von purcells King Arthur und Fairy Queen
ist es meine erste begegnung mit dem
Frühbarock in der musik.
bei purcell herrscht zwar ein großer Ideenreichtum,
aber nicht diese dramaturgische
stringenz wie bei monteverdi. es gibt in
L’Orfeo, für den monteverdi auf ein reich
besetztes orchester zurückgreifen konnte,
zwar schon von der Instrumentierung her
eine reihe von effekten. aber der aufwand
ist ungleich geringer als zum beispiel bei
Komponisten des 19. Jahrhunderts. Die
unterwelt-musik wirkt deshalb so überraschend,
weil plötzlich eine neue Instrumentengruppe
eingesetzt wird, die man
bis dahin nicht zu hören bekommen hat.
In der späteren entwicklung der barockoper,
etwa bei händel, passiert es einem
häufig, dass man die Form als relativ schematisch
empfindet: es gibt bestimmte arientypen,
die immer wieder vorkommen;
das prinzip der Da capo-arie als solches,
auch wenn es virtuos gehandhabt wird, ist
im vergleich zu monteverdi vorhersehbar.
Dem gegenüber ist L’Orfeo dramaturgisch
absolut zwingend.
Daraus entwickelt sich eine sogwirkung:
Das stück schraubt sich immer tiefer ins
zentrum der Geschichte. Da gibt es keinen
Nebenfiguren-schnickschnack nach dem
motto „jetzt kriegt der noch seine arie“,
sondern es geht in einer aberwitzigen Geradlinigkeit
vorwärts. Nicht umsonst lautet
die von monteverdi und seinem Librettisten
striggio gewählte Gattungsbezeichnung
„una favola in musica“: eine Geschichte
wird durch die musik erzählt.
bei späteren Werken monteverdis ist das
anders: Während man L’Orfeo als „handlung“
bezeichnen könnte, ist Il ritorno di
Ulisse in patria für mich eher eine „atmos-
phäre“.
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Claus Guth