Afrika in Mode (Leseprobe)

AFRIKA IN MODE
Luxus, Handwerk und textiles Erbe
Ken Kweku Nimo

AFRIKA IN MODE
Luxus, Handwerk und textiles Erbe
© 2023
Midas Collection
Ich widme dieses Buch drei phänomenalen Frauen:
meiner Mutter Obaapanyin, Adwoa Kwakowa;
meiner Gattin, Efua Koufie;
meiner Tochter, Ama Kwakowa Nimo.
Ein Imprint der Midas Verlag AG
ISBN 978-3-03876-244-7
1. Auflage
Übersetzung: Claudia Koch
Korrektorat: Dr. Friederike Römhild
Layout: Ulrich Borstelmann
Herausgeber: Gregory C. Zäch
Midas Verlag AG
Dunantstrasse 3, CH-8044 Zürich
E-Mail: kontakt@midas.ch
www.midas.ch
Englische Originalausgabe: Africa in Fashion
© Ken Kweku Nimo 2022
© 2022 Laurence King Student & Professional
An imprint of Quercus Editions Ltd, London
Die deutsche Nationalbibliothek verzeichnet diese
Publikation in der Deutschen Nationalbibliografie;
detaillierte bibliografische Daten sind im Internet unter
www.dnb.de abrufbar.
Alle Rechte vorbehalten. Die Verwendung der Texte und
Bilder, auch auszugsweise, ist ohne schriftliche Zustimmung
des Verlages urheberrechtswidrig und strafbar.
Titel
Mtwana-Halsschmuck in Orange, Braun und Gold von
Jiamini. Das Stück aus der Mung’ung’uti (Spine) Kollektion
von Jiamini besteht aus Leder, das mit einer von der
Wirbelsäule inspirierten Skulptur aus 18k vergoldetem
Messing versehen ist.
Fotografie: Kadara Enyeasi
Model: Zainab Alade
Vertreten durch 90s Models Management, Nigeria
Make-up: Obidike Uchechukwu
Produzent: A Whitespace Creative Agency
Produziert mit Unterstützung der Ethical Fashion Initiative
und Partnerschaften von EU International
Rückseite
Gewebe von Johanna Bramble.

AFRIKA
IN MODE
Luxus, Handwerk und textiles Erbe
Ken Kweku Nimo
MIDAS

Vorwort von Deola Sagoe 6
Einführung 9
Kapitel 1:
Die Geschichte der
afrikanischen Mode 12
Geschichte – neu erzählt 14
Ein textiles Erbe 32
Accessoires und Schmuck 52
Kapitel 2:
Das neue Afrika 60
Generation Couture 62
Eine Oase des Luxus 74

Kapitel 3:
Neue Talente aus Afrika 94
Galerie der Designer 96
Lukhanyo Mdingi 114
Adele Dejak 120
Thebe Magugu 126
Kat van Duinen 132
Peuhl Vagabond 138
Tokyo James 144
Maison ARTC 150
Imane Ayissi 156
Taibo Bacar 162
Johanna Bramble 168
T-Michael 174
Mimi Plange 180
Tongoro Studio 186
Glossar 192
Endnoten und Bibliografie 194
Index 194
Bildnachweise 198
Dank 199

Vorwort
Afrika ist immer in Mode.
Dieses Buch stellt einen besonderen Punkt
unserer Wertschätzung dessen dar, was Afrika
in der Mode bedeutet. Wir sind in dieses Kontinuum
eingewoben, wie Ken in dem Unterkapitel
»Gewebte Geschichten und antike Stoffe«
andeutet. Doch wir sind auch souverän; unsere
eigenen Werte wollen definiert, vielleicht sogar
zurückerstattet werden, wie es im Abschnitt
»Kolonialismus« (»Europas großes imperialistisches
Unternehmen in Afrika«) subtil anklingt.
Afrika in Mode ist ein ambitioniertes Buch.
Seine Größe mag dies nicht sofort zeigen, aber
gerade in seiner Schlankheit liegt der Ehrgeiz –
gleichzeitig unsere Aufmerksamkeit auf alles
zu lenken, was darin enthalten ist, wie auch
auf alles, was weggelassen wurde. Dieses Buch
erhebt nicht den Anspruch, die gesamte Geschichte
Afrikas in der Mode zu erzählen – welches
einzigartige Werk würde es wagen, dies als
seine Aufgabe zu erklären?
Was dieses Buch leistet, ist die erfolgreiche
Zusammenführung einer Vielzahl von Informationsströmen
zu einem Fluss des Wissens, nach
dem Sie, liebe Leserin, lieber Leser, von Anfang
an gedürstet haben müssen – sonst hätten Sie
dieses Buch nicht aufgeschlagen.
Als ich begann, mich für Mode zu interessieren,
war ich zunächst von unseren einheimischen
Stoffen fasziniert. Ich hatte das
Gefühl, dass alle anderen Menschen auf der
Welt herunterspielten und über sahen, dass es
sich dabei offensichtlich um gewebte Magie
handelte! Es überraschte mich, wie selbstverständlich
dieser Schatz an Ressourcen, die
afrikanischen Textilien, wahrgenommen wurde.
Im Laufe der Jahre hat meine Wertschätzung
für diesen Zauber nie nachgelassen. Wenn es
Ihnen also so geht wie mir, lesen Sie direkt im
Abschnitt »Ein textiles Erbe« mit einem Lächeln
im Gesicht weiter!
Ich bin Ken dankbar, dass er im Unterkapitel
»Generation Couture« einige Helden des
modernen afrikanischen Modedesigns vorstellt.
Dazu gehören Shade Thomas-Fahm, mit
der ich das Vergnügen hatte, zusammenzuarbeiten,
und Kofi Ansah, mit dem ich so viele
tiefgründige Gespräche darüber geführt habe,
wie es mit dem Design weitergehen soll – leider
wurden wir durch seinen Tod um unsere Pläne
gebracht.
Meine Marke war von Anfang an ein Synonym
für »Luxus«, was zum Teil an meiner Konzentration
auf die Details in meinen Entwürfen
liegt, aber auch an meinem Ethos, dass »Luxus
im Auge des Betrachters liegt«. Und ich bin froh,
dass immer mehr Kulturen auf der ganzen Welt
das afrikanische Auge zu schätzen wissen!
Wir stehen uns gerade an einem Wendepunkt
– daher schlage ich vor, dass Ken sein
nächstes Projekt Afrika im Luxus widmet.
Deola Sagoe
7

Einführung
Die universelle Anziehungskraft der Mode
zeigt sich in der Geschwindigkeit, mit der die
neuesten Stile und Trends die globalen Märkte
durchdringen. In der heutigen Zeit ist die Mode,
angetrieben durch digitale Medien, elektronischen
Handel und integrierte Lieferketten und
Vertriebskanäle, zu einem der größten Sektoren
der Weltwirtschaft geworden. In Afrika
stützt sich die Mode- und Textilindustrie auf
eine Wertschöpfungskette, die in der Lage ist,
das Wirtschaftswachstum und die Schaffung
von Arbeitsplätzen vor dem Hintergrund einer
wachsenden jungen Bevölkerung zu fördern und
gleichzeitig die von der Fast Fashion ausgehenden
Gefahren zu mindern.
Bis zum Ende des zwanzigsten Jahrhunderts
fristete Afrika ein Schattendasein in der
globalen Modewirtschaft und profitierte nur
am Rande als Rohstofflieferant und als Absatzmarkt
für Fertigwaren. Die Bemühungen Afrikas
nach der Unabhängigkeit, die einheimische
Textil- und Bekleidungsindustrie für das Wirtschaftswachstum
zu nutzen, haben nur langsam
Früchte getragen. Doch trotz der endemischen
Herausforderungen hat sich die afrikanische
Mode entwickelt. Angetrieben von dynamischen
einheimischen Produktions- und Vertriebsnetzen
hat sie Jahrzehnte der Unterwerfung und
Ausbeutung überstanden und einige der weltbesten
Designer hervorgebracht. Das 21. Jahrhundert
hat in der Tat einen Aufschwung der
afrikanischen Kreativwirtschaft erlebt, da eine
neue Generation von Designern modernste
Technologien einsetzt, um das Potenzial der
einheimischen Produktionstechniken, Medien
und handwerklichen Fähigkeiten zu nutzen.
Afrikas reiches kulturelles und handwerkliches
Erbe kann zusammen mit seinem Reichtum an
natürlichen und menschlichen Ressourcen und
der relativen sozioökonomischen Stabilität der
letzten Zeit eine einheimische Industrie für die
Herstellung hochwertiger und handwerklich
orientierter Luxusgüter fördern.
Dieses Buch ist in drei Kapitel unterteilt. In
Kapitel 1 wird die Geschichte der Entwicklung
der afrikanischen Mode unter dem Einfluss von
Handel, Kultur, Kolonialismus und Globalisierung
untersucht. Anschließend konzentrieren
wir uns auf das reiche Erbe an Textilien, Accessoires
und Verzierungen.
In Kapitel 2 stellen wir die bedeutendsten
afrikanischen Designer vor – beginnend mit der
Generation der Pionierdesigner, deren Arbeit
eine substanzielle und globale afrikanische
Mode angeregt hat. Wir erörtern auch die Erfordernisse
der Entwicklung einer wirklich nachhaltigen
Mode- und Luxusindustrie mit internationaler
Reichweite.
Im letzten Kapitel schließlich kommen die
zeitgenössischen Designer zu Wort, die die
kulturelle Renaissance Afrikas gestalten. Auf
den ersten Seiten wird eine breite Palette von
Designern aus den Bereichen Herrenmode,
Damenmode und Accessoires wie Lederwaren
und Schmuck vorgestellt. Es folgen Interviews
mit dreizehn bedeutenden zeitgenössischen
Designern. Jede der vorgestellten Marken, ob
etabliert oder aufstrebend, ist Teil des Kaleidoskops
kreativer Talente in Afrikas aufstrebender
Modeindustrie.
9

Seite 6
Yana Design aus der
Kollektion Tropical
Galactica Surreal 2020
von Deola Sagoe.
Seite 8
Origami-besetzte Bluse mit
Puffärmeln und Palazzo-
Hosen mit Corsage aus der
Kollektion Season 3, 2021
von Duaba Serwa.
Gegenüber
Paw Pot Zweifarbdesign
von AAKS. Diese beliebte
Minitasche wurde aus
gewebtem Raffiabast in der
charakteristischen Form
der Marke gefertigt. Sie ist
mit einem Lederbesatz mit
Fransen akzentuiert und
hat einen Leinenbeutel.

KAPITEL 1
Die
Geschichte der
afrikanischen Mode
Mode ist ein gesellschaftliches Phänomen, das
Menschen auf der ganzen Welt im Laufe der
Geschichte in seinen Bann gezogen hat. Grob
gesagt, ist sie der unverwechselbare Kleidungsstil
und Schmuck von Menschen aus verschiedenen
Kulturen und sozialen Schichten. Darüber
hinaus ist sie zugleich konstruktiv und subversiv
und das Ergebnis des Strebens der Menschen
nach sozialem Kapital und Status in fast jeder
Gesellschaft. Aufgrund des vorherrschenden
Missverständnisses, dass Mode ausschließlich
ein Mittel der westlichen Moderne ist, haben die
Bekleidungspraktiken vieler Kulturen in Afrika
und seiner Diaspora in der konventionellen
Modegeschichte wenig Beachtung gefunden.
Heute ist das Narrativ vom »unmodischen«
Afrika durchaus umstritten und wird allmählich
durch ein überzeugendes Gegennarrativ
ersetzt.
In diesem Kapitel wird zunächst die Geschichte
der Entwicklung der afrikanischen
Mode unter den Aspekten Handel, Kultur,
Kolonialismus und Globalisierung untersucht.
Anschließend wird erörtert, auf welche Weise
Afrika im Laufe der Jahrhunderte die Mode
»jenseits von Afrika« beeinflusst hat. Sodann
wird das reiche Erbe des Kontinents in Unterkapiteln,
die sich speziell mit Textilien sowie
Accessoires und Verzierungen befassen, näher
beleuchtet.

Afrika in Mode
Geschichte – neu erzählt
Die jüngste Medienberichterstattung und Literatur über afrikanische
Mode hat ihre Bedeutung als kulturelles Ausdrucksmedium
hervorgehoben, mit einem Kaleidoskop von Textilien, Accessoires
und Kunstformen, die einen wahrhaft dynamischen Modediskurs
bilden. 1 Die reiche Geschichte der afrikanischen Mode bleibt
jedoch im Kontext der globalen Mode weitgehend unerkannt. Hier
wird sie durch die Faktoren Handel, Kultur, Kolonialismus und
Globalisierung neu erzählt und auf dem gesamten Kontinent und
darüber hinaus erkundet.
Handel
Vor der Ankunft der ersten europäischen Schiffe trieben die
Bewohner vieler afrikanischer Reiche wie Ghana, Mali und
Songhai Handel über regionale und territoriale Grenzen hinweg.
Das Handelsnetz im vorkolonialen Afrika war bemerkenswert
komplex, mit Routen, die durch den Westen, die Mitte und den
Norden Afrikas und über das Mittelmeer nach Europa führten. Die
Handelszentren waren durch große Fernstraßen mit Sicherheitskontrollen
und Mautstellen in scheinbar unwegsamen Wäldern
und weiten Wüstenlandschaften verbunden.
Die Handelswährung variierte zwar, bestand aber hauptsächlich
aus Goldstaub, Messing, Eisen, Kupfer, Stoffstreifen und
Elfenbein. Im neunten Jahrhundert prägten die Kalifen Nordafrikas
ihre eigenen Golddinare, um mit Kaufleuten aus Spanien und
anderen Teilen Europas Handel zu treiben.
Zwischen dem 5. und dem späten 19. Jahrhundert förderte der
Handel den Aufstieg wohlhabender Städte und großer Reiche,
wobei die Periode interkultureller Interaktionen die materielle
Kultur Afrikas in Kunst, Architektur und Mode beeinflusste. Die
Geschichte der Mode im vorkolonialen Afrika lässt sich durch die
Brille, des Transsaharahandels und des transatlantischen Handels
konzeptualisieren.
14

Kapitel 1
Die Geschichte der afrikanischen Mode
Dieser Schnitt aus dem
17. Jahrhundert, Olfert
Dappers Naukeurige
beschrijvinge der
Afrikaensche gewesten,
zeigt eine majestätische
Prozession am Hof des
Königreichs von Benin
(heutiges Nigeria).
15

Afrika in Mode
Transsaharahandel
Der Transsaharahandel, der bereits im 5. Jahrhundert
begann, erreichte seinen Höhepunkt
zwischen dem 11. und 16. Jahrhundert infolge
der arabischen Invasion Nordafrikas und der
Begünstigung durch versierte islamische
Kaufleute. Die Transsaharahandelsnetze, die
ihren Ursprung in Nordafrika hatten und in die
weiter südlich gelegenen Regenwaldgebiete
vordrangen, bestanden aus großen Karawanen
von meist berberischen und andalusischen
Maurenhändlern. Die wichtigsten Waren, Gold
und Sklaven, die durch Stammesfehden und
Kriege erbeutet wurden, waren für die nördlichen
Königreiche, die mit weit entfernten
Zivilisationen wie Levante (Westasien) und
Europa Handel trieben, lebenswichtig. Um den
sicheren Transit von Waren und Händlern zu
gewährleisten, boten Stationen entlang der
Hauptrouten Sicherheit und Erfrischung,
während sie gleichzeitig Zölle und Abgaben
erhoben. Die Hafenstädte Sijilmasa (Marokko)
und Oualata (Mauretanien) wurden immer
reicher und erlebten einen bemerkenswerten
soziokulturellen Wandel.
Neben den Hauptwaren für den Austausch
förderte der Handel die Verbreitung einer
breiten Palette von Luxusgütern wie Seidenfasern,
Brokate, Damaste, Seiden und Kleidung
aus feinem Leinen und Baumwolle aus Europa
und Ägypten. Durch den Handel erschlossen
sich den lokalen Herstellern neue Märkte,
verbesserte Technologien, neue Materialien und
in einigen Fällen auch qualifizierte Handwerker,
was die einheimische Textilindustrie stark
vorantrieb. Kofar Mata (heute Nordnigeria) war
die Quelle natürlicher Indigo-Farbstoffe für die
Nomadenstämme Nordafrikas, darunter die
Tuareg und Fulani in Mali. Bei den Zazzau
entstand eine Produktionskette für Textilien
und Bekleidung mit Baumwollanbau, Spinnerei,
Weberei, Färberei, Schneiderei und Stickerei.
Die Girken Zazzau und die Yar Madaka, beides
voluminöse und üppig bestickte Gewänder,
wurden im gesamten Sokoto-Kalifat und im
Sudan zu beliebten Exportartikeln.
Durch den Handel drangen neue soziokulturelle,
politische und religiöse Ideale in die
afrikanischen Gesellschaften ein. Der Handel
garantierte auch den Wohlstand der großen
Reiche und die damit einhergehende Entwicklung
einer materiellen Kultur. Bis ins 18. Jahrhundert
verwandelte die steigende Nachfrage
nach einheimischen Baumwoll- und Textilprodukten
große Handels- und Produktionszentren
wie Kano in Nettoexporteure von Textilerzeugnissen
– was sich als profitabler erwies als der
aufkeimende Sklavenhandel. Zu den bedeutenden
Handelsstädten, die bis weit ins 18. Jahrhundert
hinein florierten, gehören Djenne und
Timbuktu in Mali, Goa in Songhai, Kaya bei den
Mossi, Salaga in Ghana, Dendi im nördlichen
Dahomey, Ife und Kano in Nigeria, von denen
sich viele zu Gesellschaften mit luxuriösem
Lebensstil entwickelten.
Handelskarawanen aus Europa und der
Levante brachten nicht nur Waren zum Tausch
mit, sondern auch kostbare Geschenke wie
reich verzierte Kleidung, persische Seide und
Brokat, königliche Tuniken, prächtigen Schmuck
und Gegenstände wie kunstvoll gravierte
Der Berater des Sultans in
prächtiger Robe aus schimmerndem
Stoff in Indigo.
16

Afrika in Mode
Dolche. Diese Gegenstände dienten als Geschenke
von Kaufleuten oder Abgesandten der
Könige als Geste des guten Willens. Ihre Qualität
und Exotik inspirierten und beeinflussten
die Kunst, die Mode und das Handwerk der
Einheimischen. Berichte aus dem 14. Jahrhundert
über den majestätischen Musa I. von Mali
deuten auf eine Fülle kostspieliger Kleidungsstücke,
die teils importiert, teils vor Ort hergestellt
wurden. In Seide und Brokat gekleidet,
unternahm der extravagante Musa eine Pilgerfahrt
nach Mekka in Begleitung von über
tausend Sklaven und Dienern, die wertvolle
Geschenke für die Herrscher der fernen Länder
mitbrachten. Der Seidenbrokat, der sich sowohl
auf das Textil als auch auf die Technik bezieht,
zeichnet sich durch komplexe Muster aus
geprägten floralen Elementen aus, die mit
Gold- und Silberfäden verwoben sind. Diese
Technik und ihre spektakulären Produkte waren
zwar eine Besonderheit der persischen Region,
gelangten aber über den Handel an die Königshöfe
Afrikas, wo die Peul oder Fulani von Mali
ein lokales Know-how entwickelten.
In den detaillierten Berichten islamischer
Gelehrter übernehmen die Könige von Ghana,
Kaw Kaw und Mali sowie der Adel dieser alten
Königreiche Kleidungsstile aus den am Transsaharahandel
beteiligten Regionen. Die Entwicklung
der Kente (siehe S. 38), die ihre Wurzeln in
den westafrikanischen Bandweberkulturen hat,
profitierte vom Fluss bunter Seidenstoffe durch
die transsaharischen Handelsnetze, die die
Textilzentren in Arabien, Spanien und Fes (im
heutigen Algerien) umfassten. Darüber hinaus
gewährleisteten die Karawanen durch die
Sahara eine sichere Durchreise für fahrende
Weber und Handwerker.
Transatlantischer Handel
Der Transsaharahandel florierte bis ins späte
16. Jahrhundert. Bis zum frühen 18. Jahrhundert
hatte der transatlantische Handel jedoch
die Handelsnetze im Norden in den Schatten
gestellt. Die wichtigsten Handelsgüter waren
Gold, Elfenbein, exotische Felle, Gummi arabicum,
Gewürze und Federn, die gegen Textilien,
Glasperlen, Spirituosen, Musketen, genähte
Kleidung und Luxusgüter eingetauscht wurden.
Zuvor hatten die beschwerlichen Karawanenreisen
den Umfang und die Vielfalt der gehandelten
Waren eingeschränkt, doch nun garantierte
die bemerkenswerte Schnelligkeit der europäischen
Seehändler den Zugang zu einer größeren
Vielfalt an Produkten, von denen viele in den
Zwischenlagern an der westafrikanischen Küste
erworben wurden. Während der Transsaharahandel
die einheimische Handwerksindustrie
förderte, wurde diese durch den transatlantischen
Handel geschwächt, da einheimische
Waren wie Textilien und Kleidungsstücke durch
eine Reihe von Importwaren verdrängt wurden.
Der transatlantische Handel hatte tiefgreifende
Auswirkungen auf das soziokulturelle
und wirtschaftliche Gefüge des subsaharischen
Afrikas. Schnell fanden europäische
Waren Eingang in die indigenen Gesellschaften.
Es war jedoch der Sklavenhandel, der die
größten Veränderungen im sozioökonomischen
Gefüge der afrikanischen Länder südlich der
Sahara einleitete. Bis Mitte des 18. Jahrhunderts
förderte ein sprunghafter Anstieg der
Nachfrage nach Sklaven in Amerika und
Britisch-Westindien neue Strukturen in den
lokalen Handelsnetzen, von denen afrikanische
Zwischenhändler profitierten. Entlang der
»Sklavenküste«, in Städten wie Lagos, Ane‘ho,
18

Der Salzbehälter wurde von
Meisterhandwerkern aus
Benin aus Elfenbein
geschnitzt. Darauf sind
portugiesische Händler mit
langen Haaren, Bärten und
markanten Nasen abgebildet.
Auf der Skulptur ist ein
portugiesisches Schiff zu
sehen. Aus Benin, Nigeria,
um 1525–1600, Britisches
Museum, London.
Porto Novo, Anomabo, Cape Coast und Elmina,
verfügten zwischengeschaltete Handelsfürsten
über erheblichen Einfluss und Macht. Sie
häuften immensen Reichtum an, nicht nur als
Makler, sondern auch als Grundbesitzer, denen
die europäischen Händler Pacht zahlten und
üppige Geschenke in Form von Kleidung und
Luxusgütern machten.
19

Afrika in Mode
Zu den Waren, die sich auf Tausenden
Bestellscheinen aus der Mitte des 18. Jahrhunderts
finden, gehören Textilien wie Chintz,
Damast, Taft, indische Seide, Brokat und Samt.
Zu den Kleidungsstücken europäischer und
britischer Kaufleute gehörten Admiralsmäntel,
Hüte, Hemden, Jacken, Umhänge, Krawatten,
Gürtel, Handschuhe, Strümpfe, Pantoffeln und
Schuhe. Außerdem gab es Haushalts- und
Hygieneartikel wie Seifen und Parfüms. Ein
erheblicher Teil dieser Waren war für die
Versorgung der europäischen Besatzungen von
Sklavenschiffen oder für den Umlauf nur unter
den elitären »Handelsfürsten« an der Küste
bestimmt – wie Thomas Melvil, Gouverneur der
britischen Siedlungen an der Goldküste
(1751–56), feststellte: »Das Land ist voller
Waren, und es gibt nur sehr wenig Nachfrage.« 2
Kultur
Die genaue Zahl ist nicht bekannt, doch in Afrika
leben mehrere tausend verschiedene Völker und
Ethnien mit unterschiedlichen Kulturen. In
vielen vorkolonialen Gesellschaften wie den
Berbern im Norden, den Mande in der Sahelzone
und den Akan in den Waldregionen herrschten
soziale Ordnung und Zusammenhalt auf der
Grundlage von Königtum, Gottheit und Gemeinschaft.
Durch diese Instanzen wurden Bräuche
und Normen geschaffen, die das soziale Leben
und den Übergang von Geburt, Pubertät, Heirat
und Tod regeln. Bei jedem dieser Ereignisse
spielte die Kleidung eine wichtige Rolle, denn sie
unterschied zwischen Alter, Beruf, Familienstand
und sozialer Schicht.
In vielen Kulturen spielt die Kleidung bei
Festen und Übergangsriten nach wie vor eine
wichtige Rolle. Bei den Ngoni in Sambia trägt
der oberste Häuptling während der N‘cwala-
Zeremonie ein Löwenfell, um das Geschenk der
ersten Früchte zu feiern. Seine Krieger erscheinen
in einer Reihe von Leoparden-, Gepardenund
Antilopenfellen, die entweder über der
Brust drapiert oder in Streifen um die Hüften
gehängt werden. Das Königreich Swasiland ist
ein eindrucksvolles Beispiel für die Beständigkeit
einer afrikanischen Kultur. Das Swasituch
in verschiedenen Rottönen wird mit Knoten
zusammengehalten und ist auch im heutigen
Swasiland ein dominierendes Element bei
Festen wie dem beliebten Schilftanz. Auch die
zeremonielle Kleidung der Stadtoberhäupter
des nigerianischen Bundesstaates Edo, ein
spektakuläres rotes Kostüm mit gezackten
Rändern, um die Schuppen des Schuppentiers
zu imitieren, ist ein faszinierendes Schauspiel
am Schnittpunkt von Kultur und Kleidung. Ein
weiteres Beispiel für ein reiches kulturelles
Erbe, das bis heute bewahrt wurde, sind die
Dipo-Initiationsriten der Krobo in Ghana.
Die zeremonielle Kleidung der Priester und
Anhänger traditioneller afrikanischer Religionen
bestand aus einfach verfügbaren Materialien
wie Rindenstoff und Tierhaut. Diese wurden mit
Accessoires aus Elfenbein, Knochen, Kaurischnecken,
Korallenmuscheln und Samen
verziert. Stammesmasken und ein Repertoire
an Kopfbedeckungen und Amuletten, denen
mystische Kräfte zugeschrieben werden,
vervollständigten das Ensemble in einigen
Kulturen. Die Sumanbrafo-Priester der Ashanti
bedecken sich mit roter Tonerde und schwarzer
Kohle, um die Wildheit ihrer Gottheit abzubilden.
Weiße Umhänge, weiße Kreide und Kaolin,
die für Reinheit stehen, schmücken die Priester
20

Bewaffneter Palast-Henker
»Abrafour«, der einen
traditionellen Kopfschmuck
aus Kuhfell und
Amuletten trägt. Um seine
Taille ist eine Messerscheide
aus Leopardenfell
geschnallt.
des Orakels in vielen afrikanischen Kulturen. In
Simbabwe ist das Retso-Tuch, das wegen seiner
mystischen Kräfte verehrt wird, bei traditionellen
Priestern und Wahrsagern immer noch
beliebt. Der rot bedruckte Stoff mit schwarzweißen
Mustern gilt als Tor zur Geisterwelt der
Ahnen. Masken waren ein weiteres dominantes
Merkmal der afrikanischen Zeremonien.
Während der anhaltenden Handelsbeziehungen
Afrikas mit dem Rest der Welt haben die
Bewohner des Kontinents mit fremden Kulturen
interagiert und bestimmte Normen übernommen.
Diese Assimilierung war jedoch den
Einflüssen der Kultur unterworfen. Durch die
Symbolik und die Bedeutungen, die mit Farben
und bestimmten Formen oder Mustern verbun-
den sind, kann ein fremder Gegenstand angepasst
werden, seine Bedeutung behalten oder
verlieren. In der Perlenkultur des zentralen und
südlichen Afrikas verwenden die Maasai, Dinka,
Zulu und Xhosa eine umfangreiche Terminologie,
die sich auf die Farbe des Viehs bezieht, um das
Aussehen und die Verwendung importierter
Perlen zu beschreiben. Bei den Akan in Ghana
symbolisiert Rot Verlust und Tragödie und ist für
Trauer geeignet, während Blau und Weiß Reinheit
und Sieg darstellen und für Zeremonien zur
Verlobung und Namensgebung verwendet
werden. Diese Symbolik ist in vielen Kulturen
von Bedeutung. Die Anpassung fremder Gegenstände
durch eine einheimische kulturelle Sicht
nennen wir »kulturelle Authentifizierung«.
21

Kapitel 1
Die Geschichte der afrikanischen Mode
Kolonialismus
Europas großes imperialistisches Unterfangen
in Afrika vom späten 18. bis ins 20. Jahrhundert
ist nach wie vor ein prägendes Phänomen der
afrikanischen Geschichte. Zwar wurden Teile
Afrikas bereits durch eine Reihe ausländischer
Mächte kolonialisiert, doch stellt die europäische
Kolonialisierung den dauerhaftesten
Einfluss auf das sozioökonomische, politische
und kulturelle Gefüge Afrikas dar.
Die Bevölkerung des Kontinents, insbesondere
die Afrikaner südlich der Sahara, waren die
Leidtragenden dieser Kolonisierungspolitik, bei
der die traditionellen Monarchien, die Stammesgebiete,
die unterschiedlichen Kulturen und die
natürlichen Grenzen, die seit der Antike bestanden,
nicht berücksichtigt wurden.
Unter den zahlreichen Instrumenten des
Kolonialismus war die Kleidung vielleicht das
wirksamste Medium der Akkulturation, da europäische
Modestile die Kolonien in unterschied-
lichem Maße prägten. Neue Bekleidungsnormen
wurden subtil durch die Aktivitäten christlicher
Missionare oder aggressiv durch lokale Strafverfolgungsbehörden
und schädliche politische
Maßnahmen wie den Baumwollimperialismus
eingeführt – ein politisches Regime, das darauf
abzielte, die Produktionskapazitäten der einheimischen
Textilindustrie zu untergraben und importierte
Textilien zu begünstigen. In Westafrika
machten christliche Pioniermissionen wie die
Basler Mission aus der Schweiz die Übernahme
westlicher Kleidung zur Voraussetzung für die
Teilnahme an christlichen Gottesdiensten und
die Einschulung in Missionsschulen. Anstand
und Bescheidenheit in der Kleidung wurden
zum Leitmotiv aller christlichen Missionen, um
die Abkehr der Konvertiten von »archaischen«
Normen zu symbolisieren. Im französischen
kolonialen Afrika stand der Wunsch im Vordergrund,
die kolonialen Untertanen durch
die Macht der Kleidung zu »zivilisieren«. Die
Gegenüber
Ekoko n‘Uteh, Maskenträger
aus der Uteh-Gemeinschaft,
die mit roten Federn geschmückte
Masken tragen,
tanzen zu Ehren des Oba von
Benin. Sie tragen Raphiaschoten
um die Knöchel, die beim
Tanzen klappern.
Rechts
Herero-Frauen in Südwestafrika
(dem heutigen Namibia)
während der deutschen
Kolonialherrschaft im Jahr
1904. Das Gruppenbild, das in
der Berliner Illustrierten
Zeitung veröffentlicht wurde,
zeigt Frauen in langen
Kleidern und Uniformen mit
Kopftüchern.
23

Franzosen führten die strengsten kolonialen
Mechanismen ein, die so weit gingen, dass sie
Afrikanern, die sich von alten Traditionen lossagten
und französische Ideale annahmen, die
Staatsbürgerschaft zuerkannten. Die Portugiesen
führten ihre Version dieses Verfahrens ein,
die als »assimilação« bekannt ist. Die Kleidung
erwies sich jedoch nicht nur als wesentlicher
Bestandteil des Kolonialismus, sondern diente
auch als Mittel zur Anfechtung des kolonialen
Diktats. Durch die Kleidung wurden neue kulturelle
Normen nicht nur assimiliert, sondern
auch verändert oder gänzlich abgelehnt.
Der Widerstand gegen die Assimilierung
fremder Kulturen hat zu einigen überraschenden
Ergebnissen geführt. Die Siswati im südafri-
kanischen Königreich Swasiland beispielsweise
schneiden und nähen importierte Textilien nicht
wie einheimische Felle und Leder, sondern
halten sie mit Knoten oberhalb der Schulter
zusammen. In bestimmten Teilen Südafrikas
trugen die Männer nur ein Hemd mit Knopfleiste
oder eine Hose getrennt, aber nie zusammen,
sehr zum Leidwesen der britischen nonkonformistischen
Mission. Junge Männer aus Kongo-
Brazzaville trugen ihre Hemden ebenfalls nicht
zugeknöpft, weil das zugeknöpfte Hemd eine
Konvention des weißen Mannes war. In den
1950er-Jahren entfachte das Bestreben, den
Hidschab in der französischen Kolonie Algerien
abzuschaffen, den heftigsten Aufstand unter der
Führung unscheinbarer »Konformistinnen«, die

Kapitel 1
Die Geschichte der afrikanischen Mode
Gegenüber
Die Sapeure aus dem Kongo
schlendern in zweiteiligen
Anzügen, Lederstiefeln und
Winterschals durch ein
Township in Brazzaville. Sie
adaptieren das Lexikon des
europäischen Stils, um das
erschütternde Erbe des
Kolonialismus anzufechten
und zu unterlaufen.
Rechts
Schüler und Lehrer tanzen
Zaire während eines Festes
in Kimpese, einer Stadt in
der Demokratischen Repu -
blik Kongo. Sie tragen
afrikanischen Wachsdruck,
der in vielen afrikanischen
Ländern allgegenwärtig ist.
vor den Augen der örtlichen Behörden Waffen
versteckten und damit handelten. Ironischerweise
nutzen die Sapeurs (aus dem Französischen
»La Sape«, Slang für »schick gekleidet«
und ein Akronym für »Société des Ambianceurs
et des Personnes Élégantes«) von Kinshasa und
Brazzaville, eine Subkultur, die im Widerstand
gegen die Afrikanisierungspolitik von Präsident
Mobutu Sese Seko entstanden ist, genau das
Objekt der kolonialen Unterwerfung für ihren
Protest und sozialen Aktivismus. Die Sapeurs
mit ihren schnittigen Anzügen, verschnörkelten
Accessoires, Tabakspfeifen und Taschenuhren
waren alles andere als eine Ode an den Kolonialismus,
sondern eine Frage der Identität und der
Freiheit der Kleidung.
Durch die intensiven Begegnungen mit den
Europäern zeigten sich die Westafrikaner am
empfänglichsten für neue Moden. Die Übernahme
vieler westlicher Ideale war jedoch in den einheimischen
Traditionen verankert. Der Erfolg der
importierten Textilien aus dem 19. Jahrhundert –
vor allem der Wachsimitationen (siehe oben sowie
S. 26 und 50) – lässt sich beispielsweise auf die
Vorliebe der Westafrikaner für farbenfrohe
Insignien wie das Kentetuch zurückführen (siehe
S. 38). Darüber hinaus hat die demografische
Verschiebung von der älteren und konservativeren
Bevölkerung hin zu jungen Erwachsenen, die unter
dem Einfluss der Missionare und der Kolonialmaschinerie
aufgewachsen waren, die rasche
Übernahme fremder Kleidungsstile begünstigt.
25

Afrika in Mode
Globalisierung
Der Mann, der bald der erste Präsident Ghanas
werden sollte, proklamierte die Unabhängigkeit
von der britischen Kolonialherrschaft in Fugu
(einem einheimischen Kleidungsstück aus dem
Norden Ghanas) und war sich der Semiotik der
Mode sehr bewusst. Während der vielbeachteten
Amtseinführung griff Dr. Kwame Nkrumah
auf eine Vielzahl traditioneller Textilien und
Kleidungsformen wie das Kente-Tuch (siehe
S. 38) zurück, um in fesselnder Prosa zu verkünden,
was er als die Geburt eines neuen
Afrikas bezeichnete. Zweifelsohne stärkten
Nkrumahs Kleider-Ouvertüren die Entschlossenheit
seiner Regierung und anderer führender
Persönlichkeiten in Afrika, gefährdete
Traditionen und ein Erbe, das durch die verheerenden
Winde der Globalisierung bedroht ist.
Im Laufe der Geschichte der umfangreichen
Interaktion Afrikas mit fremden Kulturen haben
die Auswirkungen der Globalisierung den Kontinent
durchdrungen, insbesondere die Textil- und
Bekleidungsindustrie. Am deutlichsten wurden
diese Auswirkungen im 20. Jahrhundert, und
zwar nicht nur wegen der Integration von Kultu-
ren durch Reisen, Medien und Technologie,
sondern auch wegen der Entstehung einer
globalen Lieferkette, in der Waren und Arbeitskräfte
schnell zirkulieren. Infolgedessen sind das
T-Shirt und Kleidungsstücke wie der zweiteilige
Anzug zu festen Bestandteilen der afrikanischen
Kleidungslandschaft geworden und ein dauerhaftes
Zeugnis für die Macht der Globalisierung.
Ein weiteres Beispiel ist der imitierte »afrikanische«
Wachsdruck, der von einheimischen
Kulturen inspiriert ist, aber überwiegend aus
Asien und Europa stammt. Die Geschichte der
Wachsimitation, die an der Schnittstelle von
Globalisierung, kultureller Aneignung und
Kolonialisierung entstanden ist, sorgt für zwiespältige
Gefühle.
Obwohl Mitte der 1960er-Jahre europäische
Stile in Afrika allgegenwärtig waren, ermöglichte
das Zusammentreffen westlicher Formen und
lokalen Geschmacks eine Vermischung afrikanischer
und europäischer Ästhetik: Hemden,
Kleider und Abendkleider aus Wachsimitatdrucken
(siehe S. 38) und einheimischen Textilien
ersetzten mühelos fade Baumwollhemden und
-blusen. Da es keine professionellen Modedesig-
Links
Minister der Ghanaischen
Regierung. In der Mitte sitzt
Osagyefo Dr. Kwame
Nkrumah, Ghanas erster
Präsident, 17. Juli 1956.
Gegenüber
Osibisa, die legendäre
afro-karibische Rockband,
beeindruckte die Welt mit
ihrer gefühlvollen und
ekstatischen Musik und
ihrer Mode.

ner gab, spezialisierten sich die von den Missionaren
ausgebildeten Näherinnen auf das Ausbessern
alter Kleidung und auf Maßanfertigun -
gen auf der Grundlage trendiger Modemagazine.
Die postkolonialen Jahrzehnte Afrikas brachten
eine Fülle von Modestilen hervor, die stark von
der westlichen Popkultur, der Unterhaltungsindustrie
und den euphorischen politischen und
sozialen Bewegungen beeinflusst waren – von
den Jackson 5 und ihren charakteristischen Afro-
Haaren und Schlaghosen bis hin zu den supercoolen
Beatles und dem raffinierten Look von
Präsident John F. Kennedy war die modische
Inspiration überall zu finden. Die Afro-Rockband
Osibisa eroberte die Welt mit ihrer Gute-Laune-
Musik und ihren farbenfrohen Gewändern: eine
Verschmelzung von Stilen, v. a. einheimischer
afrikanischer Textilien.
Die Globalisierung wirkte sich auch auf den
Stil der afrikanischen Pioniere aus, von denen
viele an renommierten Modeschulen in Europa
ausgebildet wurden (siehe S. 64–72).
Darüber hinaus wurde der Standort für die
Einordnung des afrikanischen Designers unwichtig,
da »das Leben in der Diaspora einige
Designer näher an ihr afrikanisches Erbe heran-
27

Afrika in Mode
führen kann«. 3 Ein typisches Beispiel ist Yves Saint
Laurent, der in Algerien geborene französische
Designer, der seine nordafrikanische Herkunft
romantisierte. Als Wunderkind des 20. Jahrhunderts
scheute Saint Laurent nicht davor zurück, Afrika in
den Vordergrund zu stellen, und präsentierte
faszinierende Kollektionen wie die von Andy Warhol
inspirierte African Collection (1967), Safari (1968)
und Moroccan (1970). Er verbrachte einen Großteil
seiner letzten Jahre in Marokko, wo sein Vermächtnis
im Musée Yves Saint Laurent weiterlebt.
Sechs Designs von Yves
Saint Laurent in einer
Hommage an die Haute-
Couture-Kollektion
Bambara art. SS 67 Haute
Couture Collection. Centre
Pompidou, Paris, 22. Januar
2002.
28

Kapitel 1
Die Geschichte der afrikanischen Mode
Aus Afrika in die Welt
Afrika leidet unter dem paradoxen »Ressourcenfluch«:
Es ist die Heimat fast aller bekannten
Mineralien und Edelmetalle und hat dennoch
ein geringeres Wirtschaftswachstum als
Regionen, die mit weniger natürlichen Ressourcen
gesegnet sind. Rohstoffe wie landwirtschaftliche
Erzeugnisse, Holz und Kautschuk,
die für die globale Luxuswirtschaft unverzichtbar
sind, gibt es auf dem Kontinent im Überfluss.
Der Okoumé-Baum zum Beispiel war
trotz seiner Robustheit das beste Holz für die
Herstellung von Louis-Vuitton-Koffern im
19. Jahrhundert. Im Schmuckbereich kann
Afrikas Beitrag zur Wertschöpfungskette der
Luxusindustrie gar nicht hoch genug eingeschätzt
werden. Seit den Anfängen des Transsaharahandels
hat das Gold aus den Minen im
westlichen und südlichen Afrika die Weltmärkte
beliefert und alles von Thronen über Gewänder
bis hin zu kostbarem Schmuck und erlesenen
Möbeln in der westlichen Zivilisation
geschmückt.
Jutta Wimmlers Werk aus dem Jahr 2017,
The Sun King‘s Atlantic, untersucht die selten
erforschten Handelsaktivitäten zwischen
Westafrika und Frankreich im 17. und 18. Jahrhundert.
4 Sie stellt fest, dass das Angebot und
die Menge an Materialien wie Elfenbein, Harthölzer,
Farbstoffe und Gummiarabikum, die
während des reichen Zeitalters der französischen
Kultur und Kunst nach Frankreich
importiert wurden, das lokale Kunsthandwerk
beflügelten und das Wachstum der Luxusindustrie
in Europa förderten. Sonnenkönig Ludwig
XIV. (reg. 1643–1715) leitete mithilfe seines
treuen Ministers Jean-Baptiste Colbert, nach
dem das Comité Colbert, ein Zusammenschluss
französischer Modeschöpfer, benannt ist, die
umfangreichste internationale Handels- und
Kulturpolitik, die es je in Europa gab. Damals
wurde Frankreich zu einem Zentrum der Mode.
Diese Renaissance der französischen Kultur
und Kunst unter Ludwig XIV. profitierte in
hohem Maße von den Waren aus dem atlantischen
Handel, insbesondere aus Senegambia,
der Region zwischen dem Senegalfluss im
Norden und dem Gambiafluss im Süden.
Von der afrikanischen Küste erhielten
Frankreich und das übrige Europa Gummiarabikum,
ein Textilharz, das als wesentliches
Verdickungsmittel diente und in der französischen
Textilindustrie zusammen mit Beizmitteln
und Farbstoffen verwendet wurde. Dieser
lebenswichtige Inhaltsstoff half Frankreich und
Europa beim Übergang zu einer breiteren
Palette künstlicher Farbstoffe. Gummiarabikum
war auch wichtig für die Lederindustrie in
Senegambia, wo es auf Ziegenfelle aufgetragen
wurde, um deren Qualität und Glanz zu verbessern,
was vermutlich die französischen Gerber
beeinflusste, die es in ähnlicher Weise anwendeten,
um einen brillanten Lederglanz zu
erzielen. Lederarbeiter in Frankreich behandelten
auch beschädigte Häute mit Gummiarabikum,
um kleinere Mängel und Löcher auszubessern.
Wimmler ist der Meinung, dass leicht
verfügbare natürliche Ressourcen wie Gold,
Diamanten, Elfenbein, Leder, Ambra, Zibet (zur
Herstellung von Moschus), Holz und das einst
unentbehrliche Gummiarabikum die Produktivität
und die industriellen Kapazitäten in Europa
stark verbesserten und damit die Demokratisierung
von Produkten vorantrieben, die zuvor den
Reichen vorbehalten waren.
29

Afrika in Mode
Afrikanische Ästhetik in der
globalen Mode
Bis zum Ende des 20. Jahrhunderts, als die erste
Generation ambitionierter afrikanischer Modedesigner
die Couture-Welt im Sturm eroberte
(siehe S. 62), tauchte die kuriose und exotische
Ästhetik Afrikas in der europäischen Mode nur
sporadisch auf. Zu den frühen Trends gehört die
»Mode à la girafe«, ein Modetrend, der 1827
nach der Präsentation einer Giraffe durch den
ägyptischen Vizekönig Muhammad Ali bei König
Karl X. von Frankreich in Paris Einzug hielt.
Die Entdeckung des Grabes von Tutanchamun
1922 und die anschließende Welttournee
der Grabbeigaben lösten einen weltweiten
Trend aus, der als »Tutmania« bekannt wurde.
Im Bereich der Haute Couture war Paul Poirets
Tanger aus dem Jahr 1920, eine Kreation der
Belle Epoque, dem Akhnif, einem Mantel aus
der marokkanischen Region des Hohen Atlas,
sehr ähnlich. Poiret fängt die Exotik Afrikas
auch durch eine Reihe von Textilien ein, die er
bei Rodier, einem französischen Textilhersteller,
in Auftrag gibt. Weitere Designer, die sich mit
afrikanischer Mode beschäftigten, waren
Marie-Louise Carvens Kollektionen der 1950er-
Jahre mit Kleidern, Badeanzügen und Tüchern
aus Wachsdrucken, Batik- und Raffiastoffen,
der in Algerien geborene Yves Saint Laurent, der
1967 eine Kollektion von Bambara-Kleidern
herausbrachte, und Missoni mit seiner Kollektion
Africa di Missoni in den 1990er-Jahren. 5
Die afrikanische Mode durchdrang die westliche
Kultur durch Migration und informelle
Handelsnetze. Das Dashiki, eine locker sitzende
Tunika aus gewebten oder bedruckten Stoffen,
kam mit dem Gepäck von Freiwilligen des
Friedenskorps, die aus Afrika zurückkehrten, in
die Vereinigten Staaten. Das Dashiki wurde durch
Filme, Afro-Pop und Rockmusik weiter popularisiert
und symbolisierte die Respektlosigkeit gegenüber
orthodoxer Mode in der Hippie-Ära. Das
Dashiki und ein breites Repertoire an Kleidern mit
Ankara-Print, bestickten Boubous und Afro-Haaren
wurden identitätsstiftend für die schwarzen
nationalistischen Bewegungen der 1960er-Jahre.
Bis heute sind sie in vielen afroamerikanischen
Communities in den USA zu finden.
Darüber hinaus durchdringt der immerwährende
Trend zu Tiermotiven, inspiriert von den
Hautkostümen afrikanischer Könige, die weltweite
Mode. Leopardenkleider, die Streifen des
Zebras und des Tigers und sogar die Flecken der
Hyäne sind nach wie vor en vogue.
30

Kapitel 1
Die Geschichte der afrikanischen Mode
Gegenüber
Mode à la girafe – die von
der Giraffe inspirierte Mode
im Frankreich der späten
1820er-Jahre. Die Ankunft
des neugierigen exotischen
Tieres inspirierte
Tausende von Drucken,
Spielzeugen, Flugblättern,
Keramikwaren, Mode und
sogar Lebensmitteln. Diese
Episode war jedoch nicht
die erste. Bereits 1749 gab
es eine mode au rhinocéros
und 1786 eine mode au
zèbre. Aus Le journal des
dames et des modes,
25. Juni 1827.
Rechts
Marie-Louise Carven,
Design für die Sommerkollektion
1949. Dieses
Design für ein Kleid heißt
»Afrique«.
31

Afrika in Mode
Ein textiles Erbe
Im Laufe der Geschichte dienten Textilien als Medium für die
Vermittlung und Bewahrung der afrikanischen Kultur und
Traditionen. Weit über ihren Nutzen hinaus stellen Textilien ein
Handwerk und eine Kunstform dar: Durch die eindrucksvollen
Muster, Symbole und Motive zahlreicher afrikanischer Textilien
wurden entscheidende Ereignisse festgehalten, Legenden
verewigt, religiöse Überzeugungen und Bräuche sowie Familienerbschaften
verankert.
Eine Vielzahl einheimischer Textilien und Kleidungsstücke
aus Baumwolle, Raffiabast, Seide und Wolle sind in Afrika seit
der Antike weit verbreitet. Bei Ausgrabungen wurden in Nubien
Baumwolltextilien aus dem 1. bis 7. Jahrhundert gefunden,
während Berichte aus dem 11. Jahrhundert über das Königreich
Takrur im Norden Senegals von einer lebhaften Textilwirtschaft
zeugen, in der viele Häuser ihren eigenen »Baumwollbaum«
besaßen. Kleine Keramikspinnwirtel in Gebieten wie Mauretanien,
Senegal, Guinea, Mali und Nordghana weisen auf die
Weberei in Afrika hin.
Afrikas Textilwirtschaft ist weitreichend und vielfältig und
wird durch ein Netz von Webern, Verbrauchern und Händlern aus
dem In- und Ausland gefördert. Auf den Textilmärkten in den
kosmopolitischen Zentren findet der neugierige Verbraucher
eine große Auswahl an gewebten, gefärbten, gestempelten und
bedruckten Stoffen, von denen einige handgewebt und andere in
industriellen Fabriken bedruckt werden. Die Textilien unterscheiden
sich je nach den verwendeten Fasern, dem Färbeverfahren
und der Zusammensetzung der Farbstoffe. In jüngster
Zeit haben fortschrittliche Drucktechniken zu einer großen
Vielfalt bei der Oberflächengestaltung und -veredelung geführt,
sodass Designern eine Reihe afrikanischer oder afrikanisch
inspirierter Stoffe aus Seide, Chiffon und Organza angeboten
werden. Trotz der Bedrohung durch billige Textilimporte haben
sich viele handgewebte einheimische Textilien durchgesetzt.
32

Kapitel 1
Die Geschichte der afrikanischen Mode
Kuba-Tänzer in einem gewebten Raffia-
Rock in der Demokratischen Republik
Kongo. Die von Häuptlingen oder Männern
hohen Ranges getragenen Kuba-Stoffe
zeigen ihren Status innerhalb der
Kuba-Community.
33

Afrika in Mode
Gewebte Geschichten und alte
Stoffe
Die Geschichte der afrikanischen Textilien ist
so interessant und vielfältig wie die Textilien
selbst. Zu den frühesten Bekleidungsformen im
prähistorischen Afrika gehörten Materialien
wie Baumrinde, Lederhäute von Wildtieren und
Hüftgürtel aus Fasern der Raffiapalme. In den
Königsgräbern des alten Ägypten sind Schürzen,
Umhänge, Penishüllen und Sandalen aus
Leder, Papyrus, Leinen und Palmfasern erhalten
geblieben.
Leinen aus Flachs war das vorherrschende
Textil für Kleidung, Bettdecken und Mumienhüllen.
Die feinsten Garne ergaben eine üppigere
Textur für die Herstellung von Hemden, Kleidern,
Gewändern und Tuniken. Leinentuniken wurden
mit geometrischen Motiven bedruckt oder mit
goldenen Accessoires und Halbedelsteinen
verziert, um den Status ihrer Träger zu kennzeichnen.
Auch im nubischen Königreich,
unmittelbar südlich von Ägypten, wurde Leder
für die Herstellung von Lendenschurzen, Röcken,
Gürteln, Sandalen und Hüten verwendet.
Historiker haben festgestellt, dass es in
Afrika eine vollständig einheimische Textilindustrie
gibt, wenn auch mit erheblichen Einflüssen
von Kulturen aus dem Mittelmeerraum. In
Nordafrika haben die einfallenden Weltmächte,
darunter die Perser, Griechen, Phönizier, Römer
und Araber, das textile Erbe der Region stark
geprägt. In Westafrika förderte die vergleichsweise
geringe Interaktion mit anderen Kulturen
die Entwicklung einer dynamischen und unabhängigen
Textilwirtschaft. Unter den zahlreichen
Webtechniken hat die Bandweberei die längste
Geschichte, die in den Tellem-Höhlen in Mali
nachgewiesen wurde. Die auf einfachsten
Webstühlen mit ein oder zwei Blättern gewebten
Stoffstreifen wurden entweder zu einem breiteren
Stück Stoff zusammengenäht oder als
Tauschobjekt für Waren verwendet. Während die
Ursprünge und die historische Entwicklung der
afrikanischen Webstühle und Webtechniken
unklar sind, haben Historiker eine Verbindung
zwischen afrikanischen und asiatischen oder
nahöstlichen Webstühlen hergestellt, da diese
eine auffällige Ähnlichkeit aufweisen. Es ist
jedoch wahrscheinlich, dass viele afrikanische
Webstühle erheblich modifiziert wurden, um sich
den lokalen Erfordernissen anzupassen.
Über Jahrhunderte hinweg waren die Zentren
der Textilproduktion durch den Handel
miteinander verbunden. Das ausgedehnte Netz
alter Produktions- und Handelszentren erstreckte
sich über Sanga und Kumbi-Saleh in
Mali, Tegdaoust in Mauretanien, Ogo im Königreich
Takrur im heutigen Senegal, Kano in
Nigeria und Niani in Guinea. In jeder Region
wurden Materialien wie Flachs, Wolle, Wildseide,
Baumwolle, Raffiabast und Bastfasern
gekonnt eingesetzt. Während zum Beispiel die
Baumwollweberei weit verbreitet war, beschränkte
sich die einheimische Produktion von
gewebter Seide hauptsächlich auf Nigeria, wo
das Seidengarn von einer wilden Mottenart, der
Anaphe, gewonnen wurde. In Mali belegen
Grabbeigaben am Bandiagara-Steilhang die
Verwendung von Baumwolle als bevorzugtes
Material für Tuniken, Hüte und Lendenschurze.
Die Kuba im Kongo, ein Verbund von rund 20
Ethnien, sind für ihre Kunstfertigkeit im Umgang
mit der Raffiafaser bekannt.
Durch den Handel und die Wanderweber
wurde die Textilindustrie sowohl von einheimi-
34

Kapitel 1
Die Geschichte der afrikanischen Mode
Ein Kente-Weber mit
einem einfachen
Webstuhl.
schen als auch von fremden Kulturen stark
beeinflusst. Die Peul oder Fulani in Mali beherrschten
die komplizierte Technik des Brokatierens,
eine der wichtigsten Techniken der
andalusischen Mauren. Importierte Kleidungsstücke
mit aufwendigen Stickereien und bunten
Brokatmotiven waren nicht nur wertvolle
Geschenke für die Monarchen, sondern auch ein
Bezugspunkt für die lokale Handwerkskunst. Ab
dem 17. Jahrhundert wurden die Seidentextilien
der Ashanti- und Ewe-Stämme hergestellt,
indem die Fäden des Seidenstoffs aufgedreht
wurden. Trotz der einfachen Webstühle wurden
komplizierte Textilien wie das Shoowa-Tuch, das
Kente, das Aso-oke und das Akotifahana
gewebt.
35

Afrika in Mode
Shoowa
Die Menschen im alten Anziku-Königreich, das
sich über das heutige Gabun, die Republik
Kongo und die Demokratische Republik Kongo
erstreckte, fertigten kunstvolle Stoffe aus
Raphiafasern, Schmuck und besondere Insignien,
die die Zugehörigkeit zu angesehenen
Familien kennzeichneten. Europäische Reisende
staunten über die Qualität und die
hervorragende Verarbeitung der Raphiastoffe
und verglichen sie mit Samt, Taft, Satin und
Damast. Der spektakuläre Shoowa-Stoff (nach
dem Kuba-Königreich auch als Kuba-Stoff
bekannt) wird traditionell sowohl von Männern
als auch von Frauen hergestellt. Der Webprozess
beginnt mit dem Ernten, Abstreifen,
Trocknen und Schlagen der Raffiapalme, um die
Fasern zu gewinnen. Anschließend wird gesponnen
und gewebt, wobei die Vorbereitungsund
Webarbeiten hauptsächlich von Männern
durchgeführt werden. Das fertige Textil kann
durch Applikationen, Patchwork oder Lackfärbung
weiter veredelt werden, bevor es zu
Taschen, Kleidungsstücken und Dekorationsgegenständen
verarbeitet wird. Die aufwändigen
sekundären Arbeitsschritte werden von
Frauen ausgeführt, die ein hohes Maß an
Geschicklichkeit bei der Stickerei, beim Tuften
und beim Patchwork zeigen. Das Ergebnis sind
einzigartige Textilien in kräftigen, erdigen
Farben mit einem samtigen Griff.
36

Kapitel 1
Die Geschichte der afrikanischen Mode
Eine Reihe verschiedener
handgewebter Kuba-Stoffe.
Die traditionelle Webtechnik
wird mit geometrischen
Mustern und einer Vielzahl
von haptischen Effekten
versehen, die durch
verschiedene Flor- und
Schnitttechniken entstehen.
37

Afrika in Mode
Eine Variante des komplizierten
königlichen
Ashanti-Kente-Stoffes,
gewebt mit aufgetrennten
Fäden aus importiertem
Seidenstoff, ca. 1920er–
1940.
Kente
Der meisterhaft gewebte Kente-Stoff des
präkolonialen westafrikanischen Königreichs
Ashanti ist weltweit bekannt. Sein Ursprung ist
geheimnisvoll, und der Volksmund schreibt
seine Erfindung dem Versuch eines Jägers zu,
das Muster eines Spinnennetzes zu imitieren.
Archäologische Funde führen seine Ursprünge
auf die westafrikanischen Bandweberkulturen
aus dem 11. Jahrhundert zurück, und es wird
angenommen, dass es durch den Zugang zu
Rohstoffen, geschickten Handwerkern und
verbesserter Technologie unter dem Einfluss
des Handels entstanden ist.
Kente dient als prestigeträchtiger Zeremonialstoff
und wird in einer Vielzahl von Ausführungen
für die hochgradig strukturierte Ashanti-Gesellschaft
hergestellt. Um seine Anziehungskraft
aufrechtzuerhalten, unterlag Kente in der alten
Ashanti-Gesellschaft bis ins 18. Jahrhundert
hinein einer Reihe von Gesetzen, die eine Vereinfachung
des Stoffes verhinderten. Darüber
hinaus wurde die exklusivste Variante des Kente-
Stoffes, bekannt als adweneasa (der Gipfel der
Kreativität), von den Meisterhandwerkern für den
König hergestellt. Die Anforderungen an das
Weben waren hoch und erforderten die Aufsicht
der vom König speziell ernannten Kente-Chiefs,
auch bekannt als Kentehene.
Die Technik zur Herstellung des exklusiven
Stoffes des Königs wurde geheim gehalten. Es
stand unter Strafe, wenn ein einfacher Bürger
das gleiche exklusive Design wie der König trug
oder öffentlich zur Schau stellte. Unter der
Schirmherrschaft des prominenten Königs
Opoku Ware I. (1700–1750) erlebte die Kente-
Weberei ein goldenes Zeitalter, da er die Leistungen
der Kente-Weberzunft in Bonwire förderte.
Sein Hof umfasste eine Gilde geschickter Weber,
die mit einer verwirrenden Vielfalt an farbenfrohen
Seiden- und Taftgarnen arbeiteten, wobei
importierte Seiden aus Fezzan und rote Taftstoffe
aus Italien und Frankreich die Grundlage
der Ashanti-Streifenwebkultur bildeten.
38

Kapitel 1
Die Geschichte der afrikanischen Mode
Eine zeitgenössische
Adaption des Yoruba
aso-oke von Kenneth Ize,
die 2019 während der Arise
Fashion Week in Lagos,
Nigeria, vorgestellt wurde.
In der Antike erfolgte die Aufnahme in die
Weberzunft von Bonwire durch Abstammung,
sodass sichergestellt war, dass die Handwerker
von einer vorangegangenen Generation angesehener
Handwerksmeister gefördert wurden. Trotz
steigender Umsätze in den letzten Jahrzehnten
hat das Handwerk heute immer mehr an Qualität
und Prestige eingebüßt. Die elastischen und
glänzenden Seidengarne wurden durch Viskose
ersetzt, was zu einem geschmeidigeren und
leichter zu beschaffenden Produkt geführt hat.
Der Kente-Stoff wurde demokratisiert und ist
nicht mehr der Ashanti-Elite vorbehalten.
Dennoch hat Kente in der ghanaischen und
afrikanischen Kultur nach wie vor einen hohen
Stellenwert. Es wird für wichtige Anlässe wie
Hochzeitszeremonien, Feste und prunkvolle
Veranstaltungen verwendet. Bei Festen und
großen traditionellen Zeremonien werden
prominente Häuptlinge in Sänften getragen, die
Kente tragen und mit prächtigen goldenen
Insignien wie Armbändern, Fußkettchen, Hals-
ketten, Sandalen und Stäben geschmückt sind.
Über die Grenzen Ghanas hinaus ist Kente in der
afrikanischen Diaspora ein beständiges Symbol
für Selbstbestimmung und Identität. Die symbolische
Geste der demokratischen Kongressmitglieder,
die aus Solidarität mit der Black-Lives-
Matter-Bewegung vor dem US-Kapitol mit
Kente-Stolen um den Hals knieten, ist in diesem
Ideal verwurzelt.
Aso-oke
Geschneidert und in einer Vielzahl von Kleidungsstücken
getragen oder als Kopfbedeckung
(gele) verwendet, ist Aso-ilu-oke ein Merkmal der
nigerianischen Elite und wird von der wachsenden
Mittelschicht angestrebt. Das alte handgewebte
Textil, das im Volksmund als Aso-oke
bekannt ist, wurde ursprünglich im 15. Jahrhundert
im Yorubaland in Westafrika eingeführt. Aso
ist ein Yoruba-Wort für Stoff und symbolisiert
den Respekt und die Würde, die einer gut gekleideten
Person entgegengebracht werden. Die
39

Afrika in Mode
Yoruba-Kultur ist reich an Textilhandwerk, wie z.
B. dem sanyan (aus einheimischer Seide), dem
alaari baba aso, einem zart strukturierten, rot
gewebten Stoff, und dem etu aso agba (tiefblauer,
indigo-gefärbter Stoff), doch der Aso-oke,
der »Spitzenstoff«, ist der prestigeträchtigste
von allen.
Wie Kente-Stoffe verdankt auch Aso-oke sein
Ansehen den symbolischen Farben und den
kunstvollen Mustern von kultureller Bedeutung.
Der Prozess des Webens beginnt mit der Ernte
und dem Spinnen der Baumwolle zu Garnen,
dann werden die Garne gefärbt und in Streifen
auf einer Doppelhecke gewebt, bevor sie zu
großen Stoffen zusammengenäht werden.
Aso-oke wird zu besonderen Anlässen verwendet
und hat unter den nigerianischen Millennials
einen neuen Aufschwung als beliebtes Textil für
traditionelle Hochzeitszeremonien erlebt. Auch
durch Musik und Film, insbesondere durch
Nollywood – Nigerias milliardenschwere Filmindustrie
– hat der Stoff eine große Verbreitung
gefunden. Aso-oke ist bei den Yoruba sehr
beliebt, und für viele Nigerianer in der Diaspora
ist es als Träger kultureller Identität und kulturellen
Erbes von ständiger Bedeutung. Kenneth
Ize, LVMH-Finalist 2019 (siehe S. 38), dessen
Werk eine erstaunliche Bandbreite an Aso-oke-
Kleidungsstücken umfasst, gehört zu einer
Generation von kulturbewussten und ethisch
orientierten Designern auf dem globalen Markt.
Akotifahana
Im Gegensatz zu den gut dokumentierten
Textilkulturen Westafrikas und Nordafrikas sind
gewebte Textilien im südlichen Afrika kaum
erforscht. Ein besonderes Beispiel ist die
spannende Textilkultur des Merina-Volkes im
Varianten des Akotifahana,
gewebt vom Volk der Merina im
zentralen Hochland von
Madagaskar. Die detailreiche
Verarbeitung zeugt von der
Geschicklichkeit der Meisterinnen
bei der Verwendung von
Baumwolle, Wildseide, Hanf und
Weberbanane. Diese Tücher sind
alle aus Seide gewebt.
40

Kapitel 1
Die Geschichte der afrikanischen Mode
zentralen Hochland der Insel Madagaskar, das
fast dreizehn bekannte Sorten von lokal angebauter
Seide beheimatet. Die Merina-Weber
stellen eine Vielzahl von Textilien her, von
Luxusseiden bis hin zu gewöhnlichen Bast- und
Lendentüchern. Die prestigeträchtigste Sorte ist
akotofahana/akotifahana, ein kunstvoll gewebter
Seidenbrokat, dessen Ursprünge im frühen
18. Jahrhundert liegen. Das Gewebe, das in der
Regel aus importierter Seide gewebt wird, war
den Königen und dem Adel vorbehalten und ein
verehrtes Geschenk für hochrangige Beamte und
ausländische Würdenträger. Europäische
Händler und Kolonialbeamte, die von seiner
luxuriösen Textur fasziniert waren, verglichen es
mit schönem antiken Kaschmir. 6 Akotifahana
wurde von den innovativen Merina-Frauen
gewebt, die eine bemerkenswerte Geschicklichkeit
im Umgang mit Baumwolle, Wildseide, Hanf,
Weberbanane und chinesischer Seide an den Tag
legten, und verkörpert Einflüsse aus Indien und
dem südlichen Teil der arabischen Halbinsel, die
enge Handelsbeziehungen mit der Insel unterhielten.
Die komplexe Musterung der Textilien
zeigt die tiefe Vermischung der multikulturellen
Bewohner der Insel, zu denen indonesische,
bantuistische, suahelische, indische, arabische
und europäische Migranten gehören. Wie andere
afrikanische Textilien wurde auch Akotifahana
von einer Fülle importierter Fasern, Farbstoffe
und Muster beeinflusst.
Weitere angesehene Webkunst
Die Weberei und das Textilhandwerk in Afrika
sind so vielfältig und komplex wie die Kulturen
des Kontinents, sodass es fast unmöglich ist, sie
alle in einem einzigen Buch zu erfassen. Dennoch
sind einige besondere und faszinierende
Textiltraditionen erwähnenswert. Da ist zunächst
das Tuch der Manjak, eines Stammes, der über
Gambia, Senegal und Guinea-Bissau verstreut
lebt. Die Manjak sollen die Kunst des Webens in
der Gefangenschaft auf der Insel Kap Verde
erlernt haben. Der Manjak-Stoff hat ein ausgeprägtes
geometrisches Muster, das dem Kente-
Stoff ähnelt, ist jedoch geschmeidig und vielseitig
verwendbar. Die zeitgenössischen Designer
Adama Paris und Aissa Dione setzen sich für die
Neubelebung und Erhaltung dieses Stoffes ein.
Ein weiteres Textil ist der Gonja-Stoff, ein streifenförmig
gewebtes Textilhandwerk, das in der
nördlichen Region von Ghana verbreitet ist.
Gonja-Stoff wird für die Herstellung von Kitteln
(die dem Rang und dem Prestige ihrer Träger
entsprechen), Batakari oder Fugu (Kittel, die nur
für Könige, traditionelle Führer und Priester der
Sahelzone hergestellt werden) verwendet. Trotz
seiner weiten Verbreitung in verschiedenen
Regionen und Religionen in Westafrika ist das
Gonja-Tuch zum Synonym für den Islam geworden.
Ein weiteres wertvolles Textilhandwerk, das
aus dem Igboland (im heutigen Südosten Nigerias)
stammt und als so alt wie die Igbo-Nation
gilt, ist das Akwete-Textil. Im Gegensatz zu Kente
und Aso-oke wird Akwete auf vertikalen, breiten
Webstühlen, den Nkwe, hergestellt, was die
Produktion breiter Stoffe ermöglicht. Es wird
vermutet, dass dieses Textil mit seinen auffälligen
und eindrucksvollen Motiven und Mustern
wie viele andere über den Transsaharahandel in
die nordafrikanischen Kulturen gelangte und von
dem Zufluss neuer Materialien profitierte. Die
markanten Muster und leuchtenden Farben der
Akwete-Stoffe sind symbolisch und unterlagen in
der Antike strengen Bekleidungsvorschriften. So
war beispielsweise das Schildkrötenmotiv (ikaki)
41

Afrika in Mode
Manjak
Oben nach unten
Quittah -Stoff von Manjako
in Guinea-Bissau. Aus
Seide und Baumwolle.
Manjaka-Wickeltuch für
Frauen (Seru Njaago).
Akwete-Stoff im ikaki
Schildkrötenmuster.
Er wird von Igbo in Nigeria
hergestellt und aus
Baumwolle gewebt.
42

Kapitel 1
Die Geschichte der afrikanischen Mode
der königlichen und adligen Klasse vorbehalten und für das
einfache Volk verboten. Auch das rätselhafte Ebe-Motiv war
Kriegern, Jägern und schwangeren Frauen vorbehalten, da es
Muster trug, die böse Geister abwehren sollten. Seit den
1990er-Jahren ist Akwete durch die Schirmherrschaft von
Persönlichkeiten und Königen – insbesondere Prinz Charles
und Diana, Prinzessin von Wales – populär geworden.
Das Gonja-Tuch, ein Muss
für die überwiegend
muslimischen Gemeinschaften
in der Sahel-Sahara-Region
in Westafrika.
43

Afrika in Mode
Färben und Drucken
Das Färben als spezielles Handwerk war ein
wesentlicher Bestandteil der afrikanischen
Textiltraditionen. Lokal produzierte oder
importierte Textilien wurden mit einer Reihe
von organischen und pflanzlichen Farbstoffen
gefärbt, die aus Pflanzen und Baumrinden
gewonnen wurden. Die regionalen Unterschiede
in den Färbetechniken wurden durch eine
Vielzahl von Faktoren untermauert, von denen
der Einfallsreichtum der einheimischen Handwerker
und der Zugang zu importierten Farbstoffen
zu Beginn des transatlantischen
Handels die wichtigsten waren. Zu den beliebtesten
Färbe- und Drucktechniken gehören das
Resistfärben, das Stempeln, der Siebdruck und
in den letzten Jahrzehnten der industrielle
Wachsimitationsdruck.
Resistfärben
Das Resistfärben ist bei weitem die beliebteste
Färbetechnik in Afrika. Diese Technik ist sowohl
einfach als auch intuitiv und bietet selbst
Anfängern viel Raum für Experimente und
Erfolg. Bei der in anderen Teilen der Welt beliebten
Technik werden Teile des Textils durch
Binden, Stempeln und Zeichnen mit Resistmedien
wie Stärke und Wachs an der Aufnahme von
Farbstoffen gehindert. Zu den Stoffen, die mit
dieser Technik hergestellt werden, gehören
Adire, Boglanfini, Batik und Adinkra-Stoffe.
Adire In Westafrika sind die Yoruba im Südwesten
Nigerias für eine traditionelle Resistfärbetechnik
bekannt, mit der Indigostoffe aus Adire hergestellt
werden. Adire wird traditionell in einem rein
organischen Verfahren hergestellt, das mit der
Ernte und Verarbeitung der indigobehafteten
Elu-Pflanze beginnt. Die Färbelösung wird aus
der Asche getrockneter Kakaoschalen hergestellt,
in die die getrockneten und zerstampften
Elu-Blätter getaucht werden. Der nächste Schritt
– die Vorbereitung des Gewebes für das Färben –
bestimmt die Art des hergestellten Adire: Wenn
als Hilfsmittel Raffiabast, Iko sowie Binde- und
Nahtmuster verwendet werden, entsteht Adire
oniko. Die Verwendung von Stärke oder Wachs
ergibt die Variante Adire eleko. Die Adire-Technik
44

Gegenüber
Muster im Adire-Stoff, mit
Wachsbatik hergestellt.
Gegenüber links
Adire oniko, hergestellt
durch Zusammenbinden
oder -nähen, um Muster zu
erzeugen.
Gegenüber rechts
Adire eleko, hergestellt,
indem Wachsmuster auf
Baumwollstoff gestempelt
wurden.
Oben
Die Färbegruben von Kofar
Mata, einer antiken
Färbe-Community in Kano
im nördlichen Nigeria.
ähnelt dem Färbeverfahren, das von Textilhandwerkern
in vielen westafrikanischen Ländern wie
Ghana, der Elfenbeinküste und dem Senegal
angewandt wird. Während jedoch synthetische
Farbstoffe in der Batik und der Krawattenfärberei
alltäglich geworden sind, zeichnet sich die
traditionelle Adire-Technik nach wie vor durch
die Verwendung von organischen Indigo- und
Elu-Farbstoffen aus.
Die organische Indigofärbung, die Technik,
mit der Adire hergestellt wird, erfordert eine
hohe Kunstfertigkeit, da sie sich auf lebende
Bakterien stützt, um Pigmente aus den Blättern
45

Afrika in Mode
der Indigopflanze zu gewinnen. Adire mit seinen
leuchtenden blauen Farbtönen und faszinierenden
Motiven war jahrhundertelang ein Statussymbol,
das bei den Tuareg-Nomaden sehr
geschätzt wurde. Das Textil, das im Transsaharahandel
eine wichtige Rolle spielte, stammt
aus den Färbegruben von Kofar Mata im Norden
Nigerias, wo es seit fast fünf Jahrhunderten
hergestellt wird. Die Handwerker in Kofar Mata
haben die Verwendung von organischen Farbstoffen
beibehalten und sind der alten Technik
des Indigofärbens treu geblieben. Auch in der
Sahelzone von Mali und Guinea ist die Indigofärberei
weit verbreitet, eine Tradition, die unter
der Schirmherrschaft des weltweit geschätzten
Textilkünstlers und Designers Aboubakar
Fofana eine Wiederbelebung erfahren hat.
Bogolanfini, wörtlich übersetzt »Schlammtuch«,
wird hergestellt, indem zahlreiche Streifen aus
handgesponnener Baumwolle zu einem Tuch
zusammengefügt werden. Das Baumwolltuch
wird mit einem Pflanzenfarbstoff und einer
Schlammlösung gefärbt. Die Resistfärbetechnik
der Bamana ist jedoch ungewöhnlich. Traditionell
wird das Baumwolltuch zunächst in einem
Mulch aus Blättern eingeweicht, wodurch es eine
tiefgelbe Farbe erhält. Mithilfe von Schlamm, der
vom Grund der Flüsse gesammelt und ein Jahr
oder länger gelagert wurde, um seine Wirkung zu
verstärken, werden komplizierte Muster gezeichnet.
Nach dem Trocknen des Stoffes kommt es
zu einer chemischen Reaktion zwischen dem
Eisenoxid im Schlamm und der Gerbsäure der
Blätter, wodurch ein tiefer schwarzer Farbton
entsteht, der den Hintergrund des Musters
bildet. Der Schlamm wird abgewaschen und die
gelbe Beize wird mit Natronlauge entfernt.
Oben
Ein Schlammtuch, auch
Bogolanfini genannt,
ent wickelt vom Volk der
Mande aus Mali. Dieses
Tuch wurde von den
Bamana geschaffen.
Gegenüber
Ein Meister malt Schlammmuster
mit der Hand auf
einheimische Baumwolle.
Dieses sorgfältige und arbeitsintensive Verfahren
beruht auf der Oxidation der mineralischen
Ablagerungen im Schlamm, wodurch eine
robuste Oberfläche mit einzigartigen Schattierungen
von Braun, Goldgelb und Off-White
entsteht. Die geometrischen Muster der
46

Kapitel 1
Die Geschichte der afrikanischen Mode
Bogolanfini und das natürliche Färbeverfahren
sollen dem Kleidungsstück besondere Schutzkräfte
verleihen. Der Aberglaube hat die
Verwendung des Bogolanfini bei Jägern und
traditionellen Führern in Mali und Guinea populär
gemacht. Der malische Pionier und Designer
Chris Seydou, der Mitte der 1970er-Jahre
wesentlich dazu beitrug, den Bogolanfini auf
die Weltbühne zu bringen, fand es aus Ehrfurcht
vor der Bedeutung des Stoffes schwierig,
ihn zu schneiden.
Batik Die Technik des Batikens wird in Afrika
seit über einem Jahrhundert praktiziert. Ihre
Ursprünge wurden im Nahen Osten, in Zentralasien
und Indien nachgewiesen, wobei am
wahrscheinlichsten ist, dass die Technik über
den Mittelmeerraum durch die Kanäle des
Transsaharahandels eingeführt wurde. Beim
Batiken werden Muster mit Wachs oder Maniokstärke
als Resist auf die Baumwolle gestempelt,
bevor diese in eine Farbstofflösung
getaucht wird. Im Gegensatz zu Adire, das auf
ein einfarbiges Muster beschränkt ist, ermöglicht
Batiken das mehrfache Stempeln und
Färben. Mit der Einführung synthetischer
Farbstoffe im 20. Jahrhundert erhielt die Batik
einen Aufschwung; die Popularität des ursprünglichen
Handwerks hat jedoch durch das
Vordringen fabrikgefertigter Varianten des
Wachsimitatdrucks und durch Importe aus
China seit dem 19. Jahrhundert nachgelassen.
47

Afrika in Mode
Gestempelter Stoff
Obwohl das Stempeln als Technik beim Resistfärben
eingesetzt wird, ist es auch als eigenständiges
Verfahren bei der Herstellung von
Textilien anwendbar. Stempeln und Drucken
sind in diesem Fall direkte Mittel, mit denen
Farbstoffe und Farben auf Textilien aufgebracht
werden. Dabei wurden die Motive auf Stempeln,
die aus Alltagsgegenständen wie Kürbissen und
Holzstücken improvisiert wurden, im Relief
eingeritzt. Vor der Einführung des industriellen
Textildrucks gehörten zu den beliebtesten
gestempelten und bedruckten Textilien die
Links
Gestempelter Adinkra-
Stoff mit feinen Linien.
Rechts
Beim Stempelverfahren
wird der Stoff mit Originalfarbe
eingefärbt und mit
geprägten Holzstempeln
verziert.
Adinkra-Stoffe der Akan in Ghana, die Huronko-
Stoffe in Sierra Leone und eine Vielzahl von
gestempelten Stoffen in Guinea und Mali.
Adinkra-Stoff ist der einzige, der nach dem
Kente-Stoff ein hohes Ansehen genießt. Sein
Prestige beruht jedoch weder auf den komplizierten
Mustern noch auf der aufwendigen
Verarbeitung, sondern seiner besonderen
zeremoniellen Bedeutung. Adinkra-Stoffe
wurden mit einer Paste-Resist-Technik hergestellt,
mit heiligen Symbolen bedruckt und
dienten in erster Linie als Trauerkleidung. Das
älteste bekannte Adinkra-Tuch, das sich im
British Museum befindet, wurde vermutlich
1817 hergestellt. Namensgebend ist eine
Sammlung alter und heiliger Symbole aus dem
Ahnenkult. Ursprünglich war Adinkra den
Königen und dem Adel vorbehalten und wurde
48

Trauernde tragen Adinkra
während einer Beisetzung.
in einer begrenzten Anzahl von Farben hergestellt,
wobei jedes Farbschema seinen Zweck
bestimmte. Schwarz und Rot symbolisierten
Verlust und Trauer und waren für Trauer- und
Beerdigungszeremonien am besten geeignet.
Weiß hingegen symbolisierte Sieg oder Freude
und wurde für Initiationsriten oder Namensgebungszeremonien
verwendet. Bei der Herstellung
von Adinkra-Stoff wird das Grundgewebe
gefärbt und anschließend werden die Symbole
mit Kürbisstempeln aufgetragen. Ähnlich wie
beim traditionellen Adire werden für Adinkra
ausschließlich organische Farbstoffe verwendet,
die aus der Rinde des Bade 3 (einer einheimischen
Baumart) und der Wurzel des Kuntunkuni-Baums
gewonnen werden. Traditionell
hergestellte Adinkra-Stoffe werden immer
seltener verwendet. Der Siebdruck hat das
Stempeln und die Farbstoffe durch Acrylfarben
auf Wasserbasis ersetzt. Und industriell
bedruckte Varianten verdrängen die alten
Verfahren.
49

Afrika in Mode
Niedergang und Aufblühen
Viele Textilhandwerke Afrikas haben seit der
Kolonialzeit an Popularität eingebüßt. Ende des
19. Jahrhunderts befand sich die Kente-Webkunst
mit anderen produktiven Webkulturen in
einem steilen Niedergang. Die florierende
Wirtschaft des Textilhandwerks wurde einer
systematischen Deindustrialisierung unterworfen,
die zur Auslöschung bestimmter Textilien
und zum Niedergang wichtiger Webereizentren
führte.
Als Grenzmarkt für den Westen erwiesen
sich die afrikanischen Märkte als lebenswichtig
für den Fortbestand der jungen europäischen
Bekleidungs- und Textilindustrie und rechtfertigten
die Durchsetzung einer schädlichen
Politik, die die einheimische Textilwirtschaft
zugunsten von Importen aus dem Westen
untergrub. Im postkolonialen Afrika geht der
Versuch, Importe durch die Herstellung eigener
Wachsimitate zu ersetzen, auf Kosten des
einheimischen Textilhandwerks.
Die Auswirkungen waren paradox: So haben
technologische Fortschritte im Textildruck dazu
geführt, dass Kente-Imitate zu erschwinglichen
Preisen auf dem lokalen und internationalen
Markt angeboten werden können, was die Popularität
dieser Produkte in der ganzen Welt
weiter erhöht hat. Als Folge der Demokratisierung
hat das einheimische Gewebe jedoch seine
Exklusivität und Anziehungskraft verloren.
Ebenso haben ausländische Fälschungen von
»afrikanischen Drucken« die lokalen und
internationalen Märkte überschwemmt und die
Bemühungen um eine Wiederbelebung der
lokalen Textilindustrie untergraben. Andererseits
hat die Globalisierung einige kränkelnde
Textilhandwerkskulturen wiederbelebt, indem
sie sie auf dem Weltmarkt bekannt gemacht
hat. So hat sie beispielsweise die Verbreitung

Kapitel 1
Die Geschichte der afrikanischen Mode
Links
Die renommierte Textildesignerin
und Künstlerin
Chief Nike Davies-Okundaye
hat sich um die
Erhaltung der einheimischen
Traditionen des
Indigofärbens in Nigeria
verdient gemacht.
Gegenüber
Indigostangen, ein
Konzeptwerk des malischen
Kalligrafen und
Färbermeisters Aboubakar
Fofana. Fofana kreiert eine
Reihe von Stoffen mit rein
pflanzlichem Indigo und
mineralischen Schlammfärbungen.
Er ist einer der
wenigen Hüter der
langsamen und wirklich
luxuriösen Färbetradition.
des Kente-Stoffes auf neuen Märkten erleichtert
und den echten gewebten Stoff anspruchsvollen
Verbrauchern auf der ganzen Welt näher
gebracht, wodurch das bedrohte Handwerk
erhalten werden konnte.
Afrikanisches Textilhandwerk ist zunehmend
ins Rampenlicht der Weltöffentlichkeit gerückt,
oft als Objekt unaufhörlicher Aneignung. Was
Aneignung und was Wertschätzung ist, wird oft
heftig diskutiert. So musste Stella McCartney
für ihre Frühjahrskollektion 2018 Kritik einstecken,
die in Zusammenarbeit mit Vlisco, einer
niederländischen Gruppe, die für ihre afrikanischen
Wachsdruckstoffe bekannt ist, entstand.
Einige einheimische Textilien haben von dieser
globalen Aufmerksamkeit profitiert. Der in Mali
geborene und in Paris lebende multidisziplinäre
Künstler Aboubakar Fofana legt in seiner Arbeit
den Schwerpunkt auf die Erhaltung und Neuinterpretation
der traditionellen Indigo-Färbetechniken
in Mali und Guinea. In Nigeria ist die
Künstlerin Nike Davies-Okundaye für die
Wiederbelebung der traditionellen Adire- und
Indigo-Färbetechniken bekannt. Designer wie
Chris Seydou, Kofi Ansah, Ly Dumas und Adebayo
Agbelekale haben durch ihre Arbeit
einheimische Textilformen angepasst, weiterentwickelt
und gefördert. Afrikanische Textilien
werden auch in zeitgenössischen visuellen
Kunstformen wie Fotografie, Druckgrafik, aber
auch Mode und Architektur gefeiert.
51

Afrika in Mode
Accessoires und Schmuck
Accessoires und Schmuck spielen in den afrikanischen Kleidungskulturen
eine wichtige Rolle. Selbst in antiken Kulturen, in denen die
Bestandteile der Kleidung minimal waren, gab es eine Fülle von
Schmuck und anderen Accessoires für ästhetische und nützliche
Zwecke. Da der Zugang zu natürlichen und künstlichen Materialien
unbegrenzt war, kannten die kreativen Impulse zur Gestaltung von
Accessoires keine Grenzen. Die Archäologie hat mit der Entdeckung
der 75 000 Jahre alten Perlen aus der Blombos-Höhle und der 45 000
Jahre alten Halskette aus Straußenmuscheln, die in Südafrika bzw.
Kenia gefunden wurden, die ganze Pracht des afrikanischen Erbes
ans Licht gebracht. Diese und viele andere Entdeckungen unterstreichen
das Wissen um alte Techniken und handwerkliche Fertigkeiten,
die nach wie vor die Grundlage der afrikanischen Schmucktradition
bilden.
In der Blombos-Höhle
östlich von Kapstadt wurde
eine 75.000 Jahre alte
Halskette gefunden, die
aus aneinandergereihten
Nassarius-Schneckenhäusern
besteht.
Gegenüber
Eine reiche Symbolik, die in
den Insignien des Oba
festgehalten ist. Artefakte
aus Messing, die die
Vorfahren, verstorbene
Obas, tapfere Krieger und
Staatsmänner verewigen.
Accessoires wie kunstvoll
gefertigte Armbänder und
Anhänger spielen eine
wichtige Rolle.
52

Kapitel 1
Die Geschichte der afrikanischen Mode
Schmuck
In fast allen afrikanischen Gesellschaften ist
Schmuck ein wesentlicher Bestandteil eines
vollständigen Kleidungsstils. In der Gesamtkonstellation
von Identität, kulturellem Erbe,
Politik, Status und persönlichem Geschmack
ist die Rolle des Schmucks am stärksten
ausgeprägt. Seit der Antike werden in Afrika
leicht verfügbare Materialien wie Samen,
Muscheln, Korallen, Federn, Knochen, Zähne,
Kaurischnecken, Elfenbein, Hörner und ein
großes Repertoire an Edel- und Halbedelsteinen
zur Schmuckherstellung verwendet. Die
Produktion war traditionell von mühsamen
Prozessen geprägt, die die Umsicht erfahrener
Handwerkerinnen oder die Geschicklichkeit
von Goldschmiedemeistern und Kunsthandwerkern
erforderten.
Die verschiedenen Stämme in Afrika tragen
unterschiedliche Formen von Schmuck. Schmuck
ein sehr sichtbares Zeichen von Reichtum und
Status und unterscheidet den Adel vom einfachen
Volk. Im alten Ägypten, wo der Gebrauch
von Schmuck weit verbreitet war, trug der Adel
die teuersten Stücke aus Edel- und Halbedelsteinen.
Der Pharao trug den aufwändigsten
Schmuck: breite Halsketten, Armbänder, Ohrringe
und Armbinden aus Gold und Halbedelsteinen.
Die Schmuckstücke zeigten ikonografische
Motive wie Hieroglyphen und Insignien von
Gottheiten; man glaubte, dass sie mystische
Kräfte besaßen, die den obersten Herrscher
schützen konnten. Durch die Fähigkeiten der
Handwerker wurde die Schmuckherstellung zu
einer Kunstform erhoben. Auch die Pharaonen
von Kusch trugen eine reiche Auswahl an feinem
Schmuck, darunter Armbänder und Fußkettchen.
Seltene Darstellungen der Kriegerkönigin
Kandake Amanirenas, die berühmt dafür ist,
dass sie die Armee von Cäsar Augustus besiegte,
zeigen eine weibliche Figur in einer kunstvoll
verzierten Tunika, die mit goldenen Quasten
gesäumt ist. Um den Hals und die Schultern trägt
sie voluminösen Schmuck.
In Nigeria bestätigte die Entdeckung der Igbo
Ukwu, die eine Schatzkammer mit Hunderten von
Bronzegegenstände und über 63.000 Glas- und
Steinperlen aus dem 9. Jahrhundert umfasste,
den Wert, den Schmuck in der alten afrikanischen
Gesellschaft hatte. Bei den Edo des Großen
Benin-Königreichs waren rote Korallenperlen ein
Statussymbol. Einer alten Legende zufolge erhielt
Oba Ewuare der Große, der Herrscher aus dem
15. Jahrhundert, von Olokun, dem Gott der Flüsse
und des Meeres, die wertvolle Krone und Halskette
aus Korallenperlen.
53

Kapitel 1
Die Geschichte der afrikanischen Mode
Gegenüber
Pomp und Prunk beim
25-jährigen Jubiläum des
Asantehene (Ashanti-König).
Der Oberste Schwertträger
trägt einen Amulett-
Kopfschmuck, der aus
einem Widderhorn und
Federn besteht, die mit
vergoldetem Schmuck
verziert sind.
Oben
Eine sorgfältig gearbeitete
Goldarmbinde, die von einheimischen
senegalesischen
Metallarbeitern für die
Signares hergestellt wurde.
Der in den 1920er-Jahren
beliebte Armbandstil wurde
von den Armbändern
römischer Gladiatoren
inspiriert. Diese besondere
Manschette wurde jedoch in
den 1940er- oder 50er-Jahren
hergestellt, als der Stil zu
Ehren von Lamine Guèye,
einem Politiker, der sich für
das Frauenwahlrecht
einsetzte, wieder aufkam.
Rechts
Stich aus dem Jahr 1879, der
als zweites von links einen
Signare aus Saint Louis,
Senegal, zeigt.
In den Kulturen Nordafrikas, wo der islamische
Einfluss stark war, wurde Silber wegen
seiner Reinheit und seines bescheidenen
Aussehens dem Gold vorgezogen. Bei den Akan
in Westafrika war Gold das bevorzugte Mineral,
während die Bronzegilden von Benin wegen
ihrer Fingerfertigkeit im Umgang mit Messing
bekannt wurden. Darüber hinaus gab es bestimmte
Handwerke, denen die gesamte
Existenz des Handwerkers gewidmet war. Dies
war beim Stamm der Mande in Guinea und Mali
der Fall, wo die Schmiede einen besonderen,
fast mythischen Status hatten. Der Schmied
stellte sein Leben und sein Handwerk in den
Dienst der Götter und des Königs. Sie wurden
für ihr zerstörerisches Wissen und ihre Macht
verehrt und waren auf die Randgebiete der
Gemeinschaft beschränkt.
55

Afrika in Mode
Im Senegal des 18. Jahrhunderts übte eine
besondere Kaste von Handwerksmeistern ihr
Handwerk unter der Schirmherrschaft wohlhabender
Frauen aus, die als signares (vom
portugiesischen »senhora« für »Dame«) bekannt
waren. Die Geschichte dieser mächtigen
Damen, die sich die Semiotik des Schmucks zu
eigen machten, um Prestige und Ruhm zu
erlangen, grenzt an die prachtvolle Dynamik des
Luxus in Afrika. Die Goldschmiede fertigten eine
Vielzahl prächtiger Stücke an, die in faszinierenden
Formen und winzigen, fast unmöglichen
Filigrandraht-Effekten akribisch bearbeitet
wurden. Die wohlhabendsten Signares richteten
im Erdgeschoss ihrer Häuser Ateliers für
Goldschmiede und Näherinnen ein, um ihre
Wünsche zu erfüllen.
Perlenstickerei
Die Perlenstickerei ist tief in der Geschichte
Afrikas verwurzelt. Vor der Einführung von
Glasperlen wurden verschiedene Arten von
gewebten Textilien, Rindenstoffen und Fellen
mit Perlen aus Straußeneierschalen, Samen,
Obsidian oder Meeresmuscheln verziert. In
Nordafrika finden sich auf altägyptischen
Grabmalereien, datiert auf 4000 v. Chr. , Hinweise
auf Fayence-Perlen (gesinterter Quarz), die
vollständig von Hand hergestellt wurden. In
prädynastischen ägyptischen Grabstätten
wurden Kleidungsstücke gefunden, die reichlich
mit Straußeneierschalen verziert waren.
Während dieses Erbe auf dem gesamten
Kontinent fortbesteht, beherrschen einige
Kulturen das Handwerk besonders gut. Beispiele
hierfür sind die Zulu, die Ndebele, die
Sotho und Tsonga im südlichen Afrika, die
Maasai, Dinka und Kuba in Ostafrika sowie die
Yoruba, Igbo, Edo, Ashanti und Krobo in Westafrika.
In all diesen Kulturen hat die große Vielfalt
an Perlen unterschiedliche Techniken und eine
einzigartige Ästhetik hervorgebracht.
Zu den Perlen als Statussymbolen gehörten
auch Halbedelsteine wie Lapislazuli, Quarz,
Achat, Elektrum, Türkis, Steatit und Amazonit
(Feldspat). In Nigeria deuten die Terrakotten aus
Ille-Ife auf eine ausgefeilte Perlenkultur hin. Die
Herstellung von Glasperlen scheint in Ille Ife ein
wichtiger Wirtschaftszweig gewesen zu sein,
denn bei Ausgrabungen in der Stadt wurden
Fragmente von Schmelztiegeln gefunden, die bei
diesem Verfahren verwendet wurden. Im südlichen
Afrika war Perlenstickerei gang und gäbe,
unterschied sich aber von Stamm zu Stamm in
Bezug auf Form, Textur, Motive, Farben und die
Materialien. Die früheste dokumentierte Perlentradition
im südlichen Afrika wird auf die Ornamentik
der San-Stämme zurückgeführt, die Artefakte
aus Straußeneierschalen herstellten, die
mit Sehnen von den Schultern von Ziegen und
Kühen zusammengebunden wurden. Archäologen
haben das Netzwerk des Perlenhandels von
Arikamedu in Südindien bis zur Ostküste Afrikas
bis ins Jahr 200 v. Chr. zurückverfolgt. 7
Im südlichen Afrika gewannen Glasperlen
jedoch ab dem 11. Jahrhundert an Bedeutung,
als sie von den Häfen entlang der Küste von
Mogadischu, Pemba, den Sansibar-Inseln,
Kilwa, Sofala und der Delagoa-Bucht in Mosambik
in Umlauf gebracht wurden. Glasperlen
wurden wegen ihrer einheitlichen Größe und
ihrer leuchtenden Farben zum Erfolg und lösten
bei den Stämmen, die bereits eine Vorliebe für
dieses Handwerk hatten, eine Revolution im
Bereich des Körperschmucks aus. Über den
56

Kapitel 1
Die Geschichte der afrikanischen Mode
Oben
Sotho-Frauen mit perlenbesticktem
Halsschmuck,
Bustiers und Röcken.
Unten links
Massai-Frau mit perlenbesetzter
Scheibenkette und
perlenbesetztem Stirnband.
Akzentuiert wird das
Ensemble durch gewundene
Armbänder aus
Messing und Eisen.
Unten rechts
Ein Edo-Häuptling, der bei
der Igue-Zeremonie sitzt,
trägt einen Kragen aus
Achatperlen. Korallenhalsketten
und Kürbisarmbänder
vervollständigen das
Ensemble.
57

Afrika in Mode
58

Kapitel 1
Die Geschichte der afrikanischen Mode
Handel hinaus wurde die Verbreitung der
Glasperlen auch durch die Aktivitäten der
Kolonialmächte, darunter die Niederländer,
Portugiesen und Engländer, gefördert.
Ab dem 16. Jahrhundert florierte der Perlenhandel
unter der Schirmherrschaft der Bantu-
Häuptlinge, die die Verteilung unter ihren
Frauen, Adligen und Untertanen kontrollierten.
Das Monopol machte die Perlen selten und
kostbar, doch um die Jahrhundertwende wurde
ihr Vertrieb durch die Aktivitäten europäischer
Händler demokratisiert. Ihre weite Verbreitung
und ihre immense soziokulturelle und wirtschaftliche
Bedeutung haben sie zu einem
wesentlichen Bestandteil des kulturellen Erbes
der Region gemacht. Bei den Zulus benutzten
die umworbenen Jugendlichen Perlenanhänger,
um emotionale und esoterische Botschaften zu
übermitteln, indem sie in den Mustern und der
Anordnung der Perlen Botschaften zum Ausdruck
ihrer Zuneigung verschlüsselten. Xhosa-
Paare schmückten sich mit kunstvollen Perlentextilien,
die durch Perlenaccessoires wie
Stirnbänder, Fransenhalsketten, Armbänder
und Halsbänder ergänzt wurden. Bei den
Ndebele waren außergewöhnliche Arten von
Perlenarbeiten, die mit besonderer Etikette
getragen wurden, ein Zeichen für die Reife der
Frau. So kennzeichnet beispielsweise die
lighabi, eine mit Perlen besetzte Schürze mit
Fransen, die um die Hüften getragen wird, ein
sehr junges Mädchen, während ein älteres,
pubertierendes Mädchen eine isiphephetu
trägt, eine rechteckige Schürze aus Leder oder
Leinen, die mit geometrischen Perlenmustern
verziert ist.
Viele Perlentraditionen haben unter der
Obhut indigener Stämme überlebt, die trotz des
überwältigenden Einflusses moderner Kleidungsstile
weiterhin Perlenstickereien in
Kleidungsstücke für Übergangsriten, Feste und
Hochzeitszeremonien einbauen. Vollständig mit
Perlen besetzte Kostüme werden bei festlichen
Anlässen getragen und sind zu wertvollen
Gegenständen für Museen und den Tourismusmarkt
geworden. Das Volk der Ndebele hat mit
seinem traditionellen Perlenschmuck, seiner
Kleidung und seinen einzigartigen Wandmalereien
eine der bekanntesten Perlenkulturen
Afrikas. Die Kunst und die traditionellen Perlenarbeiten
der Ndebele haben durch eine Generation
von Meisterinnen wie Südafrikas führende
Kulturvermittlerin, Dr. Esther Mahlangu, überlebt,
die seit den 1990er-Jahren mit zahlreichen
globalen Marken zusammenarbeitet, um die
Ndebele-Kultur zu fördern.
Ndebele-Frau mit geometrisch
gemustertem, perlenbesetztem
Kopfschmuck
und Halskette. Außerdem
trägt sie eine halsverlängernde
Spiralhalskette und
Basotho-Decke.
59

KAPITEL 3
Neue
Talente
aus Afrika
Die afrikanische Mode, einst an den Rand der
Weltwirtschaft gedrängt, hat seit der Wende
zum 21. Jahrhundert einen seismischen Wandel
vollzogen. Die zeitgenössische afrikanische
Modeszene ist vielschichtig und dynamisch und
befindet sich in ständigem Wandel. Im vorangegangenen
Kapitel haben wir das Potenzial
der jungen afrikanischen Luxusgüterindustrie
aufgezeigt und gleichzeitig ihre Herausforderungen
aufgezählt. Trotzdem gibt es eine neue
Welle zeitgenössischer Designer, die neue
Wege beschreiten und die Aufmerksamkeit der
globalen Medien auf sich ziehen. Sie verstehen
es, die indigenen afrikanischen Kulturen zu
bewahren und zu fördern. Dies gelingt ihnen
durch hervorragende Handwerkskunst und
Qualitätsstandards, die bei Luxuskonsumenten
in aller Welt Anklang finden. Die umfangreiche
Liste kreativer Talente umfasst die Designer, die
in der Designer-Galerie (S. 96–113) und in den
Fallstudien dieses Kapitels vorgestellten Designer,
aber auch viele andere, die auf innovative
Weise mit einheimischen Textilien, Kunstformen,
Materialien und Ästhetik die Welt in ihren
Bann gezogen haben. Ihr Erfolg beruht auch auf
ihrem Geschick, lokale Materialien und Textilien
in kommerziell verwertbare globale Luxusgüter
zu verwandeln.
Im Folgenden finden Sie eine sorgfältige
Auswahl von Marken, die die Vielfalt der zeitgenössischen
afrikanischen Luxusmode widerspiegeln
– eine Vielfalt, die sowohl moderne
als auch traditionelle Praktiken und Produktionstechniken
sowie Geschlecht, Geografie,
Kultur und Erbe umfasst. Die Erforschung der
Weltanschauung dieser Marken gibt uns nicht
nur einen Einblick in die Herausforderungen,
denen sie sich stellen müssen, sondern auch in
ihr Ethos und ihre Ethik. Es ist ein Fest für das
Beste, was Afrika zu bieten hat.

Galerie der Designer
Imbokodo-Kampagne von
MmusoMaxwell. »Imbokodo«
ist ein Zulu-Wort für
Stein. Es wird allegorisch
für den Mut südafrikanischer
Frauen im Angesicht
von Widrigkeiten verwendet,
von der Unterdrückung
durch das Apartheidregime
bis hin zu anhaltender Geschlechterungleichheit
und
geschlechtsspezifischer
Gewalt (siehe Zitat von
MmusoMaxwell S. 103).
97

Kapitel 3
Neue Talente aus Afrika
Gegenüber
Besticktes Bubu-Kleid von
Adama Paris. Adama Paris
wendet sich an die moderne
und elegante Frau,
für die der größte Luxus darin
besteht, sich die Dinge
zu eigen zu machen. Die
Linie der Marke spiegelt
dieses Hin und Her, diesen
Austausch zwischen dem
Westen und Afrika wider.
Die Stücke der Kollektion
sind aus Bio-Baumwolle,
handgewebt und kunstvoll
bestickt von senegalesischen
Kunsthandwerkern.
Rechts
Federhalsband (Tigrette)
mit antikem Messingbesatz
vom Tuareg-Stamm von Kapoeta
by Ambica. Kapoeta
ist eine Öko-Marke, die
Federn und andere organische
und anorganische
Materialien, Edelsteine und
Halbedelsteine zu sinnlichem
Schmuck verarbeitet.
Die Marke setzt auch
fesselnde Symbole und
ungewöhnliche Materialien
ein, um die Konventionen
von Schönheit und Luxus
infrage zu stellen.
99

Afrika in Mode
Links
Tüll-Bikini-Set mit handgesäumten
Wolldetails aus
der SS21-Kollektion »Land
of Gods« von I.AM.ISIGO.
Der zwischen Lagos, Nairobi
und Accra pendelnde Designer
Bubu OgIsi von
I.AM.ISIGO verkörpert die
Energie eines reisenden
Kreativen. Durch die alten
Handwerkstechniken des
Färbens und Webens
interpretiert die Marke die
Beziehung zwischen Materialien,
Handwerkskunst,
Kultur und Spiritualität neu.
Sie steht an der Spitze der
weltweiten Slow-Fashion-
Bewegung und bringt jedes
Jahr eine Kollektion heraus,
die den Konventionen der
Branche widerspricht.
Gegenüber
Bauch- und Gürteltaschen
der Marke Rebel Fanny von
Reform Studio. Die Kollektion
wird aus Plastex hergestellt,
einem firmeneigenen
umweltfreundlichen
Textil, das aus recycelten
Plastiktüten und Polyesterfäden
besteht. Die recycelbaren
Plastex-Garne
werden auf traditionellen
ägyptischen Webstühlen
gewebt, um die alte Technik
und die Lebensgrundlage
der lokalen Handwerker zu
erhalten.
100

Kapitel 3
Neue Talente aus Afrika
Gegenüber
Toni Africa Mantel aus
SS 2020 von MmusoMaxwell.
MmusoMaxwell, gegründet
von Maxwell Boko
und Mmuso Potsane, ist
eine Konfektionsmarke für
Damenmode. Sie entwirft
ethische Kleidungsstücke,
die vom afrikanischen Erbe
und der zeitgenössischen
Kultur inspiriert sind, mit
besonderem Schwerpunkt
auf Schneiderei: Struktur,
Passform und Details. Dem
Duo zufolge durchdringt
das afrikanische Erbe der
Marke durch die altehrwürdige
Handwerkskunst, die
an die alten Handwerker
erinnert.
Rechts
Hemd mit Chiffondruck
aus der Kollektion Exclusive
Pieces von Allëdjo.
»Allëdjo«, was auf Yoruba
»Reisende« bedeutet,
wurde für Reisen und Freizeit
entworfen, wobei jede
Kollektion einem Reiseziel
und seiner Kultur gewidmet
ist. Die Marke ist
bestrebt, unter ethischen
Gesichtspunkten und mit
größter Rücksicht auf die
kulturellen Werte der Einheimischen
zu entwerfen
und dabei die scheinbare
Einfachheit komplexer
Designs zu betonen.
103

Afrika in Mode
Rechts
Mit Perlen besetztes und
in Couture-Manier gefertigtes
Brautkleid aus
der Nuptials- Kollektion
von Pistis. Seit 2008 steht
Pistis an der Spitze der
Entwicklung von maßgeschneiderten
Kostümen
und Brautkleidern in Afrika.
Gegenüber
Zweifarbige Tasche aus
Leder und exotischer Haut
von Zashadu. Das Stück
aus der Hero-Kollektion
besteht aus nachhaltig
gewonnenem Krokodilleder
und Leder aus einheimischer
Produktion, das gefärbt
und von Hand glasiert
wird. Die Hero-Kollektion
»entstand in einer Zeit großer
Dunkelheit in meinem
Leben«, sagt die Designerin
Zainab Ashadu.

Kapitel 3
Neue Talente aus Afrika
Gegenüber
Voluminöse Crinkle-Bluse
und Jumpsuit mit weitem
Bein und Korsett
von Christie Brown SS20.
Der Crinkle-Stoff und der
Polyester-Jersey sind mit
einem Wachsimitatdruck
verziert. Das 2008 gegründete
Unternehmen Christie
Brown würdigt die reiche
Kultur und das textile Erbe
Ghanas und setzt die kühne
westafrikanische Ästhetik
in faszinierende Stücke
und kantige Silhouetten
um, die bei modernen
Frauen auf der ganzen Welt
Anklang finden.
Rechts
Die Hana Mini Blue aus der
Season 5 Kollektion von
AAKS. Zweifarbig gewebter
Raffia mit Lederdetails.
AAKS handgewebte Raffia-
Taschen werden im Norden
Ghanas gefertigt. Jedes
Stück wird von hochqualifizierten
Handwerksmeisterinnen
hergestellt, die
mit viel Können und intimer
Kenntnis der lokalen
Raffia-Garne sorgfältig
arbeiten.
107

Afrika in Mode
Links
Das gestufte Trio: Die
Maxikleider Rudo, Alizeti
und Lune aus der Kollektion
Christine von Sika‘a.
Sika‘a ist eine moderne
Luxusmarke für Damenmode,
die von der Schönheit,
Tradition und Kultur
Afrikas inspiriert ist. Die
Marke kombiniert Texturen,
Farben und Muster, um
die afrikanische Form zu
betonen und aufzuwerten.
Die Stücke von Sika‘a sind
mutig, lebendig und vielseitig
einsetzbar.
Gegenüber
Masii Clutch und Yatta Ohrringe
aus der Mung‘ung‘uti
Kollektion von Jiamini. Die
Clutch besteht aus handgewebtem
Sisal und Wolle
und ist mit weißen und
schwarzen Perlen verziert.
Die Ohrringe sind aus Glasperlen
geflochten, die an
Wirbeln aus 18-karätigem,
vergoldetem Messing befestigt
sind. Die Kollektion
Mung‘ung‘uti (was so viel
wie »Wirbelsäule« bedeutet)
ist inspiriert von dem
weit verzweigten Netz von
Wegen, die die aufeinanderfolgenden
Generationen
verbinden. Die angewandten
Verfahren verkörpern
die drei wichtigsten
Gründungsprinzipien der in
Kenia ansässigen Luxusmarke
Jiamini: Tradition,
Handwerkskunst und Erbe.
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Kapitel 3
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