Rundfunk-Sinfonie-Orchester Berlin, Christian Tetzlaff, Violine

KULTURRING
HEILBRONN E.V.
www.kulturring-heilbronn.de
ORCHESTERKONZERT II
RUNDFUNK-SINFONIE-
ORCHESTER BERLIN
DONNERSTAG, 2. MAI 2024
19.30 UHR

Orchesterkonzert II
RUNDFUNK-SINFONIE-
ORCHESTER BERLIN
Dirigent: VLADIMIR JUROWSKI
Solist: CHRISTIAN TETZLAFF, Violine
7. Veranstaltung der Kulturring-Konzertreihe 2023/2024
Theodor-Heuss-Saal, 19.30 Uhr
BOHUSLAV MARTINŮ 1890–1959
»Památník Lidicím« (Mahnmal für Lidice)
H 296 (1943) für Orchester
- Adagio
JOSEF SUK 1874 –1935
Meditation über den altböhmischen Choral
»Svatý Václave« für Streichorchester op. 35a
- Adagio, ma con moto
JOSEF SUK
Fantasie op. 24 g-Moll
für Violine und Orchester
- Allegro impetuoso
- Andante energico
- Tempo I
- Adagio ma non troppo
- Allegro giocoso
- Molto tranquillo
- Allegro spirito
- Meno mosso
- Allegro vivace
12 Min.
7 Min.
22 Min.
Pause
DMITRI SCHOSTAKOWITSCH 1906–1975
Symphonie Nr. 8 c-Moll op. 65
- Adagio – Allegro non troppo
- Allegretto
- Allegro non troppo - attaca
- Largo - attaca
- Allegretto
62 Min.

Guten Abend,
das Rundfunk-Sinfonieorchester ist mit Konzertübertragungen
im Deutschlandfunk, mit Studioaufnahmen
und Live-Aufnahmen national und international präsent.
Sein Dirigent, Vladimir Jurowski, ist seit 2017
bei diesem Orchester, hat aber auch schon andere berühmte
Orchester dirigiert.
Christian Tetzlaff ist einer der gefragtesten Geiger und
spannendsten Musiker der Klassikwelt. Konzerte mit
ihm werden oft zu einer existenziellen Erfahrung für
Interpret und Publikum gleichermaßen, altvertraute
Stücke erscheinen plötzlich in völlig neuem Licht. Mit
Hingabe pflegt er ein ungewöhnlich breites Repertoire
und gibt rund 100 Konzerte pro Jahr.
Unter diesen Voraussetzungen kann das Konzert
mit Werken von Bohuslav Martinů, Josef Suk, dem
Schwiegersohn Dvořáks, und Dmitri Schostakowitsch
ein großes Kulturring-Erlebnis werden.
Freuen Sie sich darauf!
Das Konzert des Rundfunk-Sinfonieorchesters Berlin ist
Teil einer Tournee der Konzertdirektion Schmid.
Herausgeber: Kulturring Heilbronn e.V.
Abonnementbüro: Heilbronner Reisebüro Böhm
Sülmerstraße 13 / Tel. 0 71 31/62 40-0
Texte: Ulrich Heffter

RUNDFUNK-SINFONIE-
ORCHESTER BERLIN
Das Rundfunk-Sinfonieorchester Berlin führt seine Existenz
auf die erste »Funk-Stunde Berlin«, auf die Geburtsstunde
des öffentlichen Rundfunks in Deutschland
überhaupt, am 29. Oktober 1923 zurück. Seit diesem
Tag haben Musiker:innen und Dirigent:innen wie Otto
Urack, Bruno Seidler-Winkler, Eugen Jochum, Sergiu
Celibidache, Hermann Abendroth, Rolf Kleinert, Heinz
Rögner und Rafael Frühbeck de Burgos einen Klangkörper
geformt, der in besonderer Weise die Wechselfälle
der deutschen Geschichte im 20. Jahrhundert durchlebt
hat. Im 21. Jahrhundert folgte auf Marek Janowski
(2001 bis 2016) im Jahre 2017 Vladimir Jurowski, der als
Chefdirigent und Künstlerischer Leiter die bald 100-jährige
Tradition des Orchesters in die Zukunft führt, nicht
zuletzt, indem er seinen Vertrag bis 2027 verlängert hat.
An seiner Seite ist Karina Canellakis seit 2019 Erste
Gastdirigentin des RSB.
Junge Dirigent:innen der internationalen Spitzenklasse
absolvierten ihr jeweiliges Berlin-Debüt mit dem RSB:
Andris Nelsons, Yannick Nézet-Séguin, Vasily Petrenko,
Jakub Hrůša, Alain Altinoglu, Omer Meir Wellber, Michael
Francis, Lahav Shani, Karina Canellakis, Thomas
Søndergård, Antonello Manacorda, Edward Gardner,
Nicholas Carter.

Namhafte Komponist:innen des 20. und 21. Jahrhunderts
traten ans Pult des Orchesters oder führten als
Solist:innen eigene Werke auf: Paul Hindemith, Arthur
Honegger, Darius Milhaud, Sergei Prokofjew, Richard
Strauss, Arnold Schönberg, Igor Strawinsky, Wladimir
Vogel, Kurt Weill und Alexander Zemlinsky sowie in jüngerer
Zeit Krzysztof Penderecki, Berthold Goldschmidt,
Peter Maxwell Davies, Friedrich Goldmann, Peter Ruzicka,
Jörg Widmann, Daniel Schnyder, Matthias Pintscher,
Siegfried Matthus, Heinz Holliger, Thomas Adès,
Brett Dean und Marko Nikodijević. 2021/22 war Jelena
Firssowa »Composer-in-Residence« des Orchesters.
Das RSB engagiert sich für die Heranwachsenden, unter
anderem beim Patenorchester Deutsche Streicherphilharmonie,
beim Nachwuchs in den eigenen Reihen
(Orchesterakademie) sowie bei den Familien-, Schulund
Kinderkonzerten.
Das Deutschlandradio mit seinen Sendern Deutschlandfunk
und Deutschlandfunk Kultur ist der größte Gesellschafter
der 1994 gegründeten Rundfunk-Orchester
und -Chöre gGmbH Berlin (ROC), welche das Rundfunk-Sinfonieorchester
Berlin (RSB) und drei weitere
Klangkörper institutionell trägt. Außerdem stützt sich
die ROC auf die Bundesrepublik Deutschland, das Land
Berlin und den Rundfunk Berlin-Brandenburg. Deutschlandfunk
Kultur in Berlin, Deutschlandfunk in Köln und
Rundfunk Berlin-Brandenburg übertragen alle Sinfoniekonzerte
und weitere Konzerte des RSB im Rundfunk.
Viele sind über Broadcasting Union (Euroradio) weltweit
zu empfangen. Das RSB realisiert darüber hinaus
Studioaufnahmen, oft mit vergessenen Repertoire-Raritäten.
Live ist das RSB national und international präsent.
Seit mehr als 50 Jahren gastiert es regelmäßig bei
deutschen und europäischen Festivals, in Fernost und
in Musikzentren weltweit.
VLADIMIR JUROWSKI
Vladimir Jurowski ist seit 2017 Chefdirigent und Künstlerischer
Leiter des Rundfunk Sinfonieorchesters Berlin.
Seinen Vertrag hat er mittlerweile bis 2027 verlängert.

Parallel dazu ist er seit 2021 Generalmusikdirektor der
Bayerischen Staatsoper in München.
Der Dirigent, Pianist
und Musikwissenschaftler
Vladimir
Jurowski wurde zunächst
an der Musikhochschule
des
Konservatoriums in
Moskau ausgebildet.
1990 kam er nach Deutschland, wo er sein Studium an
den Musikhochschulen in Dresden und Berlin fortsetzte.
1995 debütierte er beim britischen Wexford Festival
mit Rimski-Korsakows »Mainacht« und im selben Jahr
am Royal Opera House Covent Garden mit »Nabucco«.
Anschließend war er u. a. Erster Kapellmeister der Komischen
Oper Berlin (1997-2001) und Musikdirektor der
Glyndebourne Festival Opera (2001-2013). 2003 wurde
Vladimir Jurowski zum Ersten Gastdirigenten des London
Philharmonie Orchestra ernannt und war von 2007
bis 2021 dessen Principal Conductor. Ebenfalls bis
2021 war er Künstlerischer Leiter des Staatlichen Akademischen
Sinfonieorchesters »Jewgeni Swetlanow«
der Russischen Föderation und Principal Artist des Orchestra
of the Age of Enlightenment in Großbritannien,
außerdem Künstlerischer Leiter des Internationalen
George-Enescu-Festivals in Bukarest. Er arbeitet regelmäßig
mit dem Chamber Orchestra of Europe und dem
ensemble unitedberlin.
Vladimir Jurowski hat Konzerte der bedeutendsten Orchester
Europas und Nordamerikas geleitet, darunter
die Berliner, Wiener und New Yorker Philharmoniker,
das Königliche Concertgebouworchester Amsterdam,
das Cleveland und das Philadelphia Orchestra, die
Sinfonieorchester von Boston und Chicago, das Tonhalle-Orchester
Zürich, die Sächsische Staatskapelle
Dresden und das Gewandhausorchester Leipzig. Er
gastiert regelmäßig bei den Musikfestivals in London,
Berlin, Dresden, Luzern, Schleswig-Holstein und Grafenegg
sowie beim Rostropowitsch-Festival. Obwohl Vladimir
Jurowski von Spitzenorchestern aus der ganzen
Welt als Gastdirigent eingeladen wird, möchte er seine

Aktivitäten zukünftig auf jenen geographischen Raum
konzentrieren, der unter ökologischem Aspekt für ihn
vertretbar ist.
Mit dem Rundfunk-Sinfonieorchester Berlin ist er
2022/2023 bei Konzerten in verschiedenen Städten
Deutschlands, Italiens und in Antwerpen in den Niederlanden
zu erleben. Die gemeinsamen CD Aufnahmen
von Vladimir Jurowski und dem RSB begannen 2015
mit Alfred Schnittkes Sinfonie Nr. 3. Es folgten Werke
von Britten, Hindemith, Strauss, Mahler und demnächst
erneut Schnittke. Vladimir Jurowski wurde vielfach für
seine Leistungen ausgezeichnet, darunter mit zahlreichen
internationalen Schallplattenpreisen. 2016 erhielt
er aus den Händen von Prince Charles die Ehrendoktorwürde
des Royal College of Music in London. 2018
kürte ihn die Jury der Royal Philharmonie Society Music
Awards zum Dirigenten des Jahres. 2020 wurde Vladimir
Jurowskis Tätigkeit als Künstlerischer Leiter des
George-Enescu-Festivals vom Rumänischen Präsidenten
mit dem Kulturverdienstorden gewürdigt.
CHRISTIAN TETZLAFF
In der Saison 2023/24 ist Christian Tetzlaff weltweit bei
Spitzenorchestern zu Gast. In Europa spielt er unter
anderem mit dem Norwegian Radio Orchestra, dem
Symphonieorchester des Bayerischen Rundfunks, dem
Orchestre de chambre de Paris oder dem Orchestre National
de France. Auch mit den renommiertesten englischen
Ensembles steht er auf der Bühne: Mit dem Philharmonia
Orchestra gastiert Tetzlaff in Grafenegg und
in der Elbphilharmonie, mit dem BBC Symphony Orchestra
ist er bei den Proms zu Gast; er arbeitet erneut
mit dem Chamber Orchestra of Europe, unternimmt mit
dem London Philharmonic Orchestra zwei Tourneen
nach Korea und Europa und nimmt mit dem BBC Philharmonic
das Violinkonzert von Thomas Adès auf. In
den USA kehrt er zum Cincinnati Symphony Orchestra
und dem Los Angeles Chamber Orchestra zurück.
Christian Tetzlaff wird regelmäßig gebeten als Residenzkünstler
bei Orchestern und Veranstaltern über einen län-

geren Zeitraum seine musikalischen Sichtweisen zu präsentieren,
so u. a. bei den Berliner Philharmonikern, dem
Seoul Philharmonic Orchestra und den Dresdner Philharmonikern.
In der Saison 2021/22 wurde ihm diese Ehre
bei der Londoner Wigmore Hall zuteil und 2022/23 war er
»Portrait Artist« beim London Symphony Orchestra.
Im Verlauf seiner Karriere gastierte Christian Tetzlaff mit
allen großen Orchestern, darunter den Wiener Philharmoniker
und New Yorker Philharmonic, dem Concertgebouworkest
in Amsterdam und allen Londoner Orchestern.
Er arbeitete mit legendären Maestri wie Sergiu Celibidache,
Bernard Haitink, Lorin Maazel, Kurt Masur und
Christoph von Dohnányi. Zudem entstanden enge künstlerische
Verbindungen mit Karina Canellakis, Daniel Harding,
Paavo Järvi, Vladimir Jurowski, Andris Nelsons, Sir
Simon Rattle, François-Xavier Roth, Robin Ticciati, Barbara
Hannigan, Esa-Pekka Salonen, Ed Gardner, Michael
Tilson Thomas, Ingo Metzmacher und Kent Nagano.
Bereits 1994 gründete
Christian Tetzlaff mit
seiner Schwester, der
Cellistin Tanja Tetzlaff,
sein eigenes Streichquartett
und bis heute
liegt ihm die Kammermusik
ebenso am
Herzen wie seine Arbeit als Solist mit und ohne Orchester.
Mit Kirill Gerstein gastiert er in dieser Spielzeit in den
USA, unter anderem in der New Yorker Carnegie Hall, in
Washington und Boston. Jedes Jahr unternimmt er mit
dem Tetzlaff Quartett mindestens eine Tournee, so auch
in dieser Saison mit Konzerten im Berliner Boulez-Saal,
dem Muziekgebouw Amsterdam, im Wiener Musikverein
und dem BOZAR Brüssel. 2015 wurde das Quartett
mit dem Diapason d’or ausgezeichnet; das Trio mit
seiner Schwester Tanja Tetzlaff und dem Pianisten Lars
Vogt im darauffolgenden Jahr für den GRAMMY nominiert.
Die letzte Veröffentlichung des Trios mit Werken
von Schubert wurde erst nach Lars Vogts viel zu frühem
Tod veröffentlicht und 2023 mit dem OPUS Klassik als
beste Kammermusikeinspielung ausgezeichnet.

Für seine CD-Aufnahmen hat Christian Tetzlaff zahlreiche
Preise erhalten, darunter 2018 den Jahrespreis der
Deutschen Schallplattenkritik und den Diapason d’or
sowie 2017 den Midem Classical Award. Ein besonderes
Anliegen sind ihm seit jeher die Solo-Sonaten und
Partiten von Bach, deren Aufnahmen er 2017 zum dritten
Mal veröffentlichte. The Strad Magazin lobte diese
Aufnahme als »aufmerksame und lebendige Antwort auf
die Schönheiten der Bachschen Solowerke«. Im Herbst
2019 erschien die Einspielung der Violinkonzerte von
Beethoven und Sibelius, im August 2022 folgen Brahms
und Berg – beides mit dem Deutschen Symphonie-Orchester
Berlin unter der Leitung von Robin Ticciati.
Bezeichnenderweise hat Tetzlaff viele Jahre in Jugendorchestern
gespielt, in Uwe-Martin Haiberg an der Musikhochschule
Lübeck hatte er einen Lehrer, für den die
musikalische Interpretation der Schlüssel zur Geigentechnik
war – nicht umgekehrt.
Christian Tetzlaff spielt eine Geige des deutschen Geigenbauers
Peter Greiner und unterrichtet regelmäßig an
der Kronberg Academy.
Er lebt mit seiner Frau, der Fotografin Giorgia Bertazzi,
und drei Kindern in Berlin.
MARTINŮ PAMÁTNÍK LIDICÍM
Bohuslav Martinů (1890-1959) war ein tschechoslowakischer
Geiger und Komponist. Inspiriert von traditionellen
böhmischen und mährischen Volksmelodien
sowie zeitgenössischer Musik, schrieb Martinů sechs
Sinfonien, Opern, Ballette, Orchester- und Vokalwerke.
Nachdem er in den 1920er Jahren nach Paris gezogen
war, musste Martinů 1940 fliehen, weil er von den Nazis
auf die schwarze Liste gesetzt worden war.
Als Reaktion auf den Einmarsch der Nazis in die Tschechoslowakei
1939 schrieb er die Feldmesse und nach
der Zerstörung des tschechischen Dorfes Lidice durch
die Nazis im Jahr 1942 die 8-minütige sinfonische
Dichtung »Denkmal für Lidice«. Im Jahr 1943 wurde

»Memorial to Lidice« (Památník Lidicím) vom New
York Philharmonic Orchestra am 28. Oktober, dem
Jahrestag der Gründung der Tschechischen Republik
im Jahr 1918, uraufgeführt. Das Stück erinnert an die
340 Tschechen, die im Juni 1942 von den Nazis in dem
Dorf Lidice ermordet wurden. Hitler hatte als Reaktion
auf die Ermordung des Reichsprotektors Reinhard
Heydrich durch den tschechischen Widerstand im Juni
1942 angeordnet, das Dorf zu zerstören und dem Erdboden
gleichzumachen.
Memorial to Lidice ist eine Instrumentalkomposition mit
Zitaten aus einem Choral des zwölften Jahrhunderts
und aus Beethovens fünfter Symphonie.
Martinů hatte geplant, nach dem Zweiten Weltkrieg in
die Tschechoslowakei zurückzukehren, konnte dies
aber nicht verwirklichen.
SUK MEDITATION
Das Böhmische Streichquartett, mit seinem Zweiten
Geiger Josef Suk (1874-1935), war seit 1914 verpflichtet,
seine Konzerte mit der österreichischen Kaiserhymne
zu beginnen. Der Komponist entschloss sich jedoch,
diese Verpflichtung durch ein Werk, das vom St. Wenzels-Choral,
einem altböhmischen geistlichen Lied, inspiriert
war, zu ergänzen. Die Botschaft des Liedes, das
sich mit der Bitte um das Wohl des tschechischen Volkes
an den Nationalheiligen richtet, war dem Publikum
sofort verständlich.
Josef Suk war Dvořáks Kompositionsschüler und
Schwiegersohn und in seiner Rolle als zweiter Geiger
im Böhmischen Quartett einer der Hauptvertreter von
Dvořáks Kammermusik. Das Böhmische Streichquartett
führte die einsätzige »Meditation« (1914) über den altböhmischen
Choral »Svatý Václave« am 27. September
1914, dem Vorabend des Wenzelsfestes, nur zwei
Tage nach seiner Fertiggstellung erstmals auf – Suk
war offenbar bestrebt, sein neues Stück so schnell wie
möglich aufführen zu lassen, und schrieb die Stimmen
selbst aus. Die Fassung für Streichorchester spielte die

Tschechische Philharmonie zum ersten Mal am 22. November
1914.
SUK FANTASIE
Josef Suks Fantasie für Violine und Orchester op. 24
stammt aus seiner fruchtbringendsten Reifezeit – komponiert
zwischen Mai und dem 12. August 1902, revidiert
1903 und uraufgeführt in Prag am 9. Januar 1904.
Schon 1905 wurde sie von Simrock (Berlin) in einer Bearbeitung
mit Klavierbegleitung von Jiři Jiránek veröffentlicht.
Während seiner Ehe mit Dvořáks Tochter Otylka (1898–
1905) und in den fünf Jahren nach ihrem frühen Tod
fanden seine tiefen Gefühle in zahlreichen Werken Ausdruck;
dazu zählt auch die Fantasie op. 24. Sein Schaffen
umfasst Werke etlicher Gattungen, von Klavier-Miniaturen
und Liedern über Bühenmusiken bis hin zu
umfangreichen Orchesterwerken.
Obwohl er selbst Geiger war, schrieb Suk nur sehr wenig
für sein ureigenes Instrument oder gar für Streichquartett.
Da Suk kein eigenständiges Violinkonzert komponierte,
wurde diese Fantasie, das umfangreichste seiner
Werke für Geige und Orchester, allerdings mitunter als
ein solches bezeichnet.
Suks Stil ist originell und persönlich, wenn auch nicht
experimentell im Sinne seiner Pariser oder Wiener Zeitgenossen.
Es griffe zu kurz, diesen Stil als Fortsetzung
der Tonsprache seines Lehrers Dvořák zu charakterisieren
oder andererseits als Wegbereiter seines eigenen
Schülers Martinů. Auch die einsätzige Fantasie op. 24
entzieht sich in vieler Hinsicht näherer Bestimmung.
Wie der Titel nahelegt, ist sie frei strukturiert, geformt
durch die beständige Wiederkehr des Anfangsthemas.
Typisch für Suk ist auch die Art ihrer Erfindung, die Ökonomie
der thematischen Arbeit wie auch die gelegentlich
harmonisch kühne Tonsprache.
Grob gefasst, gibt es vier Gruppen dramatisch kontrastierender
Themenbereiche: 1. Ein agressives, kräftiges

Motiv, im ersten Takt zu hören. Es erscheint in verschiedener
Gestalt immer wieder.
2. Eine dramatische Figur aus einem Oktavsprung, einer
chromatisch absteigendenen Skala, Triolen und Synkopen
(T. 26–34)
3. Eine lyrische Andante-Melodie in Moll (T. 73–82), aus
der sich ein volksliedartiges Thema mit zwei komplementären
Sechstaktern in G-Dur entwickelt (T. 93–104).
4. Ein zweites lyrisches Thema mit Hemiolen und langen
Phrasen tritt nur einmal in der Fantasie auf (T. 339–90).
Dieser letzte Einfall belegt nach näherer Analyse, dass
alle Themen mehr oder weniger eng miteinander verwandt
sind.
Suks harmonische Sprache geht bis an die Grenzen der
Tonalität, auch wenn das Stück den tonalen Zentren um
g-Moll und G-Dur verpflichtet bleibt. Die destabilisierende
Kraft des Tritonus ist zwar nicht so präsent wie in
anderen Werken, doch ist dieses Intervall stets gegenwärtig
auch in der Fantasie. Daneben gibt es Ausflüge in
entferntere Tonarten, so zum Beispiel in die erniedrigte
Tonika Ges-Dur.
Man sollte Suks Fantasie weder als sein Violinkonzert,
noch als Bekräftigung seiner nationalen Identität, sondern
am besten in der Tradition der Konzert-Fantasie
seit Beethoven betrachten. Eher ein Phänomen des
19. Jahrhunderts kommt sie zur Zeit von Suks Fantasie
allmählich aus der Mode, bleibt aber in Europa durchaus
noch präsent, solange die Virtuosen-Tradition des
19. Jahrhunderts noch fortlebt. Der kraftvolle, improvisiert
wirkende, chromatische Charakter der späten
Werke Liszts etwa, wurde noch bewundert und ist bei
Suk deutlich hörbar. Allerdings ist eine fantasia-artige
Konzeption, ein eher loser thematischer Faden musikalischer
Ideen und deren beständige Durchführung nun
wieder die Essenz von Suks Stil überhaupt. Das zeigen
seine sinfonischen Dichtungen, die derlei Techniken oft
verwenden. Viele seiner Werke haben suggestive Titel
und laden den Hörer zu Fantasiereisen ebenso ein wie
das Opus 24.

SCHOSTAKOWITSCH SINFONIE NR. 8
Dmitri Schostakowitsch (1906-1975) komponierte seine
achte Sinfonie innerhalb von 40 Tagen. Eine Legende
rankt sich um diese 1943 uraufgeführte Sinfonie – die
nämlich, sie spiegle das Grauen des Krieges. Möglich,
dass der Komponist selbst einer solchen Deutung Vorschub
leistete, um Stalin und die staatlichen Behörden
auf eine falsche Fährte zu lenken. Doch lange ließen sie
sich nicht täuschen. Schon drei Jahre nach Kriegsende
warf man Schostakowitsch eine »ultraindividualistische
Weltsicht« vor. Die Achte Sinfonie wurde mit Zensur belegt,
die meisten Rundfunkmitschnitte des Werks gelöscht.
Auch die politisch Mächtigen hatten erkannt,
dass Schostakowitschs Musik von individuellem Leid
kündet, dass sie Freiheit einklagt und all jene betrauert,
die Opfer jedweder Gewalt geworden sind.
Schostakowitsch hat seine Achte dem Dirigenten Jewgenij
Mrawinskij gewidmet, der als einer ihrer bedeutendsten
Interpreten gilt.
Der erste Satz (Adagio) ist der längste mit beinahe
30 Minuten. Der Satz beginnt mit einem dramatisch gespielten
Motiv im fortissimo. Dies ist ein Unisono mit
den tiefen Streichern, jedoch setzen Bratsche und zweite
Violine Ende des zweiten Taktes ebenfalls als Unisono
ein. Der anfängliche musikalische Gedanke zeichnet
sich durch eine auffällige Rhythmisierung mit ständig
einschlagenden Sechzehntelnoten aus, wobei die beiden
Stimmen komplementär arbeiten. Dadurch entsteht
ein aggressiver Marscheindruck, der sich jedoch von
Takt 6 bis 10 mit sinkender Dynamik von ff nach pp in
ein Gefühl von Schmerz, Leid und Verzweiflung wandelt.
Dies sind die beiden Themen des in der Sonatenform
konzipierten Satzes. Beide zeigen einen eher lyrischen
Charakter. Überleitend erklingt ein ausgedehntes rezitativisches
Solo des Englischhorns, dann schließen die
Themen in umgekehrter Reihenfolge den Satz.
Der zweite Satz (Allegretto) bildet einen deutlich hörbaren
Kontrast zum tragisch-lyrischen ersten Satz. Im
zweiten Satz benutzt Schostakowitsch eigene Tonarten,
die dem Dur-Moll-System nicht entsprechen. Der Kom-

ponist beschreibt den kurzen zweiten Satz als »einen
Marsch mit Elementen eines Scherzos«. Das Hauptthema
entstammt dem Anfangsmotiv des ersten Satzes.
Vor allem der dritte Satz – ebenfalls ein Scherzo (Allegro
non troppo) – ist von durchgehender maschinenhafter
Motorik und in seiner brutalen Monotonie ein Abbild
des Krieges und dessen Unmenschlichkeit. Schostakowitsch
verwendet hier die barocke Form einer Toccata.
Der Satz beginnt mit einer massiven Reihung von Viertelnoten,
beginnend in E-Moll, später jedoch auch teilweise
chromatisch. Die rhythmische Einfachheit bleibt
für den ganzen Satz erhalten und dient als Basis für
Montageelemente, die über der Reihe gespielt werden.
Kurt Sanderling, der diese Sinfonie als Darstellung von
Leid bei Schostakowitsch sieht, deutet den dritten Satz
als »Niedergetrampeltwerden des Individuums«. Diese
Toccata ist ein Beispiel dafür, wie mit einfachsten Mitteln
eine enorme Wirkung erzielt werden kann.
Der vierte Satz (Largo) schließt attacca an den dritten
an. Er ist der Form nach eine Passacaglia, dessen elfmal
erscheinendes Bassthema wiederum aus dem Anfangsmotiv
abgeleitet ist. Darüber setzt Schostakowitsch
immer neue Ideen. Das Passacaglia-Thema taucht hier
in einer Ernsthaftigkeit auf, die in den anderen Sätzen
nicht zu finden sind.
Der vierte Satz leitet wiederum direkt in den fünften Satz
(Allegretto) über, der mit einem lyrischen Fagottsolo auf
einem Harmoniesockel beginnt. Das Finale in C-Dur entwickelt
sich zunächst nahezu kammermusikalisch, steigert
sich dann langsam und wiederholt den »Aufschrei«
des ersten Satzes. Danach kehrt der Satz jedoch zu seinem
ruhigen Anfang zurück und endet in einem C-Dur-
Dreiklang, der den Hintergrund für das nun zum letzten
Mal erscheinende Anfangsmotiv bildet. Auffallend ist in
dieser Symphonie, dass sie pianissimo endet.