5. philharmonisches konzert - Philharmonisches Orchester Heidelberg

6. Mut zur Freiheit
„Ob ich modern bin oder nicht, ist mir gleichgültig.
Wichtig ist mir die innere Wahrheit meiner Musik.“
Sofia Gubaidulina

5. PhilharMOnisches
KOnzert

5. PhilharMOnisches
KOnzert
*16.2.11
staDthalle
ca. 1 ¾ Std., eine Pause
Sikorski Musikverlage, Hamburg
Schirmer, New York
Ton- & Bildaufnahmen während des Konzerts sind nicht gestattet.
Gidon Kremer
Violine
simon Gaudenz
Dirigent
Für die Unterstützung der PHilHarMoNiScHeN KoNzerTe in der Spielzeit 10/11 danken wir
Philharmonisches Orchester
der stadt heidelberg

Programm
Sofia Gubaidulina
(*1931)
in teMPus Praesens
Konzert für Violine & orchester
Pause
Sergei rachmaninoff
(1873–1943)
sYMPhOnie nr. 3 a-Moll op. 44
i. lento – allegro moderato – allegro
ii. adagio ma non troppo – allegro vivace
iii. allegro

auF Der suche nach Weisheit
zu sOFia GubaiDulinas „in teMPus Praesens“
So vielfältig und vielschichtig der kulturelle Hintergrund von Sofia Gubaidulina,
so vielfältig und facettenreich ist ihre Musik. Schon mit ihren aussagekräftigen
Werktiteln, wie beispielsweise NacHT iN MeMPHiS, rUBaJaT
oder oFFerToriUM, verweist die Komponistin auf unterschiedliche, häufig
religiöse assoziationsräume, die die inspirative Grundlage ihrer Musik
darstellen. ihre Vokalkompositionen basieren auf Texten altägyptischer oder
persischer lyriker, aber auch die moderne Dichtkunst, beispielsweise die
Gedichte von rainer Maria rilke oder Marina zwetajewa haben sie mehrfach
inspiriert. Seit ihrer Hinwendung zum christentum 1970, mit der sie sich
ihrerzeit vom vorherrschenden sowjetischen atheismus abhob, tragen
6

Sofia Gubaidulina
Sofia Gubaidulina

ihre Werke verstärkt religiöse züge und sind durchsetzt von christlich-
liturgischer Symbolik; auch hier geben die Werktitel, wie z. B. iN croce,
De ProFUNDiS, iNTroiTUS, erste assoziative anhaltspunkte.
Schon während ihrer Studien an den Konservatorien in Kazan und Moskau
wurde die 1931 im tartarischen Tschistopol geborene Komponistin und Trägerin
des HeiDelBerGer KÜNSTleriNNeNPreiSeS 1991 von ihren jüdischen
und deutschstämmigen lehrern multikulturell geprägt und setzte sich mit den
Stilen und Kompositionstechniken verschiedener zeiten und Kulturen – sowohl
mit der westlichen avantgarde als auch mit (fern)östlicher Folklore – intensiv
auseinander. 1975, also einige Jahre nach ihrem Studium, gründete sie mit
den beiden Komponisten Wjatscheslaw artjomov und Viktor Suslin die Gruppe
aSTreJa, die sich das experimentieren und improvisieren auf instrumenten
der russischen, kaukasischen oder auch asiatischen Folklore zur aufgabe
gemacht hatte. Neben dieser improvisatorisch-freien auseinandersetzung
verwendete Sofia Gubaidulina auch in ihren niedergeschriebenen
8

„haben sie keine angst, seien sie sie selbst. ich wünsche
ihnen, dass sie auf ihrem eigenen ‚falschen‘
Weg weitergehen.“
Dmitri Schostakowitsch zu Sofia Gubaidulina

Kompositionen so volkstümliche wie exotische instrumente, wie die chinesische
bzw. japanische zithern Guzheng und Koto (iM ScHaTTeN DeS BaU-
MeS) oder die dreisaitige russische laute Domra (NacH MoTiVeN Der Tar-
TariScHeN FolKlore), und fand hierin neue, bisher ungekannte Klänge.
Sofia Gubaidulinas Weg zu öffentlicher anerkennung und erfolg war kein
einfacher: Nachdem sie im Jahr 1965 einer aufforderung der sowjetischen
Kulturfunktionäre zur zusammenarbeit nicht nachkam und eben kein ‚Bekenntniswerk‘
komponierte, bekam sie, wie viele sowjetische Komponisten,
die unterdrückende Macht des regimes zu spüren. Neben Schikanen durch
den sowjetischen Komponistenverband, wie reiseverboten zu aufführungen
ihrer Werke in Westeuropa, geschah dies vor allem durch soziale ausgrenzung
und aufführungsverbote, mit denen ihre Werke in den 70er Jahren
belegt wurden. Wie ihrem Kollegen alfred Schnittke blieb ihr als lebensgrundlage
nur die Komposition von Filmmusik, das repräsentative Konzertpodium
wurde ihrer Musik verwehrt.
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Um so größer scheint vor diesem Hintergrund ihr späterer, internationaler
erfolg, der um 1980 einsetzte und der im rahmen der Berliner Festwochen
1986, bei denen STiMMeN ... VerSTUMMeN ..., eine Sinfonie in 12 Sätzen,
zur aufführung kam, einen ersten Höhepunkt erreichte. Hierzu trug auch
das nachhaltige engagement international gastierender Künstler, wie z. B.
Mstislav rostropowitsch, David Geringas und Gidon Kremer bei. insbesondere
Kremer, für den sie ihr erstes Violinkonzert oFFerToriUM komponierte,
machte sie im Westen bekannt. Spätestens seit ihrer Übersiedlung in die
Bundesrepublik 1992 gehört sie zu den weltweit am häufigsten aufgeführten
zeitgenössischen Komponisten.
Neben frühen seriellen Werken, in denen Gubaidulina zwölftonreihen mit
konventionellen Dreiklängen verknüpft, die somit immer auch tonale züge
tragen, ist ihre Musik von einem „Denken in Symbolen“ (Dorothea redepenning)
gekennzeichnet. Die für Gubaidulina diesbezüglich relevanten musikalischen
Parameter sind vor allem Tonhöhe, intervallstruktur, artikulation und
11

„eine Komposition sollte also unbedingt ihre logische
struktur, ihren dramaturgisch gezielten aufbau
haben und zugleich erschüttern, die Gefühle des
hörers schonungslos aufwühlen.“
Sofia Gubaidulina

Klangfarbe. Serialität beispielsweise in den Tonfolgen ist dabei von untergeordneter
Bedeutung. Vielmehr organisiert sie das Tonmaterial, rhythmisiert
sie die gesamte musikalische Textur nach zahlenproportionen, wie dem
Goldenen Schnitt oder der Fibonacci-reihe. Diese mathematisch-abstrakten
Prinzipien finden sich sowohl in der Gestaltung einzelner Themen und Motive
als auch in der Gesamtarchitektur ihrer Werke. in ihnen sind die formale
Konzeption und anordnung der einzelnen abschnitte nach diesen Prinzipien
ausgerichtet.
in ihrem zweiten Violinkonzert iN TeMPUS PraeSeNS, das 2007 von der
Widmungsträgerin anne-Sophie Mutter und den Berliner Philharmonikern
unter der leitung von Sir Simon rattle uraufgeführt wurde, ließ sie sich u. a.
von der allegorischen Figur der heiligen Sofia, der personifizierten Weisheit,
leiten. „Die ganze zeit begleitet mich Sofias Gestalt – Gottes Weisheit.
Ganz spontan sah ich es. Unsere Namen sind gleich – das gab den Grund für
diese assoziation.“
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entgegen der klassisch-romantischen Tradition des Solokonzerts, in
dem das Soloinstrument die rolle eines heldenhaften einzelnen gegenüber
dem orchesterapparat einnimmt, ist Gubaidulina auf der Suche
nach einem neuen Typus von Solopart. „Vor allem die Vorstellung, dass
der Solist einen Helden verkörpere, ist heute nicht mehr aktuell. Denn
dieser Held musste doch ein Sieger sein, ein außerordentliches individuum,
das den ungleichen Wettbewerb gewinnt. [...] im 20. Jahrhundert
sind diese ideen unwichtig und anachronistisch geworden, der Sieger
hat ausgedient, der Held hat in jeder Hinsicht enttäuscht, und niemand
weiß mehr, was die Wahrheit ist. zeitgenössische Komponisten müssen
deshalb nach neuen Wegen suchen, um das Verhältnis zwischen dem
Solisten und dem orchester zu ordnen. auch ich bin auf der Suche.“
Dieser ansatz zeigt sich schon in den ersten Takten von iN TeMPUS
PraeSeNS: zu Beginn wird die Solo-Violine als ein vorsichtig suchendes
individuum inszeniert, das sich mäandernd, in einem fragenden Gestus
durch den Klangraum tastet. in diesem dramaturgischen ansatz ist auch
15

die außergewöhnliche Besetzung des orchesters begründet: Klanglich ist
das Soloinstrument stark vom Tutti-apparat abgesetzt, der ohne Violinen
nur mit tiefen Streichern, vierfachem Holz und Blech sowie großem Schlagwerk,
Klavier und einem anachronistisch, fast exotisch wirkenden cembalo
besetzt ist. Dem entsprechend sind das tiefe Klangspektrum, Klangbild für
die abgründe der Hölle, dem orchester und die himmlischen Höhen der
Solovioline zugewiesen.
Mit dieser besonderen Disposition des orchesters findet Gubaidulina in
ihrem fünfgliedrigen zWeiTeN VioliNKoNzerT tiefe, dramatische und
aufwühlende Klänge, die von filigranen, reizvoll flirrenden, manchmal futuristisch
anmutenden abschnitten unterbrochen werden. Hier erweist sich
die Gültigkeit von luigi Nonos Beschreibung der Musik Gubaidulinas: „Mit zu
bewundernder innerlicher Kraft blüht, explodiert und trifft diese Musik, wie
prismatische, tragische leben-liebe-erregungen, auf uns erstrahlend.“
16

nOstalGie unD MODernisMus
serGei rachManinOFFs sYMPhOnie nr. 3 a-MOll OP. 44
anders als Sergei rachmaninoffs adelige Herkunft und sein späterer künstlerisch
und ökonomisch beachtlicher erfolg es vermuten lassen, ist das
leben des international gefeierten Pianisten, Dirigenten und Komponisten
von herben einschnitten und Krisen geprägt. allein der Misserfolg seiner
erSTeN SYMPHoNie d-Moll op. 13 im Jahr 1897 in Petersburg stürzte ihn
in eine tiefe Depression, sodass ihm schöpferisches arbeiten für mehrere
Jahre unmöglich war. erst nach psychiatrischer Behandlung konnte er seine
Krise überwinden. Doch nicht nur die Untiefen seines lebensweges hielten
ihn wiederholt vom Komponieren fern, auch seine ausgedehnte internationale
Konzerttätigkeit und zahlreiche Plattenaufnahmen hatten ihren Preis.
17

Nur so lassen sich die vielen Phasen seines lebens, in denen rachmaninoff
wenig bis gar nichts komponierte, begründen.
Die entstehungsgeschichte seiner dritten und letzten SYMPHoNie a-Moll
op. 44, gibt beredt auskunft über die angedeutete Gratwanderung rachmaninoffs
zwischen seiner Tätigkeit als Pianist und Dirigent und seinem Drang,
sich als Komponist künstlerisch auszudrücken. Fast drei Jahrzehnte (!)
nach Fertigstellung seiner zWeiTeN SYMPHoNie e-Moll op. 27, machte
rachmaninoff sich im Juni 1936 in der Villa Senar, seinem refugium am
Vierwaldstätter See, an die arbeit. Jedoch musste er die Komposition wegen
seines angeschlagenen Gesundheitszustandes und anschließender Behandlungen
mehrfach unterbrechen. auch eine kraftraubende Konzerttournee
mit 35 Konzerten in amerika und 24 auftritten in europa zwangen ihn zu
einer mehrmonatigen Kompositionspause. rachmaninoff selbst berichtet
in einem Brief vom 26. September 1936 an seinen Freund Wladimir Wilshau
über den Stand seiner letzten großen Symphonie: „Meine arbeit habe ich
18

19
Sergei rachmaninoff

noch nicht beendet. Nur zwei Drittel sind fast fertig. ich muss sie zur Seite
legen und mich ans Klavier setzen, womit ich mich in letzter zeit nicht sehr
intensiv beschäftigt habe. in vier Tagen reise ich nach Paris, und zwölf Tage
später segle ich nach amerika. am 20. oktober beginnen dort die Konzerte.
Und da die Konzerte bis zum 2. april andauern, kann ich mich an die Fertigstellung
der arbeit nicht früher als im kommenden Sommer setzen. Mein
Gesundheitszustand ist erbärmlich. ich löse mich rapide auf! als ich gesund
war – war ich außergewöhnlich faul. Seit die Gesundheit zu schwinden beginnt,
denke ich nur über arbeit nach.“ Trotz aller beschriebenen Widrigkeiten und
Herausforderungen gelang es ihm tatsächlich im darauf folgenden Sommer,
am 30. Juni 1936, das 40-minütige Werk abzuschließen; am ende der fertigen
Partitur vermerkt er erleichtert: „Beendet. ich danke Gott.“
Bei der Uraufführung der DriTTeN SYMPHoNie am 6. November 1936 mit
dem Philadelphia orchestra unter der leitung von leopold Stokowski fand
das alterswerk gespaltene aufnahme bei Publikum und Presse. Die Beur-
20

teilung reicht von Kritik am anachronismus, an der Melancholie und Sterilität
der Musik bis hin zu überschwänglichem lob der raffinierten instrumentation
und des Klangfarbenreichtums. auch die europäische erstaufführung
unter der leitung von Sir Thomas Beecham in london stieß auf Unverständnis
und Kritik. Dessen ungeachtet war rachmaninoff, der vor allem in den
Vereinigten Staaten mit seinen Kompositionen meist außergewöhnliche
erfolge feiern konnte, von der Qualität seiner Komposition überzeugt.
Wiederum an seinen Freund Wilshau schreibt er am 7. Juni 1937 über eine
Folgeaufführung: „Die aufnahme bei Publikum und Kritik war sauer. ich
prägte mir schmerzlich eine Parole ein: in mir, d. h. in rachmaninoff, wird
es mehr als die 3. Sinfonie nicht geben. Persönlich bin ich fest überzeugt,
dass dieses Stück gut ist. aber ... manchmal irren auch autoren! Wie dem
auch sei, an meiner Meinung halte ich bis jetzt fest.“
auch wenn sich gewisse anachronismen, z. B. in der formalen Gestaltung,
nicht von der Hand weisen lassen, trägt das Werk durchaus modernistische
21

züge. Mit polytonalen akkordschichtungen, beispielsweise von a-Moll und
d-Moll, die in der gesamten Komposition zu finden sind, wird die Musik an die
Grenzen der Tonalität geführt. Die mit dreifachen Holz, großem Blechapparat,
zwei Harfen und umfangreichem Schlagwerk groß besetzte Symphonie ist in
drei Sätze gegliedert. entgegen der klassisch-romantischen Symphonie-
Tradition komponiert rachmaninoff kein separates Scherzo, sondern integriert
in den langsamen Mittelsatz einen grotesken Tanz, alleGro ViVace,
als kontrastierenden einschub, und führt so zwei ursprünglich voneinander
getrennte Satzcharaktere in einem Satz zusammen.
Der erste Satz leNTo – alleGro MoDeraTo eröffnet mit einem folkloristisch
anmutendem Wechseltonmotiv, welches als satzübergreifendes Motto
zu Beginn des zweiten Satzes wieder aufgegriffen wird. Schon hier lässt sich
die außergewöhnliche und viel gerühmte instrumentationskunst rachmaninoffs
erkennen, der das Motiv unisono von einer Klarinette, zwei Hörnern und
einem Violoncello solo vortragen lässt und so einen irisierenden Klangeffekt
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erzielt. Der idyllische Grundton des Satzes, der in Grundzügen an der klassischen
Sonatensatzform ausgerichtet ist, wird kurz darauf und auch im weiteren
Verlauf wiederholt von lauten, modernistischen einwürfen jäh unterbrochen.
Die Musik findet jedoch immer wieder zum wehmütigen und schwärmerischen
Duktus des Beginns zurück: Schwelgerisch-melancholische Kantilenen der
Streicher, beispielsweise der Violoncelli, beschwören eine nostalgische Sehnsucht,
die in ihrer hymnischen Breite stark an Filmmusik erinnern. Das finale
alleGro setzt fort, was mit dem Scherzo-einschub des zweiten Satzes schon
angeklungen war: Hier gibt sich die Musik im ersten abschnitt furios tänzerisch
und pulsiert in synkopischen, unruhigen rhythmen. im anschluss an den zweiten
Teil, eine Fuge, spielt rachmaninoff mit einem apokalyptischen Motiv auf
das „Dies irae“ aus der katholischen Totenliturgie an, eine Motivik, die er zuvor
schon in anderen Werken assoziationsreich aufgegriffen hat. Seine DriTTe SYM-
PHoNie präsentiert sich in ihrer zerrissenheit zwischen nostalgischer Heimatverbundenheit
und Modernismus als das zwiegespaltene, teils melancholisch
getönte Werk eines europäischen Komponisten im exil.
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„Die Musik eines Komponisten sollte sein Geburtsland
ausdrücken, seine liebesaffären, seine religion,
die bücher, welche ihn beeinflusst haben, die bilder,
die er liebt. sie sollte das gesamte Produkt der erfahrungen
des Komponisten sein.“
Sergei rachmaninoff

GiDOn KreMer
ViOline
Seit über 35 Jahren ist der Meisterschüler von David oistrach auf den Bühnen
der Welt zu Hause und zählt zu den weltweit gefragtesten Geigern. Mit seinem
umfangreichen repertoire von klassischen und romantischen Meisterwerken
bis hin zur Musik des 21. Jahrhunderts, insbesondere von alfred Schnittke,
arvo Pärt und Sofia Gubaidulina, hat Gidon Kremer bereits über 100 cDs
eingespielt, darunter Grammy und ecHo prämierte. zu seinen zahlreichen
ehrungen zählt der ernst von Siemens Musikpreis, das Bundesverdienstkreuz
und der Unesco-Preis. 1997 gründete Gidon Kremer die Kremerata Baltica,
ein Kammerorchester aus hochtalentierten, baltischen Musikern.
26

siMOn GauDenz
DiriGent
Simon Gaudenz gewann 2009 mit dem Deutschen Dirigentenpreis die höchst-
dotierte auszeichnung für Dirigenten in europa. als Gastdirigent leitet er so renommierte
Klangkörper wie das Symphonieorchester des Bayerischen rundfunks, das
orchestre National de France, das Tonhalle-orchester zürich, das DSo Berlin,
das Konzerthausorchester Berlin und das Bayerische Staatsorchester. er erhielt
zahlreiche auszeichnungen und Preise: So gewann er 2006 den internationalen Dirigentenwettbewerb
„Gennady rozhdestvensky“, 2005 das Stipendium der „akademie
Musiktheater Heute“ der Deutschen Bank. Simon Gaudenz ist chefdirigent des collegium
Musicum Basel und erster Gastdirigent des odense Symphony orchestra.
27

PhilharMOnisches Orchester
Der staDt heiDelberG
Die Heidelberger Philharmoniker prägen seit 1889 als städtisches orchester mit
zahlreichen opernvorstellungen und Konzerten das Musikleben der Stadt. zweimal
wurden sie mit dem Preis für das „Beste Konzertprogramm“ des Deutschen Musikverleger-Verbands
ausgezeichnet. Konzertreisen führten das orchester in den
letzten Jahren in die Kölner Philharmonie, nach antwerpen und nach ravenna.
regelmäßig werden Konzerte vom Deutschlandfunk und vom SWr mitgeschnitten.
Das Philharmonische orchester zeichnet sich durch seine stilistische Flexibilität
aus. Seit 2006 beschäftigen sich die Philharmoniker mit historischer
aufführungspraxis. eine lange Tradition hat das engagement für Neue Musik:
28

Mehrere Werke sind dem Philharmonischen orchester gewidmet. Seit 2005 arbeitet
das orchester besonders intensiv mit einem jährlich wechselnden KoMPo-
NiSTeN FÜr HeiDelBerG zusammen.
Die Musikvermittlung ist dem orchester ausgesprochen wichtig. Fünf FaMilieN-
KoNzerTe werden ergänzt unter anderem durch ein JUGeNDKoNzerT, ein KoNzerT
FÜr KleiNKiNDer & ScHWaNGere und Besuche in Schulen und Kindergärten.
Das Jugendprojekt raP iT liKe HeiDelBerG wurde 2010 vom Deutschen
Musikrat mit dem 1. Preis ausgezeichnet. zusätzlich präsentieren sich die Mitglieder
des orchesters regelmäßig in wechselnden Formationen in Kammerkonzerten.
Seit 2005 leitet cornelius Meister das Philharmonische orchester. Unmittelbare
Vorgänger waren Volker christ, der initiator der Philharmonic-Wonders-Konzerte,
und Thomas Kalb, der mit dem Brahmsfest 1997 den Vorläufer des Heidelberger
Frühlings ins leben rief. Der ehemalige Generalmusikdirektor Mario Venzago ist
seit 2007 der erste ehrendirigent des orchesters.
29

OrchesterbesetzunG
1. ViOline
Thierry Stöckel
1. Konzertmeister
ernst-Wolfram Winterberg
2. Konzertmeister
isabel Schneider
3. Konzertmeisterin
Mayumi Hasegawa
Joachim Groebke
Mahasti Kamdar
Tetsuya Mogitate
caroline Korn
Gabriele Köller
Sebastian eckoldt
akemi Hasegawa 3
Georg Kleimann 3
luba Selzer-Niederer 3
rahel Wittiber 3
2. ViOline
eleonora Plotkina
Nicole Streichardt
30
lucian Derendorf
ludwig Dieckmann
Janetta Grishchuk
Marion Thomas
elena leshchanova
Nadine-Goussi aguigah
anke Hoffmann
lilija Kissler 3
Natalia Mitscher 3
elfi Schindler 3

ViOla
Marianne Venzago
andreas Bartsch
Horst Düker
christoff Schlesinger
anna elsabe Marquardt
Mareike Niemz
anja Beck 3
Birgit Glas 3
Marian Gorski 3
Bradley Johnson 3
ari Kanemaki 3
Dieter Mock 3
Naomi ogino 3
ortrun riecke-Wieck 3
Yuichi Yazaki 3
ViOlOncellO
Daniel robert Graf 3
Heinrich Schafft
ann-Margriet ziehten
christoph Habicht
Min-Yung lee
zherar Yuzengidzhyan 2
elina Feiertag 3
Katrin Heintze 3
Katja Knaak 3
Mizuki Tanabe 3
Judith Tiemann 3
Katharina Uzal 3
31
KOntrabass
Michael Schneider
Thomas acker
Michael Feiertag
Georgi Berov
Hakeem Holloway 1
Johannes Knirsch 3
Martin lichtmann 3
Flöte
Konrad Metz
Katharina lorenzen
christoph rox 3
Yvonne anselment

ObOe
Matthias Friederich
christine Bender
Sandra Seibold
Klarinette
Sascha Stinner
Matthias Schwantner 3
Detlef Mitscher
Heribert eckert
FaGOtt
Hitomi Wilkening
Sophia Brenneke
Felix Knarozovskiy 2
Gerhard Mährlein
hOrn
Heinrich lohr
Bernd Frelet
Stefan Berrang 3
WaGnertuba/
hOrn
Philip Schmelzle
Joachim Schlaak
Judith Tigyi
trOMPete
Fred Frick
robert Schweizer
Martin Hommel
32
POsaunen
Damian Schneider
Melanie roth
Sándor Szabó 3
Marek Janicki
PauKe
Klaus Wissler
schlaGzeuG
Gregory riffel
arthur adler 3
Helge Daferner 3
Georg Hromadka 3
Peter Knollmann 3
lars lauer 3

harFe
Walli Kossakowski
Frauke roland 3
KlaVier/celesta
Philip Vandré 3
ceMbalO
annemarie Herfurth
1 Praktikant/-in
2 Stipendiat/-in der orchesterakademie rhein-Neckar
3 als Gast Sergei rachmaninoff

Die WerKe in heiDelberG
auFFührunGen Des PhilharMOnischen Orchesters
Sofia Gubaidulinas in teMPus Praesens, Konzert für Violine & orchester
wird erstmals vom Philharmonischen orchester Heidelberg gespielt.
Sergei rachmaninoff
sYMPhOnie nr. 3 a-Moll op. 44
29.1.2003 | Dirigent Gabriel Feltz
34

Nachweise
S. 7 | © The Japan art association. The Sankei
Shimbun
S. 13 | © roche/Bruno caflisch
S. 19, 22, 33 | library of congress
S. 26 | © Kasskara / ecM records
S. 27 | © lucian Hunziker
Die namentlich nicht gekennzeichneten Texte sind
originalbeiträge für dieses Programmheft
von raPHael röSler.
35
impressum
Herausgeber THeaTer & orcHeSTer HeiDelBerG
intendant PeTer SPUHler
Verwaltungsleiterin aNDrea BoPP
redaktion raPHael röSler
Gestaltung DaNica ScHloSSer
Herstellung WDW DrUcK GMBH leiMeN
anzeigen GreilicH / NeUTarD
www.THeaTer.HeiDelBerG.de
www.HeiDelBerGer-PHilHarMoNiKer.de
THeaTer & orcHeSTer HeiDelBerG
2010/11, ProGraMMHeFT Nr. 15

streicher treFFen KlaVier
2. KaMMerKOnzert
ludwig van Beethoven STreicHQUarTeTT c-Dur op. 59 Nr. 3
rebecca clarke SoNaTe FÜr Viola & KlaVier
Gustav Mahler KlaVierQUarTeTT a-Moll
oSSiaN QUarTeTT
Violine lUDWiG DiecKMaNN, JUlia MaNGelSDorF,
Viola eriKa aNScHÜTz, Violoncello cHriSToPH HaBicHT
Viola aNDreaS BarTScH, Klavier SiBYlle HöHNK
27.2.11
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Kammermusik sonntags um fünf
Ludwigshafen, Philharmonie
So 27. Februar 2011, 17.00 Uhr
Der Mann am Klavier
Kai Adomeit Klavier
Werke von Johann Sebastian Bach, Leoˇs Janáček
und Franz Liszt
3. PHILHARMONISCHES:KONZERT
Ludwigshafen, Konzertsaal im Pfalzbau
So 27. März 2011, 19.30 Uhr
Plamena Mangova Klavier
Dima Slobodeniouk Dirigent
Robert Schumann Ouvertüre zu „Manfred“
Franz Liszt Klavierkonzert Nr. 2
Peter I. Tschaikowsky Sinfonie Nr. 6 „Pathetique“
Tickets 0621 504 25 58 I www.staatsphilharmonie.de

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In Heidelberg auf UKW:
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aussieht, weiß eigentlich jeder. Wir hören es
aber immer wieder gerne.
7 bläsersOlisten
6. PhilharMOnisches KOnzert
Werke von
Mozart, Martin & lutosławski
Flöte HeNriK WieSe
oboe raMóN orTeGa QUero
Klarinette cHriSToPHer corBeTT
Fagott eBerHarD MarScHall
Trompete HaNNeS läUBiN
Horn eric TerWilliGer
Posaune THoMaS HorcH
Dirigent aNDré De riDDer
2.3.11
20.00 | staDthalle

Wir haben Zeit für Sie,
wenn Sie Zeit für uns haben.
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Come un respiro • Le Sacre du Printemps • Carnet de Notes
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Foto: AterbAlleto