A
In copertina - artantis.it
In copertina - artantis.it
- No tags were found...
Create successful ePaper yourself
Turn your PDF publications into a flip-book with our unique Google optimized e-Paper software.
Luoghi<br />
Liguria<br />
La Marrana Arteambientale Montemarcello Ameglia<br />
CAMeC La Spezia<br />
A<br />
BIMESTRALE D’ARTE 3<br />
maggio giugno duemilaundici<br />
RT<br />
A<br />
www.artantis.info<br />
ntis<br />
i n f o<br />
distribuzione gratuita<br />
In copertina<br />
Ciro Palumbo<br />
Photo<br />
Giuliana Laportella<br />
Da vedere<br />
le mostre in Italia<br />
Il Cerchio e il Circo<br />
Claudia Giraudo<br />
Ciro Palumbo<br />
Scultura<br />
Lucio Scortegagna<br />
Profili<br />
Alfonso e Nicola Vaccari
RENATO LIPARI<br />
14-21 giugno 2011<br />
catalogo in galleria<br />
testi di Francesco Gallo e Giovanna Grossato<br />
Movimento<br />
euro triturati su tela<br />
cm 50x50<br />
Giardino A. Calderini, 3 - Milano<br />
Tel 02.860290 E-mail info@fondazionedars.it<br />
www.fondazionedars.it
A<br />
BIMESTRALE D’ARTE 3<br />
maggio giugno duemilaundici<br />
RT<br />
A<br />
www.artantis.info<br />
ntis<br />
i n f o<br />
EDITORIALE<br />
Mostre<br />
a cura di Pierpaolo Russo<br />
4<br />
SOMMARIO<br />
Artantis.info<br />
Bimestrale d’arte<br />
www.artantis.info<br />
info@artantis.info<br />
Direttore responsabile<br />
Beniamino Daniele<br />
Direttore artistico<br />
Vincenzo Silvano<br />
vincenzo@artantis.info<br />
Hanno collaborato a questo numero<br />
Eleonora Acerbi<br />
Gianni Bolongaro<br />
Nathalie Celen<br />
Alberto D’Atanasio<br />
Martha Mary Friel<br />
Graziella Melania Geraci<br />
Giovanna Grossato<br />
Gianfranco Labrosciano<br />
Enrico Pietrangeli<br />
Pierpaolo Russo<br />
Vinny Scorsone<br />
Vincenzo Silvano<br />
Paolo Tricase<br />
Francesco Verolino<br />
Progetto grafico<br />
Un nuovo numero, una nuova avventura. Per avere conferme<br />
e per scoprire nuove realtà. La forza di Artantis.<br />
info sta nel proporre, accanto ai grandi eventi ed ai<br />
nomi storicizzati, artisti meno noti al grande pubblico ma<br />
non per questo meno interessanti. In questo numero diamo<br />
inoltre spazio al design e alla fotografia, elementi di<br />
primo piano nel panorama dell’arte di oggi. Come sempre<br />
uno sguardo particolare è dato ai luoghi dell’arte.<br />
La regione “visitata” è questa volta la Liguria, con due<br />
interessantissime realtà: una pubblica e una privata. La<br />
prima, il CAMeC, è un museo d’arte moderna e contemporanea<br />
fra i più attivi nel territorio, che si segnala<br />
per una collezione di straordinaria importanza. La Marrana<br />
Arteambientale è invece una curiosissima realtà<br />
nata nel parco naturale di Montemarcello-Magra, dove<br />
una coppia di collezionisti ha fatto realizzare, all’interno<br />
dell’ampio giardino della propria abitazione, decine di<br />
sculture ed “opere ambientali” ad artisti del calibro di<br />
Jannis Kounellis, Luigi Mainolfi, Ettore Spalletti, Jan Fabre,<br />
etc., per poi aprire questo spazio al pubblico, condividendo<br />
così sogni ed emozioni. Infine, come sempre, diamo<br />
spazio all’editoria d’arte e, nella consueta rubrica<br />
“artisti in vetrina”, è possibile conoscere il lavoro di decine<br />
di artisti ai quali va il nostro ringraziamento per il loro<br />
prezioso contributo.<br />
Artantis.Associazione Culturale<br />
Vincenzo Silvano<br />
C. Giraudo, C. Palumbo<br />
Il Cerchio e il Circo<br />
di Alberto D’Atanasio<br />
6<br />
Gianni Bolongaro<br />
e il progetto La Marrana Arte Ambientale<br />
di Gianni Bolongaro<br />
17<br />
User experience designer<br />
L’ultimo criterio-design<br />
di Nathalie Celen<br />
8<br />
Annotazioni sulla fotografia<br />
di Giuliana La Portella<br />
di Enrico Pietrangeli<br />
20<br />
Angelo Pitrone<br />
Lo sguardo obliquo<br />
a cura della Redazione<br />
11<br />
Lucio Scortegagna<br />
Corpi a disposizione della forma<br />
di Giovanna Grossato<br />
22<br />
CAMeC La Spezia<br />
Centro Arte Moderna e Contemporanea<br />
di Eleonora Acerbi<br />
12<br />
Profili<br />
Alfonso e Nicola Vaccari<br />
di Gianfranco Labrosciano<br />
24<br />
ARTA ntis.info<br />
3<br />
Studio eMmePi<br />
studioemmepi@artantis.info<br />
Editore<br />
Artantis.Associazione Culturale, Napoli<br />
www.associazioneartantis.org<br />
La biblioteca del mercato<br />
Italia reloaded<br />
di Martha Mary Friel<br />
Libri e Cataloghi<br />
Onyx<br />
a cura della Redazione<br />
Bacheca<br />
Gli amici di Artantis.info<br />
di AA.VV.<br />
Artisti<br />
in vetrina<br />
Artantis.Associazione Culturale<br />
Stampa<br />
Officine Grafiche<br />
Francesco Giannini & Figli S.p.a, Napoli<br />
La collaborazione ad Artantis.info è da considerasi del tutto gratuita<br />
e non retribuita. In nessun caso si garantiscono la restituzione dei<br />
materiali giunti in redazione. Gli scritti pubblicati impegnano solo la<br />
responsabilità dell’autore. Senza preventiva autorizzazione è vietata<br />
ogni riproduzione integrale e parziale di testi ed immagini.<br />
In copertina<br />
28<br />
29<br />
30<br />
30<br />
Primo Piano<br />
Rosario Vullo<br />
di Vinny Scorsone<br />
Angela Tindara La Rocca<br />
di Paolo Tricase<br />
Dayse Rodrigues<br />
di Graziella Melania Geraci<br />
Anno 2, Numero 3. Registrazione: Tribunale di Napoli<br />
© 2011 Artantis.Associazione Culturale, Napoli<br />
Ciro Palumbo<br />
Al risvegliarsi del mondo, 2010<br />
olio su tela, cm 80x70<br />
31
a cura di Pierpaolo Russo<br />
MILANO<br />
Perino&Vele<br />
Luoghi comuni<br />
Fondazione Arnaldo Pomodoro<br />
Via Andrea Solari, 35<br />
PORDENONE<br />
Percorsi tra le Biennali 1948-1968<br />
Pittura in Friuli e a Venezia<br />
PARCO-Galleria d’Arte Moderna<br />
Via Dante Alighieri, 33<br />
6 aprile - 17 luglio 2011<br />
Fino al 12 giugno 2011<br />
4MOSTRE<br />
ARTA ntis.info<br />
AGRIGENTO<br />
Sulla parola<br />
Isgrò, Salvo, Germanà e gli altri<br />
Fabbriche Chiaramontane<br />
Via San Francesco d’Assisi, 1<br />
Fino al 26 giugno 2011<br />
ANCONA<br />
Walter Valentini<br />
Omaggio<br />
Museo Tattile Statale Omero<br />
Via Tiziano, 50<br />
fino al 14 giugno 2011<br />
BERGAMO<br />
Gianfranco Ferroni<br />
Le immagini del silenzio<br />
GAMEC Galleria d’Arte Moderna e Contemporanea<br />
Via San Tomaso, 52<br />
Fino al 3 luglio 2011<br />
CATANIA<br />
Paolo Parisi<br />
Commonplace (Unite d’habitation)<br />
Fondazione Brodbeck<br />
Via Gramignani, 93<br />
Fino al 23 luglio 2011<br />
COMO<br />
Boldini<br />
e la Belle Époque<br />
Villa Olmo<br />
Via Simone Cantoni, 1<br />
Fino al 24 luglio 2011<br />
FELTRE (BL)<br />
Tancredi Parmeggiani<br />
Tancredifeltre<br />
Galleria d’Arte Moderna Carlo Rizzarda<br />
Via Paradiso, 8<br />
Fino al 28 agosto 2011<br />
MILANO<br />
Alberto Savinio<br />
La commedia dell’arte<br />
Palazzo Reale<br />
Piazza del Duomo, 12<br />
Fino al 12 giugno 2011<br />
| Alberto Savinio<br />
MODENA<br />
Quattro<br />
Barbieri, Fossati, Guidi, Niedermayr<br />
Ex Ospedale di Sant’Agostino<br />
Via Emilio Centro, 228<br />
Fino al 5 giugno 2011<br />
NAPOLI<br />
Sergio Cavallerin<br />
Fumetti Poppanti. Dal fumetto alla Pop Art<br />
Museo Civico in Castel Nuovo<br />
Piazza Municipio<br />
Fino al 14 giugno 2011<br />
PADOVA<br />
Omar Galliani<br />
Il codice degli angeli<br />
Palazzo Vescovile - Museo Diocesano<br />
Piazza del Duomo, 12<br />
Fino al 31 luglio 2011<br />
PALERMO<br />
Loredana Longo<br />
Neither here nor there<br />
Ex Noviziato dei Crociferi<br />
Via Torremuzza, 20<br />
Fino al 3 luglio 2011<br />
RIVOLI (TO)<br />
John McCracken<br />
Retrospettiva<br />
Castello di Rivoli<br />
Piazza Mafalda di Savoia<br />
Fino al 19 giugno 2011<br />
ROMA<br />
Tamara de Lempicka<br />
La regina del moderno<br />
Complesso del Vittoriano<br />
Via Di San Pietro In Carcere<br />
Fino al 10 luglio 2011<br />
| Tamara de Lempicka<br />
ROMA<br />
Antony Gormley<br />
Drawing Space<br />
MACRO-Museo d’Arte Contemporanea<br />
Via Nizza, Angolo Via Cagliari<br />
Fino al 12 giugno 2011<br />
TORINO<br />
Eduardo Kac<br />
Living works<br />
PAV Parco d’Arte Vivente<br />
Via Giordano Bruno, 31<br />
Fino al 25 settembre 2011<br />
TRIESTE<br />
Centocinquant’anni d’arte<br />
Da Fattori a Morandi a Fontana<br />
Castello di Miramare<br />
Viale Miramare<br />
Fino al 31 agosto 2011<br />
VENEZIA<br />
Bizhan Bassiri<br />
La caduta delle meteoriti<br />
Museo Archeologico Nazionale di Venezia<br />
Piazzetta San Marco, 17<br />
| Tancredi Parmeggiani<br />
| Loredana Longo<br />
Fino al 27 novembre 2011<br />
GENOVA<br />
Insolite parentele<br />
Unusual Affinities<br />
Palazzo Ducale<br />
Piazza Giacomo Matteotti, 9<br />
REGGIO EMILIA<br />
Stanley Kubrick<br />
1945-50. Cinque anni da grande fotografo<br />
Palazzo Magnani<br />
Corso Giuseppe Garibaldi, 29<br />
VITTORIO VENETO (TV)<br />
Gino Fossali<br />
1940-2002<br />
Galleria Civica - Villa Croze<br />
Viale della Vittoria, 321<br />
Fino al 5 giugno 2011<br />
Fino al 24 luglio 2011<br />
Fino al 19 giugno 2011
DA VEDERE<br />
ClaudiaGiraudo<br />
CiroPalumbo<br />
Il Cerchio e il Circo<br />
“dell’Amore, dell’Armonia, del Femminile, dell’Universo”<br />
di Alberto D’Atanasio<br />
ARTA ntis.info<br />
6<br />
“Il Circo”, disse un vecchio che ci aveva vissuto da quanto<br />
era nato, “non è mai soltanto esibizione”, alzava gli occhi<br />
come a guardare qualcosa oltre il tendone e io lo guardavo,<br />
poi riprendeva: “il Circo è magia. Rappresentazione<br />
e raffigurazione è una guerra contro il male perché poi a<br />
vincere siano gli spettatori di ogni età sia bimbi che vecchi<br />
perché quando si entra da quella porta il tempo si fermi”.<br />
È da questo prologo di racconto che inizia la mostra<br />
in cui Claudia Giraudo e Ciro Palumbo espongono le loro<br />
opere. Non si darà figura soltanto ai personaggi tipici della<br />
vita e l’arte circense, attraverso loro si entrerà nel mistero<br />
di questa realtà antica e magnifica, dove tornano ad avere<br />
ragione di esistere termini come il fulgore, il fantastico,<br />
lo spettacolare, e le emozioni, le sensazioni e i sentimenti si<br />
rinnovano, il tempo davvero si ferma e il bimbo trova il coraggio<br />
dell’adulto e la sapienza del vecchio, e questi torna<br />
a commuoversi come un bimbo e l’adulto s’innamora e entrambi<br />
tornano a far sospirare il cuore. Le opere di Claudia<br />
Giraudo e quelle di Ciro Palumbo sono sintesi di cose viste<br />
nell’immaginario, di realtà scrutate nei ricordi e nei sogni,<br />
sono soprattutto scintilla che muove quell’universo di sentimenti,<br />
sensazioni ed emozioni che il circo suscita. Questi<br />
due artisti non descrivono gli eroi dell’arena, né l’uomo che<br />
vola sul trapezio e neppure il domatore, ciò che loro realizzano<br />
è il dar corpo e immagine alla sensazione, al sentimento<br />
che il circo rimanda prima ancora che lo spettacolo<br />
abbia inizio e poi dopo che lo spettacolo è terminato. La<br />
filosofia che mosse il surrealismo cui è evidente si ispiri, anche<br />
se in parte, la Giraudo e la filosofia che invece è alla<br />
base della metafisica, soprattutto “saviniana”, a cui è invece<br />
più ispirato Palumbo in questa esposizione sono fuse e<br />
superate. Claudia esclude ogni controllo esercitato dalla<br />
ragione ed è indubbio che ciò che dipinge è l’essenza vera<br />
del funzionamento reale del pensiero, ma i suoi rimandi a<br />
iconografie rinascimentali hanno un’armonia precisa come<br />
pure i simboli che le sue figure recano con l’aura dell’icona<br />
che deve lasciare un monito a chi guarda. Se i surrealisti<br />
ispirati da Breton escludevano “ogni preoccupazione estetica<br />
o morale” in Claudia Giraudo questa preoccupazione<br />
si risolve in figure che hanno il fascino delle illustrazioni delle<br />
favole che prima dell’avvento, su larga scala, dei mezzi di<br />
comunicazione di massa hanno permesso che si formasse<br />
la coscienza emotiva dell’uomo del XX secolo. Le sue giovani<br />
fanciulle hanno lo sguardo di chi sta ricordando fatti e<br />
sogni che hanno lasciato l’incanto nella realtà e ora il reale<br />
non può tornare quello che era prima. Claudia Giraudo<br />
vive l’entusiasmo dell’adolescente perpetuo, e il circo con<br />
i suoi spettacoli è lo spazio che permette di esorcizzare il<br />
Ciro Palumbo<br />
Enigmi, 2011<br />
olio su tela, cm 100x100<br />
Claudia Giraudo<br />
Piccola circense notturna, 2011<br />
olio su tela, cm 60x50<br />
Claudia Giraudo<br />
L’impossibile diventa possibile, 2011<br />
olio su tela, cm 120x100<br />
mostro antico che si traveste da Crono e fagocita sogni e<br />
speranze e ci regala in cambio la malinconica tunica dei<br />
disillusi. Così i suoi giovani diventano personaggi che hanno<br />
visto il circo e hanno l’aura di chi è stato emozionato. E non<br />
è un’emozione passeggera quella che Giraudo dipinge<br />
con un talento assoluto, gli occhi dimostrano che è rimasto<br />
un sentimento che ha coinvolto nel profondo tant’è che<br />
le figure giocano con ninnoli e animali esotici. E non serve<br />
sapere se il fenicottero è lì davvero o è invece produzione<br />
del sogno della ragazza che lo tiene, ciò che serve è che<br />
la realtà sia capovolta e che un mondo nuovo sia dal circo<br />
uscito fuori per rendere nuovo questo che viviamo nel reale.<br />
Le ragazze di Claudia Giraudo giocano ancora come se<br />
nel pensiero tutto possa ricorrere e ritornare, without space<br />
neither time. È lo stesso stupore dell’epifania dei Re Maghi<br />
e di chi credeva che a Natale tutto potesse cambiare in<br />
meglio, come quando la neve se ne andava e si pensava<br />
che potesse lasciare il mondo diverso. Claudia ci viene a<br />
raccontare che non è vero che i miracoli non accadono<br />
più, è piuttosto l’uomo che smettendo di crederci ha escluso<br />
che certe energie possano intervenire nella realtà empirica.<br />
Se il surrealismo necessitava di un pensiero puro scevro<br />
da qualsiasi condizionamento derivante dalla ragione,<br />
Claudia riscopre la ragione dei sentimenti e la sua pittura si<br />
riveste di sogno che nel circo e nella pittura diviene realtà.<br />
Per Ciro Palumbo l’esperienza del circo passa attraverso<br />
un’estetica mediata dalla metafisica e quindi da un palcoscenico<br />
misurato che per De Chirico e Savinio era piazza<br />
e radura dove l’immaginario diveniva mistero e si manifestava<br />
agli spettatori che rimanevano attoniti e stupiti, ma<br />
al di qua del palco in una ipotetica platea. Quasi che il<br />
quadro diventi una sorta di boccascena dove prima o poi<br />
il sipario calerà senza alcun preavviso chiudendo la visuale<br />
su una dimensione paradossale. Così il tendone del circo<br />
nelle opere di Palumbo diviene isola e scenario allo stesso<br />
tempo e dentro c’è un Parnaso dove Apollo e le Muse sono<br />
ormai via lasciando un paesaggio che ha lo stesso incanto<br />
delle ragazze di Claudia Giraudo. E le rappresentazioni<br />
ambigue e paradossali che quest’artista descrive sono più<br />
Ciro Palumbo<br />
Difficili viaggi, 2011<br />
olio su tela, cm 70x80<br />
elementi della metafisica, non usa la realtà per porsi al di<br />
fuori di essa, quest’artista usa gli oggetti della memoria perché<br />
l’osservatore abbia a ricordare; e nell’esercizio magico<br />
del tempo che ritorna il circo, nelle opere di Palumbo,<br />
ricompone il mosaico delle età e ci riscopriamo bambini e<br />
poi adulti e ancora vecchi, quasi che nel tendone tutto sia<br />
possibile e ancora il cielo viene a sposarsi con la terrà e le<br />
stelle fluttuano in uno spazio che non è fisico ma diviene<br />
essenza del cosmo. Così il circo diviene il luogo dove si materializza<br />
il desiderio divenendo realtà e la paura si supera<br />
con il desiderio che diviene speranza. Se in Savinio i quadri<br />
raffigurano oggetti e forme riconoscibili, collocati in spazi<br />
ben definiti dal punto di vista architettonico, in Palumbo gli<br />
oggetti sono tramite tra spazio e tempo così che l’osservatore<br />
possa percepire il continuum dell’opera e il riecheggiare<br />
poetico dei ricordi. Ma se i vari elementi nelle opere<br />
della metafisica apparivano combinati in maniera assurda,<br />
apparentemente senza nessi tra loro. Nelle opere di Ciro<br />
Palumbo gli oggetti hanno la stessa dignità e l’essenza stessa<br />
dei sogni. Così ci appaiono le sue opere, come eterni<br />
palcoscenici che aspettano noi che guardiamo perché<br />
possiamo ancora provare lo stupore così da commuoverci<br />
e guarire un cuore piagato dal pragmatismo commerciale,<br />
mercantile moderno. Nelle opere di Palumbo la persona<br />
esiste in quanto capace di sognare, sperare oltre che pensare.<br />
Non è solo una mostra quella di Palumbo e Giraudo, è<br />
piuttosto un percorso a ritroso come si prendesse la rincorsa<br />
per poi venire sparati nel futuro con la gioia di chi si scopre<br />
capace di godere di una cosa nuova e bellissima. Con lo<br />
sguardo sognante e il cuore impavido così come farebbe<br />
un eroe o un bambino, sparati fuori dal tendone del circo<br />
come la donna cannone. Venghino signori, venghino lo<br />
spettacolo sta per iniziare.<br />
dal 25 giugno al 15 luglio 2011<br />
Chiostro di Santa Caterina<br />
Finalborgo - 17024 Finale Ligure (SV)<br />
www.palumbociro.it<br />
ARTA ntis.info<br />
7
User experience designer<br />
L’ultimo criterio-design<br />
VISTE<br />
di Nathalie Celen<br />
Massimo Cartaginese<br />
Fausto Bertasa<br />
a destra, dall’alto<br />
Progetto Caldia Cube<br />
progetti di:<br />
Kurt Hofstetter<br />
Davide Macullo<br />
Karim Rashid<br />
ARTA ntis.info<br />
8<br />
In UXD il curatore intende “accostare i temi più significativi<br />
del design dell’esperienza ai principi e alle concezioni basilari<br />
del pensiero della complessità. Contro l’estetica del design,<br />
ciò viene realizzato mediante una lettura Ethica, che<br />
intende rendere le riflessioni, esperienziali e sperimentali,<br />
ricche di applicazioni pratiche. Il risultato può essere interessante<br />
sia per quegli estimatori delle nuove strategie dell’xd<br />
che sono sensibili agli stili attuali, sia per gli appassionati<br />
del tema della complessità, con il gusto di conoscere chi<br />
sembra anticipare le loro intuizioni fondamentali. La prima<br />
parte della mostra presenta l’impostazione metodologica<br />
dell’esposizione, che “consiste nell’articolare la riflessione sul<br />
pensiero del to design usufruendo della ricchezza di quel sapere<br />
interdisciplinare definito - da Perretta stesso - media/<br />
design, e utilizzando, inoltre, quella copiosa meditazione<br />
sul criterio d’indagine che il curatore chiama ri-combined<br />
culture. All’indagine delle somiglianze intrinseche tra le nozioni<br />
tipiche del “pensiero sistemico” e le dottrine espresse<br />
dal nano-tech-design, il curatore antepone una riflessione<br />
che ne mostra le somiglianze estrinseche. Egli nota come<br />
entrambi gli stili di pensiero costituiscano dei radicali cambiamenti<br />
rispetto alla visione del mondo diffusa nell’epoca<br />
nella quale nascono nuove attitudini. L’user experience designer<br />
è in una qualche misura responsabile del futuro della<br />
nostra specie. È vero che la tecnologia fa solo quello che<br />
vuole l’essere umano, ma è anche vero che l’essere umano<br />
può volere solo ciò che la tecnologia può fare. Ci sono cose<br />
che cambiano il mondo in maniera irreversibile! Più recentemente,<br />
la tecnologia ha cambiato il mondo: Internet non<br />
è che l’ultima frontiera. Il mondo è cambiato,lo dicono tutti.<br />
È cambiato anche il design? È forse necessario ri-pensare<br />
questo insieme di pratiche? Chiunque sia convinto che il<br />
design abbia bisogno di una pausa di riflessione apprezzerà<br />
questa raccolta di action design curata da Perretta, prodotta<br />
da SudLab e recentemente esposta negli spazi del<br />
Concept di Milano in Via Forcella, zona Porta Genova. La<br />
ricerca di Perretta è prevalentemente linguistica. Il filosofo<br />
va all’origine dei termini e utilizza i loro significati come pretesto<br />
per la discussione. Un sottotitolo possibile per questa<br />
mostra è Le partage du monde. Buona parte della discussione,<br />
difatti, è orientata a individuare come, quando e perché<br />
progettare. Ad esempio, cosa significa UXD? Secondo<br />
Perretta, qualsiasi significato possano avere le parole contenute<br />
nella sigla UXD ..., esse non possono essere il contrario<br />
XD 01.User Experience Designer - Le Partage du Mond<br />
ideazione e cura di Gabriele Perretta<br />
manifesto dell’esposizione di Milano<br />
di immateriale! Perretta sottolinea come non ci si possa limitare<br />
ad applicare forme comode ai fenomeni,ma occorra<br />
scegliere le più comode fra quelle che si adattano ad essi.<br />
Se la forma è il come del suo uso, e la materia è l’usabilità<br />
sostanziale della forma, allora il design è uno di quei metodi<br />
per conferire forma alla materia e farla apparire così e non<br />
in altro modo. La materia nel design è dunque il modo in cui<br />
appaiono le forme. Ma il modo in cui le forme appaiono non<br />
è forse legato a doppio filo con la loro funzione? Nel corso<br />
della vita quotidiana gli oggetti non ci interessano forse più<br />
per gli usi che possiamo farne che per le loro caratteristiche<br />
realmente osservabili? Experience Designer è, dunque,<br />
chi sceglie se e come rendere esplicito l’uso degli oggetti.<br />
Il designer viene esortato a donare qualcosa agli altri. Infatti,<br />
l’idea portante di questo user experience designer è<br />
che l’usabilità degli artefatti derivi direttamente dalla generosità<br />
del progettista. Secondo Perretta,chiunque decida<br />
di diventare designer prende una decisione a sfavore del<br />
bene puro. Quel che realmente significa è che il designer<br />
dovrebbe diventare oggi più consapevole del suo potere<br />
e delle responsabilità che questo comporta, perché tutto<br />
dipende dall’intenzione dell’esperienza e dunque dal piano<br />
di lavoro. Per affrontare il tema sotterraneo del progetto<br />
all’interno del fare progetto”, Perretta si propone tre principali<br />
obiettivi di carattere metodologico e interpretativo,<br />
i quali, richiamandosi vicendevolmente, permettono la ricostruzione<br />
di un cammino filosofico oscillante tra il terreno<br />
empirico e il suolo antropologico-fenomenologico . Nell’evidenziare<br />
come Sehnsucht, Wunsch e Meinen tendano a<br />
compenetrarsi l’uno nell’altro all’interno della mutevole<br />
bibliografia dell’USER EXPERIENCE DESIGNER, Perretta rilegge<br />
la sua ontologia del non-ancora attraverso la costante,<br />
ossimorica dell’alternanza e, a un tempo, dell’integrazione.<br />
Luce e oscurità, presenza e assenza, mancanza ed eccedenza<br />
sono le coppie che danno un contenuto al concetto<br />
di desiderio, richiamando alla mente del fruitore un gioco di<br />
specchi in cui l’oscurità, per così dire, introversa del fermento<br />
e dello stimolo mediale iniziale si tramuta nella luminosità<br />
feconda della ricerca, volta quindi all’estrinsecazione e al<br />
ritrovamento di ciò che potrebbe finalmente determinare<br />
la compiutezza del designer. Coscienza e materia sono accomunate,<br />
secondo la prospettiva del curator, dall’impossibilità<br />
di una coincidenza iniziale con sé, un’impossibilità che<br />
alimenta il divenire e spinge verso l’altro.<br />
ARTA ntis.info<br />
9
XD 01.User Experience Designer - Le Partage du Mond<br />
Programma generale. Milano, 20 - 29 aprile 2011<br />
Allo SPAZIO CONCEPT di Via Vincenzo Forcella, 7, abbiamo visto:<br />
Lo sguardo obliquo<br />
ARTA ntis.info<br />
10<br />
L’infini n’a pas d’accent/Take the trip every day of your life/an<br />
anthology focused on the content of collective feat. SUDLAB Inter/National,<br />
with videos: Karin Andersen, Elle Burchill, Anita Fontaine,<br />
Clemens Fürtler, Richard Garet, Timothy Geraghty, Raymond<br />
Harmon, Ali Hossaini, Carlos Irijalba, Jeffrey Isaac, Marko<br />
Mäetamm, Miltos Manetas, G.P. Mutoid, Astrid Nippoldt, Derek<br />
Ogbourne, Christian Rainer.<br />
“No man’s knowledge can go beyond his experience.” SOCIAL<br />
DESIGNERs: Az.Namusn.Art, FRP2, NoiSeGrUp, OPLA+, Porka’s<br />
P.Proj.<br />
Late Fragment CALDIA Cube: a cura di Wolf Guenter Thiel feat.<br />
Kurt Hofstetter, Davide Macullo, Karim Rashid.<br />
If you are, new geographies flourish: TOM/sitemap feat: Karin<br />
Draaijer, Georg Nicolaus, Heinrich Nicolaus, Wolf Guenter Thiel.<br />
La Nature est un temple où de vivants piliers/Laissent parfois sortir<br />
des confuses paroles: re/furtiva vs Fotofonemi Correspondances:<br />
a cura di Giuliana Laportella feat. Giorgio Cutini, Alfio Di Bella,<br />
Franz Kafka, Mario Lunetta, Fausto Nicolini, Giuseppe Patroni<br />
Griffi, Gabriele Perretta, Vito Riviello, Emilio Villa, Paolo Volponi.<br />
Interpretare il design nel colore Purple: Purple democracy, Antonello<br />
Pelliccia feat. Mauro Afro Borella, Gianni Macalli, Franco<br />
Marrocco, Alberto Maria Prina, Paolo Roderi.<br />
‘Ways of Worldmaking’/Contro la linea retta: Voyagerlab: Massimo<br />
Cartaginese, Giorgio Cutini, Bruno Mangiaterra.<br />
«What is there?»: L’arte è negli occhi di chi la guarda a cura di<br />
Antonella Mazzoni feat. Marta Mambriani e Gian Luca Patini.<br />
“Uno strumento interpretativo dei modelli del to design e del to<br />
experience” a cura di MCD11: Fausto Bertasa, Tullio Brunone, Paolo<br />
Cirio, Pietro Finelli, R’B.<br />
VERNISSAGE XFORMANCE: Mario 4MX Formisano (Almamegretta<br />
Bass Player - Live electronic music performance); Az.Namusn.Art.<br />
FINISSAGE XFORMANCE: Il ritorno dello zero, a cura di Stessotesto;<br />
Tribute to Patti Smith, Purple Democracy feat. Rachele Pelliccia.<br />
Al NUOVO CIB - GALLERIA FORMENTINI, Via Marco Formentini, 10,<br />
abbiamo visto:<br />
Il linguaggio è la madre, non l’ancella del pensiero: CRAB: Coordinatore<br />
Francesco Correggia & working gr.: Maurizio Guerri, Ale<br />
Guzzetti, Andrea Pinotti, Federico Ferrari, con interventi di: Franco<br />
B, Jean-Christophe Bailly, Gianfranco Baruchello, Gianluca Bocchi,<br />
Daniel Buren, Lawrence Carroll, Jason Dodge, Félix Duque,<br />
David Freedberg, Nathalie Heinich, Georges Didi-Huberman, Anselm<br />
Kiefer, Jannis Kounellis, Giuseppe Longo, Boyan Manchev,<br />
Takesada Matsutani, William Moser, Hidetoshi Nagasawa, Jean-<br />
Luc Nancy, Markus Ophalders, Julius Popp, Jacques Rancière,<br />
William Stock, Jean-Jacques Wunenburger, David Tremlett.<br />
La fisiologia da capo a piedi, canto./Né la fisionomia né il cervello<br />
sono degni da soli della/Musa, la Forma completa è di gran<br />
lunga più degna feat. SUDLAB Italia, with videos: Cesare Accetta,<br />
Az.Namusn.Art, Enzo Berardi, Rita Casdia, Cast, Daniela Cignini,<br />
Piero Gatto, Lello Lopez, Antonello Matarazzo, OPLA+,<br />
Fabrizio Passarella, Porka’s P.Proj, R’B, Franco Silvestro, Nello<br />
Teodori, Lucio Tregua.<br />
Porto Empedocle 2009<br />
fotografia, cm 50x70<br />
Comiso 2009<br />
fotografia, cm 50x70<br />
“Lo sguardo obliquo” è il titolo della mostra del fotografo<br />
agrigentino Angelo Pitrone inaugurata presso La Galleria<br />
“Le Officine delle Arti” di Agrigento, diretta da Nello Basili.<br />
L’esposizione persegue il duplice obiettivo di far conoscere<br />
uno spaccato significativo della produzione fotografica di<br />
uno tra gli artisti più affermati del territorio, noto al grande<br />
pubblico per le importanti mostre allestite in prestigiose sedi<br />
internazionali e, nel contempo, di inaugurare un nuovo spazio<br />
espositivo nel cuore della città dei templi, con l’intento<br />
di valorizzare i linguaggi artistici contemporanei che si contraddistinguono<br />
per originalità e qualità, rivolgendosi sia<br />
agli artisti affermati che a quelli emergenti che si esprimono<br />
attraverso le tecniche che la tradizione ha consolidato e<br />
quelle che la sperimentazione continuamente propone. La<br />
mostra, curata dal critico d’arte Francesco Gallo, è stata<br />
introdotta da Marcello Palminteri e presentata da Giuseppe<br />
Viviano. “Lo sguardo obliquo” propone una galleria di<br />
51 opere fotografiche sui principali cicli tematici sviluppati<br />
da Pitrone: una diversificata produzione che privilegia ritagli<br />
sapientemente colti della realtà, aspetti del paesaggio<br />
naturale siciliano nonché di quello urbano, superfici murarie,<br />
particolari oggetti abbandonati, luoghi di transito e<br />
manifesti murari. Figure che rivelano la natura intrinseca<br />
della realtà la quale, svelata dall’occhio attento dell’artista,<br />
assume un particolare fascino per lo spettatore che<br />
AngeloPitrone<br />
a cura della Redazione<br />
riscopre piacevolmente la semplicità delle cose attraverso<br />
la magistrale composizione dell’immagine e delle cromie.<br />
L’esposizione è accompagnata da un “informatore”, con<br />
testi di Francesco Gallo e Giuseppe Viviano, che fornisce<br />
alcune chiavi di lettura per le cinque sezioni in cui è suddivisa.<br />
Angelo Pitrone è capace di uno sguardo attento<br />
sul mondo, sugli aspetti naturali e ancor più sulle interazioni<br />
dell’uomo con l’ambiente. Sulla capacità del fotografo di<br />
saper osservare la realtà si sofferma Francesco Gallo: “Saper<br />
vedere non è cosa da poco, non è cosa immediata,<br />
è l’esito di una grande educazione sentimentale e poetica,<br />
che avviene dopo una lunga filtrazione dell’essenziale,<br />
in un ambito che è tanto mentale, quanto reale, in<br />
una sintesi che è creativa, capace di dominare l’ordinario<br />
dell’ordinario e suscitare lo straordinario dello straordinario,<br />
l’invisibile che non si manifesta ad occhio nudo, quello che<br />
solo la macchina fotografica, con la sua magia tecnologica,<br />
sa captare. (...) Perchè avvenga un saper vedere,<br />
occorre l’alchimia di un innamoramento, in una continua<br />
ricerca delle immagini, in una continua lotta con la morte,<br />
a cui strappare i frammenti di mondo, cogliendoli al volo,<br />
tra piaghe e bellezze”. E in questo senso Pitrone, nella sua<br />
ricerca continua di immagini e di particolari del mondo reale,<br />
manifesta il suo interesse, il suo innamoramento, il cedimento<br />
a un richiamo irresistibile per una realtà che nelle<br />
sue fotografie si appalesa scomposta in dettagli e ritagli<br />
inconsueti che “viene scoperta e resa visibile”. Giuseppe<br />
Viviano evidenzia l’attitudine del fotografo a ritrarre i prodotti<br />
della cultura umana e gli effetti dell’attività dell’uomo<br />
in contesti naturali e urbani: “Angelo Pitrone è un fotografo<br />
di luoghi e persone. La componente antropologica è<br />
una costante della sua produzione artistica che nel tempo<br />
si è caratterizzata sempre più per l’impegno sociale e<br />
l’attenzione per i movimenti umani all’interno della Sicilia<br />
o intorno ad essa. (...). L’artista si muove con disinvoltura<br />
nell’ambiente urbano. Nelle grandi città del mondo come<br />
nei più piccoli centri siciliani, la sua capacità di osservare,<br />
l’attenzione per il particolare, l’interesse per forme e cromie,<br />
danno luogo a grafismi in cui pochi elementi prevalgono<br />
e si alternano in ritmi costanti che talvolta occupano<br />
il campo dell’intero fotogramma”.<br />
Officine delle Arti<br />
Via Celauro, 7 (Trav. Via Atenea) - 92100 Agrigento<br />
www.officinedellearti.com<br />
VISTE<br />
ARTA ntis.info<br />
11
C A M e C<br />
LUOGHI<br />
liguria<br />
Centro Arte Moderna e Contemporanea<br />
La Spezia<br />
di Eleonora Acerbi<br />
CAMeC<br />
Ph Enrico Amici<br />
ARTA ntis.info<br />
12<br />
Il CAMeC, Centro d’Arte Moderna e Contemporanea,<br />
inaugurato nel maggio 2004, nasce per conservare e valorizzare<br />
i considerevoli fondi artistici provenienti dalle edizioni<br />
del Premio del Golfo, ideato nel 1933 da Filippo Tommaso<br />
Martinetti e Fillia, e dalle donazioni Cozzani e Battolini; nonché<br />
come centro di propulsione per eventi artistici contemporanei<br />
di livello internazionale. Oltre ad ospitare convegni,<br />
dibattiti e seminari, possiede un Dipartimento Didattico che<br />
propone attività di educazione all’arte, rivolta sia alle istituzioni<br />
scolastiche, sia al pubblico generico. Si è specializzato<br />
inoltre in percorsi e laboratori di arte-terapia. Un Bookshop<br />
fornito e specializzato dispone della principale pubblicistica<br />
dedicata all’arte contemporanea italiana e internazionale.<br />
L’attività del CAMeC si svolge in modo continuativo per<br />
tutta la durata dell’anno, esponendo a rotazione le raccolte<br />
civiche, costituite da oltre duemila opere, e realizzando<br />
mostre temporanee con progetti di approfondimento in<br />
diversi ambiti della produzione attuale o del contemporaneo<br />
storico. La sede è frutto del reimpiego di un edificio dei<br />
primi del Novecento, che ha accolto dapprima una scuola<br />
elementare e dagli anni Venti le aule del Tribunale Civile e<br />
Penale.<br />
Le raccolte del CAMeC<br />
Il Premio Nazionale di Pittura “Golfo della Spezia”<br />
Enrico Prampolini<br />
Anatomie concrete, 1951<br />
Coll. Premio del Golfo<br />
Al 1933 risale la nascita del Premio Nazionale di Pittura intitolato<br />
al “Golfo della Spezia”. L’ideazione e l’organizzazione<br />
della rassegna-concorso si devono a Filippo Tommaso Marinetti<br />
e Fillia. Una vivace adunata di numerosi artisti, futuristi<br />
di seconda generazione e non, anima quella memorabile<br />
estate e sigla l’interesse spezzino per l’arte contemporanea:<br />
ne sono preziosa testimonianza i mosaici realizzati nel ‘34 nel<br />
Palazzo delle Poste, a quattro mani, da Fillia e Prampolini,<br />
inedita rappresentazione delle Comunicazioni terrestri, marittime<br />
(Fillia), aeree, telegrafiche, telefoniche (Prampolini),<br />
così come l’Aeropoema del Golfo della Spezia, componimento<br />
parolibero concepito dalla funambolica immaginazione<br />
di Marinetti. A questo precedente storico guarda la<br />
ripresa della manifestazione che con lo stesso titolo si articola<br />
dal 1949 al 1965 e viene ripristinata dal 2000 al 2006.<br />
Distintiva la formula del premio-acquisto, che consegna<br />
alla città oltre 200 opere, nucleo originario della raccolta<br />
permanente ospitata dal CAMeC. Evidenti ed impliciti gli<br />
intenti: la registrazione e l’acquisizione dei più recenti e diversificati<br />
esiti della produzione pittorica italiana (e, dal ‘54,<br />
anche del biancoenero e della grafica). L’eccellenza qualitativa<br />
e la valenza storico-documentaria della selezione,<br />
oggettivamente indubbi a cinquant’anni di distanza, si devono<br />
esclusivamente all’autorevolissima gestione critica: la<br />
giuria del Premio, nelle sue peraltro salutari variazioni, vede<br />
il contributo e la collaborazione di eminenti ed impegnati<br />
artisti e critici. Fra gli altri si ricordano Argan, Bellonzi, Carli,<br />
Carluccio, Carrà, Casorati, Ciardo, De Grada, Guttuso, Longhi,<br />
Magagnato, Russoli, Saetti, Santini, Viale, oltre a Marco<br />
Valsecchi, fedelissimo organizzatore della mostra e Carlo<br />
Ludovico Ragghianti, senza dubbio il più incisivo interprete<br />
della gestione del Premio nel ruolo di Presidente della giuria.<br />
La rinnovata edizione del Premio del Golfo, coincidente con<br />
l’avvento del nuovo millennio, aperta ad apporti internazionali<br />
e destinata, per regolamento, alla registrazione della<br />
produzione ‘giovane’, vede al lavoro i direttori di musei e<br />
fondazioni d’arte contemporanea europei, incaricati della<br />
scelta dei partecipanti, e diverse commissioni giudicanti,<br />
composte nelle successive edizioni fra gli altri da Benedetti,<br />
Castellani, Corà, Di Pietrantonio, Fabro, Gori, Meneguzzo,<br />
Levi, Kounellis, Namioka, Paolini, Pistoletto, Raussmüller,<br />
Zacharopoulos.<br />
Emilio Vedova<br />
Vie del mondo, 1953<br />
Coll. Premio del Golfo<br />
La collezione Cozzani<br />
Nel 1998 Giorgio Cozzani dona alla sua città una cospicua<br />
raccolta di opere d’arte visiva, frutto di cinquant’anni di appassionata<br />
ricerca e frequentazione della produzione artistica<br />
contemporanea internazionale. Collezione singolare,<br />
caratterizzata dall’assenza di evidenti passioni e vincolanti<br />
predilezioni, ma piuttosto sostenuta da un’aperta e lungimirante<br />
curiosità nei confronti del composito insieme di poetiche<br />
e nuclei linguistici tipico del XX secolo. Tale esigenza<br />
di aggiornamento costante e di registrazione puntuale ne<br />
ha determinato il distintivo e spiccato carattere antologico<br />
Gilbert & George<br />
Bloody life, 1983<br />
Coll. Cozzani<br />
e l’ampia dimensione: circa milleduecento opere, fra sculture,<br />
dipinti, grafica, fotografia ed esiti ‘altri’ delle arti visive<br />
si sono aggiunte al fondo costituito dai premi-acquisto del<br />
Premio del Golfo, quasi a colmarne la vacanza di acquisizioni<br />
coincidente con il periodo di sospensione, protratto<br />
fino al 2000. Avanguardie, movimenti, famose coalizioni ed<br />
appartati outsider: tentando di tracciare un elenco in ordine<br />
cronologico, incontriamo, oltre a una limitata digressione<br />
ottocentesca, l’Espressionismo, il Secondo Futurismo,<br />
il Cavaliere Azzurro, Bauhaus, la Metafisica, il Surrealismo,<br />
il Realismo, l’Astrattismo nelle sue molteplici declinazioni<br />
(dall’Astrattismo Classico, Concreto e Neoconcreto, a quello<br />
lirico degli “Otto” e affini), l’Informale internazionale, lo<br />
Spazialismo, i “Cobra”, gli “Spur”, la Pop Art internazionale,<br />
il Nouveau Réalisme, l’Arte Cinetica, Optical, Minimal, Concettuale,<br />
Land, Povera, Body, infine Fluxus, la Transavanguardia,<br />
il Graffitismo. Classe 1910, Giorgio Cozzani affianca<br />
al lavoro del medico quello del collezionista, che trova nel<br />
capoluogo ligure, grazie al Premio del Golfo, una fonte di<br />
aggiornamento di prima mano. Ma nel corso del tempo la<br />
curiosità e la lungimiranza lo portano a spostarsi e a spaziare:<br />
Giorgio ed Ilda Cozzani viaggiano per l’Europa, visitando<br />
puntualmente le più autorevoli manifestazioni internazionali<br />
(dalla Biennale veneziana, alla Quadriennale romana, a Documenta<br />
di Kassel) e tessendo rapporti con le più importanti<br />
gallerie (ne è preziosa testimonianza l’archivio documentale,<br />
donato anch’esso insieme alla corposa biblioteca).<br />
ARTA ntis.info<br />
13
La collezione Battolini<br />
Ultima in ordine cronologico fra le donazioni al Comune della<br />
Spezia, la collezione di Ferruccio e Anna Maria Battolini<br />
documenta sessant’anni di attività nel mondo dell’arte e<br />
della “critica militante”. Critico, scrittore, bibliofilo appassionato<br />
ben oltre i confini del suo ruolo di dirigente nel settore<br />
delle biblioteche, promotore di eventi culturali, organizzatore<br />
di mostre, Ferruccio Battolini ha storicizzato la seconda<br />
metà del ‘900 artistico spezzino. La sua collezione si è formata<br />
grazie agli incontri, alle conoscenze e all’esperienza<br />
di una vita passata in mezzo agli artisti. Diversi e molteplici<br />
gli apporti, da alcuni dei protagonisti delle edizioni storiche<br />
del Premio del Golfo, allo spezzino Gruppo dei Sette, ad alcuni<br />
fra gli artisti più rappresentativi del panorama artistico<br />
italiano del dopoguerra, come Guttuso, Spinosa, Montarsolo,<br />
Nespolo, per citarne solo alcuni. Opere dei maestri della<br />
generazione degli inizi del ‘900, di quella di mezzo e di artisti<br />
più recenti, fino alle promesse attuali, documentano storicamente<br />
le origini della tradizione artistica cittadina.<br />
Cristiano Pintaldi<br />
Senza titolo, 2000<br />
Coll. Premio del Golfo<br />
ARTA ntis.info<br />
14<br />
Le mostre dell’estate 2011<br />
In occasione della seconda Festa della Marineria (16-19<br />
giugno), Il CAMeC apre i propri spazi al progetto CAMeC<br />
pianozero, che inaugura con la mostra personale “Ancora<br />
Ancora la nave in porto - Amoco Milford Haven files” di<br />
Michelangelo Consani. Curata da Mario Commone e Matteo<br />
Lucchetti (comitato scientifico: Francesca Cattoi, Mario<br />
Commone, Lara Conte, Matteo Lucchetti), l’esposizione<br />
occuperà gli spazi al piano terra del centro, articolando un<br />
discorso che, tra le altre cose, vuole leggere la marineria nel<br />
suo essere un intreccio di storie di lavoratori e nella sua appartenenza<br />
ad una dimensione, quella del mare, che viene<br />
qui letta come riflesso silenzioso della fine di un paradigma<br />
economico dominante, legato allo sfruttamento delle risorse<br />
fossili. Inoltre “Memoria sommersa: uomini, storie e tecnologie”.<br />
A cura di Progettotre di Carlo Alberto Cozzani, Agnese<br />
Bucchi, Costanzo Furno insieme alla direzione del CAMeC<br />
e agli Archivi Multimediali della Spezia, la mostra presenta<br />
oggetti, video, installazioni, opere e fotografie, offrendo un<br />
percorso visivo che unisce la storia dell’esplorazione marina<br />
all’immaginario artistico attuale, con un focus principale<br />
intorno al mondo dei palombari e del sommerso, con i suoi<br />
artisti-inventori, come il geniale Roberto Galeazzi, autore<br />
dello scafandro ancora in uso oggi, e contrappunti creativi<br />
di forme e oggetti del mondo sommerso, con opere di Gianni<br />
Lodi e opere fotografie di Angelucci e Rastrelli. L’evento<br />
espostivo vede la fattiva collaborazione di Marina Militare -<br />
raggruppamento subacquei ed incursori “Teseo Tesei”, The<br />
Historical Diving Society - Italia, Hydrolab, Associazione Nazionale<br />
Subacquei M.M. in congedo, The Historical Maritime<br />
Society, Fratelli della Costa - Italia), suggestiva ricostruzione<br />
e interpretazione dell’ambiente e delle attività subacquee,<br />
e “I mari dell’uomo”, mostra di fotografie di Folco Quilici, in<br />
collaborazione con la Fondazione Alinari.<br />
Helmuth Sturm<br />
Infernalezza, 1963<br />
Coll. Cozzani<br />
Giuliano Tomaino<br />
Le acciughe fanno la palla (part. dell’installazione), 2000<br />
Ph Enrico Amici<br />
CAMeC<br />
la scala e l’ascensore, con l’opera di Tinguely, maggio 2004;<br />
a sinistra, una sala con le raccolte permanenti<br />
Ph Enrico Amici<br />
CAMeC Centro Arte Moderna e Contemporanea<br />
Piazza Cesare Battisti, 1 - 19121 La Spezia<br />
camec.spezianet.it
Gianni Bolongaro<br />
e il progetto<br />
La Marrana Arte Ambientale<br />
di Gianni Bolongaro<br />
LUOGHI<br />
liguria<br />
MARCELLO PALMINTERI<br />
14-21 giugno 2011<br />
catalogo in galleria<br />
testi di Francesco Gallo e Giovanna Grossato<br />
Giardino A. Calderini, 3 - Milano<br />
Tel 02.860290 E-mail info@fondazionedars.it<br />
www.fondazionedars.it<br />
Senza titolo, 2009<br />
acrilico e china su tela<br />
cm 30x30<br />
Kengiro Azuma<br />
Il sogno, 1998<br />
ferro, cm 150x2680x1,5<br />
Luigi Mainolfi<br />
Casa della Marrana (Casa dei rovi), 1999<br />
ferro, cm 600x400x400<br />
L’idea di progetto nacque nel 1996, dopo le prime due<br />
esperienze - molto positive come attenzione generata - di<br />
piccole mostre d’arte negli spazi chiusi della proprietà di<br />
Montemarcello (con opere del pittore Carlo Mattioli e dello<br />
scultore Fausto Melotti): l’obiettivo era di contribuire allo sviluppo<br />
culturale, dimostrando che l’arte poteva valorizzare<br />
ancor più il Parco Regionale Naturale di Montemarcello-<br />
Magra in provincia della Spezia. Nel 1997 decidemmo - mia<br />
moglie ed io - di invitare artisti per realizzare opere studiate<br />
appositamente per il luogo in cui avrebbero dovuto essere<br />
poste, pensando anche a quanto scrisse J. W. Goethe in<br />
Sommer: “Il campo e il bosco e la roccia e i giardini/sono<br />
sempre stati per me solo uno spazio/e tu, mia amata,/li<br />
trasformi in luogo”. La prima mostra (lo spazio disponibile,<br />
non ancora occupato da sculture o installazioni, permetteva<br />
di mostrare un’ampia gamma di opere dell’artista<br />
invitato) fu di Hossein Golba, persiano, dal titolo “Il giorno<br />
d’oro”, legato al grande ciclo della vita. L’idea guida fu di<br />
avere artisti di vari profili di linguaggio, senza essere guidati<br />
da scelte di nazionalità o altro; unico vincolo, la poeticità<br />
del gesto e la sensibilità adeguata per una zona “gracile”<br />
come è il paesaggio antropizzato della Liguria ed il vincolo<br />
del Parco Regionale Naturale di Montemarcello Magra. Le<br />
scelte avvenivano pensando ai molti artisti incontrati nelle<br />
varie occasioni (mostre, incontri culturali, visite agli studi o<br />
alle collezioni private). Naturalmente, poiché le opere da<br />
realizzare sarebbero state inserite nel giardino, bosco ed<br />
oliveto di casa nostra, tutti gli artisti dovevano avere caratteristiche<br />
assonanti con la nostra sensibilità ed attenzione ai<br />
vari linguaggi. Dal 2000, il Prof. Giacinto Di Pietrantonio, Direttore<br />
della Galleria di Arte Moderna e Contemporanea di<br />
Bergamo, svolge un ruolo significativo, affiancandosi a noi<br />
per la selezione degli artisti. Il gruppo di artisti che sinora ha<br />
collaborato con La Marrana è molto vasto e diversificato,<br />
come età e nazionalità: tra i 19 artisti (per un totale di 35<br />
opere tra sculture ed installazioni) abbiamo 13 italiani, un<br />
persiano, un giapponese, un greco, un americano, un israeliano,<br />
una cubana, un belga, un inglese. Negli ultimi anni,<br />
ARTA ntis.info<br />
17
sopra da sinistra<br />
Jannis Kounellis<br />
Senza titolo, 2004 (visione d’insieme e particolare)<br />
23 campane, bronzo, ferro, cemento, profondità: cm 300, diamentro: cm 200<br />
Ettore Spalletti<br />
Fonte nel giardino di Grazia e Gianni, 2006 (visione d’insieme e particolare)<br />
marmo, acqua, cm 130x40<br />
a sinistra<br />
Jan Fabre<br />
Il rifugio (La tomba per il computer sconosciuto), 2005 (interno)<br />
inchiostro su legno; il rifugio: mt 3,0x3,60x2,20; le croci: cm 125x37x5<br />
nella pagina a fianco, dall’alto<br />
Daniel Buren, Studio di Architettura Vannetti<br />
Il rendering del progetto dello Studio di Architettura Vannetti di Firenze con<br />
l’artista francese Daniel Buren, vincitore del Concorso organizzato con il<br />
Comune della Spezia per la riqualificazione di Piazza Verdi<br />
Mario Airò<br />
... Plink!, 2001<br />
ferro, vetro, penna, cm 80x210x280<br />
essendo impossibile organizzare vere mostre di molte opere<br />
dello stesso artista causa la scarsità di spazio disponibile, si<br />
è preferito optare per la soluzione di invitare un solo artista<br />
(o due artisti) chiedendo loro di elaborare una sola opera<br />
ciascuno. Per quanto riguarda la diversità dei linguaggi, ci<br />
siamo avvicinati anche ad artisti che hanno un approccio<br />
di tipo trasversale all’arte: artisti cioè che inseriscono nelle<br />
loro opere suoni, musica e video. Ciò ha aumentato la complessità<br />
organizzativa e di manutenzione ma ha permesso di<br />
aumentare gli stimoli per i visitatori che si trovano, talvolta,<br />
di fronte o in mezzo ad opere che sollecitano i vari sensi.<br />
L’evoluzione recente è la creazione di P.A.A.L.M.A. Premio<br />
di Arte Ambientale La Marrana, dedicato - specificatamente<br />
- alle opere pubbliche; il Premio (a cura del Prof. Giacinto<br />
Di Pietrantonio) si prefigge di stimolare le Amministrazioni locali<br />
a realizzare opere alla cui progettazione - sin dalla fase<br />
iniziale - partecipino un artista ed un architetto come unico<br />
gruppo di progettazione. Questo Premio fu presentato ad<br />
ArteFiera di Bologna del 2007, organizzando un dibattito su<br />
“Nuovi Percorsi dell’Arte Pubblica”; al dibattito - coordinato<br />
da Giacinto Di Pietrantonio - parteciparono gli artisti Enzo<br />
Cucchi e Alberto Garutti con gli architetti Alessandro Mendini<br />
e Beppe Finessi oltre alla partecipazione di Jes Fernie,<br />
consulente inglese e curatrice del libro “Two minds: architects<br />
and artists in collaboration”. Successivamente, vi furono<br />
due edizioni a La Triennale di Milano (ed è in preparazione<br />
la terza), con il patrocinio del Ministero dei Beni ed<br />
Attività Culturali, del FAI, dell’Ordine degli Architetti, di ANCI<br />
ed ANCE, a dimostrazione del vivo interesse che il Premio<br />
suscita. Come risultato dell’opera di sensibilizzazione, la città<br />
della Spezia nel 2010 promosse un concorso per la Riqualificazione<br />
Architettonica ed Artistica di Piazza Verdi, riservato<br />
ad un artista ed un architetto che lavorassero in coppia.<br />
Tra gli 89 progetti arrivati (anche con artisti e architetti tra<br />
i più importanti del mondo), la Commissione Giudicatrice<br />
(formata dall’Arch. Alessandro Mendini, dal Prof. Giacinto<br />
Di Pietrantonio, dall’Arch. Emilio Erario, Direttore del Dipartimento<br />
Pianificazione e Controllo dello Sviluppo Urbanistico<br />
e dall’Ingegnere Claudio Canneti, Direttore del Dipartimento<br />
Ambiente e opere Pubbliche e dal sottoscritto, in quanto<br />
Presidente del Premio P.A.A.L.M.A.) scelse all’unanimità<br />
il progetto presentato dall’Arch. Gianni Vannetti di Firenze<br />
con l’artista francese Daniel Buren, Leone d’Oro alla Biennale<br />
di Venezia del 1986. Nel 2011, il Ministero dei Beni ed Attività<br />
Culturali ha riservato una menzione speciale a La Marrana<br />
arteambientale nell’ambito del Premio del Paesaggio<br />
2010 - 2011 indetto dal Consiglio d’Europa in quanto uno<br />
dei progetti “che impiegano le espressioni più avanzate di<br />
arte contemporanea per promuovere il territorio nel rispetto<br />
e nella valorizzazione dell’ambiente e del paesaggio”.<br />
La Marrana arteambientale<br />
Via della Marrana - 19031 Montemarcello di Ameglia (SP)<br />
www.lamarrana.it<br />
19
Annotazioni sulla fotografia di<br />
PHOTO<br />
G i u l i a n a<br />
L A P O R T E L L A<br />
di Enrico Pietrangeli<br />
ARTA ntis.info<br />
20<br />
La costante di simmetrie che ricorrono nelle immagini<br />
catturate da Giuliana Laportella, interagendo con ponderate<br />
esposizioni sugli effetti di luci, spesso giocati sulle<br />
tonalità dei grigi, denotano un’acquisizione degli spazi<br />
attraverso un occhio poetico, capace di rielaborare labirintici<br />
flussi generando una prospettiva interiore, quella<br />
dell’anelito per un istante perduto. Un istante evocato,<br />
che mira al dettaglio evidenziando, oltre quanto rappresentato,<br />
la panoramica di un divenire in esso contenuto.<br />
Genova è dunque sì dettaglio di scorcio per linee interposte<br />
tra viadotti e soprastanti opifici, ma ancor prima<br />
anima pulsante eclissata nel permanere di un fuggevole<br />
momento, poiché altrimenti non sarebbe possibile trattenerlo.<br />
Arte, dunque, consapevole e non artifizio volto a<br />
volubile ricerca dell’effetto sinestetico, che non prescinde<br />
dall’installazione in quanto mezzo espressivo, trovando<br />
compimento della sua contemporaneità in una consoli-<br />
Scena 2004<br />
stampa da negativo bianco nero, cm 40x30<br />
a sinistra<br />
Pesci. Praga 2006<br />
stampa da negativo bianco nero, cm 40x30<br />
ARTA ntis.info<br />
21<br />
MonoMenti. Carrara 2010<br />
stampa da negativo bianco nero, cm 30x40<br />
data tradizione, a partire dalle tecniche utilizzate. Altrove,<br />
punti di fuga colti dal basso, come nel caso di Parigi, divengono<br />
ombra, l’analogo che si riflette; è emblematico<br />
un periferico intonaco cadente e perpendicolare ad un<br />
soggetto sdoppiato, per ritrovare un sapore da nouvelle<br />
vague dietro l’angolo su quanto immortalato. Quel che<br />
producono lampioni e luci con le loro consonanze, viene<br />
riproposto con bicchieri e più lunghi tempi di posa delineati<br />
da un fondo tavola di bistrot, un’inquadratura che<br />
assume dimensioni e gusto quasi rinascimentale nel vuoto<br />
esistenziale del personaggio che ne viene ritratto. Lo stesso<br />
dato esistenziale diviene qui proiezione verso altro dal<br />
sé, in grado di ricondurre a un presente perduto, poiché<br />
la percezione d’entità del passato persiste ravvisabile<br />
nella pagina a fianco, dall’alto<br />
Realtà. Paris 2010<br />
stampa da negativo bianco nero, cm 40x30<br />
Velluto blu 2002<br />
stampa da negativo bianco nero, cm 30x40<br />
Impèro. Roma 2006<br />
stampa da negativo bianco nero, cm 30x40<br />
dietro l’obiettivo nella confluenza con quanto, nell’immanenza<br />
di un tempo già immaginifico del proprio futuro,<br />
s’intende frugare più avanti. L’uso del bianco e nero è<br />
di prassi in un simile impianto, dove a tratti sopraggiungono<br />
anche ieratiche figure dissimulate nel contesto di<br />
ottiche visive, come quella dell’imperatore che investe<br />
la platea, intermediario e demiurgo proteso verso ulteriori<br />
mondi per altrettanti destini che cielo e luce infondono, o<br />
dello stesso Mao Tse tung, ripreso col suo ritratto allineato<br />
dietro la visuale di una statua equestre. L’autrice, dopo<br />
aver collaborato per diversi anni col poeta romano Vito<br />
Riviello ed essersi occupata di teatro e cinema nell’ambito<br />
della scenografia, dal 2009 si cimenta con installazioni<br />
“videofotografiche”, forma di ricerca nella contaminazione<br />
di tecniche, un’apertura al digitale che ha ancora<br />
tutto il gusto dei più datati processi chimici della camera<br />
oscura che mai, a dire il vero, Giuliana sembrerebbe intenzionata<br />
ad abbandonare del tutto.<br />
Giuliana Laportella<br />
vive e lavora a Roma
SCULTURA<br />
L u c i o<br />
SCORTEGAGNA<br />
Corpi a disposizione della Forma<br />
di Giovanna Grossato<br />
Zolle Riverse 2011<br />
acciaio, cemento, ossidi, cm 17x30x15<br />
ARTA ntis.info<br />
22<br />
Che la scultura italiana a cavallo del millennio abbia<br />
prodotto ottimi interpreti è testimoniato anche dall’attività<br />
dello scultore vicentino Lucio Scortegagna, che in un<br />
percorso che prende l’avvio dalla fine degli anni Settanta<br />
ha concentrato la sua ricerca soprattutto sulla forma<br />
del corpo umano, spogliato dai dettagli e ricondotto ad<br />
anatomie essenziali, che nel tempo tendono a divenire<br />
sempre più simili a geometrie pure. L’originalità delle strutture<br />
viene individuata nella loro capacità di dominare in<br />
precari equilibri lo spazio e di risolversi in movimenti, tensioni<br />
e torsioni che traducono in astratto e puro intellettualismo<br />
ciò che originariamente apparteneva al mondo<br />
naturale. Ai più recenti successi sono da ascriversi personali<br />
a Parigi, dove l’artista ha avuto frequenti relazioni con<br />
Pierre Restany, a Milano, a Venezia e in altre città italiane.<br />
L’ultima in Italia risale al dicembre 2010, allestita nel suggestivo<br />
spazio dell’Oratorio della Passione nel Complesso<br />
monumentale della Basilica di Sant’Ambrogio a Milano,<br />
dal titolo “Zolle riverse. Corpi e architetture nella scultura<br />
di Lucio Scortegagna”, accompagnata da un catalogo<br />
con introduzione di Manuela Gandini della Edizioni<br />
Oreste Genzini - Philippe Daverio, a cura della Galleria<br />
Blanchaert. Vi erano state raccolte una ventina di opere<br />
particolarmente adatte a mostrare l’assorbimento in senso<br />
non figurativo dell’anatomia: corpi femminili realizzati<br />
in cemento e metallo cui Scortegagna infonde cadenze<br />
fluide in un avvicendarsi di rilievi e depressioni che danno<br />
alla superficie movimenti morbidi e la sensazione di<br />
una rasserenante saldezza. Ciò anche quando drastiche<br />
cesure interrompono bruscamente il flusso della forma,<br />
lasciando all’immaginazione di chi guarda terminarne il<br />
percorso. La sensualità del nudo lascia così il posto ad<br />
una elegante suggestione mentale e le figure, pur sempre<br />
riconoscibilmente appartenenti al mondo oggettivo,<br />
si collocano con un imperioso cambio di registro linguistico<br />
ai confini dell’astrazione. Infatti i corpi immobilizzati<br />
nel rigore geometrico dei tagli non rivelano al loro interno<br />
organi, sangue, ossa e così, privati del palpito della vita,<br />
possono aspirare ad una loro esclusiva immortalità che<br />
si fa più intensa quanto più la parte anatomica resecata<br />
allenta i suoi legami con l’insieme e diviene sempre<br />
più estranea, straniera anche a se stessa. Il rapporto dello<br />
scultore con la materia è fondamentale: sia che si tratti di<br />
cemento dalla neutra, liscia opacità o di bronzo diversamente<br />
patinato in cui le sciabolate che lo tagliano come<br />
burro lasciano sempre in evidenza spigoli vivi, superfici<br />
specchianti e gravitazioni iperboliche. La materia è per<br />
Scortegagna qualcosa da rispettare ma anche da dominare,<br />
da lavorare con le mani e con gli strumenti senza<br />
lasciare tracce visibili se non nel risultato finale. La straordinarietà<br />
del linguaggio di Scortegagna, oltre al fascino dei<br />
Prisma a seno 1998<br />
bronzo, cm 17,5x28x17<br />
Prisma a seno 1999<br />
bronzo, cm 21x21x16<br />
Zolle Riverse 2011<br />
acciaio, cemento, ossidi, cm 17x30x15<br />
Cesure 2008-2009<br />
acciaio, cemento, ossidi, cm 17x30x15<br />
materiali, alla spettacolarizzazione degli equilibri su inopinabili<br />
baricentri, alla inesauribile varietà di soluzioni elaborate<br />
sul medesimo tema - il corpo - è determinata anche<br />
da una sorta di essenzialità levigata e silente che nasce<br />
proprio da questa sintesi tra natura e intelletto. Lucio Scortegagna<br />
che vive e lavora in una sorta di paradiso introvabile<br />
sulle colline di Monte Magrè, sopra Schio (VI), dove<br />
è nato il 29 febbraio del 1948 (e dunque, sostiene, con<br />
un compleanno magico a cadenza quadriennale che lo<br />
mantiene più giovane dei suoi coetanei), ha insegnato<br />
per trent’anni discipline plastiche, parallelamente proseguendo<br />
nell’attività pittorica iniziata nel 1963 e dal ’77<br />
sviluppando anche attraverso la scultura i temi sul rapporto<br />
forma-spazio. L’attività espositiva che ha preso l’avvio<br />
dalla metà degli anni Sessanta vede da diversi lustri le sue<br />
opere presenti in collezioni pubbliche e private in Italia e<br />
all’estero.<br />
Lucio Scortegagna<br />
vive e lavora a Schio (VI)
Il quotidiano si svela nella<br />
nuova figurazione di<br />
PROFILI<br />
Alfonso e Nicola<br />
V A C C A R I<br />
di Gianfranco Labrosciano<br />
Nella vasca da bagno 2011<br />
olio su tela, cm 50x60<br />
Lolita sul letto 2010<br />
olio su tela, cm 50x80<br />
ARTA ntis.info<br />
24<br />
Da anni, ormai, ogni volta che li ho visti dipingere insieme<br />
nel loro studio ordinato e lindo nel quale cose e circostanze,<br />
uomini e avvenimenti, figure ed eventi paiono transitare<br />
per arrestarsi nella bruciante contemporaneità di un<br />
attimo capace di bloccarli e fissarli per sempre sulla tela,<br />
ho avuto l’impressione di partecipare a una festa. Spesso,<br />
vedendoli dipingere simultaneamente a quattro mani,<br />
concentrati sulla medesima tela, le tavolozze fra le dita,<br />
interamente riversati, proiettati, direi, sul soggetto rappresentato<br />
come a specchiarsi e riflettersi misteriosamente in<br />
esso, e osservandoli lavorare in silenzio e procedere nello<br />
spazio dei riquadri all’unisono, al ritmo sincopato dei loro<br />
corpi che ondeggiavano e flettevano davanti a me<br />
come due canne mosse da un leggero alito di vento o<br />
due violini lanciati insieme in una magistrale rapsodia,<br />
sentendo, quasi, il fraseggio dei loro pensieri e riuscendo<br />
persino a intuire la profondità dalla quale provenivano e<br />
nella quale avrei voluto immettermi correndo ma che tuttavia<br />
mi restava negata, come un limite invalicabile al di<br />
sotto del quale non sarei potuto in alcun modo scendere,<br />
ho sentito la flagranza, l’armonia, la dolce esperienza<br />
estatica dell’arte e ho provato la catarsi. Il fatto è che<br />
Alfonso e Nicola Vaccari sono gemelli: un universo che<br />
contiene altri mondi e costellazioni di pianeti e galassie,<br />
addirittura, di spazi che noi non conosciamo ancora e<br />
che si allargano a dismisura, divenendo degli enormi buchi<br />
neri, allorché parliamo di arte e di pittura. Qui le cose<br />
si complicano, e nel caso di Alfonso e Nicola la faccenda<br />
diventa un vero rompicapo. Dovreste vederli al lavoro<br />
per capire ciò che vado dicendo. Il mistero, cioè, del loro<br />
procedere pittorico è tanto esaltante quanto rimane per<br />
molti versi incomprensibile. O meglio, può essere spiegato,<br />
forse, dal loro essere ed esistere per viversi, anche artisticamente,<br />
la condizione privilegiata dai gemelli. Certo,<br />
questo del fenomeno artistico dei gemelli non è ancora<br />
stato indagato sufficientemente e credo ci vorrà del tempo<br />
prima che passi al vaglio della critica dell’arte, almeno<br />
il tempo necessario alla scienza per compiere altri passi<br />
significativi su questa affascinante componente della vita,<br />
ma sicuramente si tratta di un fenomeno, e posso garantire<br />
che nel caso di Nicola e Alfonso siamo davanti a una<br />
delle sue manifestazioni più eclatanti. Ciò detto, vediamo<br />
di entrare nella loro opera e di soggiornare un poco all’interno<br />
di essa. L’allestimento scenico della realtà che irrompe<br />
nello spazio che ci circonda mescolandosi con la no-<br />
Credo nella notte 2011<br />
olio su tela, cm 100x120<br />
Natale a Bologna 2011<br />
olio su tela, cm 80x100<br />
stra vita si manifesta, nell’arte di Alfonso e Nicola, come<br />
oggetto di un procedimento di sintesi plasmante che garantisce<br />
l’imprinting, ovvero l’immediatezza e la freschezza<br />
del dipingere da cui deriva la carica emozionale che<br />
viene posta in essere con la pittura. Invero, si tratta di una<br />
pittura di contatto, direi quasi epidermico, fra Nicola, Alfonso<br />
e le cose, il corpo del mondo e la mano - il corpo<br />
degli artisti, per cui ciò che è rappresentato annega entro<br />
se stesso in un afflato, un’affinità di sostanza, una sorta<br />
di compresenza simultanea che determina non solo gli<br />
ispessimenti materici e le regole interne delle pennellate<br />
ma gli umori e le emozioni, l’anima, in altri termini, di cui<br />
ogni opera è intrisa. Questa pittura di contatto si estrinseca,<br />
direi manifestandosi compiutamente, nelle rappresentazioni<br />
del corpo umano, in particolare di quello della<br />
donna, nell’immediatezza di talune modalità della vita<br />
collettiva come il traffico urbano colto nelle ore notturne,<br />
e nel racconto di circostanze minuziose, piccoli eventi di<br />
un tempo, quello quotidiano, soggetto all’usura e invece<br />
colto nella sua immanenza più profonda, come esperienza<br />
di una verità del reale più immanente rispetto allo stesso.<br />
Ma iniziamo dalla rappresentazione della donna, costante<br />
riferimento iconografico della pittura dei gemelli<br />
che trova dire in un lungo e ininterrotto racconto figurato<br />
in cui essa, da motore interno per l’attivazione di un circuito<br />
emozionale del reale, di natura erotica e pulsionale,<br />
muta in monumento, direi quasi plastico, di un’innegabile<br />
verità cui l’uomo non può sottrarsi, il fascino della donna<br />
medesima, che in ogni posa in cui viene colta, in ogni<br />
movimento, nel suo atteggiarsi e nelle sue movenze, persino<br />
nel suo sguardo e nel suo abbigliamento, che è quello<br />
della nostra contemporaneità, trionfa con la sua travolgente<br />
corporeità travolgendo a sua volta il mondo, che è<br />
colui che la guarda - o la dipinge - accogliendola e celebrandola<br />
come in una gran festa ed evocando i versi di<br />
Baudelaire che le fa dire, ergendola a sua volta in monumento<br />
di inalterabile realtà: “ Sono bella, o mortali, come<br />
un sogno di pietra, e il mio corpo, che a tutti fu sventura,<br />
genera un amore eterno e muto come la materia”. Di<br />
questo corpo, di questa materia si sostanzia la pittura dei<br />
fratelli Vaccari, che segna per questo uno sbarramento,<br />
un diaframma, un ideale spartiacque dal quale non si<br />
esce. La seconda dimensione della pittura di questi artisti<br />
è l’attimo che fugge nella massima dimensione del tempo<br />
quotidiano, il traffico urbano. Qui “I notturni” dei gemelli<br />
hanno fatto già epoca e sono entrati, così credo,<br />
nella storia della nuova figurazione italiana, di cui gli stessi<br />
sono stati i precursori e da tempo i protagonisti. In anni<br />
ormai lontani, quando imperversava una certa “disattenzione”<br />
per questo genere pittorico, i nostri percorrevano<br />
strade e autostrade e coglievano, con l’infallibile precisione<br />
di uno scatto fotografico, l’irripetibile immobilità<br />
dell’hic et nunc bloccandolo nella loro “camera oscura”<br />
che poi, per miracolo, riuscivano a riprodurre sulla tela.<br />
Erano, quei notturni, immagini di un movimento lento colte<br />
all’interno di una vettura nella quale i gemelli viaggiavano,<br />
ma - come se al posto degli occhi avessero una<br />
telecamera che riprendeva l’esterno e registrava il procedere<br />
lento delle automobili con i fari accesi, lo scorrere<br />
del traffico all’interno di un set cinematografico accuratamente<br />
orchestrato da un magistrale regista per restituire<br />
ai riguardanti le luci, i bagliori, i riflessi di un attimo che<br />
si stendeva sulle ombre dei marciapiedi, i muri delle case<br />
e le vetrine dei negozi - per immettersi in un flusso più<br />
grande di quello che avevano davanti agli occhi, un fiume,<br />
addirittura, davanti al quale lo sguardo si stupiva e si<br />
lasciava catturare con la semplice meraviglia di chi considera,<br />
o è capace di considerare, la chiara semplicità<br />
della vita. Ed era appunto la vita, il suo manifestarsi nel<br />
traffico notturno, che quelle opere ci restituivano. Era<br />
come se le stesse automobili - che scivolavano silenziosamente<br />
sugli asfalti bagnati, alluvionati di luci sui quali i bagliori<br />
delle vetture stendevano veli, patine traslucide di<br />
vibrazioni luminose e guizzi di emozioni - contenessero<br />
sprazzi e frammenti di una vita silenziosa, e dialoghi, e fantasie<br />
e divagazioni di un vissuto che palpitava al loro interno<br />
e di cui si avvertiva, di vettura in vettura, la stanchezza,<br />
la noia, la malinconia e persino l’incanto il<br />
disincanto. Era come se ogni vettura fosse in realtà un libro<br />
aperto o una casa in cui si raccontava, senza vederla,<br />
lo svolgersi della vita. E l’alchimia, la magia di quei racconti<br />
consisteva nell’essere evocati semplicemente<br />
dall’illusione ottica della luce, che palpitava di interni bagliori,<br />
altri fuochi e altri riverberi, nelle profondità del riguardante.<br />
Infine gli eventi minuziosi, le tante piccole,<br />
impercettibili azioni in cui si svolge la vita di tutti i giorni e<br />
sulle quali non riusciamo a fissare la nostra attenzione perché<br />
troppo rapide e soggette all’usura del quotidiano.<br />
Ma appunto per questo i fratelli Vaccari le colgono, invece,<br />
come i grandi eventi della storia quotidiana, capovolgendone<br />
il senso ed ergendole a monumenti proprio<br />
bloccandoli, fissandoli come gesti banali di una ripetizione<br />
però necessaria nella quale si sostanzia l’apparente<br />
usura della vita. Così una semplice immersione in una vasca<br />
da bagno diventa un’occasione - per il taglio prospettico<br />
ardito, la prospettiva ravvicinata, il corpo di una<br />
giovane descritto con puntiglioso realismo nell’attimo in<br />
cui sta per abbandonarsi al bagno ristoratore - per una<br />
sorta di incisione pittorica, un intervento magistrale per<br />
appuntare uno spillo sul vestito troppo grigio della vita,<br />
ma in maniera tale che nessuna delle componenti anzidette<br />
sia decisiva quanto la flagranza dell’acqua che<br />
quasi si ode scorrere nel riquadro. Perché ciò che è raccontata,<br />
ancora una volta, non è la vicenda di una giovane<br />
che prende un bagno, ma la vita. La vita intera, col<br />
suo profumo il suo mistero, che tutto avvolge e consuma.<br />
I referenti di quest’opera austera e avvincente possono<br />
essere tanti. Ma per una volta non ne facciamo. Lasciamola<br />
vivere, questa preziosa manifestazione artistica,<br />
semplicemente da sola. Solo, vediamo di isolarla in questo<br />
nostro tempo rapido e fuggitivo, magari ricordandoci<br />
di Borges quando recitava: “Non ammirazioni né vittorie,<br />
ma semplicemente essere ammessi come parte di una<br />
verità immutabile. Come le pietre e gli alberi”.<br />
Alfonso e Nicola Vaccari<br />
vivono e lavorano a Forlì<br />
ARTA ntis.info<br />
25
TINA LUPO<br />
SCULTURE<br />
L’Immolato, 1998<br />
metallo bianco brunito, cm 40x30x15<br />
www.kultrunmuseum.it
LIBRI<br />
LA BIBLIOTECA<br />
DEL MERCATO<br />
ARTA ntis.info<br />
28<br />
ITALIA RELOADED<br />
Ripartire con la cultura<br />
Christian Caliandro<br />
Pier Luigi Sacco<br />
di Martha Mary Friel<br />
Il dibattito sul valore economico della cultura e sull’impegno<br />
o disimpegno che le nostre istituzioni sembrano<br />
dimostrare nei confronti del settore culturale è di grande<br />
attualità, rinfocolato, ormai qualche mese fa, dalla<br />
tremontiana frase ”la cultura non si mangia”, dai crolli<br />
pompeiani e dalle denunce di Stella e Rizzo sui vandali<br />
che assaltano le bellezze del Paese. Il tema dunque è<br />
ormai ampiamente uscito dalla ristretta cerchia dell’accademia<br />
e la riflessione sulla necessità di investire, non<br />
solo in termini economici - i soldi, è vero sono pochi ma<br />
forse sono soprattutto spesi male o non spesi - ma anche<br />
politici, sulla cultura si è andata man mano estendendo<br />
a più segmenti della società civile. La presa di coscienza<br />
dell’ormai evidente stallo del settore culturale nazionale<br />
sembra dunque un fatto assodato ma il dibattito che ne<br />
consegue ha assunto una via tutta italiana che non pare<br />
al momento aver trovato modalità incisive per esercitare<br />
un vero potere propositivo ma che, piuttosto, ha in<br />
un certo senso contribuito a rafforzare una concezione<br />
statica e conservatrice di ciò che chiamiamo cultura e<br />
degli strumenti necessari alla sua “valorizzazione”. Da qui<br />
nasce anche il dannoso paragone tra il patrimonio culturale<br />
della Penisola (inteso soprattutto come lascito del<br />
passato) e il petrolio, risorsa non rinnovabile che genera<br />
flussi di reddito garantiti “a prescindere da qualunque<br />
merito, competenza o attività del possessore”. Parte da<br />
questa e da altre riflessioni Italia Reloaded denunciando<br />
i mali di una visione della cultura come bene estrattivo e<br />
strumentale (per lo più al turismo) per liberarsi dalla quale<br />
gli autori- lo storico dell’arte Christian Caliandro e Pier Luigi<br />
Sacco, professore ordinario di Economia della Cultura<br />
alla IULM di Milano - invitano a “spalancare le finestre, far<br />
entrare aria e luce, ritornare alla vita”. La cultura infatti<br />
“richiede investimenti consistenti e rischiosi, ha un enorme<br />
valore intrinseco, e produce economie soltanto se è<br />
inserita in un contesto sociale caratterizzato da alti livelli<br />
di sviluppo umano e da una elevata propensione alla<br />
partecipazione dell’intera società civile.” Non solo, ma<br />
la cultura ha bisogno anche di “infrastrutture intangibili”<br />
come “la dimensione dello spazio mentale delle persone,<br />
la loro capacità di accedere e di dare valore a contesti<br />
di esperienza ricchi e complessi. La cultura ha bisogno di<br />
una società che pensa e che ama pensare.” Nulla di più<br />
lontano, dunque, concludono gli autori, dall’Italia di questi<br />
anni. Nell’attesa di (tornare a) sentir parlare seriamente<br />
i nostri rappresentanti di Politiche Culturali, intanto un libro<br />
per riflettere sulla cultura come “qualcosa di vivo e pulsante,<br />
organicamente connesso a noi stessi e alla realtà<br />
che ci circonda [...]”.<br />
Christian Caliandro<br />
Pier Luigi Sacco<br />
Italia Reloaded<br />
Ripartire con la cultura<br />
Edizioni Il Mulino<br />
Euro 13,50<br />
Giuliana Laportella<br />
Vito Riviello<br />
Paesaggi di Passaggio<br />
Onix Editrice, Roma<br />
Euro 30,00<br />
Giorgio Cutini<br />
Gabriele Perretta<br />
Stimmung/Roma<br />
Onix Editrice, Roma<br />
Euro 30,00<br />
La ristampa di Paesaggi di Passaggio / Fotofonemi di Giuliana Laportella,<br />
tradotti da Vito Riviello era attesa da tempo: a distanza di<br />
pochi anni dalla scomparsa del celebre poeta lucano, infatti, questo<br />
libro, per i lettori appassionati di correspondances, continua a<br />
rappresentare un punto di riferimento. Mischiando l’individuale con<br />
il collettivo, il sensibile con le emozioni reali, ben presto, Fotofonemi<br />
si è evoluto verso una realtà editoriale concreta, giungendo alla<br />
sfera del pensiero e attraversando nuovi mondi ed altre immaginazioni.<br />
La pratica fotofonemica si differenzia da altri libri di immagine/letteratura<br />
per l’uso del mezzo espressivo, precisamente per<br />
l’uso della lingua/immagine. Ogni fotografo/poeta sottoponendosi<br />
al rituale fotofonemico può inventare una propria lingua per poter<br />
comunicare con gli altri,una lingua con la quale rispecchiare il<br />
proprio mondo intimo e la specificità di essere in corrispondenza.<br />
Tra tutte queste lingue la lingua della fotografia/traduzione riunisce<br />
diversi mondi e diversi saperi, apre i confini delle menti, aiuta la ricerca<br />
di un’interiorità, s’immerge negli spazi del sogno, del desiderio,<br />
delle equivalenze e delle osmosi, creando le nuove identità,<br />
sotto la spinta dell’eterno punto interrogativo. Le poesie scelte dalla<br />
mano stessa di Riviello, scritte in gran parte negli ultimi anni di vita,<br />
grazie alle foto di Laportella, sono pensate come un sistema aperto,<br />
rivolto al cambiamento, in uno spazio in cui vengono a convergere<br />
specifiche individualità e testualità. Esse, sono legate ad<br />
una relazionalità complessa, dalla quale scaturisce un linguaggio<br />
coinvolgente e innovativo che ha dato vita alla medesima collana<br />
e ad un modo insolito di intendere il rapporto tra foto e lettera. La<br />
loro forza poetica nasce proprio dalla loro “funzione trasformativa”,<br />
nel cambiare gli schemi predefiniti di un passato oggi frantumato:<br />
reinventare nuove regole, sentirsi liberi e consapevoli, unificare<br />
e scambiare eccipienti creativi. Le voci della vivacità fotografica<br />
di Laportella spezzano il senso generale d’impotenza dell’immagine,<br />
creando un nuovo rapporto tra segni e cose. Agire all’interno<br />
dell’archetipo dell’intersoggettività vuol dire abbandonare le certezze,<br />
l’identità privata e rassicurante, garantita da riferimenti assodati<br />
e immediatamente riconoscibili. Ambientazioni fotografiche<br />
suggestive, parole ben caratterizzate (reali al punto di non perdere<br />
mai coerenza ma allo stesso tempo capaci di intrigare qualunque<br />
lettore), arricchiscono una corrispondenza fatta di intrecci inattesi,<br />
svolte repentine e implacabili scherzi dell’imagerie. Da questo libro,<br />
la figura dei fotofonemi viene fuori completa: c’è il poeta in veste<br />
di traduttore continuamente supportato dall’immagine letteraria e<br />
c’è la fotografa, in un’ampia serie di tavole che slitta verso il microracconto.<br />
Che poi i due poli non siano lontani e anzi si fondano<br />
e si confrontino di continuo, è il senso della testimonianza dei due<br />
artisti. La materia di ambedue è la realtà più immediata, i residui<br />
di quanto la storia vien triturando sulla pelle di tutti. E’ da dentro<br />
questa sostanza che nasce una tensione di temi, di confronti, di<br />
riferimenti continui, proliferanti e precisi come l’opera di un osservatore<br />
partecipante che non si lascia sfuggire alcun segnale. A distanza<br />
di alcuni anni, questi foto/testi non solo conservano intatte le<br />
loro peculiarità stilistiche e di argomentazione, ma introducono al<br />
viaggio nei Paesaggi di Passaggio e permettono al tempo stesso di<br />
approfondire i nessi essenziali di una ricerca.<br />
L’immagine della stimmung, apparentemente non produttiva,<br />
corre costante sul binario dei nostri pensieri che, quando<br />
sono prevalentemente ancorati agli spazi sui quali fermiamo<br />
la nostra attenzione, accentuano particolari situazioni, numerosi<br />
frangenti di rischio, in cui si potrebbe perdere perfino la<br />
stessa cognizione dello stato d’animo. La stimmung è e resta<br />
la condizione naturale di sopravvivenza, ma anche di profondo<br />
e non sempre comprensibile disguido conoscitivo, di<br />
cui spesso trascuriamo di darci ragione. Indubbiamente, non<br />
sempre si è preparati e consapevoli per affrontare l’annoso<br />
problema del tempo perduto, che incide notevolmente<br />
sulla disponibilità a nostro favore delle condizioni di vita che<br />
ci vengono riservate. Forse sarebbe auspicabile che proprio<br />
in quella direzione si riuscisse ad organizzare più adeguatamente<br />
il nostro complesso sistema di stati d’animo, proprio al<br />
fine di poter utilizzare le dimensioni dello slancio vitale, riservatoci<br />
per un più sicuro e convincente beneficio. Il problema<br />
della stimmung da sempre interroga l’uomo, inevitabilmente<br />
chiamato a dar senso al divenir sovrano esistenziale e continuamente<br />
impegnato nell’abbozzo di risposte che possano<br />
dar vita a questo impetuoso scorrere. Insieme alle questioni<br />
sul tempo, infatti, la stimmung è uno dei nodi più spinosi per<br />
la specie e per quel sapere, che è il confronto tra letteratura<br />
e fotografia, eternamente impegnato nel “definire” l’esserci.<br />
Stimmung, è la prima parola che viene in mente appena<br />
terminata la lettura del fotofonema Cutini/Perretta, che apre<br />
alla Trilogia del Grigio. Una raccolta di fotografie e timografie<br />
(scritti vari, meta-testi) in cui gli autori immergono i loro e i<br />
nostri sensi, fondendo pathos e natura della città di Roma.<br />
Scritture e immagini che percuotono i cavi del linguaggio,<br />
facendoci riconoscere in un universo archeologico contemporaneo,<br />
fatto di viste grigie, mise en abyme e flashforward,<br />
come quando il nostro tempo diviene racconto speculare.<br />
Il libro si estende per dieci brevi scritture e quarantadue<br />
foto che gettano le basi per una più ampia e matura comprensione<br />
di ciò che Mauro Ponzi (nella Post-fazione al libro)<br />
definisce reader oriented, ovvero “sbilanciato dalla parte<br />
dell’osservatore: l’oggetto della visione si carica di significati<br />
allegorici che mettono in discussione the act of seeing ... la<br />
possibilità di rappresentare. Ci troviamo di fronte a una sorta<br />
di - critica dello sguardo e della rappresentabilità della<br />
metropoli. Proprio nell’epoca della riproducibilità tecnica di<br />
qualsiasi immagine Perretta e Cutini si pongono, in termini teorici<br />
e in termini artistico-produttivi il problema della possibilità<br />
di rappresentare - qui e ora una visione (in questo caso<br />
una serie di visioni istantanee della città di Roma), partendo<br />
dal punto di vista di - colui che guarda, dell’osservatore<br />
munito di penna, di computer e di macchina fotografica, di<br />
colui che vuole cogliere l’invisibile (o il non immediatamente<br />
visibile) ed esprimere anche, se non soprattutto, il suo - stato<br />
d’animo, la sua Stimmung”. L’opera ha l’indubbio merito<br />
di inserirsi perfettamente nel dibattito su immagine e critica,<br />
con il rigore del linguaggio letterario e la destrezza della fotografia<br />
poetica di chi, con attenta e accurata analisi dei<br />
concetti e delle forme dell’immaginazione, ci invita a pensare<br />
che «le accordature sono fatte di inevitabili suggestioni fra<br />
principi di condotta e fin de partie».<br />
LIBRIeCATALOGHI<br />
ARTA ntis.info<br />
29
BACHECA<br />
GLI AMICI DI<br />
ARTANTIS.info<br />
ARTA ntis.info<br />
30<br />
Le Sette opere di Misericordia<br />
un capolavoro di Caravaggio a Napoli<br />
di Francesco Verolino<br />
A Napoli nel Pio Monte della Misericordia è conservato uno dei<br />
quadri più belli del mondo: Le Sette opere di Misericordia. Olio<br />
su tela (cm 390x260) autore, forse superfluo a dirsi, Michelangelo<br />
Merisi da Caravaggio. Eseguita nel 1607 su commissione<br />
della Chiesa del Pio Monte della Misericordia di Napoli, durante<br />
il periodo di permanenza a Napoli dell’Artista, costretto a<br />
scappare da Roma per aver ucciso Ranuccio Tomassoni per<br />
futili motivi. L’opera doveva mostrare le attività caritatevoli del<br />
Pio Monte, ma il genio e l’estro del Maestro ambienta la scena<br />
in un vicolo di Napoli del 1600, brulicate di vita e di miseria. In<br />
alto la Madonna col Bambino sorretti da angeli e via via tutti i<br />
personaggi simboleggianti le opere della Misericordia.<br />
Dar da bere agli assetati: Sansone che si disseta da una mascella<br />
d’asino. Ospitare i pellegrini: l’oste che accoglie il pellegrino.<br />
Visitare gli infermi e vestire gli ignudi: il giovane (San<br />
Martino di Tours) che si toglie il mantello per donarlo all’uomo<br />
nudo seduto e si reca verso l’altro con una stampella. Seppellire<br />
i morti: il diacono con la torcia e il becchino che trasporta<br />
un cadavere. Visitare i carcerati e dar da mangiare agli affamati:<br />
la fanciulla Pero che si reca in carcere di nascosto e<br />
nutre il padre Cimone col suo latte.<br />
Questa è l’opera che estasia il visitatore, che fermo osserva<br />
l’inconfondibile luce che solo Caravaggio sa dare alle sue<br />
opere. Non sembra un caso tale capolavoro, in una città essa<br />
stessa un’opera d’arte.<br />
Ada Sorrentino<br />
un percorso esistenziale attraverso la pittura<br />
di Paolo Tricase<br />
Monreale rende omaggio ad una singolare artista (pittrice,<br />
scultrice ed orafa): Ada Sorrentino. La quale, in questa mostra<br />
presenta, raggrupate in diversi cicli, una serie di tele di grandi<br />
dimensioni, realizzate negli ultimi venti anni. Attraverso queste<br />
opere Ada Sorrentino esplicita il proprio percorso esistenziale,<br />
scandito secondo il ritmo armonico di una pittura densa e<br />
pregna di significati. Il colore, nell’opera dell’artista (da anni<br />
residente a Grosseto, ma di origini campane) si carica di tensioni,<br />
definisce luoghi-non luoghi, dove tutto si complie o tutto<br />
è già compiuto. Il suo è un procedere per stati d’animo, per<br />
sensazioni che si stratificano nel perimetro della tela. E tale<br />
perimetro diventa il mondo dove la pittrice si perde e si ritrova<br />
e attraverso il quale ci comunica il suo sentire di donna e di<br />
artista.<br />
PRIMO PIANO<br />
Rosario VULLO<br />
di Vinny Scorsone<br />
Angela Tindara LA ROCCA<br />
di Paolo Tricase<br />
Dayse RODRIGUES<br />
di Graziella Melania Geraci<br />
ARTISTI IN VETRINA<br />
Gemma AMICO<br />
Luca BRAGLIA<br />
Laura BELLODI<br />
Andrea BOLTRO<br />
Franco CECCONI<br />
Carmine CERBERA<br />
Claudio COMANDINI<br />
Antonella CUCINELLI<br />
Patricia DEL MONACO<br />
Roberta FAVA<br />
Carlo FEBBO<br />
Elio GERVASI<br />
Anna GIARGONI<br />
Alexandra MACIAC<br />
Lina MARANDO MIRANDOLINA<br />
Le Thui Ai MARY<br />
Babbo NATALE<br />
Tamara PODRYA<br />
Alex PRETI<br />
Maria Grazia PUGLISI<br />
Cinzia QUADRI<br />
Vittoria SALATI<br />
Agostino SAVIANO<br />
Maria Rosa SCALCO<br />
Gheri SCARPELLINI<br />
Ada SORRENTINO<br />
Maria Teresa STASI<br />
Paolo TERDICH<br />
ARTISTI IN VETRINA<br />
Pio Monte della Misericordia<br />
Via dei Tribunali, 253 - 80139 Napoli<br />
www.piomontedellamisericordia.it<br />
dal 28 maggio al 17 giugno 2011<br />
Civica Galleria d’Arte Moderna “G. Sciortino”<br />
Piazza Gugliemo II - 90046 Monreale (PA)
ARTA ntis.info PRIMO PIANO<br />
vullo<br />
rosario<br />
di Vinny Scorsone<br />
È un caldo pomeriggio di primavera. Rosario Vullo mi accoglie nel<br />
suo studio e pian piano comincia a parlarmi del suo lavoro. Sentirlo<br />
narrare della genesi delle sue opere è piacevole. Il racconto è un<br />
crescendo di toni e temi. Vullo si lascia infervorare da ciò che fa e<br />
come un fiume in piena riversa su chi lo sta ad ascoltare il suo entusiasmo.<br />
Progetti per statue, portoni bronzei, monumenti, medaglie<br />
commemorative etc. vengono posti alla mia attenzione, accompagnati,<br />
ognuno, da una storia differente. Lo conosco da anni e riesce<br />
sempre a stupirmi. Nel grande ambiente, dove si respira l’odore<br />
della plastilina, le sue creazioni e gli studi preparatori delle grandi<br />
sculture, fanno da sfondo ai tanti racconti. Osservo. Ogni particolare<br />
delle sue statue è studiato alla perfezione con un’attenzione<br />
quasi maniacale. Marmo, creta, gesso, pietra, bronzo, ceramica,<br />
granito, cartapesta, nessuna tecnica gli è ostile. Noto ai più soprattutto<br />
per il suo lavoro di scultore monumentale, Vullo mette, nelle<br />
sue opere, ore e ore di studio e ricerca. La creazione “di getto”<br />
non gli appartiene, tutto è ben ponderato e compreso prima di<br />
essere realizzato. I suoi tempi sono lunghi perché la creazione altro<br />
non è che un momento dilatato di tempo. È uno scultore classico,<br />
senza timor di smentita, ma nel suo Io più profondo vi è una sorta di<br />
lotta intestina tra ciò che fa su commissione (in cui ogni cosa deve<br />
essere “canonica”) e ciò che fa per se stesso. Eppure in questa sua<br />
classicità anacronistica vi sono tracce di una ribellione interna che<br />
vibra sottopelle. Anche la più tradizionale delle statue bronzee o<br />
marmoree da lui eseguita, difatti, porta in sé dettagli generati dal<br />
desiderio inconscio di anticonvenzionalità. Classico sì, dunque, ma<br />
con moderazione. Il suo repertorio di immagini comprende leoni,<br />
figure mitologiche, cavalli, sacre famiglie, ma in ognuna di esse c’è<br />
una piccola traccia che le lega a questi nostri tempi: la visione della<br />
vita. Statue classiche, quindi, si ritrovano ad avere “sentimenti”<br />
legati a questo secolo, con tutti i turbamenti e le inquietudini che<br />
contraddistinguono l’essere umano. Ballerine dai corpi muscolosi di<br />
atlete danzano su esili piedistalli, Madonne serene e pulsanti d’amore<br />
(anche fisico) prendono il sole e giocano con il piccolo Gesù o<br />
abbracciano un umanissimo San Giuseppe, cardinali guardano lo<br />
spettatore con un sorriso compiaciuto e, a volte, anche beffardo.<br />
Dove però Rosario Vullo dà il massimo di sé è nella realizzazione di<br />
grandi statue. Soprattutto lì niente è lasciato al caso. Ogni tratto<br />
distintivo del personaggio viene analizzato ed interpretato. La rappresentazione<br />
canonica, ad un occhio attento, è accantonata e<br />
la statua si arricchisce di nuovi simboli divenendo, essa stessa, oggetto<br />
di studio per altri. Quella per la scultura, in Rosario Vullo, è una<br />
passione profonda ed infuocata iniziata anni fa per puro istinto che<br />
lo ha portato a diplomarsi, lui perito tecnico, presso l’Istituto Statale<br />
d’Arte e successivamente a frequentare la prima cattedra di scultura<br />
presso l’Accademia di Belle Arti di Palermo. Quella che era<br />
una passione è divenuta quindi lavoro. Un lavoro che ogni giorno si<br />
arricchisce di nuovi stimoli e nuovi progetti in cui contemporaneità<br />
e classicismo convivono. In Rosario Vullo, contenitore e contenuto,<br />
forma ed essenza giocano da anni una lunga partita e solo il tempo<br />
ci dirà chi avrà il sopravvento o se continueranno a percorrere<br />
insieme il sentiero dell’Arte.<br />
Sacra Famiglia (part.) 2005<br />
terracotta, cm 47x25x12<br />
Rapita dalle onde 2000<br />
bronzo, cm 50x27x15<br />
Rosario Vullo<br />
Via G. Naccari, 6 - 90123 Palermo<br />
Tel. 091.475917 - Cell. 328.8883507<br />
info@rosariovullo.it - www.rosariovullo.it<br />
sotto<br />
Mora 2003<br />
tecnica mista su tela, cm 150x200<br />
Autoritratto 1996<br />
olio su tela, cm 70x50<br />
Angela Tindara<br />
La Rocca<br />
di Paolo Tricase<br />
Angela Tindara La Rocca nasce nel 1978 a Barcellona Pozzo<br />
di Gotto, in Sicilia, cittadina nota nel mondo dell’arte per<br />
aver dato i natali ad uno dei più importanti artisti concettuali<br />
italiani, ovvero Emilio Isgrò. Sin da giovanissima dimostra una<br />
predisposizione al disegno e alla pittura. Nel 1996 si trasferisce<br />
a Palermo, dove studia presso l’Accademia di Belle Arti<br />
e dove inizierà a frequentare il mondo artistico della città,<br />
frequentando artisti, mostre, musei. E’ in questi anni che conosce<br />
e frequenta Ezio Pagano, seguendone il percorso di<br />
trasformazione che porterà la sua galleria a diventare l’Osservatorio<br />
dell’Arte Contemporanea in Sicilia - Museum. A<br />
questa struttura dedicherà la sua tesi: un lavoro approfondito<br />
che permetterà alla giovane artista di conoscere da<br />
vicino non solo le opere dei maggiori artisti siciliani del XX<br />
secolo, ma di conoscerne molti in maniera diretta. Tutto ciò<br />
sarà fondamentale per la sua maturazione pittorica: avrà<br />
consapevolezza che l’arte del nostro tempo non può che<br />
essere enigmatica e deve essere intrisa di senso e significato;<br />
complice di questa certezza la lettura di testi e saggi che<br />
stimolano la sua ricerca intellettuale. Più recentemente, a<br />
partire dal 2010, riordina il suo bagaglio tecnico e culturale,<br />
dando vita ad una ricerca che, prendendo spunto dal reale<br />
approda a nuove forme, partendo da una appassionata<br />
indagine su oggetti e cose e, soprattutto, da corpo umano,<br />
che indaga in tutte le sue direzioni. Nascono così opere in<br />
cui si percepisce il senso di una gestazione continua, come<br />
di un corpo in crescita, che testimonia della viva partecipazione<br />
al processo creativo, fatto di idee e di tensione immaginifica.<br />
Il quadro finito sarà infine la testimonianza di questo<br />
travaglio, offerto per immagini dense ed efficaci, protagoniste<br />
di incessanti racconti dipinti.<br />
Angela Tindara La Rocca<br />
vive ed opera tra Palermo e Barcellona P.G. (ME)<br />
bidditta@libero.it<br />
PRIMO PIANO
ARTA ntis.info PRIMO PIANO<br />
Dayse<br />
Rodrigues<br />
di Graziella Melania Geraci<br />
Nei quadri di Dayse Rodrigues sembra di leggere foreste<br />
tropicali, città animate e popolate da stoffe vivaci,<br />
un mondo visivo che prende vita in macchie veloci, in<br />
impasti cromatici dai complessi intrecci e dai giochi geometrizzanti.<br />
La liquida profusione di colore che invade<br />
la tela appare come un fiume in piena deviato da correnti<br />
avverse. Sorprende la gioia e il sorriso perenne alla<br />
vita di un espressionismo di matrice astratta che devia<br />
talvolta in sperimentazioni quasi figurative ma che conservano<br />
il lavorio spumeggiante dei vortici colorati. La<br />
serie Joy of life rimanda alla volontà di concretizzare la<br />
spiritualità della materia, avvia il sentire al corrispettivo<br />
cromatico ed elabora un incontro, un accostamento di<br />
impulsi pittorici che non si fondono mai completamente.<br />
La cromia dalle tinte sgargianti denota una sicurezza<br />
nella definizione descrittiva, una naturale propensione<br />
all’illustrazione gestuale che mantiene sempre un assetto<br />
positivo, magico e onirico. Life is a Carnival allude a<br />
presenze umane, una folla di danzatori ubriachi di sole<br />
e colore si accalca felice in una processione di forme<br />
inconsuete. Osservato da un punto lontano, l’horror vacui<br />
non lascia spazio al riposo dell’occhio mentre fiori,<br />
labbra e cuori, come timide metafore di sensazioni che<br />
si perdono nel rumore gioioso, appaiono civettuoli sulla<br />
tela animata. Quando la minuzia descrittiva diventa<br />
perizia ilare, dalla massa cromatica affiorano inquiete<br />
immaginette che rapide si spostano in ogni angolo<br />
dell’opera. Ritorna il mare e il colore, ritorna nell’atto<br />
creativo il ricordo della patria lontana, il Brasile, che invade<br />
e pervade l’immaginario artistico di Dayse Rodrigues<br />
rendendolo magico. L’apparente anarchia della<br />
serie Espressionismo astratto si concretizza in istintività<br />
pragmatica, in una pulsione allucinatoria che viene rimaneggiata<br />
e cesellata con singoli gesti che ne modificano<br />
le coordinate iniziali. Nascono così i racconti<br />
eleganti su fondo nero che esplodono come fuochi vitali<br />
sulla superficie dove dialogano voci interiori. Tutto<br />
l’universo pittorico dell’artista è la rappresentazione virtuale<br />
della realtà, non quella fenomenica ma i pensieri,<br />
i ricordi e le sensazioni che macchiano con incisività la<br />
tela. Lo spazio indeterminato e di assoluta libertà consente<br />
alla Rodrigues la suggestiva emergenza di tracce<br />
segniche che si espandono fluidamente e portano a<br />
galla momenti e riflessioni di una coscienza ricettiva. Le<br />
campiture vengono rimaneggiate, lavorate con spatole<br />
che sostituiscono il pennello, che aggiungono, spostano<br />
o graffiano via il colore attenuando la tensione e<br />
l’inquietudine iniziale di un’artista eclettica e sperimentatrice<br />
instancabile.<br />
Ciclo Joy of Life 4A 2010<br />
acrilico su tela, cm 40x40<br />
sopra, dall’alto<br />
Senza titolo 2011<br />
acrilico su tela<br />
Senza titolo 2011<br />
acrilico su tela<br />
Overhead View 2011<br />
acrilico su tela, cm 50x150<br />
Ciclo Joy of Life 4B 2010<br />
acrilico su tela, cm 40x40<br />
in questa pagina, dall’alto<br />
Rouge Wave (Onda anomala) 2011<br />
dittico, acrilico su tela, cm 105x170<br />
Albero Lunare 2011<br />
acrilico su tela, cm 40x60<br />
Stravaganze 2011<br />
acrilico su tela, cm 40x60<br />
Dayse Rodridues, è un’artista che parla linguaggi diversi<br />
con una sola passione, attraverso il sentiero di una personale<br />
ricerca. Quello dell’Informale e dell’Astrattismo, è un<br />
linguaggio che le appartiene e la conduce ad elaborare<br />
opere autentiche, espressione della sua inquietudine: e insieme,<br />
del suo amore per la vita. C’è, in questa pittrice di<br />
origine brasiliana, la lezione dei grandi maestri del 900, il<br />
volto della sua terra, l’impeto e la forza del colore. Ora, lasciato<br />
sulla tela con maestria e precisione, ora più casualmente.<br />
Talvolta, delimitato dal segno, che crea geometrie<br />
o tratti più morbidi. E’ un astrattismo di forme e gesti che restano<br />
fermi, che fluttuano, si rincorrono, si muovono, si ripetono.<br />
Come vortici, dove regnano colori caldi e poi quelli<br />
freddi. Scia, che racconta della sua gioia, di un tumulto del<br />
cuore. Pennellate come petali di un fiore sbocciato, come<br />
gocce di pioggia: lacrime che si fondono con un mare,<br />
fatto di arcobaleno. (Cecilia Ci)<br />
Dayse Rodrigues<br />
Via I Maggio, 65<br />
47025 Montecastello, Mercato Saraceno (FC)<br />
Cell. 335.6174980<br />
www.dayserodrigues.com
Composizione cromatica<br />
tecnica mista, cm 40x40x4<br />
ADASORRENTINO<br />
Diario di viaggio in grigio<br />
acrilico e sabbia su tela, cm 80x80<br />
MARIA ROSA<br />
S C A L C O<br />
www.mariarosascalco.it<br />
Via Wagner, 46<br />
41122 Modena<br />
Tel. 059.280737<br />
Cell.333.8317227<br />
mariarosascalco@libero.it<br />
sopra<br />
Presagio<br />
olio materico su tela, cm 40x50<br />
a sinistra<br />
Forze opposte<br />
olio su tela, cm 30x38<br />
L’albero della speranza<br />
tecnica mista su tela, cm 100x100<br />
Patricia DEL MONACO<br />
w w w . p a t r i c i a d m a r t . i t<br />
L’albero del tempo<br />
tecnica mista su tela, cm 100x100<br />
patriciadmart@libero.it<br />
Tel. 06.5010066 - Cell. 389.9886133<br />
Antico Cassero del Sale, 30 - 58100 Grosseto<br />
Cell. +39 328.5635261<br />
E-mail as@adasorrentino.com<br />
www.adasorrentino.it
ALEXPRETI<br />
CARLOFEBBO<br />
PAOLOTERDICH<br />
Donna del vulcano, 2011<br />
olio su tela, cm 50x35<br />
Serie “Le Tavole”, 2011<br />
tecnica mista e acrilico su cartone telato, cm 40x50<br />
Via Umberto I, 73 - 26047 Scandolara Ripa D’Oglio (CR)<br />
Tel. 0372.89388 - Cell. 335.5903616<br />
info.alexpreti@yahoo.it<br />
www.alexpreti.com<br />
Via Vittorio Veneto, 4 - 30020 Fossalta di Portogruaro (VE)<br />
Cell. 348.8702614<br />
obbef@tiscali.it<br />
Acqua 19 | 2009<br />
olio su tela, cm 70x90<br />
Acqua 19 | 2009<br />
olio su tela, cm 70x90<br />
ALEXANDRAMACIAC<br />
TAMARAPODRYA<br />
Mani 7 (Acqua) | 2011<br />
olio su tela, cm 50x70<br />
Snob, 2010<br />
olio su tela, cm 100x100<br />
Maciac Art Gallery<br />
Castello, 2422 - 30122 Venezia<br />
Tel. 389.6457770 - Cell. 345.6869640<br />
info@maciacartgallery.it www.maciacartgallery.it<br />
Paesaggio<br />
olio su tela, cm 30x40<br />
skype: tamara_podrya<br />
imperia_platinum@yahoo.it<br />
tamarapodrya.narod.ru<br />
Custodito nel cuore | 2008<br />
olio su tela, cm 70x50<br />
Piazza Cittadella, 11 - 29100 Piacenza<br />
Cell. +39 335.5923181 - +39 346.7808680<br />
p.terdich@tiscali.it - p_terdich@yahoo.com<br />
www.paoloterdich.it
B a b b o N a t a l e<br />
narcisoarmando@libero.it<br />
CINZIAQUADRI<br />
Sono ..., 2009-2010<br />
china su carta, cm 33x24<br />
Sono un Cattivo Scherzo<br />
Sono l’Ultimo Inizio<br />
Sono la Luna Calante<br />
Un Allarme Latente<br />
Sono l’Ennesima Delusione<br />
La Fine di una Canzone<br />
La Malinconia che Cade<br />
In Fondo al Cuore<br />
Un Giocattolo Abbandonato<br />
Sono una Vergine Sciupata<br />
Sono un Giorno Qualsiasi<br />
Sono l’Ultima Volta<br />
Sono un Sospiro Esalato<br />
Un Volto Consumato<br />
Sono un Fiume Malato<br />
Un Utensile Inutilizzato<br />
Sono la Chiave Buttata<br />
Una Parete Sfondata<br />
Son un Buco in Testa<br />
Un Lebbroso alla Finestra<br />
Sono un Fiore Essicato<br />
Un Polso Lacerato<br />
Sono un Cuore Spezzato<br />
Un Cuore Frantumato<br />
Un Cuore Strappato<br />
Sono un Cuore Spezzato<br />
(Carlo Ninivaggi @ Dark Morning)<br />
FRANCOCECCONI<br />
Il mistero di una farfalla<br />
olio su tela, cm 70x40<br />
ANDREABOLTRO<br />
Ad eccezione di quando, 2011<br />
olio e acrilico su tela, cm 70x70<br />
Anniversario, 2011, acrilico su tela, cm 40x30<br />
Ho voluto anch’io fare qualcosa per il 150° anniversario dell’ unità d’<br />
Italia. Ho rappresentato in questo disegno colorato la Bandiera su una<br />
terra fertile che è l’ Italia, con un ulivo, simbolo universale della pace e<br />
della nostra grande tradizione. Gli ho voluto dare la data del I Maggio,<br />
festa dei lavoratori, anche perchè coincide con la Beatificazione del<br />
Grande Papa Karol Wojtyla, molto caro a tutti gli italiani, rappresentando<br />
l’evento con un cielo dorato. L’ulivo vuole anche ricordare un altro<br />
Santo, anch’esso molto caro a noi italiani San Padre Pio, che andava a<br />
pregare e meditare sotto l’ ulivo. Ricordando poi che i due erano amici,<br />
infatti la storia dice che proprio il Papa scrisse a Padre Pio, chiedendogli<br />
di intercedere per una sua cara amica malata.<br />
artinfo@cinziaquadri.it<br />
www.cinziaquadri.it<br />
Via Carlo Marx, 1A - 56020 Staffoli (PI)<br />
Tel. 0571.37528 - Cell. 349.6073004<br />
cecconi.franco@libero.it<br />
www.francocecconi.net<br />
AGOSTINOSAVIANO<br />
Corso Casale, 23 - 13039 Trino (VC)<br />
Tel. 0161.801989<br />
elena.boltro@alice.it - architte@afib.191.it<br />
www.andreaboltro.it<br />
CARMINECERBERA<br />
www.associazioneartantis.org<br />
ARTANTIS.Associazione Culturale<br />
nel quadro delle iniziative per la promozione<br />
degli artisti contemporanei<br />
organizza una mostra collettiva itinerante<br />
in dieci importanti sedi espositive italiane<br />
I colori della Fortuna, 2011, acrilico su cartoncino, cm 24x18<br />
Forse nessuno ci ha pensato: esaminando le carte da gioco (francesi)<br />
notiamo che hanno 4 semi ma 2 colori. Esaminando una roulette notiamo<br />
che ha 30 numeri più lo zero ma sono tutti distinti in 2 colori. Nero e<br />
Rosso, appunto: I colori della Fortuna.<br />
La mostra è riservata<br />
a soli venti artisti selezionati<br />
Gli artisti interessati possono conttattare<br />
ARTANTIS.Associazione Culturale<br />
scrivendo a:<br />
info@associazioneartantis.org<br />
Omaggio a De Chirico<br />
tecnica mista, cm 100x80<br />
Via C. Fanzago, 19 - 81030 Orta di Atella (CE)<br />
Cell. 339.5068738<br />
agostino.saviano@virgilio.it<br />
Senza titolo<br />
tecnica mista, cm 150x150<br />
Viale della Repubblica, 8 - 80025 Casandrino (NA)<br />
carmineprofcerbera@libero.it
Mirandolina<br />
Lina Marando<br />
www.mirandolina.too.it<br />
Navigando<br />
collage su jeans, cm 80x80<br />
AntonellaCUCINELLI<br />
a n t o n e l l a c u c i n e l l i @ v i r g i l i o . i t<br />
Verso la Grecia<br />
collage su jeans, cm 80x80<br />
Via Del Lavoro, 30B - 72100 Brindisi<br />
cell. 340.7275084<br />
CLAUDIOCOMANDINI<br />
LUCABRAGLIA<br />
Traffic, 2008, tecnica mista su tavola, cm 125x95<br />
Caos retroattivo, 2011<br />
acrilico su tavola, cm 220x90<br />
Via Cesare Colizza, 38 - 00047 Marino (Rm)<br />
claudio_comandini@yahoo.it<br />
www.claudiocomandini.eu<br />
Yggdrasill , 2010<br />
encausto, olio, acrilico su tela, cm 68x64<br />
Piazzale degli Erri, 14 - 41121 Modena<br />
Cell. 338.4441556<br />
info@latelie.it<br />
www.latelie.it<br />
Galleria ViviArteViva<br />
Via Madonna delle Rose, 34 - 10134 - Torino<br />
Tel. +39 347.9453075 Fax 011.3114769<br />
www.viviarteviva.it<br />
viviarteviva@libero.it
GHERISCARPELLINI<br />
VITTORIASALATI<br />
L A U R A B E L L O D I<br />
Senza titolo<br />
acrilico su masonite, cm 50x60<br />
Via Cadore 52 - 20135 Milano<br />
Tel. 349.8090896<br />
gheriscarpellini@gmail.com<br />
www.gheriscarpellini.it<br />
In volo nel cosmo<br />
incisione manuale su tavola di legno MDF, colore acrilico<br />
aliante realizzato a mano con legno di mogano massello, cm 40x40<br />
Tel. 02.95308185 - Cell. 349.4707155<br />
vittoriasalati@alice.it<br />
www.vittoriasalati.com<br />
ANNAGIARGONI<br />
ROBERTAFAVA<br />
Volti<br />
bronzo, cm 30x18x15<br />
40026 Imola (BO)<br />
Cell. 348.9038523<br />
annagiargoni@tiscali.it<br />
La casa del glicine, 2009<br />
olio su tela, cm 40x60<br />
Via XXV Aprile, 2 - 45019 Taglio di Po (RO)<br />
Tel. 0426.346066 - Cell. 349.2132167<br />
Ritratto di Nero, 2011, acquerello, cm 30x20<br />
Via Marsala, 7 - 47122 Forlì<br />
Tel. 0543.28642 - Cell 347.5101533
MARIA GRAZIAPUGLISI<br />
GEMMAAMICO<br />
w w w . e l i o g e r v a s i . c o m<br />
eliogervasi@tiscali.it<br />
Riflessi, 2010<br />
olio su tela, cm 50x70<br />
Cell. 349.0816619<br />
mariagrazia.puglisi@tiscali.it<br />
www.mariagrazia-puglisi.com<br />
MARIA TERESASTASI<br />
Madonna della Tenerezza, 2010<br />
olio su tela con Glitter, cm 40x30<br />
Via Risorgimento, 21 - 72020 Erchie (Br)<br />
Cell. 334.3101122<br />
info@creazionistasi.net<br />
www.creazionistasi.net<br />
Incomunicabilità<br />
acquerello su tela, cm 50x40<br />
gemmamico@alice.it<br />
www.gemmaamico.it<br />
LE THUY AI “MARY”<br />
Il cuore solitario<br />
olio su tela, cm 100x100<br />
Cell. 331.4489383<br />
mary@artistacontemporanea.com<br />
simpaticabella@yahoo.it<br />
www.artistacontemporanea.com<br />
Messina encantada<br />
olio su tela<br />
Chiesa di San Pancrazio a Taormina<br />
olio su tela<br />
Giardino con famiglia a Taormina<br />
olio su tela<br />
Natura morta con colombe<br />
olio su tela<br />
E l i o G E R V A S I
Josè Morea<br />
Viaggio in Sicilia 2<br />
OPERE 1986 - 2010<br />
Giovanni Lamberti<br />
Le Rond<br />
Palazzo Celauro<br />
Via Celauro, 7 (Trav. Via Atenea) - 92100 Agrigento<br />
www.officinedellearti.com<br />
AGRIGENTO, OFFICINE DELLE ARTI<br />
4 giugno - 10 luglio 2011<br />
Inaugurazione<br />
Sabato 4 giugno ore 19,00<br />
sarà presente l’Artista<br />
Composizione, 2010<br />
acrilico, alluminio e resina su tela<br />
cm 180x30x6<br />
Via Aldo Moro, 13<br />
25124 Brescia<br />
Cell. 335.6066339<br />
Fax 030.226420<br />
www.lerond.it<br />
info@lerond.it<br />
Comune di Agrigento<br />
La città della<br />
Valle dei Templi<br />
www.abama.it<br />
Centro Studi Erato<br />
www.centrostudierato.com<br />
Agrigento<br />
da martedì a sabato<br />
domenica<br />
lunedì chiuso<br />
ore 17,00-21,00<br />
ore 10,00-13,00 / 17,00 - 21,00<br />
INGRESSO LIBERO
www.agrigentoarte.it<br />
VII MOSTRA INTERNAZIONALE D’ARTE MODERNA E CONTEMPORANEA<br />
Consulente artistico: Francesco Gallo<br />
Nei riquadri particolari da opere di Mark Kostabi, Vera Gabriella Occhetti, Daria Musso<br />
MOSTRA INTERNAZIONALE D’ARTE CONTEMPORANEA SEGNALI DEL TEMPO 2011<br />
AGRIGENTO, PALACONGRESSI<br />
7, 8, 9 ottobre 2011<br />
Venerdì<br />
Sabato<br />
Domenica<br />
ore 17,00 - 22,00<br />
ore 10,00 - 13,00 / 16,00 - 23,00<br />
ore 10,00 - 13,00 / 16,00 - 22,00<br />
INGRESSO LIBERO<br />
Comune di Agrigento<br />
La città della<br />
Valle dei Templi<br />
Centro Studi Erato<br />
Agrigento<br />
Segreteria organizzativa<br />
Centro Studi Erato<br />
Via Matilde Serao, 6 - 92100 Agrigento<br />
Tel. (+39) 0922.1804926<br />
Cell. (+39) 329.5460822 - (+39) 388.3531958<br />
Web: www.agrigentoarte.it<br />
E-mail: info@agrigentoarte.it