Art et technique - Centre Pompidou

Centre Pompidou / Dossiers pédagogiques / Art et philosophie : ART ET TECHNIQUE. CHOIX DE TEXTES ET PARCOURS
Horkheimer (1895-1973). Pour les fondateurs de l'École de Francfort, l'art moderne est de
plus en plus prisonnier du mode de production industrielle qui impose à tous les produits ses
critères de rationalisation, de performativité et de standardisation.
Les œuvres de l'esprit n'échappent pas à cette logique dont le système capitaliste tire le plus
grand profit et qui transforme les amateurs d'art en simples consommateurs de produits tout
faits, destinés à les divertir. C'est le règne de l'industrie culturelle.
Sous un tel règne, les produits culturels (qu'on ne peut plus appeler des œuvres d'art) sont
techniquement formatés pour plaire au plus grand nombre et pour produire le bénéfice
maximal. De tels produits, fabriqués en série, ne visent pas à interroger le monde, à lui offrir
la voie d'une réforme possible, encore moins à libérer les masses de l'aliénation qui,
toujours, les guette, mais au contraire à perpétuer le système en en recouvrant les
souffrances du masque de l'amusement.
Dans le capitalisme avancé, l’amusement est le prolongement du travail […] Le
prétendu contenu n’est plus qu’une façade défraîchie, ce qui s’imprime dans l’esprit
de l’homme, c’est la succession automatique d’opérations standardisées. Le seul
moyen d’échapper à ce qui se passe à l’usine et au bureau est de s’y adapter
durant les heures de loisirs.
Adorno et Horkheimer, La dialectique de la raison (1944), Gallimard, 1983, p.147
L’industrie culturelle réalise ainsi pleinement la logique marchande de nos sociétés soumises
à l'exploitation bien réelle du travail et à l'épanouissement illusoire des loisirs, le premier
comme les seconds n'ayant qu'un seul maître : le profit.
HOMOGÉNÉISATION CULTURELLE ET CULTE DE L’ORIGINALITÉ
La désacralisation de l'œuvre d'art contenue dans la perte de son aura semble donc bien
peu favorable à la création d'œuvres originales, tout à la fois ancrées dans le réel, capables
d'en proposer un éclairage critique et porteuses d'un authentique potentiel subversif. Tout au
contraire, elle produit une homogénéisation culturelle à laquelle les techniques modernes
participent au plus haut point. Dès lors, la démocratisation de l'art que Benjamin appelait de
ses vœux a bien lieu mais elle se fait au bénéfice d'une gestion consumériste et purement
comptable des produits culturels.
Au demeurant, même les œuvres qui paraissent échapper à la planification technocratique
de ce qu'il est bon de consommer culturellement, finissent par se soumettre à la loi d'airain
du marché. Ne participent-elles pas, à leur insu, à une régulation invisible (et d'autant plus
dangereuse qu'elle est invisible) : celle d'un monde uniformément soumis à la logique
implacable d'une productivité vide de sens ?
Ainsi, la recherche de la nouveauté pour la nouveauté, qui caractérise beaucoup d'œuvres
actuelles, finit par s'imposer comme une règle impérieuse et le culte de l'originalité livre le
moi sans attache, sans passé ni avenir, seulement soucieux de se différencier des autres, à
la loi du plus fort qui est, ici, celle des placements financiers. En se libérant de toutes les
règles, l'art laisse en quelque sorte le champ libre à la règle invisible qui fait de l'homme
même son instrument : la règle de la soumission aux mécanismes d'un monde désenchanté.
Adorno peut ainsi écrire :
Aucune expérience, pas même celle qui échappe le plus au commerce, qui ne soit
minée. Ce qui se produit en économie, la concentration et la centralisation, qui tire
à soi la dispersion, et ne réserve les existences indépendantes que pour les
statistiques, agit à l'intérieur des innervations les plus subtiles de l'esprit, sans qu'il
soit possible, la plupart du temps, de prendre conscience des médiations.
Th. W. Adorno, Théorie esthétique (1966-1969), Klincksieck, 1995, p.56
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