regard 03 - L'espace de l'art concret
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Espace <strong>de</strong> l’Art Concret<br />
Dossier <strong>de</strong> presse<br />
“<strong>regard</strong> <strong>03</strong> : Surprises Concrètes<br />
les nouvelles donations <strong>de</strong> Sybil Albers et Gottfried Honegger,<br />
ainsi qu’un don <strong>de</strong> Hansjörg Glattfel<strong>de</strong>r”<br />
exposition du 30 septembre 2007 au 20 avril 2008<br />
donation Albers-Honegger<br />
ouvert :<br />
- du mardi au dimanche, <strong>de</strong> 11h à 18h, du 1er septembre au 30 juin.<br />
Contact presse :<br />
Heymann-Renoult associées<br />
29 rue Jean-Jacques Rousseau - 75001 Paris<br />
Tel : 01 44 61 76 76 - Fax : 01 44 61 74 40<br />
www.heymann-renoult.com<br />
Espace <strong>de</strong> l’Art Concret<br />
Château <strong>de</strong> Mouans – F 06370 Mouans-Sartoux<br />
tél : 04 93 75 71 50 / fax : 04 93 75 88 88<br />
site : www.espace<strong>de</strong>lart<strong>concret</strong>.fr<br />
L’Espace <strong>de</strong> l’Art Concret bénéficie du soutien <strong>de</strong> la Ville <strong>de</strong> Mouans-Sartoux, du Ministère <strong>de</strong> la Culture et <strong>de</strong> la Communication : Délégation aux<br />
Arts Plastiques/DRAC PACA, du Conseil Régional Provence-Alpes-Côte d’Azur et du Conseil Général <strong>de</strong>s Alpes-Maritimes.
Communiqué <strong>de</strong> presse<br />
Exposition “<strong>regard</strong> <strong>03</strong> : Surprises Concrètes”<br />
Jürg Altherr - Bernard Aubertin - Harry Bertoïa - Dominique Dehais - Emmanuel - Hans Jörg Glattfel<strong>de</strong>r - Dan<br />
Flavin - FrantiŠek Kupka - Le Corbusier - Benoît Lemercier - Sol LeWitt - Heinz Mack - François Morellet -<br />
Arnoldo Pomodoro - Gerrit Thomas Rietveld - Sirch & Bitzer - Frank van <strong>de</strong>r Salm - Carlo Vivarelli - Beat<br />
Zo<strong>de</strong>rer.<br />
Depuis l’inauguration <strong>de</strong> la Donation Albers-Honegger en 2004, Sybil Albers et Gottfried Honegger ont continué à<br />
enrichir la collection par <strong>de</strong> nombreux dépôts. Une partie <strong>de</strong> ces prêts a fait l’objet d’une nouvelle donation au FNAC<br />
(Fonds National d’Art Contemporain) en 2005.<br />
L’exposition « <strong>regard</strong> <strong>03</strong> : Surprises Concrètes », est une sélection <strong>de</strong> cette <strong>de</strong>rnière donation à laquelle viennent<br />
s’ajouter <strong>de</strong> nouveaux dépôts. Ces-<strong>de</strong>rniers complétent les grands ensembles déjà existants, aussi bien historiques<br />
que thématiques et, permettent <strong>de</strong> renouveler la lecture <strong>de</strong> la collection.<br />
Cette exposition souligne la singularité <strong>de</strong> la collection en proposant <strong>de</strong> rassembler oeuvres d’art, objets du <strong>de</strong>sign<br />
et <strong>de</strong> tradition populaire. Ainsi peuvent se côtoyer une très gran<strong>de</strong> gouache sur papier <strong>de</strong> Sol LeWitt, une gouache<br />
<strong>de</strong> FrantiŠek Kupka, une photographie <strong>de</strong> Frank van <strong>de</strong>r Salm avec “Diamond Chair” <strong>de</strong> Harry Bertoïa, le “Steltman<br />
Stuhl” <strong>de</strong> G.T Rietveld et un ensemble très important <strong>de</strong> tissus d’ameublement traditionnels kur<strong>de</strong>s.<br />
Trois questions <strong>de</strong> Jean-Marc Avrilla à Sybil Albers<br />
Nous présentons dans “Surprises Concrètes” les nouvelles acquisitions, l’ensemble <strong>de</strong>s donations que<br />
Gottfried Honegger et vous avez faites à l’Espace <strong>de</strong> l’Art Concret <strong>de</strong> 2005 à 2007. Quel sens avez-vous voulu<br />
donner à ces acquisitions <br />
Une collection publique doit vivre, être actuelle, curieuse.Si elle ne bouge pas, elle <strong>de</strong>vient classique, historique. Le<br />
passé donne <strong>de</strong>s réponses. Le nouveau nous pose <strong>de</strong>s questions.<br />
Parmi les nouvelles oeuvres, je note un certain nombre d’objets d’ameublement : une chaise <strong>de</strong> Harry Bertoïa,<br />
une chaise <strong>de</strong> Gerrit Thomas Rietveld, un projet d’étu<strong>de</strong> pour une tapisserie du Corbusier et <strong>de</strong>s tissus<br />
traditionnels kur<strong>de</strong>s. Quelle place tiennent les arts appliqués dans la collection <br />
L’Espace <strong>de</strong> l’Art Concret n’accepte pas une distinction entre l’art appliqué et les beaux-arts. Pour nous l’esthétique<br />
doit occuper la vie quotidienne, comme un “Gesamtkunstwerk ¹”. La différence entre les <strong>de</strong>ux, c’est leur fonction.<br />
Pour la première fois, l’Espace <strong>de</strong> l’Art Concret présente une photographie, une oeuvre <strong>de</strong> Frank van <strong>de</strong>r<br />
Salm. Est-ce une nouvelle orientation que vous souhaitez impulser à la collection Pouvez-vous nous parler<br />
<strong>de</strong> cette oeuvre <br />
Je me <strong>de</strong>man<strong>de</strong> encore si la photographie est un art ou un document. Pour trouver une réponse, on doit vivre avec la<br />
photo. Un seul <strong>regard</strong> peut nous tromper. La qualité se manifeste dans le temps et détermine notre jugement.<br />
¹ terme esthétique que l’on peut traduire par œuvre d’art totale ou synthèse <strong>de</strong>s arts<br />
Commissaire <strong>de</strong> l’exposition : Sybil Albers et Gottfried Honegger, Donateurs
“<strong>regard</strong> <strong>03</strong> : Surprises Concrètes<br />
les nouvelles donations <strong>de</strong> Sybil Albers et Gottfried Honegger,<br />
ainsi qu’un don <strong>de</strong> Hansjörg Glattfel<strong>de</strong>r”<br />
30.09.07 / 20.04.08<br />
Anonymes<br />
Tissus kur<strong>de</strong>s<br />
Dimensions variables<br />
Dépôt Honegger 2007<br />
© Stephanie Grillo<br />
Jürg Altherr<br />
“Equilibre”, 2005<br />
Câbles d’acier, pierre, bois, bois artificiel pressé<br />
22x40x160 cm<br />
Dépôt Honegger 2007<br />
© Stephanie Grillo<br />
Bernard Aubertin<br />
“CO-OK 112”, carré or n°112, 2006<br />
Acrylique sur toile<br />
100x100 cm<br />
“CO 10”, carré or n°10<br />
Acrylique sur toile<br />
30x30 cm<br />
Dépôt Honegger 2006<br />
© Stephanie Grillo<br />
Harry Bertoïa<br />
“Diamond Chair”, 1952<br />
Structure d’assise en acier chromé et coussin en cuir<br />
83x75x73 cm, réédition<br />
N°inv FNAC : 06-007 et 06-008<br />
© Stephanie Grillo
Dominique Dehais<br />
“Pano 3/Landscape”, 2002<br />
Fonte d’aluminium polie et brute, résine <strong>de</strong> polyester<br />
transluci<strong>de</strong> et acrylique<br />
70x184x10 cm<br />
Dépôt Honegger 2006<br />
© Stephanie Grillo<br />
Emmanuel<br />
“A5A1”, 2005<br />
Structure métallique et verre<br />
120x84 cm<br />
Dépôt Honegger 2005<br />
© Stephanie Grillo<br />
Dan Flavin<br />
“Untitled”, 1994<br />
Edition 21/28, papier et plexiglas<br />
54x82x23 cm<br />
Dépôt Honegger 2007<br />
© Stephanie Grillo<br />
Hansjörg Glattfel<strong>de</strong>r<br />
“Qualitativ- quantitative permutation auf ultramarine”, 20<strong>03</strong><br />
Acrylique sur toile marouflée sur bois<br />
110x153 cm<br />
Dépôt Glattfel<strong>de</strong>r 2005<br />
© Stephanie Grillo
Gottfried Honegger<br />
“Sculpture orange”, 2004<br />
Aluminium peint<br />
hauteur=405 cm et diamètre= 47 cm<br />
N°inv FNAC 06-009<br />
© Stephanie Grillo<br />
Gottfried Honegger<br />
“Tableau-relief C1404”, 20<strong>03</strong><br />
Acrylique sur aluminium<br />
250x440 cm<br />
N°inv FNAC <strong>03</strong>-1147<br />
© Stephanie Grillo<br />
Gottfried Honegger & Warja Lavater<br />
“Rue du départ”, mars 1966<br />
Plaque <strong>de</strong> rue, bois, carton et toile, livret explicatif<br />
34,5x39,5 cm<br />
Dépôt Honegger 2006<br />
© Stephanie Grillo<br />
FrantiŠek Kupka<br />
“Plans vert III”, 1932-1933<br />
Gouache sur papier<br />
26x22,7 cm<br />
N°inv FNAC 06-004<br />
© Stephanie Grillo
Le Corbusier<br />
“Collage”, 1959,<br />
Etu<strong>de</strong> pour tapisserie : gouache et collage sur papier<br />
43x63 cm<br />
N°inv FNAC 06-0<strong>03</strong><br />
© Stephanie Grillo<br />
Benoît Lemercier<br />
“Supercor<strong>de</strong>s”, 2004<br />
Acier et peinture epoxy<br />
130x260x72 cm<br />
N°inv FNAC<br />
© Stephanie Grillo<br />
Sol LeWitt<br />
“Lines in colour”, 2004<br />
Gouache sur papier<br />
76x152 cm<br />
N°inv FNAC 06-005<br />
© Stephanie Grillo<br />
Heinz Mack<br />
“Sans titre”, 1957<br />
Pigment, bois et plexiglas<br />
62x41x8,5 cm<br />
N°inv FNAC 06-006<br />
© Stephanie Grillo
François Morellet<br />
“Beaming pie 150 b.B1=7°”, 2002<br />
Acrylique bleue sur poutres <strong>de</strong> bois brut<br />
N°inv FNAC 06-001<br />
© Stephanie Grillo<br />
François Morellet<br />
“2 trames <strong>de</strong> tirets, 0°-90°”, 1972<br />
Acrylique sur toile<br />
140x140 cm<br />
Dépôt Honegger 2007<br />
© Stephanie Grillo<br />
Arnoldo Pomodoro<br />
“Stèle” (37/90), 1986<br />
Bronze argenté<br />
hauteur=18 cm<br />
Dépôt Honegger 2005<br />
© Stephanie Grillo<br />
Gerrit Thomas Rietveld<br />
“Steltman Stuhl”, 1964<br />
Edition n°53, chêne noir<br />
50x45x70 cm<br />
Dépôt Honegger 2007<br />
© Stephanie Grillo
Wolfgang Sirch + Christoph Bitzer<br />
“Puppenhaus Villa Sibi”, 2005<br />
Bois et plexiglas<br />
100x60x25 cm<br />
Dépôt Honegger 2006<br />
© Stephanie Grillo<br />
Frank van <strong>de</strong>r Salm<br />
“Faça<strong>de</strong>”, 2000<br />
Enduralex sur dibond<br />
94,5x200 cm<br />
Dépôt Honegger 2007<br />
© Stephanie Grillo<br />
Carlo Vivarelli<br />
“Sans titre”, 1955<br />
Huile sur toile<br />
100x100 cm<br />
Dépôt Honegger 2007<br />
© Stephanie Grillo<br />
Beat Zo<strong>de</strong>rer<br />
“Einspann Nr3/05 auf vier Nagen”, 2005<br />
Aluminium et verre<br />
141x121x12 cm<br />
Dépôt Honegger 2007<br />
© Stephanie Grillo
Biographies <strong>de</strong>s artistes<br />
Jürg Altherr (1944, Zurich - Suisse)<br />
Ce sculpteur expérimente dans ses propositions plastiques <strong>de</strong>s systèmes d'équilibres complexes manifestant une<br />
balance <strong>de</strong> forces instables. Certains objets semblent sans poids et d’autres au contraire massifs. Nombreuses sont<br />
ses sculptures <strong>de</strong> comman<strong>de</strong> pour l’espace public urbain mais aussi naturel.<br />
Bernard Aubertin (1934, Fontenay-au-roses - France)<br />
La rencontre avec Yves Klein en 1957 est capitale pour l’évolution du travail <strong>de</strong> Bernard Aubertin qui continue certaines<br />
recherches, en particulier celles menées avec le feu et l’or, tout en restant fidèle à ses préoccupations spirituelles. Il<br />
réalise en 1958 ses premiers monochromes rouges structurés par <strong>de</strong>s touches épaisses, réalisées au couteau ou à<br />
l’ai<strong>de</strong> d’autres instruments. En 1960 il découvre que cette structure peut être rendue avec <strong>de</strong>s clous, présentés têtes<br />
ou pointes en haut. Suivent la vis, le piton et les allumettes ; <strong>de</strong> ces <strong>de</strong>rnières naissent en 1961 les «Tableaux-feux».<br />
Il rejoint alors le groupe Zéro (avec Heinz Mack, Otto Piene et Günther Uecker). Ce mouvement artistique, fondé à<br />
Düsseldorf, a exploré les reflets sur l’aluminium, les jeux avec le paysage et la météo, le feu et la fumée. Bernard<br />
Aubertin poursuit ses recherches autour <strong>de</strong> la couleur (les séries «Plein rouge», «Simplement rouge», «Monochromes<br />
noires», «Tableaux blancs») comme autour <strong>de</strong>s effets et <strong>de</strong> la force énergétique <strong>de</strong>s matériaux («Tableaux feu»,<br />
«Signes <strong>de</strong> feu», «Fumées rouges») dans <strong>de</strong>s œuvres rigoureuses et proches d’un certain cinétisme (ses séries <strong>de</strong><br />
«Tableaux clous»).<br />
En 2006, Bernard Aubertin réalise une exposition à la Galerie Jean Brolly à Paris où est présentée une série <strong>de</strong><br />
monochromes or. L’application <strong>de</strong>s pigments or sont visibles par <strong>de</strong> légers coups <strong>de</strong> brosses horizontaux ou légèrement<br />
arqués qui produisent <strong>de</strong>s vibrations <strong>de</strong> surface, tandis que nos mouvements accentuent les variations<br />
chromatiques. De loin, on n’accè<strong>de</strong> qu’à une idée <strong>de</strong> la couleur «or», mais en s’approchant on voit les vibrations <strong>de</strong><br />
la matière. La surface n’est pas totalement recouverte, sur les bords une étroite frange <strong>de</strong> blanc délimitée au crayon<br />
encadre la couleur.<br />
L’impression d’uniformité et <strong>de</strong> sérialité <strong>de</strong>s toiles, avec la couleur appliquée <strong>de</strong> bas en haut, est contredite par les<br />
traces <strong>de</strong> l’exécution et par les débor<strong>de</strong>ments manuels <strong>de</strong>s strates <strong>de</strong> la peinture. La multiplication <strong>de</strong> toiles<br />
semblables dans l’espace permet <strong>de</strong> saisir les différents effets et déclinaisons, notamment celles qui sont opérées<br />
par les formats différents.<br />
Harry Bertoïa (1915, San Lorenzà - Italie / 1978, Barto - Etats- Unis)<br />
Arrivé aux Etats-Unis en 1930, Bertoïa étudie puis enseigne à détroit. Dans les années 40, il se lance dans le <strong>de</strong>ssin<br />
<strong>de</strong> meubles, « L’espace les traverse (dit-il en parlant <strong>de</strong> ses chaises), en les <strong>regard</strong>ant, on peut remarquer qu’elles<br />
sont faites d’air, comme <strong>de</strong>s sculptures ».<br />
Tout en tenant compte <strong>de</strong>s problèmes fonctionnels qu’exige la conception d’une chaise, Bertoia voit la chaise comme<br />
une sculpture dans l’espace. C’est pour cette raison qu’il est particulièrement attaché à la spatialité, à la couleur et<br />
aux caractéristiques du métal. Pour « Diamond Chair », il a utilisé un carré mis en diagonale légèrement déformé.<br />
Dominique Dehais (1956, Paris - France)<br />
L’origine du travail <strong>de</strong> Dominique Dehais se trouve dans la peinture, où il se présente volontiers comme héritier <strong>de</strong>s<br />
théories et <strong>de</strong>s démarches abstraites, celles <strong>de</strong>s générations pionnières comme celles <strong>de</strong> leurs successeurs confrontés<br />
à la question du formalisme. Son travail est un questionnement sur la poursuite d'une démarche picturale radicale,<br />
sans représentation ni littéralité, perméable aux préoccupations <strong>de</strong> la société d'aujourd'hui et inscrite dans le circuit<br />
<strong>de</strong>s médias et <strong>de</strong> l'information. Il pose la question d'un fon<strong>de</strong>ment politique <strong>de</strong> <strong>l'art</strong>. Dominique Dehais s'intéresse à<br />
la figure <strong>de</strong> <strong>l'art</strong>iste en travailleur et confronte, via les moyens picturaux, le travail <strong>de</strong> <strong>l'art</strong>iste avec celui du non-artiste.
Contraint d'avoir une activité professionnelle extra-artistique, il nourrit largement sa démarche d'une connaissance<br />
approfondie <strong>de</strong>s aspects humains, sociaux et syndicaux du milieu du travail. Il en résulte <strong>de</strong>s installations à caractère<br />
sculptural voire monumental, fortement architecturées et colorées, que le visiteur est invité à pénétrer et à s'approprier.<br />
Divers éléments ou documents y sont présentés, l'invitant à éprouver son propre positionnement privé et à engager<br />
une réflexion sur les liens quotidiens entre <strong>l'art</strong> et la politique.<br />
Emmanuel (1946, Paris - France)<br />
Le travail d’Emmanuel porte sur le cube et le carré, qu’il décompose et projette sur un plan en <strong>de</strong>ux dimensions<br />
auquel il fait subir d’innombrables transformations selon le principe <strong>de</strong> la série.<br />
Ayant travaillé d’abord les feuilles <strong>de</strong> papier Canson noires ou blanches, incisées, découpées et superposées, puis<br />
le carton, Emmanuel utilise désormais les plaques <strong>de</strong> verre, transparentes, noires ou blanches, qu’il assemble et<br />
décale selon une logique sensible créant un espace <strong>de</strong> réflexion entre le spectateur, l’œuvre et le mon<strong>de</strong> extérieur.<br />
Abandonnant progressivement les couleurs (rouge, bleu et vert) au profit du noir et blanc, Emmanuel privilégie les<br />
contrastes, la simplicité et l’épuration. Il réalise <strong>de</strong>s compositions dynamiques fondées sur la multiplication d’angle<br />
<strong>de</strong> 45°. Il élabore un espace pictural composé <strong>de</strong> rythmes perpendiculaires, <strong>de</strong> segments parallèles, nouant ainsi<br />
<strong>de</strong>s relations entre signes verticaux et horizontaux.<br />
Dan Flavin (1933 / 1996, New-York - Etats-Unis)<br />
Dan Flavin étudie la théologie (jusqu’en 1952), le <strong>de</strong>ssin et la peinture à l’université <strong>de</strong> Columbia (1957 - 1960). Après<br />
quelques œuvres proches <strong>de</strong> l’expressionnisme abstrait, il réalise dès 1961 ses "icônes", peintures monochromes<br />
animées d’ampoules électriques. Ses dispositifs <strong>de</strong> néons forment <strong>de</strong>s constructions géométriques élémentaires qui<br />
jouent sur les notions <strong>de</strong> limites à la fois formelles et spirituelles. Posés au sol dans <strong>de</strong>s coins ou assemblés en<br />
rectangles, ils n’engagent qu’une action minimale <strong>de</strong> la part <strong>de</strong> l’artiste. La lumière seule crée. Flavin démocratise ainsi<br />
l’accès à la création. En 1966, il participe à la première exposition d’art minimal, Primary Structures, à New York.<br />
Admiratif <strong>de</strong> l’œuvre <strong>de</strong> Tatline, il introduit le discours du constructivisme dans son minimalisme.<br />
Hansjörg Glattfel<strong>de</strong>r (1939, Zurich - Suisse)<br />
Formé en Italie, Glattfel<strong>de</strong>r fréquente les artistes du mouvement Arte <strong>concret</strong>a à Florence. En 1966, il réalise ses<br />
premiers reliefs. Leurs surfaces découpées en lamelles <strong>de</strong> couleur, disposées en alternance, offrent une vision<br />
différente selon qu’on les <strong>regard</strong>e frontalement ou <strong>de</strong> biais. Glattfel<strong>de</strong>r multiplie les expériences qui lui permettent<br />
d’animer la surface plane en jouant avec l’illusion du relief. Par la répétition et la déformation graduelle d’un module<br />
<strong>de</strong> forme pyramidale, il introduit dans ses tableaux un mouvement progressif et rythmique. Son intérêt pour les notions<br />
d’espace et <strong>de</strong> profon<strong>de</strong>ur (décelable notamment dans la série <strong>de</strong>s Métaphores non euclidiennes) ne cessera <strong>de</strong><br />
s’affirmer avec le temps.<br />
Gottfried Honegger (1917, Zurich - Suisse)<br />
Après <strong>de</strong>s étu<strong>de</strong>s à la Kubstgewerbeschule <strong>de</strong> Zurich, Gottfried Honegger exerce son métier <strong>de</strong> graphiste, avant <strong>de</strong><br />
déci<strong>de</strong>r, à partir <strong>de</strong> 1958, <strong>de</strong> se consacrer exclusivement à la peinture. Son point <strong>de</strong> départ se situe dans le premier<br />
art abstrait constructif et dans certaines options <strong>de</strong> l’art <strong>concret</strong> zurichois, dont il se libère au profit d’une direction plus<br />
personnelle. Il réalise <strong>de</strong>s Tableaux-reliefs déterminés par le hasard, qui synthétisent couleur et lumière, puis dès<br />
1961, <strong>de</strong>s sculptures <strong>de</strong> tôle laquée qui jouent sur la couleur et le volume. D’abord <strong>de</strong> petite dimension, les sculptures<br />
<strong>de</strong>viennent monumentales à partir <strong>de</strong> 1970, avec les séries Volume et Structure. Pour Gottfried Honegger, l’art<br />
possè<strong>de</strong> une fonction sociale d’élargissement <strong>de</strong> la conscience, donc <strong>de</strong> libération. En 1990, il fon<strong>de</strong> L’Espace <strong>de</strong> l’Art<br />
Concret au château <strong>de</strong> Mouans-Sartoux.<br />
FrantiŠek Kupka (1871, Bohème - République Tchèque / 1957, Puteaux - France)<br />
Arrivé en France en 1896, Kupka s’installe à Paris dans le quartier <strong>de</strong> Montmartre puis à Puteaux. Féru <strong>de</strong> sciences<br />
et attaché à la question <strong>de</strong>s phénomènes <strong>de</strong> vision, il entame <strong>de</strong>s recherches sur les possibilités psychologiques <strong>de</strong><br />
la couleur et du mouvement. Vers 1909, les leçons du cubisme et <strong>de</strong> la chronophotographie contribuent à un tournant<br />
décisif dans l’art <strong>de</strong> Kupka : il abor<strong>de</strong> peu à peu la décomposition du mouvement en faisant surgir les images à travers<br />
un jeu <strong>de</strong> plans. Ces plans verticaux nient la perspective et annoncent l’espace plan <strong>de</strong> la peinture mo<strong>de</strong>rne.<br />
La peinture <strong>de</strong> Kupka, complexe, se partage alors en <strong>de</strong>ux catégories : d’une part, une peinture lyrique aux formes<br />
courbes suivant un modèle biologique ou cosmique qui l’apparente à Delaunay (cf. « Disques <strong>de</strong> Newton », 1912) ;
d’autre part, une peinture géométrique qui privilégie la ligne droite (« Plans verticaux », 1912-1913). Après la Première<br />
Guerre, Kupka cherche différentes façons d’exprimer l’espace, soit par le jeu <strong>de</strong> couleurs, soit par l’introduction <strong>de</strong><br />
diagonales. Il réoriente également son art en développant un intérêt pour le machinisme et le jazz. De 1931 à 1934,<br />
il adhère à Abstraction-Création et évolue vers une peinture à la stricte orthogonalité. Ce n’est qu’après 1945 que son<br />
œuvre reçoit une reconnaissance officielle.<br />
Warja Lavater (1913, Winterthur - Suisse / 2007, Zurich - Suisse)<br />
Warja Lavater est une personnalité atypique du mon<strong>de</strong> <strong>de</strong> <strong>l'art</strong> et <strong>de</strong> la littérature enfantine. Élève à l'Ecole <strong>de</strong>s Arts<br />
et Métiers <strong>de</strong> Zurich, influencée par les courants <strong>de</strong> pensée du Bauhaus et le mouvement <strong>de</strong> la peinture américaine<br />
<strong>de</strong>s années 60, elle pressent très vite que la combinaison <strong>de</strong> co<strong>de</strong>s et <strong>de</strong> signaux associés aux formes et aux couleurs<br />
peut créer un nouveau langage, non plus verbal mais visuel et imagé. Mariée à Gottfried Honegger, ils fon<strong>de</strong>nt<br />
ensemble un atelier. De 1944 à 1958, elle assure la rédaction, l'illustration, la typographie et les couvertures <strong>de</strong> la<br />
revue Jeunesse Magazine. Pendant un an elle séjourne à New-York et commence à illustrer ses fameux premiers<br />
livres dépliants (Guillaume Tell, Le Petit Chaperon rouge), publiés aux Etats-Unis, puis en Suisse et en France par<br />
Maeght Editeur. «Imageries » est à l'origine une collection <strong>de</strong> référence dans l'histoire <strong>de</strong>s livres/objets et livres d'art.<br />
Publiés pour la première fois en 1962 par le Museum of Mo<strong>de</strong>rn Art <strong>de</strong> New York, ils sont <strong>de</strong>puis 1964 fabriqués sur<br />
les presses d'Arte à partir <strong>de</strong>s lithographies originales <strong>de</strong> Warja Lavater et diffusés par Maeght Editeur. Cette oeuvre<br />
renouvelle radicalement l'univers <strong>de</strong>s contes <strong>de</strong> fée en proposant une approche visuelle rigoureuse et abstraite du<br />
mon<strong>de</strong> <strong>de</strong>s formes et <strong>de</strong>s couleurs. Chaque signe et chaque symbole ayant reçu une signification dans un menu-co<strong>de</strong><br />
donné sur la première page, le langage imagé <strong>de</strong>vient écriture et illustration en même temps en l'absence <strong>de</strong> tout<br />
commentaire. Le lecteur crée ainsi son propre conte, dans sa propre langue, en fonction <strong>de</strong>s formes et <strong>de</strong>s couleurs.<br />
Le Corbusier (1887, Chaux-<strong>de</strong>-Fonds - Suisse / 1965, Roquebrune-Cap-Martin - France)<br />
Grand architecte et urbaniste du XXe siècle il met en oeuvre ses théories dans plusieurs chantiers, alliant toujours<br />
l'esthétique à la fonctionnalité. Dès 1928, il prend part aux Congrès internationaux d'architecture mo<strong>de</strong>rne. Dans la<br />
Charte d'Athènes, il présente ses conceptions <strong>de</strong> l'architecture liée à la vie sociale et quotidienne urbaine. Au<br />
len<strong>de</strong>main <strong>de</strong> la guerre, il propose ses "Unités d'habitation" et réalise la Cité radieuse <strong>de</strong> Marseille. Grand théoricien,<br />
il poursuit ses publications avec le Modulor (1950), présentation <strong>de</strong> l'architecture mo<strong>de</strong>rne. L'année suivante, il se rend<br />
en In<strong>de</strong>s pour réaliser <strong>de</strong> nombreux établissement <strong>de</strong> Chandigarh (le Capitole, le palais <strong>de</strong> justice, le Secrétariat et<br />
le Palais <strong>de</strong>s Assemblées).<br />
Benoît Lemercier (1965, Angers - France)<br />
L’univers scientifique (en particulier les recherches liées à la physique quantique et aux interactions particulaires)<br />
inspire le travail <strong>de</strong> Benoît Lemercier. Qu’il s’agisse <strong>de</strong> ses sculptures en acier, en aluminium, en terre cuite ou <strong>de</strong> ses<br />
sculptures <strong>de</strong> lumière, l’artiste s’efforce <strong>de</strong> donner forme à un mon<strong>de</strong> que nos sens ne nous permettent pas<br />
d’appréhen<strong>de</strong>r.<br />
La théorie <strong>de</strong>s Supercor<strong>de</strong>s est une tentative d’expliquer toutes les particules et forces fondamentales <strong>de</strong> la nature<br />
en les modélisant comme les vibrations <strong>de</strong> minuscules cor<strong>de</strong>s supersymétriques. Benoît Lemercier s’est attaché à<br />
donner une forme artistique à ces Supercor<strong>de</strong>s que personne ne peut voir.<br />
Sol LeWitt (1928, Hartford - Etats-Unis) / 2007, New-York - Etats-Unis)<br />
«Utiliser une forme simple <strong>de</strong> façon répétée limite le champ <strong>de</strong> l'oeuvre et concentre l'intensité, l'arrangement <strong>de</strong> la<br />
forme. Cet arrangement <strong>de</strong>vient la finalité <strong>de</strong> l'oeuvre, tandis que la forme n'en est plus que l'outil. »<br />
« L'artiste conceptuel a pour objectif <strong>de</strong> faire en sorte que son travail soit mentalement intéressant pour le spectateur.<br />
Il aimerait qu'il <strong>de</strong>vienne émotionnellement neutre.»<br />
En 1965, année <strong>de</strong> sa première exposition personnelle, Sol LeWitt <strong>de</strong>vient à la fois le théoricien et un <strong>de</strong>s principaux<br />
acteurs <strong>de</strong> ce qu'il baptise lui-même «L'art conceptuel», auquel il consacre un ouvrage fondateur : Paragraphs in<br />
conceptual Art (1967). Son travail est fondé sur la conviction que l'essentiel d'une oeuvre se joue dans sa conceptualisation,<br />
son idée, sa vision, son rêve, et que son exécution est une tâche mineure.<br />
Dès 1967, il conçoit ainsi <strong>de</strong>s pièces qui se réduisent à <strong>de</strong>s modèles, voire à <strong>de</strong>s mo<strong>de</strong>s d'emploi indiquant la marche<br />
à suivre pour réaliser <strong>de</strong>s sculptures qu'il appelle «structures». Pour l'essentiel, <strong>de</strong>s cubes ou leurs arêtes, qui<br />
autorisent toutes les permutations possibles. La réalisation <strong>de</strong> ces « Incomplete open cubes » est confiée à <strong>de</strong>s<br />
assistants-exécutants. En l'occurrence, le <strong>de</strong>ssin <strong>de</strong>s pièces est transmis à une usine <strong>de</strong> métaux. Et pour «signer»<br />
ses pièces, sur un modèle tout aussi industriel, LeWitt utilise <strong>de</strong>s certificats. La même démarche est utilisée pour les
« Outdoor Structures » composées <strong>de</strong> briques blanches recomposables idéalement à l'infini.<br />
A partir <strong>de</strong> 1968, LeWitt réalise également <strong>de</strong>s « Wall Drawings » , fresques composées par la répétition d'un <strong>de</strong>ssin<br />
géométrique en couleurs primaires et qui doivent être effacées après leur exposition. Ces wall-drawings évoluent<br />
cependant vers plus <strong>de</strong> pérennité quand, dans les années 80, ils se composent <strong>de</strong> lavis superposés ou d'éléments<br />
<strong>de</strong> polystyrène.<br />
Heinz Mack (1931, Lollar - Allemagne)<br />
Entre 1950 et 53 Heinz Mack étudie à l’Académie <strong>de</strong>s Beaux Arts <strong>de</strong> Düsseldorf. Très impressionné par le travail<br />
d’Yves Klein, H. Mack travaille sur le rapport matière-lumière et réalise <strong>de</strong>s oeuvres luminocinétiques. Privilégiant dans<br />
un premier temps les toiles noires et blanches, il se dirigera par la suite vers <strong>de</strong>s supports autres tels que, l’aluminium<br />
ondulé ou les matériaux transluci<strong>de</strong>s.<br />
C’est en 1957 que Heinz Mack rencontre Otto Piene et fon<strong>de</strong>nt à eux <strong>de</strong>ux le groupe d’artistes d’avant-gar<strong>de</strong> ZERO.<br />
En 1958 Günther Uecker rejoindra le groupe bien qu’ils se soient déjà rencontrés un an plus tôt, à l’occasion d’une<br />
exposition du travail d’Yves Klein dans une galerie à Dusseldorf.<br />
François Morellet (1926, Cholet - France)<br />
François Morellet fait très tôt le choix <strong>de</strong> l’abstraction géométrique et <strong>de</strong> l’intervention minimale, avec le souci d’éviter<br />
tout investissement personnel ou décision subjective, mais toujours avec le souci <strong>de</strong> désamorcer l’esprit <strong>de</strong> sérieux<br />
et d’échapper au dogme et au formalisme. La création passe par 3 phases : la conception, qui définit la règle du jeu<br />
; la réalisation, au cours <strong>de</strong> laquelle l’artiste s’interdit toute intervention ; le <strong>regard</strong> sur le résultat, qui entraîne une<br />
éventuelle remise en jeu <strong>de</strong>s règles mais toujours dans une notion <strong>de</strong> système.<br />
Pour les séries « Beaming » commencées en 2002, François Morellet introduit, avec le développement <strong>de</strong> la suite<br />
<strong>de</strong>s décimales du nombre Pie, un facteur mathématique à la fois aléatoire et logique qui unifie ces <strong>de</strong>ux notions<br />
supposées contraires et qui enrichit sa démarche minimaliste. Quant au titre « Beaming », il exploite le double sens<br />
du mot beam : « rayon » et « poutre ».<br />
L’œuvre est constituée <strong>de</strong> poutres <strong>de</strong> longueur i<strong>de</strong>ntique, chacune d’elles est reliée par ses extrémités à la poutre<br />
contigu¨selon un angle dont la valeur est le résultat <strong>de</strong> la multiplication par un <strong>de</strong>gré <strong>de</strong> référence <strong>de</strong>s chiffres du<br />
nombre pie. L’utilisation <strong>de</strong> couleurs simples et <strong>de</strong> matériaux <strong>de</strong> base permet d’explorer les rapports entre l’espace<br />
et la sculpture. Celle-ci nourrit le lieu autour d’elle, tandis que les modalités <strong>de</strong> sa réalisation (une sorte <strong>de</strong> développement<br />
organique) renseignent sur le début et l’arrêt du travail créatif.<br />
Arnoldo Pomodoro (1926, Morciano di Romagna - Italie)<br />
Sculpteur italien, il étudie d’abord l’architecture, puis achève une formation d’orfèvre. En 1954 il s’installe à Milan où<br />
a lieu, un an plus tard, sa première exposition personnelle. En 1957, il signe le Manifeste contre le style. Depuis les<br />
années 60, il réalise <strong>de</strong>s sculptures en métal <strong>de</strong> formes géométriques, souvent sphériques, dont la surface lisse est<br />
fendue par endroits et laisse entrevoir l’intérieur formé d’éléments évoquant un dispositif technique. En y transposant<br />
la démarche plastique <strong>de</strong> la peinture informelle, Pomodoro a initié un changement décisif dans la sculpture. En 1961<br />
Arnaldo Pomodoro participe à ZERO 3, gran<strong>de</strong> exposition à la galerie Schelma <strong>de</strong> Düsseldorf. Il s’agît là <strong>de</strong> son<br />
unique apparition au sein d’une exposition collective du groupe ZERO.<br />
Gerrit Thomas Rietveld (1888 / 1964, Utrecht - Pays-Bas)<br />
Fils d’ébéniste et architecte, Gerrit Rietveld adhère au mouvement <strong>de</strong> Stijl en 1918. Au début <strong>de</strong>s années 30, plusieurs<br />
projets <strong>de</strong>stinés à <strong>de</strong>s habitations, <strong>de</strong>s magasins et <strong>de</strong>s cinémas lui sont commissionnés. Pendant toute sa carrière,<br />
Rietveld expérimente <strong>de</strong> nouvelles techniques et <strong>de</strong> nouveaux matériaux, <strong>de</strong> la chaise <strong>de</strong> 1942, faite avec une seule<br />
feuille d’aluminium, jusqu’à la chaise « Unesco » <strong>de</strong> 1958, tapissée entièrement <strong>de</strong> caoutchouc-mousse. Rietveld tire<br />
son inspiration directement du matériel, comme un sculpteur, « sans <strong>de</strong>ssiner <strong>de</strong>s projets sur le papier ». Son <strong>de</strong>sign<br />
concilie la préoccupation esthétique avec le désir d’utiliser les avantages donnés par les matériaux particuliers pour<br />
une production mécanisée et économique.<br />
Wolfgang Sirch + Christoph Bitzer<br />
La famille sirch oeuvre dans la fabrication en bois <strong>de</strong>puis plus <strong>de</strong> 300 ans en Allemagne. Vers la fin du XXème siècle,<br />
la compagnie SIRCH se spécialise dans la fabrication <strong>de</strong> palettes industrielles comme c’est encore le cas aujourd’hui.
Wolfgang Sirhx a invité Christoph Bitzer, sculpteur, à rejoindre la compagnie pour former une nouvelle synergie.<br />
L’équipe Sirch-Bitzer commence à concevoir et fabriquer <strong>de</strong>s articles très originaux <strong>de</strong>stinés aux enfants sous la<br />
marque Sibi. Tous les produits Sibi sont fabriqués à la main au sein <strong>de</strong> l’usine bavaroise <strong>de</strong> Sirch, principalement à<br />
partir <strong>de</strong> bois. Les premiers produits Sibi présentés en 2000 étaient la maison <strong>de</strong> poupée mo<strong>de</strong>rne Sibi VILLA, le<br />
chariot <strong>de</strong> MAX et le camping-car <strong>de</strong> LORETTE. Les produits Sibi ont reçule prestigieux prix allemand du <strong>de</strong>sign <strong>de</strong><br />
jouets « Spiel Gut » et ont été mondialement accueillis avec le même enthousiasme.<br />
Frank van <strong>de</strong>r Salm (1964, Delft - Pays-Bas)<br />
Une atmosphère artificielle émane <strong>de</strong>s paysages urbains <strong>de</strong> Frank Van <strong>de</strong>r Salm. Ses images <strong>de</strong> quartiers neufs, <strong>de</strong><br />
zones industrielles et <strong>de</strong> bâtiments comme les parkings à étages sont déshumanisés et parfois même abstraites.<br />
Frank Van <strong>de</strong>r Salm photographie la trame et le rythme <strong>de</strong>s faça<strong>de</strong>s soulignant la rigidité <strong>de</strong> leur ordre. La nature et<br />
l’échelle <strong>de</strong> l’objet photographié sont souvent imprécises du fait <strong>de</strong>s couleurs intenses, <strong>de</strong>s perspectives étranges et<br />
<strong>de</strong> la manipulation singulière <strong>de</strong> la netteté et du flou. Le sujet se trouve donc « manipulé » jusqu’à évoluer en une<br />
image désorientée, faisant douter le spectateur <strong>de</strong> ses référents habituels.<br />
Carlo Vivarelli (1919 / 1986, Zurich - Suisse)<br />
Dans les années cinquante, il est en Suisse un célèbre graphiste et typographe. Peu après il se consacre exclusivement<br />
à la peinture. Ses tableaux oscillent entre le figuratif et l’abstrait, où prédominent <strong>de</strong>s formes géométriques qui<br />
vont être bientôt contrôlées par un système logique <strong>de</strong> composition. Ses recherches plastiques vont être également<br />
traduites en trois dimensions notamment pour <strong>de</strong>s comman<strong>de</strong>s publiques.<br />
Beat Zo<strong>de</strong>rer (1955, Zurich - Suisse)<br />
Les œuvres <strong>de</strong> Beat Zo<strong>de</strong>rer, à la limite du <strong>de</strong>sign, nous proposent <strong>de</strong>s espaces abstraits peints ou composés<br />
d’éléments métalliques qui sont <strong>de</strong>s structures méthodiques basées sur la répétition ou les systèmes mathématiques.
Listes <strong>de</strong>s oeuvres<br />
Anonymes, tissus kur<strong>de</strong>s, dimensions variables, dépôt Honegger 2007.<br />
Jürg Altherr, “Equilibre”, 2005, câbles d’acier, pierre, bois, bois artificiel pressé, 22x40x160 cm, dépôt Honegger<br />
2007.<br />
Bernard Aubertin, “CO-OK 112”, carré or n°112, 2006, acrylique sur toile, 100x100 cm, dépôt Honegger 2006.<br />
Bernard Aubertin, “CO 10”, carré or n°10, acrylique sur toile, 30x30 cm, dépôt Honegger 2006.<br />
Harry Bertoïa, “Diamond Chair”, 1952, structure d’assise en acier chromé et coussin en cuir, 83x75x73 cm, réédition,<br />
n°inv FNAC : 06-007 et 06-008<br />
Dominique Dehais, “Pano 3/Landscape”, 2002, fonte d’aluminium polie et brute, résine <strong>de</strong> polyester transluci<strong>de</strong> et<br />
acrylique, 70x184x10 cm, dépôt Honegger 2006.<br />
Emmanuel, “A5A1”, 2005, structure métallique et verre, 120x84 cm, dépôt Honegger 2005.<br />
Dan Flavin, “Untitled”, 1994, édition 21/28, papier et plexiglas, 54x82x23 cm, dépôt Honegger 2007.<br />
Hansjörg Glattfel<strong>de</strong>r, “Qualitativ- quantitative permutation auf ultramarine”, 20<strong>03</strong>, acrylique sur toile marouflée sur<br />
bois, 110x153 cm, dépôt Glattfel<strong>de</strong>r 2005.<br />
Gottfried Honegger, « Sculpture orange », 2004, aluminium peint, hauteur=405 cm et diamètre= 47 cm, n°inv FNAC<br />
06-009.<br />
Gottfried Honegger, “Tableau-relief C1404”, 20<strong>03</strong>, acrylique sur aluminium, 250x440 cm, n°inv FNAC <strong>03</strong>-1147.<br />
Gottfried Honegger & Warja Lavater, “Rue du départ”, mars 1966, plaque <strong>de</strong> rue, bois, carton et toile, livret explicatif,<br />
34,5x39,5 cm, dépôt Honegger 2006.<br />
FrantiŠek Kupka, “Plans vert III”, 1932-1933,, gouache sur papier, 26x22,7 cm, n°inv FNAC 06-004.<br />
Le Corbusier, “Collage”, 1959, étu<strong>de</strong> pour tapisserie : gouache et collage sur papier, 43x63 cm, n°inv FNAC 06-0<strong>03</strong>.<br />
Benoît Lemercier, “Supercor<strong>de</strong>s”, 2004, acier et peinture epoxy, 130x260x72 cm, n°inv FNAC 06-002.<br />
Sol LeWitt, “Lines in colour”, 2004, gouache sur papier, 76x152 cm, n°inv FNAC 06-005.
Heinz Mack, “Sans titre”, 1957, pigment, bois et plexiglas, 62x41x8,5 cm, n°inv FNAC 06-006.<br />
François Morellet, “Beaming pie 150 b.B1=7°”, 2002, acrylique bleue sur poutres <strong>de</strong> bois brut, n°inv FNAC 06-001.<br />
François Morellet, “2 trames <strong>de</strong> tirets, 0°-90°”, 1972, acrylique sur toile, 140x140 cm, dépôt Honegger 2007.<br />
Arnoldo Pomodoro, “Stèle” (37/90), 1986, bronze argenté, hauteur=18 cm, dépôt Honegger 2005.<br />
Gerrit Thomas Rietveld, “Steltman Stuhl”, 1964, édition n°53, chêne noir 50x45x70 cm, dépôt Honegger 2007.<br />
Wolfgang Sirch + Christoph Bitzer, “Puppenhaus Villa Sibi”, 2005, bois et plexiglas, 100x60x25 cm, dépôt Honegger<br />
2006.<br />
Frank van <strong>de</strong>r Salm, “Faça<strong>de</strong>”, 2000, enduralex sur dibond, 94,5x200 cm, dépôt Honegger 2007.<br />
Carlo Vivarelli, “Sans titre”, 1955, huile sur toile, 100x100 cm, dépôt Honegger 2007.<br />
Beat Zo<strong>de</strong>rer, “Einspann Nr3/05 auf vier Nagen”, 2005, aluminium et verre, 141x121x12 cm, dépôt Honegger 2007.
Espace <strong>de</strong> l’Art Concret<br />
Inauguré en 1990, l’Espace <strong>de</strong> l’Art Concret est né <strong>de</strong> la rencontre et <strong>de</strong> la volonté <strong>de</strong> <strong>de</strong>ux collectionneurs, Sybil<br />
Abers et Gottfried Honegger, et du maire <strong>de</strong> Mouans-Sartoux, André Aschieri.<br />
Depuis ses débuts, ce projet artistique et culturel est lié à l’éducation du <strong>regard</strong>. La programmation d’expositions<br />
thématiques permet une réflexion sur l’art et la société ainsi que <strong>de</strong>s confrontations entre les diverses formes<br />
d’expressions artistiques. La place essentielle accordée à la pédagogie permet <strong>de</strong> sensibiliser le public le plus vaste<br />
à l’art d’aujourd’hui. Les Ateliers pédagogiques créés en 1998 répon<strong>de</strong>nt à la question <strong>de</strong> l’éducation artistique <strong>de</strong>s<br />
jeunes publics. L’objectif est « apprendre à <strong>regard</strong>er car <strong>regard</strong>er est un acte créatif » (Gottfried Honegger).<br />
L’Espace <strong>de</strong> l’Art Concret développe son action autour <strong>de</strong> trois pôles : la conservation et la valorisation <strong>de</strong> la Donation<br />
Albers-Honegger, la programmation d’expositions temporaires dans la Galerie du Château et l’action pédagogique<br />
dans les Ateliers pédagogiques et le « Préau <strong>de</strong>s enfants ».<br />
Sybil Albers et Gottfried Honegger ont voulu rendre leur collection accessible au public. Mise en dépôt auprès <strong>de</strong> la<br />
ville <strong>de</strong> Mouans-Sartoux dans un premier temps, cette collection a fait l’objet d’une donation à l’Etat français.<br />
La première donation eut lieu en 2000 à la condition <strong>de</strong> la présentation <strong>de</strong> la collection dans un bâtiment construit à<br />
cet effet dans le parc du château <strong>de</strong> Mouans et la garantie <strong>de</strong> maintenir la forte cohérence scientifique du projet<br />
autour <strong>de</strong> l’art <strong>concret</strong> et <strong>de</strong> l’art contemporain. Cette première donation fut complétée par une importante donation<br />
d’œuvres personnelles <strong>de</strong> Gottfried Honegger en 2001 et <strong>de</strong> plusieurs ensembles d’œuvres en 2002 et 2004.<br />
Aurelie Nemours a également souhaité faire une donation importante d’œuvres personnelles en 2001 en raison <strong>de</strong>s<br />
liens affectifs qui l’unissaient à Gottfried Honegger et <strong>de</strong> la confiance qu’elle avait en « un projet qui contribuait à<br />
présenter enfin l’art <strong>concret</strong> reconnu et vivant dans le patrimoine français ». Aurelie Nemours fit une secon<strong>de</strong><br />
donation d’un important fonds d’estampes pour la « création d’un département d’art graphique ». D’autres donations<br />
ont apporté leur appui au premier lieu consacré en France à l’art <strong>concret</strong>, en particulier le don <strong>de</strong> Gilbert et Catherine<br />
Brownstone.<br />
Le bâtiment abritant la Donation Albers-Honegger réalisé par les architectes Gigon et Guyer a été inauguré le 26 juin<br />
2004 en présence du Ministre <strong>de</strong> la Culture et <strong>de</strong> la Communication.<br />
L’Espace <strong>de</strong> l’Art Concret est une association dont le prési<strong>de</strong>nt est Jean-Philippe Billarant.<br />
Le conseil d’administration a nommé Jean-Marc Avrilla directeur le 30 mars 2006.<br />
L’Espace <strong>de</strong> l’Art Concret bénéficie du soutien <strong>de</strong> la Ville <strong>de</strong> Mouans-Sartoux, du Ministère <strong>de</strong> la Culture et <strong>de</strong> la Communication : Délégation aux<br />
Arts Plastiques/DRAC PACA, du Conseil Régional Provence-Alpes-Côte d’Azur et du Conseil Général <strong>de</strong>s Alpes-Maritimes.