regard 03 - L'espace de l'art concret

Contraint d'avoir une activité professionnelle extra-artistique, il nourrit largement sa démarche d'une connaissance
approfondie des aspects humains, sociaux et syndicaux du milieu du travail. Il en résulte des installations à caractère
sculptural voire monumental, fortement architecturées et colorées, que le visiteur est invité à pénétrer et à s'approprier.
Divers éléments ou documents y sont présentés, l'invitant à éprouver son propre positionnement privé et à engager
une réflexion sur les liens quotidiens entre l'art et la politique.
Emmanuel (1946, Paris - France)
Le travail d’Emmanuel porte sur le cube et le carré, qu’il décompose et projette sur un plan en deux dimensions
auquel il fait subir d’innombrables transformations selon le principe de la série.
Ayant travaillé d’abord les feuilles de papier Canson noires ou blanches, incisées, découpées et superposées, puis
le carton, Emmanuel utilise désormais les plaques de verre, transparentes, noires ou blanches, qu’il assemble et
décale selon une logique sensible créant un espace de réflexion entre le spectateur, l’œuvre et le monde extérieur.
Abandonnant progressivement les couleurs (rouge, bleu et vert) au profit du noir et blanc, Emmanuel privilégie les
contrastes, la simplicité et l’épuration. Il réalise des compositions dynamiques fondées sur la multiplication d’angle
de 45°. Il élabore un espace pictural composé de rythmes perpendiculaires, de segments parallèles, nouant ainsi
des relations entre signes verticaux et horizontaux.
Dan Flavin (1933 / 1996, New-York - Etats-Unis)
Dan Flavin étudie la théologie (jusqu’en 1952), le dessin et la peinture à l’université de Columbia (1957 - 1960). Après
quelques œuvres proches de l’expressionnisme abstrait, il réalise dès 1961 ses "icônes", peintures monochromes
animées d’ampoules électriques. Ses dispositifs de néons forment des constructions géométriques élémentaires qui
jouent sur les notions de limites à la fois formelles et spirituelles. Posés au sol dans des coins ou assemblés en
rectangles, ils n’engagent qu’une action minimale de la part de l’artiste. La lumière seule crée. Flavin démocratise ainsi
l’accès à la création. En 1966, il participe à la première exposition d’art minimal, Primary Structures, à New York.
Admiratif de l’œuvre de Tatline, il introduit le discours du constructivisme dans son minimalisme.
Hansjörg Glattfelder (1939, Zurich - Suisse)
Formé en Italie, Glattfelder fréquente les artistes du mouvement Arte concreta à Florence. En 1966, il réalise ses
premiers reliefs. Leurs surfaces découpées en lamelles de couleur, disposées en alternance, offrent une vision
différente selon qu’on les regarde frontalement ou de biais. Glattfelder multiplie les expériences qui lui permettent
d’animer la surface plane en jouant avec l’illusion du relief. Par la répétition et la déformation graduelle d’un module
de forme pyramidale, il introduit dans ses tableaux un mouvement progressif et rythmique. Son intérêt pour les notions
d’espace et de profondeur (décelable notamment dans la série des Métaphores non euclidiennes) ne cessera de
s’affirmer avec le temps.
Gottfried Honegger (1917, Zurich - Suisse)
Après des études à la Kubstgewerbeschule de Zurich, Gottfried Honegger exerce son métier de graphiste, avant de
décider, à partir de 1958, de se consacrer exclusivement à la peinture. Son point de départ se situe dans le premier
art abstrait constructif et dans certaines options de l’art concret zurichois, dont il se libère au profit d’une direction plus
personnelle. Il réalise des Tableaux-reliefs déterminés par le hasard, qui synthétisent couleur et lumière, puis dès
1961, des sculptures de tôle laquée qui jouent sur la couleur et le volume. D’abord de petite dimension, les sculptures
deviennent monumentales à partir de 1970, avec les séries Volume et Structure. Pour Gottfried Honegger, l’art
possède une fonction sociale d’élargissement de la conscience, donc de libération. En 1990, il fonde L’Espace de l’Art
Concret au château de Mouans-Sartoux.
FrantiŠek Kupka (1871, Bohème - République Tchèque / 1957, Puteaux - France)
Arrivé en France en 1896, Kupka s’installe à Paris dans le quartier de Montmartre puis à Puteaux. Féru de sciences
et attaché à la question des phénomènes de vision, il entame des recherches sur les possibilités psychologiques de
la couleur et du mouvement. Vers 1909, les leçons du cubisme et de la chronophotographie contribuent à un tournant
décisif dans l’art de Kupka : il aborde peu à peu la décomposition du mouvement en faisant surgir les images à travers
un jeu de plans. Ces plans verticaux nient la perspective et annoncent l’espace plan de la peinture moderne.
La peinture de Kupka, complexe, se partage alors en deux catégories : d’une part, une peinture lyrique aux formes
courbes suivant un modèle biologique ou cosmique qui l’apparente à Delaunay (cf. « Disques de Newton », 1912) ;