regard 03 - L'espace de l'art concret

Biographies des artistes
Jürg Altherr (1944, Zurich - Suisse)
Ce sculpteur expérimente dans ses propositions plastiques des systèmes d'équilibres complexes manifestant une
balance de forces instables. Certains objets semblent sans poids et d’autres au contraire massifs. Nombreuses sont
ses sculptures de commande pour l’espace public urbain mais aussi naturel.
Bernard Aubertin (1934, Fontenay-au-roses - France)
La rencontre avec Yves Klein en 1957 est capitale pour l’évolution du travail de Bernard Aubertin qui continue certaines
recherches, en particulier celles menées avec le feu et l’or, tout en restant fidèle à ses préoccupations spirituelles. Il
réalise en 1958 ses premiers monochromes rouges structurés par des touches épaisses, réalisées au couteau ou à
l’aide d’autres instruments. En 1960 il découvre que cette structure peut être rendue avec des clous, présentés têtes
ou pointes en haut. Suivent la vis, le piton et les allumettes ; de ces dernières naissent en 1961 les «Tableaux-feux».
Il rejoint alors le groupe Zéro (avec Heinz Mack, Otto Piene et Günther Uecker). Ce mouvement artistique, fondé à
Düsseldorf, a exploré les reflets sur l’aluminium, les jeux avec le paysage et la météo, le feu et la fumée. Bernard
Aubertin poursuit ses recherches autour de la couleur (les séries «Plein rouge», «Simplement rouge», «Monochromes
noires», «Tableaux blancs») comme autour des effets et de la force énergétique des matériaux («Tableaux feu»,
«Signes de feu», «Fumées rouges») dans des œuvres rigoureuses et proches d’un certain cinétisme (ses séries de
«Tableaux clous»).
En 2006, Bernard Aubertin réalise une exposition à la Galerie Jean Brolly à Paris où est présentée une série de
monochromes or. L’application des pigments or sont visibles par de légers coups de brosses horizontaux ou légèrement
arqués qui produisent des vibrations de surface, tandis que nos mouvements accentuent les variations
chromatiques. De loin, on n’accède qu’à une idée de la couleur «or», mais en s’approchant on voit les vibrations de
la matière. La surface n’est pas totalement recouverte, sur les bords une étroite frange de blanc délimitée au crayon
encadre la couleur.
L’impression d’uniformité et de sérialité des toiles, avec la couleur appliquée de bas en haut, est contredite par les
traces de l’exécution et par les débordements manuels des strates de la peinture. La multiplication de toiles
semblables dans l’espace permet de saisir les différents effets et déclinaisons, notamment celles qui sont opérées
par les formats différents.
Harry Bertoïa (1915, San Lorenzà - Italie / 1978, Barto - Etats- Unis)
Arrivé aux Etats-Unis en 1930, Bertoïa étudie puis enseigne à détroit. Dans les années 40, il se lance dans le dessin
de meubles, « L’espace les traverse (dit-il en parlant de ses chaises), en les regardant, on peut remarquer qu’elles
sont faites d’air, comme des sculptures ».
Tout en tenant compte des problèmes fonctionnels qu’exige la conception d’une chaise, Bertoia voit la chaise comme
une sculpture dans l’espace. C’est pour cette raison qu’il est particulièrement attaché à la spatialité, à la couleur et
aux caractéristiques du métal. Pour « Diamond Chair », il a utilisé un carré mis en diagonale légèrement déformé.
Dominique Dehais (1956, Paris - France)
L’origine du travail de Dominique Dehais se trouve dans la peinture, où il se présente volontiers comme héritier des
théories et des démarches abstraites, celles des générations pionnières comme celles de leurs successeurs confrontés
à la question du formalisme. Son travail est un questionnement sur la poursuite d'une démarche picturale radicale,
sans représentation ni littéralité, perméable aux préoccupations de la société d'aujourd'hui et inscrite dans le circuit
des médias et de l'information. Il pose la question d'un fondement politique de l'art. Dominique Dehais s'intéresse à
la figure de l'artiste en travailleur et confronte, via les moyens picturaux, le travail de l'artiste avec celui du non-artiste.