Le Temps des Manifestes - L'espace de l'art concret

Espace de l’Art Concretcentre d’art contemporain / Mouans-Sartouxexposition temporaire, galerie du Château de Mouans“Le Temps des Manifestes”27 juin / 03 octobre 2010Le Temps des Manifestes 1 porte un regard historique et contemporainsur cette forme littéraire si prisée par les avant-gardes artistiques.A travers la présentation de certains des manifestes les plusreprésentatifs, cette exposition explore les relations ambigüesqui lient l’art et la communication, notamment par le biais dudesign graphique, avec une question sous-jacente essentielle :comment les artistes se manifestent-ils aujourd’hui ?

Accès à l’expositionpar l’escalierApparue à la fin du XVIème siècle, l’origine du terme « manifeste » est un dérivé probablede l’italien « manifesto » qui signifiait « dénonciation publique » et par extension « affiche ».Les avant-gardes du début du XXème siècle se sont saisies de cette forme littéraire pourdéfinir leur engagement, fonder les bases de leur programme esthétique et donner leur visiondu monde.Salle 1Le Futurisme, le Surréalisme et même Dada en publiant son « anti-manifeste » n’ont pasdérogé à la règle. L’Art Concret fondé en 1930, et qui fête cette année ses 80 ans, s’inscritdans cette lignée tout en affirmant avec radicalité sa singularité.Parmi les pionniers du genre, le Manifeste Futuriste rédigé par l’artiste et écrivain italienFilippo Tommaso Marinetti parait en 1909 dans les colonnes du quotidien français Le Figaro,révélant d’emblée les liens ténus entre l’art et la presse et la volonté des artistes d’alorsd’ouvrir une tribune publique. Volontairement polémique, ce manifeste s’ancre dansune tradition qui fait de l’écrit un outil de provocation destiné à susciter la réaction etla controverse.Univers littéraire et plastique finissent, à force de se côtoyer, par fusionner en empruntant àleur territoire respectif ce qui peut le mieux les enrichir tant au niveau de la forme que ducontenu.Salle 2Cette tendance est fortement induite par la personnalité des protagonistes de l’époquequi pour la plupart d’entre eux endossent une double activité d’artiste et de graphiste outypographe comme par exemple Théo van Doesburg, Max Bill, Josef Albers, Carlo Vivarelliou encore Gottfried Honegger.Les manifestes prennent alors de multiples formes. Revues, tracts et affiches se font ainsi levéhicule de la pensée de leurs auteurs, et deviennent parfois des oeuvres à part entière :l’application formelle d’un programme esthétique qui souhaite justement dépasser le cadresouvent trop exigu de la définition traditionnelle d’une oeuvre d’art.1Le titre de l’exposition est une évocation de la célèbre chanson Le temps des cerises. Fortement associée à la Commune et à la Gauchefrançaise, cette chanson symbolise avant tout la liberté et l’engagement, une certaine idée de la fête teintée de nostalgie. Parmi les premiersmanifestes artistiques, celui du Futurisme a calqué, du moins dans sa forme, le Manifeste du Communisme. Par ailleurs, la fin des avantgardesa marqué la fin de la grande époque des manifestes.5Salle 3Cette prolifération d’écrits et de propositions trouvera son apothéose dans le MouvementFluxus et son désir sans cesse réaffirmé de lier l’art à la vie en une seule et même énergie.Certains manifestes « fusionnent » même avec leur objet devenant le corps de l’oeuvre. C’estle cas de la Déclaration Constitutive du Nouveau Réalisme signée en plusieurs exemplairessur du papier de trois couleurs différentes : bleu, rose et or, reprenant en cela les teintes deprédilection édictées par Yves Klein.Accompagnant la fin de ce que l’on peut considérer comme les dernières avant-gardes, lesmanifestes d’alors prennent un tournant de plus en plus nihiliste comme par exemple le« Manifeste contre rien pour l’exposition internationale de rien » paru en 1960 et signé parPiero Manzoni.Sur un autre registre, Buren, Mosset, Parmentier et Toroni clament dans un tract servantd’invitation à la manifestation du 3 janvier 1967, dans le cadre du « Salon de la JeunePeinture » au musée d’art moderne de la Ville de Paris, « Nous ne sommes pas peintres »se définissant en cela par défaut tout en mettant à mal les fondements de la peinture et plusglobalement celui du marché de l’art.Les années 60 et 70 voient les derniers feux des manifestes historiques et même si le genren’a jamais tout à fait disparu, le Temps des Manifestes semblent à jamais révolu, le temps du«Nous» collectif ayant majoritairement laissé place à un « Je » individualisé.Salle 6Les artistes continuent à se manifester en intégrant de plus en plus le texte à leur vocabulaireplastique.Figure emblématique d’un ego qui continue à se manifester inlassablement au-delà d’unehistoire collective, Ben est sans doute l’artiste qui fait le plus complètement corps avec sonverbe dans son contenu comme dans sa forme. Ben s’exprime sur tout et sa graphie parlepour lui sans qu’il n’ait même besoin de signer ses oeuvres.Loin d’aseptiser le discours, cette tendance prend de fait le relai de certains des enjeuxsociopolitiques de l’époque comme le féminisme, la lutte contre les inégalités ou le rejet dela guerre.Des artistes comme Barbara Kruger et Jenny Holzer sont parmi les plus engagées dans cettequête. Le contenu des messages se veut fort et subversif mais l’aspect formel demeureprimordial. Souvent empruntée à l’univers du graphisme, de la communication et de lapublicité, l’esthétique assume son pouvoir de séduction et d’attraction. L’oeuvre de BarbaraKruger, « Untitled (A picture is worth more than a thousand words) », résume en elle-mêmetous le sens du combat qui se mène. Ce célèbre adage très usité dans la publicité des années20 semble retrouver une nouvelle jeunesse dans l’oeuvre de l’artiste et restaurer non sansmalice la dualité texte/image.C’est aussi l’image choc que recherchent les Guerilla Girls dans un de leurs travaux les plusconnus représentant l’Odalisque d’Ingres affublée d’une tête de gorille pour dénoncerl’inégalité du statut de la femme artiste dans l’histoire de l’art et de sa place au sein desinstitutions culturelles.Les artistes s’emparent des icônes de l’histoire de l’art pour mieux les détrôner.Salle 5Sérigraphies « Le Temps des Manifestes »Quatre des artistes participant à l’exposition “Le Temps de Manifestes” ont été invités àconcevoir une affiche annonçant la manifestation. Choisis notamment en raison de la relation

étroite que leur démarche artistique entretient avec le graphisme, Ben, Angela Detanico &Rafael Lain, Gottfried Honegger et Ultralab TM ont accepté de répondre à cette proposition,l’enjeu étant de mettre en lumière le statut complexe de cet « objet » à la fois outil decommunication et oeuvre produite dans le cadre d’une exposition.Le même protocole et cahier des charges définissant le cadre de ce projet (donnéestechniques : format, couleur, mentions...) ont été proposés aux artistes, libres à eux de jouerensuite avec ces éléments communs de départ pour affirmer leur singularité. Chacundélimitant par ses choix le territoire dans lequel il souhaite s’inscrire aux frontières de l’art etde la communication, dans une tension perpétuelle entre le texte et la forme, la lisibilitéinformative et le rendu plastique.Questionnant de façon récurrente dans son travail la question de l’ego, Ben conçoit uneaffiche qui place au premier plan l’affirmation de soi. Le texte « Manifester c’est exister »prend toutefois un caractère plus universel qu’à l’habitude. Nul emploi d’un pronom danscette phrase mais une omniprésence du verbe qui situe l’ensemble sur un mode nonpersonnel et non temporel. La graphie si reconnaissable de l’artiste vient cependant remettrela question du style et de l’auteur au coeur du projet faisant de cette affiche une proposition« manifestement » singulière.Plasticiens mais aussi graphistes de formation, ces deux artistes brésiliens interrogent depuisplusieurs années les liens entre le langage et la forme à travers différents médiums. Leuraffiche reprend le texte mentionné dans le protocole (titre de l’exposition, nom de l’Espacede l’Art Concret, informations pratiques…) mais traduit dans un langage typographique inéditl’Helvetica Concentrated (élaboré avec la collaboration de l’artiste Jiri Skala). Dérivé de lafameuse police Helvetica, chaque caractère apparaît sous la forme d’un disque dont ladensité et la dimension varient en fonction de la quantité d’encre nécessaire pour réaliser lalettre ou le signe original.Fidèle à son engagement, Gottfried Honegger produit une affiche « manifeste » qui réaffirmele fondement idéologique de l’Art concret à travers la parole de Jean Arp. La compositionreprend l’image de la bulle qui accueille comme au sein d’une bande dessinée le texte etouvre le dialogue. Gottfried Honegger place ainsi le regardeur dans une position de témoind’un avant et d’un après, d’une position du « Nous » à l’affirmation d’un « Moi ». Il prend ainsià partie le regardeur l’invitant à adopter une réflexion critique et active.Se définissant comme une « entité hybride qui a choisi de travailler aux frontières de l’art dela science et de la communication », Ultralab TM conçoit une affiche qui résulte d’unsavoureux mélange entre présupposés hérités de l’Art conceptuel et esthétique trash. Leprotocole proposé aux artistes est placardé tel quel sur l’affiche, servant d’assise textuelle etconceptuelle au projet. Le motif de l’île « prise d’assaut » pas un personnage tenant unemasse, sorte de gimmick formel dans le travail des artistes, resitue le propos dans le champplastique et critique : un espace entre création et destruction, ou peut être l’invention d’untrésor indiqué par une croix sur une carte ou le total anéantissement d’une utopie marquéeet saccagée à la bombe.Autre forme de récupération moins irrévérencieuse, celle de Philippe Cazal qui dans unesérie intitulée « RETOUR EN AVANT» se saisit de la parole publique en jouant à déconstruirequelques-uns des slogans de mai 68. L’artiste pousse la démonstration à son paroxysmeen transformant son nom en logo, en devenant sujet communiquant mais aussi objet decommunication.De la critique d’un art surmédiatisé qui devient un objet de consommation de masse à lamise en scène de l’artiste en homme-sandwich, il n’y a qu’un pas que franchit allègrement legroupe Untel dont Cazal est aussi l’un des initiateurs. Revêtus de l’habit de travail du peintreen bâtiment sur lequel le mot « Touriste » est partout tamponné, les créateurs du groupeUntel nous offrent le tout-en-un : l’artiste travailleur, le médiateur, le visiteur, lors deperformances durant lesquelles ils se mêlent au public.Salle 7Egalement sur le registre de la communication et d’une critique acerbe de ses codes, legroupe Ultralab TM révèle les dysfonctionnements du système en effectuant de l’intérieur untravail de sape savamment orchestré comme dans l’affaire des cartons piégés qui a vu laproduction en 1999 de plusieurs cartons d’invitation annonçant de fausses expositions.Salle 8Moins péremptoire mais pas moins critique, le travail de Detanico & Lain, graphistes aussi deformation, explore les relations entre le langage et la forme. Dans « The World Justified »(Un monde justifié), le couple d’artistes brésiliens nous offre une vision du monde revue etcorrigée par le biais d’un logiciel de traitement de texte devenu grand organisateur d’un nouveléquilibre mondial. Nul besoin de commentaire dans cette oeuvre qui tout en étant étroitementliée au texte parvient à en faire la parfaite économie.Cette approche sensible trouve également un écho dans la démarche de Rémy Zaugg quiintègre le langage dans son travail plastique en suscitant une véritable interaction avec lespectateur. L’interpellation se fait plus subtile, elle provoque l’interrogation tout autant qu’ellemobilise les sens.Salle 9Le parcours de l’exposition s’achève avec une disparition progressive du langage, le constatd’un trop plein d’informations et de déclarations qui finissent, peut-être, par brouiller et occulterle discours toujours essentiel cependant.Les mots découpés dans les journaux d’Ignasi Aballi apparaissent, sortis de leur contexte,comme des listes dérisoires, reflets fragmentaires, partiels et partiaux de notre quotidien.Jean-François Dubreuil dont la démarche s’inscrit depuis de nombreuses années dansune relation à la fois critique et esthétique avec la presse propose une oeuvre qui met enlumière, suite à l’élaboration d’un protocole de travail très précis, les rapports entre texte etpublicité traduits par des aplats blancs et rouges. L’envahissement de la couleur rouge et saprédominance parlent encore une fois d’eux-mêmes.Après un siècle de manifestes, de proclamations et de batailles artistiques et théoriques, quereste-t-il entre nos mains ? Le temps des manifestes a pris fin mais celui de se manifester seratoujours d’actualité. L’art n’apporte pas toujours de réponse mais pose souvent les bonnesquestions.Fabienne FulchériDirectrice de l’Espace de l’Art Concretet commissaire de l’exposition