Retour en Avant / Past Forward Biennale de la Danse Lyon - France

Retour en Avant /Past ForwardBiennale de la Danse Lyon - France6-30 septembre 2008 / 2008, September 6-30Sans mémoire, comment construire leprésent et penser le futur ?Antonio VenanciosLa 13ème Biennale de la Danse se pose laquestion de la mémoire, du répertoire, de latransmission et de la création. Au programme,42 compagnies venues de 19 pays proposent54 pièces chorégraphiques : œuvres historiques,œuvres créées ou recréées, œuvresd’hier et de demain, à voir ou à redécouvrirdurant 25 jours à Lyon et dans son agglomération.Au programme de l’édition 2008 : 15 créationsmondiales dont 6 recréations d’œuvresmajeures du répertoire contemporain, desdébats et des rencontres destinés aux professionnelsfrançais et étrangers, des spectaclespour le jeune public, des performances dansl’espace public. Sans oublier le très attenduDéfilé et ses 4 500 participants qui nous raconterontleurs Légendes d’avenir.Without memory, how can one buildthe present and think about thefuture?Antonio VenanciosThe 13th Lyon Dance Biennale is to explore issues ofmemory, repertoire, transmission and creativity. Itfeatures 42 companies from 19 countriesperforming 54 works of choreography: historicalworks, premieres and recreations, and works ofyesterday and tomorrow, all to bediscovered or revisited over 25 days in Lyon and itsenvirons.The 2008 programme spans 15 world premieres,including6 recreations of major works from the contemporaryrepertoire; a range of events for dance professionalsfrom around the world; children’s shows; andoutdoor public performances. Not forgetting thehotly-awaited Défilé and its 4,500 participants, whowill narrate for us their Legends of the Future.3

Sommaire06 Entretien avec Guy Darmet / Interview08 Calendrier / Calendar10 Compagnie de Danse Hallet Eghayan12 CCN Créteil et Val de Marne /Cie Montalvo-Hervieu14 CCN Roubaix Nord-Pas de Calais /Carolyn Carlson16 Companhia Urbana de Dança18 Wayne McGregor I Random Dance20 Ballet de l’Opéra de Lyon22 Anou Skan24 Ronald K. Brown / Evidence,A dance Company26 CCN Ballet de Lorraine28 Living Dance Studio30 Madhavi Mudgal / Alarmel Valli32 Legend Lin Dance Theatre34 Compagnie Chatha36 Rosas38 Compagnie LANABEL40 Balletto Teatro di Torino42 Olga de Soto44 … & alters46 Companhia Sociedade Masculina48 Susanne Linke50 Faso Danse Théâtre52 Compagnie Accrorap54 TheatreWorks (Singapore)56 Tero Saarinen Company58 Kubilaï Khan Investigations60 La Baraka – Abou Lagraa62 Les Ballets C de la B64 Compagnie L’A.66 Ballet Preljocaj68 Compagnie dernière minute70 Compañia Rafaela Carrasco72 CCN Rillieux-la-Pape / Cie Maguy Marin74 L’expérience harmaat76 Mariza – Concert de clôture78 Bal Caribe Y Salsa79 Spectacles jeune public / For young audience84 En extérieur / The Biennale steps out88 Le Défilé94 Le Rendez-vous de la Biennale98 Focus Danse100 En écho à la Biennale / The Biennale fringe102 Parcours de(ux) création(s) / Creative pathway(s)103 Biographie de Guy Darmet / Biography104 Historique de la Biennale / History of the Biennale108 La Biennale en chiffres / Key figures109 L’équipe / The team110 Partenaires / Partners111 Infos pratiques5

Entretienavec Guy Darmet, Directeur artistiqueLa Biennale de la Danse de Lyon fête ses vingt-cinq ans avec 17créations en coproduction, 9 premières françaises, 42 compagniesoriginaires de 19 pays. 600 artistes viendront de Pékin, Helsinki,Montréal, Sao Paolo, Taïpei, Ouagadougou et de toute l’Europe…Il y aura 4500 participants au Défilé et vous attendez plus de85 000 spectateurs... A l’occasion de cette biennale–anniversaire,ces chiffres vous font-il prendre la mesure du chemin parcouru ?Ces chiffres révèlent le succès d’une formidable aventure initiéedans le quartier de la Croix-Rousse, celui de mon enfance, où en1980, année phare et explosive pour la danse française est née lapremière Maison de la Danse, suivie de la création de la Biennale en1984. Une histoire issue d’un rêve et d’une volonté de casser l’imageélitiste de la danse et de lui rendre sa juste place, celle d’un artpopulaire.Les deux structures se sont nourries mutuellement et si la Maisonde la Danse compte aujourd’hui plus de 15 000 abonnés, c’est quebeaucoup d’entre eux ont vu pour la première fois un spectacle dedanse lors de la Biennale. Cet événement a ainsi trouvé son territoireidéal à Lyon, où les habitants se sont appropriés la manifestationet ouverts à une diversité de styles et d’écritures : du balletau flamenco, du hip-hop aux propositions les plus avant-gardistesprivilégiant le ressenti et l’émotion. Cette ouverture d’esprit et deregard a séduit de nombreux professionnels qui viennent désormaisdu monde entier découvrir les créations multiples qui jalonnent cestrois semaines où l’agglomération est véritablement investie par ladanse.La question du « retour en avant » est le fil rouge de cette Biennale.Est-ce une façon de supposer que l’écriture chorégraphique n’estpas seulement une trace du passé mais aussi un espace permettantd’ouvrir des voies nouvelles ?La Biennale doit donner des clés au public avec des spectacles rigoureux,généreux et des histoires fortes. La mémoire est une préoccupationessentielle. Et comme le dit avec humour Jérôme Bel : « Nuln’est sorti de la cuisse de Jupiter ».Notre engagement est le même depuis 1984. Rappelons que les troispremières éditions ont été consacrées à l’histoire de l’expressionnismeallemand, à quatre siècles de danse en France et à la dansemoderne américaine. Ces questions liées à l’histoire et à la traditionen constante évolution sont celles qui traversent aujourd’hui lespièces de nombreux chorégraphes : Olga de Soto avec « Le jeunehomme et la mort », Wen Hui qui ose interroger, à la veille desjeux olympiques, la révolution culturelle chinoise, le singapourienOng Ken Sen qui refuse d’oublier que les khmers rouges ont vouludétruire la tradition du Ballet royal du Cambodge, Angelin Preljocajqui renoue avec le conte et le merveilleux de Blanche Neige, ouMatteo Levaggi en quête de nouvelles formes à partir des codes duballet…et ce sont toutes des créations, des visions nouvelles.Comment cette Biennale en forme d’inventaire et de bilan faitellevivre concrètement ces questions et continue-t-elle d’écrire auprésent l’histoire de la danse tout en construisant l’avenir ?Cette Biennale ouvre sur les notions de répertoire contemporain,de transmission et d’exemplarité. Une manière de continuer à fairevivre des chorégraphes disparus comme Dominique Bagouet, dontles Petites pièces de Berlin, présentées à la Biennale en 1988, sontrecréées par le Ballet de Lorraine et de faire ressurgir des mouvementsforts comme le tropicalisme brésilien des années 1960. C’estaussi la volonté de montrer les performances de la pionnière AnnaHalprin longtemps censurées et que le public découvrira ici dansleur intégralité.S’attacher à l’idée du « retour en avant », c’est encore invitercomme une évidence, des chorégraphes qui, au delà des fidélitésont marqué l’histoire des Biennales : Ronald K. Brown, aujourd’huitrès digne successeur d’Alvin Ailey et que l’on retrouve 18 ansaprès la Biennale américaine, Suzanne Linke et ses soli bouleversantsde l’édition allemande, Montalvo-Hervieu colleurs d’image etinventeurs de rêve. Et Carolyn Carlson, bien sûr, qui a tant œuvrépour faire aimer la danse contemporaine au grand public. Un desévénements de la Biennale sera la recréation de son solo mythiqueBlue Lady, une pièce qu’elle va transmettre à un danseur d’exception,le finlandais Tero Saarinen que l’on retrouvera aussi chorégrapheinspiré de ses propres aventures. Mais c’est aussi le visionnaireWayne McGregor et sa fascination pour les sciences et le « corpstechnologique ».En même temps, l’actualité du monde semble avoir une forte incidencesur la Biennale... Selon vous, il n’y a pas de création chorégraphiquequi puisse se développer en dehors d’un contexte ?Ce qui se passe dans cette Biennale va bien au delà de la dansecomme l’indique assez la diversité des sujets. Serge Aimé Coulibalyrevient avec une pièce qui convoque quatre grandes figureshistoriques de l’Afrique contemporaine - Patrice Lumumba, ThomasSankara, Kwamé Nkrumah et Nelson Mandela -, figures qui ont oséinventer l’avenir et à qui la jeunesse peut s’identifier pour continuerd’espérer. La danse, fondée sur la rencontre avec l’autre, peut toutdire et créer du lien, elle ouvre un espace d’échange et de dialogue.Durant la Biennale, les artistes sont là et les rencontres ont lieu,rapprochant les peuples. C’est lors de la précédente Biennale queMourad Merzouki a rencontré les jeunes cariocas de la CompanhiaUrbana de Dança pour qui il crée aujourd’hui une pièce en forme detrait d’union entre nos cités et les favelas. Les pièces high-tech, lescapteurs, sont aussi le signe que notre monde est régi par l’imageet la communication. On ne peut pas faire abstraction du mondequi nous entoure et les artistes d’aujourd’hui en ont pleinementconscience. Ils sont à la fois témoins et passeurs.Des rencontres entre artistes venus des quatre coins du monde,mais aussi des rencontres suscitées avec les habitants de la Ville deLyon ?« Danse la ville » était le thème de la précédente édition. Maisla danse dans l’espace public est un combat que je mène depuistoujours pour que la danse d’aujourd’hui puisse être au coeur dechaque quartier de l’agglomération. Des bals et des créations sontspécialement conçus pour la ville, pour la rue, comme celui de laCompagnie Projet in situ, de Yuval Picq, du théâtre du Mouvementou de Paul André Fortier qui offrira à la même heure, dans le mêmelieu, pendant 30 jours une performance de 30 minutes. Et puisbien sûr, le Défilé, rendez-vous emblématique de la Biennale, quiest une façon d’aller plus loin dans cette expérience. Il s’agit d’undésir intact de faire la fête, de partager et de se retrouver à traversla danse. Quant aux générations futures, nous leur proposons unnombre important de spectacles jeune public, 34 cette année. Cesenfants sont le public de demain et les clés que nous leur offrons,une chance pour l’avenir.Propos recueillis par Isabelle Danto6

Interviewwith Guy Darmet, Artistic directorThe Lyon Dance Biennale is celebrating its 25th anniversary with17 new co-productions, 9 French premieres, and 42 companies from19 countries. Some 600 artists will converge on Lyon from Beijing,Montreal, São Paolo, Taipei, Ouagadougou and all over Europe… LeDéfilé will feature 4,500 participants and you are expecting morethan 85,000 Biennale spectators... Do these anniversary-Biennalefigures give you a sense of how far the event has come?These figures reflect the success of a tremendous adventureinitiated in Lyon’s Croix-Rousse district, where I grew up; and where,in 1980 – an explosive and flagship year for French dance –, thefirst Maison de la Danse was founded, followed by the Biennale’sinception in 1984. The adventure also stemmed from a dream, andthe desire to dispel dance’s elitist image and return it to its rightfulplace as a popular art.The two have nourished each other. And if the Maison now hasmore than 15,000 season ticket-holders, it’s because many of themfirst saw a dance show at the Biennale. This event has found itsideal home in Lyon, where people have embraced it and its myriadstyles and forms of writing – from ballet to flamenco, from hip-hopto the most avant-gardist propositions.This openness of mind and perspective has won over manyprofessionals from around the world.The “Past Forward” issue is this Biennale’s leitmotif. Does itsuppose that choreographic writing is not only a trace of the pastbut also a space for opening up new paths?The Biennale must give the public keys to understand dance, withrigorous, generous shows that tell strong stories. Memory is anessential concern. And as Jérôme Bel says humorously: “Nul n’estsorti de la cuisse de Jupiter”, no one is God’s gift.Our commitment hasn’t wavered since 1984. Remember that thefirst three editions were devoted to the history of Germanexpressionism, to four centuries of dancing in France, and tomodern American dance. Issues to do with history and tradition areconstantly evolving, and are today informing the work of manychoreographers: Olga de Soto with Le jeune homme et la mort; WenHui, who on the eve of the Olympics Games is boldly questioningChina’s cultural revolution; Singaporean Ong Keng Sen, who refusesto forget that the Khmer Rouge wanted to destroy Cambodia’sRoyal Ballet; Angelin Preljocaj, who is revisiting the fairy-tale genreand the realm of wonder with Blanche Neige; and Matteo Levaggi,searching for new forms rooted in the grammar of ballet…handing on to an exceptional dancer, the Finn Tero Saarinen, whoalso dances his new piece.At the same time, world affairs are also strongly influencing theBiennale... In your view, can choreography be developed outside ofcontext?What’s happening at this Biennale reaches far beyond dance, assuggested by its diverse subject matter. Serge Aimé Coulibaly is backwith a piece that summons four historic figures of modernAfrica – Patrice Lumumba, Thomas Sankara, Kwame Nkrumahand Nelson Mandela – figures who dared to invent the futureand whom young people can identify with and draw hope from.Dance, which is founded on encounters with the other, can speakof everything and forge bonds; it creates a space for exchange anddialogue. During the Biennale, artists are present and encountershappen, bringing peoples closer. At the 2006 Biennale, MouradMerzouki met the young Cariocas of Companhia Urbana de Dança,for whom he has now created a piece that builds a bridge betweenFrance’s housing projects and Rio’s favelas. High-tech pieces, withsensors and the like, are also a sign that our world is governed byimage and communication. We cannot ignore our surroundings.So, encounters between artists from around the world, but alsoencounters with the people of Lyon?“Danse la ville” was the theme of the 2006 Biennale. But dance inthe public space is something I’ve always fought for, so that dancetoday can be at the heart of every Greater Lyon neighbourhood.This year we have balls and new works specially designed for urbansettings, for the street, like those of Compagnie Projet in situ, YuvalPicq, and Paul-André Fortier, who will give a 30-minute performancedaily for 30 days in the same place. And then, of course, there isLe Défilé, the Biennale’s emblematic gathering, which is a way oftaking the experience further. It flows from our undiminished desireto come together and share a festive occasion through dance. Asfor future generations, we are staging a large number of children’sshows – 34 this year. These young people are tomorrow’s audience,and we are offering them insights to understand dance that are anopportunity for the future.By Isabelle DantoHow will this Biennale, which takes the form of an inventory andreview, actually explore these issues and continue to write dance’shistory in the present while also building the future?This Biennale’s opening themes are the contemporary repertoire,transmission and exemplarity. This is a way of sustaining deadchoreographers such as Dominique Bagouet, whose Petites piècesde Berlin, presented at the 1988 Biennale, is being recreated byBallet de Lorraine, and of conjuring powerful movements such asTropicalism from 1960s Brazil; as well as staging the performancesof pioneer Anna Halprin, which have only been performed about 10times and which French audiences will discover in their full Frenchpremiere.Espousing the “past forward” idea also made it self-evident toinvite choreographers who, loyalties aside, have marked theBiennale’s history: Ronald K Brown, today a very worthy successorto Alvin Ailey, and who is returning 18 years after the AmericanBiennale; Susanne Linke and her staggering solos from the Germanedition; Montalvo-Hervieu, those stickers of images and inventorsof dreams. And, of course, Carolyn Carlson, who has worked sohard to popularise contemporary dance. One Biennale highlight issure to be the revisiting of her mythical solo Blue Lady, which she’s7

Compagnie de Danse Hallet EghayanRetour en avantPièce pour 6 danseurs - Création 1983 / Recréation BiennaleDirection artistique et chorégraphie : Michel Hallet EghayanMusique : Jean-Sébastien BachDanseurs : Guillaume Barre, Jacinthe Janowskyj, Ivan Julliard, Marina Morel, Marc Ribault, Maude Rieder - Collaboration musicale : Jean-Christophe Desert - Scénographie : GuySimard et Michel Hallet Eghayan - Décors et costumes : Carole Boissonnet - Lumières : Guy Simard - Régie son : Jean-Christophe Desert - Régie générale : Stéphane Rimasauskas -Production et communication : Thierry Rollet - Administration : Delphine Bagne - Relations internationales et entreprises : Anna AlexandreCoproduction : Biennale de la Danse de Lyon, Bianchini Férier - Avec le soutien de : Spedidam, Adami - Subventionné par : Ministère de la culture et de la communication - DRAC Rhône-Alpes,Ministère de l’Education Nationale, Préfecture de Région - Fonds Interministériel à la Ville, Région Rhône-Alpes, Conseil Général du Rhône, Ville de Lyon, Ville de Pierre Bénite, Mission Académiqued’Action Culturelle - La Compagnie reçoit l’aide au mécénat des membres de son Club d’Entreprises : Bernard Matériaux, Helea Financière, Imhotep Création, JMZ Organisation, JLA Holding, Odicéo,Union Plastic, Vicat - Accueil : La Croix-Rousse / Scène nationale de Lyon, Biennale de la DanseLa Croix-Rousse /Scène nationale de LyonSamedi 6 17hDimanche 7 19hDurée : 1hPlein tarif17 €Tarif réduit14 €Michel Hallet EghayanTrente années de création n’ont en rienémoussé l’énergie de ce chorégraphelyonnais, né en 1946, qui développe un importantparcours d’auteur, doublé d’un attachementà propager l’art et la danse dansla Cité en tant que ferment et ciment de lavie sociale. C’est en 1973, à New York, qu’ildécouvre deux maîtres incontournables :Margaret Craske qui lui inculque une techniquesans faille et Merce Cunningham dont ilretient surtout l’idée de la mise en jeu d’uneliberté inventive de chacun dans sa danse. Ilentame alors en 1975 son cycle de créationà la Dance Gallery de New York. De retourà Lyon en 1976, il fonde sa compagnie etson école. Cette double naissance témoignede la liaison incessante entre son travail decréation et de formation, phénomène quine fera que croître en puissance. C’est aussil’époque où il fonde, avec quelques autresdanseurs, la Maison de la Danse de Lyon.Depuis cette date, il est l’auteur de plus de60 œuvres dont certaines, comme Retour enavant, Orlando Furioso, L’île aux ruisseauxou Hommage à Kandinsky sont des piècesd’anthologie de la danse contemporainefrançaise. Puisant à la source de notre patrimoinegestuel, il crée son propre langagequi privilégie la forme chorégraphiqueet le mouvement dans l’engagementtotal des danseurs. Après une premièrepériode de compositionsautour du thème de la Variation,il entame depuis plusieursannées un travail surles racines et explore lesliens entre nos origineset la pensée contemporaine.Cela se traduitnotamment en 1997par le cycle de créationMéditerranées menéen étroite collaborationavec des artisteslibanais, chypriotes etdésormais marocainset algériens. Si lesplus grands théâtres etévénements nationauxet internationaux ontreçu sa compagnie, il a lesouci, avec sa solide équiped’interprètes, de s’aventurer aussi dansdes territoires plus humbles, loin du seulacte spectaculaire. Ainsi, dès le milieu desannées 80, il entame une profonde réflexionavec quelques personnalités du monde del’entreprise, de l’université et de l’éducation.Il met en œuvre de multiples initiativesqui ne cessent aujourd’hui de s’épanouiret de rayonner en France comme à l’international.C’est en 1990 que naît la ClasseDanse-Etudes, projet unique en Europe etcentre d’un dispositif novateur de travail etd’échanges avec l’Université. C’est à cettemême époque qu’il crée la Formation desMaîtres dont le succès sera à l’origine dès1994 d’une autre grande réussite, le Festivaldes Enfants, projet artistique, pédagogiqueet social mené à l’année à Lyon au cœur duquartier de La Duchère. « Cette orientationqui renoue avec la fonction traditionnellede l’art dans la civilisation occidentaleassure un possible développement à laspiritualité et à la création au coeur de laCité du XXIème siècle. Elle fait de l’art et dela pensée vivante les ferments et le cimentde la vie sociale. Elle fait des lieux où l’onvit, des lieux où l’on crée, des lieux où l’onpense, les mêmes lieux. »Sur ces fondements, le « modèle » Festivaldes Enfants va connaître des développementssans précédents, se démultiplianten région Rhône-Alpes comme au Liban.Il s’ouvre dès 1997 sur d’autres disciplinesartistiques telles que le conte, les artsplastiques, la musique, créant au coeur duquartier, une aspiration populaire à l’artsans précédent. Ainsi il crée dès 2000 denouveaux travaux de recherche et un festivalArts et Sciences permettant de partagerces fruits avec le plus large public. Cettedynamique nourricière s’ouvrira dès lorssur de nouveaux espaces de création et dediffusion. Ce sera alors, grâce à l’intuitiondu Muséum d’Histoire Naturelle de Lyon, letemps de la rencontre avec le paléoanthropologuePascal Picq avec qui il met alors enoeuvre la trilogie artistique et scientifiqueArborescence.Ces préoccupations à lier arts et sciences nel’empêchent toutefois pas de s’adonner àla réalisation d’un autre ambitieux projet :l’écriture d’un livre Les lettres à Isadora etde son travail de « composition vivante », un10

CCN Créteil et Val-de-Marne /Compagnie Montalvo-HervieuGershwinPièce pour 14 interprètes - Création BiennaleChorégraphie : José Montalvo et Dominique HervieuMusique : George GershwinScénographie et conception vidéo : José Montalvo - Costumes : Dominique Hervieu - Création sonore : Catherine Lagarde - Lumières : Vincent Paoli - Collaborateur à la vidéo :Etienne Aussel - Assistante à la chorégraphie : Joëlle Iffrig - Chef de projet : Yves Favier - Créé avec et interprété par (distribution en cours) : Mansour Abdessadok dit Pitch,Arthur Benhamou, Katia Charmeaux, Emeline Colonna, Nicolas Fayol, Mélanie Lomoff, Olivier Mathieu, Sabine Novel, P. Lock, Karla Pollux, Priska, Alex Tuy dit RothaCoproduction : CCN de Créteil et du Val-de-Marne / Compagnie Montalvo-Hervieu, Théâtre National de Chaillot, Grand Théâtre de Luxembourg, Biennale de la Danse de Lyon, Théâtre National deBretagne, Het Musiektheater (Amsterdam), MC2 (Grenoble), Maison des Arts de Créteil, Le Théâtre - Scène Nationale de Narbonne, Espace Jean Legendre - Théâtre de Compiègne - Le CCN de Créteilet du Val-de-Marne est subventionné par le Ministère de la culture et de la communication - DRAC Ile-de-France, le Conseil Général du Val-de-Marne et la Ville de Créteil - Accueil : Maison de laDanse, Biennale de la Danse Avec le soutien de : Région Rhône-Alpes dans le cadre de l’Appel à Projet Spectacle Vivant.Maison de la DanseSamedi 6 20h30Dimanche 7 15hMercredi 10 19h30Jeudi 11 20h30Vendredi 12 20h30Samedi 13 20h30Mardi 16 20h30Mercredi 17 19h30Jeudi 18 20h30Vendredi 19 20h30Samedi 20 20h30Dimanche 21 15hDurée : 1h20Plein tarif1 ère série 30 €2 ème série 23 €Tarif réduit1 ère série 27 €2 ème série 20 €José Montalvo etDominique HervieuEn 1981, José Montalvo – chorégraphe –rencontre Dominique Hervieu – danseuse– et commence à chorégraphier de courtespièces ludiques, sortes d’aphorismes chorégraphiques,dont elle est l’interprète principale.Ils élaborent ensemble une gestuelleparticulière faite de fluidité, rapidité etprécision qui va donner un style singulier àleurs productions. De 1986 à 1988 : plusieursprix internationaux récompensent les chorégraphiesde José Montalvo, toutes interprétéespar Dominique Hervieu. C’est le débutd’une aventure artistique et d’une profondecomplicité, qui donne naissance en 1988 àla Compagnie Montalvo-Hervieu.En 1993, ilscréent Double trouble, une pièce inauguralequi confronte l’image technologique et laprésence physique des corps des danseurs.Ainsi, les deux complices s’investissent dansla production d’un ensemble d’œuvres qui,tout en se suffisant à elles- mêmes, puissentêtre un jour saisies dans leur ensemble, àla manière d’une grande fresque baroque.Avec Paradis (1997) et Le jardin io io itoito (1999), l’originalité de leur démarcheest saluée et récompensée dans le mondeentier. José Montalvo et Dominque Hervieucréent également pour les danseurs étoilesde l’Opéra National de Paris et l’ouverturedu 53e Festival International du Film deCannes. Parallèlement à la création, ils selancent dès 1989 dans la création d’événementsin situ proposés aux citadins. En juin1998, ils sont nommés directeurs du CentreChorégraphique National de Créteil et duVal-de-Marne. En juin 2000, José Montalvoet Dominique Hervieu sont respectivementnommés Directeur de la Danse et Directricede la mission jeune public et des actionsauprès du public au Théâtre National deChaillot. Ils reçoivent également la distinctionde Chevalier des Arts et des Lettres. Apartir de 2002, Dominique Hervieu cosigneavec José Montalvo les spectacles de lacompagnie. En mai 2004, ils chorégraphientet mettent en scène l’opéra de Jean-PhilippeRameau Les Paladins, sous la directionmusicale de William Christie. En novembre2004, ils imaginent un parcours chorégraphiqueau Musée du Louvre. En janvier 2005,ils créent On Danƒe, et l’adaptent pour lejeune public sous le titre de La Bossa FatakaDe Rameau. En 2006, Dominique Hervieucrée un coffret DVD interactif pédagogiquetraitant de la diversité culturelle. En juin2008, José Montalvo et Dominique Hervieusont nommés par le Ministère de la Culturedirecteurs du Théâtre National de Chaillotqui devient un lieu exclusivement réservé àl’art chorégraphique.Gershwin / création« Quelle chance d’avoir 20 ans dans lesannées 20 à New-York ! », s’enthousiasmaitErnest Hemingway, grand admirateur deGeorge Gershwin.Ces années-là furent bien les annéesGershwin, nouveau génie de la musiqueaméricaine. New-York, ville symbole de l’urbanismeaméricain inspire la naissance del’art urbain de George Gershwin. L’effervescencede la modernisation, de l’industrialisation,de la vitesse, devient la pulsation desa musique. Les transformations incessantesde la ville influencèrent profondément sonœuvre, en particulier les immeubles quicommencent alors à repousser toujours plushaut le ciel de la ville, dans un précipité,disait-il, « d’émotion et de sens ».Le compagnonnage entre Montalvo-Hervieuet Gershwin ouvrira un dialogue entrel’artiste virtuose qui donna son tempo àl’Amérique en la subjuguant de ses notes,et cette création qui accueillera rythmes etesthétiques du XXIe siècle. Les chorégraphesrendront aussi hommage au Gershwin libre,cultivé, connaisseur des grands mouvementsavant-gardistes européens qui intégrait,transformait, « gershwinisait » tout ce qu’ilentendait. Empruntant à des pratiques hétéroclites,rusant avec le répertoire, remixant,redistribuant, collant, « pluggant », sonœuvre s’élaborait comme un tissu serré deréférences multiples – le jazz et les arias,12

Debussy et les gospels, les chants africainset la liturgie juive… De l’art syncrétiquede George Gershwin à l’art du mélange deMontalvo-Hervieu, il n’y aura dès lors qu’unpas ; pas de côté hors de toute théorie normativede l’art, pas de côté vers la multiplicationdes possibles, vers ce qui augmente lesentiment de la vie.Enfin George Gershwin croyait aux vertusd’un art léger mais profond, virtuose maisinterrogatif, lumineux mais complexe.Dès le début de sa carrière, il évoquait lamission de l’art populaire : il contribua auxpremiers enregistrements sur bande, auxpremières émissions radiophoniques… JoséMontalvo et Dominique Hervieu puiserontaux sources de l’entertainment américain– comédies musicales et cinéma hollywoodiendes années 30 –, dans une translationconstante entre arts majeur et mineur, entreculture savante et traditions, une réinventionpermanente des hiérarchies convenuesdes registres et des discours. Pour rendresensible cette porosité des registres dans ladanse et dans la musique, la bande-son duspectacle alternera les songs et la « musiquesérieuse » du compositeur, faisant la partbelle aux chants live, au slam, aux claquettes,ou autres percussions des Shim Shamdu Savoy. Multiples clins d’œil à ces annéesfolles, donc, pour un show de musique etde danse que rien ne devra interrompre…Il y a presque un siècle, Gershwin l’avaitdéjà compris : il est certains spectacles quimettent l’imaginaire au travail, et nousouvrent au rêve d’un monde souhaitable :car ils façonnent en nous une mobilité de laperception, une intelligente bienveillancedu regard.Vincent RafisComment le passé peut-il dessiner le futur ?Il faut parfois aller très en arrière pour mieux bondiren avant. Dans notre réflexion nous essayons d’éviterdeux voies qui nous paraissent sans issue. Celle d’unpassé sans avenir et d’un avenir sans passé. D’un côté,le refuge dans l’académisme, la répétition morne etmonotone du passé, de l’autre l’amnésie, la table rase,l’idée selon laquelle chaque nouvelle oeuvre rendraitvieillottes, périmées les œuvres qui la précèdent,comme chez la jeune Madame de Cambremer, dansA la recherche du temps perdu, pour qui après Wagner,Chopin n’est plus de la musique ; après Monet, Monetn’est plus de la peinture. Nous sommes persuadés quedans les grandes œuvres, il y a quelque chose d’éternel,d’immuable, qui est susceptible d’échapper autemps et qui vivifie, revivifie, questionne notre temps.Dans nos œuvres, nous nous sentons dépositaires decultures, de traditions, d’histoires de la danse magnifiquessur lesquelles notre imaginaire peut s’appuyer,rebondir, s’envoler. L’alliance de la mémoire et del’invention nous permet d’éviter les dogmatismes, lespréjugés, les pièges de notre époque en nous ouvrantdes espaces de liberté.Le retour sur les œuvres du passé active notre présentet esquisse ainsi d’inattendus pas en avant.José Montalvo et Dominique HervieuInfos +Première MondialeCoproduction Biennale1 représentation jeune publicwww.montalvo-hervieu.comJosé Montalvo andDominique HervieuIn 1981, choreographer José Montalvo metdancer Dominique Hervieu. He started to createshort playful pieces – sorts of choreographicaphorisms – of which she was the main performer.Together they developed a particulargestural language – fluid, rapid, precise – thatlent their productions a singular style. From1986-1988, Montalvo’s works won severalawards in international choreographic competitions,all courtesy of Hervieu’s performances.Thus began an artistic adventure and a profoundlyempathetic rapport, which in 1988 gaverise to Compagnie Montalvo-Hervieu. In 1993,their first joint work Double trouble, comparedtechnological images of the dancers’ bodies withtheir physical presence. The pair embarked onthe creation of a set of works which, thoughself-contained, could one day be considered intheir totality, like a large baroque mural. Paradis(1997) and Le jardin io io ito ito (1999) attractedplaudits the world over for the originality oftheir approach, and they received many artisticawards. In 1999, Montalvo and Hervieu createdfor the danseurs étoiles of Opéra National deParis and for the opening ceremony of the 53rdCannes Film Festival. In parallel to their corechoreographic output, in 1989 they began tocreate in situ events. In June 1998, they wereappointed directors of the national choreographiccentre (CCN) of Créteil and Val-de-Marne. In June 2000, Montalvo and Hervieuwere respectively named director of dance anddirector of children’s and outreach activities atThéâtre National de Chaillot. They were alsoawarded the distinction of Chevalier des Artset des Lettres. From 2002 onwards, DominiqueHervieu began to write the company’s showstogether with José Montalvo. In May 2004, theychoreographed and directed Jean-Philippe Rameau’sopera Les Paladins, conducted by WilliamChristie. In November 2004, they devised a“choreographic journey” at the Louvre Museum.In January 2005, they presented On Danƒeand created a variation on this piece for youngaudiences, titled La Bossa Fataka De Rameau. In2006, Hervieu created a set of interactive, educationalDVDs about cultural diversity. In June2008, the Ministry of Cultuure appointed thepair as directors of Théâtre National de Chaillot,which has become a venue wholly dedicated tochoreographic art.Gershwin / premiering at theBiennale“What luck to be twenty in the Twenties in NewYork!”, exclaimed Ernest Hemingway, a greatadmirer of George Gershwin. Those were indeedthe years when the new genius of Americanmusic burst on the scene. New York, a city thatsymbolises American urbanism, inspired the birthof George Gershwin’s urban art. The ferment ofmodernisation, industrialisation and speed gavehis music its pulse. His œuvre was profoundlyinfluenced by the city’s incessant transformations,particularly the tower blocks that pushedNew York’s skies ever higher – in, he said, a rushof “emotion and meaning”. Montalvo-Hervieu’sapprenticeship with Gershwin has yielded adialogue between the virtuoso artist, who gaveAmerica its tempo and beguiled the countrywith his melodies, and this new work, whichembraces 21st-century rhythms and aesthetics.The choreographers will pay tribute to the freespirited,cultivated Gershwin, the connoisseur ofEurope’s leading avant-gardist movements whoabsorbed, transformed and “Gershwinised”everything he heard. His oeuvre borrowed frommyriad styles, craftily tweaking the repertoire,remixing, collaging and plugging as he weaved adense fabric of references – jazz, arias, Debussy,gospels, African chants, Jewish liturgy… FromGeorge Gershwin’s syncretic art to Montalvo-Hervieu’s art of the blend, there was but a singlestep; a side step, away from normative theoriesof art and towards multiplied possibilities,towards all that is life-affirming. Lastly, GeorgeGershwin believed in the virtues of art that islight yet profound, virtuosic yet questioning, luminousyet complex. From the start of his career,he spoke of his mission to make popular art: hecontributed to the first tape recordings and thefirst radio broadcasts… Here, José Montalvo andDominique Hervieu tap the sources of Americanentertainment – the musicals and Hollywoodmovies on the ’30s – shuttling constantlybetween the major and minor arts, betweenscholarly culture and traditions, in a continuousreinvention of the conventional hierarchies ofregisters and discourses. To conjure the porosityof the dance and music registers, the show’ssoundtrack alternates the composer’s songs withhis “serious” music – with pride of place goingto live singing, slamming, tap dancing and otherpercussive sounds such as those of the Shim-Sham, the warm-up dance at the Savoy.The show brims with jaunty references to America’sAnnées Folles, a feast of music and dancethat nothing must interrupt. Almost a centuryago, Gershwin had already understood: thereare shows that set the imagination racing andbeckon us into the dream of a world to wish for,for they fashion in us a mobile perceptivenessand a benevolent, intelligent eye.Vincent RafisHow can the past shape the future?Sometimes you need to take a long step back to get abetter jump. In our thinking, we try to avoid two pathswhich we feel are dead ends: the past with no future,and the future without a past. On one hand, takingrefuge in academicism, in the dreary and monotonousrepetition of the past; on the other, amnesia andtabula rasa, the idea that each new work rendersold-fashioned and outdated those that preceded it –as epitomised by young Madame de Cambremer inProust’s In Search of Lost Time, who opined that Chopincould not be called music, once you’d heard Wagner;and that Poussin wasn’t painting, once you’d seenMonet. We are convinced that great works containsomething eternal and unchanging that tends to eludetime and which invigorates, reinvigorates, and asksquestions of our era. In our works, we feel we are thecustodians of magnificent dance cultures, traditionsand histories, which our imaginations can draw onand bounce off; which give them wings. Combiningmemory and inventiveness helps us to avoid thedogmatism, prejudice and pitfalls of our age, and toopen up spaces of freedom. Returning to the worksof the past activates our present, and thus outlinesunexpected steps forward.José Montalvo and Dominique HervieuExtra info: World PremiereCo-produced by the Biennale1 young people’s matinéewww.montalvo-hervieu.com13

CCN Roubaix Nord-Pas de Calais /Carolyn CarlsonBlue LadySolo - Création 1983 / Recréation BiennaleDirection artistique et chorégraphie : Carolyn CarlsonMusique : René AubryDanseur : Tero Saarinen - Lumières : Peter Vos (recréation)Coproduction : Biennale de la Danse de Lyon, Le Colisée - Théâtre de Roubaix - Accueil : Le Toboggan, Biennale de la DanseDouble VisionSolo - Création 2006Direction artistique et chorégraphie : Carolyn CarlsonConception : Carolyn Carlson et Electronic ShadowMusique originale et sons : Nicolas de Zorzi Danseuse : Carolyn Carlson - Scénographie et images : Electronic Shadow - Costumes : Chrystel Zingiro d’après les dessins de CrstofBeaufays - Lumières : Emma Juliard et Electronic ShadowCoproduction : La Condition Publique - iDEALiD - Accueil : Le Toboggan, Biennale de la DanseBlue LadyLe Toboggan - DécinesDimanche 7 17hLundi 8 20h30Mardi 9 20h30Durée : 1hPlein tarif22 €Tarif réduit19 €Double VisionLe Toboggan - DécinesVendredi 12 20h30Durée : 1 hPlein tarif22 €Tarif réduit19 €Carolyn CarlsonCarolyn Carlson est née en Californie deparents d’origine finlandaise. Elle étudie ladanse à la San-Francisco School of Ballet età l’Université de l’Utah où elle rencontreAlwin Nikolaïs en 1965. Elle devient la figureemblématique de sa compagnie à New Yorkpendant 7 ans. Elle parcourt alors le mondeet remporte en 1968 le Prix du MeilleurDanseur du Festival International de Dansede Paris. Elle rejoint ensuite la compagnied’Anne Béranger comme soliste et chorégraphe.Elle y crée sa première pièce, Rituelpour un rêve mort, présentée dans la courdu Palais des Papes à Avignon en 1972. En1974, sa rencontre avec Rolf Liebermannest déterminante. Celui-ci l’invite à l’Opérade Paris comme chorégraphe-étoile et luipropose en 1975 de diriger le Groupe deRecherches Théâtrales (GRTOP). Plus de 25créations voient le jour entre 1974 et 1980dont Density 21,5 ; The Architects ; This, thatand the other; Slow, heavy and blue. Dès1974, elle initie les danseurs à sa techniqued’improvisation et de composition. Entre1980 et 1985, elle part au Teatro la Fenice àVenise et elle crée son emblématique soloBlue Lady (1983) avant de revenir à Paris oùelle est accueillie par le Théâtre de la Ville(1985-1991). Puis, elle est en résidence enFinlande pour deux ans et prend ensuitela direction artistique du Ballet Cullberg àStockholm (1994-1995).Entre ses créations, elle s’adonne à l’expériencedes improvisations-spectacles qu’ellemène avec des danseurs de prédilection(Larrio Ekson, Jorma Uotinen, MalouAiraudo) et des musiciens complices (MichelPortal, John Surman, René Aubry, JoachimKuhn, Trilok Gurtu) ; et continue de créerdes pièces de répertoire pour le Ballet del’Opéra de Paris (Signes), l’Opéra de Bordeaux(Hydrogen Jukebox)…Nommée directrice du secteur danse dela Biennale de Venise de 1999 à 2002,Carolyn Carlson y crée Parabola (1999),Light Bringers (2000), J. Beuys Song (2001),Writings on water (2002). Elle ouvre aussiune académie de danse contemporaine etmet également en place un festival. Ellefonde, en 1999, l’Atelier de Paris-CarolynCarlson, avec le soutien de la Ville de Parisqui devient rapidement un lieu de référenceen matière de formation professionnellepour les danseurs et un lieu de soutien à lacréation.Depuis 2004, Carolyn Carlson est nomméeà la direction artistique du CCN de RoubaixNord-Pas de Calais. En 2006, elle reçoitle premier Lion d’Or jamais attribué à unchorégraphe par la Biennale de Venise.D’une maîtrise impressionnante, sa danse,toujours en quête de poésie, se nourrit deses rencontres avec de grands créateurstels que les compositeurs Philip Glass, RenéAubry, Gavins Bryars, Kaija Saariaho etles danseurs Larrio Ekson, Jorma Uotinen,Marie-Claude Pietragalla, Dominique Mercy,Tero Saarinen…Blue Lady (1983, recréation2008), solo interprété par TeroSaarinenLe 11 octobre 1983, Carolyn Carlson créeBlue Lady au Théâtre Fenice à Venise. Lapièce connait un retentissement énorme etsera représentée pendant dix ans, dans lemonde entier. Blue Lady marque l’épanouissementd’une créatrice et d’une interprètemajeure, parvenue à une maturité artistiqueet une plénitude du mouvement remarquables.La musique de René Aubry, d’immensesstores vénitiens, un arbre, un tourbillon derobes et de chapeaux dessinent le cadrepoétique d’une danse flamboyante. Les14

virevoltes et les bras de Carolyn Carlson ontimprimé les mémoires à travers ce solo, àla fois somme et exploration des possibles.L’inspiration de la pièce est marquée parVenise et par un élément biographique : lamaternité de Carolyn Carlson. Cet événementa modifié en profondeur sa consciencedu monde et de l’existence. Cette perceptiondes horizons humains tisse la structurede Blue Lady, fascinante galerie de portraitsféminins qui embrasse l’espace d’une vie.De par leurs origines, Carolyn Carlson etTero Saarinen partagent une forme d’âmefinlandaise faite de distance au réel, d’imprévisibilitéet d’ironie. Ce rapport au réelparticulier fait partie intégrante de BlueLady. Alors que la pièce était encore engestation, Carolyn Carlson a visité un hôpitalpsychiatrique vénitien. Elle s’est particulierementinspirée des regards inquiets et desyeux emplis de méfiance d’un aliéné. C’estune des dimensions de l’œuvre qu’investiraTero Saarinen.Double vision / création2006 / solo interprété parCarolyn CarlsonDouble Vision est une rencontre transdisciplinaireentre deux artistes, la chorégrapheétoileCarolyn Carlson le jeune groupe decréation Electronic Shadow, composé de l’architecteNaziha Mestaoui et du réalisateurYacine Aït Kaci, qui en faisant littéralementfusionner l’espace et l’image proposent denouveaux types de perception. Consacrantcette rencontre, ce solo propose au publicune chorégraphie globale de la scène, danslaquelle le corps, celui de Carolyn Carlson,orchestre, dans un solo chorégraphique,un univers qui s’étend sur toute une scèneque la technologie a rendue vivante. Lascène devient l’extension du geste, il n’y aqu’une seule image, la scène elle-même ;la technologie est transparente, laissant laplace à l’émotion d’une perception décaléede la réalité. Le spectacle est une ode àl’imaginaire, une double vision de la réalité,un poème visuel et sonore sur la relativitéde nos perceptions, une vision au-delà dela vue. Le temps et l’espace se plient et sedéplient dans un cycle éternel dont la duréedu spectacle est une tranche perceptible.Comment le passé peut-il dessiner l’avenir ?Nous sommes une nébuleuse de souvenirs à partirdesquels nous dessinons et construisons les œuvresde nos vies. Quand un événement a lieu, il ne se réduitpas à une seule chose : le passé, le présent, le futur ysont tous contenus simultanément.Carolyn CarlsonL’essence de l’art n’est pas de répondre à l’actualité.C’est d’être un catalyseur de la pensée et du changement,et d’être un déclencheur d’expériences.David RobertsonInfos +Blue Lady / recréation pour la Biennalewww.ccn-roubaix.comCarolyn CarlsonCarolyn Carlson was born in California toparents of Finnish origin. She studied dance atthe San Francisco School of Ballet and at theUniversity of Utah, where she met Alwin Nikolaisin 1965; for seven years, she was an emblematicfigure of his New York-based company. Duringthis period she travelled the world, and in 1968won the best dancer award at the FestivalInternational de Danse in Paris. She then joinedAnne Béranger’s company as soloist and choreographer;in 1972 her first piece, Rituel pour unrêve mort, was staged in the courtyard of thePapal Palace in Avignon. In 1974, she met RolfLiebermann – a watershed moment. He broughther to the Opéra de Paris as star choreographer,and in 1975 invited her to run the opera house’stheatre research group (GRTOP). She createdmore than 25 works between 1974 and 1980,including Density 21,5; The Architects; This, Thatand the Other; and Slow, Heavy and Blue. In1974, she began introducing the dancers to herimprovisation and composition technique. From1980-1985, she worked at the Teatro la Fenicein Venice, creating her emblematic solo BlueLady (1983), before returning to Paris and to hernew base, the Théâtre de la Ville (1985-1991).She then had a two-year residency in Finlandbefore taking over as artistic director of theCullberg Ballet in Stockholm (1994-1995).In between choreographic activities, she experimentswith “improvisation shows” in collaborationwith her favourite dancers (Larrio Ekson,Jorma Uotinen, Malou Airaudo) and musicians(Michel Portal, John Surman, René Aubry,Joachim Kuhn, Trilok Gurtu); and continues tocreate works for the repertoires of the ParisOpera Ballet (Signes) and the Bordeaux Opera(Hydrogen Jukebox), among others.While director of the dance section of the VeniceBiennale (1999-2002), Carolyn created Parabola(1999), Light Bringers (2000), J. Beuys Song(2001) and Writings on Water (2002). She hasalso founded a contemporary-dance academyand a festival. In 1999, she established the Atelierde Paris-Carolyn Carlson with backing fromthe City of Paris; it quickly became a leadingfacility for the professional training of dancersand for supporting the creation of new work.Since 2004, Carolyn Carlson has been artisticdirector of the national choreography centre inRoubaix, northern France. In 2006 she receivedthe first Golden Lion ever awarded to a choreographerby the Venice Biennale. Her stunninglymasterful dance, constantly striving for poetry, isinformed by her encounters with great creatorssuch as the composers Philip Glass, René Aubry,Gavins Bryars, Kaija Saariaho and dancers includingLarrio Ekson, Jorma Uotinen, Marie-ClaudePietragalla, Dominique Mercy and Tero Saarinen.Blue Lady / 1983, revisited in2008 / solo interpreted by TeroSaarinenCarolyn Carlson’s Blue Lady premiered on 11 October1983 at the Teatro La Fenice in Venice. Thepiece caused a sensation and was performed forten years all over the world. Blue Lady markedthe blossoming of a major creative talent andperformer who had reached artistic maturity andachieved an incredible richness of movement.Music by René Aubry, enormous Venetian blinds,a tree and swirling dresses and hats create apoetic environment for a flamboyant dance.Carolyn Carlson’s spinning body and arm gestureshave left their mark on memories in a solowork that is both the sum and the explorationof possibilities. The inspirations for the pieceare Venice and Carolyn Carlson’s entry intomotherhood. This event profoundly changedher consciousness of the world and of existence.Blue Lady is structured on her perception of humanhorizons; it is a fascinating gallery of femaleportraits spanning the space of one life.Through their origins, Carolyn Carlson and TeroSaarinen share a Finnish soul built on distancefrom reality, unpredictability and irony. Thisdistinctive relationship with reality forms anintegral part of Blue Lady. When the piece wasat the planning stage, Carolyn Carlson visited apsychiatric hospital in Venice and was especiallyinspired by the anxiety and suspicion she sawin the eyes of the mentally ill patients. This is adimension of the work that Tero Saarinen willconcentrate on.Double Vision / 2006 creation /solo interpreted by CarolynCarlsonDouble Vision is a cross-disciplinary encounterbetween two artists: star choreographer CarolynCarlson and young creative platform ElectronicShadow, comprising architect Naziha Mestaouiand film director Yacine Aït Kaci, who proposenew types of perception by literally fusing spaceand imagery. This solo is the record of theirencounter. It offers the audience a choreographythat encompasses and integrates dancer andstage; Carolyn Carlson’s body orchestrates aworld that stretches right across a stage broughtto life by technology. The stage becomes the extensionof gesture; there is only one image, thestage itself; the technology is transparent, givingway to the emotion of a disjointed perceptionof reality. The show is an ode to the imaginedworld, a double vision of reality, a poem ofvision and sound about the relativity of our perceptions,a vision beyond sight. Time and spacefold and unfold in an eternal cycle, of which thelength of the show is a perceptible period.How can the past shape the future?We are a bank of memories from which we draw andconstruct our life works. There isn’t just one thinghappening; past present future - all are contained inthis simultaneity of events.Carolyn CarlsonThe idea of the arts is not to be the response to whatis going on. It’s to be a catalyst for thought andchange and an opening up of experience.David RobertsonExtra info:Blue Lady / recreated for the Biennalewww.ccn-roubaix.com15

Companhia Urbana de DançaAgwaPièce pour 10 danseurs - Création BiennaleChorégraphie : Mourad MerzoukiMusique : AS’N Danseurs : Tiago « TS » Sousa, Alexsandro « PIT » Soares, Ruy Chagas Junior, Wallace Costa, Diego « White » Leitão, Dieguinho Alves dos Santos, Leo Alves Santos, Christian Faxola,Zé « Joro », Raphael Roussier - Lumières : Yoann Tivoli - Scénographie : Benjamin LebretonCoproduction : Biennale de la Danse de Lyon, Espace Albert Camus de Bron, Compagnie Käfig - Avec le soutien de : Fondation BNP Paribas - La Compagnie Käfig est subventionnée par le Ministèrede la culture et de la communication - Drac Rhône-Alpes, la Région Rhône-Alpes (compagnie conventionnée), et Culturesfrance pour certaines de ses tournées internationales - La CompagnieKäfig est en résidence à l’Espace Albert Camus de Bron - Accueil : Espace Albert Camus-Bron, Célestins-Théâtre de Lyon, Biennale de la DanseAvec le soutien de : Ambassade du Brésil en France - GL eventsSuite funk Carioca e suburbanaPièce pour 10 danseurs - Création BiennaleDirection artistique : Sonia DestriChorégraphie : Sonia Destri et Companhia Urbana de DançaMusique : Funk ball base Danseurs : Tiago « TS » Sousa, Alexsandro « PIT » Soares, Ruy Chagas Junior, Wallace Costa, Diego « White » Leitão, Dieguinho Alves dos Santos, Leo Alves Santos,Christian Faxola, Zé « Joro », Raphael Roussier - Décors : Sonia Destri et Alber Alfano - Vidéo : Marcelo Destri, Bruno Leonardo - Films : Kathie Levy - Dramaturgie : Sonia Destri et Monica Lima -Costumes : Carla Garam et Reinaldo Elias - Direction musicale : « White » et Sonia Destri - Recherche gestuelle : « White », Aldair Junior, Dieguinho et Roussier - Scénographie, vidéo : DiegoCarvalho - Lumières : Dominique Parambau, Fernanda Montalvani - Répétiteurs : « White », Dieguinho - Responsable de tournée : Marcio Destri - Avec l’aide de : Buddha Stretch, RaphaelXavierCoproduction : Biennale de la Danse de Lyon - Avec le soutien de : Centro Coreografico da Cidade do Rio de Janeiro et SESC Copacabana - Accueil : Espace Albert Camus-Bron, Célestins-Théâtrede Lyon, Biennale de la DanseAvec le soutien de : Ambassade du Brésil en France - GL eventsCélestins - Théâtre de LyonDimanche 7 19hLundi 8 19h30Mardi 9 20h30Mercredi 10 20h30Vendredi 12 20h30Durée : 1hPlein tarif1 ère série 22 €2 ème série 18 €3 ème série 13 €Tarif réduit1 ère série 19 €2 ème série 15 €3 ème série 10 €Espace Albert Camus - BronMardi 16 20h30Mercredi 17 20h30Durée : 1hPlein tarif17 €Tarif réduit14 €Sonia DestriSonia Destri est une chorégraphe connue etreconnue au Brésil. Elle a travaillé dans denombreux pays en Europe et notamment enAllemagne. De retour dans son pays, elle apour idée de créer une compagnie de dansequi réunirait l’esprit urbain et la culture brésilienne.De cette intéressante union est néeUrbana de Dança, une compagnie uniquequi tire ses racines du hip-hop, de la dansecontemporaine et de la capoeira. Elle estcomposée de jeunes hommes, tous b-boysou capoeristes, issus de différentes classessociales de la ville de Rio de Janeiro. Cettecompagnie jeune et audacieuse, invente unnouveau langage chorégraphique à partirde son propre vocabulaire. « Nos jambessont à Rio, notre tête à Los Angeles, les brasgrands ouverts entre New York et Tokyo.Nous sommes une compagnie de danseurbaine dont le style vient des pops et deslocks du break dance, de la dextérité de lacapoeira et des mouvements ronds, sensuelset émotifs de la samba. Nous créons unedanse dé-construite dans de jeunes corpstout en préservant l’esprit des rues et desghettos, la battle des b boys, la roda decapoeira et derrière tout ça leurs cultures etleurs rites.»Mourad MerzoukiDe l’école du cirque à la danse hip-hop...Né à Lyon en 1973, d’origine kabyle,Mourad Merzouki débute dès l’âge de septans avec les arts martiaux et les arts ducirque. A quinze ans, sa rencontre avec laculture hip-hop l’emmène vers le monde dela danse. Il décide très vite de développersa gestuelle hip-hop avec des objectifs plusprofessionnels, mais n’hésite pas dans lemême temps à se confronter à d’autres langageschorégraphiques auprès notammentde Maryse Delente, Jean-François Duroureet Josef Nadj.La richesse de son parcours lui donne cetteenvie très forte de réaliser des projets artistiques,mêlant le hip-hop à son apprentissagede la scène et du spectaculaire, et c’est cequ’il fait en créant en 1989, avec d’autresdanseurs, sa première compagnie.En 1994, la compagnie présente Athina,lors de la Biennale de la Danse de Lyon,un véritable succès qui réussit à transposerle hip-hop de la rue à la scène, sanslui faire perdre sa véritable identité. Lepremier voyage le conduit dans les campsde réfugiés en Croatie, pendant la guerre. Ilfait l’expérience que la danse peut être unpuissant moyen de communiquer dans descirconstances difficiles et extrêmes.Pour développer son propre univers artistiquelié à son histoire et sa sensibilité,Mourad Merzouki décide de fonder, en1996, sa propre compagnie KÄFIG.12 juin 2006 : Mourad Merzouki a reçu lePrix « Nouveau Talent Chorégraphie » de laSACD (2006)En 2004, il a été promu Chevalier des Artset des Lettres par le Ministre de la Cultureet de la Communication et reçoit le prixde meilleur jeune chorégraphe au FestivalInternational de Danse de Wolfsburg enAllemagne.16

Agwa / créationA la source d’Agwa, une rencontre : cellede Mourad Merzouki avec la CompanhiaUrbana de Dança lors de la Biennale dela Danse de Lyon en 2006. Une rencontreen forme de reflet. Originaires du Brésil,les 10 danseurs de la compagnie ont deshistoires aux cours sinueux qui plongentleurs racines dans les favelas et qui fontressurgir des souvenirs de la même eau auchorégraphe de Käfig. Ayant grandi dansla marginalité, ils ont tous puisé dans leurpassion pour la danse la rage de s’en sortiret d’aller vers l’autre. Une rencontre à laconfluence de plusieurs univers. Encadrés etmis en scène par Sonia Destri, leur chorégrapheattitrée, les danseurs de la CompanhiaUrbana de Dança diluent et mélangentsans aucun complexe hip-hop, capoeira,samba, musique électronique et bossa novapour faire émerger une danse aux acrobatiesépoustouflantes, bourrée d’énergie etd’invention… Dans la même veine que Käfigqui s’abreuve à de multiples courants chorégraphiqueset artistiques pour faire jaillirson propre mode d’expression. Bref, unerencontre qui coule de source et débouchedeux ans plus tard sur un spectacle communplacé sous le signe de l’eau (« agoa » enportugais), à la fois composant essentiel denotre corps, ressource naturelle précieuse,vitale même, que l’on se doit d’économiseret de préserver et symbole de renouveau.Chorégraphiée par Mourad Merzouki, Agwaest imprégnée de ce triple enjeu. Sur scène,les 10 danseurs de la Companhia Urbana deDança tourbillonneront autour d’une fontaineoù ils se désaltèreront régulièrementjusqu’à ce que l’eau vienne à manquer…Suite Funk Carioca e suburbana /créationSuite Funk, sous titrée Carioca e suburbana,est une pièce librement inspirée de la culturedes favelas et de leur fameux bal funk, quiréunit chaque fin de semaine des dizaines demilliers de jeunes cariocas. Un spectacle deSonia Destri en cours de création.Comment le passé peut-il définir l’avenir ?Les identités sont construites sur les mémoiresde chacun, sur les histoires de chaque individu enparticulier et du groupe en général. Nous sommesde Rio de Janeiro, des descendants des Africains, despersonnes nées en Amérique et issues pour la plupartde l’immigration. Nous sommes donc jeunes sur cetteplanète en mouvement. Nos chemins et nos dansesreflètent ce que nous étions, ce que nous sommes et ilsdessinent notre présent et influencent notre futur. Ainsila mémoire et l’identité sont en constante évolution.Sonia DestriFace au tableau plutôt noir que l’on peut facilementfaire du futur – individualisme, uniformisation desmodes de vie et de pensée, risques écologiquesaccrus… – on ne dit jamais assez l’importance dupassé pour construire l’avenir. Pourtant, le passé nepeut «dessiner» le futur que s’il est mis en valeur. Il estnécessaire de se rappeler les événements passés pouren tirer des leçons pour l’avenir - c’est là le but mêmede l’Histoire. De ce point de vue, le XXème siècle estjalonné de périodes fortes, qui ont marqué l’histoiretant individuelle que collective. Ce passé n’est passi lointain et ses réminiscences viennent éclairer leprésent et le futur, à la manière d’une sirène d’incendiequi nous prévient des dangers qui nous guettent...si nous prenons le temps de tendre l’oreille. C’estpour cela que la possibilité d’accéder au passé, à lamémoire passée, par l’image notamment, me paraîtindispensable pour pouvoir construire le futur.Mourad MerzoukiInfo + Première mondiale2 représentations jeune publicCompagnie invitée à la Biennale 2006Sonia DestriSonia Destri is a well known and recognisedchoreographer in Brazil. Returning home afterspells in many European countries, Germanyin particular, she thought of founding a dancecompany that would combine urban spirit andBrazilian culture. This promising union gave riseto Urbana de Dança, a unique outfit with rootsin hip-hop, contemporary dance and capoeira.Its members are young men – all b-boys andcapoeiristas – from different social classes inRio de Janeiro. This young, bold company hasinvented a new choreographic language with itsown vocabulary. “Our legs are in Rio, our mindsare in Los Angeles, and our arms are stretchedbetween New York and Tokyo. We’re an urbandance company whose style derives from thepops and locks of breakdancing, the dexterity ofcapoeira and the rounded, sensual and emotivemoves of samba. We create deconstructeddance in young bodies, while keeping the streetand ghetto spirit alive through b-boy battles, thecapoeira roda (circle) and all of their underlyingcultures and rites.”Mourad MerzoukiFrom the school of circus to the hip hop dance…Born in Lyon in 1973 and of Kabyle origin,Mourad Merzouki started learning martial andcircus arts ever since he was seven years old.At the age of fifteen years old, his discovery ofthe hip hop culture led him towards the danceworld. He soon decided to develop his hip hopmovements with more professional goals. Healso didn’t hesitate to confront himself withother choreographic languages, particularlythose of Maryse Delente, Jean-Francois Duroureand Josef Nadj. The wealth of his path stronglymade him want to carry out his artistic projects,mixing hip hop to his experience of learninghow to work on stage and produce spectacularexercises. And that’s what he did in 1989 whenhe created his first company with other dancers.In 1994 the company performed Athina at theDance Biennale of Lyon. The piece was a realsuccess that managed to transpose the streethip hop to the stage, without letting the urbanmovement lose its real identity. His first tourtook place in the refugee camps of Croatia duringthe war. There, he realizes that dance couldbe a powerful means to communicate in difficultand extreme circumstances. In 1996, in orderto develop his own artistic universe linked to hisstory and sensibility, Mourad Merzouki decidedto found his own company, KÄFIG.Mourad Merzouki received the prize «NewTalent Choregraphy», of the SACD (2006).In 2004 he was promoted Chevalier des Arts bythe French Minister of Culture and Communication.and he was awarded the prize of the bestyoung choreographer at the International DanceFestival of Wolfsburg, Germany.Agwa / premiering at theBiennaleAgwa flowed from Mourad Merzouki’s meetingwith Companhia Urbana de Dança at the 2006Biennale – an encounter that embodied thought.The company’s ten Brazilian dancers havecomplex life-stories rooted in the favelas – a backgroundthat conjures memories akin to thoseof the Käfig company’s choreographer. Aftergrowing up on the edge, their passion for dancehas stoked their will to find an escape route andreach out to others.Their collaboration straddled several worlds. Thedancers of Companhia Urbana de Dança, directedby their regular choreographer Sonia Destri,blithely dilute and blend hip-hop, capoeira,samba, electronica and bossa nova to producedance studded with staggering acrobatics andbrimming with energy and inventiveness – in asimilar vein to Käfig, which drinks from multiplechoreographic and artistic wells to craft its ownform of expression.In short, this was an encounter that madeobvious sense. It led, two years later, to a jointshow on the theme of water (agoa in Portuguese),which is at once an essential componentof our body; a precious and even vital natural resource,to be saved and protected; and a symbolof renewal. Agwa, choreographed by MouradMerzouki, is informed by these three ideas. Onstage, the ten dancers of Companhia Urbanade Dança swirl around a fountain, regularlyrefreshing themselves until... it dries up.Suite Funk / premiering at theBiennaleSuite Funk, subtitled Carioca e suburbana, isa work in progress for the young dancers ofCompanhia Urbana de Dança.How can the past shape the future?Identity is built around memory, around each individual’shistories in particular and the group’s in general.We live in Rio de Janeiro, we are descended from Africansand born in the Americas, mostly to immigrantparents. So we are youngsters on this moving planet.Our lifepaths and dances reflect what we were andwhat we are; they shape our present and influenceour future. Memory and identity are thus constantlyevolving.Sonia DestriGiven the fairly gloomy predictions it’s easy to makeabout the future – individualism, uniformisation oflifestyles and modes of thinking, increased environmentalrisks and so on – one cannot overstate theimportance of the past in building the future. And yetthe past can only “shape” the future if it is deemedvaluable. Past events must be recalled in order todraw conclusions for the future – that is precisely thepurpose of History. In this respect, the 20th centurywas marked by milestone periods that influenced bothindividual and collective history. This not-so-distantpast, and our reminiscences, shed light on present andfuture, like a fire alarm warning us of lurking dangers...if we take time to listen. That’s why I feel access to thepast and memories of it – through images in particular– is indispensable for building the future.Mourad MerzoukiExtra info: World Premiere2 matinées for young audienceThe company performed at the 2006Biennale17

Wayne McGregor | Random DanceEntity: A DiptychPièce pour 10 danseurs et un quatuor à cordes - Création 2008 - Avec la participation du Quatuor DebussyDirection artistique et chorégraphie : Wayne McGregorMusique : Detector by Joby Talbot, Jon HopkinsDanseurs : Neil Fleming Brown, Catarina Carvalho, Agnès López Rio, Paolo Mangiola, Ángel Martinez Hernandez, Anh Ngoc Nguyen, Anna Nowak, Maxime Thomas, Antoine Vereecken, Jessica MWright - Décors : Patrick Burnier - Costumes : Patrick Burnier - Lumières : Lucy Carter - Vidéo : Ravi DeepresCoproduction : Het Muziektheater (Amsterdam), Sadler’s Wells (Londres), Biennale de la Danse de Lyon, DanceEast (Ipswich), Swindon Dance / Bath University ICIA / Wyvern (HST) (Swindon/Bath)Avec le soutien de : Linbury Biennial Prize for Stage Design, Estate of Sir John Drummond (Quercus) Calouste Gulbenkian Foundation, University of California San Diego, PRS Foundation for newmusic - Wayne McGregor | Random Dance est en residence au Sadler’s Wells (Londres), et « Associate Company » de DanceEast (Suffolk) -Wayne McGregor est chorégraphe résident au Royal Ballet, Covent Garden.Le TransbordeurLundi 8 20h30Mardi 9 20h30Mercredi 10 20h30Jeudi 11 20h30Durée : 1hPlein tarif25 €Tarif réduit22 €Wayne McGregorMcGregor est né à Stockport en 1970 eta étudié la danse à l’University Collegede Bretton Hall ainsi qu’à l’école de JoséLimon à New York. En 1992, il fonde sapropre compagnie Random Dance, et lamême année, il est nommé chorégrapherésident au centre de danse londonienThe Place. Il est le premier chorégraphe dedanse contemporaine nommé chorégrapherésident au Royal Ballet.Random était alors une compagnie parmitant d’autres qui émergea dans les années90 grâce aux deux caractéristiques du travailde McGregor qui lui ont permis de se faireremarquer :Premièrement, la qualité unique de son vocabulaire,qui puise son origine dans le physiquemême de Wayne McGregor, souple,long et fin, ainsi que dans sa capacité àmémoriser un mouvement avec une vitesseet une précision particulière. Sa danse est àla fois nerveuse et fluide.Deuxièmement, l’utilisation exceptionnelledes nouvelles technologies dans ses œuvres.McGregor commença à jouer avec desordinateurs dès l’âge de 7 ans et c’estdonc tout naturel pour lui d’utiliserle monde virtuel dans ses propreschorégraphies. En collaborationavec des designers depointe, il s’essaye à la projectionsur scène d’imagesgénérées par ordinateur.Dans Sulphur 16 (1998),des danseurs de Randomsont rapetissés par laprésence de géantsvirtuels, et dansent encompagnie de formesdigitales volant et virevoltantparmi eux commedes visiteurs d’un autreâge. Dans Aeon (2000) despaysages créés de façon digitaleet projetés sur scènetransportent les danseursdans ce qui paraît être unmonde parallèle ou une autredimension.Pour des projets spécifiques,McGregor utilise la technologie pourmodifier les conditions sous lesquellesson travail était regardé. 53 Bytes (1997)par exemple fut joué en simultané par deuxtroupes au Canada et à Berlin et retransmisen direct par satellite au public de chacundes deux pays. En 2000, McGregor explorela possibilité de toucher un public plus universelen diffusant en direct son spectacleTrilogy par le biais d’Internet. Il est pionnierdans le domaine de l’utilisation de la technologieau service de la danse.En 2002, Random est nommée Compagnieen résidence au Sadler’s Wells de Londres. Ilexpérimente alors dans Nemesis des technologiesd’un type tout à fait différent, liantles bras de ses danseurs à des dispositifs debranches longues et mécaniques.En parallèle à son travail de chorégraphe ausein de sa compagnie, McGregor est sollicitépour d’autres productions théâtrales (A littleNight Music au Théâtre National; Salome àl’English National Opera…) cinématographiques(Harry Potter et la Coupe de feu)ou chorégraphiques (San Francisco Ballet, LeBallet de l’Opéra de Paris, NDT I, English NationalBallet….). Il fait ses débuts de metteuren scène à la Scala de Milan avec Dido etAeneas et plus récemment à la Maison dela Danse pour la création de la comédiemusicale Kirikou et Karaba (2007).Même si McGregor tire son inspirationdirectement de ses danseurs, la musiquetient une part importante dans son processusde création. Le monde futuriste deses travaux précédents a pris un tournantplus agité, énervé, avec l’accompagnementd’une musique de night-clubs abrasive.Cependant, dans ses dernières productions,Wayne McGregor a commencé à exploiterla couleur émotionnelle d’une large variétéde musiques, et passe régulièrement descommandes à de nouveaux compositeurspour ses chorégraphies.Fasciné par l’énergie et la beauté des dysfonctionnementsneurologiques, McGregorcrée AtaXia (2004), inspiré par le travail dudépartement des études expérimentalesde psychologie de Cambridge où il étudieles interactions entre le cerveau et le corps.Pour Amu, il associe le travail des spécialistesde la radiographie cardiaque avec la doubleproblématique des fonctions vitales et de larésonance symbolique du cœur humain.Les expériences de McGregor lui ont valude nombreuses nominations et récompen-18

ses : l’Art Foundation en 1998, le Time OutAward en 2001 et en 2003, et un OlivierAward pour sa performance 2Human en2004.Entity: A DiptychEntity: A diptych confronte l’énergierythmée du Quatuor Debussy aux aspéritéssonores et aux mélodies électroniquesde Jon Hopkins. Associant la danse etla science, le concept d’Entity est né del’affinité que Random a entretenue avec lapensée scientifique. Le diptyque est le fruitd’une collaboration entre McGregor et Scottde Lahunta, de l’University of California deSan Diego, en association avec The CaliforniaInstitutes for Science and Innovation,The Neurosciences Institute, Salk Institute etThe Kavli Institute for Brain and Mind. Entravaillant avec des chercheurs interdisciplinairesen sciences cognitives - englobant lapsychologie, les neurosciences, la linguistique,l’interaction homme-ordinateur, larobotique, etc. McGregor et son équipe ontcréé un système d’agents intelligents capablesd’apprendre et de trouver des solutionsoriginales à des problèmes chorégraphiques.En poussant les limites du corps technologique,un dialogue complexe, entre le cognitifet le physique, soulève des questions sur lanature même de l’être humain.Infos +Première en FranceCompagnie invitée à la Biennale 2004www.randomdance.orgWayne McGregorMcGregor was born in Stockport in 1970 andstudied dance at University College Bretton Halland at the José Limon School in New York. In1992 he founded his own company, recentlyretitled Wayne McGregor | Random Dance , andin the same year was appointed choreographerin-residenceat The Place in London. He is thefirst modern dance choreographer in the historyof the Royal Ballet to be appointed as the company’sresident choreographer.Random was one of many small-scale companiesemerging in the 1990s, but two features madeMcGregor’s work stand out. The first was theunique quality of his vocabulary. This had itsorigins in McGregor’s own long, lean and supplephysique, and in its capacity to register movementwith peculiar sharpness and speed. At oneextreme McGregor’s dancing was a jangle oftiny, fractured angles, at the other it was a whirlof seemingly boneless fluidity. The second outstandingfeature of the work was its embrace ofnew technology. McGregor started playing withcomputers from the age of seven and it wasnatural for him to incorporate the cyber worldinto his own choreography. Collaborating withstate-of-the-art designers McGregor experimentedwith projecting computer generated imagesonto the stage. In Sulphur 16 (1998) Random’sdancers were dwarfed by the presence of ashimmering virtual giant that was projected onthe space above them. Later in the work, a companyof digital figures appeared to weave andshimmer among the live dancers like ghostly visitorsfrom another age. In Aeon (2000) the effectof digitally created landscapes made the dancersappear to be inhabiting other dimensions andother worlds. On specific occasions, McGregorused technology to alter the conditions underwhich his work was viewed. 53 Bytes (1997)was created for simultaneous performance bytwo groups of dancers, located in Berlin andCanada. Audiences in both countries watchedthe transatlantic performance by live satellitelink. In 2000 McGregor explored the possibilitiesof an even more global public by transmitting alive performance of his Trilogy Installation overthe internet. In all these ways McGregor haspioneered a future for dance transformed bytechnology.In 2002, Random was invited to become thecompany in residence at Sadler’s Wells. McGregorcelebrated his new home with Nemesis(2002), which played with a very different kindof technology. Mid-way through, its cast weretransformed into a hybrid super race by havinglong mechanical limbs attached to their arms.Part weapon, part prosthetic body part, thesestrangely jointed, freakishly articulate deviceslent the dancers and the dance a mysterious,beautiful menace.At the same time as his work for Wayne McGregor| Random Dance, McGregor contributesto others non-dance productions (the NationalTheatre’s A Little Night Music, Harry Potterand the Goblet of Fire for Warner Bros). Healso creates new ballets for other companies,including San Francisco Ballet, Paris Ballet, NDT Iand English National Ballet. McGregor made hisdirectorial debut at La Scala, Milan, with Didoand Aeneas in 2007, and, later on that year, atthe Maison de la Danse with the musical Kirikou& Karaba. He has also made numerous worksfor television.McGregor draws direct inspiration from his dancersbut music is important to his process too.The tense futuristic worlds of his earliest workswere made edgier by their accompaniment byabrasive club music; however, in his later works,McGregor began to exploit the emotionalcolour of an increasingly wide variety of music,regularly commissioning new composers to writepieces for his work.Amu was inspired by McGregor’s interest inthe functions and the symbolism of the heart,and has been part of his ongoing study of theinternal workings of the human body. In 2004Wayne McGregor was appointed ResearchFellow with the Neuroscience Department ofCambridge University, where he was engaged ina project to investigate the relationship betweenbrain and physical states in the creative processesof dance.McGregor’s experiments have earned him astring of nominations and awards, including anArts Foundation Fellowship in 1998; two TimeOut Awards for Outstanding Achievement, in2001 and 2003; and an Olivier Award in 2004.Entity: A DiptychEntity: A diptych of works by visionary choreographerWayne McGregor, pitches the rhythmicenergy of the Debussy Quartet against the sonicextremes of Jon Hopkins melody-led electronica.Entity is a new dance/science collaboration thathas evolved from Random’s past and intimateengagement with scientific thought. For thisdiptych, McGregor collaborated with Scott deLahunta and the University of California at SanDiego in association with the California Institutesfor Science and Innovation, the NeurosciencesInstitute, Salk Institute and the Kavli Institute forBrain and Mind. Working with researchers fromthe interdisciplinary fields of cognitive science –psychology, neurosciences, linguistics, humancomputerinteraction, robotics etc. – McGregorand his team built Entity – a “learning” agent,or collection of agents – which can generateunique solutions to choreographic problems,while continually testing the capacities of thetechnological body in a complex cognitive andphysical debate that questions the very nature ofwhat it is to be human.Extra info:French PremiereThe company performed at the2004 Biennalewww.randomdance.org19

Ballet de l’Opéra de LyonOpéra de Lyon - Directeur Général : Serge Dorny / Directeur de la Danse : Yorgos LoukosProgramme 1A cet endroitPièce pour 15 danseurs - Création 2007Chorégraphie : Odile DubocMusique : Benoît LouetteScénographie et lumières : Françoise Michel - Costumes :Dominique Fabrègue - Quatuor à cordes : Musiciens del’Opéra de LyonOtomoDuo extrait de Con Forts Fleuve - Recréation 2008Chorégraphie : Boris CharmatzLumières : Yves GodinGrosse FuguePièce pour 4 danseurs - Création 2001Chorégraphie : Maguy MarinMusique : Ludwig van BeethovenCostumes : Chantal Cloupet - Lumières :François Renard - Quatuor à cordes : Musiciens de l’Opérade LyonCoproduction : Opéra de Lyon et Biennale de la Danse deLyonProgramme 2Second DetailPièce pour 14 danseurs - Création 1991Chorégraphie, scénographie et lumières :William ForsytheMusique : Thom WillemsCostumes : William Forsythe, Issey MiyakeDuoPièce pour 2 danseuses - Création 1996Chorégraphie, costumes et lumières :William ForsytheMusique : Thom WillemsOne Flat Thing, ReproducedPièce pour 14 danseurs - Création 2000Chorégraphie, scénographie, costumes etlumières : William ForsytheMusique : Thom WillemsCoproduction : Opéra de Lyon et Biennale de la Danse deLyonProgramme 3The Show must go onPièce pour 28 danseurs - Création 2001Conception, mise en scène : Jérôme BelMusique : Leonard Bernstein, David Bowie, Nick Cave,Norman Gimbel and Charles Fox, J. Horner, W. Jennings, MarkKnopfler, John Lennon and Paul Mac Cartney, Louiguy, GaltMac Dermott, George Michael, Erick More, Morillo and M.Quashie, Edith Piaf, The Police et Hugh Padgham, Queen, LionelRichie, A. Romero, Monge and R. Ruiz, Paul SimonProduction : Opéra de Lyon, dans le cadre de la Biennale dela DanseOpéra de LyonProgramme 1Mardi 9 20h30Mercredi 10 20h30Programme 2Jeudi 11 20h30Vendredi 12 20h30Samedi 13 20h30Programme 3Dimanche 14 20h30Durée : 1h30Plein tarif Prog. 1 et 21 e série 30 €2 e série 23 €3 e série 15 €4 e série 10 €Tarif réduit Prog. 1 et 21 e série 27 €2 e série 20 €3 e série 12 €4 e série 7 €Plein tarif Prog. 315 €Tarif réduit Prog. 312 €Ballet de l’Opéra de LyonUne compagnie de formation classiquetournée vers la danse contemporaineLes danseurs, dans la pratique que leurapporte la diversité des styles proposés, ysont entraînés à différentes techniques.Depuis presque vingt ans, cette compagnies’est constituée un répertoire important(70 pièces dont 35 créations mondiales)en faisant appel à des chorégraphesprivilégiant le langage, le faisant évoluer,inventant son environnement et sa miseen espace : les « post-modern » américains(Trisha Brown, Lucinda Childs, Bill T. Jones,Ralph Lemon, Stephen Petronio ou SusanMarshall), les écrivains du mouvement (JiríKylián, Mats Ek, William Forsythe, NachoDuato) et les explorateurs de territoires nouveaux,mêlant gestuelle et images (FrédéricFlamand, Philippe Decouflé, ou récemment,Mathilde Monnier). Un pas vers le futur,englobant d’autres tendances ouvertes à lathéâtralité, ainsi que la relecture décapantede quelques oeuvres de référence(Cendrillon vue par Maguy Marin, Roméoet Juliette par Angelin Preljocaj et Casse-Noisette par Dominique Boivin). On peutdire qu’actuellement le Ballet de l’Opéra deLyon reflète la danse en mouvance dans lemonde. ■Yorgos LoukosProgramme 1A cet endroit / Odile DubocÀ cet endroit — créé par le Ballet del’Opéra de Lyon en juin 2007 — est unepièce ludique pour un ensemble de quinzedanseurs, se déclinant en variations, duos ettrios, dialoguant avec la musique composéesur mesure. Les couleurs pastel des costumesforment des touches légères sur le fondgris de la scénographie, comme un paysageéclairé de douces lumières. Une oeuvredélicate et poétique.Otomo / Boris CharmatzOtomo, est un duo extrait de Con FortsFleuve. Questionnant la danse (qu’il aapprise et interprétée auprès de valeursconfirmées : l’Ecole de danse de l’Opéra deParis, le Conservatoire de Lyon, Régine Chopinot,Odile Duboc), Boris Charmatz remetà plat le fait même de danser, s’invente descontraintes, confrontant les corps à diversobstacles, les mettant à nu ou les dérobantau regard, dans une mise en cause permanentedu chorégraphiquement correct. Ceduo pour deux garçons a servi de matriceà la danse de Con Forts Fleuve, bien qu’iln’apparaisse pas tel quel dans la pièce, caréclaté en huit morceaux, interrompu par descoupures de lumières, perturbé par les motshachés de John Giorno, mêlé aux corps desautres protagonistes… C’est ce duo initialqui est donné à voir, aujourd’hui rassembléen une seule partition réinterprétée pardeux danseurs du Ballet de l’Opéra de Lyon.Cette pièce entre au répertoire du Ballet.Grosse Fugue / Maguy MarinEn contraste, s’affirme l’expressivité viscéralede Maguy Marin. La chorégraphe,actuellement directrice du Centre chorégraphiquede Rillieux-la-Pape, continue de nousréjouir et de nous émouvoir par des imagesfortes, souvent porteuses d’une ironiesubversive, où toujours le mouvement se20

fond dans la théâtralité. Dans Grosse Fugue(2001, entrée au répertoire du Ballet del’Opéra de Lyon en 2006), quatre femmes enrouge, sang et passion, se laissent traverserpar les vibrations du quatuor à cordes deBeethoven (La Grande Fugue). Les corps sefont musique, soulevés de sursauts, déchirésd’attaques brusques correspondant auxcoups d’archet qui disent les aspirations etles déceptions. Tension extrême d’une danseen liberté, dévorant l’espace. Courses éperduesqui manifestent, jusqu’à l’épuisement,l’urgence de vivre chaque instant comme sic’était le dernier.Programme 23 pièces signéesWilliam ForsytheSecond Detail (1991 - entrée au répertoiredu Ballet de l’Opéra de Lyon en 1995) meten mouvement, rouage après rouage, une« machine » humaine à danser : flot d’énergielibérée avec virtuosité s’interrompantsoudain, lignes d’intervenants se formantpuis se dissolvant aussi rapidement, sériesd’évolutions répétées se développant defaçon de plus en plus complexe. Une sortede Thème et Variations, à la manière d’unBalanchine « hard ». Avec Duo (1996), deuxdanseuses semblent rendre palpable letemps qui s’égrène : elles le filent, l’allongent,le déroulent en spirale, se répondanten miroir, ou s’imbriquant de façongémellaire, les interprètes s’empruntantet échangeant leur « matériel » chorégraphique.Enfin, One Flat Thing, Reproduced(2000 - entrée au répertoire du Ballet del’Opéra de Lyon en 2004) organise un parcourssauvage au milieu de grandes tablesdevenues radeaux ou surfaces habitablesentre ciel et terre : la danse s’ébauche etse déploie dans les passages entre, souset sur ces plates-formes, nous offrant unemultiplicité de points de vue différents surcet insolite déchaînement.Programme 3The Show must go on /Jérôme Bel(2001 - Entrée au répertoire du Ballet del’Opéra de Lyon en 2007)« Pour moi, c’est le spectateur qui fait lespectacle, c’est lui qui remplit les vides, quiprojette. Je ne dis rien, j’organise cettesubjectivité du spectateur. C’est aussi lemot pratique qui me plaît : donner desoutils, aussi petits soient-ils, donner d’aprèsune expérience personnelle, des moyensd’existence, comme le dit Deleuze à proposdes œuvres d’art. La vie comme œuvred’art, cela me semble plutôt pas mal commeprojet personnel! »Jérôme BelInfos +Compagnie invitée en 2006www.opera-lyon.comJosseline Le Bourhis,avec l’aimable autorisation de l’Opéra de LyonBallet de l’Opéra de Lyon /A classically trained company with acontemporary focusThe dancers are trained in various techniques,courtesy of the stylistic range they encounter.Over nearly 20 years, the company has builtup a substantial repertoire (70 pieces, 35 ofwhich it premiered) by enlisting choreographerswhose prime concern is language – evolvingit, inventing its surroundings and designing itsspace: the “post-modern“ Americans (TrishaBrown, Lucinda Childs, Bill T. Jones, RalphLemon, Stephen Petronio, Susan Marshall),the auteurs of movement (Jirí Kylián, Mats Ek,William Forsythe, Nacho Duato) and the explorersof new territories that weave gesture andimage (Frédéric Flamand, Philippe Decouflé or,recently, Mathilde Monnier). This forward-lookingmindset encompasses other, theatre-relatedtrends plus caustic revisits of gilt-edged classics(Cinderella as seen by Maguy Marin, Romeo andJuliet by Angelin Preljocaj and The Nutcrackerby Dominique Boivin). Ballet de l’Opéra de Lyon,you might say, currently reflects the world ofdance in movement. ■Yorgos LoukosProgramme 1À cet endroit / Odile DubocÀ cet endroit, which Ballet de l’Opéra de Lyonpremiered in June 2007, is a playful piece fora 15-dancer ensemble that breaks off intovariations, duets and trios, and enjoys a dialoguewith the specially-composed score. The costumes’pastel colours add deft touches to the greybackground of the set, like a landscape lit bygentle lights. A poetic, delicate work.Otomo / Boris CharmatzOtomo is a duet taken from Con Forts Fleuve.Here, Charmatz asks questions of dance (whichhe learned and performed with establishmentsand figures of proven value : the Opéra de Parisdance school, Lyon’s conservatory, Régine Chopinot,Odile Duboc) and reconsiders the very actof dancing from scratch – inventing constraints,putting obstacles in the body’s way, strippingthem bare or concealing them from view – in aconstant challenge to choreographic correctness.This duet for two men provided a dance templatefor Con Forts Fleuve, although it does notlook that way in the work : the latter is brokeninto eight bits, interrupted by lighting fade-outs,disrupted by John Giorno’s jerky words, mixedwith the bodies of the other protagonists…This initial duet is what will be performed here,gathered into a single score and reinterpretedby two Ballet de l’Opéra de Lyon dancers. Thisperformance marks the piece’s entry into thecompany’s repertoire.Grosse Fugue / Maguy MarinIn marked contrast is Maguy Marin’s visceralexpressiveness. The choreographer – currentlydirector of the national choreographic centre(CCN) in Rillieux-la-Pape – continues to delightand move us with powerful images often lacedwith subversive irony, and in which movementunfailingly fuses with her theatrical intent. InGrosse Fugue (2001, entered the Ballet del’Opéra de Lyon repertoire in 2006), four womenin red – blood and passion – let the vibrationsof a Beethoven string quartet (the Grand Fugue)course through them. Their bodies turn tomusic, lifted by leaps and torn apart by suddenbow-string assaults, that tell of aspirations anddisappointments. This is space-devouring danceat liberty, in an atmosphere of extreme tension.Frantic surges to the point of exhaustion conveythe urgent need to live each moment as if itwere the last.Programme 23 works createdby william ForsytheSecond Detail (1991, entered the Ballet del’Opéra de Lyon repertoire in 1995) sets ahuman dancing “machine” in motion, cog bycog. A flood of energy is released with virtuosoflair, stops suddenly; lines of figures form andrapidly dissolve; series of repeated evolutionsgrow increasingly complex. A kind of “themeand variations” exercise, like some “hard-core”Balanchine piece. In Duo (1996), two femaledancers render time’s passage seemingly palpable:they thread it, stretch it, unroll it in spirals,replying to themselves in the mirror or entwininglike twins; borrowing and trading theirchoreographic “gear”. Lastly, One Flat Thing,Reproduced (2000, entered the Ballet de l’Opérade Lyon repertoire in 2004) stages a wild journeyamid large tables that have become inhabitablerafts or surfaces between sky and earth: thedance is sketched and unfolded in passagewaysbetween, under and on these platforms, offeringus many viewpoints on this weird turmoil.Programme 3The Show must go on /Jérôme Bel(2001, entered the Ballet de l’Opéra de Lyonrepertoire in 2007)“To my mind, it is the spectator who really makesthe show, who fills the spaces, who projects.I say nothing, I organise the spectator’s subjectivity.What I also like is the practical side: startingfrom a personal experience, we provide tools – ifonly small ones – and means of existence, as Deleuzesaid about works of art. Life as a work ofart – that’s not a bad personal plan, I reckon!”Jérôme BelExtra info:The company performed at the 2006Biennalewww.opera-lyon.comJosseline Le Bourhis,courtesy of the Opéra de Lyon21

Anou SkanChant VIPièce pour 3 danseurs et 1 comédien-récitant - Création BiennaleDirection artistique : Sophie Tabakov et Laurent SoubiseChorégraphie : Sophie TabakovDanseurs : Sophie Tabakov, Bérengère Valour, Laurent Soubise - Comédien-récitant : Philippe Vincenot - Création lumières : Christine Richier - Création musicale : Borys CholewkaCoproduction : Anou Skan, Biennale de la Danse de LyonAvec le soutien de : Musée Gallo-Romain de Fourvière, Club des Biennales de LyonOpéra de Lyon - l’AmphiMercredi 10 18h30Jeudi 11 18h30Vendredi 12 18h30Samedi 13 18h30Durée : 1hPlein tarif15 €Tarif réduit12 €Sophie TabakovElle décide de se consacrer à la danse àl’âge de 14 ans. Elle se forme auprès de WesHoward, Margaret Jenkins, Michel HalletEghayan dont elle rejoint la Compagnie de1984 à 1990.Elle y rencontre Laurent Soubise avec quielle fonde la Cie Anou Skan en 1993.Elle a reçu le prix Villa Médicis Hors Les Murspour le projet Day Woman, recherche surles danses rituelles des Indiens de la côtepacifique nord ouest des U.S.A. Elle a pratiquél’art sacré du tournoiement avec JavadTeranian, derviche tourneur Iranien.Entre 1996 et 1998, elle se forme en chantsacré auprès de Sœur Marie Keyrouz.Elle étudie les danses traditionnelles desBalkans, avec des artistes bulgares (MaïaMihneva) et grecs (Dora Stratou DanceTheater).Au sein d’Anou Skan, Laurent et Sophieréfléchissent ensemble à la notion de continuité,définie de manière rigoureuse enmathématiques, comme servant à décrire lesphénomènes qui ne sautent pas brutalement,mais évoluent progressivement.Des dernières pièces, il ressort un besoin derendre le sol merveilleux comme partenairede la danse, mais aussi comme décor à partentière. Du sable noir recouvre une fresquegéante pour le solo Un Labyrinthe (2002),du feu aux pieds des danseurs pour Tempsde feu (2004), 13 tonnes de galets et 2500bougies sont disposées en spirale pourLabyrinthe Lumière (2005 et 2006)et des tapis orientaux pour ScèneNomade (2006).Chant VI / créationDans l’Enéide, de Virgile, auchant VI, le héros Enée entreau royaume des morts afinde revoir son père, Anchise.Guidé par deux colombes,et par la prophétesseSibylle, il accomplit unvoyage hors du temps, dansun espace intermédiaire.L’enfer. Ailleurs, dans unautre temps, mon aïeul,enfermé, se tenait prêt àmourir et déposait dans sacellule son ultime possession :un manteau. De ces traversées,nous imaginons une danse versl’ineffable où le présent, le passé et le futurse rejoignent. Où le corps, dans sa globalitévivante se définit en des gestes souverains.La voix du récitant donne à entendre desextraits du texte de l’Enéide. Le souffle desparoles accompagne les danseurs, pas à pas.Un spectacle qui est aussi un hommage àl’œuvre de Théo Angelopoulos.Contre – ChantUne lecture complète du Chant VI del’Enéide de Virgile est également proposéeen aval du spectacle et sera donnée par lacompagnie Anou Skan, au Musée Gallo-Romainde Fourvière, le 18 septembre à 20 h.Comment le passé peut-il dessiner le futur ?Je cherchais mes racines, et j’ai trouvé l’enracinement,alors je suis devenue danseuse.En tant que danseuse je cherche à voir d’où surgissentles choses : du souvenir, du temps, de l’espace. Dansun geste renouvelé, continué, il est question d’uneforme de rituel, se découpant dans l’épaisseur età travers toutes les couches d’oubli. Le passé, il« rayonne fossile » en moi.Passé, présent, futur… c’est le même temps qui couledans mes veines. Lorsque je danse, j’ai le passé dansmes os, le futur dans mes pieds, et le présent dansmon souffle. Pourtant, le futur n’est pas écrit.Danser devient alors témoigner de cette errance entrecontinuité et inconnu.Sophie TabakovInfos +Première mondialeCompagnie invitée en 2002 et 2004www.anouskan.fr22

Sophie TabakovAt the age of 14, Sophie Tabakov decided todevote herself to dance. She trained with WesHoward, Margaret Jenkins and Michel HalletEghayan, of whose company she was a memberfrom 1984-1990.There she met Laurent Soubise, with whom shefounded Anou Skan in 1993.She was awarded the Prix Villa Médicis Hors LesMurs for the “Day Woman” project to researchthe ritual dances of the American Indians nativeto the north-west Pacific coast of the USA. Andshe studied the sacred art of whirling with JavadTeranian, an Iranian whirling dervish.From 1996 to 1998, she trained in sacred chantswith Sister Marie Keyrouz.She continues to study the traditional dancesof the Balkans, with artists from Bulgaria (MaiaMihneva) and Greece (Dora Stratou DanceTheater).Within Anou Skan, Laurent and Sophie togetherexplore the idea of continuity, which in mathematicsis rigorously defined as used to “describephenomena that do not jump suddenly butevolve gradually”.Her most recent pieces have reflected a needto transform the floor into a wonderful dancepartner, but also into a stage-decor item in itself.Black sand covers a giant picture for the solo UnLabyrinthe (2002); flames lick the dancers’ feetin Temps de feu (2004); 13 tonnes of pebblesand 2,500 candles are arranged in a spiral forLabyrinthe Lumière (2005 and 2006) and orientalrugs help conjure the scene in Scène Nomade(2006).Chant VI /premiering at theBiennalePiece for three dancers andan actor/narratorIn Book VI of Virgil’s Aeneid,the hero Aeneas enters the kingdomof the dead to see his fatherAnchises again.Guided by two doves and the prophetessSibyl, he undertakes a journey beyond time,in an intermediate space: hell.In another age and place, Tabakov’s grandfatherwas shut in. Preparing to die in his cell,he laid down his sole remaining possession: anovercoat.We can imagine these crossings giving rise toa dance towards the unspeakable, in whichpresent, past and future merge; in which thebody, in its living totality, is defined by sovereigngestures.The narrator’s voice, reading from the Aeneid,accompanies the dancers’ every step.This work is also a tribute to the œuvre of TheoAngelopoulos.Contre-ChantAfter the show, Anou Skan will give a fullreading of Book VI of Virgil’s Aeneid at the FourvièreGallo-Roman Museum. On 18 September,at 8pm.How can the past shape the future ?While looking for my roots, I found rootedness, andbecame a dancer. As a dancer, I investigate wherethings flow from – from memory, time, space. It’s akind of ritual with continuing and renewed gestures,cutting through all the forgotten layers. The past is likea fossil-ray through me. Past, present and future arethe same tense... the same time coursing through myveins. When I dance, I have the past in my bones, thefuture in my feet, and the present in my breath. Yetthe future is not written. And so dancing becomes atestimony to my wanderings between continuity andthe unknown.Sophie TabakovExtra info:World PremiereCompany performed at 2004 Biennalewww.anouskan.fr23

Ronald K. Brown / Evidence, A dance CompanyOne shotPièce pour 7 danseurs - Création 2007Musique : Anonimo Consejo, Billy Strayhorn, Ahmad Jamal,Arturo Sandoval, Mary Lou WilliamsDanseurs : Arcell Cabuag, Juel Lane, Tiffany Quinn, KeonThoulouis, Shani Collins, Clarice Young, Donovan Herring - Scénographie: Clifton Taylor - Décors : Charles « Teenie » Harris-1908-1998- photographies - Costumes : Omotayo WunmiOlaiya, Carolyn Meckha Cherry - Lumières : Dalila KeeAccueil : La Croix-Rousse / Scène nationale de Lyon, Biennalede la DanseOrder My StepsPièce pour 7 danseurs - Création 2005Musique : Fred Hammond, Bob Marley, Terry Riley interprétépar le Kronos QuartetDanseurs : Arcell Cabuag, Juel Lane, Tiffany Quinn, KeonThoulouis, Shani Collins, Clarice Young, Donovan Herring - Dramaturgie: Chad Boseman (texte) - Costumes : Work Clothes- Lumières : Dalila KeeAccueil : La Croix-Rousse / Scène nationale de Lyon, Biennalede la DanseWalking Outthe Dark lPièce pour 4 danseurs - Création 2001Musique : Philip Hamilton, Sweet Honey in the Rock, FranciscoMoraDanseurs : Arcell Cabuag, Juel Lane, Tiffany Quinn, Keon Thoulouis- Costumes : Carolyn «Meckha» Cherry - Lumières :Brenda GrayAccueil : La Croix-Rousse / Scène nationale de Lyon, Biennalede la DanseLa Croix-Rousse /Scène nationale de LyonJeudi 11 20h30Vendredi 12 20h30Samedi 13 20h30Durée : 1h30Plein tarif27 €Tarif réduit24 €Ronald K. BrownConsidéré par le New York Times commel’un des plus intenses chorégraphes de lamodern dance de sa génération, le chorégrapheaméricain né à Brooklyn, Ronald K.Brown, crée sa compagnie Evidence en 1985,à l’âge de 19 ans. Evidence est une compagniequi tente d’analyser l’état de la sociétéd’aujourd’hui. Sur ce vaste thème, elleutilise une physicalité généreuse et un stylede danse athlétique qui mélange les genres(hip-hop, jazz, danse contemporaine, danseafricaine, danse classique). Ses spectaclesinterrogent et interpellent le spectateursur des phénomènes de société tels que leracisme, le sexisme et les problèmes d’intégration.Le principal souci d’Evidence estd’engager un dialogue avec les communautésles plus concernées par ces problèmes.Une fusion parfaite entre la danse africainetraditionnelle, une chorégraphie contemporaineet le texte parlé fournit une visionunique des luttes humaines, de ses tragédieset triomphes. Très peu de compagniesexplorent en profondeur l’histoiredes noirs aux Etats-Unis à traversla danse. Ronald K. Brownutilise le mouvement de ladanse traditionnelle commeune manière de renforcerl’importance de lacommunauté dans laculture contemporaine.Il conquiert son publicpar la beauté du mouvementtraditionnel etdes rythmes et apporteune nouvelle façon decommuniquer avec ladanse.Parallèlement à sontravail de directeur artistiqueau sein de la compagnie,il est régulièrementsollicité auprès de grandescompagnies comme AfricanAmerican Dance Ensemble, Philadanco,Cleo Parker Robinson DanceTheater, Ailey II…One Shot (extraits) /création 2007One Shot est une nouvelle œuvre inspiréepar la beauté, le sentiment de communautéet de patrimoine qui se dégagent des photographiesde l’éminent photographe-reporternoir-américain, né à Pittsburgh, Charles«Teenie» Harris (1908-1998).Order my steps / création 2005Inspirée du 119e psaume, Order my Steps estune méditation sur le chemin de notre vie etles difficultés d’un monde en guerre.Walking out the Dark I /création 2001Walking Out the Dark I (tirée de WalkingOut the Dark) est construite comme undialogue dansé entre mère, frère, sœur,amant, ami. La pièce vise à examiner ce quientrave notre capacité à assister autrui dansles moments difficiles.Comment le passé peut-il dessiner le futur ?Le passé est l’une des plus profondes ressources dufutur. Nous pouvons compter sur l’histoire pour voir cequi demeure inchangé et connaître aussi l’évolution dela culture et de la sensibilité. Passé lointain et passérécent assurent les fondations de tout ce qui existeaujourd’hui.Ronald K. BrownInfos +Première en FranceCompagnie invitée à la Biennale 1994www.evidencedance.com24

Ronald K. BrownBrooklyn-born Ronald K. Brown, praised as“one of most profound choreographers of hismodern-dance generation” by The New York Times,founded Evidence Dance Company in 1985at the age of 19. Evidence strives to analysethe state of society today. To address this vastsubject it deploys a generous physicality and anathletic dance style that blends genres (hip-hop,jazz, and contemporary, African and classicaldance). Its shows challenge the audience,exploring societal issues such as racism, sexismand immigration-related problems. Evidence’smain objective is to engage in dialogue with thecommunities most affected by these problems.Brown’s fusion of traditional African dance,contemporary choreography and the spokenword yields a unique vision of the humanstruggle, with its tragedies and triumphs. Fewdance companies explore in depth the historyof America’s blacks. Ronald K. Brown uses themovement of traditional dance as a way tostrengthen the importance of community incontemporary culture. He conquers audienceswith the beauty of traditional movement andrhythms, thus offering a new way of communicatingthrough dance.In parallel to his work as artistic director of Evidence,Brown is a regular guest choreographerand performer for leading companies such asAfrican American Dance Ensemble, Philadanco,Cleo Parker Robinson Dance Theater and Ailey II.Walking Outthe Dark I / 2001creationWalking Out the Dark l (excerptof Walking Out the Dark) isconstructed as a danced conversationbetween mother, brother, sister,lover, friend. The piece aims to examinewhat impedes our ability to assist oneanother in a time of need.How can the past shape the future ?The past is one of the most profound resources forthe future. We can look to history to see what hasremained the same and also how culture and sensibilityhas evolved. Recent and ancient past provide thefoundation for all that is now.Ronald K. BrownExtra info:French PremiereThe company performed at the1994 Biennalewww.evidencedance.comOne Shot (extracts) / 2007creationOne Shot is a new work inspired by the beauty,sense of community and legacy captured in thephotographs of noted African American photojournalist and Pittsburgh native Charles “Teenie”Harris.Order My Steps / 2005 creationInspired by the 119th Psalm, Order My Steps isa meditation on the path of one’s life and thedifficulties of a world at war.25

CCN Ballet de LorraineDirection : Didier DeschampsLes petites pièces de BerlinPièce pour 10 danseurs - Création 1988 / Recréation BiennaleChorégraphie : Dominique BagouetMusique : Gilles GrandResponsable artistique 2008 : Sylvie Giron - Assistante : Catherine Legrand - Avec l’aide de : Thomas Guerry, Karin Hermes, Laurent Pichaud - Décors : William Wilson - Costumes : DominiqueFabrègue, William Wilson - Lumières : Laurent MatignonCoproduction : Biennale de la Danse de LyonStudio 24 - VilleurbanneJeudi 11 20h30Vendredi 12 20h30Samedi 13 16h30Durée : 1h15Plein tarif22 €Tarif réduit19 €Centre ChorégraphiqueNational - Ballet de LorraineLe Ballet de Lorraine a été créé le 1erseptembre 1978 sous le nom du ThéâtreFrançais de Nancy, dans le cadre de la décentralisationchorégraphique. Placé sous la directionartistique de Jean-Albert Cartier, sonrôle était d’assurer à Nancy et dans la régionLorraine une action de diffusion et d’animationchorégraphique, et de présenter laCompagnie et son répertoire en France et àl’étranger.En décembre 1987, le Théâtre Français deNancy change de nom sous la décision duConseil d’Administration. Il devient alors leBallet Français de Nancy. Un mois plus tard,Jean-Albert Cartier est nommé à la directiondu Palais Garnier et du festival de la ville deParis. Il va donc laisser la place de DirecteurArtistique du Ballet Français de Nancy àPatrick Dupond, danseur étoile à l’Opérade Paris. Avec un Patrick Dupond fougueuxet déterminé, le Ballet Français de Nancys’offre les plus grandes scènes du monde etune programmation de qualité, à la hauteurdes ambitions de diffusion et d’animationchorégraphiques de la structure.En avril 1991, Patrick Dupond est promuDirecteur de la Danse à l’Opéra de Paris.C’est donc Pierre Lacotte qui va lui succéder.Le Ballet devient alors un Ballet National etprend le titre de Ballet National de Nancy etde Lorraine. Seront inclus au répertoire nonseulement des créations contemporainesmais également les chefs-d’œuvre classiqueset romantiques qui ont faitla réputation internationale dePierre Lacotte. En juin 1999,Pierre Lacotte quitte leBallet National de Nancyet de Lorraine. Lastructure, désireusede modifier profondémentson stylede danse, changed’intitulé etdevient le CentreChorégraphiqueNational - Balletde Lorraine. Ils’agit donc d’unenouvelle orientationvers la dansecontemporaineet vers la créationchorégraphique. Françoise Adret, nomméeDirectrice Artistique du Centre ChorégraphiqueNational - Ballet de Lorraine pourune période intérim de un an, succède àPierre Lacotte et travaille à la diffusion et àl’appréciation de la danse contemporaine.En mars 2000, Didier Deschamps est nomméDirecteur Général du Centre ChorégraphiqueNational – Ballet de Lorraine. Le Balletde Lorraine est devenu en quelques annéesl’une des premières compagnies de créationset de pièces de répertoire en France. Soixante-dixreprésentations sont en moyenneassurées chaque année. Les soirées se composentgénéralement de plusieurs chorégraphies.Œuvres du répertoire, tant classiqueque contemporain, et nouvelles créationssont ainsi mises en perspective et offrent aupublic un large éventail des différentes techniques,langages et démarches créatives desartistes d’aujourd’hui et qui illustrent l’extraordinairediversité et richesse de la danse.Chorégraphes de très grande renommée etjeunes talents viennent du monde entierà Nancy, accompagnés par leurs équipesartistiques et techniques. Ils transmettent etcréent avec les interprètes du Ballet, touteset tous de formation classique, mais rodéset passionnés par les langages et démarchesactuels.Les petites pièces de Berlin /création 1998, recréation 2008Créée il y a vingt ans, presque jour pourjour, à la Biennale de la Danse de Lyon, Lespetites pièces de Berlin est la deuxièmeœuvre de Dominique Bagouet qui entre aurépertoire du Ballet de Lorraine, après Unedanse blanche avec Eliane.Si toutes les chorégraphies de DominiqueBagouet sont singulières, celle-ci l’estnotamment par son mode de compositionqui, pour une part a reposé sur l’apport, lacréativité directe des interprètes initiaux.Le ton général de la pièce, plutôt léger,étrange et parfois comique, n’exclut pas uneréelle intensité et une profondeur dans lesétats, les situations qui se succèdent, dansun cadre scénographique et des costumeschaleureux, soutenus par une partitionmusicale originale.Il est des œuvres qui vous font voyager, vousréjouissent et vous stimulent. Les petitespièces de Berlin en est un fort bel exemple.26

Dominique Bagouet (1951-1992)Né le 9 juillet 1951 à Angoulême, DominiqueBagouet reçoit à Cannes une formationclassique dans l’école de Rosella Hightower,avant d’obtenir ses premiers engagementsau Ballet du Grand Théâtre de Genèvedirigé par Alfonso Cata où, quelques sixmois plus tard, il danse dans un programmede Balanchine. Il passe une audition chezFélix Blaska, puis va chez Maurice Béjart àBruxelles. En quête de nouveauté, il participeà l’atelier que Carolyn Carlson ouvreà l’Opéra de Paris, fait partie de Chandra,groupe autonome avec des anciens deMudra dont Micha van Hoecke. Dès 1974,il reçoit l’enseignement intensif de CarolynCarlson, de Peter Goss et part aux Etats-Unis.Dans la foulée Limon, il choisit de travailleravec Jennifer Muller et Lar Lubovitch. ANew-York, il prend les cours de classiquede Maggie Black, le professeur de tous lesdanseurs contemporains, en particulier ceuxde Cunningham. De retour en France en1976, il présente sa première chorégraphie,Chansons de nuit, au Concours de Bagnolet,pour laquelle il obtient le premier prix. Ilfonde à Montpellier la Compagnie DominiqueBagouet, et devient directeur, dès 1980,de l’un des premiers Centres Chorégraphiquesrégionaux, rebaptisé Centre ChorégraphiqueNational de Montpellier en 1984. Lescréations s’enchaînent rapidement. DominiqueBagouet crée près d’une quarantaine depièces en moins de quinze ans. Il participe àplusieurs mises en scène de théâtre et d’opéras,il co-réalise deux films, il collabore à deschorégraphies collectives. Sa disparition en1992 a posé avec brutalité le problème de lapréservation et de la transmission d’un patrimoinechorégraphique marquant dans ledomaine de la danse contemporaine. Des interprèteset collaborateurs de la CompagnieBagouet se sont mis au travail en créantl’association Les Carnets Bagouet qui a pourvocation de coordonner et de réaliser toutesles initiatives à prendre dans le domainede la transmission. Le fonds d’archives estimmense, il reflète l’intense activité créatricedu chorégraphe et de sa compagnie.Comment le passé peut-il dessiner le futur ?Il ne faudrait pas que le passé façonne le futur enconduisant à d’éternelles redites.En revanche, il est nécessaire de connaître le passé,s’en inspirer parfois et s’en libérer toujours.Si les artistes qui nous ont précédés ont ouvertdes chemins nouveaux, tracé des pistes que nouscontinuons à emprunter ou à admirer, les artistes et lespublics d’aujourd’hui doivent entretenir une mémoireactive et critique.L’absence de mémoire, le rejet ou le reniement del’Histoire conduit à la folie, aux pires des réactions, auconformisme et aux catastrophes.N’opposons pas passé et futur, ce sont les deux termesconsubstantiels entre lesquels notre conscience etnotre compréhension du présent prennent forme etnous ouvrent la liberté.Didier DeschampsInfos +Recréation pour la Biennale de la DanseCompagnie invitée en 2002www.ballet-de-lorraine.comwww.lescarnetsbagouet.orgCentre ChorégraphiqueNational - Ballet de LorraineBallet de Lorraine was founded on 1 September1978 as Théâtre Français de Nancy, as part ofFrance’s drive to decentralise choreographic activity.Under its first artistic director, Jean-AlbertCartier, its role was to disseminate choreographyand conduct outreach activities in Nancy and thewider Lorraine region, and to present the companyand its repertoire in France and abroad.In December 1987, Théâtre Français de Nancy’sboard of directors decided to change its nameto Ballet Français de Nancy. A month later, Jean-Albert Cartier was appointed to head the PalaisGarnier and the City of Paris festival. His post asBallet Français de Nancy’s artistic director wentto Patrick Dupond, danseur étoile at Ballet del’Opéra de Paris. Led by the fiery and determinedDupond, Ballet Français de Nancy performed onthe world’s greatest stages and offered qualityprogramming that matched its ambition tonurture and disseminate choreography.In April 1991, Patrick Dupond was promoted tobe Director of Dance at the Opéra de Paris, andwas succeeded by Pierre Lacotte. The Nancy Balletwas awarded “national” status and took thetitle of Ballet National de Nancy et de Lorraine.The repertoire now embraced not just contemporaryworks but also the classical and romanticmasterpieces that sealed Lacotte’s internationalreputation. In June 1999, Lacotte left Ballet Nationalde Nancy et de Lorraine. Keen to radicallyalter its dance style, it changed names again, becomingCentre Chorégraphique National - Balletde Lorraine. This marked a shift in focus towardscontemporary dance and creating choreographicwork. Françoise Adret, at first appointed actingartistic director for a one-year period, succeededPierre Lacotte and worked to disseminate andincrease appreciation of contemporary dance. InMarch 2000, Didier Deschamps was named generalmanager of Centre Chorégraphique National- Ballet de Lorraine. In just a few years, Balletde Lorraine had become one of France’s leadingcompanies for new and repertoire works. It gives70 performances a year on average, typicallywith several items on the bill. Repertoire pieces– both classical and contemporary – as well asnew work are placed in perspective and offerthe public a broad array of techniques, languagesand creative approaches by today’s artists,illustrating the extraordinary diversity and richesof dance. Highly-renowned choreographersand rising talents from around the world cometo Nancy, accompanied by their artistic andtechnical teams. They pass on their ideas andcreate work with the Ballet’s performers, whoare all classically trained but perfectly versed in,and passionate about, current languages andapproaches.Les petites pièces de Berlin /1998, recreated in 2008First performed almost exactly 20 years ago atthe Biennale de la Danse de Lyon, Les petitespièces de Berlin is the second work by DominiqueBagouet to enter Ballet de Lorraine’s repertoireafter Une danse blanche avec Eliane.Although each of Dominique Bagouet’s piecesis singular, this one is particularly so owing toits method of composition, which involved thedirect creative input of its initial performers. Thegeneral tone of the piece – fairly light, strange,and occasionally comic – does not preclude realintensity and depth in the succession of statesand situations, supported by a warm stagedesign and costumes and an original score.There are works that take you on a journey, thatdelight and stimulate you. Les petites pièces deBerlin is a very fine example.Dominique Bagouet (1951-1992)Born on 9 July 1951 in Angoulême, DominiqueBagouet received a classical training at RosellaHightower’s school in Cannes, before his firstengagements at Ballet du Grand Théâtre de Genève(director: Alfonso Cata), where, six monthslater, he danced in a Balanchine programme. Heauditioned for Félix Blaska, then joined MauriceBéjart in Brussels. Seeking new influences, hetook part in Carolyn Carlson’s new workshopat Opéra de Paris; and joined Chandra, anindependent group formed by Mudra alumniincluding Micha van Hoecke. In 1974, hereceived intensive tuition from Carolyn Carlsonand Peter Goss, and left for the United States. InJosé Limon’s slipstream, he worked with JenniferMuller and Lar Lubovitch. In New York he tookclassical classes with Maggie Black, the teacherof all contemporary dancers, especially Cunningham’s.Returning to France in 1976, he showedhis first work of choreography, Chansons denuit, at the Bagnolet Competition, winning firstprize. In Montpellier he founded Compagnie DominiqueBagouet, and in 1980 became directorof one of the first regional choreographic centres,renamed Centre Chorégraphique Nationalde Montpellier in 1984. Bagouet was a prolificcreator – almost 40 pieces in less than 15 years.He took part in several stagings of plays andoperas, co-directed two films, and collaboratedon collective choreographies. His death in 1992raised starkly the problem of preserving andpassing on a choreographic legacy that was alandmark in contemporary dance. CompagnieBagouet performers and collaborators foundeda non-profit organisation, Les Carnets Bagouet,to coordinate and carry out all the initiativesnecessary to perpetuate his work. Its immensearchive reflects the intense creative activity ofthe choreographer and his company.How can the past shape the future?The past must not fashion the future by leading toeternal repetition. However, it is necessary to know thepast, to draw occasional inspiration from it, and to beliberated from it at all times.If the artists who preceded us opened up new pathsand made tracks that we continue to borrow and admire,then today’s artists and audiences must maintainan active and critical memory. The absence of memory,and the rejection or denial of History, leads to madnessand the worst kind of reactions; to conformism anddisasters. Let us not set past and future against oneanother; they are consubstantial terms between whichare conscience and our understanding of the presenttake form and open the door to freedom.Didier DeschampsExtra info:Work recreated for the 2008 Biennalewww.ballet-de-lorraine.comwww.lescarnetsbagouet.org27

Living Dance StudioMemoryPièce pour 2 danseurs - Création BiennaleChorégraphie : Wen HuiMusique : Wen BinDanseurs : Feng Dehua, Wen Hui - Dramaturgie et vidéo : Wu Wenguang - Lumières : Tian Tao - Costumes : Liu Xiaohong - Photographes : Ricky Wong, Odette ScottProduction : Living Dance Studio - Coproduction : Centre National de la Danse, Biennale de la Danse de Lyon - Avec le soutien de : Ambassade de France en Chine, Festival «Croisements» -Accueil : Théâtre du Point du Jour, Biennale de la DanseThéâtre du Point du JourVendredi 12 18h30Samedi 13 20h30Lundi 15 20h30Durée : 1hPlein tarif17 €Tarif réduit14 €Wen HuiWen Hui a commencé la danse enfant. A 13ans, elle étudie la danse traditionnelle auConservatoire de Yunnan avant d’entrer audépartement de chorégraphie de l’Académiede danse de Pékin. Une fois diplômée,refusant de rentrer dans le circuit étatique,elle préfère créer ses propres formes. Ellepart alors poursuivre sa formation en dansecontemporaine aux Etats-Unis et en Europeavant de fonder à Pékin, en 1994, sa compagnie.The Living Dance Studio est l’une descompagnies indépendantes émergeantesde la scène culturelle et artistique chinoise.Sans aucun soutien financier de l’Etat, elle aénormément contribué au développementdes nouvelles formes d’expression artistique.La compagnie se définit comme un collectifd’artistes venus de différents horizons.Le but est de donner l’image d’une Chinecontemporaine en utilisant le multimedia, ladanse et le théâtre. « Pour moi, la danse estune expression de l’identité, une interprétationde sa propre vie » dit la chorégraphe.La création la plus célèbre de la compagnieest Report on Giving Birth (1999) qui sondela vie quotidienne de la femme chinoise, sesrelations avec les hommes, sa place dans lasociété, investissant plus particulièrementl’expérience de la maternité.Memory / créationMes mémoires sont liées à mon corps.Lors de nos jeunes années (1960-70) nousvivions et grandissions dans un environnementcommunautaire – nous nousattendions tous à étudier et dînerensemble, à nous coucher et nouslever en même temps. Vivre encommunauté n’accepte aucuneindividualité ; nous avionspeur de découvrir notre côtéintime - le corps lui-mêmeétait alors une source d’anxiétéou même de culpabilité.Nos mémoires sont alorsenracinées dans nos corps.Ces souvenirs ont été le pointde départ de cette création.Comment le passé peut-il dessiner le futur ?J’ai grandi dans les années 60 et début 70 en pleinerévolution culturelle en Chine, et mon souvenir le plusfort est que j’ai appartenu à cette collectivité. Cela ainfluencé mon esprit, ce que je suis et ce que je serai.Même si j’essaie de penser et de créer d’une façonindépendante, je ne peux pas m’extraire de la société.Wen HuiInfo +Première mondiale1 représentation jeune publicCoproduction Biennale de la Dansewww.danceinsider.com28

Wen HuiWen Hui began dancing as a child.Aged 13, she started to studytraditional dance at the YunnanConservatory, before entering thechoreography department of theBeijing Dance Academy. After graduating,she refused to perform onthe state circuit, preferring instead tocreate her own forms. She left to continueher contemporary-dance trainingin the United States and Europe, beforereturning to Beijing, where she founded herown company in 1994.The Living Dance Studio is one of the up-and-comingindependent companies on China’s artisticand cultural scene. It receives no state funding,and has made a huge contribution to developingnew forms of artistic expression. The companydefines itself as a collective of artists from differentbackgrounds. It aims to convey an image ofcontemporary China using multimedia, danceand theatre. “To me, dance is an expression ofidentity, an interpretation of one’s own life,”says the choreographer. Her company’s mostfamous work is Report on Giving Birth (1999),which surveys the everyday life of Chinesewomen, their relationships with men and theirplace in society, and in particular explores theirexperience of motherhood.Memory / premiering at theBiennaleMy memories are related to my body. Throughoutour teenage and youthful years (1960s-70s), we lived and grew up in a communalenvironment – we were all expected to studyand dine together; and everybody had to goto bed and get up at the same time. Living incommunes that recognised no individuality, wegot anxious once we discovered in ourselvesanything “private” – the body itself was thusa source of anxiety or even guilt. Our memoriesare thus ingrained in our bodies. Thesememories have been the creative source for thisperformance since it was first conceived.How can the past shape the future?My strongest memory of growing up in the 1960s andearly 1970s – the period of the Cultural Revolution inChina – was that I was a member who belonged tothe collectivity. This has influenced my mind and myposition now, and the future too. Although I have beenstarting to try to think and create my dance works inan independent way, I can’t take myself out of society.Wen HuiExtra info:World premiere1 young people’s matinéeCo-produced by the Lyon Dance Biennalewww.danceinsider.com29

Madhavi Mudgal / Alarmel ValliSamanvayaPièce pour 2 danseuses et 11 musiciens - Création 2004Conception et chorégraphie : Madhavi Mudgal, Alarmel ValliMusique : musiques traditionnelles et Madhup MudgalDanseuses : Madhavi Mudgal, Alarmel Valli - Lumières : Gautam BhattacharyaAccueil : Célestins - Théâtre de Lyon, Biennale de la DanseCélestins - Théâtre de LyonDimanche 14 19hLundi 15 19h30Mardi 16 20h30Durée : 1h20Plein tarif1 ère série 30 €2 ème série 23 €3 ème série 15 €Tarif réduit1 ère série 27 €2 ème série 20 €3 ème série 12 €Madhavi MudgalElle grandit dans le monde des arts : sonpère est le fondateur de la grande écolede musique et de danse indienne de Delhi,Gandharva Mahavidyalaya. C’est danscette école que Madhavi Mudgal étudiependant plusieurs années le Bhâratanatyam,le Kathak puis l’Odissi, et décide de seconsacrer entièrement à ce style. Elle donnesa première représentation à quatre ans. Àonze ans, elle est envoyée comme Ambassadeurde l’enfance indienne en Allemagne del’Est et en URSS. En 1974, elle reçoit le Prixspécial décerné par l’Académie NationaleIndienne des Arts.Madhavi Mudgal danse dans le mondeentier et participe aux plus grands festivalsde musique et de danse en Inde. Sa grâce,sa sensibilité et son imagination esthétiquesont particulièrement recherchées etappréciées. Madhavi Mudgal a enseignéà l’Internationale Sommerakademie desTanzes à Cologne et à l’International MimeAcademy de Vienne en Autriche. En Inde,elle se doit de faire connaître et transmettreson art. Aussi, elle enseigne régulièrementau Gandharva Mahavidyalaya de Delhi etdonne des lectures-démonstrations.Alarmel ValliAlarmel Valli base sa danse sur leprincipe que le Bharatanatyamest un langage très imagé où ledanseur qui a maîtrisé et intérioriséce langage peut écrire sonpropre « poème dansé ». Imprégnéedès l’âge de 16 ans parl’enseignement et les chorégraphiesde son Guru Shri ChockalingamPillai et de son fils SriSubbaraya Pillai, elle a repousséles frontières de la tradition pourintégrer sa propre créativité. Saconnaissance de la musique et levocabulaire riche et nuancé de ladanse classique indienne permettentà Alarmel Valli d’explorer les différentsniveaux de poésie, de musique, derythmes pour créer une dimension toutecontemporaine. Elle a reçu de nombreuxprix et distinctions.Samanvaya / création 2004Pour ce spectacle, Madhavi Mudgal etAlarmel Valli, deux des danseuses classiquesindiennes les plus réputées, se sont associéespour une expérience créative commune :Samanvaya, qui signifie en Sanscrit, « Al’unisson ». Elles ont absorbé le très richevocabulaire chorégraphique des grandsmaîtres indiens d’Odissi et de Bharatanatyam,tout en renforçant leur formation enmusique classique. Leurs chorégraphies, tantdans ses aspects abstraits et narratifs de ladanse classique indienne, sont caractéristiquespour leur lyrisme et leur musicalitéinstinctive. Musique, poésie, théâtre, peinture,sculpture et philosophie sont au cœurdu langage de cet art. A la fois danseuseset chorégraphes, Alarmel Valli et MadhaviMudgal ont intériorisé ce langage corporelleur permettant d’écrire leur propre poésiedansée. Chacune de leurs pièces devientalors une formulation unique et intime.Dans Samanvaya, les danseuses ont tenté detrouver un terrain commun pour l’articulationchorégraphique, partant à la recherchede nouvelles dynamiques tout en conservantla spécificité de leur style. La structurelinéaire et géométrique, l’énergie du Bharatanatyamsont posées dans un même cadreque le lyrisme sensuel et gracieux, l’ondulationpermanente des mouvements del’Odissi. Les différentes textures et nuancesservent ainsi de contrepoint à chaque formeet rehaussent leurs caractéristiques intrinsèques.Chaque style est construit sur la base d’unetradition musicale distincte. La plupartdes pièces musicales ont été spécialementconçues pour cette représentation.Si certaines compositions soulignent lesspécificités de la musique carnatique (sud del’Inde) ou hindoustani (nord de l’Inde), pourd’autres, les danseuses ont travaillé avecdes musiciens célèbres tels Madhup Mudgalou Prema Ramamoorthy afin de fondreensemble des styles musicaux en écho àl’idée de « A l’unisson ». Samanvaya proposeune combinaison de 4 duos et de 2 solos, cesderniers conçus pour servir comme base deréférence à leur travail commun.Hymne à la terre, à partir des vers du Veda(ensemble de textes de la religion indoaryenne),elles invoquent la Terre, soutiengénéreux de la nature et de la vie.Nrittalahari, une des formes de la musiquecarnatique sur laquelle les danseuses jouentavec les différences et les similitudes desdeux styles de danse.30

Vasant, inspiré par des vers de Ritusambar,poème sanscrit écrit par Kalidas décrivantl’arrivée du printemps.Abhinaya, (danse expressive ou art de l’expression)sur le poème, ici, chanté de GitaGovinda, qui évoque les amours de Krishnaet Rhada, les deux danseuses font appel à lamobilité du visage, des yeux et des mains.Sunsong, chorégraphie à la gloire du soleil,symbole de la conscience suprême et quireprésente également la nature personnifiéede Dieu.Samanvaya, dans ce final, les spécificités del’Odissi et du Bharatanatyam sont tissées ensemblepour former une unique « tapisseriedansée ».Comment le passé peut-il définir le futur ?L’intime entrelacement du passé et du présent estinhérent à la pensée indienne et notamment à la compréhensiondes arts classiques. Parampara, la tradition,désigne le changement ; elle est perçue comme unprocessus de croissance et d’évolution continu enracinédans le passé, qui dessine le présent et s’étend versle futur. Car la tradition est intrinsèquement capabled’absorber et d’assimiler l’innovation. Les origines demon style de danse, le Bharatanatyam, remontent à aumoins deux millénaires. Mais quand elle est interprétéepar des danseurs créatifs, cette danse antique sedynamise, devient une forme contemporaine évoluantsans cesse. Telle une rivière qui descend du passélointain jusqu’au présent, contenue et orientée par lesrives de la tradition et de l’esthétique classiques, maisdont le cours se modifie également pour accueillir denombreux affluents porteurs de nouvelles idées etinspirations.Les formes que j’ai héritées de mes gourous de ladance et de la musique ne sont que les fondementssur lesquels je construis des structures dans l’espaceet le temps, à partir de mon expérience personnellede la danse, de la musique, de la littérature et de lavie. Ainsi, la danse s’en retrouve sans cesse enrichie,renouvelée et vitalisée. Ma danse et ma vie présentessont dessinées par la conscience collective du passé.Alarmel ValliInfos +Madhavi Mudgal invitée à la Biennale 2000www.alarmelvalli.orgwww.artindia.netMadhavi MudgalShe grew up in the arts world: her fatherfounded Delhi’s leading school of Indian musicand dance, Gandharva Mahavidyalaya. Madhaviattended the school for several years, studyingBharatanatyam, Kathak and then Odissi, beforedeciding to devote herself to the latter style. Shegave her first performance at the age of four.Aged 11, she was sent to East Germany andthe USSR as an Indian children’s ambassador. In1974, she received the special award bestowedby India’s national arts academy. Madhavi dancesall over the world, and takes part in India’sforemost festivals of music and dance. Hergrace, sensibility and aesthetic imagination areparticularly sought-after and esteemed. Madhavihas taught at the International Sommerakademiedes Tanzes in Cologne, Germany, and at theInternational Mime academy in Vienna, Austria.In India, she feels a duty to raise the profile ofher art and to pass it on: she teaches regularly atthe Gandharva Mahavidyalaya in Delhi and givesreading-cum-demonstrations.Alarmel ValliAlarmel Valli bases her dancing on the principlethat Bharatanatyam is a language rich inimagery, and that a dancer who has masteredand interiorised this language can write theirown “danced poem”. From the age of 16, sheabsorbed the teachings and choreographies ofher guru Shri Chockalingam Pillai and of his sonSri Subbaraya Pillai; and has since rolled backthe frontiers of tradition to incorporate her owncreativity. Her knowledge of the music and ofthe rich, nuanced vocabulary of classical Indiandance has enabled Alarmel Valli to explore itsmultiple layers of poetry, music and rhythms andto add a highly contemporary dimension. Shehas received many awards and distinctions.Samanvaya / 2004 créationFor Samanvaya, which in Sanscrit means “inunison”, Madhavi Mudgal and Alarmel Valli, twoof the most acclaimed classical Indian dancers,teamed up for a shared creative experience.They have absorbed the very rich choreographicvocabulary of the great Indian masters of Odissiand Bharatanatyam, while reinforcing theirtraining in classical music. Their choreographicworks – in both the abstract and narrativeaspects of classical Indian dance – stand out fortheir lyricism and instinctive musicality. Music,poetry, theatre, painting, sculpture and philosophyare central to the language of this art. Bothdancers and choreographers, Alarmel Valli andMadhavi Mudgal have interiorised this body languagein order to write their own danced poetry.Each of their pieces is thus a unique and deeplypersonal formulation.In Samanvaya, they have striven to find commonground to articulate their respective choreographies,searching for new dynamics whileretaining their specific styles. The linear andgeometric structure and the energy of Bharatanatyamare placed in the same setting as thesensual and graceful lyricism and the constantswaying of the movements of Odissi. Their differingtextures and nuances provide a counterpoint,and heighten the intrinsic characteristicsof each form.The two styles are based on distinctive musicaltraditions. Most of the pieces of music weredevised specially for this show. While somecompositions emphasise the specific featuresof Carnatic music (from Southern India) orHindustani music (from the North), for othersthe dancers worked with famous musicians suchas Madhup Mudgal and Prema Ramamoorthy inorder to fuse musical styles and echo the “inunison” theme. Samanvaya features fourduets and two solos; the latter wereconceived to provide the foundationfor their joint work.Earth Hymn is inspired byverses of the Veda (the corpusof Indo-Aryan religious texts)and invoke the Earth, generousnurturer of natureand life.Nrittalahari, a form ofCarnatic music, wherethe dancers play with thedifferences and similaritiesof their styles.Vasant, inspired by versesfrom Ritusambar, a Sanscritpoem by Kalidas thatdescribes the coming of spring.Abhinaya (expressive dance or art of expression)after the poem, here sung by Gita.Govinda, which relates the loves of Krishna andRhada; the two dancers exploit the mobility ofthe face, eyes and hands.Sunsong, a piece of choreography to the gloryof the sun, the symbol of supreme consciousnessand which also personifies God’s nature.Samanvaya: in this finale, the distinctive featuresof Odissi and of Bharatanatyam are interwovento form a unique “danced tapestry”.How can the past shape the future?The close, interweaving of past and present is intrinsicto Indian thought and to an understanding of theclassical arts in particular. Parampara, or tradition, denoteschange and is perceived as a continuous processof growth and evolution - that is rooted in the past,that shapes the present and that reaches out towardsthe future. For, tradition has the inherent capacity toabsorb and to assimilate innovation. The origins ofmy dance style Bharatanatyam - go back at least twomillennia. But when interpreted by creative dancers,this ancient dance becomes a dynamic, continuouslyevolving contemporary form. It is like a river that hasflowed down from the distant past to the present,contained within and gaining direction from the banksof classical tradition and aesthetics, but also changingcourse, and accepting many tributaries of fresh ideasand new inspiration.The forms I inherited from my dance and music gurusare but the foundations on which I build structures,both in time and space, drawing from my individualexperience of dance, music, literature and life. In theprocess, the dance is continuously enriched, renewedand vitalized. My dance and life in the present areshaped by the collective consciousness of the past.Alarmel ValliExtra info:Madhavi Mudgal performed at the 2000Biennalewww.alarmelvalli.orgwww.artindia.net31

Legend Lin Dance TheatreMiroirs de ViePièce pour 24 danseurs – Création 1995 / Recréation BiennaleDirection artistique et chorégraphie : Lee-chen LinMusique : Karunesh, Tsai Hsiao-YüehAccessoiristes : Wang Chang, Nien-chou Chen - Styliste : Lee-chen Lin - Dramaturgie : Lee-chen Lin - Costumes : Tim Yip, Lee-chen Lin - Création lumières : Kuo-yang Cheng - Direction musicale :Young ChenCoproduction : National Chang Kai Shek Cultural Center - Avec le soutien de : National Chang Kai Shek Cultural Center, Council for Culture Affairs (Taiwan), National Cultural Association, TaipeiCounty Government, Banciao City Government, SimbaLion, ChinPoSn Group, Xue Xue Institute - Avec le soutien de : Centre Culturel de Taïwan à ParisAmphithéâtre -Cité InternationaleLundi 15 20h30Mardi 16 20h30Mercredi 17 20h30Jeudi 18 20h30Durée : 1h40Plein tarif1 ère série 35 €2 ème série 29 €3 ème série 15 €Tarif réduit1 ère série 32 €2 ème série 26 €3 ème série 12 €Lee-chen LinL’histoire de Legend Lin Dance Theatre estintimement liée à sa directrice artistiqueet chorégraphe Lee-chen Lin. Diplômée endanse par l’Université Chinoise, Lee-chen Linest née en 1950 à Taïwan. Dans les années70, elle enseigne et chorégraphie à l’écoleChang-an Woman’s High. Ses productionsreçoivent à cette époque de nombreux prixet influencent les productions théâtrales etchorégraphiques du pays. Mais c’est avecson solo, créé en 1978, Don’t Forget YourUmbrella, que Lee-chen Lin attire l’attentiondes critiques et devient la valeur montantedu spectacle vivant à Taïwan. Ses créationssuivantes confirment sa réputation dechorégraphe talentueuse. Cependant, alorsqu’elle acquiert un haut niveau de renomméenationale auprès du public et de lacritique, elle se retire du milieu de la dansepour se consacrer à sa famille. Désespéréepar le rapide et dramatique déclin des artsculturels traditionnels à Taïwan et face àl’invasion croissante des formes culturellesvenues de l’Ouest, Lee-chen Lin se sent dansl’obligation de retourner sur scène en tantque chorégraphe et directrice artistique.Ainsi, elle crée sa propre compagnie en1995, Legend Lin Dance Theatre, dans le butde présenter de grands spectacles honorantl’esprit et la culture de son Taïwan natal.Inspirée par les rituels religieuxlocaux et les rites cérémoniauxqui rendenthommageaux cycles de la nature et la place del’Homme, la compagnie mélange une esthétiquevisuelle riche et une chorégraphieintelligemment originale et délicieusementlente, qui donne tout son sens au terme« poésie en mouvement ».Miroirs de vie /1995, et recréation en 2006Cette pièce a été créée en 1995, puis uneseconde version est donnée en 2006 à TapeÏ.Lee-chen Lin rend hommage à la Terrecomme sanctuaire de l’âme. A travers desrites de « nettoyage », l’âme est purifiéede ses maux et l’esprit se sent libre. Miroirsde vie est un hommage non seulementaux rituels, à la religion et aux cérémoniesprofanes de Taïwan, mais aussi au théâtretransmis de génération en génération, àses mélodies ancrées dans le passé lointain,à ses chansons chantées depuis des siècles.L’éternelle quête de l’homme pour laconnaissance.Comment le passé peut-il dessiner le futur ?Le temps est comme un fleuve, continu et indivisible.Le passé, le présent et l’avenir sont, à première vue,trois entités différentes, mais si l’on se concentre surun moment précis, en partant d’une année et en affinantjusqu’à l’instant même où une pensée disparaît,chaque moment présent devient passé, et détermineaussi le temps à venir.La vie est comme un arbre qui se nourrit de la terre.Nous laissons s’envoler certaines expériences, maisnous en gardons certaines autres en mémoire, nous lesaccumulons comme des couches successives de terre.Plus la terre est riche et profonde, plus l’arbre peutcroître haut et fort. De la même manière, ce que je créeest le fruit de chaque moment de ma vie, et l’élémentdu temps joue un rôle important dans sa maturité.Lee-chen LinInfos +Première en FranceCompagnie invitée en 2000www.legend-lin.org.tw32

Lee-chen LinThe history of Legend LinDance Theatre is very muchthe story of its artistic directorand choreographer Lee-chen Lin.A graduate of the Chinese CultureUniversity, Ms. Lin was born in Taiwan in1950. She first came to attention in the 1970sas a dance teacher and choreographer at theChang-an Woman’s High School, where herdance productions – some involving as many as1,000 performers – garnered national awards forfive consecutive years and had an enormous influenceon dance theatre production in Taiwan.But it was her choreography and performanceof Don’t Forget Your Umbrella (1978), herfirst solo production, that gained Lee-chen Linwidespread critical attention and earned her thereputation of being “an astonishing new talentin Taiwanese performance arts”. Her subsequentdance pieces and choreographic work on stageand screen only enhanced her reputation, sheretired from dance in order to devote herself toraising her family. But faced with the rapid anddramatic decline of Taiwan’s traditional culturalarts in the face of a growing invasion of Westerncultural forms, Lee-chen Lin felt compelled to returnto the stage as a choreographer and artisticdirector. So, in 1995 she founded the Legend LinDance Theatre with the aim of presenting largescaleperformance works that reflect the spiritand the culture of her native Taiwan. Inspired bylocal religious rituals and ceremonial rites celebratingthe rhythms of nature and our place init, the artistry of the Legend Lin Dance Theatreblends lush visual aesthetics with a brilliantlyoriginal and exquisitely languid choreographythat gives new meaning to the phrase “poetryin motion”.Mirrors of Life /1995, revived in 2006This piece was created in 1995, and revived in2006 in Taipei.In this performance, Lee-chen Lin pays tribute tothe earth as the sanctuary of the soul. Throughpropitiatory rites, the human soul is purified ofits ills and the mind feels free. A tribute to therituals, the religious and profane ceremonies ofTaiwan, but also to the theatre passed downfrom generation to generation, its melodiesrooted in a remote past, and its songs sung foraeons. It evokes the eternal human quest forawakening and self-consciousness.How can the past shape the future?Time is as a river, continuous and inseparable. Thepast, the present, and the future seems to be threedifferent concepts, however, if we narrow down every“present,” like from this year, today, this minute, thissecond, even to the moment in which a thought fliesaway, every “present” dies as the past, and it alsodecides how the future comes.Life is like a tree, nurtured from the earth. Some ofwhat happened to us goes with the wind, while somekept in our memory accumulates as layers of earth. Thedeeper and richer the soil is, the taller and stronger thetree can grow. Likewise, my creation comes from everymoment in my life, and the changing of time plays agreat role to the maturity of it.Lee-chen LinExtra info :French premiereThe company performed at the 2000Biennalewww.legend-lin.org.tw33

Aïcha M’Barekand Hafiz DhaouIn Tunis, Aïcha M’Barek and HafizDhaou are part of the contemporary choreographicscene. They trained at Sybel BalletThéâtre in Tunisia.In 2000, Aïcha M’Barek gained a bursary tostudy at the Institut Français de Coopération,and took classes at France’s national centre forcontemporary dance (CNDC) in Angers, whereshe met Dominique Dupuy, Angelin Preljocaj,Alvaro Restrepo and Joëlle Bouvier. A while later,she received a carte blanche invitation to createa work. The result was Essanaï, for four dancers;and then a solo, Le Télégramme. In 2004, sheperformed Sophie Tabakov’s Temps de Feu atla Biennale de la Danse de Lyon. She settled inLyon to study for a master’s degree in arts andculture professions at Lyon-2 University.Hafiz Dhaou came to France at the same timeand in the same conditions as Aïcha M’Barek.He started choreographing in 2002 with a triotitled Inta Omni; then with a solo, Zenzena(“The Cell”). He then made two short films,Au-delà des mots and 5ème étage au bout ducouloir, in collaboration with Rolando Rocha.In 2003, he created h.M for six male and onefemale dancers at the French National ChoreographicCentre (CCN) in Montpellier. In 2004, hedanced Cutting Flat for Abou Lagraa’s companyLa Baraka. Since 2005, he has been an associateartist at the National Choreographic Centre(CCN) in Caen, and performs for Héla Fattoumiand Eric Lamoureux.In parallel to their performance pathways, theyare developing a joint style of choreographic writing.In 2004, Aïcha M’Barek and Hafiz Dhaoumade the duet Khallini Aïch (“Let Me Live”) aspart of the Repérages de danse event in Lille,and pursued their collaboration as part of DominiqueHervieu’s project, L’Art de la Rencontre.In 2005 they founded Compagnie Chatha, withwhich they created the quartet Khaddem Hazemfor the 2006 Biennale de la Danse de Lyon. Theyhave since been mindful to evolve their choreographiclanguage and create an anchorage thatreflects their bipolar performer/choreographerpathway. They also make a point of touring theirworks around the world: in Africa, Europe, theMiddle East and North America.VU / premiering at the BiennaleVU (“Seen”) is a two-letter, one-syllable wordthat also signifies the infinitely intimate insightswe gain into the other; the other whom we areaddressing.VU stemmed from thinking about our bodies,which think they have said it all.Bodies that secrete an appearance. Bodies readyto deal with every situation, despite the fragilityand doubts that dwell in them always.What does the piece put before the audience?Emotion, purity, experience, passion, fear, generosity,ego, brotherhood, vice, rigour… Peopleforge a self which regulates their relationshipswith others.VU is the perceived shell that we see as goldenand silvery, like copper. A raw material, easy todisguise as gold or silver; a robust material thatshapes itself to every posture; a material thatsounds and resonates. Perhaps it reflects eachperson’s ability to create their own, uniqueplace.There is a hidden side to VU; the sideour bodies carry inside and do notventure to consider unprompted.Most of our attitudes andbehaviours – conditioned bysociety, by the weight oftradition, and by the dogmaof religion – are constructed“out of field” andunveiled in public.For this project wehave brought togetherfive performers, twocomposer/musiciansand a lighting designer– an array of facetsand stances. Throughtheir sensibilities andviewpoints, VU willtake form.Aïcha M’Barek and HafizDhaou, september 07How can the past shape the future?In each person’s past, there is a date of creation anda cognitive transmission that helps construct a bodily,personal and collective memory.Today, each person can tap this past to decide on theirchoices, take decisions and plan for the future.Aïcha M’Barek and Hafiz DhaouExtra info:World premiereCo-produced by the BiennaleThe company performed at the 2006 Biennale35

RosasD’un soir un jourPièce pour 15 danseurs - Création 2006Chorégraphie et direction artistique : Anne Teresa De KeersmaekerMusique : Debussy, Stravinsky, BenjaminVocabulaire de danse : Anne Teresa De Keersmaeker, Rosas, David Hernandez, matériel de danse de 2 parties de Erase-e(x) (Johanne Saunier [Joji Inc.], the Wooster Group, Anne Teresa DeKeersmaeker) - Fragment de la chorégraphie originale Prélude à l’après-midi d’un faune : Vaslav Nijinsky - Film : Blow-up (M. Antonioni, 1966) - Créé avec et dansé par : Boštjan Antoncic,Marta Coronado, Tale Dolven, Kosi Hidama, Fumiyo Ikeda, Kaya Kolodziejczyk, Cynthia Loemij, Mark Lorimer, Moya Michael, Elizaveta Penkóva, Zsuzsa Rozsavölgyi, Igor Shyshko, Clinton Stringer,Sue-Yeon Youn - Décors et éclairages : Jan Joris Lamers - Costumes : Tim Van Steenbergen, assisté de Anne-Catherine Kunz - Assistance musicale : Alain Franco - Analyse musicale : Alain Franco,Bojana Cvejic - Recherche matériel de danse historique en collaboration avec : Simon Hecquet, Millicent Hodson - Assistance artistique : Anne Van Aerschot, assistée de Lazara Rosell Albear,Lise Vachon - Assistance décors et éclairages : Wannes De Reydt, Jan Herincks, Bardia Mohammad, Simo Reynders, Jitske Vandenbussche - Habilleuses : Valérie Dewaele, Emma Zune - Régiegénérale : Johan Penson assisté de Tom Van AkenProduction : Rosas et La Monnaie - Coproduction : Théâtre de la Ville (Paris) - Accueil : Opéra National de Lyon, Biennale de la DanseOpéra de LyonMardi 16 20h30Mercredi 17 20h30Jeudi 18 20h30Vendredi 19 20h30Durée : 2h10Plein tarif1 ère série 30 €2 ème série 23 €3 ème série 15 €4 ème série 10 €Tarif réduit1 ère série 27 €2 ème série 20 €3 ème série 12 €4 ème série 7 €Anne Teresa De KeersmaekerDanseuse et chorégraphe belge flamande,elle est une figure majeure de la dansecontemporaine belge et mondiale qui s’estimposée au début des années 1980 grâceà la volonté de renouveler le lien intenseentre danse et musique.Dans son enfance passée à Wemmel, et àBruxelles où elle a fait ses études secondaires,Anne Teresa De Keersmaeker étudiele ballet classique à l’École Lillian Lambertde Bruxelles. C’est dans cette école qu’ellefait la connaissance de ses futurs partenairesde création artistique : Michèle AnneDe Mey et son frère le musicien Thierry DeMey. Elle intègre l’École Mudra, fondée parMaurice Béjart, et part ensuite deux ans auxÉtats-Unis pour étudier à la Tisch School ofthe Arts de la New York University où elledécouvre la danse post moderne américaine.Durant cette période, elle est en contactavec de nombreux mouvements artistiquesnew-yorkais et la musique de phase, ditemusique minimaliste, ce qui sera décisif dansl’orientation de ses compositions chorégraphiquestout au long de sa carrière. Ainsi,après avoir obtenu un vif succès internationalavec sa pièce phare Fase (1982), unduo inspirée des compositions Violin phase(1967), Piano phase (1967) et Come Out(1966) de Steve Reich, elle crée la CompagnieRosas en 1983. Après des créationsintégrant dans ses pièces des aspects plusthéâtraux, comme Just Before (1997) qu’elleécrit en collaboration avec sa sœur JolenteDe Keersmaeker, ou des vidéos commeErwartung (1995), Anne Teresa De Keersmaekerfait un retour à la danse pure avecla pièce Drumming (1998), et Rain (2001).Suivront des créations plus intimistes danslesquelles Anne Teresa De Keersmaeker estseule sur scène comme pour Once (2002) surla musique de Joan Baez, ou accompagnéede quelques danseurs comme pour Deshet Raga for the rainy season (2005) sur unemusique traditionnelle indienne et sur ALove Supreme de John Coltrane. En 2004,elle met en scène l’opéra Hanjo du JaponaisToshio Hosokawa, au Festival d’Aix enProvence. Anne-Teresa De Keersmaeker a àce jour à son actif près de 30 créations et 5films.D’un soir un jour /création 2006Sous le titre de D’un soir un jour, AnneTeresa De Keersmaeker réunit six brèveschorégraphiques, le long d’un parcoursmusical d’une remarquable richesse, débutantet se terminant par une compositionde Claude Debussy. Au cœur de ce parcourschorégraphique et musical se nichent deuxoeuvres du compositeur contemporain britanniqueGeorge Benjamin dont l’une a étéspécialement écrite pour Rosas. Elles sontprécédées et suivies de deux pièces d’IgorStravinsky, contemporain de Debussy. Sixfois de suite, De Keersmaeker nous fait partagersa fascination éternelle des rapportsentre le mouvement pur et la musique.Info +www.rosas.be36

Anne Teresa De KeersmaekerThis Flemish Belgian dancer and choreographeris a major figure on the contemporary-dancescene in Belgium and around the world. Sheestablished her reputation in the early 1980sthrough her endeavours to revive the intensebond between dance and music.During her childhood in Wemmel and inBrussels, where she went to secondary school,De Keersmaeker studied classical ballet at ÉcoleLillian Lambert in Brussels. It was here that shemet her future artistic partners: Michèle AnneDe Mey and her brother, musician Thierry DeMey. She attended École Mudra, founded byMaurice Béjart; and then spent two years in theUnited States studying at the Tisch School of theArts at New York University, where she discoveredpostmodern American dance. During thisperiod, she was exposed to many of New York’sartistic movements and to phase music, knownas minimalist music, which has been decisivelyinfluenced the direction of her choreographicworks throughout her career. After scoring abig international hit with her flagship pieceFase (1982), a duo inspired by Steve Reich’scompositions Come Out (1966), Violin Phase(1967) and Piano Phase (1967), she foundedCompagnie Rosas in 1983. After creating workswith more theatre-oriented elements such asJust Before (1997), written in collaboration withher sister Jolente De Keersmaeker, and videosincluding Erwartung (1995), Anne TeresaDe Keersmaeker returned to puredance with Drumming (1998) andRain (2001). Then came moreintimate works where sheperformed solo, such asOnce (2002), to musicby Joan Baez, or witha few other dancers,as in Desh and Ragafor the Rainy Season(2005), set totraditional Indianmusic and to JohnColtrane’s albumA Love Supremerespectively. In2004, she stagedthe opera Hanjoby Japanese ToshioHosokawa at theAix-en-ProvenceFestival. To date, AnneTeresa De Keersmaekerhas created nearly 30 danceworks and five films.D’un soir un jour /2006 creationUnder the title D’un soir un jour, Anne Teresa DeKeersmaeker combines six short choreographicepisodes in an exceptionally rich musical journeythat starts and ends with the music of ClaudeDebussy. At the core of this choreographic andmusical voyage are two compositions, one ofwhich was created for Rosas by the contemporaryBritish composer George Benjamin, whichare preceded and followed by short pieces byDebussy’s contemporary Igor Stravinsky. Sixopportunities to share in De Keersmaeker’sunceasing obsession with the relationshipbetween pure movement and music.Extra info:www.rosas.be37

Compagnie LANABELVirus//AntivirusSolo - Création 2007Direction artistique : Annabelle Bonnéry et François DeneulinChorégraphie et interprétation : Annabelle BonnéryMusique : Vitor JoaquimScénographie : François Deneulin - Costumes : Kathy Brunner - Lumières : Elodie Llinarès - Lutherie électronique : Dominique David - Régie son : Marie-Pascale BertrandCoproduction : Ateliers Arts Sciences CEA Grenoble/Hexagone - Scène nationale de Meylan, DRAC Rhône-Alpes, Région Rhône-Alpes, Conseil Général de l’Isère - Avec le soutien de : CCN deGrenoble - Jean-Claude Gallotta, MC2 (Grenoble)Opéra de Lyon - l’AmphiMercredi 17 18h30Jeudi 18 18h30Vendredi 19 18h30Durée : 45 minutesPlein tarif15 €Tarif réduit12 €Annabelle BonnéryNée en 1973, elle débute la danse au CNR deDijon à l’âge de 8 ans et poursuit sa formationen danse contemporaine et classiquejusqu’à l’âge de 17 ans. En 1991, elle intègrela compagnie Metros de Ramon Oller baséeà Barcelone. En 1994, elle rejoint les danseursde Jean-Claude Gallotta au Centre ChorégraphiqueNational de Grenoble, qu’ellequittera quatre ans plus tard. Puis elletravaille avec Jackie Taffanel à Montpellier,Rui Horta en Allemagne et au Portugal (etdevient également son assistante pour denombreux projets), Maguy Marin à Rillieuxla-Pape,Christine Bastin à Grenoble, et fondedans le même temps, en 1998, avec FrançoisDeneulin, la compagnieLANABEL. Elle réaliseson premier solo Je est un autre puis le duoMém(n)oire. Elle participe à la formationdu Groupe Zoïle et à la création de deuxpièces collectives Salé et Horace Phreg. En2003, elle est invitée avec François Deneulinà créer le quatuor On the edge pour lesdanseurs du Scottish Dance Theatre àDundee (Ecosse). Cette même année,elle crée avec la Compagnie LANABELle solo 9mn et la pièce pour 6interprètes Les Caudataires. Enjuillet 2004, elle est invitée pourle projet COLINA (collaborationin Arts), laboratoire artistiqueeuropéen. Elle collabore aufilm Like a Red Rag to a Bullde la chorégraphe britanniqueCharlotte Vincent et crée avecle performer espagnol JavierNunez Gasco Protesis para unabalerina. En septembre 2005,elle est invitée par le FestivalArtRage et la WAAPA à Perthen Australie de l’Ouest pour lacréation de Tomeetyou, piècepour 12 danseurs australiens. Enmai 2005, elle crée avec la CompagnieLANABELle quatuor Quécalor, inspiré de l’univers industriel, auCentre culturel de Belem à Lisbonne. Enfévrier 2007, elle est invitée avec FrançoisDeneulin, par Jason Beechey, à créer Danstout ça/ Alles im allem pour les étudiants dela Palucca Schule de Dresde. En mars 2007,elle crée avec la CompagnieLANABEL la piècepour cinq interprètes –EXCITE- à O Espaçodo Tempo au Portugal. Parallèlement à lacréation, elle enseigne auprès de compagniesprofessionnelles telles que NorrDans, le BalletGulbenkian, le Ballet de Nuremberg, CharleroiDanses, la Raffinerie, le NDDT, le CCNde Grenoble et le CCN de Rillieux-la-Pape.Elle développe régulièrement un travail desensibilisation artistique avec des enfants, desétudiants et des amateurs.François DeneulinFrançois Deneulin est né en 1972 en Isère.Après des études en Arts plastiques puisen Histoire de l’art à Lyon (licence) et deuxans de présence à la DRAC Rhône-Alpesau service Arts plastiques, il travaille deuxans dans le milieu industriel en tant quedessinateur et formateur sur le logiciel de3D volumique Pro-Engineer. Il rencontrela danse en 1995 et crée avec AnnabelleBonnéry la CompagnieLANABEL en 1998et réalise plusieurs créations dont deuxpièces collectives avec le Groupe Zoïle ainsique la vidéo Akiko. Il s’occupe au sein de lacompagnie du site Internet, des photographies,de la vidéo, de la scénographie, dela co-direction artistique et de l’ensemblede l’administration. Grand entasseur detableaux et autres objets plastiques, il estnouvellement galeriste virtuel pour artistescontemporains.Virus//Antivirus / création 2007La curiosité est un moteur puissant pour AnnabelleBonnéry et François Deneulin et leurvolonté de rencontres les pousse à travaillerau sein de leur compagnie à des projets quidépassent les frontières de la danse, pourmieux y revenir, enrichie d’autres univers,d’autres préoccupations. Ainsi après avoirabordé le monde industriel avec Qué Calor,c’est le monde de la recherche et de lascience qui est au cœur de ce solo Virus//Antivirus, qu’Annabelle a choisit de danserelle-même. En effet, ce solo réunit des chercheursdu CEA de Grenoble et des artistesautour de la question du corps, de l’imageà la matière. En deux parties, Virus et Antivirus,comme deux faces d’une même pièce,explorent un langage du corps spécifique.La danse-performance, à la fois instinctiveet maîtrisée, pulsionnelle et sensorielle, sollicitela musique qui se construit en direct,rendant indissociable l’individu et ce qu’ilprovoque, suscite, reçoit de son environnement.Dans Virus, la danseuse interprète lemonde, se transforme en images, en sons,se répand, se démultiplie. Dans Antivirus,38

Balletto Teatro di TorinoPrimo toccarePièce pour 8 danseurs – Création 2008Chorégraphie : Matteo LevaggiDirection artistique : Loredana FurnoDécors : Corpicrudi (Samantha Stella et Sergio Frazzingaro) - Costumes : Atelier Walter Dang - Mannequins habillés par : Alessandro De Benedetti - Lumières : Marco PolicastroCoproduction : Biennale de la Danse, Festival Torino Danza - Avec le soutien de : Ministère Italien pour les Biens et les Activités Culturelles, Région PiémontAccueil : Le Toboggan, Biennale de la DanseLe Toboggan - DécinesMercredi 17 20h30Jeudi 18 20h30Vendredi 19 20h30Samedi 20 20h30Durée : 1hPlein tarif22 €Tarif réduit19 €Balletto Teatro di TorinoLa compagnie a été fondée dans les années70 à Turin avec Loredana Furno, premièredanseuse du Teatro Regio, dans le but deproposer un répertoire alternatif aux spectaclesde danse de l’époque et une approcheartistique ouverte aux autres disciplines duspectacle. Dès ses premières années d’existence,la compagnie a proposé de nouvellescréations, souvent sur des musiques originales,de chorégraphes importants de l’époquetels que Vittorio Biagi, Roberto Fascilla, LorisGai, Milorad Miskovitch. Toujours à la recherchede nouveauté, dans les années 80 et90, le Balletto Teatro di Torino s’est ouvertde plus en plus à la danse contemporaineavec des chorégraphes comme Job Sanders,Roberto Castello, Bertrand d’At, CharlesVodoz, Jozsef Tari. La Fondation José Limónde New York lui a même donné There Is aTime, l’un des chefs-d’œuvre du chorégrapheaméricain.La section recherche et mémoire historiquea permis la réalisation de projets monographiquesimportants centrés sur José Limón(1995), Serge Lifar (1997), Aurel Milloss(1999) et, également Karole Armitage(2000), chaque spectacle étant relié à desexpositions, des colloques et des masterclasses.Mais l’activité de la compagniereste axée sur la danse contemporaineavec des créations de Luca Veggetti,Loris Petrillo, Gigi Caciuleanu etKarole Armitage.En 2001, le Balletto Teatro diTorino a redéfini et renouvelé sonprofil artistique avec la nominationde Matteo Levaggi, entant que chorégraphe-danseurrésident. Avec lui, la troupe arenouvelé son image.Au fil des années, la compagniea réalisé une soixantaine de productionset s’est produite dans lemonde entier.Matteo LevaggiIl s’est formé à l’école du Balletto Teatrodi Torino, dirigée par Loredana Furno. Entre1993 et 1996 il s’est affirmé dans diversconcours, dont le Concours Internationalde Danse de Paris. Engagé dans le BallettoTeatro di Torino, il s’est fait remarquer,en tant que soliste, par sa personnalitéartistique et par une qualité exceptionnellede mouvement. Plusieurs chorégraphesl’ont choisi depuis pour leurs créations. En1997/98, il est entré dans la compagnie Aterballettodirigée par le chorégraphe MauroBigonzetti, puis il a choisi une carrière freelance,et a dansé dans plusieurs productionsdont Les Mémoires d’Hadrien aux côtés del’acteur italien Giorgio Albertazzi.En 2000, il a été l’un des protagonistesd’une création importante de la chorégrapheaméricaine Karole Armitage : IoGiacomo Casanova, présentée au Festivald’Athènes. La même année, il est invité auFestival International du Ballet de Cubadirigé par Alicia Alonso.Après le succès de sa première créationSalomè (1999) pour le Balletto Teatro diTorino, Loredana Furno le nomme chorégrapherésident de sa compagnie. Leparcours créatif et personnel de Levaggientrepris depuis au sein du Ballet, axé sur laconstruction chorégraphique, et son travailquotidien avec les danseurs, ont permis dedonner vie à « une compagnie d’auteur ».Elle s’impose de plus en plus comme l’unedes compagnies les plus importantes de ladanse italienne d’aujourd’hui.En quelques années, il a déjà signé plusieurspièces pour le Balletto di Torino Gee Andy!(2001), Slippery-Friction-Skiped and stretch(2003), Ray Man (2004), Jeu d’écarts (2005),Diferentia (2005), Off Again (2006) et SurrogateCites (2007), mais également Caravaggio(2004) pour le Teatro Carlo Felice deGênes, Drowning by Numbers (2005) et LaBoutique fantasque (2006) pour le BallettoDell’Arena di Verona. En 2006, il crée à laBiennale de la Danse de Venise, dirigée parIsmael Ivo, Canto bianco in un momentodi orizzonte verticale. En 2007, la Biennalede la Musique de Zagreb (Croatie) lui acommandé une création sur une musiquede Heiner Goebbels, l’un des compositeurscontemporains majeurs, avec qui Levaggiavait déjà collaboré pour un Projet Goebbelsavec le BTT dans le cadre de la saison duTeatro Stabile de Turin.C’est principalement au sein du BallettoTeatro di Torino que Matteo Levaggirencontre un franc succès et est à présentreconnu par la critique italienne comme unchorégraphe original et inventif. Sa danse,dynamique et envoûtante, volontairement« formelle » enthousiasme le public.40

Primo toccare / Création 2008À une époque où même la mort et le désespoir,dans notre dimension « médiatique »,prennent des allures cinématographiques ;à une époque où la perception artistiqueconcerne aussi les faits réels les plus violents,le sens esthétique évolue et crée de nouveauxidéaux de « beauté ».C’est pourquoi, je pense qu’aujourd’hui lapremière démarche dans la création d’unballet, son ébauche, ne se situe pas parrapport à quelque chose – ou tout au moinsà quelque chose de précis dans le domainede la danse – mais naît plutôt d’un jeu de séduction,dans le sens d’une déviation de cequi existe déjà, du positif et du concret, uneréalité « autre ».De là naissent les fondements de la créationchorégraphique qui voit l’irréel comme leseul domaine possible pour la représentationd’un idéal de beauté.Dans une ambiance glaciale, gazeuse etrecherchée se déploient des danses quijouent avec les sensations que l’on éprouveen regardant et en touchant : quand on saitque si l’on touche un objet, celui-ci désormaisnous appartient.Tout se résout à la première touche, aupremier regard, comme à vouloir mettrel’accent sur la fugacité de la vie et del’œuvre d’art elle-même. Dans un jeud’images évanescentes, entre immobilitéet fluidité, se succèdent des ensembles, desduos et des trios construits sur la base dumatériau de la technique dite classique,mais avançant dans un champ d’action trèscontemporain, qui finit par produire, plutôtqu’une soirée de danse, une expérience dedanses. Le duo d’artistes visuels corpicrudi(Samantha Stella et Sergio Frazzingaro)procède aussi de cette orientation esthétiquepour réaliser des projets hybridesentre art contemporain, musique et mode ;ils abordent ici l’espace scénique où ilstraduisent architecturalement l’élégancede la composition et la recherche formelle.La danse et le décor se déploient toutefoissur deux binaires distincts, se rencontrant,à la limite, par l’effet du hasard, commele conçoit Merce Cunningham. Ces danses,transparentes comme le verre et la lumièreblanche, veulent incarner la fugacité del’œuvre d’art elle-même.Matteo LevaggiComment le passé peut-il dessiner le futur ?J’ai toujours pensé qu’un travail artistique libre etcréatif ne peut pas se limiter à une recherche acharnéede trouvailles théâtrales «nouvelles» qui visent àétonner le spectateur. Il faut rester en équilibre sur ceque l’histoire nous a laissé, et de là, avancer librement.Je songe à Balanchine et à Cunningham et à leurregard audacieux mais sans préjugés vers le passé ; àmon tour, je ressens la nécessité de monter sur leursépaules pour chercher à regarder plus loin.Matteo LevaggiInfo +Première mondialeCoproduction Biennalewww.ballettoteatroditorino.itBalletto Teatro di TorinoThe company was founded in Turin in the 1970sand headed by Loredana Furno, principal dancerwith the Teatro Regio, with the aim of offeringan alternative to the dance shows of theperiod and an artistic approach that embracedother performance disciplines. In its early yearsthe company staged new works, often set tooriginal music, by important figures of the timesuch as Vittorio Biagi, Roberto Fascilla, LorisGai and Milorad Miskovitch. Then in the ’80sand ’90s, continuing its search for new ideas, itincreasingly opened up to contemporary dance,performing work by choreographers includingJob Sanders, Roberto Castello, Bertrand d’At,Charles Vodoz and Jozsef Tari. The José LimónDance Foundation in New York even entrustedit with There Is a Time, one of the Americanchoreographer’s masterpieces.Its research and historical memory departmenthas enabled the realisation of major monographicprojects on José Limón (1995), SergeLifar (1997), Aurel Milloss (1999) and KaroleArmitage (2000); each show was linked withexhibitions, colloquia and masterclasses. But thecompany’s main focus remains contemporarydance: it has premièred works by Luca Veggetti,Loris Petrillo, Gigi Caciuleanu and Karole Armitage.In 2001, Balletto Teatro di Torino redefinedits artistic profile with the appointment of MatteoLevaggi as resident dancer/choreographer;under his leadership, the company has renewedits image. Over the years, the company hasstaged some 60 productions and performed allover the world.Matteo LevaggiHe trained at the Balletto Teatro di Torino schoolunder Loredana Furno. From 1993-96 he cameto notice in various competitions including theConcours International de Danse in Paris. Afterjoining the company, he distinguished himselfas a soloist, through its artistic personality andthrough the exceptional quality of his movement.Several choreographers have since chosenhim to perform their work. In 1997-98 he wasa member of Aterballetto, the company led bychoreographer Mauro Bigonzetti; and then wentfreelance, dancing in several productions such asLes Mémoires d’Hadrien, alongside Italian actorGiorgio Albertazzi.In 2000 he featured in an important new workby American choreographer Karole Armitage:Io Giacomo Casanova, presented at the AthensFestival. In the same year, he was invited tothe Cuba International Ballet Festival run byAlicia Alonso. After the success of his first pieceSalomè (1999), for Balletto Teatro di Torino,Loredana Furno appointed him as the company’sresident choreographer. With the creative andpersonal directions he has since taken, focusedon creating choreography and on his everydaywork with the dancers, Levaggi has nurtured an“auteur company”. It is increasingly making itsmark as one of Italy’s leading companies.In just a few years, he has created several piecesfor his company: Gee, Andy! (2001), Slippery-Friction-Skipped and stretch (2003), Ray Man(2004), Jeu d’écarts (2005), Differentia (2005),Off Again (2006) and Surrogate Cites (2007);but also Caravaggio (2004) for the Teatro CarloFelice in Genoa, Drowning by Numbers (2005)and La Boutique fantasque (2006) for the BallettoDell’Arena in Verona. At the 2006 VeniceDance Biennale (director: Ismael Ivo) he premièredCanto bianco in un momento di orizzonteverticale. In 2007 the Zagreb Music Biennale(Croatia) commissioned from Levaggi a piece setto music by Heiner Goebbels, a major contemporarycomposer, with whom the Italian hadalready collaborated on a “Goebbels Project”with the BTT as part of a season at the TeatroStabile in Turin. Much of Matteo Levaggi’s successhas come with the Balletto Teatro di Torino,and Italian critics now consider him an originaland inventive choreographer. His dynamic andintoxicating dance, with its deliberate “formality”,has captured the public’s enthusiasm.Primo toccare / 2008 creationIn an age when, in our “media dimension”,even death and despair acquire the look of cinematography;and in an age when artistic perceptionalso covers the most violent of actual facts,the aesthetic sense is evolving and creating newideals of “beauty”. This is why I now think thatthe first step in creating a ballet – the roughsketching – does not relate to anything, or atleast not to any precise thing, in the domain ofdance; rather, it stems from a game of seduction,in the sense of being a diversion from whatalready exists, from the positive and concrete;some “other” reality. This yields the foundationsof choreographic creation, which sees unrealityas the only possible realm in which to portray anideal of beauty. In an icy, gaseous and studiedatmosphere, dances unfold that play with thesensations we feel when we watch and touch;when we know that if we touch an object, thenit belongs to us. Everything hinges on the firsttouch, the first glance; on the wish to emphasisethe fleetingness of life and of the work of artitself. In a play of evanescent images, hoveringbetween stillness and fluidity, a sequence of ensembles,duos and trios is performed, based onthe material of the so-called classical techniquebut in a highly contemporary field of action; thisultimately produces an experience of dancesrather than an evening of dance. Corpicrudi, aduo of visual artists (Samantha Stella and SergioFrazzingaro), also take this aesthetic stance inorder to execute projects blending contemporaryart, music and fashion; here they addressthe scenic space, rendering architecturally theelegance of the composition and its explorationof form. However, dance and decor fit twodistinct binary systems; they might almost besaid to meet by chance, as in Merce Cunningham’sconception. These dances, as transparentas glass and white light, seek to embody thefleetingness of the work itself.How can the past shape the future?I have always felt that free, creative, artistic activitycannot just be a relentless search for “new“ theatricalelements intended to amaze the spectator. There mustbe a balance between what history has handed us andour own free progress. I think of Balanchine and Cunningham,who looked at the past boldly and withoutprejudice; now, in turn, I feel the need to “climb ontheir shoulders“, trying to look further ahead.Matteo LevaggiExtra info:World premiereCo-produced by the Biennalewww.ballettoteatroditorino.it41

Olga de Sotohistoire(s)Spectacle chorégraphique / Vidéo-performance documentaire - Création 2004Concept, direction et chorégraphie : Olga de SotoMusique : Jean Sebastien Bach (œuvres pour piano)Créé avec : Vincent Druguet et Olga de Soto - Interprètes : Vincent Druguet ou Cyril Accorsi et Olga de Soto - Scénographie : Thibault Vancraenenbroeck - Costumes : Olga de Soto - Réalisationvidéo, caméra et son : Olga de Soto - Montage vidéo : Montxo de Soto et Olga de Soto - Avec les témoignages de : Micheline Hesse, Suzanne Batbedat, Robert Genin, Brigitte Evellin, JulienPley, Françoise Olivaux, Olivier Merlin et Frédéric Stern - Création éclairages : Henri-Emmanuel Doublier - Régie éclairages : Geni Diez - Régie son : Pierre Gufflet - Régie générale et régievidéo : Christophe GualdeCoproduction : NIELS (Bruxelles), KunstenFESTIVALdesArts (Bruxelles), Centre national de la danse (Pantin) - Avec l’aide de : COM4 HD (Madrid), Ministère de la Communauté française Wallonie-Bruxelles/Secteur danse - La programmation au Studio Jorge Donn - Maison de la Danse reçoit le soutien de la fondation BNP Paribas - Accueil : Maison de la Danse, Biennale de la DanseMaison de la Danse -Studio Jorge DonnJeudi 18 19hVendredi 19 19hSamedi 20 19hDurée : 1h15Tarif unique10 €histoire(s) est une vidéo performancedocumentaire, une œuvre d’analyse dontle point de départ est le spectacle Le JeuneHomme et la Mort de Roland Petit, créé le25 juin 1946 au Théâtre des Champs-Elyséesà Paris. histoire(s) a été créé en mai 2004 auKunstenFESTIVALdesArts, à Bruxelles.Olga de SotoAprès une formation en danse classique,danse contemporaine et solfège enEspagne, son pays natal, Olga de Soto poursuitsa formation au sein de a prestigieuseécole du Centre National de Danse Contemporaineà Angers. Après avoir travaillé,entre autres, avec Michèle Anne De Mey,Claudio Bernardo, Eric Pauwels, Pierre Droulersou Félix Ruckert, elle développe depuis1992, à Bruxelles où elle réside, un travail derecherche chorégraphique, dont une parties’est faite en dialogue avec l’étude d’œuvresmusicales de compositeurs contemporains,tels que Salvatore Sciarrino, Michael Jarrell,Kaija Saariaho, Stefano Scodanibbio, FredericRzewski, Denis Pousseur…Son travail de création débute en 1992 avecle solo Patios, qui sera dès lors suivi par différentespièces, notamment : I believe thatI act… (…upon the dimension of time it willbe difficult to find myself at the placewhere I am expected to be), Hontanar,Paumes, anarborescences,Eclats mats. En 1995, elle fondeAbaroa, une équipe composéed’artistes de différentesdisciplines.Olga de Soto a été chorégrapheen résidence à LaRaffinerie, à Bruxelles,de 1999 à 2002. En juin2003, elle crée le spectaclehistoires (premièreversion). L’année suivante,elle présente Incorporer,premier solo d’une longuesuite de cinq, dont le pointde départ est le spectacleEclats mats et histoire(s),dans le cadre du Kunstenfestivaldesarts.Entre 1999 et 2004, elle a collaboréavec Jérôme Bel, participanten tant qu’assistante et performer àla réalisation du spectacle The Show mustgo on. Elle a également collaboré avec BorisCharmatz pour la reprise du spectacle Conforts fleuve.histoire(s) / création 2004histoire(s) se présente comme une installationvidéo et se rapproche du documentairehistorique.Quelles sont les traces qui imprègnentencore la mémoire d’un public, bien longtempsaprès que se soit évanoui le spectacledont il fut le témoin d’un soir ?La chorégraphe part à la recherche desspectateurs présents, le 25 juin 1946 auThéâtre des Champs-Elysées à Paris pour lacréation d’un Ballet mythique créé sur un argumentde Jean Cocteau. Elle les interviewe.Leurs souvenirs et émotions ressurgissent :le spectacle renaît, à la lumière des regardsqui, hier l’avaient absorbé dans l’ombre. Lachorégraphe en compose alors la subjectiveempreinte qu’elle renvoie vers les écransd’un plateau de théâtre – son original écrin.Claire Diez, dramaturge42

histoire(s) is a video documentary-cum-performance,an analytical work thattakes as its starting-pointRoland Petit’s piece Le JeuneHomme et la Mort. Initiatedas part of the “Hommages”programme at the Culturgesttheatre in Lisbon, it premieredin May 2004 at the Kunstenarts festival in Brussels.Olga de SotoAfter studying classical dance,contemporary dance and solfege inher native Spain, Olga de Soto continuedher training at the prestigious NationalCentre for Contemporary Dance (CNDC)in Angers, France. She worked with, amongothers, Michèle Anne De Mey, Claudio Bernardo,Eric Pauwels, Pierre Droulers and Félix Ruckert.Since 1992, based in Brussels, she has beenresearching choreography, partly in conjunctionwith the study of works by contemporary musiccomposers such as Salvatore Sciarrino, MichaelJarrell, Kaija Saariaho, Stefano Scodanibbio,Frederic Rzewski and Denis Pousseur.Her career as a creator began in 1992 with thesolo Patios, which was followed by a variety ofpieces including I believe that I act… (…uponthe dimension of time it will be difficult to findmyself at the place where I am expected to be),Hontanar, Paumes, anarborescences and Eclatsmats. In 1995 she founded Abaroa, a team ofartists from various disciplines.De Soto was resident choreographer at LaRaffinerie, Brussels, from 1999-2002. In June2003, she created histoire(s) (first version). Thefollowing year, at the Kunstenfestivaldesarts inBrussels, she presented Incorporer, the first in aseries of five solos whose starting-point was theshows Eclats mats and histoire(s).From 1999-2004 she collaborated with JérômeBel, assisting him in creating The Show MustGo On and performing in the piece. She alsocollaborated with Boris Charmatz on a revival ofCon forts fleuve.histoire(s) / 2004 creationhistoire(s) is a video installation that is close tohistorical documentary.What is it that marks the memory of audiencemembers, long after the show they watched onenight has faded?The choreographer went searching for the spectatorswho, on 25 June 1946 at the Théâtre desChamps-Elysées in Paris, attended the premiereof a mythical ballet based on a Jean Cocteauidea. As she interviewed them, their memoriesand emotions flooded back and the show cameback to life; the eyes that had once absorbed itin the dark now shed light on it. The choreographerhas crafted these recollections into a subjectiveimprint which she projects on the screensof a theatre stage, the original setting.Claire Diez, playwright43

…& altersparades & changes, replaysPièce pour 6 danseurs - Création 1965 / Recréation BiennaleConception et direction artistique : Anne Collod en dialogue avec Anna HalprinMusique : Morton Subotnick assisté de Sébastien RouxRéinterprétation et performance : Boaz Barkan, Nuno Bizarro, Alain Buffard, Anne Collod, DD Dorvillier, Vera Mantero - Lumières : Mikko Hynninen - Coordination artistique : Cécile ProustCostumes et éléments scénographiques : Misa Ishibashi - Elaboration graphique des partitions : Mathias Poisson et Anne Collod - Direction technique et régie son : Nicolas Barrot -Chargés de production : Camille Desjardins, Marie Roche, Henri-Jules JulienProduction : …& alters - Coproduction : Festival d’Automne à Paris, Les Spectacles vivants - Centre Georges Pompidou, Biennale de la Danse de Lyon, CNDC d’Angers, Manège de Reims - ScèneNationale, CCN de Montpellier Languedoc Roussillon - Avec le soutien de : Culturgest Lisbonne et Le Vivat Scène conventionnée d’Armentières, Micadanses Paris pour le prêt du théâtre et desstudios - Et de : Fondation Beaumarchais, Culturesfrance, Consulat de France à New York, Consulat de France à San FranciscoStudio 24 - VilleurbanneJeudi 18 20h30Vendredi 19 20h30Samedi 20 16h30Durée : 2hPlein tarif22 €Tarif réduit19 €Anna HalprinNée en 1920, Anna Halprin a profondémentinfluencé et renouvelé la danse, la musiqueet les arts plastiques de ces quarante dernièresannées. Au début des années 50, alorschorégraphe et soliste chez Doris Humphrey,elle quitte New York pour s’installer sur lacôte ouest des Etats-Unis, et débute l’unedes aventures artistiques les plus radicaleset les plus fécondes du XXè siècle, dont leseffets continuent d’irriguer de nombreuxchamps artistiques. Dans ses ateliers d’étése rencontrent des artistes tels qu’YvonneRainer, Trisha Brown, Simone Forti, RobertMorris… qui vont pratiquer notamment lescélèbres « tâches », concept novateur quifait entrer les gestes du quotidien dans lechamp de la danse et qui influencera defaçon déterminante la danse post-moderneaméricaine. Nourrie par les approches deMoshe Feldenkraïs et du Gestalt-thérapeuteFritz Perls, par les théoriesdu Bauhaus, par la philosophiehumaniste et pragmatique deJohn Dewey, Anna Halprin n’a decesse d’explorer, de développeret d’encourager le processusmême de création, notammentcollective. Elle se livreà une remise en cause incessantedes modes de penseret d’agir, des normes et desfrontières esthétiques etpolitiques en s’appuyantsur l’usage des « scores »(partitions), la créationcollective, l’improvisationet les expérimentations enmilieu naturel, l’implicationdans les mouvements decontestation des années 60,et le travail au long cours avecdes gens malades du sida ou ducancer. Créatrice en 1955 du SanFrancisco Dancers’ Workshop, AnnaHalprin initie des collaborationsfructueuses avec des artistes de toutesdisciplines : de nombreux danseurs etchorégraphes, bien sûr, mais également avecLawrence Halprin (son mari architecte et« landartist »), avec des musiciens et compositeurs(La Monte Young, Terry Riley, LucianoBerio…), avec des poètes (James Broughton…),ainsi que des peintres et des sculpteurs…Elle crée de nombreuses pièces dontBirds of America (1960), Four-Legged-Stool(1962), Apartment 6 (1965), Myths (1967-68),Ceremony of Us (1969)… A partir de 1971,sa confrontation avec le cancer l’amène àmodifier radicalement son rapport à l’art, età consacrer celui-ci à la vie, en mettant sesprocessus créatifs au service de gens atteintsde maladies graves. Ainsi vont naître Circlethe Earth (1986-1991), The Planetary Dance(1987), Carry me Home (1990), IntensiveCare (2000)… Aujourd’hui à 88 ans, ellecontinue à danser, créer et enseigner. Sadernière pièce, Seniors Rocking, met en jeu50 personnes âgées de plus de 80 ans.parades & changes, replays /recréation 2008Une recréation initiée par Anne Collod encollaboration avec Anna Halprin.1965 : Première création collective affichéecomme telle par Anna Halprin, parades& changes est issue des expérimentationsmenées depuis la fin des années 40 par lachorégraphe sur la performance et l’improvisation.Cette œuvre majeure s’articule autour dela banalité des gestes du quotidien tels ques’habiller et se déshabiller. Les danseursfinissent par s’envelopper d’une immensefeuille de papier couleur chair qui se froisseet se déchire dans le silence. Cette mise enscène de la nudité fera interdire le spectacleaux Etats-Unis pendant vingt ans. Elaboréeen collaboration avec le compositeurMorton Subotnick, le mode de compositionde cette création est basé sur une partitioncomplexe, qui autorise une flexibilité complètede sa structure, et permet la coopérationentre artistes de plusieurs disciplines.2008 : Pour parades & changes, replays,Anne Collod initie une collaboration avecAnna Halprin et Morton Subotnick, compositeuret co-créateur de la pièce en 1965.Se joignent à elle deux chorégraphes quiparticipent depuis de nombreuses annéesau travail de la chorégraphe américaineet connaissent particulièrement bien sonœuvre, Alain Buffard et Boaz Barkan, ainsique Boris Charmatz, Vera Mantero et DDDorvillier. Tous sont curieux de se confronterau travail d’Anna Halprin et à son actualité.44

La question : « Quelles possibilités d’être ensemblela danse invente-t-elle ? » est une decelles qui conduisent mon travail de créationet de recherche depuis plusieurs années.C’est elle qui m’a conduit à rencontrer AnnaHalprin, femme extraordinaire, chorégraphenovatrice dont le travail offre des réponsesd’une humanité incandescente à cetteinterrogation.Elle également qui est le moteur du projetdont il est question ici, et qui mène mondésir de travailler plus particulièrement àcette pièce de 1965, qui dynamitait en sontemps les codes en vigueur dans la danseet sa représentation : parades & changes.Quels peuvent être les effets produits parla remise en jeu des multiples scénariosde cette pièce, dans un temps et des lieuxautres, par des acteurs d’aujourd’hui enprise directe avec les questions qui agitentle champ contemporain ? Comment créerles conditions d’un échange fructueux entreAnna Halprin et une nouvelle générationde danseurs et de chorégraphes ? Autantd’enjeux qui sont au cœur du projet parades& changes, replays.Anne CollodAnne CollodDiplômée en biologie et en aménagementdes espaces naturels, elle choisit de seformer à la danse contemporaine auprèsde Michel Hallet Eghayan à Lyon et débuteun parcours d’interprète auprès de PierreDeloche, Philippe Decouflé, StéphanieAubin, La Camionetta. Elle co-fonde avecDominique Brun, Simon Hecquet et ChristopheWavelet, le Quatuor Albrecht Knust(1993-2001), dédié à la re-création d’œuvreschorégraphies du début du XXè siècle (DorisHumphrey, Kurt Joos, Yvonne Rainer, SteveRainer..). En 2002, elle crée l’associationEéfro’sProject qui lui permet de rencontrerAnna Halprin. Elle travaille également avecBoris Charmatz, Laurent Pichaud, CécileProust. En 2005, elle fonde l’Association… & alters.Info +Coproduction BiennaleRecréation mondialewww.annahalprin.orgAnna HalprinBorn in 1920, Anna Halprin has profoundlyinfluenced and renewed dance, music and thevisual arts in the past 40 years. In the early ’50s,while a choreographer and a soloist with DorisHumphrey, she left New York and settled on thewest coast of the United States, thus startingone of the 20th century’s most radical and fertileartistic adventures, whose effects continue toinform many fields of art. Her summer workshopswere the meeting-place for artists such asYvonne Rainer, Trisha Brown, Simone Forti andRobert Morris, who in particular practised thefamous “tasks”, a novel concept that introducedeveryday gestures into the realm of dance anddecisively influenced American post-moderndance. Nourished by the approaches of MoshéFeldenkrais and of Gestalt therapist Fritz Perls,by Bauhaus theories, and by the humanist andpragmatic philosophy of John Dewey, AnnaHalprin has unstintingly explored, developed andencouraged the creative process, especially in itscollective form. She tirelessly challenges ways ofthinking and acting, and aesthetic and politicalnorms and boundaries, using scores, collectivecreation, improvisation and experimentationin natural surroundings, her involvement in1960s protest movements, and long-term workwith Aids and cancer patients. Halprin, whofounded the San Francisco Dancers’ Workshopin 1955, initiated fruitful collaborationswith artists from all disciplines: many dancersand choreographers, of course, but also withLawrence Halprin (her husband, an architectand landscapist), with musicians and composers(La Monte Young, Terry Riley, Luciano Berio…),and poets (James Broughton, among others), aswell as painters and sculptors. She has createdmany pieces including Birds of America (1960),Four-Legged Stool (1962), Apartment 6 (1965),Myths (1967-68), and Ceremony of Us (1969).From 1971 onwards, her fight against cancerprompted her to radically alter her relationshipwith art – she dedicated her own art to life, andused her creative processes to serve the seriouslyill. This yielded Circle the Earth (1986-1991), ThePlanetary Dance (1987), Carry Me Home (1990)and Intensive Care (2000), among others. Nowaged 88, she is still dancing, creating and teaching.Her latest piece, Seniors Rocking, features50 people aged over 80.parades & changes, replays /recreated in 2008A recreation initiated by Anne Collod in collaborationwith Anna Halprin.1965: Parades & Changes, the first group piecedescribed as such by Anna Halprin, stemmedfrom the choreographer’s experiments with performanceand improvisation since the late ’40s.This major work centres on the mundane natureof everyday gestures, such as dressing and undressing.The dancers end up enveloping themselvesin a huge sheet of skin-coloured paper,which crumples and tears in silence. Its nuditycaused the show to be banned in the UnitedStates for 20 years. The mode of composition,co-devised with composer Morton Subotnick, isbased on a complex score that renders its structuretotally flexible, and enables cooperationbetween artists from several disciplines.2008: For parades & changes, replays, Anne Collodinitiated a collaboration with Anna Halprinand Morton Subotnick, the piece’s composerand co-creator in 1965. Also participating aretwo choreographers – Alain Buffard and BoazBarkan – who have been involved in Halprin’swork for many years and know her œuvre particularlywell, together with Boris Charmatz, VeraMantero and DD Dorvillier. They are all curiousto address Anna Halprin’s work and its topicality.The question “What possibilities for beingtogether does dance invent?” is one of thosethat have guided my creative and research workfor several years. It is this question that led meto meet Anna Halprin, an extraordinary womanand ground-breaking choreographer whosework supplies incandescently human answers.That question has also driven this project, and,more specifically, made me want to work on this1965 piece – parades & changes – which in itsday blew away the codes that governed danceand its representation.What effects can be produced by bringing thispiece’s multiple scenarios back into play, in adifferent time and places, by actors of todaywho are directly engaged with the questionsshaping the contemporary scene? How can theconditions for a fruitful exchange between AnnaHalprin and a new generation of dancers andchoreographers be created? All of these issueslie at the heart of parades & changes, replays.Anne CollodAnne CollodA graduate in biology and in the developmentof natural spaces, she chose to train incontemporary dance with Michel Hallet Eghayanin Lyon and then started performing withPierre Deloche, Philippe Decouflé, StéphanieAubin and La Camionetta. With DominiqueBrun, Simon Hecquet and Christophe Wavelet,she co-founded the Quatuor Albrecht Knust(1993-2001), dedicated to recreating choreographicworks from the early 20th century (by DorisHumphrey, Kurt Joos, Yvonne Rainer and SteveRainer, among others). In 2002, she created thenon-profit organisation Eéfro’s Project, throughwhich she met Anna Halprin. She also workswith Boris Charmatz, Laurent Pichaud and CécileProust. In 2005, she founded the non-profitorganisation …& alters.Extra info:Co-produced by the BiennaleRecreation world premierewww.annahalprin.org45

Companhia Sociedade MasculinaDirection artistique : Anselmo Zolla, Ivonice SatiePalpablePièce pour 8 danseurs - Création 2007Création et chorégraphie : Andonis FoniadakisMusique et direction musicale : Julien TarrideDirection générale : Evelyn Baruque, Liliane Benevento - Fondatrice : Vera Lafer - Danseurs : Anderson Ribeiro, Edgar Diaz, Eduardo Pacheco, Gustavo Lopes, Jorge Fernandes, Jurandir Rodrigues,Luciano Martins, Sergio Galdino - Scénographie et création lumières : Anselmo Zolla - Décors : Anselmo Zolla, Leonardo de Oliveira - Costumes : Walter Rodrigues - Régie lumières : AnselmoZolla, Joyce Drummond - Sponsoring : KlabinAvec le soutien de : Ambassade du Brésil à Paris - GL Events - Accueil : Célestins - Théâtre de Lyon, Espace Alpha, Biennale de la DanseTropicáliaPièce pour 8 danseurs - Création 2008Création et chorégraphie : Henrique RodovalhoMusique et direction musicale : Felipe VenâncioDirection générale : Evelyn Baruque, Liliane Benevento - Fondatrice : Vera Lafer - Danseurs : Anderson Ribeiro, Edgar Diaz, Eduardo Pacheco, Gustavo Lopes, Jorge Fernandes, Jurandir Rodrigues,Luciano Martins, Sergio Galdino - Scénographie : Letycia Rossi - Décors : Anselmo Zolla - Costumes : Walter Rodrigues - Création lumières : Anselmo Zolla, Henrique Rodovalho - Régie lumières: Anselmo Zolla, Joyce Drummond - Sponsoring : KlabinAvec le soutien de : Ambassade du Brésil à Paris - GL Events - Accueil : Célestins - Théâtre de Lyon, Espace Alpha, Biennale de la DanseCélestins - Théâtre de LyonVendredi 19 20h30Samedi 20 20h30Dimanche 21 19hDurée : 1hPlein tarif1 ère série 27 €2 ème série 20 €3 ème série 13 €Tarif réduit1 ère série 24 €2 ème série 17 €3 ème série 10 €Espace Alpha -Charbonnières-les-BainsMardi 23 20h30Plein tarif27 €Tarif réduit24 €Cia Sociedade MasculinaCette jeune compagnie brésilienne exclusivementmasculine a été créée en 2003et invite la fine fleur des chorégraphesbrésiliens et européens à dessiner sanspudeur les traits de l’homme contemporain.Fondée par Vera Lafer, danseuse etamoureuse de la danse, la compagnie estnée au Studio3 – Espace de Danse à SaoPaulo, une école de perfectionnement etde formation de danseurs où Anselmo Zolladonne des cours. À la fin 2003, AnselmoZolla, aujourd’hui directeur artistique aucôté d’Ivonice Satie, crée une chorégraphienommée Sociedade Masculina avec quelques-unsdes hommes qui fréquentent sescours. Il s’aperçoit qu’il peut développer ununivers peu exploré par les chorégraphes.Il décide de poursuivre l’aventure avec cesquelques danseurs en fondant la compagnieéponyme. Danseur durant 8 ans, AnselmoZolla préfère rester un « organisateur de ladanse », créant de nouvelles chorégraphieset invitant des chorégraphes dans la compagnie.Outre les préjugés qui stigmatisent lesdanseurs brésiliens, la Sociedade Masculinas’impose depuis trois ans comme une compagnieexclusivement masculine. Composéede 8 danseurs, l’objectif de la compagnie estde revaloriser la danse masculine tout endépassant les clichés. Les danseurs participentà faire redécouvrir tout un mondechorégraphique fait d’héroïsme sans ostentation,de virtuosité athlétique et de force.Anselmo Zolla et Ivonice Satie ont su se faireentendre, apprécier et également intégrerdes chorégraphes déjà consacrés (HenriqueRodovalho, Deborah Colker, Paulo Caldas,Jorge Garcia, Ivonice Satie, Anselmo Zolla,Andonis Fionadakis…). La compagniecompte aujourd’hui une dizaine de pièces àson répertoire. Exploration du mouvementque le corps peut créer, mais aussi de sonunivers intime, ses secrets et bien sûr ses faiblesses,le travail de la Sociedade Masculinasouligne sans pudeur les traits de l’hommecontemporain au naturel.« J’ai voulu travailler avec un nombre réduitde personnes pour pouvoir miser sur chaqueindividu et sur son talent. Chacun a eu uneformation différente, certains sont plus classiques,d’autres ont travaillé avec la dansecontemporaine et d’autres styles, comme lejazz et même la capoeira. Le fait de ne pasêtre un groupe homogène est très positifpour moi ».Anselmo ZollaTropicália / création 2008Tropicália est d’abord une œuvre d’HelioOiticica puis un formidable courant artistiquedu Brésil des années 60 en pleinedictature, réunissant le cinéma, les artsplastiques, la mode, la littérature et lamusique bien sûr avec des prodiges nommésCaetano Veloso, Gilberto Gil, Gal Costa, TomZé… Quarante ans plus tard, l’un des plustalentueux chorégraphes de sa générationmet en scène cet art volcan.Henrique RodovalhoNé en 1964 à Goiânia (Brésil), il étudied’abord les arts martiaux et l’éducationphysique avant de s’intéresser aux relationsmusique-mouvement. Il commence alorsà prendre des cours de danse classique etde jazz. En 1986, il part deux ans à Rio deJaneiro où il découvre les spectacles deMerce Cunningham, Antonio Nobrega. Lechorégraphe Wim Vandekeybus sera pourlui la révélation. Il se forme alors aux côtésde Rainer et Angel Vianna, joue au théâtre,danse avec la compagnie Nos de Dança etflirte avec la publicité. Il s’intéresse éga-46

lement au cinéma (Tati, Keaton, Chaplin).En 1988, Vera Bicalho le nomme chorégraphe-résidentde Quasar Dance Co. Il a crééà ce jour 18 pièces pour la compagnie. Sarecherche basée sur la complexité du corpset de l’esprit donne à la compagnie uneréelle identité alliant tonicité et fluidité,humour et simplicité. En 1994, avec la créationVersus, il acquiert la réputation d’undes créateurs les plus innovants de la danseau Brésil. Il s’intéresse depuis quelquesannées aux techniques du multimédia pourune meilleure interactivité entre le monderéel et l’imaginaire créé sur scène, entre lepublic et les danseurs. La compagnie a étéprésentée en France lors de la Biennale de laDanse de la Danse en 2002.Palpable / création 2007Le chorégraphe Andonis Foniadakis évoque« quelque chose que l’on peut sentir ettoucher, et qui éveille le côté sensoriel desdanseurs et du spectateur ». Dans une quêteintense de la cinétique, celui du mouvementdu corps, le chorégraphe cherche à produiredes mouvements doux, d’une grandevirtuosité. « Je cherche dans la chorégraphieà explorer la légèreté des pas et à obtenirà partir de là un résultat harmonieux etdoux » dit le chorégraphe.Andonis FoniadakisNé en Crête en 1971, Andonis Foniadakissuit les cours de l’École de danse nationalede Grèce de 1998 à 1990, puis l’École Mudraà Lausanne de 1990 à 1992. Maurice Béjartl’intègre ensuite dans sa compagnie où ilparticipe en tant qu’interprète à de nombreusescréations (King Lear; L’art du Pas deDeux; Shéhérazade; Wagner…) et crée enmême temps ses premières chorégraphies(In Between, 1994; Court Métrage, 1996).De 1996 à 2002, il est engagé au Balletde l’Opéra National de Lyon, puis crée sapropre compagnie ApotosΩma. En 2004, ilprésente Use dans le cadre de la Biennale dela Danse de Lyon. Il signe des chorégraphiespour d’autres compagnies dont le Balletde l’Opéra National de Lyon, pour le JeuneBallet du Conservatoire national Supérieurde Musique et de Danse de Lyon, pour leBallet du Grand Théâtre de Genève, pour leThéâtre National de la Grèce du Nord…Comment le passé peut-il dessiner l’avenir ?La graine. La graine est le futur de l´imparfait. Lagraine est, sera, et était la nourriture. C´est un processusqui s´observe dans toute la Nature. L´homme créele projet, l´œuvre se reproduit dans le présent infini :l´éternité. De même, les mouvements culturels. Dansce cas précis, le Tropicalisme : mouvement musicalculturel d´extrême avant-garde et d´un pouvoir révolutionnairede grande envergure. Avant-garde est le motqui définit la question de ce qui sera dans l´avenir lefil conducteur de l´Histoire. La question devient enfinontologique. Nous ne saurons jamais tout de suite laraison et/ou la projection de nos actes. On défoncepour naître. L´inspiration se projettera plus loin defaçon paradoxale. Car elle est le futur d´un passétoujours présent. La vraie création ou la vraie raisonde la Création.Anselmo ZollaInfos +Tropicália / Première en EuropeCia Sociedade MasculinaThis all-male Brazilian company was establishedin 2003 and invites the cream of Brazil’s andEurope’s choreographers to candidly portray thefeatures of contemporary man. The companywas founded by Vera Lafer, a dancer and dance-lover,at Studio 3 in São Paulo, a school foradvanced dance training where Anselmo Zollateaches. In late 2003, Anselmo Zolla, now theschool’s artistic director alongside Ivonice Satie,created a piece of choreography, SociedadeMasculina, with some of his male students. Herealised that he could explore a world largelyneglected by choreographers. He decided topursue the adventure with these few dancers,and set up a company of the same name.Though a dancer for eight years, Zolla prefers tobe a “dance organiser”, creating new choreographicworks and inviting guest choreographersto work with the company. Despite prejudiceagainst male Brazilian dancers, SociedadeMasculina has made its mark over the past threeyears as an all-male company. Comprising eightdancers, it aims to restore consideration formale dancing while reaching beyond clichés.The dancers are helping the public to rediscovera whole swathe of choreography characterisedby unshowy heroism, athletic virtuosityand strength. Anselmo Zolla and Ivonice Satiehave made their voices heard and their workappreciated, as well as attracting establishedchoreographers (Henrique Rodovalho, DeborahColker, Paulo Caldas, Jorge Garcia and AndonisFionadakis). The company now has some 10pieces in its repertoire. Investigating the movementthe body is capable of, but also its privateworld, its secrets and, of course, its weaknesses,Sociedade Masculina frankly depicts the featuresof contemporary, real-life man.“I wanted to work with a small number ofpeople so that I could get the most from eachindividual and their talent. They have each haddifferent training – some are more classical,others have worked with contemporary danceand other styles, such as jazz and even capoeira.For me, the fact that they’re not a uniformgroup is definitely a good thing.”Anselmo ZollaTropicália / 2008 creationThe Brazilian’s tells of Tropicalism, a tremendouswide-ranging artistic movement in dictator-ruled1960s Brazil; 40 years on, the most talentedchoreographer of his generation stages thisvolcanic art.Henrique RodovalhoBorn in 1964 in Goiânia, Brazil, he first studiedmartial arts and physical education before focusingon the relationship between music and movement;it was then that he started taking classical-danceand jazz classes. In 1986, he spenttwo years in Rio de Janeiro, where he discoveredthe shows of Merce Cunningham and AntonioNobrega. Choreographer Wim Vandekeybuswould provide his epiphany. He then trainedwith Rainer and Angel Vianna, acted in stageplays,danced with the Nos de Dança companyand dabbled in advertising. He also took an interestin film (Tati, Keaton, Chaplin). In 1988, VeraBicalho appointed him resident choreographerof Quasar Dance Co. To date, he has created 18pieces for the company. His investigations, basedon the complexity of body and mind, have giventhe company a genuine identity that blends tonicity,fluidity, humour and simplicity. In 1994, hiswork Versus earned him a reputation as one ofBrazil’s most innovative dance creators. In recentyears he has explored multimedia techniques toheighten the interactivity between the real worldand the imaginary world he conjures on stagebetween dancers and audience. The companywas introduced to French audiences at the 2002Lyon Dance Biennale.Palpable / 2007 creationAndonis Foniadakis’ choregraphy evokes “somethingthat can be felt and touched, and whicharouses the dancers’ and spectators’ sensoryside”. In his intense quest for the kinetics ofbody movement, the choreographer seeks toproduce gentle movements of great virtuosity:“In my choreography, I look to explore the lightnessof steps and transform them into a soft,harmonious result.”Andonis FoniadakisBorn on Crete in 1971, Andonis Foniadakistrained at Greece’s state school of dance from1998-1990, then at École Rudra in Lausannefrom 1990-1992. He then joined MauriceBéjart’s company, and performed in many newworks (including King Lear; L’art du Pas de Deux;Shéhérazade and Wagner) while also writinghis first choreographies: In Between (1994) andCourt Métrage (1996). From 1996-2002, he wasa member of Ballet de l’Opéra National de Lyon,then set up his own company, ApotosΩma.In 2004, he presented Use at the Lyon DanceBiennale. He has also created works for othercompanies including Ballet de l’Opéra Nationalde Lyon, the youth ballet company at Lyon’s nationalmusic and dance conservatory (CNSMD),Ballet du Grand Théâtre de Genève, and NorthernGreece national theatre, among others.How can the past shape the future?Grain is the future of the imperfect. Grain is, will be,and was food. It is a process observed throughoutNature. Man devises a project, and the piece of workis reproduced in the infinite present: eternity. The samegoes for cultural movements – Tropicalism, in thiscase. An extremely avant-gardist cultural and musicalmovement and a revolutionary power of far-reachinginfluence. Avant-garde is the word that defines thequestion of what will, in the future, be the thread ofhistory. It ultimately becomes an ontological question.We will never immediately know the reason for ouracts and/or how they are projected. We fight hard tobe born. Paradoxically, inspiration will be projectedfurther on, for inspiration is the future of a past thatis still present. That is real creativity, or the real reasonfor the Creation.Anselmo ZollaExtra info:Tropicália / European Premiere47

Susanne LinkeSchritte Verfolgen II - ReconstructionPièce pour 4 danseuses - Création 1985 / Reconstruction 2007Chorégraphie : Susanne LinkeMusique : collage de Dieter Behne en utilisant « Faust Verdammnis », Hector Berlioz, Frédéric Chopin, Edward Grieg, Gustav MahlerDanseuses : Susanne Linke, Armelle H. van Eecloo, Mareike Franz, Elisabeta Rosso - Lumières : Hartmut Litzinger (d’après la conception de Johan Dalaere, 1985) - Costumes : Rupert Franzen(d’après les costumes de VA Wölfl et Susanne Linke, 1985) - Installation son : Damian Lang - Assistante de la production et des répétitions : Adriana KoczianProduction : The.Lab Art & Media GmbH (Berlin) - Coproduction : PACT Zollverein (Essen), Théâtre Le Phénix (Valenciennes) - Avec le soutien de : Kulturstiftung des Bundes und KulturstiftungNRW, Goethe Institut - En collaboration avec : VA Wölfl oczian - Accueil : La Croix-Rousse / Scène nationale de Lyon, Biennale de la DanseLa Croix-Rousse /Scène nationale de LyonJeudi 18 20h30Vendredi 19 22h30Durée : 1hPlein tarif22 €Tarif réduit19 €Susanne LinkeNée en 1944, Susanne Linke a grandi àBerlin et a passé plus de vingt ans à Essenavant de s’installer à Brême en 1994. Elleréunit dans sa danse à la fois ses originestirées de la tradition historique de la danseallemande et le développement du théâtredansé de l’Allemagne contemporaine. Ellecommence par faire ses études à Berlinsous la direction d’une virtuose de la danseallemande, Mary Wigman, puis part à Essenpoursuivre sa formation au départementde danse de l’École Folkwang, fondé parKurt Joos. Entre 1970 et 1973, elle est danseuseau Studio de Danse Folkwang sous ladirection artistique de Pina Bausch où ellecommence à créer ses propres chorégraphies.En l’espace de quelques années, ellese forge une réputation internationale ensolo ou dans des spectacles collectifs, reçoitplusieurs récompenses et est invitée à seproduire dans toute l’Europe, ainsi qu’enInde, en Amérique du Nord et en Amériquedu Sud. Pendant près de dix ans, jusqu’àl’été 1985, elle dirige le Studio de DanseFolkwang. Au début des années 1990, ellefonde la Compagnie Susanne Linke. Elles’installe peu de temps après en résidenceau Hebbel Theater de Berlin. Deux piècessur l’énergie masculine émergent avecsuccès ; Ruhr-Ort (1991) et MärkischeLandschaft (1995). Avec son partenaireUrs Dietrich comme codirecteur,elle monte en 1994 unenouvelle compagnie, le BremerTanztheater, au sein du Théâtrede Brême. En 2000, SusanneLinke participe à la fondationdu Centre Chorégraphiqued’Essen, un projet unique enAllemagne. Elle en assurela direction jusqu’en 2001,date à laquelle elle reprendson statut de chorégrapheindépendante. Depuis, elle créepour de nombreuses compagniesdont le Centre Chorégraphiquede Essen, la Compagnie JoséLimon, le Kibboutz Dance Studio, leBallet de l’Opéra National de Paris, leNederlands Dans Theater…Schritte Verfolgen II /1985, reconstruction 2007En 1985, son solo Schritte verfolgen deSusanne Linke marque l’une de ses œuvresles plus personnelles. Suivre ses propres passignifie dans ce cas, à la fois développementet possibilité permanente d’un nouveaudépart. Ainsi, Susanne Linke fait quelquespas en arrière vers son enfance, et de sonenfance, elle revient vers le présent, unprésent qui est également le sujet central desa présence sur scène.Schritte Verfolgen II ne sera pas seulementla reprise d’un solo couronné de succès.C’est à la fois une reconstruction et unerestitution. Susanne Linke distribue le rôledu personnage central de la pièce sur troisdanseuses. Elle crée ainsi une biographiedu corps qui nous montre non seulement lacontradiction permanente entre le doutede soi et le désir de se mettre en scène,mais aussi le vieillissement vécu comme uneexpérience des changements du corps et lamaturité comme étant libérateur.Susanne Linke est la seule élève encore surscène de Mary Wigman et qui maintientpar son travail la philosophie, la méthoded’apprentissage et les idées de cette grandechorégraphe. Le transfert de son travail surtrois danseuses de la génération suivantegarde la tradition de la danse d’expressionallemande en vie. Dans cette pièce, SusanneLinke exprime la co-existence du désir debeauté et de la conscience de la réalité, lenarcissisme et la méfiance vis-à-vis de l’esthétismedicté.Comment le passé peut-il dessiner le futur ?Les pierres destinées à construire le futur se trouventdans le passé. Mais...les respectons-nous ?Susanne LinkeInfo +Première en FranceChorégraphe invitée à la Biennale 198648

Faso Danse ThéâtreBabembaPièce pour 4 danseurs, 2 musiciens et 1 chanteuse griotte - Création 2008Direction artistique et chorégraphie : Serge Aimé CoulibalyMusiciens : Sana Seydou Khanzaï, Sanou Domba, Benjamin CollierDanseurs : Koama Tierema Lévy, Sigué Sayouba, Lacina Coulibaly, Serge-Aimé Coulibaly - Scénographie : Papa Mahamoudou Kouyaté - Costumes : Amado OuedraogoLumières : Boris Montaye - Direction musicale : Sana Seydou KhanzaïProduction : Faso Danse Théâtre / Doni Doni - Coproduction : La rose des vents - Scène Nationale Lille Métropole (Villeneuve d’Ascq), Les Ballets C de la B, CDC La Termitière - Avecle soutien de : Centre Culturel Français Henri Matisse (Bobo Dioulasso), Centre Culturel français Georges Méliès (Ouagadougou), Le Grand Bleu ENPDA (Lille), Africalia, Culturesfrance,DRAC Nord-Pas de Calais, Région Nord-Pas de Calais - Accueil : Le Sémaphore - Théâtre d’Irigny, Biennale de la DanseLe Sémaphore -Théâtre d’IrignyVendredi 19 20h30Samedi 20 20h30Durée : 1h10Plein tarif17 €Tarif réduit14 €Serge-Aimé CoulibalyDe 1993 à 2001, Serge-Aimé Coulibalyest membre de la compagnie Feeren deOuagadougou (Burkina Faso). Il participeaux spectacles et aux tournées (Europeet Afrique) de la compagnie en tant quedanseur et comédien. Il suit également desstages avec Salia nï Seydou et plusieursautres chorégraphes européens. Il signe lachorégraphie du spectacle d’ouverture de lacoupe d’Afrique de football en 1998 et celledu spectacle d’ouverture du Festival panafricainde cinéma de Ouagadougou en 1999.En 2001, il passe six mois en France pourcréer, avec Nathalie Cornille, le duo Doublé-Peau. En 2002, il est sélectionné par ClaudeBrumachon et participe à un laboratoire decréation au Centre Chorégraphique Nationalde Nantes. En décembre de la même année,il crée à Lille son premier solo, Minimini,dans le cadre de Planetado (festival organisépar le Grand Bleu). En 2003, il est interprètedans Wolf d’Alain Platel (Les Ballets C de laB). En 2004, il danse pour Sidi Larbi Cherkaouidans Tempus Fugit, créé en Avignon.Il est également chorégraphe et interprètedans Et Demain… pour la compagnie FasoDanse Théâtre, dans le cadre des émergencesde Lille 2004, Capitale Européenne de laCulture. En 2005, il co-chorégraphie BurningDaylight avec Dalisa Pigram pour MarrugekuCompany (Sydney, Australie). En 2006,à l’occasion de la Biennale de la Danse deLyon, il présente A Benguer. Invité dans lecadre de Liverpool, Capitale Culturelle Européenne2008, il met en scène des danseursde Marseille et de Liverpool dans The SugarProject.Babemba / création 2008Babemba est une pièce pour quatre danseurset une chanteuse griotte qui scrute lesévolutions de la jeunesse africaine à traversquatre de ses pères : Patrice Lumumba,Thomas Sankara, Kwamé Nkrumah etNelson Mandela. Ou comment s’inspirer deshéros contemporains pour reprendre espoirà travers l’histoire de ces grands combattantsqui ont osé inventer l’avenir. La piècene retrace pas pour autant leurs histoiresmais part à la recherche de cette partie denous qui rejoint ces hommes. Et tente decomprendre comment traduire en dansela facilité avec laquelle ces personnagess’adressaient aux gens, leur exprimaientleurs idées ? Dans un décor post apocalyptiqueimaginé par Papa Kouyaté et sur unemusique issue de la tradition mandingue,Babemba est une recherche chorégraphiquesur l’espoir, le rêve, la trahison.Comment le passé peut-il dessiner le futur ?Aujourd’hui c’est la résultante d’hier. Et demain seraforcément dessiné par rapport à aujourd’hui…Le passé aide à mieux se placer dans une trajectoirepour mieux définir le futur. C’est pour cela qu’il esttrès important de raconter l’histoire des peuples danstoute sa complexité, pour que les jeunes d’aujourd’huisachent pourquoi ils ont telle ou telle position, etpouvoir inventer l’avenir autrement.L’expérience du passé nous aide à choisir la meilleuredirection pour l’avenir, même si le passé peut aussifaire augure de mauvais futur.Toute révolte de demain vient de ce qui se passeaujourd’hui. La révolution industrielle d’hier a détériorénotre environnement pour demain.Serge-Aimé CoulibalyInfos +Compagnie invitée en 200650

Serge-Aimé CoulibalyFrom 1993-2001, Serge-Aimé Coulibaly was amember of Compagnie Feeren in Ouagadougou,Burkina Faso. He took part in the company’sshows and tours (of Europe and Africa) as adancer and actor. He also attended courses withSalia nï Seydou and several other, Europeanchoreographers. He created the choreographyfor the opening ceremony of the African NationsFootball Cup in 1998, and for the opening ceremonyof the Pan-African Film Festival in Ouagadougouin 1999. In 2001, he spent six monthsin France to create the duet Double-Peau withNathalie Cornille. In 2002, he was picked byClaude Brumachon to take part in a creative labproject at the National Choreographic Centre(CNN) in Nantes, France. In December that year,in Lille, France, he premiered his first solo,Minimini, at the Planetado festival (organised byLe Grand Bleu national children’s theatre).In 2003, he performed in Alain Platel’s Wolf(for Les Ballets C de la B). In 2004 he dancedfor Sidi Larbi Cherkaoui in Tempus Fugit, whichpremiered in Avignon. Coulibaly also choreographedand performed in Et Demain… for FasoDanse Théâtre as part of the Émergences festivalin Lille, 2004 European Capital of Culture. In2005, he co-choreographed Burning Daylightwith Dalisa Pigram for the Marrugeku Companyof Sydney, Australia. In 2006, at the Biennalede la Danse de Lyon, he presented A Benguer.As a guest choreographer in Liverpool, 2008European Capital of Culture, he directed dancersfrom Marseille and Liverpool in The SugarProject.Babemba / 2008 creationBabemba is a piece for four dancers and a griotsinger which surveys how Africa’s youth hasevolved via four of the continent’s fathers:Patrice Lumumba, Thomas Sankara,Kwamé Nkrumah and Nelson Mandela.It asks how young people can drawinspiration from contemporary heroesto regain hope, through the storiesof these great fighters who boldlyinvented the future. The piece doesnot, however, retrace their stories. Itseeks that part of us which connectsus to them; and strives to translateinto dance the ease with whichthese figures addressed people andconveyed their ideas. Babemba, withits post-apocalyptic stage design byPapa Kouyaté and music rooted inMandingan tradition, is a choreographicquest centred on hope and dreams;on hope and betrayal.How can the past shape the future?Today results from yesterday. And tomorrow is boundto be shaped with regard to today…The past helps to better place ourselves on a trajectoryin order to better define the future. That is why it isvery important to tell the story of peoples in all of itscomplexity, so that today’s young people know whythey have such or such a position; and to be able toinvent the future differently.Experience of the past helps us to choose the bestdirection for the future, even though the past can alsoaugur ill for the future.Any rebellion tomorrow stems from what happenstoday. Yesterday’s industrial revolution has damagedtomorrow’s environment.Serge-Aimé CoulibalyExtra info:The company performed at the 2006 Biennale51

Compagnie AccrorapPetites histoires.comPièce pour 5 danseurs – Création 2008Direction artistique et chorégraphie : Kader AttouDanseurs : Thô Anothai, Pierre Bolo, Brahim Bouchelaghem, Hichem Serir Abdallah, Kader Attou - Musique : bande sonore composée par Kader Attou - Scénographie : Guillaume de Baudreuil -Collaboration théâtrale : Mohamed Guelatti - Création costumes : Nadia Genez - Création lumières : Fabrice CrouzetCoproduction : Compagnie Accrorap, Théâtre Jean Vilar (Suresnes), Espace Planoise, Scène Nationale de Besançon, La Coursive (La Rochelle), CNDC Angers, CCN de Franche-Comté (Belfort), CNCDCChâteauvallon - Avec le soutien de : Ministère de la culture et de la communication - DRAC Franche-Comté, Région de Franche-Comté, Ville de Besançon et Culturesfrance pour ses tournées àl’étrangerLe TransbordeurSamedi 20 20h30Dimanche 21 17hLundi 22 20h30Mardi 23 20h30Samedi 27 22h30Dimanche 28 17hDurée : 1h10Plein tarif22 €Tarif réduit19 €Kader AttouSi, à l’origine, Accrorap était un collectifcréé en 1989 à Saint-Priest autour deMourad Merzouki, Eric Mézino et KaderAttou, aujourd’hui la compagnie est animéepar ce dernier et est devenue une compagniephare du hip-hop en France. Ses projetss’enchaînent au fil des années. Kader est nédans la banlieue de Lyon de parents immigrésd’Algérie. Après un parcours scolairechaotique, il s’intéresse à l’art du cirque... ettrès vite prend goût à l’univers du spectacle.Grâce à sa capacité à s’ouvrir aux autres, ilfait les bonnes rencontres au bon moment.Il a aujourd’hui 10 spectacles à son actif. Raconterdes histoires, provoquer des rencontres,faire naître des émotions. Sa danse estgénéreuse, cherchant à briser les barrières, àtraverser les frontières. Une danse qui refusel’étiquette « banlieue » et revendique le dialogueentre les danses hip-hop et les autresformes de danse. Dialogue entre les culturescomme alternative à la guerre... Kader travailleen voyageant et grâce à ses spectacles,il montre une « autre image » de la Franceà l’étranger. Du premier voyage à Zagreb en1993 au voyage à Ramallah en septembre2004, les rencontres sont fortes. En janvier1996, c’est la création de Kelkemo, enhommage aux enfants réfugiés. Grâce à cespectacle, la compagnie se met à voyager,à découvrir le monde et à expérimenter ladimension universelle de la danse. Grâce àses tournées à l’étranger, il approfondit laquestion du sens : l’énergie du hip-hop, lapart de révolte qu’il contient deviennent unoutil pour aller à la rencontre de l’Autre. Laquestion du métissage, la notion de citoyendu monde sont au centre de son travail. Apartir de 1999, il met son travail au serviced’une recherche autour de ses originesalgériennes. Ce sera tout d’abord la créationde Prière pour un fou, comme un cri devantles difficultés à comprendre ce qui se joueen Algérie et pour renouer le dialogue. Cesera ensuite un long travail d’échange et derencontres avec de jeunes danseurs hip-hopd’Alger pour faire un travail en commun.Cela donnera naissance à la pièce Douar.En 2000, il réussit à faire se rencontrer desdanseurs hip-hop et des danseurs classiquesindiens. Il s’agit de la création de Anokha -la danse des Dieux et des Hommes. Ce spectaclefait naître « un sentiment de paix », cequi le rend universel et intemporel. La dansede Kader tire son originalité et sa nouveautéde la quête d’identité qui l’anime, unequête née de tous les déchirements, de tousles chocs, de toutes les contradictions qui ladynamisent et qu’elle exprime : l’assimilationet l’exclusion, le savant et le populaire,la modernité et la tradition, l’Europe etl’Afrique, l’Orient et l’Occident, la spontanéitéet la rigueur.... Il fait partie de ceuxqui donnent à la danse contemporaine unautre vocabulaire, un sens nouveau, unefonction nouvelle.Petites histoires.com /création 2008Les courts-métrages m’ont toujours intéressés.Ce qui me plaît, c’est cette capacité à raconterdes histoires en un temps très court,gommer le superflu, arriver à l’essentiel... etchercher un effet de surprise. Pour l’instant,ce sont des idées qui alimentent marecherche, des petites histoires sous la formede saynètes un peu comme ces petits films.Chercher, trouver et raconter en un tempstrès court des choses enfouies en moi, eten chacun de nous... Eveiller des souvenirs,des mots, des maux, entendre, s’entendre,s’étendre... Quand j’étais enfant, je passaismon temps à observer les papillons et rêvaisde pouvoir faire un jour comme eux. Jepassais mon temps à les attraper un à un, etrécoltais sur mes doigts cette poussière queleurs ailes dégageaient. Je me fabriquais desailes en carton avec trois bout de ficelle etdéposais cette poudre magique qui, pourmoi, était la clef qui m’aiderait à m’envoler....Mais ce ne fut jamais le cas. Prendrela parole, et prendre sa part de rêves dansle mouvement, danser sur trois petites notesavec cette énergie qui nous est si singulièretout en parlant de choses plus ou moinsgraves mais avec beaucoup de légèreté.Kader AttouDans ce spectacle, Kader Attou imagine unspectacle composé de petites pièces. Certainesracontent des histoires, d’autres restentplus abstraites. Les saynètes évoquent lecinéma burlesque et de petites touchesd’humour viennent rythmer les envoléeschorégraphiques, de manière libre, légère,poétique et affranchie des codes.Les choses de la vie tout comme l’actualiténourrissent depuis toujours le travail deKader.Passer d’une histoire à l’autre, sauter du coqà l’âne, mélanger performance, émotion,52

musicalité dans un spectacle plutôt burlesque,voilà l’enjeu.Infos +Compagnie invitée en 20002 représentations jeune publicwww.accrorap.comKader AttouAlthough the Accrorap collective was foundedin 1989 in Saint-Priest, near Lyon, by MouradMerzouki, Eric Mézino and Kader Attou, thecompany is now run by Attou and has becomeone of France’s premier hip-hop companies, witha record of accomplished projects. Kader wasborn in a Lyon suburb to Algerian immigrantparents. After a chaotic schooling, he becameinterested in circus arts... and quickly acquireda taste for the world of stage entertainment.Through his openness to others, he happenedto meet the right people at the right time. Henow has 10 shows under his belt. He likes to tellstories, prompt encounters, arouse emotions.Generosity is the hallmark of his dance; it is gearedto breaking down barriers and transcendingfrontiers. It rejects the “rough housing project”label and preaches dialogue between hip-hopand other forms of dance – a dialogue betweencultures as an alternative to war... Kader takeshis work on the road, and through his showsconveys “another image” of France whenabroad. From his first journey to Zagreb (1993)through to his journey to Ramallah in September2004, he has enjoyed powerful encounters. InJanuary 1996, he made Kelkemo, in homage tochild refugees; it was thanks to this piece thatthe company began to travel and discover theworld, and to experiment with the universaldimension of dance. Through foreign tours, hefurther explored the question of meaning: hiship-hop energy and rebellious streak becametools to reach out to others. The issue of culturalmixing and the world-citizen idea are centralto his work. In 1999, he began researching hisAlgerian origins. This first yielded Prière pour unfou, a cry triggered by his struggle to understandwhat is happening in Algeria, and a bidto restore dialogue. He then embarked on along project of exchanges and collaborationswith young hip-hop dancers in Algiers, whichproduced Douar. In 2000, he brought hip-hopdancers face to face with Indian classical dancers,creating Anokha - la danse des Dieux et desHommes. This show engenders a “peacefulness”that lends it a universal and timeless quality.Kader’s dance draws its originality and noveltyfrom the quest for identity that drives him – aquest that stems from all the wrenches, clashesand contradictions that dynamise his dance andwhich it expresses: assimilation and exclusion,the scholarly and the popular, modernity andtradition, Europe and Africa, East and West,spontaneity and rigour... He is one of the figureswho are giving contemporary dance a differentvocabulary, a fresh meaning, a new function.Petites histoires.com /2008 creation“I’ve always been interested by short films.What I like is their ability to tell stories in a veryshort timespan, cutting out what’s superfluousand getting straight to the point... and lookingto surprise. For the moment, these are ideas thatare feeding into my explorations – little storiesin sketch form, a bit like these little films. I seekand find things that are buried in me, in each ofus, then narrate them in a very short time...Awakening memories, words, painfulness;listening, getting on, expanding... When I was achild, I spent my time watching butterflies anddreaming that one day I would be able to dowhat they do. I spent my time catching them,one by one, and I collected on my fingers thepowder that their wings give off. I mademyself wings with cardboard and bitsof string, and sprinkled this magicpowder on them – I was sure itwould help me fly... But it neverdid.What we do is give voice,live our share of dreamsin movement, anddance three little noteswith our so-singularenergy, while treatingmatters of varyingseriousness withgreat levity.”Kader AttouHere, Kader Attouhas devised ashow of sketches.Some tell stories,others are moreabstract. They evokeburlesque cinema,and the choreographicflourishes are studdedwith deft humour in afree-wheeling, mercurial,poetic style that ignores thecodes of convention.Kader’s work has always been nourished by thestuff of life and by current events.His agenda? To skip from story to story, betweenvery different subjects, blending performance,emotion and musicality in a strongly burlesqueshow.Extra info:The company performed at the 2000Biennale2 matinees for young audiencewww.accrorap.com53

TheatreWorks (Singapore)The Continuum: Beyond the Killing FieldsPièce pour 4 interprètes - Création 2001Direction artistique et chorégraphie : Ong Ken SenMusique : Yen (Yukata Fukoka)Interprètes : Em Theay, Kim Bun Thom, Thong Kim Ann, Mann Kosal et Yen - Création lumière : Scott Zielinski - Vidéo : Noorlinah MohdAccueil : La Croix-Rousse / Scène nationale de Lyon, Biennale de la DanseLa Croix-Rousse /Scène nationale de LyonLundi 22 19h30Mardi 23 20h30Plein tarif20 €Tarif réduit17 €Ong Ken SenEtudiant en droit à l’université de Singapour,Ken Sen se passionne déjà pour lethéâtre. Son diplôme en poche, il rejointla compagnie théâtrale basée à Singapour,TheatreWorks, créée en 1985 et tournéevers la création artistique locale. Il devientdirecteur artistique de la compagnie quatreans plus tard. Ken Sen travaille sur la placeet le rôle des artistes traditionnels en Asie etleur évolution au sein des sociétés modernes.Son travail artistique est né du constatque les artistes traditionnels possèdent unhéritage culturel, un véritable trésor qu’iltente de capturer et d’adapter à la scènepour que la culture khmère ne s’éteignepas. Adapter mais pas reproduire. Il saisitl’essence de leur art, le sens traditionnelde telle danse ou tel morceau de musique,dans quelles circonstances ils sont joués,devant quel public… Puis, sur scène, tout estpossible, il abolit les règles et juxtapose lescultures d’une manière contemporaine touten restant fidèle au sens d’origine. Gage desuccès et de qualité, son travail est reconnupar les meilleurs festivals internationaux(Japon, Europe, Etats-Unis).The Continuum: Beyond theKilling Fields / Création 2001Ce spectacle–documentaire raconte la vied’Em Theay, aujourd’hui octogénaire, maîtrede ballet à la cour royale au Cambodge. EmTheay a survécu au massacre des KhmersRouges. Elle enseigne, depuis, son art auballet national. Dans cette forme de danseunique, les femmes se travestissent enhommes pour interpréter leurs rôles. L’histoirede cette danse, transmise de générationen génération, de mères en filles, prendun sens vraiment dramatique lorsqu’on saitque, parmi les danseurs, musiciens, comédiens,poètes, auteurs et artistes de la courroyale, neuf sur dix ont été tués par Pol Potlors de sa tentative fanatique de réduireson pays au néant. Em Theay, plus connuecomme étant « la dixième » danseuse, cellequi a survécu, raconte son histoire. Persécutéeen tant qu’artiste, elle ne fléchit jamais :elle est la conscience, la mémoire de ceCambodge déchiré… Après 25 ans, le paysattend toujours que ses criminels de guerresoient jugés.Infos +Première en Francewww.theatreworks.org.sg54

Ong Ken SenAs a law student at Singapore University, KenSen was already passionate about the theatre.Upon graduating he joined TheatreWorks, aSingapore-based company founded in 1985and geared to new work by local artists. Fouryears later, he became its artistic director. KenSen focuses on the place and role of traditionalartists in Asia and how they are evolving inmodern societies. His artistic output stems fromthe observation that traditional artists have acultural heritage – a real treasure that he tries tocapture and adapt for the stage, in order to stopKhmer culture from fading away. He adapts, butdoes not simply reproduce. He actually graspsthe essence of their art: the traditional meaningof such a dance or piece of music, in what circumstancesit is performed, for what audience…Then on stage, everything becomes possible: hesweeps the rules away and juxtaposes cultureswith a contemporary flair while remainingfaithful to the original sense. His work is acknowledgedby the leading international festivals(in Japan, Europe and the United States), a suremeasure of success and quality.The Continuum: Beyond theKilling Fields / 2001 creationThis documentary performance tells the truelife story of eighty-year-old Em Theay, masterof royal classical dance in Cambodia. Em Theaysurvived the scourge of the Khmer Rouge, teachingher skills to the national troupe after thetrauma. This is a unique form of dance wherewomen cross-dress to play male roles. This storyof dance, which generations of mothers havepassed to their daughters, becomes all the morehorrific when one learns that nine out ten royaldancers, musicians, actors, playwrights, poetsand artists were killed by Pol Pot in his fanaticalattempt to set his country back to year zero. EmTheay, often known as the “tenth dancer”, theone who survived, tells her story. Persecuted forbeing an artist, she never falters; today she isa conscience, a memory of the gash that toreCambodia apart. And 25 years on, the countryis still waiting for its war-crime trials to becompleted.Extra info:French premierewww.theatreworks.org.sg55

Tero Saarinen CompanyNext of KinPièce pour 6 danseurs et 1 musicien - Création 2008Direction artistique et chorégraphie : Tero SaarinenMusique : Jarmo SaariDanseurs : Henrikki Heikkilä, Carl Knif, Saku Koistinen, Ninu Lindfors, Sini Länsivuori, Maria Nurmela - Musique interprétée par : Jarmo Saari Solu - Création lumières : Mikki Kunttu - Créationcostumes : Erika Turunen - Création sonore : Heikki Iso-Ahola - Création maquillage et perruques : Pekka HelynenProduction : Tero Saarinen Company - Coproduction : Biennale de la Danse de Lyon, The Joyce Theater (Etats-Unis), The Alexander Theatre (Finlande), Southbank Centre (Grande-Bretagne), HelsinkiFestival (Finlande), et Lithuanian Dance Information Centre avec Vilnius - European Capital of Culture 2009 (Lithuanie) - Accueil : Le Toboggan, Biennale de la DanseLe Toboggan - DécinesMardi 23 20h30Mercredi 24 20h30Jeudi 25 20h30Durée : 1hPlein tarif25 €Tarif réduit22 €Tero SaarinenNé en 1964, Tero Saarinen est actuellementle chorégraphe finlandais le plus connu surla scène internationale.Il débute sa carrière en 1985 en tant quedanseur au sein du Ballet National deFinlande où il est rapidement remarqué etnommé soliste. Il quitte la compagnie en1992 pour se frotter à la danse contemporained’Europe de l’Ouest, à la dansetraditionnelle japonaise et au Butô qu’ilétudie au Japon avec l’aide de Kazuo Ohno,entre autres. Sa carrière de danseur solocommence lorsqu’il remporte le premier prixau Concours International de Danse de Parisen 1988. Il est aujourd’hui encore considérécomme l’un des danseurs les plus brillantsde sa génération, interprétant aussi bien sespropres œuvres que des solos qui lui ont étéofferts par d’autres chorégraphes célèbrescomme Carolyn Carlson, Jorma Uotinen ouMurray Louis.En 1996, il fonde sa propre compagnie,The Toothpick Company, qui devient en2002 Tero Saarinen Company. Avec elle, ilparvient à créer son propre langage chorégraphique.Il perçoit ses œuvres comme desensembles visuels et participe intensémentà la conception des lumières, de la scénographieet des costumes. Il a égalementune idée très précise de la musique et dupaysage sonore de chaque pièce. « Mais jetiens à ce que le mouvement occupe la placela plus importante dans mes œuvres! » dit-il.Il a déjà à son actif une quarantaine depièces chorégraphiques qu’il a créées nonseulement pour sa compagnie maiségalement pour d’autres prestigieusescompagnies comme le NederlandDans Theater I, la Batsheva DanceCompany, le Ballet Gullbenkian,le Ballet de Lorraine, le Ballet del’Opéra National de Lyon, le BalletNational de Marseille…Parmi ses œuvres produites parla compagnie, citons : WestwardHo ! (1996), Overdosed Mood(1997), Could you take some ofmy Weight…? (1999), Kaze (2001),Petrushka (2001), HUNT (2002) etBorrowed Light (2004).Il a reçu de nombreux prix pourson œuvre artistique dont le prixde Finlande (Suomi-palkinto, 2001),la médaille Pro Finlandia (2005) le prixMovimientos du meilleur danseur masculin(Allemagne - 2004). Il a également éténommé Chevalier de l’Ordre des Arts et desLettres, par le Ministère de la Culture françaisen juin 2004.Next of Kin / Création 2008Composée pour six danseurs et un musiciensur scène, Next of Kin traite le thème de lafamille, de ce qui nous pousse à nous rencontreret à rester ensemble.Tero Saarinen explore ici les relations entrel’individu et la collectivité et les démonstrationsde l’humanité. Le chorégraphecrée l’aspect visuel de cette pièce en faisantréférence à l’expressionnisme et aux anciensfilms d’horreur. « Nous nous sommesaperçus avec le groupe que plusieursd’entre nous avaient eu le même type depersonnage imaginaire effrayant dans leurenfance. Cela a quelque chose d’inconscientet de fort intuitif qui n’a plus rien à voiravec l’intelligence. Un certain niveau desensibilité rassemble certaines personnes,même si on ne sait rien sur elles au départ.Mais dans la vie quotidienne, tellement dechoses se superposent à cette sensibilitéqu’il peut être dangereux de faire ressortircette sensibilité. »Tero SaarinenComment le passé peut-il dessiner le futur ?Je crois que nous ne pouvons pas empêcher l’héritagede nos ancêtres dans nos pensées et dans nos corps.Pour moi, être conscient, humble et respectueux dupassé est la seule solution pour parvenir à une évolutionpositive dans le futur.Je crois que nous, chorégraphes, avons une grandemission, voire une responsabilité, de garder la voieancestrale ouverte. Pour moi, il est essentiel de seconnecter avec la danse du rituel pour être capable decréer autre chose de nouveau.Tero SaarinenInfo +Première en FranceCompagnie invitée en 2004www.terosaarinen.com56

Tero SaarinenBorn in 1964, Tero Saarinenis currently the best-knownFinnish choreographer in theinternational scene.He began his career in 1985 as adancer at the Finnish National Ballet,where he soon attracted attention asa soloist. He left the company in 1992 toseek new influences in contemporary dancefrom Western Europe and in traditional Japanesedance and Butoh, which he studied in Japanwith Kazuo Ohno, among others. His solo dancecareer began in 1988, when he won first prizeat the International Dance Competition in Paris.Today he is considered one of the most brilliantdancers of his generation, performing both hisown works and solos offered by other celebratedchoreographers such as Carolyn Carlson,Jorma Uotinen and Murray Louis.In 1996 he founded The Toothpick Company,which in 2002 became Tero Saarinen Company.With it he has created his own choreographiclanguage. He sees each of his works as a visualentity, and is intensely involved in designing theirlighting, sets and costumes. He also has a veryprecise idea of the music and soundscape hewants for each piece. “But”, he adds, “I wantmovement to take pride of place in my works.”He already has 40 or so works of choreographyto his name, created for his own outfit but alsofor other prestigious companies such as NederlandDans Theater I, Batsheva Dance Company,Ballet Gulbenkian, Ballet de Lorraine, Ballet del’Opéra National de Lyon, and Ballet National deMarseille.His creations for his company include: WestwardHo! (1996), Overdosed Mood (1997), CouldYou Take Some of My Weight…? (1999), Kaze(2001), Petrushka (2001), HUNT (2002) andBorrowed Light (2004).He has received many awards for his achievementsas an artist, including the Finland Prize(Suomi-palkinto, 2001), the Pro Finlandia medal(2005), and the Movimientos Dance Prize forbest male performer (Germany, 2004). He wasalso named a Chevalier de l’Ordre des Arts etdes Lettres by the French Ministry of Culture inJune 2004.Next of Kin / 2008 creationPerformed by six dancers and an on-stagemusician, Next of Kin addresses the theme offamily – what leads us to find one another, andstay together. Tero Saarinen here explores therelationship between the individual and thecommunity, and manifestations of humanity.The choreographer derived the look of the piecefrom the expressionism of old horror movies. “Inthe group, we realised that several of us had hadthe same type of scary imaginary character inour childhoods. There’s something unconsciousand highly intuitive about it that is totally detachedfrom intelligence. There’s a certain degreeof sensitivity that brings certain people together,even though one knows nothing about them tostart with. But in everyday life, so many thingsare laid over this sensitivity that bringing it outcan be dangerous.”Tero SaarinenHow can the past shape the future?I feel that we can’t avoid carrying the inheritance ofour ancestors in our minds and bodies. And in myopinion an awareness and a deep respect and humilitytowards the past is the only way to achieve positiveevolution in the future.I believe we choreographers have a great mission –even a responsibility – to keep the ancestral “vein”open. To me, it is essential to connect with the ritualisticessence of dance in order to be able to createanything new.Tero SaarinenExtra info:French PremiereThe company performed at the2004 Biennalewww.terosaarinen.com57

Kubilaï Khan InvestigationsCréation 2008Direction artistique : Frank MichelettiScénographie et lumières : Ivan MathisCoproduction : Biennale de la Danse de Lyon, l’Arsenal (Metz), La Comédie de Clermont-Ferrand - Scène Nationale, Théâtres en Dracénie, CNCDC de Châteauvallon, Théâtre Louis Aragon (Tremblayen-France),le Polaris (Corbas) - Créé en résidence à Châteauvallon, avec le soutien du CNCDC - Kubilaï Khan Investigations est conventionnée par le Ministère de la culture et de la communication- DRAC Provence-Alpes-Côte d’Azur et par la Région Provence-Alpes-Côte d’Azur et subventionnée par le Conseil Général du Var et la Ville de Toulon, au titre de l’aide au projetAvec le soutien de : Culturesfrance - Ministère des Affaires étrangères pour ses tournées à l’étranger - Accueil : Espace Albert Camus - Bron, Le Polaris - Corbas, Biennale de la DanseAvant-premièreLe Polaris - CorbasMardi 23 20h30Espace Albert Camus - BronVendredi 26 20h30Samedi 27 20h30Plein tarif17 €Tarif réduit14 €Frank MichelettiNé en 1966 à Nice, Frank Micheletti a reçuune formation de théâtre avec Jean-PierreRaffaelli et a travaillé avec Hubert Colaset Isabelle Pousseur. Il décide de s’orientervers la danse et suit des stages dirigés parCatherine Diverrès et Bernado Montet ainsiqu’avec Josef Nadj. Il est interprète dansAux rois couverts de cendres, chorégraphiépar William Petit, et participe depuis 1994aux créations de la Compagnie Josef Nadj entant que danseur (Le Canard pékinois, LesEchelles d’Orphée, L’Anatomie d’un fauve,Woyzek, Commedia Tiempo, Les Commentairesd’Habacuc) et devient son assistantpour la mise en scène du Cri du caméléon,réalisé avec le Centre National des Arts duCirque. En 1996, il crée avec Cynthia Phung-Ngoc, Ivan Mathis et Laurent Letourneur,le collectif Kubilaï Khan Investigations etcosigne chacune des créations : Wagon Zek,dépôt (1996), Wagon Zek, dépôt 2 (1997),S.O.Y. (1999), Tanin no Kao (2001), Mecanicapopular (2002), Sorrow love song (2004),Akasaka research (2004), Gyrations of barbaroustribes (2005, résidence de création auMozambique), Akasaka research #2 (2006),Koko Doko (2006, projet franco-allemand)…Il participe au CRASH LANDING, sériesd’improvisations initiées par Meg Stuart auThéâtre de la Ville et participe également àRing, spectacle interactif de Felix Ruckert.Il rejoint également un collectif d’artistes àSantiago de Chili, coréalise une installationperformance sur la mémoire du corps etparticipe à un projet de rencontre d’artistesd’Amérique latine nommé La Frontera.Kubilaï Khan InvestigationsKubilaï Khan Investigations est un espacepluridisciplinaire où des croisements de différentslangages tentent d’établir une écriturepolytonale. Tous les matériaux utilisés sontcomme des points singuliers qui constituentdes foyers de création; notre travail consisteà favoriser une disposition, une architectoniede ces éléments qui permettent une circulation,un nouvel usage : les relier les uns auxautres sans affaiblir ce qui les différencie.Gestes simples, étranges, techniques, poétiques,les artistes de la compagnie collectentleurs matériaux dans leurs expériences personnelles,dans les déterminants politicosociauxde nos sociétés, dans la disponibilitéque leur ouvrent certaines lectures, travauxd’artistes, de philosophes, d’écrivains, d’architectesou poètes, dans les voix-visages defemmes et d’hommes qu’ils croisent ici etailleurs, dans les espaces-marges où résonnele risque de la non-appartenance.Création 2008Un espace vide pour les corps, leurs traces,leurs rencontres, leurs allures, leurs désenveloppements.Allées-venues des corps,les lieux de leurs contacts. Allées-venues,rythme des corps ouverts, fermés, multipliantles lignes et les courbes, les pleins etles syncopes, où se dessinent la persistanceet la disparition de leurs trajectoires. Partirde nos corps qui s’appuient, s’équilibrent,s’interposent, se déstabilisent, se modifient,se combinent. Pièce de relations activées.Co-existence, co-spatialité, co-présencedans le mouvant, dans l’écart. Re-définitionpermanente des formes comme matière,comme milieu, comme nécessité. Partitionchorégraphique, comme un partage de flux,d’intensités, de suspensions, accordée ausingulier et parlant de nos conditions communes.Une création musicale jouée en livevenant de tous les côtés, comme un volume,un débordement nécessaires. Il n’arrive quece qui vient, une scène à traverser; dans l’approchetactile de l’autre.Comment le passé peut-il dessiner l’avenir ?Le passé est un futur possible, inachevé et ouvert.Peut-être que tous les temps sont des « à-venir »et que les catégories du temps ne sont pas aussiséparables, séquençables et forment des réalités, desperceptions qui s’élaborent, se télescopent, s’infiltrenten une « même phrase » : nos corps sont des filtresqui se retournent. Réversibles, renversés : le tempss’écoule en eux et (se) trouble (dans) leur matérialité.Il y a des possibilités inaccomplies dans le passé, quiremontent de nos réserves et trouvent des ouvertures,des brèches, des disponibilités et dessinent notreprésent. Il y a des intrications temporelles, des mélanges,des retours, des empreintes, des « revenances »,des visions, des projections, des hybrides, des embranchements,des incrustations, des coupures. Autour denous : une constellation de temps pluriels qui se plient,se déplient, se multiplient. Nos présences réceptiveset vulnérables se jouent dans les innombrables formessensibles des effets du temps.Frank MichelettiInfos +Première mondialeCoproduction Biennalewww.kubilai-khan-investigations.com58

Frank MichelettiBorn in 1966 in Nice, Frank Micheletti receivedtheatre training with Jean-Pierre Raffaelli andworked with Hubert Colas and Isabelle Pousseur.He then decided to focus on dance, and attendedcourses led by Catherine Diverrés, BernadoMontet and by Josef Nadj. He performed in Auxrois couverts de cendres, choreographed byWilliam Petit, and since 1994 has danced in theworks created by Compagnie Josef Nadj as dancer(Le Canard pékinois, Les Echelles d’Orphée,L’Anatomie d’un fauve, Woyzek, CommediaTiempo, Les Commentaires d’Habacuc); inaddition, he assisted Nadj with the staging of LeCri du caméléon, co-produced with the CentreNational des Arts du Cirque. In 1996 he foundedthe Kubilaï Khan Investigations collective withCynthia Phung-Ngoc, Ivan Mathis and LaurentLetourneur, and co-created each of its works:Wagon Zek, dépôt (1996), Wagon zek, dépôt2 (1997), S.O.Y. (1999), Tanin no Kao (2001),Mecanica popular (2002), Sorrow Love Song(2004), Akasaka Research (2004), Gyrationsof Barbarous Tribes (2005, creating during aresidency in Mozambique), Akasaka Research #2(2006) and Koko Doko (2006, Franco-Germanproject). He took part in CRASH LANDING, aseries of improvisations initiated by Meg Stuartat the Théâtre de la Ville, Paris; and also participatedin Felix Ruckert’s interactive show Ring. Hehas also joined an artists’ collective in Santiago,Chile; co-directed an performance installationon the memory of the body; and taken partin a project called La Frontera to meet LatinAmerican artists.Kubilaï Khan InvestigationsKubilaï Khan Investigations is a cross-disciplinaryspace where various languages are blended inan attempt to establish polytonal writing. All thematerials used are like singular points that formcreative hotbeds. Our work is to promote anarrangement and architectonic composition ofthese elements, which allow a kind of circulationand new usage; to link them without weakeningwhat makes them distinctive.The company’s artists gather their materials –simple, strange, technical and poetic gestures– in their personal experiences, from thepolitico-social determinants of our societies; inthe availability opened up to them by certaintexts and works by artists, philosophers, authors,architects and poets; in the face-voices of womenand men whom they encounter here andelsewhere; and in the margins where the risk ofnot belonging resonates.CreationAn empty space for bodies, their marks andmeetings, their looks and unwrappings. Bodies’comings and goings, the places where theymake contact. Comings and goings, rhythmsof open and closed bodies, multiplying linesand curves and solids and syncopes,where their persistent and vanishingtrajectories are drawn. Depart fromour bodies as they interact –leaning, balancing, interposing,destabilising, changing, combining.A piece about activatedrelationships.Co-existence, co-spatialityand co-presence in what isshifting, in the gaps.Ongoing re-definition offorms as matter, as medium,as necessity.Choreographic score as asharing of flux, of intensities,of suspensions, tunedto the singular and telling ofour common conditions.A musical work played live,coming from all sides, like anecessary volume and overflow.The only thing that happens iswhat comes, a stage to cross; in atactile approach to the other.How can the past shape the future?The past is a possible future, incomplete and open.Perhaps all times are “to come”, and perhaps timecategories are not so separable and sequenceable,and form realities and perceptions that develop, clashwith and infiltrate each other in a “single phrase”: ourbodies are filters that turn over. Reversible, reversed:time elapses in them and clouds their materiality. Thereare unaccomplished possibilities in the past, whichrise up from our reserves and find openings, breaches,availabilities; and shape our present. There are intricaciesof time, blends, returns, imprints, returns, visions,projections, hybrids, branches, incrustations, cuts.Around us is a constellation of plural times that fold,unfold, multiply.Our receptive and vulnerable presences are played outin the countless sensitive forms of the effects of time.Frank MichelettiExtra info:World PremièreCo-produced by the Biennalewww.kubilai-khan-investigations.com59

La Baraka - Abou LagraaD’eux sensPièce pour 2 danseurs et 2 musiciens - Création BiennaleChorégraphie et direction artistique : Abou LagraaDanseurs : Nawal et Abou Lagraa - Musiciens sur scène : Elham Machkouri, Daniel Reza Machkouri - Musique additionnelle et arrangements : Eric Aldea (compositeur musicien), MassoudRaonaq (chanteur) - Consultante artistique : Patricia Porasse - Création vidéo : Luc Riolon - Costumes : Michelle Amet - Création et régie lumière : Gérard Garchey - Direction technique :Jean Boulay - Régie générale : Patrick Magny - Régie son : Béranger MankProduction : Compagnie La Baraka/Abou Lagraa - Coproduction : Biennale de la Danse de Lyon, Les Gémeaux - Scène Nationale (Sceaux), L’Onde (Vélizy-Villacoublay) - Collaborations etrésidences : CMDC et Rencontres Chorégraphiques de Carthage (Tunis), Studio Maison de la Danse de Lyon, Théâtre Municipal - Ville d’Annonay - La compagnie La Baraka-Abou Lagraa est enRésidence de production aux Gémeaux - Scène nationale Sceaux - Avec le soutien de : DRAC Rhône-Alpes, Conseil Régional Rhône-Alpes, Ville de Lyon, Conseil Général de l’Ardèche, ADAMI,SPEDIDAM, Fondation BNP Paribas, le Club des Biennales de LyonOpéra de Lyon - l’AmphiMercredi 24 18h30Jeudi 25 18h30Vendredi 26 18h30Samedi 27 18h30Durée : 55 minutesPlein tarif15 €Tarif réduit12 €Abou LagraaNé à Annonay le 22 décembre 1970, ildébute la danse à 16 ans et entre au CNSMDde Lyon, où il travaille avec de nombreuxchorégraphes invités. De 1993 à 1996, ilintègre la compagnie de Rui Horta à Francfort,dont il devient l’assistant sur un de sesprojets. Au cours de l’année 1997, il dansepour Denis Plassard, Lionel Hoche et RobertPoole et fonde la Compagnie La Baraka avecAurélia Picot, danseuse de la compagnie.Depuis, il enchaîne chaque année les créationspour sa compagnie : Les 2 (1998), Violatus(1998), Kraft (1999), Passage (2000, untrio hip hop), Nuit Blanche (2000), AllegoriaStanza (2002), Cutting Flat (2004), Où transe(2005), R.V.B.V (2006), Matri(K)is (2007). Ilobtient en décembre 1998, le deuxième prixde danse contemporaine au Concours Internationalde la Ville de Paris. Il chorégraphie2 créations pour les Défilés 1998 et 2000 dela Biennale de la Danse de Lyon. Parallèlementà son travail pour La Baraka, il créepour le Ballet de Lorraine Fly, Fly (2001),pièce reprise deux ans plus tard, pour l’ABCDance Company de St. Pölten (Autriche),pour les étudiants du Centre National Chorégraphiqued’Angers (Leïla – 2003) et pourles élèves de la Hochschule de Francfort,My Skin. Depuis 2002, la compagnie LaBaraka est en étroite collaboration avec LesRencontres Chorégraphiques de Carthage àTunis, ainsi qu’avec le Centre Méditerranéende Danse Contemporaine où la compagnieest en résidence pour ses créations. Depuisjanvier 2004, La Baraka est en résidence dequatre ans à Bonlieu - Scène Nationale d’Annecy,où Abou Lagraa est également artisteassocié. En 2006, il répond à deux commandes,l’une est un solo pour l’orchestre desPays de Savoie, Le Pas suspendu, l’autreest une pièce pour 21 danseurs du Balletde l’Opéra National de Paris, Le Souffle dutemps. Durant l’été de la même année, ilest juré à l’émission « Dancing Show » deFrance 2. Son travail artistique a fait l’objetde reportages et captations télévisuelles.D’eux sens / Création Biennale« En me plongeant avec délectation dansla poésie d’Omar khayyam, poète, philosophe,mathématicien et astrologue persan(1048-1131), j’ai découvert avec étonnementque l’auteur associait le vin au plaisir, à lajeunesse et à la vie alors que j’ai toujoursappris que le vin étant interdit chez lesmusulmans. C’est de cette ambiguïté qu’estné le duo D’eux sens. Dans cette pièce, jem’inspire de quelques quatrains pour m’interrogersur la fuite du temps, les plaisirs dela vie et l’imminence de la mort. A traversdes mouvements spiralés entre ciel et terredans une danse fluide contrariée par larespiration, il m’a semblé évident de traiterde l’amour en couple, du désir ardent, del’amour de l’autre jusqu’à la perte de soiet la perte de l’autre. Sur le plateau, la chanteuseHafida Mélissa Favret et un chanteurSoufi interprètent ces poèmes baignés dansl’univers musical du compositeur Eric Aldea.Enfin, la danseuse Nawal Lagraa et moi-mêmeconversons et explorons « du dedans »pour laisser résonner en chacun sa proprevérité. »Comment le passé peut-il dessiner l’avenir ?Mes origines algériennes sont gravées dans maphilosophie de vie et surtout dans mon corps. Magestuelle est bavarde, les mouvements viennent dubassin, des avant-bras et bien sûr des mains. Monrapport au sol est très présent. En effet, déjà petit, ausein de ma famille, nous avions pour habitude, lors desrepas, de nous asseoir par terre et toujours en cercle.Le touché est quelque chose de très présent chez moi,mes parents n’avaient aucun tabou, le geste affectif atoujours été naturel entre mes frères et soeurs.Dans mes relations aux gens et ma façon de communiquer,mon éducation m’a beaucoup influencée; j’aiappris à rester vrai et spontané, tout en m’adaptantaux autres, comme mes parents qui ont dû s’adapterà la culture française et occidentale. J’ai beaucoupobservé et je me suis complètement nourri de monentourage familial et de la culture du Maghreb. En cesens, mon passé a dessiné mon futur.Abou LagraaInfos +Première MondialeCie invitée à la Biennale 1998www.aboulagraa.com60

Abou LagraaBorn in Annonay on 22 December 1970, hebegan dancing aged 16 and enrolled at theConservatoire National Supérieur de Musique etde Danse de Lyon, where he worked with manyguest choreographers. From 1993-1996, he wasa member of Rui Horta’s company in Frankfurt,and was his assistant on one project. In 1997 hedanced for Denis Plassard, Lionel Hoche and RobertPoole, and founded Compagnie La Barakawith fellow dancer Aurélia Picot. He has sincecreated new works every year for his company:Les 2 (1998), Violatus (1998), Kraft (1999), Passage(2000, a hip-hop trio), Nuit Blanche (2000),Allegoria Stanza (2002), Cutting Flat (2004),Où transe (2005), R.V.B.V (2006) and Matri(K)is(2007). In December 1998 he won second prizein contemporary dance at the Concours Internationalde la Ville de Paris. He choreographedtwo pieces for the Lyon Dance Biennale Défilésin 1998 and 2000. In parallel to his work for LaBaraka, he has created Fly, Fly (2001) for the Balletde Lorraine, a piece restaged two years laterfor the ABC Dance Company in St. Pölten, Austria;Leïla (2003), for the second-year students atthe Centre National Chorégraphique in Angers;and My Skin for the students of the Hochschulein Frankfurt. Since 2002, La Baraka has collaboratedclosely with Tunis event “Les RencontresChorégraphiques de Carthage”; and with theCentre Méditerranéen de Danse Contemporaine,where the company has residencies tocreate its works. Since January 2004, La Barakahas been in a four-year residency at the ScèneNationale d’Annecy in Bonlieu,where Abou Lagraais also an associate artist.In 2006 he carried out twocommissions: a solo for theOrchestre des Pays de Savoie,Le Pas suspendu; and a piecefor 21 dancers from the Balletde l’Opéra National de Paris, LeSouffle du temps. In the summerof 2006, he was on the judgingpanel of “Dancing Show”, on theFrance 2 channel. His work has featuredin reports and in films of his pieces.D’eux sens / Premiering at theBiennale“When I engrossed myself in the delightfulpoetry of When I engrossed myself in thedelightful poetry of Omar Khayyám (1048-1131)– the Persian poet, philosopher, mathematicianand astrologer – I was amazed to discover thathe associated wine with pleasure, youth and life,whereas I had always been told that wine wasprohibited to Muslims.. This ambiguity has givenrise to the duet D’eux sens. In this piece, I drawinspiration from several of Khayyám’s verses toexplore the flight of time, the pleasures of lifeand the imminence of death. Through spiralmovements between heaven and earth, in fluidmoves impeded by breathing, it seemed obviousto reflect on love in the couple, on ardent desire,and on loving the other so deeply as to loseoneself and them. On the stage, singer HafidaMélissa Favret and a Sufi singer perform thepoems, bathed in the musical world of composerEric Aldea.Finally, dancer Nawal Lagraa and myselfconverse and explore “deep down”, so thateach person’s real truth can resonate.How can the past shape the future?My Algerian origins are etched in my philosophy oflife, and especially in my body. My gestural languageis “talkative”; movements come from my pelvis,forearms and, of course, my hands. I relate strongly tothe ground. When I was small, my family used to sit ina circle on the floor to eat. “Touch” is something that’svery present in me, my parents had no taboos; it wasalways natural for my brothers and sisters to expressaffection with tactile gestures.My education has heavily influenced my relationshipswith people and how I communicate. I have learnedto stay genuine and spontaneous while adapting toothers, just as my parents had to adapt to Frenchand Western culture. I have observed my family circleand Maghrebin culture extensively, and they havenourished me totally. In this sense, my past has shapedmy future.Abou LagraaExtra info:World PremièreCompany performed at the 1998 Biennalewww.aboulagraa.com61

Les Ballets C de la BAphasiadisiacPièce pour 5 danseurs-comédiens - Création 2008Chorégraphie : Ted StofferMusique : Pieterjan VervondelDanseurs-comédiens : Kristyna Lhotakova, Mieke De Groote, Pieterjan Vervondel, Ted Stoffer, Yvan Auzely - Scénographie : Annette Kurz - Costumes : Isabelle Lhoas - Lumières : André Pronk -Artistes visuels : Jérôme Gillet et Ludivine BoucherProduction : Les Ballets C de la B - Coproduction : Pallas Theatre - Elliniki Theamaton Production company (Athènes), TorinoDanza, Sadler’s Wells (Londres) - Avec l’appui de : Ville de Gand,Province de la Flandre-Orientale, Autorités Flamandes - Accueil : Théâtre de Vénissieux, Biennale de la DanseThéâtre de VénissieuxMercredi 24 20h30Jeudi 25 20h30Vendredi 26 20h30Durée : 1h30Plein tarif22 €Tarif réduit19 €Ted StofferTed Stoffer est américain mais vit en Belgique.Il enseigne régulièrement pour lescompagnies Rosas, Ultima Vez, CharleroiDanses, Michèle Anne De Mey, Sasha Waltzand Guests, Les Ballets C de la B et DV8,à P.A.R.T.S. (Bruxelles) et dans le cadre dufestival ImPulsTanz (Vienne). Au cours desquinze dernières années, outre ses activitésd’enseignement, Ted Stoffer a dansé pourplusieurs compagnies européennes. En 1997,il fonde Aphasia Dance Company. En 2002,il reçoit des commandes chorégraphiquesde la compagnie Norrdans en Suède et duBallet Roto en République Dominicaine.Avec le compositeur Johan Van Kreij, il seconsacre à un projet d’installation interactiveaudio-vidéo-danse en collaboration avecla compagnie de vidéo d’art N!03 de Milan.Les Ballets C de la BLes Ballets C de la B ont été créés en 1984par Alain Platel. Au fil du temps, la compagniea adopté une structure de plateformede travail réunissant plusieurschorégraphes. Aux côtés d’Alain Plately figurent Christine De Smedt etKoen Augustijnen ; Hans Van denBroeck et Sidi Larbi Cherkaouien ont également fait partie.Les Ballets C de la B tiennentà associer de jeunes artistestalentueux, actifs dans différentesdisciplines et venusd’horizons différents, à leurprocessus de création dynamique.La troupe accueilleactuellement deux chorégraphesinvités, Lisi Estaraset Ted Stoffer. Le mélangeunique de visions artistiquesdiverses, se nourissant lesunes des autres, rend impossibletoute définition exacte desBallets. Pourtant, une espèce de« style maison » se dessine. Il estpopulaire, anarchique, éclectiqueet engagé.Aphasiadisiac / Création 2008Le titre est composé d’aphasie (l’incapacitéd’exprimer ou de comprendre une penséeen paroles écrites ou verbalisées) et d’aphrodisiaque(qui stimule l’appétit sexuel).Cette pièce, dernier épisode d’une trilogiequi s’inspire des conditions de la communicationet de sa nature transmutable, abordela politique de l’amour. Aphasiadisiac parledes langages privés que nous apprenons etemployons avec les personnes en qui nousavons confiance (…) Pour l’aphasiadisiaque,il n’existe pas de mots communs capables decommuniquer ce qu’il veut désespérémentexprimer (…)Le premier épisode, I Enigma, traitait denotre communication personnelle à sesdébuts, (…) des procédés employés dans larecherche d’un langage que l’on emprunteni à la société, ni aux parents qui nous éduquent,ni à notre entourage. Le deuxièmeépisode, Dear Elizabeth… questionnait lesmécanismes de contrôle, les barrières entrepropriété publique et propriété privée et sedemandait ce qui avait été communiqué etdans quel but.Ce dernier épisode s’interroge sur la communication: une fois que l’on a découvertcomment communiquer et que l’on a déchiffrél’essence de la communication, à quoicela nous mène-t-il ? Quel prix devons-nouspayer pour partager le langage d’autrui ?Est-ce seulement possible ?Le but poursuivi par Ted Stoffer est de présenterl’univers d’une histoire d’amour danssa totalité, via la création d’un nouveaulangage, et de montrer les influences qui,non seulement, colorent la communication,mais aussi la distordent et l’empêchent.Il veut également identifier un langage quel’on pourrait appeler l’aphasiadisian.Les cinq interprètes de cette pièce créerontet joueront la musique.Infos +Première mondialewww.lesballetscedela.be.www.fransbrood.com62

Ted StofferTed Stoffer is an Americanwho lives in Belgium.He regularly holds classes forcompanies including Rosas, UltimaVez, Charleroi Danses, Michèle AnneDe Mey, Sasha Waltz and Guests, LesBallets C de la B and DV8 at the PARTS school inBrussels and at the ImPulsTanz festival in Vienna.Over the past 15 years, besides his teaching activities,Stoffer has danced for several Europeancompanies. In 1997, he founded Aphasia DanceCompany. In 2002, he was commissioned tocreate choreographic works by the Norrdanscompany in Sweden and by Ballet Roto in theDominican Republic. With composer Johan VanKreij, he is creating an interactive audio-videodanceinstallation in collaboration with the N!03art video company in Milan.Les Ballets C de la BLes Ballets C de la B were founded in 1984by Alain Platel. Over time, the company hasadopted a working-platform structure bringingtogether several choreographers. AlongsideAlain Platel are Christine de Smedt and KoenAugustijnen; Hans van den Broeck and Sidi LarbiCherkaoui have also been on-board. Les BalletsC de la B attach great importance to involvingyoung talented artists, from various backgroundsand disciplines, in their dynamic creative process.The company is currently hosting two guestchoreographers, Lisi Estaras and Ted Stoffer. Itsunique blend of diverse, mutually-nourishingartistic visions makes it impossible to define itexactly. However, a “house style” is discernible:it is popular, anarchic, eclectic and engaged.Aphasiadisiac / premiering atthe BiennaleThe title is a compound of aphasia (the inabilityto express or understand thought in spoken orwritten words) and aphrodisiac (arousing sexualexcitement).This piece, the final episode in a trilogy inspiredby the conditions and transmutable nature ofcommunication, is about the politics of love.Aphasiadisiac speaks of the private languageswe learn and use with people we trust. (…) Forthe aphasiadisiac, there are no common wordsable to communicate what s/he desperatelywants to express(…)The first episode, I Enigma, dealt with the earlystages of our personal communication: (…) withthe processes used in the search for a languagethat is not borrowed from society, from theparents who educated us, or from those aroundus. The second episode, Dear Elizabeth…,probed control mechanisms and the barriersbetween public property and private property,and asked what was communicated and withwhat objective.This last episode explores communication: oncewe have discovered how to communicate andhave deciphered the essence of communication,where does it lead us? What price must we payfor sharing the other’s language? Is it actuallypossible to do so?Ted Stoffer’s intention is to present the worldof a love story in its totality by creating a newlanguage, and to show the influences that notonly colour communication but also distort andprevent it. He also seeks to identify a languageyou might call Aphasiadisian.The five performers will create and play musicfor the piece.Extra info:World premierewww.lesballetscedela.be.www.fransbrood.com63

Compagnie L’A.Loin…Solo - Création 2008Direction artistique, conception et interprétation : Rachid OuramdaneCréation musique : Alexandre MeyerVidéo : Aldo Lee - Lumières : Pierre Leblanc - Costumes et maquillage : La Bourette - Décor, régie générale et son : Sylvain Giraudeau - Assistante de réalisation : Erell Melscoët - Régievidéo : Jenny Teng - Régie lumières : Stéphane Graillet - Administration : Charlotte GiteauProduction : L’A. - Coproduction : Théâtre de la Ville de Paris, Bonlieu - Scène nationale d’Annecy, Biennale de la Danse de Lyon -Avec l’aide de : Fanal, Scène nationale de Saint-Nazaire dans le cadre d’une résidence de création - Avec le soutien de : Culturesfrance, Wonderful district à Hô-Chi-Minh (Vietnam), Ambassade deFrance au Vietnam, L’Espace - Centre culturel à Hanoï, Service de coopération et d’action culturelle à Hô-Chi-Minh - Subventionné par : DRAC Ile-de-France, Ministère de la culture et de la communication,Culturesfrance (projets à l’étranger) - Depuis 2007, Rachid Ouramdane est artiste associé au Théâtre 2 Gennevilliers - Accueil : CCN Rillieux-la-Pape, Biennale de la DanseCCN Rillieux-la-PapeMercredi 24 20h30Jeudi 25 20h30Vendredi 26 20h30Samedi 27 18h30Durée : 1hPlein tarif17 €Tarif réduit14 €Rachid OuramdaneL’A. fondée par Rachid Ouramdane, est unlieu de réflexion artistique sur les identitéscontemporaines et qui place la rencontre del’autre au centre des préoccupations.Ses projets s’attachent au singulier. Chacunede ses pièces interroge la construction desaffects et des imaginaires des personnesqu’il rencontre. Elles se construisent dansune découverte des singularités de chacunoù le dialogue est à chaque fois posédifféremment. L’image vidéo, toujoursprésente, est réfléchie comme une extensionde l’autre qui nous permet d’accéder à sonespace mental. L’image crée un dialogueentre la personne elle-même et ses doubles.L’utilisation de ces dispositifs est, pourRachid Ouramdane, un moyen d’atteindrela subjectivité de l’autre et son imaginaire.La construction des identités contemporaines,en prise avec la modernisation denos sociétés et les reconfigurations opéréespar le bouleversement de nos géographiesculturelles, a fait l’objet de nombreuxprojets. Cette réflexion s’est particulièrementprécisée lors de l’élaboration en 2004du solo Les morts pudiques, sorte d’autoportraitconstruit à partir de fragmentsd’histoires collectées sur le net. Ce solomarque le début d’une série de soli réalisésdans différentes pièces.Après plusieurs séjours de travail au Brésil,il crée, en 2005, Cover, pièce de quatresoli pour des artistes brésiliens. Dans lemême temps, il développe un partenariatimportant avec Bonlieu-Scène nationaled’Annecy et y présente la plupart de sescréations. En 2006, il crée Superstars pourle Ballet de l’Opéra National de Lyon etUn garçon debout, un solo interprété parl’auteur et metteur en scène Pascal Rambert.Aujourd’hui, sur l’invitation de PascalRambert, Rachid Ouramdane est artisteassocié au CDN Théâtre de Gennevilliers. Autravers des différents projets qu’il propose, ilirrigue de ses questions sur l’identité le réelde la ville de Gennevilliers. Il y développeégalement en collaboration avec l’équipedu théâtre de nouvelles formes de rencontrespropres à chaque création tout en lesinscrivant dans le quotidien de la ville. Ilcrée Surface de réparation pour huit jeunessportifs de Gennevilliers qui aborde le gestesportif pour en révéler la dimension intimequi lie ces adolescents à leur pratique.Parallèlement à ses projets de création,Rachid Ouramdane développe un travaild’enseignement et est régulièrement invitéen France et à l’étranger pour diriger desateliers de recherche artistique et modérerdes rencontres d’artistes internationaux(Russie, Roumanie, Pays-Bas, Brésil,Etat-Unis...).Loin… / Création 2008Sur les traces de la guerre d’Indochine et deses ravages identitaires, le nouveau solo deRachid Ouramdane s’imprègne de l’histoirepour mieux la réinventer. Mouvante,tortueuse, surprenante, la danse épouse leschangements de l’homme en sondant le labyrintheobscur et lumineux de sa mémoire.« Le voyage est souvent l’occasion de se revisiter,le moment pour faire le point sur sonidentité ou plutôt nos identités. Celles donton hérite, que l’on porte dans le regard del’autre et celles qu’on se projette, qu’ontente d’émanciper. Qu’elle soit nationale,économique, ethnique, minoritaire, culturelle,médiatique, sexuelle, psychologique,affective : le voyage questionne ces stratesidentitaires qui se reconfigurent lors de tousnos déplacements. Ces différents visages denous-mêmes ont alors souvent à négocierentre l’héritage d’un passé et une identitéqui se construit au présent. C’est lors deces mouvements qu’apparaît le sentimentd’être ETRANGER. Nos différences assuméeset notre méconnaissance de l’ailleurscréent le lieu pour que notre regard puissese repenser. Ce carrefour de la pensée estl’endroit autour duquel j’articulerai monprochain projet chorégraphique. Lors d’unrécent voyage au Vietnam et au Cambodgem’est apparue une autre façon de creuserce sentiment d’être étranger. A l’occasiond’une discussion sur les violences des conflitsqui ont secoué ce pays, je me suis souvenudes pages du carnet miliaire de mon pèrequi avait eu à fouler cette ex-Indochine. Aufur et à mesure de cette discussion, du faitde ma nationalité française, je voyais qu’onme donnait la place d’un enfant d’anciencolon alors que ce qui liait mon père à cetteIndochine était l’héritage d’une autre colonisation,la sienne, en Algérie.64

Comment la violence des conflits armés nousrend-elle étranger ?Quelle sensibilité naît de ces violences ?C’est la question qu’abordera ce projet itinérantsuivant les pas d’un voyage effectué il ya plus de 50 ans. »Rachid OuramdaneInfo +Coproduction BiennaleChorégraphe invité par le Ballet de l’Opérade Lyon à l’occasion de la Biennale 2006Rachid OuramdaneRachid Ouramdane’s company L’A. is a forumfor artistic reflection on contemporary identities,and which accords central importance toencountering the other.His projects focus on the singular. Each of hispieces explores the construction of the affectsand imaginative realms of people he meets.They are developed through discovering eachperson’s singularities; in each piece, dialogueis treated differently. The ever-present videofootage is used as an extension of the other, asa way into their mind. Images create a dialoguebetween the person and their doubles.Ouramdane uses these conceits to capturethe subjectivity and imaginative realm of theother. He has conducted many projects on howcontemporary identities are constructed amidthe modernisation of our societies and amid thereconfigurations caused by the upheaval of ourcultural geographies. This exploration was givena particularly acute focus in the 2004 solo Lesmorts pudiques, a sort of self-portrait devisedfrom fragments of stories gathered from theinternet. It marked the start of a series of solosin various pieces.In 2005, after several work stays in Brazil,Ouramdane created Cover, a four-solo piece forBrazilian artists. At the same time, he developeda major partnership with Bonlieu-Scène Nationaled’Annecy, France; he stages most of his newworks at this leading performing arts centre. In2006, he created Superstars for Ballet de l’OpéraNational de Lyon, and Un garçon debout, a soloperformed by the writer and stage director PascalRambert. Currently, at Rambert’s invitation,Ouramdane is associate artist at CDN Théâtre deGennevilliers. Through the projects he devises,he feeds his identity-related questions into thereality of this Paris suburb; in addition, collaboratingwith the theatre’s team, hedevelops new forms of encounterspecific to each new work, whilealso weaving them into the town’s everydaylife. He created Surface de réparationfor eight young sportspeople in Gennevilliers;the piece analyses the sporting gesture to revealits intimate dimension, which bonds these adolescentsto the sport they practise.In parallel with his creative work, RachidOuramdane is developing his teaching activities.He is regularly invited to lead artistic-researchworkshops and to moderate meetings betweeninternational groups of artists in France and furtherafield (Russia, Romania, Netherlands, Brazil,United States, etc.).Loin… / 2008 creationRachid Ouramdane’s latest solo explores thetraces of the Indochina war and the havoc itwreaked on identities; it soaks up history tobetter reinvent it. The dance – shifting, tortuous,surprising – shadows the changes peopleunderwent, reaching deep into the dark andluminous labyrinth of memory.“Travelling often provides opportunities to revisitoneself, to take stock of one’s identity – or identities,rather. Those that we inherit, and informhow we see others; and those that we project toourselves, and try to liberate. Travel helps explorethe strata of identity – whether national, economic,ethnic, minority, cultural, media, sexual,psychological or affective – which are rearrangedevery time we go on a journey. Our various facesmust therefore often negotiate between the legacyof the past and an identity being constructedin the present. During these movements, thesense of being a foreigner arises. Our embraceddifferences and scant knowledge of elsewherecreate a place where we can rethink ourperspective. My next choreographic project willrevolve around this crossroads of thought. On arecent trip to Vietnam and Cambodia, anotherway of probing this sense of foreignness occurredto me. While discussing the violence andconflict that shook the region, I recalled pagesfrom my father’s military papers – he had operatedin what was then Indochina. During thediscussion I realised that, because of my Frenchnationality, I was seen as a child of a former coloniser,whereas my father’s bond with Indochinaderived from the legacy of another colonisation– by France in my father’s native Algeria.How does the violence of armed conflict makeus foreign?What sensibility does this violence yield?These are the questions addressed in this travellingproject, which retraces a journey made morethan fifty years ago.”Extra info:Co-produced by the BiennaleOuramdane was Ballet de l’Opéra de Lyon’sguest choreographer at the 2006 Biennale65

Ballet PreljocajBlanche NeigePièce pour 26 danseurs - Création 2008Chorégraphie : Angelin PreljocajMusique : Gustav MahlerCostumes : Jean-Paul Gaultier - Décors : Thierry Leproust - Vidéo : Gilles Papain - Assistant, adjoint à la direction artistique : Youri Van den Bosch - Assistante répétitrice : Claudia De SmetChoréologue : Dany LévêqueCoproduction : Biennale de la Danse de Lyon / Conseil général du Rhône, Théâtre National de Chaillot, Grand Théâtre de Provence, le Duo Dijon, Staatsballet Berlin (Allemagne), Fondazione I TeatriRED / RPF (Reggio Emilia, Italie). Le Ballet Preljocaj, Centre Chorégraphique National est subventionné par le Ministère de la culture et de la communication - DRAC PACA, la Région Provence-Alpes-Côte d’Azur, le Département des Bouches-du-Rhône, la Communauté du Pays d’Aix et la Ville d’Aix-en-Provence et reçoit le soutien de : Groupe Partouche - Casino Municipal d’Aix-Thermal,Groupama-Alpes Mediterranée pour le développement de ses projets et de Culturesfrance - Ministère des Affaires étrangères pour certaines de ses tournées à l’étranger.Avec le soutien de la Région Rhône-Alpes dans le cadre de l’Appel à Projet Spectacle Vivant.Accueil : Maison de la Danse, Biennale de la DanseMaison de la DanseJeudi 25 20h30Vendredi 26 20h30Samedi 27 20h30Dimanche 28 17hMardi 30 20h30En octobreMercredi 1 19h30Jeudi 2 20h30Vendredi 3 20h30Samedi 4 15hSamedi 4 20h30Durée : 2h20Plein tarif1 ère série 35 €2 ème série 29 €Tarif réduit1 ère série 32 €2 ème série 26 €Angelin PreljocajNé en France, de parents albanais, AngelinPreljocaj débute des études de danseclassique avant de se tourner vers la dansecontemporaine auprès de Karin Waehner.En 1980, il part pour New York afin detravailler avec Zena Rommett et Merce Cunningham,puis continue ses études en Franceauprès de la chorégraphe américaine ViolaFarber et Quentin Rouillier. Il rejoint ensuiteDominique Bagouet jusqu’à la création desa propre compagnie en décembre 1984. Il achorégraphié depuis 38 pièces, du duo auxgrandes formes.Angelin Preljocaj s’associe régulièrementavec d’autres artistes parmi lesquels EnkiBilal (Roméo et Juliette, 1990), GoranVejvoda (Paysage après la bataille, 1997),Air (Near Life Experience, 2003), GranularSynthesis («N», 2004), Fabrice Hyber (Les4 saisons…, 2005), Karlheinz Stockhausen(Eldorado - Sonntags Abschied, 2007)…Ses créations sont reprises au répertoirede nombreuses compagnies, dont il reçoitégalement des commandes, c’est le casnotamment du Ballet de l’Opéra national deParis, de La Scala de Milan ou du New YorkCity Ballet.Il a réalisé des courts-métrages (Le postier,Idées noires en 1991) et plusieurs films,notamment Un Trait d’Union et Annonciation(1992 et 2003) pour lesquels il a reçu,entre autres, le “Grand Prix du Film d’Art »en 2003, le « Premier prix Vidéo-danse » en1992 et celui du Festival de Vidéo de Pragueen 1993. Il a également collaboré à plusieursréalisations cinématographiques mettant enscène ses propres chorégraphies : Les Raboteursavec Cyril Collard d’après l’œuvre deGustave Caillebotte en 1988, Pavillon Noiravec Pierre Coulibeuf en 2006 et en 2007Eldorado/ Preljocaj avec Olivier Assayas.Plusieurs ouvrages ont été édités autour deson travail, notamment Angelin Preljocaj en2003, Pavillon Noir en 2006.Au cours de sa carrière, Angelin Preljocaja reçu plusieurs reconnaissances parmilesquelles le « Grand Prix National de ladanse » décerné par le Ministère de laculture en 1992, le « Benois de la danse »pour Le Parc en 1995, le « Bessie Award »pour Annonciation en 1997, « Les Victoiresde la musique » pour Roméo et Juliette en1997. Il est Officier des Arts et des Lettres,Chevalier de la Légion d’honneur et a éténommé Officier de l’ordre du Mérite en mai2006.Blanche Neige / CréationJ’avais très envie de raconter une histoire.Dernièrement, avec Empty moves puis Eldoradoj’ai conçu des pièces très abstraites et,comme souvent, j’avais le désir de prendrele contre-pied, d’écrire quelque chose detrès concret et d’ouvrir une parenthèseféerique et enchantée. Pour ne pas tomberdans mes propres ornières sans doute.Et aussi parce que, comme tout le monde,j’adore les histoires.Blanche Neige est un ballet narratif, avecune dramaturgie. Les lieux y sont représentéspar les décors de Thierry Leproust. Lesdanseurs incarnent les personnages dansdes costumes de Jean-Paul Gaultier. Ce n’estpas Le mythe ou La légende de BlancheNeige mais bel et bien Blanche Neige. C’estvraiment son histoire…Raconter une histoire avec la danse estdélicat et c’est cela qui est passionnant.Comment faire comprendre l’histoire ? DansL’Anoure, j’avais choisi de faire entendre letexte de Pascal Quignard dans la bande son.Mais avec Blanche Neige, je me repose surun argument que tout le monde connaît,ce qui me permet de me concentrer sur ceque disent les corps, les énergies, l’espaceet sur ce que les personnages ressentent etéprouvent afin de donner à voir la seuletranscendance des corps. Et puis BlancheNeige contient des objets merveilleux pourl’imaginaire d’un chorégraphe : la pommeou le miroir.Je suis fidèle à la version des frères Grimm,à quelques variations personnelles près,fondées sur mon analyse des symboles duconte. Bettelheim décrit Blanche Neigecomme le lieu d’un Œdipe inversé. Lamarâtre est sans doute le personnagecentral du conte. C’est elle aussi que j’interrogeà travers sa volonté narcissique de nepas renoncer à la séduction et à sa place defemme, quitte à sacrifier sa belle fille.L’intelligence des symboles appartient auxadultes autant qu’aux enfants, elle parle à66

tous et c’est pour cela que j’aime les contes.Ce ballet contemporain et romantique revêtune importance particulière pour moi – et jerevendique le terme de « ballet »- puisqu’ilréunira les 26 danseurs de la compagnie.Ils danseront sur les symphonies de Mahlerdont les débordements magnifiques sontd’essence romantique. Historiquement, lescontes de Grimm le sont aussi, même si leurstyle épuré nous ramène à une forme decontemporanéité.C’est une entreprise délicate que de chercherà émouvoir. La musique de Malher està manipuler avec une immense précautionmais c’est aujourd’hui un risque que j’aienvie de prendre, celui de créer un grandballet contemporain… et romantique.Angelin Preljocaj,Entretien avec Agnès Freschel, Mars 2008Info +Première mondialeCoproduction BiennaleCompagnie invitée en 1990www.preljocaj.orgAngelin PreljocajBorn in France to Albanian parents, AngelinPreljocaj began studying classical dance beforeswitching to contemporary dance with KarinWaehner. In 1980 he moved to New York towork with Zena Rommett and Merce Cunningham,then continued his studies in France withAmerican choreographer Viola Farber and withQuentin Rouillier. He then joined DominiqueBagouet before founding his own company inDecember 1984. He has since choreographed 38pieces, from duets to large ensemble works.Angelin Preljocaj regularly teams with otherartists including Enki Bilal (Roméo et Juliette,1990), Goran Vejvoda (Paysage après la bataille,1997), Air (Near Life Experience, 2003), GranularSynthesis (N, 2004), Fabrice Hyber (Les 4saisons…, 2005), and Karlheinz Stockhausen(Eldorado - Sonntags Abschied, 2007).His creations feature in many companies’ repertoires;he also receives commissions, notablyfrom Ballet de l’Opéra National de Paris, fromLa Scala in Milan, and from New York City Ballet.He has directed short films (Le postier and Idéesnoires in 1991) and feature films, notably UnTrait d’Union and Annonciation (1992, 2003)which earned him, among other accolades, theGrand Prix du Film d’Art (2003), the PremierPrix Vidéo-Danse (1992) and the Prague VideoFestival Award (1993). He has also collaboratedon several film productions, directing his ownchoreographies: Cyril Collard’s Les Raboteursafter Gustave Caillebotte’s painting, 1988; PierreCoulibeuf’s Pavillon Noir, in 2006; and OlivierAssayas’ Eldorado/Preljocaj in 2007.Several books about his work have beenpublished, in particular Angelin Preljocaj (2003)and Pavillon Noir (2006).In the course of his career, Preljocaj has receivedseveral distinctions including the Grand PrixNational de la Danse awarded by the FrenchMinistry of Culture in 1992; the Prix Benois dela Danse for Le Parc in 1995; the Bessie Awardfor Annonciation in 1997; and a Victoire de laMusique for Roméo et Juliette in 1997. He is anOfficier des Arts et des Lettres, a Chevalier dela Légion d’Honneur, and in May 206 he wasnamed an Officier de l’Ordre du Mérite.Blanche Neige / Premiering atthe BiennaleI was really keen to tell a story. Recently I hadcreated some very abstract pieces – EmptyMoves, then Eldorado – and, as often happens,I felt like doing the exact opposite, writingsomething very concrete and having a magical,fairy-world interlude. To not get stuck in a rut,no doubt. And also because, like everyone, I lovefolk and fairy tales.Blanche Neige is a narrative ballet given adramatic treatment. The locations are representedby Thierry Leproust’s sets. The dancers playcharacters in costumes by Jean-Paul Gaultier. It’snot Le mythe or La légende de Blanche Neige,it’s just Blanche Neige. It’s really Snow White’sstory…Telling a story with dance is a tricky affair, whichis why it’s so fascinating. How do you explain thestory? In L’Anoure, I put Pascal Quignard’s texton the soundtrack. But with Blanche Neige, Irely on the argument that everyone knows whathappens, so I can focus on what’s expressed bythe bodies, the energies and the space, and onwhat the characters feel and go through, so thatI only show the bodies transcending themselves.And besides, the story contains some wonderfulobjects for a choreographer’s imagination – theapple, the mirror...I’m faithful to the Brothers Grimm’s version, exceptfor a few personal variations, based on myown analysis of the tale’s symbols. Bettelheimdescribed it as a case of an inverted Oedipuscomplex. The stepmother is definitely the centralcharacter. And I explore her through her narcissisticwish to avoid giving up seduction and herwoman’s place, even if it means sacrificing herstepdaughter.The intelligence of symbols belongs as much toadults as to children. It speaks to us all, and thatis why I love these tales.This contemporary, romantic ballet is particularlyimportant to me – and I use the word “ballet”deliberately – because it brings together thecompany’s 26 dancers. They will dance to Mahler’ssymphonies, whose magnificent flourishesare essentially romantic. So are the Grimms’tales, historically speaking, even though theirpared-down style brings us back, in a sense, topresent times.Seeking to touch an audience’s emotions isa delicate enterprise. Mahler’s music must behandled with immense care, but it’s a risk I feltlike taking – creating a full-length ballet that iscontemporary… and romantic.Angelin PreljocajInterview with Agnès FreschelMarch 2008Comment le passé peut-il dessiner le futur ?How can the past shape the future?Extra info :World premiereCo-produced by the BiennaleThe company performed at the 1990Biennalewww.preljocaj.org67

Compagnie dernière minutePressSolo - Création 2008Direction artistique, conception et interprétation : Pierre RigalMusique : Nihil BordhuresScénographie : Pierre Rigal - Constructeur, éclairagiste et machiniste : Frédéric Stoll - Assistante artistique : Mélanie ChartreuxProduction : Compagnie dernière minute, Gate Theatre (Londres) - Coproduction : Théâtre Garonne (Toulouse), Rencontres chorégraphiques internationales de Seine-Saint-Denis - Avec le soutiende : DRAC Midi-Pyrénées, Ville de Toulouse, Conseil Général de la Haute-Garonne - La programmation au Studio Jorge Donn - Maison de la Danse reçoit le soutien de la fondation BNP Paribas.Maison de la Danse -Studio Jorge DonnJeudi 25 19hVendredi 26 19hDurée : 55 minutesTarif unique10 €Pierre RigalSportif de formation (membre en 1992 del’équipe de France Junior d’athlétisme) ethomme d’images, ayant réalisé des filmset des documentaires entre autres choses(diplômé de l’École Supérieure d’Audiovisuelde Toulouse), le jeune trentenaire PierreRigal n’est venu à la danse contemporaineque tardivement croisant lors de sa formationBernardo Montet, Mladen Materic,Wim Vandekeybus et Boris Charmatz. Ildanse ensuite pour le chorégraphe suisseGilles Jobin dans Under Construction et TheMoebius Strip. Il crée à Toulouse, en novembre2003, sa propre compagnie, la Compagniedernière minute, et en devient ledirecteur artistique. Il conçoit et interprèteen 2004, sa première création personnelle,mise en scène par Aurélien Bory, Érection,un solo magistral au croisement de la danseet de l’art vidéo, dans lequel il raconte lalongue histoire de l’homme de laposition couchée à la positiondebout. Deux ans plus tard,il signe de nouveau avecAurélien Bory, Arrêtsde jeu, une pièceconçue à partird’un souvenird’un match defoot télévisé lorsde la demi-finalede la coupedu monde deFootball en1982.Press / création 2008Tragédie chorégraphique ou l’inquiétanteétrangeté de l’ordinaire, Press met ensituation l’image de l’homme moderne dansson immense banalité et en même tempsdans son énigmatique complexité. Le corpsde cet individu-produit, dandy inquiétant,est mu par l’enchaînement standardisé deses propres automatismes, mais aussi par lesrouages de son étroit espace vital. Peut-êtreavec consentement, il se retrouve captifdans une pièce quasiment vide. Les modificationsmécaniques de cet environnementphysique et mental agissent sur son corps,l’obligeant en permanence à adapter sonpositionnement et son mouvement. Il estalors entraîné dans une absurde et angoissanteimpasse…Comment le passé peut-il dessiner le futur ?Le regard vers le passé est flou : d’un coté, il nousenseigne une formidable capacité d’adaptation etune force de survie immense et d’un autre côté, uneprofonde propension à la destruction et à l’autodestruction.L’Humanité ne sait pas ou ne veut pasenrayer son désir d’expansion, contenir ses pulsionsbelliqueuses, protéger son environnement, inverser lestrajectoires des inégalités. Le dessin que tracent nosenseignements du passé ne peut être que celui d’unchoix, un choix radical, profond et violent, un choixcapable de déjouer cette limite qui menace.Pierre RigalInfos +www.pierrerigal.net68

Pierre RigalA sportsman by training (hewas a member of the Frenchjunior athletics team in 1992)and an image-maker who hasdirected films and documentariesamong other pieces (he is agraduate of the École Supérieured’Audiovisuel in Toulouse), Pierre Rigalwas a latecomer to contemporarydance: during his degree he crossed pathswith Bernardo Montet, Mladen Materic, WimVandekeybus and Boris Charmatz. He laterdanced for Swiss choreographer Gilles Jobin inUnder Construction and The Moebius Strip. InNovember 2003, in Toulouse, he founded hisown company, Compagnie dernière minute, andbecame its artistic director. In 2004 he conceivedand performed his first work, staged by AurélienBory: Érection is a masterful solo at the intersectionof dance and video art, in which he tellsthe long story of Man, from crouch to uprightstance. Two years later, he created a new workwith Aurélien Bory, Arrêts de jeu, inspired by thememory of a televised soccer match, the semifinalof the 1982 World Cup.Press / 2008 creationA choreographic tragedy, or the disturbing strangenessof the ordinary, Press stages the image ofmodern man in his immense banality and enigmaticcomplexity. The body of this product-individual,an unsettling dandy, is transformed bythe standardised sequence of his own reflexes,but also by the cogs of his narrow vital space.Perhaps consentingly, he finds himself captive ina near-empty room. The mechanical modificationsof this physical and mental environmentact on his body, forcing him to constantly adapthis position and movement. He is thus drawninto an absurd and distressing impasse…How can the past shape the future?Our perspective on the past is hazy : it gives us atremendous ability to adapt and an immense forceto survive; but also a deep propensity to destruct andself-destruct. Humanity is unable, or unwilling, to curbits expansionist urge, to contain its bellicose impulses,to protect its environment, to reverse the trajectoriesof inequality. Our purpose, as defined by our learningsfrom the past, can only be a choice; a radical, profoundand violent choice; a choice able to thwart this threateninglimitation.Pierre RigalExtra info:www.pierrerigal.net69

Compañia Rafaela CarrascoDel amor y otras cosasPièce pour 2 danseurs, 4 musiciens et 2 chanteurs - Création 2007Chorégraphie : Rafaela Carrasco et Daniel DoñaDirection artistique : Rafaela CarrascoDanseurs : Daniel Doña, Rafaela Carrasco - Musiciens : Jesús Torres (guitare), José Luis López (violoncelle), Ramiro Obedman (flûte et saxophone), Pablo Maldonado (piano) - Chanteurs : ManuelGago, Antonio Campos - Direction scénique : Teresa Nieto - Composition musicale : Jesús Torres, Pablo Suárez, José Luis López, Nacho Arimany - Scénographie : Elisa Sanz - Lumières : GloriaMontesinos (A.a.i) - Son : Jorge Díaz “Roy” - Machiniste : Karim Altay - Design des costumes : Elisa Sanz - Réalisation des costumes : Pepa Carrasco - Photographie : Jesús VallinasAccueil : La Croix-Rousse / Scène nationale de Lyon, Biennale de la DanseLa Croix-Rousse /Scène nationale de LyonVendredi 26 20h30Samedi 27 20h30Dimanche 28 19hDurée : 1h10Plein tarif27 €Tarif réduit24 €Rafaela CarrascoNée à Séville en 1972, Rafaela Carrascos’initie au flamenco dès l’âge de 6 ans àl’Académie de Matilde Coral puis auprès degrands maîtres tels que La Tona, ManoloMarin, Manolete, El Güito, Rafael El Negrotout en explorant également l’univers de ladanse classique et contemporaine.Elle rejoint la compagnie de Mario Maya etdevient très vite l’une des grandes danseusesde la nouvelle création flamenca. Elleparticipe à de nombreux spectacles avecla compagnie Cumbre Flamenca, RafaelAmargo, Ricardo Franco... En 2001, elledanse dans les galas de la série Flamencoviene del Sur au Théâtre Central de Séville,participe en 2002 au Festival de Jerez auxcôtés de Manuel Reyes et à la Bienal deSevilla dans le spectacle Orestes en Lisboaet retrouve, en 2004, Mario Maya auFestival de Jerez pour le spectacle Un, dos,tres, faaa… Elle poursuit parallèlementses recherches en tant que soliste pour« trouver son expression propre »et danse avec Bélen Maya, IsraelGalvan et Rafael Campallo. En2002, elle fonde sa proprecompagnie et obtient le prixde la meilleure chorégraphieet composition musicalepour son premier spectacleLa Musica del cuerpo.Dès lors, sa compagnieparticipe aux plus grandsfestivals internationaux.Depuis 1996, Rafaela Carrascoenseigne au sein dela célèbre école flamencaAmor de Dios à Madridainsi qu’au Centre de Flamencodes Arts vivants deGrenade et pour le Festivalde Jerez. Excellente pédagogue,elle donne également denombreux stages en Espagne et àl’étranger.Del amor y otras cosas /creation 2007Racontons alors le parcours de deux amantsjuste après leur rencontre… Ils vivent l’unpour l’autre dans l’intensité du moment,ici et tout de suite. Racontons la rencontrefortuite… qui un jour s’avère irréversible :sans désaccord possible - comme si c’étaitcertain ! – là où il n’y a pas de retour possiblecar les repères semés ont disparus duchemin du retour. Un chemin qui traversede jour en jour tous les états du cœur…jusqu’au jour, peut être le dernier, oùj’oublierai de t’aimer. C’est une réflexiondéjà souvent traitée, cependant qui n’estpas arrivée là par hasard. La littératureuniverselle a toujours maintenu vivante sonrépertoire de « bouillons d’amour », commeà travers le théâtre, le cinéma… et n’importequelle discipline artistique, en incluantla danse, comme dans mon cas.Aujourd’hui la fragilité des liens humains,l’amour « liquide » comme le définitZigmunt Barman, est aussi actuelle et vigoureusequ’il y a des centaines et des centainesd’années.Rafaela CarrascoInfos +Première en France70

Rafaela CarrascoBorn in Sevilla in 1972,Rafaela Carrasco was introducedto flamenco from theage of six at the Matilde Coralacademy, then with leadingmasters such as La Tona, ManoloMarin, Manolete, El Güito and RafaelEl Negro; in parallel, she exploredthe worlds of classical and contemporarydance.She joined Mario Maya’s company and soonbecame one of the finest dancers in the newcreative wave of flamenco. She took part inmany shows with the Cumbre Flamenca company,Rafael Amargo and Ricardo Franco. In 2001,she danced in the “Flamenco viene del Sur”gala series at the Teatro Central of Sevilla; tookpart in the 2002 Jerez Festival alongside ManuelReyes, and in the Sevilla Bienial in Orestes,Lisboa; and in 2004, linked up again with MarioMaya at the Jerez Festival for Un, dos, tres,faaa… In parallel, she has continued to developher “own expression” as a soloist, dancing withBélen Maya, Israel Galvan and Rafael Campallo.In 2002, she founded her own company andwon best-dancer and best-music awards atthe Madrid flamenco competition for her firstchoreographic work La Música del cuerpo. Hercompany has since taken part in the leadinginternational festivals. Since 1996, Carrasco hastaught at the famous Amor de Dios flamencoschool in Madrid and at the Granada flamencocentre for performing arts, and also at the JerezFestival. She is an excellent educator who alsoleads many courses in Spain and elsewhere.Del amor y ostras cosas / 2007creationSo, let’s tell the tale of two lovers, just after theymeet... They live for each other, in the intensityof the moment, in the here and now. Let’s tellof this chance encounter, which one day provesirreversible. No disagreement is possible – as ifthe story were a certainty! There is no way back,because the markers that had been scatteredhave now gone. It is a path which, from day today, passes through every state of the heart…up until the day, perhaps the last, when I willforget to love you. The thought has often beenaddressed, but did not arise by accident. Theworld’s literature has always kept alive its repertoireof “love potions”, as have theatre, film andevery other artistic discipline – including dance.The fragility of human bonds – “liquid love” asZigmunt Barman defines it – is today as topicaland vibrant a subject as it was hundreds of yearsago.Rafaela CarrascoExtra info:French première71

CCN Rillieux-la-Pape /Cie Maguy MarinTurbaPièce pour 11 danseurs - Création 2007Conception et réalisation : Maguy Marin et Denis MariotteDirection artistique : Maguy MarinMusique : Franz Schubert, Denis MariotteInterprété et créé en étroite collaboration avec : Ulises Alvarez, Yoann Bourgeois, Jordi Galí, Peggy Grelat Dupont, Sandra Iché, Matthieu Perpoint, Cathy Polo, Jeanne Vallauri, Vania Vaneau,Vincent Weber, Yasmine Youcef - Textes extraits de Lucrèce : De natura rerum - Eléments de décor : Louise et Michel Gros - Costumes et mannequins : Montserrat Casanova assistée deClaudia Verdejo, Martin Peronard - Lumières : Judicaël Montrobert - Son : Antoine Garry - Direction technique de la production : Alexandre Béneteaud - Régie plateau : Michel RousseauCoproduction : Festival de danse de Cannes, Biennale de la Danse de Lyon, Théâtre de la Ville de Paris, CCN de Rillieux-la-Pape/Cie Maguy Marin - Subventionné par : Ministère de la culture et dela communication - DRAC Rhône-Alpes, Région Rhône-Alpes, Département du Rhône, Ville de Rillieux-la-Pape - Avec le soutien de : Culturesfrance pour ses tournées internationalesStudio 24 - VilleurbanneVendredi 26 22h30Samedi 27 20h30Dimanche 28 17hLundi 29 20h30Durée : 1h10Plein tarif22 €Tarif réduit19 €Maguy MarinIl y a un lieu de naissance, autre qu’une ville.Toulouse. Un emplacement atteint suite àune série de déplacements provoqués pardes mouvements politiques en Espagne.Ainsi, grandir par là, en France, au toutdébut des années 50. Puis, il y a un désir dedanser qui se confirme par un enchaînementd’études - de Toulouse, à Strasbourg puisà Mudra (Bruxelles) dans lequel se manifestentdéjà des rencontres : les étudiantsacteurs du Théâtre National de Strasbourg,Maurice Béjart, Alfons Goris et FernandSchirren… Une volonté qui s’affirme avec legroupe Chandra puis au Ballet du XXèmesiècle. Le travail de création s’amorce auxcôtés de Daniel Ambash, et les concours deNyon et de Bagnolet (1978) appuient cetélan. Une équipe se constitue avec ChristianeGlik, Luna Bloomfield, Mychel Lecoq(…) et engage une recherche artistiqueportée par un étonnement inapaisable de cequi compose le monde. 1981, une rencontreconstitutive : celle avec l’œuvre de SamuelBeckett. Là s’ouvre la perception d’être là,sans l’avoir décidé, entre ce moment où l’onnaît, où l’on meurt. Ce moment que l’onremplit de choses futiles auxquelles on vouede l’importance. Ce moment dans lequelnous nous trouvons dans l’obligation detrouver encore et encore la capacité de tenirdebout, de continuer à parler, de partagerla vie avec plusieurs autres, en attendant demourir (May B; Babel) .De 1980 à 1990, la recherche se poursuitavec une compagnie, une troupe, renforcéepar Cathy Polo, Françoise Leïck, UlisesAlvarez et bien d’autres encore. Tentativede travailler à plusieurs sans cesse bouleversante,portée par la confiance avec l’accueilà la Maison de la Culture de Créteil (puisdans le CCN de Créteil / Val de Marne en1990). 1987, une nouvelle rencontre : celleavec Denis Mariotte. Une collaborations’amorce. Décisive, elle s’ouvre au-delà de lamusique. Les points de vue commencent à sedécaler. Un espace de distanciation s’ouvre(Cortex) et se prolonge de manière multiple(Waterzooï, Ram Dam, Pour ainsi dire etQuoi qu’il en soit). Plus d’illusion, mais desêtres vivants, là. De la musique vivante etdu vivre ensemble qui n’est plus l’expressiond’un « moi », mais d’un «nous », en temps etlieu”. Un croisement de présences qui agitdans un espace commun. (Points de Fuite,Les applaudissements ne se mangent pas).Alors on agit « quand bien même » en travaillantau sein du CCN de Rillieux-la-Pape.Sans cesse dans l’expérimentation de nospossibles - petits ou grands - (Umwelt) pourne pas perdre de vue qu’échapper au réelest bel et bien une agitation dérisoire (Ha !Ha !). Et dans ce tumulte, ordonné ou désordonné,des rythmes cohabitent et formentle mouvement, le vivant (Turba).Turba / création 2007Turba désigne une multitude, une grandepopulation, la confusion et le tumulte :diversité des espèces, diversité des individus,diversités des parties qui composent unindividu. C’est le lieu d’une fluctuation defigures et de mouvements se modifiant sanscesse, où les formes passagères d’élémentsélaborent des rythmes indiscernables, le lieuoù peuvent se placer individuellement lessujets de façon interstitielle, fugitive, dansle code social, ou dans le code naturel. Uneturbulence.Pas d’individu qui soit absolument identiqueà un autre : des ressemblances etdes différences, des compositions et desdécompositions, des alternances et desattractions, des perturbations qui formentdes remous, génèrent une multiplicité dedurées, de rythmes qui sont le contrairemême d’une cadence cassante et policée.Le texte de Lucrèce sur lequel prend appuiTurba ne cesse de rappeler que la Natureest une somme infinie dont les élémentsne s’additionnent pas pour former un tout,une puissance au nom de laquelle les chosesexistent une à une, sans possibilité d’unificationqui l’exprimerait tout entière, uneaffirmation du multiple et du divers commesources de joie.72

Comment le passé peut-il dessiner l’avenir ?La réalité est faite de la manifestation incessanted’innombrables choses surprenantes. Ce que nouscaptons du monde est en perpétuel mouvement,connaît des phases passagères et changeantes quicontribuent à la constitution de l’idée que nous nousfaisons de notre présent, de notre passé et de notrefutur. Mais comment arriver à exprimer et à nousreprésenter suffisamment la réalité de ce que nousvivons ? de ce qui a vécu ? de ce qui vivra ? Accepterl’idée du mouvement des choses, c’est admettre queles choses et leurs valeurs ne sont pas immuables,que les certitudes passées sont mises à mal par denouvelles découvertes. La rupture, l’idée neuve nefait pas disparaître l’ancien, elle l’envisage sous unnouveau rapport, avec de nouvelles questions. C’estune reprise qui n’est pas une reproduction. L’art necesse de travailler à la perception d’une réalité bouleversanteque la vie quotidienne nous dissimule et nousfait oublier. La peinture, la musique, la littérature, lethéâtre, le cinéma ne sont pas les échappatoires d’uneréalité pénible, c’est exactement l’inverse. Ce sontdes moyens puissants et dynamiques pour se ressaisird’une réalité en mouvement.Maguy MarinInfo +Coproduction BiennaleCompagnie invitée à la Biennale en 2002www.compagnie-maguy-marin.frMaguy MarinHer birthplace was Toulouse; more than a city,a place reached after a series of displacementscaused by political events in Spain. That iswhere she grew up, in France, in the early ’50s.Then came the desire to dance, confirmed by astring of studies – in Toulouse and Strasbourg,then at Mudra in Brussels – and encounters:with the student actors of Théâtre National deStrasbourg, with Maurice Béjart, Alfons Gorisand Fernand Schirren... A desire that swelledfurther with the Chandra group then at Bejart’sBallet du XXe siècle. Her creative urge began toblossom alongside Daniel Ambash; first prizes atthe Nyon and Bagnolet choreography competitionsin 1978 spurred her impetus. A team wasformed with Christiane Glik, Luna Bloomfield,Mychel Lecoq… and she embarked on an artisticjourney driven by insatiable wonder at whatmakes the world. 1981: a seminal encounterwith the work of Samuel Beckett. Thusopened a perception of being here, withoutdeciding to be, between birth and death– the moment filled with futile thingsto which we accord importance. Themoment in which we are compelledto find, over and over, the abilityto stay standing, to keep takingand sharing our life with others,while we wait to die (May B,Babel Babel).From 1980-1990, her explorationscontinued with acompany bolstered by CathyPolo, Françoise Leïck, UlisesAlvarez and many others.She tried working collectively,a consistently moving andunsettling venture, supportedby the trust and hospitality ofthe Maison de la Culture deCréteil; and then at the nationalchoreographic centre CCN ofCréteil / Val de Marne from 1990.In 1987 came a fresh encounter, with DenisMariotte; they began a collaboration that proveddecisive. Marin reached further than music,and viewpoints began to diverge. Distanciationwas employed (Cortex) and had multipleoffshoots (Waterzooï, Ram Dam, Pour ainsi direand Quoi qu’il en soit). No more illusions, butliving beings, right here. Vital music and livingtogether – no longer “me” but “us, in timeand place”. A nexus of presences in one space(Points de Fuite, Les applaudissements ne semangent pas). And so they work, come whatmay, at the CNN in Rillieux-la-Pape. Continuouslyexperimenting with our possibilities largeand small (Umwelt) to stay aware that escapingreality is a trifling commotion (Ha ! Ha !). Andin this ordered or disordered uproar, rhythmscohabit and form movement and life (Turba).Turba / 2007 creationTurba designates a multitude, a great population,confusion and tumult, diversity of the species,diversity of individuals, diversity in the partsthat compose an individual. It is the scene of afluctuation of shapes and movements ceaselesslychanging, where the ephemeral formsof its composing parts elaborate indiscerniblerhythms, a scene where individuals can singlytake position in a manner that is interstitial andfleeting, that is within the social code or withinthe code of nature. Turbulence.No individual is absolutely identical to another.Similarities and differences, compositions anddecompositions, give and take and affinities –perturbations forming swirling eddies, generatinga multiplicity of rhythms and lengths oftime that are the opposite of an exhausting andpolished cadence. The text by Lucretius whichserves as a foundation for Turba unceasinglyreminds us that Nature is an infinite sum ofelements that do not add together to form awhole; it is a force in the name of which thingsexist one by one, without the possibility of theunification that would give expression to it as atotality; it is an affirmation of the manifold andthe multifarious as sources of joy.How can the past shape the future?Reality is made up of the incessant manifestation ofcountless surprising things. What we capture of theworld is in perpetual movement; it goes through fleetingand changeable phases that help to form the ideawe have of our present, our past and our future. Buthow can we manage to adequately express and representto ourselves the reality of what we live in? ofwhat lived? of what will live? To accept the idea thatthings move is to concede that things and their valuesare not immutable; that past certainties are challengedby new discoveries. Clean breaks and new ideas donot erase what is old; they cause it to be considereddifferently, with new questions. It is a revival, not areproduction. Art constantly works on the perceptionof a staggering reality that everyday life hides from usand makes us forget. Painting, music, literature, theatreand film are not exits from a dreary reality. The preciseopposite is true: they are powerful and vibrant meansto grasp afresh a shifting reality.Maguy MarinExtra info:Co-produced by the BiennaleThe company performed at the 2002Biennalewww.compagnie-maguy-marin.fr73

L’expérience harmaatA comme AbstractionSolo - Création 2005Direction artistique et chorégraphie : Fabrice LambertConception et interprétation : Fabrice Lambert - Lumières : Guillaume CousinCoproduction : Le Manège - Scène nationale de la Roche-sur-Yon - Avec le soutien de : DRAC Ile-de-France - Ministère de la culture et de la communication - Accueil : Le Radiant, Biennale de la DanseGravitéSolo - Création 2007Direction artistique et chorégraphie : Fabrice LambertConception, dispositif et interprétation : Fabrice Lambert - Dispositif et lumières : Guillaume CousinCoproduction : Le Manège - Scène nationale de la Roche-sur-Yon, Le Manège - Scène nationale de Reims, Festival Uzès danse - Avec le soutien de : DRAC Ile-de-France - Ministère de la culture etde la communication - Accueil : Le Radiant, Biennale de la DanseLe Radiant - CaluireSamedi 27 20h30Dimanche 28 17hDurée : 1hPlein tarif15 €Tarif réduit12 €Fabrice LambertNé en 1974 à Grenoble, Fabrice Lambert seforme au Conservatoire National de Régionde Grenoble puis au Centre National deDanse Contemporaine / L’Esquisse à Angers.A l’issue de cette formation, il fonde, en1996, L’Expérience Harmaat qui se veutêtre un carrefour-échangeur, un laboratoirepour différents artistes du mouvement,un lieu de croisement. Parallèlement à sonactivité au sein de la compagnie, il a faitparti du groupe Kubilaï Khan Investigations,a rejoint la compagnie Carolyn Carlson et acollaboré avec Catherine Diverrès.Dans chacune de ses pièces, l‘interprète etchorégraphe Fabrice Lambert joue la proximitéet la distance avec le corps en usantde dispositifs ingénieux et en permanencerenouvelés. Sa démarche porte sur l’écrituredu corps et de son environnementA comme Abstraction /Création 2005La toile Blanche. Succession d’éclairages etde noir créant un rythme entre lequelou pendant lequel le corps se jouedu regard. Que penser quand lemot s’absente ? Revenir à la toileblanche où lentement les lignes,puis les formes s’agencentcréant des imaginaires, voirdes phantasmes. Et l’amour sefouille dans ces traits…Gravité / Création 2007Gravité est une installation et une chorégraphiepour un corps appuyé sur un pland’eau de 5 mètres par 5 mètres de grandeur,et que la lumière et le son traversentconstamment pour en révéler les infimesmouvements qui sans cesse accordent cecorps et ce plan d’eau, pour ne formerplus qu’une unité, grâce à un procédé quiproduit une image graphique mais sansprojection vidéo. En effet, la directionextrêmement précise de la lumière sur leplan d’eau permet la réverbération decelui-ci sur un écran blanc situé derrière leplan d’eau. Le corps apparaît d’abord flottersur cette surface, puis la construction de sesappuis fera apparaître la matière même del’eau. Le mouvement de cette eau révèle lesajustements perpétuels du corps à la gravitéterrestre comme une série de tableaux picturauxen mouvement.Ces 2 pièces font partie d’un ensemble de 26pièces courtes appelé L’Abécédaire, (ou lesplaisirs de l’entraînement régulier du spectateur)questionnant dans un rapport ludiquemais aussi quasi-scientifique, les modes deperception humaine.74

Comment le passé peut-ildessiner l’avenir ?Chaque être qui naît aujourd’hui, portedans ses cellules, la mémoire de plus en pluslongue de notre histoire, de notre humanité.Nous fonctionnons en strates, construit par sédimentations,par accumulations, comme un ensemblede plateaux superposés que nous traversons dans saverticalité pour vivre.Les premières strates rappellent cette époque ou nosmicro organismes sortaient de l’eau, d’autres quandnous marchions a quatre pattes et près du sol, d’autresquand nous aimions massacrer et jouir…et ainsichaque période de notre histoire est écrite, inscritedans notre corps pour former ces mémoires qui nousconstruisent.C’est pourquoi chaque présent est extraordinaire,ambitieux et dangereux car il constitue notre futur,celui de chacun. Nous fabriquons les mémoires surlesquelles nos futurs s’érigeront…Fabrice LambertInfos +www.experienceharmaat.comFabrice LambertBorn in 1974 in Grenoble, Fabrice Lamberttrained at the National Regional Conservatory(CNR) in Grenoble then at the National Centrefor Contemporary Dance (CNDC) / L’Esquissein Angers. He founded L’Expérience harmaat in1996. This facility is intended as a crossroads /interchange for artists of the discipline, a placefor crossovers and experiments. In parallel to hiswork with the company, he is part of the KubilaïKhan Investigations group; has joined CarolynCarlson’s company; and has collaborated withCatherine Diverrès.In each of his pieces, choreographer and performerFabrice Lambert plays on proximity to anddistance from the body, using ingenious stagedevices that he is constantly renewing. His focusis the body and its environment.A for Abstraction / 2005 creationThe blank canvas. A succession of lights andblack create a rhythm between / during whichthe body plays with the spectator’s eye. Whenwords slip away, what are we to think? Back tothe blank canvas: slowly, lines then forms arrangethemselves and create imaginative realms,even fantasies. And between these brushstrokes,love blurs...Gravity / 2007 creationGravité is an installation and a choreographicwork for a body on a 5 x 5 metre surface ofwater, through which light and sound passconstantly to reveal the slightest movements:body and water are continuously attuned andmerge, thanks to a process that produces agraphic image but without a video projection.The extreme precision of the light beam onthe water causes the water to reverberate on awhite screen behind it. At first the body seemsto be floating on the screen; but then constructsits stances, making the “matter” of the waterapparent. The movement of the water revealsthe body’s perpetual adjustments to gravity, likea series of moving pictures.These are two of an ensemble of 26 short piecestitled L’Abécédaire (ou les plaisirs de l’entraînementrégulier du spectateur), which exploremodes of human perception in a playful yetquasi-scientific way.How can the past shape thefuture?Every being that is born today carries inits cells the ever-lengthening memory of ourhistory and humanity.We work in strata, constructed by sedimentationand accumulation, like a set of stacked plateauxthrough we move vertically in order to live.The first strata recall the epoch when our micro-organismswere emerging from the water; others, whenwe were walking on all fours; others still, when weenjoyed massacres and pleasure… Every period ofour history is thus written and inscribed in our bodies,forming the memories from which we are built.That is why each present is extraordinary, ambitiousand dangerous, for it is the future of each of us.We manufacture memories on which our futures willbe built...Fabrice LambertExtra info:www.experienceharmaat.com75

MarizaConcert de clôtureAccueil : Auditorium, Biennale de la DanseAuditoriumMardi 30 20h30Plein tarif1 ère série 30 €2 ème série 23 €Tarif réduit1 ère série 27 €2 ème série 20 €«J’ai vécu dans un environnement typiquede Lisbonne et j’ai toujours chanté le fado.Je sais ce qu’est le fado : c’est à travers luique je me comprends ».Mariza, née en 1976, est une Mozambiquiennedont l’âme s’est forgée dans levieux district de Mouraria à Lisbonne :c’est là qu’elle a entendu des chanteurs defado pour la première fois et ces souvenirs– si nombreux qu’ils se fondent dans samémoire – vivent encore dans sa musique.Ses hommages à Fernando Maurício etAmália Rodrigues dans son dernier album,Transparente ne sont dès lors pas surprenants.Bien qu’elle expérimente d’autresformes rythmiques, Mariza a toujours étéimpliquée dans le fado. Son premier album,Fado em mim (2001) soulève l’enthousiasmeau Portugal et propulse Mariza sur la scèneinternationale. Commentaire sans ambagesde la presse : « une star est née »!En 2002, elle reçoit le First Award for MostOutstanding Performance au Festival d’étéde Québec et elle se produit à Central Parkà New York, au mythique Hollywood Bowl,et à Londres. En mars 2003, la BBC Radio luidécerne le Best European World Music ArtistAward (un prix qu’elle recevra de nouveauen 2005). Son deuxième album, Fado Curvovoit le jour la même année et confirme tousles espoirs placés sur la jeune chanteuse. Entermes de ventes, Mariza dépasse alors tousles autres chanteurs contemporains de fado.Lors de tournées en Europe et en Amériquedu Nord, ses concerts au Queen ElizabethHall à Londres, au Alte Oper à Francfort,au Centre Culturel Belém à Lisbonne et auThéâtre de la Ville à Paris sont complets.En 2004, elle chante dans l’album officieldes Jeux Olympiques, en duo avec Sting, AThousand Years. Les concerts se multiplientsur les quatre continents dans des sallesprestigieuses : Carnegie Hall à NewYork, Opera House à Sydney, Maisonde la Musique à Moscou, BarbicanCentre à Londres pour n’en citerque quelques-unes.Son album Transparente (2005)sort dans 35 pays d’Europe,d’Amérique Latine et auxÉtats-Unis, elle se révèle plusencore. C’est un tournantpour Mariza. Sa passion pourchanter les mots des poètesreste intacte : ces mots, elle lesfait siens à travers l’émotion deson interprétation.En mars 2005, Mariza devientune des ambassadrices internationalesdu travail et de l’espritde Hans Christian Andersen. Le Danemarkl’a choisie non pas pour sa gloireau Portugal et à l’étranger mais parceque le fado, comme l’œuvre d’Andersen,témoigne d’une certaine mélancolie poétiquequi rend son appel universel. En juilletde la même année, elle chante aux côtés dePeter Gabriel, Youssou N’Dour et AngéliqueKidjo dans le cadre d’Africa Calling. Unejournée d’émotions pour Mariza, née auMozambique. Elle est nommée Ambassadricenationale du Portugal à l’Unicef pourdéfendre, promouvoir et aider les initiativesde l’Unicef.En février 2006, le Président de la Républiquedu Portugal honore Mariza du prestigieux« Comenda da Ordem do Infante »,un titre qui distingue les personnalités ayantcontribué à l’expansion de la culture, del’histoire et des valeurs du Portugal dansle monde. Le Portugal la consacre aussiavec un « Golden Globe Award » dans lacatégorie du Meilleur Interprète de l’annéepour son album Transparente. En Australie,Mariza est nominée en 2006 aux« Helpmann Awards » sous la catégorieMeilleur Concert Contemporain International.Et que nous réserve maintenantcette belle voix transparente? Mariza aexpérimenté d’autres genres musicaux, leflamenco par exemple, en chantant avecla star espagnole José Mercé. Mais on peutbien imaginer qu’elle ne s’éloignera jamaisbeaucoup du fado, cherchant dans l’œuvredes poètes des mots pour les faire siens dansune forme traditionnelle de musique quifait l’objet d’un constant renouveau : « lefado n’est pas limité mais il doit être traitéavec le plus grand soin ». Selon les motsd’un poète, le fado se fraie un chemin dansle monde grâce à la transparence de sonlangage. Ce que Mariza chante avec toutson cœur.Info +www.mariza.orgSpectacle musical76

“I’ve lived in typical Lisbon surroundings and I’vealways sung fado. I know what it means – it’sthrough fado that I understand myself.”Born in 1976 in Mozambique, Mariza forgedher soul in the old Lisbon quarter of Mouraria. Itwas here that she heard fado singers for the firsttime, and these many memories – which mergein her mind – live on in her music.Her tributes to Fernando Maurício and AmáliaRodrigues in her latest album, Transparente,therefore come as no surprise. Despite experimentingwith other rhythmic forms, Mariza hasalways had a close bond with fado. Her first album,Fado em mim (2001), won an enthusiasticfollowing in Portugal and propelled Mariza ontothe international scene. The press did not mincetheir words, commenting: “ A star is born!”In 2002 she received the First Award for MostOutstanding Performance at the Quebec SummerFestival; she also performed in Central Parkin New York, at the mythical Hollywood Bowl,and in London. In March 2003, BBC Radio handedher the Best European World Music ArtistAward (she won it again in 2005). Her secondalbum, Fado Curvo, was released the same yearand confirmed all the hopes placed in the youngsinger. Mariza’s sales topped those of all othercontemporary fado singers. On tour in Europe,she played to full houses at the Queen ElizabethHall in London, the Alte Oper in Frankfurt, theBelém cultural centre in Lisbon and the Théâtrede la Ville in Paris.In 2004, she sang A Thousand Years with Stingon the official Olympic Games album. Sheclocked up concerts on four continents in prestigiousvenues: Carnegie Hall in New York, theOpera House in Sydney, the International Houseof Music in Moscow, and the Barbican Centre inLondon, to name but a few.Her album Transparente (2005) was released in35 countries in Europe, Latin America and theUnited States, further extending her reach – forMariza, this was a watershed period. Her passionfor singing the poets’ words was intact, andshe made them hers with her intensely emotionalinterpretations.In March 2005, Marizabecame an internationalambassadress for the workand ideas of Hans ChristianAndersen. Denmark chose hernot because of her huge popularityin Portugal and elsewhere butbecause fado, like Andersen’s stories,has a melancholic, poetical quality thatgives it universal appeal. In July of the sameyear, she sang alongside Peter Gabriel, YoussouN’Dour and Angélique Kidjo in the Africa Callingconcert – a moving day for Mozambique-bornMariza. She was also named Portugal’s nationalambassadress to Unicef to defend, promote andassist the organisation’s initiatives.In February 2006, the Portuguese president honouredMariza with the prestigious “Comendada Ordem do Infante”, a title bestowed on figureswho have helped to promote of Portugal’sculture, history and values around the world.The Portuguese music industry also distinguishedher, with a Golden Globe Award in the BestPerformer of the Year category for her albumTransparente. In 2006 in Australia, Mariza wasnominated at the Helpmann Awards for BestInternational Contemporary Concert. And now,what lies in store for this beautiful transparentvoice? Mariza has experimented with othermusical genres, including flamenco, singing withSpanish star José Mercé. But you can’t imagineher straying from fado for long, as she seekswords in the poets’ œuvre to make her own,in a traditional form of music that is constantlybeing renewed: “Fado has no limits, but mustbe treated with the greatest of care.” Fado,a poet once said, makes its way in the worldthanks to the transparency of its language. It is alanguage that Mariza sings with all her heart.Extra info:www.mariza.orgMusic show77

Bal de carnavalCaribe Y SalsaCoordination : Y Salsa Festival, Biennale de la DanseAmphithéâtre -Cité InternationaleSamedi 27à partir de 22hPlein Tarif22 €Tarif réduit19 €Costume et/ou maquillageexigé(s) !Après-midi CarnavalOn dit aussi du Carnaval que c’estune fête pour tous... Dès 15h,rejoignez les ateliers costumes etmaquillage pour petits et grands...Suivez les initiations aux dansesfolkloriques sur les rythmes destamboras et gaïtas - tambours etflûtes typiques - avant de vouslancer vous-même dans la danseavec les musiciens et danseurset de déambuler sur le parvis del’Amphithéâtre de la Cité sous unjeté de confettis.Un après-midi aux accents carnavalesques.Costumes et maquillages appréciés.AmphithéâtreCité Internationale(parvis et intérieur)Samedi 27 15h - 19hGratuitBal de carnavalCaribe Y SalsaOn dit que le carnavalest un espace-tempsoù les barrièressociales tombent, oùles apparences sonttrompeuses, où toutesles extravagances sontpermises. On dit duCarnaval de Barranquillaen Colombie qu’ilest le plus coloré, le plusfestif… On dit aussi qu’il estné du métissage des culturesamérindiennes, africaines eteuropéennes et qu’il mêle intimementla tradition et la contemporanéité.Dans son sillage, et poursuivant la traditiondes bals magiques de la Biennale, le Bal deCarnaval Caribe y Salsa revisitera l’ensembledu répertoire des danses et musiqueslatines, d’une cumbia sensuelle à un chachachanostalgique, d’un merengue endiablé àune salsa caliente et vous fera découvrir laragatanga, la nouvelle danse de la jeunesselatino américaine.Retrouvez toute la journée et le soir, lestroubadours de Macondo-Caribe, les 13musiciens hors pairs de l’Orchestre Matangaet une foule de danseurs costumés pourvous entraîner dans la danse. Pour l’occasion,l’Amphithéâtre se parera de couleursflamboyantes et se jouera des conventionspour rendre hommage aux Curramberos,surnom donné aux habitants de Barranquillaà la réputation de fêtards.Retour sur la Terra Latina le temps d’un Bal,où tous les costumes et maquillages de carnaval,excentriques, traditionnels, inventifsseront le piment de la soirée.Costume ou maquillage exigé à l’entrée.Production : Y Salsa Collectif et Biennale dela DanseCaribe Y Salsa – the carnival ballCarnival is a space and time when social barriersmelt away, appearances deceive and extravaganceis endless. Colombia’s Barranquilla Carnival,they say, tops them all for colourful festivities– a mix of Amerindian, African and Europeancultures that fuses old and new.In the tradition of magical Biennale balls, Caribey Salsa will revisit the repertoire of Latin musicand dance – from the nostalgic chachacha tothe sultry salsa and also the ragatanga, the latestcraze among Latin American youngsters.The troubadours of Macondo-Caribe, the peerless13-strong Matanga Orchestra, and myriaddancers will drive the tempo in a Barranquillainspiredriot of fabulous make-up and costumes.Ticket-holders must be costumed ormade-up.Production : Y Salsa Collectif and Biennalede la Danse78

Jeune public / For young people9 compagnies, 34 représentations / 9 companies, 34 performances« Malice »1 jeune + 1 adultePour une sortie en famille, entre amis, la Biennale proposeaux adultes d’accompagner enfant(s) ou adolescent(s) sur lesreprésentations du mercredi et samedi après-midi.Tarif « Malice »1 jeunela placeAbonnement « Malice »2 spectaclesjeune public1 adultela place+ 9 € par enfant supplémentaire et par abonnement+ 15 € par adulte supplémentaire et par abonnementScolaires et groupesDes représentations en temps scolaire sont proposées auxétablissements scolaires et centres spécialisés.Contacter le service des publics pour plus d’informations etpour les réservations.Scolaire et groupela placeLa Biennale 2008 propose une large sélection despectacles spécifiquement adaptés au jeune public,pour les enfants à partir de 4 ans et les jeunes jusqu’à18 ans. Des projets d’accompagnement sont égalementproposés aux classes sur certains spectacles. Duhip-hop à l’univers des jeux vidéo en passant par celuid’un cours de danse, chacun trouvera chaussure ouchausson à son pied !Nouveau !La Biennale propose des présentations de la programmation jeunepublic en images, les mercredis à 15h à partir du 18 juin jusqu’au 16juillet à la Galerie des Terreaux (Lyon 1 er ).Renseignements :Service des publics+33 (0)4 72 26 38 00public@biennale-de-lyon.orgThe 2008 Biennale has a wide selection of showstailored to young audiences aged four to 18. Educationpacks are available for some of them. The subjectsranges from hip-hop to dance classes to the world ofvideo games – so every youngster should find somethingto suit them!New this year!To help audiences choose, the Biennale is running video-basedpresentations of the children’s programming on Wednesdays at 3pm,from 18 June to 16 July.Information:Audience department:+33 (0)4 72 26 38 00public@biennale-de-lyon.org« Malice »1 child + 1 adultFor an outing with family or friends, the Biennale invitesadults to take a child or teen to a performance, fromWednesday to Saturday afternoon.« Malice » prices1 childper seat« Malice » deal2 showsFor young people+ 1 additional child : 9 €+ 1 additional adult : 15 €1 adultper seatSchools and groupsPerformances in school hours can be run for schools andspecialist centres.For more details and reservations, contact the audiencedepartment.School and groupsper seat79

Le Radiant - CaluireMercredi 10 15h« Malice »Vendredi 12 10h et 14h30scolairesSamedi 13 15h« Malice »Lundi 15 14h30scolaireMardi 16 10h et 14h30scolaireDurée : 45 minutesCompagnie étant-donnéEn apartéPièce pour 2 danseurs - Création 2007Direction artistique et chorégraphie :Frédérike Unger et Jérôme FerronAccueil : Le Radiant, Biennale de la DanseA partir de 5 ansCie étant-donnéA travers le projet étant-donné, une compagnie crééeà Rouen en 1998, Frédérike Unger et Jérôme Ferrontous deux chorégraphes et danseurs, poursuivent unseul but, l’expression sensible des idées. C’est en 1998qu’ils montrent leur première création. Fortementinspirés par le cinéma et les arts plastiques, ils sonttrès attachés à la mise en scène et au propos. Mélanged’art conceptuel et de dérision, leur univers explore lacommunication gestuelle et visuelle propre à l’humain.En aparté / 2007Bienvenue au royaume de la maison.Une invitation à découvrir le beau, le poétique, leludique dans l’univers le plus commun : notre quotidien.Un voyage au pays de tous les jours, une explorationde la routine qui éclaire enfin chacune de nosactions comme un événement unique. Les choses sansimportance sont en haut de l’affiche. A travers le corpsdes deux interprètes, chaque geste devient danse,chaque bruit devient chant et le point de vue basculedoucement, transformant l’habitat en un territoiremerveilleux. La chanson de la douche, la comptine dela chambre ou la cacophonie de la vaisselle sont autantde mélodies qui animent les habitants qui dormentet rêvent sous ce toit de toutes les aventures quotidiennes.Deux danseurs, un écran, la musique et desombres suffisent à évoquer ce grand petit monde quiabrite notre sommeil. Dans un décor dépouillé, la scènese transforme tour à tour en pièces, en intérieur ou enextérieur. Venez redécouvrir vos exploits quotidiens.Info + : www.etantdonne.frCie étant-donnéWith this company, founded in Rouen in 1998, dancer /choreographers Frédérike Unger and Jérôme Ferron pursue asingle goal: expressing ideas in ways that engage the senses.They staged their first piece in 1998. Strongly inspired by filmand visual arts, they attach great importance to staging andarticulation. Their world, a mixture of conceptual art and derision,explores the gestural and visual communication specificto humankind.En aparté / 2007Welcome to the kingdom of the home.This is an invitation to discover beauty, poetry and the ludic inthat most commonplace of worlds: our everyday life. A journeythrough the mundane, an exploration of routine that finallysheds light on each of our actions as unique events. Unimportantthings top the bill. Through the two performers’ bodies,each gesture becomes dance, each noise becomes song, andone’s viewpoint gently shifts, transforming the dwelling into awondrous land. The shower song, the bedroom rhyme and thecacophonic crockery are melodies that bring to life the residents,who sleep beneath this roof and dream of myriad dailyadventures. Two dancers, a screen, music and shadows sufficeto evoke this large and little world that shelters our sleep.With a pared-down set, the stage is transformed in turn intovarious rooms, into interior then exterior. Come and rediscoverour everyday exploits.Extra info: www.etantdonne.frThéâtreNouvelle GénérationLundi 15 14h30scolaireMardi 16 10h et 14h30scolaireMercredi 17 15h« Malice »Jeudi 18 14h30scolaireVendredi 19 14h30scolaireDurée : 1hImpactMektoubPièce pour 2 danseurs et un DJ - Création 2007Chorégraphe : Karim Ahansal “Pépito”,Mohamed SialitiAccueil : Théâtre Nouvelle Génération, Biennale de la DanseA partir de 9 ansLa compagnie ImpactLa compagnie Impact réunit des amis de longuedate, riches d’expériences diverses : Karim Ahansal etMohamed Sialiti, danseurs et le DJ Malik Berki. Leurpoint commun : la recherche de pistes nouvelles, lavolonté d’élargir leur culture hip-hop vers un langageuniversel pour nous interroger sur le sens de la vie.Mektoub / 2007Mektoub aborde le thème de l’homme face à sondestin. Le personnage de Fractal sort aujourd’hui duhuis-clos pour se confronter au monde extérieur.Ce personnage décalé, ignorant les codes de la vie ensociété, se trouve alors face à lui-même. Sur scène,deux danseurs incarneront ce personnage et son alterego,à la fois son double, l’incarnation du reflet dumiroir, et celui qu’il aimerait être.Partie prenante du jeu des danseurs, un troisième personnage,musicien, incarnera le destin qui se joue deshommes, à la manière du Génie des Mille et Une Nuits.Face aux turpitudes du destin, quel chemin choisir ?Parfois, il paraît tout tracé, un chemin à suivre. Maisaussi des voies nouvelles s’ouvrent, tentantes, inattendues,dangereuses parfois. Une part de nous est prêteà l’aventure, une autre préfère les lignes déjà tracées.Parfois même on ne voit pas qu’un choix est possible.Mais il se fait de lui même sans que nous en ayonsconscience. Les chemins différents se retrouvent, serecroisent. L’inconnu est toujours là. Certains parlentdu « hasard », d’autres du destin, Mektoub en arabe.Rien n’est jamais définitif. Alors, inch’allah !Compagnie ImpactCompagnie Impact is three long-time friends with richlydiverse experiences under their belts: dancers Karim Ahansaland Mohamed Sialiti, and DJ Malik Berki. They share a tastefor exploring fresh avenues and expanding their hip-hopculture into a universal language in order to question themeaning of life.Mektoub / 2007The piece addresses the theme of Man in the face of Fate.Fractal is emerging from a closed space to confront the worldoutside. This quirky character knows nothing of society’scustoms, and finds himself condemned to his own company.On stage, two dancers play the character and his alter-ego –at once his double, the embodiment of the mirror’s reflection,and the person he would like to be. Involved with the dancers’acting is a third character, a musician who represents Fatetoying with humans like the genie in A Thousand and OneNights. Grappling with Fate’s tricks, which path should hechoose? Sometimes it seems mapped out, there to be travelled.But new paths also open up – tempting, unexpected, andsometimes dangerous. A part of us is ready for adventure;another part prefers ready-marked tracks. Sometimes, wedon’t even see that there are choices; they take themselves,without our realising. Paths cross, time and again. Theunknown is always present. Some speak of “chance”, otherof Fate – Mektoub in Arabic. Nothing is ever final. So...Inch’allah!80

Théâtre de VénissieuxJeudi 18 14h30scolaireVendredi 19 14h30scolaireDurée : 50 minutesAqui et làQuand le bleu devient Bleu, on nepeut plus faire comme s’il était vertPièce pour 2 danseuses, 1 musicien et 1 historien del’art - Création 2008Direction artistique et chorégraphie :Carla FrisonAccueil : Théâtre de Vénissieux, Biennale de la DanseA partir de 4 ansCarla Frison / Cie Aqui et làBrésilienne, Carla Frison débute la danse classique au seinde l’Ecole de l’Opéra de Rio. Lors d’un stage à New York,elle obtient deux bourses d’études, classique à la JoffreyBallet School et danse moderne à la Mary Anthony DanceFoundation. Elle entre ensuite à la faculté de danse deBahia et intègre diverses compagnies. Lors d’une tournéeen France, elle décide de rester à Lyon et intègre lacompagnie Hallet-Eghayan, elle s’initiera par la suite à lapédagogie aussi bien en France, qu’au Brésil et au Liban.Elle obtient son diplôme d’Etat en danse contemporaineen 2001 et devient intervenante en milieu scolaire. Entant que danseuse et assistante chorégraphique, elleintègre différentes compagnies de la région Rhône-Alpeset participe à différents projets chorégraphiques. Elleconjugue ainsi l’enseignement, sa carrière d’interprèteet la chorégraphie. En 2006, elle crée sa compagnie etparticipe au Défilé de la Biennale de la Danse. La compagnieaxe son travail sur la transversalité des disciplinesartistiques et a pour volonté pédagogique d’adapter ladanse à des lieux inhabituels et chargés de mémoire.Parmi ses créations, Eveil des Peaux (2004), Géricault, laFolie du Monde (2006).Quand le bleu devient Bleu, on ne peut plusfaire comme s’il était vert.Ce spectacle jeune public s’articule autour de la couleurbleue ; la danse devient ici un vecteur pour une nouvelleapproche des arts plastiques. Elle n’est plus une fin ensoi mais bien un moyen. La pérennité picturale est miseen rapport avec l’instantanéité de la danse. Le corps etl’espace deviennent une matière malléable.Carla Frison / Cie Aqui et làBrazilian Carla Frison began classical dancing at the OperaSchool in Rio. While on a course in New York, she obtained twobursaries: to study classical dance at the Joffrey Ballet School,and modern dance at the Mary Anthony Dance Foundation. Backin Brazil, she enrolled at the dance faculty in Bahia and joinedvarious companies. Later, while on tour in France, she decidedto stay in Lyon and joined Compagnie Hallet-Eghayan. She thenexplored teaching in France, Brazil and Lebanon. She gained herFrench state diploma in contemporary dance in 2001, and beganteaching in schools. She joined several Rhône-Alpes regioncompanies as a dancer and assistant choreographer, and tookpart in various choreographic projects, thus combining educationwith her career as a performer and choreographer. In 2006, sheset up her company and took part in Le Défilé at the Lyon DanceBiennale. Her company takes a transversal approach to artisticdisciplines, and aims to adapt dance to unusual and memorychargedplaces. Its choreographic works include Eveil des Peaux(2004) and Géricault, la Folie du Monde (2006).Quand le bleu devient Bleu, on ne peut plusfaire comme s’il était vert.This children’s show revolves around the colour blue. Here, danceis the vehicle for a new approach to visual arts: a means, notan end. The enduring nature of pictures is juxtaposed with theinstantaneousness of dance. Body and space become malleablematerials.Le Radiant - CaluireVendredi 19 14h30scolaireSamedi 20 19h30« Malice »Lundi 22 14h30scolaireMardi 23 14h30scolaireMercredi 24 15h« Malice »Jeudi 25 10hscolaireDurée : 55 minutesCompagnie Contour ProgressifEffet papillonPièce pour 3 danseuses - Création 2007Conception, direction artistique etchorégraphie : Mylène BenoitAccueil : Le Radiant, Biennale de la DanseA partir de 10 ansLa compagnie contour progressif / Mylène BenoitLa compagnie a été créée en 2003 par Mylène Benoit,artiste plasticienne diplômée de l’université de Westminster(UK), de l’Université Paris 8 (art et multimédia) etdu Fresnoy, studio national des arts contemporains. Lescréations de la compagnie s’intéressent à la façon dontles sciences, les techniques et leurs interventions façonnentensemble la réalité du corps humain. L’individu estune surface de diffusion d’un répertoire de signes qui «l’impressionnent ». Effets personnels, création 2003 produitepar le Fresnoy, confrontait un trio de femmes à untryptique vidéo, pour ausculter les « effets de surface »fabriqués par les injonctions du corps social sur le corpsparticulier.Effet papillon / création 2007Cette pièce pour trois danseuses convoque les codesdu jeu vidéo pour interroger les représentations ducorps dans les univers de réalité virtuelle : un moi-corpsmédiatisé, sans durée ni gravité, ne craignant plus lamort puisque ses résurrections sont illimitées. Dans unematière-mouvement qui paraît plutôt pétrie de pixelsque de chair, Effet papillon met à l’épreuve l’image d’uncorps idéal, évoluant sans risque ni responsabilité dans unmonde sécurisé où l’on voudrait que la mort ne soit plusqu’un frisson. Dans les jeux vidéo, l’espace est constammentcalculé, actualisé, en fonction des mouvementsdes avatars. Inspiré des moteurs graphiques et sonoresdes univers de réalité virtuelle, le dispositif scénographiqued’Effet papillon permet une relation d’interactionconstante entre la danse, l’espace, la lumière et le son.Info + www.contour-progressif.netCompagnie contour progressif / Mylène BenoitThe company was set up in 2003 by Mylène Benoit, a visualartist with degrees from Westminster University (UK), UniversitéParis 8 (art and multimedia) and Le Fresnoy, France’s nationalstudio for contemporary arts. Its pieces focus on how sciencesand techniques, and their applications, together fashion thereality of the human body. The individual is a surface for disseminatinga repertoire of signs that “impress it”. The 2003 workproduced by Le Fresnoy, brought three women face to face witha video triptych, to scrutinise the “superficial effects” producedby the orders that the social corpus gives to the individual body.Effet papillon / 2007 creationThis piece for three dancers employs the grammar of videogames to examine how the body is represented in virtual-realityworlds: a mediatised body-self without duration or gravity,and which no longer fears death because it can be resurrectedendlessly. With movement-matter apparently crafted from pixelsrather than flesh, the piece tests the image of an ideal body, existingwithout risk or responsibility in a secure world where peoplewould prefer death to be just a thrill. In video games, spaceis constantly calculated and actualised according to avatars’movements. The stage design, inspired by the graphic and sounddrivers of virtual-reality worlds, allows a continuous interactiverelationship between dance, space, light and sound.Extra info : www.contour-progressif.net81

Maison de la Danse -Studio Jorge DonnLundi 29 19h30« Malice »Mardi 30 10h et 14h30scolairesMardi 30 19h30« Malice »Durée : 1hDavid Rolland ChorégraphiesLes lecteurs (chorégraphiescollectives)Pièce pour 2 danseurs - Création 2004Direction artistique et chorégraphie :David RollandA partir de 8 ansDavid RollandParallèlement à ses études de pharmacie, David Rollandétudie la danse contemporaine, jazz et classique.Après avoir obtenu son diplôme d’état de professeurde danse, il travaille en tant qu’interprète avec leschorégraphes Odile Duboc, Béatrice Massin, Blanca Li,Mié Coquempot, Laura Scozzi et François Grippeau.En 1997, il fonde avec Jean-François Courtilat et Jean-François Guillon, tous deux plasticiens, la galerie ipsofacto située à Nantes, espace d’exposition qui accueilledans ses murs la jeune création contemporaine tout eneffectuant des échanges avec des structures comparablesen France et à l’étranger. En 1999, riche de ces différentesexpériences, David Rolland se tourne vers untravail chorégraphique dans le cadre de la compagnieipso facto danse, association qu’il crée avec AngelaFagnano, danseuse et chorégraphe. Depuis 2004, ausein de David Rolland Chorégraphies, il interroge lacommunication non verbale et la perception que nousen avons. Il crée ainsi des pièces chorégraphiques,performances, dispositifs ou spectacles qui provoquentun questionnement sur les codes en faisant souventappel à un esprit ludique. De plus, ces travaux, souventqualifiés d’hybrides ou transdisciplinaires remettentsouvent en jeu la place du spectateur.Les lecteursToutes les personnes présentes sont invitées à suivreune partition sous la forme d’un carnet distribué àchacun. Ces carnets contiennent des informations trèssimples; une bande sonore indique la page sur laquellese trouve l’action à effectuer. Postures, déplacementset gestes infimes sont effectués pendant un tempsfixé par la bande sonore au rythme de 30 secondesà 2 minutes par action. Les spectateurs ignorent etdécouvrent au fur et à mesure du spectacle qu’ils n’ontpas forcément tous le même carnet puisque 4 types departitions sont, en effet, distribuées. Certaines actionsprovoquent un mouvement de masse, tandis qued’autres induisent des micro-situations. D’autres encoreinvitent le « lecteur » à être spectateur de la chorégraphieproposée par les autres groupes ; le temps d’uneou deux pages.David RollandIn parallel to his pharmacy degree, David Rolland studiedcontemporary, jazz and classical dance. Having obtained hisstate diploma in dance teaching, he worked as a performerwith choreographers Odile Duboc, Béatrice Massin, Blanca Li,Mié Coquempot, Laura Scozzi and François Grippeau. In 1997,with visual artists Jean-François Courtilat and Jean-FrançoisGuillon, he founded Galerie Ipso Facto in Nantes, an exhibitionspace that hosts young contemporary creators and conductsexchanges with similar venues in France and abroad. In 1999,building on these experiences, Rolland turned to choreographywith Compagnie Ipso Facto Danse, a non-profit outfit that heset up with dancer / choreographer Angela Fagnano. Since2004, with David Rolland Chorégraphies, he has been exploringnon-verbal communication and how we perceive it. Hecreates choreographic pieces, performances, installations andshows that prompt questions about codes and often have aplayful streak. In addition, these works, regularly described ashybrid or transdisciplinary, often challenge the spectator’s role.Les lecteursEveryone in the audience is given a booklet – a score they areinvited to follow. The booklets contain very simple information,and a soundtrack indicates the page showing theactions. Poses, movements and tiny gestures are performedfor a duration dictated by the soundtrack, from 30 seconds totwo minutes per action. As the show proceeds, the spectatorsrealise they don’t all have the same booklet; in fact, there arefour types. Some actions prompt a mass movement; othersinduce micro-situations; others still invite the “reader” tostand back for a couple of pages and watch the choreographyperformed by the other groups.82

Maison de la DanseMardi 16 14h30scolaireDurée : 1h20Voir pages : 12 et 13CCN de Créteil et du Val-de-Marne /Compagnie Montalvo-HervieuGershwinPièce pour 14 interprètes - Création BiennaleChorégraphie : José Montalvo et Dominique HervieuAccueil : Maison de la Danse, Biennale de la DanseA partir de 11 ansCélestins - Théâtre de LyonJeudi 11 14h30scolaireEspace Albert Camus - BronJeudi 18 14h30scolaireDurée : 1hVoir pages : 16 et 17Companhia Urbana de DançaAgwaPièce pour 10 danseurs - Création BiennaleChorégraphie : Mourad MerzoukiSuite funk Carioca e suburbanaPièce pour 10 danseurs - Création BiennaleDirection artistique et chorégraphie : Sonia DestriAccueil : Célestins - Théâtre de Lyon, Espace Albert Camus - Bron, Biennale de la DanseTransbordeurJeudi 25 14h30scolaireVendredi 26 14h30scolaireDurée : 1h10Voir pages : 52 et 53Compagnie AccrorapPetites histoires.comPièce pour 5 danseurs - Création 2008Chorégraphie : Kader AttouA partir de 10 ansThéâtre du Point du JourMardi 16 14h30scolaireDurée : 1hVoir pages : 28 et 29Living Dance StudioMemoryPièce pour 2 danseurs - Création BiennaleChorégraphie : Wen HuiAccueil : Théâtre du Point du Jour, Biennale de la DanseA partir de 15 ans83

La Biennale en extérieur /The Biennale steps outPlace des Terreaux*Jeudi 11, 18, 25Vendredi 12, 19, 26Samedi 13, 20, 27de 18h à 20h*Attention le Samedi 27 le cours aura lieu sur leparvis de l’Amphithéâtre à la Cité Internationale.Cours de danse latinesSi on vous dit danses latines, vous imaginez immédiatementdes danses en couple, sensuelles,festives, colorées, des musiques enjouées autempo tantôt rapide, tantôt langoureux, unemusique qui envahit tous vos sens. Et vous avezraison !Une fois de plus la Biennale vous donne l’occasion,de vous initier avec des professeurs horspair ou de démontrer vos talents, tous les jeudi,vendredi et samedi place des Terreaux, entourésde centaines de participants.Laissez-vous guider par Alice, Nichito, Marcoset leurs danseurs pour une découverte tout encadence et en rythme du son, du danzon, ducha cha, du merengue, de la salsa. Et découvrezla nouvelle danse qui fait fureur en Amériquelatine et va mettre le feu à la ville, la ragatanga !Une belle occasion de vous mettre en jambesavant le Bal de carnaval Caribe Y Salsa le 27septembre (voir page 80).The words “Latin dances” immediately conjureup couple dances full of sensual, festive colourand set to playful music with quick or languoroustempos – music that intoxicates all thesenses, and rightly so!Once again, the Biennale is offering the chanceto take your first steps with peerless teachers orshow off your talents amid hundreds of fellowparticipants. Every Thursday, Friday and Saturdayon Place des Terreaux.Let Alice, Nichito, Marcos and their dancersguide youthrough each cadence and rhythm as youdiscover son, danzon, cha cha, merengue andsalsa – as well as ragantanga, the new dancethat’s all the rage in Latin American and will setLyon on fire!A great opportunity to limber up for the Caribey Salsa carnival ball on 27 September.Passage Thiaffait - Lyon 1 erJeudi 11 12h30Place Bellecour - Lyon 2 èmeCôté RectangleJeudi 11 17h30Vendredi 12 17h30Compagnie The GuestsLiving in PiecesSolo - Création 2007Chorégraphie, direction artistique et interprétation : Yuval PickMusique : Roméo Monteiro et Yuval Pick - Scénographie : Yuval Pick - Lumières : Gabriel GuenotAvec le soutien de : Ministère de la culture et de la communication - DRAC Rhône-Alpes au titre de l’aide aux CompagniesChorégraphiques, Région Rhône-Alpes, Ville de LyonDurée : 15 minutesGratuitYuval Pick / The Guests CompanyLiving in PiecesNé en 1970 en Israël, Yuval Pick se forme à ladanse à la Bat-Dor Dance Company avant d’intégrerla Batshava Dance Company puis le Balletde l’Opéra de Lyon. En 2001, il crée à Lyon sapropre compagnie The Guests.« Par le biais de cette performance, je veuxproposer au spectateur un rapport presquetactile avec l’évènement scénique. Basée sur untravail d’improvisation, cette performance estinspirée de la musique de Joy Division, groupepionnier du courant cold wave, et de son leaderIan Curtis qui a marqué les esprits tant par savoix caverneuse que par sa gestuelle improbablefaite de convulsions et d’émotions nonrefoulées. »Yuval Pick / The Guests CompanyLiving in PiecesBorn in 1970 in Israel, Yuval Pick trained as adancer with Bat-Dor Dance Company beforejoining Batshava Dance Company and thenBallet de l’Opéra de Lyon. In 2001, he foundedhis own company, The Guests, in Lyon.“With this performance, I want to offer spectatorsan almost tactile bond with the stageevent. It’s based on improvisational work andinspired by the music of Joy Division, the bandthat pioneered the cold wave movement, andby its leader Ian Curtis, who made a hugeimpression on people with his cavernous voiceand his improbable gestures, all convulsions anduninhibited emotions.”84

Près des Halles Bocuse - Lyon 3 ème90-92-94 cours LafayetteTous les joursDu 1er au 30 septembre 13hDurée : 30 minutesFortier Danse-CréationSolo 30x30 Solo - Création 2006Chorégraphe et interprète : Paul-André FortierRépétitrice et assistante du chorégraphe : Ginelle Chagnon - Concepteur des costumes : Denis LavoieCoproducteurs : Festival Danse Canada (Ottawa/Canada), Place des Arts (Montréal/Canada)Avec le soutien de : Club des Biennales de LyonGratuitPaul-André FortierLorsqu’en 1973, Paul-André Fortier découvrela danse, il est professeur de littérature et dethéâtre. Décidant de s’y consacrer entièrement, ildevient alors interprète du Groupe Nouvelle Aired’où est issue toute une génération de chorégraphesquébécois tels que Ginette Laurin, ÉdouardLock, Daniel Léveillé, etc.. Sa carrière de chorégraphecommence en 1978 avec la créationde Derrière la porte un mur. L’année suivante ilfonde sa compagnie Danse-Théâtre Paul-AndréFortier, rebaptisée Fortier Danse Création. Ilenchaîne les créations et progressivement, sesœuvres glissent «du narratif à l’abstrait» laissant«le champs libre à la multiplicité des interprétations,au jeu libre des sensations du spectateur».Artiste soliste d’exception Paul-André signeLes Males Heures (1989), premier volet d’unetrilogie qui comprend également La Tentation dela transparence (1991) et Bras de Plomb (1993).Ces deux derniers solos ont été réalisés avec laparticipation de l’artiste visuelle Betty Goodwin.Ces trois solos sont devenus des pièces majeuresdans la carrière du chorégraphe.Revenu à la composition de groupe, il créeensuite plusieurs pièces dont Risque, en 2003,une création pour six jeunes danseurs, soutenantainsi la relève d’interprètes. Paul-André Fortierest à présent chorégraphe en résidence àla Cinquième Salle de la Place des Arts deMontréal.Solo 30x30 /Trente Minutes- Trente Jours (2006)création « in situ » de Paul-André Fortier30x30 est un événement solo créé et interprétépar Paul-André Fortier. Conçu comme uneperformance « in situ » de 30 minutes, le solosera présenté à l’extérieur dans le même lieu,tous les jours à la même heure pendant 30 jours.L’interprétation variera d’une journée à l’autreen fonction de la température, des spectateurset des interactions avec l’environnement et avecle public. Le lieu de présentation sera inhabituelpour un spectacle, passant, intégré dans la villeet ses activités permettant une rencontre privilégiéeentre l’artiste, l’environnement et le public.Paul-André FortierIn 1973, when Paul-André Fortier discovereddance, he was a teacher of literature andtheatre. He decided to dedicate himself tothe discipline, becoming a performer withGroupe Nouvelle Aire, which produced a wholegeneration of Quebec choreographers suchas Ginette Laurin, Édouard Lock and DanielLéveillé. His career as a choreographer beganin 1978 with “Derrière la porte un mur“. Thefollowing year he founded his own company,Danse-Théâtre Paul-André Fortier, later retitledFortier Danse-Création. He wrote a string ofpieces, which gradually shifted from narrativeto abstract, “leaving the way open for multipleinterpretations and to play freely with the spectator’ssensations”. An outstanding solo artist,Paul-André created “Les Males Heures“ (1989),the first part of a trilogy that also includes “LaTentation de la transparence“ (1991) and “Brasde Plomb“(1993); the latter two solos featuredvisual artist Betty Goodwin. This trilogy becamethe centrepiece of the choreographer’s career.Returning to group compositions, he createdseveral pieces including “Risque“ (2003), a workfor six young dancers – and thus helped usherthrough a new wave of performers. Paul-AndréFortier is currently resident choreographer at LaCinquième Salle in La Place des Arts, Montreal.Solo 30x30 – Thirty Minutes,Thirty Days (2006)Performed In Situ by Paul-André Fortier30x30 is a solo event devised and performedby Paul-André Fortier. Conceived as an “insitu” performance lasting 30 minutes, it will bestaged outside in the same place, every day atthe same time, for 30 days. The performancewill vary daily according to the temperature,the spectators and Fortier’s interactions withhis surroundings and the audience. It will be anunusual location for a show: open to passers-byand integrated with the city and its activities,allowing a special encounter between artist,environment and public.85

Quartier Guillotière - Lyon 7 èmeVendredi 12, 19 et 26Samedi 13, 20 et 271 er départ à 13h, dernier départ à 17h45Réservation obligatoire au 04 72 26 38 01Oubliez vos talons, vive les baskets !Appel à participation !Les chorégraphes recherchent des personnespour guider les spectacteurs.Contact : 04 78 61 68 46, tuvois@projetinsitu.comGratuitProjet in situTu vois ce que je veux dire ? Parcours à l’aveugle dans la ville accompagnée d’unguide - Création 2005 / Recréation BiennaleDirection artistique et chorégraphie : Martin Chaput et Martial ChazallonCoproduction : Projet in situ, Biennale de la Danse de Lyon - Avec le soutien de : Convention Culturesfrance Ville de Lyon, del’Etat (Préfecture du Rhône, DRAC Rhône-Alpes) et du Sixième Continent.Projet in situLa compagnie Projet in situ est née en 1999 d’undésir, d’une envie de regarder différemmentl’autre, soi, l’autre soi ; un questionnement,une rencontre aux frontières de nos disciplinesartistiques entre un chorégraphe, un anthropologue,des danseurs, comédiens, écrivains,photographes, plasticiens… des publics. Telle estnotre manière d’investir les champs de la créationcomme autant d’occasions de tisser des liensavec des artistes différents, de croiser les regardsqui nous amènent ainsi depuis deux ans à expérimenterla transposition des outils d’investigationanthropologique pour l’écriture chorégraphiqueet la composition plastique. Notre démarche enAfrique du Sud, en Syrie ou au Mexique impliquequ’à chaque création se constitue une nouvelleéquipe et se rencontrent différents langagesartistiques qui empruntent des chemins ludiques,oniriques, quotidiens, intimes qui confrontent,questionnent, grattent les dessous de nossecrets les plus intimes, de nos grandeurs et nosdéfaillances individuelles et collectives dans unespace à la lisière de la danse contemporaine etdu théâtre.Martin Chaput / ChorégrapheFranco-québécois, il fonde en 1999 avec uncollectif d’artistes la compagnie Projet in situ.Un triptyque voit d’abord le jour composé d’unsolo « No more king », d’un duo «Wake Up,you must sweep the courtyard !» et d’un trioManège qui initie sa recherche d’un langageartistique singulier riche d’une expériencemultidisciplinaire. Peu à peu, l’aspect ludique deson langage s’oriente vers l’intime et le sensible.En 2002, avec le projet les 4m il approfonditsa recherche d’une écriture chorégraphique,gestuelle et théâtrale qui puise sa source dansl’intimité urbaine des interprètes avec lesquelsil travaille : création de Miradas cruzadas etd’Appartement témoin. Parallèlement, sonparcours d’interprète l’amène à collaborernotamment avec Claire Jenny, Thierry et MarionBaë, Jean-Pierre Perreault, Luc Perrot et PhilippeGenty avec lequel il collabore pendant plus dequatre ans.Martial Chazallon / Anthropologue,metteur en scèneAprès plusieurs années de travail et de rechercheau Zimbabwe et en Afrique du Sud, sa rechercheen anthropologie de l’art l’a amené à larencontre des peintres Ndebele. Il invite alorsd’autres artistes sur son terrain de recherchepour y confronter les points de vue. C’est ainsiqu’il rejoint la compagnie Projet in situ lorsde la création de Wake Up, you must sweepthe courtyard!. Cette rencontre le fait entrerde plain-pied dans la création. Il collabore etréalise la mise en scène de plusieurs pièces enAfrique du Sud, en Syrie et au Mexique où ilaccompagne notamment les interprètes dansune investigation anthropologique de leursinteractions avec leur environnement urbain. Ilsigne la mise en espace de Miradas cruzasas etd’Appartement témoin.Tu vois ce que je veux dire ? / 2005Marcher dans la ville les yeux bandés et lequotidien prend alors un accent extraordinaire.Une invitation à redécouvrir ses états de corpsde citadin, à inventer, observer, s’approprier,imaginer un autre espace urbain privé d’un sens.Le parcours propose aux spectateurs par groupede deux, l’un devenu aveugle, l’autre guide, deré-expérimenter des situations quotidiennes. Leparcours implique un travail de lien en amont quimet en relation la compagnie, un quartier, despersonnes non-voyantes, des citadins volontaires(guides formés durant un week-end) et le lieu quiles accueille.Projet in situThe founding of Projet in situ in 1999 flowedfrom a desire to look differently at the otherand the self, the other self; an exploration, anencounter at the frontiers of our artistic disciplines,between a choreographer, an anthropologist,dancers, actors, writers, photographers,visual artists… and audiences. That is how wehave entered creative fields – seeing in themopportunities to build ties with different artists,and to mix the perspectives that for the past twoyears have been prompting us to experimentwith applying to the tools of anthropologicalinvestigation to the composition of choreographyand visual art. In South Africa, Syria andMexico, our approach is that for each newwork, a new team comes together, marryingartistic languages exploring playful, oneiric,everyday and personal themes that examine theunderbelly of our most intimate secrets, and ofour individual and collective achievements andfailings, in a space on the fringe of contemporarydance and theatre.Martin Chaput / ChoreographerTogether with an artists’ collective, this FrenchQuebecker founded the Projet in situ companyin 1999. They made a triptych – comprisingthe solo No More King, the duet Wake Up,You Must Sweep the Courtyard! and the trioManège – which kicked off its quest for asingular artistic language nourished by a crossdisciplinaryexperience. Its initially ludic languagegradually became more intimate and sensitive.In 2002 he embarked on the “4M” project,searching even deeper for a style of choreography,gesture and theatre with roots in the urbanintimacy of the performers the company workswith, and made Miradas cruzadas and Appartementtémoin. In parallel, Chaput the performercollaborated notably with Claire Jenny, Thierryand Marion Baë, Jean-Pierre Perreault, Luc Perrotand Philippe Genty, with whom he worked formore than four years.Martial Chazallon / Anthropologistand stage directorAfter working and researching for several yearsin Zimbabwe and South Africa, his research intothe anthropology of art took him to meet theNdebele painters. He then invited other artistsinto this research field to compare viewpoints86

– which is how he joined Projet in situ for thecreation of Wake Up, You Must Sweep theCourtyard!, an experience that brought him fullyinto the creative process. He collaborated on anddirected several pieces in South Africa, Syria andMexico, during which, in particular, he led theperformers in an anthropological investigationof their interactions with their urban environment.He also designed the spaces for Miradascruzasas and Appartement témoin.Tu vois ce que je veux dire? / 2005Walk through the city in a blindfold and anordinary experience becomes sensational. It’s aninvitation to rediscover all of the urban-dweller’sbodily states – to invent and observe, to imagineand take possession of another kind of urbanspace, minus one sense. Pairs of spectators –one “blind”, one guiding – travel a route tore-experience everyday situations. Designing theroute is an upstream activity that brings togetherthe company, a neighbourhood, blind people,volunteer city residents (guides who undergo aweekend’s training) and the host venue.VénissieuxParc des Minguettes « La Darnaise » St ExupéryVendredi 19 18h30 spectacleSamedi 20 18h30 spectacle + film +soirée conviviale et festiveVaulx-en-VelinCité André Chénier à proximité du croisementRoute de Genas et Rue André ChénierMercredi 24 18h30 spectacleJeudi 25 18h30 spectacle + film +soirée conviviale et festiveLyon 1 erEspace « Montana », place du Belvédère, en hautde la Montée de la Grande CôteVendredi 26 18h30 spectacle + filmSamedi 27 12h spectacleSamedi 27 18h30 spectacle + film +soirée de clôture festiveDurée : 40 minutesGratuitThéâtre du mouvementDes sables aux pavés, trajet d’avenirPièce pour 8 danseurs et 4 musiciens - Création BiennaleDirection artistique et chorégraphie : Claude Decaillot, Annie LegrosDanseurs : Serge Bissadissi, Kader Hamza, Perrine Dages-Desgranges, Roseline Kondzot, Claudina Duarte, Marie Gache, CathyMestat, Agnès Vincens - Musique : Franck Kouby (percussion, chant), Dominique Brunier (violoncelle), Ismaël Gaye (chant, percussion,conte), Masseck Gassama (percussions et danse) - Scénographie : Claude Decaillot, Annie Legros avec la complicité deJérôme Aussibal - Régie générale : Eric Lombral - Direction musicale : Franck Kouby et Dominique BrunierAvec le soutien de : Préfecture du Rhône, DRAC Rhône-Alpes, Ville de Lyon - service culture, Ministère de la Santé de la Jeunesseet des Sports, DRDJS Rhône-Alpes, Conseil Régional Rhône-alpes, Ville de Vénissieux - service culture, Ville de Vaulx-en-Velin- service cultureLe Théâtre du MouvementClaude Decaillot et Annie Legros« Des sables aux pavés, trajet d’avenir »De retour du Sénégal, le Théâtre du Mouvementet les chorégraphes Claude Decaillot et AnnieLegros, parties à la rencontre de la danseafricaine d’aujourd’hui auprès de GermaineAcogny, directrice de l’Ecole des Sables à ToubabDialaw (Sénégal) et Patrick Acogny, tous deuxartistes chorégraphes, présentent des événementschorégraphiques et musicaux interactifsdans l’espace public. Danse contemporaineet danse africaine actuelle sont au cœur dupropos. Avec 8 danseurs, 4 musiciens et d’autresdanseurs complices, ils créent des rencontres,des échanges et des interactions surprisesavec le public. La chorégraphie, la danse et lamusique, reflets de nos cultures, glissent dansles ambiances familières de la vie de chacun.Qu’est-ce ? Un moment entre rêve et réalitéoù l’espace, entre les immeubles ou les tours,devient espace scénique et décor. Au croisementdes cultures, des émotions, des styles, la dansepropose des moments où les corps chantentle silence des autres. Exubérance de la dansepartagée au-delà des frontières ; tambours,violoncelle et chants africains font vibrer l’airpar moment, comme un appel. Présentationdu film tourné en France et au Sénégal dans levillage de Toubab Dialaw avec les danseurs etchorégraphes en complicité avec les habitants etGermaine Acogny.Réalisateurs : Gaudin - RametLe Théâtre du MouvementClaude Decaillot and Annie Legros“Des sables aux pavés, trajet d’avenir”Théâtre du Mouvement is now back fromSenegal, where choreographers Claude Decaillotand Annie Legros had gone to sample currentAfrican dance with choreographer-artistsGermaine Acogny, director of Ecole des Sablesin the town of Toubab Dialaw, and PatrickAcogny. Here, in “From Sands to Sidewalks: aJourney with a Future”, they present interactivechoreographic and musical events in outdoorpublic settings. At the heart of their agenda iscontemporary dance and current African dance.With eight dancers and four musicians, abettedby other dancers, they devise encounters,exchanges and surprise interactions with theaudience. Choreography, dance and music –reflections of our cultures – slip into the familiaratmospheres of our everyday lives. The show? Amoment between dream and reality, where thespace amid housing projects becomes stage anddecor. Here, the dancing – a fusion of cultures,emotions and styles – offers moments in whichbodies sing of others’ silence. In this rush of border-transcendingexuberance, the air shimmerswith the sounds of drums, cello and Africanchants – like some kind of appeal.The show also includes the screening of a filmshot in France and in the Senegalese village ofToubab Dialaw with the dancers and choreographers,and with the participation of the residentsand Germaine Acogny.Directors: Gaudin - Ramet87

Le DéfiléLégendes d’avenirGuy Darmet, Directeur artistiqueStéphanie Claudin et Xavier Phélut, CoordinateursDimanche14 septà partir de 15hDes Terreaux à Bellecourpar la rue de la RépubliqueOn ne présente plus le Défilé : plus grande parade chorégraphique d’Europe,« rituel d’agglomération », événement « spectacle vivant » le plus populaire et leplus festif du Grand Lyon…Librement inspiré des écoles de samba du Carnaval de Rio, le Défilé est désormaisun rendez-vous très attendu qui rassemble au cœur de la ville les habitants de larégion.Cette année, 15 groupes fédèrent plus de 4 500 participants amateurs de 10 à 80ans, encadrés par 250 artistes professionnels sous la direction artistique de chorégraphes.Le 14 septembre, ils investissent la rue de la République pour livrer leurinterprétation du thème Légendes d’avenir.Dans ce projet artistique sont mobilisés des centaines d’associations et des milliersd’individus, acteurs d’une dynamique dépassant largement aujourd’hui les organisateurscomme les politiques.Mais le Défilé de la Biennale de la Danse, événement à forte notoriété, aventureartistique avant tout, est aussi un projet humain et solidaire faisant la part belleaux rencontres et aux échanges entre citoyens, générations, cultures…Le Défilé célèbre la différence à travers un acte artistique et créatif, donnantl’occasion d’inventer un nouvel imaginaire collectif au croisement des pratiquesculturelles et de l’innovation artistique.Entretien avec Carla Frison, chorégraphe etMourad Merzouki, chorégraphe invitéIsabelle Danto : Vous avez participé au Défilé, en pilotant un deses groupes dès sa première édition en 1996 lors de la Biennalebrésilienne, puis en 2006. Cette année vous êtes le chorégrapheinvité de la Biennale, quelle forme prend votre intervention dansle Défilé ?Mourad Merzouki. Pour cette nouvelle édition du Défilé, devenule signe fort de la politique d’ouverture de la Biennale au plusgrand nombre, je continue de raconter les rapports sociauxdans la ville en chorégraphiant, avec ma compagnie Käfig, pourle groupe de Bron. Mais sur la proposition de Guy Darmet, jeconstruis cette année encore autre chose, en intervenant auprèsde tous les groupes du Défilé. J’ai d’abord imaginé pour les 4500 participants une chorégraphie qui puisse s’étirer sur toutle parcours, des Terreaux à Bellecour… ce qui, très vite, s’estrévélé techniquement impossible ! J’ai alors, à défaut d’unegrande chorégraphie commune, balisé ce parcours avec des «pointillés » qui sont un fil conducteur entre les quinze groupes. Ilsfonctionnent comme un refrain, grâce à des textes « live » écritspar un slameur, mettant en valeur l’immense synergie du Défilé,dont la démarche de création reste exceptionnelle, en plus d’êtreun lieu de partage exemplaire.Est-ce parce que vous êtes Brésilienne en plus d’être chorégrapheque vous êtes particulièrement fidèle au Défilé ?Carla Frison. Je suis arrivée à Lyon pour la Biennale brésilienne etj’avais auparavant participé au Carnaval de Rio, dont le but estéminemment social. Car si le carnaval de Rio est une fête - toutesles écoles de samba y participent, et les groupes ne sont pas de250 comme ici, mais de 4 000 personnes - il s’agit avant tout d’unconcours ! La joie, l’imprévu, l’éphémère sont au rendez-vous maisil s’agit surtout de gagner ! A Lyon, l’enjeu social ne prend pas lepas sur la création artistique, même s’il s’agit pour les groupes detrouver leur place dans la ville et la société, ce qui peut effrayerquand on s’expose aux regards du public. La mobilisation etl’engagement de tous sont vraiment magiques. Cette année àRillieux j’ai travaillé de façon très participative à raconter l’histoiredu monde, pour faire simple… (Rires).Comment s’organise pratiquement un projet ?MM. Le Défilé représente un immense travail en amont, unengagement d’un an et demi auprès des structures locales,théâtres, maisons de quartiers, MJC, associations et de nombreuxbénévoles. Encadrés et guidés par une équipe artistique quicompte plusieurs personnes et différents métiers - du costume à lascénographie en passant par la musique -, les gens se retrouvent,régulièrement, dès janvier, en salle puis en plein-air, pourtravailler dans de vraies conditions de « filage ». Le plus beaudu projet est sans doute cette extrême mobilisation, son rythmeet sa rigueur. Les responsables savent qu’ils portent, au-delàd’un véritable projet artistique, un projet humain. Tous suiventensemble, artistes, participants amateurs, et c’est pour cela que çamarche et que cela manque quand tout est fini... avant que celane recommence !Propos recueillis par Isabelle DantoNB : Dossier de presse disponible à partir du 15 juin88

Les groupes du Défilé 2008Stéphane VahiéLe peuple du rireLes Rigolus vivaient en harmonie dans lerire et la danse. C’était un peuple de bonsvivants qui croquaient la vie à pleines dents,jusqu’au jour funeste où le virus Tristus fitson apparition et éteignit leur joie de vivre...Mais le virus n’avait aucun pouvoir sur lesenfants, toujours pleins de vie et porteursd’espoir. A travers leurs jeux et leurs danses,ils invoquèrent les divinités pour fairerevenir le rire. Sacrée, tribale ou festive,la danse a trouvé sa place dans toutes lescivilisations. Et c’est au coeur du peuple durire qu’elle devint un hymne à la vie grâceà sa, bientôt, fameuse danse du rire. Lalégende était en route…L’Arbresle et l’ouest lyonnaisMJC de l’Arbresle04 74 01 15 91 / r.maurand@acolade.frMourad Merzouki / Cie KäfigDans les tempsD’un tableau plutôt noir de l’avenir,j’aimerais faire émerger les couleursd’un passé partagé par tous, un immensepatchwork d’identités, de cultures et depersonnalités qui composent le mondeactuel, à l’image des participants du défiléde la Ville de Bron. Plus concrètement,j’imagine une chorégraphie d’ensemble :la danse des clones. Puis, de cette vision,surgiraient comme des flash-backs desdanses réminiscences d’un passé pas silointain (années 1920, 50, 70...).BronVille de Bron04 72 36 13 65 / festivites@ville-bron.frJulie Serpinet / Cie SongesSisyphe heureuxJulie Serpinet, directrice artistique de lacompagnie Songes, a choisi de travaillerautour du mythe de Sisyphe*. La partiedrôme-ardéchoise du Défilé s’intituleSisyphe heureux et décline les thèmes del’affirmation de soi, la poétique du bonheur,l’ouverture sur la différence… La création,résolument pluridisciplinaire, propose unerecherche autour de masques sphériquesbifaces permettant au spectateur de tendrel’œil et de se laisser dérouter par l’étrangetédes corps en mouvement.* dans la mythologie grecque, roi légendaire de Corinthe,célèbre pour ses crimes, condamné dans les Enfers à fairerouler sur la pente d’une montagne un rocher qui retombaittoujours avant d’avoir atteint le sommet. Cette légende futrevue en 1942 par Albert Camus.Bourg-lès-Valence et Drôme-ArdècheCompagnie Songes / 04 75 55 16 62contact@compagnie-songes.comDominique Guilhaudin /Cie GambitExemplumEt si le Défilé de la Biennale 2008 était unelégende d’avenir ? C’est à travers le thèmedes jardins, dans un esprit de verdurechatoyante et écologique (du décor auxcostumes) que nous construirons notredéfilé. A l’image de la rumeur qui faitnaître la légende, ce cortège sera amplifié,déformé, rendu « extraordinaire »... par lebiais du mouvement, de la musique et de lavoix.Chambéry, Savoie et AnnemasseCompagnie Gambit06 27 41 40 63 / gambitcie@yahoo.frMaude Bulinge / Cie IntersignesDemain l’humainDemain l’humain est une vision poétiquede la condition humaine confrontée auxenjeux de l’avenir. Les hommes, engagéssur une voie qu’ils subissent, choisissent unautre chemin pour le futur où s’exprimeraentièrement leur humanité la plusprofonde, humanité symbolisée par unnez rouge qui se transmettra comme unflambeau de danseur en danseur et jusqu’aupublic…Grigny, Pierre-Bénite, Saint-Genis-LavalCompagnie Intersignes04 78 19 75 24philippe.bulinge@worldonline.frChristophe DelachauxEt ça continue …Le monde roule sa bosse et nous roulonsavec lui de légende en légende. Nous noussommes penchés sur les religions. Avonsfait avec leurs légendes. Elles vont traversernos corps, s’approprier un langage. Sansfioriture, nous serons avec un orchestred’instruments à vent au cœur des chanteurset danseurs des différentes MJC de l’Isère etparcourrons le monde de l’Afrique à l’Inde,de l’Europe à l’Amérique. Pour finir par vousdire que l’on ne va pas s’arrêter là…IsèreAssociation Départementale desMJC de l’Isère04 76 86 67 67del.isere@mjc-rhonealpes.orgNadia Lobet et TiémiBalleydier / Cie GuesméRéveils du monde(inspiré du roman de Lewis Carroll,Alice au Pays des Merveilles)Des Clônes d’Alice à la Cartomancie,des Lapins Roses contrôlant le Char duTemps à l’inquiétante Forêt de PlantesTransgéniques, sans oublier les ChapeliersFous, les « Antipattes » et les diverspersonnages farfelus, Réveils du Mondepropose une perception futuriste de ceconte légendaire à travers une créationmélangeant danseurs, échassiers, rollers,circassiens, jeux théâtraux, musiques hiphop,gospel, human beatbox…Lyon 3 èmeMaison pour Tous - Salle des Rancy04 78 60 64 01coordination@salledesrancy.comAurélien Kaïro et LaurelineGelasFace à Face dans la ville MondeUne prophétie ancestrale se réalise ausein d’une ville cosmopolite en proie auxconflits et à l’incompréhension mutuellede ses habitants. L’apparition du « Zage »,entité spirituelle représentée par une têtemonumentale sans âge ni origine, effraie,étonne puis permet la réconciliation etl’apaisement général.Lyon 7 ème , 4 ème et agglomérationLes Zurbamateurs08 73 61 34 40leszurbamateurs@yahoo.frAnnick Charlot / Cie Acte& Natacha Paquignon / CieKat’chaçaC’est quoi demain ?Et si l’on cessait, demain, de gaspiller lesobjets et les hommes ? Et si l’on décidaitde les recueillir, d’accueillir leurs histoirespour inventer, avec eux, de nouveauxrécits ? Construit autour d’un grand projetde collecte et de récupération et mené pardeux équipes chorégraphiques réunies, cedéfilé en sept tableaux fait le choix de latransformation créatrice toujours possible.Le pari vivant, avec tous ceux qui porterontl’ouvrage jusqu’au grand jour, d’uneseconde chance donnée à ce que l’on croyait« foutu ». Le rêve d’un monde qui ne s’a(ch)jèterait pas.Lyon 8 èmeCompagnie Acte04 78 56 29 83cieacte@free.fr89

Marcos Dos SantosLes gens de l’avenirUn homme marche du Rajasthan àl’Andalousie. Il fait de nombreusesrencontres et côtoie des cultures florissantes.Au cours de ce périple initiatique, hauten couleurs, fort en musiques, il tissedes liens enrichissants qui contribuent àl’épanouissement d’une nouvelle identité.Il construit de nouveaux rêves où cohabitentdes messages humanistes sur le vivreensemble et des images d’une société dessolidarités ouverte sur le monde. Ce défiléconte son histoire et démontre commentune aventure humaine et géographiquecontribue à construire les gens de l’avenir, àécrire les légendes d’avenir.Lyon 9 ème , Dardilly, EcullyMJC Duchère04 78 35 39 21contact@mjcduchere.orgBlandine Basile / Cie DésobliqueEoliticLa légende se doit d’être merveilleuse, c’estlà tout le pouvoir de l’imaginaire sur laréalité. Eolitic est une légende de demain,elle nous emmène dans l’ère du vent et deséléments. Nos descendants lointains, auxsens surdéveloppés et en osmose parfaiteavec la nature, reviennent nous faire rêverd’un avenir plus harmonieux et sage, oùl’évolution propre de l’homme a retrouvé saplace au sein de l’évolution du monde.MeyzieuVille de Meyzieu04 72 45 16 75culture@mairie-meyzieu.frCarla Frison / Cie Aqui et laDe la naissance de la Terreà l’avenir de l’HommeUne traversée des récits intemporelsnous fait voyager du big-bang au futur.Les quatre éléments, l’évolution de lamarche de l’homme, la rencontre avecl’Autre, la naissance du jour et de lanuit. Chaque groupe expérimente unetransformation, une évolution. Éternelrecommencement, le temps devient boucleet les interactions avec le public construisentle futur en assemblant tous les participantsen une seule voix.Rillieux-la-PapeMJC O’Totem04 78 88 94 88info@mjcrillieux.comWindship Boyd-ColyADN : Accouche et Danse àNouveauA travers l’ADN, la chorégraphe met enscène un voyage dans le ventre maternel oùse joue l’universel.Dans Accouche et Danse à Nouveau,le groupe est tour à tour un attribut degenre, une cellule ou encore un battementde cœur... battement de vie. Il dansela fécondité comme un grand momentd’humanité renouvelée, comme un élogeà nos mères qui perpétuent les cycleset recréent le monde à partir de leurschairs. En dansant la conception de la vie,le groupe crée la pulsation d’un nouvelêtre qui se dessine, qui figure nos propreslégendes en devenir.Vaulx-en-Velin et Sainte Foy-les-LyonMediactif04 78 80 22 61ec.espacecarco@mediactif.orgFatiha BouinoualSoma, Soma ?Inspiré librement du roman d’Huxley, Lemeilleur des mondes, le scénario du defiléde Vénissieux présente la métaphore d’unesociété où ce qu’il y a d’humain en l’Hommeserait méthodiquement effacé. Cet avenirproposé est-il présent ou appartient-il à lalégende?Mêlant intimement chorégraphie, voix,percussions vocales et corporelles, ledéfilé vénissian interroge notre conditionhumaine. Quand le caddie côtoie le clone,le meilleur de ce monde ne serait-il pasailleurs, à la source du plus intime de chacundans l’horizon d’un mieux vivre ensemble?VénissieuxCentre associatif Boris Vian04 72 50 09 16contact@cabv.comBouba Landrille Tchouda /Cie MalkaOn ne peut pas savoir où l’on va,si l’on ne sait pas d’où l’on vientComme un leitmotiv d’une rhapsodiepopulaire, le défilé villeurbannais serassemble autour de l’idée : On ne peutpas savoir où l’on va, si l’on ne sait pasd’où l’on vient. Portraits éphémères decommunautés et de mémoires individuellesse rejoignent autour d’un même pilier,colonne vertébrale de l’humanité, siège desouvenirs et de symboles collectifs à monter,à démonter, à adapter dans cette danse dutemps.VilleurbanneCentre Culturel Œcuménique Jean-PierreLachaize04 78 93 41 44defile@cco-villeurbanne.orgScènes arts 2 rue / Mano AmaroOmbres et lumièresOmbres et lumières, histoire du carnavalde Rio, des écoles de samba des annéesquarante à nos jours. Nous allons rendrehommage à Natal, celui qui a officialisé lepremier défilé carnaval à Rio de Janeiro,aux villes de Rio et de Lyon. Nous allonscréer et faire défiler une école de sambadans les règles de l’art Carioca, fairechanter le traditionnel samba au public,comme le font toutes les écoles au Brésil.Lyon s’est inspiré du carnaval de Rio, noussouhaitons les remercier par ce défilé.Scènes arts 2 rue04 72 00 87 16 / 06 28 27 07 10scenesarts2rue@yahoo.fr90

Le Défilé"Legends of the Future"Guy Darmet, Artistic DirectorStéphanie Claudin and Xavier Phélut, CoordinatorsSunday14 Septstarts 3pmFrom Terreaux to Bellecourvia Rue de la RépubliqueLe Défilé no longer needs any introduction. It is the biggest choreographedparade in Europe, a metropolitan ritual, and the most popular and festive liveperformanceevent in Greater Lyon’s cultural calendar.Freely inspired by the samba schools at the Rio Carnival, Le Défilé is now a hotlyawaitedattraction that brings the Lyon area’s residents together at the heart ofthe city.This year, some 15 groups, comprising more than 4,500 amateur participants agedfrom 10 to 80, have been overseen by 250 professional artists under the artisticdirection of choreographers. On 14 September, they will take over Rue de laRépublique to offer us their interpretation of the theme “Legends of the Future”.This artistic project mobilises hundreds of community associations and thousandsof individuals, all of them part of a dynamic that has now spread far beyond theorganisers and local politicians.But Le Défilé staged by the Lyon Dance Biennale – a high-profile and primarilyartistic adventure – is also a human, solidarity-driven enterprise that gives pride ofplace to encounters and exchanges between citizens, generations and cultures.Le Défilé celebrates difference through an artistic and creative act, providingthe opportunity to invent a new collective realm of the imagination at theintersection of cultural practices and artistic innovation.Interview with Carla Frison, choreographer andMourad Merzouki, guest choreographerIsabelle Danto: You led one of the groups that danced in the firsteverDéfilé, at the Brazilian Biennale, and did so again in 2006.Now you’re the Biennale’s guest choreographer. What’s your rolein Le Défilé?Mourad Merzouki. Le Défilé has come to symbolise the Biennale’spolicy of embracing the largest possible audience. For thislatest edition, I’ll still be talking about social bonds in the city– with my company Käfig, I’m choreographing the group fromthe municipality of Bron. But this year, as proposed by GuyDarmet, I’m also building something else by working with allthe Défilé groups. First I conceived a choreography for the 4,500participants that would stretch right along the route, from Placedes Terreaux to Place Bellecour... but that soon proved technicallyimpossible! So, instead of one big shared piece, I’m punctuatingthe route with “dotted-line” dances to announce each of thefifteen groups. These will be like a chorus, featuring a slammerperforming “live” texts and emphasising the huge synergygenerated by the Défilé – which, besides fostering an exemplaryspirit of sharing, is still an outstanding creative initiative.Carla, you’re particularly loyal to Le Défilé – is that becauseyou’re Brazilian as well as a choreographer?Carla Frison. I came to Lyon for the Brazilian Biennale, and I’dpreviously taken part in the Rio carnival, which has a stronglysocial purpose.Although the Rio carnival is a festive occasion – all the sambaschools take part, and there are 4,000 people in each group, not250 like in Lyon – it’s primarily a competition! The atmosphere’sjoyful, unpredictable and ephemeral, but winning matters most!In Lyon, the social element doesn’t take precedence over theartistic side, even though the idea is to help the groups find theirplace in the city and society – which can be scary when you havean audience watching you.The groups’ commitment, and the way they mobilise, is trulymagical. And this year with the Rillieux group, I’ve worked in areally participative way to narrate the history of the world – in anutshell! (Laughs)In practical terms, how’s the project organised?MM. Le Défilé requires a huge amount of preparation and an18-month commitment to the local organisations – theatres,community centres, youth and cultural centres, non-profitassociations and the many volunteers. Supervised and guidedby an artistic team of several people with varying professions –costume, stage design, music and so on – people start meetingregularly in January, in halls then outdoors, to properly “block”their positions and moves. The best thing about the project isdefinitely this extreme dedication, tempo and rigour. The peoplein charge know that they’re leading a human enterprise as wellas a genuine cultural project. The artists and amateur participantsmove forward together. That’s why it works, and why we all missit when it’s over... until it kicks off again!By Isabelle DantoNB : Press book available on June 15th91

The groups in Le DéfiléStéphane VahiéLe peuple du rire“The Rigolus live in a harmonious worldof laughter and dance. These bons vivantsenjoy life to the full, up until the dreadfulday when the Tristus virus appears andsnuffs out their joie de vivre... But the virushas no power over children, who still brimwith life and hope. Through games anddances, they invoke the gods to bring backlaughter. Dance – whether sacred, tribalor festive – has found its place in everycivilisation. And among these laughingpeople it becomes a hymn to life thanks tothe (soon-to-be) famous laughter dance. Alegend is in the making…”L’Arbresle et l’ouest lyonnaisMJC de l’Arbresle04 74 01 15 91 / r.maurand@acolade.frMourad Merzouki / Cie KäfigDans les temps“At a time when the future looks fairlygloomy, I’d like to bring out the colours ofa past shared by all, a huge patchwork ofthe identities, cultures and personnalitiesthat make up today’s world – as reflectedby Bron’s participants in the parade. Morespecifically, I’ve dreamed up a piece ofgroup choreography: the dance of theclones. This vision then generates danceflashbacks that conjure a not-so-distant past– the 1920s, ’50s, ’70s.”BronVille de Bron04 72 36 13 65 / festivites@ville-bron.frJulie Serpinet / Cie SongesSisyphe heureux“Julie Serpinet, artistic director ofCompagnie Songes, has chosen to workon the myth of Sisyphus. This parade,created in the Drôme and Ardècheregions, is called Sisyphe heureux (HappySisyphus) and explores themes such as selfaffirmation,the poetics of happiness, andembracing difference. This emphaticallycross-disciplinary piece uses doubledsidedspherical masks to catch spectators’attention and disconcert them withstrangely moving bodies.”Bourg-lès-Valence et Drôme-ArdècheCompagnie Songes / 04 75 55 16 62contact@compagnie-songes.comDominique Guilhaudin /Cie GambitExemplum“And what if the 2008 Biennale Défilé werea legend of the future? We have devisedour parade around the theme of gardens,in a spirit of shimmering and ecologicalgreen sets and costumes. Like rumours,which give rise to legends, our paradewill be amplified, distorted and rendered“extraordinary”... by movement, music andvoice.”Chambéry, Savoie et AnnemasseCompagnie Gambit06 27 41 40 63 / gambitcie@yahoo.frMaude Bulinge / Cie IntersignesDemain l’humain“Demain l’humain is a poetic vision of thehuman condition faced with the challengesof the future. Humankind, currentlyheaded down a road of suffering, choosesanother path to the future that will givefull expression to its deep humanity – assymbolised by a red nose that will be passedlike a torch from dancer to dancer and viathe public…”Grigny, Pierre-Bénite, Saint-Genis-LavalCompagnie Intersignes04 78 19 75 24philippe.bulinge@worldonline.frChristophe DelachauxEt ça continue …“The world spins away and we spin with it,from legend to legend. We have focusedon the legends of religions. They will flowthrough our bodies, creating their ownlanguage. In unflashy style, we’ll have anorchestra of wind instruments amid singersand dancers from the various youth andculture centres of the Isère region, as wetravel the world from Africa to India, fromEurope to America, and finally telling youthat we’re not stopping there…”IsèreAssociation Départementale desMJC de l’Isère04 76 86 67 67del.isere@mjc-rhonealpes.orgNadia Lobet and TiémiBalleydier / Cie GuesméRéveils du monde(inspiré du roman de Lewis Carroll, Alice auPays des Merveilles)Featuring Alice Clones, Fortune Tellers, PinkRabbits controlling the Time Float, and thedisturbing Forest of Transgenic Plants – notforgetting the Mad Hatters, the Antipathiesand sundry other weird and wonderfulcharacters, Réveils du Monde offers afuturistic take on Alice in Wonderland thatblends dancers, stilt-walkers, roller skaters,Circassians, theatre games, hip-hop andgospel music, and human beatboxes.Lyon 3 èmeMaison pour Tous - Salle des Rancy04 78 60 64 01coordination@salledesrancy.comAurélien Kaïro and LaurelineGelasFace à Face dans la ville Monde“An age-old prophesy comes truein a cosmopolitan city wracked bymisunderstandings between its inhabitants.The advent of ‛Zage’, a spiritual entityrepresented by a monumental, agelesshead from nowhere, sparks fear andastonishment, then leads to reconciliationand the restoration of tranquillity.”Lyon 7 ème , 4 ème et agglomérationLes Zurbamateurs08 73 61 34 40leszurbamateurs@yahoo.frAnnick Charlot / Cie Acte& Natacha Paquignon / CieKat’chaçaC’est quoi demain ?“And what if, tomorrow, we stoppedwasting people and things? And decidedinstead to gather them together andembrace their stories, to create newnarratives with them? This seventableauparade, built around a hugecollection and reclamation project ledby two choreographic teams workingjointly, espouses the idea that creativetransformation is always possible. Everyonehelping to stage this work has gambledon giving a second chance to things thatwere thought ‛defunct’ – living the dreamof a non-disposable world that cannot bebought.”Lyon 8 èmeCompagnie Acte04 78 56 29 83cieacte@free.fr92

Marcos Dos SantosLes gens de l’avenir“A man walks from Rajasthan to Andalucia.He meets many people along the way, andexperiences thriving cultures. During thisvibrantly colourful and musical journey ofdiscovery, he builds enriching bonds thathelp a new identity to flourish. He weavesnew dreams in which humanist messagesabout living together combine with imagesof a solidarity-led society open on theworld. This parade tells his story: how ahuman and geographic adventure can helpto shape tomorrow’s people and write thelegends of the future.”Lyon 9 ème , Dardilly, EcullyMJC Duchère04 78 35 39 21contact@mjcduchere.orgBlandine Basile / Cie DésobliqueEolitic“Legends have a duty to be wonderful– such is the power that the imaginativerealm exerts over reality. Eolitic is a legendof tomorrow, it leads us into the ageof the wind and elements. Our distantdescendants, who have overdevelopedsenses and live at one with nature, travelback in time to set us dreaming about awiser and more harmonious future, in whichhumankind once again evolves in concertwith evolution of the world around us.”MeyzieuVille de Meyzieu04 72 45 16 75culture@mairie-meyzieu.frCarla Frison / Cie Aqui et laDe la naissance de la Terre àl’avenir de l’Homme“Timeless tales takes us travelling fromthe Big Bang to the future, and touch onthe four elements, the evolution of Man,encounters with the Other, and the birth oflight and darkness. Each group experimentswith transformation and evolution. Time –which begins again eternally – becomes aloop, and interactions with the public createthe future by assembling all the participantsinto one voice.”Rillieux-la-PapeMJC O’Totem04 78 88 94 88info@mjcrillieux.comWindship Boyd-ColyADN : Accouche et Danse àNouveau“In ADN, the choreographer stagesa journey in the mother’s belly thataddresses universal themes.The group is in turns a genderattribute, a cell and a heartbeat –throbbing life. Fertility is treated as agreat moment of humanity renewed, aeulogy to our mothers, who perpetuatecycles and recreate the world with theirflesh. By rendering the conception of life indance, the group creates the pulsation ofa new, embryonic being that suggests ourown nascent legends.”Vaulx-en-Velin et Sainte Foy-les-LyonMediactif04 78 80 22 61ec.espacecarco@mediactif.orgFatiha BouinoualSoma, Soma ?“The Vénissieux group’s parade, freelyinspired by Huxley’s Brave New World,presents the metaphor of a society inwhich Man’s human parts are methodicallyerased. Is this vision of the future alreadypresent or merely the stuff of legends? Inan intimate weave of choreography, voice,and vocal and body percussion, this paradeexplores our human condition. In a worldof shopping trolleys and clones, maybethe best of it is elsewhere, deep in eachindividual’s intimacy and on the horizon ofa better life together.”VénissieuxCentre associatif Boris Vian04 72 50 09 16contact@cabv.comBouba Landrille Tchouda /Cie MalkaOn ne peut pas savoir où l’on va, sil’on ne sait pas d’où l’on vient“Like the leitmotiv of a popular rhapsody,the Villeurbanne parade centres on an idea:There’s no way of knowing where we’regoing if we don’t know where we comefrom. Fleeting portraits of communities andindividual memories fuse into one pillar,the backbone of humankind – a fund ofcollective recollections and symbols to bedisplayed, dismantled and adapted into thisdance of time.”VilleurbanneCentre Culturel Œcuménique Jean-PierreLachaize04 78 93 41 44defile@cco-villeurbanne.orgScènes arts 2 rue Mano AmaroOmbres et lumières“Ombres et lumières tells the story of Riode Janeiro’s carnival and its samba schools,from the 1940s to the present day. We paytribute to Natal, who gained official statusfor the first carnival parade in Rio, and tothe cities of Rio and Lyon. We’re going tocreate a samba school and stage a properCarioca-style parade and get spectatorssinging a traditional samba, like all theschools do in Brazil. Lyon has been inspiredby Rio’s carnival, and we want to thank thepeople of Lyon with our parade.”Scènes arts 2 rue04 72 00 87 16 / 06 28 27 07 10scenesarts2rue@yahoo.fr93

Le Rendez-vous de la BiennaleAu Palais du Commercedu lundi au samedi de 10h à 19h, 20 place de la Bourse - Lyon 2e - Métro Cordeliersen partenariat avec la Chambre de Commerce et d’Industrie de LyonAu centre-ville de Lyon, dans des espaces aménagés au Palais du Commerce, le « Rendez-vous de la Biennale » vouspropose tous les jours (sauf le dimanche) des occasions régulières de prolonger votre expérience de spectateur :- Conférences quotidiennes avec les chorégraphes de la Biennale- Débats, rencontres, tables rondes, permanences d’information…- Point d’accueil : publications et documentations sur la danse- Ciné-Danse : projections de films de danse et de vidéos l’après-midi- Point librairie Musicalame : grand choix d‘ouvrages sur la danse, www.musicalame.fr- Café Danse : restauration à toute heureLe Rendez-vous de la Biennale est aussi le lieu d’accueil des professionnels, de la presse et des artistes.Programme détaillé du Rendez-vous de la Biennale disponible en septembre à la Billetterie / Galerie des Terreaux et au Palais du CommerceL’aménagement du Café Danse et du « Rendez-vous de la Biennale » est conçu et réalisé par le designer Pierre David. www.pierredavid.netAvec le soutien d’Habitat et de la boutique Béatrice Collin Fleur.Rencontres, débats, dialoguesSession d’information«Culture» programme de l’Union européennepour la période 2007-2013Par la Nouvelle Agence Culturelle Régionale -Rhône-Alpes (NACRe) et le Relais Culture EuropeCe temps d’information présente le dispositif desoutien à la coopération culturelle en Europe etdes témoignages d’opérateurs dans le domainedu spectacle vivant afin de mieux comprendreles modalités d’accès au programme.Vendredi 12 septembre de 14h30 à 17hInscriptions :+33 (0)4 78 39 01 05 / c.palluy@arsec.orgwww.relais-culture-europe.orgConversation ouverteentre Geneviève Vincent, écrivain, et Mitia Fedotenko,chorégraphePar le Pacifique | CDC de GrenobleA partir du livre de Geneviève Vincent « Tropde corps » (Indigène éditions), l’auteur et lechorégraphe Mitia Fedotenko (Cie Autre Mina)présentent la pièce à venir, « Dans sa peau », àl’issue d’un laboratoire de recherche au Pacifique| Centre de Développement Chorégraphiquede Grenoble. Geneviève Vincent écrit depuisplus de vingt ans sur la création chorégraphiquecontemporaine. Elle enseigne l’histoire des artsdu spectacle dans plusieurs universités et écolesd’art françaises. Formé au CNDC d’Angers,puis à EXERCE à Montpellier, Mitia Fedotenkocollabore avec Didier Théron, Mathilde Monnieret François Verret.Mardi 16 septembre à 16hInformations :+ 33 (0)4 76 46 33 88contact@pacifique-cdc.comwww.pacifique-cdc.comDémonstrationde « La Valise des métiers de la danse »Par Catherine Liepin, créatrice de la Valise(compagnie Moodoux)Présentation de l’outil pédagogique permettantde faire découvrir les métiers de la danse (interprète,technicien, costumier, etc.) et le rôle duchorégraphe à travers des ateliers ludiques avecde jeunes enfants (3-12 ans).Destiné aux médiateurs culturels ou enseignantsen primaire.Mercredi 17 septembre de 14h30 à 16hRenseignements et inscriptions :Service des publics de la Biennale+33 (0)4 72 26 38 00public@biennale-de-lyon.orgRencontreAux frontières de la création entre danse etaudiovisuel : questions de droits d’auteurPar le Centre national de la danseDe l’utilisation d’une œuvre audiovisuellepréexistante à la création d’un spectacle originalpluridisciplinaire, les processus de créationchoisis par le chorégraphe soulèvent desquestions relatives aux droits d’auteur : l’identificationdes différents titulaires de droits et lesdémarches à effectuer pour solliciter leur autorisationlors de la reprise d’images existantes,la négociation des droits d’utilisation d’imagesd’archives et le rôle des banques d’images,les conditions dans lesquelles le vidéaste estconsidéré comme coauteur du spectacle chorégraphique; le coût des droits vidéo dans lebudget de production.Jeudi 18 septembre de 14h30 à 17hInformation et inscription :+33 (0)1 41 839 839 / metiers@cnd.frwww.cnd.frRéflexionsur la place des compagnies indépendantes dansle secteur chorégraphiquePar le SYNAVI, Syndicat National des Arts VivantsJeudi 18 septembre de 17h à 19hwww.synavi.free.frRencontre ArcadiAction régionale pour la création artistique et ladiffusion en Ile-de-FrancePar Arcadi, Action régionale pour la créationartistique et la diffusion en Ile-de-FranceLa consultation des compagnies et l‘élaborationd‘une base de données de la diffusion danseen Ile-de-France permettent aujourd‘hui deproposer un diagnostic et d‘élargir la concertationavec les acteurs nationaux du champchorégraphique. Arcadi vous présentera cet étatdes lieux afin d’échanger autour des conditionsde la création et de diffusion.Vendredi 19 septembre de 15h à 17hwww.arcadi.frRencontreautour de la notion de transmissionPar Transmissions, l’association des diplômés etétudiants du Master Culture & Communicationde l’Université d’Avignon.En tant qu’acteur de la vie culturelle (organisateurou spectateur), comment chacun vit-ilsa place comme passager et témoin de l’artaujourd’hui ?Avec des artistes, professeurs et anciens élèvesdu Master.Samedi 20 septembre de 15h à 18hContact :association.transmissions@gmail.comConférences de presse quotidiennesavec les artistesLes chorégraphes du festival parlent de leurtravail en présence de professionnels et journalistesinternationaux : un moment incontournablepour entendre la parole des chorégraphes laveille de la première représentation.Animées par Guy Darmet, directeur artistiquede la Biennale de la Danse, et Benjamin Perchet,adjoint à la programmation de la Maison de laDanse.Du lundi au vendredi de 11h à 13h94

Ciné-DanseChaque semaine, retrouvez un programme de films de danse en lien avec les thèmes abordés par la Biennale (mémoire du corps, transmission,relecture du passé, nouvelles technologies, etc).Paysages chorégraphiques contemporains en FranceUne sélection de films de danse qui offre un panorama de la création chorégraphique contemporaine avec des portraits d’artistes reconnus (Odile Duboc,Anne Teresa De Keersmaeker), des carnets de voyage (Joseph Nadj en Serbie, Bernardo Montet au Sénégal) et des fictions chorégraphiques (Divagationsdans une chambre d’hôtel, Uzès Quintet).Programmation issue de la sélection de films de la collection « Paysages chorégraphiques contemporains » conçue par le Ministère des Affaires Etrangères - Direction del’Audiovisuel Extérieur en partenariat avec le Centre National de la Cinématographie - Images de la culture.(www.cnc.fr)Du lundi 8 au samedi 27 de 15h à 18hProgrammation : www.biennale-de-lyonPermanences d’informationNACRe (Nouvelle Agence CulturelleRégionale - Rhône-Alpes)- Documentation : accès à diverses ressourcescomme les guides des formations artistiques,administratives et techniques en Rhône-Alpes,la lettre des professionnels de la danse« Diagonale(s) », la base de données « RéseauInformation Culture ».- Information-conseil : réseaux de diffusion,formations, projets internationaux…Jeudi 11, 18 et 25 de 14h à 17hSur rendez-vous uniquement :+33 (0)4 72 77 84 30www.la-nacre.orgPermanences de CulturesfranceJeudi 25, vendredi 26 et samedi 27www.culturesfrance.comRelais information et conseild’ArcadiConsultation des compagnies chorégraphiques,base de diffusion Danse 2003-2007 en Ile-de-France.Samedi 20 de 11h à 13h et de 14h à 17hRenseignements :Françoise Billot, +33 (0)1 55 79 92 71francoise.billot@arcadi.frwww.arcadi.frCentre national de la danse /Département des métiersRetrouvez le Centre national de la danse àl’écoute des professionnels autour de quatregrands thèmes : vie professionnelle, droit, emploi-métierset santé.Documentation, fiches pratiques et possibilitésd’entretiens personnalisés pour :- faire le point sur votre projet professionnel(emploi, formation),- préciser votre statut d’artiste, de chorégrapheou d’enseignant,- vous informer sur la réglementation duspectacle ou del’enseignement,- aborder la question de la reconversion,- découvrir les évolutions concernant l’assurancechômage et l’intermittence du spectacle,- enrichir votre connaissance du secteur chorégraphique.Jeudi 18 et 25, vendredi 19 et 26 de 11h à 13het de 14h à 17hInformation et rendez-vous :+33 (0)1 41 83 98 39metiers@cnd.frwww.cnd.frAutres rendez-vous / Autres lieuxWorkshops, ateliers et coursA destination des danseurs professionnels et desenseignants de la danseDu Centre national de la danse à LyonCes moments de pratique et de partage sontconçus en écho aux pièces programmées à laBiennale de la Danse de Lyon avec les chorégraphesCarolyn Carlson, Anne Teresa DeKeersmaeker, Olga de Soto et Paul-André Fortier.Du 8 au 27Studios du CND40 ter rue Vaubecour - Lyon 2 eRenseignements et inscriptions :+33 (0)4 72 56 10 70iprc.lyon@cnd.fr / www.cnd.frStage approfondissement BAFA« Danse et accompagnement culturel »Par les CEMEA Rhône-AlpesL’association des CEMEA (centres d’entraînementaux méthodes d’éducation active), organisme deformation habilité par la jeunesse et les sports,propose un stage d’approfondissement dans lecadre du BAFA (brevet d’aptitude aux fonctionsd’animateur).Stage alliant pratique quotidienne et réflexionnotamment sur la démarche d’accompagnementdu spectateur et sur la place et le rôle desactivités culturelles dans les accueils collectifs demineurs. Pouvons-nous faire danser des enfantset des jeunes dans ces lieux d’accueil ? Commentles accompagner à des spectacles de danse ?Du 8 au 13CEMEA Rhône-Alpes - Bât les Passerelles24 avenue Joannès Masset - Lyon 9 eRenseignements et inscriptions :+33 (0)4 72 10 63 00bafa.bafd@cemearhonealpes.org15èmes rencontres du réseauBanlieues d’EuropeAltérité, créativité, diversité : transformationsurbaines et nouvelles pratiques culturelles desquartiers en EuropeProposé dans le cadre de l’Année Européennedu Dialogue Interculturel et de la Présidencefrançaise de la Commission Européenne.A l’heure de la circulation permanente deshommes, des cultures, des idées, il est urgentde mettre en perspective des projets innovantsdans les quartiers populaires, à l’aide de regardscroisés d’artistes, d’habitants, de chercheurs,d’élus, d’urbanistes, d’économistes de différentshorizons.Du jeudi 11 au samedi 13 (lieu à déterminer)Programme détaillé sur demande :+33 (0)4 72 60 97 80banlieues.deurope@wanadoo.frwww.banlieues-europe.comChantiers en coursInitiatives d’Artistes en Danses UrbainesA destination des professionnels. (Le Parc de laVillette, la Fondation de France, avec le soutiende la Caisse des Dépôts et de l’Acsé)Les Chantiers en cours sont une occasion unique,pour les professionnels, de découvrir les extraitsde création de 5 compagnies de danse hip-hop.Initiatives d’Artistes en Danses Urbainesparticipe, depuis 1998, au développement de ladanse hip-hop sur tout le territoire et accompagnedes projets chorégraphiques de compagniesde hip-hop professionnelles.Vendredi 12 septembre 15h à 17hMaison de la Danse - Studio Jorge DonnInscription indispensable:auprès de Tiphaine Bouniol, 01 40 03 76 84initiatives.artistes@villette.com95

Le RendezvousAt the Palais du CommerceFrom Monday to Saturday, 10am to 7pm, 20 place de la Bourse - Lyon 2e - Metro station: Cordeliersin partnership with the Lyon Chamber of Commerce and IndustryOpen every day of the week except Sunday, Le Rendezvous – at the Palais du Commerce in the heart of Lyon – is thereto help you get the most out of the Biennale. On offer:- press conferences with Biennale choreographers every morning at 11am- discussions, encounters, round tables, etc.- visitor services centre providing information, publication and documentation- screenings of dance films and videos each afternoon- book boutique run by Lyon’s Musicalame bookshop, unique in France for its coverage of music and dance- the Café Danse cafe and restaurantA great place to talk and exchange ideas, Le Rendezvous is also the meeting-point for dance professionals, media and artists.The programme for Le Rendezvous de la Biennale will be available in September at the Galerie des Terreaux ticket office and at the Palais du Commerce.The Café Danse and Le Rendezvous venues were designed and built by Pierre David. www.pierredavid.netSupported by Habitat and Beatrice Collin Fleur florist’s shop.Encounters, debates, dialoguesBriefing“Culture: the European Union programme for2007–2013“Organised by Nouvelle Agence Culturelle Régionale–Rhône-Alpes(NACRe) and Relais CultureEuropeThis information session outlines the supportmechanisms for cultural cooperation in Europe.Operators in the performing arts field will giveparticipants guidance on accessing and usingthe programme.Friday 12 September 2.30 to 5pmRegistrations:+33 (0)4 78 39 01 05 / c.palluy@arsec.orgwww.relais-culture-europe.orgConversationbetween Geneviève Vincent, writer, and MitiaFedotenko, choreographerOrganised by Le Pacifique/CDC, GrenobleTaking as their starting point Trop de Corps (pub.Indigène), the book’s author Geneviève Vincentand choreographer Mitia Fedotenko (Cie AutreMina) present Dans sa Peau, an upcoming workresulting from an experimental workshop at LePacific/Centre de Développement Chorégraphiquein Grenoble. Geneviève Vincent, whoteaches the history of the performing arts in anumber of French universities and art schools,has been writing on contemporary choreographyfor more than twenty years. Trained at theNational Centre for Choreography in Angers,then at EXERCE in Montpellier, Mitia Fedotenkoworks with Didier Théron, Mathilde Monnierand François Verret.Tuesday 16 September 4pmDetails:+ 33 (0)4 76 46 33 88contact@pacifique-cdc.comwww.pacifique-cdc.comDemonstrationof the “Dance skills pack“With Catherine Liepin of the Moodoux dancecompany, creator of the pack.Presentation of an educational tool for outliningthe various dance professions – dancer, technician,wardrobe master, etc. – via play-basedworkshops with children aged 3–12. For culturalliaison workers and primary teachers.Wednesday 17 September 2.30 to 5pmRegistrations:Biennale audience department,+33 (0)4 72 26 38 00 / public@biennale-de-lyon.orgEncounterDance and the Audiovisual Media: Author’sRights IssuesOrganised by the Centre national de la danseWhen an existing audiovisual work is usedas the basis for an original, multidisciplinaryproduction, the creative processes chosen by thechoreographer raise a range of issues regardingauthor’s rights: identification of the variousholders of rights; the procedure for obtainingtheir permission for the use of existing images;negotiation of usage rights for archival materialand the role of image banks; the conditionsunder which the video-maker is consideredco-author of the dance performance; and thecost of video rights as part of a productionbudget.Thursday 18 September 2.30 to 5pmRegistrations:+33 (0)1 41 839 839 / metiers@cnd.frwww.cnd.frTalksabout the place of independent companies inthe choreographic field in FranceOrganised by the Syndicat National des ArtsVivants (SYNAVI)Thursday 18 September 5 to 7pmwww.synavi.free.frArcadi Roundtableby the Paris regional body for artistic creationand disseminationConsultation with companies and the developmentof a database on dance diffusion in theIle-de-France region has made it possible toanalyse the field and to extend consultation tochoreography stakeholders nationally. Arcadi willpresent its findings to generate a debate aboutthe conditions of creating and diffusing newwork.Friday 19 September 3 to 5pmwww.arcadi.frEncounterThe concept of outreachOrganised by Transmissions, the association ofgraduates and students of the MA in Culture &Communication at the University of Avignon.As contributors (organisers or spectators) to thecultural scene, how do individuals see their roleas observers and mediators of the art of today?With artists, teachers and former MA students.Saturday 20 September 3 to 6pmContact:association.transmissions@gmail.comDaily press conferenceswith the artistsThe festival’s choreographers talk about theirwork in the presence of international danceprofessionals and journalists: a vital opportunityto hear what choreographers have to say theday before their first performance.Chaired by Guy Darmet, artistic director of theBiennale de la Danse, and Benjamin Perchet,assistant programmer at the Maison de laDanse, Lyon.Monday to Friday 11am to 1pm96

Ciné-DanseEach week, a programme of dance films linked to subjects raised by the Biennale: body memory, outreach, rereading the past, new technology,etc.Contemporary choreographic landscapes in FranceA selection of dance films offering a panorama of contemporary choreographic output, with portraits of renowned artists (Odile Duboc, Anne Teresa DeKeersmaeker), travelogues (Joseph Nadj in Serbia, Benardo Montet in Senegal) and choreographic fiction (Divagations dans une chambre d‘hötel, UzèsQuartet).The programme is taken from the “Paysages chorégraphiques contemporains” collection devised by the French ministry of foreign affairs / Externalaudiovisual department, in partnership with the Centre National de la Chorégraphie – Images de la Culture (www.cnc.fr)Monday 8 to Saturday 27 September 3 to 6pmProgramme details: www.biennale-de-lyonInformation desksNACRe (Nouvelle Agence CulturelleRégionale - Rhône-Alpes)- Documentation: access to a range ofresources including guides to art, administrationand technical training courses in the Rhône-AlpesRegion; Diagonale(s), newsletter for danceprofessionals; the Réseau Information Culturedatabase.- Information / advice: networks, trainingcourses, international projects, etc.Thursday 11, 18 and 25 2 to 5pmBy appointment only:+33 (0)4 72 77 84 30www.la-nacre.orgCulturesfrance staff presencesThursday 25, Friday 26, Saturday, 27www.culturesfrance.comArcadi informationand advice pointConsultations for dance companies. Centraliseddance information for the Ile-de-France Region.Saturday 20 11am to 1pm, 2pm to 5pmDetails:Françoise Billot, +33 (0)1 55 79 92 71francoise.billot@arcadi.frwww.arcadi.frThe French national dance centreProfessions departmentThe Centre national de la danse offers danceprofessionals assistance in four main fields:professional life, legal matters, employment/professionsand health.It offers documentation, information brochuresand personal interviews for:- an overview of your professional goals (work,training)- clarification of your status as performer, choreographeror teacher- information on the regulations governingperformance and teaching- changes of career- information on changes regarding unemploymentinsurance- expansion of your knowledge of the dancefieldThursday 18 and 25, Friday 19 and 26 11am to1pm, 2pm and 5pmDetails and appointments:+33 (0)1 41 83 98 39metiers@cnd.frwww.cnd.frOther events & venuesWorkshops & trainingThe national dance center in LyonThese practical sharing sessions tie in with workspresented at the Biennale. With choreographersCarolyn Carlson, Anne Teresa De Keersmaeker,Olga de Soto, Paul-André Fortier...8 to 27 SeptemberStudios du CND40 ter rue Vaubecour - Lyon 2 eDetails and registrations:+33 (0)4 72 56 10 70iprc.lyon@cnd.fr / www.cnd.frBAFA advanced workshop“Dance and cultural support work”Organised by CEMEA Rhône-AlpesThe state-certified body CEMEA (MethodTraining Centres for Active Education) is organisingan advanced workshop as part of the BAFAtraining scheme for educators. The workshopcombines everyday practical aspects with discussionof such issues as spectator guidance andthe role and status of cultural activities in localyouth centres. Can children and teenagers betaught to dance in these centres? And how togo about increasing their receptivity to dance?8 to 13 SeptemberCEMEA Rhône-Alpes - Bât les Passerelles24 avenue Joannès Masset - Lyon 9 eDetails and registrations:+33 (0)4 72 10 63 00bafa.bafd@cemearhonealpes.org15th meeting of Banlieues d’Europecultural networkDifference, creativity, diversity: urban changeand new neighbourhood cultural practices inEuropeOrganised as part of the European Year of InterculturalDialogue and France’s presidency of theEuropean CommissionIn an age of ceaseless movement of people,culture and ideas, we urgently need to get themeasure of innovative projects in working-classneighbourhoods, via the combined perceptionsof artists, residents, researchers, politicians,town planners and economists from differentbackgrounds.From Thursday 11 to Saturday 13 (venue TBC)To order the detailed programme:+33 (0)4 72 60 97 80banlieues.deurope@wanadoo.frwww.banlieues-europe.comWorks in ProgressOrganised by Initiatives d’Artistes en DansesUrbaines (Urban Dance Artists Initiative), withbacking from Fondation de France - Parc de laVillette - Caisse des Dépôts - AcséWorks in Progress is a great opportunity forprofessionals to spend an afternoon discoveringthe work of five hip-hop companies.Since 1998 Urban Dance Artists Initiative hasbeen helping to develop the hip-hop scene allover France, providing assistance and guidancefor dance projects by professional hip-hopcompanies.Friday 12 September 3pm to 5pmMaison de la Danse - Studio Jorge DonnRegistration is compulsory:contact Tiphaine Bouniol, 01 40 03 76 84initiatives.artistes@villette.com97

Focus danse3 jours de débats autour de l’art chorégraphiqueavec des professionnels du monde entierJeudi 25, vendredi 26 et samedi 27 septembreForum en collaboration avec Culturesfrance, et le soutien des Services Culturels des Ambassades de France. En partenariatavec le CND (Centre national de la danse), l’ONDA (Office National de Diffusion Artistique), NACRe (Nouvelle Agence CulturelleRégionale - Rhône-Alpes) et le Relais Culture Europe.Des professionnels de toutes nationalités(programmateurs, chorégraphes,critiques de danse…) se réunissentà Lyon pour un forum autour de lacréation chorégraphique en Franceet dans le monde. Durant trois jours,tables rondes, ateliers et échangesmettent en perspective, dans uncontexte international, les pratiquesprofessionnelles en matière d’art chorégraphique.Intervenants :Monique Barbaroux, directrice générale duCND (France)Zhan Changcheng, directeur de la BeijingModern Dance Company (Chine)Julie Dyson, responsable au Ausdancenational (Australie)Murielle Perritaz directrice de Reso - RéseauDanse (Suisse)Jon Ho-Lee, directeur du festival Sidance deSéoul (Corée)Ong Ken Sen, directeur du TheatreWorks(Singapour)Maguy Marin, chorégraphe (France)Ann Olaert, directrice du VTI - Vlaams TheaterInstituut vzw (Belgique)Rachid Ouramdane, chorégraphe (France)Madeline Ritter, directrice de projet duTanzplan Deutschland (Allemagne)Bilingue / Programme en cours d’élaborationJeu 25 sept / 16h30 – 17hPolitiques de soutien à la danseDébat organisé par le Centre national de ladansePlusieurs pays encouragent le développementde la danse en s’appuyant sur desschémas directeurs, des plans danse inscritstant au plan fédéral que national ou régional.Comment ces expériences initiées en Allemagne,Suisse, Flandre, Australie et Coréeconditionnent-elles les différentes formes desoutien et de structuration au secteur chorégraphique? Quels sont les effets de cesmesures en matière de création, de diffusionet de formation ?Ven 26 sept / 10h00 – 11h00Accompagner la création française au-delàdes frontièresSession d’information organisée parCulturesfranceComment faire appel à Culturesfrance, entant qu’opérateur étranger ou en tant quecompagnie travaillant en France ?Ven 26 sept / 10h00 – 17h00Echanges et rencontres organisés par l’ONDA(Office National de Diffusion Artistique)10h00 – 13h00 :Rencontres entre chorégraphes etprofessionnelsCes ateliers permettent à des équipes artistiquesde la scène française de s’entreteniravec les programmateurs présents autour deleurs projets en cours.14h30 – 15h30 :Panorama de la danse en FranceQuels sont les courants, les esthétiques, lesnouvelles figures de la danse contemporaineaujourd’hui sur le territoire français ?15h45 – 17h00 :Engagement des programmateursComment les programmateurs français eteuropéens s’engagent-ils dans l’accompagnementdes artistes chorégraphiques, dansle montage et la diffusion de leurs productions? Quels sont les dispositifs mis en placepour soutenir la circulation des œuvres ?Sam 27 sept / 11h – 13hCompagnonnage entre chorégraphesTable ronde organisée par NACRe (NouvelleAgence Culturelle de Régionale - Rhône-Alpes)De quelle manière les chorégraphesd’aujourd’hui parrainent-ils les plus jeunes ?Quel rôle jouent-ils dans le parcours de leurspairs ? Comment se traduit ce compagnonnageen Chine, à Singapour ou en Europe?Sam 27 sept / 14h – 16h30Accès à la cultureDébat organisé par le Relais culture Europe.Professionnels et chorégraphes se posentla question de l’accès à la connaissance - etplus spécifiquement à l’art chorégraphique- et de son lien avec la dimension d’équitésociale, à travers des axes de réflexions européensà un niveau artistique et politique.En parallèle, des ateliers coporels destinésaux professionnels du spectacle vivant (programmateurs,administrateurs, chargés dediffusions, etc...) seront proposés vendrediet samedi matin au Centre national de ladanse à Lyon de 10h à 11h30.Forum bilingue / Programme en coursInformations et inscriptions :pros@biennale-de-lyon.orgwww.biennale-de-lyon.orget www.culturesfrance.com* Né de la fusion de l’AFAA (Association françaised’action artistique) et de l’ADPF (Association pour ladiffusion de la pensée française), CULTURESFRANCEest l’opérateur délégué des ministères des Affairesétrangères et de la Culture et de la Communicationpour les échanges culturels internationaux.98

“Focus danse”3 days of debate and exchange around danceThursday 25, Friday 26 and Saturday 27 SeptemberForum supported by Culturesfrance*, in collaboration with the Culture departments of France’s embassiesIn partnership with the Centre national de la danse, the National Office for Art Diffusion (ONDA), the New Regional CulturalAgency (NACRe) in Rhône-Alpes, and Relais Culture Europe**More than 100 professionals of manynationalities (programmers, choreographers,dance critics, etc.) will gather inLyon for a forum on creating choreographyin France and around the world.Over the three-day event, debates androundtables will offer perspectives onprofessional practices in the field ofchoreographic art, and place them ininternational context.Contributors:Monique Barbaroux, directrice générale duCND (France)Zhan Changcheng, directeur de la BeijingModern Dance Company (Chine)Julie Dyson, responsable au Ausdancenational (Australie)Murielle Perritaz directrice de Reso - Réseau Danse(Suisse)Jon Ho-Lee, directeur du festival Sidance deSéoul (Corée)Ong Ken Sen, directeur du TheatreWorks(Singapour)Maguy Marin, chorégraphe (France)Ann Olaert, directrice du VTI - Vlaams TheaterInstituut vzw (Belgique)Rachid Ouramdane, chorégraphe (France)Madeline Ritter, directrice de projet duTanzplan Deutschland (Allemagne)Simultaneous French / English translation.Programme being finalised.Thursday 25 September3pm – 5pm: Dance support policiesDebate organised by the Centre national dela danseSeveral countries encourage the developmentof dance through blueprints and plansat federal, national and regional level. Howdo these experiences – initiated in Germany,Switzerland, Flanders (Belgium), Australiaand Korea – condition the various forms ofchoreographic-sector support and structuring?What effects do these measures haveon creation, dissemination and training?Friday 26 September10am – 11am: Culturesfrance, a user’smanualInformation session organised by CulturesfranceHow should foreign operators and companiesworking in France apply to Culturesfrance?Friday 26 SeptemberExchanges and meetings organised byFrance’s National Office of Art Dissemination(ONDA)10am – 1pm:Practical workshops with choreographersand professionalsThese workshops will let artistic teams onthe French scene discuss their current projectswith attending programmers.2.30pm – 3.30pm:Panorama of dance in FranceWhat are the movements, aesthetics andnew figures in French contemporary dancetoday?3.45pm – 5pmHow do French and European programmersassist choreographic artists in puttingtogether and distributing their productions?What schemes are there to promote thecirculation of works?Saturday 27 September11am – 1pm: Apprenticeships betweenchoreographersRound table organised by the NACRe (NewRegional Cultural Agency in Rhône-Alpes)How do today’s choreographers mentor theyoungest among them? What role do theyplay in their professionnal experiences?What forms does this apprenticeship take inChina, Singapore and Europe?Saturday 27 September2.30pm – 4.30pm: Access to choreographic artDebate, organised by Relais Culture EuropeWill address issues of access to culture forthe greatest number and, more generally,the idea of access to art and knowledge.In parallel, body workshops for performingartsprofessionals (programmers, managers,disseminators, etc.) will be run on theFriday and Saturday morning at the Centrenational de la danse in Lyon, from 10am to11.30am.Simultaneous French / English translation.Programme being finalised.Details and registrations:pros@biennale-de-lyon.orgwww.biennale-de-lyon.organd www.culturesfrance.com*Culturesfrance is the executive agency of theFrench ministries of foreign affairs and of culture andcommunication in the field of international culturalexchanges. It was created by the merger of the Frenchassociation for artistic action (AFAA) and the associationfor the dissemination of French thought (ADPF).99

En écho à la Biennale…Concert d’ouverture del’Orchestre national de LyonAuditorium de LyonL’ONL invite la danse, pour ce programme enlevé au parfum d’Espagne.Avec Miguel Ángel Berna qui a réinventé l’écriture chorégraphiquede la traditionnelle jota aragonaise et Úrsula López,première danseuse du Ballet national d’Espagne aussi à l’aise dans leflamenco le plus pur que dans l’école Bolera. Les œuvres dansées deChabrier, Falla, Rimski-Korsakov alterneront avec la musique seule,et les acrobatiques Tzigane et Danses bohémiennes brilleront sousl’archet d’une jeune japonaise peu connue en France, mais aduléeen Grande-Bretagne et dans son pays.Vendredi 26 septembre 20h30España, Chabrier / Tzigane, Ravel /Danse rituelle du feu, extraite deL’Amour sorcier, Falla / Airs bohémienspour violon et orchestre,Sarasate / Capriccio espagnol , Rimski-Korsakov/ Extraits du Tricorne(suites nos 1 et 2), Falla / Suite deCarmen n° 2, BizetLes Cartes-blanchesLe Toboggan - DécinesTous les soirs de représentation de 19h30 à 20h00, une carte blancheest donnée aux élèves du Conservatoire National Supérieur deMusique et Danse pour présenter des chorégraphies de duo, trio, enclassique et contemporain. Dans ce même temps, une ouverture seradonnée aux danses démonstratives.En accompagnement de la présence au Toboggan de CarolynCarlson, le Ciné Toboggan propose 3 soirées spéciales :documentaires, soirée réalisateurs finlandais, carte blanche.Contact :Le Toboggan+33 (0)4 72 93 30 00www.letoboggan.comAkiko Suwanai, violon / Úrsula Lópezet Miguel Ángel Berna, danse/ Jun Märkl, directionContact :Auditorium04 78 95 95 95www.auditoriumlyon.comItinéraires BisLa Biennale OffDifférents projets, différents lieux, une même envie de faire partagerdes moments particuliers autour de la danse : Itinéraires Bisréunit plusieurs acteurs qui ont décidé, en parallèle à la Biennale dela Danse, d’offrir de nouveaux moments chorégraphiques. Présentationde compagnies émergentes, brunchs chorégraphiés, soiréesCiné-Danse, cours professionnels et amateurs…Plusieures combinaisons sont possibles autour de spectacles, rencontresou ateliers.Pour poursuivre votre parcours chorégraphique, suivez les ItinérairesBis !Le Croiseur« Quart de tour » Biennale Off de laDanse du In au CroiseurExplosivité, nouvelles énegies, inventivitéet présence d’une quinzainede compagnies dont la plupart depremière de création venues deClermont-Ferrand, Chambéry, Grenoble,Montpellier et Lyon pour unmoment différent.Du 9 au 27 septembre, sur la Scène-Découvertes du Croiseur / Gerlandenscène !L’association culturelle chargée depromouvoir le spectacle vivant au seinde l’ENS-LSH propose en septembreune soirée ciné-danse hebdomadaire.Trois films sur la transmission serontdiffusés au théâtre Kantor et à l’occasiondes Cithémuses, festival annuelde jeunes créateurs, l’un d’entre euxsera associé à une création.Studio LucienDepuis le printemps 2004,la Compagnie Propos/Denis Plassards’est installée dans son propre lieu :le Studio Lucien.Pendant la Biennale,Plus d’informations : www.itineraires-bis.comdes cours ouverts aux danseurs professionnelset une soirée festive sousforme de bal chorégraphié pour amateurset danseurs y seront proposés.TDMITDMI Théâtre ChorégraphiqueContemporain accueille 20 compagniesdans le cadre de la Biennalede la Danse. «Un départ tous les 1/4d’heure» s’articule autour de petitesformes issues de la rencontre entrechorégraphes, vidéastes et interprètes.Toï Toï«Toï Toï, lieu de création et de diffusionpour la danse et les musiquespropose, le dimanche dès 11h, pendanttoute la durée de la Biennale, unbrunch suivi d’un spectacle dansé parl’une des compagnies en résidence.»Lyon Septembre de la photographie 2008du 15 septembre au 31 octobreIDENTITE(s)Commissariat de Gilles VerneretLe questionnement sur la ou les identité(s) est au centre de toute approche géopolitique et artistique, composant une thématiquesuffisamment large pour laisser la place à un éventail passionnant de propositions multiples.Lyon Septembre de la photographie 2008 a choisi dans cette cinquième édition de se pencher sur le territoire européen, afin d’yquestionner ses origines identitaires, à travers les pratiques artistiques d’hommes d’images venus d’approches documentaires créatives,qui cultivent patiemment la volonté de réduire la scission du regard entre le monde extérieur avec ses composantes sociologiques et lasubjectivité intérieure empreinte de poésie.Avec le projet de faire éclore peu à peu une rencontre avec ces publics avides d’images, à la recherche non pas de communication vide,mais de questionnements profonds sur ce monde où nous vivons... témoins du passage de la photographie d’identité, commune à tous,à l’identité de la photographie, propre à chacun.Inauguration le mardi 16 septembre, au Dôme de l’Hôtel DieuParcours des vernissages du 15 au 21 septembrePour plus d’informations : www.lebleuduciel.netIDENTITE(s) - Bleu du Ciel - en collaboration avec le Musée de l’Elysée100

The Biennale FringeOpening Concert bythe Orchestre National de LyonAuditorium de LyonThe ONL plays host to dance in this vivacious, Spanish-flavoured bill.Featuring Miguel Ángel Berna, who has reinvented the choreographyof the traditional Aragon jota; and Úrsula López, principal ballerinawith the Ballet Nacional de España, who is equally comfortablewith the purest flamenco and the bolero school. Accompanyingworks by Chabrier, Falla and Rimsky-Korsakov will alternate withorchestra-only pieces; and the acrobatic Tzigane and Bohemian Airswill be brilliantly played by a young Japanese who is little known inFrance but adulated in the United Kingdom and her home country.Friday 26 September at 8.30pmChabrier, España Ravel / TziganeFalla Ritual Fire Dance, from Lovethe Magician Sarasate BohemianAirs for Violin and Orchestra Rimsky-KorsakovSpanish Caprice FallaExcerpts from The Three-CorneredHat (suite nos. 1 and 2) Bizet Carmen(suite no. 2)Carte-blancheLe Toboggan - DecinesAt the Toboggan, on every Biennale performance evening, from7.30pm to 8pm, students from Lyon’s Conservatoire National Supérieurde Musique et Danse will present a carte blanche selection ofchoreography: duets or trios, classical or contemporary. The slot willalso include demonstrative dances.To coincide with Carolyn Carlson’s presence at Le Toboggan, CinéToboggan is running three special film evenings on: documentaries,Finnish directors, carte blanche.Enquiries:Le Toboggan+33 (0)4 72 93 30 00www.letoboggan.comAkiko Suwanai, violin / ÚrsulaLópez and Miguel Ángel Berna,dancers / Jun Märkl, conductorContact :Auditorium04 78 95 95 95www.auditoriumlyon.comItinéraires Bis:dance detoursThe Itinéraires Bis programme features organisations that areoffering fresh choreographic moments in parallel to the Biennale –different projects and venues, but the same desire to share specialexperiences around dance. Presentations of emerging companies,choreographic brunches, dance film screenings, professional classes,soirées for amateurs… You can choose various combinations ofshows, platform events and workshops.To extend your choreographic journey, follow the Itinéraires Bissigns!Le CroiseurDuring the Biennale, cross-disciplinaryvenue Le Croiseur is offering Lyonaudiences a sampler of the choreographicworks it will be hostingthrough the season. Discover thecreativity of 10 new artists.From 9 to 27 September,Scène-Découvertes Croiseur / Gerlandenscène !This cultural association, tasked withpromoting live performance withinthe ENS-LSH graduate school, isrunning a weekly dance film eveningin September. Three films about transmissionwill be screened at ThéâtreKantor; and during the Cithémuses,an annual festival for young creators,one of the films will be paired with anew work in a double bill.Studio LucienSince spring 2004, CompagniePropos/Denis Plassard has had itsown base: Studio Lucien. During theBiennale, it will run classes for professionaldancers and a festive eveningevent in the form of a choreographedball for pro and amateur dancers.For more details: www.itineraires-bis.comTDMITDMI Théâtre ChorégraphiqueContemporain is hosting 20 companiesas part of the Biennale. Theprogramme “Un départ tous les 1/4d’heure” centres on small piecesstemming from encounters betweenchoreographers, video artists andperformers.Toï ToïToï Toï, a venue for creating anddisseminating dance and music, isorganising brunch every Sunday at11am during the Biennale, followedby a dance show by one of its residentcompanies.Lyon Septembre de la photographie 2008du 15 septembre au 31 octobreIDENTITE(s)Curator: Gilles VerneretThe issue of identity/ies is at the centre of any approach to geopolitics and art. It is sufficiently wide-ranging to allow a fascinating arrayof propositions.“Lyon Septembre de la photographie 2008” has chosen for its fifth edition to focus on Europe, exploring the origins of its identitythrough the practices of image-makers with creative documentary approaches, who patiently strive to reduce the schism in our perspective:on one side, the outer world with its sociological components; and on the other, inner subjectivity charged with poetry.Our purpose? To gradually nurture interaction with image-hungry publics. What they seek is not empty communication but far-reachinginvestigations of the world we live in... These investigations reflect the shift from the photography of identity, common to all, to theidentity of photography, specific to each of us.Event opening: Tuesday 16 September, Dôme de l’Hôtel DieuVenue openings: from 15 to 21 SeptemberRelated platform events at the Ecole Normale Supérieure, 17-19 SeptemberFor more details: www.lebleuduciel.net101

Parcours de(ux) création(s) /Creative pathway(s)Une soirée, deux spectacles à découvrir / A double bill of new workLes parcours de(ux) création(s) vous permettent d’assister à deux spectacles, pièces récentes ou toutes nouvelles créations,le vendredi ou le samedi soir.The “Parcours de(ux) création(s)” takes you to two shows – recent or new pieces – on the same Friday or Saturday evening.Un tarif unique2 spectaclesdans la même soiréetransports comprisLaissez vous porter !La Biennale s’occupe de vous, une navette gratuitevous emmène et vous raccompagne à l’issue dusecond spectacle.Départ de la Place Antonin Poncet (devant la grande Poste, arrêt debuc TCL) le 19 à 17h30, le 26 à 19h30 et le 27 à 15h30.Transfert entre les deux lieux de spectacle.Retour place Antonin Poncet à l’issue du second spectacle.Réservations : 04 72 26 38 01 / www.biennale-de-lyon.orgPour les amateurs de nouveautés, les parcoursde(ux) création(s) offrent un concentré de dansecontemporaine en une soirée !Une navette gratuite (aller / retour) part ducentre ville et vous raccompagne à l’issue dudeuxième spectacle.One price only2 showson the same nighttransport includedJust sit back and enjoy the trip !The Biennale looks after everything, a free bustakes you to the first show and brings you backafter the second.Departure point: Place Antonin Poncet (outside the main post office,at the TCL bus stop: 5.30pm on the 19th; 7.30pm on the 26th;3.30pm on the 27th.Travel also provided between venues and back to Place Antonin Poncetafter the second show.Reservations: 04 72 26 38 01 / www.biennale-de-lyon.orgWith this package, see two new or recent showsby innovative companies on the Friday and Saturdayevenings, in a double bill of contemporarydance.A free shuttle bus provides all transport: citycentre to first venue; transfer; and return fromsecond venue to city centre.Choisissez votre parcoursVendredi 19 septembre18h30VuCie Chatha /Hafiz Dhaou et Aïcha M’BarekCCN de Rillieux-la-Pape20h30parades and changes, replays…& alters / Anna HalprinStudio 24 - VilleurbanneVendredi 26 septembre20h30Création 2008Kubilaï Khan Investigations /Frank MichelettiEspace Albert Camus - Bron22h30TurbaCCN de Rillieux-la-Pape /Cie Maguy MarinStudio 24 - VilleurbanneSamedi 27 septembre18h30Loin...Cie L’A. / Rachid OuramdaneCCN de Rillieux-la-Pape20h30A comme AbstractionGravitéL’expérience harmaat /Frabrice LambertLe Radiant - Caluire102

Guy DarmetDirecteur Artistique / Artistic DirectorNé en 1947, Guy Darmet, licencié en droit et diplômé engestion, acquiert une expérience dans le marketing. De 1974à 1979, il est directeur de promotion d’un magazine régionaldont il supervise aussi la rubrique « spectacles ». Il écrit sur lecinéma, le théâtre et la danse et devient parallèlement correspondantdu magazine national Danse. Son intérêt pour ladanse vient sans doute du souvenir d’une représentation desBallets de Marquis de Cuevas avec Rosella Hightower quandil était enfant. L’arrivée à Lyon de Vittorio Biagi à la tête duBallet de Lyon en 1969 sera également un catalyseur important.Fervent défenseur de la danse en France, supporterconvaincu du projet Maison de la Danse, il en devient toutnaturellement le directeur le 1er janvier 1980. Vingt-huit ansplus tard, avec ses 15 000 abonnés et 170 000 spectateurschaque saison, la Maison de la Danse, lieu unique en France,est devenue une des scènes de diffusion et de création chorégraphiquesles plus importantes au monde. En 1984, il créela Biennale de la Danse dont il assume la direction artistique.Sa première édition suscite un grand intérêt. Guy Darmetdevient le conteur d’un festival devenu l’un des rendez-vousincontournables consacrés à la danse.Thématique et festive,la Biennale raconte de superbes histoires au public qui découvre,regarde, écoute, se passionne et participe. En 1996,s’inspirant du célèbre Carnaval de Rio, il fait défiler dans lesrues de Lyon plus de 2 000 danseurs amateurs et professionnelsdevant 200 000 personnes. Cette initiative est un réelsuccès salué avec enthousiasme par le public et la presse nationaleet internationale. Depuis, Le Défilé est un événementattendu à chaque Biennale. En 2004, il a regroupé 4 500participants et 250 000 spectateurs. Guy Darmet a largementcontribué et contribue toujours à ce que Lyon devienneune des capitales de la danse. Le magazine Télérama l’a élupersonnalité culturelle de l’année 1989 et on le retrouve dixans plus tard à la tête du même palmarès. En juillet 1999, onlui confie la direction artistique du 8e Grand Prix Eurovisiondes Jeunes Danseurs. En novembre 2002, il récidive avecla retransmission en direct de la Maison de la Danse d’unesoirée chorégraphique « Dance celebration » qui sera diffuséesur 17 chaînes de l’Eurovision. En 2003, il a été choisi parla fondation Rolex pour faire partie du programme « RolexMentor and Protégé Initiative » aux côtés de Pina Bausch,Carlos Saura, Ariel Dorfman, Mira Naïr…. Guy Darmet a étépromu : Chevalier des Arts et des Lettres (1984), Chevalierdans l’Ordre National du Mérite (1992), Officier dans l’Ordredes Arts et des Lettres (1997), Chevalier de la Légion d’Honneur(1999). En 2005, il est fait Docteur Honoris Causa del’Université du Quebec à Montréal.He was bornin Lyon, inAugust 1947. Aftergraduating in law,he earned a businessadministration degree andworked in marketing, whichenabled him to build close and necessary ties between thecultural and business communities. From 1974 to 1979 heworked for a local news magazine as promotions managerand headed its arts coverage. He was also correspondentfor a reputed national dance magazine. His love of dancehas never stopped growing, fired by his memories of RosellaHightower and Vittorio Biagi, and many others. In 1980, hewas an eager promoter of choreography and steadfastlysupported the Maison de la Danse project in Lyon, and quitenaturally became the venue’s director on 1 January 1980.This one-of-a-kind French establishment has since becomeone of the world’s leading dance venues, with 15,000 subscribersand over 170,000 spectators each season. In 1984,he created the Biennale de la Danse and became its artisticdirector. From its very first edition, the Biennale attractedsubstantial public interest. The festival drew an ever-expandingcircle of enthusiasts, becoming one of the most importantdance events anywhere. In 1996, as part of a communityscheme, he was inspired by the Rio Carnival to devise theDéfilé, or parade, for the Biennale de la Danse, with supportfrom the Ministry of Culture. The first Défilé brought together2,000 professional and amateur dancers, and 200,000spectators linedthe streets of Lyon. The Défilé now featuresa castof over 4,500 – a success unanimously acclaimed bythe national and international press. Thanks to Guy Darmet,Lyon has become a prominent dance host. For his tirelessefforts, he has received numerous accolades. These includebeing voted Cultural Personality of the Year by Téléramamagazine in 1989 and 1999. In 1995, the French governmentappointed him to chair the committee that allocatesfunding to dance companies. He was the Artistic Director ofthe great Eurovision event «Dance celebration», broadcastlive from the Maison de la Danse on 27 November 2002. Andin 2003, the Rolex Foundation made him a member of theRolex Mentor and Protégé Initiative together with famousartists such as Pina Bausch, Carlos Saura, Ariel Dorfman andMira Naïr. Guy Darmet has received the following awardsfrom the French Ministry of Culture and Communication:Chevalier des Arts et des Lettres (in 1984) Chevalier dansl’Ordre National du Mérite (1992) Officier dans l’Ordre desArts et des Lettres (1997) Chevalier de la Légion d’Honneur(1999) Docteur Honoris Causa by the Univercity of Montreal(2005)103

Biennale de la Danse / Historique25 ans / 13 editions1984Les grands courants àl’origine de la dansemoderne dans le mondeCréée sur les cendres du Festival LyonFourvière, la Biennale de la Dansereflète la vision utopiste de son créateur,Guy Darmet : faire pénétrer ladanse, toute la danse, dans tous lesfoyers, sans barrière intellectuelle ousociale. Jean-Claude Gallotta crée Lesaventures d’Ivan Vaffan, Michel HalletEghayan présente Retour en Avant, LeBallet de l’Opéra de Lyon interprète laTable Verte de Kurt Joos, Le Ballet duRhin rend hommage à Serge Lifar etles spectateurs se familiarisent avec ladanse de Merce Cunningham, présentantà Lyon de nombreuses créationsinédites en France.14 compagnies / 39 800 spectateurs1986La danse expressionnisteLa Biennale rend hommage à MaryWigman. Le public découvre le BalletTriadique d’Oskar Schlemmer reconstituépar Gerhard Bohner et le butôde Kazuo Oono rendant un hommageinoubliable à La Argentina. DominiqueBagouet crée Assaï, une pièce majeuredu répertoire chorégraphique contemporain.18 compagnies / 42 350 spectateurs1988Danse France !La Biennale s’intéresse à 4 siècles decréation chorégraphique, de la dansede cour à la danse contemporaine. LeBallet Français de Nancy (Patrick Dupond)rend hommage à Serge Diaghilev.De nombreuses créations voient lejour dont les Petites pièces de Berlin deDominique Bagouet, Coups d’états deMaguy Marin, La Bayadère d’Andy Degroatet Jean-Claude Gallotta présentesa nouvelle version de Mammame enpremière partie d’un bal animé par…Yvette Horner !20 compagnies / 54 737 spectateurs1990An American StoryLa Biennale consacrée à l’Amériquedu Nord contribue à faire découvrir aumonde de nombreux chorégraphes,comme Bill T. Jones. Tous les créateursaméricains de renommée internationalesont réunis à Lyon pour la premièrefois, Merce Cunningham, MartheGraham, Paul Taylor…. Lucinda Childsreconstitue pour la Biennale sa piècemythique Dance, Angelin Preljocaj créeAmer America. Le New York Times affirmealors « La Biennale de Lyon n’estpas le seul festival de danse en France,mais pour sa quatrième édition, elle aprouvé qu’elle était le seul festival quicomptait réellement ». Les Biennalescommencent donc à faire le tour de laplanète et révèlent ainsi des artistes etdes créations.23 compagnies / 72 974 spectateurs.1992Pasión de EspañaLa Biennale renforce sa dimension degrande manifestation populaire qui impliquela ville entière. Des événementssont organisés dans les quartiers, et laFeria donne la fièvre au Vieux Lyon letemps d’une journée. Mats Ek créeCarmen pour le Ballet Cullberg etCristina Hoyos présente une créationmondiale intitulée Yerma. Le CatalanCesc Gelabert remonte Belmonte, uneœuvre phare du répertoire de la compagnie.27 compagnies / 89 000 spectateurs +150 000 personnes pour la Feria.1994Mama Africa,de l’Afrique à HarlemCette édition dédiée au continent africainest marquée par deux événementsimportants : Still Here, la création dela célèbre compagnie Bill T. Jones, etl’apparition pour la première fois enEurope de la compagnie brésilienneGrupo Corpo. Le hip-hop entre enscène avec la création d’Athina de lacompagnie Accrorap. Une grande fêteautour des rythmes africains est organiséesur les rives de la Saône.20 compagnies / 75 500 spectateurs+ 120 000 personnes pour la Fête enCouleur1996Aquarela do BrasilLa Biennale donne un coup de projecteursur le Brésil. 500 danseurs, chanteurs,musiciens, plasticiens et créateursétonnants de modernité sont réunis àLyon grâce à Guy Darmet. L’organisationd’un immense défilé (en référenceau célèbre carnaval de Rio) au cœur deLyon crée l’événement et enthousiasme200 000 personnes dans la rue. CetteBiennale donne l’occasion à de jeuneschorégraphes brésiliens de présenterleurs créations : Lia Rodrigues, DeborahColker, Joao Viotti Saldhana…31 compagnies, 82 5559 spectateurs +200 000 personnes pour le Défilé104

1998MediterraneaLa Biennale se tourne vers les pays duSud et invite 840 artistes venus de 11pays du pourtour méditerranéen. Dansun contexte politique délicat a lieuune rencontre symbolique lors d’uneconférence de presse entre deux chorégraphes: Ohad Naharin (Israëlien) etAbdel Halim Caracalla (Libanais). Cetteédition permettra de découvrir dejeunes chorégraphes israëliens commeLiat Dror / Nir Ben Gal et Inbal Pinto...Blanca Li crée le Songe du Minautaureet la Compagnie Käfig présente sonRécital.35 compagnies / 85 099 spectateurs /90 000 personnes (sous la pluie !) pourle Défilé2000Les routes de la soieAvec cette Biennale, le public a découvertune danse d’image, de réflexionet de méditation. Cette édition estriche en révélations. En effet, le jeunecoréen Hong Sung-Yop, la création enFrance de Absolute Zero de SaburoTeshigawara, la révélation de Kim Itoh,et la reconstitution exemplaire de dansesdynastiques du XVIIè siècle par lacompagnie taïwanaise Han Tan Yuefumarqueront les esprits.32 compagnies / 79 060 spectateurs +200 000 personnes pour le Défilé2002Terra LatinaCette dixième édition est dédiée àl’Amérique latine, du Rio Grandeà la Terre de Feu. De nombreusescompagnies inédites en Europe sontprogrammées. Maguy Marin présentesa création Les applaudissements nese mangent pas, le public découvre lacompagnie colombienne L’Explose etle Ballet de Lorraine rend hommage àJosé Limon. Une Biennale très festiveponctuée par trois bals aux couleurs dutango, de la salsa et du samba.36 compagnies / 87 000 spectateurs et300 000 personnes pour le Défilé2004EuropaDanseLa Biennale présenteune Europecontemporaineavec11 créations Biennale.Une rencontre internationalede hip hopinaugure cette 11èmeédition avec des groupesvenus de toute l’Europe.Le public découvre la dansedu chorégraphe anglais WayneMcGregor, le solo du belge Jan Fabrepour Lisbeth Gruwez et la création dufrançais Christian Rizzo pour le Balletde l’Opéra de Lyon.51 compagnies / 75 048 personnes /250 000 spectateurs pour le Défilé.2006Danse la villeLa Biennale met en avant la créationchorégraphique venue des grandesmétropoles du monde entier : de New-York à Tokyo, en passant par Paris, Riode Janeiro, Berlin, Sydney, Madrid,Buenos Aires, Dakar, Bruxelles…La spécificité de cette édition estconstituée par un soutien élargi à lacréation avec un développement dubudget de coproduction. De jeuneschorégraphes présentent leurs nouvellespièces : Serge-Aimé Coulibaly,Andonis Fionadakis, Yuval Pick, RachidOuramdane… Nasser Martin-Goussetcrée son Péplum, le succès chorégraphiquede la saison 2006 / 2007 en France.40 compagnies / 86 671 spectateurs +320 000 personnes pour le Défilé2008Retour en Avant25 ans plus tard, la Biennale se posela question du passé et de l’avenir, durépertoire, de la transmission et de lacréation.42 compagnies / 85 000 spectateursattendus105

Lyon Dance Biennale / History25 years / 13 editions1984Major influences onmodern dance worldwideFounded in the ashes of the Lyon FourvièreFestival, the Lyon Dance Biennalereflected creator Guy Darmet’s utopianvision: to bring all of dance into everyhome, with no intellectual or socialbarriers. Jean-Claude Gallotta premieredLes aventures d’Ivan Vaffan, MichelHallet Eghayan staged Retour enAvant, Ballet de l’Opéra de Lyon performedKurt Joos’ La Table Verte, Balletdu Rhin paid tribute to Serge Lifar, andthe spectators became acquainted withthe dance of Merce Cunningham, whopresented numerous works for the firsttime in France.14 companies / 39,800 spectators1986Expressionist danceThe Biennale paid homage to MaryWigman. Audiences discovered OskarSchlemmer’s Ballet Triadique, recreatedby Gerhard Bohner, and Kazuo Oono’sButoh in an unforgettable tribute toLa Argentina. Dominique Bagouetpremiered Assaï, a major piece in thecontemporary choreographic repertoire.18 companies / 42,350 spectators1988Danse France !The Biennale focused on four centuriesof French choreographic activity,from court dances to contemporarydance. Ballet Français de Nancy (PatrickDupond) paid tribute to Serge Diaghilev.There were many premieres,including Les Petites pièces de Berlin byDominique Bagouet, Coups d’états byMaguy Marin and La Bayadère by AndyDegroat, while Jean-Claude Gallottapresented his new version ofMammame in the first half of a ballstarring accordionist Yvette Horner!20 companies / 54,737 spectators1990An American StoryThe Biennale devoted to the UnitedStates helped bring many choreographers,such as Bill T. Jones, tointernational notice. All of America’smost notable creators – such as MerceCunningham, Martha Graham and PaulTaylor – gathered in Lyon for the firsttime. Lucinda Childs staged her firstrecreation of her mythical piece Dance,while Angelin Preljocaj premieredAmer America. The New York Timeswrote: “The Lyon Biennale is not theonly dance festival in France, but itsfourth edition proved it is the only festivalthat really matters.” The Biennalewas starting to attract global interest,while revealing artists and new work.23 companies / 72,974 spectators1992Pasion de EspanaThe Biennale enhanced its status as amajor popular festival involving theentire city. Neighbourhood eventswere held, and a day-long Feria fevergripped the Old Town. Mats Ek premieredCarmen for Cullberg Ballet, whileCristina Hoyos gave her Yerma its worldpremiere. The Catalan Cesc Gelabertrestaged Belmonte, one of his company’sflagship works.27 companies / 89,000 spectators +150,000 people at the Feria1994Mama Africa, from Africato HarlemThis edition was marked by two importantevents : the premiere ofStill/Here by Bill T. Jones’s famous company,and the first-ever visit to Europeby Grupo Corpo from Brazil. Hip-hoptook the stage with Athina, premieredby Accrorap. A big, colourful party setto African rhythms was held on thebanks of the River Saône.20 companies / 75,500 spectators +120,000 people at the Fête en Couleurs1996Aquarela do BrasilThe Biennale trained its spotlight onBrazil. Five hundred astonishingly moderndancers, singers, musicians, visualartists and creators converged in Lyonthanks to Guy Darmet. Le Défilé, a vastparade through the city centre (inspiredby Rio’s famous carnival), was ahuge hit, enthusing the 200,000-strongaudience lining the streets. This editiongave young Brazilian choreographers–including Lia Rodrigues, Deborah Colkerand Joao Viotti Saldhana – a freshplatform for their work.31 companies, 82,559 spectators +200,000 people at Le Défilé1998MediterraneaThe Biennale gazed southward,inviting 840 artists from 11 countriesalong the Mediterranean. In a delicatepolitical context, there was a symbolicpress-conference meeting between twochoreographers : Ohad Naharin fromIsrael and Abdel Halim Caracalla fromLebanon. This edition revealed youngIsraeli choreographers such as Liat Dror/Nir Ben Gal and Inbal Pinto. Blanca Lipremiered Le Songe du Minautaureand Compagnie Käfig performed itsRécital.35 companies / 85,099 spectators /90,000 people (in the rain!) at Le Défilé2000The Silk RoadsDuring this Biennale, the public discovereddance centred on imagery,reflection and meditation. This editionwas also rich in discoveries : youngKorean Hong Sung-Yop, the Frenchpremiere of Absolute Zero by SaburoTeshigawara, the revelation of KimItoh, and the exemplary reconstructionof 17th-century dynastic dances byTaiwanese company Han Tan Yuefu allleft indelible impressions.32 companies / 79,060 spectators +200,000 people at Le Défilé106

2002Terra LatinaThis tenth edition was devoted toLatin America, from the Rio Grandeto Tierra del Fuego, and featuredmany companies unknown in Europe.Maguy Marin presented her work Lesapplaudissements ne se mangent pas,while audiences discovered Colombiancompany L’Explose and Ballet deLorraine paid tribute to José Limon.This particularly festive biennale waspunctuated by three balls that swungto tango, salsa and samba beats.36 companies / 87,000 spectators and300,000 people at Le Défilé2004EuropaThe Biennale presented contemporaryEurope, with 11 premieres. An internationalhip-hop gathering of groupsfrom across Europe kicked off this 11thedition.The public discovered the dance of Britishchoreographer Wayne McGregor,the solo written by Belgian Jan Fabrefor Lisbeth Gruwez, and FrenchmanChristian Rizzo’s piece for Ballet del’Opéra de Lyon.51 companies / 75,048 spectators /250,000 people at Le Défilé2006Danse la villeThe Biennale emphasisedthe choreographiccreativity of majorcities around the world– from New York to Tokyo viaParis, Rio de Janeiro, Berlin, Sydney,Madrid, Buenos Aires, Dakar,Brussels and more.A feature of this edition was broadersupport for new work, as the Biennaleallocated a co-production budget.Young choreographers – Serge-AiméCoulibaly, Andonis Fionadakis, YuvalPick, Rachid Ouramdane… – presentedtheir new pieces. Nasser Martin-Gousset premiered his Péplum, whichbecame the choreographic hit of the2006-07 season in France.40 companies / 86,671 spectators +320,000 at Le Défilé2008Past ForwardA quarter-century later, this year’s Biennaleexplores issues to do with past andfuture, and with repertoire, transmissionand creativity.42 companies / 85,000 spectatorsexpected107

La Biennale en Chiffres / Key figuresBudget total / Total budget 6 826 000 €Subventions / Subsidies 3 923 000 €Grand Lyon / Greater Lyon 2 070 000 €Région Rhône-Alpes / Rhône-Alpes Region 650 000 €Ministère de la Culture / Ministry of Culture 598 000 €Conseil Général du Rhône / Rhône Département Council 570 000 €Culturesfrance / Culturesfrance 25 000 €Aderly / Lyon Area Development Agency 10 000 €Ressources propres / own funds 1 858 000 €Partenariats privés / partnerships 1 045 000 €25 ans de Biennale de la Danse /The Biennale is 25 years old13 e Biennale de la Danse /Biennale de la Danse600 artistes / artists42 compagnies / companies165 représentations / performances34 représentations jeune public /young audience performances54 pièces chorégraphiques /choreographic works15 créations mondiales / World Premieres9 premières en France / French Premieres6 recréations d’œuvres majeures durépertoire contemporain /re-creations of major contemporary dance worksLes Petites pièces de Berlin (Dominique Bagouet), Retour en Avant(Michel Hallet-Eghayan), Blue Lady (Carolyn Carlson), Schritteverfolgen (Susanne Linke), Parades & Changes (Anna Halprin),Miroirs de Vie (Legend Lin Dance Theatre).19 pays / CountriesAllemagne/ Germany, Angleterre/England, Belgique/Belgium, Brésil/Brazil, Burkina-Faso, Canada/Canada, Chine/China, Etats-Unis/UnitedStates, Espagne/Spain, France, Finlande/Finland, Inde/India,Israël/Israel, Italie/Italy, Portugal, Cambodge/Cambodia, Singapour/ Singapore, Taïwan, Tunisie/Tunisia.17 coproductions / Biennale co-productions363 500 euros d’apport en coproductions /euros contributed to co-productionsAnou Skan, Rachid Ouramadane, Michel Hallet Eghayan, Wen Hui,Ballet de Lorraine, Ballet de Turin, Kubilaï Khan, Abou Lagraa,Random Dance, Maguy Marin, CCN Roubaix, ...& alters, Cie Chatha,Urbana de Dança, Tero Saarinen, Ballet Preljocaj, Cie Montavo-Hervieu.5 CCN invités /National Choreographic Centres invited(Montalvo-Hervieu, Angelin Preljocaj, Ballet de Lorraine, MaguyMarin, Carolyn Carlson)11 compagnies Rhône-Alpes /companies from the Rhône-Alpes RegionCie Michel Hallet-Eghayan, Ballet de l’Opéra de Lyon, Cie AnouSkan, Cie LANABEL, Cie Chatha, Projet in situ, Cie La Baraka,Maguy Marin, Yuval Pick, Théâtre du Mouvement, Cie Aqui et là25 jours de Biennale / days85 000 billets à vendre / tickets18 théâtres de Lyon et son agglomération /places in Lyon and around the city108

L’équipe / The teamLa Biennale de la Danse de Lyon est organisée parl’association Les Festivals Internationaux de Lyonet Rhône-Alpes (Les Biennales de Lyon).BureauPrésident : Bernard Faivre d’ArcierVice-président : François BordryTrésorier : Michèle DaclinTrésorier adjoint : Jean-Pierre MichauxSecrétaire : Catherine DubernardSecrétaire adjoint : Eliane BaracettiMembre : Gérard DebrinayDirection artistique de la Biennale de la DanseGuy Darmet, Directeur artistiqueassisté de Céline Le Roux, Coordinatrice artistiqueBenjamin Perchet, Adjoint à la programmationDirection générale des Biennales de LyonSylvie Burgat, Directrice généraleassistée de Karim MaatougAccueil des compagniesBlandine Soulage, Chargée de l’accueil des compagniesassistée de Clémence RevolService des publicsElisabeth Tugaut, ResponsablePrune Grillon et Nora Mouzaoui, Chargées de la billetterieNathalie Prangères et Marie Mulot, Attachées de relations publiquesassistées d’Alice CarmelinoRelations avec les professionnelsEmmanuelle Bibard, Responsable du bureau des professionnels etcoordinatrice des Rendez-vous de la BiennaleTristan Bernard, Attaché à l’accueil des professionnelsPartenariat entreprisesCécile Claude, Responsable partenariat et relations entreprisesassistée de Justine BelotProtocole et Club des BiennalesCatherine Verbruggen, Responsableassistée d’Amandine BoubennecDéfilé de la Biennale de la DanseStéphanie Claudin et Xavier Phélut, CoordinateursChristophe Doucet, Thierry Fortune, Régisseurs générauxassités de Nadège LieggiCarine Boudjabad, Chargée du partenariat textileCommunicationBarbara Loison, Responsable de communicationJack Vos, Chargé de communicationColine Loger, Assistante de communicationassistés de Christina Manoliu et Amélie BonvalotGraphisme et multimédiaDenis Mathieu, Graphiste et concepteur multimédiaassisté pour la PAO de Vaea Peylhard, Emmanuel ComteRelations presseJean-Paul Brunet, Laura Lamboglia, Attachés de presse à LyonDominique Berolatti, Attachée de presse à Parisassistés de Alexandra DalsbaekTechniqueDominique Hurtebize, Directeur techniqueassisté de Raphaëlle Rabillon et Georges MabilonBertrand Buisson, Régisseur généralassisté de Marion Traversi et Mike Van SleenAdministrationYves Le Sergent, AdministrateurSolange Barbry, Chef ComptableMarie-France Deruaz, Responsable de payeAnne Villa, Chargée d’administrationCathy Mornet Crozet, Secrétaire comptableInformatiqueNorbert PagliaSecrétariat, accueil et standardValérie Varga, Amina Belgherras, Pascale Guinet, Linda Djeradavec le renfort de 150 autres coéquipiersLa Biennale de la Danse remercie chaleureusement pour leurparticipation à l’élaboration de cette 13 ème édition :Sylvaine Van den Esch, adjointe à la programmationPascale Ammar-Khodja, directrice de la communication et desrelations extérieures, partenariats médias.109

Les partenaires 2008 / partnersLa Biennale est financée par :Le Grand LyonLa Ville de LyonLe Conseil régional Rhône-AlpesLe Ministère de la culture et de la communication(DRAC Rhône-Alpes et DMDTS)Le Conseil général du RhônePartenaires Officiels :Grand Casino de Lyon Le Pharaon / GroupePartoucheGL eventsCIC Lyonnaise de BanqueMaâtLa Compagnie Nationale du RhôneToupargelChambre de Commerce et d’Industrie de LyonAvec le soutien de :SYTRAL / TCLCulturesfranceAderlyMembres du Club des Biennales 2008 :Cabinet Conseil Patrice RiberryFermobFinancière Saint RambertFot imprimeursHabitatJCDecauxLyon Le Grand Tour / N&M VoyagesMédiacitéNouveau Monde DDBSoderipAtlantic AutomobilesBéatrice Collin FleurBIMP InformatiqueDuvel Moortgat FranceIkeaLyon Parc AutoAvec le concours de :La Ville de VilleurbanneJC DecauxUGCSNCFATC CaractèresPrintempsL’Amphithéâtre / Cité internationaleL’Auditorium - Orchestre National de LyonCélestins, Théâtre de LyonLe CCN Rillieux-la-PapeL’Espace Albert Camus de BronL’Espace AlphaLa Croix-Rousse / Scène nationale de LyonLe Polaris - CorbasLe RadiantLe Sémaphore - Théâtre d’IrignyLe Toboggan - DécinesLe TransbordeurLa Maison de la DanseL’Opéra national de LyonLe Studio 24Le Théâtre de VénissieuxLe Théâtre du Point du JourLe Théâtre Nouvelle GénérationServices de la Ville de Lyon et du Grand LyonLe Défilé est financé par :Le Grand LyonLe Conseil régional Rhône-AlpesLa Préfecture du Rhône : Fonds d’Intervention VilleLa Direction Régionale des Affaires CulturellesRhône-AlpesLe Conseil général du RhônePartenaires Officiels du Défilé :La Caisse des dépôtsMaâtAvec le concours de :SYTRAL / TCLServices de la Ville de Lyon et du Grand LyonMission Insertion-Culture d’AlliesDirection départementale du Travail, de l’Emploiet de la Formation Professionnelle du RhônePolice nationalePolice municipaleServices d’incendie et de secours du RhôneChaleureux remerciementsà toutes celles et tous ceux qui ont participé, à titre collectif ou individuel, à la mise en oeuvre de cette 13 e Biennale de la Danse.110