Désolé j'ai ciné #9

shyamalan
clot sa trilogie
analyse d’incassable & de split +
critique de glass
Et aussi : rétro zemeckis, dragons 3, le cinéma d’animation, twin peaks...

2

L’Edito
2018 aura été l’année des grandes promesses
pour un cinéma plus divers, et plus respectueux. Après la rébellion des
femmes face aux Weinstein, Besson et autres dangers publics, après
cet objectif fixé à Cannes d’un 50/50 dans un futur proche idéalement
égalitaire, il a bien fallu regarder la réalité en face. L’égalité et la
justesse dans les représentations et le traitement, on y est pas encore
; nous en voulons pour preuve la 75e édition de la Mostra de Venise où
la seule femme venue présentée son film aura été huée à plusieurs
reprises.
2019 s’ouvre avec un grand cinéaste (Zemeckis) qui s’interroge sur sa
propre masculinité. Faut-il y voir un encouragement, un espoir vers un
cinéma aux points de vues plus riches et différenciés, qui saura mieux
laisser sa place aux racisé.e.s, aux femmes, aux personnes transgenres,
aux déclassé.e.s et oublié.e.s ? A l’heure où Shyamalan vient conclure
sa trilogie super-héroïque avec “Glass”, le temps de briser le Glass
Ceiling* dans le monde du cinéma est-il enfin venu ? Désolé, mais nous
on a ciné. Donc ces questions-là, on va se les poser toute l’année...
*le glass ceiling est un terme utilisé en études de genre, qui peut se
traduire par plafond de verre. Il fait référence à une frontière invisible
qui empêche certaines catégories sociales d’accéder à des privilèges.
Captain jim
3

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5
le sommaire
P.7 Critiques Netflix
p.10 critiques décembre
P.18 critiques janvier
p.48 critiques février
p.66 incassable & split : le miroir
chez shyamalan
p.80 rétro m. night shyamalan
p.90 rétro robert zemeckis
p.100 la tribune de liam
p.108 l’instant séries
p.120 les chroniques dvd
DIRECTRICE DE LA RÉDACTION : MARGAUX MAEKELBERG
MISE EN PAGE : MARGAUX MAEKELBERG
RÉDACTEURS : CAPTAIN JIM, LIAM DEBRUEL, MEHDI TESSIER, BAPTISTE ANDRE, SEBASTIEN NOURIAN, PRAVINE,
AUBIN BOUILLÉ, RAPHAEL DUTEMPLE ET ALI BENBIHI

6CRITIQ

7
UES
NETFLIX

8
07/12
MOWGL
Il est assez dingue de voir à quel point
la carrière de réalisateur d’Andy Serkis a
méchamment été passé sous silence cette
année puisque ce n’est pas un mais deux
films qui nous ont été offert par celui dont
on ne présente même plus la carrière en
tant qu’acteur. Cantonné au e-cinema
pour son drame «Breathe» avec en tête
d’affiche Andrew Garfield et Claire Foy (film
fabuleusement émouvant avec un Andrew
Garfield au sommet de son art) et désormais
Netflix (après que la Warner l’ai jeté au
dernier moment) pour son «Mowgli», Andy
Serkis peut se tarer d’avoir réalisé deux films
loin d’être honteux.
«Mowgli» s’attarde sur l’enfance du petit
garçon élevé toute sa jeunesse par une
meute de loups au coeur de la jungle
indienne où il apprendra les dures lois de
la jungle bien entouré par l’ours Baloo et
la panthère Bagheera. En plus d’apprendre
à vivre comme un animal à part entière de
la jungle, la menace du terrible tigre Shere
Khan plane sur Mowgli d’autant plus que le
jeune homme va devoir affronter également
ses origines humaines.
Le pari était osé, d’autant plus quand Disney
avait sorti son live action du «Livre de la
jungle» deux ans et demi avant (qui avait
réussi à convaincre plus ou moins tout le
monde) mais Netflix s’inscrit définitivement
dans l’optique d’offrir du contenu de qualité
- la plupart du temps - mais surtout différent
de ce que peut nous offrir les grands écrans de

9
I
DE ANDY SERKIS. AVEC ROHAN
CHAND, ANDY SERKIS, BENEDICT
CUMBERBATCH… 1H44
cinéma. Audacieux dans son choix artistique,
Andy Serkis a fait appel à la performance
capture (qu’il a déjà lui-même expérimenté
dans «Le Seigneur des Anneaux» ou encore
«La Planète des Singes») pour nous offrir un
résultat plutôt déroutant il faut bien l’avouer,
surtout lorsque les images du «Livre de la
jungle» de Disney nous reste en tête mais
qui confère à ses animaux une humanité rare
et touchante. En misant sur cette humanité
intimement liée à la bestialité, Andy Serkis
bâti tout son film sur cette dualité qui ne
cesse de se confronter avec à sa tête le jeune
Mowgli lui-même entre bestialité qui lui a
été inculqué et cette part d’humanité qu’il
va retrouver un temps avec les humains qui
se sont installés en lisière de la forêt.
La vision qu’impose Andy Serkis sur son
«Mowgli» et toute la réflexion qui en découle
les font s’éloigner de la version édulcorée
qu’on a pu connaître lorsqu’on évoque
Mowgli et «Le Livre de la jungle» mais c’est
justement ce parti pris qui rend le film aussi
intéressant qu’audacieux. Dommage que
les studios n’aient pas pris plus de risques,
Netflix peut se lécher les babines d’avoir pu
mettre un avant un film d’une telle qualité.
Margaux Maekelberg

10CRITIQ

UES
DES FILMS DE DÉCEMBRE DONT ON A PAS PU PARLER DANS LE
PRÉCÉDENT NUMÉRO PARCE QU’ON LES A PAS VU MAIS COMME
ON A LA FLEMME ON FERA QUE LES GROS FILMS
11

12
19/12
AQUAMAN
DE
JAMES WAN. AVEC JASON
MOMOA, AMBER HEARD, WILLEM
DAFOE… 2H23

13
Débutant
Consternant
Éculé
Urinaire
Voilà comment caractériser l’état du DCEU actuel, une certaine odeur de
pisse y règne avec des prétendants au trône comme “Suicide Squad” et
“Justice League”. Trêve de méchanceté, s’ils veulent avoir une chance
d’avoir l’ascendant sur leur concurrent Marvel, il va leur falloir développer
des films et patienter. Et ce sont des réalisateurs dotés d’une patte artistique
qui parviennent à sortir des films plutôt bons (Zack Snyder avec “Batman vs
Superman” et Patty Jenkins avec “Wonder Woman”). Alors remercions James
Wan d’avoir sauvé “Aquaman” (qui partait très mal en faisant ses débuts dans
“Justice League”).
Aquaman est un des meilleurs film du DCEU par la construction complexe
d’un univers marin vaste et riche. Bien évidemment, on doit tout ça à James
Wan qui a révolutionné le cinéma horrifique moderne avant de s’attaquer à
“Aquaman”. Il parvient à imposer son caractère et sa vision des choses, il met
en avant un parti pris nanardesque étonnant qui déroute le spectateur qui
n’attend vraiment pas ça (comme la scène d’ouverture du sous-marin). Il en
ressort alors une certaine authenticité et une sincérité qui fait plaisir à voir.
La narration frôle le conte de fée et nous nous situons entre le présent et les
entraînements du passé (quel plaisir de revoir Willem Dafoe dans un film de
super-héros).
Le film n’est pas parfait et souffre de quelques fonds verts dérangeants et surtout
incompréhensibles… Toute la conception visuelle marine est parfaite, mais
pourquoi tourner les séquences sur Terre en fond vert (le ponton notamment)…
Une combinaison entre le réel de la vie en dehors de l’eau et la créativité du
monde aquatique aurait été parfaite (serait-ce une caractérisation du prochain
“Avatar” ?). Certaines scènes souffrent également de longueurs, le récit est
calqué sur “Black Panther” et la comparaison est possible puisqu’ils sont tous
deux prétendants au trône.
On ne peut souligner la photographie et la qualité artistique sans mettre en
avant la mise en scène des combats. On a enfin des combats impressionnants
et lisibles à la fois : ils ne sont pas sur-cutés. On ressent les coups. Jason
Momoa agace par ses mouvements de cheveux qui frôlent le ridicule mais il
parvient à nous conquérir en tant qu’Aquaman.
Même si “Aquaman” est un film classique dans sa structure, tout est là pour
en faire un divertissement bien plus que louable grâce à une mise en scène
exemplaire de James Wan.
Pravine

19/12
Acteur marquant à travers ses seconds rôles dans “There
Will Be Blood” (2007) de Paul Thomas Anderson,
“Prisoners” (2013) de Denis Villeneuve ou bien “Okja”
(2016) de Bong Joon-ho, Paul Dano est un acteur épatant
par ses rôles éclectiques, s’adaptant à la comédie
comme au drame. Son premier long-métrage en tant
que réalisateur est remarqué à Sundance et marque
l’ouverture de la Semaine de la critique à Cannes en
2018. Il est adapté d’un roman de Richard Ford du nom
d’”Une saison ardente”.
Le traitement de l’adolescence au cinéma n’est pas
novateur et des réalisateurs comme Larry Clark (“Kids”,
“Bully”, “Ken Park”...) brillent à travers ce point de
vue, mais Paul Dano s’intéresse plutôt au passage forcé
d’un temps à un autre, de l’adolescence à l’âge adulte
en laissant de côté les crises, la rébellion, l’alcool, la
drogue… Lorsque Jerry, le père de famille perd son travail,
son égo le pousse à s’éloigner de sa famille. Pendant ce
temps, Jeanette et son fils Joe sont livrés à eux-mêmes et
à des changements majeurs.
WILDLIFE
“Wildlife” est un film intime du début à la fin, il y a
cette impression d’enfermement avec les personnages
qui vient des cadres rapprochés, nous faisons parti
de la famille Brinson. Composée du père Jerry (Jake
Gyllenhaal), la mère Jeanette (Carey Mulligan) et le fils
Joe (Ed Oxenbould), cette famille est tout à fait normale
et incarnerait presque l’Amérique des années 60. Ce
déménagement dans le Montana en début de film
permet de positionner le spectateur dans une position
neutre : peu importe ce qu’ils faisaient avant, qui sont-ils
aujourd’hui et que vont-ils faire ? Ce sont les questions
que l’on se pose.
Il s’agit alors pour le film de montrer des conflits
intérieurs et extérieurs au couple en plein cœur puisque
nous adoptons très rapidement le point de vue du fils
de 14 ans. L’enchevêtrement de la vie de couple et
l’adolescence sont traités simultanément de manière à
nous faire comprendre la complexité de l’entre-deux :
comment un adolescent de 14 ans peut-il réagir à des
parents belligérants ? Le film adopte une position passive
en ne nous indiquant pas clairement ce qu’il se passe,
14

15
il y a toujours un fond à chaque scène, des métaphores
et des messages cachés. Tout peut basculer d’un coup
dans un couple et c’est ce qu’il se passe lorsque les
hommes qui éteignent les incendies ne reviennent pas
: les femmes mariées deviennent veuves. De la même
manière, lorsque Jerry s’en va à son tour dans le but de
combattre le feu, on apprend deux choses :
- Il s’en va donc il ne reviendra pas en étant la même
personne.
- Éteindre le feu reviendrait à se battre pour son couple,
mais en revenant, la flamme du couple aura disparu, la
flamme de sa femme est éteinte, l’amour n’est plus. C’est
ce que représente la neige qui intervient à ce moment
précis, on passe de la chaleur au froid, des couleurs
chaudes aux couleurs froides.
La frustration que l’on ressent lors du film est tumultueuse,
on voudrait presque remplacer l’adolescent qui observe
comme nous sans réagir et sans dire quoi que ce soit.
C’est d’ailleurs cet aspect du film qui pourrait agir comme
un répulsif et ennuyer le spectateur qui ne désire pas
aller plus loin que voir des réconciliations rapides et des
mots posés sur toutes les situations. Refuser de prendre
parti indiquerait également la situation des enfants situés
entre les parents, la non-intervention est ici privilégiée
en grandissant personnellement dans son adolescence
en trouvant un travail sans faire attention à la tension
sexuelle qu’entretient sa mère avec Warren (Bill Camp).
Malgré les années 60 et l’écart important avec
aujourd’hui, le message écologique persiste et traverse
les décennies en nous affirmant la beauté de la nature
qui délimiterait presque le récit en tant que huit-clos.
L’excellent Jake Gyllenhaal est ici mis au second plan
en laissant jouer une Carey Mulligan divine, livrant
une performance impressionnante et digne d’un Oscar.
Les acteurs sont sublimés par l’écriture qui décide de
ne pas plonger dans les séquences larmoyantes faciles
et qui, nous le savons, pourraient nous détruire (Jake
Gyllenhaal le faisait très bien dans “Stronger” de David
Gordon Green).
Pravine
DE PAUL DANO. AVEC JAKE
GYLLENHAAL, CAREY MULLIGAN,
ED OXENBOULD… 1H44

16
Sous le règne de Napoléon, François
Vidocq, le seul homme à s’être échappé des
plus grands bagnes du pays, est une légende
des bas-fonds parisiens. Laissé pour mort
après sa dernière évasion spectaculaire,
l’ex-bagnard essaye de se faire oublier
sous les traits d’un simple commerçant.
Son passé le rattrape pourtant, et, après
avoir été accusé d’un meurtre qu’il n’a pas
commis, il propose un marché au chef de la
sûreté : il rejoint la police pour combattre
la pègre, en échange de sa liberté. Malgré
des résultats exceptionnels, il provoque
l’hostilité de ses confrères policiers et la
fureur de la pègre qui a mis sa tête à prix...
Depuis le début de sa carrière, Jean-
François Richet s’est toujours intéressé
aux désœuvrés, aux marginaux, donnant
une voix à ceux qui n’en avaient pas. Le
réalisateur s’est politisé au moment de
sa découverte d’Eisenstein et la question
sociale n’a jamais cessé d’irriguer son
cinéma. Son dyptique sur Mesrine était une
façon de sonder une facette de l’histoire
politique française à travers un des antihéros
le plus connu de l’hexagone. Avec «
L’empereur de Paris », Richet prolonge son
exploration en mettant en scène Vidocq,
une figure fascinante du Premier Empire
dont la dernière incarnation au cinéma
était mémorable, mais pas forcément pour
les meilleures raisons.
La filiation entre Mesrine et Vidocq est
évidente ou en tout cas difficilement niable.
Déjà parce que les deux personnages sont
incarnés par un Vincent Cassel impérial
(sans mauvais jeu de mot). Mais aussi parce
que ce sont deux prolétaires qui s’élèvent
contre une société en disant ‘’nous ne
ferons pas partie de votre monde’’. Mais là
où Mesrine aime le chaos, Vidocq lui, aime
l’ordre. Et si ce dernier a vécu dans les bas
fonds, s’évadant 27 fois (!) du bagne, il n’a
jamais fait partie de la voyoucratie. Dès le
19/12
L’EMPEREU
premier plan, soigneusement mis en scène,
Richet iconise son personnage, le montrant
vulnérable physiquement mais d’une
ténacité incroyable. Tous les autres bagnards
savent qui est François Vidocq. Tous ont un
jour eu vent de son histoire. Dans cette cale
étouffante, on fait connaissance avec celui
qui deviendra une légende vivante.
Le film, tourné en pellicule, a une vraie patte.
Les cadres sont léchés, la lumière sublime
et les décors époustouflants. Les moyens
ont été mis pour que la reconstitution de
Paris pendant le Premier Empire soit des
plus réalistes, et ça se voit. Richet réutilise
des procédés de mise en scène qui lui sont
chers comme l’utilisation des miroirs pour
montrer la complexité des protagonistes. On
pense au plan où l’on découvre La Baronne
jouée par Olga Kurylenko, dont le reflet
annonce la duplicité du personnage. Mais
si la réalisation est inventive et immersive

R DE PARIS
DE
JEAN-FRANÇOIS RICHET. AVEC
VINCENT CASSEL, FREYA MAVOR…
1H50
dans ce Paris des bas-fonds, le montage et le
scénario posent problème. La formation de
l’équipe de Vidocq avait quelque chose de
réjouissant sur le papier mais l’accélération
du récit lors des premières arrestations
reste frustrante. On ne voit jamais les
membres de ce gang utiliser leurs aptitudes
caractéristiques, si bien qu’on ne comprend
pas vraiment qui fait quoi. D’autant que
le reste de l’équipe n’est mis en lumière
individuellement qu’à la fin, quand ils
se font décimer un par un. Vidocq est un
personnage solitaire, perdu entre les malfrats
et une haute société corrompue. Il est donc
dommage de n’avoir pas plus d’interaction
avec les autres personnages, ce qui aurait
amplifier l’effet d’isolement à la perte de
ses compagnons. Malgré tout, la scène où
Vidocq entre dans la cellule avec tous les
prisonniers, avec ce discours hargneux,
restera le point d’orgue du film où l’on ressent
toute la solitude et l’ambiguïté du héros. On
notera l’écriture géniale du personnage de
James Thiérée, en ancien soldat dépossédé
de ses terres, dont l’optimisme désabusé
frôle le romantisme. Car si le film est avant
tout un film d’aventure, avec une séquence
d’action finale réjouissante, Richet y insuffle
une réflexion sous jacente, sur le Premier
Empire et la faculté de cette époque à
faire cohabiter entre eux des gens venant
d’horizons politiques différents voir opposés.
Loin d’être le grand film populaire et
exigeant que l’on était en droit d’attendre,
« L’empereur de Paris » reste une tentative
plaisante de renouer avec le grand cinéma
français d’antan. Reste à savoir si ce genre
de projet restera un coup de franc tireur ou
s’il mettra le pied à l’étrier pour des films
d’ampleurs en France. On croise les doigts.
Mehdi Tessier
17

18CRITIQ

19
UES
JANVIER

02
UNE FEMME D’EXCEPTION
20
Le public français n’aura jamais autant
entendu parlé de Ruth Bader Ginsburg
que ces derniers mois. Alors qu’en octobre
dernier le documentaire «RBG» réalisé par
Betsy West retraçait la vie de celle qu’on
surnomme aujourd’hui «Notorious RBG»,
c’est début 2019 qu’est venu sur nos écrans
«Une femme d’exception». Ce dernier se
concentrant principalement sur les débuts
compliqués de la jeune avocate alors qu’elle
concilie vie professionnelle, vie de famille et
un mari souffrant. Un biopic certes classique
mais nécessaire en tant que figure féminine.
Véritable figure de la culture popaméricaine,
Ruth Bader Ginsburg fait partie
des neuf juges à la Cour Suprême aka la
plus haute juridiction américaine. À 85
ans, cette avocate spécialiste des droits des
femmes s’est fait connaître dans les années
70 en défendant plusieurs affaires devant la
Cour Suprême (elle a gagné la plupart des
affaires qu’elle a défendu) tout en pointant
constamment du doigt les discriminations
qui touchent aussi bien les femmes que les
hommes. S’en suit une carrière incroyable
pour celle qui combat également la
politique de Donald Trump et qui est l’une
des dernières grandes figures du parti
démocrate américain.
Mais cette carrière commença de manière
houleuse, bien même avant de devenir
avocate comme le raconte «Une femme
d’exception». Acceptée à la prestigieuse
Harvard School of Law en 1956 parmi huit
autres femmes - sur environ 500 hommes -,
Ruth Bader Ginsburg (Felicity Jones juste au
regard déterminé tout au long du film) doit
d’ores et déjà se battre contre un monde -

21
/01
DE MIMI LEDER. AVEC FELICITY
JONES, ARMIE HAMMER… 2H
et une société - résolument masculin d’autant plus avec un
doyen aux moeurs qui puent le patriarcat à dix kilomètres.
Mère de famille mais aussi femme aimante et attentionnée -
Ruth va suivre en plus de ses cours ceux de son mari Martin
(Armie Hammer impliqué) à qui on vient de diagnostiquer un
cancer -, cette avocate en devenir va devoir se battre dans une
jungle masculine alors qu’elle prend en charge avec son mari
une première affaire qui dessinait déjà les combats futurs de
RBG : les discriminations basées sur le genre. Mais tout ceci
n’est finalement que secondaire, même si on sort de là en
ayant envie d’en voir encore plus, «Une femme d’exception»
dessine surtout un portrait d’une femme érigée en modèle et
qui semble avoir encore plus sa place aujourd’hui en 2019.
Combat contre le sexisme, mener de front plusieurs vies
et subir constamment une pression pour prouver qu’on est
capable de faire aussi bien qu’un homme. Le combat de Ruth
Bader Ginsburg dans les années 70 est - malheureusement -
toujours le même aujourd’hui. Le syndrome de l’imposteur
dont les plus malveillants sont capable de nous faire ressentir
avec leurs «Tu n’y arriveras pas», «Laisse tomber», des phrases
qu’entendaient déjà la jeune femme et qu’on n’hésite pas à
nous rabâcher encore aujourd’hui. Et qu’aurait été cette femme
d’exception sans son mari Martin ? Loin d’ériger de nouveau
ce lien de cause à effet (Une femme a besoin d’un homme
pour réussir), le film de Mimi Leder dessine avec subtilité un
mari qui a su s’effacer pour laisser le devant de la scène à
sa femme - alors qu’il était un avocat tout aussi brillant avec
de véritables facilités d’élocution - tout en continuant de la
soutenir car oui il est là le secret, arrêter ce combat perpétuel
entre hommes et femmes, arrêter cette guerre d’égo que
certains mâles peuvent avoir pour qu’ils comprennent enfin
que la femme n’est pas là pour effacer l’homme mais qu’à
deux ils peuvent s’entraider pour réussir. Tout est une question
d’équilibre dans ce film, finalement ça l’est aussi dans la vie.
Malgré un biopic classique en tout point - ce qu’on peut
aisément lui reprocher -, «Une femme d’exception» dépasse
largement le cadre du biopic pour offrir une figure à suivre,
un message à faire passer à toutes les jeunes femmes car oui,
nous sommes toutes des femmes d’exception.
Margaux Maekelberg

22
02/01
PREMIÈRES VACANCES
DE PATRICK CASSIR. AVEC
CAMILLE CHAMOUX, JONATHAN
COHEN… 1H42
Ah les querelles amoureuses… Elles en
inspirent bien des films, mais celles des
vacances un peu moins. Faute d’idées
? Peut-être. L’humoriste et comédienne
Camille Chamoux s’est emparée de ce
sujet pour co-écrire «Premières Vacances»
avec son compagnon Patrick Cassir avec un
postulat de départ assez simple : Marion et
Ben décident sur un coup de tête de partir
ensembles en vacances après un premier
rendez-vous Tinder réussi, direction la
Mongolie à mi-chemin de leurs destinations
rêvées : Beyrouth pour Marion et Biarritz
pour Ben. Un rendez-vous d’un soir c’est
bien, supporter l’autre pendant plusieurs
semaines s’en est une autre…
Pour son premier film, Patrick Cassir -
épaulé donc par Camille Chamoux - dépeint
avec humour et justesse les vacances
en amoureux. Mais au-delà des simples
querelles qui rythment ces vacances qui
vont s’avérer houleuses pour l’un comme
pour l’autre, le film pose aussi les questions
des fondements même du couple, celui
de l’écoute et des concessions à faire
pour le bonheur de chacun. Pour jouer
son compagnon à l’écran, c’est un autre
humoriste bien connu du grand public qu’on
retrouve avec Jonathan Cohen. L’alchimie
entre les deux personnages fonctionne
à merveille et les vannes font mouche
presque à chaque fois avec un regard plutôt
bienveillant et littéralement deux modes de
vie différents. En passant des cambrousses
bulgares aux hôtels cinq étoiles, les nerfs
de Ben et Marion sont mis à rude épreuve
dans une comédie qui adopte finalement
les codes de la rom-com traditionnelle dans
un écrin assez rafraîchissant même si on
regrette des seconds rôles finalement peu
exploités.
«Premières Vacances» reste une jolie
comédie qui fonctionne dans son ensemble,
imparfaite mais terriblement sincère avec
une Camille Chamoux solaire et un Jonathan
Cohen décidément incroyable et survolté
comme à son habitude et rien que pour ça
nous on dit oui.
Margaux Maekelberg

02/01
UN BEAU VOYOU
DE PLUCAS BERNARD. AVEC
CHARLES BERLING, SWANN
ARLAUD… 1H44
La comédie en France ça passe ou ça
casse, et soyons réalistes, souvent ça casse.
Pourtant il y a de ces comédies qui sortent
absolument des sentiers battus autant dans
leur scénario que dans leur audace visuelle
et «Un beau voyou» fait définitivement
partie de cette catégorie.
À l’aube de sa retraite, le commissaire
Beffrois reste sur sa faim jusqu’à ce qu’on
vol de tableau attire son attention et le
pousse à enquête sur ce qui s’avère un
voleur de tableaux en série qui avait réussi
à sévir jusque là sous les radars de la
police. Visiblement audacieux, entraîné et
littéralement invisible, le commissaire va
redoubler de ruse pour arriver à mettre la
main sur ce voleur. Le film débute sur une
scène plutôt atypique : un jeune voleur
s’introduit dans un appartement où rien
ne semble de valeur, alors qu’il commet
son méfait le propriétaire de l’appartement
rentre chez lui et le surprend en lui disant
qu’il est commissaire. Scène surréaliste :
le commissaire lui demande de s’assoir et
lui propose un jus de fruit. C’est ainsi que
s’ouvre le film sur le personnage de Beffrois,
un commissaire bientôt à la retraite dont le
credo semble plus être le jemenfoutisme
qu’autre chose à en juger ses chemises
hawaïennes à tel point qu’il laisse le voleur
repartir - après avoir récupéré ses effets
personnels bien sûr -. Drôle de personnage
qu’est ce commissaire et pourtant déjà si
fascinant, encore plus lorsque s’entame la
relation entre lui et Bertrand, petit escroquer
immobilier à ses heures perdues et grand
voleur d’oeuvres d’art une fois la nuit
tombée.
Un véritable jeu du chat et de la souris qui
s’entame entre les deux pour nous offrir
répliques juteuses mais également une
course poursuite sur les toits de Paris aussi
inédite qu’assez impressionnante. Nouveau
visage du cinéma français - après le succès
de «Petit Paysan» -, Swann Arlaud prête
ses traits innocents à cet élégant voleur
tandis que Charles Berling nous offre une
performance tout en humour et légèreté.
«Un beau voyou» est une petite bulle fraiche
et légère aussi audacieux que élégant.
Margaux Maekelberg
23

L’HEURE DE LA S
24
Lorsque Pierre Hoffman intègre le
prestigieux collège de Saint Joseph il
décèle, chez les 3e1, une hostilité diffuse et
une violence sourde. Est-ce parce que leur
professeur de français vient de se jeter par la
fenêtre en plein cours ? Parce qu’ils sont une
classe pilote d’enfants surdoués ? Parce qu’ils
semblent terrifiés par la menace écologique
et avoir perdu tout espoir en l’avenir ? De la
curiosité à l’obsession, Pierre va tenter de
percer leur secret...
Le film de genre en France est souvent
décrié. Si dans les années 200, les auteurs
oeuvrant dans cet abîme obscur du cinéma
français offraient des expériences radicales,
ceux des années 2010 ont bien compris
qu’il fallait être plus malin que le système.
On voit sortir depuis quelques années des
œuvres s’apparentant à du genre dont les
codes sont détournés. Et c’est exactement
ce que fait Sébastien Marnier qui signe ici
son deuxième long métrage.
«L’heure de la sortie» est une adaptation
du roman de Christophe Dufossé et aurait
dû être le premier film du réalisateur. Ce
dernier a préféré faire ses armes en réalisant
le thriller «Irréprochable», offrant ainsi à
Marina Foïs un rôle à contre-emploi. Trois
ans après, il accouche d’un long métrage
maîtrisé. Le cinéaste invoque tour à tour «Le
village des damnés», «Rashomon» et même
des éléments du manga «Monster» (quand
les ados jouent à se faire peur et mal dans
la carrière) pour créer l’univers si particulier
de «L’heure de la sortie».
On a du mal à définir le genre de ce film,
et il est difficile de le mettre dans une case
tant il flirte avec les récits paranoïaques et le
fantastique. Exit les atmosphères brumeuses
et les mystères nocturnes, le film prend place
en pleine canicule et se passe souvent de
jour. La mise en scène utilise brillamment
les décors, en subvertissant des lieux banals
pour les rendre de plus en plus effrayants.
Comme cette centrale nucléaire, qui

09/01
ORTIEDE SÉBASTIEN MARNIER. AVEC
LAURENT LAFITTE, EMMANUELLE
BERCOT, LUÀNA BAJRAMI… 1H43
apparaît au détour de plans anodins pour
devenir une véritable entité qui hantera tout
le film.
Car «L’heure de la sortie» est hanté par
l’imminence d’un chaos. Et c’est à travers les
yeux de Pierre Hoffman, joué par un Laurent
Lafitte impeccable, qu’on découvre l’univers
anxiogène et inquiétant de cette classe de
surdoués. La paranoïa s’empare bientôt du
professeur remplaçant, et la frontière entre
réalité et fiction se brouille. La montée en
tension est vertigineuse et le récit prend à la
gorge dès les premières images sans lâcher
le spectateur, le tout renforcé par une B.O.
atmosphérique des plus réussies. Sous ce
soleil de plomb, les pistes se brouillent, et
l’école devient le théâtre d’un jeu pervers
où les professeurs et les élèves revêtent
tour à tour les masques de monstres et de
bourreaux. Le seul bémol sera du côté des
scènes d’actions assez confuses dans leurs
découpages.
Sébastien Marnier signe un film protéiforme,
où l’épouvante est moderne, questionnant
avec brio l’autorité, la notion d’excellence,
de productivité et les inquiétudes
environnementales. En donnant un rôle
ambigu à ce groupe de jeunes, le réalisateur
fait le choix de mettre en lumière une
finitude annoncée d’un monde violent, en
totale autodestruction, et montre ainsi des
adultes en positions de pouvoir préférant
ignorer le problème plutôt que le regarder
en face.
Mehdi Tessier
25

Très pauvrement diffusé dans les salles
françaises, « Bienvenue à Marwen » peine
à trouver son public. Malgré un casting
pourtant porté par Steve Carell et Robert
Zemeckis derrière la caméra, le film ne
semble pas attirer les foules. Et pourtant,
malgré quelques défauts non négligeables,
Zemeckis nous livre le portrait d’un homme
brisé avec toute la bienveillance qu’on lui
connait, réalisant un film important pour sa
filmographie.
09/01
« Bienvenue à Marwen » raconte l’histoire
vraie d’un homme ayant subi une agression
et qui tente désespérément de continuer à
vivre. Autrefois artiste dessinateur, Mark, le
personnage interprété par Steve Carell, met
son talent au service de poupées qu’il met en
scène dans un village fictif de la campagne
belge de la Seconde Guerre Mondiale :
Marwen.
Zemeckis semble attacher à cette histoire
une appréciation toute particulière et
réussi à se l’approprier en abordant les
questions qui lui sont chères. La figure de
l’artiste, la différence et au-delà de ça, l’art
de (se) raconter des histoires. « Bienvenue
à Marwen » est un magnifique film sur les
fantasmes et les névroses d’un homme qui
se rattache comme il peut à ce qu’il lui reste.
Encore une fois, 30 ans après « Qui veut la
peau de Roger Rabbit ? », Zemeckis réussit
à utiliser toutes les ressources mise à sa
disposition et à en extraire le meilleur. Ainsi
les effets spéciaux sont utilisés sciemment
et de sorte qu’ils ne semblent pas de trop.
Certes cette balance entre deux mondes
n’est pas sans défauts, mais malgré certaines
facilités d’écritures et le fait que certains
personnages s’avèrent jetés aux visages
du spectateur, le film reste cependant une
vraie œuvre bienveillante qui fait preuve
d’audace et de sincérité.
BIENVEN
26
Baptiste Andre

27
UE À MARWENDE ROBERT ZEMECKIS. AVEC
STEVE CARELL, LESLIE MANN, EIZA
GONZALEZ… 1H56

28
L’avis de c

aptain jim
29

09/01
FORGIVEN
DE ROLAND JOFFÉ. AVEC FOREST
WHITAKER, ERIC BANA, JEFF GUM…
1H55
Nous sommes en 1994, l’Apartheid prend fin. Nelson Mandela nomme alors L’archevêque
Desmond Tutu en tant que président de la commission Vérité et réconciliation : aveux contre
rédemption. Souvent confronté à d’anciens tortionnaires, Desmond Tutu va rencontre
Piet Blomfield, un des pires assassins condamné à perpétuité. Un véritable bras de fer
psychologique s’engage alors entre les deux hommes.
Adaptation de la pièce de théâtre «L’Archevêque et l’Antéchrist» (un titre qui en dit déjà
long sur l’histoire dépeinte) de Michael Aston, «Forgiven» peine un peu à convaincre sur sa
forme avec quelques longueurs - même si elle fait partie du processus et qu’elle accentue
cette lente montée en violence - et sur une photographie quasi inexistante donnant parfois
l’aspect d’un faux documentaire et une caméra maladroite. Cependant le fond se tient
notamment grâce à un casting impliqué et impeccable que ce soit Forrest Whitaker, Eric
Bana absolument impérial dans ce rôle d’assassin au coeur froid et à la morale douteuse
de prime abord et surtout Thandi Makhubele qui joue le rôle de la mère d’une jeune fille
tuée qui représente à elle seule tout l’esprit du film : le pardon est plus fort que la haine,
plus difficile certes mais toujours plus salvateur. Une idée qui se dessinera dans l’une des
dernières scènes absolument bouleversante et d’une justesse incroyable. Mais tout au long
du film, c’est avant tout un duel psychologique qui se tient entre Desmond Tutu et Piet
Blomfield, deux convictions diamétralement différentes au début du film pour finalement
se rejoindre à la fin.
30
Loin d’être la grosse claque qu’aurait pu nous offrir le film, «Forgiven» reste cependant une
belle leçon de pardon et un très beau message d’espoir qui subsiste encore aujourd’hui
plus que jamais.
Margaux Maekelberg

31
09/01
LES INVISIBLES
DE
LOUIS-JULIEN PETIT. AVEC
AUDREY LAMY, CORINNE MASIERO,
NOÉMIE LVOVSKY… 1H42
Après avoir abordé les méandres de la grande distribution dans «Discount» et les souffrances
au travail dans «Carole Matthieu», Louis-Julien Petit continue dans ses chroniques sociales
avec «Les Invisibles» qui dépeint le quotidien de L’Envol, un centre d’accueil pour les
femmes SDF qui est sur le point de fermer suite à une décision municipale. Pour aider ces
femmes en détresse, les travailleuses sociales de ce centre vont tout faire pour leur trouver
un travail quitte à utiliser quelques feintes…
Adapté du livre «Sur la route des Invisibles» de Claire Lajeunie (elle a également réalisé
un documentaire «Femmes invisibles, survivre dans la rue» en 2014 pour France 5), le
réalisateur Louis-Julien Petit a décidé de se tourner vers la fiction sociale beaucoup plus
tournée vers l’humour - le documentaire ayant déjà pris le parti de la chronique sociale
sérieuse - et le résultat nous offre un film qui transpire l’authenticité et pour cause, toutes
les femmes SDF présentes dans le film - exceptées Sarah Suco et Marie-Christine Orry -
sont des non-professionnelles qui ont toutes vécues l’expérience de la rue et qui s’en sont
sorties aujourd’hui ou qui sont en centre d’accueil. De quoi nous offrir de beaux moments
authentiques, drôles et touchants.
Loin de tomber dans le misérabilisme et le pathos qu’un tel sujet pourrait apporter, «Les
invisibles» se veut avant tout un film plein d’espoir qui réussit à nous faire pleurer autant
de joie que de tristesse, le tout porté par un casting fabuleux que ce soit les femmes SDF
plus rayonnantes les unes que les autres qu’Audrey Lamy qui tient là un de ses plus beaux
rôles.
Margaux Maekelberg

32
09/01
CREED 2
DE
STEVEN CAPLE JR.. AVEC MICHAEL B.
JORDAN, SYLVESTER STALLONE, TESSA
THOMPSON… 2H10

33
Le nouveau «Creed 2», en parti co-écrit par Sylvester Stallone, est une suite
qui bien qu’elle n’égale pas la maîtrise du premier opus n’est pas moins riche
en émotions.
«Creed 2» est un drame construit comme une tragédie grecque ou
shakespearienne : deux fils doivent s’affronter, de deux père rivaux (dont l’un
est le meurtrier de l’autre) et de deux pays ennemis. Tous les ingrédients sont
réunis pour offrir au spectateur 2h10 d’entertainment. Adonis se voit défier
son titre par Viktor Drago, fils d’Ivan Drago (tueur d’Appolo Creed dans Rocky
IV). L’importance de ce combat est primordiale pour chaque parti. D’un côté
il est pour Adonis un moyen de venger ce père qu’il n’a pas pu connaître.
D’un autre, pour Viktor (et par extension son père) ce combat représente la
possibilité de retrouver leur honneur, leur dignité perdue.
En comparaison avec le premier «Creed», «Creed 2» s’oriente plus du côté
des émotions que du côté de l’invention scénaristique. Au fond, «Creed 2»
c’est un peu «Rocky IV» avec quelques changements mineurs. Car ce qui
importe au film est avant tout d’aborder les thématiques de l’héritage et de la
filiation. Au fond que garde-t-on de nos parents ? Hérite-t-on de leurs propres
échecs ? Viktor Drago a pris sur lui le rôle de venger son père, il souffre avec
lui ses blessures passées. Il a tout hérité de lui : sa rage, sa peur, sa honte. En
quelques sortes la relation père/fils des Drago est à mettre en parallèle avec
celle du personnage de Rocky. Sans qu’il s’en rende compte, dans la quête de
victoires, Rocky s’est peu à peu éloigné de son fils et la mort d’Adrienne aura
mis un terme à leur relation. C’est un peu le dilemme auquel fait face Adonis
qui vient de devenir père : que va-t-il léguer à sa fille ? Sera-t-il à la hauteur ?
Adonis est effrayé à l’idée d’échouer. C’est cette fragilité du héros (comme du
vilain) qui hante le film. Ici, chaque personnage n’est jamais complètement
le plus fort. On assiste à la déconstruction complète du héros (Adonis) et à sa
« résurrection » (thème classique des Rocky) qui donne lieu à une magnifique
séquence d’entrainement dans le désert américain. Les combats sont filmés
avec une énergie euphorisante qui nous entraîne et nous pousse parfois à nous
cramponner à nos sièges. Quelques « point-of-view shot » lors des combats
d’ailleurs nous rappellent ceux qu’utilisa Scorcese pour «Ragging Bull». Toute
la force de «Creed 2» se trouve là : dans cette émotion débordante qui nous
fait passer des larmes aux cris de joies d’une scène à l’autre et qui renoue
de ce fait avec ce produit familial et populaire qu’avait su créer les anciens
Rocky.
Sebastien Nourian

COLETTE
34
Le grand Baudelaire écrit « donne-moi
ta boue et j’en ferai de l’or ». «Colette»
c’est le processus inverse : donne-moi ton
or et j’en ferai de la boue. Au sortir de la
séance, il nous semble avoir assisté à ce qui
s’apparente chez les peuples primitifs à un
sacrifice, dont nous réalisons rapidement
avoir été nous-mêmes (les spectateurs) les
bêtes destinées à passer sous la lame du
couteau aiguisée.
Pour ce film, le choix de Westmoreland
(réalisateur de «Still Alice») est de se
concentrer sur les premières années de
Colette, lorsqu’elle n’était encore qu’une
jeune provinciale naïve ayant épousé un
homme d’affaire parisien et s’installant avec
lui dans la capitale. Colette écrit et son mari
publie ses romans sous son nom à lui car
à l’époque ‘’les femmes ça ne vend pas’’.
Colette continuera à écrire pour lui tout le
long du film jusqu’à une énième dispute
qui conduira à leur séparation définitive
juste avant que les lumières de la salle ne se
rallument.
Au-delà de sa mise en scène classique, qui
peine à nous offrir des images ‘’digérables’’
c’est avant tout sur le fond que Colette
pêche. Le film est dépourvu d’axe narratif. Il
n’y a aucun questionnement et donc aucune
réponse. Colette passera 1h45 du film à se
soumettre, docilement, pour se révolter lors
des cinq dernières minutes et nous délivrer
un monologue d’une platitude et d’une
vacuité abyssale… C’est une Colette avec
laquelle on ne sympathise pas car rien dans
le film n’est fait pour nous faire comprendre à

16/01
DE WASH WESTMORELAND. AVEC KEIRA
KNIGHTLEY, DOMINIC WEST, ELEANOR
TOMLINSON… 1H52
quel point cette femme était
extraordinaire et à quel point
elle a marqué de sa patte
toute la première moitié du
20ème siècle. Peut-être que
les scénaristes auraient pu
se demander ce qui rendait
Colette si exceptionnel, ce
qui en faisait une femme
si puissante… mais pas du
tout ! Le film ne traite en
rien son génie. Il tente par
moment de combler son
vide par l’insertion inutile
de scènes lesbiennes,
instrumentalisant ainsi ses
orientations sexuelles à
des fins narratives. ‘’Oh
regardez, Colette embrasse
une femme !’’, ‘’Oh regardez, Colette s’est coupée les
cheveux’’, ‘’Oh regardez Colette porte un pantalon’’. Bien
que toutes ces choses aient contribué à faire d’elle une
femme avant-gardiste et symbole d’un féminisme naissant,
il serait malheureux de réduire Colette et ce qu’elle
représentait à cela (ce que fait le film !). Non ! Colette c’est
de la littérature, de la littérature avant toute chose et le film
ne l’aborde pas. Il n’est jamais question de ce qui fait la
particularité de sa prose, ni même entendons-nous jamais
des passages être récités de ses romans (tout le monde
parle anglais…). Un axe littéraire plus prononcé aurait
permis de célébrer la femme qu’était Colette. Assurément
un tel axe, centré sur l’œuvre de Colette se serait avérer
une approche beaucoup plus digne du féminisme. Car oui,
dire qu’une femme est féministe parce qu’elle s’adonne à
l’amour libre, ou bien car elle porte les cheveux courts,
désavoue la portée du mouvement. C’est davantage en
montrant comment Colette a su s’ériger comme un talent
incomparable dans un monde littéraire majoritairement
masculin, que le film aurait pu servir au discours d’un
mouvement auquel il a voulu contribuer.
Un autre aspect irritant du film (surtout pour un Français)
c’est qu’il n’est jamais question du monde qui entoure
l’écrivaine. Toute la trame narrative du film évolue dans
le Paris de la Belle Époque et jamais il n’est question de
cela. On ne voit rien des fêtes, du faste, des avancées
culturelles qui ont sûrement influencé Colette dans son
travail. Colette se déplace dans un Paris insipide et sans
vie. La talentueuse Keira Knightley aura beau tenter de
sauver le film, en délivrant une performance juste, elle est
néanmoins desservie par la médiocrité des dialogues. A
rappeler que lors des scènes de disputes conjugales Keira
Knightley ne fait que répéter ‘’you fucking bastard’’ (on a
connu mieux).
Il y aurait tellement à dire sur ce film mais il vaut mieux
s’arrêter ici. Simplement : «Colette» est un mauvais film
qui ne rend hommage à personne et affadis même l’image
qu’on aurait pu avoir de l’écrivaine. Il serait peut-être bon
qu’Hollywood massacre ses propres idoles et laisse les
nôtres en paix !
PS : Si l’ennui possédait le réel pouvoir de tuer, cette
critique n’aurait jamais vu le jour (et moi non plus).
Sebastien Nourian
35

36
A trois semaines d’intervalle sortent
deux films qui sont - drôle de
coïncidence - assez ressemblants.
«My beautiful boy» qui sort le 6
février traite d’une histoire vraie,
celle d’un père qui va se battre
pendant des années pour sauver son
fils de l’addiction. D’un autre côté
nous avons une mère qui, pendant
une nuit entière, va tout tenter pour
retrouver son fils qui retombe à son
tour dans l’addiction. Deux histoires
similaires sauf que l’une fonctionne
et pas forcément l’autre.
C’est la veille de Noël, Holly revient
des répétitions à l’Eglise avec ses
trois enfants Lacey et Liam issus
de sa dernière union avec Neal et
sa grande fille Ivy. Sur le perron
de leur maison se trouve Ben. Son
aîné, encore en centre de désintox
jusqu’à ce jour. Cette fois Holly est
persuadée, Ben va mieux, ça se voit
même - ce qui ne l’empêche pas de
cacher tous les médicaments et les
bijoux de valeur -, Ivy en est moins
sûre, encore moins Neal. Pourtant
ils leur font tous confiance, 24h
ensemble puis il repart en centre. Sauf
que rien ne se passe comme prévu
lorsque le soir ils se font cambriolés
et que leur chien a disparu. Ben le
sait, tout est de sa faute. Il décide
alors de partir retrouver son chien et
se frotter forcément aux mauvaises
personnes. Holly, mère aimante et
protectrice décide alors de partir à
sa recherche. Une nuit entière où
les nerfs de toute la famille vont être
mis à rude épreuve.
Au vu de la bande-annonce ce qu’on
craignait le plus c’était le pathos. il
faut dire que 1m34 où on voit Julia
Roberts s’exclamer d’un naturel
tout… sauf naturel puis pleurer
toutes les larmes de son corps alors
qu’elle hurle à un policier qu’elle
veut retrouver son fils et bah c’est
franchement pas rassurant.
Et bien quand on sort de là on est
rassuré parce que du pathos il n’y en
a pas. En fait, incroyable mais vrai, il
est bien là le problème. Zéro pathos
mais également zéro empathie et
zéro sentiments ne se dégagent
de ce film. Axer le tout sur une
seule nuit empêche toute histoire
personnelle de se développer
malgré un Lucas Hedges qui fait du
mieux qu’il peut - et qui s’en sort
pas trop mal même si la caméra le
bouffe du regard comme c’est pas
permis (merci papa réalisateur) - à
côté d’une Julie Robert qui en fait
trop. D’un classicisme absolu et
attendu de bout en bout, «Ben is
back» a du mal à faire pleurer dans
les chaumières même s’il avait tout
pour s’inscrire dans la fameuse liste
du «Film à Oscar» (étape qu’il n’a -
heureusement - pas atteint» et qui
confirme surtout une filmographie
qui file en demie-teinte pour Julia
Roberts et un Peter Hedges qui a
encore bien du mal à nous offrir des
films de qualité.
«Ben is back» est un film qui ne
fait qu’effleurer tous ses sujets et
se contente de se reposer sur les
épaules de Julia Roberts, mèrecourage
et caution tire-larmes des
plus sentimentaux.
Margaux Maekelberg
BE

37
16/01
N IS BACK
DE
PETER HEDGES. AVEC JULIA ROBERTS,
LUCAS HEDGES, COURTNEY B. VANCE…
1H42

38
Adapté du roman éponyme de Angie Thomas, «The Hate u Give» raconte le
combat d’une jeune afro-américaine contre les violences policières faites aux
noirs. Starr a une double vie partagée entre une éducation blanche dans un lycée
élitiste et une éducation noire dans un quartier violent. Une histoire poignante
réalisée par George Tillman Jr, l’homme derrière «Faster», «Notorious BIG» ou
encore quelques épisodes de la série Marvel’s «Luke Cage». Porté par Amandla
Stenberg, Anthony Mckie et le rappeur Common, le long métrage est une œuvre
poignante et réussie dans le quotidien d’une adolescente.
Après un début pop enlevé, qui permet d’instaurer un rythme endiablé grâce
à une bande originale rap et hip hop, le sujet du film revient rapidement au
galop. Lorsque le meurtre de Khalil survient, le long métrage change d’univers
et tombe dans un film politique, qui met en avant les incessantes violences et
bavures policières. Amanda Stenberg («Darkest Minds») crève l’écran dans un
rôle sur-mesure tandis que le reste du casting permet enfin un véritable film afroaméricain
par les membres de leur communauté et pour les membres de leur
communauté. Pas d’hypocrisie cette fois, les noirs sont au centre de leur film et
mettent en avant leur condition dans une Amérique encore profondément raciste.
Mais «The Hate u Give» n’est pas un biopic classique sur la situation des noirs
aux Etats-Unis. Il y a eu déjà de nombreux films sur le sujet, le dernier en date
étant le superbe «Detroit». George Tillman Jr préfère aborder son film avec
d’avantage de légèreté. Très rythmé, malgré ses 2h12, THUG n’ennuie jamais,
grâce à une approche très moderne de cette condition. Ici pas de pathos, pas de
situations larmoyantes, il s’agit d’un combat, ferme et audacieux. Les personnages
ne s’apitoient pas sur leurs sorts mais préfèrent combattre, se relever et se faire
entendre. A l’image de l’éducation du père de Starr, autoritaire, mais également
utopique, intelligente et méliorative.
L’émotion fonctionne à la perfection. Le spectateur passe des rires aux larmes, de
l’effroi à l’espoir, de la crédulité au respect. Bien évidemment, les manifestations,
mêmes si elles ne reposent pas sur le même sujet, font forcément échos à notre
situation actuelle. Un peuple soulevée contre les injustices répétitives d’un
gouvernement. La communauté afro-américaine ne supporte plus sa condition,
ne supporte plus les injustices répétitives à leur encontre, ne supporte plus toute
cette violence. «The Hate u Give» est là pour le rappeler, et pour l’exprimer de la
plus belle des manières.
Finalement «The Hate u Give» est une adaptation puissante et prenante qui met en
avant la communauté noire américaine. L’actrice principale est rayonnante tandis
que les circonstances, bien que souvent classiques, sont portées par un véritable
souffle émotionnel fort. Le long métrage est rayonnant, à double tranchant, à la
fois informatif mais également très émotionnellement parlant.
Aubin Bouillé

39
23/01
THE HATE U GIVE
DE GEORGE TILLMAN JR.. AVEC AMANDLA
STENBERG, REGINA HALL, RUSSELL
HORNSBY… 2H13

23/01
GREEN BOOK
40
Peter Farrelly est normalement réputé
pour les comédies. C’est l’homme derrière
les excellents «Mary à tout Prix» et «Fous
d’Irène», ou les bourrins «Dumb & Dumber»
et «My Movie Project». Bref pas le cinéaste
le plus subtil d’Hollywood. La surprise fut
donc importante lorsque «Green Book» a
été annoncé. Un road-movie sensible porté
par Viggo Mortensen et Mahershala Ali,
franchement on y croyait pas... Et pourtant
Green Book : sur les routes du sud est une
réussite totale.
Certains l’ont comparé à «Miss Daisy et
son chauffeur», une sympathique comédie
dramatique avec Morgan Freeman.
C’est vrai que certaines ressemblances
sont inévitables. Bien évidemment la
confrontation des origines, mais aussi de la
classe sociale, fait échos à ce film de 1989.
Morgan Freeman était le chauffeur d’une
riche aristocrate blanche. Dans «Green
Book», Viggo Mortensen interprète un
émigré italien à la classe sociale modeste,
opposé à un riche et talentueux pianiste afroaméricain
interprété par Mahershala Ali.
Forcément les différences vont se confronter,
et les inhibitions vont devoir tomber.
L’écriture des personnages est très précise
et touchante. Peter Farrelly dresse deux
portraits puissants d’homme très différents.
Tony Lip (Viggo Mortensen) est un bon
vivant, à la culture générale relativement
faible, mais aux principes constitutifs de
sa propre façon de penser. Don Shirley
(Mahershala Ali) est un pianiste issu de la
haute sphère, légèrement hautin, à la culture
très intellectualisée. Bien évidemment ils
vont se confronter, se jauger, se juger et
se supporter. Mais les personnages vont
évoluer dans une appréciation mutuelle. Ils
vont s’inspirer réciproquement, apprendre
chacun de l’univers de l’autre. Tony Lip,
d’abord raciste, va s’éprendre d’amitié avec
le pianiste. En plus de faire le chauffeur il

prendra officiellement fin en 1964. Don
Shirley, pianiste de renom, décide de sortir
de son cercle de tranquillité pour se lancer
sur les routes du sud, dans les états où le
racisme atteint son paroxysme. Tony Lip
va devoir le protéger contre les violences
physiques. Peter Farrelly met en corrélation
les situation des deux personnages. Tony
Lip va réellement découvrir le racisme et se
rendre compte que la condition prestigieuse
de Don Shirley ne le protège en aucun cas
contre la discrimination.
DE PETER FARRELLY. AVEC VIGGO
MORTENSEN, MAHERSHALA ALI, LINDA
CARDELLINI… 2H10
va devoir faire le garde du corps. Si cette
approche paraît peut-être un peu classique,
l’exécution est parfaitement maîtrisée. Les
personnages sont très empathiques, et leurs
tribulations passionnantes. Il y a un véritable
contraste entre les deux protagonistes. Surtout
grâce à Viggo Mortensen qui interprète à
la perfection Tony Lip : un homme un peu
bourru mais qui parvient encore à trouver
l’émerveillement d’un enfant. Un homme
dont la culture musicale va le pénétrer, tout
comme la volonté de s’ouvrir au monde.
Quant à Mahershala Ali, il n’a pas volé son
Golden Globes du meilleur acteur dans un
second rôle.
Peter Farrelly évite tout pathos pour signer un
drame social des plus réussis. Les dialogues
sont toujours très relevés, ce qui permet
d’éviter les facilités du genre. De même que
les situations qui montrent constamment une
vision précise de la situation sociale actuelle.
Le film se déroule en 1962, la ségrégation
En plus d’être une puissante représentation
de ce qu’était la ségrégation, c’est aussi une
manière de représenter la manière dont les
êtres humains se comportent les uns avec
les autres, comment les préjugés peuvent
tomber facilement face à une réalité tout
autre. «Green Book» est un film intelligent
doublé d’un road movie à travers les Etats-
Unis. La mise en scène de Peter Farrelly
est parfaitement maîtrisée, portée par une
photographie des plus plaisantes. Le long
métrage finit sur une belle touche d’espoir,
inspirée de la véritable histoire de ce duo
hors du commun.
«Green Book : sur les routes du sud» est
une réussite totale, inspiré des véritables
histoires de Tony Lip et Don Shirley. Une
amitié qui a par la suite perduré à travers
le temps et les préjugés. Peter Farrelly
démontre quant à lui qu’il sait faire autre
chose que des comédies,et on l’encourage
à continuer dans cette voie.
Aubin Bouillé
41

42
23/01
LES FAUVES
DE VINCENT MARIETTE. AVEC LILY-ROSE
DEPP, LAURENT LAFITTE, CAMILLE
COTTIN… 1H23
Un été en Dordogne, la rumeur court qu’une panthère rôderait autour du camping dans
lequel séjourne Laura et sa cousine Anne. Une rumeur persistante qui effraie la plupart des
vacanciers mais pas Laura qui développe même une curiosité envers cette histoire. Une
curiosité qui s’exacerbe encore plus lorsqu’un garçon avec qui elle a flirté vient à disparaître
et qu’elle devient la suspecte numéro une d’une policière bien décidée à trouver la vérité.
Pendant ce temps, la jeune fille est étrangement attirée par Paul, un vacancier qui s’avère
être un écrivain de polars et qui semble avoir un étroit lien avec toute cette histoire.
Le genre français a le vent en poupe dont Laurent Lafitte semble être le capitaine en ce début
d’année après «L’Heure de la sortie» dans lequel il est traqué, cette fois il prend la place du
traqueur dans «Les Fauves» ou le récit initiatique d’une jeune fille, Laura, qui semble bien
plus intéressée par cette menace invisible que par les vacances et les premiers amours de
jeunesse. Devenue élève de Paul, elle va construire avec lui une relation ambigüe autant
pour eux que pour nous. Cependant la sauce ne prend jamais dans ce film qui se perd dans
un fantastique de surface et malheureusement pas forcément aidé que ce soit le scénario
qui perd très vite en intensité que par un casting qui a du mal à nous faire ressentir quoique
ce soit entre un Laurent Lafitte qui ne semble pas à sa place et une Lily-Rose Depp aussi
inexpressive que le chat de mon voisin - quoique lui est même plus expressif c’est pour
dire -.
Essayant vainement d’instaurer un tant soit peu de thriller dans ce film, Vincent Mariette
réussit juste à nous assumer à coup de scénario long et de dialogues creux.
Margaux Maekelberg

23/01
L’ORDRE DES MÉDECINS
DE DAVID ROUX. AVEC JÉRÉMIE RENIER,
MARTHE KELLER, ZITA HANROT… 1H33
Première réalisation pour David Roux qui s’attaque à un sujet douloureux : la perte d’un
proche. Un exercice mis en plus en exergue lorsque la perte de ce proche touche un
médecin, lui-même confronté à la mort tous les jours. Simon a 37 ans et est un médecin
aguerri dans son service de pneumologie. La mort il connaît, il sait comment la gérer, il
apprend aux autres à savoir la gérer le deuil mais que se passe-t-il lorsqu’il doit lui même
faire face au décès imminent de sa mère ? C’est là qu’est toute la question.
Jérémie Renier tient à lui tout seul le film. Tantôt médecin téméraire intelligent et parfois
même brusque avec les jeunes externes, tantôt ‘’fils de’’ qui ne conçoit pas que sa mère
puisse mourir, usant ainsi de sa position pour obtenir une ou deux faveurs. Sa mère s’y
est faite elle à l’idée de mourir, pas Simon qui doit en plus de ça gérer son père au bord
de la dépression et sa soeur sur le point de divorcer. Chronique amère d’un homme qui
se retrouve pour la première fois de l’autre côté de la barrière, «L’Ordre des médecins»
dessine avec beaucoup de pudeur et parfois presque un côté documentaire ce quotidien, les
questionnements et les épreuves que doivent parfois subir ces médecins car on a peut-être
tendance à l’oublier mais eux aussi sont humains, en témoigne la dernière scène poignante
mettant un point final d’une beauté incroyable à ce film. On regrettera cependant la galerie
de personnages tout autour qui sont assez peu exploités et qui ne sont finalement là que
pour entourer et mettre encore plus en avant le personnage principal.
Il n’empêche que pour un premier film, David Roux semble avoir capté à perfection le
coeur de son sujet dans un film imparfait mais porté par un Jérémie Renier impliqué, une
jolie photo et une humanité déconcertante.
Margaux Maekelberg
43

30/01
MINUSCULE
Quelle aventure qu’est «Minuscule». Après une série
télévisée et un premier film «Minuscule : La vallée des
fourmis perdues» qui s’est vu obtenir le César du meilleur
film d’animation (mérité), le duo Thomas Szabo et Hélène
Giraud revienne pour un nouveau tour avec «Minuscule 2 :
Les mandibules du bout du monde». On reprend les mêmes
personnages et on recommence… enfin pas tout à fait quand
même. Car nos personnages ont quand même bien grandis.
44
Notre chère coccinelle a désormais une famille à charge et
lorsque son amie la fourmi l’appelle à l’aide elle fonce tête
baissée sans se rendre compte que son enfant l’a accompagné
par curiosité. Après une bataille terrible entre fourmis rouges
et fourmis noires, la coccinelle enfant se retrouve coincée dans
un carton en direction de la Guadeloupe. Pas d’autres choix,
toute l’équipe doit partir en Guadeloupe pour la sauver. Et
qui dit Guadeloupe dit forcément nouveaux horizons et donc
nouveaux animaux. En incluant cette fois-ci les humains,
«Minuscule 2» prend du galon et ose de nouvelles choses pour
notre plus grand plaisir. Beaucoup plus abouti visuellement,

45
2
DE THOMAS SZABO, HÉLÈNE GIRAUD.
AVEC THIERRY FRÉMONT, BRUNO
SALOMONE, STÉPHANE COULON… 1H32
de nouveaux insecte font l’apparition donnant ainsi lieu à
de nouveaux gags toujours aussi exquis comme la course
poursuite entre coccinelle et mante religieuse. Mais derrière
cet enjeu se principal se dessine d’autres sous-intrigues tout
aussi douces et drôles que ce soit la fourmi et l’araignée toutes
deux à bord d’un navire pour aller sauver leurs amis dans un
voyage… imprévisible et une troisième histoire qui se déroule
avec la coccinelle enfant en tant que protagoniste mais dont
on taira les tenants et les aboutissants pour vous laisser la
surprise intacte.
Une nouvelle fois, «Minuscule 2» nous offre du rêve à n’en
plus finir. C’est délicat, toujours aussi drôle et intelligent et
visuellement d’une richesse infinie. Le duo Szabo/Giraud
refait des merveilles quatre ans après un premier opus qui
était déjà plus que réussi.
Margaux Maekelberg

46
Son arrivée sur les écrans français aura été
fastidieuse mais Boots Riley aura réussi.
Après qu’un distributeur ai jugé le film
trop «afro-américain», c’est finalement
Universal qui a récupéré le film pour
pouvoir nous l’offre sur grand écran dès
le 30 janvier prochain. Grand bien nous
fasse car nous serions probablement
passés à côté d’une grosse pépite indé
et franchement ça nous aurait foutu les
boules.
Le cinéma indépendant explose et
se complait à dénoncer les inégalités
toujours aussi importantes et le cinéma
indépendant américain en est - et a
toujours été - un très bon exemple. Mais
ces derniers temps une tendance se
dessine vers des films résolument pop
avec de nouvelles propositions toujours
plus abouties et jusqu’en boutiste que ce
soit «Blindspotting» ou «Assassination
Nation» pour parler de 2018. Et ce début
2019 sera marqué à coup sûr par le premier
long-métrage de Boots Riley : «Sorry to
bother you». Tout commence lorsque
Cassius Green décroche un boulot en tant
que vendeur en télémarketing. Un univers
impitoyable mais dans lequel il réussi
à exceller et à rapidement grimper les
échelons. Tandis que Cassius Green rentre
dans les hautes sphères de la société -
celles qu’il a toujours convoité -, ses amis
se bat contre cette même entreprise car
ils s’estiment exploités. Puis finalement
entre dans le game le big boss de tout
ça, un patron aussi extraverti qu’accro à
la cocaïne qui a une vision bien ) lui du
travail…
Boots Riley met les pieds dans le plat et
jette à la gueule du capitalisme des piques
colorées et cyniques comme il faut, juste
assez pour nous faire rire mais aussi nous
faire réfléchir. Sur un ton très décalé, on
30/01
SORRY TO
découvre d’abord comme Cassius Green
réussit à grimper les échelons et pour cela
rien de plus simple, il suffit de prendre une
‘’voix de blanc’’ comme l’explique son
collègue. Rêvant de gloire et de richesse,
Cassius en vient à oublier d’où il vient mais
surtout les combats qu’il est censé défendre
alors que ses amis et sa petite-amie se
battant contre une entreprise qui les utilise
quasiment comme esclaves dans un ton et
une esthétique toujours tirés vers quelque
chose qui tiendrait presque de l’absurde. Et
c’est là toute la force du film, au lieu d’être
un énième film qui surfe sur la tendance
‘’Je dénonce les inégalités’’, Boots Riley
charge son canon pour tirer des boulets

BOTHER YOU
DE
BOOTS RILEY. AVEC LAKEITH
STANFIELD, TESSA THOMPSON, STEVEN
YEUN… 1H51
aussi énormes que ce que prépare Steve Lift
le boss de l’entreprise qui a quand même
son idée bien à lui. «Sorry to bother you» va
ainsi sur des terrains absolument inattendus
afin de prendre le spectateur au dépourvu à
peu près toutes les 10 minutes une fois que
la machine est lancée.
Et par dessus tout, Boots Riley réunit un
casting incroyable avec des personnages
haut en couleur mais sans qu’il y en ai un
qui ai moins d’importance qu’un autre.
Evidemment Lakeith Stanfield capte toute
l’attention avec ses airs naïfs et son envie
dévorante de réussir mais on ne peut
que décemment saluer des prestations
impeccables comme celle de Tessa
Thompson, Steven Yeun ou encore Armie
Hammer qui tient là sa performance la plus
délurée de toute sa carrière et qui nous
prouve que le bonhomme peut partir dans
d’autres comédies.
Hilarant, extrême, inattendu, surprenant…
Tant d’adjectifs pourraient correspondre à
ce qui s’avère être la grosse surprise de cette
fin janvier. L’attente aura valu le coup parce
que quand certains décident de taper dans
les cornes du capitalisme américain, ça fait
mal… très mal…
Margaux Maekelberg
47

48CRITIQ

49
UES
FEVRIER

50
06/02
MY BEAUTIFUL BOY
DE FELIX VAN GROENINGEN. AVEC
STEVE CARELL, TIMOTHÉE CHALAMET,
JACK DYLAN GRAZER… 2H01

51
On le disait récemment, «Ben is back» et «My beautiful boy» partagent
ironiquement plus ou moins la même histoire : un parent qui va tout tenter
pour sauver son enfant de l’addiction. Dans «Ben is back» c’est la mère et
dans «My beautiful boy»c’est au tour du père de tout faire pour sauver son fils
de la toxicomanie. Un rude combat que dépeint «My beautiful boy» tiré d’une
histoire vraie et porté à merveille par Timothée Chalamet et Steve Carrel.
Felix van Groeningen avait un matériel très dense pour réaliser ce film soit non
pas un bouquin mais deux. «Beautiful Boy : A Father’s Journey Through His Son’s
Addiction» de David Sheff et «Tweak : Growing Up on Methamphetamines»
de Nic Sheff son fils. Un même combat raconté des deux points de vue dont
le réalisateur s’est emparé pour réaliser «My beautiful boy» qui impose quand
même beaucoup plus le regard du père sans pour autant omettre le fils. Un
vrai combat qui a duré près de dix ans pour cette famille qui n’a eu de cesse
de vivre dans les tourmentes de l’addiction aux drogues. Evidemment le film
peut compter sur un casting de choix entre Steve Carrel dont le talent n’est
même plus à démontrer et qui offre une partition émouvante pleine de rage;
accompagné par la nouvelle coqueluche d’Hollywood Timothée Chalamet
qui réussit une nouvelle fois à proposer une performance tout en retenue.
Les deux, sans jamais sombrer dans un pathos quelconque, dessinent les
méandres qu’engendre la toxicomanie comme pour prévenir des dangers que
cela peut comporter. D’ailleurs c’est peut-être ça qu’on peut reprocher au film,
garder cet aspect très préventif sans pour autant s’attarder sur leur histoire et
même si le film fait le job à 100%, il nous manque ce petit quelque chose à
laquelle nous raccrocher pour être autant ému qu’à la toute fin. Très convenu
dans sa forme, le film fonctionne cependant sur son fond, sur la relation
Carrel/Chalamet qui fonctionne à merveille et sur ces moments solaires qui
nous sont offerts, éphémères certes mais terriblement salvateurs, comme une
bouffée d’oxygène avant de replonger au plus bas.
Un combat qui est finalement universel face à une menace qui touche tous les
jeunes venant autant des classes moyennes que des classes aisées. Mais loin
de tomber dans un certain misérabilisme, «My beautiful boy» reste porteur
d’un certain espoir et que quelque part, à force de persévérance, l’amour des
proches peut sauver quelqu’un.
Margaux Maekelberg

13/02
52
Cinq ans après sa première aventure à
travers les jeux vidéo, Ralph se lance dans
ce monde sauvage et étrange qu’est Internet.
Mais est-ce que cette suite risque de se
mettre à dos les Trolls ?
(Question piège : on parle d’internet. Bien
sûr que les Trolls vont réagir.)
Si le premier volet a su attirer un fort succès
public et critique, l’auteur de ces lignes
avoue le considérer comme moyen parmi la
production animée de Disney. Les références
sont certes amusantes et on est intrigué par
l’univers qui se construit dans le monde
vidéo ludique mais le tout souffre d’une
narration prévisible, d’une modélisation qui
aurait pu aller plus loin (visuellement, les
personnages se ressemblent tous dans des
univers disparates) et d’une morale dont la
maladresse d’exécution laisse penser à un
propos conservateur sur une impossibilité
de changer sa nature. Il faut donc avouer
que c’est plus la curiosité que l’envie qui
motivait ce visionnage. Alors, ravi ? Oui…
et non.
Pour commencer avec le négatif, si l’on
s’amuse encore devant certaines références,
certaines dégagent une sensation vaine et
risquent de dater le film dans les années à
venir. Là où un « Ready Player One » théorisait
par la présence de figures populaires sur
l’importance de la pop culture sur la création
de sa personnalité (tout en étant logique
au vu de l’amplitude de l’OASIS), on a ici
plus une envie de référenciation drôle que
de véritable création d’univers par celle-ci.
C’est d’ailleurs quand le film n’aborde pas de
marques/sites connus que l’internet se voit
comme un autre monde, dans sa description

RALPH 2.0
DE RICH MOORE, PHIL JOHNSTON.
AVEC LES VOIX DE JOHN C. REILLY, GAL
GADOT… 1H52
des spams ou des jeux en
ligne. Bref, certaines scènes
risquent de diviser selon
le regard qu’on leur porte,
entre amusement sincère et
énervement cynique (cf les
princesses Disney). De plus,
certaines idées importantes
du premier film sont mises à
la trappe (Ralph quitte quand
même son jeu pendant plus
de deux jours).
Néanmoins, tout cela
dissimule une nette
amélioration dans les
intentions. Comme dit plus
haut, une fois affranchi de
tout lien à notre univers,
Internet se voit abordé avec
une envie d’approfondir un
petit monde et de quand
même tisser des rapports
à notre consommation de
celui-ci. Ralph se voit ainsi
obligé de créer le buzz
pour atteindre son but
mais également confronté
aux commentaires négatifs
(« Première règle d’Internet :
ne jamais regarder les
commentaires ! »). On
pourra également noter
un meilleur usage dans
l’animation concernant
notamment les personnages
de jeux en ligne. Mais ce
qui fonctionne mieux reste
le traitement des relations
possessives et leur toxicité,
amené avec plus de subtilité
que les messages sur les
réseaux sociaux et tout ce
qui est relatif à Internet.
Ralph casse peut-être
Internet dans son titre original
mais il ne casse néanmoins
pas la production animée
des studios Disney, loin
d’atteindre ses meilleurs titres
récents comme « Frozen »
(oui, son succès est plus que
mérité) et « Vaiana ». Cela
ne l’empêche pas d’être
amusant et de fonctionner
sur le public. C’est donc
une sortie familiale
recommandable mais pas
indispensable.
Liam Debruel
53

54
Gestation longue et douloureuse – financer un premier film n’est jamais chose facile –
pour la réalisatrice qui nous offre son premier long-métrage. Depuis 2009, Jordana Spiro
avait en tête cette idée de comprendre et analyser ce qui traversait l’esprit de ces enfants
et adolescents placés – ou sortant – de familles d’accueils. « Long Way Home » s’intéresse
à l’une d’entre elles. La jeune Angel, dix-huit ans, tout juste sorti de prison après y avoir
été incarcéré pour port d’arme illégal – ajouté à cela d’autres délits -. Deux choix s’offrent
alors à la jeune femme : combler son désir de vengeance ou prendre soin de sa petite soeur
Abby, actuellement en famille d’accueil.
Sujet ambitieux, important mais également casse-gueule si sa réalisatrice sombre dans le
pathos, les conséquences de la destruction de la cellule familiale sur des enfants qui n’ont
pas les outils ni l’amour nécessaire pour appréhender la vie comme il faudrait. D’autant
plus qu’Angel a été témoin du meurtre de sa mère perpétré par son propre père. Un début
de descente aux enfers pour la jeune femme jusqu’à passer par la case prison. Une fois
en dehors il faut tout reconstruire et surtout retrouver sa petite soeur Abby, placée dans
un foyer qui n’en a que faire d’elle – la mère touche de l’argent de l’Etat en prétextant
que les enfants sont dérangés afin d’obtenir des médicaments que les enfants revendent
en cachette pour se faire de l’argent -. Tiraillée entre ce désir de vengeance et celui de
reconstruire une famille, la réalisatrice suit le chemin de rédemption semé d’embûches
d’une jeune fille sans repères.
Véritable souhait de la réalisatrice, le film prend son temps, se sublime dans les silences
et les regards pleins d’intensités de son actrice principale Dominique Fishback même s’il
n’évite pas de temps en temps quelques longueurs qui pourraient nous faire décrocher mais
c’est indubitablement les deux prestations électrisantes et tout en sensibilité de Dominique
Fishback et Tatum Marylin Hall qui font que le film se plaçait facilement dans le haut du
panier de la compétition du dernier Festival de Deauville d’où il est d’ailleurs reparti avec
le Prix du Jury.
« Tu n’es pas comme lui » affirme la jeune Abby à sa soeur alors que cette dernière lui
demande si elle est comme leur père. « Long Way Home » est aussi un message pour tous
ces jeunes issus de familles d’accueil et qui, comme Angel, sont en perdition. Celui qu’il
n’est jamais trop tard pour prendre sa vie en main et enfin devenir quelqu’un. Jordana
Spiro s’attaque à un sujet sensible typiquement américain : celui de ces structures censées
aider ces enfants et qui, mal encadrées, sont souvent à l’origine de bien des problèmes
de ces enfants. D’autant plus que ce sont généralement les enfants de couleurs qui sont
plus touchés par les maltraitances et abus sexuels que les enfants caucasiens. Un terrible
constat vecteur de problèmes plus profonds chez une grande partie de ces enfants qui, une
fois adultes, ne sont pas préparés.
Pour son premier essai, Jordana Spiro nous offre un film touchant et sensible grâce à un
duo d’actrices solaires et qui plus est, sont afro-américaines – il est également rapidement
évoqué qu’Angel soit lesbienne -, de quoi insuffler un vent de fraicheur dans une industrie
qui a bien besoin de nouvelles figures féminines.
Margaux Maekelberg

55
13/02
LONG WAY HOME
DE
JORDANA SPIRO. AVEC DOMINIQUE
FISHBACK, TATUM MARILYN HALL, MAX
CASELLA… 1H27

56
13/02
DEUX FILS
DE FELIX MOATI. AVEC VINCENT
LACOSTE, BENOÎT POELVOORDE,
MATHIEU CAPELLA… 1H30

57
Après une carrière extrêmement prolifique en tant qu’acteur, Félix Moati passe
derrière la caméra. Après un premier court-métrage «Après Suzanne» - où il
dirigeait déjà Vincent Lacoste - présenté et plutôt bien accueilli au Festival
de Cannes 2016, Félix Moati s’attaque au long-métrage avec «Deux Fils».
Une tranche de vie où se dessine trois générations bien différentes mais qui
cherchent toutes la même chose en fin de compte : l’amour et la réconciliation
avec le monde qui les entoure.
Le frère de Joseph vient de mourir et c’est le déclencheur d’à peu près tout
dans le film. Passé de médecin accompli à écrivain raté, Joseph ne sait plus
vraiment quoi faire et passe son temps enfermé dans sa chambre. À côté de ça
son aîné Joachim ressasse encore et toujours une histoire d’amour qui n’a plus
lieu d’être si bien que son avenir prometteur dans ses études de psychiatrie
sont également mises en péril. Et au milieu de tout ça, le jeune Ivan qui, à 13
ans, découvre les joies mais aussi les peines que provoquent l’amour et tente
de se trouver une place alors qu’il n’a plus de repères familiaux et que ses
figures paternelles partent littéralement en couilles.
Félix Moati donne le ton dès la première scène : Joseph découvre le cercueil
dans lequel reposera son frère. Il assure que ce cercueil sera trop petit et
pour le prouver il décide de monter dedans. Absurde et pourtant révélateur
de l’état de Joseph et de sa famille : encloisonnés. Le ton est donné, on rira,
beaucoup, mais on pleurera aussi, pas mal. Et c’est ce juste dosage qui fait
de «Deux Fils» une très belle réussite. Le scénario est d’une justesse folle
toujours sur ce fil dramatique sans en faire trop, ironique, sans en faire trop
aussi mais ce qui porte le film c’est surtout son casting de luxe. En effet Moati
se paye quand même les services d’un Benoît Poelvoorde magistral et tout en
retenue - sans pour autant renier son humour ce qui est plutôt malin - tandis
que Vincent Lacoste n’a décidément plus rien à prouver. À leurs côtés, c’est
une petite révélation que nous avons là en la personne de Mathieu Capella
qui campe le jeune Ivan. Complètement déboussolé et incapable de se référer
à un adulte entre son père dépressif et son frère dont il n’arrive plus à être
proche, Ivan enchaîne les dérives (alcool, cigarette, violence…) car il doit
devenir un homme comme son frère et son père ne le sont pas. Une jolie
première performance qui nous promet de belles choses pour la suite.
«Deux Fils» est emprunt d’une jolie mélancolie évidemment tenu par un
casting impeccable mais il est indéniable que Félix Moati a de véritables
talents de réalisateur et de scénariste si bien qu’à 28 ans, le jeune homme
s’inscrit déjà parmi les réalisateurs les plus prometteurs de sa génération et si
ses prochains films sont du même acabit que celui-là, le cinéma français n’a
vraiment aucun souci à se faire.
Margaux Maekelberg

58
La plus grande réussite des studios
Dreamworks s’apprête à connaître une
conclusion début février. Voilà donc
l’occasion de revenir sur deux films qui
auront marqué l’animation grand public par
ses proportions formelles et thématiques.
Adaptation d’un roman, le premier
«Dragons» débarque dans les salles en
2010. On y suit Harold (Hiccup en version
originale), fils d’un chef viking régulièrement
décrié pour son physique moins musculeux
que la plupart des habitants. Ce village,
Beurk, doit subsister avec la présence de
dragons, attaquant en permanence les
vivres. Un jour, Harold arrive à toucher la
plus dangereuse de ces créatures, une Furie
Nocturne…
Le long-métrage ressasse des thématiques
déjà abordées dans le cinéma d’animation
comme la communion avec la nature ou le
manque de communication entre un père
et son fils. Pourtant, Dean DeBlois et Chris
Sanders arrivent à donner un ton différent
à leur long-métrage, notamment par la
confrontation culturelle entre les habitants
de Beurk et Harold. Ce dernier, en marge
des autres, va devoir remettre en question
les habitudes ancrées dans son village,
notamment la crainte extrême envers les
dragons. On passe donc par un message de
tolérance avec une soif d’aventures grisante,

59
Dragons : la fin
d’une saga
représentée à l’image par une magnification
de certaines scènes. Les séquences de vol
dégagent ainsi une sensation euphorique
par leur représentation et ont un pouvoir
d’émerveillement sur n’importe quel
spectateur un tant soit peu engagé dans le
récit.
Si celui-ci fonctionne autant, c’est par un
ton prenant sérieusement sa mythologie
et la situation sociale de Beurk mais
également par un travail visuel de qualité.
Il n’est guère étonnant de découvrir que
le célèbre chef opérateur Roger Deakins
(Oscar de la Meilleure cinématographie
pour l’exceptionnel «Blade Runner 2049»)
est consultant visuel sur la saga. On peut
ainsi déceler un véritable travail dans la
photographie du film au point de se situer
lors de certains plans dans la pure tradition
mythique nordique. Le tout fonctionne avec
un humour assez universel et efficace, sans
tomber dans la vulgarité ou le méta d’un
«Shrek».
Au vu des excellents retours critiques et
publics de ce premier épisode, il n’était
guère étonnant d’avoir droit à une suite
4 ans plus tard. On y retrouve Harold et
Krokmou, devant faire face à un homme
cherchant à créer une armée de dragons.
Qui dit ouverture du monde dit ouverture
de la mythologie. Tel Harold, nous sommes
à la découverte d’un univers en expansion,

60
avec des regards extérieurs à Beurk par rapport aux dragons. On
en découvre bien évidemment plus sur leur fonctionnement par
le biais de la mère d’Harold, grande défenseuse de ces créatures
et doublée par une Cate Blanchett au travail vocal toujours aussi
qualitatif.
Néanmoins, la proportion plus large du récit ne nie pas du tout
les qualités intimistes du premier volet et les prolonge avec une
poésie émouvante. Il suffit d’une réplique lors des retrouvailles
entre le père d’Harold et sa femme pour mettre la larme à
l’œil. Dean DeBlois (désormais seul à la réalisation) assume les
moments les plus dramatiques de son histoire et les inscrit avec
une maturité désarçonnante, notamment dans une production
Dreamworks qui est souvent tombé dans le graveleux (les «Shrek»)
ou le facile («Les Trolls») et dont les plus grandes réussites n’ont
pas connu le respect mérité («Les cinq légendes»).
On pourra noter que jamais les films «Dragons» n’ont traité
leur public avec prétention ou en réduisant leurs capacités
intellectuelles en leur offrant les meilleurs films possibles, aussi
bien dans la forme que le fond. On peut donc parler d’une
saga de qualité dans le domaine de l’animation. Savoir que ce
troisième volet sera le dernier provoque autant de tristesse de
devoir dire au revoir à des personnages aussi attachants que
soulagement de ne pas tomber dans le mercantilisme sans fin
cherchant plus le retour financier que la satisfaction du public.
Quand on sait qu’un reboot de «Shrek» est à l’ordre du jour, il
est dommageable que toutes les licences ne connaissent pas ce
sort. Néanmoins, c’est avec une émotion forte que nous nous
préparons à clôturer une série de films d’animation à la beauté
resplendissante et aux ramifications thématiques passionnantes,
le tout avec un souffle épique et revigorant autant réjouissant
que touchant. Voilà bien la marque des plus grands.
Liam Debruel

61

06/02
DRAGONS 3
Avec la multiplication des franchises au cinéma, avec l’apparition des formats épisodiques
et des dérives à foison, on en vient à regretter un élément de narration qui se fait étrangement
rare dans le cinéma grand public, le cinéma spectacle, le cinéma populaire : la fin. Oui,
la conclusion, celle qui nous donne le sentiment d’avoir refermé un livre qui nous a
accompagné dans notre vie, nous a vu grandir et changer, nous émouvoir et nous indigner,
bref une œuvre qui nous a vue autant que nous l’avons visionnée.
62
C’est un sentiment que nous avions déjà redécouvert lorsque la trilogie de la “Planète des
Singes” se terminait il y a quelques années ; un poids sur le cœur et une élévation tout à
la fois. Grâce à Dean Deblois, le réalisateur et scénariste de la trilogie “Dragons”, grâce à
Dreamworks qui renaît de ses cendres, ce sentiment nous revient en 2019. Les aventures
de Harold et Croqmou, neuf ans après leurs débuts, c’est terminé. Aussi après avoir ignoré
totalement et avec insolence les livres dont elle s’inspire, la saga décide pour se clôturer
de se référer enfin au matériau d’origine : « autrefois, il y avait des dragons ». Vous l’aurez
compris, “Dragons 3 : Le Monde Caché” raconte comment les créatures magiques vont
disparaître de la surface de la terre pour ne devenir que les légendes que nous connaissons
aujourd’hui. Attendez-vous donc à avoir le cœur brisé en mille morceaux, et de pleurer
assez de larmes pour vous préparer une petite tisane.

DE DEAN DEBLOIS. AVEC LES VOIX DE KIT
HARINGTON, AMERICA FERRERA, CATE
BLANCHETT… 1H34
Comme dans le volet précédent, les dragons
sont en danger. Il y a beaucoup de redite
d’ailleurs, dans la trilogie de Dean Deblois,
à un point tel où l’on ressent une obsession
chez lui ; il veut raconter une chose et la
décline sous toutes les formes possibles
et imaginables. Mais cette fois, les vikings
ne semblent plus en mesure de protéger
leurs amis/animaux de compagnie; Harold
se souvient alors de ce que son père lui
racontait quand il était enfant. Il lui parlait
d’un monde caché d’où les dragons
proviennent... Si ce monde existe, ce sera le
Jérusalem de la bande à Croqmou.
L’intérêt du film repose dans la quête de
Harold; plutôt que de chercher ce monde
pour son ami, il le cherche pour lui-même.
63

Là est tout le souci, le p’tit mec qu’a la même gueule que moi se prend pour
un dragon. Persuadé d’avoir toujours été un moins que rien avant d’avoir
rencontré son Furie Nocturne, il ne pense n’avoir de la valeur que lorsque les
dragons sont impliqués. La leçon du film, c’est celle du héros qui apprend à
se mettre en retrait pour mieux accepter sa propre identité; et justement, ce
dernier volet est le plus réussi quand les humains disparaissent. Toutes les
scènes, quasi silencieuses, qui n’impliquent que des dragons – notamment les
scènes de drague entre Croqmou et sa nouvelle future meuf, la Furie Diurne à
paillettes disco -, sont de loin les plus réussies du film. Ce sont ces moments
qui tout au long de la trilogie auront fait la force de la réalisation de Dean
Deblois; ce sont des films pour enfants qui savent prendre leur temps, faire
confiance à l’image, ne pas surcharger l’histoire. Le spectateur, adulte ou
enfant, a le temps de réfléchir, d’emmagasiner, de structurer, de ressentir...
Pour enfin faire le deuil.
Car oui, “Dragons” c’est fini. C’est avec ce poids sur le cœur et cette élévation
que l’on quitte la salle, avec ce sentiment de refermer un livre que nous avions
commencé il y a neuf ans. Pour moi, c’était par hasard : j’étais à Bordeaux avec
des amis. La bande-annonce ne m’avait pas trop emballé, mais j’ai suivi le
mouvement. Aussitôt j’étais bouleversé. J’étais en plein milieu de mes études
supérieures, je n’avais pas encore vécu tous les hauts et les bas que l’on peut
connaître en neuf ans de vie. Neuf ans plus tard, je referme le livre la larme à
l’œil (les larmes, soyons honnêtes), et le cœur empli de gratitude. Merci pour
nous avoir offert une fin.
64
Captain Jim

06/02
LA POSITION D’ANDROMAQUE
DE ERICK MALABRY. AVEC MIKAEL
GONCALVES, ISOLDE COJEAN,
MORGANE RASPAIL… 1H12
Il y a de ces petites douceurs qui débarquent de nulle part et «La position d’Andromaque»
en fait partie. Ami.e.s parisien.ne.s ce film sortira au Saint-André des Arts là et seulement
là. C’est peu certes mais que ceux qui ont l’occasion aillent y jeter un coup d’oeil. Au
pire que risque-t-ils ? pas grand chose, j’ouvrirai le bureau des plaintes s’il le faut mais
honnêtement ça m’étonnerait. En 1h12, Erick Malabry - dont c’est le premier long après
un paquet de courts - met en scène des non-professionnels tous issus du même cours de
théâtre du soir. Une première pour eux qui confère au film une belle authenticité. Maladroit
par certains moments mais emprunt d’un amour et d’une douceur incroyable - accentués
par l’utilisation du 35mm qui vient sublimer le film comme le numérique n’aurait jamais
pu permettre-.
Régulièrement, Mikaël monte sur Paris pour rendre visite à sa cousine Isolde et par la
même occasion réaliser son bilan orthophonique nécessaire à cause de son handicap.
Deux personnalités à l’opposé entre une qui enchaîne les coups d’une nuit après une
déception amoureuse et un qui n’a jamais connu l’amour de sa vie. Alors lorsque Mikaël
suit par curiosité sa cousine dans son cours de théâtre du soir, c’est probablement toute sa
vie qui risque d’être chamboulée.
Un premier film sans prétention qui irradie grâce à son casting. Tous plus naturels les uns
que les autres, certaines performances nous touchent comme celle de Mikaël Goncalves
tandis que d’autres capturent le regard de la caméra pour ne plus le lâcher comme Isolde
Cojean. Petite troupe attachante et film qui ne manque pas d’humour et d’amour avec une
jolie mise en avant du théâtre et de certains textes, «La position d’Andromaque» est une
douce sucrerie qu’on a pris grand plaisir à découvrir. Du coup vous savez ce qu’il vous
reste à faire le 6 février.
Margaux Maekelberg
65

66
CHEZ SHY
INCASSABLE ET S

67
PLIT : LE MIROIR
AMALAN

68
INCAS

69
Shyamalan est surement un as du poker ! En
2016, sort son nouveau film «Split», vendu
comme un thriller psychologique traitant
d’un homme aux personnalités multiples.
Rien ne laissait alors présager, même pour
le cinéphile le plus versé dans l’univers de
Shyamalan, que «Split» s’avérerait être la
suite d’un des films les plus emblématiques
du cinéaste : «Incassable». Ce n’est qu’avec
la scène finale, à l’apparition de Bruce Willis
(alias David Dunn) que l’on comprend, avec
une certaine euphorie, que les deux films
forment un même univers. En une scène
seulement, Shyamalan vient de relancer
une idée dont la genèse remonte à plus de
seize-ans auparavant. Sans nul doute un
coup de maître ! La venue prochaine d’une
suite est dorénavant inévitable ! La franchise
est relancée ! Et voilà que deux ans plus
tard, «Glass «arrive dans nos salles obscures
pour clôturer un cheminement entrepris il y
a plus d’une décennie.
SABLE
«Incassable» est, il faut le rappeler, un film
éminemment audacieux. Dans les années 80
et 90, le cinéma c’est avant tout des talents
tels que Spielberg, ou encore Zemeckis ; un
Hollywood exalté, exaltant, galvanisant les
foules, fabriquant du rêve aussi facilement
que l’on fabrique des voitures, à la chaine.
«Incassable», réalisé en 1999, sorti en 2000,
c’est l’envers de ce cinéma-là, un retour
à une réalité moins envoûtante, terne, où
les héros sont moroses, acariâtres, aussi
mélancoliques que les personnages que
peint Edward Hopper. David Dunn (Bruce
Willis) n’est pas heureux. Rien ne va dans
son couple. Il est indifférent à son entourage.
Lors de la première scène du film il considère

70
même l’adultère. Au regard des principes
moraux de la société américaine, c’est un
antihéros ! Un mal-être ronge David Dunn,
le sentiment d’avoir raté sa vie, de valoir
plus que ce qu’il est … On aurait beau y
voir un film sur le désenchantement d’une
société américaine qui a perdu son rêve,
aux accents nihilistes, Incassable n’est rien
de cela puisque tout ce qu’opère le film vise
à faire surgir l’extraordinaire/le fantastique
du quotidien. Et si notre garagiste était
en réalité Superman ? Et si la caissière du
supermarché était un être doté de pouvoirs ?
À toutes ces personnes qui se sentent en
constant décalage avec l’évolution du
monde, qui ont du mal à trouver leur place,
à rentrer dans des cases, à se contenter de
leur vie, Shyamalan répond « peut-être estce
parce que tu es unique, que tu es un
héros… ». C’est la réponse que donnera
Mr. Glass (joué par l’incroyable Samuel L.
Jackson) à David Dunn. Fan de comics, Mr.
Glass est convaincu que les super-héros
existent bel et bien dans notre réalité. Son
rôle sera double : adjuvant, en aidant David
Dunn à se comprendre et s’accepter, mais
également ennemi comme on l’apprendra
plus tardivement.
C’est la quête de la vérité, la vérité la plus
folle, cette vérité que l’on paie de son
sang pour avoir (comme Mr. Glass chutant
des escaliers à la poursuite de l’homme
au revolver), cette vérité qui mène à la
découverte de soi, que travaille le film en
utilisant tout du long un leitmotiv, celui du
miroir.
Le miroir chez Shyamalan va de pair avec des
dualités préexistantes qu’il révèle : Envers/
Endroit, Réalité/Reflet, Vérité/Illusion, Soi/
Autre. Dans «Incassable», le miroir est à
appréhender sous l’angle du déboulement
et de la quête de la vérité sur soi. D’ailleurs,
dès la première scène d’»Incassable», un
dialogue s’effectue au travers d’un miroir et

71
rapidement l’œil du spectateur est trompé
et il ne sait plus distinguer le vrai du faux,
la vraie personne de son reflet. Toujours, la
caméra de Shyamalan travaille ces dualités,
que ça soit en filmant une conversation de
miroir ou bien lorsque Mr. Glass découvre
la BD que lui a offerte sa mère; posée à
l’envers dans sa boîte la caméra effectue
au même moment que Mr. Glass s’en saisit
une rotation qui vient réajuster l’image et
remettre à l’endroit la BD.
Lorsque chez Ovide, Narcisse contemple
son reflet sur la surface de l’eau, il en vient
à tomber amoureux de cette image. Cet
amour, contrairement au sens péjoratif
que lui a attribué l’ère contemporaine, est
pour Ovide le signe de la plus belle forme
d’acceptation de soi, de l’affirmation de son
être. Cela poussera même le poète allemand
Rilke à souhaiter que l’on devienne tous des
‘‘Narcisse exaucé’’.
C’est justement cette idée que travaille en
profondeur «Incassable». Sous son histoire
de super-héros et de super-vilain, le film
traite d’une véritable quête de soi qui passe
ici par la destruction de son propre reflet,
toujours trompeur. Car ce reflet, c’est le
regard que l’Autre, nous pousse à avoir sur
nous. David Dunn se sent ordinaire et refuse
d’ailleurs de croire à ce que lui raconte Mr.
Glass, car depuis longtemps, le regard qu’il
porte sur lui est le regard que la société porte
sur lui. De toute évidence David Dunn est
faussé par son propre reflet qu’il prend pour
lui-même.
Une scène marquante du film témoigne
aussi de cette idée : lors d’un flashback, Mr.
Glass jeune, assis sur son fauteuil roulant,
se contemple à travers l’écran éteint de la
TV. On peut voir dans son regard toute la
haine, tout le dégoût que sa condition lui
inspire. Les autres enfants se moquent de
lui et Mr. Glass est souvent (comme David

72
Dunn) tenté de les croire. Est-il (comme on le force à penser) une erreur de
la Nature ? Car ce qu’il manque à Mr. Glass comme à David Dunn c’est
un autre qui serait un double opposé et complémentaire, une sorte de Yin
et de Yang pour faire simple. Sans Mr. Glass, David Dunn en tant que héros
n’existe pas, et il en va de même pour Mr. Glass sans David Dunn. Il n’y
a pas de héros sans méchants et tout le principe de l’harmonie du monde
découle de la présence de ces deux forces. Chacun trouve en l’autre le sens
de sa propre vie.
Mais il est possible d’en dire plus : ce qui est frappant après plusieurs
visionnages du film, c’est l’économie de moyen utilisé par Shyamalan pour
arriver à nous faire croire à son histoire au point où on en arrive parfois
à douter que David Dunn soit vraiment un héros. Bien sûr le spectateur
est d’abord convaincu que Mr. Glass a raison (et le restera tout le long du
film). Mais au fond, que nous a vraiment montré Shyamalan pour nous
convaincre ? Aucun rayon laser tiré avec ses yeux, aucun immeuble New-
Yorkais détruit, David Dunn ne vole pas, il n’a pas arrêté de balles avec
sa main… On se questionne alors en tant que spectateur : est-ce moi qui
imagine tout cela ? Suis-je au fond aussi naïf ? Le fils de David Dunn voit son
père porter des poids lourds (très lourds) et en conclue qu’il est l’équivalent
de Superman. N’est-ce pas la chose la plus normale du monde, s’imaginer
que ses parents sont des super-héros ? Il est intéressant de constater cela.
Car, «Incassable» nous montre comment le cinéma lui-même est un miroir,
celui de nos attentes, où la vérité qui surgira ne dépendra que de la force
imaginative de celui qui regarde.

Alors que dans «Incassable» le miroir
est un lieu où l’on se découvre et
on apprend sur soi, «Split» (comme
son nom l’indique) joue sur la
fragmentation du miroir. Le miroir
est devenu un puzzle à recomposer
et chaque morceau, une personnalité
bien distincte.
James McCoy (aka Kevin Wendell
Crumb + 22 identités) joue
ce personnage aux multiples
personnalités. Parmi les personnalités
qui coexistent, plus d’une dizaine,
renommée la Horde, à pris les
commande et prépare l’arrivée La Bête
(la soi-disant 24ème personnalité).
Pour se faire, ils enlèvent trois jeunes
73SPLIT
filles qui seront livrées à la Bête en
sacrifice.
«Split» est avant tout un film sur le
refoulement. On tait des choses en
soi, on les cache pour qu’on ait plus
à les voir, pour que la glace ne nous
renvoie pas ces horreurs-là lorsqu’on
s’y regarde. Le miroir ici c’est Kevin
Wendell Crumb, celui qui unifie
toutes les personnalités entre elles.
Cependant, le jour où le miroir se
fissure, se fragmente, car les souvenirs
de douleurs passées ressurgissent,
Kevin disparait de « la lumière » et les
personnalités les plus « obscures »
remontent à la surface. Le film donne
d’ailleurs constamment la sensation

74
que quelque chose est à l’œuvre dans l’arrière cours de la
conscience, dont on ne voit rien mais dont on peut pressentir
la venue. On le constate en effet dans différents plans : que ce
soit les plans de la serrure à travers laquelle les filles tentent
d’apercevoir quelque chose ou bien les plans en contre plongée
des escaliers tout au long du film, on ressent qu’une chose
va venir des profondeurs, bien qu’on ne puisse pas encore
la voir car notre vision est gênée (comme les trois filles). A
bien y regarder, la Bête n’est pas une entité démoniaque qui
possède les individus comme dans l’»Exorciste» ou autres
films d’épouvante du même type, elle est l’Autre effrayant qui
sommeille en nous.
La psychiatre du personnage de James McCoy nous l’avoue :
pour réussir à éliminer la horde et stopper la Bête, il faut
appeler Kevin par son nom entier ‘’Kevin Windell Crumb’’.
Ce procédé peut s’apparenter à un procédé réfléchissant (le
miroir) par lequel l’on force l’individu à se regarder, par lequel
on lui renvoie son identité à la figure.
L’idée du miroir fissuré, se retrouve aussi chez Casey Cook
(jouée par Anna Taylor Joy) dont certains souvenirs qu’elle a
tenté toute sa vie d’enfouir, ressurgissent suite à son enlèvement.
Elle ne maîtrise plus rien, tout lui revient en tête, le passé la
hante. Ainsi, on apprendra, à la suite de plusieurs flashbacks
intelligemment disséminés, que lorsqu’elle était enfant son
oncle a abusé d’elle. Les deux personnages principaux du film
se ressemblent sur ce point : ils ont tous les deux à rassembler
les morceaux cassés du miroir de leur vie et à s’affranchir de
leur douleur passée. Kevin n’y arrivera pas puisque la Bête
triomphera. Cependant, Casey y parviendra. Lors d’un des
flashbacks relatant des abus qu’elle a subi, on la voit un fusil
à la main pointant en direction de son oncle sur lequel elle ne
réussira pas à tirer (dommage !). Mais, lorsqu’elle affrontera la
Bête elle se saisira d’un même fusil est réussira à tirer sur elle
(bien que la Bête ne symbolise en rien les hommes qui lui ont
fait du mal).
Même dans sa forme narrative «Split» est comme un miroir
fragmenté. Le spectateur ramasse tout au long du film des

75

outs de miroir qu’il essaie de réassembler. Ce qui s’apparente
au début pour n’être qu’une histoire de pervers enlevant des
filles dans l’optique d’abuser d’elles ne l’est en fait pas du tout.
On pense ensuite à un simple fou à la Norman Bates (qui doit
surement cacher dans une autre pièce le corps de sa mère
morte) et une nouvelle fois on se fourvoie. Assimiler toutes les
personnalités de Kevin (malgré les trois les plus dominantes) peut
s’avérer tout autant être un challenge. Jusqu’à l’arrivée de la Bête
le spectateur est face à un puzzle qui le déroute, dont il a du
mal à assembler les pièces. «Split» réussit ce tour d’illusionniste
d’avoir su jouer tout du long avec les attentes des spectateurs
tout en faisant preuve d’une économie de moyen qui n’est pas
sans rappeler le grand Hitchcock.
«Glass», sorti en salle le 16 janvier, abouti sans nulle doute le
concept du miroir avec brio. Alors que dans «Incassable» le
miroir permettait de se découvrir, «Split» le fissure et «Glass» le
brise. Le miroir n’existe plus. Il ne reste plus ainsi qu’un jeu de
regards francs et cruels portés sur les choses et le monde. Mais
cela, c’est au spectateur d’aller le découvrir.
76
Sebastien Nourian

77
16/01
GLASS
DE
M. NIGHT SHYAMALAN. AVEC JAMES
MCAVOY, BRUCE WILLIS, ANYA TAYLOR-
JOY… 2H10

78
Ma préférée, c’est probablement la glace
à la framboise de mon papa; mais la vanille
du Glacier des Alpes à Annecy n’est pas mal
non plus. Quoi, on parle pas du tout de ça
mais de la conclusion à la fois très attendue
et inattendue d’une trilogie inespérée
d’un grand réalisateur en plein regain de
confiance et d’estime après une longue
traversée du désert ? Autant pour moi, je
pose mon cornet et vais donc vous parler de
“Glass”.
Il serait absurde de voir ce troisième volet
- qui vient après “Incassable” (2000) et
“Split” (2016) - de ne pas observer cette
trilogie à l’aune de la carrière de son auteur
réalisateur. Night M. Shyamalan est passé
de génie incontesté aux yeux de beaucoup
à un raté intersidéral, une blague méritant
d’être parodié dans les Scary Movie. Et ça
c’était avant qu’il commette le péché ultime
qu’est «Avatar, le dernier maître de l’air», et
le film sans âme “After Earth” sur lequel son
nom n’apparaissait quasiment pas... C’est
Jason Blum qui a sauvé sa carrière, d’abord
en produisant un petit film d’horreur très
ingénieux intitulé “The Visit”.
Mais c’est “Split” qui a tout changé. A la
projection, il y a deux ans, le réalisateur
nous supplie avant le visionnage de surtout
ne parler à personne de ce qui arrive à la
toute fin du film. Aujourd’hui, tout le monde
est au courant : par un simple plan dans un
bar, Shyamalan révèle que le monstre aux
personnalités multiples de “Split” existe
dans le même univers que David Dunn, le
héros «d’Incassable». 18 ans après le début
de son histoire, le réalisateur a donc enfin
la possibilité de la terminer... Mais est-ce
réussi ?
Il y aura probablement débat. Certaines
choses fonctionnent à 100 %, c’est
indéniable; les univers des deux films
parviennent à se mélanger aisément, ce qui
est particulièrement grisant à regarder. James
McAvoy, encore un peu artificiel dans son
jeu dans le volet précédent, a dépassé cette
fois toute forme de simple parodie et donne

éellement vie à toutes ses personnalités. La
première heure de “Glass” propose une idée
de départ qui se fait la continuité logique de
cette réécriture des mythes de super-héros
: et si tout ça n’était qu’une désillusion ? Et
si notre société malade nous forçait à rêver
d’exception ? Et si l’on pouvait expliquer
scientifiquement les capacités de nos trois
protagonistes, David Dunn, The Beast, et M.
Glass ? La deuxième heure du film, riche
en twists en tout genre et bien plus directe,
risque de diviser davantage. Elle repose sur
des facilités de scénario tout en établissant
une réponse au discours pessimiste sur le
super-héros comme désillusion.
C’est le personnage de Sarah Paulson qui
construit ce discours dans le lieu quasi
unique du film, son hôpital psychiatrique.
Sa démarche est tout sauf scientifique; elle
tente de plier le monde à sa théorie plutôt que
de l’observer et d’en tirer des conclusions.
En cela, elle est l’ennemie parfaite pour le
vrai héros du film, M. Glass. Lui aussi veut
faire rentrer tout l’univers dans son moule,
celui des comics... En cela, on comprend
rapidement que si Shyamalan fait de son
film un divertissement plus conventionnel
dans sa deuxième heure, c’est parce qu’il
décide d’arrêter de parler de comic books.
A la place, il parle de lui. Un réalisateur à la
vision indéniable, qui est incapable de voir
le monde autrement qu’il le construit dans
sa filmographie. Sarah Paulson, M. Glass,
ce ne sont que des itérations de sa persona
de réalisateur. M. Glass manipule le pauvre
Kevin et ses 22 personnalités, tout comme
le réa dirige ses acteurs. Et les méchants du
film, sans trop spoiler, ce sont évidemment
les majors qui veulent aussi imposer leur
image de ce que c’est qu’un film de superhéros.
On pourra critiquer Shyamalan sur
la facilité de sa conclusion, sur la bêtise
crasse de certaine de ses péripéties et sur
ses dialogues toujours aussi mal branlés, on
ne peut pas lui retirer cet accomplissement.
Il a pondu une trilogie unique en son genre
sur le super-héros. Une trilogie donc, qui lui
ressemble.
Captain Jim
79

RÉTROSPECTIVE
80

M. NIGHT SHYAMALAN
81

82
SIXIÈME SENS (1999)

83
Premier film notoire du réalisateur, «Sixième Sens» n’a pas perdu de sa force.
20 ans après, le film, hybride, s’inscrit comme une pierre angulaire, à la fois
dans le cinéma de Shyamalan que dans le cinéma d’épouvante.
Tout le cinéma de Shyamalan réside déjà dans ce film où l’on retrouve
l’importance du twist finale, son goût pour le fantastique et l’horreur
quotidienne lié à l’intime, son attachement pour les personnages en marge
d’une société sourde et son rejet des effets grandiloquents pour mieux souligner
la force de la peur dans les petites choses. « Sixième Sens » raconte l’histoire
du jeune Cole qui aurait un « secret », il aurait le sixième sens et pourrait voir
les morts. Suivit par le Docteur Malcolm Crowe, psychiatre, tout deux vont
voir leur relation évoluer et s’articuler autour de l’écoute, de la confiance et
de la patience.
Comme beaucoup de cinéastes de son époque, Shyamalan réussi à tirer une
force des citations qu’il invoque. Ainsi on retrouve Hitchcock dans certains
plans, comme celui d’une poignée rouge, symbole de l’inaccessible et de
l’insécurité du personnage de Bruce Willis. Les apparitions paranormales
que subit le jeune Cole font échos à «The Shining» de Kubrick. Pourtant
Shyamalan, étrangement, ne fait pas dans le superflus et réussit à distiller son
propos et son histoire grâce à une réelle maitrise de la mise en scène. On
pense notamment à la scène du ‘’jeu’’ lorsque Crowe invite Cole à faire un
pas vers lui s’il réussit à lire dans ses pensées. Ici se joue un moment crucial du
film : en apportant des informations essentielles à son spectateur, Shyamalan
n’est pourtant pas paresseux et réussit, dans un habile jeu de travelling
avant et arrière, à dynamiser cette scène qui redouble alors d’émotions. La
photographie du film capture la détresse de ses personnages. Fujimoto, ayant
alors déjà à son actif des films comme «La Ballade Sauvage» de Malick, va ici
travailler avec une palette de couleur assez terne et froide pour deux raisons
principales. La première afin d‘appuyer sur cette aspect pâle et glaciale de
la vie de ses personnages cherchant à tout prix à échapper à un quotidien
morose et tourmenté. La seconde dans le but d’appuyer sur certaines touches
de couleur rempli de sens : le rouge notamment, symbole de détresse, de
danger, d’inquiétude, mais aussi d’espoir.
«Sixième Sens» est un film qui révèle un réalisateur affirmé, doué d’une
importante maitrise de son médium et qui ouvre les années 2000 avec la
promesse d’un cinéma grand public intelligent.
Baptiste Andre

84
Tous ceux qui suivent la carrière de M.
Night Shyamalan le savent : sa carrière a
connu un revirement de situation envers le
grand public et la critique après les succès du
«Sixième sens» et d’»Incassable». Beaucoup
s’accordent ainsi à établir «Signes» comme
film déterminant dans ce début de la fin
pour le réalisateur avant que «The visit»
et «Split» le ramènent sur le premier plan.
Mais pourquoi ce film en particulier ?
Graham Hess est un ancien pasteur qui
a perdu la foi à la suite du décès de sa
femme. Mais tandis qu’il s’occupe de sa
ferme en compagnie de ses enfants et
son frère, il découvre dans son champ
des agroglyphes. Serait-ce le signe d’une
présence extraterrestre ?
Avec «Signes», Shyamalan a voulu reprendre
à son compte les crop circles que l’on
trouve dans les champs pour s’attaquer à
une famille américaine en plein deuil. Une
mélancolie ambiante pèse tout au long du
récit car c’est la perte qui amène l’avancée
des personnages. Les enfants ont perdu
une mère, le héros sa femme ainsi que sa
foi tandis que son frère subsiste dans une
gloire sportive passée. Cette nostalgie et ce
besoin d’avancer étaient déjà primordiaux
dans «Sixième sens», obligeant Malcolm
Crowe à accepter sa propre mort afin
que sa femme puisse tourner la page. On
ressent également cette confrontation d’une
imagerie fantastique face à une réalité plus
désenchantée, comme dans «Incassable».
Difficile donc de ne pas déceler en
«Signes» des thématiques qui nourrissent
la filmographie de Shyamalan, dans ce qui
rend ses films doucement tragiques.
Néanmoins, on oublie souvent qu’une
noirceur sourde plane également dans ses
œuvres, donnant un sens désespéré aux
actes de ses héros. Cela se ressent dans les
retournements de situation du «Sixième
sens» (avoir suivi un personnage mort depuis
le début), «Incassable» (Elijah responsable
d’atrocités pour trouver un super-héros, le
condamnant à être un méchant), «Le Village»
ou même «Phénomènes» (rien n’expliquera
véritablement la cause de ces suicides). On
pourrait même faire un rapprochement plus
forcé entre ce dernier film (encore moins
aimé) et «Signes», de par leur climat de
paranoïa ambiante ne pouvant totalement
se justifier. Car si beaucoup se sont moqués
de la faiblesse des extraterrestres à l’eau,
combien se sont demandé si leurs attentions
étaient réellement hostiles ?
Ceux qui ont vu le ‘’Chroma’’ sur le film le
savent sans doute mais une théorie renverse
S

IGNES (2002)
la critique d’un prosélytisme religieux pour
mieux retourner une Amérique face à ses
faiblesses. Nous sommes en 2002, Bush
part dans une guerre revancharde suite
aux chutes des World Trade Center et tout
le monde a définitivement peur d’attaques
terroristes devenues plus communes mais
surtout plus médiatisées. Le film profitera
d’ailleurs de la prolifération plus aisée
d’images vidéo amateurs pour tirer une scène
efficace révélant le look des extraterrestres
(critiqué d’ailleurs pour son aspect commun,
choix pourtant délibéré de Shyamalan
voulant reprendre les témoignages de
personnes ayant vu certains ‘’visiteurs’’).
Si la foi religieuse est bien restaurée, c’est
au détriment d’immigrés victimes de leurs
apparences et auquel on ne réagit que par
la violence, violence exacerbée par des
médias belliqueux jouant de la peur des
gens pour l’inconnu pour maintenir leur
attention.
Beaucoup plus subtil qu’il n’y paraît,
«Signes» profite de la revalorisation de
M. Night Shyamalan pour connaître une
nouvelle vie. Traitement justifié au vu de la
réflexion religieuse bien plus élaborée qu’il
n’y paraît tout en faisant du cinéma de son
réalisateur un reflet de ses terreurs internes
post-11 septembre.
Liam Debruel
85

LE VILLAGE (20
86
M. Night Shyamalan aura connu un
retournement assez fort du public et de la
critique. Surnommé le nouveau Spielberg
au début des années 2000, on finira par lui
coller une image d’auteur prétentieux qui
privilégie les retournements de situations à
ses histoires. Cette image sera accentuée de
manière bien caricaturale car, si ses œuvres
se terminent souvent par un ‘’twist’’, celui-ci
nourrit la narration, rendant nécessaire un
deuxième visionnage pour mieux apprécier
la richesse de l’intrigue. «Le Village» est de
ces films, décrié à sa sortie alors qu’il colle
à l’ambiance américaine ambiante.
Tandis qu’une communauté subsiste dans
la crainte des créatures habitant la forêt qui
l’entoure, une jeune femme se voit obligée
de se confronter aux peurs du village…
Attention, le reste de cet article dévoile des
éléments sur le film. Il est donc recommandé
de l’avoir vu auparavant.
Rappelons le contexte de sortie : nous
sommes en 2004, trois ans après la chute
du World Trade Center, menant à une
politique se voulant forte de Bush et une
perte de repères identitaires aux États-Unis.
En cela, Shyamalan use d’une promesse
de fantastique pour mieux offrir un miroir
sociétal aux américains. Le Village du titre
est autocentré, se forgeant ses propres
ressources et vivant dans la crainte d’attaques
de monstres vivant dans la forêt entourant
la cité. En cela, l’aspect fable se voit mis
en avant, notamment par son héroïne qui
cherche à découvrir le monde extérieur.
Cette nature de conte se voit transfigurée
par Bryce Dallas Howard, dont la beauté
diaphane aura été sublimée par le metteur en
scène. Il se dégage de son personnage une
grâce, un charme autre digne d’adaptations
des écrits des Frères Grimm. Shyamalan
reprend les codes narratifs du genre avec

04)
notamment les règles imposées par la
société, règles qui devront être transgressées
pour amener l’évolution de l’héroïne.
Sauf qu’il y a le twist. Et là où l’on nous a
vendu un film d’horreur rempli de créatures
extérieures, on fait face à leur nature factice.
Cette société médiévale est en réalité
contemporaine à la nôtre. Et là, c’est une
lecture plus précise et acerbe qui se fait de
la société américaine. On en est à un point
où certains critiques parlent de ‘’trahison du
fantastique’’. Pourtant, si le film n’a en effet
plus rien de surnaturel, il offre une nouvelle
couche dans sa narration. La supercherie
dévoilée, c’est donc une confrontation dure
face aux promesses de la promotion. Le
spectateur se trouve confronté au besoin des
dirigeants du Village de faire une expérience
sociale afin de prouver les dangers du
monde extérieur sur une communauté.
Aucune intention négative, seulement
l’envie d’éviter d’autres tragédies humaines.
Ce repli permanent a néanmoins des
conséquences, comme cela aura été prouvé
dans la politique américaine actuelle.
La tragédie est au cœur de toute société
et chercher à prévoir l’imprévisible est
superflu. La dernière partie du récit s’agence
dans ce sens : quoi qu’on fasse, qu’importe
la puissance du repli sur soi, on ne peut
échapper à la terreur qui s’immisce dans
le cœur de n’importe quel être humain.
Shyamalan filme cela avec une forme de
poésie, gérant ses tournures les plus sombres
avec une précision d’orfèvre, symbolique de
la maîtrise narrative du réalisateur appuyant
la justification du retournement narratif. Il
serait dommageable néanmoins de passer
sous silence la photographie subtile de Roger
Deakins, la musique puissante de James
Newton Howard et un casting impeccable.
Si «Le Village» aura été un des films
marquant la fracture entre Shyamalan et son
public, c’est sans doute pour son rapport
déplaisant avec une situation politique
tendue dans une Amérique aux blessures
pas encore cicatrisées. Le film marque
pourtant un sommet dans la carrière du
réalisateur, par sa maîtrise absolue dans
tous ses domaines et son final, sans doute
l’un des retournements les mieux gérés du
septième art par l’approfondissement qu’il
amène et son côté amer, annonçant la fin
d’une jeunesse obligée de sacrifier son
innocence pour ce qui passe comme le
bien-être de sa société. Au vu de la situation
politique causée par Donald Trump, on
peut néanmoins constater (et regretter)
l’intemporalité du récit.
Liam Debruel
87

PHÉNOMÈN
88
Nous l’avons répété à maintes reprises :
M. Night Shyamalan aura connu un
retournement de veste général avec à la clé
les moqueries de nombreuses personnes,
critiques amateurs ou professionnelles. On
pense à l’influent Nostalgia Critic, passé
maître en la matière de se moquer de ses
longs-métrages les plus décriés (on parle
quand même d’une personne qui décrit
Peyton Reed comme ‘’auteur’’ sur ‘’Ant-
Man’’, mais soit…). Mais à qui peut-on
reprocher cette virulence ? Au public ? Aux
critiques (cf «La jeune fille de l’eau», où
l’un meurt sauvagement) ? À Shyamalan
lui-même ? Un peu à tous sans doute. Les
explications du désaccord financier et
critique se trouvent néanmoins au cœur de
«Phénomènes».
Quand une vague de suicides irrationnels
envahit les États-Unis, un professeur et ses
proches tentent de survivre coûte que coûte.
En voilà un film qui s’est bien fait ratiboiser
par tout le monde, Mark Wahlberg compris !
Pourtant, à l’opposé d’un «Bird Box» au
récit bien proche, le film de Shyamalan
s’avère plus intéressant qu’il n’y paraît.
Beaucoup se sont moqués d’une direction
d’acteurs aux fraises et d’une révélation
déclarée comme stupide et mal amenée,
mais ont-ils pris en compte certains points
plus discrets mais essentiels d’une histoire
noyée sous une paranoïa ambiante ? En
effet, comme «Signes» et «Le village» avant
lui, «Phénomènes» peut être interprété par
le biais de la crise de confiance américaine
post-11 septembre. On pourrait même
parler de véritable trilogie sur la peur
américaine et la manière dont elle amène à
une autodestruction individuelle et sociétale
tout en abordant la notion de vide avec
intérêt.
Qu’est-ce qui pousse les gens à se suicider ?

ES (2008)
La plupart des personnes ont pris comme
argent comptant un personnage déclarant
que cela venait des plantes, mais est-ce que
cette confiance est réellement justifiée ?
Comme toujours chez Shyamalan, les
apparences sont trompeuses et il faut creuser
un peu plus pour découvrir… absolument
aucune explication. Si certains trouveront
cela décevant, le traitement est passionnant.
N’y a-t-il rien de plus terrifiant que
l’incertitude, le vide et l’absence de raisons
logiques ? Le manque de réponses amène
encore plus à une dégradation de la société et
de ceux qui la composent. On nous présente
ainsi dès l’introduction un comportement à
la régulation trop «parfaite» (deux femmes
lisant le même livre au même rythme) pour
complètement retourner cette situation.
Tout se dérègle au point que les individus ne
peuvent même plus agir de manière normale
et se comportent avec une forte crainte pour
les autres qu’une folie interne semblant les
consumer à petit feu.
Injustement moqué, «Phénomènes»
mériterait un regain d’intérêt. Bien qu’il soit
largement perfectible, le film de Shyamalan
arrive à mieux traiter la crainte de l’invisible
que d’autres celle de ce qui est visible.
Une menace grondant aveuglément sera
toujours plus terrifiante car elle ne pourra
jamais totalement se mesurer et être
estimée. Shyamalan l’a bien compris et en a
tiré un film à débat parmi les scénaristes qui
tenteraient de quantifier le niveau de terreur
que peut provoquer le vide. Bref, ce n’est
pas le meilleur film de son réalisateur mais
il est bien loin d’être honteux, n’en déplaise
à ceux qui aiment critiquer sans analyser…
Liam Debruel
89

90
RÉTROSPECTIVE

ROBERT ZEMECKIS91

92
I WANNA HOLD YOUR HAND (1978)
Sorti en 1978, ce film n’est pas vraiment une œuvre de Zemeckis. Bien sûr, il l’a co-écrit
et réalisé, mais lui-même n’est pas encore sûr de quel réalisateur il souhaite devenir.
Il faut donc penser ce premier long métrage comme un moment d’expérimentation,
des balbutiements de langage cinéma qui vont construire la technique de Zemeckis,
avant même de nous donner à voir ses passions.
«I Wanna Hold Your Hand» est, vous l’aurez compris grâce au titre, un film sur les
Beatles. Ou plus précisement sur la Beatlemania, c’est-à-dire sur les fans des Beatles.
L’action se passe à New York, devant l’hôtel où les Fab Four sont censés être avant
d’aller jouer sur le plateau du Ed Sullivan Show. Toute l’histoire peut être résumée à
ceci : des adolescents tentent de voir les Beatles. Des considérations bien minimes
mais qui à leurs yeux représentent tout l’univers, ce qui veut dire qu’on reconnaît
déjà une thématique qui deviendra chère à Zemeckis : accomplir l’exceptionnel.
Tout ce qui fait la richesse et la qualité du film, c’est qu’il a su se construire autour
de sa contrainte majeure : il lui est impossible de montrer les Beatles. Zemeckis
joue donc avec le cadre pour suggérer sans cesse et comprend déjà l’importance
capitale de savoir placer sa caméra, et la déplacer pour créer de l’émotion. C’est
un film mineur, relativement inoffensif, et pourtant il pose des bases essentielles
à la filmographie d’un des plus grands cinéastes américains de son époque. Pour
bien des raisons, «I Wanna Hold Your Hand» est encore mal connu de nos jours. Il
a pourtant été remasterisé récemment, ce serait donc une bonne occasion de se le
procurer et de découvrir un petit film très intéressant et très amusant.
Captain Jim

QUI VEUT LA PEAU DE ROGER RABBIT ? (1988)
Le film vient de fêter ses 30 ans l’année dernière et n’a pourtant rien perdu de sa superbe.
En 1988, Robert Zemeckis est un des rares réalisateurs hollywoodiens qui s’affirme comme
un véritable auteur. Trois ans après «Retour vers le futur», Bob Zemeckis sort enfin un
projet qui l’attirait déjà en 1982 mais Disney choisissait alors de le mettre à l’écart. Pour un
film avec la genèse et les difficultés de production qu’il a eu, «Qui veut la peau de Roger
Rabbit ?» brille d’ingéniosité et devient dès lors un tournant dans l’histoire de l’animation
au cinéma.
Los Angeles. 1947. Eddie Valliant, détective privé, se voit confier l’enquête suivante :
surveiller la vedette d’un studio cinéma qui semble entretenir une liaison avec un certain
Mr. Acme. Liaison qui peut ternir l’image du studio et bouleverser le mari de ladite vedette,
Roger Rabbit. Jusque là le film sonne comme beaucoup de Film Noir sortie autour des
années 40-50, à cela près que l’univers dans lequel évolue nos personnages est partagé
entre humains et Toons, des personnages issus des cartoons.
Là où Zemeckis réussi un pari que peu peuvent se pavaner d’avoir remporté c’est qu’avec
l’aide de Richard Williams (à la supervision de l’animation), il réussit à rendre plausible
cet univers mêlant prise de vue réelle et animation. Véritable tour de force, le scénario lie
habilement les enjeux de ce monde tout en créant un grand moment de divertissement et
de cinéma. Offrant ainsi des personnages emblématiques comme Roger Rabbit, ce lapin
surexcité qui ne vit que par et pour le rire, Jessica Rabbit, sulfureuse pin-up volant la vedette
à Betty Boop, ou encore Eddie Valliant, détective bourru merveilleusement interprété par
Bob Hoskins. Hommage à la fois à l’âge d’or des cartoons américains (la scène d’ouverture
en témoigne) et aux films noirs, Zemeckis réussit avec «Qui veut la peau de Roger Rabbit
?» à rendre des images animées chaleureuses au cœur même d’un film teinté d’une réelle
noirceur. Beaucoup d’enfants des années 90 seront ainsi traumatisés par la scène finale du
Juge DeMort.
Outre les bons moments que nous propose le film, ce qui le place véritablement sur un
piédestal ce sont toutes les heures de travail qu’il aura bénéficié, toute cette équipe engagée
à faire un film qui leur plaisait, les inventions et avancées technologiques qui le rendent
intemporel. Roger Ebert dira à la sortie du film que ce que l’on ressent quand on voit un
film comme celui-ci n’est pas de l’appréciation. C’est de la gratitude.
Baptiste Andre
93

RETOUR VERS LE
94
Quand une première œuvre a fonctionné,
quel que soit son domaine, on envisage très
rapidement une suite afin de surfer sur sa
popularité. Le cinéma n’est pas exempt de
ce modèle économique, de grands films
ayant connu des suites tantôt mauvaises
(«Le fils du Mask», «Les Bronzés 3»), tantôt
bonnes («Ocean’s Twelve») et parfois même
supérieures («The Dark Knight»). Pressé
de livrer une copie de «Retour vers le
futur», Robert Zemeckis livrera exactement
ce qu’on lui a demandé… ainsi qu’un
exercice de style qui marquera le cinéma de
divertissement.
Cet épisode deux se collera directement
à la fin du premier volet, obligeant à
retourner complètement la séquence afin
de remplacer l’actrice jouant Jessica, la
copine de Marty. Le sort qui lui sera réservé
reste révélateur de l’aspect satirique et non
réfléchi de cette fin originale, critiquant
une forme de capitalisme qui aura touché
la famille McFly. Cette même fin conduira
indirectement à un autre choix narratif, la
mort du père de Marty, suite au désistement
de Crispin Glover. Cette absence marquera
ainsi la narration de manière durable, Marty
devant sauver à nouveau un père de sa
propre volonté cupide. Cet arrière-plan reste
passionnant par ce qu’il prolonge au fur et à
mesure de la trilogie sur les pères, spirituels
ou non, et leur influence sur notre héros.
Le long-métrage captive aussi par sa
manière de réécrire le premier volet et aller
jusqu’au bout de ses paradoxes temporels.
Le film joue de son statut de suite pour se
réapproprier narrativement l’opus original,
tout en constituant un véritable défi
technique dans certaines séquences. C’est
ainsi que les remarquables maquillages
originaux laissent place à des interactions

FUTUR (1989)
entre des personnages incarnés par le même
acteur, que ce soit la famille du Marty du
futur ou la rencontre entre le Doc et son
lui du passé. La technologie reste, comme
toujours chez Zemeckis, inscrite dans la
volonté de raconter une bonne histoire et
passe avec une telle fluidité que, tel un
bon magicien, on se rend compte du tour
seulement après qu’il ait été effectué.
Le film est également marqué par son statut
d’épisode central d’une trilogie. Le troisième
épisode, pur western à réévaluer, devait
ainsi constituer le climax de cette suite
avant d’être finalement prolongé en film à
part entière pour des raisons financières.
Néanmoins, sa manière d’être annoncé en
avance reste intéressante, surtout à une
époque où divers blockbusters, fonctionnant
avec une construction de séries, sont
plus proches de bandes annonces pour le
film suivant qu’une œuvre à part entière.
Les indices disséminés ci et là sont assez
discrets pour la personne n’ayant toujours
pas vu ce deuxième « Retour vers le futur »
(y en a-t-il encore ?) pour ne pas gâcher la
séance tandis qu’ils feront sourire le fan un
peu plus connaisseur, sans réduire à néant
la place particulière de ce deuxième volet.
Toujours porté par la mise en scène aussi
passionnée que passionnante de Zemeckis,
«Retour vers le futur 2 « est un exemple
concret de suite parfaite, osant jouer de
son statut pour se sortir de la case de pur
produit financier dans laquelle on cherchait
à l’enfermer. C’est un divertissement de
grande qualité qui ne vieillit que par sa
représentation de 2015, malheureusement
pour ceux qui espéraient se promener tous
les jours en hoverboard…
Liam Debruel
95

THE WALK (2015
96
Si on rattache Robert Zemeckis à tout un pan
de classiques de la pop culture, on oublie
facilement que ses films les plus récents ont
tout autant de puissance cinématographique.
Preuve en est avec «The Walk».
1974. Philippe Petit, funambule français, va
tenter de traverser sur un fil les deux tours
du World Trade Center peu de temps avant
leur inauguration.
La performance technique a toujours été au
cœur du cinéma de Zemeckis, comme un
enfant qui pose des questions à l’apparence
invraisemblable. Comment transformer
Tom Hanks en six personnages différents ?
Comment faire interagir un acteur avec luimême
? Comment filmer à travers un miroir
pour questionner le rapport sans doute
faussé au père ? Comment permettre à Tom
Hanks de rencontrer Nixon et Lennon ?
Ces interrogations sont ainsi autant de
promesses technologiques qui ont surtout
été riches de manière narrative. Ici, si les
effets semblent plus discrets, ils sont tout
autant essentiels pour l’histoire qui va être
narrée. Car ici, Zemeckis aborde par le
biais du merveilleux le deuil envers l’une
des tragédies ayant marqué l’histoire des
États-Unis, le tout dissimulé dans un film de
braquage romanesque.
Certains tiquent sur l’aspect carte postale
dans la représentation de la France. Cette
innocence de prime abord dissimule
pourtant un œil neuf sur l’Amérique, son
fonctionnement et ses ambitions culturelles.
Le regard étranger de Petit cherche à amener
quelque chose d’extérieur aux États-Unis,
afin d’aborder l’un de ses pans historiques
de manière cachée. Pas de critique frontale
ici mais quelque chose de plus subtil, tel le
final parodique (et mécompris) de «Retour
vers le futur». La discrétion est encore de
mise, le merveilleux et le questionnement
nous prenant à revers par la suite.
Le film fut ainsi un défi technique pour les
responsables des effets spéciaux, notamment
par la longueur des plans de Zemeckis. Là
où des trucages moins bons peuvent passer
inaperçus lors de séquences sur-découpées,

)
une réalisation aussi lisible qu’ici impose
un travail de qualité permanent, notamment
dans la reconstruction de décors d’époque
hyper détaillés, notamment en arrière-plan
du climax. Ce dernier, tout aussi numérique
que la plupart des blockbusters actuels, a
été le fruit d’une méticulosité de la part des
responsables techniques, censé privilégier
un rapport au réel permanent dans cette
reconstruction historique d’un événement
non filmé. Car, point important, si l’on a de
la traversée de Philippe Petit des images,
on n’en a aucune vidéo suite à une caméra
défectueuse.
Le film prend dès lors la tournure d’une
allusion artistique par rapport à la recréation
d’une réalité sur grand écran. Là où un
«Bohemian Rhapsody» cherchait à faire un
copier-coller du concert Live Aid pour les
spectateurs n’ayant pas pu le vivre, «The
Walk» semble s’interroger sur la légitimité
de son action et l’on pourrait voir en Petit
une personnification de Zemeckis. Lui qui a
été un pionnier de la performance capture,
il fonce droit vers l’inconnu, malgré les
accidents de dernière minute qui confèrent
plus de force à son acte encore. Mais au
fond, pourquoi agissent-ils ainsi, prêts à
ruiner leur carrière, l’un par les dangers de
la traversée, l’autre par l’incertitude d’un
box-office prompt à féliciter tout produit
commercial bien vendu plutôt que les
propositions différentes ? Pour donner vie à
l’immatériel.
Et là, on touche à la grâce de «The Walk» :
en offrant une vision de cette traversée
majestueuse entre les World Trade Center,
Zemeckis cherche à aider les américains à
se les réapproprier. Rattachés à jamais aux
avions ayant foncé dessus le 11 septembre
2001, les tours ne sont désormais plus que
des souvenirs, des traumas béants dans le
patrimoine américain. En rejouant cette
déclaration d’amour, le réalisateur de «Forrest
Gump» fait de même, offrant aux tours
jumelles une valeur cinématographique et
cherche à les transcender autrement que par
la terreur. En cela, la fin douce-amère du film
joue à une reconstruction psychologique
par rapport à un acte terroriste toujours
aussi ancré aux États-Unis. Cette marche
est donc également une main tendue vers
un chemin de rédemption, d’avancée vers
l’acceptation de l’acte et une possibilité de
tourner la page. L’échec financier du film
n’en est que plus dommageable, évitant le
bellicisme propre aux attentats pour aborder
une forme de victoire sur la crainte amenée
par le terrorisme.
Et pourtant, «The Walk», derrière son
apparente simplicité, reste un long-métrage
remarquable à bien des niveaux et fonctionne
toujours autant, même sans vivre sur grand
écran les frissons du vertige. Car si l’abîme
est bien sous nos pas, le craindre ne conduit
qu’à une impossibilité de vivre, tel un deuil
permanent dont on ne sait se relever…
Liam Debruel
97

ALLIÉS
98
S’il est une preuve de l’injuste traitement
accordé aux films plus récents de Robert
Zemeckis, ce sont bien les retours frileux
reçus par «Alliés», sorti en 2016. Sur le
papier, tout devrait conduire à une réussite
financière : un réalisateur culte, deux des
acteurs les plus glamours et bankables
actuellement (Brad Pitt et Marion Cotillard),
le tout sur fond de thriller romantique tel
qu’Hitchcock aurait adoré mettre en scène.
Au final, un four au box-office (120 millions
de recettes pour un budget de 85, sans
frais marketing) et une critique mitigée. Et
pourtant, Zemeckis y livre comme toujours
du divertissement de qualité à la profondeur
narrative exemplaire.
Forcés de collaborer pour éliminer un
membre éminent du régime nazi, une
espionne française et son homologue
canadien tombent amoureux. Mais est-elle
vraiment la personne qu’elle prétend ?
Tout est ici question de faux semblants,
un jeu d’apparence qui passe d’abord par
la gestion des acteurs. Leur esthétisation
rappelle un cinéma d’antan, où les interprètes
semblaient éternellement figés sur pellicule.
Zemeckis arrive à rappeler cette sensation
tout en donnant corps à ses héros. Il semble
ainsi que jamais Brad Pitt et Marion Cotillard
n’ont été autant sublimés par la caméra
auparavant. Leurs sentiments se voient
exacerbés par sa mise en scène, que ce soit
une scène de sexe durant une tempête de
sable portée par des traveling circulaires au
plus proche des corps transformant le tout en
sommet de sensualité ou un accouchement
qui se fait sous les bombes, les explosions
poussant à affirmer son identité.
L’identité est d’ailleurs le cœur central
du récit au vu de la situation. Au vu de la
paranoïa ambiante, comment peut-on être
soi-même ? Ce questionnement sur un faux

99
(2016)
semblant permanent plairait à un Brian de
Palma, et par extension à Alfred Hitchcock,
dont l’aspect identitaire était central à ses
productions (notamment au quotidien, dans
le parfait «Fenêtre sur cour»). La tension
apparente de la situation pousse chacun
à mesurer le moindre de ses gestes, le
moindre de ses mots. On pourrait en cela
voir dans ce film une allégorie du métier
d’acteur, dont la maîtrise permanente et
millimétrée de ses mouvements est souvent
d’une discrétion telle qu’elle n’en est que
plus efficace. La symbolique du miroir rentre
également dans cette analyse tant l’objet
est omniprésent. SPOILERS C’est d’ailleurs
lorsque les personnages peuvent s’aimer à
Londres que l’on représente des morceaux
de verre brisé, annonciateurs des malheurs
à venir… FIN DES SPOILERS.
«Alliés» est donc une réussite aussi
remarquable que son échec est injuste.
Zemeckis y livre un pur film rétro à la tension
permanente et au casting impeccable, le
tout avec la même virtuosité visuelle qui en
fait un réalisateur essentiel, même avec ses
derniers titres mal-aimés par le box-office.
Il n’est pourtant pas interdit de voir dans ce
récit d’espionnage, entre «Casablanca» et
Hitchcock, un grand film tel qu’Hollywood
a du mal à en créer actuellement. Ou quand
la romance tourmentée marque durablement
la pellicule, à défaut d’un public aux goûts
assez variables…
Liam Debruel

100
La tribune de Li
Le cinéma d’ani

am :
mation
ma vie de courgette (2016)
101

Il existe des préjugés qui irritent à chaque fois
qu’ils sont déclamés avec une nonchalance
tentant de faire passer ces propos pour des
vérités irréfutables. Cela est d’autant plus
vrai dans le domaine de la culture : certaines
personnes, spécialistes ou amateurs,
réagissent avec dédain et prétention par
rapport à des créations avec une absence
de remise en question intellectuelle. Parmi
ces remarques désobligeantes, l’une des
plus énervantes et stupides concerne le
cinéma d’animation et son statut dans
la production. Ces réflexions peuvent se
résumer en ‘’c’est pour les gamins de toute
façon donc c’est nul’’. Au vu du traitement
accordé par certains pour «Spider-Man :
New Generation» alors que le film a sans
doute plus appréhendé le genre aussi bien
dans sa forme que dans son fond que tout
le MCU réuni, il est temps de défendre (ou
du moins tenter humblement) le cinéma
d’animation.
L’animation pour adultes.
102
Apparemment, ceux qui aiment insulter le
cinéma d’animation en le réduisant à de
la production infantile a la mémoire assez
courte. Pourtant, le ‘’scandale’’ «Sausage
Party» a bien fait parler de lui, aussi bien
dans les médias traditionnels que les réseaux
sociaux. L’auteur de ces lignes se rappelle
personnellement d’une mère de famille
se plaignant d’avoir emmené sa fille de 4
ans voir ce film tout en traitant Disney de
‘’connard pervers’’ (soupir…). Le film, suivant
des produits de supermarché confrontés
à leur mort prochaine par consommation
humaine, avait choqué certains par la
crudité de son langage et une orgie finale,
qui a dû provoquer bien des rires dans les
cours de récré. Pourtant, le problème ne
venait pas du film (plus intelligent qu’il n’y
paraît avec son interrogation sur notre statut
à la religion) mais de la consommation
d’adultes qui ont cru bon d’emmener des
enfants voir ce film (ou le télécharger) car
(ça c’est probablement la tête des parents
devant le film)
‘’c’est de l’animation’’. Une telle forme
systématique de consommation sans
réflexion n’a malheureusement pas eu droit
à un débat plus fourni dans des médias plus
reconnus alors qu’il serait essentiel, surtout
par rapport à la manière dont nous allons
dans les salles ou choisissons les films que
nous allons regarder.
Un bref coup d’œil à l’histoire du cinéma
rappelle que l’animation peut toucher
un public plus averti. On se souvient de
grands noms japonais tels qu’»Akira» ou
«Ghost in the shell», tous deux développant
une imagerie futuriste à la violence non
dissimulée. Aux États-Unis, des séries
comme «American Dad», «Family guy»,
«South Park» ou «Queer duck» marquent par
un humour à la vulgarité assumée. Même
les films d’animation Disney, parangons de

vertu pour certains, regorgent de moments
qui choqueraient certains parents affiliés à
l’association ‘’Promouvoir’’ ou cherchant
absolument à aseptiser toute production qui
ne leur conviendrait pas. Souvenons-nous
de «Blanche-Neige» et sa course effrénée
dans une forêt aussi accueillante qu’un
membre de Rassemblement National (et qui
fait toujours son effet dans l’attraction de
Disneyland, non, ce n’est pas du vécu). Ou
encore la mort de Clayton dans «Tarzan»,
avec l’ombre de son corps se reflétant devant
un Tarzan désemparé. Autre exemple avec
«Roger Rabbit», aux connotations sexuelles
appuyées et son méchant au rire pouvant
traumatiser n’importe quel enfant (non, ce
n’est toujours pas du vécu…). La plupart des
grands films d’animation (ou en comportant)
arrivent à jouer sur toutes les émotions pour
ne s’aliéner aucun public.
Le cinéma d’animation est
un format, non un genre
À une époque où les blockbusters se
rapprochent de plus en plus de l’animation
avec leurs nombreux effets numériques,
pourquoi garder un œil hautain sur le
genre ? Car le voir de cette manière est une
erreur, tout simplement. Si certains metteurs
en scène se servent du dessin animé, de
la stop-motion ou autre animation en
3D, c’est car c’est le meilleur format à
leurs yeux pour raconter leurs histoires.
Prenons «Anomalisa» : Charlie Kaufman
et Duke Johnson profitent du format pour
traiter le syndrome de Fregoli (un trouble
psychologique qui pousse la personne
atteinte à suspecter de voir un autre individu
dans d’autres personnes de son entourage)
par le biais de figurines aux visages presque
tous similaires. Ils profitent même de
l’imperfection de la technique pour tirer
une scène de cauchemar marquante tout
en appuyant la souffrance du personnage
anomalisa (2016)
principal. Prenons plusieurs titres au hasard
pour souligner la multitude de propositions
artistiques en animation : le film superhéroïque
(«Les Indestructibles», «Spider-
Man New Generation»), contes (la plupart
des Disney), comique («Kuzco»), action
(«Resident Evil»), horreur («Blood the last
vampire»), aventure initiatique («Kubo et
l’armure magique»), steampunk («Avril et le
monde caché»), science-fiction («Paprika»),
drame («Perfect Blue»), … La liste s’allonge
encore et encore.
On oublie d’ailleurs l’importance
de l’animation dans les débuts de la
représentation cinématographique. Nous
sommes ainsi passés par le théâtre d’ombre,
auquel tente de se raccrocher le conte des
trois frères dans la première partie d’»Harry
Potter et les reliques de la mort». Venu de
103

harry potter et les reliques de la mort - Partie 1 (2010)
104
Chine et d’Indonésie, cet art de la projection
de figures sur un écran pour raconter des
histoires s’apparente à de l’animation dans
sa manière d’utiliser des figurines. Les
lanternes magiques rentrent dans la même
catégorie au vu de l’utilisation d’images
dessinées dans leur utilisation. Les cartoons
diffusés dans les cinémas avant l’apparition
de la télévision n’hésitaient pas à montrer
leurs sous un jour grivois dans leurs gags.
L’animation, pas un art ?
On peut dès lors s’interroger : comment peuton
cloîtrer le cinéma d’animation comme
un genre et non pas comme une technique ?
Nous pourrions y voir une forme d’irrespect
dissimulé envers les artistes qui s’échinent
à donner vie à leurs personnages. Pourtant,
qu’importe la technique utilisée, chacune
requiert autant de travail, d’acharnement
et de passion pour arriver à son but. Même
un désastre dans tous les domaines comme
«Foodfight» a pu compter sur des personnes
pour au moins terminer cette abomination.
Mais toutes les featurettes, tous les ateliers
d’apprentissage et toutes les interviews de
professionnels dans le domaine ne suffisent
pas à changer l’opinion des gens sur le
sujet. En jetant un œil aux Oscars (bien
que la cérémonie provoque de plus en plus
de réactions négatives), on constate que le
cinéma d’animation est toujours cloîtré dans
un domaine unique, et ce depuis que «La
Belle et la Bête» eut l’audace d’être nominé
en tant que meilleur film en 1992.
En refermant l’animation à un domaine,
on lui nie son art. Séparerait-on un film en
noir et blanc d’un film en couleurs car leur

105
aspect est différent ? Refuserait-on un prix
à un long-métrage muet car son concurrent
est sonore ? La nature protéiforme de l’art
devrait être célébrée et non pas divisée en
catégories que l’on pourrait qualifier de
discriminantes. Cela rentre dans une logique
où le cinéma (voire la culture en général) est
désapproprié par sa nature économique.
Comment vendre une œuvre au public qui
irait le consommer ? Comment peut-on
pousser des gens de tous les jours à voir
son film et pas celui de la concurrence ? Le
marketing a un impact destructeur dans ce
qu’il oblige à expliquer à un large public
composé donc de personnalités hétéroclites
pourquoi son long-métrage doit être vu, au
risque de se mettre à dos des personnes qui
auraient pu être intéressées si on leur en
avait parlé différemment. Il est dès lors plus
aisé de vendre des produits marketables que
des œuvres d’art. Regardons les résultats
stagnants au box-office des films des studios
Laika («Coraline», «Paranorman», «Les
Boxtrolls», «Kubo»). Évidemment qu’un film
traitant de la puissance de l’art par rapport
à un bellicisme primaire est plus difficile
à promouvoir que des Minions devenus
rapidement objets marketings plombants.
Pourtant, en soulignant l’aspect aventure
et le côté merveilleux du visuel, peut-être
que «Kubo et l’armure magique» aurait pu
survivre plus longtemps financièrement.
kubo et l’armure magique (2016)
Les enfants, un public
délaissé.
Et là, on touche à un autre point sensible
dans notre questionnement de départ : si
la remarque d’origine dénigre le cinéma
d’animation, elle dénigre également le
public plus jeune. Si on avait plus de
respect pour les enfants, on ne cautionnerait
jamais un tel étron aussi creux, débile et
irrespectueux que «Les nouvelles aventures
d’Aladin», vendu comme un film ‘’pour

106
toute la famille’’. Il est en effet si évident que voir Kev Adams se foutre une
flûte dans le cul était quelque chose que tout le monde souhaiterait voir sur
grand écran (non). Il faudrait pourtant plus d’intelligence dans la manière
d’appréhender le cinéma pour enfants et non cautionner des produits aussi
dangereux cautionnant l’homophobie et réussissant à être racistes envers à peu
près n’importe qui, y compris votre cerveau. On l’oublie régulièrement mais
si nous sommes passés par les mythes et les récits d’antan, c’est car ceux-ci
servent d’apprentissage et de ciment pour notre construction sociale, comme
la pop culture le fait aujourd’hui. Par la narration (cinématographique ou
autre), nous pouvons jeter un œil différent à notre société ainsi qu’aux autres et
à nous-mêmes. Le cinéma pour enfants peut donc avoir une place essentielle
pour le jeune public, si tant est qu’on lui accorde assez d’importance et qu’on
délaisse l’envie de se faire de l’argent en vendant n’importe quoi, au pire de
propager des messages dangereux dans les merdes distribuées.
En résumé, quand vous dites que ‘’le cinéma
d’animation, c’est pour les gamins’’, vous
ne faites que vous donner une image de
personne irrespectueuse à la bêtise aussi
élevée que l’intolérance. En une phrase,
vous insultez :
- le cinéma d’animation et ses professionnels,
souvent vus avec dédain alors que leur
manière d’aborder le septième art devrait
être célébrée par leur quête régulière d’offrir
quelque chose de neuf dans leur art ;
- le public familial et populaire, qui aura
vu cette dernière dénomination devenir un
mot craché de manière acerbe par certains
connards arrogants alors qu’il devrait
rappeler la volonté noble de toucher le plus
de spectateurs possibles avec qualité ;
- le cinéma en lui-même. Le septième art
est fruit de nombreux conflits, de nombreux
débats souvent peu constructifs exacerbés
par les connaissances diverses en la matière.
Tandis que certains peuvent se permettre
par le format vidéo ou écrit d’insulter les
créateurs et leurs adeptes avec la maturité de
Cyril Hanouna, dire cette phrase rentre dans
le même niveau d’intelligence, d’absence
critique et de respect pour qui que ce soit.
Alors, comme toujours devant une œuvre,
qu’importe son domaine culturel, essayez
d’agir avec bienveillance et réflexion plutôt
qu’avec arrogance et prétention. Le cinéma,
par sa pluralité aussi bien formelle que
narrative, devrait être célébré, surtout quand
des esprits créatifs tentent de repousser les
limites, de divertir mais aussi d’émouvoir,
tout en étant respectueux pour son public.
En réfutant ce droit de créer au cinéma
d’animation, on ne fait que participer au
dénigrement régulier de ce format tout en
interdisant toute forme de débat constructif
et lucide sur le septième art en général. Bref,
ne soyez pas idiots et arrêtez de traiter les
films d’animation comme une personne
hautaine qui cherche à cacher par son ton
son manque de connaissance et de respect.
C’est un art qui, comme toute forme d’art,
cherche à être aimé. Alors pourquoi ne pas
aimer avec considération plutôt que de
vouloir à tout prix casser ?
Liam Debruel

107

108
L’instant

séries
109

Twin Peaks : The Return
110
Près d’un an et demi après la sortie de
«Twin Peaks : The Return», nos cerveaux
sont toujours chamboulés. Les scènes se
bousculent dans nos têtes sans ordre ni
logique. Des flash-backs nous envahissent,
nous émeut. Des plans, des chansons, des
thématiques restent; l’espace est disloqué,
condensé, éclatée. Lorsqu’on visionne
«Twin Peaks», on atteint un point de nonretour
: on ne peut pas plus prétendre ne
pas avoir vu : David Lynch nous remet face
à nos responsabilités de la plus belle façon.
Il est impossible de décrypter les nombreux
messages subliminaux de Lynch; il est juste
question de voir, de vivre et de se souvenir...
Audrey’s Dance
Cette danse est un rêve inespéré. Enfermée
dans un champs contre-champs depuis
plusieurs épisodes, Audrey Horne est enfin
de retour sur le devant de la scène, au sens
littéral du terme.
Apres plusieurs épisodes passés à se disputer,
Audrey et son mari arrivent enfin au Bang
Bang Bar où ils espèrent trouver un certain
Billy.
Au lieu de ça, une annonce : Audrey’s dance.
Les gens s’écartent , la musique commence
; il se passe quelque chose dans le regard
d’Audrey, elle s’avance, commence à danser.
Hypnotisé, comme nous l’étions devant
sa danse dans la saison 1, nous regardons
Audrey Horne danser sur son jazz enivrant;
thème qui se rapproche de la «Dance of the
dream man» du Nain de la Black Lodge.
Les interprétations varient mais il semble
probable que David Lynch ‘’fabrique’’ cette
scène, non pour faire écho au Twin Peaks 1
mais bien pour montrer que tout a changé
depuis... Le personnage évidemment, mais
surtout le monde qui nous entoure et cette

société ; il est évident au fil des épisodes
que David Lynch porte un regard critique
sur notre monde : et le plus malheureux,
c’est que «Twin Peaks» fasse partie de ce
monde...Il y a milles et une façon d’expliquer
la bagarre qui vient mettre fin à ce doux
rêve et ce ‘’What ?’’ à la fin de la scène
mais la vérité est qu’encore une fois, David
Lynch se joue de nous en nous négligeant le
retour d’Audrey, provoquant au passage de
l’amertume et un goût de trop-peu, procédé
qu’utilise Lynch de nombreuses fois dans ce
retour... Mais qu’importe le reste tant qu’on
a cette danse..?
The End...
Qu’on le voulait ou non, la fin du retour de
«Twin Peaks» début septembre pointait le
bon de son nez...
Comment David Lynch allait-il clore ses 18
heures de rêve ? Après un épisode 17 qui
offrait une fin belle et tragique avec cette
reprise du mythe d’Orphée, arrive l’épisode
18 qui se vaut comme le Fire Walk With
Me du «Twin Peaks» original. Totalement à
part...
Il fallait s’y attendre, la fin ne serait
certainement pas celle qu’on espérait tout
au long du retour, David Lynch n’a pas
cessé de nous faire tourner en bourrique,
nous donnant un bout de nostalgie pour
finalement nous l’arracher aussi vite... La
fin n’y échappe pas... Dans on-ne-sait-quel
espace-temps, Dale ‘’Richard’’ Cooper et
une certaine Carie Page, sosie de Laura
Palmer, retournent à Twin Peaks devant la
maison de Laura... What Year is this ? On
ne sait effectivement pas quand tout cela se
passe puisque les habitants de la maison ne
sont pas les Palmer et ne connaissent pas ce
nom...
111

112
Incompréhension... puis soudain tout
revient à la figure de ‘’Carie Laura Page
Palmer’’ qui, suite à violent déclic et face à
tant de violence, hurle jusqu’à en provoquer
un choc électrique... Un cri... la fin.
Qu’est ce que tout cela veut dire ? Judy
les a retrouvés dans une autre dimension
? Les deux personnages se retrouvent-ils à
nouveau dans la Black Lodge au moyen des
poteaux électrique ?
Cette fin est violente. Comme à la fin de la
saison 2, le mal gagne : Le dopelganger de
Cooper s’est échappé de la Black Lodge;
cette fois, Judy retrouve Laura Palmer. La
fin fait finalement sens, Laura, fille de deux
figures maléfiques, enfant du bien et de mal,
hurle face à toute cette violence, qu’on voit
dans la série ou pas... David Lynch ne peut
se résoudre à quitter Twin Peaks et encore
moins Laura Palmer qui est au centre de tout;
il le prouve encore avec cette fin… Tous les
maux du monde peuvent avoir surgit en ses
yeux au moment ou Laura entend les cris
désespérés de sa mère...
Comme toujours avec David Lynch, il faut
voir cette fin, non pas comme une fin en
soi, mais comme un signal d’alerte : il faut
recommencer.
Même si cela semble inespéré, voire
impossible, on espère de tout coeur une
saison 4; le mal ne peut plus vaincre comme
il le fait dans les deux «Twin Peaks»; mais
là encore, tout est fait pour qu’on imagine
nous-même cette saison 4 si jamais Lynch
vint à quitter définitivement ce monde qu’il
aime tant...
Raphael Dutemple

113
No Stars
Un clair de lune. La devanture du ‘’Bang Bang Bar’’,
anciennement ‘‘The Roadhouse’’. Une dame se tient
là, prête à chanter, vêtue d’une robe noir aux stries
noirs et blancs. Une guitare, un synthé et une batterie
suffisent pour accompagner la voix de Rebekah Del
Rio vers un ‘’endroit où tout à commencer’’.
Nous sommes à la fin de l’épisode 10 et David
Lynch nous alors habitué à voir un épisode se
terminer par une performance d’artistes filmé avec
élégance et humilité, laissant place à la musique
et à l’atmosphère. Or, avec Rebekah Del Rio c’est
une tout autre relation que le spectateur peut tisser.
Beaucoup se remémore alors la scène du Club
Silencio de «Mulholland Drive». Lynch invoque
une entité ancré dans nos mémoires et bouscule
notre appréhension de cette scène.
Ayant co-écrit les paroles avec la chanteuse, il parait
évident que la chanson «No Stars» qu’interprète
Rebekah Del Rio nous révèle bien plus que les autres
chansons jusqu’alors performées. La noirceur de la
série se reflète dans les paroles et l’on entre dans
un monde où le rêve tient une place importante.
«Under the starry night, long ago», le ciel était
rempli d’étoiles, mais maintenant c’est un rêve, et il
n’y a plus d’étoiles. No Stars.
La musique, tragiquement, sonne comme une
dernière ballade. La présence de Rebekah Del Rio
nous rappelle un vieux temps, un temps qui semble
perdu, corrompu dans l’univers de Twin Peaks. Mais
David Lynch nous laisse presque une dizaine de
minutes contemplé cet ancien temps.
Mais la présence de la chanteuse ne fait pas
seulement office de clin d’œil, elle ouvre également
une nouvelle pensée : la ‘‘White Lodge’’ dont
parlent les personnages n’est-elle pas représentée
par la chanteuse. Arborant une robe aux formes si
facilement reconnaissable, celle de la Black Lodge,
mais cette fois si le rouge est remplacé par le noir. En
attendant, fatalement, le générique se met à défiler
et l’épisode 10 se clôt encore une fois sur ces mots
qui résonnent en nous : ‘’No Stars’’.

I am the FBI
On réalise pleinement la force d’écriture de Mark Frost et David Lynch lorsque ceux-ci sont
capable de rendre l’un des personnages les plus appréciés de l’univers télévisuelles en un
petit homme apathique du doux surnom de Dougie, sans pour autant nuire à la série. Bien
au contraire.
Dale Cooper brillait dans «Twin Peaks» par son sens de déduction, sa bonne humeur et sa
force de caractère. Alors quand la troisième saison réduit Cooper à Dougie, cet homme bien
mou, la surprise fut déconcertante. Mais au fil des épisodes, on s’attache à ce personnage,
à cet original. Petit à petit, David Lynch fait grandir l’espérance du spectateur vis-à-vis du
retour de Cooper. Est-ce dans cet épisode ? Le suivant alors ? Cette attente rend encore plus
jouissif son retour dans l’épisode 16, à la suite d’une prise de conscience inattendue.
Dougie, assis, mange impassible une part de gâteau. Il appuie au hasard sur les touches de
la télécommande pour finalement allumer la télévision qui diffuse «Sunset Boulevard» Les
phrases ‘‘The old team together again’’ et ‘’Get Gordon Cole’’ semble résonner en lui, puis,
étrangement attiré par la prise, Dougie plante sa fourchette à l’intérieur et s’électrocute.
114
Cet acte aura en partie raison de lui, puisque Dougie n’est plus, Dale Cooper est revenu à
100%. Cet enchainement d’événements rend la scène de l’hôpital absolument remarquable
car cette fois ci les ordres fusent, des phrases entières sont prononcées et Dale Cooper
reprend les choses en main. C’est une véritable leçon d’écriture car la patience et l’amour
dont fait preuve David Lynch dans l’écriture et l’évolution de son personnage permet de
créer une scène libératrice et pleines de souvenirs. Jusqu’à cette réplique, prononcé avec
assurance, joie et dévotion, marquant définitivement le retour de Dale Cooper : ‘’I am the
FBI !’’
Baptiste Andre

115

titans - saison 1
116
S’il y a une équipe super-héroïque qui
aura connu un sort particulier dans ses
itérations culturelles, c’est bien les Titans.
D’abord adaptée en une série animée qui
aura marqué la jeunesse de nombreuses
personnes (notamment l’auteur de ces
lignes), elle sera rebootée de manière plus
ouvertement cartoonesque. Cette orientation
divisera largement et provoquera la colère
de nombreux fans, qui ignoreront des clins
d’œil assez sombres pour reprocher le ton
ouvertement humoristique. Après un longmétrage
animé assez intéressant sur ses
reproches sur l’overdose super-héroïque,
c’est donc maintenant au format live que
s’adapte les Titans. Pour le meilleur ou pour
le pire ? Disons que nous sommes assez
divisés.
D’un côté, il faut admettre que l’aspect plus
‘’sombre’’ est assez bien géré. Là où l’on
craignait une rage adolescente immature,
on fait face à quelque chose d’un peu
plus profond. La colère qui gronde chez
nos personnages résonne par leur aspect
asocial, en particulier chez un Robin
à l’écriture qualitative. Son interprète,
Brandon Thwaites, confirme le talent que
l’on a pu voir en lui à travers des projets
indépendants comme «The signal» et
«Oculus», et que certains occultaient à la
suite de blockbusters aux recettes déceptives
comme «Gods of Egypt» ou le cinquième
«Pirates des Caraïbes». La série établit ainsi
sa propre mythologie avec un certain intérêt
qui donne envie de continuer de visionner
les épisodes.
Mais de l’autre côté, certains points nous
perturbent. Le dernier épisode condense
les soucis que peut poser la série : une
trop grande mise en avant de Robin par
rapport à d’autres membres de l’équipe,
une affiliation à l’univers DC par moments

117
incertaine ainsi qu’un traitement maladroit
dans certains points narratifs. On mettra
de côté quelques effets trop voyants pour
souligner l’incertitude générale par rapport
au ton et à l’orientation à choisir en général.
Loin de la catastrophe annoncée, «Titans»
est intéressant dans le paysage télévisuel DC
et mérite la curiosité entourant le projet. On
espère néanmoins plus de confiance dans la
saison 2 pour voir ce qu’elle pourra raconter
à propos de ces héros plus proches de la
version Dark de la Justice League que de
l’équipe devenue flamboyante et symbole
d’espoir dans sa diégèse du DCEU.
Liam Debruel

118
Au fur et à mesure des scandales entourant son
métier, le journaliste a vu sa représentation
culturelle dévaluée au fil des années. C’est
ainsi qu’on le voit comme un profiteur,
faisant passer des informations fausses ou
dangereuses par bien-être économique sans
penser à son auditorat ou tout simplement
au bien commun. La sortie l’année passée
de «Pentagone Papers» s’est dès lors révélée
rafraîchissante, le journaliste étant ré-iconisé
sans ignorer les tiraillements économiques
(publier avant la concurrence, gérer avec
le pouvoir) inhérents au métier. En cela,
« Press » agit avec la même ambition mais
via des armes différentes.
Deux journaux concurrents partagent le
même immeuble. On retrouve d’un côté
The Herald, média sérieux cherchant des
informations de qualité, et de l’autre, The
Post, tabloïd qui privilégie la rapidité à la
sûreté.

119
press - saison 1
En traitant de deux types de médias papiers
connus, « Press » aurait pu tomber dans
une dichotomie facile et manichéenne.
Pourtant, cette série britannique parvient à
conserver ses nuances tout en expliquant
le fonctionnement de journaux aussi
antinomiques en apparence que proches
dans plusieurs de leurs méthodes. On
nous plonge en plein milieu du travail de
divers journalistes au portrait dressé parfois
simplement mais avec assez d’épaisseur
pour les reconnaître et donner un sens plus
humain et faillible au récit.
Plusieurs facteurs souvent oubliés dans la
description journalistique prennent ainsi
une place prépondérante dans leurs actions
et dans leur quête d’informations. On
parle de sources devant rester absolument
anonymes, d’internet qui pousse à publier
toujours plus vite, parfois trop vite, ou
encore de scandales dont la manière d’être
géré provoque le questionnement sur leur
traitement médiatique. «Press» est ainsi
totalement ancré dans les interrogations
actuelles et perpétuelles de journalistes
qu’on a trop vite fait de critiquer tout en
ignorant leurs obligations en coulisses,
que ce soit envers leurs employeurs, leurs
lecteurs ou même leur éthique personnelle.
«Press» est assez éloigné d’un «Newsroom»
mais profite de son ‘’faux calme’’ britannique
pour brosser avec efficacité le portrait d’un
métier malmené de tous les côtés. Si la
série risque de ne pas amener autant de
vocations qu’un «Pentagone Papers», elle
devrait permettre de découvrir plus en détail
pourquoi le journalisme n’est pas un métier
mais un sacerdoce.
Liam Debruel

120
les chroni
Burning de Lee Chang-Dong - 2018
(2h28), avec Yoo Ah-in, Jeon Jong-seo
et Steven Yeun. En DVD le 5 février.
«Burning» est de ces films qui s’immiscent
dans nos souvenirs pour y venir s’y terrer
et nous laisser un étrange goût. Celui d’être
passé à côté de quelque chose. Il muri doucement
pour finalement s’instaurer comme
l’un des grands films de l’année 2018.
Inspiré par le livre intitulé «Les Granges Brulées»,
Lee Chang-dong nous donne à voir
l’évolution de Jongsu au sein d’un étrange
triangle de relations. Tout à fait par hasard,
il rencontre Haemi, une vielle connaissance
d’enfance à qui il se lie très vite. Cette dernière
lui demande de bien vouloir s’occuper
de son chat pendant son absence puisqu’elle
part en Afrique pour vivre l’expérience des
Great Hunger, ces gens jeunes avides de découvrir
un sens à la vie. Mais sa relation avec Haemi se voit contraint lorsque celle-ci
rentre accompagné de Ben, un jeune homme étrangement tranquille et visiblement aisé.
Lee Chang-dong joue ainsi avec son spectateur et ses attentes en faisant doucement grimper
la tension tout en veillant à parsemer son histoire d’indices (ou non) sur la véritable
nature de Ben. On évolue ainsi sur une pente qui ne cesse de sembler de plus en plus descendante.
Mais le réalisateur réussit à insuffler à certaines scènes un souffle presque mystique
et voir danser Haemi face à un couché de soleil sur du Miles Davis est définitivement
un grand moment de cinéma.
Baptiste Andre

ques dvd
Coffret « Il était une
fois…Hollywood »
Edité par les Editions
Montparnasse et
réalisé par Clara &
Julia Kuperberg. 2018. 10
épisodes d’environ 52
minutes.
«Il était une fois…
Hollywood» est un
splendide coffret DVD de
10 films documentaires
sur l’âge d’or du cinéma
américain dans les studios
hollywoodiens. Clara et
Julia Kuperberg font preuve
d’un éclectisme magistrale
permettant aux spectateurs
de revisiter cette période
sous des angles peu ou pas
abordés dans les histoires
du cinéma contemporaines.
Ainsi, Orson Welles côtoie
Gene Tierney, Ronald
Reagan ou encore Steve
Schapiro. On revient sur les
périodes importantes et on
redécouvre avec plaisir cette
époque pleine de censure,
d’espions, de commères. Un
trait d’honneur est également
mis sur l’importance
éminente des femmes, stars
ou de l’ombre, à Hollywood.
Outre la diversité de son offre, le coffret brille d’autant plus
grâce à un contenue riche en archives de l’époque et à la
qualité des interventions des interviews (on voit notamment
passer Martin Scorsese et James Ellroy). En bref, «Il était
une fois… Hollywood» n’a rien à envié aux documentaires
de Bertrand Tavernier ou Martin Scorsese car il nous donne
tout autant envie de découvrir ou redécouvrir ce pan de
l’histoire du cinéma !
Baptiste Andre
121

122
Under The Silver Lake
De David Robert Mitchell, 2018
(2h19), avec Andrew GarFieLd, Riley
Keough, Topher Grace. En DVD le 11
décembre.
Sam (Andrew Garfield) un jeune homme
sans emploi, enquête sur la disparition
de sa mystérieuse voisine, Sarah (Riley
Keough). Entre théories complotistes et
références pop culture, il est forcé de
traverser un Los Angeles surréaliste pour
avoir le fin mot de cette histoire. Second
long métrage de David Robert Mitchell,
l’homme derrière le gros succès qu’a été
“It Follows”, “Under The Silver Lake” était
attendu au tournant. Mais ce néo-noir
postmoderne tient-il ses promesses ?
Derrière cette représentation onirique de
la capitale mondiale du cinéma — ce
qui n’est pas sans rappeler des films tels
que “Mulholland Drive”, pour n’en citer
qu’un — se cache un propos complexe
sur ce qu’on fait de la pop culture : les
citations sont variées, allant du plus classique
comme le cinéma d’Hitchcock au
cinéma presque actuel comme l’ère Andrew Garfield de “Spider-Man”,
d’ailleurs au top de sa forme dans ce rôle de détective
improvisé. “Under The Silver Lake” emprunte beaucoup
à l’histoire du cinéma mais garde malgré tout son style bien à
lui, bien loin du mash-up indigeste qu’il aurait pu être.
Mais ce film est aussi un labyrinthe, à la fois dans l’enquête
intra-diégétique du film et, plus largement, dans sa forme. Il
est de ce genre de films qui fascinent, appelant à de multiples
visionnages pour mieux en saisir l’essence, quitte à se retrouver
à la place du héros du film et finissant, aussi, par peut-être
donner plus de significations à ses oeuvres préférées qu’elle
ne prétendent en avoir.
Ali Benbihi

passade De gorune aprikian, 2017
(1h25), avec fanny valette, amaury de
crayencour.
C’est avec plaisir que nous avons reçu des
éditions Montparnasse un exemplaire de
«Passade». Mais est-ce que le visionnage fut
tout aussi plaisant ?
Paul et Vanessa viennent de faire l’amour.
Lui est dessinateur, elle escort-girl. Dans
leur chambre d’hôtel s’entame une
conversation…
Ah, l’amour, quel vaste sujet ! Présent partout
culturellement, ce sentiment est sans doute
le sujet principal de maintes et maintes
œuvres à travers les siècles. «Passade» fait
indubitablement partie de cette liste, le
dialogue entre nos deux héros se portant sur
l’amour et ses conséquences. Leur chambre
a ainsi un rôle cloisonnant, la fenêtre
donnant sur une vue aussi belle qu’elle est
inaccessible, un peu comme une satisfaction
totale d’un point de vue sentimental. On a
par instants une sensation de théâtre filmé
de par le huis clos « imposé » par la situation
des personnages. Néanmoins, le film arrive
à échapper aux carcans des clichés du
film ‘’auteuriste’’, comme certains aiment
s’en plaindre, pour atteindre une forme de
douceur.
L’une des grandes réussites du film est le
duo d’acteurs Fanny Valette et Amaury de
Crayencour, à l’interprétation sensible de par
leurs détails, dans un petit geste par-ci, un ton
par-là. Ils soufflent une forme d’innocence
à leurs personnages, idéalistes confrontés
à un renfermement sentimental extérieur
qui ne peut que laisser leurs blessures à
l’air libre. Sauront-ils se soigner chacun
ou retomberont-ils dans leur quotidien
douloureux ? C’est un questionnement
intemporel qui émerge du film avec un
traitement à la simplicité apparente pour
mieux désarçonner, surprendre dans les
doutes de chacun. Si l’édition DVD reçue
est épurée au niveau des bonus, il n’y a rien
à dire sur son aspect technique.
«Passade» est donc un huis clos amoureux
mélancolique, 83 minutes de douceur
évanescente et de questionnements sur les
douleurs et les plaisirs provoqués par l’amour
et nos relations sentimentales. Certains
rejetteront en bloc cette proposition, les plus
sensibles risquent d’en ressortir touchés par
la nature humble et délicate de celle-ci.
Liam Debruel
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