Ottobre 2010 n. 66 - Teramani.info

conservatori del mondo, se non fossero gli
imbecilli che sono, dovrebbero essere i primi
a promuovere lo scatto ultra-normativo.
E invece. Per questo nel film il paesaggio
è quello di un mondo tutto scisso perché
mai sconfinato. Imperversa, dittatoriale, in
una stagione di anomia, il Fuoco. Ha sterminato
i Nomadi dell’Aria, adesso avanza
come un siluro destrorso verso la Tribù
dell’Acqua per privatizzarla. Ognuno per sé
e Dio (sostituito dal Potere) contro tutti in
un mondo post-global in cui non è difficile
rispecchiare il nostro.
Aang è quindi lo sguardo baby, ragazzino
per tutte le stagioni di decadenza e caos,
terreno fertile per la riapparizione dell’avatar/Gesù
bambino, che incorpora nel suo
sguardo a 3(000) dimensioni (archetipi e
ancestrali incorporati), il sogno di una cosa
sublime. Riunire le parti, ricominciare il regno
dell’Aria, riavviare il mondo. Combattere
il nemico. Qui sintetizzato dal principe
Zuko, figlio scon-fesso del Re del Fuoco e
l’ammiraglio Zhao, cacciati dalla Nazione
disunita dittatoriale. Poveracci che, in linea
con le attuali tendenze mondiali, credono
di riconquistare gli onori perduti, sottomettendosi
a chi ha fatto loro del male e
mettendosi contro chi è a favore. Contro
un salvatore. Pensare, come si dice in una
battuta (del piccolo avatar rivolto a Zuko),
che si poteva (doveva) essere amici: Le
separazioni dei regni sono anche separazioni
tra vittime, focolai di guerre private al
diapason di frustrazioni represse.
Il soggetto proviene da una serie cartoon
americana assai in voga (autori Michael
Dante Di Martino e Bryan Konietzko) che
risulta già, nelle ibride forme, misto di anime
e cartone domestico USA, Oriente e
Occidente, in linea coerente con il discorso
promoter della fusione dopo la confusione.
Film commissionato, film dove Shyamalan,
sempre sor-
prendentemente
veloce nel
suo stile lento
e fantasmatico,
conquistatore
degli applausi
persino di
Jacques Rivette,
deve vedersela
con la velocitàvelocità.Risultando
statico.
Non monta come
va di moda, dilata
anche qui la tenituradell’immagine;
e l’azione
è soprattutto
quella interiore,
essenzializzata
nei primi piani
(ma gli attori non
sono all’altezza).
Tuttavia: strepiti, stile Chaolin e Ba Gua
Zhang, per i combattimenti di Aang, a
inquadratura unica. Però, dinamismo e
grazia latitano. Il più ingessato dei wuxiapian,
fantasy d’Oriente, al confronto
fa un figurone. Considerati i brutti e
algidi fondali da computer grafica, con il
contorno non intonato di creature fantasy,
senza il touch realmente magico (perché
...nonostante tutto, questo
atipico e malriuscito “Otto
e mezzo” risulta simpatico.
Perché, oltrepassando
lo schermo e il plot,
ricongiunge gli opposti.
artigianale) di Nel paese delle creature
selvagge di Spike Jonze, che era
oltretutto viscerale nel descrivere l’essere
adulto dello status infantile. Qui Shyamalan
rinuncia all’inquietudine. Sembra che
questo mondo da brivido non gli faccia più
di tanto paura, confidando troppo nell’avatar
risolutore e, di riflesso, nello spettatore
teen rassicurato. Il plot affastellato non
risulta proprio adatto a un regista dal
tocco incantato e contemplativo, grande
quando deve ruotare intorno a una sola
(grande) idea. Qui fa fatica a narrare in
maniera piatta e lineare, benché densa.
Come piace alla gente.
Le stroncature stavolta sono piovute
ancora più fitte e violente. Qualcuno,
affrettandosi, ha affermato perentorio che,
a 40 anni, il regista è ormai finito. Di sicuro
si tratta di un film non proprio memorabile.
Ma fondamentale come chiave di lettura
di tutto lo Shyamalan maggiore. Ove si
consideri che pure tale sconfinamento di
stili narrativi e di forme (non
certo di visione, come si è
visto sopra) risulta coerente
con un autore che, nelle sue
creazioni, esalta l’uscita da
sé come momento supremo
di riappropriazione di ciò
che al suo interno si è separato.
“Division” si leggeva
nella maglietta dell’inquieto
Mel Gibson di Signs.
E certo, abbiamo un film
molto intimo, una specie di
confessione esplicita dell’uomo Shyamalan.
Travestito da film fin troppo corrente,
ai limiti dell’anonimo. L’autore non ha
saputo divincolarsi dalle trappole di blanda
narrazione. Non ha amato i personaggi
(incarnati da attori antipatici), né il
paesaggio, nè l’intero assunto. Forse per
tema di scontentare i fans del cartone, non
ha insistito nello sprofondare nel fuoco
brillante e risplendente, simile all’Idea di
cui diceva Plotino. Non ha voluto rendere
arché un soggetto pre-esistente, sia pure
da lui riscritto.
“E’ nel cuore che si vincono tutte le
guerre” recita una battuta, pronunciata da
una nonna, lo sguardo saggio e arcaico di
cui necessita quello giovane e ri-fondante.
Una specie di giustificazione autoriale di
un cineasta che ha voluto spostare sul
proprio operato, dal vivo - autentico 3 D,
molto più del live motion del cartone
- ciò che finora compiva per interposto
personaggio.
Per questo, nonostante tutto, questo
atipico e malriuscito Otto e mezzo
risulta simpatico. Perché, oltrepassando lo
schermo e il plot, ricongiunge gli opposti.
Naturale conseguenza di un discorso che
dall’al-di-là dello schermo finisce al-di-qua
della vita (del suo autore). E divenendo
così un film diverso e uguale, futile e
necessario. n
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