TRAKS INTERVIEW #3

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INTERVIEW
Numero 3 - febbraio 2017
Mike Coacci
in fondo
all’anima
Pier Bernardi
consapevole di cosa
voglio veramente
Scarda
Giuliano Vozella
I miei migliori complimenti
ripartendo da zero
SoFa King
Tiro

sommario
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26
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Mike Coacci
Pier Bernardi
I miei migliori complimenti
Scarda
SoFa King
Giuliano Vozella
Tiro
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senza alcuna periodicità. Non può pertanto
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TRAKS INTERVIEW
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MIKE COACCI
in fondo all’anima
Si chiama “Soul Surgery” il
nuovo disco del chitarrista, già
sessionman accanto a grandi
nomi della musica italiana, ora
impegnato in “operazioni” reali
e musicali, a base di rock-blues
Puoi raccontare la tua storia fin qui?
Nasco come chitarrista a 12 anni, e successivamente
come cantante. Prima di approdare alla
mia carriera come solista, nel corso degli anni
ho collaborato come chitarrista sessionman per
molti artisti italiani e stranieri di vario genere.
queste esperienze mi hanno sicuramente formato
e mi hanno aiutato a maturare una personale
consapevolezza artistica, che poi ho tradotto
nella mia musica, che definirei un rock

contaminato da blues, funk e soul.
Hai scelto un tipo di sound più ruvido
per questo tuo secondo album...
Sono sempre stato un fan del sound
degli anni ‘70, mi
piacciono i suoni
organici e vintage;
inoltre, i brani di
questo album sono
piu bluesy e riff –
oriented. Dal vivo
con la mia band
suoniamo nel 99%
dei casi in power
trio, per cui ho cercato
di indirizzare
l’album verso un
sound che fosse il
più possibile simile
a quello che andremo
a proporre live.
Più difficile questo
oppure l’esordio?
Ahahah… esordisco
con una risata
perché quest’album
credo sia il
più sofferto a cui
abbia mai partecipato,
sia da solista,
che come session
man. Lo stesso
titolo dell’album, il
quale inizialmente
avrebbe dovuto
chiamarsi diversamente, è scaturito da
un reale intervento chirurgico, non previsto,
a cui mi sono sottoposto durante
le lavorazioni dell’album. Diciamo che
è stata una “surgery” vera, e allo stesso
tempo, spirituale, perché ho dovuto
in qualche maniera accettare la cosa e
ritardare l’uscita dell’album.
Chi hai scelto per lavorare con te sul
nuovo disco?
Sul nuovo album ho scelto di lavorare
con gli stessi musicisti con cui collaboro
attualmente dal vivo: Gianmarco
Petti al basso e cori e Luca Cetroni alla
batteria; sono musicisti con cui lavoro
da diversi anni, e con cui ormai c’è
un grande feeling musicale. Quando
arrangio i brani ci capiamo al volo. In
fase di scrittura lavoro abitualmente
solo, ma nella sonorità, in pratica, è un
disco di una band affiatata. E poi, da
non sottovalutare il grande lavoro del
mio amico e fonico Raffaele Petrucci.
Puoi raccontare la strumentazione
principale che hai utilizzato per suonare
in questo disco?
Chitarristicamente
parlando ho utilizzato
pochissima attrezzatura:
un paio
di chitarre (Stratocaster
e Telecaster), un
paio di pedali distorsori,
un wah, 2 amplificatori
stile vintage.
E poi ci sono una
chitarra acustica e
una classica, utilizzate
in alcuni brani.
Non utilizzo mai molte cose.
Puoi descrivere i tuoi concerti?
I miei live hanno solitamente un impatto
molto potente e ricco di energia,
do spazio a momenti di improvvisazione
e spettacolarizzazione coinvolgendo
anche direttamente il pubblico.
Chi sono gli artisti indipendenti italiani
che stimi di più?
Ammetto candidamente di non seguire
con particolare attenzione la scena indipendente
italiana. Essendo cresciuto
con un determinato background, e cantando
in inglese, seguo maggiormente
artisti d’oltre oceano.
Puoi indicare tre brani che ti hanno
influenzato particolarmente?
Ti do delle risposte “da chitarrista”:
“Little wing” – Jimi Hendrix
“Hold the line” – Toto
“Purple rain” – Prince
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PIER BERNARDI
consapevole di cosa
voglio veramente
Ospiti prestigiosi (Ace, David Rhodes, Michael Urbano e altri) per l’esordio
da solista del bassista emiliano, “Re-Birth”: una rinascita in dieci
tracce dal sound contemporaneo e stimolante
Come e quando hai deciso di incidere
un disco da solista?
“Re-Birth” è il risultato di una moltiplicazione
di fattori che si sono innestati
sul mio percorso di musicista e che si
sono dosati nella giusta misura. Prima
di tutto l’aver raggiunto una certa maturità
artistica mi ha permesso di comporre
brani che hanno un ben delineato
equilibrio tra tecnica e sensibilità. Con
molta autocoscienza oggi posso affermare
che in periodi precedenti avrei
fatto fatica a trovare il giusto compro-
messo tra tecnica ed espressione artistica,
spostando il baricentro a favore
della tecnica. Un secondo fattore centrale
è stato l’aver trovato il mio suono,
risultato di una lunga ricerca che mi
ha consentito di affinarlo e renderlo
personale. Ora mi ci riconosco in modo
chiaro e nitido, e il lavoro che ho fatto
su me stesso fino a oggi mi ha reso
consapevole di cosa voglio veramente:
un suono che oggi mi rappresenta ed è
un collante perfetto della mia tecnica e
di ciò che sono e che voglio esprimere.
Sono di mio una persona
grintosa e sensibile allo
stesso tempo e credo che
il mio suono mi rappresenti
in pieno, come una
firma. Last but not least,
l’incontro con Giovanni
Amighetti, il mio produttore,
è stato il tassello
che mancava. La lunga
esperienza di Amighetti
nel campo della world
music ha fatto sì che il
mio background, basato
soprattutto sul rock, si
fondesse con un nuovo
modo di approcciare la
musica. Non si può negare
da dove si viene, io
sono cresciuto con il rock,
ma ho avuto sempre un
atteggiamento aperto e curioso nei confronti
della musica. Amighetti mi ha
fornito gli stimoli giusti per compiere
quel passo che mi era necessario per la
composizione di un disco strumentale,
mi ha dato l’input giusto tanto che poi
non riuscivo a smettere! Pensa che nel
maggio 2015 abbiamo preso la decisione
di metterci all’opera e ho iniziato
a scrivere con un desiderio e una foga
incredibili tanto che alla fine avevo 32
brani, poi ne abbiamo scelti 10, quelli
che hanno formato “Re-Birth”.
Sei indicato come uno dei giovani bassisti
più promettenti in circolazione.
Da dove nasce questo desiderio di “Rinascita”?
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Lusingato dal tuo incipit! Grazie!
Be’ i dieci brani che costituiscono
“Re-Birth” sono un racconto biografico
fatto sia di esperienze musicali sia (forse
soprattutto) personali. Queste ultime
sono intrinseche nella mia musica
che ha fotografato momenti, persone,
episodi vissuti fino a ora. Non è stato
studiato, ma ogni volta che finivo di
scrivere una canzone e uscivo da quello
stato di sospensione della realtà (parafrasando
chi ha descritto meglio di me
certe sensazioni) mi rendevo conto che
avevo appena ripercorso con la mente
e raccontato con le note del basso
un pezzetto del mio vissuto. Alla fine i
brani scelti rappresentano alcuni degli

episodi salienti di quello che ho vissuto
fin qui e mi hanno dato modo di riflettere
sul fatto che questo disco segna di
fatto una cesura, un nuovo corso per
la mia carriera. Ho sempre suonato in
formazioni: a volte che ho fondato io
stesso, tante volte come turnista, altre
ancora come direttore artistico oltre
che bassista. Con “Re-Birth” rinasco
come musicista, con coraggio mi butto
in un progetto tutto strumentale quando
la maggior parte della musica intorno
canta e parla. Volevo fare qualcosa
di mio ma con estro quindi con il mio
disco racconto quello che sono e nello
stesso tempo rinasco e mi presento con
un volto nuovo. Mi do alla musica portando
dietro il mio passato ma camminando
su una nuova strada, come fosse
un nuovo battesimo.
Le collaborazioni al disco sono numerose
e molto illustri: puoi spendere
qualche parola su come hai conosciuto
e interagito con musicisti come Rhodes,
Ace, Michael Urbano eccetera?
Quando decisi di fare il disco mi venne
in mente subito che il chitarrista sarebbe
stato fondamentale, per pura coincidenza
avevo visto che Ace, chitarrista
che ho sempre stimato tantissimo, in
quei giorni era in Italia; non ho perso
tempo! Gli ho scritto subito per sapere
se gli sarebbe piaciuto partecipare al
progetto. Ace fin da subito ha manifestato
tutta la sua carica ed energia e
abbiamo iniziato subito a lavorare insieme.
Con Michael ci siamo conosciuti
a Correggio grazie al fatto che lo studio
dove ho registrato tanti dischi è lo
studio adiacente a quello di Luciano
Ligabue e Michael è tutt’ora il batterista
di Luciano. Michael era spesso lì
per lavoro e l’abbiamo contattato, gli
abbiamo fatto sentire le pre-produzioni
e lui ha accettato di entrare nel progetto
dopodiché tutto si è svolto in modo
molto naturale soprattutto i rapporti
che si sono stretti durante le registrazioni
e nel tempo libero visto che stavamo
tutti a casa mia. Nel mio lavoro
la condivisione è fondamentale sia per
quanto riguarda la musica sia per quel
che riguarda il rapporto personale:
passare giornate normali insieme conoscersi
sempre meglio fino all’ultima
chiacchierata prima di andare a dormire.
David Rhodes, Roger Ludvigsen
e Paolo Vinaccia invece li ho conosciuti
mentre stavamo registrando un altro
disco commisionatoci dalla NASA di
cui però non voglio anticipare nulla. A
quel punto al mio produttore è venuta
l’idea di far entrare tutti e tre i musicisti
nel progetto. Ed ecco com’è andata!
Puoi descrivere come sono andate le
lavorazioni del disco?
Nessuna delle mie precedenti esperienze
in studio eguaglia quella di “Re-Birth”.
Tutto il periodo di registrazione ha
rappresentato un evento quotidiano,
sia per la sinergia che si rafforzava di
giorno in giorno tra noi musicisti, sia
per come si componevano, via via, i brani.
Ace e Michael erano incredibilmente
spontanei nel suonare, i temi dei brani,
più o meno già composti e suonati con
il mio produttore Giovanni Amighetti
, rappresentavano solo un canovaccio.
In effetti molto lavoro è stato fatto in
sede di registrazione dove gran parte
dei mie temi iniziali ha subito un profondo
riarrangiamento. Abbiamo così
ottenuto risultati che non avevo pianificato.
Il bello è che tutto il cambiamento
è avvenuto in modo del tutto naturale.
Alcune canzoni sono rimaste simili alla
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mia idea originale come “While you are
sleeping” altre, invece, sono state completamente
stravolte come “Little square
of miracles”, e, infine, altre sono addirittura
nate in studio come successo a
“I’m ready now”. Riguardo quest’ultimo
brano devo riconoscere che la miccia
l’ha accesa Ace, poi, insieme a Michael,
abbiamo fatto esplodere il brano.
Mi ricordo che era mattina, saremmo
andati in studio solo nel primo pomeriggio,
e, come ci
eravamo abituati
a fare nei momenti
“liberi”, ce ne
stavamo a casa
mia a scambiarci
idee e musica.
Ace mi disse che
aveva un riff che
da tutta la notte
gli girava in testa.
Allora presi il
basso e iniziai a
suonare con lui, la
situazione era divertente perché, presi
dalla voglia di provare il riff subito, ci
eravamo appollaiati con i nostri rispettivi
strumenti sui braccioli dei divani in
salotto senza badare che stavamo facendo
un gran baccano. Infatti Michael
ci raggiunse dal piano di sopra per
capire cosa stessimo combinando. Finì
che andammo subito in studio e alla
sera la canzone era terminata.
Questa era l’aria che si respirava! Tanto
feeling, tanta libertà artistica e creativa.Una
cosa importante che distingue
questa produzione da moltissime
altre è che non c’è edit, tutti i brani
sono “buoni alla prima o alla seconda”
questo per la qualità indubbia dei musicisti
ma soprattutto perché volevamo
mantenere i suoni reali di ognuno di
noi. In più la batteria di Michael aveva
un riverbero naturale bellissimo e
abbiamo voluto tenerlo anche questo ci
ha spinto a non
usare edit in postproduzione.
Come nasce
“Grace” e perché
l’hai scelta
come singolo?
“Grace” mi rispecchia
a livello
tecnico e,
inoltre, sono
affettivamente
legato al modo
e al momento
in cui è stata scritta, per questo è il
primo estratto del disco. La sua genesi
è il motivo per cui l’ho scelta come
singolo. Ero di ritorno da un concerto,
incredibilmente tornato “presto” a casa
guardai l’orario ed era solo l’una. Era
estate, un periodo da 20 date al mese
e, nonostante ciò, mi sentivo dentro
molta energia. Non scesi neanche dalla
macchina, tirai fuori il basso dalla
custodia, aprii la portiera e mi misi a
suonare. Ed ecco il caso che ha giocato
i suoi dadi: nel viaggio di ritorno dal
live il basso si era completamente scordato,
ma si era scordato in un modo
incredibile cioè in un’accordatura di re
aperto perfettamente melodica e intonata.
Quindi lo suonai così, curioso di
sentire cosa sarebbe accaduto. Nacquero
gli armonici e il tapping dell’intro
della canzone, subito dopo il tema e
nel giro di poco avevo capito che quella
era la canzone più incredibile che avevo
composto fino a quel momento! Tra
armonici, tapping e melodia “Grace” è
un vero ringraziamento alla musica e a
quel momento in cui quella canzone mi
cadde dentro. Non ho dovuto far altro
che suonarla. Non mi sono sbagliato a
considerarla una canzone magica. Grace
sarebbe dovuta essere di solo basso,
l’unico dell’album. Mesi dopo, quando
arrivarono in studio David Rhodes,
Paolo Vinaccia Roger Ludvigsen per
lavorare al progetto “Fermi Paradox”,
decidemmo di suonare solo una volta
tutti insieme “Grace”, perché Amighetti
l’aveva fatta ascoltare poco prima in
studio e quei grandi musicisti ne erano
rimasti piacevolmente stupiti. Ne sono
molto orgoglioso. Comunque...“Why
not?”. Il risultato di quell’unica take è
la traccia numero 6 dell’album.
Come direttore di un’Accademia di
musica moderna e di uno studio di registrazione,
come ti spieghi la fortuna
che, negli ultimi anni, sta ottenendo la
musica strumentale in Italia?
Da persona che ha molto a che fare con
ragazzi giovani e musicisti amatori ti
rispondo che c’è un grande bisogno di
esprimere se stessi e un gran bisogno
di libertà. Vedo band di giovani che stano
ore in studio da me a provare senza
che nessuno canti. Se ti dico che la
musica è un mezzo di espressione dirai
che ti sto dicendo una banalità, ma ti
assicuro che io lo vedo tutti i giorni
con i miei ragazzi ma anche su di me.
Non c’è ancora un seguito come per il
mainstream, ma io confido molto nella
curiosità delle persone. In fondo la gente
è attratta da chi sperimenta, da chi
prova linguaggi diversi, e fare musica
strumentale è pura libertà per l’ascoltatore
perché non gli dà i vincoli dei
testi ma al contrario offre la possibilità
di immersione completa nell’ascolto.
Ognuno può vivere quell’esperienza
di ascolto in modo del tutto personale,
dando uno o più sensi a ciò che sente.
Inoltre credo che vi sia qualcosa
di rivoluzionario nel suonare musica
strumentale sia da parte del musicista
sia da parte del pubblico perché in un
momento dove l’industria discografica
mette al centro personaggi ed esecutori
(per la maggior parte cantanti) dedicare
le proprie orecchie a un bassista, un
chitarrista, un batterista o a un violinista
che è libero di esprimersi può rivelarsi
qualcosa di stimolante e porta con
se il fascino dell’inatteso!
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I MIEI MIGLIORI COMPLIMENTI
ripartendo da zero
Cosa può nascere da un rapporto finito male? Un ep, per esempio, come quello
con cui Walter Ferrari ha detto addio, in forma pop, alla sua Carolina:
ecco come nasce “Le disavventure amorose di Walter e Carolina”
Qual è la tua storia fin qui?
Era gennaio 2015 e avevo capito che
l’avventura musicale che c’è stata prima
dei “Miei Migliori…” era finita ma
avevo tante altre disavventure da raccontare
e volevo farlo facendo qualcosa
di nuovo (prima rappavo lol) e ripartendo
da 0. Lo raccontai a un paio di
amici e una sera stavamo scherzando
su come avrei potuto chiamare questo
nuovo progetto e, a una certa, Marco
ha detto “I Miei Migliori Complimenti”
e mi è piaciuto. Ho rinominato subito
la cartella dove c’erano i progetti a cui
stavo lavorando. Ho scritto in cinque
canzoni quello che più o meno era successo
dopo che io e Carolina ci siamo
lasciati e così sono nate “Le disavventure…”.
Ho disegnato la grafica in cui
Batman, il mio supereroe preferito, che
rappresenta me, bacia Carolina davanti
a Gattullo. Sono andato da Icaro a
mixare i brani e adesso sono qua.
Puoi raccontare come nascono le canzoni
di questo ep?
COLAZIONE DA GATTULLO Se devo
essere sincero non ho mai capito se a
Carolina fosse piaciuto o meno fare
colazione da Gattullo ma quando l’ho
scritta ero convinto che qualsiasi cosa
fosse piaciuta a me a lei avrebbe fatto
schifo. Se fai la Bocconi è molto probabile
che tu faccia colazione/pranzo/
aperitivo da Gattullo. Una volta risposi
a una domanda difficile e un professore
mi diede un buono per uno spritz
da Gattullo. Alla fine della lezione mi
chiese davanti a tutti gli altri: “Vuoi
scambiare il tuo buono con questa busta
che contiene una risposta a una
delle domande dell’esame?”. Ero molto
combattuto ma per il bene di tutti alla
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fine accettai. La busta era vuota. Volevo
scrivere un pezzo che introducesse
l’EP e che facesse capire che rapporto
contorto avessimo io e lei. Ho inserito
nella canzone i vari personaggi che
hanno fatto da cornice al nostro rapporto:
i miei amici, mia madre, suo padre,
Tenco. I miei amici la detestavano
davvero: una volta si era rifiutata di
sedersi per terra in Colonne e si alterarono
tantissimo. Anche Kanye West si è
seduto per terra in Colonne una volta,
credo, o comunque ha fatto qualcosa in
Colonne. Chi cazzo sei tu per non sederti
per terra in Colonne? Si sedette
su di me alla fine. ALLE FRAGOLE
Ero arrabbiato, geloso anche se quando
l’ho scritta non ero sicuro che lei avesse
un nuovo fidanzato. Me l’ero solo messo
in testa perché sono molto paranoico e
poco paraculo. L’ho scritta in metro da
Centrale e Porta Romana. Avevo una
nota sull’Iphone con l’idea “Ho sempre
preferito le more alle fragole“. La volevo
fare incazzare: dire a una bionda che
hai sempre preferito le more la fa incazzare
secondo me, ma anche secondo
gli altri. Come ero arrabbiato io, volevo
che si incazzasse anche lei e non è difficile
farla incazzare. Non ho mai letto
“Il grande ascensore di cristallo”. Non
ho letto molto ma ho guardato molti
film, serie tv e ascoltato tanta musica.
MORIRE DI MALINCONIA Ero a tavola
con i miei e mio fratello e stavamo
parlando del nonno che era mancato da
qualche mese. Mio fratello dice che il
nonno è morto di vecchiaia e mio padre
gli risponde: “Non è vero, è morto di
malinconia”. In quel momento ero nella
fase down del post lasciarsi e ho capito
che in un certo senso stavo “morendo”
anche io di malinconia. Avevo già scritto
quasi tutto il pezzo, mi mancava una
parte della strofa ed era la morte di
malinconia. C’era questa canzone per
bambini che diceva: “Maramao perché
sei morto? L’insalata era nell’orto e una
casa avevi tu.” Non basta mangiare e
un tetto per stare bene. Serve anche la
felicità. Nella canzone non viene detto
perché Maramao muore ma secondo
me era morto anche lui di malinconia.
Non ho ancora capito cosa voglio, ma
non ho più una sua foto dentro il portafoglio.
In compenso lei ha la foto del
suo nuovo ragazzo nella cover dell’Iphone.
LE PIANTE DI PLASTICA Mia
madre aveva lasciato un vaso di piante
sul balcone del mio appartamento e mi
aveva raccomandato di annaffiarle. Io
non ho il pollice verde. Mai annaffiate.
Lei torna dopo mesi e mi dice: “Bravo!
Le piante sono ancora vive.” Mi immagino
lei sarcastica e le piante morte. Mi
avvicino e mi accorgo che le piante sono
di plastica. Il mio amico Gio ogni volta
che veniva a trovarmi mi prendeva in
giro facendomi anche lui i complimenti
per le piante. Quelle piante dovevano
significare qualcosa. Un giorno stavo
cercando un’idea per scrivere un pezzo
e mi cade l’occhio sulle piante di plastica
che spero un giorno germoglieranno.
Me l’ero immaginato come la parte della
storia in cui io e Carolina torniamo
insieme e capiamo che non funziona
definitivamente. Ma non è mai successo
se non solamente nella mia testa.
Credo. SHAZAM E’ una preview del
prossimo ep, è la fine delle Disavventure,
mi innamoro di questa nuova scema
che non conosce Flume e The Cure nel
2017 e vota il M5S. Però all’amore non
si comanda e quindi fidati di me che ci
baciamo, ci abbracciamo, ci stringiamo
e ci cerchiamo e ti faccio ascoltare
un sacco di musica bella. Ti porto al
Rocket, da Temakinho, al cinema a vedere
Alien Covenant appena esce che
non è vero che è una roba pallosa da
nerd ma è una figata, dietro “Alien” c’è
un mondo incredibile e Ridley Scott è
un genio. Tutto questo non è ancora
successo ma è solo questione di giorni.
Hai scelto tu gli autori dei remix?
Ho un sacco di amici producer e volevo
farli partecipare al progetto cosa che
nel lato A non è potuto succedere in
quanto ho voluto fare tutto da solo al
100% perché sono un po’ egocentrico.
Ho sempre amato la musica elettronica
e volevo che nel remix pack ci fossero
tanti generi diversi di elettronica. Ho
deciso di coinvolgere solo quelli che
davvero avevano apprezzato il progetto
(in modo che potessero lavorare con
piacere e non sotto richiesta) e ho dato
a loro carta bianca al 100% come l’avevo
data a me per il lato A. Secondo
me è stata la scelta vincente, mi hanno
stupito tutti. In realtà però ho detto
una mezza bugia quindi vi racconterò
questa cosa che ha qualcosa di assurdo.
Avevo tutti i remix pronti tranne “Shazam”
che doveva farlo Davide ma ormai
è famoso e quindi fa niente, bella per
lui. Nel frattempo chiedo a Filippo di
girarmi il video di “Shazam”. Lui è un
matto in culo e chiede all’altro Filippo
di remixargli il pezzo senza dire niente
a me perché per il video che aveva in
mente l’originale non andava bene. E
così è nato il remix di Shazam.
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SCARDA: la difficoltà rende
la sfida più bella
Il cantautore calabrese pubblica “Due come noi” per il nuovo film di Sydney
Sibilia, “Smetto quando voglio – Masterclass”
Partiamo dalla canzone: quanto è difficile
scrivere un “sequel” in musica?
Abbastanza difficile, soprattutto quando
non parti dall’inizio con un progetto
unitario, quando ti dicono due anni
dopo: vorrei che la continuassi, così
come continua il film. Però la difficoltà
rende la “sfida” più bella. Sono soddisfatto
del pezzo, non sarà un capolavoro,
ma esaudisce abbastanza in pieno
ciò che mi è stato chiesto, mi fa sentire
un “professionista” se vogliamo dirla
così.
Quanto ti ha influenzato il film, in
questo caso, nella composizione?
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Molto! In questo secondo film c’è più
azione, quindi viene dato meno risalto
al concetto filo conduttore della saga:
il riscatto delle migliori menti in circolazione.
Quindi nella composizione del
pezzo, il ritmo è più sostenuto e ci sono
meno “profondità concettuali”.
Hai avuto modo di interagire con il
regista Sydney Sibilia o con il cast del
film?
Con il cast del film praticamente no.
Con Sydney e altri della produzione ci
siamo interfacciati durante la composizione
della canzone. In generale poi
mi capita di incontrarlo ogni tanto, o di

sapere comunque cosa fa, sono molto
amico di una persona a lui molto vicina,
che spesso fa da tramite.
La canzone si inserisce nel racconto
del film, naturalmente, ma tu ti riconsoci
in qualche aspetto dei personaggi
del film?
Mi riconosco nel sistema Italia che è
descritto nel film e del quale sono vittime
i personaggi: avere un talento non
è sufficiente, bisogna saperlo vendere,
saper essere creativi, o semplicemente
avere le conoscenze giuste! Altrimenti
di quel talento non te ne farai nulla.
Lavorerai ancora con il cinema? Ti
piacerebbe scrivere una soundtrack?
E’ abbastanza certo che lavorerò ancora
per il cinema, sono a lavoro sulla
canzone per il terzo capitolo della saga.
Mi piacerebbe scrivere l’intera colonna
sonora di un film, ma non so se ne sarei
capace. Diciamo che ci proverei volentieri!
Possiamo considerare questo singolo
come un antipasto di un disco futuro
oppure siamo ancora lontani?
Del disco futuro preferisco non parlare.
Sto mettendo giù delle mie pre-produzioni
ma non sono in grado di dire
quando vedranno la luce.
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SOFA KING: certi ricordi non
arrivano a buon mercato
Esce in questi giorni l’esordio del genovese Paolo Pretto, su etichetta I Dischi
del Minollo. L’album omonimo porta con sé nostalgie di decenni scorsi, ma
anche alti gradi di personalità e buona energia
Com’è nato il progetto SoFa King?
Il progetto è nato dalla voglia di portare
alla luce tante bozze di canzoni scritte
negli ultimi anni. Inizialmente ero
partito con l’idea di provare a dedicarmi
a tutti gli aspetti di questo progetto
da solo, registrando tutto nel mio home
studio. Successivamente mi sono rivolto
a Nicola Sannino (c27studio) con tutte
le registrazioni, per fare il mastering
delle canzoni. A Nicola è piaciuto molto
il progetto e insieme abbiamo deciso
di rivedere alcune delle parti registrate
per avere un suono più omogeneo
e compatto. Nel suo studio, abbiamo
ri-registrato le batterie vere con “Pao-
lo Paolo Tixi” ( visto che inizialmente
mi ero servito di una drum machine) e
abbiamo ri-registrato le parti di basso
suonate dallo stesso Nicola.
Le canzoni sono state composte “di
getto”. Da che tipo di sentimenti ed
emozioni è stata accompagnata la
composizione dei brani?
Sono riuscito ad allestire un mini studio
in casa e servendomi di un Mac
Mini e un registratore Zoom h4 ho incominciato
a registrare. Nel giro di pochi
mesi mi sono ritrovato con una trentina
di canzoni nuove in mano poiché per
ogni vecchia canzone che incominciavo
a registrare ne nascevano altre nuove.
Spesso mi cimentavo nella registrazione
di una canzone e poi mi ritrovavo
a suonarne una nuova e accantonavo
l’idea di partenza per dedicarmi alla
composizione del
brano nuovo. A
un certo punto mi
sono reso conto di
avere molto materiale
e ho dovuto
fare delle scelte
perché volevo dedicarmi
a registrare,
al meglio,
al massimo dieci
canzoni. Quindi sì,
direi che è uscito
tutto molto di getto.
C’è un po’ di nostalgia
60s/70s nei suoni del progetto.
E’ un’influenza “originale” o “filtrata”?
Cioè: le vostre preferenze vanno
verso Stones, Beatles, Kinks oppure
verso le varie ondate garage che si
sono succedute dai ‘90 in qui?
Ci piacciono sia i 60s/70s che tutte le
varie ondate garage rock e derivati
non solo degli anni ‘90 ma anche ‘80
(Gories, Thee Mighty Caesars, Chrome
Cranks etc etc). Anche negli ultimi
anni, a livello di suoni garage, Ty
Segall o gruppi come i The oh sees mi
hanno interessato molto. Diciamo che
personalmente ascolto molti generi diversi
però all’inizio del progetto mi affascinava
cercare di trovare un punto
d’incontro tra i suoni grezzi del garage
in bassa fedeltà e il gusto dell armonia
di certi brani 60s.
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Come nasce “An old record”?
Stavo cercando il suono giusto con un
pedale della chitarra improvvisando
un giretto semplice semplice e alla fine
ho lasciato perdere il pedale e ho continuato
a suonare finché non mi è uscita
una melodia con la voce. Molte delle
canzoni sono nate così di getto, facendomi
prendere dall’idea del momento.
Nel caso di “An old record” anche il
testo è uscito improvvisando e parla
di quei rari dischi a cui siamo legati o
a cui è legato un ricordo o il ricordo di
una persona; dischi che magari ascoltiamo
poco perché fanno parte di noi e
rimangono li come una certezza o un
supporto esterno della nostra memoria
e quando li andiamo a riascoltare non
arrivano mai a buon mercato perché si
portano dietro tante cose intense: “there’
s an old record, I feel it don’t come
too cheap”.
Qual è la strumentazione che avete
utilizzato per suonare in questo disco?
A livello di chitarre ho usato principalmente
chitarre Harmony degli anni
‘60 (una bobcat e una rocket) e per un
paio di pezzi come seconda chitarra ho
usato una hofner galaxie. Amplificatore
Hayden e una piccola testa 15 watt
della Kustom. Il basso usato da Nicola
è un fender precision vintage con testata
Fender Bassman 100 e
cassa Ampeg. La batteria
una Gretch con piatti Zildjan,
Ufip e Sabian. Per i
pochi suoni elettronici ho
usato una drum machine
della korg.
Come sono i vostri live?
Nei nostri live saremo in
tre in formazione chitarra
e voce,basso e batteria.
Nicola e Paolo dopo avermi
aiutato nelle registrazioni
saranno anche i
miei compagni di viaggio
nei prossimi live dei So-
FaKing. A tal proposito
stiamo prendendo un bel
po’ di contatti per le date
di presentazione del disco.
Abbiamo già alcune
date fissate come: il circolo
Randal a Sestri Levante
il 17 marzo, La Claque a
Genova il 13 maggio, il
circolo Mayhem a Torino il
20 maggio e altre date in
trattativa che a breve speriamo
di poter annunciare. Avremo anche
diverse interviste radio con piccolo
live set a Riserva Indie, a Bang bang
radio e a Casa Azul Art Cafè.
Chi sono i colleghi che stimate di più?
Brunori sas per il percorso fatto e per
aver raggiunto una maturità compositiva
invidiabile con l’ultimo disco uscito
da poco. I C’mon tigre hanno fatto un
disco davvero molto bello. I Camillas
per l’ironia e il coinvolgimento che riescono
a creare nei live e infine attendo
di ascoltare il nuovo lavoro dell’amico
Sceriffo Lobo che uscirà a breve.
http://www.facebook.com/SoFaKing23
http://www.minollorecords.com/
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GIULIANO VOZELLA
un esercizio di adattamento
Un nuovo disco, il terzo, per il cantautore e chitarrista pugliese: “Learn to
Live” narra di spostamenti, disavventure ma anche di una notevole spinta in
avanti, che lo ha portato anche a fondare il Playbrown Group
In occasione dell’uscita del disco
precedente, “Ordinary Miles”, hai
descritto l’atmosfera delle lavorazioni
come quella di una festa con tanti
amici. Questo disco ha confermato le
stesse sensazioni?
Questo disco è il seguito di quella atmosfera.
Ciò significa che a fine festa
si rimane in pochi a sistemare casa e a
capire cosa è rimasto, cosa si è rotto e
cosa migliorare per fare sempre una festa
più bella. In questo disco si è creato
un team (Playbrown Group), che deriva
appunto da “Ordinary Miles”, che è rimasto
stabile nell’intera produzione e
nella gestazione di tutto il percorso di
“Learn To Live”.
Che significato ha, per te, il titolo “Learn
to Live”?
Mai come questa volta, il titolo è davvero
esplicativo. Volevo esattamente
intendere che bisogna imparare a vivere
in tutte le situazioni e le condizioni
in cui potremmo ritrovare. Un esercizio
fisico e mentale di adattamento.
Nel mio caso il trasferimento da un paese
di mare alla città e tutti i chilometri
che la musica ti porta a fare, adattarsi
è estremamente necessario.
Dal punto di vista sonoro, posto che il
tuo eclettismo è ormai consolidato, mi
sembra ci sia una scelta di rendere più
omogenee le tracce dell’album fra di
loro. Scelta consapevole o spontanea?
E’ nato tutto in modo molto spontaneo.
Mi piace sperimentare e al tempo stesso,
da songwriter,
mi piace raccontare
attraverso la
mia musica varie
storie con le atmosfere
che ritengo
migliori e adeguate
alla canzone
stessa. In questo
nuovo capitolo
discografico ogni
storia si lega parecchio
al concept
dell’intero album
e quindi inevitabilmente
anche
l’intero sound è molto più compatto e
omogeneo.
Nel corso di questi ultimi anni, tra
house concerts, video-diari eccetera,
hai dimostrato di essere molto attento
anche all’aspetto “social” della tua comunicazione.
Hai in progetto qualcosa
di particolare per questo nuovo disco?
Sono molto attento ma anche molto libero.
Essendo nel 2017 sarebbe stupido
ostinarsi a pensare che i social siano “il
male” piuttosto che imparare a usarli.
Motivo per cui li utilizzo cercando di
dare una spinta a tutto quello che artisticamente
faccio e che può interessare
a un determinato pubblico, piccolo o
grande che sia. Una delle mie passioni
che mi porto dietro da anni è fotografare
(oltre che realizzare video). Ho in
testa un video diario che potrebbe co-
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prire l’intero tour del disco per uscire
a fine corsa. Quindi un reportage che
potrebbe impiegare anche 5 anni, per
intenderci.
Puoi raccontare la nascita di “Day
Surgery”?
Forse è la canzone con più rabbia e con
più terrore che io abbia mai scritto. Il
racconto narra la mia esperienza alle
prese con un melanoma che mi hanno
scoperto e che ho dovuto esportate
l’anno stesso in cui mi sono trasferito
a Milano. Quando ero pronto per iniziare
la mia nuova avventura di vita,
si presenta lui, il caro melanoma, che
mi mantiene a letto per un mese intero
con 18 punti alla gamba e 10 punti
all’inguine. Tutto è passato alla grande
ma quest’avventura mi ha davvero
fatto pensare tanto, ringraziando tutti
i miei cari che mi sono stati vicini. La
cosa assurda è che in questi casi ti viene
da pensare che puoi programmare
la tua vita quanto vuoi ma poi un imprevisto
ti può scombussolare tutto e
devi imparare a vivere anche in quella
situazione.
Hai già progettato come saranno i live
di supporto al disco? Andrai in giro da
solo o con la band?
Il live saranno in tutti i modi possibili.
Band, Trio, Duo, Solo acustico. Mi
piace suonare, tanto. Mi piace suonare
ovunque. Questo terzo disco è pensato
per essere portato in giro e suonato in
ogni veste. Vorrei fare in modo che la
mia forma canzone sia slegata dall’arrangiamento
del disco perché live le
canzoni possono avere un vestito più
coerente a ogni contesto. Gli arrangiamenti
del disco sono perfetti per i club
e per i palchi grossi e sarei felicissimo
di portarli in giro così come sono stati
pensati in tutti i club d’italia (e non
solo, l’obiettivo di quest’anno è fare un
tour lungo ed esteso anche fuori dal
confine). Ovviamente però ci sono altre
situazioni oltre al club che mi piace
vivere e da cui non voglio escludere la
mia musica.
Chi sono i colleghi che stimi di più?
Stimo l’intero gruppo di lavoro della
Playbrown Group, miei soci e colleghi,
perché con loro oltre a lavorare bene
ci si contamina parecchio e si pongono
sempre nuovi obiettivi che stimolano
davvero la crescita artistica e professionale.
Stimo tutti i ragazzi che mi hanno affiancato
nella realizzazione del disco e
che mi stanno affiancando nella realizzazione
del live show. Tutti musicisti
favolosi, pieni di voglia di fare e di grinta.
Quando il contesto attorno è così florido
diventa davvero difficile annoiarsi
e la voglia di suonare cresce sempre
più.
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TIRO: a questo punto
conviene suonare
Con un ep omonimo già pubblicato e un bel malloppo di canzoni in attesa di
un produttore e di una pubblicazione futura, il trio indie si racconta
Potete riassumere la vostra storia fin
qui e spiegare il nome della band?
LUIGI D’ATTOLI (chitarra e voce): Vacanze
di Natale e paranoia, una serata
di Amnesty in un locale della zona e tre
stronzi che non amano giocare a tombola.
Così l’idea di fare un paio di brani
tanto per divertirsi e da li prende vita
la “cooperativa” TIRO. Da quel giorno,
nonostante le distanze, abbiamo buttato
giù le idee che ci venivano. Poi il ritorno
di Savino e la decisione di cominciare
a scrivere, registrare e suonare. Il
nome
è stato
preso
dalla
parola
trio,
che fa
molto
jazz,
quindi
la modifica in tiro. (Ho scoperto soltanto
dopo che Celestino amava i Muse)
CELESTINO RUTIGLIANO (basso e
seconda voce): La nostra storia come
gruppo nasce quasi per caso. Ci siamo
trovati nel garage in affitto con altri
nostri amici, dove viviamo gran parte
delle nostre giornate quando siamo
nel nostro paese e stavamo parlando di
una manifestazione di beneficenza che
da alcuni anni puntualmente si ripete
nel nostro paese e dove i ragazzi che
militano in band si ritrovano per esibirsi
e passare una giornata diversa dalle
altre. Allora ci siamo detti: “Vogliamo
farci una suonata insieme?”. Scegliemmo
“Best of You” (Foo Fighters) e
“Cochise” (Audioslave) come brani da
portare. Dopo quella serata, vedendo
i riscontri positivi e tutti i miei testi
che marcivano nel cassetto ho proposto
questo progetto. Siamo amici da molti
anni e questa cosa ci sta consolidando
ulteriormente. Il nome l’ho letto quando
vidi un video dei Muse, c’era scritto
T.I.R.O. (acronimo di “Time is running
out”), ed era perfetto, sia perché è l’anagramma
di “trio”, sia perché il primo
complimento che abbiamo ricevuto dalla
famosa prima serata è stato “Grandi
ragazzi, avete un tiro da paura”. E sce-
gliemmo questo.
FRANCESCO SAVINO (batteria): È
una storia che rispecchia la semplicità
dei luoghi che abbiamo vissuto e soprattutto
degli anni che hanno caratterizzato
la nostra adolescenza. Cioè ritrovarsi
spesso in garage per suonare e passare
il tempo scoprendo le potenzialità della
musica e scoprendo i nostri limiti sullo
strumento con la voglia di migliorarli
sempre più. È da qui che nasce l’idea di
un’esibizione tra amici per beneficenza...Senza
pretese, tanto che il discorso
fini lì per poi ritornare in voga nel marzo
2016. Io, un po’ scettico data la mia
presenza a Londra e i progetti di rimanerci...
Però poi gli eventi hanno preso
un corso differente e dopo anni di lontananza
da progetti inediti ho abbracciato
l’idea sorretto, soprattutto dal legame
personale che mi lega agli altri due. Il
nome della band è semplice... Abbiamo
tiro, punto.
Come nasce il vostro primo ep?
LUIGI: Oggi il mercato della musica,
soprattutto in Italia, è stracolmo di
artisti o aspiranti tali. Anche noi facciamo
parte di questo mondo. Amiamo
suonare e avevamo qualcosa da dire, e
allora abbiamo pensato “chi se ne frega,
a questo punto conviene suonare”
ed ecco che da un brano ne è venuto
fuori un altro e un altro ancora e, grazie
all’aiuto di alcuni amici con un piccolo
studio di registrazione, abbiamo
registrato questo primo ep.
CELESTINO: Abbiamo arrangiato i
brani dell’Ep in due prove, durante il
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periodo di Pasqua del 2016 approfittando
delle vacanze troiane di Francesco
che ha dato una breve sosta alla vita
londinese. Sono stati completati circa
ad agosto e di conseguenza abbiamo
pensato di registrarli anche perché avevamo
(e abbiamo) tanta voglia di fare
e di cercare di dire la nostra in questo
modo. Ora stiamo cercando
di farli girare in
qualsiasi modo. Siamo
nati così, è il nostro
bigliettino da visita.
FRANCESCO: Il
primo ep nasce in un
contesto di rabbia e
voglia di riscatto personalmente
parlando
dati i miei trascorsi
londinesi di quel tempo...
Parlando da componente
della band,
nasce in un contesto
di voglia di dire la nostra,
e di provare a
vedere cosa sarebbe
successo fondendo le
tre menti della band...
Quindi con un umore di curiosità direi.
Sicuri delle idee musicali che avevamo,
e di una certa affinità già presente ancor
prima di iniziare, in una mattina
nascono “Vuoto” e “Il nostro tempo”... A
mio avviso i migliori finora!
Avete già il materiale necessario per
il vostro primo lp, ma siete alla ricerca
di un produttore. Qual è l’ “identikit”
del vostro produttore ideale?
LUIGI: Il materiale cresce ogni giorno
e magari un faro da seguire servirebbe.
Sicuramente una persona che apprezzi
la musica senza fronzoli, diretta e fottutamente
rock.
CELESTINO: Sarebbe una grossa fortuna
avere un produttore
con molta
più esperienza di
noi nel campo, e
soprattutto nel genere,
che alla fine
è quello dell’underground
indipendente
italiano.
Stiamo valutando
vari profili. Quello
che cerchiamo
è più che altro un
coach, un padrino
che ci indichi
la strada più che
spianarla per noi.
Abbiamo materiale,
idee e voglia
di fare. Sappiamo
che la pazienza è la virtù dei forti e
che però non ci piace stare con le mani
in mano, ma preferiamo averle su uno
strumento.
FRANCESCO: Il materiale per il futuro
disco è in fase di crescita... Abbiamo
già delle proposte, che abbiamo suonato
in alcuni live, e il feedback è stato
molto positivo. Come singolo individuo
della band, credo che, al momento, non
abbiamo bisogno di un produttore... In
un questo momento storico della band
l’identikit del miglior produttore siamo
noi stessi...Per il futuro si vedrà.
Come nasce “Seguimi”?
LUIGI: Ogni volta c’è qualcuno che
dice “ehhh, ti ha mollato la ragazza e
vai col pezzo strappalacrime”. Niente
di più sbagliato, è un pezzo intimo nel
testo che descrive quella sensazione di
nostalgia per qualcosa che forse non è
neanche mai esistito. Poi si sa, i brani
sono di chi li ascolta, ognuno ci vede ciò
che vuole.
CELESTINO: “Seguimi” la vedo come
una canzone di desiderio. Non c’è nessuna
ragazza o cotta o storia d’amore
in mezzo. È un brano che definisce il
desiderio, un abbraccio con quello che
desideriamo. Che desideriamo così tanto
che diamo tutto per averla, ma poi in
realtà vorremmo essere anche noi desiderati
a nostro modo.
Potete descrivere i vostri concerti?
LUIGI: Un pugno dritto in mezzo agli
occhi.
CELESTINO: Energici e d’impatto. Io
personalmente non riesco a stare fermo
quando iniziamo a suonare e mi muovo,
salto, sudo dalla prima all’ultima nota
suonata durante il concerto. E se fossi
uno spettatore penso possa succedermi
la stessa cosa. Andiamo carichi, ci divertiamo
e la ritengo una componente
indispensabile e fondamentale per mostrarci
al pubblico, soprattutto per farlo
saltare e divertire con noi. Cerchiamo
di far passare la nostra musica, i nostri
messaggi, i nostri testi. Anche se non è
sempre semplice, soprattutto quando
non c’è un pubblico interessato o che
preferisce il Rovazzi di turno.
FRANCESCO: I nostri concerti sono
adrenalina pura con un cenno anche
alla riflessione delle tematiche presenti
nei testi. Impossibile non esserne coinvolti...Se
ciò non avviene vuol dire che
chi ascolta non è mentalmente presente
oppure non ama ascoltare...
Potete indicare tre brani, italiani o
stranieri, che vi hanno influenzato
particolarmente?
LUIGI: “Cose semplici e banali” dei
Afterhours, “Ovunque” dei Verdena e
“Tempi bui” dei Ministri.
CELESTINO: “Elefante” dei Verdena,
“Sabotaggi” dei Ministri e “The Golden
Rule” dei Biffy Clyro.
FRANCESCO: Troppo difficile e riduttivo
indicare tre brani, mi astengo dal
farlo.
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